インサイド

Nomàt / TIE SHIRT 　“国境にとらわれず、土地や人の背景を大切にした服づくり”をブランドのコンセプトに掲げる「ノマット（Nomàt）」。世界各国から調達した上質な素材を立体的なシルエットへと落とし込んだ、ミニマルながらも独創的な存在感を放つ洋服を展開しています。今回紹介するタイシャツはブランドのシグネチャーとして人気を集めているアイテムです。ディテール・シルエット　「クラシックな要素を取り入れながらも、硬くなりすぎず、日常の中で自然に馴染むバランスを意識した」という「ノマット」のタイシャツ。ゆとりあるサイズ感や丸みを帯びたシルエット、可変的な仕様などを取り入れながら、ボタンダウンの襟元やメタリックなボタンなど端正かつメリハリを効かせるディテールを採用し、クリーンな白シャツにアクセントを加えています。 　フロントのポケットから伸びる紐のディテールが最大の特徴。紐を活用することでシルエットを自由に調整できるデザインになっており、ラフに結んで軽くシェイプしたり、しっかり絞ってメリハリのあるラインを作ったりと、合わせるアイテムやスタイリングによって着こなすことが可能です。紐はポケット内に収納できるように設計されており、よりミニマルな印象で着用できるようにデザインされているのも魅力的なポイント。華美な装飾に寄りすぎず、機能とデザインの中間のような感覚で取り入れられており、この絶妙なバランス感も「ノマット」らしい点です。テキスタイル　生地には、近江晒によるペーパーライクな質感が特徴のコットン地を採用。ヨーロッパで見たアンティークシャツに着想を得たというテキスタイルは、ドライな質感とこなれたムードを演出する細かなシボが目を惹きます。適度なハリ感がありながらも着込むことで少しずつ柔らかく馴染み、シャツとしての品性を保ちながら経年変化していく点が、この生地の魅力です。CINOH / DEEP V NECK COTTON SILK SHIRT 　捻りを効かせた白シャツを探している人におすすめしたい「チノ（CINOH）」のVネックシャツ。普遍的なアイテムをベースに素材やディテール、カッティングで遊び心を加えたアイテムを展開するブランドらしい仕上がりの一枚です。ディテール・シルエット　「チノ」の26SSコレクションでは“適当すぎない適当さ”をテーマに掲げ、「きっちりと作り込まないが崩しすぎない」という自然体のバランスを追求しています。フランスの船乗りや漁師の作業着をルーツに持つヴァルーズシャツを彷彿とさせる一枚は、ブランドらしい品の良さを感じさせるミニマルなデザインと丁寧な仕立てはそのままに、深いVネックのカッティングで軽さやラフさを加えた、シーズンのテーマを体現したかのようなアイテムです。襟があることでシャツとしての輪郭は残しながら腰上まで深く設計されたカッティングにより、印象的な余白を生み出し、ボタンの開閉では表現できない抜け感を表現しています。またシルエットは、抜け感のあるネックのデザインに合わせてゆとりあるものを採用。「ラフな中にあるエレガンスを表現するためには、身体との距離感が必要」と説明し、着たときに自然な余白が生まれるリラックスしたサイズ感に仕上げています。テキスタイル　過去コレクションではドレープや落ち感を堪能できるウールなどの生地で仕立てられていることが多い一方で、今季はワッシャー加工を施したコットンシルク地を採用。軽さやさりげない透け感、身体から離れる自然なハリを備えた生地で仕立てることで、重厚感のある従来の佇まいとは異なる方向性でアプローチし、春夏仕様へとアップデートを施しています。シルク混なので高級感があり、軽やかながら大人っぽく着こなせます。nonnotte / DORMEUSE SHIRT 　国内の職人とともに作り上げられる渾身のテキスタイルと、立体裁断による身体から離れるような優雅なシルエットがマッチしたコレクションを展開する「ノノット（nonnotte）」。数多くある象徴的なテキスタイルの中でも、今回はブランド設立当初から展開しているヘビーブロードシリーズから登場したパジャマシャツにフォーカス。ディテール・シルエット　女優であるジェーン・バーキン（Jane Birkin）の“自然体でありながら艶っぽさのある空気感”から着想を得た一枚。「着飾ったものではなく、むしろ少し無造作で肩の力が抜けているのにどこか印象に残る。その感覚をシャツに落とし込みたいと思った」とデザインアプローチについて説明し、丸みを帯びた襟元やパイピングなどパジャマシャツ由来のディテールを踏襲しつつ、ブランドの十八番である立体裁断によって仕立てることで優雅な佇まいへと仕上げています。「白を基調にしつつ、あえて異なる色のパイピングを入れることで輪郭を際立たせ、柔らかさの中にほどよい緊張感を加えた」という一枚は、リラクシーなムードと品の良さを両立し、カジュアルなアイテムと合わせても印象がぼやけず、タウンユースとして上品に着こなせます。テキスタイル　ブランド設立当初から継続して展開しているヘビーブロードシリーズ。コレクションを構成するうえで欠かすことができない重要なテキスタイルであり、「ノノット」のシャツ作りの根幹を担っています。このテキスタイルで追求したのは「ドレスシャツの美しさ」と「日常着としてのタフさ」を両立させること。一般的な細番手のシャツ地は美しい反面繊細すぎて気を遣うことが多い一方で、太番手だけではカジュアルになりすぎてしまう。この矛盾を解消すべく太番手の糸を限界まで高密度に織りあげることで、程よい光沢としなやかな手触りによる高級感がありながらデイリーに着回せるという、シャツ地として理想的なテキスタイルを実現しています。太番手特有の立体感ある皺は、細番手では出せない無骨さと上品さを兼ね備えており、その皺自体を活かすという逆転の発想により完成された「ノノット」らしいテキスタイルです。th products / ROMAN MIDSIZE SHIRT 　「日常における普遍性の追求」をコンセプトに掲げる「ティーエイチ プロダクツ（th products）」からは、ブランドのコンセプトを体現したかのようなオーセンティックな仕上がりのシャツをピックアップ。どんなスタイリングにも馴染む懐の深さで、ユニフォームのように着こなせる一枚です。ディテール・シルエット　「ティーエイチ プロダクツ」から登場したシャツは、極限まで削ぎ落としたミニマルなデザインが目を惹く一枚。TPOやスタイル問わずマッチするレギュラーカラーやシングルカフスなどベーシックなディテールを踏襲しつつ、一枚で着るのはもちろんインナーとしても使いやすいサイズ感を採用することで使い勝手抜群の仕上がりに。一見するとシンプルながら、丸みのあるシルエットを演出する背面のサイドタックや、胸元にはさりげなく存在感を放つブランドロゴの刺繍を配するなど細部にまで抜かりありません。テキスタイル　クリーンなデザインに合わせるように、生地には艶やかなポリエステルコットンのタイプライターを採用。しっかりとしたハリと高級感がありながら、洗濯後にシワになりにくく速乾性にも優れており、デイリーに重宝します。TANAKA / THE TUNIC 　ワークウェアやヴィンテージに着想を得ながら、上品なテキスタイルとトレンド感のあるデザインで現代のワードローブにマッチするコレクションを展開する「タナカ（TANAKA）」。ブランドのシグネチャーとして無骨なデニムアイテムがピックアップされがちですが、今回はフェミニンなムードのチュニックに注目。ディテール・シルエット　欧米ではバカンス時に水着の上からバサっと羽織れるドレスやチュニックが定番であり、このスタイルに着想を得た「タナカ」の一枚。ざっくり羽織れる象徴的なプルオーバーの仕様はそのままに、抜け感を演出するカットオフやスリット、襟元のレースアップのディテールなどユニフォーム由来のデザインを取り入れることでリラクシーなムードときちんとした印象を両立させています。 　注目すべきポイントは象徴的なセーラーカラー。水兵服に由来する特徴的な襟元は、一目でわかるアイコニックなデザインであり、取り入れるだけで春夏らしいマリンルックを叶えてくれます。一枚でさらりと着るのはもちろん、襟元を際立たせるレイヤードスタイルもおすすめ。顔まわりを華やかな印象に仕上げてくれ、淡白になりがちなこれからの季節のスタイリングにアクセントを加えてくれます。テキスタイル　26SSコレクションで多用されていたリネン。世界最古の素材と言われ、吸水・吸湿性や速乾性など自然由来の機能性を備えており、高温多湿のこれからの季節に最適な素材の一つです。フランスやベルギーなどヨーロッパのものが使用されることが多いなか、「タナカ」では“国産”に着目。国内で製織や加工を行うことで日本独自のエッセンスや技術を詰め込んだテキスタイルを提案しています。このチュニックではそんなリネンを贅沢に使用したワッフル地を採用。素材由来の機能性に加え、凹凸感のある組織により肌離れよく清涼感のある着心地を実現しています。

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th products

TANAKA

Nomàt

nonnotte

お買いモノ

定番品こそ際立つ個性　ブランドのこだわりが詰まった「白シャツ」を徹底解剖

歴史あるミラノのファッションエリアに構える、ブランドの新たな拠点　セッチュウの新オフィス兼アトリエが位置するのは、「プラダ（PRADA）」や「ポール・スミス（Paul Smith）」のミラノ本社などが点在する、ミラノ南東部の古くからファッション企業が集うエリア。以前はナヴィリオ運河のあるポルタ・ジェノヴァ地区にアトリエを構えていたが、ブランドの成長に合わせ、より広いスペースを求めていたタイミングでこの場所と出会い、2025年6月に移転。もともとここは、「マルセル・パラダイス（Marsèll Paradise）」というクリエイティブな人々が集うギャラリーだったという。ちなみに、今年1月のミラノ・ファッションウィークでセッチュウの2026年秋冬コレクションのランウェイショーが行われたのもこの場所だ。　「このあたりは、元々は車の修理工場や倉庫が並ぶエリアだったんです。だから建物の作りはすごく質素。冬は寒く、夏は暑いですし、時々雨漏りもします（笑）。でも、このシンプルで工業的な感じが良かったんです。質素でもきれいに飾れば十分“ラグジュアリー”になります」と桑田さん。　約70〜80年前に建てられたという建物は、窓が多く外からの光がたっぷりと差し込む。壁や天井は、「退去時には白く塗らなければならない」というイタリアの慣習に倣い、歴代の借主たちが塗り重ねてきた痕跡が残る「白」をそのまま採用。インテリアも、シーチングを思わせる生成りや木、藁などの明るくナチュラルな色合いで統一されており、クリーンでありながらどこか心安らぐ温かみを感じさせる。　建物は3階建てで、全フロア合わせて約200平方メートルほど。今回見せてもらった1階は、主にショールームやモデルのフィッティングを行うスペースとして使用。「SETCHU」のロゴが入ったカーテンの向こうには、桑田さんや他のスタッフのデスク、ミーティングスペースなどが広がる。奥には、来月発表を控えた新作コレクションやそれにまつわるものが多数あるとのことで、今回は残念ながら非公開。地下1階にはアトリエ、2階にはストックスペースを構え、デザインからパターン製作、サンプル縫製、製品の出荷まで、ブランドのすべての機能がこの場所に揃っている。「畳」と「工芸品」が物語る、デザイナーのルーツと美学　室内に足を踏み入れてまず目を引くのは、随所に配され積み重ねられた「畳」だ。テーブルや作業台、ベンチの天板として、あるいはモデルを立たせる背景としても活用されているほか、床に敷いてその上で作業をしたり、座ってお昼ごはんを食べたりと、多種多様な用途に姿を変えるという。　「僕が育った実家の部屋が畳だったので、この匂いがあると落ち着くんです。そして、もともと僕がものづくりをしていたのも畳の上でした」。桑田さんにとって「畳」は、単なるインテリアではなく、自身のクリエイションの原点。かつて畳の上で絵を描いていた経験は、現在の服作りにも深く影響しているという。　「畳の上で紙に線を引くと、畳の目の凹凸があるので、綺麗な円が描けなかったりしますよね。でも、パターンを1mm変えるだけで他のブランドと変わる服作りにおいては、それが僕のオリジナリティになっている。僕の描く線は、畳に育てられたんです」。直線を引くとき以外は定規を極力使わず、フリーハンドでパターンを引くという桑田さん。その唯一無二の線から、ブランドのアイコンである「折り紙ジャケット」も生まれたそうだ。　畳とともに空間を印象的に彩っているのは、桑田さんが日本各地を巡って少しずつ集めたという伝統工芸品の数々。釘を使わずに作られた桶や、相撲の力士が使う力水を入れる器、祝い事の際などに贈られる檜の角樽など、決して有名ではないが、その技術やものづくりの背景、もの自体の美しさに惹かれたものだけを厳選しているという。「みんなが知っているようなブランド化された伝統工芸品は、別に助ける必要もないじゃないですか。僕は、あまり知られていないけれど美しく作られているものの方が意味があると思うし、興味があるんです」。　前回のショーには秋田の「なまはげ」の藁の靴が登場していたが、アトリエにもなまはげの衣装の一部や、東北地方の「蓑」、稲わらの座布団などが点在している。　「こういったものは、東北地方で農家の方たちが、稲の穂を刈った後に残ったものを使って冬の間に作っているもの。だから『何個作ってください』と言ってオーダーできるわけじゃなく、その方が元気で、そのときある材料で作れる分しか作ってもらえないんです」。「このなまはげの衣装は、本来売ってもらえるものではなく、編み方を勉強しに現地に行ったときに『あげるよ』といただいたもの。とても考えて作られていますし、毎回開くごとに削られていったりと、その完璧ではないところに美しさを感じます。もうこれを編む人は日本に数人しかいないそうなのですが、だからこそ少しでも農家さんの助けになったらいいなと思っていますし、もっと多くの子どもたちにもなまはげを見てほしいですね」と桑田さん。こうした文化的遺産を、敬意を持って大切に飾っているという。和と洋が調和する「折衷」の空間　畳や日本の伝統工芸品と静かに調和しながら共存しているのは、ヨーロッパで集められたヴィンテージと、さりげない名品プロダクトの数々だ。サヴィル・ロウのテーラーに必須だという三面鏡は、桑田さん自身が製作過程で服を着用し、フィットを確かめるために欠かせないアイテム。そのほか、フランスの教会にあったという古い木のベンチや、トスカーナの植木鉢、大理石のオブジェなども彩りを添える。　アトリエ内に点在する温かみのある木製の家具は、デンマークを代表する家具デザイナー ハンス・J・ウェグナー（Hans J Wegner）や、アルネ・ヤコブセン（Arne Jacobsen）、バウハウス出身の建築家兼デザイナー マルセル・ブロイヤー（Marcel Breuer）など、20世紀を代表する建築家やプロダクトデザイナーが手掛けた名品たち。インダストリアルな空間の中で、畳や日本の伝統工芸品、ヨーロッパのヴィンテージと自然に調和しながら佇んでいる。　窓際に並ぶ「竹竿」をモチーフにしたユニークなフォルムのランプは、桑田さんが大好きだというイタリアンデザインの巨匠 アキッレ・カスティリオーニ（Achille Castiglioni）が手掛けた「トイオ（Toio）」。「いくつかあるうちの黒いランプの一つは、僕がジバンシィで働いていたときの初給料で、自分へのプレゼントとして買ったもの。今でも少しずつ買い足していっています」とその思い入れを語ってくれた。隅々まで貫かれた「自分で作る」ことへの矜持　「手芸など多趣味な母親の影響で『ものは自分で作るものだ』と育てられてきたこともあり、なんでも自分で作るのが好きなんです。旅先でも、僕は売られているお土産を買うことはせず、工房を探して実際に行って作ります。そうやって、人生に一手間かけているんです」。そう語る桑田さんは、これまでずっと、国内外問わず自ら現地に赴き、学び、作ることを大切にしてきたという。　「暑い国なら涼しく過ごすための工夫がされていたりと、その土地ごとに作られた工夫を見るのがすごく面白くて。そういった、あまり他の人が気づかないようなところからヒントを得ることも多いです。着飾るために作られたものよりも、そういう“本当の機能性”や、蝶々の柄のように自然と生まれた機能美の方がきれいだと思うので、僕自身もそういうものを作っていきたいという思いがあります」。　アトリエ空間にも、桑田さんの実家から程近いという滋賀の信楽で作った信楽焼のスツールや、スタッフの故郷であるイタリア・プーリアで試作として作った陶器、来客をもてなすロゴ入りのグラスや箸まで、自らデザインしたものが多く揃う。 　「僕はサヴィル・ロウ出身のテーラーだからこそ、『実際に作り方を知って自分で作りたい』という思いがあります。だから、製作も工場に任せっきりにするのではなく、最初のプロトタイプは必ず自分たちの手で作り、改善できるところを自分たちで探る。それが一般的な他のブランドとの違いです。その代わり、新しい商品もそんなに多く発表できないですし、年に何回もコレクションを製作することもできないですが」。　ブランドが大きくなっても、自身が引退しない限りはこの姿勢を変えないという桑田さんの言葉には、ものづくりに対する真摯で誠実な思いと、その揺るぎない哲学が滲む。地下のアトリエでは、現在6人いるというインターンにも、ジャケットを一から手で作る、サヴィル・ロウで培った本物の技術を伝えている。　毎週金曜日の夕方には、皆で一斉にアトリエを片付け、掃除をしてから週末を迎えるという。「僕たちは見栄を張るラグジュアリーではなく、きれいにものを使って、きれいに見せることを大切にしています。元は安価だった工芸品が今では高価になっているのにも理由がある。それと同じように、きれいに高く見せながらも、安く売るために工夫して日々ものづくりを行っています」。　今回の探訪を通して見えてきたのは、セッチュウのアトリエは単なる“作業場”ではなく、「和洋折衷」というブランドの精神が、デザイナー桑田さんの生き方や哲学として深く息づく場所だということ。サヴィル・ロウや名だたるメゾンで培った確かな技術と、自らの足と手で「一手間」をかけることで磨かれた独自の美意識、世界各地の手仕事への理解と敬意が随所に感じられるこの空間は、まさにセッチュウそのものだった。

SETCHU

Fashion

【アトリエ探訪記】セッチュウ編：畳に育てられ、サヴィル・ロウで磨かれた“一手間”の美学

【連載：ゆるふわファッション講義】第9回 ファッション論で紐解く 映画「プラダを着た悪魔2」

顔なじみの良いウェリントンは“遊び”を楽しむ　顔馴染みの良いウェリントン「DL4011D」は、透け感のあるグレーフレームを選んで柔らかく知的な印象に。ミニマルなフォルムはどんな服装にも合わせやすく、要素の多いレイヤードスタイルとも好相性。今回は、メンズとウィメンズのアイテムをミックスしたユニセックスな装いのアクセントとして取り入れた。一見すると黒縁のようでありながら、光を通すと透ける絶妙なグレーが程よい抜け感を演出。顔立ちを選ばない万能カラーで、アイウェア初心者にもおすすめしたい1本だ。　「特に服装がシンプルになる夏には、ラフなTシャツスタイルにもちゃんとしたアイウェアを1本取り入れるだけでスタイリングが格上げされるので重宝しています。ジュエリーは無くしてしまうのであまり着けません。代わりに、アクセサリー感覚でアイウェアを取り入れているんです。このメガネは、透け感のあるカラーがとても可愛いくて、幅広いスタイリングに似合いそうだと感じました」（塩野）日本人向けに設計された「DL4011D」は、丸みのあるフロントデザインで顔なじみがよく、アイウェア初心者にも取り入れやすいデザイン。グースネックタイプのノーズパッドによって快適なかけ心地を実現している。テンプルにあしらわれたさりげないDロゴもポイント。＜カラー展開：Matte Black、Transparent Cristal、Havana、Transparent Grey（※塩野着用モデル）／価格：2万6400円＞個性派デザインで軽やかに変身　普段と違う新しいスタイルに挑戦したいなら、エッジの効いたフレームを主役にスタイリングを組み立てて。顔の印象を大胆に変化させてくれるティアドロップ風のビッグシェイプフレームには、ベージュトーンのレザージャケットを合わせて、やわらかな印象を添えながら洗練されたムードに。ボリュームのあるデザインは一見難易度が高そうにも思えるが、角の取れた丸みのあるフォルムが特徴の「DL6008U」は軽やかな雰囲気で身につけやすい。　「今日はかっこいいスタイルに合わせましたが、曲線的で柔らかさもあるので、柔らかなスウェットスタイルに合わせても良さそうだと思いました」（塩野）。初挑戦だというハバナカラー＆ビッグシェイプで、新しい表情を見せた。大胆なボリューム感が特徴の「DL6008U」は、厚みのあるリムで輪郭を際立たせつつ、リキッド（液体）からインスピレーションを得た曲線的なシェイプが柔らかい印象を演出する。＜カラー展開：Shiny Black、Havana（※塩野着用モデル）、Black Barreling Red、Cristal Metallic、Yellow Barreling Black、Cristal Metallic Green／価格：2万6400円＞トレンドデザインこそ「似合う」ものを探して　トレンドが継続する横長のメタルフレームが気になるなら、クリーンかつクラシックなフルリムモデル「DL5008D」をチェック。クールな印象を与えるメタル × スクエアデザインだが、ブローラインがややカーブしていることでシャープながらも印象が鋭くなりすぎないのもポイントだ。ボリュームのあるオーバーサイズジャケットと合わせて抜け感をプラスすると気張りすぎないスタイルに仕上がる。「過去に演じた役柄で、こういったスクエアのメタルフレームを着用したことがあります。そのスタイルはファンの方からもとても評判が良くて、似合うのかもしれません（笑）。プライベートではあまりかけたことがないデザインでしたが、カジュアルなTシャツやスウェットにさらっと合わせてもアクセントになりそうです」（塩野） クリーンなラインとクラシックなシェイプが特徴の「DL5008D」。テンプルにはディーゼルのアイコニックな1DRベルトを想起させるオーバルDロゴとホールがあしらわれている、ディーゼルらしさ満載の1本。カスタマイズされたノーズパッドが快適な装着感とフィット感を提供する。インジェクション素材を採用したテンプルチップにもDロゴが配されており、耳の形に合わせた調整が可能。＜カラー展開：Shiny Silver（※塩野着用モデル）、Brushed Light Grey Green、Shiny Black、Shiny Gunmetal／価格：2万6400円＞　いつもの自分に新しい表情を教えてくれる、とっておきのアイウェアを手に入れて、新しい自分に出会おう。購入はこちらから【眼鏡市場公式サイト】塩野瑛久 | Akihisa Shiono2012年、TVドラマ「GTO」で俳優デビュー。スーパー戦隊シリーズ「獣電戦隊キョウリュウジャー」で立風館ソウジ／キョウリュウグリーン役を演じ注目を集める。2024年に、NHK大河ドラマ「光る君へ」で演じた一条天皇役が話題に。放送中のTVアニメ「あかね噺」では声優に初挑戦。公開中の映画「SAKAMOTO DAYS」につづき、今年の待機作としては、日本テレビ系7月期土曜ドラマ「告白ー25年目の秘密ー」、映画「マジカル・シークレット・ツアー」、「ラブ≠コメディ」、「すべて真夜中の恋人たち」などがある。 @akihisa_shiono_official1着目：デニムトップス 6万500円、トップス 1万9800円、デニムパンツ 6万3800円、ベルト 3万4100円、アンダーウェア 8800円、スニーカー 3万800円　2着目：レザージャケット 17万2700円、Tシャツ 1万3200円、パンツ 10万100円、ネックレス2万2550円、スニーカー 3万8500円　3着目：ジャケット 13万2000円、Tシャツ 3万9600円、デニムパンツ 5万1700円、スニーカー 4万4000円／すべてディーゼル ジャパン（0120-55-1978）photography: Kazuki Iwabuchi (TRON), styling: Anji Fujimoto, hair & makeup: Masayoshi Okudaira | text & edit: Chikako Hashimoto, casting: Takashi Sasai ,casting assistant: Rika Yamaguchi, direction: Riko Miyake, project management: Tomoya Sasaki（FASHIONSNAP）

眼鏡市場で発売中の注目モデル3選

塩野瑛久 × ディーゼル　“新しい自分”に出会える3つのアイウェア

リューズなしで操作する「宇宙の時間」　IWCはこれまでも宇宙飛行ミッションに関わってきましたが、それらは“航空時計の応用”にすぎませんでした。今年の新作 「パイロット・ウォッチ・ベンチュラー・バーティカル・ドライブ」
は、そこから一線を画します。これは、「宇宙飛行士が新たな時代の宇宙で本当に必要とするツールウォッチとは何か？」をゼロベースで見直し、白紙から設計された初のIWCウォッチ だからです。「宇宙で使うために生まれてきた」初めてのIWCと言っていいでしょう。　最大の特徴は、リューズを廃した操作系にあります。✔️ ケース側面のロッカースイッチで、巻き上げ・タイムゾーン・モード切り替えを行う✔️ ベゼル自体が“巻き上げ機構”として機能する✔️ 厚手の宇宙服グローブでも操作可能　この仕組みは「Vertical
Drive（バーティカル・ドライブ）」と名付けられ、特許出願中。宇宙空間での“確実な操作性”を最優先にした結果、リューズという腕時計を象徴する伝統的なパーツを思い切って無くしています。　宇宙船は90分で地球を周回します。つまり、宇宙飛行士は1日に16回の朝と夕方を迎えるため、そこでは地上のような「昼夜の感覚」は通用しません。　この時計は、「ミッション基準時間（UTC）」と「ホームタイム」を明確に分けて読めるように、24時間針とセンター表示を組み合わせた独自のデュアルタイム構造を採用しています。地球のリズムを保ちながら、宇宙の“時間の揺らぎ”に飲まれないための時計。使われ方が変われば、時計の設計思想も変わる。その必然を感じます。　このモデルは、IWC
のパートナーであるVast社の厳格なテストを受け、2027年に打ち上げ予定の商用宇宙ステーション「Haven-1」での使用向け認証を取得しています。「最大10Gの振動」「-150℃から+100℃への急激な温度変化」「真空と放射線」──。こうした極限環境を耐え抜いた時計は、歴史的にもきわめて稀です。　素材使いも宇宙基準。ケースはホワイト酸化ジルコニウムセラミック、ベゼルとケースバックはセラタニウム®、ストラップは一体型FKMラバーです。軽さ、耐傷性、温度変化への耐性を高いレベルで実現するための組み合わせで、いずれもIWCが長年磨き続けてきた素材工学の結晶です。宇宙服の腕に本当に収まる時計とは何か？ その問いに対する回答が設計の端々から垣間見える1本でした。自動巻き（IWC自社製Cal.32722）、パワーリザーブ約120時間。デュアルタイム表示（ミッション基準時間24時間表示＋ホームタイム）、日付表示、ロッカースイッチ式機能切り替え、リューズレス操作構造。ケース径44.3ミリ、厚さ16.7ミリ。ホワイト酸化ジルコニウム・セラミックケース、セラタニウム®製ベゼル＆ケースバック、ホワイト一体型FKMラバーストラップ。10気圧防水。407万9900円伝統の複雑機構時計に、青く輝く新素材を採用　2本目の新作 「ビッグ・パイロット・ウォッチ・パーペチュアル・カレンダー・セラリューム®」 は、“発光する複雑時計”という、過去にない領域に踏み出したモデルです。　この時計の特長は、IWC独自の“セラリューム®”という新素材で、ケースそのものが発光するところにあります。セラミック粉末にスーパールミノバ®顔料を均質にブレンドすることで、太陽光や人工光から光エネルギーを吸収すると、ケースと文字盤とストラップのすべてが、暗所で青く発光します。しかもこの発光は 24時間以上持続するとされています。日中は白く、凛とした表情。暗所では、ケースごと青く光りだす“発光オブジェ”。ひとつの時計がまったく異なる2つの顔を持つという、視覚的な革新性があります。　搭載されるムーブメントは、IWCが誇るCal.52616。7日間パワーリザーブを備え、「パーペチュアルカレンダー」「ダブルムーンフェイズ」「4桁年表示」といった高度な表示を、完全機械式で実現しています。技巧の極みである永久カレンダーを、あえて“発光するケース”という未来的な素材と組み合わせる。そこには、「古典と革新を同時に前へ進める」という IWC の決意が感じられます。　発光素材の製造には高度な工程が必要で、均質化には専用のボールミルプロセスが導入されています。技術的難易度の高さを反映し、250本の限定生産です。自動巻き（IWC自社製Cal.52616）、パワーリザーブ約168時間（7日間）。永久カレンダー（月・日・曜日・4桁西暦年）、ダブルムーンフェイズ、パワーリザーブ表示、スモールセコンド。ケース径46.5ミリ、厚さ15.9ミリ。セラリューム®発光ホワイト・セラミックケース、ホワイト発光ラバーストラップ。10気圧防水。250本限定生産。1105万600円そして腕時計は、次の世代にも受け継がれる　IWCの2本を並べて見ると、共通しているのは、「”時計はこうあるべきだ”という思い込みからの解放」です。リューズをなくす。宇宙で使う前提で設計する。ケース全体が発光する。古典と未来素材が共存する。こうしたアプローチは、技術革新でありながら“エンジニアリングの哲学”でもあると感じました。　IWC は、航空時計の歴史を礎にしながら、2026年の新作で次の段階へ踏み出しています。それは、「時計の使われ方そのものが変わる未来」を見据えたものでした。宇宙で使う時計。光る素材で時間の表情を一変させる時計。どちらも、ただの新モデルではなく、“腕時計の概念そのもの”を更新する試みでした。ヤマモトの見立て会場写真©2026 Watches and Wonders Geneva Foundation※腕時計は未入荷や売り切れの場合もあります。また、為替レートなどの影響で価格が改訂されることがあります。

「IWC」が示した未来の腕時計──「ウォッチズ＆ワンダーズ」取材記vol.5

MILANテッテ（TETTE）   無数の断片が、ひとつの輪郭を形作る。テッテは色や質感の異なる布を重ねながら、鮮やかな色彩と軽やかなムードでランウェイを彩った。シアーな素材のレイヤードに、構築的なシルエット——どのルックも断片をつなぎ直すことで新たなバランスを生み出している。それぞれの布に刻まれた痕跡が重なり、そこに走るステッチや不均一なラインが、未完成のままにとどまる美しさを引き出す。廃材に再び光を当て、別の形へと導くその試みは、トレンドで終わらないブランドの持続的姿勢として、コレクションに芯をもたらしている。公式インスタグラムジャンパー・チャン（JUMPER ZHANG）　ビーズ刺繍やラインストーン、アップリケを重ね、奥行きのあるテクスチャーを表現したジャンパー・チャン。中国の伝統的な美意識を想起させるモチーフを手がかりに、現代的なドレスアップスタイルへと昇華している。精緻な針仕事で彩られた装飾は、ドットのようにちりばめられた意匠や、反復する円形パターンに象徴されている。モノトーンを基調に、ピンクやグリーンが差し込まれ、色彩に強弱をつけたカラーバレットも印象的。装飾性と構造的なフォルムがせめぎ合い、伝統と革新が交差する煌びやかなルックを披露した。公式インスタグラムNEW YORKルイ・ルイ・ルイ（RuirUirul）　ドイツの新表現主義の巨匠、アンゼルム・キーファー（Anselm Kiefer）の作品に着想を得て、廃墟や侵食のイメージを起点に据えたルイ・ルイ・ルイ。セージグリーンやアースカラーを軸に、レザーの光沢や複雑なレース、バーンアウトデニムといった異なる質感を重ねたルックが目を引く。フォルムを強調したアウターや3Dニットなど、実験的な素材使いや造形もまた、一定の緊張感をもたらしている。異質な要素や構成が重なり合う不均衡なバランスが、破壊から再生へと向かうプロセスを想起させる再構築的なコレクションとなった。公式インスタグラムカールトン・ジョーンズ（Carlton Jones）  カールトン・ジョーンズは、広大な空や森の風景にインスパイアされ、実用的なウェアに自然の気配を落とし込んだ。砂漠を思わせるニュートラルカラーやモスグリーン、チャコールといった落ち着いたトーンを基調にコレクションを展開。テーラードのジャンプスーツやクロップド丈のブルゾン、アシンメトリーなドレスが並び、構築性を保ちながらも軽やかなシルエットが続く。アースカラーをベースにした抽象柄や迷彩にも、ほんのりトライバルなムードが薫り、ミニマルに収まらない日常のラグジュアリーを提示した。公式インスタグラムLONDONオレナ アダム（OLENA ADAM）　ウクライナ出身のオレナ・アダムは、流れるようなシルエットとレイヤードによって表情が移ろうコレクションを打ち出した。核となるのは、シグネチャーである「Festan」ガーメント。しなやかなフォルムに構築性を重ね、シーンを問わず機能するデザインへと導いている。軽やかに揺れるローブやコートが繰り返し登場し、ランジェリーライクなトップスやきらめきを纏ったスカートを重ねることで、表情に変化をもたらす。緻密なクラフツマンシップに優雅さが重なり、タイムレスな装いとしてブランドの存在感を示した。公式インスタグラムアレックス・ユー（ALEX S.YU）　幼少期の記憶に紐づき、内面をたどるような詩的なコレクションを発表したアレックス・ユー。オーバーサイズのチェックパターンやリラックスしたシルエットが、どこか曖昧であたたかな記憶の片鱗を感じさせる。バーガンディやブラウンといった深みのあるカラートーンに、インディゴやブラック＆ホワイトのアクセントが加わり、シアー素材や光沢のあるスカートで視覚的なリズムも生まれる。断片的な記憶をつなぎ合わせるように、内省的な世界観を立ち上げ、観る者の記憶に働きかけるコレクションとなった。公式インスタグラムPARISシフト（CFT.）　10周年という節目を迎えたシフトは、テーマとして「SHIFT」を掲げ、西海岸のライフスタイルとパリのエレガンスを掛け合わせたワードローブを打ち出した。ニットやセットアップを中心に、ゆとりのあるシルエットやボリュームスリーブを組み合わせ、力みのない装いに仕上げている。シンプルながら、丈感や重ね方にも独自のニュアンスが宿る。10年の変化を断絶ではなく進化として捉えるアプローチのもと、日常に寄り添うスタイルを描き出し、ブランドの成熟をにじませる新たなフェーズへと移行した。公式インスタグラムブルネット・ザ・レーベル（Brunette the Label）　西海岸のライフスタイルや乗馬文化に、パリのロマンティックな美意識をにじませたブルネット・ザ・レーベル。軽やかなコットンから上質なカシミアまで幅広く組み合わせ、自然体のワードローブを形成した。ファーやレザー、ニットといった異素材も無理なく溶け込み、質感のコントラストが緩急を添えている。エスプレッソやオートミールといった温もりのあるカラートーンに、グリーンやレッドがアクセント的に映え、色のレイヤーで視覚的な厚みももたらしている。また、過度に主張せずとも過不足ないバランスで、静かな存在感を際立たせた。公式インスタグラムTOKYOマリカ・スズキ（Marika Suzuki）　マリカ・スズキは廃材を起点としながらも、単なるサステナビリティの文脈には収まらず、その価値を異質な領域へと引き上げた。傷や摩耗といった痕跡そのものを造形の核に据え、装飾的なシルエットへと展開。きらめきを伴った豊かなボリュームが視線を引き寄せる。絡みつくような繊維、膨張する量感、不均質なテクスチャー。水中生物を思わせる有機的なフォルムは、角度によって異なる表情を見せる。幼少期から18歳までの断片的な記憶を重ね合わせ、再構築を“修復”ではなく、別のかたちへと転じるプロセスとして捉え直した。公式インスタグラムアオ ミヤサカ（Ao Miyasaka）　「肉声」をテーマに、身体に刻まれた記憶を可視化したアオ・ミヤサカ。皮膚の上にもう一層まとわせるかのように、透け素材に走るラインや刺繍、グラフィックが交錯する。赤やブラック、メタリックを基調に、身体の輪郭をなぞる装飾は、内側に潜む感情を引き出している。シアーでタイトなシルエットは緊張感を生み、どこか生々しさをも感じさせる。衝動と修復という相反する要素を重ねながら、身体に刻まれる感情として表出させたコレクションは、独自のムードを色濃く残した。公式インスタグラムVANCOUVERエイム/エイミー（aim/aimme）　北海道・旭川にあるフォトスタジオ発のブランド エイム/エイミーは、着物からドレスまでを横断しながら、日本の伝統美を現代的な感性で再解釈。壊れたものを修復し、再び価値ある存在として蘇らせる金継ぎの技法をイメージし、職人による金箔加工や繊細な柄使いを取り入れた和装ならではの佇まいに、チュールやレースをふんだんに使ったドレスの流動的なシルエットを掛け合わせた。伝統に宿る格式を残しながらも、固定化された和装像にとらわれない自由な美意識を感じさせるコレクションとなった。公式インスタグラムジー（JII）　ジーのコレクションは、沖縄の風土や自然観を繊細な感性で描き出した。草木染めや琉球藍による、にじみやムラ感のあるテキスタイルには、土や水、植物を思わせる有機的な色彩が広がり、淡いグラデーションは空や水面の移ろいを連想させる。ゆるやかなラインを描くドレスやセットアップなど、抜け感のある装いにも力まない美しさが宿り、全体を軽やかなムードで包み込む。水彩画のように色彩が溶け合う流動的な柄には、自然の気配が心地よく内包され、土地に根差した素材使いや染色技法で、風土に呼応する空気感を滲ませた。公式インスタグラム手織工房織色OriirO（Teori Kobo Oriiro）　幾重にも重なる色彩と織りの表情が目を引く手織工房織色OriirO。異なる布地を組み合わせて立体的なテクスチャーを生み出し、ピンクやブルー、オレンジといった多彩な色をパッチワークのようにつなぎ合わせ、素朴さの中にも確かな高揚感をもたらしている。糸の凹凸や繊維の表情をそのまま生かしたニットやドレス、ストール状のピースは、一点物のような存在感を放ち、素材を循環させながら新たな価値へと転換。伝統的な織りの技法を現代的に再解釈し、手仕事ならではの魅力を彩り豊かに昇華させた。公式インスタグラムヒプノティック・センス（Hypnotique Sense）　ヒプノティック・センスは、朽ちた布や繊維の質感を生かしながら、退廃的な空気をまとった装いが並んだ。ムラのある染めや風化した色合いは、時間の痕跡を宿したような乾いた質感を生み出し、朽ちていく過程そのものを美しく表現している。フリンジや歪なヘッドピースにはどこか民俗的なムードが漂い、引き裂かれたようなディテールや身体を覆うレイヤードもまた、その退廃性を強調している。荒廃と装飾性が交錯するルックを通して、朽ちゆく美を独自の感性で描きながら、ランウェイに美しく異質な余韻を残した。公式インスタグラムtext: Urara Kurihara

世界6都市の次世代デザイナーが集結　2026年秋冬の注目株は？

■アダム・リペス「ラルフ ローレン（RALPH LAUREN）」でキャリアをスタート。「オスカー デ ラ レンタ（OSCAR DE LA RENTA）」では当時最年少の27歳でクリエイティブディレクターに就任。2004年に前身となる自身のブランド「アダム（ADAM）を立ち上げた。一時はファッション業界から離れるも、2014年から現行の「アダム・リペス（Adam Lippes）」を手掛けている。世界中の産地から厳選した素材を採用し、職人技による繊細な美しさを追求。建築やアートに着想を得たタイムレスなデザインで、グウィネス・パルトロー（Gwyneth Paltrow）やニコール・キッドマン（Nicole Kidman）、リアーナ（Rihanna）といったアメリカを代表する著名人、ファーストレディなどが着用。アメリカ国内に4店舗を構え、2025年から海外市場に力を入れ、日本ではユナイテッドアローズやエストネーションなどでのポップアップを皮切りに展開をスタートしている。銀行員からラルフ ローレンに転職しファッション業界へ──まずはアダムさんのご経歴について教えてください。　ファッションデザイナーになることは、子どもの頃からの夢でした。ですが、実際に学んだのが金融や経済のことだったので最初は投資銀行で銀行員として働きました。当時私は長髪だったのですが、ある時上司に「髪を切ってこい」と言われてしまって。そこで散髪に行く途中、ふとラルフ・ローレンのショップに立ち寄り、その場の勢いで求人に応募したら運よく採用されたんです。1年ほど働いて、オスカー デ ラ レンタに移籍しました。オスカーの元では、「見習い」から始めて、彼と当時の業界の空気から、今に通ずるファッションに関わるすべてを学びました。──2000年、27歳という若さでオスカー デ ラ レンタのクリエイティブディレクターに就任されましたね。　現在ではメゾンのクリエイティブディレクターに若手が抜擢されることも少なくないですが、当時はもっと厳粛な時代でした。だからこそ、声をかけてもらった時は本当に名誉なことだと思いましたし、貴重な経験をさせてもらいました。──そこから、自身のブランドを立ち上げようと思ったきっかけは何だったのでしょうか。　オスカーは私にって第二の父親のような存在でしたし、メゾンでの仕事に満足していたんです。その反面、常に「自分の声を持った、自分のブランドを作り上げたい」という想いがありました。起業家・実業家の家系に育ち、銀行での勤務経験もあったことも後押ししましたね。意を決してオスカーに独立の夢を打ち明けたら、「応援する」と言ってくれた。そして、最初のブランド「アダム（ADAM）」を2004年にスタートしました。“ロゴドン”時代から貫くクワイエットラグジュアリー──夢だったブランドを始めてみてどうでしたか。　どんなブランドを持ちたいか、答えが出るまでは時間がかかりました。最初はオスカー デ ラ レンタにパートタイムで在籍しながら、並行して自分のブランドを手掛けていたこともあり、オスカーが僕のクリエイティブをどう思うか気になってしまって.....。そこで、まずは高級なTシャツから始めました。半年ほど経った頃、アメリカの“レジェンド司会者”であるオプラ・ウィンフリー（Oprah Winfrey）が私の服を気に入ってくれて、番組で着用してくれたんです。そこから一気にブランドが成長して、自分のブランド一本で生活するようになりました。ただ、ブランドを8年ほど続けた頃、何か新しい挑戦をしてリフレッシュしたいという気持ちが強くなり、手放すことにしたんです。そして、ブラジルにホテルを開業する計画をスタートしました。──急転換ですね。ホテル業界からまたファッションに戻るわけですが、何がアダムさんを引き戻したのでしょう。　少しして、「やっぱり自分にはファッションなんだ」という考えが離れなくなったんです。その時は、自分の血に「ファッション」というものが流れているんだなと思いました。そして、2014年に現在も続く「アダム・リペス」を始めたんです。──アダムさんはコレクションをどういうプロセスで作りますか？　まずは全体のムードや女性像を思いついて、そこから世界中の産地から、どんな最高品質の素材を選んだら良いか考えます。カシミヤやメリノウール、シルク、レザー、デニムなど、世界各地にとびきり美しいテキスタイルがあり、高度な縫製技術や装飾の職人技がある。それらを使ってどう心地良いものを作り上げるかを熟考していくんです。このアプローチは初期から変わらずに一貫しています。──アダムやアダム・リペスを始めた当時、ファッション業界ではブランドロゴを目立たせたデザインや、カラフルでキャッチーなスタイルがトレンドでしたよね。「クワイエットラグジュアリー」という言葉がない時代から、素材の良さを軸にしたブランドを続けるのに迷いはありませんでしたか？　昔から、「まずは服から始めるべき」と考えていました。ブランドロゴも、大規模なマーケティングも、過度な宣伝も無しにして、純粋に最高の生地と縫製とフィット感からなる良い服を作りたかった。今思えば、自分にはそういうやり方しかできなかったから、というのもありますが。もちろん、続ける中で不安になることは多々ありました。私たちのブランドの売り場の隣には、誰もが知るブランドが並んでいて、それらと競合する必要がありましたから。ただ、今こうしてブランドを継続して、グローバルに拡大できたことを鑑みると、やってきたことが正解だったんだなと改めて思います。──素材選びの際は、ご自身で各地を訪れるのでしょうか。　良いものがあると聞いたら、どこにでも行って、優れたテキスタイルメーカーと一緒に素材を開発したい。世界中の約100の工場やメーカーと取引していますが、日本からも岡山産のデニムや、上質なコットン素材などを調達しています。 2年かけて初のバッグコレクションを発表──今回のフォールコレクションについて教えていただけますか。　このシーズンは、私が好きなヴィンテージカーやクラシックなレーシングカーの美しさ、スポーツウェアの機能性に着想を得ています。防水加工を施したシルクのコートや、シルクとウールの混紡素材のアイテム、シルクとメリノウールを組み合わせたパファージャケットなどがあります。鮮やかなブルーやレッドのカラーパレットは美しいヴィンテージカーを彷彿とさせるでしょう？　それから全面にスパンコール刺繍を施したトップスは、異なる色のスパンコールを一枚ずつ縫い付けていくことで、べっ甲のように立体的で絶妙な色合いを表現しました。通常はインテリアファブリックとして使用される名門スカラマンドレ（Scalamandré）社のアイコニックなファブリックを、敢えて薄く仕上げて、スカートやスーツセット、コートへと落とし込んだアイテムもあります。 ──今春には、初のレザーバッグコレクションを発売しました。デザインプロセスはウェアと異なるのでしょうか。　バッグのデザインは全然違いますね。非常に才能のあるバッグデザイナーとコラボレーションして約2年かけて完成しました。シルエットを決めてから、そのフォルムに完璧に合うレザーを探し出し、フランスで製造しています。キャプション：金具部分には18Kゴールドメッキ──金具のパーツがアクセントになっていて印象的です。　金具は上品な艶にこだわり、18Kゴールドメッキを施しています。アール・デコ様式のライターやペン、「ダンヒル（dunhill）」のクラシックなライターのような小物からデザインを発想したんです。細かいですが、すべて手彫りで仕上げていて、私にとってはジュエリーのようなアイテム。今後は財布やベルトのようなスモールレザーグッズも拡充する予定です。海外初の常設店で大阪を選んだ理由──海外初の常設店で日本を選んだ理由は？　理由はシンプルで、私の審美眼と日本の皆さんが持つ美意識が非常に近いと感じているからです。それから、日本はファッションの中心地であり、アジアのハブでもあります。ここでビジネスを広げることは自然な選択でした。それに、私自身が日本に来るのが大好きなので、これから頻繁に訪れる理由ができて嬉しいです（笑）。──1号店を東京にオープンするブランドが多い中、大阪にした決め手は？　大阪は本当に素晴らしい街だと思いますし、私がアメリカでブランドを育ててきた方法と重なる点がありました。ブランドと顧客が非常に親密な関係性を築いていると感じたのです。だから、ここから始めるのが最適だと。──店舗のデザインコンセプトを教えてください。　私たちの店舗は、エレガントかつ穏やかな邸宅のようなムードを大切にしています。大阪店はフランスの有名なインテリアデザイナー兼建築家のフランソワ＝ジョセフ・グラフ（François-Joseph Graf）の協力を得て、作り上げました。──いずれは、東京にも出店するのでしょうか。　2030年までに、東京や京都、名古屋、福岡といった主要都市を中心に10店舗を構えるのが目標です。今年の8月にはロンドンにもオープンします。──最後に、アダム・リペスというブランドをこれからどのように育てていきたいですか？　現在の私の最大の課題は、「服のクオリティを上げること」ではなく、「私たちのストーリーをどのように伝えるか」なんです。世の中には、コミュニケーションやSNSでの発信が非常に上手でも、実際に店舗で服を見るとクオリティにギャップを感じるというブランドもあります。私たちはその真逆です。クオリティには絶対の自信があるからこそ、実際に触れて、着ていただく機会を増やしたい。そして、私たちのストーリーをメディアや皆さんの手を通じて広めていただくことが、何よりも大切だと考えています。

過熱するSNS偏重の中で「まずは服から始める」　NY発 アダム・リペスの美学

エルメスのポケットウォッチは“首から下げるアート”　エルメスが提示した「スリム ドゥ エルメス ポケット
ROAAAAAR！」は、時計の概念を大胆に拡張する一本です。直径45mmのホワイトゴールドケース、エナメル文字盤。そして、カバーにはウッドマルケトリ（木象嵌＝もくぞうがん）という緻密な作業で描かれたライオンの咆哮。もはや、時計を超えた美術工芸品と表現する方が正確です。　注目すべきは、“ポケットウォッチ”でありながら、レザーコードで首から下げるスタイルを推奨している点。胸元で揺れるその姿は、ジュエリーと時計の境界線を曖昧にし、19世紀のソートワール（ロングネックレス）を現代的に再解釈したようにも見えます。　アート、工芸といったものを守っていこうとするエルメスというブランドの矜持とともに、「腕から離れることで、時計はここまで自由になれる」のを示しています。自動巻き（Hermès H1950／超薄型ムーブメント）、パワーリザーブ約48時間。ケース径45ミリ、厚さ10.45ミリ、ホワイトゴールドケース。ヴェール・シプレまたはブルー・サフィールのエナメル文字盤。ウッドマルケトリによるカバー付き。3気圧防水。世界限定3本。価格：3293万4000円（予定価格・2027年発売予定）。ピアジェがジュエリーウォッチの歴史を現代に揺り戻す　“腕に着けない時計”の系譜を語るとき、ピアジェは特別な存在。1960〜70年代には、カフウォッチやソートノワール（ロングネックレス）で、時計をジュエリーへと開放し、ウォッチメイキングに新しい価値観を持ち込みました。ジュエラーとしてのジュエリー作りとマニュファクチュールとしての時計作り、いずれにも等しく力を注いできたブランドです。　ブランドのDNAは、2026年の新作 「スウィンギング ペブル」にも息づいています。タイガーズアイ、ヴァーダイト、ピーターサイトといった、オーナメンタルストーンを丸ごと削り出して作られたペンダントウォッチ。21.4mmと小石のようなケースは、石の塊を繊細にくり抜き、自社製クォーツムーブメント355Pを収めた後、再び精密に閉じられる独特な製造工程を経ています。　この“石を彫る”制作方法そのものが、70年代のピアジェの創造精神を現代的に再解釈したものと言えるでしょう。揺れるたびに表情を変えるゴールドチェーンも、同社が誇るチェーンメイキングの伝統を反映したもの。時間を見る行為と、身につける所作のどちらも成立する、ピアジェらしい二面性があります。　ペンダントウォッチは、時計よりも“動きのためのオブジェ”に近い存在です。揺れ、光を拾い、色を見せる。かつては、パーティーで時間を気にするのはエレガントではないとされたものです。装身具としての魅力を持ちながら、必要なときに小さな文字盤の中で時間を知ることができる。これこそが、ピアジェが最も得意とする領域です。　“装飾のための時計”としても“時間のためのジュエリー”としても成立するこのソートワールは、2026年のジュネーブで見た中でも、最も象徴的な非・腕時計でした。（左から）“G0A51409”18Kホワイトゴールド×ピーターサイト（ケース径21.4ミリ）。
自社製クォーツムーブメント 355P。チェーンの長さ 80センチ。価格1513万6000円。“G0A51410”18Kイエローゴールド×タイガーズアイ（ケース径21.4ミリ）。自社製クォーツムーブメント 355P。チェーンの長さ 80センチ。価格：1214万4000円。“G0A51408”18Kピンクゴールド×ヴァーダイト（ケース径21.4ミリ）。自社製クォーツムーブメント 355P。チェーンの長さ 80センチ。価格：1214万4000円。いずれも発売時期は未定。ジャガー・ルクルトはマーク・ニューソンと共演　時間を“空間”と“移動”に解き放つ時計。身に着けるスタイルから自由になった時計の世界を、さらに大きく広げたのがジャガー・ルクルトです。今年は、デザイナーのマーク・ニューソン（Marc Newson）が手掛けた置時計「アトモス」2作と、携行時計「メモボックス・トラベルクロック」を発表しました。これらは、時計を「部屋に置く」「旅に連れていく」といった文脈に分岐させた点で、2026年の潮流を象徴しています。“空気で動く時計”「アトモス」がインテリアの主役になる　「アトモス」は、温度と気圧のわずかな変化で駆動する機械式置時計です。手でゼンマイを巻き上げたり、電池で電気を供給したりすることは不要。この独創的な駆動方式は、ジャガー・ルクルトが発明して、1928年のプロトタイプで発表した技術です。　ジャガー・ルクルトは、自社のためだけではなく、名だたる腕時計ブランドにムーブメントを供給してきた歴史を持っています。だからこそ、“マニュファクチュールの中のマニュファクチュール”の異名を持つのです。ゆえに、他が追随しない技術の置時計も作り続けているのでしょう。スイス本国でジャガー・ルクルトの開発部門責任者を務める浜口尚大氏に、「なぜ、他ブランドはアトモスの駆動方式で時計を作らないのか？」を問うたところ、「極めて難しい技術だからじゃないですか」との回答でした。　今年の主役となったのは、いくつかの「アトモス」をこれまでも手掛けてきたマーク・ニューソンがデザインした二つのモデルです。まず「Atmos Designer 568」は、透明な立方体のバカラクリスタルのケースに機構を閉じ込めた、彫刻のようなモデル。時を刻む“動きそのもの”を見せるためのデザインです。そして、「Atmos Hybris Artistica Tellurium」は、地球・月・太陽の運行を可視化する複雑機構を備え、部屋に小さな宇宙を配置するような作品。工芸性・科学性・装飾性の3つが、高度に融合しています。　ジャガー・ルクルトは、ウォッチズ・アンド・ワンダーズ ジュネーブに続くミラノサローネの期間中に「アトモス」を中心とした展示企画
「THE PERPETUAL TIMEKEEPER」 を開催しました。会場にはニューソン本人も登場し、デザインと機構が一体となるアトモスの世界観を語っていました。“時間の静けさ”をもたらす置時計の存在感は格別です。温度・気圧差で駆動する機械式置時計（アトモス機構）。マーク・ニューソンによるデザイン。透明ケース（バカラクリスタル）に機構を収めた立方体構造。金属フレーム＋アトモス専用キャリバー。巻き上げ不要の環境駆動式。752万4000円温度・気圧差で駆動するアトモス機構。地球・月・太陽の位置関係を可視化するテリュリウム（天文表示）搭載。マーク・ニューソンによるデザイン。複雑天文モデルとしての置時計仕様。3台限定。価格要問合せ「メモボックス・トラベルクロック」旅先でスタイリッシュに目覚めるために　同時に発表された「Memovox Travel Clock」は、より実用的な「携行の時計」です。折りたたみ式ケースで持ち歩きやすく、ホテルのサイドテーブルに置くだけで、そこに小さな“整った時間”が生まれます。手巻き（アラーム機構付きトラベルクロック仕様）。折りたたみ式ケースによる携行設計。アラーム表示、時・分表示。マーク・ニューソンによる新デザイン。出張や旅行用の卓上時計として開発。567万6000円　スマートフォンのアラームとは異なり、機械式アラームが鳴る瞬間の確かな手触りが、旅先の朝に独特の気配を与えてくれます。「アトモス」が“家に置く時間”のための時計だとすれば、「メモボックス」は“旅の時間”のための時計です。　ニューソンによるデザインの力も相まって、ジャガー・ルクルトは「時計が存在する場所を広げていく」可能性を示しているように感じました。ヤマモトの見立て会場写真©2026 Watches and Wonders Geneva Foundation※腕時計は未入荷や売り切れの場合もあります。また、為替レートなどの影響で価格が改訂されることがあります。

JAEGER-LECOULTRE

腕に着けなくとも、美しい時計──「ウォッチズ＆ワンダーズ」取材記 vol.4

　1875年の創業以来、スイスのル・ブラッシュを拠点に高度な時計製造を続けてきたマニュファクチュール「オーデマ ピゲ」。"時計界のピカソ"の異名を持つジェラルド・ジェンタ（Gérald Genta）がデザインし、1972年に誕生した「ロイヤル オーク」をはじめ、時計業界の既成概念に挑むタイムピースを世に送り出し、世代を超えて憧れを育んできた。中でも近年は、アートや音楽、スポーツなど多様なカルチャー領域にも注力。2023年にはマシュー・ウィリアムズ（Matthew M. Williams）が手掛ける「1017 アリックス 9SM（1017 ALYX 9SM）」や、トラヴィス・スコット（Travis Scott）のブランド「カクタス・ジャック（Cactus Jack）」との協業モデルを発表し、2024年にはアーティストのカウズ（KAWS）とのモデルも展開してきた。直近では、スウォッチ（Swatch）とのコラボレーション「ロイヤル ポップ（Royal Pop）」がバズを生み出し話題を集めたが、今回の協業はオーデマ ピゲが、YOONとVERBALという2人のクリエイターとの継続的な対話を軸に、時計製造の本質に向き合ったプロジェクトとして位置付けたもの。「ロイヤル オーク コンセプト フライング トゥールビヨン」は、費やされた年月や技術、そして金額を含め（価格は17万6800スイスフラン/ 税込参考価格3927万円）、最高峰のコンプリケーションウォッチであることを示している。　新作は、幅広い手首に対応する38.5mmサイズのチタンケースを採用。サンドブラスト、サテン、ポリッシュといった複数の仕上げを組み合わせたケースに、煌めくブラックアヴェンチュリンダイヤルを合わせ、6時位置にはレッドにアルマイト加工を施したアルミニウム製のキャリッジが目を引くフライングトゥールビヨンを配した。ムーブメントには、今回のために特別に開発された手巻きキャリバー2982を搭載している。　韓国・ソウルの「AP House Seoul」で開催されたプレスカンファレンスには、オーデマ ピゲ CEOのイラリア・レスタ（Ilaria Resta）、YOON、VERBALらが登壇。世界各国から集まったメディアを前に、制作プロセスやデザインに込めた思いなどが代表質問形式で語られた。Q&A──今回の協業は、どのようなところから始まったのか。YOON：仕事で収入を得た時、良い時計を買いたくなるものですよね。20年前でしょうか。当時は時計のことはそこまで詳しくなかったんですが、グラフィックデザインを専攻していたこともあり、幾何学的な「ロイヤル オーク」の美しい造形に衝撃を受けました。この時計を所有したいという欲にかられ、その後ジェラルド・ジェンタや彼のデザインやコンセプトについて、そして当時ロイヤル オークがいかに革新的だったかを知りました。今回お誘いをいただいた時は信じられなかったです。VERBAL：もともと時計好きで、オーデマ ピゲのファンでもありました。さまざまなモデルを調べたり、歴史を掘り下げたり、コンプリケーションについて知っていくなかで、2002年に発表された初代「ロイヤル オーク コンセプト」は私たちにとっても思い入れが強いモデルで自然と惹かれていきました。時計史におけるひとつの重要なモーメントを象徴するモデルだと思っています。今回の対話は、そこから始まったと言えるかもしれません。──サイズを含め、デザイン面でどのようなことを重視したか。YOON：時計をつけるときに自分の手首に合うサイズかどうかは大事ですよね。過去の「ロイヤル オーク コンセプト」も好きでしたが、いずれも44mmで私には少し大きくて自分が身につけている姿が想像しづらかった。なので女性ユーザーとして、38.5mmはとても自然なサイズ感だと思いました。自分が本当に身につけたいと思えるものを作りたかったので、朝着けて、日中も過ごせて、服を変えれば夜にもそのまま出かけられる。そうした使いやすさをサイズ含め意識してデザインしました。　もともとのフェイスがとても美しかったので、必要のないものをできるだけ削ぎ落としたかったんです。何を残すべきか、どこがこの時計の核になるのかを見極めることが大切でした。トゥールビヨンは、その時計の"心臓"のようなものです。だからこそ、私たちはそこを強調したかった。キャリッジをレッドにすることで、この時計のエネルギーを表現したいと考えました。VERBAL：従来の「ロイヤル オーク コンセプト」と比べると、38.5mmはコンパクトなサイズですが、特別な場面だけでなく、日常でも使えるものにしたいと思ったのでとてもいいサイズだと思っています。音楽に例えると、時計のサイズが曲の“フック”だとすれば、トゥールビヨンは“パンチライン”のようなもので、誰の記憶にも残る部分だと思います。──今回のモデルでは、レッドが象徴的。なぜこの色だったのか。VERBAL：赤は、僕たちにとってとても重要な色です。力強さや地球のコアを想起させる色でもあります。なぜレッドのトゥールビヨンがこれまでなかったのだろう、という疑問があり、職人の方々と話し合い、最終的にアルミニウムにレッドのアルマイト加工を施すという答えに辿り着きました。フライング トゥールビヨンはブリッジがなく、回転し続ける構造で、まるで浮いているようにも見える。その詩的な感覚も、この時計に合っていると思いました。──フェイスのデザインのインスピレーションは？YOON：スイスの本社を訪れたときの体験が大きかったです。時計製造の歴史に触れるなかで、かつて農家の人々が冬のあいだに家の中で時計部品を作っていたという話を聞きました。小さな窓から外の空を眺めながら作業していたという背景が、とても印象に残っています。　時間はかつて、月や星の動きによって測られていました。今回の時計にも、その星空や宇宙的なムードを取り入れたいと思ったんです。私たちは普段から「ユニバース」という言葉をよく使います。アイデアはときに散発的で、いろいろな惑星を行き来するように広がっていく。夜空や惑星、銀河のようなイメージは、今回の時計のデザインにも自然に重なりました。 ──制作プロセスでは、どのような学びがあったか。VERBAL：このプロジェクトはファッションや音楽の制作とはまったく違い、3年以上の歳月がかかりました。時計の場合、機能がデザインの方向性を決める大きな基準になります。僕たちが「この素材はどうか」「こういう見え方はどうか」と提案するたびに、オーデマ ピゲの職人やエンジニアの方々が、それが機能性や精度を損なわないかを確認してくれました。その中で学んだのは、時間のかかるプロセスこそ良いものを生むということ。すべてのパーツに意図があり、意味があり、同時に美しくなければならない。ただ動くだけではなく、美しいことも重要でした。YOON：対話を続けていく中で特に驚いたのは、オーデマ ピゲチームがとても柔軟な姿勢を見せてくれたことです。もっと「NO」と言われるのかと思っていました。でも実際には、私たちのアイデアに、とてもオープンに向き合ってくれました。私たちが求める色や質感に近づけるために、試行錯誤を重ねてくれたんです。　そしてファッションの世界にいると、シーズンに合わせてアイデアや製品を生み出したらまた次のシーズンのことを考えないといけません。でも今回のプロジェクトでは辛抱強く時間をかけて取り組むことの大事さを学びました。この時計は私がいなくなった後も残り続けるものだと思うので、そういった制作のプロセスに携われたことはとても良い経験になったと思います。──付属するストラップやケースについて。YOON：この時計には、ブラックとレッドの2本のストラップがつきます。自分で簡単に付け替えることができるので、ドレスアップにもドレスダウンにも合わせられます。また、時計のケースについてもよく考えました。ケースはクローゼットにしまわれてしまうことが多いですよね。なのでケース自体もリビングの棚などに飾りたくなるようなデザインにしたいと考えてこの形にしたんです。 ──この時計をどのように受け取ってほしいか。VERBAL：単に時刻を知りたければ、私たちにはスマートフォンがあります。ですが私が今身につけているのはアートピースであり、歴史の一部でもあると思います。トゥールビヨンは、現代において必ずしも実用だけの機構ではありませんが、真のクラフツマンシップを示すものです。そうした要素が一つになり、この時計として形になったことに大きな意味を感じています。豪華ゲストが集結したローンチパーティ 　同日夜には、韓国の伝統家屋が並ぶ北村韓屋村（プクチョンハノクマウル）の一角でローンチパーティ開催。南山タワーなどソウルの街並みを一望できるルーフトップでコラボレーションのローンチが祝われ、YOONとVERBALと親交のあるゲストや"APファミリー"が多数来場した。真っ赤なライティングに染まった会場では、2人がセレクトした秋田の純米吟醸「SŌMATŌ」を使ったスペシャルドリンクなどが振る舞われたほか、チタンケースにサファイアベゼルとリューズを組み合わせた世界に1本のみのユニークピースも展示された。  　ゲストには、イ・ジョンジェやアン・ヒョソプ、イ・スヒョク、ウィン、ブライトといった俳優をはじめ、CL、ZICO、EJAEといったアーティストなど豪華な顔ぶれが集結。また、ヘイリー・ビーバーやBIGBANGのG-DRAGONといったサプライズゲストの姿も。ゲスト同士が着用モデルを見せ合うなど親密なムードの中で宴が繰り広げられ、特別な一夜に華を添えた。

YOONとVERBALが振り返る「オーデマ ピゲ」との対話

ファッション業界の「当たり前」に、小さな疑問が積み重なっていた──カンマの立ち上げに至った経緯を教えてください。Sakas PR長坂啓太郎（以下、長坂）：僕たちが初めて顔を合わせたのは2017年、東京で開催されたショーの現場でした。その後、それぞれ会社を立ち上げたのが2019年で、独立時期がほぼ一緒なんです。当時、僕のオフィスに複合機がなくて、TEN10のオフィスにコピーを取りに行ったりして。TEN10志賀光（以下、志賀）：そうそう、よく来てたよね（笑）。長坂：仕事の現場が重なることも多くて。経営やキャッシュフローのことなど、同業の中で率直に相談できる数少ない相手が志賀さんでした。TEN10志賀光（以下、志賀）：そうやって情報交換をしていくうちに、お互いPRという職種でありながら、得意な領域が微妙に違うことに気づいたんです。Sakas PRはリース貸し出しをして、メディア露出を増やすオーソドックスなショールームスタイル。一方、僕の会社は「TEN10」という自社スペースを持ち、サンプルを外部に貸し出さないブランドも担当するなど、アプローチが異なります。　協業を考え始めた根本には、「自分が提供しているサービスで、ブランドの未来を時代性を持って作れているのだろうか」という疑問があったからです。プレスリリースを送り、メディアに掲載され、次の仕事へと移っていく。日々の繰り返しの中で、その問いへの答えが見当たらなくなっていたんです。そうした状況を打破したいと考えている中で、約1年前、「じゃあ何か一緒にやってみますか」という話になりました。──PRという仕事に対して、具体的にどのような危機感を持たれているのでしょうか。志賀：PRという言葉一つとっても、今は求められる役割が多様化していて、一人の人間で全てをカバーするのが難しくなっています。だからこそ、キャスティングやプランニングなど、それぞれ得意分野を持つフリーランスが集まって一つの案件を回すことが増えているのですが、僕はこのスタイルにも難しさがあるなと感じていて。マンパワー不足を補う手段としては有効ですし、僕自身も経験してきましたが、どうしても拭えない懸念があったんです。長坂：たとえば、あるブランドのPRチームに、別の競合ブランドを手掛けているメンバーがスポットで混ざったとします。クライアントからすれば、それは決してポジティブには映りませんよね。デザイナーにとって、自身のブランドの裏側を知るPR担当が近い立ち位置のブランドにも携わっているという事実は、信頼関係を損なう要因になり得ます。だからこそ僕は、ここ2年ほどは基本的に「1社で1案件を責任を持ってやり切るスタイル」に切り替えました。　今はメディアだけでなく、ブランド自身が扱えるコンテンツも増えています。そうなると、僕たちPRは写真や映像など、たくさんの要素を作っていかなければならない。ブランドによっては、それを全てデザイナーがやるしかなく、時には僕たちPRにセールスの意見を求めることもあります。単にリースの貸し出しをしてプレスリリースをメールで送るだけ、というのはナンセンスになっていくでしょう。領域を少し広げてでも、ブランドにとって良い相談相手でいなければならないと思っています。志賀：定型のパッケージをこなしているだけのPRでは、提供するサービスの価値そのものが薄まってしまいます。ブランドのためにどこまで頭を絞り、戦略を組み立ててどう成長させていくことができるか。それが、今回のパートナーシップの大きな動機でもあります。情報伝達ではなく「関係構築」、カンマが描く5つの循環プロセス──カンマには決まったメニューがないそうですが、それはなぜですか？志賀：従来のPRが一時的な「情報伝達」や話題化を主軸に置いているとすれば、カンマは長く残り続ける「関係資産（Relational Assets）」の構築に重きを置いているからです。パブリックリレーションズ（PR）という言葉の本来の意味である「人、ブランド、社会の関係性設計」に、もっと忠実でありたい。だから、既存のフォーマットで「このプランはいくら」と最初から限界線を引くようなやり方はしません。　カンマでは「日常的な対話（DAILY MATTER）」からスタートし、「課題の共有（SHARING ISSUES）」「オリジナリティへの洞察（FINDING ORIGINALITY）」を徹底的に行います。対話の中からブランドの中核にある思想やヴィジョンを丁寧に汲み取り（MAKE A VISION））、どんなクリエイションを作り、「誰と繋ぐべきか（LINK AND CONNECT）」をオーダーメイドで設計・実装していく構造をとっています。そしてまた「日常的な対話（DAILY MATTER）」への循環を通じて、PRとクリエイションの境界を越え、“⼈とブランドの関係”を更新し続けられたらと考えています。長坂：そのため、「ここまでしかできません」という限界線をあらかじめ引かないようにしていて。その部分で、僕と長坂さんの感覚はとても合っていると思います。──お互いから見て、相手の「ここがすごい」と思う強みはどこでしょうか。長坂：志賀さんが以前の仕事で作った提案書を見せてもらった時、非常にロジカルでデータに基づいているのに、その中に「このブランドのことが本当に好きなんだろうな」という愛情がちゃんと感じられて驚きました。広告代理店が作る資料とは全く違うんですよ。「この人と一緒にやったらどんな未来が描けるだろう」と、ブランド側に期待させる力を感じました。志賀：いやいや（笑）。逆に僕には絶対にないと思うのは、長坂さんは人の良いところを見つけるのが本当に上手い。僕はどうしても「外部の専門家」として見られがちなんですが、長坂さんは向上心や競争心の高いデザイナーたちの懐に深く入り込み、ちゃんと「仲間」として認められている。「この人になら本音を話したい」と思わせる人間力が最大の強みだと思いますね。──今年3月の東コレでの「ユウショウコバヤシ（yushokobayashi）」のショーがカンマとしての最初の仕事と聞きました。2社で組んだからこその相乗効果はありましたか？志賀：3〜4ヶ月という短い準備期間の中で、長坂さんがショーの現場ディレクションをクラシックにまとめてくれたおかげで、僕はPR戦略に集中する時間を十分に確保できました。一人でやっていたら手が回らなかったであろう、海外メディアへのアプローチも実現できました。長坂：ショーの前にプレス向け、 バイヤー向け、 一般客向けと内容を変えたブランドのアイデンティティを伝えるメールを送るなど、 志賀さんの緻密な設計と実装力は流石でしたね。一人では思いつかなかったアイデアがいくつも生まれましたし、お互いの役割が明確だったことで、結果として多くの露出に繋がったと感じています。──カンマとして予定している取り組みがあれば教えてください。志賀：戦略を実践に循環させる仕組みとして、定期的に「カクテルパーティー」を開催します。これは、僕たちが持つファッション、アート、ビジネス、メディアのコミュニティに、毎回異なる共催パートナーそれぞれのコミュニティを重ね合わせることで、既存のネットワークだけでは生まれない新しい接点を作る試みです。例えばデザイナーが資金調達やファッションロー、あるいは生産管理やOEMといったビジネスの課題に直面したとき、業界内に知り合いが誰もいない状態からでも、安心して頼れる相手と繋がれる場所を作りたいんです。適切な人を紹介するだけでなく、紹介した後も伴走できる体制がカンマの目指す形です。長坂：クライアントであるブランドから「良いセールス、生産管理を紹介してほしい」と言われるんですが、ブランドにとって重要なことであるため気軽には紹介できなくて。でも、このカクテルパーティーという開かれた場であれば、起業家から弁護士、クリエイター、学生など、さまざまな立場の人がフラットに出会うことができる。紹介して終わりではなく、カンマが中長期のプロジェクトとして伴走することで、ブランドの持続的な成長にコミットしていきたいと考えています。──最後に、カンマの活動を通して、社会やファッション業界をどのように変えていきたいですか？志賀：「情報を出せばメディアに掲載され、認知が広がる」というアテンションのみの時代は終わりに向かっています。今はその情報に、腹落ちするような「信頼の文脈」と「共感」が伴っているかが重要です。そのために、カクテルパーティーのようなフィジカルな体験の場を作るなど、情報を広く届ける前の、関係性を深く耕す工程にもっと時間をかける必要があると考えています。長坂：あと、ファッション業界と他業界との間にある見えない壁は、昔から言われ続けている課題ですよね。日本のデザイナーズブランドが10年、20年と長く続いていくためには、その壁を越えてマーケットを広げていくことが絶対に必要だと、僕も現場でずっと思い続けてきました。志賀：まさに。2社が組んでいるこの「カンマ」という構造自体が、個社で囲い込まずに「業界全体に開いていく」という意思表示です。ファッションの領域で培ったクリエイティブの知見やストーリー分析の力は、他の業界の魅力を引き出すために絶対に活かせるはず。　たとえば地方の伝統工芸や観光振興など、「職人さんが話す思想を、ちゃんと翻訳して形にできる」という僕たちのPR・クリエイティブの感覚は、他業界にとっても大きな価値になるはずです。それが巡り巡って、デザイナーたちのマネタイズの多様化や、新しい文化の地層になっていく。ファッション以外の大手企業からも、すでに「新しい文脈を作ってほしい」と声がかかり始めています。業界の壁を越えるための「渡り船」のような存在になれるよう、ここから新しいPRの形を作り上げていきたいですね。

yushokobayashi

ただの「情報拡散」はもう終わり？　2人のファッションPRが思索する新たなPRの形

黒のなかで抽象と叙情が出合う　前回は、「AI時代のファッション」という連載の切り口にまったく言及できなかったが、後半ではコム
デ ギャルソンの2026年秋冬コレクションのショーの演出や、今年復活した「Six」のことも含めて振り返ることで、AI時代とコム デ ギャルソンというテーマについて私なりに考えを深めていってみたい。　まずは、ショーで使用された音楽について、少々勝手な想像を膨らませながら考察してみることにしよう。　コンクリートが剥き出しになった廃墟のような会場に、全身黒のファーストルックを着たモデルがクラシックの音色とともに現れた。ショパンやモーツァルトのほか、ウーゴ・ナルディーニ（18世紀のイタリアの作曲家）の叙情的でロマンティックな旋律に、黒のジョーゼットの優雅なテクスチャーと曲線的なシルエットが相まって、一瞬現実から離れた耽美的世界に誘われるような感覚になる。　すると、ショーの中盤過ぎに音楽が急に止み、無音のなかで一転、全身ピンクのルックが数体登場した。それは、見るものの感覚を一瞬中断するためのように過ぎ去り、やがて弦楽器の演奏が再開すると、「黒」が再び現れる。新たな曲は、「アルビノーニのアダージョ
ト短調」。聞き覚えのある哀切な旋律で、今でも葬送の曲として映像のBGMやドラマなどにしばしば使用されている曲だ。　後から知ったことなのだが、この曲には制作過程の裏話がある。実はアルビノーニ（18世紀イタリアの作曲家）の作ではなく、20世紀の音楽学者レモ・ジャゾットが作曲・編曲した作品だといわれている。第二次世界大戦中に爆撃で廃墟となった、ドイツのドレスデンの図書館から見つかったアルビノーニの曲の断片を基に作られたとされている。どこまでが真実なのかは不明だが、いずれにしろ、メランコリックで情緒的な曲調が感情に強く訴えかけ、世界中で広く親しまれてきた曲であることだけは確かだ。　少し私的なイマジネーションの世界になるが、ここでドレスデンという響きが、私の意識を前シーズンのコム デ ギャルソンのコレクションへとつながる道に引き戻した。ドイツの古都ドレスデンは、第2次世界大戦の終盤、1945年2月に連合国軍（英・米軍）による大規模な無差別爆撃によって壊滅し、数万人の市民が命を落とした。その「悲劇」は戦争の悲惨さの象徴として今も歴史に深く刻まれている（ちなみに、小説家のカート・ボネガットは、アメリカ兵捕虜としてドレスデンで爆撃にあったが奇跡的に生き延び、その体験をもとに『スローターハウス5』を著した）。　その悲惨な廃墟のイメージは、「Dust」という言葉と結びつき、私に先シーズン（2026年春夏）のコム デ ギャルソンを想起させた。コレクションノートとして伝えられたのは「After
the Dust」というフレーズ。「Dust」には、粉塵や埃などとともに、遺骸や亡骸という意味もある。麻やジュート素材で構成されたコレクションルックは、すべて完成した後に丸ごと洗いにかけられていた。それはまるで、廃墟の粉塵や悲劇を葬り、そこから再生するための神聖な儀式のようにも感じられた。そのコレクションには、黒は一切登場しなかった。　そして、今回、「Dust」が洗い流された後に、美しい黒の葬送が現れたのだ。　薄手で柔らかなジョーゼット素材を使い、目のくらむほど大量に寄せられたひだやノット、ドレープなどが、大胆かつ曲線的なフォルムの中に縦横に配されている。密集、突起、曲線と直線、断絶、軽さ、重さなど、さまざまな意匠とテンションが凝らされた造形には、不思議とどこか優しさと優雅さが漂う。　直近のコム デ ギャルソンで、黒がメインとなったシーズンを振り返ると、2024年秋冬の「怒り」のコレクションが思い出される。同じ黒であっても、全ルックに人工レザーを使用したデザインは、鎧のようなハードさがあり、感覚的にも激しくエッジが突き刺さるようなコレクションだった。それに比して、今回の黒の表情はまったく別のものだったといえる。造形の強さは変わらないとしても、どこかたおやかで古典的な優雅さがあり、叙情的音楽と共に、抽象的造形に物語性が溶け込むような気配があった。曲の選択から見ても、「感傷」をあえて恐れない川久保さんの姿勢を感じ、その思いを強くさせた。「感情」が生むクリエイション　ショー後半の黒のルックは、主にレースで表現されることで華やかさが増し、“葬送の曲”とともに、私は思わず涙ぐみそうな感情が込み上げてくるのを感じた。──そうだ、私たちは泣いてもいいのだ。流れる涙を拭えるのは生きているということ。泣くことさえも不当に奪われ、できなくなることを、深く悼まなければならない──そう問いかけられているように感じられた。通常は、ありきたりの高揚感や安易な物語性を否定するのがコム
デ ギャルソン的だと思っていただけに、感情は複雑に入り乱れた。　ここまでだいぶ長く、連載テーマであるAIのことについてはまったく触れてこなかった。しかしながら、私にとっては、コム デ ギャルソンを語ることはすなわちAIを逆の形で語ることに等しい、と感じている。川久保さんはかねがね、「感情をデザインする」「最初にあるのは気持ちです」と語っている。それは、普遍的な意味の「感情」ではなく、川久保玲という一人の人間、すなわち「自分」だけの「気持ち」だ。そこからしかクリエイションは生まれない。　この文章を書きながら、いかにもAI初心者が思いつくようなひとつの質問をChat GPTに訊ねてみた。「AIは涙を流しますか？」　AIはこう答えた。「いい質問ですね。結論から言うと、AIは実際に涙を流すことはありません。人間が涙を流すのは、体にある涙腺や神経、そして感情の働きが関係しています。悲しみや喜びといった感情が脳で処理され、その結果として涙が出るわけです。一方でAIは、そうした身体も生理的な仕組みも持っていませんし、本当の意味での感情もありません。（・・）ただし、AIは“泣いているように見える表現”をすることはできます。でもそれはあくまでプログラムされた表現であって、内側から自然に湧き上がる感情によるものではありません」（太字はAIによる表記）　だいぶ昔のインタビューになるが、川久保さんは「（コンピュータより）人間の頭の方がずっと複雑だし、広いと考えています」と語っていたことがあった。脳と感情は深く結びつき、それぞれの人間固有の、複雑で偶然性に満ちた表現を生み出してゆく。おそらく、そのすべての根本に存在するのは、世界にたったひとつの有限な自分の身体であり、存在である。復活した「Six」──第6感を信じて　実は今回のパリでショー以外に楽しみにしていたのが、2年前にオープンした「ドーバー ストリート マーケット パリ（DOVER STREET MARKET PARIS）」を訪れることだった。マレ地区の歴史ある建造物の構造を生かして、川久保さんのディレクションによって迷路のような店舗がデザインされている。表通りから門をくぐると、すぐ中庭が広がり、そこに数ヶ月ごとに変わるインスタレーションが展開されている。私が訪れた3月には、本年度のコム
デ ギャルソン社のDM（メディア関係者や顧客に向けたダイレクトメール）のテーマとして、約25年ぶりに復活した伝説のアートブック「Six」のアートインスタレーションが展示されていた。大きな円柱型のオブジェが5つ立ち、その上にも二重に重なるように「Six」の誌面がコラージュされており、私たちは巨大な円柱の間を巡りながら、ヴィジュアルイメージのなかに没入する体験を味わうことになる。　「Six」は、1988年から2001年の間に8冊刊行されたコム デ ギャルソンの世界観を表現したアートブックだ。文字はほとんどなく、写真などのヴィジュアルイメージが脈絡なく並び、その抽象的な流れが未知の感覚を呼び覚ます。川久保さんは、今年のDMにその「Six」を復活させた。いろいろテーマを探すうちにたまたま思い浮かんだ選択、ということらしいが、今この時代だからこそ再び「Six」、つまり「Sixth Sense＝人間の第6感」の重要性に目を向けるべき、という意図を勝手に受け取ることはできよう。「Six」には以下のようなメッセージが掲載されている。「5感は 見る、聴く、味わう、嗅ぐ、触れる という5つの現実的な感覚」「第6感は現実的に表現できない感覚」　つまり、第6感は見えないが超自然的にどこかから降ってくるわけではなく、自分のなかの何かが突然反応するものである。それは、個人の特性や経験、知識の合理的な総体ではなく、意識や理性を超越した「現実的に表現できない感覚」だと思われる。それこそ、AIには持ち得ないものではないだろうか。「『Six』はコム デ ギャルソンの存在を最も正しく伝える方法の一つ」と、かつて川久保さんは語っていた。　川久保さんは、パリに進出してから45年、ブランド創立から57年、休むことなく継続することを重要な方法論として「クリエイション/仕事」を続けている。その継続した時間がなければ、今回の「結論（最後に残るのは黒。黒が私の色だということ）」にはたどり着けなかったのではないだろうか、と感じる。そこには、誰にも説明できない川久保さんの「Sixth Sense」がかかわっていたのだろうか。　しかし、それと同時に、いやもしかしたらもっと大切なことは、継続がいつでも別の「結論」を運んでくる可能性をはらんでいる、ということなのかもしれない。崩壊と膨張を繰り返す宇宙のように。「終わりなどない」のがコム
デ ギャルソンであることは、忘れてはならない。　記憶のなかに現れる、川久保さんのサングラスの真っ黒なレンズが、まるでブラックホールのように思い出される。

COMME des GARÇONS

2026年秋冬パリ・ファッションウィーク断想

第1回「コム デ ギャルソン」はなぜ「黒」に戻るのか？（後編）

CEOに問う、「新しい世代と腕時計」　ウォッチズ・アンド・ワンダーズ　ジュネーブ財団CEOマチュー・ユメール（Matthieu Humair）氏は、柔らかい微笑でこちらを迎えてくれました。「ようこそジュネーブへ。いつも取材してくださってありがとうございます」　巨大見本市のトップという権威より、時計文化の“語り部”という印象。インタビューの冒頭で、私は核心の問いを投げました。── 「腕時計は、若者にとってどんな存在になるのでしょうか」。ユメール氏は、迷いなく答え始めました。「WWGの重要課題は若い世代との接点づくり。腕時計の未来はそこから始まります」　静かではありますが、力強い口調で語られた展示会の意義。「デジタル化が進むほど、フィジカルの価値は高まります。画面越しではなく、触れる・聞く・話す・体験する。それこそが、腕時計の魅力です」「私たちは非営利財団としてブランドのために存在しています。多様性を尊重しながら出展コストを抑え、誰もが参加しやすいプラットフォームをつくらなければいけません」　この言葉の背景には、高騰した出展費で崩壊した「バーゼルワールド」の記憶が透けて見えます。だからこそ、ウォッチズ・アンド・ワンダーズ ジュネーブは門戸の広さを徹底して、今の隆盛に至っているのです。　“誰でも参加しやすい”という発言は、ブランドだけではなく、来場者にも向けられています。従来はバイヤー、ジャーナリスト、一部の上位顧客だけに門戸が開かれていたのですが、現在はそうではありません。今年の会場では、25歳以下の来場者向け無料プログラム、学生のためのウォッチメイキング体験、市内では子ども向け教育プロジェクトまで実施されていました。「時計の世界を“発見”してほしい。それが未来の時計文化を育てる第一歩です」　若い来場者がブースを回り、真剣に腕時計を見つめていました。ユメール氏の言葉が現実の風景として広がっていたのです。　「腕時計は、父から息子へ、母から娘へと受け継がれる文化です。私たちには、それを未来に渡していく責任があるのです」　ラグジュアリーの未来を語るのではなく、文化の継承”宣言”でした。そして、その宣言は、会場で見た新作の傾向と驚くほど重なっていたのです。2026年に浮かび上がったキーワード「ヴィンテージをどう再構築するか」　会場へ戻って取材を再開すると、ユメール氏の言葉がそのままかたちになったような展示が多く見られました。多くのブランドが目指していたのは、派手な複雑機構や最新素材の競争ではなく、過去のデザインを現代の感覚で再構築すること。　古着、ワーク、ミリタリー。若い世代のスタイルと、時計ブランドの歴史的意匠が、自然に結びついていました。その象徴ともいえる4本を紹介していきます。チューダー「モナーク」：70年代エレガンスを現代的にアレンジ　細密に面取りしたケースとブレスレットが特徴で、70年代風の雰囲気を漂わせつつ、腕にのせた瞬間に現代的に見える絶妙なバランス。COSC＋METAS認定ムーブメントの精度と、65時間パワーリザーブの実用性。そして、若い世代でも手が届く価格。　「あえて言えば、ウィークポイントが見つかりません」──取材に対応した日本のマーケティング担当者の言葉にも納得がいきます。　古着のスラックスにも、レザージャケットにも、シルバーアクセサリーの手元にも無理なく馴染みそうです。まさに“今のドレススポーツの理想形”です。自動巻き（Cal.MT5662-2U／COSC＋METAS認定）、スモールセコンド、パワーリザーブ約65時間、ケース径39ミリ、SSケース、100メートル防水。81万6200円（5月より順次発売）オリス「スター エディション（1966）」：ミッドセンチュリーの素朴さを現代の質感で　1966年に初代モデルが発売された時の広告を見ると、今回のモデルが忠実に復刻されていることがわかります。　メンズ腕時計の定番であった35ミリ径の文字盤、プレキシ風防の柔らかい表情、少しアイボリーがかった夜光塗料で光るインデックス。1960年代の素朴さを残しながら、現代の精度で美しく再解釈しています。　ツイードのジャケットを羽織るスタイルとの相性は抜群です。自動巻き、パワーリザーブ約41時間、ケース径35mm、SSケース、50メートル防水。36万3000円（5月発売）レイモンド ウェイル「ミレジム スモールセコンド 」：1930年代の正統派を誠実に再現　“ヴィンテージ風”ではなく、本気で1930年代のクラシックをそのまま現代に持ってきたような誠実な一本。40ミリを下回る使いやすいケースサイズ、整然としたセクターダイヤル、SW261系のCal.RW4251らしい端正な文字盤デザイン。　バブアーのブルゾンにも、レザーシューズにも、古着コーデにも。若い世代の“程よくクラシック”というニーズを満たしてくれる腕時計です。自動巻き（Cal.RW4251／SW261系）、パワーリザーブ約41時間、ケース径39.5ミリ、SSケース、50メートル防水。37万4000円。パネライ「ルミノール」：ツールウォッチの力強さと洗練のバランス　1960年代ツールウォッチの荒削りな魅力を残しながら、ケースラインを直線的でミニマルに再構成した最新のルミノール。192時間というロングパワーリザーブのムーブメントを搭載しているから、一週間以上も止まることなく着用できます。　ミリタリージャケットやカーゴパンツと合わせると、“武骨なのに上品”なスタイルに。若い世代が求める絶妙なニュアンスを感じさせます。手巻き（Cal.P.5000）、パワーリザーブ約192時間、ケース径44ミリ、ブルニートスティール、300メートル防水。168万3000円（6月発売予定）ヤマモトの見立て会場写真©2026 Watches and Wonders Geneva Foundation※腕時計は未入荷や売り切れの場合もあります。また、為替レートなどの影響で価格が改訂されることがあります。

腕時計は若い世代に響いているのか？ 現地で掴んだ新潮流──「ウォッチズ＆ワンダーズ」取材記 vol.3

一目で分かる有名ブランドのクリエイティブディレクター年表【随時更新】

本格的な防水機能は、100年前にロレックスがつくった　会場でもっとも多くの来場者を集めていたブランドがロレックスです。ブースの中央には、巨大なオイスターケースのインスタレーション。壁面には、歴代のアイコニックなアーカイヴ。今年の中心テーマが何かということが、ブースに足を踏み入れた瞬間に分かります。　1926年に生まれた「オイスター」は、世界初の本格防水腕時計です。ねじ込み式リューズと密閉ケースにより、腕時計は“慎重に扱う装飾品”から“日常に寄り添う道具”へと変わりました。　ロレックスが拓いたこの技術は、腕時計が「生活の中で時間を使う」文化へと進化する原点となったのです。　その100周年を記念して発表された新作は、単なる復刻ではありません。　クラシックなラウンドケース、端正なバーインデックス、無駄のない3針レイアウト。基本的なデザインはオイスター
パーペチュアルそのものですが、ケースのエッジがこれまで以上にシャープになり、ブレスレットとの一体感も滑らかになりました。文字盤には100周年を記念した特別なモチーフが控えめにあしらわれ、裏蓋から覗くローターにもアニバーサリーイヤーが刻まれています。　派手さはありません。むしろ驚くほど静かなアップデートです。これこそがロレックスらしさと言えるでしょう。大きく変えるのではなく、誰もが知っている完成形を、誰にも気づかれないほどの微細な進化を積み重ねる。その姿勢が、このブランドの強さなのです。　日本からジュネーブを訪れているリテイラーのバイヤーは、「発表前からお客様の問い合わせが多かった」と話します。そうした期待感は、日本に限ったことではありません。欧米でもアジアでも、ロレックスほど認知度の高い腕時計ブランドは他にありません。　いつの時代でも、世界中のどこでも、価値が認められている。これこそが、ロレックスが最強のブランドである証明と言っていいでしょう。自動巻き（Cal.3230）、2万8800振動／時、パワーリザーブ約70時間、ケース径41ミリ、SS×18KYG。100メートル防水。142万8900円（予定価格・今春発売予定）。パテック フィリップが生んだラグジュアリースポーツ腕時計の傑作　腕時計の最高峰とも言われるパテック フィリップの新作取材は、毎年いくぶんかの緊張を伴います。そして、今年はまた違う意味で、取材するプレス陣に静かな熱気がありました。　その理由は、明快。事前に伝わっていた「ノーチラス」誕生50周年の発表です。　1976年、デザイナーのジェラルド・ジェンタが手掛けた「ノーチラス」は、ドレスウォッチが中心だった高級時計の世界に、“ラグジュアリースポーツ”という新しい価値観をもたらしました。舷窓から着想を得た八角形のベゼル、一体型ブレスレット、薄型ケース。そのデザインは半世紀を経ても古びることなく、むしろ普遍性を増しています。　パテック フィリップ社長ティエリー・スターン氏も、「20歳のとき、最初のパテック フィリップとしてノーチラスを選んだ」と語っています。まさに、世代を超えて価値観を受け継いでいく腕時計なのです。　今回の50周年モデルのデザインも、従来からの「ノーチラス」を踏襲しています。ケースのフォルム、文字盤の横ストライプ、スポーティさと滑らかさが両立したブレスレット。　しかし、実機を手にした瞬間、違いがはっきりと分かります。ケースのポリッシュはさらに滑らかに、エッジは一段と凛とし、文字盤の光の反射は深みを増しました。ブレスレットの仕上げも細部まで磨き込まれ、全体の完成度が一段上の次元に達しています。　“何も変えていないようで、すべてが進化している”。パテック フィリップが周年モデルで示したのは、新しさではなく完成度でした。　数年前、ジュネーブ市内にあるパテック フィリップのミュージアムを訪れたことがあります。約2500点ものアーカイヴが展示されているのを見て、「腕時計の歴史は、パテック フィリップが作ってきたといっても過言ではない」と感じたのを思い出します。　50周年を記念して作られた今年のノーチラスは、次の50年の基準となるでしょう。自動巻き（Cal.240）、2万1600振動／時、パワーリザーブ約48時間、ケース径41ミリ（10-4時位置）、18KWG。30メートル防水。1526万円。世界限定2000本。ヤマモトの見立て会場写真©2026 Watches and Wonders Geneva Foundation※腕時計は未入荷や売り切れの場合もあります。また、為替レートなどの影響で価格が改訂されることがあります。

二大巨頭ブランドの周年モデルが大きな話題に──ウォッチズ＆ワンダーズ取材記 vol.2

映画の空気感をファッションに翻訳する　ダイリクは毎シーズン、映画をテーマにコレクションを製作する。題材に選ばれる作品は誰もが知る名作から、映画好きが頷くコアな作品まで幅広い。そのセレクトからは、デザイナー 岡本の映画愛が透けて見えてくる。2022年春夏コレクションのテーマは、1989年のカンヌ映画祭で発表された一本だった。　コレクションタイトルは「Boy meets Girl」。インスピレーションとなった映画は、ジム・ジャームッシュ監督による「ミステリー・トレイン」。アメリカ南部のメンフィスを舞台にしたオムニバス形式の作品で、3つの物語が同じ一夜に重なり合う。永瀬正敏と工藤夕貴が出演したことでも話題を呼んだ映画だ。　第1話「FAR FROM YOKOHAMA」は日本からやって来たロック好きの若いカップル。第2話「A GHOST」は夫を亡くし、ローマから来た女性と、別れた彼氏がエルヴィス・プレスリーに似ていると語る女性の出会い。そして第3話「LOST IN SPACE」では、地元の若者3人が酒と騒動に翻弄される。異なる3つの物語は交差しないまま、同じホテルに泊まることで緩やかにつながっていく。　映画をテーマにしたコレクションといえば、登場人物のファッションを連想させるルックが定番だ。実際、2022年春夏コレクションにも、永瀬が演じたジュンと工藤が演じたミツコを思わせるルックが登場した。冒頭の電車シーンをなぞるかのように、二人が抱える赤いスーツケースまで再現してみせた心憎い演出である。　ただ、ダイリクはそれだけに留まらない。むしろこのコレクションが伝えていたのは、映画全体に漂う「奇妙なズレ」そのものをカジュアルな服に落とし込む姿勢だった。　第1話の冒頭からそれは始まった。ミツコはメンフィス到着までの日数をジュンに尋ねる。ジュンは2日と答えるが、すぐに列車は到着し、ジュンは「ほら、2日早く着いた」と言い放つ。　到着後、ミツコとジュンは2つの場所に寄りたかった。一つは、プレスリーの邸宅があったグレースランド。もう一つは、カール・パーキンスが曲を収録したサン・スタジオ。2人はグレースランドを目指して歩き始めた。しかし、到着したのはなぜかサン・スタジオだ。　この感覚でルックを眺めると、生地やシルエットと映画の「ざらつき」が重なって見えてくる。　上下を揃えたブラックデニムルックは上半身を見ると、デニムジャケットの下に鮮やかなグリーンのスカジャンが覗く。スタイルの主役をはれるアイテム＝スカジャンを、あえて隠す。マルチカラーのニットは、ボーダーの規則性から逸脱し、記号のように散らばる。緩やかなシルエットと相まって、配色の奔放さが際立って見える。　スカジャンを主役に据えたルックもある。一着で十分な強度を持つはずのアイテムだが、それを覆い隠すように重ね着を施す。このねじれはボトムスにも引き継がれている。　ボンテージパンツを穿いたモデルたち。膝をベルトで繋ぐパンクの象徴的パンツにおいて、腰回りを大きな布のフラップで覆うことは珍しくない。ダイリクのモデルたちも、パンク伝統のディテールを装着しているように見える。しかし、よく観察するとフロントを覆っているのはプリーツスカートに似た形状で、スコットランド伝統のキルトスカートを想起させる。　反逆の象徴として古い格式が混ざる。その矛盾にまた「ズレ」が生まれる。　「ミステリー・トレイン」の中にも、こうした不可思議なレイヤードは現れる。ミツコとジュンが泊まった寂れたホテル。ミツコは楽しそうにしていても、ジュンはいつも無表情だった。そんなジュンを、ミツコは本当に面白くない人と言う。会話から浮かんできたのは、なぜ二人は一緒にいるのだろうという疑問。しかし、その日の夜にミツコとジュンはベッドの上で身体を「重ねる」。　翌朝、出発の準備を始めるミツコはタンクトップを二枚、その上に半袖のTシャツを三枚、最後にライダースジャケットを「重ねる」。薄手のトップスとは言え、過剰な重ね着そのものが、映画に宿るユーモアの象徴だった。　映画全体には、深刻さと緩さが同居する不思議なリズムが流れている。第3話「LOST IN SPACE」では銃声が響くが、それでも緊張はすぐに緩和され、観客の口元に笑みが浮かぶ。深刻さと笑いが同居する「サイレントなユーモア」が、作品全体を貫いている。　このリズムはコレクションにも引き継がれる。きちんと整えたワークウェアのセットアップが、凛々しさを遠ざける。黒いネクタイを締めても、重々しさには向かわない。ダイリクのジャケットはスウェットのように軽やかで、着る者の身体を自由にする。だからこそ、ダイリクを着た者は縛られない。エレベーターの床に崩れ落ち、怠惰に休むことも選択肢になる。　ダイリクは映画をテーマにコレクションを製作するが、それは映画の一場面を再現することではない。映画に残る余韻、肌に感じるざらつきを、ファッションに翻訳する。テーラードジャケットという、伝統のアイコンもサイレントなユーモアに引き込む。2022年春夏コレクションは、ダイリクと映画の関係性を表す一例である。"How old am I?"──数奇な時間を服に映す　白内障で目が見えず、聴力も定かではない。生まれた時すでに八十代を迎えていた赤ん坊は、年齢を重ねるごとに若返っていく。人間の通常の成長とは逆に時間を遡る男性の一生を描いた映画「ベンジャミン・バトン 数奇な人生」が、2026年春夏コレクションのインスピレーション源だった。コレクションタイトルは “How old am I?”。　原作は20世紀アメリカ文学を代表する作家、F・スコット・フィッツジェラルド（Francis Scott Fitzgerald）の短編小説。映画は、死が近づく女性が入院する一室から始まる。冷たい光が灯す病室で、彼女のそばにいるのは娘。母に促されて一冊のノートを読み上げると、そこには秘められた過去が綴られていた。やがてブラッド・ピット（Brad Pitt）演じるベンジャミン・バトンの数奇な人生が浮かび上がってくる。　今回のコレクションに、登場人物の衣装をなぞるようなルックは見られない。そこにあるのは、ダイリクがこれまでも示してきた、歳月を経た柔らかさをまとうカジュアルウェアだ。色落ちしたデニムや不完全さを残すジャケットに、映画のモチーフがにじむ。　映画の中で象徴的な存在となるのが「ボタン」。シャツやコートの前端を留める日常的な服飾資材が、ここでは運命を示す符号として立ち上がる。ダイリクはボタンをデニムシャツに散りばめた。花とも雪とも見えるように配されたボタンは、本来の役割を失い、装飾としてのみそこに存在する。その佇まいは、幼少時に同年代と同じ時間を共有できなかったベンジャミンの孤独な記憶を映しているようだ。　黒い生地で仕立てられたスーツやオーバーオールには、しつけ糸が走る。本来なら取り除かれるはずの白い糸が、毛羽立ちを残したままアクセントとなっている。これらは映画で育ての母 クイニーがベンジャミンに伝えた「自分の道は自分で選ぶ」という言葉と重なる。役割を終えた糸にも価値を見出す。不要とされるものに新しい意味を与える。ダイリクの服は、何が価値と意味を持つのかを、自身の手で選び取っていく。　ベンジャミンには幼馴染の少女がいた。ケイト・ブランシェット（Cate Blanchett）演じるデイジーである。年齢差は6歳。外見は実際の年齢差以上の隔たりがありながら、二人の心の距離はとても近かった。だが、成長とともに環境も周囲の人も変わり、行き違いは避けられない。届くはずの想いが届かなくなる。　ベンジャミンとデイジーが結ばれたのは、彼が最も「普通の大人」に見える四十代。年齢と身体が釣り合ったわずかな時間だった。幸せな日々。子どもも生まれる。しかしベンジャミンは悟る。若返っていく自分には父親でいる資格がない、と。　生成りと黒のロングスリーブニットには数多くのボタンが縫い付けられ、服のフォルムそのものを形作っていた。ボタンに引っかかるような編み地は緩みを生み、隙間から肌が覗く。人間の本心は見えるようで見えない。その不完全さがかえって服を生きたものにしていた。　老人として産まれた幼少期は苦しくとも、歳を重ねるごとに若返るのは利点があるようにも感じる。しかし、愛する人と同じ時間を過ごせない悲しみが物語を覆う。待っているのは赤ん坊へと戻る自分。外見は十代でも認知症に蝕まれ、赤ん坊に戻り、最後は言葉を交わすことができない。　花柄が浮かぶジャケットは、膨らみのあるフォルムで身体を包み込む。ハイソックスにショーツ、頭にはスカーフ。少年と少女が同居する姿のようだった。フェミニンな要素が重なりながらも、漂うのは儚さと寂寥感。映画の本質を最も強く物語るルックは、この花柄ジャケットかもしれない。　2時間40分に及ぶ映画は、波はあれど静かな余韻を残す作品だった。老いから始まり、若返りを経て、最後は幼さに還る。切ない痛みが襲い、切ない痛みで終わる。決して幸せとは言えないエンディング。だからこそ、観賞を終えても心が静かに揺れ続けるのだろう。詩的な筆致で描かれた男性の一生は、まさに文学。「グレート・ギャツビー」を書いたフィッツジェラルドの才能が迸る作品だ。　2026年春夏コレクションもまた、色や素材にノスタルジーを漂わせ、全体に静けさを宿す。色落ちしたジーンズはグランジの粗さではなく、大切な時間を刻んだヴィンテージのように見える。ダイリクは登場人物のファッションを再現するのではなく、映画の物語と空気を、そして何より時間そのものを服へと翻訳している。　物語は、映像や言葉だけでなく、服にも宿る。スクリーンの外に持ち出された物語は、袖や裾の揺れ、色や素材の擦れと汚れに紛れ込み、日常のなかで静かに作用していく。ダイリクの服を着る時、私たちはただ装うのではなく、時間や感情の残響を身にまとっているのかもしれない。　映画が終われば照明は点き、観客は現実に戻る。しかし、服はその余韻を閉じ込めたまま、日常に滑り込む。夢を現実に繋ぎとめる小さな仕掛けとして。「物語を着る」とは、作中の人物を真似ることではない。そこに流れていた空気。語られた言葉。秘められた感情。それらを、服を通してもう一度立ち上げることだ。ダイリクは、そうした「見えない物語」を可視化するブランドである。

DAIRIKU

スクリーンの外の物語　ダイリクは映画をファッションに翻訳する

はじめにとはいえ、最初におことわりしておきたいのだが、私はまだまだAI関係に疎く、その詳細を把握しているとは言い難い。しかしながら、そんな私のような人間でも感じる「変化」ならば、なおさら根本的なものかもしれないという逆説によって、これからの文章は記されてゆくことを前提にしてもらえればうれしい。勘違いや、補足すべきことあれば、皆さんの今後の思考や議論のテーマとして深めていただきたいと考えているので、そのあたりまずは「ご容赦を」とお伝えしておきたい。時代とともに変化するコム デ ギャルソンと「黒」の関係 さて、ここから本題に入るが、連載の最初に取り上げたいのは「コム デ ギャルソン（COMME des GARÇONS）」である。　久しぶりに、ほとんど「黒」のショーが登場した。オブジェのような造形はいつもより優しい印象の丸みを帯び、柔らかな黒のジョーゼットがそれを覆っている。「ヒヅメ（HIZUME）」とのコラボレーションによる黒のカチューシャが美しく羽を伸ばし、足元も厚底ブーツの黒で締め、全身「黒の純粋なシルエット」が描かれた。それは、完全に抽象的でありながら、どこか「古典的」な香りが漂うロマンティシズムも感じさせるものだった。　ショー後のバックステージでお会いした川久保玲さん自身が語られた、今回のコレクションについてのコメントは以下の言葉だった。やはり、最後に残ったのは黒ということです。それがいちばん強い　黒いサングラスをかけていた川久保さんの表情はうまく読み取れなかったが、その話ぶりも含めて、どことなく穏やかで、落ち着いた印象を私は感じた。「コム
デ ギャルソンの色」と誰もが認める黒をあらためてテーマにした挑戦には、静かな覚悟のような重みが込められているように思われたのだ。コム デ ギャルソンが、1981年にパリでの初コレクションを発表してから、今年で45年になる。　まずはここで、45年の時間の流れを遡って、コム デ ギャルソンと黒の歴史を少し振り返ってみることにしよう。　80年代の初頭、コム デ ギャルソンは同時期にパリに進出したヨウジヤマモト(当時のブランド名はY’s）とともに、海外メディアから「黒の衝撃」と呼ばれて、ファッション界を揺るがすセンセーショナルな存在感を強く刻んだ。当時その「衝撃」は、西洋的美意識に反抗する姿勢と捉えられ、賛否両論を巻き起こしたわけだが、結果としてその後のモード界では、黒は最もクールな色となり、トレンドをリードしていくことになる。　しかしそんななか、コム デ ギャルソンは、1988年秋冬シーズンに「Red is Black」と銘打ったコレクションを発表する。文字通り、それまでと打って変わって赤を基調にしたクリエイションで、「コム デ ギャルソン＝黒」という既成イメージを覆したのだ（「Red is Black」のコレクション写真が本年度のDMにも掲載されている）。それは、もはや誰でもが気軽に選ぶトレンドと化した黒に決別する意志表示であったのだろう。「わかりやすいものはコム
デ
ギャルソンではない」という川久保さんの精神が、このとき黒をあえて“相対的な価値”として扱ってみせたのだ。　かつてのあるインタビューでは、「なぜ黒が好きなのか」と問われた際に、「色は手段であり、テーマではない」と川久保さんは語っていた。それは、川久保さんがしばしば言及する「方法論（切り口）」と「テーマ」の関係を反映しており、色が方法論であるならば特定の絶対的価値をもつものではなく、「赤は黒と同じ（Red is Black）」という論につながる。ただし、最も重要なポイントは、選択した色がそのとき「自分（川久保さん）にとって強いかどうか」という問いである。「好きか嫌いか」は別の次元の話なのだ。　その後、90年代にはコム デ ギャルソンのコレクションにも比較的、黒以外のさまざまな色や柄が現れることが多くなる。「常に新しいクリエイションを目指す」ことが、会社でありブランドであるコム デ ギャルソンの不変の価値観であり、色はそのなかでのひとつの選択肢として機能することになる。だが、かといって黒が消えたわけではなく、やはりブランドの根幹をなす色であることに変わりはなかったといえよう（コム デ ギャルソン社にはショーで発表されるライン以外、さまざまなブランドが存在することも大きいだろう）。　コム デ ギャルソンの長い歴史の中で、「黒」をキーワードに盛り込んだコレクションが、次に登場するのは2000年代に入ってからだった。2009年春夏の「Tomorrow’s
Black」、つまり「明日の黒」だ。さまざまな素材の黒（ハードな人工レザーから透ける素材、光沢やマットな質感など）を使い、幾何学的パターンの組み合わせや構築的シルエットの実験、密集した装飾性など、現在でも散見される「黒の可能性」が探求されている。　その後、コロナ禍の東京で発表された2022年秋冬コレクションでは、「Black Rose」がテーマとなり、「私にとっての黒い薔薇のダークな美しさは、勇気、抵抗、そして自由を意味します」という川久保さんのステイトメントが伝えられた。パンデミックによって2020年秋冬から4シーズン、パリでのショー開催が中断された時期、コム デ ギャルソンも困難な状況の中、「原点」に戻るような試行錯誤が行われた、という印象を私は抱いていた。黒の薔薇に託された「勇気、抵抗、自由」は、川久保さんが最も大切にする価値観である。そのときの世界の動きに目を向けると、2022年秋冬のショーの数日前、2月24日にロシアによるウクライナ侵攻が始まっていた。「結局、最後に残るのは黒。究極的に、黒」　実は、川久保さんは、前述とは別の時期のインタビューでは「黒は最も好きな色」という発言もしている。つまり、ときには「好きなもの」から距離をおくことも方法論となり、また反対に戻ることもある。その振り幅のなかにクリエイションの「強さ」が生まれることこそが最も重要なのだ、という姿勢が長年のクリエイションの過程からも見えてくる。　言葉でコレクションを語ることを好まないコム デ ギャルソンではあるが、主に海外の限られたジャーナリストやメディアにはショーについてのステイトメントが英語の短いショーノート（テキスト）で伝えられることがあり、今回のそれは以下のような内容（日本語訳）だった。結局、最後に残るのは黒なのです。究極的に、黒。いろいろやってきましたが、最後は黒が私の色だという結論に至りました。とにかく、黒が最も強く、クリエーションに最も向いていて、反骨精神を体現する色なのです。そして、そのいちばん大きな意味は宇宙、そしてブラックホールです。　私は、ショーの数日後にヴァンドーム広場にあるコム デ ギャルソン パリ本社の展示会に訪れたとき、PR担当者から「Ultimately Black」というキーワードを再び聞き、「Ultimate」という形容詞ではなく、副詞が使われていたことに関心を抱いた。「究極の黒」という名詞表現ではなく、「究極的には、黒」という動的表現に意味があるように感じられたからだ。川久保さんは「究極の黒」を発見したのではなく、長年をかけて黒が内包するさまざまな可能性に行きついた、その流れとそれが意味することを表現したかったのではないだろうか。　黒は、多義的で、純粋な構造を最もよく表し、川久保さんの精神を貫く「反骨精神」を伝える強さをもつ。多くの人が、今回の「結論」に頷くことだろう。　そして、もうひとつ見逃せないのがステイトメントの最後に添えられた「ブラックホール」という言葉だ。１月に発表された　「コム デ ギャルソン オム
プリュス（COMME des GARÇONS HOMME PLUS）」のテーマも「ブラックホール」だった。その発表の際は、そこ（ブラックホール）から抜け出すべきものとしてのメッセージが込められており、昨今の混沌とした世界情勢や戦争の悲惨さの隠喩と受け取ることができた。しかし、今回のそれは少し趣が違い、ブラックホールが、どこか可能性を秘めたものとしての印象に変わっている。　近年では、天体の崩壊からブラックホールが生まれたとしても、崩壊しつつある物質の塊が高密度状態になった後、外側に跳ね返り新たな膨張状態に入る、という新説も生まれているという。川久保さんは、その宇宙エネルギーの継続的サイクルとしてのブラックホールをあらためて想起し、それをクリエイションとして黒に重ねたのではないか、とも想像が膨らんでゆくのだ。──後編に続く。

第1回「コム デ ギャルソン」はなぜ「黒」に戻るのか？（前編）

　そんな熱気のなか個人的にもっとも印象に残ったことを、まず申し上げましょう。「ジュエラーたちは、いまメンズウォッチに本気です！」　一般的に、腕時計専業ブランドはメンズの売上比率が高く、レディースの売り上げは苦戦しています。一方で、ジュエラーでもあるブランドはレディース腕時計の売上比率が高く、メンズの売り上げに課題を抱えています。そうした背景を考えると、多くのジュエラーが、これまで以上にメンズウォッチに力を入れてきたことは、当然の流れであると言ってもいいでしょう。14年ぶりに帰ってきたカルティエの「ロードスター」　今年もっとも大きな注目を集めたのは、「カルティエ（Cartier）」の「ロードスター」の復活でした。2002年に誕生し、近年はコレクションから姿を消していたロードスター。その独特なトノーケースと、自動車のスピードメーターを思わせるダイヤルデザインは、一部のコレクターの間では“カルティエの隠れた名作”として語られてきました。そして2026年、そのロードスターが帰ってきたのです。　現地で実機を見た第一印象は、「懐かしさ」ではなく、「今っぽさ」でした。ラージモデルは47.2×38.7ミリ、ミディアムモデルは42.5×34.9ミリ。防水性能は10気圧。数字だけ見れば決して小さい時計ではありません。ただ実際に腕に載せてみると、不思議なほど収まりがいいのです。理由はブレスレットにあります。新型「ロードスター」はブレスレットのリンク構造を一新して可動域が増えたことで、かつての“少しゴツいカルティエ”から、“かなり着けやすいカルティエ”へと進化していました。また、クイックスイッチシステムを採用したことで、ブレスレットからストラップベルトへの交換も簡単です。　実は、1904年に3代目ルイ・カルティエが飛行家サントス・デュモンのために作ったものが、世界初の男性用腕時計であると言われています。それを思い起こすと、カルティエは120年以上も前からメンズウォッチに本気だったのです。　「ロードスター」の復刻は、カルティエというブランドの再定義であると感じました。自動巻き（Cal.1899
MC）、パワーリザーブ約39時間、ケースサイズ42.5×34.9ミリ、SS。100メートル防水。154万4400円（予定価格・10月発売予定）。ブルガリが“薄さ”より“装着感”を選んだ日　今年、個人的にもっとも戦略的だと感じたのが「ブルガリ（BVLGARI）」です。　「オクト フィニッシモ」が、ついに37ミリ径になりました。“ついに”と書いたのには、理由があります。「オクト フィニッシモ」は、ブルガリの高い技術力によって、史上最薄の記録を何度も打ち立ててきました。イタリアのブランドらしい建築を思わせるケースデザインで、ラグジュアリースポーツウォッチに“美しさ”という概念を持ち込んだのです。　一方で、40ミリ径というサイズについては、「カッコいいけど大きい」という指摘も少なくありませんでした。そういった男性の声に、ブルガリは真正面から応えたのです。新しい37ミリ径「オクト フィニッシモ」の厚さは6.45ミリ。従来の40ミリ径モデルの厚さが5.15ミリだったのと比較すると、1.3ミリ厚くなっています。それでも、6.45ミリという厚さは、イタリア語で「極上」もしくは「極薄」を意味する「フィニッシモ」のモデル名に相応しいエレガントさをキープしています。　搭載したムーブメントは、新たに開発されたCal.BVF100。ここで重要なのは、“小さくした”ことではありません。わざわざ“新しいムーブメントを作って、小さくした”ことです。単なるバリエーション追加ではなく、ブランドの意思表示だと言っていいでしょう。　長く続いた“デカ厚”高級腕時計のブームは一段落して、ここ数年は、36～40ミリ程度のケース径を持つ腕時計が「ビジネスで使うことを考えるとリアル」だと言われています。“薄さ”という価値の頂点を追求してきたブルガリが、“小ぶりで薄い”新作を投じたとなると、腕時計のサイズはまた価値観が変わり始めているのです。自動巻き（Cal.BVF100）、パワーリザーブ約72時間、ケース径37ミリ、チタン。30メートル防水。価格262万9000円ヴァン クリーフ&アーペル “男性を魅せる物語”　今年、もっとも意外性を感じさせたのが「ヴァン クリーフ＆アーペル（Van Cleef & Arpels）」でした。これまではレディースのジュエリーウォッチやポエティック コンプリケーション（詩的な複雑時計）の印象が強かったこのメゾンが、“男性が欲しくなる複雑時計”を本気で作ってきたのです。　新作「ミッドナイト ジュール ニュイ ファーズ ドゥ リュンヌ ウォッチ」は、いまこの時の空にある月の形を表示します。こうしたムーンフェイズ機能は、すでに1929年、ヴァン クリーフ＆アーペルの歴史に登場していました。複雑機構でありながら、どこか静かで詩的な時計作りは、このころから始まっていたのです。　派手さで勝負するのではなく、知っている人だけが分かる美しさと存在感。近年の高級時計市場では、どうしてもスペック競争や希少性が話題になりがちですが、ヴァン
クリーフ＆アーペルは、“物語性”を商品価値に変えてきた先駆者であると感じます。自動巻き、パワーリザーブ約36時間、ケース径42ミリ、18Kホワイトゴールド。30メートル防水。価格2574万円（予定価格・6月発売予定）。ピアジェが思い出させた、“スポーツウォッチの品格”　「ピアジェ（PIAGET）」は、ジュエラーでありマニュファクチュールでもある実力者。「ピアジェ ポロ」という腕時計は、1979年に誕生したメンズウォッチです。「ポロ」という名前を持つとおり、ラグジュアリースポーツというジャンルの一翼を担ってきました。　新モデル「ピアジェ ポロ シグネチャー デイト」は、ゴドロン装飾を再解釈した美しいダイヤルを採用した、42ミリと36ミリの2サイズ展開。インターチェンジャブルで簡単に付け換えられるブルーのラバーストラップも付属しています。いずれのサイズも男性が着けられますが、36ミリをパートナーとのシェアウォッチとして使うのもおすすめです。　ジュネーブで数え切れないほどのスポーツウォッチを取材しましたが、その中でピアジェが見せたのは、“スペック”ではなく“品格”でした。大きさより、バランス。派手さより、奥行き。目立つより、長く付き合えること。そんな価値観が、今年のピアジェにはあります。自動巻き（Cal.1110P）、パワーリザーブ約50時間、ケース径42ミリ、SS。100メートル防水。244万2000円（4月発売予定）。※ケース径36ミリモデルはインデックスがダイヤモンド入り。500Ｐ1自社製の自動巻きムーブメントが搭載されて、261万8000円ヤマモトの見立て会場写真©2026 Watches and Wonders Geneva Foundation※腕時計は未入荷や売り切れの場合もあります。また、為替レートなどの影響で価格が改訂されることがあります。

Cartier

カルティエ「ロードスター」復活から見えたメンズウォッチの新潮流──ウォッチズ＆ワンダーズ取材記 vol.1

シャネルが減収減益から復調、バッグ「CHANEL 25」やココクラッシュが好調「シャネル」を運営するシャネル・リミテッドが、2025年12月期の通期連結業績を発表した。主要なすべてのビジネス活動がプラスに推移し、売上高は報告ベースで前期比3.0%増の192億6900万ドル（約3兆830億円）を計上。営業利益は同5.2%増の47億1200万ドル（約7500億円）を記録した一方で、税引後利益は有効税率の上昇などが影響し、同14.3%減の29億1300万ドル（約4700億円）で着地した。＞＞元記事を読むバーバリーが黒字転換　スカーフとアウターがけん引、168億円のコスト削減「バーバリー」を運営するバーバリー・グループ（Burberry Group plc、以下、バーバリー）が、2026年3月期のグループ連結業績を発表した。売上高は報告ベースで前年比2％減の24億ポンド（約5100億円）となった。前期は約7500万ポンド（約158億円）の純損失で、2009年3月期から16期ぶりの赤字転落となったが、今期の純利益は2100万ポンド（約44億円）を計上し、2年ぶりの黒字転換を果たした。＞＞元記事を読むデニム老舗「リー」が最大10億ドルで売却へ　ABGが取得「ラングラー」や「ヘリーハンセン」などを擁する米国のアパレル企業コントゥール・ブランズが、傘下の老舗デニムブランド「リー」を米国のブランド管理会社オーセンティック・ブランズ・グループに売却すると発表した。取引総額は最大10億ドル（約1590億円）。当初対価としての7億5000万ドル（約1192億円）に加え、業績に応じて対価の一部を後払いする「アーンアウト」分が最大2億5000万ドル（約397億円）に上る見込み。取引は今年後半に完了する予定だ。＞＞元記事を読む森ビルが15年ぶりにトップ交代　現社長の辻󠄀󠄀慎吾氏は代表権を持たない会長に六本木ヒルズや表参道ヒルズを運営する森ビルが、2011年以来15年ぶりに社長を交代する。新社長として、現取締役常務執行役員の向後康弘氏が就任する予定で、現社長の辻󠄀󠄀慎吾氏は代表権を持たない会長に就く。＞＞元記事を読む父親を殺害か、「MANGO」創業者の転落死で息子を逮捕スペイン発のファストファッションブランド「マンゴ」の創業者イサック・アンディック氏が2024年に転落死した事案を巡り、実の息子で同社取締役会副会長を務めるジョナサン・アンディック容疑者が逮捕されたことが分かった。複数の海外メディアが報じた。＞＞元記事を読むギャップ、バナナ・リパブリックの社長兼CEOにドナルド・コーラー氏を任命　7月就任ギャップ社が、「バナナ・リパブリック」の社長兼CEOにドナルド・コーラー氏を任命した。7月に同職に就任する。同氏はキャリアの初期にギャップ社で10年以上にわたり経験を積んだ人物。今回の就任を機に同社に復帰することになる。＞＞元記事を読む年数十万トンの廃棄衣類を宝の山に　リサイクル資材ブランド「CX アパレル」始動繊維製品のリサイクル事業を手掛けるエコログ・リサイクリング・ジャパンが、衣類由来の再生樹脂から作る生地・副資材ブランド「シーエックスアパレル」を始動した。表地や裏地から、ボタン、ファスナー、芯地まで、一着の服を構成する資材を一体的に提案することで、回収性の高い循環型の服作りの普及を目指す。＞＞元記事を読む映画ワイルド・スピードから軽トラまで　世界が熱狂する“JDM”【令和カーカルチャー③】“JDM”と呼ばれる日本車が、近年世界中の車好きから熱視線を集めている。JDMは「Japanese Domestic Market」の略で、本来は日本市場向けに生産された車を指す言葉。現在では、特に1980～90年代の日本のスポーツカーや、その改造を含めたカルチャー全体を指して使われることが多い。かつて日本では“走り屋”のイメージが強かったそれらの車は、映画「ワイルド・スピード」やレースゲームの世界的ヒットにより、今や漫画やアニメに並ぶ日本のクールコンテンツになった。そんな日本独自の車文化を、流暢な日本語で発信しているのがYouTubeチャンネル「スティーブ的視点」のスティーブさんだ。スティーブさんの発信を通し、日本人は逆輸入的にJDMの魅力に気づき、海外の車好きは日本の車文化への興味を深めている。米テキサス州在住のスティーブさんにオンラインで聞いた。＞＞元記事を読む

デニム「リー」10億ドルで売却へ、世界が熱狂する日本車“JDM”…【5分でわかる主要ニュース 5/17〜23】

無骨さと上品さを両立させた「セブン バイ セブン」のレザートートバッグ　“アーカイブに着想を得ながら、ディテールの再構築に終始するだけでなく、その先に隠れる新しい価値観を見つけ出す。フラットな目線で、時に偶然性も許容して”をコンセプトに掲げる「セブン バイ セブン（SEVEN BY SEVEN）」。古着に造詣が深いデザイナーが手掛けるコレクションは、デザインやディテールを再現した単なるサンプリングという粋に留まらず、独自の解釈で現代的にアップデートされた目新しい仕上がりが特徴です。今回はそんなブランドの思想を体現したトートバッグにフォーカス。2024年に登場して以降、継続して展開しているシグネチャーアイテムの一つです。忠実に再現したディテール 　主に1940〜1970年代頃にアメリカやヨーロッパなどで、作業員が工具を運ぶために使用していたツールバッグ。重い荷物の運搬を目的として作られたバッグとして、簡素ながら非常に頑丈な作りが特徴であり、機能とデザインを両立させた完成度の高さとスタイリングに馴染むシンプルな佇まいでヴィンテージ愛好家から注目を集めているアイテムの一つです。そんなツールバッグをサンプリングした「セブン バイ セブン」のトートバッグは、モチーフを忠実に再現したディテールが特徴です。象徴的なデザインである底面に打たれたリベットや短めのハンドル、ツールを引っ掛けるために使用していたサイドのフックなど細部にわたり完全踏襲。デザイナーは「その無骨で王道な佇まいに魅力を感じた」とツールバッグを採用した理由を語り、形を保つための芯や内ポケットあえて省くことで、ヴィンテージのニュアンスを色濃く感じさせ、時代に左右されないクラシックな佇まいを表現しています。古臭さを払拭する上品な素材使い　「古着を選び、それをテキスタイルとして捉えて新しいものを作る。それは料理人が食材を選ぶような感覚に近く、どのように調理するかが重要」とデザイナーは語ります。ツールバッグのディテールを踏襲しながら、ブランドらしくアップデートさせた大きな変更点として挙げられるのが素材使いです。従来は高いオンスのキャンバス地を使用しているのに対し、きめ細かい牛革のスプリットスエードを採用。しなやかな素材で仕立てることで従来のタフで重厚感のあるイメージを払拭し、モチーフとは一線を画す洗練された仕上がりへと昇華しています。　牛革は一般的に銀面と床面に分けられますが、スプリットレザーとは床面を加工して仕上げた素材のことを指します。銀面と比較すると安価ながら遜色ない高級感があり、表面にはポリウレタン樹脂などで加工が施されているため優れた耐久性や耐水性を備え、日常使いするバッグとしてはこれ以上ないほどマッチした素材なのです。従来のキャンバスと同様に経年変化を楽しめ、使い込むことで表情が深まっていくという点では共通しており、この大胆な素材替えが最大の特徴です。シーン問わず使えるシンプルなデザイン　普遍的なデザインがゆえにどんなスタイリングにも馴染みます。ヴィンテージモチーフなのでカジュアルな着こなしにはもちろん、スエードの素材感に合わせた上品なスタイルにも相性抜群です。秋冬のイメージが強いと思われがちなスエードですが比較的起毛感が強くないため、春夏でもすんなり取り入れられ、特にTシャツやサンダルなど軽装になりがちなこれからの季節には、少しの上品さを加えてくれるエッセンスとして重宝するはずです。　ハンドバッグを選ぶ際のポイントとしてよく挙げられるのがハンドルの長さ。肩に掛けられる長さのものを選ぶことが汎用性という意味では一般的かと思いますが、このバッグにおいては先述の通り短めに設計されているため手持ち一択です。一見すると不便そうに思えますが、手持ちならではの無骨なムードを演出し、さらに身長が低い方は肩に掛けるより手持ちの方がバランスよく収まるため使いやすく、この潔さもある種の魅力ではないでしょうか。不便さすらも超え愛用したくなるような魅力が詰まったアイテムをチェックしてみて。◾️「マイスタンダード」バックナンバー・優雅な曲線美に惹かれる「ハトラ」のイヤーカフ・歪さが生む美しさ、「プリーク」のハートリング・植物の恵みを肌で受け取る「ネモハモ」のブースターオイル・色褪せない名作を再構築、「ビューティフルピープル」のバッグ＞＞バックナンバーを見たい方はこちらから

SEVEN BY SEVEN

【マイスタンダード】無骨さと上品さを両立させた「セブン バイ セブン」のレザートートバッグ

パリの学校に通うも表現に飢えてセントマへ　入学準備は自力で──国内外さまざまなファッションスクールがある中で、Onoさんがセントマを目指した理由はなんだったのでしょうか？　僕は広島県出身で、東京への憧れが漠然とあったことから最初は文化服装学院を目指していました。でも、色々とリサーチする中で、技術とデザインの両方のスキルを磨きたいと思うようになり、海外にも目を向けたんです。そこで高校卒業後に、まず通ったのがパリの専門学校でした。留学制度や家賃補助を活用したら、東京で一人暮らしするよりも安く抑えられて。でも実際に通い始めたら、カリキュラムのメインは縫製の仕方やパターンの引き方で、望んでいたデザインを学ぶのは難しかった。むしろデザインに関しては保守的というか。それで思い切って中退したんです。そこから、セントマに挑戦することを決めました。──セントマは“学部準備”的な立ち位置のファウンデーションコースでまずは基礎を学び、その後にBAに入学するのが通例です。入学時の準備や、学部専攻はどのように進めましたか？　完全に独学でしたね。ファウンデーションコースもいくつか専攻が分かれているのですが、僕はファッションではなく、ファインアートを選びました。パリの学校でデザインを発表する場が少なく、表現に飢えていたんですよね。ただ、最終的にファッションデザインで大学に入学するなら、ファウンデーションコースでも同じ学科にするのが暗黙の了解だった。それを知らずにファインアートを選択したので、BAにファッションデザイン専攻で進学する際の受験勉強も自力でするしかなくて。友人や知人、進学した人のスケッチブックやポートフォリオを分析して、自分なりにポートフォリオを制作しました。──実際に入学してみて、デザインを学ぶという観点でセントマはどうでしたか？　僕の感覚で率直に言うと、教育面においては100％満足がいくものではなかったです。ファッションデザインに関するカリキュラムが充実しているというより、個人の努力に委ねられている部分が大きかった。ファウンデーションコースの時から、授業に通うよりもポートフォリオ制作に時間を充てたいと思うようになりました。BAは違うかもしれないと思い進学しましたが、そこでもやはり成果を出すために、個人プレーの比重が大きいなと感じました。──そうした実体験が、「ファッション教育」への興味に繋がったと。　そうですね。時系列が少し前後しますが、ファインアートのファウンデーションコースからファッションデザインのBAを受験して受かったものの、実は一度入学を辞退したんです。授業から「ファッションを学ぶ」ことが少ないなら、このままストレートで進学するよりも、別の形で土台を固めてから改めて入学したらいいんじゃないかと考えて。その方が、セントマのネームバリューを活かしながら、在学中から活動を始められるんじゃないかと思ったんです。そこから「ファッション教育ってなんだろう」と深く興味を持つようになり、他の教育スタイルも知りたくなって「ここのがっこう（coconogacco）」に入学しました。──「ここのがっこう」もセントマの教育方針を受け継いでいるところはありそうですが、Onoさんはどのように感じましたか？　大枠ではセントマと同じく、思考力や課題解決力を意識的に高めようという人が着実に成長していくように感じました。逆に言うと、打開策を自力で見つけられないと、入学時から思うようにレベルが上がらずにもどかしさが募ってしまう。実際にそう言って卒業する友人もいました。経験則からセントマ受験をサポートする活動を開始──それから、現在行っている私塾のような活動を始めるに至ったんですね。　自分自身もそうだし、学校を辞めてしまった友人たちの声を聞くうちに、おこがましいかもしれませんが、大きな学校という形ではなく僕個人でも、なにか日本のファッション教育に役に立てることがあるんじゃないかと考えるようになりました。　最初はセントマ志望の友人に対してトライアル的に教えてみたら、実際に受かる人が毎年増えていった。自力で学んだ方法でしたが、意外にも他の人に応用できるんだなと思い、2024年から本格的にセントマ受験生のサポートプログラムを行っています。──具体的には、どのようなポイントを重点的に教えているのでしょうか？　セントマは服飾の学校というより芸術大学なので、ファッションだけではなく美的感覚、つまりセンスを磨くことに注力しています。自分の体験に基づいたプロセスなのですが、ファインアートや芸術分野の表現方法を理解した上で、その視点やテクニックをファッションデザインに逆輸入する方法を伝えています。服飾の技術ベースではなく、「表現全般」においての高いレベルとは何かを基礎としてファッションデザインに取り組むと、格段にクリエイティブの質が変わってくるというのが、実体験としてあったからです。ドローイング、コラージュ、イラストレーション、マテリアルの扱い方など具体的に造形や余白にアプローチする方法は、美術においては基礎かもしれませんが、ファッションで学ぶ機会は驚くほど少ないんです。──個人的に、センスの醸成は生育環境や人生の経験も影響しているように思います。例えば、幼少期から親の影響で音楽やアート、ファッション雑誌に囲まれている環境で育ったら、必然的にセンスも磨かれるというか。だからこそ、ある程度の人格や素養が固まる思春期を過ぎてから、改めてセンスを高めるのは簡単なことではないと思うのですが。　おっしゃる通り、幼少期から芸術や教養に触れて成長した人はセンスを磨くという意味で有利だとは思います。でも、センスを磨くにも、ある程度のロジックがあるというのが僕の経験則です。受験勉強の1年ほどでセンスを一から習得しようとしても、時間が足りませんが、僕の経験談からセンスを磨くための道筋をサポートすれば、ショートカットして実践と習得が蓄積できる。自分の作品だけではなく、他者の作品の良し悪しを見分けられないと、自分のレベルがどこにいるかもわからない。そうした審美眼を養うことに重きを置いています。──韓国では、海外の大学受験に特化したファッションスクールのビジネスが徐々に成長していると聞きました。　韓国は私塾の規模を拡大していると聞きますね。ただ、話を聞いた限りでは、ポートフォリオ制作の方法を教えるのがメインだそうなので、入学後のスキルの下支えになっているかというと、充分ではないのかもしれません。資金に余裕のある人は大規模なスクールに、そうではない人は私塾を受けている印象です。現在、僕はセントマ受験に特化したマンツーマンのプログラムを主に行っていますが、今後はそのプログラムで培ったノウハウを生かして、ファッションデザインの実力を伸ばしたい方に向けたクラスもやっていきたいと考えています。試練はスキルアップのクエスト──BA在学時はどうでしたか？　実際に通ってみると、在学中に制作を辞めてしまう人が多くて驚きました。他の芸術大学でも似たような現象はあるのかもしれませんが、倍率が高い受験を乗り越えて、いざ入学してみると、上には上がいることに気がついて、自分の制作物にコンプレックスを感じてしまうことがあります。作品が完成しても、周りにもっとすごい人がいて圧倒されてしまうというか。そういう環境なので、授業の自由度が高い点は楽しくもあった反面、中途半端な作品に留まってしまう危険もありました。例えば、制作にコンプレックスを抱えたまま、1ヶ月で1着を作るという授業を受けると、結局、納得がいく作品が出来ずに終わってしまうような。　一方で、先ほど話したように個人プレーの資質が高くモチベーションを保てる人は、在学中から自主制作で名前をあげていく。そうした二極化が起きていると感じています。──各々の創造性に委ねられている分、自分が保てないと厳しい世界なんですね。　体感だと、高い熱量をキープしていたのは、クラスの1、2割くらい。徐々に授業に来なくなって、卒業だけする人もそこそこいたと思います。こうした実情を知らずに入学するとギャップを感じるでしょうし、自由度が高い授業内容に対し「思ったより教授が教えてくれない」とネガティブに捉えてしまう。セントマは入学する前も後も、結構スポ根だと思います（笑）。授業を受けて制作するだけでなく、個人で積極的にインプット・アウトプットし続ける必要があります。──ちなみに、セントマ生の皆さんの進路はどういったところが多いのでしょうか。　僕の周りは、自身のブランドを立ち上げるというより、ブランドに就職する人や、ファッションとは関係ない職を目指す人も多かったです。セントマは学内であまり技術的なことを習わないので、創造性を養う意味では強みでしたが、実は就職に不利な部分もあるんです。在学中にそれに気がついた人は、自主学習で技術面もカバーして、ファッションの仕事に就けている印象でした。──Onoさんは、どのようにそのモチベーションを保ったのでしょうか？　僕自身は、小中高とサッカーをしていてスポ根が染み付いていたから、自然となじめたんですよね。基本的に努力が楽しいと思える性格というか。それから、小さい頃からゲームが好きで、自分の人生をRPGのように捉えていることも、いい意味で役に立ったのかもしれません。試練もスキルアップのクエストみたいに思えたんです。もちろん、入学後は幻想が崩れた瞬間はありましたが（笑）。ここは個人プレーのフィールドなんだと分かってからは、Instagramでの発信に力を入れました。大学のネームバリューが使えるうちに、自分の認知度を高める方法として出来るだけ制作物をアップしました。徐々にフォロワーが増えて、ArcaやFKA Twigsとのコラボレーションにも繋がりましたね。Yudai OnoがArcaに提供した衣装（2024年）──今後のご自身の活動の予定は？　これからも活動の拠点はロンドンです。自分のブランドについては、シーズンに縛られずに制作を続けていきます。まずは卸ではなく、自社ECやインスタグラム上で販売する予定です。ただ、やはりファッションは体験も大事だと思うので、ポップアップも開催できたらなと。　教育面では、これまでは人伝にDMなどで連絡をいただいてマンツーマンのレッスンをしていましたが、近日中に新しいプログラムを募集予定です。セントマの入試期間は毎年1月末なのですが、6〜7月には受験勉強を始めないとギリギリではあるのですが。構想としては、入試で必要なポイントを一部YouTubeなどで公開しながら、より広く募集をかけるつもりです。　日本にもいずれ帰国したいなとは考えていますが、軌道にのるまではひとまずロンドンにいるつもりです。最終的には、ブランドと教育の双方の活動を通して、日本のファッション業界を盛り上げる一端を担いたいと思っています。海外からも、日本のファッションシーンが面白いと思ってもらえるよう、微力ではありますが努力し続けたいです。