インサイド

インバウンドからローカルへ　日本市場で広がる支持──原宿や渋谷の店舗では、入店待ちの列ができている光景をよく見かけます。現在、どのような顧客が中心なのでしょうか？　中心は20代半ばで、10代から30〜40代へも広がっています。特に大きく変わったのが、インバウンドとローカルのお客様の比率です。2024年にはインバウンドのお客様が半数以上を占めていましたが、2026年上半期を終えたころには比率が逆転し、約8割をローカル客が占めるようになりました。　インバウンド客の売上自体も前年比で伸び続けていますが、ローカルのお客様の急増によって構成比が変わったんです。海外のお客様が多い表参道店でも、現在は6割程度が日本のお客様です。層は女性が中心ではありますが、日本では男性のお客様がグローバルで見ても比較的多いのも特徴です。──なぜ、これほど日本の消費者から支持されるようになったのでしょうか？　最大の要因は、パンドラが「意味のあるジュエリー」であり、「自己表現のためのジュエリー」であるという価値を、きちんと伝えられるようになったことだと思います。　チャームは、単にデザインが気に入ったから買うものではなく、自分の思い出や好きなもの、大切な人への気持ちなど、一つひとつに意味を込められる。その魅力が日本のお客様にも届き始めたのだと思います。──ご自身のキャリアと、パンドラに入社した当時の日本市場の状況について教えてください。　これまで長く、グローバルSPAを中心としたアパレル業界にいました。セールスを軸に、マーケティングPRやマーチャンダイジング、物流などを経験し、前職はH&Mにいました。自分でもリテールマニアだと思っています。昔から、みんなが楽しめるので「安くていいもの」が好きなんです。パンドラにもそこに情熱を感じました。　2024年に入社し、2025年7月にカントリーヘッド（現地法人の最高責任者）になりました。入社当時、日本では長い間、お客様から十分な支持を得られていない状況が続く一方、既存店が約30店舗だったところから、1年間で約60店舗まで倍増する大規模な出店を進めていました。　翌週に新店舗がオープンするのに店長が決まっていないこともあり、私自身も約4ヶ月間、店頭に立って接客しました。大変でしたが、お客様がどんな思いで商品を選び、何を説明すればブランドの魅力が伝わるのかを知る機会になりました。──出店攻勢から、現在はどのような戦略に？　そうした経験もあり、2025年は新規出店を2店舗に絞り、既存店の運営体制や接客の質を整えることを優先しました。店舗数を増やすこと自体を目的にするのではなく、需要や店舗面積、立地を見ながら、一店一店の出店精度を高める方向へ切り替えたんです。以前は比較的小さな店舗も多く、お客様を長時間お待たせすることもありましたが、現在は地域ごとの需要を踏まえ、より広い店舗への移転やアクセスしやすい場所への出店を進めています。　今年7月には、大阪・梅田の駅改札前に店舗をオープンしました。パンドラは、クリスマスや誕生日といった特別な日にだけ買うジュエリーではありません。何かを達成した日や、うれしいことがあった日にチャームを一つから買うことができる。だからこそ、通勤や通学の途中に立ち寄れる場所にも可能性があると思っています。　こうした土台が整ってきたことから、今後は出店を再び加速させます。2026年の国内60店舗から、2030年には150店舗を目指しています。ただし、立地には妥協せず、お客様の生活動線の中で利用しやすい場所を選びながら広げていく方針です。──日本事業の現在の規模と、グローバルにおける位置付けは？　2026年上半期、パンドラの日本での売上は前年と比べてほぼ倍増しました。今年10月には、事業拡大に伴い日本オフィスを移転し、新たにショールームも開設しました。事業が着実に成長を続ける中、日本の文化や消費者の特徴にも細やかに目を向けています。「意味のあるジュエリー」が生む自己表現とリピート──店舗運営では、どのような部分を整えたのでしょうか？　海外のお客様はすでにブランドをご存じです。一方、日本のお客様からは、一人ひとりに寄り添った接客を求める声が高まっており、そのニーズにお応えするため、スタッフを増員しました。　そのため、2024年末で約150人だった店舗スタッフを現在は3倍近くとなる約420人まで増やしました。ブランドに興味を持っていただいても、来店時に十分な接客ができなければブランドの魅力は伝わりません。お客様に最高のブランド体験をしていただくためには、現場の「人」への投資が不可欠だと考えています。──Y2Kやバッグチャーム、「推し活」の流行など、自分の好きなものを可視化するカルチャーとの親和性も高そうです。　日本では、バッグにぬいぐるみやキーホルダーをたくさん付けている方が多いですよね。自己表現するための手段があれば、そこに自分の好きなものや個性を表現したい気持ちが強いのかもしれません。パンドラも、その手段の一つとして受け入れられているのではないでしょうか。今後はブレスレットだけでなく、ジュエリーのチャームをバッグに付けて、自分なりにカスタマイズするといった楽しみ方も提案していきたいと考えています。　大切なのは、何を付けるかを自分で決められることだと思います。「みんなが良いと言うから選ぶ」のではなく、「私が好きだから好き」と、自分自身で価値を決め、一つひとつのチャームに自分なりの意味を持たせられる。身近なものに取り入れながら自由に楽しめることも、今の自己表現のあり方と相性が良いと思います。──ご自身のチャームブレスレットにも、家族との思い出が込められているそうですね。　2024年に店舗に立っていた頃は仕事が忙しく、子どもたちとゆっくり過ごせるのが天体望遠鏡で月や星を見る時間だったことから、月と星のチャームを買いました。その後、フクロウや息子が好きなツバメ、妻が大学に入り直したことを記念するチャームも加えました。これを10年間かけて集めて、いつか娘や息子、妻に渡したいと思っています。　こういう楽しみ方も、パンドラにとっては一つの自己表現です。ジュエリーはたまたまその手段というだけなんです。──チャームを買い足していけることも、リピーターの多さにつながっているのでしょうか？　以前と比べて、再来店されるお客様の割合も倍のペースで伸びています。何度も店舗に戻ってきていただけることは、私たちが特に大切にしていることです。　面白いのは、ゴールデンウィークやお盆といった大型連休の後に、かえってお客様が増えることです。休みの間に友人や家族と会って、「友達が持っていた」「プレゼントでもらった」といったことをきっかけに興味を持っていただける。　最近では、お母様が昔購入したチャームを娘さんが譲り受け、それをきっかけにパンドラを楽しみ始めたという話も聞きます。思い出を受け継ぎながら、そこに新しいチャームを加えていくことができる。そうした楽しみ方が少しずつ広がっているのだと感じます。チャームの先にある、フルジュエリーブランドへの構想──現在はチャームとブレスレットが人気ですが、今後の商品戦略は？　現在、日本における売上の大半を、チャームとブレスレットが占めています。一方、パンドラには、リング、イヤリング・ピアス、ネックレスなど、はるかに幅広い商品カテゴリーがあり、さまざまなデザインコードを取り入れた多彩なコレクションも展開しています。　例えば「パンドラ タリスマン（Pandora Talisman）」は、モチーフやラテン語の言葉に意味を持たせたコレクションで、今年8月には星座をテーマにした新作も登場しました。また、グローバルですでに展開のあるラボグロウンダイヤモンドについて、パンドラでは、ダイヤモンドの品質を評価する4C（Carat、Color、Clarity、Cut）に、製造時の炭素排出（Carbon Emissions）という視点を加えた「5C」という考え方を提案しています。　現在はグローバルチームと一緒に消費者調査を行っていて、2〜3年後に日本のお客様へ向けた商品開発を見据えてデータを集めています。──現在、パンドラでは使用するシルバーとゴールドを100％リサイクル素材に切り替えています。サステナビリティに関して、特に重視していることは何でしょうか？　パンドラは年間1億1000万点以上のジュエリーを販売する、世界最大のジュエリーブランドです。だからこそ、素材に対する責任も大きいと考えています。シルバーとゴールドは100％リサイクル素材に切り替えたほか、ラボクリエイテッドオパールなど、その他のサステナブルな代替素材の活用も進めています。採掘された天然石は一切使用しておらず、すべての石は人造のものです。これだけ多くの商品を作るブランドだからこそ、限りある資源を新たに採掘し続けるのではなく、循環させながら使っていくことは責任の一つだと思っています。　また、パンドラのジュエリーは手作業で仕上げています。規模の大きさだけでなく、ものづくりの背景まで含めて責任を持つことも、ブランドとして大切にしている部分です。──最後に、今後の日本市場の展望を教えてください。日本発の企画を発信していく可能性などもあるのでしょうか？　「意味のあるジュエリー」「自己表現のためのジュエリー」というパンドラの核は、これからも変わりません。その価値を、いかに多くのお客様に魅力的だと思っていただけるかは、これからも挑戦し続けるテーマです。　日本には、世界中の人からも愛されているものがありますよね。そうした日本ならではの文化や思い出を、パンドラの形で表現することには大きな可能性があると思っています。実際に、すでにいろいろなプロジェクトが動いています。パンドラはアジア市場ではまだ十分に成功しきれていない部分があります。だからこそ、日本がその先駆けとなることには大きな意味があると思っています。

Fashion

なぜ今「パンドラ」に行列ができるのか？　若者を魅了する"意味のあるジュエリー"の価値

冬の定番をモードに再構築、オダカとスブのコラボシューズ 　デザイナーの小高真理が2014年に立ち上げた「オダカ（ODAKHA）」。「強さと柔らかさを併せもつ現代女性のためのデイリーウェア」をコンセプトに、国内の職人とともに作り出すニットアイテムをシグネチャーに掲げるブランドです。地層のように異なる編み地をドッキングさせたクレイジーニットシリーズや、細部にまで繊細に表現されたジャカードニットなど、ブランドを象徴するアイテムは数多く存在しますが、今回は「スブ（SUBU）」とのコラボレーションシューズにフォーカス。第3弾として、満を持して登場したメリージェーンとブーツをご紹介します。デザインと機能の掛け合わせ　2024年にスタートし、今回で3度目を迎えた両ブランドによる協業。冬用のサンダルとして独自の地位を確立してきた「スブ」の機能性を軸に、「オダカ」ならではの着眼点によってファッショナブルな佇まいへとアップデートされたシューズを展開し、毎シーズン人気を集める注目のコレクションです。26AWシーズンでは、これまでのコラボレーションで作ってきたものを踏まえながら、より日常のスタイリングに取り入れやすいデザインを意識したとデザイナーは語ります。「スブらしい履き心地を活かしつつ、オダカの洋服と合わせた際に自然に馴染みながら、足元のアクセントにもなるようなバランスを考えた。シューズ単体でデザインを主張しすぎるのではなく、スタイリングの中で全体のバランスが取れるよう、カラーや素材感、ボリューム感などを調整している」と解説するように、日常的に手に取りやすいデザインながらも、従来の「スブ」とは毛色が異なるファッション性の高いシューズを揃えています。MARY JANE QUILTING PLATFORM SHOES　クラシックな佇まいとモダンな遊び心が共存する、立体的なキルティングをまとったメリージェーンシューズは、今シーズンより新たに登場した新作モデル。モチーフにメリージェーンを選んだ理由についてデザイナーは「クラシックで日常的な靴でありながら、合わせる洋服によってさまざまな表情を見せる部分に魅力を感じた。今回のコラボレーションでは、そのクラシックな印象をベースに、スブならではの履き心地やキルティング、プラットフォームソールを組み合わせることで、日常のスタイリングに自然に溶け込む一足を目指した」と語ります。親しみのあるシルエットを大胆なバランスで再構築し、足元に程よい存在感をもたらす一足です。　一番のこだわりは、フェミニンなデザインとボリューム感の調和。「メリージェーンらしい印象を残しながら、立体的なキルティングや厚みのあるソールをどう調和させるかという点に苦心した。存在感のあるソールを合わせつつも、スタイリングに取り入れた際に重たい印象になりすぎないよう、全体のバランスを細かく意識した」と振り返る通り、機能性と装飾性の絶妙なバランス感を、オダカならではの視点とニットの技法で表現しています。 　内側には肌あたりの優しいソフトタッチなライニングを施し、リラックス感のある履き心地と街歩きに適した安定性を両立。メリージェーンの象徴的なディテールであるストラップはボタン留めの仕様を採用し、スムーズな着脱と足首をしっかり支えるホールド感も備えています。踵部分には両ブランドのロゴ刺繍を配置し、モードな印象を引き締めるブラックの色味も魅力的なポイントです。LOOSESOCKS BOOTS　しなやかなリブニットが足元を心地よく包み込み、自由なシルエットを描くルーズソックスブーツは、前シーズンから継続して展開されている人気のアイテム。最大の特徴は、ルーズソックスを彷彿とさせるアッパーのニット部分。この独創的なアプローチについてデザイナーは、「足元に生地をたるませてボリュームを出したり、そのまま伸ばしてすっきりと見せたり、履き方やスタイリングによってさまざまな表情を楽しめるのが魅力。ひとつの形に固定せず、履く人によってシルエットや印象が変わる面白さを大切にした」と説明します。柔らかなドレープ感とエッジィな厚底ソールとのコントラストが、装いに鮮烈なアクセントを与えます。　その変幻自在なフォルムを美しく見せるため、緻密な調整を重ねたと言います。「ルーズソックスのような柔らかさや、たるませた際のボリューム感を表現しつつ、伸ばして履いたときにも美しいシルエットをキープできるよう、ニットの厚みや分量のバランスを徹底的に追求した」と振り返る通り、どのような履き方をしても洗練されたバランスを保てる設計を実現しています。 　「スブ」独自開発の4層構造インソールと起毛ライニングを採用し、まるでダウンをまとっているかのような暖かさとフィット感を実現。柔らかな履き口と足首を支えるホールド構造により、長時間の街歩きでも快適な歩行をサポートしてくれます。Fスナスタッフが履いてみたスタッフT.ZスタッフY.A◾️「マイスタンダード」バックナンバー・巻き方で印象が変わる、「インアット」のフードストール・進化を続けるブランドの定番、「タナカ」のワイドジーントラウザーズ・インパクト抜群のグラフィックを身に纏う、「モンマルトルニューヨーク」のマフラー・“釣り用”がタウンユースの定番に、「ハトラ」のスタディグローブ＞＞バックナンバーを見たい方はこちらから

ODAKHA

SUBU

お買いモノ

【マイスタンダード】冬の定番をモードに再構築、オダカとスブのコラボシューズ

1. 軽やかなメッシュの表情　まず注目したいのは、春夏らしい軽やかさをまとったエアリーなバッグ。メッシュやラフィア、クロシェをはじめ、レザーを網目状に編み込んだものや、繊細なパンチングで透け感を表現したものなど、そのアプローチは多彩だ。　「シャネル（CHANEL）」は3Dプリント技術を用いて、特殊な樹脂で成形したフラップバッグを発表。涼しげな見た目でありながら、複雑な編みや加工には各ブランドのクラフトマンシップが感じられる。2. アニマル＆エキゾチックパターン　今季、多くのブランドから登場したのがアニマルパターン。クロコダイル、パイソン、レオパード、ゼブラ、オーストリッチまで、野性味のある柄や質感がバッグを彩った。　端正なフォルムに型押しを施すだけでなく、パープルやピンク、オレンジなど鮮やかな色彩で遊びを加えたデザインも豊富。「ジバンシィ（GIVENCHY）」はバッグの内側にゼブラ柄のビーズ刺しゅうを施し、ファスナーを開けたときだけ柄がのぞく意外性のある仕掛けを取り入れた。3. フリンジの躍動感　歩くたびに揺れ、動きをもたらすフリンジが、プレタポルテだけではなくバッグでも今季のアクセントに。　繊細なレザーフリンジから長く垂れるタッセルまで、素材や長さもさまざまだ。シンプルなバッグに躍動感を添え、ボヘミアンやリゾートのムードをさりげなく取り入れている。4. くったりとしたソフトフォルム　硬い芯材や構築的なフレームを取り除き、手や身体になじむ柔らかさを生かしたバッグが、メンズに続きウィメンズでも多く発表された。　「メゾン マルジェラ（Maison Margiela）」の新作「ゴースト」は、ブリーフケースやバニティケースの構造を解体し、金具だけを残してレザーで再構築。手でつぶしたり脇に抱えたりと、持ち方によってシルエットが変化する自由さが特徴だ。「アライア（ALAÏA）」や「イッセイ ミヤケ（ISSEY MIYAKE）」からは、折りたたんでクラッチのようにも持てるソフトなバッグが登場した。5. ビッグフラップ付きショルダーバッグ　今季を象徴するバッグの一つが、大きなフラップを主役にしたショルダーバッグだ。実用性と品の良さを兼ね備え、デイリーからワークシーンまで活躍。定着する横長のイーストウエスト型やソフトなフォルムも取り入れ、クラシックなフラップバッグを更新している。火付け役となったシャネルでは、留め具を外すとダブルCがチャームとして揺れる新たなターンロックを採用し、遊び心を加えている。6. 進化系の巾着バッグ　定番のシルエットでありながら、今季さらにバリエーションを広げたドローストリングバッグ。口元をキュッと絞るシンプルな構造は、ソフトな素材と相性がよく、自然な丸みやドレープを生み出す。「ボッテガ・ヴェネタ（BOTTEGA VENETA）」は結び目にタッセルをあしらった柔らかな巾着型を、「ロエベ（LOEWE）」と「マルニ（MARNI）」からはショルダーとしても使える新作が登場。スポーティさと愛らしさを兼ね備えたフォルムが、肩の力の抜けた今季のムードにフィットする。7. ミニマルなミニショルダー　ベーシックなミニショルダーがランウェイを席巻。「グッチ（GUCCI）」ではウィメンズのファーストルックからGGキャンバスのチェーンストラップバッグが登場。モノグラムやメゾンを象徴するコードを取り入れながら、装飾は抑えめに。アイコニックで実用的、そして長く使えるシンプルなデザインが改めて支持を集めている。8. ラフに持つビッグトート　大容量のトートバッグも豊作。デイリートートからトラベルバッグまで、現代のアクティブな生活や移動に応える実用的なサイズが揃った。端正なレザーから柔らかな素材まで選択肢は幅広く、大きなバッグをラフに抱え、そのボリュームをスタイリングの一部として楽しむ提案が目立った。9. しなやかなクラッチ　今季のクラッチバッグは、柔らかな素材を使った横長シルエットが目立つ。かっちりと持つのではなく、手でつかんだり身体に沿わせたりするラフな持ち方が新鮮。フォーマルな印象の強いクラッチに、日常的な軽やかさをもたらしている。10. 遊び心のあるパーティバッグ　パーティバッグは、よりオブジェのような方向へ。造形や物語性を楽しむデザインが登場し、シャネルの鳥かごモチーフのミノディエールやメゾン マルジェラのリング付きクラッチなど、ジュエリー感覚で手元を飾るバッグがイブニングスタイルに遊び心を添えている。2027年春夏ウィメンズコレクション・トレンド特集

バッグが軽やかで多彩に　2027年春夏ウィメンズトレンド【バッグ編】

「まだ買える」40〜50年代のシャツ──「ようこそ古着沼へ」シーズン1のゲストは、古着屋「デザートスノー（DESERT SNOW）」の鈴木道雄 社長。前回は、鈴木さんの古着人生で思い出に残っているアイテムを紹介していただきました。今回はアクタガワさんに、今ハマっている古着を紹介していただきます。アクタガワタカトシ（以下、アクタガワ）：昔から好きな40〜50s（1940〜50年代）のシャツを持ってきました。今回選んだ理由は「まだ買える値段」だということ。昨今、あらゆるヴィンテージが高騰してしまいましたよね。1990年代は数万円で買えていたものが、100万円以上になっていることも珍しくありません。ですが、この時代のシャツはそれほど値段が上がっていないものが多いので、狙い目かなと。──それぞれデザインだけでなく、素材も違うようですね。アクタガワ：白地のシャツは、ネル素材です。こういったパネルデザインのコーデュロイシャツは有名になってしまったので20〜30万円することも珍しくないんですが、ネル素材はそれほど高くなっていないんです。藤原裕（以下、藤原）：僕、これのキッズサイズを持ってます。アクタガワ：キッズは結構あるんだけど、メンズサイズはなかなか見つからないんだよね。とはいえ、今でも10万円前後で買えると思います。アクタガワ：こちらのピクチャー柄のハワイアンシャツは、ちょっと古くて40sかな。この柄は4つくらい地色違いがあります。ピクチャー柄は昔から高かったんですが、その後あまり値上がりしていない印象です。藤原：僕もピクチャー柄は大好きで、同じ柄の「キャンパス（CAMPUS）」*のアイテムを持っています。ハワイアンシャツは和柄やボーダー柄など、バリエーションが色々あるのが楽しいですよね。植木勝也：このシャツ、この前アクちゃん（アクタガワさんの愛称）が古着イベントで着てたのが格好良かったので会場で探したんですけど、見つかりませんでした（笑）。*1922年にアメリカ・オハイオ州で創業したカジュアルブランドアクタガワ：ネイビーベースの縦ボーダー柄のハワイアンシャツ（画像左端）も、同じく40年代のもの。この時代のハワイアンシャツって、日本製の生地が多いんですよ。様々なアメリカのメーカーが同じ生地商から仕入れていたようで、「タウンクラフト（TOWNCRAFT）」や「ペニーズ（PENNEY'S）」*、「マクレガー（McGREGOR）」**などが、同じ生地のシャツを出しています。*どちらもアメリカの老舗百貨店「JCペニー（J.C.Penney）」のストアブランド**1921年にニューヨークで創業したブランド。ドリズラージャケットで広く知られる──ハワイアンシャツは復刻版がたくさん出ていますが、ヴィンテージの値動きに影響はあるのでしょうか。アクタガワ：復刻版が出るとヴィンテージの値段が下がると思われがちなんですが、実際は逆なんですよね。そのアイテムの存在を知らなかった人が、復刻版をきっかけに興味を持ったりするので、値上がりするんです。当たり前の話ですが、古着は有名になればなるほど高価になってしまいますね。古着屋あるある「赤は売れない」アクタガワ：次はプリントネルシャツ*。ヘビーネルシャツは、本当に高くなってしまいました。でも、プリントネルの方が軽くて着やすいし、柄が色々あって面白いので好きなんです。パッと見で古いと分かることもポイントですね。*織りではなくプリントで柄を表現したネルシャツ藤原：アクタガワさんは赤の古着は着ますか？「赤は売れない」って、古着屋あるあるだと思うんですが。アクタガワ：赤一色のアイテムはあまり着ないけど、こういうポイントで赤が入っているアイテムは着ますね。ヴィンテージシャツはおじさんの方が似合う？アクタガワ：次はUSAF（米空軍）の第35自動車輸送中隊（35th Motor Vehicle Squadron）のスーベニアシャツ。スカジャンならぬ、スカシャツですね。富士山の下に記されている「Johnson Air Base」は、今の航空自衛隊入間基地です。このデザインのものはかなり珍しく、他に見たことがありません。今買うとなると、値段はどれくらいになるだろう？藤原：50万円くらいでしょうか。でも、ベルベルジンで売るとしたら山田さん（山田和俊 ベルベルジン 代表）が29万8000円にしろって言いそう（笑）。アクタガワ：絶妙な値段だね（笑）。アクタガワ：このグリーンのシャツはライダースジャケットのように、ジッパーが斜めに付けられています。当時は比較的ポピュラーなデザインだったようです。これはコーデュロイ素材ですがレーヨン素材の方が多い印象ですね。藤原：この時代のシャツは、着やすいボックスシルエットのものが多いですよね。アクタガワ：「大人になった今、どんなヴィンテージを着ればいいのか」と考えて、色々試行錯誤してみたことがあったんですが、この時代のシャツって若い頃よりもおじさんになった今のほうが似合っているような気がするんですよ。一部のスウェットを筆頭に信じられない価格になってしまったヴィンテージも少なくないですが、シャツの価格はまだ現実的なので、是非チャレンジしてもらいたいですね。

【ようこそ古着沼へ】おじさんにこそ似合う？　ヴィンテージ高騰の今でも手が届くシャツ

マリノアシティ福岡跡に「三井アウトレットパーク 福岡マリノア」　約220店舗が出店へ三井不動産と福岡地所が「マリノアシティ福岡」跡地に開業する商業施設の名称が、「三井アウトレットパーク 福岡マリノア」に決定した。約220店舗が出店し、2027年4月の開業を予定している。 マリノアシティ福岡は九州初の本格的アウトレットモールとして2000年に開業。アパレルや雑貨、インテリアブランドが並び、フードコートなど約160店舗以上を収容した。建て替えのため、8月18日をもって一時閉館した。 三井アウトレットパーク 福岡マリノアは、福岡高速環状線「愛宕」インターチェンジから約2kmに位置し、敷地面積は約8万5200平方メートル。屋外型の「アウトレット棟」と、屋内型の「ハーバー棟」の2棟で構成する。＞＞元記事を読む山本耀司がBFCファッションアワードで功労賞を受賞　カールやアルマーニに続き英国ファッション評議会（The British Fashion Council、以下BFC）が、「ヨウジヤマモト（Yohji Yamamoto）」などを手掛ける山本耀司に2026年度ファッションアワードの「功労賞（Outstanding Achievement Award）」を授与すると発表した。授賞式は、ロンドン時間11月30日にロイヤル・アルバート・ホールで開催される。 功労賞は、キャリアを通じて革新性と創造性によってファッション業界を形づくり、再編してきた個人の貢献を称えるために創設されたBFCの優秀賞。過去には、カール・ラガーフェルド（Karl Lagerfeld）や、ヴァレンティノ・ガラヴァーニ（Valentino Garavani）、ジョルジオ・アルマーニ（Giorgio Armani）、ラルフ・ローレン（Ralph Lauren）などが受賞している。＞＞元記事を読むボッテガ・ヴェネタがインスタグラム公式アカウントを復活　約5年9ヶ月ぶり「ボッテガ・ヴェネタ（BOTTEGA VENETA）」が、インスタグラムの公式アカウント「@bottegaveneta」を復活させた。2021年1月の閉鎖から約5年9ヶ月ぶりの再開となる。 同ブランドではダニエル・リー、マチュー・ブレイジー（Matthieu Blazy、現在はシャネル アーティスティックディレクター）を経て、2025年から「ラコステ（LACOSTE）」や「カルヴェン（CARVEN）」のクリエイティブディレクターを歴任したルイーズ・トロッター（Louise Trotter）がクリエイティブディレクターを務めている。＞＞元記事を読むユニクロ、世界のブランド価値ランキングトップ100に2年連続で選出　38位に世界最大級のブランディング専門会社のインターブランドが、2026年版のグローバル企業のブランド価値ランキング「Best Global Brands 2026」トップ100を発表した。国内のファッション分野からは、「ユニクロ（UNIQLO）」が2年連続で選出された。 ユニクロは、あらゆる人の生活をより豊かにするための究極の普段着「LifeWear」に対する世界中の支持の広がりと、優れた顧客体験への取り組みが評価され、昨年の47位から大きく順位を上げ、38位にランクイン。ブランド価値は前年比16％増で205億米ドルとなった。＞＞元記事を読むフェンディが日本初の高級レジデンスを広尾に建設　27年夏竣工予定「フェンディ（FENDI）」のホームライン「フェンディ カーサ（FENDI CASA）」が、不動産企業のリストデベロップメントとブランデッドレジデンスのデザインスペシャリストであるザ・ワン・アトリエ（The One Atelier）と協業し、日本初となるプライベート・ブランデッドレジデンス「Tokyo Private Villa HIROO. Interiors by FENDI Casa」を建設する。竣工は2027年夏を予定している。 フェンディ カーサは、洗練されたイタリアンデザインと現代の上質な暮らしを日本の住空間にもたらし、同プロジェクトを皮切りにグローバル基準のブランデッドレジデンスが持つ国際的な価値を、日本の市場に提供するとしている。＞＞元記事を読むアーバンリサーチ公式Xが乗っ取り被害　不審なリンクを開かないよう注意喚起アーバンリサーチが、同社の公式Xアカウント「@URBAN_RESEARCH」において不正アクセス（乗っ取り）被害が発生していることを発表した。現在、事実関係の調査およびプラットフォームの運営元への報告と対応を進めているという。 同社公式サイトとアーバンリサーチ公式オンラインストアのXアカウントでは、「お客様・フォロワーの皆様へのお願い」と題し、アーバンリサーチのアカウントからの不審な投稿およびダイレクトメッセージ、外部サイトへの誘導リンクなどが送られてきた場合は、返信や記載されたURLへのアクセスは絶対に行わないよう注意を呼びかけている。また万が一、不審なリンクなどを開いてしまった場合は、速やかにブラウザを閉じるなどの対応を促している。＞＞元記事を読むフレイザーズがヒューゴ ボスを買収　株式の過半数を取得イギリスのスポーツ用品小売 フレイザーズグループ（Frasers Group、以下、フレイザーズ）が、ヒューゴ ボス（HUGO BOSS）を子会社化した。 フレイザーズは現地時間10月23日付で、ヒューゴ ボスの株式19万8666株を約763万ユーロ（約13億4280万円）で追加取得した。これにより、フレイザーズが保有するヒューゴ ボス株式は3446万8065株となり、総発行済株式数の50.08%に到達。過半数を取得したことで、ヒューゴ ボスは同グループの連結子会社となった。＞＞元記事を読む「こだわりを貫き、生きづらさを肯定する」──大森靖子が考える"かわいい"ということ「かわいい」と思う気持ちは、どこからやってくるのだろう。誰かにとってはかわいいものが、別の誰かにはそう映らないこともある。歌手を超えた"超歌手"を名乗り自身の感情を音楽にし、アイドルのプロデュースも手掛ける大森靖子は、コンプレックスや生きづらさといった、簡単には言い表せない感情にも目を向けてきた。 音楽を通じて「かわいい」を発信し続ける活動の源泉には、何があるのか。創作の原点から、プロデューサーとして大切にしていることまで、大森靖子の表現を通して「かわいい」の輪郭を探る。＞＞元記事を読む■最新コンテンツは以下のページからニュース　|　特集・連載　|　コレクション

山本耀司がBFCファッションアワード受賞、ユニクロが世界のブランド価値ランキングトップ100に2年連続選出…【5分でわかる主要ニュース 10/25〜10/31】

OVERCOAT / WOOL DENIM JACKET 　トレンドに左右されず、タイムレスに重宝するベーシックなデニムジャケットを探しているなら「オーバーコート（OVERCOAT）」をチェックしてみて。さりげなく存在感を放つステッチやフラップポケットなど象徴的なディテールは踏襲しつつ、生地にはオーストラリア産メリノウールを原料にしたデニム地を採用。やや太めの糸を使用することでラフな表情を残しながらしなやかさを兼ね備え、一般的なデニム地とは異なり経年変化せず、買った当初のクリーンな佇まいを堪能できます。paratrait / CRACK DENIM JACKET 　デニム特有のダメージを最新技術を用いて再現した「パラトレイト（paratrait）」。最大の特徴は、全面にあしらわれた独創的な柄。コンパクトな着丈に対してゆとりある身幅のボックスシルエットのデニムジャケットをベースに、レーザーと手作業の両方で加工を施すことでひび割れたようなクラック柄を表現しています。袖や裾の断ち切りのディテールも相まってヴィンテージのような佇まいでありながら、テクニカルな技法でモダンに昇華させたブランドらしい一着です。VIVIANO / BALLOON DENIM JACKET 　無骨なデニムジャケットも「ヴィヴィアーノ（VIVIANO）」にかかれば優雅なムードを醸す一着へと様変わり。斜めに配した胸元のシームラインなど26AWコレクションを象徴するウエスタンディテールを取り入れたラギッドなデニムジャケットをベースにしながら、裾部分にはギャザーを寄せることで丸みを帯びた柔らかなシルエットを演出。あえて異なるテイストをミックスさせることで、ブランドのコンセプトである「秩序の花々の間からほのかにゆらめくカオス」を見事に体現しています。秋冬のスタイリングにマッチするブラウンの色味も目を惹くポイントです。YOUTH OF THE WATER / DENIM BLOUSON 　一見するとミニマルでありながら、テーラリングの技術と産地のクラフトマンシップが凝縮された「ユース オブ ザ ウォーター（YOUTH OF THE WATER）」のデニムブルゾン。生地には、国内紡績の糸を用いて岡山県の機屋で織り上げた12.5ozデニム地を採用し、旧式織機ならではの風合い豊かな生地に、海洋深層水を用いたユーズド加工を施すことで、自然なムラと深みのある色味を引き出しています。さらにパターン設計においては、自然に前振りとなる袖付けやフロントダーツ、比翼仕立ての前立てなど、本格的なテーラードの技法を応用して立体的な美しさを追求。1950年代に見られる着脱式のつけ襟や、表に輪郭を浮かび上がらせた内ポケットなど、着こなしのアクセントとなる細やかなディテールにも注目です。TANAKA / UTILITY JEAN JACKET 　「タナカ（TANAKA）」を語るうえで外すことができないデニムアイテム。デザイナーのタナカサヨリは前職でデニムのデザインを担当しており、当時学んだ知識を背景にヴィンテージをモチーフにしたコレクションを展開し、ブランドを象徴するアイテムとして年代や性別問わず人気を集めています。今回紹介するユーティリティジャケットは、26AWコレクションの新作として登場した一着。肌に馴染み柔らかく経年変化する日本製のプレミアムセルビッジデニムや、リアルに着込んだかのようなあたりを表現した加工など、デニムアイテムに定評のあるブランドらしいこだわりをベースに、気軽に羽織れるジップアップタイプのジャケットを製作。フロントとバックに施したタックが自然な立体感を生み出し、きれいめなスタイリングにもハマる一着です。IRENISA / TRUCKER JACKET 　デニムジャケットのカジュアルなイメージに苦手意識を抱いている人におすすめしたい「イレニサ（IRENISA）」の一着。ワークウェア特有のカッティングやステッチワークを取り入れつつ、テーラリングに定評のあるブランドらしく、端正なバランスのパターン設計で再構築。ジャケットのような綺麗な衿の返りとシャープな袖回りを合わせることで、まるでテーラードジャケットのような美しいシルエットへと昇華し、従来のデニムジャケットとは一線を画す仕上がりに。ハイゲージのカットソーにスラックスを合わせた大人っぽい装いにもすんなり馴染みます。Nomàt / UTILITY JK 　既存のテキスタイルを使用せず、常に新たな生地の開発を進める「ノマット（Nomàt）」。その探究心は26AWコレクションでも健在です。今回ピックアップしたユーティリティジャケットに使用されているテキスタイルは、デニム地に短い繊維を植え付けるフロッキー加工を施し、バイオ加工をかけたブランドオリジナルのもの。京都の職人と約1年にわたり試作を重ねて完成させた渾身の生地であり、デニム地特有のタフさと経年変化したスエードのような高級感を両立。この象徴的なテキスタイルをオーセンティックなデザインのワークジャケットへと落とし込むことで、シーズンのテーマである「ワークウェアの構造にやわらかさや余白を加えること」を表現しています。全体をよりモダンに引き締めるゴートレザーがさりげないアクセントに。

OVERCOAT

IRENISA

TANAKA

Nomàt

paratrait

YOUTH OF THE WATER

VIVIANO

今から着られて長く活躍するデニムジャケット、ベーシックから個性派まで紹介

カユウのバックグラウンド――幼少期からブランド立ち上げまで⎯⎯中国出身のカユウさんですが、幼少期はどのように過ごされていましたか？カユウ・シュウ（以下、カユウ）：いつからという記憶が曖昧なくらい昔から、ファッションに興味のある子どもでした。両親は服飾系の仕事ではないのですが、生地屋さんに連れて行ってもらって「あれもこれも欲しい」とねだるような。小学生の時に独学でスカートを作ったのを覚えています。かなり簡単な作りのものだったと思いますが、その時に「自分はものを作ることが好きなんだ」と強く自覚しました。元々絵を描くのが好きということもあって、漠然とこういうことを続けたいなと思っていたんです。⎯⎯ファッションに興味を持ったきっかけは何だったのでしょうか。カユウ：父がよくファッション番組を見ていて、一緒になって毎週見ていたんです。「ファッション通信」のようなファッションウィークのランウェイを紹介する番組でした。多くのブランドに触れていくうちに、「コム デ ギャルソン（COMME des GARÇONS）」、「ヨウジヤマモト（Yohji Yamamoto）」、「イッセイ ミヤケ（ISSEY MIYAKE）」といった日本のブランドに興味を持つようになりました。現行コレクションもチェックしますが、アーカイヴをリサーチするほうが好きです。⎯⎯中国の大学で服飾を勉強してから、文化ファッション大学院大学（BFGU）のファッションビジネス研究科 ファッションクリエイション専攻 テクノロジーコースに進学しています。カユウ：同郷の先輩がBFGUに留学していたこと、そして日本へ旅行した際に実際のキャンパスを目にしたことで、その雰囲気の良さに惹かれました。中国の学校ではデザインの発想やコンセプトなどブランドづくりの基礎となるような部分を勉強したので、日本では技術的なスキルをさらに深めたいと考え、テクノロジーコースを選びました。⎯⎯日本での学生生活はどのように過ごしていましたか。カユウ：学校が終わったら、ほぼ毎日古着屋に通って、さまざまなブランドのアーカイヴをチェックしに行っていました。写真や資料でも見ていましたが、実物に触れると作りの面白さや、発想力を肌で感じられてワクワクしました。⎯⎯中国ではなく日本でブランドを始めようと思ったのはなぜですか？カユウ：実は特別な理由があるわけではないんです。ただ、学生時代から友人とアイテムを作るうちに、本格的なブランドを立ち上げたいと思うようになって。当時は日本でのモデルの活動を通じて知り合ったフォトグラファーやスタイリストなどクリエイターの方々が増えてきて、ものづくりに最適な環境だと感じていました。それから、やっぱり日本のファッションシーンの面白さに惹かれていたこともあり、日本での挑戦を決めました。⎯⎯お二人の出会いについて教えてください。奥山達也 jackpot バイヤー（以下、奥山）：初めて会ったのは、お店のスタッフの友達として紹介してもらったんです。まだブランドを始める前で、モデルとして会いました。カユウ：ジャックポットは個性がしっかりあって、ブランドに対してリスペクトのある東京の素敵なお店の一つだと思っています。いつか自分がブランドを作ったら、こういうお店で扱ってもらいたいと考えていました。動詞から始まるコレクションの世界観⎯⎯「コユー」は2025年秋冬コレクションでデビュー。「知覚のひとつとして服を提案する」というコンセプトはどのように思いついたのでしょうか。カユウ：私にとって服を作ることは、その時々の感情や記憶の断片をつなぎ合わせるようなものなので、「感じる」ことがとても大事。コユーでの服作りを通じて、洋服はただ着るものではなく、世界を感じるための手段でもあるということを伝えたくて。ブランド名にもそうした感覚的なニュアンスを込めたかったので、「Call you（コール ユー）」という動詞から着想を得て「コユー」と名付けました。⎯⎯毎シーズンのコンセプトも、「Hearing（聞く）」や「Warten（ドイツ語で待つの意味）」と動詞に由来していますね。カユウ：それぞれの動詞が含んでいる抽象的なイメージを、服自体やヴィジュアルなど総合的に表現しているような感覚です。デビューコレクションはヒアリング（Hearing）の具現化として、象の耳のように大きなフードをあしらったアイテムを作りました。2026年秋冬コレクション「Reciprocal（相互的）」ではリバーシブルやマルチウェイのアイテムをデザインしたのですが、ただ服を着るのではなく、着る人それぞれの感性で服との関係性を相互的に探求してもらえるように意識しました。⎯⎯奥山さんはコユーをデビューコレクションからチェックしているそうですね。奥山：カユウちゃんはモデルとして出会った時から、独特な空気感を持っている子だったので、どんなブランドなのか素直に気になったんです。数シーズン見ていて思うのは、基本はウィメンズの作りだけれど、どこかメンズ的なクールさがあるのが独特だなと。ヴィジュアルなどではワークなテイストもありながら、女性らしいパンプスを履いたルックもある。いわゆる「ジェンダーレス」や「ユニセックス」ともまた違う印象を受けました。僕個人としては、メンズ目線で共感を得られるウィメンズウェアだなと感じています。 ⎯⎯これまでジャックポットでポップアップを実施してきましたが、2026年秋冬シーズンから本格的に取り扱いをスタート。奥山：タイミングが合致し、ようやく取り扱いがスタートしました。ブランドとしても元々のPR担当に加えて、新たにセールスが入り、より全体の強度が増したシーズンでもあるので、良いタイミングでご一緒できて嬉しく思っています。カユウ：コユーは一気に店舗数を増やしたいわけではなく、ショップとしての世界観やブランドとの関わり方、お客さんとの接し方などで「ここにお願いしたい！」と感じるお店との取り引きをしっかり作っていきたいと考えています。ジャックポットさんもいつかはお願いしたいお店のひとつだったので、ポップアップの時も嬉しかったですが、取り扱ってもらえて光栄だなと思います。⎯⎯ポップアップで実際の顧客と接してみて、学びや気づきはありましたか？カユウ：お店の特性もあってメンズのお客さんが多かったのが新鮮でした。男性が着た時の雰囲気や、お客さんそれぞれの着こなしは刺激になりました。私は店頭であまり話すタイプではないのですが、ポップアップにコユーの服を着て来てくれた方々を見た時の感動は忘れられないですね。奥山：今年2月のポップアップでは、別注で作ってもらったグローブやバッグが男女ともに好調でした。新しいブランドをお客さんに紹介する時、「こういう人たちには刺さるだろうな」とある程度想像しますが、意外な反響になることも全然あります。コユーの場合は「やっぱりいいよね」という感じで、僕らのお客さんにしっかり魅力が伝わったんじゃないかなと思います。ブランドのヴィジュアルと、世界観を伝えるための姿勢⎯⎯コユーとジャックポットの共通点として、ヴィジュアル制作に力を入れていると思います。服そのものだけでなく、見せ方におけるこだわりはありますか？カユウ：私は立ち上げ当初からブランド全体の世界観を感じてもらいたいという思いがあるので、ヴィジュアル制作は毎シーズンの楽しみでもあります。奥山：コユーのヴィジュアルはいつも素敵なチームで撮影しているよね。カユウ：私自身ものづくりが好きなので、フォトグラファーやスタイリスト、ヘアメイク、モデルのみんなで毎シーズンの空気を形にするのが刺激的なんです。ファーストシーズンはパリ、2シーズン目はベルリンで撮影しました。今回はパリ在住のフォトグラファーの方にお願いしています。ジャックポットもインスタグラムでヴィジュアルをたくさんあげていますよね。奥山：僕らの場合は入荷するアイテムの発信を模索するうちに今の形に落ち着いた感じです。トップダウンでディレクションしているわけでもなく、特にコンセプトやレギュレーションもありませんが、「新宿という場所を隠さずに出していく」「ブランドのルックとは違うことをする」というゆるい決め事だけあります。あと、スタッフの子たちが楽しんで続けられるのも結構大事だと思っていて。だからなのか、服を着て街を歩く姿が想像できる、自然体の良いカットが上がってくるんです。カユウちゃんが撮影する時は結構ディレクションする？カユウ：クリエイティブのコントロールはむしろしないようにしています。テーマや雰囲気が分かるキーワードを伝えたり、自分が行ったことがある場所で良いなと思ったところを共有したりするくらいですね。異なる感性を持った人たちから何が生まれるのかが楽しみなんです。いろんな人が着ているのを私自身が見てみたいというのもあって、自分ではモデルにならないようにしています。 多様な環境を“泳ぐ”ことを探求した27年春夏⎯⎯新作の2027年春夏コレクション「Swim（スイム）」について教えてください。カユウ：泳ぐという行為そのものではなく、流動的な空気感や連想する触感をアイデアの軸にしました。水中から陸に上がった時に皮膚と空気が触れる感覚、水面に反射する光や揺らぎ、水中で生きる生物のテクスチャーなど、スイムを広い意味で捉えてコレクションに落とし込みました。 奥山：コユーのテーマはとても抽象的だけれど、どこかクスッとするような遊びがあるのも面白い。クラシカルなスカーフやタイとして使えるアクセサリーに、ゴーグルみたいに穴を開けるとか。魚のエラみたいなディテールもあったよね？カユウ：はい。水かきのようなカッティングを施したシャツもあります（笑）。目に見えてわかるモチーフもありますが、水の揺らぎを想像して透け感のある素材を使ってみたり、環境の変化に適応するというイメージからマルチウェイのアイテムを作ってみたり、間接的にテーマを服に宿らせる方法をいつも考えています。 ⎯⎯これまでのシーズンはダークなカラーパレットが特徴でしたが、今回は春らしく明るいカラーを取り入れています。カユウ：ブランドとして特定のカラーを固定したいわけではないので、常にそのシーズンのイメージを最も表現できる配色を探っています。水色はもちろん水のイメージ。ベージュやスキントーンのカラーは、皮膚や魚類、両生類の体の色に着想しています。魚の色というともっと銀色や光沢のある色味を想像するかもしれませんが、実物を見るとうろこがあるので半透明に見えますよね。そのイメージを形にしようと思って、今回はラムスキンを脱色したショーピースを特別に制作しました。 やりたいことを忠実にやるだけ⎯⎯3シーズン目からショールーム「ON TOKYO SHOWROOM」と契約するなど、ビジネスも少しずつ強化しています。カユウ：私自身、ビジネス面は全く得意ではないんです。だから早い段階で信頼できる人にお願いしたいと思っていました。今はPRをお願いしている方もいて、それぞれの専門の方の意見も取り入れながらデザインを深めていくのが楽しいです。⎯⎯ジャックポットはオープンから30年以上が経ちますが、新しいブランドを買い付ける際、何か大切にしている哲学はありますか？奥山：ジャックポットがあるのは歌舞伎町からも近い新宿のど真ん中で、文化（文化服装学院）もあるし、客層が幅広いんです。尚且つ、実店舗はアポイント制なので、理由があって来店する方がほとんど。そこを加味すると、やっぱり大手のセレクトさんや百貨店さんが手を出せないブランドやアイテムもしっかり見るのは大事なのかなと。ただ、単に尖っていればいいというわけではなく、全体のバランスは重視しています。基本的にはメンズが主体なので、ウィメンズアイテムを買い付ける場合は、メンズ目線で共感を得られるウィメンズウェアというのを意識しています。⎯⎯ブランドの今後の目標を教えてください。カユウ：自分たちの価値観に共鳴してくれるユニークなセレクトショップを通して、私たちの服を本当に届けたいと思える方々に出会っていきたいです。もちろん、日本に限らず中国や韓国、アジアだけでなく、アジア以外の市場にも段階的に広げていきたいですね。⎯⎯最後に、変化の激しい時代の中で、これから自分の表現をしようとしている人たちに、お二人から何かヒントになるような言葉をいただけますか？カユウ：私はあくまでやりたいことを忠実にやっているという感覚で。デザインにしろ素材選びにしろ、自分が好きなものに触れ、その感覚を形にするような。根本的に自分が好きなものを積み重ねていけば、少なくとも何かを生み出すことはできるんじゃないかなと思います。奥山：僕も同じように考えていて、自分がやっていることを信じて続ける、これに尽きると思います。評価の基準は時代によって変化するので、どれか一つが正解というわけではない。これだと思ったものを続けていくと、後から評価が変わるなんてこともよくあります。僕らも昔は「アポイント制なんてうまくいくはずない」と言われていましたが、今では濃いファンがついてくれています。だめな時期もあれば、いい時期もある。その波をうまく乗り越えていくことが、一番大切なことだと思っています。

kallyu

服を“感じる手段”に　BFGU出身の中国人デザイナー「コユー」のものづくりへの愛着

一枚でもサマになるチェックラップシャツ 　デニムパンツとの定番の組み合わせに、新鮮な変化をつけたいときにも重宝するチェックのラップシャツ。ブラウンのブルゾンを合わせた王道のアメカジスタイルも、襟元から柄をのぞかせれば落ち着いた配色がアクセントとして機能し、こなれた印象へと仕上がります。アウターを脱いだら、前を重ねてカシュクール風にアレンジ。腰回りに美しいドレープが生まれ、ゆったりとしたシルエットにほどよいメリハリを加えてくれます。一枚でもしっかりとサマになり、秋冬の着こなしの幅を広げてくれるアイテムです。model : @_kinefuchiきれいめな装いのハズしに、スウェットパンツ 　端正な装いのハズしとして取り入れたい、ベーシックなスウェットパンツ。クリーンな白シャツに合わせるだけで、かっちりとした着こなしに程よいリラックス感を与えてくれます。ゆとりあるヒップから腿にかけて裾をきゅっと絞ったシルエットが特徴の一本は、華奢なヒールサンダルを合わせて足元を軽やかに見せるのがおすすめ。ライダースベストを重ねた辛口なスタイリングにも、パンツの柔らかな風合いが自然と馴染み、大人の余裕を感じさせます。model : @misato__matsumoto異素材で差をつけるハイブリッドスウェットデニムパンツ 　前はスウェット、後ろはデニムパンツ。異なるアイテムをドッキングしたハイブリッドスウェットデニムパンツは、ボトムスを主役にしたスタイリングで楽しみたい一本です。ゆったりとしたドレープと、サイドからのぞくデニム地の切り替えが、スタイリングにひねりを加え、ブラックのトップスやオリーブ系のベストで全体のトーンを抑えれば、大胆な素材の違いがより一層際立ちます。シックな配色で楽しむ、大人の遊び心が詰まったアイテムです。model : @ken.ken.salプレッピーを上品に楽しむニットのラグビーシャツ 　チノパンと合わせる王道のプレッピースタイルも、ウールニットで仕立てたラグビーシャツなら、ひと味違うノーブルな印象に仕上がります。ハリのあるミラノリブの編み地が立体的なシルエットを描き、リラクシーなサイズ感ながらも洗練された佇まいを演出。グリーンとネイビーの大胆なボーダーを引き立てるなら、合わせる脇役は控えめなトーンに。肩に掛けたニットでネイビーを拾えば、鮮やかな一枚を主役に据えながらも、全身にまとまりのある着こなしが完成します。model : @isgrrr__ボアの表情が主役のボンバージャケット 　白のトップスと黒のハーフパンツというシンプルな装いに羽織るだけで、ぐっと季節感を高めてくれるボンバージャケット。毛足に表情のあるボアと丸みを帯びた袖が、着こなしに確かな存在感を添えてくれます。ボリューム感がありながらも、計算された短めの着丈と裾リブですっきりとしたバランスに。ふっくらとした上半身に対し、ボトムスはハーフパンツで脚を覗かせつつロングブーツを合わせることで、メリハリが効いたスマートな着こなしが完成します。model : @okamatsu_mayu丈感の違いを楽しむレイヤードに、ロング丈のラップシャツ 　短丈のジャケットとのレイヤードを存分に楽しみたい、ロング丈のラップシャツ。ジャケットの裾や袖口から鮮やかなブルーをのぞかせれば、黒のアウターとデニムのシックな装いに、明るさとメリハリを加えてくれます。適度なハリとほのかな光沢を備えたコットンポプリン生地が、ラフな重ね着にも品の良さを添えるポイント。前を開けてさらりと羽織るほか、カシュクール風に着こなすこともでき、合わせるアウターや気分に応じた自由なアレンジを叶えてくれます。model : @__aoi__27スタイリングのポイントを紹介したリール動画も公開中！おしゃれな着こなしのヒントを見つけてみてチェックしてみて。

INSCRIRE

「アンスクリア」26AWのアイテムを主役に、スナップで見つける旬な秋冬の着こなし

MATIÈRES FÉCALES

「もう誰もブランド物を買っていない」　パリを騒がす“糞便”が示す自由という贅沢

今季の主役カラーは「レッド」　今季のトレンドカラーとして注目したいのが、鮮やかなレッド。ニューヨークのストリートでは、トップスやパンツ、ニーハイブーツなど存在感のあるアイテムで取り入れるスタイルが多かった。オレンジやパープルといったインパクトのある色を掛け合わせたり、グレーやベージュなど落ち着いた色になじませたりと、個性が光る自由な色合わせもポイント。アクセントでさりげなく取り入れる　レッドは小物で取り入れるだけでも着こなしのアクセントに有効。シューズやソックス、ベルトで取り入れるほか、キャップでさりげなく赤を添えるテクニックは今すぐまねできそう。ベーシックカラーやデニムを基調とした装いにも一点プラスするだけでメリハリが生まれ、ぐっと新鮮な印象に。色と柄のミックスを自由に楽しむ　自由なミックススタイルに挑戦するなら、まずは色や柄をワンポイントで取り入れて。鮮やかなパープルのニットやオレンジのトップス、ミックスプリントのスカーフシャツなど、アイキャッチなピースを一点投入するだけで洗練された雰囲気に。ベーシックなアイテムと組み合わせれば、個性的なカラーや柄も気負わず楽しめる。プレイフルに着こなす柄×柄のレイヤード　一歩進んだ着こなしとして、異なる柄を幾重にも重ねたレイヤードスタイルにトライ。ストライプやチェック、ドット、グラフィカルなプリントなど、テイストの異なる柄をハイパーミックスすることで、奥行きのあるスタイルが生まれる。あえて柄の大きさやテイストをそろえすぎず、自由な感覚で掛け合わせるのがニューヨーク流。2027年春夏ウィメンズコレクション・トレンド特集

赤を大胆に、柄を自由に　ストリートスナップに学ぶミックススタイル from NY

スカートが着こなしの主役に　2027年春夏シーズンを象徴するアイテムとして、存在感を放ったのがスカートだ。その潮流を決定づけたのは、全63ルックをスカートで構成した「プラダ（PRADA）」。面ファスナーで留めるラップスカートをはじめ、構造や素材を変えながら一つのアイテムが持つ可能性を追求した。「ミュウミュウ（MIU MIU）」ではクラシックなプリーツスカートをスポーツブラやスニーカーと組み合わせ、「ドリス ヴァン ノッテン（DRIES VAN NOTEN）」では華やかな装飾を施したスカートを日常着とミックス。とりわけ今季は膝丈のバリエーションが充実し、華やかな一枚をあえてカジュアルに着こなすスタイルも目立った。スカートを特別な日の装いにとどめず、日常のワードローブの主役として楽しむ。そんな「着たい！」という気持ちを刺激する提案が、シーズンを通して広がった。ブラの多様化　ランジェリーのデザイン要素を日常着に取り入れる「ランジェリーコア」のトレンドが続くなか、今季はブラの形状や着こなしが一段と多様化した。「プラダ」はカップの構造やプロポーションを変えたブラをスカートに合わせ、「フェンディ（FENDI）」ではランジェリーを見せたり隠したりすることで官能性を演出。「アーデム（ERDEM）」はクリスタルをあしらった華やかなデザインを提案した。また、「ミュウミュウ」では伸縮性のあるスポーティなブラにビジューを施すなど、バンドゥやブラレットといったバリエーションの幅広さも印象的。かつて衣服の内側に隠されていたブラは、今やスタイリングの主役に。単に肌の露出を増やすのではなく、自分の身体をどのように見せ、どこを隠すか。自分の身体の見せ方を自ら決める、その意思と自信を象徴するアイテムとして、存在感を増した。半端丈パンツの復権　長く主流だったフルレングスのワイドパンツに加え、今季は「半端丈パンツ」が改めて注目を集めた。細身のカプリパンツから、スカートのようにも見えるワイドなキュロットまで、デザインはさまざま。パンツの下にレギンスを重ねた着こなしも見られた。「ディオール（Dior）」や「マルニ（MARNI）」「トッズ（TOD'S）」「ドリス ヴァン ノッテン」「ロエベ（LOEWE）」などでも、丈を短くしたパンツが登場。ふくらはぎや足首をのぞかせる半端丈は、パンツスタイルの足元に軽快さをもたらし、テーラリングやクラシックな装いにも程よい“崩し”を効かせた、新鮮なバランスを印象づけた。空気をまとう、軽さの追求　あえて残したシワによる不規則な質感から、空気を含むような薄手の生地まで、今季はさまざまな手法で「軽さ」を追求する動きが目立った。「ジル サンダー（JIL SANDER）」ではジャケットやトラウザー、シルクドレスなどに波打つようなシワを施し、緻密な仕立てとラフな風合いを対比。ほかにも、オーガンザやナイロンなどの素材に生じるシワや凹凸をあえて生かし、質感を楽しむ提案が見られた。　一方、オーガンザやチュール、シフォンなどの透ける素材を用いた、エアリーなレイヤードも広がった。「ディオール」ではテーラードジャケットを薄手の素材で再解釈し、シアーなスカートと組み合わせた。「シャネル（CHANEL）」でもスリップドレスや、ツイードジャケットに透けるスカートを合わせた装いが登場。素肌を覆いながらも透かし、空気をまとうような軽やかさを演出した。欧州を襲った記録的な熱波の記憶も新しいなか、衣服の軽量化や通気性、動きやすさは重要なポイントとなっているのかもしれない。肌の見せ方を調整しながら、視覚的な涼しさと暑い季節の快適さを追求する提案が目立った。スポーツウェアをドレッシーに着こなす　スポーツウェアをドレッシーに取り入れるスタイルも、今季のランウェイに数多く登場した。特に目立ったのは、今季のキーアイテムであるスカートとの組み合わせ。ストリートでも根強い人気を誇る「プレッピー」の流れも継続し、「グッチ（GUCCI）」や「ディーゼル（DIESEL）」「ドリス ヴァン ノッテン」では、ラグビーシャツを装飾的なスカートと合わせ、日常にも取り入れやすいスタイルを提案した。「ミュウミュウ」は伸縮性のあるスポーティなトップスにプリーツスカートを合わせ、スポーツとクラシックの要素をミックス。プリーツやチュール、ビジューといったドレッシーな要素を加えることで、スポーツウェアのカジュアルな印象から新たな側面を引き出した。膨らむバルーンシルエット　空気を含んだように膨らむバルーンシルエットも、各都市のランウェイで存在感を放った。「ステラ マッカートニー（Stella McCartney）」では裾にボリュームを持たせたトップスが登場。「クロエ（Chloé）」では柔らかな色彩のティアードドレスが軽やかな膨らみを生み出した。　ウエストから腰回り、裾にかけて丸みを持たせ、身体のラインを強調するタイトな装いとは対照的な造形も印象的だった。大胆なボリュームがありながらも、柔らかな素材により重さを感じさせないのが今季らしい。衣服と身体の間に空間を生み出すことで、シルエットそのものを楽しむ提案が広がった。咲き誇る立体フラワー　春夏の定番モチーフである花は、今季、平面的なプリントにとどまらず、立体的な装飾として存在感を放った。「バーバリー（BURBERRY）」では、ミモザやバラなどの花々を刺繍やビーズ装飾で表現。「ディオール」では、オーガンザやシルクの花びらを幾重にも重ね、ジャケットやスカートを花々が埋め尽くすようなデザインに。「ケイト（KHAITE）」や「トリー バーチ（TORY BURCH）」でも、花をモチーフにした刺繍や立体的な装飾が登場した。　花びらの重なりや凹凸に加え、身体の動きに合わせて揺れる花々が、装いに躍動感をもたらした。咲きこぼれるような豊かなボリュームは、春夏らしい開放感や華やかさをいっそう際立たせている。ミニマルなデザインが支持される一方、クラフトマンシップを駆使した手の込んだ装飾を惜しみなく取り入れることで、着飾ることそのものの喜びを感じさせる提案も広がった。2027年春夏ウィメンズコレクション・トレンド特集

スカートが着こなしの主役に　2027年春夏ウィメンズトレンド【アイテム／スタイル編】

── トラノイは歴史のある合同展示会ですが、そもそも他のファッション展示会と比較してどのような特徴があるのでしょうか。　トラノイがスタートした当時は、ただブランドが並んでいるだけでなく、主催者がブランディングを徹底していた点が特徴的だったそうです。主催者は当時のトレンドを作る人々で、その人たちのお眼鏡に適った「このブランドが次に来る」というブランドだけがキュレートされていました。その当時、そうしたショールームやセレクトショップのような展示会は、唯一無二の存在だったと思います。── そんなトラノイを、2024年に東京で初開催することになった経緯や目的とは？　グローバル展開を視野に入れていたからです。本格的な開催は東京がアジア初で、私たちが掲げている目標は、「トラノイ・トーキョーがアジアのファッションハブになる」のではなく、「東京をアジアのファッションハブにする」ということ。トラノイがそのきっかけになることを目指し、皆さんの力をお借りしながらその実現に向けて今も尽力しています。トラノイ・トーキョーならではの「らしさ」とは── 本国のトラノイを踏襲している部分と、東京独自の取り組みについて教えてください。　本国が大事にしている「すべてをファッションとして捉える」という精神は、私たちも非常に大切にしています。「ライフスタイル系のブランドやレストラン、カフェなども含めてすべてファッションである」という考え方です。「ただのファッションの展示会ではない」というところは意識していますね。　一方で、フランスとは違う日本独自のカルチャーを色濃く出すことも心掛けています。「Beyond Fashion, Beyond Trade show」をテーマに、本国よりもさらにライフスタイルブランドを広げています。例えば、「ビームス（BEAMS）」とパリ発のブックショップギャラリー「0fr.Paris」とのコラボレーションによるポップアップや、世界的なキャラクターなどのフィギュアや彫刻などを手掛けるフランスのデザインスタジオ「ルブロン デリエンヌ（LEBLON DELIENNE）」など、かつてはファッションとはみなされていなかったものも独自に取り入れています。　また、単にファッションのブースを並べるだけでなく、SNSで話題になっているものなど、来場者が「知っているけど、実物を見てみたい」と感じるようなコンテンツを意識しています。日本にはアニメのように独自のカルチャーを築いてきた歴史があり、それをアジアの方々が面白いと感じてくれています。フランスではアートと捉えられるものが、日本ではファッションでもあり、アートでもあり、カルチャーでもある。そうしたひとつの枠に決めない考え方こそが東京らしさであり、今後も取り入れていきたいと考えています。 ── 本国のトラノイとは、毎回どのような形で連携していますか？　本国の担当者と毎週ミーティングを行い、ブランドのセレクションやパリでの新しい取り組み、東京に出展したいブランドの情報などを共有しています。日本の私たちと本国とではファッションに対するヴィジョンが異なるため、そのすり合わせは重要です。　例えば、初回の開催時にフランスの靴下ブランドから応募があった際、靴を脱ぐ文化のある日本人にとって靴下はファッションの一部なので、私たちは「すごく可愛いし良いじゃないか」と思ったのですが、本国の担当者からは「靴下はファッションではない」と言われたんです。そうした文化の違いを互いに説明し合うことはよくあります。ただ、彼女たちも日本に来てアジアのマーケットを理解してくれているので、連携はスムーズになってきています。本国の意向を聞くというよりは、私たちがやりたい方向性を伝えて「どう思うか」と相談する形ですね。本国からは「イノベーティブで楽しいことをやってほしい」と言われています。「いかに出展者に成功してもらえるか」── トラノイ・トーキョーの出展ブランドは、どのような基準でセレクトされていますか。　ものづくりの背景にある思いやこだわり、素材と価格のバランスなど、ブランドとしてすべてがきちんと成り立っているかを見ています。私たちはお金をいただいて出展してもらっているので、結果が出なければ意味がありません。時には「今はまだ少し早いかもしれない」とお伝えすることもありますが、お断りする前には必ず、「日本ではこういう色使いが好まれる」「このデザインは少しボディコンシャスすぎるかもしれない」といった具体的なアドバイスをするようにしています。いかに出展者に成功してもらえるか、という視点を最も大切にしています。── 今回は25ヶ国から約200ブランドが参加しましたが、どのような国やブランドが集まっているのでしょうか。また、参加数はどのように変遷していますか？　フランスやイタリアといった王道はもちろん、ルーマニア、インドネシア、コロンビアなど世界中の多様な国や地域からの参加がありました。今回はブータンからも出展があり、例えばパーソンズ美術大学（Parsons School of Design）出身のデザイナーによるブランド「シェイチャ・デム（SHEYCHA DEM）」は、ブータンの伝統的な素材を使ったテーラリングを提案しています。参加国数やブランド数は回によって増減がありますが、第3回のときは過去最多の約250ブランドに出展いただいたところ、来場者から「狭くて話しづらい」といったご意見をいただきました。その反省も活かし、今回はちょうど良い数に落ち着いたと感じています。── 今回、初めてランウェイショーやデニム・プルミエール・ヴィジョンを導入されましたが、その背景や意図を教えてください。　ランウェイショーは本国のトラノイでも実施しており、東京でも以前から開催の構想はありました。今回で4度目の出展となるルーマニアの団体から「東京でランウェイをやりたい」という強い希望があり、彼らの日本での認知度も上がってきたこのタイミングが最適だと判断したのがきっかけでした。今回は、バングラデシュを拠点とするデニムメーカー「パイオニア デニム（Pioneer Denim）」からもやりたいという声をいただいたので、トラノイ・トーキョーが主催となり、この2者をフィーチャーする形で実現しました。　プルミエール・ヴィジョンは、私たちと同じグループ企業が運営しており、「デニム大国である日本なら世界のデニムの価値を理解してもらえるのでは」という考えからデニムに特化して開催することになりました。単なる素材展ではなく、トラノイ・トーキョーの会場内で開催することで、デザイナーと素材メーカーが出会う場を提供し、出展者同士が刺激し合えるような相乗効果を生み出したいという意図もあります。「東京をアジアのファッションハブにする」ことを目指して── 5回目の開催ですが、これまでどのような成果や変化を実感していますか？　この2年半で、トレードショーに求められるものが変わってきたと強く感じています。象徴的だったのが、前回3月に開催した際の服飾専門学校の学生さんによる展示です。私たちは彼らを「学生」としてではなく一人の「プロ」として扱っているので、「卒業制作展」のようなものではなく、本気でブランドを立ち上げて商談ができるレベルの方に参加してもらったのですが、来場したバイヤーの方たちから「一番面白かった」という声が上がったんです。開催後、他の来場者からのフィードバックでも同じような意見があり、今の学生たちはプロ顔負けの面白さを持っているということに、回を重ねるごとに気づかされています。── 昨今の合同展示会の運営の難しさや、トラノイ・トーキョーが抱えている課題はありますか。　常に課題なのは、ブランド集めと来場者集めです。特に、バイヤーやメディアの方々が「これは知らなかった、面白い」と感じてくれるような環境をどう表現していくか、という点は毎回模索しています。　また、出展者の方々と一緒に展示会を作り上げていくプロセスも、大変ですがやりがいのある部分です。特に今回は25ヶ国から出展者が集まっているので、国による考え方や価値観の違いを埋めていくコミュニケーションは非常に重要です。例えば、商品をたくさん並べることがバイヤーへのアピールだと考える海外ブランドに対し、きちんとマーチャンダイジングして見せることの重要性を伝えるなど、成功してもらうための対話には毎回苦心しています。── 次回は来年2月の開催が予定されていますが、トラノイ・トーキョーの今後の展望を教えてください。　私たちが当初から掲げている「東京をアジアを代表するファッションハブにする」という目標を実現していきたいです。アジアだけでなく、欧米のバイヤーも「トラノイ・トーキョーに来れば面白いブランドが見つかる」と思えるような場所に育てていきたいと思っています。　現在もバイヤーやメディアの方をはじめ、デザイナーや生産関連業者、大使館関係者など多様な方にご来場いただいていますが、将来的にはスタイリストや美容師など、ファッションが好きで、ファッションに携わっている方なら誰でも来られるようなイベントにしたいです。BtoBやBtoCといった枠組みを超えた、いろいろな体験ができる「ファッションの祭典」のような場所になることが一番の理想ですね。

「トラノイ・トーキョー」ディレクターが語る、ファッション合同展示会のリアル

　同コラボは、両者に共通する独創性・自己表現・クラフトマンシップと、ポール氏の音楽への造詣の深さから実現。コレクションは、ロンドンのウォーダー・ストリートのレコード店文化や、音楽フェスの色・柄から着想した。コラボコレクションは、ポール・スミス銀座店、丸の内店、大阪店、渋谷店、ポール・スミス公式オンラインショップ、Fender Flagship Tokyo、フェンダー日本公式オンラインショップで取り扱っている。　アイテムは、レディ・トゥ・ウェア、テーラリング、アクセサリーなどのアパレルコレクション全16型をラインナップ。音楽フェスティバルから着想を得たタイダイTシャツ（1万9800円）や、ひまわりモチーフのグラフィックをあしらったバーシティブルゾン（17万6000円）やパーカ（3万8500円）などが販売されている。コレクションの軸となる日本製の特別モデルのギター「Made in Japan Paul Smith Telecaster®」（44万円）には、ポール・スミスのシグネチャーストライプを大胆に取り入れたほか、ギターピックセット（5500円）などギターアクセサリーを用意。全体を通して、ポール・スミスならではの遊び心と音楽カルチャーを反映し、両社のブランドのアイデンティティを随所に表現している。　◆コラボコレクションの発表で来日　80歳を迎えたポール氏に聞く⎯⎯今回のコラボが実現したきっかけは？ また、両ブランドが共鳴した共通点について教えてください。　私にとっては残念なことですが……私が80歳になったからです（笑）。そしてフェンダーも80周年を迎えます。そういった背景から、彼らの有名なプロダクトに対して、異なるクリエイティブな視点を持ち込むことは、非常にエキサイティングな機会だと感じました。共通点について、第一に挙げられるのは、もちろん長く続いていることです。第二に、高いクオリティの基準を持っていること。これこそが私たちが長く続けてこられた理由でしょうし、常に品質を落とさないための基準を設定しています。そして最後に、面白い色の使い方をしている点ですね。⎯⎯カルチャーや音楽に精通していらっしゃいますが、ご自身にとって「音楽」はどのような存在ですか？　音楽と一口で言っても本当にさまざまですが、総じて言えるのは、感情を呼び起こし、喜びを生み出し、物語を語るものであるということです。そして、音楽の最も興味深い点は、やっぱり「記憶」との結びつきだと思います。特定の音楽を聴くことで、当時の状況や記憶を思い出す。例えば、初めて恋に落ちた時、初めて外国に行った時、初めてのロックのコンサートに行ったときなど。そういった思い出が常に音楽の中にはあるように思います。⎯⎯そのような音楽への思いが今回のコラボアイテムにも反映されているのでしょうか？　特別仕様のギターは、ピックアップやネックなどに当時のディテールを採用し、フェンダーの歴史的な文脈に忠実に沿っています。一方で洋服は、私がロックミュージックに初めて触れた1970〜1980年代のカルチャーからインスパイアされています。手にとっていただくと、今回デザインしたプリントテキスタイルの多くが、アメリカの西海岸のポスターなど昔の音楽ポスターに着想を得ているのがわかると思います。⎯⎯半世紀以上ファッションビジネスに携わってきて、今思うことはなんでしょうか？　このインタビューの読者の方々が関心を持ちそうなことでいえば、ファッションビジネスの概念自体が今と昔で全く違う、ということです。私たちがビジネスを始めた頃は、当然インターネットもオンラインショッピングもソーシャルメディアも、ファストファッションもありませんでした。ただ、頭の中にアイデアがあり、それを人々が気に入ってくれることを願う、というものでした。しかし今は、ソーシャルメディア、プロモーション、インフルエンサーが中心にあり、その先に服がある点で大きく異なっています。ですから、世の中にたくさんの美しい服が存在する中で、独自の世界観を持つことが不可欠です。最も重要なのはもちろん美しい服ですが、明確なイメージを持って、慎重に流通させなければならないのです。⎯⎯逆に変わらないと思うものはありますか？　正直に言うと、変わっていないものはあまりないと思います。残念なことに、今は服が流通しすぎています。昔は、ある都市や町に行けば、ユニークな小さなお店を見つけることができましたが、今は世界の主要都市はどこも同じブランドばかりです。個性のあるものを探すことが、非常に難しくなっていると感じます。⎯⎯これからキャリアを形成していく10代、20代の若い人たちに、今アドバイスを送るとすれば？　今は世界中にあまりにも多くのデザイン学校があり、学生の数に対して全員に行き渡るだけの仕事がありません。ファッション教育を受けてる人たちはたくさんいるのに、業界の仕事は限られている。つまり、デザインの観点において、しっかりとした自分自身の視点を持たなければならないということです。自分が働く会社に対して何を提供できるのかを知ることが、仕事を得るのに役立つはずです。これは、あなたの仕事（メディア）でも同じことが言えますよね。残念ながら、AIというものもすぐ近くまで来ていますし……。いずれにしても困難なことに挑戦することが大切です。少し怖いと感じることもありますが、私はそれがとてもエキサイティングだと感じるんです。⎯⎯業界に長く携わっていらっしゃいますが、今もなお好奇心や情熱を大切にされている。　そうですね。その情熱や好奇心というのは、決して無理に心がけているわけではなく、あくまで自然に湧き上がってくるものです。私は元々、人生そのものや、目にするあらゆるものに対して強い興味があるんですよ。モノの質感、差し込む光、人との何気ない会話──そういった、日々の些細なことすべてにね。

Paul Smith

自分自身の明確なイメージを持つこと　80歳のポール・スミスが次世代へ贈る言葉

1. 新時代の日常着　世界的なインフレや消費の減速、混迷する国際情勢など、先行きの見えにくい時代を背景に、ファッションは改めて現実へと目を向けている。焦点が当たったのは、日々の暮らしに根ざした価値あるリアルクローズだ。しかし、それらは単に上質で"普通"な服ではない。一時のトレンドだった「クワイエット・ラグジュアリー」からの脱却を感じさせる、色や装飾、意外性のあるスタイリングを通じて個性を楽しむ服へと広がっている。リアリズムへの関心　「プラダ（PRADA）」は、自由と独立を象徴するアイテムとしてスカートに着目し、全ルックを通してその可能性を掘り下げた。「バレンシアガ（BALENCIAGA）」はTシャツやジーンズに高度なクチュール技術を取り入れ、「ミュウミュウ（MIU MIU）」はクラシックとスポーツ要素を掛け合わせるなど、衣服の機能や着こなしの前提を組み替えた。「セリーヌ（CELINE）」は、日常に溶け込むシンプルなスタイルに極太のベルトなどの遊びを加えて提案。日常着を技術や美意識から捉え直すアプローチには、リアリズムへの強い関心が表れている。着慣れた服への愛着　「コム デ ギャルソン（COMME des GARÇONS）」のテーマ「When royal life and everyday life become one（贅沢で優雅な生活と日常がひとつになるとき）」からも時代のムードが感じられ、大衆的なデニム素材と過剰な造形を対比させた。日常着を代表するジーンズの創造性豊かな表現は、今シーズンのトピックのひとつでもある。「ザ・ロウ（The Row）」は上質なデイリーウェアにアンティーク調のレースやリボンを合わせた。多くのブランドがシワ加工やヴィンテージライクな素材、柄などを取り入れており、着慣れた服の時間の経過や愛着を感じさせる。　装いと暮らしの土台を見つめ直し、着心地や動きやすさといった安心感とともに、見慣れた服の価値を再発見すること。今シーズン、多くのブランドが再定義したリアルクローズには、新しい時代への希望が託されているようだ。2. 気候変動に応える、エアリーな軽さ　2027年春夏は、ひときわ軽やかなシーズンとなった。今年、欧州を襲った記録的な熱波も記憶に新しく、気候変動によって世界の気温が上昇するなか、衣服はより一層、薄く軽やかに変容している。空気をはらむ極薄素材　「ディオール（Dior）」は、レースやシルクモスリン、オーガンザなど「フルー」のアトリエで用いられる素材に、「タイユール」の技術を用いて、空気をはらむ超軽量の仕立てを実現。「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」は身体の動きに着目し、極薄のシアー素材を構築的に組み立てることで未来の衣服を描いた。「エルメス（HERMÈS）」は「トランスペアレンシー」と「ライトネス」をキーワードに、シルクメッシュや透かし編みのニット、モジュール式の構造を取り入れ、涼やかでエレガントな装いを提案した。　「シャネル（CHANEL）」は、素肌に寄り添うジャージーのボディウェアから、1年をかけて開発したという軽量で伸縮性のある新素材「スモッキング・ツイード」のスーツまで、身体を解放する自由さが息づいている。「イッセイ ミヤケ（ISSEY MIYAKE）」は、肌と布との「間」を探求。「バーバリー（BURBERRY）」はシグネチャーのトレンチコートを、刺繍を施したシアー素材で仕立てた。「ボッテガ・ヴェネタ（BOTTEGA VENETA）」のドレスやスカートに用いたフリンジといった、動きのあるディテールも特徴だ。ランジェリーと肌の関係 　シアー素材とも好相性のブラやブラトップが、さまざまな形で登場。「クロエ（Chloé）」はロマンティックなランジェリーをハーネスに再構成した。「フェンディ（FENDI）」は「身体」を基点としたコレクションで、テーラードからレースのブラを覗かせる。「ヨウジヤマモト（Yohji Yamamoto）」の紐状の糸を手で織り身体を包むドレスなど、プリミティブな表現からは現代を生き抜く強さとフェミニニティを感じさせた。3. ルールを脱ぎ捨て、装う喜びを取り戻す　既存の着こなしのルールや枠組みを解体し、あえて不調和な要素を組み合わせる。今シーズンは、異なる色や柄、素材、テイストを重ねることで、ひとつのスタイルに収まらない多面的な個性を表現する提案が目立った。整然とまとめることよりも、直感に従う奔放さが、意外性と高揚感をもたらす。そこには、装う喜びと自己表現の自由を取り戻そうとする姿勢が表れている。なりたい自分になれる　ミラノで架空のブティックを舞台に多様な人物像を描いた「グッチ（GUCCI）」は、「なりたい自分になれる」という、ファッションへの欲望に立ち返った。ミニマリズムの厳格さをあえて崩した「ジル サンダー（JIL SANDER）」は、ひねりを効かせたテーラリングといった不完全さの中に美を見出している。　「ドリス ヴァン ノッテン（DRIES VAN NOTEN）」は、グラマーという概念を現実の営みに重ねる。ルーズなプロポーションと、カジュアルウェアに施したビジュー装飾の意外性が、パーソナルな高揚感を呼び起こした。服を着ることを「身体的かつ感情的な体験」と捉え直した「ロエベ（LOEWE）」は、実用的な衣服をベースに、仕草や所作の痕跡を残す。境界を越える服　「トム フォード（TOM FORD）」はメゾンに息づく「誘惑」を、さらに危険な領域へと押し進めたという。肌を見せながらも、他者の視線に身を委ねない官能性が光る。「アーデム（ERDEM）」は、男性性と女性性、ランジェリーとテーラード、実用性と装飾性といったあらゆる境界を曖昧にすることで、危うくもドラマチックなスタイルを完成させた。ファッションの高揚感と豊かさへ　2027年春夏コレクションに通底するのは、生きた身体と一人ひとりのアイデンティティを主役に据える視点だ。ルールに縛られないリアルクローズと軽やかな素材、豊かな装飾は、新鮮さと高揚感をもたらす。服が日常に寄り添い、装う喜びを生み出す力にこそ、ラグジュアリーファッションの豊かさがあることを改めて感じさせるシーズンとなった。FOCUS: クリエイティブディレクター交代劇、再び？ 　2025年に新体制でデビューしたマチュー・ブレイジーのシャネル、ジョナサン・アンダーソンのディオール、マイケル・ライダーのセリーヌ、ジャック・マッコローとラザロ・ヘルナンデスのロエベ、そしてジュリアン・クロスナーのドリス・ヴァン・ノッテン。各メゾンは1年を経て、ヘリテージと新たな感性が結合し、それぞれの方向性を築いている。グッチは今回、デムナによるヴィジョンを本格的に提示するシーズンとなった。 　一方、サンローランは就任10年を迎えたアンソニー・ヴァカレロがゴールドカラーのコレクションを発表し、その数日後に退任が発表となった。カルバン・クライン コレクションのヴェロニカ・レオーニ、そしてマックイーンのショーン・マクギアーも、コレクション発表後に退任が明らかに。さらに、バレンシアガに就任してからまだ1年余りのピエールパオロ・ピッチョーリや、クロエのシェミナ・カマリにも退任の噂が浮上しており、クリエイティブディレクターの去就は引き続き業界の関心を集めている。2027年春夏ウィメンズコレクション・トレンド特集

装う喜びを取り戻す──2027年春夏ウィメンズトレンド【キーワード・総括】

渡辺翔太 in CELINE　Snow Manの渡辺翔太は10月22日、Amazon Prime Videoの恋愛リアリティ番組「ラブ トランジット」シーズン3のイベントに登場。セリーヌのラムスキンレザージャケットに、ブラックのトップスとワイドパンツを合わせたオールブラックのスタイリングを披露しました。杏 in KEISUKEYOSHIDA　同じく「ラブ トランジット」シーズン3のイベントに登壇した俳優の杏は、鮮やかなレッドのフラワープリントが目を引くケイスケヨシダのトップスを着用。ブラックのパンツを合わせ、華やかさとシックな雰囲気を兼ね備えたスタイリングに仕上げました。ロザリア in TOM FORD　歌手のロザリアは10月22日、米マイアミで開催された「ビルボード・ラテン・ミュージック・アワード」に登場。同授賞式では、ビルボード・ホール・オブ・フェーム賞をはじめ、ラテンポップ・アーティスト・オブ・ザ・イヤー（ソロ部門）、アルバム「LUX」でトップ・ラテンポップ・アルバム・オブ・ザ・イヤーを受賞し、3冠を達成しました。レッドカーペットでは、ハイダー・アッカーマンが手掛けるトム フォードの2027年春夏コレクションから、テーラードジャケットにブラトップ、ローウエストのロングスカートを合わせたオールブラックのルックを着用。ウエストには細いレザーベルトをあしらい、肌を大胆に覗かせたスタイリングを披露しました。グレイシー・エイブラムス in JIL SANDER｜JUDE　歌手のグレイシー・エイブラムスは10月24日、ニューヨークで開催されたSiriusXMのライブイベント「Small Stage Series」に出演。ジル サンダー2012年春夏ウィメンズコレクションから、シースルー素材のシャツドレスを着用し、足元にはジュードのグレーパイソンレザーのパンプスを合わせました。スタイリングはスペンサー・シンガー（Spencer Singer）が担当しました。ロゼ in ERDEM　BLACKPINKのロゼは10月26日、韓国・ソウルで開催された「ジョニーウォーカー ブラックラベル」のブランドアンバサダー就任記念イベントに登場。アーデム2027年春夏コレクションから、リネンガーゼを使用したミニドレスを着用しました。サテンで花びらのシルエットを模したホワイトのボディに、クリスタルのフラワーモチーフをあしらった華やかなデザインが特徴です。スタイリングはエリ・ユン（Aeri Yun）が担当しました。松岡茉優 in BOTTEGA VENETA　俳優の松岡茉優は10月26日、東京・日比谷で開催された第39回東京国際映画祭（TIFF）のレッドカーペットに、映画「男ともだち」の三島有紀子監督とともに登場。ボッテガ・ヴェネタ2026年ウィンターコレクションから、構築的なショルダーラインが特徴のブラックジャケットを着用しました。ワイドシルエットのパンツを合わせ、全身をブラックで統一したマニッシュなスタイリングに仕上げました。テイラー・スウィフト in RAISA VANESSA　歌手のテイラー・スウィフトは10月26日、米テネシー州ナッシュビルで開催された「Nashville Songwriters Hall of Fame」のイベントに登場。ライサ ヴァネッサのベルベット素材にフラワープリントを施したミニドレスを着用しました。ジュエリーには「ルヴィエフ（LEVIEV）」のダイヤモンドチョーカーとイヤリングをセレクトしました。

BOTTEGA VENETA

KEISUKEYOSHIDA

JIL SANDER

TOM FORD

ERDEM

RaisaVanessa

渡辺翔太から松岡茉優、ロゼまで　FS週刊衣装情報【10/19〜10/25】

ロンドンの注目トピックス　今季の見どころとなったのが、英国の老舗バッグブランド「マルベリー（Mulberry）」から誕生した、クリストファー・ケイン（Christopher Kane）が手掛ける新ライン「マルベリー バイ クリストファー・ケイン（Mulberry by Christopher Kane）」のデビューショー。2023年に自身のブランドで最後のショーを開催して以来、ランウェイから離れていたケインの本格復帰に、会場は祝福ムードに包まれた。　また、「マックイーン（McQUEEN）」は、ブランドの原点であるロンドンで2001年以来25年ぶりにLFWの公式スケジュールに復帰。しかし、会期終了後にはクリエイティブディレクターのショーン・マクギアー（Seán McGirr）の退任が発表され、結果的に今回が彼の手掛ける最後のコレクションとなった。　こうした復帰や新たな船出が話題を集める一方、ロンドンのファッションシーンを支えるブランドの成熟も、今季の見どころとなった。創業20周年を迎えた「アーデム（ERDEM）」と、独自のロマンティシズムを追求してきた「シモーン ロシャ（Simone Rocha）」は、それぞれが築き上げてきた美学を土台に、独自の世界観を豊かに広げ、表現を更新し続ける姿勢を印象づけた。170周年の「バーバリー（BURBERRY）」は、ランウェイに加え、ロンドンのヴィクトリア＆アルバート博物館（V&A）でトレンチコートの歴史をたどる展覧会「The Burberry Trench: Crafting an Icon」を開催し、ブランドの文化的価値を発信した。　新世代の存在感も増している。若手サポートプログラム「NEWGEN」では、今年のLVMHプライズのファイナリストに選出された「ペトラ ファガーストローム（PETRA FAGERSTRÖM）」をはじめ、「フランチェスカ レイク（FRANCESCA LAKE）」「エー レター（A LETTER）」「リザ キーン（LIZA KEANE）」らが初のランウェイショーを披露した。また、今季からドーバー ストリート マーケット パリ（Dover Street Market Paris）の支援を受ける「ポーリン・デュジャンクール（PAULINE DUJANCOURT）」は、持ち前の繊細で詩的な表現をそのままに、ものづくりの精度を一段と高め、コレクションの完成度を大きく引き上げた。今年「オールセインツ（AllSaints）」のクリエイティブディレクターに就任したアーロン・エッシュ（Aaron Esh）による「アーロン エッシュ（Aaron Esh）」は、ライブハウスを舞台にショーを開催。「オン（On）」とのコラボレーションも発表し、勢いを感じさせた。　日本から参加した「トーガ（TOGA）」は、「ACCLIMATISATION, ADAPTATION, LIBERATION（順応、適応、解放）」をテーマに、デザイナーの古田泰子が酷暑のパリで目にした肌の露出が多い装いと、高温多湿な東京でも重ね着をする人々のスタイルを融合。スポーツウェアの機能性とレイヤードを掛け合わせ、変化する気候に対応した洗練されたワードローブを提案した。夏の猛暑が深刻化するヨーロッパでは、暑さを前提とした軽やかな服づくりが、ミラノやパリにも共通する今季の大きな流れとなっている。BURBERRY　ダニエル・リー（Daniel Lee）が手掛けるバーバリーは、1960〜70年代に名を馳せたテキスタイルアーティストのセリア・バートウェル（Celia Birtwell）とコラボレーション。ブランドのヘリテージに、手仕事ならではの温もりや不完全さの美しさを重ねた。象徴的なハウスチェックはギンガムチェックやストライプへと姿を変え、花柄や顔のモチーフを添えることで、柔らかな表情を獲得した。これらのモチーフはプリントにとどまらず、ジャカードや刺しゅうへと展開され、コレクションに豊かな表現をもたらしている。  　軽やかなシルクタフタを用いたトレンチコートやレインウェア、ドレスには、ブランドらしい機能美と軽快さが共存。洗いをかけたシルクやコットンには着込まれた衣服のような風合いを持たせた。さらに、ベルトやエポレットといったトレンチコートの象徴的なディテールをトロンプルイユで表現するなど、伝統的なクラフツマンシップと現代的な感性を融合。ランウェイにはラッパーのセントラル・シー（Central Cee）も登場し、会場を沸かせた。ERDEM　米テキサス州出身の女装パフォーマー、バルベット（Barbette）を今季のミューズに据え、歴史的な円形劇場ラウンドハウス（Roundhouse）でショーを披露した。1920年代のパリで空中ブランコの名手として活躍したバルベットは、ジェンダーの境界を超えた美しさで人々を魅了し、ジャン・コクトー（Jean Cocteau）やマン・レイ（Man Ray）にも影響を与えた人物。舞台衣装に着想を得たフェザー使いのドレスや、ブラジャーやショーツなどのランジェリーを取り入れたテーラリングを通じて、フェミニンとマスキュリンの対比を探求した。  　継続する「バブアー（Barbour）」との協業では、ワックスドコットンによるバブルシルエットにフレンチジャカードを組み合わせ、実用性と装飾性を融合。歴史の表舞台では語られてこなかったクイアカルチャーの記憶を現代的なエレガンスへと昇華する、アーデムらしい美学が結実したシーズンとなった。Simone Rocha　6月にはピッティ・イマージネ・ウオモ（Pitti Immagine Uomo）のゲストデザイナーとして初のメンズ単独ショーを開催し、ロンドンでは久しぶりにウィメンズのみでショーを構成した。着想源は、カラヴァッジョの絵画「キリストの捕縛」。アイルランド・ダブリンの邸宅で長年、別の画家の作品として飾られ、1990年代に再発見されたという逸話から、日常に潜む思いがけない美しさに目を向けた。  　ワークジャケットをオペラコートのような優雅なシルエットに仕立て、実用的なアイテムにロマンティックな要素を織り込む。折り返した襟の裏にはバラのコサージュを忍ばせ、下着をあえてのぞかせるなど意外なディテールを随所に散りばめ、官能性と親密さを漂わせた。McQueen　長年にわたるパリでの発表から、今季はブランドの原点であるロンドンへと戻り、街の反骨精神と宗教画の神聖な世界観を重ね合わせた。着想源は、ピエロ・デラ・フランチェスカ（Piero della Francesca）の絵画「キリストの洗礼」に描かれた天使と、ロンドンのレイブカルチャー。モデルたちは悪魔の角を思わせるヘアスタイルで登場した。サヴィル・ロウの老舗「ハンツマン（Huntsman）」との協業による端正なウールスーツに加え、くすんだチュールを身体に巻き付けたようなドレスや、アイコニックなスカルモチーフをクロシェ編みで表現したドレス、銀色の葉の装飾を散りばめたダイナミックなドレスなど、多彩なルックが披露された。  　さらに、創業者と縁の深いジュエリーデザイナーであるショーン・リーン（Shaun Leane）によるハーネスや、アーカイヴジュエリーの復刻も。クチュールを思わせる刺繍や精緻なテーラリングなど、一着一着の完成度は高い。しかし、マックイーンに期待される、既存の美意識を覆すような革新性や、見る者の感情を揺さぶる表現には、今一歩届かなかった印象が残る。マクギアーの退任が発表された今、神話化されたブランドを継ぐことの難しさを改めて感じさせる。

2027年春夏コレクション

活気を取り戻したロンドンファッションウィーク──マルベリー新章や実力派の成熟

　ファーストルックは、チャコールグレーのミニマルなビキニ姿。片肩にはバックパックを背負い、足元にはカラフルなランドリー（洗濯物）プリントのソックスと、透明な厚底スニーカーを合わせている。続くセカンドルックは、ビッグショルダーのオーバーサイズなチェック柄テーラードジャケットに、変形プリーツスカートを合わせた制服のようなスタイル。 この冒頭の2ルックが象徴するように、ショーではミニマルな水着姿と、地元のショッピングモールで放課後や休日を過ごす女子中高生のようなルックが交互に登場した。ビキニにスポーティーな小物やスニーカーを合わせる一方で、制服のルックには、バニーガールの耳がカチューシャやラペルのディテールとして取り入れられる。グラビアアイドルと少女の記号が、ランウェイの上で奇妙に入り混じる様子が繰り広げられた。 　これまでミキオサカベは、漫画やアニメ、アイドルといった日本のカルチャーと西洋のファッション、歴史的な衣服と未来的な身体、少女のような可愛らしさとホラーのような不気味さなど、相反する要素や異なる文脈にあるものを共存させることで、新たな人間像を提示してきた。今回、「ショッピングモールカルチャー」と「グラビアアイドル」をテーマに選んだ理由について、坂部は「日本のグラビアはすごく歴史が長く、普通のアイドルとも、アメリカの雑誌『プレイボーイ（PLAYBOY）』のカバーガールのようなセクシーで成熟した女性像とも異なる、日本独特の不思議なカルチャー」と語る。　欧米のカバーガールにせよ、日本のグラビアアイドルにせよ、「水着姿」というものは本来、「生」や「性」を強く印象づけるものだ。しかし、ミキオサカベが提示する水着姿は、それらとは全く異なる異質なムードを漂わせていた。スレンダーな身体にバックパックやスニーカーを合わせた水着姿は、性的というよりむしろスポーティーでヘルシーだ。一方で制服など他のルックも、ファンシーで少女的な装いでありながら、モデルたちには一様に生気がない。前髪で目の下まで顔を覆ったホラーじみたボブや、数珠を思わせる首元のパワーストーン風のネックレス、ビキニにプリントされた墓地のグラフィックが、どこか「不気味さ」や「死」の気配を醸し出している。さらに足元のフューチャリスティックな厚底ソールも相まって、その姿は非現実的な印象を与える。  　この徹底したアンバランスさについて、坂部自身は次のように話す。「ファッションのトレンドによって変わるものではなく、アマチュアリズムの中にある魅力みたいなものを落とし込みたかった。だから、全てがアンバランスなように見せたくて。音は激しいショーでもモデルはだらだら歩いているなど、少しずつ完成されてない感じを出すことを意識しました」。 そうしてランウェイ上に現れたのは、性的に消費される身体とも、成熟した大人の女性とも、無垢でかわいらしい少女とも異なる、既存のカテゴリーや印象には収まらない新たな女性像だった。　今季のミキオサカベのランウェイショーで繰り広げられたのは、すべてがファンタジーあるいはパロディじみた、一見すると現実離れした異様な光景だ。しかし、日本では数十年前から水着姿のグラビア写真が少年漫画誌などを通して日常に当たり前に存在していることや、今や世界中の大人がアニメやキャラクターに熱狂し、バッグにぬいぐるみを付けて外を歩くのが見慣れた風景となっていることを思い返してみると、このランウェイの異様さは、実は日本の日常に散らばっているものをただかき集めただけの、「現実の写し鏡」なのかもしれないと気づかされる。 　日本のカルチャーの根底にあるものを、坂部は「幼稚性」と「アマチュアリズム」と呼ぶ。「プロフェッショナルじゃないというのは、やっぱり日本人はみんな幼稚なんですよ。その幼稚性は元々馬鹿にされていたところですが、現代ではもう世界中が幼稚になってきている。アマチュアリズムに関しては日本が先進国なんです」。権威的なヨーロッパのファッションに対する、日本の未成熟なカルチャーの圧倒的な熱量とユニークさ。坂部はそれらを同じ土俵に持ち込むことで生まれる魅力と独自性を武器に、クリエイションを続けてきた。　では、なぜ今世界はこれほどまでに幼稚化へ向かっているのか。坂部はその理由を「安全な世界への慣れ」だと指摘する。「究極的に言うと、戦争はあるにしても、昔よりも大人になっても幼稚なまま生きていける世界になっている。これだけ安全になってきたら、世界中が幼稚化できてしまう。自分の国を守らなきゃという気持ちよりも、人任せのようになっている状況が世界中で起こっているのではないでしょうか」。　確かに現代は、SNSの画面越しに今世界で起きている戦争の様子が一つの“コンテンツ”のように流れて消費されたり、ドローンなどのテクノロジーによって「戦争」の生々しい実感が希薄になっている時代でもある。現実には世界規模での戦争状態にあり、各国が軍事費を増やして危機感を強めている一方で、多くの人々が当事者意識を欠き、平和ボケしたまま無自覚に日常を過ごしている。ファンシーさや少女的かわいらしさ、パロディ的な遊びなどが中心にあるショーのルックから漂う「不気味さ」や「死」の気配もまた、まさにそんな現代社会のありようをポップかつシニカルに風刺しているようにも思える。 　日本のグラビアアイドル文化や幼稚性のあるカルチャーは、すべてを手放しで賞賛し肯定できるわけではない。だからこそ、ショーを見た直後はこのコレクションをどのように捉え、解釈すべきか判断に迷う部分があった。しかし、世界中の人々が確実に幼稚化していく不可逆な流れの中で、坂部は「その中で新たなクリエイションを見つけることに興味がある」と語る。その言葉を手掛かりに、改めてコレクションの細部や全体像を見渡したとき、「その幼稚さやある種の異様さを自覚し受け入れ、客観的に眼差すことで開ける境地があるのかもしれない」という新たな視点と可能性に気づかされた。　ファッションショーで見るべきものとは何か。それは決して、一体ごとのルックの完成度や服のデザイン、ディテールの美しさだけではない。お化け屋敷を舞台にした2026年秋冬コレクションでも、坂部は「服の構造を見せるよりも、空間や人を含めた『世界観そのもの』を体感させること」に重きを置いていると明かしていた。今回のミキオサカベのショーも、まさに全体の世界観を体感することで、私たちの日常に潜む現実と新たなクリエイションの可能性が見えてくる、そんなコレクションだった。

MIKIOSAKABE

幼稚なカルチャーが混在する“異様さ”から生まれる新たな可能性　ミキオサカベ 27年春夏

Special Movieそれぞれのルックで出会う、新しい自分　窓辺で過ごすMAYAと、ソファに身を預けるHINATA。イエローのオーガンジーが目を引くドレスと、メタリックブルーのミニドレス。対照的なスタイルが、唯一無二のアイデンティティを輝かせる。　ふたりにとってルイ・ヴィトンをまとうことは、新しい自分に出会うことでもある。「無限の可能性を感じさせてくれる存在です」とMAYA。「夢のような特別感があります。そして何より自信が生まれ、新しい世界に踏み出す力を与えてくれます」。　「新たな自分に出会わせてくれる存在です。自信を与えてくれると同時に、気が引き締まります」とHINATA。 　ルックの魅力は、細部にも。MAYAのお気に入りは、ドレスの全体に、オーガンジーの装飾で描かれたスパイラル。「細やかな形も、より華やかにしてくれるイエローも、とても綺麗だと思います」。一方、HINATAが惹かれたのは、メタリックブルーのミニドレスが持つ近未来的なムード。「上品さと近未来感の、絶妙なバランスがとても素敵です」。期待を膨らませて、ショーまであと少し　出発を待つふたりの手元には、｢ラ・ボーテ ルイ・ヴィトン｣のメイクアップアイテム。MAYAが手にするリップや、HINATAの前に並ぶパレット。ブラックやホワイトのベースにゴールドのシンボルが輝くケースにも、メゾンの美意識が宿る。　ショーへの出発を待ちながら、話題はパリの景色に似合う音楽へ。HINATAが選んだのは、ポイズン・ガール・フレンドの『Hardly Ever Smile』。MAYAは、ホイットニー・ヒューストンの『Saving All My Love for You』を挙げた。同じ街を眺めていても、思い浮かべる一曲はそれぞれ。ふたりの選曲を聴きながら歩けば、パリの景色も違って見えてくるかも。　支度を整えたふたりは、いよいよショーへ。ふたりが心待ちにするのは、コレクションから空間までを通して広がる、ニコラ・ジェスキエールの世界。LOUIS VUITTON Women's Spring-Summer 2027 Show  　ルーヴル美術館のクール・カレを会場に、近未来都市を想像させる空間を演出。空を飛ぶ未来のコンセプトカーを設置した。2027年春夏ウィメンズ・コレクションのテーマは「エルゴノミクス（人間工学）」。外側のシルエットではなく、その内側にある肉体そのものと動きに着目した。 HINATA & MAYA at the Show  2027年春夏ウィメンズコレクション　ショーを終えたふたりの心に残ったのは、ニコラが描く世界観と、細部まで作り込まれたルックの美しさ。　「歴史と未来が交差する世界観がとても美しく、引き込まれました」とHINATA。「軽やかで心地よさを感じるデザインでありながら、細部にまでこだわり抜かれたディテールや、繊細なデザインの美しさが感じられて、とても印象的でした」と振り返る。　「一言では表せないほど、驚きとともにたくさんのインスピレーションをもらいました」とMAYA。「繊細な素材を重ねたレイヤリングと、細やかなディテールがとても印象的でした。ニコラの描いた素敵な世界観を直接見ることができて、心から光栄に思います」　始まる前にふたりが思いを巡らせていた世界は、期待を膨らませていた時間さえも、新たな刺激へと変えてくれた。HINATA: ドレス(参考商品)、シューズ(参考商品)、ブレスレット「ル ダミエ ドゥ ルイ・ヴィトン」388万3000円、リング「ル ダミエ ドゥ ルイ・ヴィトン」134万2000円、LV オンブル 150 ベージュ メメント「ラ・ボーテ ルイ･ヴィトン」3万7400円、LV ルージュ 202 グロリアス クエスト「ラ・ボーテ ルイ・ヴィトン」2万4200円、LV バーム 030 テンダー ブリス「ラ・ボーテ ルイ・ヴィトン」2万4200円MAYA: ドレス(参考商品)、シューズ(参考商品)、LV ルージュ 202「ラ・ボーテ ルイ・ヴィトン」2万4200円／すべてルイ・ヴィトン（ルイ・ヴィトン クライアントサービス）

READY, BUT NOT YET──XGのHINATA＆MAYAとルイ・ヴィトン、パリの午後

ジュエリーではなく「時間を身につける」──まず森川さんにお聞きします。2026年秋冬コレクションでジュエリーを作ろうと思ったきっかけは？森川拓野（以下、森川）：コレクションの着想源が「縄文時代」だったことに尽きますね。テーマを決めて、色々と資料を漁っていたんですが、当時の人たちって何かしら装飾品を身につけているんですよ。素材は貝だったり、骨だったり、綺麗な石だったりさまざまなんですが、狩猟採集の生活の中で手に入れたものを工夫してつけている感じがすごくカッコいいなと思ったんです。それで関係各所に「ジュエリーを作りたいと思っている」と相談したところ、「4°Cさんなら面白いことができるかもしれないよ」とご紹介いただき、お話の機会を得たんです。──実際に会ってみていかがでしたか？森川：挨拶もそこそこに、職人さんが技術を見せてくれました。パールが金属に包まれているだけのサンプルだったんですが、形を整えていないパールのアウトラインに沿ってシルバーがピッタリと一体化されている様を見て、すっかり引き込まれてしまって。「そこらへんの石ころだってシルバーで包んでジュエリーにできるんだったら、自分が考えているコンセプトとすごくぴったりじゃないか」とどんどんアイデアが湧いてきて、会議そっちのけで話し込んでしまいました（笑）。望月慎哉（以下、望月）：タークのことはもちろんお話をいただく前から存じ上げていました。クリエイションのムードを見ても、まさか4℃とご縁があるとは思わなかったので素直に驚きましたね。　そして、4℃のコンセプトの原点は「水」です。水は、しなやかさや優しさだけでなく、時には岩をも砕くような「力強さ」も持ち合わせています。2026年秋冬コレクションでタークが「湧き上がる衝動」というテーマを掲げていると聞き、4℃の中にある「水の力強さ」と今回のコレクションのプリミティブな生命力が共鳴すると考え、協力させていただきました。──タークが惚れ込んだ4℃の技術とは具体的に？望月：細かいところは社外秘なのでお伝えできないのですが、通常ジュエリーの作りでは「爪留め」といって、爪のついた台座を作って、そこに形を整えた石をはめ込むのがセオリーです。しかし、今回は石そのものを加工せずに生かしたい。非金属に金属を取り付けるときは、電気を通して定着させるのが基本的な作り方なんですが、鉱物は電気を通しません。電気を使わずにいかにして金属と鉱石を融合させていくか、というのが今回用いた技術です。私が知る限りおそらく他社さんではできない、4℃の独自技術だと思います。──実際のクリエイションは、どのようなプロセスで進んだのでしょうか？森川：至ってシンプル。日本では、「ミネラルショー」と呼ばれる鉱物、天然石、宝石などの展示即売会が全国各地で頻繁に開催されているのですが、そこでジュエリーに使いたい鉱石を選んで、4℃さんの技術でシルバーと一体化してもらっています。ミネラルショーでは社長室に置いてあるようなドデカい水晶なんかがメイン商品なので、タークが探している小さな石は鉱物商の方からすると眼中にないんです。でも朝から晩まで座り込んで鉱石を選んでいたら、自然と業者さんとも仲良くなりました。望月：基本的に鉱物に手は加えず、ありのままのものを使っているのですが、ものによっては森川さんが「これ半分の方がいいな」とパッとその場で割ったりして（笑）。ジュエリー製造の現場としては非常に新鮮でしたね。──鉱石を選ぶときの基準を教えてください。森川：「ジュエリーにしたら良いものになるだろう」という僕個人の感覚です。強いて言えば、クォーツ系、水晶系の少し角張っているものは基本的に上手くいくだろうなという確信がありました。ただ、それ以外の色付きの鉱石などは正直出来上がってみないと分からない。こればかりはトライアンドエラーですね。　このジュエリーについては「デザイン論」というものが存在しません。鉱石の形を整えたり、磨いたりということはせず、「地球がデザインしたものをお借りしている」イメージです。知っていますか？　水晶が成長するスピードは100年で1ミリ程度と言われているんです。そこにあるリングの石ひとつとっても気が遠くなるような時間の集積の末に生み出されたもので、ジュエリーを身につけるというより「時間を身につける」という感覚に近いかもしれません。僕はコンセプトを提案しているだけ。技術があって、思想があって、自然界のものがそのまま形になるというのが“究極のデザイン”。このプロジェクトに関しては、余計な手を加えてはいけないような気がしています。生活の痕跡を残し、身につける人の一部となる──金属部分は全てシルバーですか？望月：金属部分の表面は全て純度100％のシルバー（純銀）を用いています。一般的なシルバーアクセサリーに使われるのは含有量が92.5％である「シルバー925」ですが、「925」が使われるのは、純銀はシルバー本来の美しい光沢を持つ一方、柔らかく傷つきやすい性質があるから。そのため、銅などの金属を混ぜることで強度を確保しているんです。ただ、今回はその「柔らかさ」が、天然石との相性、加工のしやすさという点で逆に大きなメリットとして働きました。銀本来の美しさも引き出すことができ、非常に理にかなった選択でした。内側は「シルバー925」で、金属の耐久性も確保しています。森川：縄文時代の人々が狩猟採集の生活の中で装身具をつけていたように、日常のなかで多少の傷がつくのも一つの味だと思っています。ピカピカで傷ひとつないことに美しさを見出すジュエリーもあると思いますが、このジュエリーについてはそうではない。生活の痕跡を残し、身につける人の一部となるようなアクセサリーであれればと思います。極端な話、どこかにぶつけて石が欠けてしまったとしてもカッコいいはずですよ。──さまざまなバリエーションを揃えていますが、お二人のお気に入りモデルは？森川：僕はクォーツを用いたネックレスが特に気に入っています。シンプルな黒Tシャツにつけるだけで様になるし、シャツの襟元に取り付けてループタイとして使うのもいいですね。ショーでもスタイリングしていましたが、タークのインラインとの相性も抜群です。望月：僕はこちらの地金のリング。今回のコレクションでは鉱石を使ったジュエリーが目を引きますが、こちらは鉱物をかたどって、自然のままの造形を落とし込んだシルバーアクセサリーです。樹脂のようなもので鉱石の形をとって、そこに金属を流し込むとこのような意匠に仕上がるんです。森川：もともと、この中央の空洞部分には水晶が入っていたんです。石の周りに小さな結晶がたくさんついている様子が妙にカッコよくて、その部分だけをデザインソースにしました。鉱石を使った一点物のアイテムと違い、こちらは量産に対応しています。──価格は鉱物を用いた一点物が16〜20万円ほど、地金のリングが14〜16万円ほど。昨今のシルバーの高騰やアイテムの存在感、製法の希少性などを考えると決して高くはないように思いました。望月：我々は企画から製造、販売までを一貫して手掛けているSPA企業なので、間に挟む業者が少ない分コストを抑えられています。また、通常鉱物の価格というのはカットや整形、研磨といった加工にかかるコストが大きな割合を占めているんですが、このコレクションでは鉱石を加工せずありのまま使っているので、ジュエリーの存在感と浮世離れしない現実的な価格帯を両立できているんです。アイテムのコンセプトが手に取りやすさに直結しており、再現性もあるので、多くの方に手に取っていただけたら嬉しいですね。「体験」が伴う買い物には「愛着」が生まれる──4℃にとって、デザイナーズブランドとのコラボレーションは初。新たな気づきはありましたか？望月：物作りに対して、我々になかった新たなアプローチを提示してもらいました。我々の手法は表現するなら「均等の美」で、1個でも100個でも同じ品質を追求していくものです。でも今回のタークとのプロジェクトは一部を除けば一つひとつが一点物で、それぞれの石の魅力を活かしながら唯一無二のジュエリーを作り上げていきました。座を作って合う石をはめるのではなく、石に合わせて座を作るという真逆の手法で、我々にとっても選択肢が広がったなと思います。森川：タークとしては、ジュエリーがあるのとないのではコレクション全体の完成度というか、奥行きが全く違っただろうなと思っています。ここまでコレクションの方向性にぴったりなジュエリーを短期間で作ってくださり、感謝しかないです。望月：お話をいただいたのが2025年の9月。ショーが今年の1月なので4ヶ月弱の製作期間でしたね。──知り合いのバイヤーも今回のジュエリーを展示会で見て目を輝かせていました。森川：2026年秋冬コレクションはレザーにジュエリーと新しいことに挑戦したシーズンになりましたが、有難いことにとても評判がよかったです。僕自身が本気でいいものだと思ってお話したのでその熱量が伝わったのもあると思います。──年末、別件の取材でタークのアトリエにお邪魔した時に森川さんが突然「めっちゃカッコいいものができるから見てよ」と少年のような眼差しでジュエリーについて語ってくれたのを思い出します。森川：デザイナー自身がワクワクするというのは本当に大事。でなければ発表前の苦しい時期を乗り越えられないし、自分主体じゃなく他者に判断を委ねて作ったものは誰にも伝わらないと思うから。逆に、携わっている人たちみんながワクワクして手掛けたものは絶対お客さんにも届くと信じています。実際に2026年秋冬コレクションは僕がワクワクしていたのはもちろん、4℃さんやレザーのタンナーさんが前のめりでさまざまな提案をしてくれて、村田さん（FASHIONSNAP）が熱量あるレポート記事を書いてくれて、僕がSNSや展示会で発信してお客さんに届いた。物作りの健全な在り方だったと思います。望月：4℃社内でも今回のコラボを通じて「これってどうやって作っているんですか」などクリエイションに関するコミュニケーションが活発になったのを感じていますし、「タークとのプロジェクトのメンバーになりたい」という声も多数上がっています。社員のモチベーションという観点でも非常に有意義な協業でした。森川：2027年秋冬シーズンも楽しみにしていてください。──プロジェクトは今後も続いていくんですね。望月：続けていきます。ヨンドシー オムプラスとしてもこのプロジェクトは大きな可能性を秘めていると考えているので、10月28日から阪急うめだ本店さんで実施するポップアップでの反応を見つつ、具体的なところは考えていきたいですね。森川：コラボではあるけど、このプロジェクトに名前をつけても面白いですよね。将来的にはこのプロジェクトだけのお店を作りたい。アイテムの特性上、オンラインではなく実際に手に取って選んでほしいですから。2027年3月に祐天寺にオープンするターク初の路面店でも、ジュエリーは取り扱う予定です。──ECが当たり前になっている現代だからこそ、アイテムだけでなく「一点物を選ぶ体験」を届けるというのは時代に即しているような気がします。森川：中野に、同じビールの銘柄を10種類以上の注ぎ方で提供する飲み屋あるの知っていますか？　そこはマスターがこだわり強い人で、ビールの飲み方からいただくときの姿勢に至るまでレクチャーするんです。そんなことがビジネスになるのかと思ったんだけど、めちゃめちゃ人気で、予約しなきゃ入店できないらしくて。そのお店とこのプロジェクトは、「体験」に価値を見出している点において近しいものがあると思っています。　もちろんアイテムがカッコいいのが前提ですが、体験が伴う購買には「愛着」が湧くんですよ。そして愛着のあるものは、身につけるだけで1日がいつもより華やかになる。それこそがファッションの本質的な楽しさだと思っています。

TAAKK

4℃

まとうのは時間　ターク 森川拓野が4℃との協業で見出した“究極のデザイン”

フリマに登場した全身ヴィンテージの中学生──今回からゲストを迎えて本格始動。シーズン1のゲストは、全国に18店舗を展開している古着屋「デザートスノー（DESERT SNOW）」の鈴木道雄社長です。以前FASHIONSNAPが行ったインタビューでは、中学生の頃から渋谷や原宿の古着屋に通っていたというお話をしていただきましたが、具体的にどのお店でどんな古着を買っていたんですか？鈴木道雄（以下、鈴木）：よく行っていたのは「ヴィンテージキング（VINTAGE KING）」ですね。あと、「タウンスポット（TOWN SPOT）」や「マービンズ（Marvin's）」など。主に買っていたのはスニーカーやデニムです。学校の先輩の影響で、かなり早い段階でヴィンテージを買うようになりました。──前回の記事でも触れましたが、皆さんは1990年代からのお知り合いで、フリーマーケットを通して仲良くなったそうですね。鈴木：僕は1978年生まれで、中学生だった1991年頃からフリマに通い始めました。もちろん買う側からスタートしましたが、すぐに売る側になりましたね。最初はスニーカーがメインでした。渋谷の古着屋「フィールドライン」の店頭のカゴで、サイズが大きい「LDV」や「LD-1000」*が3900円で売っていたんですよ。それを、横浜大通公園のフリマで売ったり、委託販売をやっていた原宿の古着屋「サマンサ」に持っていったりしていました。*どちらも1970年代後半に登場した「ナイキ（NIKE）」の長距離向けランニングシューズアクタガワタカトシ（以下、アクタガワ）：僕とミッチー（鈴木さんの愛称）が初めて会ったのは、1993年頃だったと思います。今日は、当時ミッチーがよく着用していた「ファースト」*と「オレゴンワッフル」**を持ってきました。まだ中学生なのにヴィンテージデニムを着て、足元もヴィンテージスニーカー。「大物が現れたね」って、仲間たちと話していました（笑）。あの頃、小さいサイズのスニーカーをミッチーのところに持っていくと、27センチとかの良いサイズのものと交換してくれたんです。*「リーバイス（Levi’s）」のデニムジャケット「506XX」。同社が最初に作ったデニムジャケットであることから付けられた通称**1973年に登場したナイキのランニングシューズ鈴木：僕は中学2年生くらいまで、競馬の騎手を目指していたんです。当時は身長158センチ、体重は40キロ台、腹筋はバキバキに割れていてウエストは28インチ。スニーカーのサイズも6ハーフ*と、かなり小さかったんですよ。アクタガワさんとは色々トレードしましたね。一番思い出に残っているのは、ナイキの「チャレンジャー」**です。アクタガワ：革パッチの「501XX」***と交換してもらったんだっけ。あの頃ミッチーは、「エアジョーダン1」のボーイズモデルを履いてなかった？　当時既にエアジョーダンはかなり高値になっていたけれど、ボーイズモデルだと2〜3万円で買えていたはず。鈴木：スカイジョーダンですね。スカイジョーダンのサイズ展開は6ハーフまでだったので、もしかしたら履いていたかもしれませんね。*アメリカで流通しているシューズのサイズはインチ表記で、日本のヴィンテージ業界でもインチを使うことが多い。6ハーフ（6.5インチ）は約24.5cm**1979年に発売されたランニングシューズ***1950年代中期頃までに製造されていた501XXには本革製のパッチがあしらわれていた藤原裕（以下、藤原）：ランニングスニーカー人気が絶頂だった時代ですよね。ゴールデンサイズって8ハーフ（約26.5cm）だったんですか？アクタガワ：8か8ハーフだね。フランス製の「スーパースター」*でも、10や10ハーフだったら買い付けてなかった。そう言えばあるとき、9のスニーカーを半沢さん**のところに持って行ったら「お、ゴールデンサイズだね」って言われたの。そのとき初めてゴールデンサイズって言葉を知った（笑）。藤原：半沢さん発祥の業界用語、多いですよね（笑）。鈴木：「両V」***とかもそうですよね。*「アディダス（adidas）」のスーパースターは1980年代終盤までフランスで製造されていた**原宿の古着屋「マービンズ」オーナーの半沢和彦氏***首元の前後両方にV字のガゼット（汗止め）が付いたスウェットシャツフリマで学んだ古着屋経営の基礎──植木さんも同じ頃に鈴木さんと出会ったんですか？植木勝也（以下、植木）：そうですね。代々木公園、明治公園、新宿中央公園、野村ビルなど、フリマは毎週どこかで必ず開かれていたので、そこで顔を合わせるうちに自然と仲良くなっていきました。藤原：代々木公園のフリマが始まるのは朝8時半か9時でしたっけ？　でも、6時くらいにはもう人がいるんですよね。1ブースの出店料は2500円でしたが、僕はそれすら惜しくて、見知らぬ人に「スペースを半分使わせてくれない？」と声をかけて、ブースを間借りしていました（笑）。アクタガワ：勇気あるねぇ（笑）。鈴木：ひとつのブースに7〜8人が一緒に出していることもありましたよね。植木：楽しかったですよね。──毎週のようにフリマに出店するとなると、商品を仕入れるのも大変そうです。アクタガワ：平日は古着屋をハシゴして、フリマで売れそうなものを探すんです。そうして集めた古着を、週末のフリマで売る。藤原：今の価値観で言えば「転売ヤー」ですが、当時はそれが悪いという認識を誰も持っておらず、皆が当たり前のようにやっていましたね。アクタガワ：フリマで買ったものをフリマで売る、なんてこともみんなよくやっていましたね。朝6時に世田谷公園で7000円で買ったジーンズを、10時に明治公園で2万8000円で売ったこともありました（笑）。植木：フリマは僕にとって学校みたいな場所でしたね。値付け、交渉、人を見る力など、古着屋経営で必要な要素は全てフリマで学びました。──皆さんはいつ頃までフリマ通いをされていたんですか？植木：1990年代を振り返るときって、エアマックス95（1995年発売）を基準にしてしまいますよね。アクタガワ：僕はエアマックス98のとき（1998年）はまだフリマに行っていましたね。藤原：僕は上京した1997年から行き始めて、2000年くらいまでは通っていました。鈴木：ベルベルジンはフリマ禁止だったのでは？藤原：ベルベルジンは、当時から委託販売を行っていたんですが、委託してくれたお客さまとは別のお客さまから「これ、昨日代々木公園のフリマで売っているのを見ました」なんて言われることがありまして。委託販売のことを知らないお客さまは、ウチがフリマで仕入れていると思っちゃいますよね。そういうことが増えてきたタイミングで、禁止になりました。初のアメリカ買い付けで手に入れた1ドル99セントのジャケット──今回は鈴木さんに、これまでのキャリアのなかで特に思い出深い古着をお持ちいただきました。鈴木：1996年、18歳のときに初めてアメリカに買い付けに行ったんですが、そのときにスリフトショップ*で1ドル99セントで売っていたのが、このジャケットです。*アメリカでは一般的なリサイクルショップの形態で、寄付された古着などを低価格で販売している一同：これはヤバい！鈴木：買い付けてから約30年間、ずっと大切に持っていますが、同じものは見たことないですね。藤原：おそらく1920年代のものですね。（スマートフォンで撮影したジッパーの画像を拡大して）タロン（TALON）社*の前身である、フックレスファスナー（Hookless Fastener）社のジッパーです。裏側には「1925」の刻印があります。これはジッパーだけでも価値がありますね。ジッパー単体のデッドストックで、5万円くらいするんじゃないでしょうか。*1893年にユニバーサルファスナーカンパニーとして創業。1937年にフックレスファスナーからタロンに社名を変更。1980年代にYKKにその座を奪われるまで、世界No.1のジッパーのシェアを誇った鈴木：買い付けたときは、「ジッパーが変な形だな」と思ったくらいだったんですけどね（笑）。ウール素材のリバーシブルプルオーバーなんですが、タグなどは全く付いていません。量産品ではなくハンドメイドだと思いますが、かなり作りが良いので、素人ではなくプロの仕立て屋が作ったものではないでしょうか。──お店で商品として売るとなると、価格はどれくらいになるのでしょうか？鈴木：歴史的な価値はかなり高いんですが、一般の方には全く響かないでしょうね（笑）。アクタガワ：そもそも、価格の参考になるアイテムが市場にほとんど存在していませんからね。鈴木：価格は不明ってことで（笑）。これからもずっと手元に置いておくつもりです。