インサイド

■アダム・リペス「ラルフ ローレン（RALPH LAUREN）」でキャリアをスタート。「オスカー デ ラ レンタ（OSCAR DE LA RENTA）」では当時最年少の27歳でクリエイティブディレクターに就任。2004年に前身となる自身のブランド「アダム（ADAM）を立ち上げた。一時はファッション業界から離れるも、2014年から現行の「アダム・リペス（Adam Lippes）」を手掛けている。世界中の産地から厳選した素材を採用し、職人技による繊細な美しさを追求。建築やアートに着想を得たタイムレスなデザインで、グウィネス・パルトロー（Gwyneth Paltrow）やニコール・キッドマン（Nicole Kidman）、リアーナ（Rihanna）といったアメリカを代表する著名人、ファーストレディなどが着用。アメリカ国内に4店舗を構え、2025年から海外市場に力を入れ、日本ではユナイテッドアローズやエストネーションなどでのポップアップを皮切りに展開をスタートしている。銀行員からラルフ ローレンに転職しファッション業界へ──まずはアダムさんのご経歴について教えてください。　ファッションデザイナーになることは、子どもの頃からの夢でした。ですが、実際に学んだのが金融や経済のことだったので最初は投資銀行で銀行員として働きました。当時私は長髪だったのですが、ある時上司に「髪を切ってこい」と言われてしまって。そこで散髪に行く途中、ふとラルフ・ローレンのショップに立ち寄り、その場の勢いで求人に応募したら運よく採用されたんです。1年ほど働いて、オスカー デ ラ レンタに移籍しました。オスカーの元では、「見習い」から始めて、彼と当時の業界の空気から、今に通ずるファッションに関わるすべてを学びました。──2000年、27歳という若さでオスカー デ ラ レンタのクリエイティブディレクターに就任されましたね。　現在ではメゾンのクリエイティブディレクターに若手が抜擢されることも少なくないですが、当時はもっと厳粛な時代でした。だからこそ、声をかけてもらった時は本当に名誉なことだと思いましたし、貴重な経験をさせてもらいました。──そこから、自身のブランドを立ち上げようと思ったきっかけは何だったのでしょうか。　オスカーは私にって第二の父親のような存在でしたし、メゾンでの仕事に満足していたんです。その反面、常に「自分の声を持った、自分のブランドを作り上げたい」という想いがありました。起業家・実業家の家系に育ち、銀行での勤務経験もあったことも後押ししましたね。意を決してオスカーに独立の夢を打ち明けたら、「応援する」と言ってくれた。そして、最初のブランド「アダム（ADAM）」を2004年にスタートしました。“ロゴドン”時代から貫くクワイエットラグジュアリー──夢だったブランドを始めてみてどうでしたか。　どんなブランドを持ちたいか、答えが出るまでは時間がかかりました。最初はオスカー デ ラ レンタにパートタイムで在籍しながら、並行して自分のブランドを手掛けていたこともあり、オスカーが僕のクリエイティブをどう思うか気になってしまって.....。そこで、まずは高級なTシャツから始めました。半年ほど経った頃、アメリカの“レジェンド司会者”であるオプラ・ウィンフリー（Oprah Winfrey）が私の服を気に入ってくれて、番組で着用してくれたんです。そこから一気にブランドが成長して、自分のブランド一本で生活するようになりました。ただ、ブランドを8年ほど続けた頃、何か新しい挑戦をしてリフレッシュしたいという気持ちが強くなり、手放すことにしたんです。そして、ブラジルにホテルを開業する計画をスタートしました。──急転換ですね。ホテル業界からまたファッションに戻るわけですが、何がアダムさんを引き戻したのでしょう。　少しして、「やっぱり自分にはファッションなんだ」という考えが離れなくなったんです。その時は、自分の血に「ファッション」というものが流れているんだなと思いました。そして、2014年に現在も続く「アダム・リペス」を始めたんです。──アダムさんはコレクションをどういうプロセスで作りますか？　まずは全体のムードや女性像を思いついて、そこから世界中の産地から、どんな最高品質の素材を選んだら良いか考えます。カシミヤやメリノウール、シルク、レザー、デニムなど、世界各地にとびきり美しいテキスタイルがあり、高度な縫製技術や装飾の職人技がある。それらを使ってどう心地良いものを作り上げるかを熟考していくんです。このアプローチは初期から変わらずに一貫しています。──アダムやアダム・リペスを始めた当時、ファッション業界ではブランドロゴを目立たせたデザインや、カラフルでキャッチーなスタイルがトレンドでしたよね。「クワイエットラグジュアリー」という言葉がない時代から、素材の良さを軸にしたブランドを続けるのに迷いはありませんでしたか？　昔から、「まずは服から始めるべき」と考えていました。ブランドロゴも、大規模なマーケティングも、過度な宣伝も無しにして、純粋に最高の生地と縫製とフィット感からなる良い服を作りたかった。今思えば、自分にはそういうやり方しかできなかったから、というのもありますが。もちろん、続ける中で不安になることは多々ありました。私たちのブランドの売り場の隣には、誰もが知るブランドが並んでいて、それらと競合する必要がありましたから。ただ、今こうしてブランドを継続して、グローバルに拡大できたことを鑑みると、やってきたことが正解だったんだなと改めて思います。──素材選びの際は、ご自身で各地を訪れるのでしょうか。　良いものがあると聞いたら、どこにでも行って、優れたテキスタイルメーカーと一緒に素材を開発したい。世界中の約100の工場やメーカーと取引していますが、日本からも岡山産のデニムや、上質なコットン素材などを調達しています。 2年かけて初のバッグコレクションを発表──今回のフォールコレクションについて教えていただけますか。　このシーズンは、私が好きなヴィンテージカーやクラシックなレーシングカーの美しさ、スポーツウェアの機能性に着想を得ています。防水加工を施したシルクのコートや、シルクとウールの混紡素材のアイテム、シルクとメリノウールを組み合わせたパファージャケットなどがあります。鮮やかなブルーやレッドのカラーパレットは美しいヴィンテージカーを彷彿とさせるでしょう？　それから全面にスパンコール刺繍を施したトップスは、異なる色のスパンコールを一枚ずつ縫い付けていくことで、べっ甲のように立体的で絶妙な色合いを表現しました。通常はインテリアファブリックとして使用される名門スカラマンドレ（Scalamandré）社のアイコニックなファブリックを、敢えて薄く仕上げて、スカートやスーツセット、コートへと落とし込んだアイテムもあります。 ──今春には、初のレザーバッグコレクションを発売しました。デザインプロセスはウェアと異なるのでしょうか。　バッグのデザインは全然違いますね。非常に才能のあるバッグデザイナーとコラボレーションして約2年かけて完成しました。シルエットを決めてから、そのフォルムに完璧に合うレザーを探し出し、フランスで製造しています。キャプション：金具部分には18Kゴールドメッキ──金具のパーツがアクセントになっていて印象的です。　金具は上品な艶にこだわり、18Kゴールドメッキを施しています。アール・デコ様式のライターやペン、「ダンヒル（dunhill）」のクラシックなライターのような小物からデザインを発想したんです。細かいですが、すべて手彫りで仕上げていて、私にとってはジュエリーのようなアイテム。今後は財布やベルトのようなスモールレザーグッズも拡充する予定です。海外初の常設店で大阪を選んだ理由──海外初の常設店で日本を選んだ理由は？　理由はシンプルで、私の審美眼と日本の皆さんが持つ美意識が非常に近いと感じているからです。それから、日本はファッションの中心地であり、アジアのハブでもあります。ここでビジネスを広げることは自然な選択でした。それに、私自身が日本に来るのが大好きなので、これから頻繁に訪れる理由ができて嬉しいです（笑）。──1号店を東京にオープンするブランドが多い中、大阪にした決め手は？　大阪は本当に素晴らしい街だと思いますし、私がアメリカでブランドを育ててきた方法と重なる点がありました。ブランドと顧客が非常に親密な関係性を築いていると感じたのです。だから、ここから始めるのが最適だと。──店舗のデザインコンセプトを教えてください。　私たちの店舗は、エレガントかつ穏やかな邸宅のようなムードを大切にしています。大阪店はフランスの有名なインテリアデザイナー兼建築家のフランソワ＝ジョセフ・グラフ（François-Joseph Graf）の協力を得て、作り上げました。──いずれは、東京にも出店するのでしょうか。　2030年までに、東京や京都、名古屋、福岡といった主要都市を中心に10店舗を構えるのが目標です。今年の8月にはロンドンにもオープンします。──最後に、アダム・リペスというブランドをこれからどのように育てていきたいですか？　現在の私の最大の課題は、「服のクオリティを上げること」ではなく、「私たちのストーリーをどのように伝えるか」なんです。世の中には、コミュニケーションやSNSでの発信が非常に上手でも、実際に店舗で服を見るとクオリティにギャップを感じるというブランドもあります。私たちはその真逆です。クオリティには絶対の自信があるからこそ、実際に触れて、着ていただく機会を増やしたい。そして、私たちのストーリーをメディアや皆さんの手を通じて広めていただくことが、何よりも大切だと考えています。

Fashion

過熱するSNS偏重の中で「まずは服から始める」　NY発 アダム・リペスの美学

エルメスのポケットウォッチは“首から下げるアート”　エルメスが提示した「スリム ドゥ エルメス ポケット
ROAAAAAR！」は、時計の概念を大胆に拡張する一本です。直径45mmのホワイトゴールドケース、エナメル文字盤。そして、カバーにはウッドマルケトリ（木象嵌＝もくぞうがん）という緻密な作業で描かれたライオンの咆哮。もはや、時計を超えた美術工芸品と表現する方が正確です。　注目すべきは、“ポケットウォッチ”でありながら、レザーコードで首から下げるスタイルを推奨している点。胸元で揺れるその姿は、ジュエリーと時計の境界線を曖昧にし、19世紀のソートワール（ロングネックレス）を現代的に再解釈したようにも見えます。　アート、工芸といったものを守っていこうとするエルメスというブランドの矜持とともに、「腕から離れることで、時計はここまで自由になれる」のを示しています。自動巻き（Hermès H1950／超薄型ムーブメント）、パワーリザーブ約48時間。ケース径45ミリ、厚さ10.45ミリ、ホワイトゴールドケース。ヴェール・シプレまたはブルー・サフィールのエナメル文字盤。ウッドマルケトリによるカバー付き。3気圧防水。世界限定3本。価格：3293万4000円（予定価格・2027年発売予定）。ピアジェがジュエリーウォッチの歴史を現代に揺り戻す　“腕に着けない時計”の系譜を語るとき、ピアジェは特別な存在。1960〜70年代には、カフウォッチやソートノワール（ロングネックレス）で、時計をジュエリーへと開放し、ウォッチメイキングに新しい価値観を持ち込みました。ジュエラーとしてのジュエリー作りとマニュファクチュールとしての時計作り、いずれにも等しく力を注いできたブランドです。　ブランドのDNAは、2026年の新作 「スウィンギング ペブル」にも息づいています。タイガーズアイ、ヴァーダイト、ピーターサイトといった、オーナメンタルストーンを丸ごと削り出して作られたペンダントウォッチ。21.4mmと小石のようなケースは、石の塊を繊細にくり抜き、自社製クォーツムーブメント355Pを収めた後、再び精密に閉じられる独特な製造工程を経ています。　この“石を彫る”制作方法そのものが、70年代のピアジェの創造精神を現代的に再解釈したものと言えるでしょう。揺れるたびに表情を変えるゴールドチェーンも、同社が誇るチェーンメイキングの伝統を反映したもの。時間を見る行為と、身につける所作のどちらも成立する、ピアジェらしい二面性があります。　ペンダントウォッチは、時計よりも“動きのためのオブジェ”に近い存在です。揺れ、光を拾い、色を見せる。かつては、パーティーで時間を気にするのはエレガントではないとされたものです。装身具としての魅力を持ちながら、必要なときに小さな文字盤の中で時間を知ることができる。これこそが、ピアジェが最も得意とする領域です。　“装飾のための時計”としても“時間のためのジュエリー”としても成立するこのソートワールは、2026年のジュネーブで見た中でも、最も象徴的な非・腕時計でした。（左から）“G0A51409”18Kホワイトゴールド×ピーターサイト（ケース径21.4ミリ）。
自社製クォーツムーブメント 355P。チェーンの長さ 80センチ。価格1513万6000円。“G0A51410”18Kイエローゴールド×タイガーズアイ（ケース径21.4ミリ）。自社製クォーツムーブメント 355P。チェーンの長さ 80センチ。価格：1214万4000円。“G0A51408”18Kピンクゴールド×ヴァーダイト（ケース径21.4ミリ）。自社製クォーツムーブメント 355P。チェーンの長さ 80センチ。価格：1214万4000円。いずれも発売時期は未定。ジャガー・ルクルトはマーク・ニューソンと共演　時間を“空間”と“移動”に解き放つ時計。身に着けるスタイルから自由になった時計の世界を、さらに大きく広げたのがジャガー・ルクルトです。今年は、デザイナーのマーク・ニューソン（Marc Newson）が手掛けた置時計「アトモス」2作と、携行時計「メモボックス・トラベルクロック」を発表しました。これらは、時計を「部屋に置く」「旅に連れていく」といった文脈に分岐させた点で、2026年の潮流を象徴しています。“空気で動く時計”「アトモス」がインテリアの主役になる　「アトモス」は、温度と気圧のわずかな変化で駆動する機械式置時計です。手でゼンマイを巻き上げたり、電池で電気を供給したりすることは不要。この独創的な駆動方式は、ジャガー・ルクルトが発明して、1928年のプロトタイプで発表した技術です。　ジャガー・ルクルトは、自社のためだけではなく、名だたる腕時計ブランドにムーブメントを供給してきた歴史を持っています。だからこそ、“マニュファクチュールの中のマニュファクチュール”の異名を持つのです。ゆえに、他が追随しない技術の置時計も作り続けているのでしょう。スイス本国でジャガー・ルクルトの開発部門責任者を務める浜口尚大氏に、「なぜ、他ブランドはアトモスの駆動方式で時計を作らないのか？」を問うたところ、「極めて難しい技術だからじゃないですか」との回答でした。　今年の主役となったのは、いくつかの「アトモス」をこれまでも手掛けてきたマーク・ニューソンがデザインした二つのモデルです。まず「Atmos Designer 568」は、透明な立方体のバカラクリスタルのケースに機構を閉じ込めた、彫刻のようなモデル。時を刻む“動きそのもの”を見せるためのデザインです。そして、「Atmos Hybris Artistica Tellurium」は、地球・月・太陽の運行を可視化する複雑機構を備え、部屋に小さな宇宙を配置するような作品。工芸性・科学性・装飾性の3つが、高度に融合しています。　ジャガー・ルクルトは、ウォッチズ・アンド・ワンダーズ ジュネーブに続くミラノサローネの期間中に「アトモス」を中心とした展示企画
「THE PERPETUAL TIMEKEEPER」 を開催しました。会場にはニューソン本人も登場し、デザインと機構が一体となるアトモスの世界観を語っていました。“時間の静けさ”をもたらす置時計の存在感は格別です。温度・気圧差で駆動する機械式置時計（アトモス機構）。マーク・ニューソンによるデザイン。透明ケース（バカラクリスタル）に機構を収めた立方体構造。金属フレーム＋アトモス専用キャリバー。巻き上げ不要の環境駆動式。752万4000円温度・気圧差で駆動するアトモス機構。地球・月・太陽の位置関係を可視化するテリュリウム（天文表示）搭載。マーク・ニューソンによるデザイン。複雑天文モデルとしての置時計仕様。3台限定。価格要問合せ「メモボックス・トラベルクロック」旅先でスタイリッシュに目覚めるために　同時に発表された「Memovox Travel Clock」は、より実用的な「携行の時計」です。折りたたみ式ケースで持ち歩きやすく、ホテルのサイドテーブルに置くだけで、そこに小さな“整った時間”が生まれます。手巻き（アラーム機構付きトラベルクロック仕様）。折りたたみ式ケースによる携行設計。アラーム表示、時・分表示。マーク・ニューソンによる新デザイン。出張や旅行用の卓上時計として開発。567万6000円　スマートフォンのアラームとは異なり、機械式アラームが鳴る瞬間の確かな手触りが、旅先の朝に独特の気配を与えてくれます。「アトモス」が“家に置く時間”のための時計だとすれば、「メモボックス」は“旅の時間”のための時計です。　ニューソンによるデザインの力も相まって、ジャガー・ルクルトは「時計が存在する場所を広げていく」可能性を示しているように感じました。ヤマモトの見立て会場写真©2026 Watches and Wonders Geneva Foundation※腕時計は未入荷や売り切れの場合もあります。また、為替レートなどの影響で価格が改訂されることがあります。

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腕に着けなくとも、美しい時計　「ウォッチズ＆ワンダーズ」取材記 vol.4

　1875年の創業以来、スイスのル・ブラッシュを拠点に高度な時計製造を続けてきたマニュファクチュール「オーデマ ピゲ」。"時計界のピカソ"の異名を持つジェラルド・ジェンタ（Gérald Genta）がデザインし、1972年に誕生した「ロイヤル オーク」をはじめ、時計業界の既成概念に挑むタイムピースを世に送り出し、世代を超えて憧れを育んできた。中でも近年は、アートや音楽、スポーツなど多様なカルチャー領域にも注力。2023年にはマシュー・ウィリアムズ（Matthew M. Williams）が手掛ける「1017 アリックス 9SM（1017 ALYX 9SM）」や、トラヴィス・スコット（Travis Scott）のブランド「カクタス・ジャック（Cactus Jack）」との協業モデルを発表し、2024年にはアーティストのカウズ（KAWS）とのモデルも展開してきた。直近では、スウォッチ（Swatch）とのコラボレーション「ロイヤル ポップ（Royal Pop）」がバズを生み出し話題を集めたが、今回の協業はオーデマ ピゲが、YOONとVERBALという2人のクリエイターとの継続的な対話を軸に、時計製造の本質に向き合ったプロジェクトとして位置付けたもの。「ロイヤル オーク コンセプト フライング トゥールビヨン」は、費やされた年月や技術、そして金額を含め（価格は17万6800スイスフラン/ 税込参考価格3927万円）、最高峰のコンプリケーションウォッチであることを示している。　新作は、幅広い手首に対応する38.5mmサイズのチタンケースを採用。サンドブラスト、サテン、ポリッシュといった複数の仕上げを組み合わせたケースに、煌めくブラックアヴェンチュリンダイヤルを合わせ、6時位置にはレッドにアルマイト加工を施したアルミニウム製のキャリッジが目を引くフライングトゥールビヨンを配した。ムーブメントには、今回のために特別に開発された手巻きキャリバー2982を搭載している。　韓国・ソウルの「AP House Seoul」で開催されたプレスカンファレンスには、オーデマ ピゲ CEOのイラリア・レスタ（Ilaria Resta）、YOON、VERBALらが登壇。世界各国から集まったメディアを前に、制作プロセスやデザインに込めた思いなどが代表質問形式で語られた。Q&A──今回の協業は、どのようなところから始まったのか。YOON：仕事で収入を得た時、良い時計を買いたくなるものですよね。20年前でしょうか。当時は時計のことはそこまで詳しくなかったんですが、グラフィックデザインを専攻していたこともあり、幾何学的な「ロイヤル オーク」の美しい造形に衝撃を受けました。この時計を所有したいという欲にかられ、その後ジェラルド・ジェンタや彼のデザインやコンセプトについて、そして当時ロイヤル オークがいかに革新的だったかを知りました。今回お誘いをいただいた時は信じられなかったです。VERBAL：もともと時計好きで、オーデマ ピゲのファンでもありました。さまざまなモデルを調べたり、歴史を掘り下げたり、コンプリケーションについて知っていくなかで、2002年に発表された初代「ロイヤル オーク コンセプト」は私たちにとっても思い入れが強いモデルで自然と惹かれていきました。時計史におけるひとつの重要なモーメントを象徴するモデルだと思っています。今回の対話は、そこから始まったと言えるかもしれません。──サイズを含め、デザイン面でどのようなことを重視したか。YOON：時計をつけるときに自分の手首に合うサイズかどうかは大事ですよね。過去の「ロイヤル オーク コンセプト」も好きでしたが、いずれも44mmで私には少し大きくて自分が身につけている姿が想像しづらかった。なので女性ユーザーとして、38.5mmはとても自然なサイズ感だと思いました。自分が本当に身につけたいと思えるものを作りたかったので、朝着けて、日中も過ごせて、服を変えれば夜にもそのまま出かけられる。そうした使いやすさをサイズ含め意識してデザインしました。　もともとのフェイスがとても美しかったので、必要のないものをできるだけ削ぎ落としたかったんです。何を残すべきか、どこがこの時計の核になるのかを見極めることが大切でした。トゥールビヨンは、その時計の"心臓"のようなものです。だからこそ、私たちはそこを強調したかった。キャリッジをレッドにすることで、この時計のエネルギーを表現したいと考えました。VERBAL：従来の「ロイヤル オーク コンセプト」と比べると、38.5mmはコンパクトなサイズですが、特別な場面だけでなく、日常でも使えるものにしたいと思ったのでとてもいいサイズだと思っています。音楽に例えると、時計のサイズが曲の“フック”だとすれば、トゥールビヨンは“パンチライン”のようなもので、誰の記憶にも残る部分だと思います。──今回のモデルでは、レッドが象徴的。なぜこの色だったのか。VERBAL：赤は、僕たちにとってとても重要な色です。力強さや地球のコアを想起させる色でもあります。なぜレッドのトゥールビヨンがこれまでなかったのだろう、という疑問があり、職人の方々と話し合い、最終的にアルミニウムにレッドのアルマイト加工を施すという答えに辿り着きました。フライング トゥールビヨンはブリッジがなく、回転し続ける構造で、まるで浮いているようにも見える。その詩的な感覚も、この時計に合っていると思いました。──フェイスのデザインのインスピレーションは？YOON：スイスの本社を訪れたときの体験が大きかったです。時計製造の歴史に触れるなかで、かつて農家の人々が冬のあいだに家の中で時計部品を作っていたという話を聞きました。小さな窓から外の空を眺めながら作業していたという背景が、とても印象に残っています。　時間はかつて、月や星の動きによって測られていました。今回の時計にも、その星空や宇宙的なムードを取り入れたいと思ったんです。私たちは普段から「ユニバース」という言葉をよく使います。アイデアはときに散発的で、いろいろな惑星を行き来するように広がっていく。夜空や惑星、銀河のようなイメージは、今回の時計のデザインにも自然に重なりました。 ──制作プロセスでは、どのような学びがあったか。VERBAL：このプロジェクトはファッションや音楽の制作とはまったく違い、3年以上の歳月がかかりました。時計の場合、機能がデザインの方向性を決める大きな基準になります。僕たちが「この素材はどうか」「こういう見え方はどうか」と提案するたびに、オーデマ ピゲの職人やエンジニアの方々が、それが機能性や精度を損なわないかを確認してくれました。その中で学んだのは、時間のかかるプロセスこそ良いものを生むということ。すべてのパーツに意図があり、意味があり、同時に美しくなければならない。ただ動くだけではなく、美しいことも重要でした。YOON：対話を続けていく中で特に驚いたのは、オーデマ ピゲチームがとても柔軟な姿勢を見せてくれたことです。もっと「NO」と言われるのかと思っていました。でも実際には、私たちのアイデアに、とてもオープンに向き合ってくれました。私たちが求める色や質感に近づけるために、試行錯誤を重ねてくれたんです。　そしてファッションの世界にいると、シーズンに合わせてアイデアや製品を生み出したらまた次のシーズンのことを考えないといけません。でも今回のプロジェクトでは辛抱強く時間をかけて取り組むことの大事さを学びました。この時計は私がいなくなった後も残り続けるものだと思うので、そういった制作のプロセスに携われたことはとても良い経験になったと思います。──付属するストラップやケースについて。YOON：この時計には、ブラックとレッドの2本のストラップがつきます。自分で簡単に付け替えることができるので、ドレスアップにもドレスダウンにも合わせられます。また、時計のケースについてもよく考えました。ケースはクローゼットにしまわれてしまうことが多いですよね。なのでケース自体もリビングの棚などに飾りたくなるようなデザインにしたいと考えてこの形にしたんです。 ──この時計をどのように受け取ってほしいか。VERBAL：単に時刻を知りたければ、私たちにはスマートフォンがあります。ですが私が今身につけているのはアートピースであり、歴史の一部でもあると思います。トゥールビヨンは、現代において必ずしも実用だけの機構ではありませんが、真のクラフツマンシップを示すものです。そうした要素が一つになり、この時計として形になったことに大きな意味を感じています。豪華ゲストが集結したローンチパーティ 　同日夜には、韓国の伝統家屋が並ぶ北村韓屋村（プクチョンハノクマウル）の一角でローンチパーティ開催。南山タワーなどソウルの街並みを一望できるルーフトップでコラボレーションのローンチが祝われ、YOONとVERBALと親交のあるゲストや"APファミリー"が多数来場した。真っ赤なライティングに染まった会場では、2人がセレクトした秋田の純米吟醸「SŌMATŌ」を使ったスペシャルドリンクなどが振る舞われたほか、チタンケースにサファイアベゼルとリューズを組み合わせた世界に1本のみのユニークピースも展示された。  　ゲストには、イ・ジョンジェやアン・ヒョソプ、イ・スヒョク、ウィン、ブライトといった俳優をはじめ、CL、ZICO、EJAEといったアーティストなど豪華な顔ぶれが集結。また、ヘイリー・ビーバーやBIGBANGのG-DRAGONといったサプライズゲストの姿も。ゲスト同士が着用モデルを見せ合うなど親密なムードの中で宴が繰り広げられ、特別な一夜に華を添えた。

YOONとVERBALが振り返る「オーデマ ピゲ」との対話

ファッション業界の「当たり前」に、小さな疑問が積み重なっていた──カンマの立ち上げに至った経緯を教えてください。Sakas PR長坂啓太郎（以下、長坂）：僕たちが初めて顔を合わせたのは2017年、東京で開催されたショーの現場でした。その後、それぞれ会社を立ち上げたのが2019年で、独立時期がほぼ一緒なんです。当時、僕のオフィスに複合機がなくて、TEN10のオフィスにコピーを取りに行ったりして。TEN10志賀光（以下、志賀）：そうそう、よく来てたよね（笑）。長坂：仕事の現場が重なることも多くて。経営やキャッシュフローのことなど、同業の中で率直に相談できる数少ない相手が志賀さんでした。TEN10志賀光（以下、志賀）：そうやって情報交換をしていくうちに、お互いPRという職種でありながら、得意な領域が微妙に違うことに気づいたんです。Sakas PRはリース貸し出しをして、メディア露出を増やすオーソドックスなショールームスタイル。一方、僕の会社は「TEN10」という自社スペースを持ち、サンプルを外部に貸し出さないブランドも担当するなど、アプローチが異なります。　協業を考え始めた根本には、「自分が提供しているサービスで、ブランドの未来を時代性を持って作れているのだろうか」という疑問があったからです。プレスリリースを送り、メディアに掲載され、次の仕事へと移っていく。日々の繰り返しの中で、その問いへの答えが見当たらなくなっていたんです。そうした状況を打破したいと考えている中で、約1年前、「じゃあ何か一緒にやってみますか」という話になりました。──PRという仕事に対して、具体的にどのような危機感を持たれているのでしょうか。志賀：PRという言葉一つとっても、今は求められる役割が多様化していて、一人の人間で全てをカバーするのが難しくなっています。だからこそ、キャスティングやプランニングなど、それぞれ得意分野を持つフリーランスが集まって一つの案件を回すことが増えているのですが、僕はこのスタイルにも難しさがあるなと感じていて。マンパワー不足を補う手段としては有効ですし、僕自身も経験してきましたが、どうしても拭えない懸念があったんです。長坂：たとえば、あるブランドのPRチームに、別の競合ブランドを手掛けているメンバーがスポットで混ざったとします。クライアントからすれば、それは決してポジティブには映りませんよね。デザイナーにとって、自身のブランドの裏側を知るPR担当が近い立ち位置のブランドにも携わっているという事実は、信頼関係を損なう要因になり得ます。だからこそ僕は、ここ2年ほどは基本的に「1社で1案件を責任を持ってやり切るスタイル」に切り替えました。　今はメディアだけでなく、ブランド自身が扱えるコンテンツも増えています。そうなると、僕たちPRは写真や映像など、たくさんの要素を作っていかなければならない。ブランドによっては、それを全てデザイナーがやるしかなく、時には僕たちPRにセールスの意見を求めることもあります。単にリースの貸し出しをしてプレスリリースをメールで送るだけ、というのはナンセンスになっていくでしょう。領域を少し広げてでも、ブランドにとって良い相談相手でいなければならないと思っています。志賀：定型のパッケージをこなしているだけのPRでは、提供するサービスの価値そのものが薄まってしまいます。ブランドのためにどこまで頭を絞り、戦略を組み立ててどう成長させていくことができるか。それが、今回のパートナーシップの大きな動機でもあります。情報伝達ではなく「関係構築」、カンマが描く5つの循環プロセス──カンマには決まったメニューがないそうですが、それはなぜですか？志賀：従来のPRが一時的な「情報伝達」や話題化を主軸に置いているとすれば、カンマは長く残り続ける「関係資産（Relational Assets）」の構築に重きを置いているからです。パブリックリレーションズ（PR）という言葉の本来の意味である「人、ブランド、社会の関係性設計」に、もっと忠実でありたい。だから、既存のフォーマットで「このプランはいくら」と最初から限界線を引くようなやり方はしません。　カンマでは「日常的な対話（DAILY MATTER）」からスタートし、「課題の共有（SHARING ISSUES）」「オリジナリティへの洞察（FINDING ORIGINALITY）」を徹底的に行います。対話の中からブランドの中核にある思想やヴィジョンを丁寧に汲み取り（MAKE A VISION））、どんなクリエイションを作り、「誰と繋ぐべきか（LINK AND CONNECT）」をオーダーメイドで設計・実装していく構造をとっています。そしてまた「日常的な対話（DAILY MATTER）」への循環を通じて、PRとクリエイションの境界を越え、“⼈とブランドの関係”を更新し続けられたらと考えています。長坂：そのため、「ここまでしかできません」という限界線をあらかじめ引かないようにしていて。その部分で、僕と長坂さんの感覚はとても合っていると思います。──お互いから見て、相手の「ここがすごい」と思う強みはどこでしょうか。長坂：志賀さんが以前の仕事で作った提案書を見せてもらった時、非常にロジカルでデータに基づいているのに、その中に「このブランドのことが本当に好きなんだろうな」という愛情がちゃんと感じられて驚きました。広告代理店が作る資料とは全く違うんですよ。「この人と一緒にやったらどんな未来が描けるだろう」と、ブランド側に期待させる力を感じました。志賀：いやいや（笑）。逆に僕には絶対にないと思うのは、長坂さんは人の良いところを見つけるのが本当に上手い。僕はどうしても「外部の専門家」として見られがちなんですが、長坂さんは向上心や競争心の高いデザイナーたちの懐に深く入り込み、ちゃんと「仲間」として認められている。「この人になら本音を話したい」と思わせる人間力が最大の強みだと思いますね。──今年3月の東コレでの「ユウショウコバヤシ（yushokobayashi）」のショーがカンマとしての最初の仕事と聞きました。2社で組んだからこその相乗効果はありましたか？志賀：3〜4ヶ月という短い準備期間の中で、長坂さんがショーの現場ディレクションをクラシックにまとめてくれたおかげで、僕はPR戦略に集中する時間を十分に確保できました。一人でやっていたら手が回らなかったであろう、海外メディアへのアプローチも実現できました。長坂：ショーの前にプレス向け、 バイヤー向け、 一般客向けと内容を変えたブランドのアイデンティティを伝えるメールを送るなど、 志賀さんの緻密な設計と実装力は流石でしたね。一人では思いつかなかったアイデアがいくつも生まれましたし、お互いの役割が明確だったことで、結果として多くの露出に繋がったと感じています。──カンマとして予定している取り組みがあれば教えてください。志賀：戦略を実践に循環させる仕組みとして、定期的に「カクテルパーティー」を開催します。これは、僕たちが持つファッション、アート、ビジネス、メディアのコミュニティに、毎回異なる共催パートナーそれぞれのコミュニティを重ね合わせることで、既存のネットワークだけでは生まれない新しい接点を作る試みです。例えばデザイナーが資金調達やファッションロー、あるいは生産管理やOEMといったビジネスの課題に直面したとき、業界内に知り合いが誰もいない状態からでも、安心して頼れる相手と繋がれる場所を作りたいんです。適切な人を紹介するだけでなく、紹介した後も伴走できる体制がカンマの目指す形です。長坂：クライアントであるブランドから「良いセールス、生産管理を紹介してほしい」と言われるんですが、ブランドにとって重要なことであるため気軽には紹介できなくて。でも、このカクテルパーティーという開かれた場であれば、起業家から弁護士、クリエイター、学生など、さまざまな立場の人がフラットに出会うことができる。紹介して終わりではなく、カンマが中長期のプロジェクトとして伴走することで、ブランドの持続的な成長にコミットしていきたいと考えています。──最後に、カンマの活動を通して、社会やファッション業界をどのように変えていきたいですか？志賀：「情報を出せばメディアに掲載され、認知が広がる」というアテンションのみの時代は終わりに向かっています。今はその情報に、腹落ちするような「信頼の文脈」と「共感」が伴っているかが重要です。そのために、カクテルパーティーのようなフィジカルな体験の場を作るなど、情報を広く届ける前の、関係性を深く耕す工程にもっと時間をかける必要があると考えています。長坂：あと、ファッション業界と他業界との間にある見えない壁は、昔から言われ続けている課題ですよね。日本のデザイナーズブランドが10年、20年と長く続いていくためには、その壁を越えてマーケットを広げていくことが絶対に必要だと、僕も現場でずっと思い続けてきました。志賀：まさに。2社が組んでいるこの「カンマ」という構造自体が、個社で囲い込まずに「業界全体に開いていく」という意思表示です。ファッションの領域で培ったクリエイティブの知見やストーリー分析の力は、他の業界の魅力を引き出すために絶対に活かせるはず。　たとえば地方の伝統工芸や観光振興など、「職人さんが話す思想を、ちゃんと翻訳して形にできる」という僕たちのPR・クリエイティブの感覚は、他業界にとっても大きな価値になるはずです。それが巡り巡って、デザイナーたちのマネタイズの多様化や、新しい文化の地層になっていく。ファッション以外の大手企業からも、すでに「新しい文脈を作ってほしい」と声がかかり始めています。業界の壁を越えるための「渡り船」のような存在になれるよう、ここから新しいPRの形を作り上げていきたいですね。

yushokobayashi

ただの「情報拡散」はもう終わり？　2人のファッションPRが思索する新たなPRの形

黒のなかで抽象と叙情が出合う　前回は、「AI時代のファッション」という連載の切り口にまったく言及できなかったが、後半ではコム
デ ギャルソンの2026年秋冬コレクションのショーの演出や、今年復活した「Six」のことも含めて振り返ることで、AI時代とコム デ ギャルソンというテーマについて私なりに考えを深めていってみたい。　まずは、ショーで使用された音楽について、少々勝手な想像を膨らませながら考察してみることにしよう。　コンクリートが剥き出しになった廃墟のような会場に、全身黒のファーストルックを着たモデルがクラシックの音色とともに現れた。ショパンやモーツァルトのほか、ウーゴ・ナルディーニ（18世紀のイタリアの作曲家）の叙情的でロマンティックな旋律に、黒のジョーゼットの優雅なテクスチャーと曲線的なシルエットが相まって、一瞬現実から離れた耽美的世界に誘われるような感覚になる。　すると、ショーの中盤過ぎに音楽が急に止み、無音のなかで一転、全身ピンクのルックが数体登場した。それは、見るものの感覚を一瞬中断するためのように過ぎ去り、やがて弦楽器の演奏が再開すると、「黒」が再び現れる。新たな曲は、「アルビノーニのアダージョ
ト短調」。聞き覚えのある哀切な旋律で、今でも葬送の曲として映像のBGMやドラマなどにしばしば使用されている曲だ。　後から知ったことなのだが、この曲には制作過程の裏話がある。実はアルビノーニ（18世紀イタリアの作曲家）の作ではなく、20世紀の音楽学者レモ・ジャゾットが作曲・編曲した作品だといわれている。第二次世界大戦中に爆撃で廃墟となった、ドイツのドレスデンの図書館から見つかったアルビノーニの曲の断片を基に作られたとされている。どこまでが真実なのかは不明だが、いずれにしろ、メランコリックで情緒的な曲調が感情に強く訴えかけ、世界中で広く親しまれてきた曲であることだけは確かだ。　少し私的なイマジネーションの世界になるが、ここでドレスデンという響きが、私の意識を前シーズンのコム デ ギャルソンのコレクションへとつながる道に引き戻した。ドイツの古都ドレスデンは、第2次世界大戦の終盤、1945年2月に連合国軍（英・米軍）による大規模な無差別爆撃によって壊滅し、数万人の市民が命を落とした。その「悲劇」は戦争の悲惨さの象徴として今も歴史に深く刻まれている（ちなみに、小説家のカート・ボネガットは、アメリカ兵捕虜としてドレスデンで爆撃にあったが奇跡的に生き延び、その体験をもとに『スローターハウス5』を著した）。　その悲惨な廃墟のイメージは、「Dust」という言葉と結びつき、私に先シーズン（2026年春夏）のコム デ ギャルソンを想起させた。コレクションノートとして伝えられたのは「After
the Dust」というフレーズ。「Dust」には、粉塵や埃などとともに、遺骸や亡骸という意味もある。麻やジュート素材で構成されたコレクションルックは、すべて完成した後に丸ごと洗いにかけられていた。それはまるで、廃墟の粉塵や悲劇を葬り、そこから再生するための神聖な儀式のようにも感じられた。そのコレクションには、黒は一切登場しなかった。　そして、今回、「Dust」が洗い流された後に、美しい黒の葬送が現れたのだ。　薄手で柔らかなジョーゼット素材を使い、目のくらむほど大量に寄せられたひだやノット、ドレープなどが、大胆かつ曲線的なフォルムの中に縦横に配されている。密集、突起、曲線と直線、断絶、軽さ、重さなど、さまざまな意匠とテンションが凝らされた造形には、不思議とどこか優しさと優雅さが漂う。　直近のコム デ ギャルソンで、黒がメインとなったシーズンを振り返ると、2024年秋冬の「怒り」のコレクションが思い出される。同じ黒であっても、全ルックに人工レザーを使用したデザインは、鎧のようなハードさがあり、感覚的にも激しくエッジが突き刺さるようなコレクションだった。それに比して、今回の黒の表情はまったく別のものだったといえる。造形の強さは変わらないとしても、どこかたおやかで古典的な優雅さがあり、叙情的音楽と共に、抽象的造形に物語性が溶け込むような気配があった。曲の選択から見ても、「感傷」をあえて恐れない川久保さんの姿勢を感じ、その思いを強くさせた。「感情」が生むクリエイション　ショー後半の黒のルックは、主にレースで表現されることで華やかさが増し、“葬送の曲”とともに、私は思わず涙ぐみそうな感情が込み上げてくるのを感じた。──そうだ、私たちは泣いてもいいのだ。流れる涙を拭えるのは生きているということ。泣くことさえも不当に奪われ、できなくなることを、深く悼まなければならない──そう問いかけられているように感じられた。通常は、ありきたりの高揚感や安易な物語性を否定するのがコム
デ ギャルソン的だと思っていただけに、感情は複雑に入り乱れた。　ここまでだいぶ長く、連載テーマであるAIのことについてはまったく触れてこなかった。しかしながら、私にとっては、コム デ ギャルソンを語ることはすなわちAIを逆の形で語ることに等しい、と感じている。川久保さんはかねがね、「感情をデザインする」「最初にあるのは気持ちです」と語っている。それは、普遍的な意味の「感情」ではなく、川久保玲という一人の人間、すなわち「自分」だけの「気持ち」だ。そこからしかクリエイションは生まれない。　この文章を書きながら、いかにもAI初心者が思いつくようなひとつの質問をChat GPTに訊ねてみた。「AIは涙を流しますか？」　AIはこう答えた。「いい質問ですね。結論から言うと、AIは実際に涙を流すことはありません。人間が涙を流すのは、体にある涙腺や神経、そして感情の働きが関係しています。悲しみや喜びといった感情が脳で処理され、その結果として涙が出るわけです。一方でAIは、そうした身体も生理的な仕組みも持っていませんし、本当の意味での感情もありません。（・・）ただし、AIは“泣いているように見える表現”をすることはできます。でもそれはあくまでプログラムされた表現であって、内側から自然に湧き上がる感情によるものではありません」（太字はAIによる表記）　だいぶ昔のインタビューになるが、川久保さんは「（コンピュータより）人間の頭の方がずっと複雑だし、広いと考えています」と語っていたことがあった。脳と感情は深く結びつき、それぞれの人間固有の、複雑で偶然性に満ちた表現を生み出してゆく。おそらく、そのすべての根本に存在するのは、世界にたったひとつの有限な自分の身体であり、存在である。復活した「Six」──第6感を信じて　実は今回のパリでショー以外に楽しみにしていたのが、2年前にオープンした「ドーバー ストリート マーケット パリ（DOVER STREET MARKET PARIS）」を訪れることだった。マレ地区の歴史ある建造物の構造を生かして、川久保さんのディレクションによって迷路のような店舗がデザインされている。表通りから門をくぐると、すぐ中庭が広がり、そこに数ヶ月ごとに変わるインスタレーションが展開されている。私が訪れた3月には、本年度のコム
デ ギャルソン社のDM（メディア関係者や顧客に向けたダイレクトメール）のテーマとして、約25年ぶりに復活した伝説のアートブック「Six」のアートインスタレーションが展示されていた。大きな円柱型のオブジェが5つ立ち、その上にも二重に重なるように「Six」の誌面がコラージュされており、私たちは巨大な円柱の間を巡りながら、ヴィジュアルイメージのなかに没入する体験を味わうことになる。　「Six」は、1988年から2001年の間に8冊刊行されたコム デ ギャルソンの世界観を表現したアートブックだ。文字はほとんどなく、写真などのヴィジュアルイメージが脈絡なく並び、その抽象的な流れが未知の感覚を呼び覚ます。川久保さんは、今年のDMにその「Six」を復活させた。いろいろテーマを探すうちにたまたま思い浮かんだ選択、ということらしいが、今この時代だからこそ再び「Six」、つまり「Sixth Sense＝人間の第6感」の重要性に目を向けるべき、という意図を勝手に受け取ることはできよう。「Six」には以下のようなメッセージが掲載されている。「5感は 見る、聴く、味わう、嗅ぐ、触れる という5つの現実的な感覚」「第6感は現実的に表現できない感覚」　つまり、第6感は見えないが超自然的にどこかから降ってくるわけではなく、自分のなかの何かが突然反応するものである。それは、個人の特性や経験、知識の合理的な総体ではなく、意識や理性を超越した「現実的に表現できない感覚」だと思われる。それこそ、AIには持ち得ないものではないだろうか。「『Six』はコム デ ギャルソンの存在を最も正しく伝える方法の一つ」と、かつて川久保さんは語っていた。　川久保さんは、パリに進出してから45年、ブランド創立から57年、休むことなく継続することを重要な方法論として「クリエイション/仕事」を続けている。その継続した時間がなければ、今回の「結論（最後に残るのは黒。黒が私の色だということ）」にはたどり着けなかったのではないだろうか、と感じる。そこには、誰にも説明できない川久保さんの「Sixth Sense」がかかわっていたのだろうか。　しかし、それと同時に、いやもしかしたらもっと大切なことは、継続がいつでも別の「結論」を運んでくる可能性をはらんでいる、ということなのかもしれない。崩壊と膨張を繰り返す宇宙のように。「終わりなどない」のがコム
デ ギャルソンであることは、忘れてはならない。　記憶のなかに現れる、川久保さんのサングラスの真っ黒なレンズが、まるでブラックホールのように思い出される。

COMME des GARÇONS

2026年秋冬パリ・ファッションウィーク断想

第1回「コム デ ギャルソン」はなぜ「黒」に戻るのか？（後編）

CEOに問う、「新しい世代と腕時計」　ウォッチズ・アンド・ワンダーズ　ジュネーブ財団CEOマチュー・ユメール（Matthieu Humair）氏は、柔らかい微笑でこちらを迎えてくれました。「ようこそジュネーブへ。いつも取材してくださってありがとうございます」　巨大見本市のトップという権威より、時計文化の“語り部”という印象。インタビューの冒頭で、私は核心の問いを投げました。── 「腕時計は、若者にとってどんな存在になるのでしょうか」。ユメール氏は、迷いなく答え始めました。「WWGの重要課題は若い世代との接点づくり。腕時計の未来はそこから始まります」　静かではありますが、力強い口調で語られた展示会の意義。「デジタル化が進むほど、フィジカルの価値は高まります。画面越しではなく、触れる・聞く・話す・体験する。それこそが、腕時計の魅力です」「私たちは非営利財団としてブランドのために存在しています。多様性を尊重しながら出展コストを抑え、誰もが参加しやすいプラットフォームをつくらなければいけません」　この言葉の背景には、高騰した出展費で崩壊した「バーゼルワールド」の記憶が透けて見えます。だからこそ、ウォッチズ・アンド・ワンダーズ ジュネーブは門戸の広さを徹底して、今の隆盛に至っているのです。　“誰でも参加しやすい”という発言は、ブランドだけではなく、来場者にも向けられています。従来はバイヤー、ジャーナリスト、一部の上位顧客だけに門戸が開かれていたのですが、現在はそうではありません。今年の会場では、25歳以下の来場者向け無料プログラム、学生のためのウォッチメイキング体験、市内では子ども向け教育プロジェクトまで実施されていました。「時計の世界を“発見”してほしい。それが未来の時計文化を育てる第一歩です」　若い来場者がブースを回り、真剣に腕時計を見つめていました。ユメール氏の言葉が現実の風景として広がっていたのです。　「腕時計は、父から息子へ、母から娘へと受け継がれる文化です。私たちには、それを未来に渡していく責任があるのです」　ラグジュアリーの未来を語るのではなく、文化の継承”宣言”でした。そして、その宣言は、会場で見た新作の傾向と驚くほど重なっていたのです。2026年に浮かび上がったキーワード「ヴィンテージをどう再構築するか」　会場へ戻って取材を再開すると、ユメール氏の言葉がそのままかたちになったような展示が多く見られました。多くのブランドが目指していたのは、派手な複雑機構や最新素材の競争ではなく、過去のデザインを現代の感覚で再構築すること。　古着、ワーク、ミリタリー。若い世代のスタイルと、時計ブランドの歴史的意匠が、自然に結びついていました。その象徴ともいえる4本を紹介していきます。チューダー「モナーク」：70年代エレガンスを現代的にアレンジ　細密に面取りしたケースとブレスレットが特徴で、70年代風の雰囲気を漂わせつつ、腕にのせた瞬間に現代的に見える絶妙なバランス。COSC＋METAS認定ムーブメントの精度と、65時間パワーリザーブの実用性。そして、若い世代でも手が届く価格。　「あえて言えば、ウィークポイントが見つかりません」──取材に対応した日本のマーケティング担当者の言葉にも納得がいきます。　古着のスラックスにも、レザージャケットにも、シルバーアクセサリーの手元にも無理なく馴染みそうです。まさに“今のドレススポーツの理想形”です。自動巻き（Cal.MT5662-2U／COSC＋METAS認定）、スモールセコンド、パワーリザーブ約65時間、ケース径39ミリ、SSケース、100メートル防水。81万6200円（5月より順次発売）オリス「スター エディション（1966）」：ミッドセンチュリーの素朴さを現代の質感で　1966年に初代モデルが発売された時の広告を見ると、今回のモデルが忠実に復刻されていることがわかります。　メンズ腕時計の定番であった35ミリ径の文字盤、プレキシ風防の柔らかい表情、少しアイボリーがかった夜光塗料で光るインデックス。1960年代の素朴さを残しながら、現代の精度で美しく再解釈しています。　ツイードのジャケットを羽織るスタイルとの相性は抜群です。自動巻き、パワーリザーブ約41時間、ケース径35mm、SSケース、50メートル防水。36万3000円（5月発売）レイモンド ウェイル「ミレジム スモールセコンド 」：1930年代の正統派を誠実に再現　“ヴィンテージ風”ではなく、本気で1930年代のクラシックをそのまま現代に持ってきたような誠実な一本。40ミリを下回る使いやすいケースサイズ、整然としたセクターダイヤル、SW261系のCal.RW4251らしい端正な文字盤デザイン。　バブアーのブルゾンにも、レザーシューズにも、古着コーデにも。若い世代の“程よくクラシック”というニーズを満たしてくれる腕時計です。自動巻き（Cal.RW4251／SW261系）、パワーリザーブ約41時間、ケース径39.5ミリ、SSケース、50メートル防水。37万4000円。パネライ「ルミノール」：ツールウォッチの力強さと洗練のバランス　1960年代ツールウォッチの荒削りな魅力を残しながら、ケースラインを直線的でミニマルに再構成した最新のルミノール。192時間というロングパワーリザーブのムーブメントを搭載しているから、一週間以上も止まることなく着用できます。　ミリタリージャケットやカーゴパンツと合わせると、“武骨なのに上品”なスタイルに。若い世代が求める絶妙なニュアンスを感じさせます。手巻き（Cal.P.5000）、パワーリザーブ約192時間、ケース径44ミリ、ブルニートスティール、300メートル防水。168万3000円（6月発売予定）ヤマモトの見立て会場写真©2026 Watches and Wonders Geneva Foundation※腕時計は未入荷や売り切れの場合もあります。また、為替レートなどの影響で価格が改訂されることがあります。

腕時計は若い世代に響いているのか？ 現地で掴んだ新潮流──「ウォッチズ＆ワンダーズ」取材記 vol.3

一目で分かる有名ブランドのクリエイティブディレクター年表【随時更新】

本格的な防水機能は、100年前にロレックスがつくった　会場でもっとも多くの来場者を集めていたブランドがロレックスです。ブースの中央には、巨大なオイスターケースのインスタレーション。壁面には、歴代のアイコニックなアーカイヴ。今年の中心テーマが何かということが、ブースに足を踏み入れた瞬間に分かります。　1926年に生まれた「オイスター」は、世界初の本格防水腕時計です。ねじ込み式リューズと密閉ケースにより、腕時計は“慎重に扱う装飾品”から“日常に寄り添う道具”へと変わりました。　ロレックスが拓いたこの技術は、腕時計が「生活の中で時間を使う」文化へと進化する原点となったのです。　その100周年を記念して発表された新作は、単なる復刻ではありません。　クラシックなラウンドケース、端正なバーインデックス、無駄のない3針レイアウト。基本的なデザインはオイスター
パーペチュアルそのものですが、ケースのエッジがこれまで以上にシャープになり、ブレスレットとの一体感も滑らかになりました。文字盤には100周年を記念した特別なモチーフが控えめにあしらわれ、裏蓋から覗くローターにもアニバーサリーイヤーが刻まれています。　派手さはありません。むしろ驚くほど静かなアップデートです。これこそがロレックスらしさと言えるでしょう。大きく変えるのではなく、誰もが知っている完成形を、誰にも気づかれないほどの微細な進化を積み重ねる。その姿勢が、このブランドの強さなのです。　日本からジュネーブを訪れているリテイラーのバイヤーは、「発表前からお客様の問い合わせが多かった」と話します。そうした期待感は、日本に限ったことではありません。欧米でもアジアでも、ロレックスほど認知度の高い腕時計ブランドは他にありません。　いつの時代でも、世界中のどこでも、価値が認められている。これこそが、ロレックスが最強のブランドである証明と言っていいでしょう。自動巻き（Cal.3230）、2万8800振動／時、パワーリザーブ約70時間、ケース径41ミリ、SS×18KYG。100メートル防水。142万8900円（予定価格・今春発売予定）。パテック フィリップが生んだラグジュアリースポーツ腕時計の傑作　腕時計の最高峰とも言われるパテック フィリップの新作取材は、毎年いくぶんかの緊張を伴います。そして、今年はまた違う意味で、取材するプレス陣に静かな熱気がありました。　その理由は、明快。事前に伝わっていた「ノーチラス」誕生50周年の発表です。　1976年、デザイナーのジェラルド・ジェンタが手掛けた「ノーチラス」は、ドレスウォッチが中心だった高級時計の世界に、“ラグジュアリースポーツ”という新しい価値観をもたらしました。舷窓から着想を得た八角形のベゼル、一体型ブレスレット、薄型ケース。そのデザインは半世紀を経ても古びることなく、むしろ普遍性を増しています。　パテック フィリップ社長ティエリー・スターン氏も、「20歳のとき、最初のパテック フィリップとしてノーチラスを選んだ」と語っています。まさに、世代を超えて価値観を受け継いでいく腕時計なのです。　今回の50周年モデルのデザインも、従来からの「ノーチラス」を踏襲しています。ケースのフォルム、文字盤の横ストライプ、スポーティさと滑らかさが両立したブレスレット。　しかし、実機を手にした瞬間、違いがはっきりと分かります。ケースのポリッシュはさらに滑らかに、エッジは一段と凛とし、文字盤の光の反射は深みを増しました。ブレスレットの仕上げも細部まで磨き込まれ、全体の完成度が一段上の次元に達しています。　“何も変えていないようで、すべてが進化している”。パテック フィリップが周年モデルで示したのは、新しさではなく完成度でした。　数年前、ジュネーブ市内にあるパテック フィリップのミュージアムを訪れたことがあります。約2500点ものアーカイヴが展示されているのを見て、「腕時計の歴史は、パテック フィリップが作ってきたといっても過言ではない」と感じたのを思い出します。　50周年を記念して作られた今年のノーチラスは、次の50年の基準となるでしょう。自動巻き（Cal.240）、2万1600振動／時、パワーリザーブ約48時間、ケース径41ミリ（10-4時位置）、18KWG。30メートル防水。1526万円。世界限定2000本。ヤマモトの見立て会場写真©2026 Watches and Wonders Geneva Foundation※腕時計は未入荷や売り切れの場合もあります。また、為替レートなどの影響で価格が改訂されることがあります。

二大巨頭ブランドの周年モデルが大きな話題に──ウォッチズ＆ワンダーズ取材記 vol.2

映画の空気感をファッションに翻訳する　ダイリクは毎シーズン、映画をテーマにコレクションを製作する。題材に選ばれる作品は誰もが知る名作から、映画好きが頷くコアな作品まで幅広い。そのセレクトからは、デザイナー 岡本の映画愛が透けて見えてくる。2022年春夏コレクションのテーマは、1989年のカンヌ映画祭で発表された一本だった。　コレクションタイトルは「Boy meets Girl」。インスピレーションとなった映画は、ジム・ジャームッシュ監督による「ミステリー・トレイン」。アメリカ南部のメンフィスを舞台にしたオムニバス形式の作品で、3つの物語が同じ一夜に重なり合う。永瀬正敏と工藤夕貴が出演したことでも話題を呼んだ映画だ。　第1話「FAR FROM YOKOHAMA」は日本からやって来たロック好きの若いカップル。第2話「A GHOST」は夫を亡くし、ローマから来た女性と、別れた彼氏がエルヴィス・プレスリーに似ていると語る女性の出会い。そして第3話「LOST IN SPACE」では、地元の若者3人が酒と騒動に翻弄される。異なる3つの物語は交差しないまま、同じホテルに泊まることで緩やかにつながっていく。　映画をテーマにしたコレクションといえば、登場人物のファッションを連想させるルックが定番だ。実際、2022年春夏コレクションにも、永瀬が演じたジュンと工藤が演じたミツコを思わせるルックが登場した。冒頭の電車シーンをなぞるかのように、二人が抱える赤いスーツケースまで再現してみせた心憎い演出である。　ただ、ダイリクはそれだけに留まらない。むしろこのコレクションが伝えていたのは、映画全体に漂う「奇妙なズレ」そのものをカジュアルな服に落とし込む姿勢だった。　第1話の冒頭からそれは始まった。ミツコはメンフィス到着までの日数をジュンに尋ねる。ジュンは2日と答えるが、すぐに列車は到着し、ジュンは「ほら、2日早く着いた」と言い放つ。　到着後、ミツコとジュンは2つの場所に寄りたかった。一つは、プレスリーの邸宅があったグレースランド。もう一つは、カール・パーキンスが曲を収録したサン・スタジオ。2人はグレースランドを目指して歩き始めた。しかし、到着したのはなぜかサン・スタジオだ。　この感覚でルックを眺めると、生地やシルエットと映画の「ざらつき」が重なって見えてくる。　上下を揃えたブラックデニムルックは上半身を見ると、デニムジャケットの下に鮮やかなグリーンのスカジャンが覗く。スタイルの主役をはれるアイテム＝スカジャンを、あえて隠す。マルチカラーのニットは、ボーダーの規則性から逸脱し、記号のように散らばる。緩やかなシルエットと相まって、配色の奔放さが際立って見える。　スカジャンを主役に据えたルックもある。一着で十分な強度を持つはずのアイテムだが、それを覆い隠すように重ね着を施す。このねじれはボトムスにも引き継がれている。　ボンテージパンツを穿いたモデルたち。膝をベルトで繋ぐパンクの象徴的パンツにおいて、腰回りを大きな布のフラップで覆うことは珍しくない。ダイリクのモデルたちも、パンク伝統のディテールを装着しているように見える。しかし、よく観察するとフロントを覆っているのはプリーツスカートに似た形状で、スコットランド伝統のキルトスカートを想起させる。　反逆の象徴として古い格式が混ざる。その矛盾にまた「ズレ」が生まれる。　「ミステリー・トレイン」の中にも、こうした不可思議なレイヤードは現れる。ミツコとジュンが泊まった寂れたホテル。ミツコは楽しそうにしていても、ジュンはいつも無表情だった。そんなジュンを、ミツコは本当に面白くない人と言う。会話から浮かんできたのは、なぜ二人は一緒にいるのだろうという疑問。しかし、その日の夜にミツコとジュンはベッドの上で身体を「重ねる」。　翌朝、出発の準備を始めるミツコはタンクトップを二枚、その上に半袖のTシャツを三枚、最後にライダースジャケットを「重ねる」。薄手のトップスとは言え、過剰な重ね着そのものが、映画に宿るユーモアの象徴だった。　映画全体には、深刻さと緩さが同居する不思議なリズムが流れている。第3話「LOST IN SPACE」では銃声が響くが、それでも緊張はすぐに緩和され、観客の口元に笑みが浮かぶ。深刻さと笑いが同居する「サイレントなユーモア」が、作品全体を貫いている。　このリズムはコレクションにも引き継がれる。きちんと整えたワークウェアのセットアップが、凛々しさを遠ざける。黒いネクタイを締めても、重々しさには向かわない。ダイリクのジャケットはスウェットのように軽やかで、着る者の身体を自由にする。だからこそ、ダイリクを着た者は縛られない。エレベーターの床に崩れ落ち、怠惰に休むことも選択肢になる。　ダイリクは映画をテーマにコレクションを製作するが、それは映画の一場面を再現することではない。映画に残る余韻、肌に感じるざらつきを、ファッションに翻訳する。テーラードジャケットという、伝統のアイコンもサイレントなユーモアに引き込む。2022年春夏コレクションは、ダイリクと映画の関係性を表す一例である。"How old am I?"──数奇な時間を服に映す　白内障で目が見えず、聴力も定かではない。生まれた時すでに八十代を迎えていた赤ん坊は、年齢を重ねるごとに若返っていく。人間の通常の成長とは逆に時間を遡る男性の一生を描いた映画「ベンジャミン・バトン 数奇な人生」が、2026年春夏コレクションのインスピレーション源だった。コレクションタイトルは “How old am I?”。　原作は20世紀アメリカ文学を代表する作家、F・スコット・フィッツジェラルド（Francis Scott Fitzgerald）の短編小説。映画は、死が近づく女性が入院する一室から始まる。冷たい光が灯す病室で、彼女のそばにいるのは娘。母に促されて一冊のノートを読み上げると、そこには秘められた過去が綴られていた。やがてブラッド・ピット（Brad Pitt）演じるベンジャミン・バトンの数奇な人生が浮かび上がってくる。　今回のコレクションに、登場人物の衣装をなぞるようなルックは見られない。そこにあるのは、ダイリクがこれまでも示してきた、歳月を経た柔らかさをまとうカジュアルウェアだ。色落ちしたデニムや不完全さを残すジャケットに、映画のモチーフがにじむ。　映画の中で象徴的な存在となるのが「ボタン」。シャツやコートの前端を留める日常的な服飾資材が、ここでは運命を示す符号として立ち上がる。ダイリクはボタンをデニムシャツに散りばめた。花とも雪とも見えるように配されたボタンは、本来の役割を失い、装飾としてのみそこに存在する。その佇まいは、幼少時に同年代と同じ時間を共有できなかったベンジャミンの孤独な記憶を映しているようだ。　黒い生地で仕立てられたスーツやオーバーオールには、しつけ糸が走る。本来なら取り除かれるはずの白い糸が、毛羽立ちを残したままアクセントとなっている。これらは映画で育ての母 クイニーがベンジャミンに伝えた「自分の道は自分で選ぶ」という言葉と重なる。役割を終えた糸にも価値を見出す。不要とされるものに新しい意味を与える。ダイリクの服は、何が価値と意味を持つのかを、自身の手で選び取っていく。　ベンジャミンには幼馴染の少女がいた。ケイト・ブランシェット（Cate Blanchett）演じるデイジーである。年齢差は6歳。外見は実際の年齢差以上の隔たりがありながら、二人の心の距離はとても近かった。だが、成長とともに環境も周囲の人も変わり、行き違いは避けられない。届くはずの想いが届かなくなる。　ベンジャミンとデイジーが結ばれたのは、彼が最も「普通の大人」に見える四十代。年齢と身体が釣り合ったわずかな時間だった。幸せな日々。子どもも生まれる。しかしベンジャミンは悟る。若返っていく自分には父親でいる資格がない、と。　生成りと黒のロングスリーブニットには数多くのボタンが縫い付けられ、服のフォルムそのものを形作っていた。ボタンに引っかかるような編み地は緩みを生み、隙間から肌が覗く。人間の本心は見えるようで見えない。その不完全さがかえって服を生きたものにしていた。　老人として産まれた幼少期は苦しくとも、歳を重ねるごとに若返るのは利点があるようにも感じる。しかし、愛する人と同じ時間を過ごせない悲しみが物語を覆う。待っているのは赤ん坊へと戻る自分。外見は十代でも認知症に蝕まれ、赤ん坊に戻り、最後は言葉を交わすことができない。　花柄が浮かぶジャケットは、膨らみのあるフォルムで身体を包み込む。ハイソックスにショーツ、頭にはスカーフ。少年と少女が同居する姿のようだった。フェミニンな要素が重なりながらも、漂うのは儚さと寂寥感。映画の本質を最も強く物語るルックは、この花柄ジャケットかもしれない。　2時間40分に及ぶ映画は、波はあれど静かな余韻を残す作品だった。老いから始まり、若返りを経て、最後は幼さに還る。切ない痛みが襲い、切ない痛みで終わる。決して幸せとは言えないエンディング。だからこそ、観賞を終えても心が静かに揺れ続けるのだろう。詩的な筆致で描かれた男性の一生は、まさに文学。「グレート・ギャツビー」を書いたフィッツジェラルドの才能が迸る作品だ。　2026年春夏コレクションもまた、色や素材にノスタルジーを漂わせ、全体に静けさを宿す。色落ちしたジーンズはグランジの粗さではなく、大切な時間を刻んだヴィンテージのように見える。ダイリクは登場人物のファッションを再現するのではなく、映画の物語と空気を、そして何より時間そのものを服へと翻訳している。　物語は、映像や言葉だけでなく、服にも宿る。スクリーンの外に持ち出された物語は、袖や裾の揺れ、色や素材の擦れと汚れに紛れ込み、日常のなかで静かに作用していく。ダイリクの服を着る時、私たちはただ装うのではなく、時間や感情の残響を身にまとっているのかもしれない。　映画が終われば照明は点き、観客は現実に戻る。しかし、服はその余韻を閉じ込めたまま、日常に滑り込む。夢を現実に繋ぎとめる小さな仕掛けとして。「物語を着る」とは、作中の人物を真似ることではない。そこに流れていた空気。語られた言葉。秘められた感情。それらを、服を通してもう一度立ち上げることだ。ダイリクは、そうした「見えない物語」を可視化するブランドである。

DAIRIKU

スクリーンの外の物語　ダイリクは映画をファッションに翻訳する

はじめにとはいえ、最初におことわりしておきたいのだが、私はまだまだAI関係に疎く、その詳細を把握しているとは言い難い。しかしながら、そんな私のような人間でも感じる「変化」ならば、なおさら根本的なものかもしれないという逆説によって、これからの文章は記されてゆくことを前提にしてもらえればうれしい。勘違いや、補足すべきことあれば、皆さんの今後の思考や議論のテーマとして深めていただきたいと考えているので、そのあたりまずは「ご容赦を」とお伝えしておきたい。時代とともに変化するコム デ ギャルソンと「黒」の関係 さて、ここから本題に入るが、連載の最初に取り上げたいのは「コム デ ギャルソン（COMME des GARÇONS）」である。　久しぶりに、ほとんど「黒」のショーが登場した。オブジェのような造形はいつもより優しい印象の丸みを帯び、柔らかな黒のジョーゼットがそれを覆っている。「ヒヅメ（HIZUME）」とのコラボレーションによる黒のカチューシャが美しく羽を伸ばし、足元も厚底ブーツの黒で締め、全身「黒の純粋なシルエット」が描かれた。それは、完全に抽象的でありながら、どこか「古典的」な香りが漂うロマンティシズムも感じさせるものだった。　ショー後のバックステージでお会いした川久保玲さん自身が語られた、今回のコレクションについてのコメントは以下の言葉だった。やはり、最後に残ったのは黒ということです。それがいちばん強い　黒いサングラスをかけていた川久保さんの表情はうまく読み取れなかったが、その話ぶりも含めて、どことなく穏やかで、落ち着いた印象を私は感じた。「コム
デ ギャルソンの色」と誰もが認める黒をあらためてテーマにした挑戦には、静かな覚悟のような重みが込められているように思われたのだ。コム デ ギャルソンが、1981年にパリでの初コレクションを発表してから、今年で45年になる。　まずはここで、45年の時間の流れを遡って、コム デ ギャルソンと黒の歴史を少し振り返ってみることにしよう。　80年代の初頭、コム デ ギャルソンは同時期にパリに進出したヨウジヤマモト(当時のブランド名はY’s）とともに、海外メディアから「黒の衝撃」と呼ばれて、ファッション界を揺るがすセンセーショナルな存在感を強く刻んだ。当時その「衝撃」は、西洋的美意識に反抗する姿勢と捉えられ、賛否両論を巻き起こしたわけだが、結果としてその後のモード界では、黒は最もクールな色となり、トレンドをリードしていくことになる。　しかしそんななか、コム デ ギャルソンは、1988年秋冬シーズンに「Red is Black」と銘打ったコレクションを発表する。文字通り、それまでと打って変わって赤を基調にしたクリエイションで、「コム デ ギャルソン＝黒」という既成イメージを覆したのだ（「Red is Black」のコレクション写真が本年度のDMにも掲載されている）。それは、もはや誰でもが気軽に選ぶトレンドと化した黒に決別する意志表示であったのだろう。「わかりやすいものはコム
デ
ギャルソンではない」という川久保さんの精神が、このとき黒をあえて“相対的な価値”として扱ってみせたのだ。　かつてのあるインタビューでは、「なぜ黒が好きなのか」と問われた際に、「色は手段であり、テーマではない」と川久保さんは語っていた。それは、川久保さんがしばしば言及する「方法論（切り口）」と「テーマ」の関係を反映しており、色が方法論であるならば特定の絶対的価値をもつものではなく、「赤は黒と同じ（Red is Black）」という論につながる。ただし、最も重要なポイントは、選択した色がそのとき「自分（川久保さん）にとって強いかどうか」という問いである。「好きか嫌いか」は別の次元の話なのだ。　その後、90年代にはコム デ ギャルソンのコレクションにも比較的、黒以外のさまざまな色や柄が現れることが多くなる。「常に新しいクリエイションを目指す」ことが、会社でありブランドであるコム デ ギャルソンの不変の価値観であり、色はそのなかでのひとつの選択肢として機能することになる。だが、かといって黒が消えたわけではなく、やはりブランドの根幹をなす色であることに変わりはなかったといえよう（コム デ ギャルソン社にはショーで発表されるライン以外、さまざまなブランドが存在することも大きいだろう）。　コム デ ギャルソンの長い歴史の中で、「黒」をキーワードに盛り込んだコレクションが、次に登場するのは2000年代に入ってからだった。2009年春夏の「Tomorrow’s
Black」、つまり「明日の黒」だ。さまざまな素材の黒（ハードな人工レザーから透ける素材、光沢やマットな質感など）を使い、幾何学的パターンの組み合わせや構築的シルエットの実験、密集した装飾性など、現在でも散見される「黒の可能性」が探求されている。　その後、コロナ禍の東京で発表された2022年秋冬コレクションでは、「Black Rose」がテーマとなり、「私にとっての黒い薔薇のダークな美しさは、勇気、抵抗、そして自由を意味します」という川久保さんのステイトメントが伝えられた。パンデミックによって2020年秋冬から4シーズン、パリでのショー開催が中断された時期、コム デ ギャルソンも困難な状況の中、「原点」に戻るような試行錯誤が行われた、という印象を私は抱いていた。黒の薔薇に託された「勇気、抵抗、自由」は、川久保さんが最も大切にする価値観である。そのときの世界の動きに目を向けると、2022年秋冬のショーの数日前、2月24日にロシアによるウクライナ侵攻が始まっていた。「結局、最後に残るのは黒。究極的に、黒」　実は、川久保さんは、前述とは別の時期のインタビューでは「黒は最も好きな色」という発言もしている。つまり、ときには「好きなもの」から距離をおくことも方法論となり、また反対に戻ることもある。その振り幅のなかにクリエイションの「強さ」が生まれることこそが最も重要なのだ、という姿勢が長年のクリエイションの過程からも見えてくる。　言葉でコレクションを語ることを好まないコム デ ギャルソンではあるが、主に海外の限られたジャーナリストやメディアにはショーについてのステイトメントが英語の短いショーノート（テキスト）で伝えられることがあり、今回のそれは以下のような内容（日本語訳）だった。結局、最後に残るのは黒なのです。究極的に、黒。いろいろやってきましたが、最後は黒が私の色だという結論に至りました。とにかく、黒が最も強く、クリエーションに最も向いていて、反骨精神を体現する色なのです。そして、そのいちばん大きな意味は宇宙、そしてブラックホールです。　私は、ショーの数日後にヴァンドーム広場にあるコム デ ギャルソン パリ本社の展示会に訪れたとき、PR担当者から「Ultimately Black」というキーワードを再び聞き、「Ultimate」という形容詞ではなく、副詞が使われていたことに関心を抱いた。「究極の黒」という名詞表現ではなく、「究極的には、黒」という動的表現に意味があるように感じられたからだ。川久保さんは「究極の黒」を発見したのではなく、長年をかけて黒が内包するさまざまな可能性に行きついた、その流れとそれが意味することを表現したかったのではないだろうか。　黒は、多義的で、純粋な構造を最もよく表し、川久保さんの精神を貫く「反骨精神」を伝える強さをもつ。多くの人が、今回の「結論」に頷くことだろう。　そして、もうひとつ見逃せないのがステイトメントの最後に添えられた「ブラックホール」という言葉だ。１月に発表された　「コム デ ギャルソン オム
プリュス（COMME des GARÇONS HOMME PLUS）」のテーマも「ブラックホール」だった。その発表の際は、そこ（ブラックホール）から抜け出すべきものとしてのメッセージが込められており、昨今の混沌とした世界情勢や戦争の悲惨さの隠喩と受け取ることができた。しかし、今回のそれは少し趣が違い、ブラックホールが、どこか可能性を秘めたものとしての印象に変わっている。　近年では、天体の崩壊からブラックホールが生まれたとしても、崩壊しつつある物質の塊が高密度状態になった後、外側に跳ね返り新たな膨張状態に入る、という新説も生まれているという。川久保さんは、その宇宙エネルギーの継続的サイクルとしてのブラックホールをあらためて想起し、それをクリエイションとして黒に重ねたのではないか、とも想像が膨らんでゆくのだ。──後編に続く。

第1回「コム デ ギャルソン」はなぜ「黒」に戻るのか？（前編）

　そんな熱気のなか個人的にもっとも印象に残ったことを、まず申し上げましょう。「ジュエラーたちは、いまメンズウォッチに本気です！」　一般的に、腕時計専業ブランドはメンズの売上比率が高く、レディースの売り上げは苦戦しています。一方で、ジュエラーでもあるブランドはレディース腕時計の売上比率が高く、メンズの売り上げに課題を抱えています。そうした背景を考えると、多くのジュエラーが、これまで以上にメンズウォッチに力を入れてきたことは、当然の流れであると言ってもいいでしょう。14年ぶりに帰ってきたカルティエの「ロードスター」　今年もっとも大きな注目を集めたのは、「カルティエ（Cartier）」の「ロードスター」の復活でした。2002年に誕生し、近年はコレクションから姿を消していたロードスター。その独特なトノーケースと、自動車のスピードメーターを思わせるダイヤルデザインは、一部のコレクターの間では“カルティエの隠れた名作”として語られてきました。そして2026年、そのロードスターが帰ってきたのです。　現地で実機を見た第一印象は、「懐かしさ」ではなく、「今っぽさ」でした。ラージモデルは47.2×38.7ミリ、ミディアムモデルは42.5×34.9ミリ。防水性能は10気圧。数字だけ見れば決して小さい時計ではありません。ただ実際に腕に載せてみると、不思議なほど収まりがいいのです。理由はブレスレットにあります。新型「ロードスター」はブレスレットのリンク構造を一新して可動域が増えたことで、かつての“少しゴツいカルティエ”から、“かなり着けやすいカルティエ”へと進化していました。また、クイックスイッチシステムを採用したことで、ブレスレットからストラップベルトへの交換も簡単です。　実は、1904年に3代目ルイ・カルティエが飛行家サントス・デュモンのために作ったものが、世界初の男性用腕時計であると言われています。それを思い起こすと、カルティエは120年以上も前からメンズウォッチに本気だったのです。　「ロードスター」の復刻は、カルティエというブランドの再定義であると感じました。自動巻き（Cal.1899
MC）、パワーリザーブ約39時間、ケースサイズ42.5×34.9ミリ、SS。100メートル防水。154万4400円（予定価格・10月発売予定）。ブルガリが“薄さ”より“装着感”を選んだ日　今年、個人的にもっとも戦略的だと感じたのが「ブルガリ（BVLGARI）」です。　「オクト フィニッシモ」が、ついに37ミリ径になりました。“ついに”と書いたのには、理由があります。「オクト フィニッシモ」は、ブルガリの高い技術力によって、史上最薄の記録を何度も打ち立ててきました。イタリアのブランドらしい建築を思わせるケースデザインで、ラグジュアリースポーツウォッチに“美しさ”という概念を持ち込んだのです。　一方で、40ミリ径というサイズについては、「カッコいいけど大きい」という指摘も少なくありませんでした。そういった男性の声に、ブルガリは真正面から応えたのです。新しい37ミリ径「オクト フィニッシモ」の厚さは6.45ミリ。従来の40ミリ径モデルの厚さが5.15ミリだったのと比較すると、1.3ミリ厚くなっています。それでも、6.45ミリという厚さは、イタリア語で「極上」もしくは「極薄」を意味する「フィニッシモ」のモデル名に相応しいエレガントさをキープしています。　搭載したムーブメントは、新たに開発されたCal.BVF100。ここで重要なのは、“小さくした”ことではありません。わざわざ“新しいムーブメントを作って、小さくした”ことです。単なるバリエーション追加ではなく、ブランドの意思表示だと言っていいでしょう。　長く続いた“デカ厚”高級腕時計のブームは一段落して、ここ数年は、36～40ミリ程度のケース径を持つ腕時計が「ビジネスで使うことを考えるとリアル」だと言われています。“薄さ”という価値の頂点を追求してきたブルガリが、“小ぶりで薄い”新作を投じたとなると、腕時計のサイズはまた価値観が変わり始めているのです。自動巻き（Cal.BVF100）、パワーリザーブ約72時間、ケース径37ミリ、チタン。30メートル防水。価格262万9000円ヴァン クリーフ&アーペル “男性を魅せる物語”　今年、もっとも意外性を感じさせたのが「ヴァン クリーフ＆アーペル（Van Cleef & Arpels）」でした。これまではレディースのジュエリーウォッチやポエティック コンプリケーション（詩的な複雑時計）の印象が強かったこのメゾンが、“男性が欲しくなる複雑時計”を本気で作ってきたのです。　新作「ミッドナイト ジュール ニュイ ファーズ ドゥ リュンヌ ウォッチ」は、いまこの時の空にある月の形を表示します。こうしたムーンフェイズ機能は、すでに1929年、ヴァン クリーフ＆アーペルの歴史に登場していました。複雑機構でありながら、どこか静かで詩的な時計作りは、このころから始まっていたのです。　派手さで勝負するのではなく、知っている人だけが分かる美しさと存在感。近年の高級時計市場では、どうしてもスペック競争や希少性が話題になりがちですが、ヴァン
クリーフ＆アーペルは、“物語性”を商品価値に変えてきた先駆者であると感じます。自動巻き、パワーリザーブ約36時間、ケース径42ミリ、18Kホワイトゴールド。30メートル防水。価格2574万円（予定価格・6月発売予定）。ピアジェが思い出させた、“スポーツウォッチの品格”　「ピアジェ（PIAGET）」は、ジュエラーでありマニュファクチュールでもある実力者。「ピアジェ ポロ」という腕時計は、1979年に誕生したメンズウォッチです。「ポロ」という名前を持つとおり、ラグジュアリースポーツというジャンルの一翼を担ってきました。　新モデル「ピアジェ ポロ シグネチャー デイト」は、ゴドロン装飾を再解釈した美しいダイヤルを採用した、42ミリと36ミリの2サイズ展開。インターチェンジャブルで簡単に付け換えられるブルーのラバーストラップも付属しています。いずれのサイズも男性が着けられますが、36ミリをパートナーとのシェアウォッチとして使うのもおすすめです。　ジュネーブで数え切れないほどのスポーツウォッチを取材しましたが、その中でピアジェが見せたのは、“スペック”ではなく“品格”でした。大きさより、バランス。派手さより、奥行き。目立つより、長く付き合えること。そんな価値観が、今年のピアジェにはあります。自動巻き（Cal.1110P）、パワーリザーブ約50時間、ケース径42ミリ、SS。100メートル防水。244万2000円（4月発売予定）。※ケース径36ミリモデルはインデックスがダイヤモンド入り。500Ｐ1自社製の自動巻きムーブメントが搭載されて、261万8000円ヤマモトの見立て会場写真©2026 Watches and Wonders Geneva Foundation※腕時計は未入荷や売り切れの場合もあります。また、為替レートなどの影響で価格が改訂されることがあります。

Cartier

カルティエ「ロードスター」復活から見えたメンズウォッチの新潮流──ウォッチズ＆ワンダーズ取材記 vol.1

シャネルが減収減益から復調、バッグ「CHANEL 25」やココクラッシュが好調「シャネル」を運営するシャネル・リミテッドが、2025年12月期の通期連結業績を発表した。主要なすべてのビジネス活動がプラスに推移し、売上高は報告ベースで前期比3.0%増の192億6900万ドル（約3兆830億円）を計上。営業利益は同5.2%増の47億1200万ドル（約7500億円）を記録した一方で、税引後利益は有効税率の上昇などが影響し、同14.3%減の29億1300万ドル（約4700億円）で着地した。＞＞元記事を読むバーバリーが黒字転換　スカーフとアウターがけん引、168億円のコスト削減「バーバリー」を運営するバーバリー・グループ（Burberry Group plc、以下、バーバリー）が、2026年3月期のグループ連結業績を発表した。売上高は報告ベースで前年比2％減の24億ポンド（約5100億円）となった。前期は約7500万ポンド（約158億円）の純損失で、2009年3月期から16期ぶりの赤字転落となったが、今期の純利益は2100万ポンド（約44億円）を計上し、2年ぶりの黒字転換を果たした。＞＞元記事を読むデニム老舗「リー」が最大10億ドルで売却へ　ABGが取得「ラングラー」や「ヘリーハンセン」などを擁する米国のアパレル企業コントゥール・ブランズが、傘下の老舗デニムブランド「リー」を米国のブランド管理会社オーセンティック・ブランズ・グループに売却すると発表した。取引総額は最大10億ドル（約1590億円）。当初対価としての7億5000万ドル（約1192億円）に加え、業績に応じて対価の一部を後払いする「アーンアウト」分が最大2億5000万ドル（約397億円）に上る見込み。取引は今年後半に完了する予定だ。＞＞元記事を読む森ビルが15年ぶりにトップ交代　現社長の辻󠄀󠄀慎吾氏は代表権を持たない会長に六本木ヒルズや表参道ヒルズを運営する森ビルが、2011年以来15年ぶりに社長を交代する。新社長として、現取締役常務執行役員の向後康弘氏が就任する予定で、現社長の辻󠄀󠄀慎吾氏は代表権を持たない会長に就く。＞＞元記事を読む父親を殺害か、「MANGO」創業者の転落死で息子を逮捕スペイン発のファストファッションブランド「マンゴ」の創業者イサック・アンディック氏が2024年に転落死した事案を巡り、実の息子で同社取締役会副会長を務めるジョナサン・アンディック容疑者が逮捕されたことが分かった。複数の海外メディアが報じた。＞＞元記事を読むギャップ、バナナ・リパブリックの社長兼CEOにドナルド・コーラー氏を任命　7月就任ギャップ社が、「バナナ・リパブリック」の社長兼CEOにドナルド・コーラー氏を任命した。7月に同職に就任する。同氏はキャリアの初期にギャップ社で10年以上にわたり経験を積んだ人物。今回の就任を機に同社に復帰することになる。＞＞元記事を読む年数十万トンの廃棄衣類を宝の山に　リサイクル資材ブランド「CX アパレル」始動繊維製品のリサイクル事業を手掛けるエコログ・リサイクリング・ジャパンが、衣類由来の再生樹脂から作る生地・副資材ブランド「シーエックスアパレル」を始動した。表地や裏地から、ボタン、ファスナー、芯地まで、一着の服を構成する資材を一体的に提案することで、回収性の高い循環型の服作りの普及を目指す。＞＞元記事を読む映画ワイルド・スピードから軽トラまで　世界が熱狂する“JDM”【令和カーカルチャー③】“JDM”と呼ばれる日本車が、近年世界中の車好きから熱視線を集めている。JDMは「Japanese Domestic Market」の略で、本来は日本市場向けに生産された車を指す言葉。現在では、特に1980～90年代の日本のスポーツカーや、その改造を含めたカルチャー全体を指して使われることが多い。かつて日本では“走り屋”のイメージが強かったそれらの車は、映画「ワイルド・スピード」やレースゲームの世界的ヒットにより、今や漫画やアニメに並ぶ日本のクールコンテンツになった。そんな日本独自の車文化を、流暢な日本語で発信しているのがYouTubeチャンネル「スティーブ的視点」のスティーブさんだ。スティーブさんの発信を通し、日本人は逆輸入的にJDMの魅力に気づき、海外の車好きは日本の車文化への興味を深めている。米テキサス州在住のスティーブさんにオンラインで聞いた。＞＞元記事を読む

デニム「リー」10億ドルで売却へ、世界が熱狂する日本車“JDM”…【5分でわかる主要ニュース 5/17〜23】

無骨さと上品さを両立させた「セブン バイ セブン」のレザートートバッグ　“アーカイブに着想を得ながら、ディテールの再構築に終始するだけでなく、その先に隠れる新しい価値観を見つけ出す。フラットな目線で、時に偶然性も許容して”をコンセプトに掲げる「セブン バイ セブン（SEVEN BY SEVEN）」。古着に造詣が深いデザイナーが手掛けるコレクションは、デザインやディテールを再現した単なるサンプリングという粋に留まらず、独自の解釈で現代的にアップデートされた目新しい仕上がりが特徴です。今回はそんなブランドの思想を体現したトートバッグにフォーカス。2024年に登場して以降、継続して展開しているシグネチャーアイテムの一つです。忠実に再現したディテール 　主に1940〜1970年代頃にアメリカやヨーロッパなどで、作業員が工具を運ぶために使用していたツールバッグ。重い荷物の運搬を目的として作られたバッグとして、簡素ながら非常に頑丈な作りが特徴であり、機能とデザインを両立させた完成度の高さとスタイリングに馴染むシンプルな佇まいでヴィンテージ愛好家から注目を集めているアイテムの一つです。そんなツールバッグをサンプリングした「セブン バイ セブン」のトートバッグは、モチーフを忠実に再現したディテールが特徴です。象徴的なデザインである底面に打たれたリベットや短めのハンドル、ツールを引っ掛けるために使用していたサイドのフックなど細部にわたり完全踏襲。デザイナーは「その無骨で王道な佇まいに魅力を感じた」とツールバッグを採用した理由を語り、形を保つための芯や内ポケットあえて省くことで、ヴィンテージのニュアンスを色濃く感じさせ、時代に左右されないクラシックな佇まいを表現しています。古臭さを払拭する上品な素材使い　「古着を選び、それをテキスタイルとして捉えて新しいものを作る。それは料理人が食材を選ぶような感覚に近く、どのように調理するかが重要」とデザイナーは語ります。ツールバッグのディテールを踏襲しながら、ブランドらしくアップデートさせた大きな変更点として挙げられるのが素材使いです。従来は高いオンスのキャンバス地を使用しているのに対し、きめ細かい牛革のスプリットスエードを採用。しなやかな素材で仕立てることで従来のタフで重厚感のあるイメージを払拭し、モチーフとは一線を画す洗練された仕上がりへと昇華しています。　牛革は一般的に銀面と床面に分けられますが、スプリットレザーとは床面を加工して仕上げた素材のことを指します。銀面と比較すると安価ながら遜色ない高級感があり、表面にはポリウレタン樹脂などで加工が施されているため優れた耐久性や耐水性を備え、日常使いするバッグとしてはこれ以上ないほどマッチした素材なのです。従来のキャンバスと同様に経年変化を楽しめ、使い込むことで表情が深まっていくという点では共通しており、この大胆な素材替えが最大の特徴です。シーン問わず使えるシンプルなデザイン　普遍的なデザインがゆえにどんなスタイリングにも馴染みます。ヴィンテージモチーフなのでカジュアルな着こなしにはもちろん、スエードの素材感に合わせた上品なスタイルにも相性抜群です。秋冬のイメージが強いと思われがちなスエードですが比較的起毛感が強くないため、春夏でもすんなり取り入れられ、特にTシャツやサンダルなど軽装になりがちなこれからの季節には、少しの上品さを加えてくれるエッセンスとして重宝するはずです。　ハンドバッグを選ぶ際のポイントとしてよく挙げられるのがハンドルの長さ。肩に掛けられる長さのものを選ぶことが汎用性という意味では一般的かと思いますが、このバッグにおいては先述の通り短めに設計されているため手持ち一択です。一見すると不便そうに思えますが、手持ちならではの無骨なムードを演出し、さらに身長が低い方は肩に掛けるより手持ちの方がバランスよく収まるため使いやすく、この潔さもある種の魅力ではないでしょうか。不便さすらも超え愛用したくなるような魅力が詰まったアイテムをチェックしてみて。◾️「マイスタンダード」バックナンバー・優雅な曲線美に惹かれる「ハトラ」のイヤーカフ・歪さが生む美しさ、「プリーク」のハートリング・植物の恵みを肌で受け取る「ネモハモ」のブースターオイル・色褪せない名作を再構築、「ビューティフルピープル」のバッグ＞＞バックナンバーを見たい方はこちらから

SEVEN BY SEVEN

お買いモノ

【マイスタンダード】無骨さと上品さを両立させた「セブン バイ セブン」のレザートートバッグ

パリの学校に通うも表現に飢えてセントマへ　入学準備は自力で──国内外さまざまなファッションスクールがある中で、Onoさんがセントマを目指した理由はなんだったのでしょうか？　僕は広島県出身で、東京への憧れが漠然とあったことから最初は文化服装学院を目指していました。でも、色々とリサーチする中で、技術とデザインの両方のスキルを磨きたいと思うようになり、海外にも目を向けたんです。そこで高校卒業後に、まず通ったのがパリの専門学校でした。留学制度や家賃補助を活用したら、東京で一人暮らしするよりも安く抑えられて。でも実際に通い始めたら、カリキュラムのメインは縫製の仕方やパターンの引き方で、望んでいたデザインを学ぶのは難しかった。むしろデザインに関しては保守的というか。それで思い切って中退したんです。そこから、セントマに挑戦することを決めました。──セントマは“学部準備”的な立ち位置のファウンデーションコースでまずは基礎を学び、その後にBAに入学するのが通例です。入学時の準備や、学部専攻はどのように進めましたか？　完全に独学でしたね。ファウンデーションコースもいくつか専攻が分かれているのですが、僕はファッションではなく、ファインアートを選びました。パリの学校でデザインを発表する場が少なく、表現に飢えていたんですよね。ただ、最終的にファッションデザインで大学に入学するなら、ファウンデーションコースでも同じ学科にするのが暗黙の了解だった。それを知らずにファインアートを選択したので、BAにファッションデザイン専攻で進学する際の受験勉強も自力でするしかなくて。友人や知人、進学した人のスケッチブックやポートフォリオを分析して、自分なりにポートフォリオを制作しました。──実際に入学してみて、デザインを学ぶという観点でセントマはどうでしたか？　僕の感覚で率直に言うと、教育面においては100％満足がいくものではなかったです。ファッションデザインに関するカリキュラムが充実しているというより、個人の努力に委ねられている部分が大きかった。ファウンデーションコースの時から、授業に通うよりもポートフォリオ制作に時間を充てたいと思うようになりました。BAは違うかもしれないと思い進学しましたが、そこでもやはり成果を出すために、個人プレーの比重が大きいなと感じました。──そうした実体験が、「ファッション教育」への興味に繋がったと。　そうですね。時系列が少し前後しますが、ファインアートのファウンデーションコースからファッションデザインのBAを受験して受かったものの、実は一度入学を辞退したんです。授業から「ファッションを学ぶ」ことが少ないなら、このままストレートで進学するよりも、別の形で土台を固めてから改めて入学したらいいんじゃないかと考えて。その方が、セントマのネームバリューを活かしながら、在学中から活動を始められるんじゃないかと思ったんです。そこから「ファッション教育ってなんだろう」と深く興味を持つようになり、他の教育スタイルも知りたくなって「ここのがっこう（coconogacco）」に入学しました。──「ここのがっこう」もセントマの教育方針を受け継いでいるところはありそうですが、Onoさんはどのように感じましたか？　大枠ではセントマと同じく、思考力や課題解決力を意識的に高めようという人が着実に成長していくように感じました。逆に言うと、打開策を自力で見つけられないと、入学時から思うようにレベルが上がらずにもどかしさが募ってしまう。実際にそう言って卒業する友人もいました。経験則からセントマ受験をサポートする活動を開始──それから、現在行っている私塾のような活動を始めるに至ったんですね。　自分自身もそうだし、学校を辞めてしまった友人たちの声を聞くうちに、おこがましいかもしれませんが、大きな学校という形ではなく僕個人でも、なにか日本のファッション教育に役に立てることがあるんじゃないかと考えるようになりました。　最初はセントマ志望の友人に対してトライアル的に教えてみたら、実際に受かる人が毎年増えていった。自力で学んだ方法でしたが、意外にも他の人に応用できるんだなと思い、2024年から本格的にセントマ受験生のサポートプログラムを行っています。──具体的には、どのようなポイントを重点的に教えているのでしょうか？　セントマは服飾の学校というより芸術大学なので、ファッションだけではなく美的感覚、つまりセンスを磨くことに注力しています。自分の体験に基づいたプロセスなのですが、ファインアートや芸術分野の表現方法を理解した上で、その視点やテクニックをファッションデザインに逆輸入する方法を伝えています。服飾の技術ベースではなく、「表現全般」においての高いレベルとは何かを基礎としてファッションデザインに取り組むと、格段にクリエイティブの質が変わってくるというのが、実体験としてあったからです。ドローイング、コラージュ、イラストレーション、マテリアルの扱い方など具体的に造形や余白にアプローチする方法は、美術においては基礎かもしれませんが、ファッションで学ぶ機会は驚くほど少ないんです。──個人的に、センスの醸成は生育環境や人生の経験も影響しているように思います。例えば、幼少期から親の影響で音楽やアート、ファッション雑誌に囲まれている環境で育ったら、必然的にセンスも磨かれるというか。だからこそ、ある程度の人格や素養が固まる思春期を過ぎてから、改めてセンスを高めるのは簡単なことではないと思うのですが。　おっしゃる通り、幼少期から芸術や教養に触れて成長した人はセンスを磨くという意味で有利だとは思います。でも、センスを磨くにも、ある程度のロジックがあるというのが僕の経験則です。受験勉強の1年ほどでセンスを一から習得しようとしても、時間が足りませんが、僕の経験談からセンスを磨くための道筋をサポートすれば、ショートカットして実践と習得が蓄積できる。自分の作品だけではなく、他者の作品の良し悪しを見分けられないと、自分のレベルがどこにいるかもわからない。そうした審美眼を養うことに重きを置いています。──韓国では、海外の大学受験に特化したファッションスクールのビジネスが徐々に成長していると聞きました。　韓国は私塾の規模を拡大していると聞きますね。ただ、話を聞いた限りでは、ポートフォリオ制作の方法を教えるのがメインだそうなので、入学後のスキルの下支えになっているかというと、充分ではないのかもしれません。資金に余裕のある人は大規模なスクールに、そうではない人は私塾を受けている印象です。現在、僕はセントマ受験に特化したマンツーマンのプログラムを主に行っていますが、今後はそのプログラムで培ったノウハウを生かして、ファッションデザインの実力を伸ばしたい方に向けたクラスもやっていきたいと考えています。試練はスキルアップのクエスト──BA在学時はどうでしたか？　実際に通ってみると、在学中に制作を辞めてしまう人が多くて驚きました。他の芸術大学でも似たような現象はあるのかもしれませんが、倍率が高い受験を乗り越えて、いざ入学してみると、上には上がいることに気がついて、自分の制作物にコンプレックスを感じてしまうことがあります。作品が完成しても、周りにもっとすごい人がいて圧倒されてしまうというか。そういう環境なので、授業の自由度が高い点は楽しくもあった反面、中途半端な作品に留まってしまう危険もありました。例えば、制作にコンプレックスを抱えたまま、1ヶ月で1着を作るという授業を受けると、結局、納得がいく作品が出来ずに終わってしまうような。　一方で、先ほど話したように個人プレーの資質が高くモチベーションを保てる人は、在学中から自主制作で名前をあげていく。そうした二極化が起きていると感じています。──各々の創造性に委ねられている分、自分が保てないと厳しい世界なんですね。　体感だと、高い熱量をキープしていたのは、クラスの1、2割くらい。徐々に授業に来なくなって、卒業だけする人もそこそこいたと思います。こうした実情を知らずに入学するとギャップを感じるでしょうし、自由度が高い授業内容に対し「思ったより教授が教えてくれない」とネガティブに捉えてしまう。セントマは入学する前も後も、結構スポ根だと思います（笑）。授業を受けて制作するだけでなく、個人で積極的にインプット・アウトプットし続ける必要があります。──ちなみに、セントマ生の皆さんの進路はどういったところが多いのでしょうか。　僕の周りは、自身のブランドを立ち上げるというより、ブランドに就職する人や、ファッションとは関係ない職を目指す人も多かったです。セントマは学内であまり技術的なことを習わないので、創造性を養う意味では強みでしたが、実は就職に不利な部分もあるんです。在学中にそれに気がついた人は、自主学習で技術面もカバーして、ファッションの仕事に就けている印象でした。──Onoさんは、どのようにそのモチベーションを保ったのでしょうか？　僕自身は、小中高とサッカーをしていてスポ根が染み付いていたから、自然となじめたんですよね。基本的に努力が楽しいと思える性格というか。それから、小さい頃からゲームが好きで、自分の人生をRPGのように捉えていることも、いい意味で役に立ったのかもしれません。試練もスキルアップのクエストみたいに思えたんです。もちろん、入学後は幻想が崩れた瞬間はありましたが（笑）。ここは個人プレーのフィールドなんだと分かってからは、Instagramでの発信に力を入れました。大学のネームバリューが使えるうちに、自分の認知度を高める方法として出来るだけ制作物をアップしました。徐々にフォロワーが増えて、ArcaやFKA Twigsとのコラボレーションにも繋がりましたね。Yudai OnoがArcaに提供した衣装（2024年）──今後のご自身の活動の予定は？　これからも活動の拠点はロンドンです。自分のブランドについては、シーズンに縛られずに制作を続けていきます。まずは卸ではなく、自社ECやインスタグラム上で販売する予定です。ただ、やはりファッションは体験も大事だと思うので、ポップアップも開催できたらなと。　教育面では、これまでは人伝にDMなどで連絡をいただいてマンツーマンのレッスンをしていましたが、近日中に新しいプログラムを募集予定です。セントマの入試期間は毎年1月末なのですが、6〜7月には受験勉強を始めないとギリギリではあるのですが。構想としては、入試で必要なポイントを一部YouTubeなどで公開しながら、より広く募集をかけるつもりです。　日本にもいずれ帰国したいなとは考えていますが、軌道にのるまではひとまずロンドンにいるつもりです。最終的には、ブランドと教育の双方の活動を通して、日本のファッション業界を盛り上げる一端を担いたいと思っています。海外からも、日本のファッションシーンが面白いと思ってもらえるよう、微力ではありますが努力し続けたいです。

セントマ受験向けの私塾を主催　ファッションデザイナーYudai Onoが語る学生生活のリアル

今日の1番さん：教員 男性──FASHIONSNAPです！「今日の1番さん」という企画で参りました。　いつも見ています！平日発売のアイテムで買えなかった時とか、1番さんでチェックしているんですよ（笑）。──嬉しいです！今日は整理番号は何番でしたか？　17番です。買いたいものがしっかり残っているくらいの番号だったので、ラッキーでしたね。──今回のコラボは2度目になりますが、初回も購入しましたか？　前回はオンラインでブラウンのフーディーを買いました。ただ届いたらサイズが合わなくて、結局妻に譲ってしまったんです。──このコラボに注目した理由は？　もともとNIGO®︎さんの大ファンで、ファッションだけじゃなくインテリアの趣味など、彼のライフスタイル全般にすごく影響を受けてきました。それと妻も私もBTSが好きで、彼らが頻繁に着ていることもあいまって、ヒューマン メイドの服をよく買っています。日本ファッション界の第1人者であるNIGO®︎さんと、ゲーム界を代表するポケモンのコラボという、斬新な組み合わせが面白いと思いました。──今回は何を買ったんですか？　Tシャツを2枚とペン、それからデニムジャケットを買いました。特にデニムジャケットはお気に入りです。背面にチェーンステッチで施されたピカチュウの刺繍が最高に可愛い。刺繍の質感が写真で見るよりもすごく豊かで気に入っています。ポケットのボタンが一つだけモンスターボールになっているのも、さりげなくて良いです。──購入したアイテムはどういうスタイリングで着たいですか？　NIGO®︎さんのようにデニムオンデニムで着たいのですが、あまり得意ではないのでもう少しドレス寄りのチノパンツなどを合わせようかと。色落ちやダメージのない濃紺なので、クリーンなスタイルの外しに使いたいです。これを着てポケパークに行きたいですね。──今日のスタイリングのポイントは？　「リーバイス（Levi's®）」とNIGO®さんのコラボジーンズですね。彼が所有しているヴィンテージの501ジーンズを復刻したもので、左右でサイズの異なるポケットの袋布といった仕様はもちろん、細かなダメージやリペア痕など、元になった個体のコンディションを忠実に再現したものです。世界100本限定で発売当時は入手できなかったのですが、その後セカンドハンドで偶然出会ってすぐ購入しました。──並んでいらっしゃる時からそのジーンズが気になっていたんです！他のアイテムについても教えてください。　キャップはヒューマン メイドとコカコーラのコラボキャップで、同じデザインのTシャツをBTSのVが着ているのを見てお揃いにしました。ジャケットも、リーバイスとNIGO®さんのコラボです。トップスは「ラルフ ローレン（Ralph Lauren）」のカシミヤセーターで、キャップのロゴと色を合わせてみました。──バッグは「ルメール（LEMAIRE）」でしょうか。靴はどちらのものですか？　ルメールのバッグは新婚旅行でフランスに行った際にパリの本店で買いました。靴は「オールデン（Alden）」のものなのですが、これもパリの「アナトミカ（ANATOMICA）」で購入した別注品です。どちらも思い出の品ですね。本当は「カルティエ（Cartier）」のベニュワールという時計を付けようと思っていたんですけど、家に忘れてきてしまいました...。──ヒューマン メイドのキャップにクラシックなオールデンなどを合わせるバランスがいいですね。ちなみにご職業は？　教師をしています。生徒から「ファッションが普通」と言われてしまったので、ピカチュウのデニムジャケットで遊び心を見せようと思います（笑）。──背中で語りましょう！今日はこれからどちらに？　実家に帰るところなので「アイムドーナツ（I’m donut?）」でお土産を買っていきます。──ご協力ありがとうございました！

HUMAN MADE

『今日の1番さん：ヒューマン メイド × ポケモン編』NIGO®︎マニアの男性教師にインタビュー

振る舞いをデザインするスーツ⎯⎯ハズバンズというブランド名は、ジョン・カサヴェテス（John Cassavetes）監督の同名映画から取ったそうですね。どんな背景が？　カサヴェテスの映画には、私が常々大切にしている生々しい感情と人間味があります。特にこの作品では、旧来のエレガンスを追求するのではなく、「男であること」のあらゆる矛盾と向き合いながら、自分自身を模索する男性たちが描かれている。そこには脆さと男らしさ、洗練と混沌、自由と秩序といった相反する要素が共存していて、その狭間に生じる緊張感こそが私たちのブランドの核心でもあるのです。あと、単にその名前自体が持つ皮肉さが大好きでした。「ハズバンズ」という響きは伝統的で保守的に聞こえるかもしれませんが、この映画が本当に描こうとしているもの、そして私たちが共鳴しているものは、もっと実存的で感情的で、生き生きとした何かなのです。⎯⎯イギリスの生地と仕様を採用しながら、あえてナポリのアトリエで仕立てるのはなぜですか？　歴史ある英国の生地には、他国では真似できない深みと重みがある。密度やドライな質感、シルエットに与える存在感は魅了的で、どこか建築的です。しかし、ともすれば堅苦しくなるイギリスの仕立てまで忠実に再現する必要は感じない。一方のイタリアの仕立ては流動的で、構造を保ちつつも身体や着る人の個性に合わせた自然な動きを叶え、官能を生みます。イギリスの生地や設計が骨格となり、イタリアの仕立てが服に命を与えるのです。対極的な両者の融合自体が、二面性や矛盾というブランドの哲学を反映していますし、極めて現代的だと言えるでしょう。伝統的あるいは普遍的であることよりも、人間味のあるパーソナルな服を創りたいのです。⎯⎯HUSBANDSのジャケットやトラウザーズの特徴を教えてください。　最も大切にしているのは、シルエットです。服というよりも、一目でハズバンズと分かるような「立ち振る舞い」を作り出したかったのです。着る人の立ち方や動き方、自分自身に対する認識を一瞬で変えるようなものを。具体的に言えば、ジャケットは力強いショルダーライン、長めの着丈、絞りの効いたウエストラインが特徴です。縦長のラインにはシャープさと官能性が同居し、堅苦しくはないものの適度な緊張感があります。パンツはウエストが高めに、太もも部分はゆったりと設定され、裾はわずかにフレアして歩く際に動きを生み出します。我々が愛する1970年代特有のスタイルです。ただ、意識しているのは、ノスタルジックや衣装のような印象に陥らないこと。着想源が過去にあるとしても、常に「今」という瞬間に対する欲望を喚起することです。ハズバンズの服は、着る人に確かな自信を与えるためにデザインされています。エレガンスは気づかれた瞬間に終わる⎯⎯「1970年代的なスタイル」と目されることが多いと思いますが、実際にその時代を参照しているんですか？　特定の年代を再現することには興味がなく、どの時代にも興味があります。ブランドを立ち上げた頃は、1960年代の過激なほどにシャープでモダンなスタイルに、最近では1990年代の知的なミニマリズムに惹かれています。もちろん、エレガンスに宿る危険な官能を理解していたという点で、ミック・ジャガー（Mick Jagger）やイヴ・サンローラン（Yves Saint Laurent）のような1970年代のアイコンは重要です。ただ、私たちはファッション以上に、映画や音楽、文学、絵画といった広範な文化から着想を得ています。作家のサミュエル・ベケット（Samuel Beckett）から音楽家のジャーヴィス・コッカー（Jarvis Branson Cocker）、画家のデヴィッド・ホックニー（David Hockney）やサイ・トゥオンブリー（Cy Twombly）まで、私たちの興味を引くのは表現に宿る強烈な個性なのです。多くの人が我々の服を見て1970年代を想起するのは、その時代がテーラリングが華やかで自由だった最後の時代で、皆どこかでその時代に憧れがあるからかもしれません。⎯⎯スーツは素人目には違いが分かりにくい服です。一目でHUSBANDSと分かるユニークなディテールを開発しなかったのはなぜですか？　真のエレガンスとは、一目で伝わる小手先の仕掛けからは生じないからです。私たちは、差別化やブランドの識別を目的とするようなデザインには懐疑的です。単なるブランディングにしかならず、美しさにはつながらない例が多々あるからです。私たちが重視するのはもっと繊細で、おそらくもっと難しいこと。あからさまなディテールではなく、プロポーションやアティテュードによって識別されるようなデザインです。かつて、ミウッチャ・プラダは「衣服の背後にある知的な背景が目立ちすぎると、その魅力が失われてしまう」と語りました。ジャン・コクトーも「エレガンスは気づかれた瞬間に終わる」という言葉を残しており、私たちは彼らの考えに深く共感しています。ですから、シグネチャーとなるディテールを開発することよりも、シルエットそのものに注力することを選びました。ジャケットのシルエットやパンツのドレープ、官能と厳格さのバランスといった要素です。分かりやすさはありませんが、時が経てば深いアイデンティティを築き上げます。　こうしたニュートラルなデザインには、もうひとつ重要な側面があります。私たちは、ハズバンズがユーザーにとって真っ白なキャンバスであることを望んできました。ユーザー自身がデザイナーとなり、私たちの服を用いて独自の言語、シルエット、キャラクターを構築していってほしい。服の役割は着る人に個性を押し付けることではなく、着る人の個性が現れるための条件を整えることなのです。⎯⎯スタイリングもHUSBANDSらしさを生む上で大きく寄与していると思います。どのようなものから着想を得ていますか？　1つ目はファッションそのもの。私たちは、クラシックなメンズウェアの規律と不変性をベースに、ファッションに特有の自由と過激さを取り入れることで、緊張感を生み出そうとしてきました。2つ目は、より広義の文化です。何百本もの映画、何千枚もの写真、絵画、書籍、音楽などから、私たちは絶えずイメージを吸収しています。特に映画は、完成された世界観や雰囲気、所作といった多くの要素を含む芸術で、多大な影響を受けています。映画の一人のキャラクターが、一つのファッションショーよりも大きな影響を与えることもあるんですよ。　ただ、実は最も重要なことは、街行く人々を観察することです。誰かが自然にジャケットを着こなす様子、プロポーションの不均衡、ちょっとした仕草、無意識のうちに生じているディテール。それらすべてが、私たちの作品に栄養を与えています。インスピレーションというものは、特定の時代やデザイナーを引用したいという欲求というよりは、絶え間ない観察で視覚的・感情的な語彙を築く過程から生まれるのです。カジュアルウェア隆盛がテーラリングを解放した⎯⎯ブランドを立ち上げた当初よりメンバーが増え、チームとして成熟したとよく話していますが、それは服にどう反映されていますか？　過去と現在の要素が同居するようになりました。つまり、一方には過去のファッションや芸術に対する私自身の文化的執着があり、また一方には若いスタッフたちが持ち込む現代的な視覚表現や、最新のカルチャー、モダンな装いのスタイルがある。その融合が、ノスタルジアとは異なる「今らしさ」をもたらしました。だからこそ、若い世代の共感を呼んでいるのだと思いますし、女性からの支持が集まる理由でもある。私たちは単なる衣装や、古臭い男らしさを提案しているわけではありません。ハズバンズは、現代の感性によって絶えず濾過されていて、今を生きる人たちの自己表現を助けるツールなのです。⎯⎯ストリートファッションが支配的だった2010年代を経て、「スーツを着る」という行為の意味はどう変化したと思いますか？　ここ数十年で、スーツを着るという行為は根本的に変化しました。長い間、男性は社会の要請に応じてスーツを着ていた。スーツは、義務やヒエラルキー、同調圧力と結びつく制服のようなものでした。しかし、特に2010年代にカジュアルウェアやストリートウェアが台頭してからは、そうした要請や義務がほぼ消え去り、スーツは必需品としての立場を失いました。ただ、一方で新たな役割も獲得しました。社会的な制服でなくなった代わりに、個人的な主張へと変貌を遂げたのです。逆説的ですが、カジュアルウェアの台頭こそがテーラリングを解放したと言えるでしょう。今日、スーツを着るということは能動的な選択で、テーラリングは自由と表現の場となったのです。スーツは、着こなし次第で官能的にも知的にもなり得るし、時に厳格に、時にロマンチックに、あるいは反逆的にもなり得る。計り知れない表現の可能性を秘めたものになりました。⎯⎯一方で、ここ数年はクラシックファッションへの回帰が起きていますね。　この現象は、単なる流行やノスタルジック回帰以上のものだと思います。私たちは、カジュアルウェアが依然として支配的だったブランド設立当時も、シルエットの探求やエレガンスの中にある自己表現、服が一人の人間の在り方に与える影響を、人々がいずれ再発見すると感じていました。流行が繰り返すものだからというより、人々が装いに感情的な深みを求めるようになると考えていたからです。私たちは少し早すぎたかもしれませんが、結果としてストリートウェアの隆盛がテーラリング復活の契機となりました。そして、この動きは今後も続くと私たちは考えています。それはスーツが人間の本質的な欲求、すなわち「装うことに対する渇望」に応えるものだからです。⎯⎯スーツスタイルの面白さは、例えばストリートファッションと比較してどのようなところにあると思いますか？　多くの人が抱くイメージとは異なり、テーラリングは制約的なものではなく、極めて表情豊かなものです。ショルダーラインやウエストの位置、着丈、プロポーションなどのわずかな変化が、服の持つ感情的な意味を完全に変えてしまう。そのバリエーションは無限大で、尽きることのない豊かさがあります。ストリートウェアは往々にして、非常に明確な文化的コードや所属などを示す記号性を帯びています。一方、現在のスーツはより開放的で、はるかに個人的です。着る人に最も豊かな語彙を与える服だと思います。小津安二郎、三島由紀夫からの影響⎯⎯ファッションに限らず、日本文化の中でHUSBANDSのクリエイションに影響を与えたものがあれば、具体的に教えてください。　あげればキリがないですね。日本文化は長年にわたって、ファッション以上に私に影響を与えてきました。まずは映画です。小津安二郎、黒澤明、大島渚、是枝裕和、北野武といった監督たち。特に小津が私を魅了するのは、その抑制の効いた表現と感情を描写する正確さ、そして日常のちょっとした仕草に注目することで心を揺さぶるものを生み出す点です。また、文学では三島由紀夫を第一に挙げます。美と規律、官能、破壊の間に生じる緊張感が素晴らしい。谷崎潤一郎や川端康成、村上春樹からも影響を受けました。　しかし、私に最も影響を与えているのは、日本人特有の生き方です。物事をきちんと行う姿勢、美しい所作、おもてなしの精神、細部へのこだわり、職人技への敬意。どんなに些細なことにも、並外れた真剣さが注がれていると感じます。日本では、品質が単に物自体の質のことだけではなく、そこに隠された意図や配慮、そして製品を取り巻く体験全体の質として捉えられていますよね。私たちはその考え方に強く影響を受けています。エレガンスとは視覚的なものだけでなく、行動や感情に紐づく道徳的なものでもあるということを、日本文化は教えてくれるのです。⎯⎯最後に、今回用意した生地の中で特に日本のファンに勧めたいものを教えてください。　「スタンドイーブン（Standeven）」の「Heritage Twist」を強くお勧めします。奥行きがあり、極めて複雑な表情を持つ生地です。光や動きによって、常に異なるニュアンスを見せてくれ、ハズバンズのスタイルと非常に相性が良いんです。また、今回用意しているメーカーのモヘア混生地は、夏用として実に素晴らしいものが揃っています。わずかに光沢があり、シネマティックでレトロなエレガンスをたたえています。軽く涼やかで弾力性があり、機能性に優れた良い生地です。

真のエレガンスは小手先からは生じない、パリ発「ハズバンズ」の“所作”を変えるスーツ

CASE01. 濱本愛弓さん 大阪の美容学校を卒業後、アパレル販売を経験してスタイリストに転向。約4年のアシスタント期間を経て、2018年に独立。モード誌やファッションメディアを中心に幅広く活躍中。ランジェリートップスをデイリーに楽しむ⎯⎯2026年春夏、注目のシアーアイテムは？引き続き、ランジェリーなどをデイリーに見せてスタイリングするスタイルは注目しています。⎯⎯注目した理由とスタイリングする時のポイントは？ランジェリーをスタイリングに入れるときは、ヘルシーなバランスになるように心掛けています。今回のようなアイテムだと、デニムやスウェットパンツなどに合わせてスタイリングすることをおすすめします。⎯⎯猛暑を乗り切る今年らしい着こなしのコツは？シアーのタンクトップは取り入れやすいかなと。レイヤードしてスタイリングすると、シアーに抵抗のある方にも着ていただけるんじゃないかなと思います。Styling Tips✔️ランジェリータイプはヘルシーに着こなす✔️デニムやスウェットパンツと組み合わせるのがコツ✔️タンクトップはシアー初心者におすすめCASE02.由田静さん スタイリストとして活動を開始し、2015年に独立。現在はファッション雑誌をメインに活動中。最近は海外旅行欲が再熱。次に狙っているのはドイツのベルリン。ミックス＆マッチなシアースカートの着こなし⎯⎯2026年春夏、注目のシアーアイテムは？「プラダ（PRADA）」のシアースカート Vネックニットにブルマ、スーパー華奢なスカートのコーディネート。⎯⎯注目した理由は？全然違うもののミックスが素敵です。シアースカートが、全てを引き立てていると思います。ブルマと深Vネックを中和してくれる存在で、あと５キロ痩せたら着たいです。⎯⎯猛暑を乗り切る今年らしい着こなしのコツは？近年は、コットン系のものを選ぶようにしています。基本的にシアーアイテムって、通気性が悪いので暑いです。涼しそうに見えて、暑いです。Tシャツなどコットン素材のものを着た方が涼しいですよ。⎯⎯私物のシアーアイテムでお気に入りは？「ヤンヤン（YanYan）」のニットドレス ヤンヤンはたくさん持っている大好きなブランドで、このドレスはオールシーズン使えます。普段は、ボトムに太めのデニムパンツを合わせたりしています。「フミカ_ウチダ（FUMIKA_UCHIDA）」のシアートップス 二重のデザインになっていて、クロップドトップスとしてもロングトップスとしても着られます。ピタピタで実は通気性悪くて暑いですけど、この色合いと透け感の感じが好きです。「フミカ_ウチダ」のこのシーズンのアイテムがどれも可愛いので、今も欲しいです。Styling Tips✔️シアースカートをレイヤードして主張の強いアイテムを中和✔️コットン素材だと通気性が高くておすすめ✔️シアーニットドレスにはワイドデニムをコーディネートCASE03.早川すみれさん スタイリスト長瀬哲朗氏に師事し、2011年に独立。2014年には文化庁新進芸術家在外研修員としてベルギーでダンスカンパニーの舞台衣装に関わった。現在は雑誌や広告を中心に活躍。モダンで遊び心のあるスタイリングに定評がある。着心地よく肌に寄り添うインティメイトなデザイン⎯⎯2026年春夏、注目のシアースタイルは？今季のシアーの取り入れ方でキーワードになるのが、自らが心地よくなるための部屋着。ゆったりとしたシルエットにシアー素材を取り入れています。ナイトウェアを連想するスリップドレスも官能的でありながら、繊細なレースやカッティングに、着ている本人がうっとりするような感覚を潜めているように感じます。 洋服を着ることでリラックスし、コージーで特別な時間を得られるーー今季のシアー使いは個人のインティメイト（親密）な時間に取り入れたシアー素材を、あえて公共の場でファッションとして開放するイメージです。⎯⎯私物のシアーアイテムでお気に入りは？⎯⎯猛暑を乗り切る今年らしいスタイリングのコツは？シアー素材は、夏になると暑くて露出せざるを得ない肩、お腹、足などの肌見せをオブラートで包みこんでくれて、開放しやすくなります。 スタイリングのキーポイントでありながらも通気性があるものも多く、機能面でも湿度が高い日本の夏にフィットします。 今年らしい着こなしは、ベアトップやキャミソールの上からシアー素材を重ねたり、レースのスリップをベーシックなトップ×パンツのスタイリングにレイヤードしてみたり。オーバーサイズのトップの下にシアースカートをはくのもいいですね。 肌見せが少し恥ずかしいパーツや、スタイリングの中で物足りないポイントに取り入れるのがおすすめです。Styling Tips✔️シルエットはゆったりめ✔️レースのスリップなどナイトウェア系のデザインが狙い目✔️ベーシックなスタイルにレイヤードして物足りなさを払拭

濱本愛弓／由田静／早川すみれ

スタイリストはどう着る？ シアーアイテム攻略ガイド【2026年春夏】

ブランドの“記憶”を読み直す　NIGO®︎がケンゾーで最初にコレクションを発表したのは、2022年秋冬シーズンだった。就任後初のショーということもあり、その内容は多くの関係者やファンから注目されていた。デビューコレクションの中で、NIGO®︎の姿勢が象徴的に表れていたルックがある。　ベレー帽をかぶったモデルは、ネクタイを締めたシャツにストライプのスラックスを合わせている。ベースは西洋的なテーラードの装いだ。しかし、その上に重ねているのは、日本の道服を連想させるアイテム。このスタイリングは、単なる和の引用ではない。西洋のテーラードと、日本的な衣服の構造が一つの装いの中で重なり合っている。　この構成は、ケンゾーというブランドの出発点を呼び起こす。創業者の高田賢三は1970年代にパリでブランドを立ち上げ、日本的な色彩やモチーフ、シルエットを西洋の服飾文化の文法の中で再解釈した。異なる衣服の論理を一つの装いで重ねること。これこそが、ケンゾーの原点だった。　1970年代のケンゾーを想起させる要素も登場した。たとえば、NIGO®︎就任後に繰り返し登場することになる「ボケ フラワー（Boke Flower）」もこれにあたる。シンプルかつグラフィカルでストリートブランドのロゴのようにも見えれば、1970年代のケンゾーの装飾にも見える。その曖昧さこそが、このモチーフの魅力である。　上2つのルックはセットアップだが、テーラードジャケットとスラックスの組み合わせではなく、ワークウェアによって構成されている。本来テーラリングの文法に属するセットアップを、ストリートで重用されるワークウェアで表現する。ここにもNIGO®︎の審美眼が見てとれる。　NIGO®︎の姿勢は、シルエットにも表れていた。日常的に着用できるカジュアルウェアを基盤にしている一方で、全体のバランスはパリブランドらしい落ち着いたムードに整えられている。ライダースジャケットにチェック柄のミニスカートを合わせたルックは、ストリートの要素を強く感じさせるが、横のボリュームは抑えられ、コンパクトな形とミニ丈のバランスによって端正に仕上がっている。　チェックのワンピースにチェックのタイツを合わせたスタイリングは、非常にカジュアルだ。しかしストリートブランドのような強い主張はない。むしろ上品な空気をまとっている。　コレクション全体に浮かび上がったのは、「抑制」という言葉だった。ストリートの引用を強く打ち出すのではなく、ブランドがもともと持っていた色彩やモチーフを用いながら、シルエットやスタイリングを現在の装いとして整えている。そこから、NIGO®︎によるケンゾーの方向性が読み取れた。ブランドを現代語に翻訳する　しかし、1年後に発表された2023年秋冬コレクションでは印象が変化し、ルック全体でストリートのムードを打ち出した。デニム、アノラック、フライトジャケット、トラックスーツ。日常的なカジュアルウェアをコレクションの中心に据え、スタイリングもよりラフな方向へと舵を切った。しかし、単なるストリートスタイルの提案とはならないのがNIGO®︎によるケンゾーの面白いところだ。　ルックを注意深く観察すると、そこにはもう一つの存在が浮かび上がってくる。フォークロアの気配である。　ニットに目を向けると、民族調の模様を編み込んだデザインが登場する。幾何学的な柄は、伝統的なニットウェアを思わせるフォークロアの文脈を感じさせる。　フォークロア性は、頭部のスタイリングによってさらに強調されている。グレーのカーディガンのルックでは、耳当て付きのニット帽を合わせている。タッセルが垂れ下がるこの帽子は、アンデス地方の民族帽子「チューロ」を思わせる形状で、ニットの柄と呼応している。　一方、ノースリーブニットのルックでは、頭部を覆うバラクラバが登場する。中東やロシアなど寒冷地の防寒具をルーツとするアイテムだが、ここでは鮮やかな配色によって、ポップな印象に変換されている。　民族衣装や寒冷地の装いを参照しながら、そのまま再現するのではなく、色彩やスタイリングによって都市的ファッションへと置き換えている。フォークロアのディテールを残しながら、全体の印象は現代的なストリートウェアとして成立しているから不思議だ。　フォークロアにおいてレイヤードは重要な要素。民族服は寒冷地や農村の実用的な防寒着として発達したため、重ね着を前提としている。同コレクションではその構造もファッションに変換してみせた。　通常のレイヤードは、異なる素材や丈を重ねることでシルエットに軽さを生むことが多い。しかしケンゾーで見られたのは、むしろ「重さを強調するレイヤード」だ。羽織のようなシルエットのアウターをストライプのセットアップの上に重ねたルックは、重ねるというより「まとっている」という感覚に近い。　キルティングベストとフェアアイルニットの組み合わせは、どちらもボリュームのあるアイテムを重ねており、軽量化する意図は感じられない。デニムやコーデュロイといった日常的な素材を用いており、シルエットもあくまで現代的だ。しかし、異なる文化や衣服の背景を持つ要素を重ね合わせるスタイリングには、フォークロア的なファッションの発想が確かに残っている。　この感覚は、ケンゾーの歴史と深く共鳴している。高田賢三はかつて、民族衣装やフォークロアの要素を積極的にコレクションへ取り込んだ。それは学術的な参照ではなく、異なる文化の衣服が持つ色彩や形への純粋な親しみから来るものだった。NIGO®︎が2023年秋冬で見せたのも同じアティテュードに近い。ただし舞台は、民族衣装からストリートウェアへと移っている。　2023年秋冬コレクションで目指したのは、かつてのケンゾーの再現ではない。ブランドが生まれた時代のファッションの感覚を現代のストリートの文法の中で語り直し、「ケンゾーを現代語に翻訳する」ことだ。赤や黄色といったヴィヴィッドなカラーパレットも、ストリートスタイルの中で機能している。ブランドの歴史に新たな要素を重ね合わせる　NIGO®︎によるケンゾーのアイコンとも言えるのが、デビューコレクションでも言及した花のモチーフ「ボケ フラワー」である。　このシンプルなグラフィックは、NIGO®︎がアーティスティックディレクターに就任して以降、さまざまなコレクションやプロダクトに繰り返し登場している。スウェットやニット、アワードジャケット、アクセサリー。アイテムの種類を問わず、全体に使用されることもあれば、ワンポイントして使用されることもあった。　このモチーフはケンゾーのアーカイヴに存在していたものではない。NIGO®︎が新たにデザインしたもので、いわば現在のケンゾーのために生み出された“新記号”である。　それにもかかわらずこのモチーフには、昔からケンゾーに存在していたかのような空気がある。丸みを帯びた単純な形は、グラフィックとして非常に現代的でありながら、同時にブランドが長く用いてきた花のモチーフとも自然に接続している。ケンゾーの歴史を知る人にとっても違和感はなく、むしろブランドの延長線上にあるイメージとして受け取られるだろう。　ストリートブランドにおいて、グラフィックやロゴは非常に重要な役割を果たす。ブランドの世界観を一目で伝え、アイテムを記号化するからだ。NIGO®︎自身も、「ア ベイシング エイプ®（A BATHING APE®）」や「ヒューマン メイド（HUMAN MADE）」でそうした手法を用いてきた。　ケンゾーにおいてNIGO®︎が採用した3つ目の手法は、そのストリート的なグラフィック文化をブランドの歴史に重ね合わせることだった。ブランドが積み重ねてきたイメージに、新たな要素を組み合わせる。ボケ フラワーというモチーフは、その方法を最も端的に示す例なのである。過去と現在を接続する「編集者」　ここまで見てきたように、NIGO®︎によるケンゾーの仕事は、一般的な「デザイン」とは少し性格が異なっている。　多くのディレクターは、就任すると自分のスタイルをブランドに持ち込み、新しいイメージを作ろうとする。しかしNIGO®︎のケンゾーでは、そうした強い自己主張はあまり前面に出てこない。　1月に発表された2026年秋冬コレクションでは、ケンゾーのスタイルの根底にあった感覚が顕著に表れていた。東洋の衣服の感覚を洋服の文法の中で語ること。色彩を尊重しながら軽やかな印象を作り、同時に品格も保つこと。そうしたケンゾーのスタイルが、デニムやカジュアルウェアといった現代的な衣服の上で自然に成立していたのである。NIGO®︎はケンゾーの「作者」ではない。あくまで“存在しない記憶”を紡ぎ、過去と現在を接続する「編集者」である。

KENZO

NIGO®︎がケンゾーで編集する︎“存在しない記憶”

■モーンス・イェプセン1963年、デンマークの田舎町生まれ。大手ファッション企業でリテールマネージャーおよびディレクターを歴任。2003年にデンマーク・コペンハーゲンでキッズウェアブランド「モロ（Molo）」を設立。当時の子ども服に欠けていた色彩や想像力、個性を表現することを掲げ、小さなアパートの一室からブランドをスタートした。農場の豊かな自然の中で育った経験から、資源への敬意や機能性へのこだわりをもの作りの根幹に置く。現在はベビーから16歳向けまで、世界的に展開するライフスタイルブランドへと成長。プライベートでは、31歳の長女、21歳の次女、18歳の長男の父でもある。ブランド誕生は“クビ宣告”がきっかけに⎯⎯モロはどのようにして誕生したのでしょうか。　私はもともと、某大手グループのデンマーク市場で2000人のスタッフを率いる立場でした。しかし、ボスが気難しい人でね。揉めてしまった結果、クビになりました。今後何をしていこうか迷っていた時に、一緒にビジネスを始めたパートナーが言ったんです。「あなたは自分のビジネスを始めるべきよ」と。次の日にはブランドを始めていましたね。パートナーはもともとデザイナーをしていたので、一緒にモロを作りました。⎯⎯（笑）。すごいスピード感ですね。ブランド名の由来は？　私の名前「モーンス」の「MO」と、パートナー「ルイーズ」の「LO」を組み合わせています。「molo」はフランス語のスラングで「Take it easy, be cool（気楽に、クールにいこう）」という意味もあるんですよ。⎯⎯毎シーズン1000型という膨大なアイテムを作っています。　キッズブランドを作ることにしたのも、その当時、欲しいキッズ服がなかったからなんです。妻の目から見ると、ハイブランドもローブランドも、どれも同じように見えた。だからこそ、私たちは子どもたちが本当に好きなものを見つけられるブランドを作りたかった。子どもたちが自ら着たい服を選べるようにどうしたらいいか。そして世界中の百貨店やブティックのバイヤーさんたちが他のお店と被らないように商品を選べるように突き詰めていった結果、1000型ものバリエーションが生まれたのです。最初は2〜9歳を対象にしていましたが、スタッフに子どもが生まれた時に作ったベビー服をきっかけにベビーラインも展開しています。⎯⎯コレクションはどのような体制で作っていますか。　8人のデザイナーが作っています。それぞれで得意であったり好きなテイストが異なるので、デザインが絶対に被らないんです。プリントデザイナーの一人はエアブラシを追求するために車のディテーラーに行って学んだり、妥協のないものづくりをしてくれていますね。⎯⎯スイムウェアやスキーウェアも手掛けるなど幅広い商材を扱っていますが、自社工場は構えていますか。　自社工場はありませんが、私たちには20社ほどの強いパートナーがいます。商材が幅広く、一つの工場でこれだけの商材は作れないので、それぞれの得意分野に応じて工場を使い分けています。なかには前職時代からのつながりもあります。彼らは私がピンチの時に経済的に助けてくれました。⎯⎯サステナビリティに配慮したものづくりも徹底しています。　私は農場の家族で生まれ育ったので、マザーネイチャー（自然界の力や作用、恵み）の尊厳についてたくさん教わってきました。だからこそ、買ってすぐに捨てられてしまうようなものではなく、長く着てもらい、次の世代へ受け継がれていくような服を作りたいと思ったのです。ブランド立ち上げ当初からそういったヴィジョンはあったのですが、当時はサステナビリティという概念がそもそも存在していませんでした。世界の二酸化炭素排出量の10％はファッション業界からです。だからこそ、私たちはこの業界で“正しい活動”をする責任があります。そうでないと「明日」はない。　本当のサステナブルは一人ひとりが選択したことに責任を持つことなんです。ですから最近、私たちは「サステナブル」という言葉の代わりに「レスポンシブル（責任感を持つ）」という言葉を使っています。毎日仕事に向かう中で、どうすれば最も責任ある選択ができるかを考え続ける。それが私たちの姿勢です。⎯⎯具体的にはどのような取り組みをされているのですか。　約17年前、私たちは業界に先駆けて、アウターウェアの撥水加工に使われる有害なフッ素化合物（C6）の使用をやめました。当時は大変な道のりでしたが、子どもたちの未来を考えれば当然のことでした。また、15年前からオーガニックコットンの採用を始め、今では製品の80％以上のアイテムがGOTS、OCS、GRS、エコテックス（OEKO-TEX®︎）、レンチング・エコヴェロ（LENZING™ECOVERO™）のいずれかの認証を取得しています。これは、原料の栽培から工場で働く人々の労働環境まで、サプライチェーン全体が責任ある方法で管理されていることの証明です。パートナー工場もすべてサステナビリティマーケットにおける何かしらの指標をクリアしているところと提携しています。今では一部にサステナ素材を取り入れている企業は多いですが、プロセスごとでサプライヤーを使い分け、極力環境負荷のないものづくりを始めたのはモロだと言っても過言ではないと思っています。**Ecocert Greenlifeより認証取得（ライセンス番号：197496）⎯⎯デザインにはカラフルな色合いが使われています。　色合いが薄いとサステナブルなものづくりをしやすいのは確かですが、私たちは子どもたちが好きな柄を届けることがコンセプトなので、やはり鮮やかな色も作りたい。サステナビリティに配慮しながらそれも達成できているということにプライドを持っています。日本は3〜4年後にキッズ・ベビーの大きなマーケットになる⎯⎯このタイミングで日本市場を強化する理由を教えてください。　私は1989年に初めて日本を訪れて、一目惚れしました。建築、ミニマリズムといったデンマークと共通する価値観もあれば、まったく違う文化もあり、来るたびに魅了されます。　ビジネスとしては、以前は香港の代理店に一任していましたが、コロナ禍が明けてからはアジア各国で代理店契約をする方法に変更し、日本でも縁があってこのタイミングで強化していくことになりました。日本のマーケットには大きなポテンシャルを感じています。⎯⎯モーンス氏にとって日本市場の印象は？　日本のビジネスにおいて難しいのは、顧客との深い関係性を築き上げるプロセスそのものです。日本のバイヤーは非常に保守的で、過去の売上実績が良くても悪くても、長年付き合いのあるブランドを使い続ける傾向があります。この強固な信頼関係の中に、新しいブランドが割って入るのは至難の業です。　だからこそ、私は過去に何度も日本へ足を運び、大手の決裁者の前で直接プレゼンテーションを行い、商品の価値を愚直に伝え続けてきました。これには膨大な時間がかかりますが、私はあえてその「時間」を惜しみなく投資しています。この粘り強い姿勢こそが、日本で成功するために必要な「ペイシェンス（忍耐）」だと考えています。⎯⎯SNSマーケティングを活用するブランドも多いですが、モロではそういった手法は使っていませんね。　多くのブランドは、有名人が商品を使えばすぐにSNSで拡散しようとしますが、私たちはあえてそれをしません。この姿勢は、カーダシアン家やベッカム家といった世界的なセレブリティたちからも深い敬意を持って受け入れられています。彼らも私たちの商品を実際に購入してくれていますが、彼らが有名人だからといって、その事実をすぐに宣伝に利用することはありません。顧客が有名人であろうとなかろうと、安易にSNSで露出させず、プライバシーと信頼を重んじる。この「媚びない姿勢」が、結果として彼らとの強固な関係に繋がっています。⎯⎯日本は少子化が進んでいますが、ポテンシャルをどのように感じていますか。　物事は捉え方次第です。「コップに水が半分しか入っていない」と見るか、「半分も入っている」と見るか。私は常にポジティブに考えていて、少子化についても同じことが言えます。子どもが少なくなるということは、一人ひとりの子どもにかける想いが強くなるということですし、私のビジネスは安売り競争をする場ではありません。だからこそ、質の高いものを求める層が増えている日本には非常に高いポテンシャルを感じていますし、3〜4年後には大きなマーケットになると私は思っています。⎯⎯日本における中長期的なゴールは？　私にとっての「成功」の定義は、世界中のどこであっても、お客さまが何度も戻ってきてくれる「リピート率」にあります。他国ではリピーターが多くいらっしゃり、日本でもそれを追求したいと考えています。　これまでの日本でのポップアップにおいても、遠方からわざわざ足を運んでくださるお客さまがたくさんいます。大阪から東京まで、ただ「モロの商品を買うためだけ」に来てくださる方も珍しくありません。物理的な距離があっても、「自分たちはファミリーの一員なんだ」と感じてもらえるような場所を作りたい。　そして最終的には、お客様一人ひとりに「このブランドは、自分自身のことだ」と感じてもらえるまでになりたい。単に「店にある商品を買う」のではなく、「自分を表現するための、自分のブランド」として選んでもらうこと。お客様自身がブランドの主役となり、誇りを持って身にまとう。そんなふうに、お客様とブランドが一体になれる、強固な「モロ・ファミリー」を築くことが夢です。■Molo 取り扱いリスト＜取り扱い店舗＞・阪急うめだ本店11F　モーダバンビーニ内・髙島屋京都店5F csケーススタディキッズ内・髙島屋二子玉川店5F csケーススタディキッズ内・髙島屋新宿店9F  csケーススタディキッズ内・伊勢丹新宿店6F リスタイル・キッズ内 ＜ポップアップ＞・岩田屋本店期間：2026年3月4日（水）～6月23日（火）会場：岩田屋本店 本館6階 ベビー・子供服フロア特設スペース・髙島屋京都店期間：2026年5月27日（水）～6月2日（火）会場：5階エスカレーター前イベントスペース・髙島屋二子玉川店期間：2026年5月27日（水）～6月9日（火）会場：5階エスカレーター横イベントスペース・阪急うめだ本店期間：2026年7月29日（水）～8月3日（月）会場：9階祝祭広場「こどもカレッジ」イベント・ジェイアール名古屋タカシマヤ期間：2026年7月29日（水）～8月4日（火）会場：8階ローズパティオ・髙島屋横浜店期間：2026年8月12日（水）～8月25日（火）会場：8階ローズパティオ

Molo

毎シーズン1000型を製作　北欧キッズブランド「モロ」CEOに聞く子ども視点のデザイン哲学

mio yanaseの場合涼感ＵＶカットクルーネックワイド半袖Ｔシャツ （ライトピンク・Sサイズ着用）　フリーランスでモデルとして活動する傍ら、セレクトショップで販売員として働くmio yanaseさん。サイズや色味で幅広いスタイリングを叶えるTシャツは、カジュアルからモードまで幅広いテイストを楽しむ彼女にとって季節問わず必需アイテムだそうです。 　今回は「涼感UVカットクルーネックワイド半袖Tシャツ」から、上品なベビーピンクの「ライトピンク」をセレクト。スタイリングは、「同系色の柄スカートと合わせることで、まとまりがありつつも遊び心のある印象にまとめました。無地のTシャツが主役なので、大ぶりのウッドビーズネックレスや猫モチーフのリング、太ぶち眼鏡などを合わせ華やかにしたのもポイントです」とmioさん。あえてゆとりのあるSサイズをセレクトし、リラックス感のあるこなれたムードに仕上げたといいます。　Tシャツを選ぶ際は、袖丈が長めで首元が詰まったデザインを選ぶことが多いそう。「重心が下がって見えずバランスが取りやすいので、自分の体型に合っている気がするんです」と話し、今回はそのコンパクトな襟ぐりに合わせてヘアをアップスタイルにし、顔まわりをすっきりと見せることで全体のバランスを整えたと話します。　ランニングやサイクリングを楽しんだあと、そのままふらっとカフェに立ち寄ることが多いというmioさんにとって、UVカットと接触冷感機能は嬉しいポイント。「出かけていると、つい日焼け止めの塗り直しを忘れてしまうんですけど、これなら着ているだけでOKなので安心感があります。それにハリ感のある素材なので、ランニングのあとに着替えなくてもそのままおしゃれなカフェに入れる“きちんと感”があるのも便利でいいですよね。夏は1枚でさらっとカジュアルに着て、涼しくなってきたらTシャツの下にシャツを合わせたりジャケットを羽織ったりして、少しフォーマルな着こなしも楽しんでみたいです」。詳細はこちら並木一樹の場合ＵＶカット乾きやすいワッフルクルーネック半袖Ｔシャツ（ダークネイビー・Lサイズ着用）　美容師として日々サロンに立つ並木さんにとって、服は単なる作業着ではなく、自分らしさを映し出す大切な要素のひとつ。「腕を上げる動きが多かったり水に触れる場面もあるので、動きやすさはもちろん大事ですが、素材の表情も重要視しています」と並木さん。 　今回着用した「ＵＶカット乾きやすいワッフルクルーネック半袖Ｔシャツ」は、ほどよい厚みと軽やかさを兼ね備えた一枚。「窮屈さを感じにくい設計で、仕事中もストレスなく着られるのがいいですね。乾きやすい素材なので、水に濡れても扱いやすいのも助かります」と気に入った様子です。　デザイン面では、裾にあしらわれたリブが印象的。「着たときに自然とシルエットが整って、どこか大人な落ち着きが出るんです。ラフになりすぎないのが自分らしくていいですね」と話し、スタイリングは、色落ちしたデニムと合わせて全体にゆとりのあるバランスに。「トップスにリラックス感があるので、パンツも少し余裕のあるシルエットを選びました。ネイビーにブラウンを合わせると、ヨーロッパっぽい雰囲気が出る気がして好きなんです」と、色の組み合わせにもこだわりが光ります。「機能性と見え方、そのどちらも妥協したくないんです。快適に過ごせることと、着こなしとして成立すること。その両方が揃ってこそ、日々の服選びが楽しくなると思っていて。このTシャツはその要素をしっかり満たしてくれています」と並木さん。これまであまり手に取ってこなかったというワッフル素材についても、「今回着てみて、夏の定番として取り入れていきたいと感じました」と話します。詳細はこちらとみいの場合涼感汗じみしにくいクルーネック半袖Ｔシャツ （ライトグレー・Mサイズ着用）　休日は自宅で愛犬「ちゃちゃまる」と遊んだり、料理をしたりとゆっくり過ごすことが多いというモデルのとみいさん。室内で着るTシャツは肌触りの良さを一番に重視していて、柔らかくてリラックスできる素材が好きなのだそう。 　「涼感汗じみしにくいクルーネック半袖Ｔシャツ」は、綿の自然な風合いはそのままに、ひんやりとした肌触りが心地いい一着。「オーガニックコットンならではの優しい質感に加え、体にフィットするデザインなんですけど伸縮性が高いので、一日中着ていてもストレスを感じないのが魅力です」ととみいさん。さらに、「通常汗が目立ちやすいライトグレーにもかかわらず、汗じみが気になりにくいのがすごく助かりますし、ちゃちゃまるとの散歩などちょっとした外出にもそのまま着ていけるのが便利でいいですね」と日常に馴染む着心地の良さを実感している様子です。　スタイリングは、デニムと赤のバレエシューズを合わせてシンプルに。「最近はチークにもハマっていて。シンプルなスタイリングのときは、明るめのカラーを少し入れるだけで顔まわりが華やかになって全体のバランスが整う気がしています」と、Tシャツとメイクとのバランスを楽しむのがとみいさん流。　「涼感汗じみしにくいクルーネック半袖Ｔシャツ」は全6色展開。「気分に合わせて色を変えていろいろなシーンで着たいです。白Tシャツに淡いデニムを合わせてそのまま海に行ったり、フェスにはブラックに花柄のパンツを合わせたり。今夏はフジロックに行く予定があるので、ライトブルーみたいな涼しげな色味にも挑戦してみたいです」と、着こなしのイメージも広がります。詳細はこちらMINIMALの場合涼感ＵＶカットワイド半袖Ｔシャツ（ホワイト・Mサイズ着用）　「ミニマルであること」を軸にスタイリングを組み立てるマルチクリエイターのMINIMALさん。彼にとって服とは、余計なものを削ぎ落としつつも、自分らしさをにじませるためのツールだと言います。「足すことも大事なんですけど、その前に何を引くかを考えるほうが重要だと思っています」。 　今回は表面にオーガニックコットンを、裏面に接触冷感機能を備えた二層構造の「紳士　涼感ＵＶカットワイド半袖Ｔシャツ」からホワイトをチョイス。「見た目はすごくベーシックなんですけど、着たときにちゃんと違いがわかる感じがいいですね。肌離れもいいし、夏でもさらっと着られそうだなと思いました」とMINIMALさん。シルエットについても、「身幅と肩幅にゆとりを持たせたボックス型で、着丈が少し短めなので全体のバランスが取りやすい。自分の体型的にも、このくらいがちょうどいいですね」と高く評価しています。　スタイリングは、トップスに合わせてパンツも太めのシルエットをセレクト。アメリカ軍のカーゴパンツに合わせ、シューズもアメリカンなテイストで統一し、全体に一体感を持たせつつカジュアルな印象に仕上げたそうです。　「UVカット機能も付いてるので、外で過ごすときに重宝しそうです。ボートショーツとかと合わせて、ちょっとアクティブな感じで着るのもいいですよね。街で着るなら、スラックスとかと合わせて少し落ち着かせるのもありだと思います。この夏は、つい手に取ることが増えそうです」（MINIMALさん）詳細はこちら無印良品公式サイトphotography:Reina Kubota, text & edit: Mai Sugawara, casting: Soogyong Kim, direction: Riko Miyake, project management: Miho Hamasaki