インサイド

　頬を撫でる風の心地よさに、ふと歩みを止めて空を見渡す朝。白く霞んだ空の切れ間からところどころのぞく、淡くやわらかな水色。それは肌に触れる風と同じくらい、心を鎮め、穏やかにしてくれる色だ。そのまろやかさが心にも移り、張り詰めていたものがほどけていく。残るのは、ニュートラルな気持ちと静かな余白。内側から外側へと深まるブルーの濃淡のレイヤード。美しいグラデーションと異なる袖丈が生み出すリズムが、装いに豊かな表情と奥行きをもたらす。ノースリーブワンピース（アズールブルー）4万8400円、七分袖トップ（ペールブルー）3万800円、長袖トップ（ペールホワイト）2万6400円、シューズ 5万600円／プリーツ プリーズ イッセイ ミヤケ　いつもより少し早く起きて、家を出る。ひんやりとした空気とやわらかな日の光、澄み渡る水色の空が、まだ目覚めきれていない身体をそっと起こしてくれる。深呼吸をして、澄んだ空気を胸いっぱいに吸い込む。軽やかな足取りに、これから始まる新しい一日への期待が重なっていく。真っ白なコットンシャツに、ペールブルーのスカートとペールホワイトのパンツをレイヤード。やわらかな色の移ろいをグラデーションでまとうことで、心まで安らかな気持ちに。袖口からのぞく白いレースとプリーツのひだが、装いに繊細なニュアンスを添える。ミドルスカート（ペールブルー）2万9700円、ストレートパンツ（ペールホワイト）4万8400円／プリーツ プリーズ イッセイ ミヤケ、その他／スタイリスト私物　日が落ち、夜へと向かう束の間。沈みゆく太陽の燃えるような赤と、夜の闇が交わる幻想的なグラデーションに思わず目を奪われる。夕焼けの余韻を残した深い群青色の空は、たまにしか出会えない幸運の印のよう。夜が深まる頃には、空のネイビーに包まれながら、慌ただしく過ぎた一日が少しずつ静けさを取り戻す。澄み渡るペールブルーのショート丈トップとネイビーのパンツに、真っ赤なシューズ。1日の美しい空の移ろいを、軽やかに一つの装いに込めて。ストールはあえてパンツの上から腰に巻きつけることで、自由でモードなフォルムを描き出す。長袖トップ（ペールブルー）2万6400円、ストレートパンツ（ネイビーブルー）4万8400円、ストール（ネイビーブルー）2万4200円、シューズ 5万600円／プリーツ プリーズ イッセイ ミヤケネイビーのハイゲージのニットに、深く澄んだ秋の空を思わせるアズールブルーのスカート。日常に馴染むミニマルな装いの中に、襟からは赤を、スカートの裾からは淡い水色をさりげなくのぞかせて。足先まで連なるシアーなブルーの重なりが、美しい余韻を残す。ミドルスカート（アズールブルー）2万9700円、ミドルスカート（ペールブルー）2万9700円／プリーツ プリーズ イッセイ ミヤケ、その他／スタイリスト私物　台風が去った翌日、太陽が高く昇った秋晴れの真昼には、生命力溢れる日の光と、目の覚めるような空の青の鮮烈さに出会う。全身に光を浴びると、まるで光合成をしているかのように、自然とエネルギーが満ちていく。燦々と降り注ぐ光と、どこまでも広がる鮮やかな青。そこにあるのは、心まで晴れ渡るような開放感だ。鮮やかな青のショート丈トップとロングスカートの間に余白をもたらす、淡いペールホワイト。色と丈のドラマティックなコントラストは、シンプルなスタイリングの中にハッと目を惹くような印象を残す。長袖トップ（ミドルブルー）2万6400円、半袖ワンピース（ペールホワイト）3万4100円、ロングスカート（ミドルブルー）3万9600円／プリーツ プリーズ イッセイ ミヤケ、その他／スタイリスト私物凛とした印象のミドルブルーのワンピースは、白いTシャツの上から重ね、ライトブルーのデニムパンツにタックインすることで、アクティブな装いにシフト。繊細で上品なプリーツの表情にデニムのラフな質感を掛け合わせたミックススタイルは、洗練されていながら日常の風景にさらりと溶け込む。 半袖ワンピース（ミドルブルー） 3万4100円／プリーツ プリーズ イッセイ ミヤケ、その他／スタイリスト私物　淡い霞の白から、澄み切った水色、鮮烈な青、深い群青、静かな紺色へ。空に境界線がないように、ペールブルーからネイビーブルーまで、さまざまな青がひとつの装いの中で自然に溶け合い、重なり合う。その移ろいを身にまとうことで、見慣れたはずの日常の風景にも、これまで気づかなかった美しさが見えてくる。無数の「青」に出会うたび、心には余白が生まれ、私の世界はまた新しく広がっていく。ブランドページ問い合わせ先イッセイ ミヤケ：03-5454-1705model: Haruka Toyoda(IPSILON), photography: changsu(LESEN), styling: Ryoji Morishita, hair & makeup: Narumi Nishihara, location service: Shuto Ishiwatari(NASH) | creative direction: Hideya Yokoi, assistant director: Mico Yamada, text & edit: Erika Sasaki, casting director: Rika Yamaguchi, producer: Tomoya Sasaki(FASHIONSNAP) | location: Institut français de Tokyo

Fashion

無数の青に出会い広がる世界　「プリーツ プリーズ イッセイ ミヤケ」と感じる秋空

家庭で洗える　日常着としてのシルクシャツ　うだるような暑さは早々に過ぎ去ったけれど、日中はまだ汗ばむ日もある今年の秋。季節の変わり目に本当に取り入れたいのは、サラリとした肌触りが爽やかながら天然の保温効果もあるシルク100％シャツ。「シワになるから」「ケアが面倒だから」と、つい扱いやすいテック素材に逃げてしまう。そんな価値観を鮮やかに覆してくれるのが、「EVER IT」のシルクシャツ。あらかじめ洗いをかけているため、家庭での洗濯も気兼ねなく。夏は涼しく冬は暖かい天然素材の心地よさに、気取らない風合いとふとした瞬間に覗く上質なツヤが同居。4万円台という価格帯も相まって、シルクを日常着としてまとう贅沢を叶えてくれる。金子恵治、日常着に求めるのは“犬の散歩に着ていける”こと　ヴィンテージウェアへの深い造詣を持ち、服が本来持つ「作りの良さ」や「歴史」を現代の日常着へと落とし込む、ファッションディレクターの金子恵治さん。数々の名品を見てきた彼が選ぶベーシックには、細部のディテールや仕立ての良さへの確かな審美眼が光る。そんな金子さんを訪ねて向かったのは、元々知人が経営していた洋服屋の空間を居抜きで譲り受けたというワークスペース。「ここでは、企画を考えたり、考え事をしたり、打ち合わせをしたり。時間があればつい来てしまいます」と金子さん。今日の金子さん💡淡い中間色のトップスに、濃色のボトムスを合わせてコントラストを作るのが金子流。白系のカラーはヴィンテージなどの“汚れ系”アイテムを合わせても上品に仕上がる万能カラー。紳士ジャケットの裏地にありそうな絶妙なストライプシャツには、その対極であるワーク感のあるデニムにローファーを合わせた。金子さんにとってのベーシックとは？「世の中でベーシック、スタンダードと言われていても、自分のクローゼットに残らないものはベーシックではないですね。着心地はもちろん、佇まいや、自分の感性に本当にフィットするかどうかは、実際に所有して着続けていかないとわからないと思うんですよ」と金子さん。　「新品の服って、料理に例えるなら食材のようなものだと思います。80％くらいの気持ちで購入して、着ていくことで次第と100%に近づいていく。むしろ最初から100％になっているものはあまり好きじゃないんです。服を買うときにはどんなふうに育っていくものなのか想像して購入します」。 EVER ITのシルクシャツをどう評価する？　「手洗い可能なので、洗ったらどんな表情になるんだろう。きっと柔らかくなったり、シワが入ったりして、馴染んでいくのかな。そうした余白がありそうなところが良いと思います。ただウォッシュ加工がされているだけのシャツは面白くないと思うけど、これは洗いをかけた後にまたプレスをかけているから一見洗ってあるように見えないのも、いいですね」。　撮影には愛犬のロロちゃんも同席。「“犬の散歩に着ていける”というのは、僕の日常着選びにおいてとても大切にしているポイントです。犬を飼い始めてから、自分のものづくりの視点においても『犬を散歩できる服か否か』を考えます。散歩に出かけると、途中で歩かなくなった犬を抱えることになる。そして犬を抱えると服は必ず汚れるので、汚れがついても気にならなくて、洗えるのはマスト。でも、たとえ犬の散歩とはいえ、あまりカジュアルすぎる格好で外に出るのは違うのではないかと思っていて、犬の散歩の時もよくシャツを着ているんですよ。そのレパートリーに入れるシルクシャツ。初めて出合えたので嬉しいな」。　EVER ITのシャツは、ドレスシャツを仕立てている工房で縫製されている。「襟の芯がすごく柔らかかったり、ステッチの入り方も昔のドレスシャツのような繊細さがあったりと、縫製の仕方が面白い。脇も縫い目を見せない裏ロック仕様になっているし、一見わからないことを主張せず何気なくやってるのがかっこいいですね。あと、第2ボタンの位置もめちゃくちゃいい。閉じすぎても空きすぎても嫌なので、本当にちょうど良いです」。詳細はこちら浅野啓介、作り手の意図を知ると好きになる　世界を舞台に活躍するファッションモデルであり、現在はフォトグラファーとしても活動する浅野啓介さん。ミステリアスでクールな佇まいながら、話してみると柔らかく気負うことのない等身大な雰囲気が魅力だ。モデルとしてもフォトグラファーとしても、さまざまな服に触れてきた彼が、プライベートで選びたくなる1枚とは？　話を聞くべく訪れたアトリエは、自然光の差し込む美しいホワイトキューブ。浅野さんにとってのベーシックとは？　夏場はTシャツスタイルがほどんどだという浅野さんだが、秋になるとその一軍アイテムはシャツにシフトするとか。「シャツは着るだけで綺麗に見えるし、気分も上がる。着るだけで上品さが出るのは嬉しいですよね」。　そんな浅野さんのシャツ選びのポイントは、サイズ感と着心地。「奇抜なディテールは求めていないけど、着た時の落ち感と、程よいゆとりがあるシルエットが好きです。肌触りという意味でも生地にも注目しています。アトリエで作業する時は、誰にも会わないのでTシャツとデニムなことが多いけど、来客がある時はシャツを簡単に羽織ったり、オンラインMTGをする際にもシャツを1枚で着ることが多いです」。　ディテール以上に、大切にするのはその服が生まれるまでの物語だという。「デザイナーさんや、ブランドの方がどのような想いで作っているのか知ると、服がもっと魅力的に思えてきます」と話す好奇心旺盛な浅野さんは、「エストネーションはなんでシルクシャツを作ったんですか？」と、取材陣に逆質問。　EVER ITのシルクシャツは、ユニセックスなアイテム。女性が着ても男性が着てもサマになる大人の色気を感じる適度な光沢感は、特にこだわったポイントだ。夏と秋の狭間の「何を着たらいいかわからなくて困る時期」には、綿100％だとまだ暑いし肌に張りつく。一方でシルクの肌離れの良い感触や、冬まで長く着続けられる保温性はもってこい。そんな発想から、EVER ITのシルクシャツは生まれた。　「それを聞くと、よりよく思えてきました。シルクって軽いのに暖かくて良いですよね」と浅野さんも納得。 今日の浅野さん💡ウエストサイドのベルクロでサイズを調節できるコンパクトでありながらフレアシルエットのかわいらしいペインターパンツにブルーシャツ、ブラウンのスエードローファーを合わせてクリーンかつ抜け感のある着こなしに。EVER ITのシルクシャツをどう評価する？　浅野さんは、シルクシャツを持つのは実は今回が初めて。「ずっと洗えないし手入れが大変なイメージだったので。こんなに綺麗な生地で、洗えるのにシルク100％だというのがすごく嬉しい。サイズ感もちょうど良くて着やすいし、光沢がいい感じです。羽織ってみて改めて軽さにも驚いています。ちょっと良いディナーに、さらっと着ていきたいなと思います」詳細はこちら大人のためのワンマイルウェア　カシミヤタッチのフーディー＆パンツ　大人が選ぶワンマイルウェアは、ただの「ダル着」とは一味違う。EVER ITのカシミヤタッチシリーズは、一見スウェットのようなカジュアルな佇まいでありながら、肌触りの良いポリエステルモール素材を使用し、表裏ともに、まるで本物のカシミヤのようにしっとりとしたなめらかさと上質な風合いを備えている。本物のカシミヤは水シミや虫食いなどデリケートな素材だが、カシミヤタッチなら、自宅で手軽に洗濯できるイージーケア性も大きな魅力。毎日袖を通したくなるような柔らかな着心地と気兼ねなく着られる実用性、欲しかった日常着とはまさにこのこと。ソヨン＆ユウ、大人のカジュアルは素材選びが重要　ファッションブランドを手掛け、洗練された夫婦のシミラールックを発信している、デザイナーのソヨンさんとディレクターのユウさん。シンプルでモダンなモノトーンを基調とし、アイテムの素材感や全体のバランスで魅せるシックな着こなしが得意だ。パートナーとお揃いで楽しみたい日常着のルールを教えてもらうために、2人が常連のように通っているというカフェで待ち合わせ。今日のソヨンさん（左）＆ユウさん（右）💡ご近所へのブランチも気を抜かない2人。綺麗めかつカジュアル＆リラクシーな仕上がりになるように、カラーはモノトーンで統一し、シャツやスラックス、レザー小物やアクセサリーを合わせることでシックにまとめた。ソヨンさん＆ユウさんにとってのベーシックとは？　「私は明確に基準があります。ベーシックであっても“地味にならない”ということ」と即答したソヨンさん。「ベーシックはときにシンプルになりがちですが、それはただ地味なものを選ぶということじゃありません。1枚のTシャツを選ぶにしても、素材や襟の形が満足いくまで吟味する。年齢を重ねるごとに奇抜なものは選ばなくなってきましたが、シンプルなものを選ぶときにこそ、自分に本当に似合うシルエットやディテールにこだわって、年齢に相応しいものを選ぶようになりました」。 　一方ユウさんは、約30年ワードローブが変わっていないという。「特にメンズアイテムは、選び方や着こなしを一歩間違えるとカジュアルすぎたり、だらしなく見えてしまう。スウェットやフーディーだけでなく、カーゴパンツやチノパン、デニムを選ぶときも、ストリートすぎない、モードっぽい雰囲気のシルエットや素材感を選ぶことを長年大切にしています」。　「エストネーションのコンセプトである『色気・知性・物語』を感じる服や服装とは？」と訊ねると「ブランドの名前が目立つスタイリングをしないこと」とユウさん。「いい大人が、全身全部違う高級ブランドのわかりやすいアイテムを合わせていたら、かっこ悪い。そのブランドのトーンやメッセージを理解して、的確に取り入れるのが大人としての知性だと感じます」と話す。ソヨンさんは「やはり素材は大切。シンプルでも、着た時にまとえるオーラが変わってくるんです。良い素材のものをまとっていると雰囲気から変わってくる、そうしたところに知性や色気、女性らしさが現れるんじゃないかと思います」と語ってくれた。 EVER ITのカシミヤタッチシリーズをどう評価する？　夫婦でお揃いのカシミヤタッチシリーズを着用した2人。「今日のように夫婦でお揃いの格好をするときは特に、“子どもっぽく”見えないように気をつけています。今回は2人でモノトーンのカラーをセレクトしました。フーディーというカジュアルなアイテムこそ、シャツやジュエリーなどを合わせることで大人っぽく着こなしたいと思っています」とソヨンさん。　カジュアルなものを上品に大人っぽく着こなすために重要なのは「素材感」だと2人は口を揃える。「スウェット素材ではない上品な質感なので大人っぽく着こなせる。これがただのスウェット素材だったら、着ていける場所は限られてくるけど、これはインナーに合わせるものを変えるだけでも色々なスタイルが楽しめそうです」と話した。詳細はこちらEVER IT 公式サイトphotography: Katsuya Fujii | text&edit: Chikako Hashimoto, casting: Rika Yamaguchi, creative direction: Riko Miyake , project management: Miho Hamasaki (FASHIONSNAP)

【教養としてのベーシック】日常で着るエストネーション「EVER IT」のシャツとフーディー

10 LOUIS VUITTON ｜バンドル トランク　「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」2026年秋冬コレクションから、アイコニックな「サイドトランク」をアレンジした新作「バンドル トランク」をピックアップ。柔らかなレザーが生み出すシルエットに、大きく結んだリボン状のハンドルがプレイフルな表情を添える。コーナーには、メゾンのトランクを思わせるディテールを同色のレザーで表現した、トロンプ・ルイユのような遊びも。オールブラックでユニークなフォルムをモダンに引き締め、日常に取り入れやすいデザインながら、スタイリングにモードの一捻りを加えてくれる。

10ブランドから選ぶ10のバッグ　＜LOUIS VUITTON＞

服と身体の間に生まれた風の通り道　トロッターにとって、ボッテガ・ヴェネタでの3回目のショー。ミラノで季節をひと巡り経験したことが、今季の出発点となった。冬の身体を守る装いから、春、そして夏へ。「包み込むことから、解き放つことへ」という変化が、服の重なりや素材の軽さに顕著に表れている。　幕開けには、白のシャツドレスにベージュのロングコートを重ねたルックが登場。首元からはマクラメのレースが覗く。黒のジャケットも、肩の輪郭とウエストのラインはありながら、柔らかく生地感たっぷりのパンツを合わせ、続く軽快なルックの方向性を決めた。　特に目を引くのは、身体にゆとりを持たせたテーラリングと、軽くしなやかなレザーだ。トレンチコートやレザーのアウターも身体を締めつけないシルエットで、素材の持つ硬質さではなく、布のような柔らかさを感じさせる。手をポケットに入れたモデルたちの姿も含めて、丁寧に作られた服を普段のまま着る感覚がある。身体を覆いながらも、風が通り抜けるように見えるシルエットが、今季の開放感を印象づける。花が開くように色が広がる　序盤の白、ベージュ、黒から、やがてピンクやイエロー、パープルの彩りが加わる。ピンクのトップスにはイエローのパンツ、パープルのジャケットには淡いピンクのパンツ。親しみのあるシャツやテーラリングを、色の組み合わせで軽快に見せた。　季節の移ろいは、服の表面にも表れている。花柄のセットアップでは、細い糸状のフリンジが長く垂れ、束になって丸みのあるスカートを形作り、歩くたび弾けるように表情を変える。イエローのシャツに合わせたスカートも、裾を内側へ巻き込むようなボリュームが特徴だ。装飾を加えるだけでなく、その動きや集まり方によって見え方や、シルエットまでも変化する。　花の表現にも立体感を加え、視覚的な奥行きを生み出した。細かな編みを複雑に縫い上げた薄手の白のニットドレスの胸元には赤い花が咲き、別の花に覆われたドレスでは、ラバー素材が一部混ざり、不規則な揺れをルックに与えた。レザーで作られたフラワーコサージュは、ブランドが得意とする素材で、植物の柔らかな質感を表現。花が開き、季節が移ろっていくイメージが、クラフトを通して表現されていく。「編む」を広げる、人間の手仕事　ブランドの中核にあるイントレチャートは、今季も重要な役割を担う。レザーの表面だけに収まらず、ラフィアやマクラメ、透かし編み、フリンジへと表現を広げ、隙間や毛羽立ち、不揃いな端にも手仕事の痕跡が残る。　白い編み地のトップスには、密度の異なる編み目が混在。レザーとラフィアを使ったバッグや帽子も、素材の質感を残した仕上がりが印象的だった。　コレクションノートでは、手仕事に宿る知性や感情に加え、作り手の所作が生む不完全さまで、目に見える形で残すと説明している。ここでの「不完全さ」は、技術の欠如や手間を省くことではなく、クラフトマンシップをもってこそ実現できる遊び心のある表現だ。空間にも残された、人の手の痕跡　ショー会場にも、同じ考え方が貫かれていた。客席に置かれたのは、アーティストのイリヤ・ゴールドマン・グービン（Illya Goldman Gubin）による「Karton Hocker」。自らの身体で抱え込み、押しつぶした段ボール箱を原型とし、樹脂でコーティングしたスツールだ（販売は現時点で未定）。組み合わされた箱のふたはイントレチャートを思わせ、表面のしわやへこみには、身体を使って形を変えた痕跡が残る。　招待状のポスターにも、グービンやブランドで働く人々が実際に手を加え、一枚ずつしわをつけた。会場では席にひとつずつ手作業で仕立てたレザーの花を配置。チューリップ、シャクヤク、ユリといった花々が、ショーに先立って季節の高揚感を伝えていた。 　ショー前にはフロリアン・ヘッカー（Florian Hecker）の音響作品が空間を満たし、本編にはマーク・レッキー（Mark Leckey）のサウンドトラックが添えられ、リズミカルな音楽は観客の身体を揺らした。異なる作家や表現を組み合わせることも、ボッテガ・ヴェネタにとっては「編む」という行為の延長にあるのだ。　服も空間も、緻密な仕事を幾重にも重ねながら、受け取る側には軽やかさを感じさせる。今季のボッテガ・ヴェネタは、重厚さに結びつきやすいレザーやクラフトの印象を、風を含む服へと変えた。素材を薄くし、編み目をほぐし、裾を遊ばせる。その工夫の積み重ねが、まとうことの喜びを感じさせ、外へ出かけたくなるワードローブを作っていた。

風を含む服、手仕事がほどく軽快な「ボッテガ・ヴェネタ」

objcts.io / ESSENTIAL DAILY LEATHER HOBO 　「現代人の移動をアップデートする」をコンセプトに掲げる「オブジェクツアイオー（objcts.io）」からは、ミニマルな佇まいのショルダーバッグをピックアップ。上品なムードを醸すシンプルなデザインが特徴的なアイテムは、天候を気にせず使える防水レザーを採用し、荷物の重さを分散させてくれる弾力のあるスポンジを搭載したショルダーストラップを備えるなど、美しい見た目だけでなくアクティブな日々に寄り添う機能性も追求。ストラップの長さを調整することでワンショルダーや斜め掛けなどスタイルに合わせた持ち方を楽しめます。BIÉDE / ELEMENT 18《NOTE》 　「PCを持ち運びたいけれど、大げさなバッグは持ちたくない」という要望を叶えてくれるのが、「ビエダ（BIÉDE）」の「ノート」。最大の特徴は、一般的なPCバッグの概念を覆す圧倒的なマチの薄さ。機能性を極限まで追求し、余計なディテールを削ぎ落としたミニマルデザインによって、必要最低限の荷物をスマートに持ち運ぶことが可能です。傷や摩擦に強いスプリットレザーのソリッドな質感は、エッジの効いたフォルムを引き立てつつ、スタイリングをさりげなく引き締めてくれます。BIÉDE / ELEMENT 19《LOUNGE》 　前述の「ノート」とは対照的に、ベーシックなフォルムが魅力的な「ビエダ」の「ラウンジ」。デイリーユースしやすい横長のシルエットを採用し、書類やファイルをスムーズに収められるほか、内部にはクッション性のあるPC用ポケットを内蔵。広めに確保されたマチによって水筒やポーチも無理なく収まります。肩掛けしやすい絶妙な長さのハンドルや、フロントに刻まれた生産地の緯度経度を示すグラフィックなど、実用性と控えめな遊び心が同居するアイテムです。SEVEN BY SEVEN / LEATHER SHOULDER BAG 　古着をモチーフにしたアイテムを展開する「セブン バイ セブン（SEVEN BY SEVEN）」からは、ブランドの定番として毎シーズン人気を集めるショルダーバッグをピックアップ。ヴィンテージ市場でも根強い人気を誇るポストマンバッグをモチーフに、太めのストラップや大きめのフラップなどのディテールを忠実に再現しながら、きめの細かい起毛感が特徴のスエード地を用いることで、従来の野暮ったいイメージを払拭。大きめのサイズ感のため、旅行時のメインバッグとしても重宝します。beautiful people / LARGE MARKET BAG 　マーケットバッグという日常的でシンプルなモチーフを、最高級のイタリアンレザーで表現した「ビューティフルピープル（beautiful people）」のアイコンバッグ。なめらかな手触りと豊かなシボ感が際立つシュリンクレザーを親しみやすいフォルムに落とし込むことで「チープ」と「ラグジュアリー」という対極の要素を融合させた、ブランドらしいユニークなデザインアプローチが光ります。荷物が少ない日はラフにワンショルダーで崩して持つのもおすすめです。OUAT / OFFICE BAG 　素材が変われば印象もガラリと変わる。26AWコレクションの新作として登場した「OUAT」のショルダーバッグは、ブランド定番のバッグをベースに、上質なレザーを用いることで大胆なアップデートを施したアイテム。クロワッサン型のシルエットやギャザーを寄せたショルダー部分はそのままに、不均一なシボ感が特徴のシュリンクレザーを用いることで、従来のストリートなムードから綺麗めなスタイルまで馴染む、品の良さを感じさせる佇まいへと刷新。スタイリングに取り入れるだけで、洗練された印象を与えてくれます。

beautiful people

OUAT

SEVEN BY SEVEN

BIÉDE

objcts.io

お買いモノ

オンオフ兼用で使えるレザーバッグをピックアップ、サイズとカラーに注目

紙飛行機に込められたメッセージ　招待状として届いたのは、透け感のある封筒に収められた水色の紙飛行機だ。マルニで回収した素材を用い、ローマ美術アカデミーで紙素材を研究する「Aula9」と協働して、3週間、100時間以上をかけて手作業でつくられたという。紙飛行機を選んだ理由は、その形が持つ矛盾にある。それは「ほとんど重さがないにもかかわらず、重力に打ち勝つための機械から形を得ている」ということ。もとは別の目的でつくられた素材を、新たな形にすることで、今季のキーワードである“変化”を体現した。　会場はブルーのライトに照らされ、デザインスタジオ「フォルマファンタズマ（Formafantasma）」とともに手掛けたウッドピースがランダムに配置された。技法そのものを装飾として見せる演出で、“つくること”と“新たに組み立てること”の楽しさを空間でも表現されていた。見せすぎないカットアウト　ロッゲがヒントを得たのは、マルニ2004年春夏のビキニトップや、建物を切断して内部を露出させた作品で知られるアーティスト、ゴードン・マッタ＝クラーク（Gordon Matta-Clark）、1960年代のアメリカで服と身体の関係を問い直したデザイナー、ルディ・ガーンライヒ（Rudi Gernreich）らの作品や思想。ファーストルックから続いたのは、胸元に円形のカットアウトを施したドレスのシリーズだ。手刺繍で縁取られた開口部から肌をのぞかせながらも、見せすぎない絶妙なバランスに仕上げた。 新しいレイヤードの提案　ランジェリーの要素も随所に見られる。ブラジャーの輪郭を服に組み込み、本来は内側にあるものをあえて表へと反転。ビスチェとスカートを重ねたように見えるルックは、実は1枚仕立てのドレスだ。 　こうしたフェイクレイヤードがある一方で、新たな重ね方も提案。ショーツの上に柔らかなコットンジョーゼットのパンツを重ねたスタイリングや、背中の開いたホルターネック風のベストをシャツに重ねたルックが、軽やかで新鮮な印象を残した。 紙のように軽い素材　春夏らしい“ライトネス”も今季のキーワードだ。リアルレザーを薄く加工した“ペーパーレザー”のジャケットは、驚きの軽やかさ。ブランドの原点のひとつであるファーには、食肉の副産物であるベビーゴートを用い、軽さとラグジュアリーな存在感を両立させた。昨シーズンから続くスキーウェア由来のスポーティな要素も、今季は軽やかな色柄のミックスでアップデートされている。 懐かしさをモダンにアレンジ　色は、創業者コンスエロ・カスティリオーニ（Consuelo Castiglioni）の時代を思わせるパープル、グリーン、ブラウン、グレーといったダークトーン。どこか懐かしさを帯びた色合いに、初期のマルニの記憶が重なる。本来は工業的な縫製であるトリプルステッチは、コントラストカラーで際立たせた。アーカイヴからヒントを得た巨大なスパンコールを用いたドレスのほか、ビジューをあしらったミニドレスにはあえてシワ加工を施し、華やかさにラフな表情を加えている。 遊び心あるアクセサリー　シューズは、シースルーのソックスを履いているように見えるブーツ、バイカラーのトングサンダルやラバーのようなカラフルなサンダルも目を引いた。 　エキゾチックレザーのような表情を持つ型押しバッグは、意外性のある色の組み合わせがポイント。アイコンバッグの「トランケット（Trunkette）」は、スエード素材のイーストウエスト型など、より軽やかなフォルムで登場。ラバーのような質感の丸いモチーフを連ねたジュエリーも、新鮮な表情へとアップデートされている。 定まり始めた“ロッゲのマルニ”　招待状の紙飛行機には、「過去の記録ではなく、未来へ向かって動き続ける素材」という言葉が記されていた。その言葉に重なるように、今季のコレクションでは、かつてのマルニを思わせる色や素材、ディテールが新たなかたちへと再構築された。実験的でありながら、そこにはポジティブなエネルギーと遊び心がある。2シーズン目にして、ロッゲが描く新しいマルニの方向性は、より説得力を増している。

MARNI

2シーズン目で鮮明になるメリル・ロッゲの「マルニ」　アーカイヴを開いて再構築

トム・クルーズ in GIORGIO ARMANI　トム・クルーズは9月22日にロンドンのオデオン・ラックス・レスター・スクエアで開催された映画「DIGGER」のロイヤルプレミアに、ジョルジオ アルマーニのメイド トゥ メジャーで仕立てたブラックスーツで登場。ピークドラペルを配したワンボタンのタキシードをはじめ、ボウタイとカマーバンドまでミッドナイトブルーで統一し、端正なスタイルに仕上げました。ソフィー・ワイルド in Dior　同じく映画「DIGGER」のワールドプレミアに登場したソフィー・ワイルドはディオールのドレスを着用。2026-27年秋冬オートクチュールコレクションから、クリンクル加工を施したネイビーブルーとブラックのメタリックサテンのドレスをセレクトしました。胸元にあしらった大きな結び目がアクセントとなり、光を受けて表情を変えるメタリックな質感が華やかさを添えています。足元にはディオールのパンプスをスタイリング。幾田りら in FIDAN NOVRUZOVA | Ans Dotsloevner　9月22日にベルーナドームで開催された「INKIGAYO LIVE in TOKYO」に幾田りらが出演。IVEのレイとのコラボステージが注目を集めました。幾多はカーキのミニスカートにホワイトのパフスリーブシャツを合わせたルックで登場。立体的なリボンがあしらわれたスカートはモルドバ発のフィダン ノヴルゾヴァ、シアー素材のパフスリーブシャツは百瀬華乃が手掛けるアンス ドッツローヴナーのもの。足元はブラックのロングブーツを合わせました。IVE レイ in SHUSHU/TONG　同じくINKIGAYO LIVE in TOKYOに出演したレイは、幾田りらとのスペシャルコラボステージで、セーラーカラーやネイビーのストライプをあしらったシュシュ／トングのカーディガンを着用。ネイビーのミニスカートとレースのハイソックス、ホワイトのシューズ、セーラーハットを思わせるヘッドピースを合わせマリンテイストでまとめました。aespa ニンニン in  GUCCI　ニンニンは9月24日に開催されたワールドツアー「SYNK : COMPLaeXITY」のアトランタ公演で、グッチによるカスタムドレスを着用。透け感のある素材を重ねたホワイトのドレスに、きらめくロングブーツを合わせました。ダヴ・キャメロン in GIORGIO ARMANI　ダヴ・キャメロンは9月24日、イタリア・トスカーナ州モンタルチーノの市庁舎で行われたマネスキンのダミアーノ・デイヴィッド（Damiano David）との民事婚セレモニーで、ジョルジオ アルマーニのカスタムスーツを着用。ウエストをベルトで絞ったホワイトのジャケットは、片側からケープが流れるアシンメトリーなデザインが特徴です。シャツやタイ、ワイドパンツも同色で揃え、オールホワイトのルックを完成させました。土屋太鳳 in LANVIN | MESSIKA | Christian Louboutin　土屋太鳳は9月25日に行われた映画「マッチング TRUE LOVE」の公開初日舞台挨拶で、ランバン2026年秋コレクションからドレープを効かせたアシンメトリーなデザインが特徴のロングドレスを着用。ジュエリーはメシカ、足元はクリスチャン ルブタンのシューズを合わせました。オリヴィア・ロドリゴ in Hussein Chalayan　オリヴィア・ロドリゴは9月25日にコネチカット州ハートフォードで開幕したツアー「The Unraveled Tour」で、フセイン・チャラヤンのカスタムドレスを着用。白い襟を配したプリーツのミニドレスでステージに登場し、「The Cure」のパフォーマンス中に人工の雨を浴びると、白い生地が徐々に溶け、内側に着用していた赤いコルセット風のミニドレスが姿を現しました。今回のドレスは、チャラヤンが2016年春夏コレクション「Pasatiempo」で発表した水によって衣服が溶けるデザインから着想。今回のツアーに合わせて、新たな“溶けるドレス”を製作しました。BLACKPINK LISA in The Attico | QUINE LI　LISAは9月27日にロサンゼルスのピーコック・シアターで開催された「2026 MTV Video Music Awards（以下VMAs）」のレッドカーペットに、ドレスからコート、足元まで赤で揃えたワントーンのルックで登場。ボディラインに沿ったシアードレスはジ アティコ、ボリューミーなフェイクファーコートは中国出身のデザイナー クアイ・リー（Kuai Li）が手掛けるニューヨーク発のクイン リーのもの。テイラー・スウィフト in Tamara Ralph | Le Silla 　同じくVMAsのレッドカーペットに登場したテイラーは、「タマラ ラルフ」の2026-27年秋冬オートクチュールコレクションのドレスを着用。ブラックのノースリーブトップに、シルバーのスパンコールを敷き詰めたアシンメトリーなロングスカートを組み合わせたデザインで、ウエストにドレープを寄せ、片脚がのぞく深いスリットを施しています。足元にはレ シーラのシューズを合わせ、ピアスはレヴィエフとアニータ コー、リングはフォーエバー ダイヤモンズ ニューヨークとエト マリアをセレクト。スタイリングはジョセフ・カッセル・ファルコナー（Joseph Cassell Falconer）が担当しました。

GUCCI

GIORGIO ARMANI

LANVIN

DIOR

SHUSHU/TONG

Christian Louboutin

The Attico

Ans Dotsloevner

MESSIKA

LISAからテイラー・スウィフトまで　FS週刊衣装情報【9/21〜9/27】

グッチという「場所」の原点　その答えの一つが、グッチを単なるブランドではなく、異なる人物や価値観が共存する「場所」として捉えることだ。着想の根底には、創業者グッチオ・グッチ（Guccio Gucci）が若き日に働いたロンドンのサヴォイ・ホテルがある。さまざまな階層や背景を持つ人々が行き交ったホテルのロビーになぞらえ、現代のグッチもまた、貴族的な世界（アリストクラシー）とポップカルチャー、格式と官能性、ヘリテージと大衆性が交わる空間として描いた。そこには、貴族からインフルエンサー、ラッパー、新興富裕層まで、異なる顧客像が内包される。　そして、さまざまな顧客が集い、ブランドの世界観を最も直接的に伝えられる場所として選ばれたのが「ブティック」だ。会場には、今後のショップコンセプトに先行した店舗空間が何部屋にも連なって出現。ラックや棚には商品が並び、実際の店舗スタッフも参加した。窓の外には街を行き交う人々や、日中から夕刻へと移ろう光、晴れ間や通り雨といった一日の風景が投影され、店舗の外側に広がる日常まで含めて再現。観客を新たなグッチの世界へ引き込む没入的な演出となった。多様な顧客像を映すワードローブ　コレクションでは、一つの明確な人物像に集約するのではなく、多様な「グッチ像」を連続して描写。古巣の「バレンシアガ（BALENCIAGA）」や、約1年前に発表したファーストコレクションでも用いた“キャラクター設定”で、「反逆的なアリストクラート」「スノッブ」「エキセントリック」といった人物像を浮かび上がらせた。　店舗の売り場を分けるように、序盤のメンズと後半のウィメンズによる2部構成で展開。クラシックなワードローブにスポーティな要素を重ねながら、今シーズンはメンズ、ウィメンズともにラグビーシャツがキーアイテムとして登場した。シャツと合わせたレイヤードスタイルのほか、ブレザーやパフ状に膨らんだボンバージャケットといったアウターと合わせたり、ウィメンズではタータンチェックのキルトスカート、大ぶりのホースビットやチェーンを重ねたスタイリングで、育ちの良さを思わせるプレッピーなコードにデムナらしい反抗的なムードを加えている。　そのほか、メンズではシワ加工が施されたシャツやデニムシャツ、ジップアップのスウェットやフーディなどのデイリーウェアが多く登場。ウィメンズでは、乗馬服に着想したブルジョワ的な装いに加え、パゴダショルダーを用いたシャープなテーラードなどを展開し、世代問わずさまざまな顧客像を描く。これまで以上に実際に人が着る姿を想像できる、リアルなワードローブの印象を強く残した。「売ること」もヴィジョンの一部　そして今回、無視できないのが明確な商業性だ。そもそもショーの舞台が「ブティック」であること自体、服を最終的に顧客へ届ける場所として認識させる試みでもあり、ダイレクトなメッセージでもある。日常のワードローブに取り入れやすいものから、ボリュームのあるアウターやイブニングドレスまで、異なる顧客のニーズに応える商品が一堂に並ぶ。ショーと店頭をほぼ地続きのものとして見せ、コレクション自体が売り場の延長のようにも映る。　現にウィメンズの冒頭にモデルが携えていたのは「オフィディア」や「GGマーモント」といった、いわゆる"コマーシャルライン"の定番バッグ。そのほか今シーズンは「ホースビット」の装飾が大小問わずコートやニット、ベルトなどにも多用され、グッチのコードをわかりやすい形で組み込んだ。　ただし、単に「売れるもの」を揃えただけではない。デムナは、洗練されたブルジョワの品格に、エキセントリックさや危うさ、官能性が加わったときにこそ、記憶に残るグッチが生まれてきたと捉えている。その考えを反映するように、マキシサイズのホースビットモチーフや、ホースビットの3連ベルトといった過剰なディテールやバランスの崩しが加えられ、ランジェリーにはボリュームのあるアウターを重ねるなど、デムナが解釈するグッチらしいアンバランスさを生み出した。　終盤には、身体のラインに沿う流麗なイブニングドレスが続き、グッチがトム・フォード期の1990年代に築いた官能的なグラマーにも回帰。フィナーレでは、片方の肩から流れるドレープをティアドロップ型のメタルウェイトの重さによって固定した「グラビティドレス」が登場した。重力そのものを構造に取り込むことで生まれるシルエットは、イタリアングラマーを象徴する一着となった。一つではない「グッチらしさ」　「The Store Show」に登場した人物像も、着る服も、決して一様ではない。ブルジョワも、プレッピーも、グラマーも、ストリートも、スタイルとして一つの店舗の中に並べられる。そして、実際に商品を選ぶ顧客がその中から自分のグッチを探し、見つけていく。デムナが言う「誰もが自分のなりたい自分になれる場所」というヴィジョンは、店舗という極めて商業的な場所を舞台にしたことで、より具体的な形となって提示された。　ここ数年、売上をめぐるさまざまな話題が取り沙汰されるなかで、その現実すらブランドのヴィジョンに取り込み、あえて「店」をショーの主役に据えたことは、どこかデムナらしいアイロニーを含んだアンサーとも受け取れる。グッチである以上、避けては通れない「売ること」という使命を正面から引き受けるという覚悟の表れでもあり、ひとつのステイトメントのようでもあった。就任から1年。デムナ自身の手で描くグッチが、本格的に始まった。

2027年春夏コレクション

グッチは誰のためにあるのか　デムナが描くグッチ像

09 Chloé｜パディントン スリング　2005年に誕生し、昨年復活を遂げた「クロエ（Chloé）」のアイコンバッグ「パディントン」に、2026年ウィンターシーズンから新たな仲間が登場。より軽やかにアップデートした新作「パディントン スリング」は、シグネチャーであるパドロックを受け継ぎながら、しなやかなナッパラムレザーとたっぷりマチのある横長のイーストウエストシルエットで、よりソフトな佇まいに。 カラーは、秋冬の装いに深みをプラスするバーガンディをピックアップ。細めハンドルのクラシカルなルックスと、柔らかいレザーのニュアンスとのコントラストも魅力。取り外し可能なストラップ付き。

10ブランドから選ぶ10のバッグ　＜Chloé＞

天も味方に、史上最大規模のショー——改めて、ハレとはどんなブランドでしょうか。原田純PRマネージャー（以下、原田）：モードを軸にしながら、日本のカルチャーや根底にある美意識と、現代のトレンドやカルチャーを組み合わせて、現代的に再編集して提案しているファッションブランドです。「日常を華やかに晴れやかに。」というスローガンに基づいて、「自身」をアップデートして「自信」に変えられるような服を届けることを目指しています。2003年に立ち上げて、今年で23年になります。——長く愛されているブランドだとは思っていましたが、想像以上に歴史があるんですね。村岡秀紀部長（以下、村岡）：僕が入社するずっと前から続いているので、黎明期を知る人は流石にもう社内には数少ないと思います。ブランド立ち上げ当初はエディ・スリマン（Hedi Slimane）のようなピチピチのテーラードなんかも売っていて、ラグジュアリーブランドに手が届かない学生さんや美容師さんから支持を得て成長してきました。——今は日本の美意識から着想を得たクリエイションを展開していますが、設立当初からモノづくりの方向性が変化したということでしょうか？村岡：そうですね。立ち上げ当初は、世の中のトレンドに追随するというか、良くも悪くもミーハーさがありました。自分たちの感覚を大切にして、良いと思うものをハレのフィルターを通して表現するといったイメージがもっとも近かったと思います。　方向性が変わったのは2017年秋冬シーズンにブランド初のショーを開催したときです。初めて「和」や「ジャポニズムモード」、「ジェンダーレス」といったコンセプトを提示したのですが、そこからクリエイションの解像度が一気に高まりました。それまでの「イケてるよね、カッコいいよね」という曖昧な基準から、「ハレで服を作るならこういう要素がなければ」と言語化できるようになったんです。——なぜ「日本」というものを製作の軸に据えるようになったのでしょうか。原田：ハレは設立当初から「東京発のモードブランド」ということをすごく大事にしてきました。2017年にショーを実施するにあたってみんなで「東京発ってどういうことだろう」と話し合ったのですが、そこで「日本」というところに考えが及んでいきました。ショーを開催したことで自分たちのアイデンティティが確立された、という感じでしょうか。——先日開催したショーは600人もの観客が詰めかけるなど史上最大規模となりました。ショーを終えての心境を教えてください。原田：率直に言えば、成功させることができてほっとしたという気持ちが1番強いです。4年ぶりのショーでかなり長い時間をかけて準備をしたのですが、当日はお客さまを案内するタイミングで雨が降ってしまい。正直「この半年以上の努力が報われないかもしれない」と不安でいっぱいだったのですが、奇跡的に開演のタイミングで晴れてくれました。奇しくも今回のショーのテーマは「霽レ」。霽レとは、曇りや雨が過ぎ去り、空が晴れていく様子を指す言葉です。天気がまさにショーテーマを体現してくれていて、チームメンバーには感動で泣いている者もいました。　村岡：天気が一番の舞台装置でしたね。本当にドラマチックでした。とはいえ、ショーをやって終わりではありません。お客様のクローゼットにハレの服が届いて、はじめて成功と言えると考えています。ブランド始動から23年、次のステージは海外——バイヤーへのお披露目も兼ねてショーを開催するコレクションブランドと違い、ハレは卸売をほとんど行っていません。足元の売り上げが好調に推移している中で、ショーという発表方法を選んだ狙いを聞かせてください。村岡：一番の狙いは、今後の成長戦略の最重要課題と位置付けている海外展開の足がかりにすることです。好調な今こそ、ハレがどんなブランドなのかを示すべきだと考えましたが、発信したくてもどうしても資料ベースになってしまい、感覚的に訴えることが難しいという課題がありました。そういう意味で、非日常的な空間でブランドの世界観を肌で感じていただけるショーは、打って付けだったんです。また、チームメンバーや世の中に対して「世界へ挑戦するぞ！」という決意表明の意味合いもありました。原田：前回のショーからの4年間、ブランドの売り上げは好調でしたが、結果を求めたことでクリエイションの軸が少しだけブレている感覚がありました。ショーを通してブランドのルーツや存在意義をチーム全員で再確認する、というのも狙いの1つでした。——ブランド始動から20年以上、国内を主戦場にビジネスを拡大してきましたが、このタイミングで海外展開に舵を切る理由を教えてください。村岡：直接的なきっかけとなったのは、国内店舗におけるインバウンド売り上げの急伸長です。ここ数年、文字通り倍々に伸び続けており、ならして見ると実店舗売り上げの3割近くを占めるまでになりました。原宿の旗艦店「HARE.JP」に至ってはインバウンド売り上げが約75％。日本への旅行者が増えているという外的要因もありますが、何よりハレが元々持っていたモードの文脈に「日本の美意識」を加えたクリエイションそのものが、高く評価されている結果だと言えます。　昨今、日本のカルチャーに対する世界の注目度は高まっていますし、「ジャパンブランド」に対する信頼も絶大。加えて、日本のようにモードファッションがストリートレベルで大衆化している国は世界的に見ても稀有で、そこにはまだ掘り起こされていない潜在的なニーズが眠っていると強く感じています。以上から、「しっかりと戦略を立てて挑戦すれば、海外でも必ず戦える」と確信しました。現在先行して出店している台湾の4店舗が非常に好調なことも、背中を押してくれています。——台湾の次に出店を狙うエリアはどこですか？原田：直近では香港、そこから中国、韓国といった東アジアへの進出を考えています。人口密度が高く、モードファッションへの関心も非常に高い市場です。日本からの距離が近いのも大きなメリットですし、グローバル展開を目指すならこれ以上の拠点はないでしょう。当面の間は東アジアで海外事業の基盤を固めることに注力していきます。——いずれは欧米にも？　村岡：過去にはロサンゼルスの老舗セレクトショップ H.Lorenzoで取り扱ってもらった実績もありますし、ニーズはあると思うのでチャンスがあればぜひ挑戦したいです。ポップアップなのか常設店なのか形態は分かりませんが、ゆくゆくはファッションの中心地 パリで現地のお客さまにハレの服を届けられたらと思っています。そして、将来的には世界の各主要都市にハレの店舗を出店したいですね。——グローバル展開にあたり、商品戦略を教えてください。村岡：モードを軸に日本の美意識と現代のカルチャーを融合させるというブランドのアイデンティティは一切変えず、そのままの形で届けたいと考えています。一方で、現地のニーズに合わせるべき部分もあります。例えば、サイズスペックは各国の体型に合わせてローカライズしなければ通用しません。また、海外のお客様は、より「和」を強調したデザインを好む傾向が見られるので、そうしたアイテムの構成比を高めるといった見せ方の工夫は必要になるでしょう。原田：コラボレーションは積極的に活用していきたいです。ハレは、書道家や陶芸家といった日本の伝統文化の担い手から、世界的に人気なアニメといったIPまで、幅広い相手と協業しています。その中で大切にしているのは、キャラクターをただプリントするなどの表面的なアプローチは極力控え、コラボ相手の世界観やイメージを落とし込む、概念的なデザインです。この直接的すぎない表現は国内外で非常に好評なので、今後も続けていきたいと思っています。——現在インバウンドに人気のアイテムは？村岡：ハカマパンツや角袖のアウターといった、和服の意匠を取り入れたアイテムが好評です。生地のしなやかさを活かし、歩くたびに裾が揺れるようなドレープ感や躍動感、和服独自の侘び寂びのムードなどが海外のお客様に支持されているようです。——原宿の旗艦店「HARE.JP」ではアイテムだけでなく、茶室をモチーフにした空間を設けるなど、店舗全体で日本的な体験を提供しています。原田：お店の前に大きな黒松を植えるなど、空間全体で「日本の美意識」を感じていただけるような空間作りを意識しました。今では多くの外国人のお客さまがその松の前で写真を撮ってくださるなど、店舗のシンボルとして定着しており、手応えを感じています。単に服を売るだけでなく、その空間での体験を通して、日本を訪れた楽しい思い出と共にハレの服を持ち帰っていただく。そして、その服を着るたびにそのときの感動を思い出してもらえるようなブランド体験を提供したいと考えています。村岡：グローバルで出店する際も、「HARE.JP」のような日本を感じさせる店舗作りは非常に効果的だと思っています。出店する場所の雰囲気や客層にあわせて、洗練された現代的な店舗と日本的な店舗からマッチする方を選んでいく方針です。“ハレラー”復権へ　これからのハレに求められること　——今年3月には、日本の伝統やモノづくりをベースにした新ライン「ナリル（NARRIL）」を立ち上げました。既存のハレとの違いはどこにありますか？村岡：最大の違いは、ものづくりへのこだわりを極限まで追求している点です。ハレには「デザイン性の高い服が、手頃な価格で買える」という強みがある一方で、品質面で「高級」というイメージまでは伝えきれていないというブランディング上のハードルがあります。そこで、品質とクリエイションに完全に振り切った、特化型の新ラインとしてナリルを立ち上げたんです。ハレが大切にしてきた美学を一切の妥協なく、より純度高く表現したハイエンドラインという位置付けで、価格帯もハレの1.8倍ほどに設定しています。原田：ナリルは大きく2つのシリーズで構成されています。生地から縫製まで、すべてを日本国内で行うことにこだわった「ハイクオリティ」と、着物や柔道着といったユーズドの和服を解体し、その生地や構造を活かしながら新しい洋服として蘇らせる「リビルドジャポニズム」。海外展開するうえで分かりやすく「ハレらしさ」を打ち出すのがナリルの役割です。既存のハレのラインナップに加えて、「こんなこともやっているよ」とブランドの幅を見せていくのは顧客層拡大の観点でも非常に大事になってくると思います。——ブランドとしての課題を教えてください。村岡：避けては通れないのが、日本の人口減少と少子高齢化という社会構造上の問題です。ハレのメインターゲットは20代なので、国内若年層市場の縮小は、他のブランド以上に大きな課題だと言えます。対応策は2つ。1つは、これまでお話ししてきたように海外に打って出て、マーケットを拡大すること。もう1つは、お客さま1人あたりの来店頻度や接点を増やすことで関係性をより深め、LTV（顧客生涯価値）を高めていくことです。分かりやすく「ファンの熱狂度を高める」と言い換えることもできます。原田：かつては、安室奈美恵さんの「アムラー」、篠原ともえさんの「シノラー」のように、ハレの服を愛用してくれる若者たちを指して「ハレラー」という愛称がありました。当時は「手に取りやすく、簡単におしゃれになれるブランドを着る若者」というニュアンスだったと思います。今、ブランドが届けたい価値は当時とは異なりますが、あの頃のような熱狂を、今のハレで再び生み出したいんです。——10年後、ハレが大きく成長するために必要なことは？原田：ブランドのアイデンティティは変えるつもりはありません。一方で、それを表現する「手段」は、時代に合わせて常にアップデートし続ける必要があります。トレンドの移り変わりに柔軟に対応できるフットワークの軽さこそが、ハレの強みです。「日常を華やかに晴れやかに。」という根っこの部分は変えずに、アウトプット手法は大胆に変えていくというアグレッシブな姿勢がより一層求められると思います。——これからのファッションシーンにおいて、ハレが果たしていきたい役割や最終的なゴールを教えてください。村岡：ブランド始動から23年、ハレは、多くの人がファッションに目覚めるきっかけとなる“登竜門”のようなユニークな立ち位置を築いてきたと自負しています。ファッションシーンを盛り上げていくためには、このポジションのブランドが必要不可欠。今後もこの立ち位置からファッションに興味を持つ若者の背中を押していきたいと思っています。たとえハレを入り口にファッションを好きになった人が別のブランドに移っていってもいいんです。「ハレの服と出会ったことで世界が広がり、人生が豊かになった」。そう感じてくれる人をこれからは世界中に広げていきたい、というのが私たちの大きな目標です。

HARE

「ファッションを通して人生を変える」23年目を迎えたハレが海外進出の先に目指すもの

アパレルブランド価値、日本が成長率トップ　ユニクロとアシックスがランクイン英国のブランドファイナンス（Brand Finance）が、アパレル企業のブランド力を数値化した50位までのランキング「ブランドファイナンス Apparel 50 2026」を発表した。「ユニクロ（UNIQLO）」が10位でトップ10入りを果たしたほか、「アシックス（ASICS）」が49位で初めてランクインした。 ブランドファイナンスによれば、ユニクロのブランド価値は前年比12％増の約113億ドル（約1兆7854億円）に上昇。アシックスのブランド価値は、約17億ドル（2686億円）で初のランクインとなった。 日本のアパレルの合計ブランド価値は同29％増の130億ドル（2兆540億円）に達し、ランキングに登場する14ヶ国の中で累積ブランド価値の増加率が最も高い数値を記録した。＞＞元記事を読む「オン」がサッカー界に進出　ナイキと20年契約したエンバペを獲得、アンリも参画スイスのスポーツブランド「オン（On）」が、スポーツとして参加人口が世界最大と言われるサッカーに本格参入する。第一歩として、フランス代表でレアル・マドリードに所属するキリアン・エンバペ（Kylian Mbappé）選手とパートナーシップを締結。また、元フランス代表のティエリ・アンリ（Thierry Henry）氏をサッカーディレクターに起用した。 2027年発売予定のサッカースパイクには、オンがランニングシューズで実用化してきた独自の製造技術「LightSpray（ライトスプレー）」を応用する。ロボットアームからフィラメントを噴射してアッパーを短時間で成形する技術で、サッカーでは軽量性や精度を高めながら、「第二の皮膚」のように足に密着するプロダクトを追求するという。＞＞元記事を読むボッテガ・ヴェネタが新たな国際建築賞を創設、ラ・クアドラと協業「ボッテガ・ヴェネタ（BOTTEGA VENETA）」が、メキシコの文化施設「ラ・クアドラ（LA CUADRA）」とパートナーシップを締結し、年次国際建築賞「ニュー・アーキテクチャー・プライズ（The New Architecture Prize）」を創設する。 同賞は、メキシコ人建築家として唯一プリツカー賞を受賞したルイス・バラガン（Luis Barragán）に着想を得て創設。ボッテガ・ヴェネタは、建築、アート、デザインに関する長年の取り組みと、創造的な思考が新たな可能性を切り拓く力になるという考えを、今回の取り組みに反映しているという。＞＞元記事を読むユナイテッドアローズが東レアローズのユニフォーム製作　矢羽根モチーフをデザイン「ユナイテッドアローズ（UNITED ARROWS）」が、日本バレーボールのトップリーグ SV.LEAGUE MENに所属する男子バレーボールチーム「東レアローズ静岡」およびSV.LEAGUE WOMENに所属する女子バレーボールチーム「東レアローズ滋賀」の2026年〜2027年シーズン公式ユニフォームをデザインした。同社がスポーツチームのシーズン公式ユニフォームデザインを手掛けるのは今回が初。 ユニフォームは、男子・女子チームそれぞれ計4種類をデザイン。東レ製の高機能素材ブランド「ギガダル®（GIGADULL®）」の高い防透性・遮熱性・汗染み抑制性を備える素材を採用し、選手の快適な着用感とパフォーマンスをサポートする。 チームカラーの「アローズブルー」を基調に、静岡を象徴する富士山や駿河湾、太陽に着想。1stユニフォームは鮮やかなブルーをベースに躍動感を演出し、2ndユニフォームはホワイトを基調に太陽と海をイメージしたグラデーションに仕上げた。首元と肩には「ARROWS」を象徴する矢羽根のモチーフを配した。＞＞元記事を読むヒューマンメイド旗艦店が原宿にオープン、モバイルオーダー導入で“心の通う”店舗体験を「ヒューマンメイド（HUMAN MADE）」が、初の旗艦店「HUMAN MADE TOKYO」を9月26日にオープンする。売り場面積は既存標準店の約4倍となる約595平方メートルで、ブランド最大級となる。混雑を緩和し接客時間を拡充するため、自社開発のモバイルオーダーシステムを初導入するなど、「人がつくる価値」を追求するブランドの未来を象徴する店舗を取材した。 明治神宮前駅からほど近い、明治通りに面した立地で、ガラス面が大きく開放感のあるファサードが特徴だ。店舗のデザインは、同ブランドの心斎橋パルコ店や上海店を手掛けた「アイ イン（I IN）」が担当。前述の2店舗を踏襲するような、マットなメタルを多用したインテリアデザインで、随所にアールが効いたフューチャリスティックな空間に仕上げた。 1階はレジカウンター、2階はメインの売り場、3階はフリースペースの3フロア構成。ヒューマンメイドが各店に設けるシンボルアニマルとして、新店舗ではライオンが登場し、松沼礼CEOは「東京の名を冠するブランド最大の旗艦店には、百獣の王であるライオンが相応しい」とその意図を説明した。＞＞元記事を読む「アニエスベー」旗艦店が松屋銀座の新館にオープン　カフェを併設「アニエスベー（agnès b.）」が、銀座に新たな旗艦店「アニエスベー 松屋銀座店」を10月9日にオープンする。出店先は9月5日に松屋銀座の新館として開業した「松屋銀座 並木通り館」の1階で、店内にはカフェを併設する。 店頭では新作やアニエスベーを代表する「カーディガンプレッション」を販売。また、店内に設置されたQRコードを巡りながらスタイリングを完成させる体験型コンテンツ「My b. style」や、アオイヤマダ、フードディレクター兼エッセイストの平野紗季子、イラストレーター兼俳優のリリー・フランキーが銀座を案内するオーディオガイド「agnès b. Ginza Walks」を展開する。＞＞元記事を読む「アンスリード」25歳の新デザイナーによる初コレクション　ブランドの“これまで”を反転「アンスリード（UN3D.）」が、2027年春夏コレクションを発表した。ブランド設立10周年を経て、今シーズンから25歳の井上凜夏がデザイナーに就任。井上が手掛ける初のコレクションとして、これまでブランドが培ってきた構築的なデザインやフォルムを継承しながら、新たな素材やシルエットを取り入れた。 井上は2023年に文化学園大学を卒業後、新卒で入社。伊勢丹新宿店で販売スタッフとして経験を積み、顧客と接する中で培ったマーケット感覚などを評価され、ブランド11年目の節目にデザイナーに抜擢された。自身も以前からアンスリードを愛用していたといい、「これまで続いてきたディテールをなくすことはせず、必要なものを残しながら、変えるものを変えていきたい」と話す。＞＞元記事を読む観客が激しく絡み合う!?　グレン・マーティンス集大成の「ディーゼル」ラストショー「ディーゼル（DIESEL）」は9月22日、クリエイティブディレクターのグレン・マーティンス（Glenn Martens）が手掛ける最後のコレクションとなる2027年春夏コレクションをミラノで発表した。ショー会場の広大な空間に鉄骨を組み、特設のクラブスペースを出現させた。 客席にはゲストを装った200人の演者が紛れ込み、ショーの最中に演者同士が抱き合ってキスを交わしたりセクシーなダンスを踊ったり、激しくヘッドバンギングしたりと、最後まで驚きの演出が続いた。＞＞元記事を読む■最新コンテンツは以下のページからニュース　|　特集・連載　|　コレクション

オンがサッカー界に進出、グレンのディーゼルラストショー…【5分でわかる主要ニュース 9/20〜9/26】

セラピーのような再構築　「"完璧さ”というものは、脆いものです。それが永遠に続くことは、ほとんどありません。だからこそ、不完全さにはこれほどの魅力があり、人を惹きつけ、心を誘い、そして躍動感に満ちているのでしょう」とベロッティ。 　その言葉通り、今季はブランドへのリスペクトを土台にしながら、崩して再構築することに挑んでいる。ブランドに根付く「ユニフォーム」の厳格さの中に柔らかさや遊び心を差し込むことで、新しいジル サンダーの軽やかさが見えてきた。　「コレクションをつくることは、セラピーに通うようなものです。自分が何を残したいのかを理解するために、いったん物事を解体する。そして、もう一度それらを組み立て直すのです」。ひねりを効かせたテーラリング　テーラリングは、ミニマルな佇まいを保ちながらも、随所にひねりを効かせた。シルエットはコクーンのように丸みを帯び、もともと小ぶりな襟はさらにコンパクトに首元へと詰め、ボタンをあえて高い位置に2つ配したオーバーサイズのジャケットや、掛け違えたようにフロントが開いたジャケットなど、見慣れたテーラリング全体のバランスに変化を加えた。 　クラシカルなアーガイルニットもアレンジ。柄部分だけをモヘアに切り替え、生地が引き上げられたような独特の表情を生み出している。 シワとボリュームがもたらす軽やかさ　今季の代表的なディテールがシワ加工だ。キャミソールドレスにシースルー素材を波打つシワが出るように重ねて身体を覆うドレスや、トラウザーにプリーツのようなシワを施したピースなど、整ったものをあえて崩した。 
　ブランドの象徴的なアイテムであるシャツも、新たな展開に。抜き襟のオーバーサイズで、バックスタイルに余分な生地をデザインしているものなど、リラックスしたシルエットとなっている。理想化された日本の風景を崩す　ニュートラルカラーが続くショーの中盤、鮮やかな色柄が現れた。古い日本画に着想を得た風景で、ベロッティはこれを“理想化された平穏”の象徴として用いている。その風景をプリントしたスカートには、同じイメージを原色やドットで抽象化したニットトップスを合わせた。コレクションノートでは、こうして突然現れる鮮やかな色柄を、スマートフォンに届いた通知が思考の流れを遮る様子に例えている。「一見脈絡のないものに直面してこそ、自分が求めているものがより鮮明に見えてくるのです」とベロッティは語る。　身体を包み込むようなバルーンドレスは、圧倒的なボリュームと軽やかさを両立させた。ぬいぐるみのようなふわふわした風合いのニットドレスに肩パッドを入れるなど、新鮮な素材使いも見られた。 新顔のシューズとバッグ　足元は、ドレスにローファーやフラットシューズを合わせたこれまでから一転、パンプスが中心に。同系色のグレーのストッキングを合わせたヴィンテージ調のスタイルが目立った。　バッグの新作「フォロ（FORO）」は、裏地をめくって見せられるバイカラーのデザインが特徴的で、閉じればマチのあるトートとしても使用することができる。“不完全さ”が見直される時代　ジル サンダーらしいミニマルなシルエットや緻密な仕立てといった軸は保ちながらも、シワや歪みなど意外性を持ち込み、ベロッティらしい遊び心が感じられた。 　テクノロジーの進歩によって整った美しさがあふれる今、不完全さや人の手にしか生み出せない質感に、あらためて価値を見いだす声も高まっている。今季のジル サンダーは、常にデジタルを通してものを見る私たちに、リアルな質感の豊かさをあらためて気づかせるような問いかけにも感じられた。

JIL SANDER

「ジル サンダー」不完全のエレガンス　秩序を崩す挑戦

「見えない」ランウェイから始まった身体の問い　会場では、客席とランウェイの間は、反射するPU素材で隔てられ、1970年代の陽気なディスコミュージックとともにショーが始まった。モデルの姿はその表面越しにぼんやりと現れ、音響が反響すると素材そのものが振動。映し出された身体の輪郭はさらに歪み、通常なら一着一着を明瞭に見せるファッションショーで、キウリはあえて「見る」ことを難しくした。　着想源となったのは、イタリア人アーティストのルチアーノ・ファブロ（Luciano Fabro）による作品「Cubo di specchi（ミラーキューブ）」。鏡の中ではモデルだけではなく、自分自身や周囲の観客の姿までが幾重にも重なる。鏡は自分だけを確認するためのものではなく、他者との関係のなかで自らを認識するための装置へと置き換えられていた。　こうした「他者との関係」は、今季の出発点である身体の捉え方にも表れている。キウリが引用したのは、E.E.カミングス（E.E. Cummings）の「I like my body when it is with your body（あなたと一緒にいる時の、自分の身体が好き）」という一節。この言葉は招待状にも記され、キウリは現代の身体を、強さと脆さ、マスキュリンとフェミニンといった異なる要素を併せ持つものとして捉えた。ランジェリーは、誰のために見せるのか　そこから導かれたのが、ランジェリーだった。本来は服の内側に隠されるブラレットやショーツ、スリップが表へと現れ、レースや刺繍、シアーな素材が身体を覆いながら、その一部を露わにする。ドレッシングガウンも室内着という役割から離れ、街を歩く服へと姿を変えた。　ただし、ここでのランジェリーは肌を露出するためだけのものではない。あるルックではブラレットやショーツを大胆に見せ、別のルックではレースやファーの奥からわずかに覗かせる。肌を見せる部分と覆う部分を一つのルックの中に共存させ、単なる露出とは異なる、内面から滲み出るような官能性があった。ラファエラ・カッラが象徴する女性像　その思想を象徴する人物が、今季を語る上でキーパーソンとなったラファエラ・カッラ（Raffaella Carrà）だ。1970年代のイタリアで、大胆なステージ衣装と身体表現によって国民的な人気を得た歌手でありショーガール。当時としては大胆な肌の露出や身体を使ったパフォーマンスを、大衆的なエンターテインメントとして発信した。そのセクシュアリティは、誰かに見られることだけを目的としたものではなく、自らの身体や欲望を主体的に表現する姿勢とも結びついていた。　薄いレースやシルクには、フェンディを象徴するボリュームのあるファーを重ねた。光沢とマット、軽さと重さ、シルクとアニマルプリント、ベルベットとパーチメント、パンクとブルジョワ。一見相反する要素を共存させることで、一つのルックの中に多様なパーソナリティを浮かび上がらせている。　こうしたアプローチは、女性のワードローブだけではない。メンズモデルも胸元が大きく開いたシャツにパンツを合わせ、その上からボリュームのあるファーを羽織る。男性的、女性的とされてきた要素を分けるのではなく、ジェンダーにとらわれない着こなしを提示した。見えにくさも意図的な演出に　印象的だったのは、「身体」をテーマに掲げながら、その姿をあえて明瞭には見せなかったことだ。PU素材の表面ではモデルの像が揺らぎ、そこに観客の姿も重なっていく。ランウェイを見るはずだった視線の先に、自分自身や周囲の人々まで入り込む。だが、その見えにくさもまた、他者と自己の関係性を示唆した今回のテーマの一部だったのだろう。　見せることも、隠すことも自分で決める。服が身体を定義するのではなく、身体が服との関係を選ぶ。ランジェリー、鏡、そしてカッラの人物像を重ねながら、キウリが今季のフェンディで探ったのは、誰かの視線によって決められるものではない、自らの意思による身体のあり方だった。

「見せる」も「隠す」も自分で選ぶ　フェンディが描く身体の自由

1980年代にDCブランドブームが到来した理由　まず、DCブランドブーム到来までの日本のファッションの流れについて簡単に整理する。1970年代の東京・原宿では、若手デザイナーによる新しいブランドが次々と誕生。菊池武夫と稲葉賀恵による「ビギ（BIGI）」や、松田光弘の「ニコル（NICOLE）」、大川ひとみの「ミルク（MILK）」などがその代表で、多くのブランドがマンションの一室で運営されていたために「マンションメーカー」と呼ばれていた。同じ頃、森英恵や高田賢三、三宅一生らがパリやニューヨークを舞台に活動を始め、1980年代初頭には山本耀司による「ヨウジヤマモト（Yohji Yamamoto）」と、川久保玲による「コム デ ギャルソン（COMME des GARÇONS）」がパリに進出し、「黒の衝撃」として世界的な脚光を浴びる。つまり、1980年代は日本の新世代ファッションデザイナーに大きな注目が集まっていた時代だったと言える。　また、日本経済の繁栄もDCブランドブーム到来に欠かせない要素だ。1950年代中盤から70年代前半にかけての高度経済成長期は終わりを迎えていたものの、その後もまだ日本経済は右肩上がりの成長を続けていた。1979年には日本型経営を称賛する「ジャパン・アズ・ナンバーワン」という書籍がアメリカでベストセラーとなり、1980年には日本の自動車生産台数が世界一を達成。国内では企業の給与水準が高まり、若者たちの可処分所得も増大していた。つまり、ファッションにかけられるお金が潤沢にあったのだ。　こういった背景から1983年頃に到来したのが、DCブランドブームだ。多くのブランドが大幅に売り上げを伸ばし、二匹目のドジョウを狙う新ブランドも数多く誕生。マルイなどのファッションビルで行われる半年に一度のセールには、若者たちが長蛇の列を作った。その後、1985年頃にバブル経済が到来。DCブランドブームは日本経済とともに絶頂を迎えるが、1980年代後半から徐々に勢いを失い始め、バブル経済が収束した1990年代初頭には新たなファッションのムーブメントとして「渋カジ」が台頭した。ファッションの目覚めはデザイナーズアーカイヴ　ではなぜ、2002年生まれの市村がDCブランドに惹かれたのか。その理由を彼のファッションの原体験から紐解いていこう。兵庫県芦屋市で生まれ育った市村がファッションに興味を持ち始めたのは、中学3年生の頃。当時はデザイナーズアーカイヴの人気が高く、なかでも「マルタン マルジェラ（Martin Margiela）」や「ヘルムート ラング（HELMUT LANG）」が支持されていたが、これらのブランドは既に価格が高騰しており、「値段が高くて買えなかった」そうだ。市村は、神戸・栄町にあった古着屋で、まだ比較的手頃な価格だった「クリスヴァンアッシュ（KRISVANASSCHE）」や「ヴィクター＆ロルフ（VIKTOR＆ROLF）」、「ヴェロニク　ブランキーノ（Veronique Branquinho）」といった、アーカイヴブランドブームのなかでも、それほど注目されていなかったブランドのアイテムを購入していた。　また、市村は「ゼム マガジン（Them Magazine）」や「ファッジ（FUDGE）」、「メンズノンノ（MEN'S NON-NO）」といったファッション誌を毎号熟読するなど、ファッション一色の高校時代を送った。高校卒業後、ファッションを専門的に学びたいと考えていた市村は、文化服装学院や英国のセントラル・セント・マーチンズへの進学を夢見ていた。だが、コロナ禍や実家の事情により、彼が進学したのが信州大学繊維学部だ。ファッションの勉強もある程度できるのではと考えていたものの、「実際に学んだのは、思いっきり理系の学問でした」と、苦笑する。長野で出合ったメンズビギのスタジャン　そんな長野での大学生活のなかで、特別な出合いがあった。DCブランドブーム時に絶大な人気を誇った「メンズビギ（MEN'S BIGI）」系列店でアルバイトを始めた彼は、過去のカタログに掲載されていた当時の復刻版スタジャン*に心を奪われたという。その出合いをきっかけに、市村は1980年代のDCブランドに没頭してアイテムを収集するとともに、当時のファッション誌も集め始めた。そして大学在学中の2022年9月に、知人の古着屋の一角を間借りする形で、DCブランドアイテムを専門的に扱う古着屋 スノッブをオープンした。*DCブランドブーム時に多くの有力ブランドがブランドロゴを背面にあしらったスタジャンを販売していた。　市村が最も苦心していると語るのが、商品の仕入れだ。80年代当時のDCブランドアイテムは、これまで付加価値が見出されていなかったために、二次流通市場にほとんど出回っていない。一般的な古着屋ではまず扱っておらず、リユースショップやフリーマーケットなどで見つけるのも至難の業だ。市村は、自身で着用するDCブランドアイテムは、メルカリやヤフオクなどを使って手に入れていたが、それだけでは古着屋を運営できるだけの量が集まらなかったので、買い付けのために日本全国を飛び回った。現在の主な仕入先は日本国内の倉庫に出入りする卸業者だが、それでもなかなか数が集まらないため、最近は個人からの買い取りも行っている。“コテコテ”なデザインがDCブランドの魅力　市村にとっての80年代DCブランドの魅力とは何か。彼が挙げたのが、「トゥーマッチ感」だ。その例として見せてくれたのが、デザイナー 佐藤孝信が1975年に設立したブランド「アーストンボラージュ（arrston volaju）」の1988年秋冬コレクションのアウターだ。「力技で押し切ったような“コテコテ”なデザインが新鮮で楽しい。景気が良かったために、素材や付属品のクオリティが贅沢な点も魅力ですね」と語る。　アームホールのデザインとパターンが独特で、市村が「スペシャルなアイテム」だと称賛するロング丈アウターは「テットオム（TÊTE HOMME）」のアイテムだ。市村は「ヨーロッパのブランドではありえない仕様」もDCブランドの魅力だと言う。熟練の職人による手仕事を尊ぶイタリアのデザイナーズブランドに対し、DCブランドは基本的にミシン縫製を主とする。しかし、本来は必要のない箇所にさえ手間のかかる折伏せ縫いを採用するなど、コストを度外視した仕様にこそ、心を掴む独自の美学があるという。　今回のポップアップでは、市村の私物を含むDCブランドブーム当時のファッション誌や、カタログなども展示・販売している。「ミスターハイファッション（MR.HIGH FASHION）」や「流行通信」といった知名度が高い雑誌も並ぶなかで、市村が特に好きだと挙げた雑誌が「エックスメン（X-MEN）」だ。同誌は毎号テーマを設定しており、市村が挙げた号のテーマは「ピンク」。ファッションページはインドで撮影を行っており、現地の一般人を全身ピンクのアイテムでスタイリングした写真が特に気に入っているという。　雑誌のほかに、当時出版された書籍も揃える。イチオシは、破竹の勢いで成長していたメンズビギの売り上げ推移をグラフで掲載しているなど、ビジネス的な視点でDCブランドブームを分析した「ワールドVSメンズビギ」。1989年に出版された「ファッション狂想曲」は、当時衰退局面にあったDCブランドを批判的に扱っている点が面白いと語る。菊池武夫と栗野宏文に憧れて　市村は今年の3月に大学を卒業し、現在の活動は古着屋一本。「東京に進出するつもりはないのか」という質問に対し、「今、とても迷っている」と打ち明けた。「上田市の人口は15万人。うちのようなニッチな提案は受け入れられにくい。多くの方から東京進出を勧められているんですが、実は僕は人混みがとても苦手でして（笑）。実家の芦屋にいるときも、人の多い大阪の梅田や心斎橋は苦手でした。ですので、今は東京で知り合った方に『東京で落ち着ける場所ってどこですか？』って聞いているんです」。また、今後は古着を扱うだけでなく、日本のテキスタイル業界を盛り上げるために、ものづくりにも挑戦したいと語る。　今後の展望について市村は「古着屋という枠を超えて、コンセプトショップのようにしていきたい」と語る。その理想像として彼が挙げたのが、敬愛する菊池武夫が「タケオキクチ（TAKEO KIKUCHI）」の旗艦店として作った「TKビルディング」だ。FASHIONSNAPが2025年に行ったインタビューで、菊池武夫は同店についてこう語っている。設計を安藤忠雄さんにお願いして、1986年に完成したのが西麻布の「TKビルディング」です。インテリアデザインは英国のナイジェル・コーツで、売り場にはオリジナルのほかに海外からの買付商品も並べて、靴下や肌着、喫煙具や時計といった小物まで揃う。バーバー、ミュージックカフェ、スヌーカーバーを作り、今で言うセレクトショップやライフスタイルショップの先駆けのような構成かと思います。バブルの時期だったのもあって、とんでもない規模のお金が動いていましたね。（菊池武夫）　市村は、菊池武夫に並ぶ憧れの人物として、ユナイテッドアローズ 上級顧問 栗野宏文を挙げた。「栗野さんは、デザイナーズブランドの服に『ニューバランス（New Balance）』のスニーカーを合わせるような、アイコニックなスタイルをお持ちですよね。僕も、DCブランドの服を軸とした自分らしいスタイルを打ち出すことで、DCブランドの良さを伝えていきたいと考えています」。

80年代DCブランドの魅力　2002年生まれ24歳に刺さった「トゥーマッチ感」

 　トム ブラウンは完璧なテーラリングによるアメリカントラッド、ユニフォームの解体という確固たる信念に根差した挑戦を続けるとともに、ファッションショーはどこまでもドラマティックに、類まれなる創造性を提示している。日常と非日常を突き放しては再構築するようなショーの舞台装置には、感覚にダイレクトに響く音楽が欠かせない。　22歳の窪塚は、本格的に俳優として活動を始めてから6年目を迎える。さまざまな作品に出演する窪塚の創作活動と生活にも、音楽は深く結びついているという。　「僕の人生で音楽がない時間の方が少ないかもしれません。音楽をやっている友達も多いので、彼らの作品を聞くことも多いです。友達といる時もBGMとして何か音楽をかけています。仕事が終わって音楽を聞くと、普段の自分に戻れるので、スイッチを切り替えてくれるものでもあります。パッと思い浮かぶ、よく聞くアーティストはNujabesさん。音楽自体がかっこいいのはもちろんですが、BGMで流れていると、なんだか会話も弾む気がします。これってものすごく絶妙なバランスだと感じていて。『めっちゃかっけ〜！』って染み渡るんです」。　窪塚にとって、音楽はあくまでもナチュラルに自分自身に馴染むもの。さまざまなジャンルを横断的に楽しむと共に、雑踏でさえも新鮮な音として感性に響く時があるのだという。　「“曲”としての音楽はもちろん好きですが、“無音”も聞きようによっては音楽として耳に入ってくるんです。家の中で曲をたくさん聞いた日は、外に出てあえて自然の街の音を聞くこともあります。どんな音がするとか細かく聞くのではなく、ガヤガヤしているまま感じるのがいいんです。自分が歩いている場所、生きている場所のリアルな音はやっぱり“耳心地”が良いというか」。 　等身大の自然な姿が愛される窪塚だが、その感性には唯一無二のものがある。音楽もファッションもアートも、己の感性に響くものはジャンルにこだわらずに好きになる。そんな、クリエイティビティに対するオープンな心が窪塚を形成している。　「服を選ぶ時って、たくさんのアイテムを組み合わせて個性を出していくと思うのですが、トム ブラウンのウェアは服自体に個性が宿っている。でも今日のように全身で揃えたとしても、不思議と『着させられている』感じにはならなくて......それがなぜなのか、感覚的なので言葉にするのは難しいのですが。ブランドとしての色はめちゃくちゃ濃いのに、どんなアイテムも主体的に楽しめます」。　　服好きな窪塚の目に、今日のスタイリングはどう映るのか聞いてみると、率直な答えが返ってきた。　「まず『めっちゃいいな』と体が感じました（笑）。ニット、パンツ、コートで少しずつグレーの雰囲気が違うのに、重ねて着ると全部がビタッとはまっているのが気持ちいい。クラシックなんだけどカジュアル。“こだわり抜いたラフさ”がかっこいいと思いました」。　トム ブラウンとボーズという本物同士の美学が衝突して生まれたヘッドフォンは、2026年秋冬コレクションのランウェイで初披露。瞬く間に話題となった。着るものにこだわる窪塚は、すぐに自分なりの魅力を見つけたようだ。　「アイコニックな4barのデザインはもちろんかっこいいのですが、ずっとつけていても耳も肌も気持ちよく、カシミヤを使っていると聞いて納得しました。ハードな感じもするし、温かみもある。カジュアルな服装には間違いなく似合うと思いましたが、僕はあえてスーツやカチッとしたスタイルに合わせたくなりました」。　幼い頃から映画やドラマといった制作現場の近くで過ごしてきた窪塚は10月に23歳を迎える。等身大の学生役を演じることが多いが、そのキャラクターは多岐に渡る。余命わずかな彼女を支える純粋な高校生から、プログラミングスキルを駆使して情報収集する生徒、物語の鍵を握る二面性のあるヒロインの同級生役まで、常に新たな役どころに果敢に挑む。この冬は初のホラー映画の公開が控えている。　「オファーが来たときは、『ホラー作品のどんな役なんだろう』って、ワクワクしました。初めてのジャンルはいつも楽しさが先にくるんです。僕は自分の表現の幅を広げられると感じるタイプなので、どんな役なのかすぐに理解できなくてもたじろがないのは強みなんじゃないかと思っています。作品をどう見て欲しいとか、自分のどこを見て欲しいとかは考えないです。純粋に作品に没頭して楽しんでもらいたいです」。　彼の道のりはまだ始まったばかりで、挑戦はこれからも続く。ジャンルを問わず己のキャリアを切り拓くマインドは、どこからやってくるのだろうか。最後に、これからの役者人生を見据え、理想とする「本物」と、チャレンジを恐れない秘訣を聞いてみた。　「自分で考えて、選択して、その積み重ねで己の軸を持っている人。誰かに言われるのではなく、『こう思ったから、これを選んだ』って言える人が本当にかっこいい人だと思います。でも自分勝手とは別物で、自分の物差しにきちんと意識的になるというか。だけど、僕はまだまだ知らないことの方が多い。いつも分からないことは教えて下さいと聞くようにしています。自分から動かないと世界はどんどん狭くなってしまうと思うので。結局は自分に返ってくる。知らないことも、まだできないことも、以前は嫌いだったことも、卑下したり避けるのではなくて、もしかしたら今は好きになるかもしれないので受け入れて、少しずつ前に進んで、上に登っていく。そんなふうに生きていきたいと思っています」。 トム ブラウンのアイコニックな4barを左ハウジングにデザイン。ヘッドバンドとイヤーパッドには、ラグジュアリーなジャケット用カシミア「WEIGHT CASHMERE」のミディアムグレーを採用し、肌あたりの良さも追求した。専用ケース付き。＜BOSE QUIET COMFORT ULTRA HEADPHONES W/4 BAR IN JACKET WEIGHT CASHMERE＞発売日：9月28日（月）から10月4日(日)までトム ブラウン青山ストアで先行販売。そのほか、トム ブラウン銀座ストア、伊勢丹新宿店ウィメンズストア、伊勢丹新宿店メンズ館、阪急うめだ本店ウィメンズストア、阪急メンズ大阪、名古屋栄三越ストアで展開予定。（在庫状況によっては変更の可能性がございます）／価格：15万2900円 詳細はこちら 問い合わせ先THOM BROWNE（THOM BROWNE JAPAN）：03-6712-6348

THOM BROWNE

トム ブラウン青山ストアで先行販売

【窪塚愛流】日常を彩る新たなビート──トム ブラウン × BOSEのヘッドフォン

08 BOTTEGA VENETA｜スピッキオ　「ボッテガ・ヴェネタ（BOTTEGA VENETA）」2026年秋冬シーズンから、新たなバッグファミリー「スピッキオ」が登場。「ミニ サンライズ（Mini Sunrise）」に着想を得た半月型のシェイプを、コンテンポラリーかつ構築的なフォルムに再解釈した。ブランドを象徴するイントレチャートに、サイドのゴールドカラーの球体がジュエリーのようなアクセントをプラス。ハンドルとストラップの長さや位置を変えることで、ハンドバッグやクラッチなど、多彩なシルエットへと変化する。温かみのあるニュアンスカラー「ストリング」が、秋冬の装いに軽やかさを添える。

10ブランドから選ぶ10のバッグ　＜BOTTEGA VENETA＞

ミニマルな「スリッポンシューズ」でエフォートレスな表情に　まるで部屋履きのようなぺたんこのスリッポンシューズが、海外を中心にストリートで人気を集めている。ここ数年で地位を確立しているクロッグサンダルのように快適に履くことができ、クワイエットラグジュアリーを体現しつつノンシャランなムードのシンプルさが魅力。今シーズンは、極限まで装飾をそぎ落としたデザインを手に入れたい。ベージュのスエード靴が旬のムードを後押し　トレンド感で選ぶなら、スエード素材のベージュが本命。季節の変わり目に取り入れれば、足元から秋冬モードにシフト。ベーシックなシャツとショートパンツの王道コーデも、カジュアルになりすぎず、洗練されたスタイルに。ローファー感覚で抜け感のあるトラッドスタイルに　チェックシャツにタータン調の大柄チェックスカートを合わせたクラシカルな装い。定番のローファーではなく、あえてミニマルなレザースリッポンを選ぶことで、今っぽい抜け感が生まれる。しなやかで光沢のある黒のレザーが、コーデ全体をクリーンにまとめてくれる。エレガントコーデにも合うホワイトスリッポン　シンプルな白のスリッポンは、淑女のエレガントなスタイリングにも寄り添ってくれる。上下ホワイトのきれいめコーデに、パンプスの代わりに投入するだけで一気に今っぽい印象に。足元からリラクシーなムードを醸し出してみて。「ウエスタンブーツ」は履き込んだようなくたっと質感が最旬　昨年から再燃しているウエスタンブーツは、今季も引き続き注目のアイテム。これからワードローブに迎えるなら、くたっとした柔らかな表情のウエスタンが正解。ヴィンテージ感のある履きならした質感や、しなやかなシェイプを選んで着こなしをアップデートしよう。カジュアルな日常コーデにウエスタンを投入　Tシャツにジーンズのベーシックな装いには、カウボーイが履くような王道でヴィンテージ感のあるデザインがおすすめ。足元をチェンジするだけで、ニュアンスをまとった都会のボヘミアンシックが完成する。黒ウエスタンで足元にシャープさを効かせて　シンプルな黒のウエスタンブーツは、ボヘミアンテイストにとどまらず幅広いシーンで活躍し、シックなオールブラックコーデとも好相性。柔らか質感ならハードに決まりすぎず、フロントのV字カッティングが程よいアクセントとなってコーデの引き締め役に。シックな配色で大人のサファリ風ルックに　ウエスタン特有のディテールが抑えられ、程よいヴィンテージ感のあるダークブラウンのブーツなら、大人のカジュアルコーデにも難なくマッチ。Tシャツにカーゴパンツ、スカーフで濃淡をつけたホワイトコーデに合わせて、こなれ感をプラスしたい。何が流行る？　2026年秋冬 オンシーズントレンド

スリッポン or ウエスタン　ストリートスナップから読み解く秋冬の足元トレンド

自由と独立の象徴としてのスカート　スカートは、プラダにとって特別な存在だ。スカートを自由と独立を象徴する服として捉え、ミウッチャにとっての"ユニフォーム"でもある。関係性を遡ると2004年には、建築キュレーターの太田佳代子とともに、展覧会「Waist Down: Skirts by Miuccia Prada」を企画。100着のスカートを身体やランウェイから切り離して、彫刻的なオブジェとして見せ、東京を皮切りに世界各都市を巡回した。長年にわたってスカートの造形やその意味を探ってきたとも言える。　今シーズン、ミウッチャとラフが改めて向き合ったのは、誰もが知る普遍的な衣服を、一つの形に固定せず、どこまで変化させられるのかという実験であり、問いだった。スカートは単体で形として成立する一方、合わせるアイテムによって異なる表情を見せる。スカートという一つの造形に対象を絞り、その限られた枠組みの中で表現の幅を広げていった。　コレクションの中心となったのは、プラダが得意とする膝丈のスカート。身体に巻き付け、大ぶりのベルクロで留めるラップスカートをはじめ、プリーツやクリノリンの概念を取り入れたもの、カットオフや布を重ねてボリュームを持たせたものなど、その表情はルックごとに変化する。腰位置をずらしたり、留め方をあえて崩したりすることで、整いすぎないシルエットに仕上げた。機能を装飾へ、構造を表へ　ここで重要になるのが、機能を別の意味へと置き換えるプラダらしいアプローチだ。工業製品にも広く用いられるベルクロ（ショーの招待状もベルクロだった）は、スカートのサイズやシルエットを調整するという機能を残しながら、コントラストカラーに切り替え、クリスタル刺繍の土台というデザイン要素へと変化。大きく拡張されたスナップボタンはジュエリーのように配され、通常は衣服の内側でシルエットを支えるクリノリンの構造をあえて表に出し、透けるシェルのようにスカート全体を覆うことで、内側のプリーツや装飾を見せた。　ラップ、プリーツ、クリスタル刺繍、カットオフといった複数の技法を一着の中で交差させることで、スカートは繰り返し再構築されていく。着方によってシルエットや見え方が変わるデザインも多く、均整の取れた完成形を提示するのではなく、ずらす、重ねる、開くといった動作によって、馴染みのあるスカートの造形を更新していく。　素材の選択にも同様の反転が見られる。コットンを多用しながら、ラテックスやRe-Nylon、シレ加工を施したマットな素材といったインダストリアルな要素を投入。工業的な素材をクラシックなプリーツへと仕立てる一方、コットンはレザーやスエードを思わせる風合いに加工された。クリスタルで再解釈したギピュールレースや、フローラルプリントをコットンやシンセティック素材で表現したスカートも登場する。　鮮やかな花柄と異なるプリントを重ねたり、プリントの上に光沢のある異素材のパネルを重ねたりと、異なる柄や質感をあえて共存させる。"新しさ"を奇抜なフォルムに求めるのではなく、「この素材はこう使うもの」「このパーツはここにあるもの」といった素材やディテールにまつわる既成概念を少しずつずらすことで、新たな見え方を生み出している。一つの服から広がる可能性　スカート単体だけでなく、何と組み合わせるかによってもその印象は変化する。ブラトップやチューブトップ、シャツ、タートルネック、シンプルなニットなど、上半身は比較的ミニマル。装飾やボリュームを腰から下に集中させることで、スカートそのものの存在感を際立たせた。一方で、オーバーサイズのレザージャケットではタフに、ナイロンアウターでは軽快にと、同じ膝丈のスカートも合わせる服によって見え方を大きく変える。セーターやシャツ、ブラトップなど、周囲のアイテムとの関係によって、一つのスカートに異なる解釈が生まれていく。　ミウッチャとラフが今回設定したのは、「スカート」という極めて限定的なルールだった。しかし、一つのアイテムに絞り込むことは、決して表現を狭めるということではない。むしろ形、素材、機能、装飾、着方、スタイリングを一つずつ組み替えることで、見慣れた衣服の中に新たな可能性を引き出していった。　「既知のものの中にこそ、無数の可能性が存在する」。 まったく新しい何かを生み出すのではなく、すでに知っている一つの服を繰り返し見直すこと。厳格な制約から自由な変化を導き出すという、一見矛盾する方法によって、プラダはスカートという普遍的な衣服を改めて問い直した。

制約することで自由を模索する、「プラダ」がスカートに探る可能性

07 CELINE｜スモール フレア バッグ　「セリーヌ（CELINE）」2026年秋冬シーズンの新ラインとして登場した「スモール フレア バッグ」をピックアップ。口が大きく開く構造ながら、名前の通り裾に向かって広がるフレアシルエットと、流れるようなドレープ感が柔らかなニュアンスを加える。フロントのフラップには新たに採用されたターンロッククロージャーを配し、ジップ仕様でさらなる実用性も。落ち着いたトーンが増える秋冬の装いには、目の覚める鮮やかなレッドを差し色に。

10ブランドから選ぶ10のバッグ　＜CELINE＞

集大成の“パーティー”　約6年間にわたりディーゼルのクリエイティブを率いてきたマーティンスが、集大成となるコレクションのキーワードに挙げたのは昨シーズンに引き続き、「パーティー」だった。「ディーゼルは、いつだってパーティーが最優先。そこにあるのは、インクルーシビティ、自己表現、喜び、そして誰もが同じように体験を楽しめるという民主性。このコレクションはディーゼルそのもの。破壊的で、セクシーで、流動的で、楽しい。僕たちはみんな、この瞬間を一緒に生きている。もう一度、一緒にこの旅を楽しもう」と語る。200人の“サクラ”パフォーマー　ショーでは、マルセイユを拠点とするアーティスト・コレクティブ「(LA)HORDE」のパフォーマー200人が観客に紛れ込んでいた。開始直後は一般の来場者と見分けがつかず、ほかのゲストと同じようにショーを鑑賞。しかし、ドナ・サマー（Donna Summer）の楽曲「Love to Love You Baby」が流れ始めると、官能的で挑発的なパフォーマンスを開始し、ショーが進むにつれてその絡みは激しさを増していった。キーモチーフはオーキッド　今季のキーモチーフとなったのは、オーキッド（蘭）。最新フレグランス「Only Desire」を象徴する花でもあり、コレクション全体に散りばめられている。レザージャケットとブレザー、トラックスーツの襟とシャツの袖口など、異なるアイテムを重ね合わせ、その境界にはオーキッドをかたどったカットアウトを施した。ポロドレスやニット、パンツ、Tシャツも大胆に切り込み、肌を露出。花びらが生地を侵食したような表現や、極端なローウエストのシルエットで官能性を強調した。 得意の“トロンプルイユ”　マーティンスの得意とするトロンプルイユ（だまし絵）も健在。ツイードコートや厚手のウインタージャケットを軽やかなシャツにプリントし、春夏のワードローブとして提案。過去のコレクションにも登場したアウターも、プリントで再現。デニムのボンバージャケットには、ベースボールジャケットやバイカージャケットに見えるフォイルプリントを施し、あえてひび割れさせている。 　たくし上げたTシャツを縫い合わせてブラトップやバンドゥ、ドレスへと再構築し、“激しい夜を過ごした後、大急ぎで服を着た”ようなカオスを表現した。 最初と最後のルックをまとったエラ・スナイダー　ラストルックを飾ったのは、マーティンスのディーゼルでのデビューコレクションでファーストルックを務めたアーティストで、トランスジェンダー人権活動家のエラ・スナイダー（Ella Snyder）。ヒップが大胆にのぞくマイクロなデニムショーツで登場し、始まりと終わりをつなげてみせた。約6年間の物語を結ぶ、象徴的なフィナーレとなった。 “ファッションの民主化”を掲げた約6年間の功績　マーティンスは約6年間にわたり、ディーゼルのスローガン「For Successful Living」を独自に解釈しながら、“ファッションの民主化”を掲げてきた。振り返れば、その姿勢は一貫している。ファッションを一部の人だけのものにせず、多くの人が参加できる体験へと広げてきた。 　ショーやプレゼンテーションでも、既成概念を覆すアイデアで見る者を驚かせ続けた。一般客や学生を含む約5000人を招いた大規模ショーをはじめ、コンドームの山をランウェイに出現させてセーフセックスを啓蒙し、デニムの残布の山を舞台にアップサイクルを打ち出したことも。一般客も招いたレイヴの開催や、3日間にわたるショーの舞台裏の生中継も実施。ミラノの街中に卵型カプセルを設置し、街全体をランウェイへと変えたこともあった。　主軸であるデニムは多彩な加工でユニークに表現しながら、ブランドが本来持つセクシーでやんちゃな、遊び心のある世界観を発信。オーガニックコットンやリサイクル繊維などの採用を進め、サステナビリティの取り組みも推進したこともまた、彼がディーゼルに残した大きな功績の一つだろう。名残惜しい幕引きとマルジェラ専念への期待　デニムや大胆な再構築を得意とするマーティンスと、ディーゼルの相性は抜群だっただけに、この続きがもう見られないのは名残惜しさもある。ただ、マーティンスは現在「メゾン マルジェラ（Maison Margiela）」のクリエイティブディレクターも務めており、2つのブランドを両立させる負担は相当なものだったはずだ。 　メゾン マルジェラは、ウィメンズとメンズ、オートクチュール（アーティザナルコレクション）までを抱えるメゾンであり、二足のわらじで手掛けるのは難しいポジション。現在、就任から1年が経つが、メゾン マルジェラで独自のスタイルを確立できたとはまだ言い難い。彼のキャリアを考えれば、今こそメゾン マルジェラに専念すべき重要な局面といえるだろう。破壊的で、セクシーで、自由で、楽しい。最後まで“マーティンスのディーゼル”を貫いたラストショーだった。