インサイド

今日の1番さん：YouTuber 男性──店舗には何時頃に来たんですか？　オープンの10時に合わせて来店しました。本当はもう少し早く来ようかと思ったんですが、ユニクロなので数はそれなりにあるだろうという考えてギリギリに。開店前に並んでいる方もいましたが、雨が降っていたせいかさほど多くはなく、スムーズに入店できてよかったです。──今回のコレクションにはいつから注目していたんですか？　ルメールとサラがユニクロ ユーを離れると報じられたときからです。2016年にユニクロ ユーが始動してからかれこれ10年買い続けているので、今回は絶対に逃せないなと思いました。思い入れもありますし、退任は寂しいです。──ルメールが手掛けるユニクロ ユーの魅力は？　海外ブランドのようなシックで高級感のあるカラーパレットとタイムレスなデザインだと思います。──「ルメール」の服もよく買うんですか？　そこまで頻繁にというわけではないですが、たまに買います。先日、フォーマルシューズから着想を得てデザインされた「チェルシーブーツ」を買ったばかりです。──目当ての商品は？　ウィメンズ品番のワイドストレートジーンズです。本家のルメールを彷彿とさせるような絶妙なカラーリングのグレーで、さまざまなスタイリングに活躍しそうだなと思いました。手に取ってみたらシルエットも綺麗で、期待通りでしたね。ウィメンズアイテムですが、ジェンダーレスなデザインなのでメンズでも着用できるのが嬉しいです。──そのほかは何か買いましたか？　デニムとコーディネートできるようにダブルフェイスクルーネックセーターと、SNSでも話題になっていたユーティリティジャケットを買いました。カラーは両方ともブラックです。　特にユーティリティジャケットはミリタリーライクで無骨なデザインとテロっとした素材感のギャップが新鮮で、内側のドローストリングによってシルエットを調整できるところが気に入りました。想像よりも少し生地が薄く秋冬ではなく春夏用かなとも思いましたが、通年着られるということなのでたくさん楽しみたいと思います。価格は7990円でしたが、物価高の今このクオリティの服をこの値段で買えるのはかなりお得感がありますね。──ちなみに3点の総額は？　1万7000円ちょっとです。本家ルメールではシャツ1着でこの何倍もしますから、この価格で3点買えたというのは大満足ですね。──今日のスタイリングは？　シャツは「コモリ（COMOLI）」、パンツとシューズは自分が手掛けている「シウン（shiun）」というメンズブランドのものです。──ご自身でブランドをやられているんですね。　ファッションYouTuberと二足の草鞋です。僕、身長が164cmしかないんですが、世の中には身長が理由でファッションを諦めている人もいると思っていて。僕と同じように身長が低い人でもカッコよく着こなせるアイテムを提案しています。今履いているローファーも、なるべく自然に見せながら、インソールで調整して身長を6cm盛れるんですよ。──応援しています！　この後のご予定は？　家に帰ってユニクロ ユーの新作を紹介するYouTubeの動画編集をします！──ご協力ありがとうございました！■わむう_低身長ファッション：YouTubeチャンネル

Uniqlo U

Fashion

『今日の1番さん：ユニクロ ユー編』10年買い続けたYouTuberにインタビュー

「日常」と「ファンタジー」が溶け合う童話の世界　今季のテーマは、「landscapes 2」。先シーズンから続く、現実と幻想的なもののあわいにある「平凡な日常の風景」という世界観をさらに掘り下げ、そこで生きる人々が着る「何気ない日常の服」をモチーフにした。1年前の2026年春夏では、都市型小型スーパーの「まいばすけっと」を着想源に、家にひきこもっていた内向的な女性が部屋から一歩踏み出し、近所の“まいばす”に向かう際のようなリアリティのある装いを描いた。続く2026年秋冬では、東京の街やその郊外を俯瞰して眺めるような視点から、「何気ない日常のドレスアップ」をベースに現実と夢のあいだにある世界を想像。今シーズンはそこからさらに、現実と幻想の境界線をぼかし、それらがグラデーションのように自然に溶け合う感覚を表現した。　直接的なヒントとなったのは、小学校の国語の教科書にも載っているあまんきみこの童話「白いぼうし」。「道端の白い帽子からモンシロチョウを逃してしまったタクシー運転手が、持ち主への埋め合わせに夏みかんを置く。すると不思議な小さな女の子が乗車してくるが、目的地に着くとその姿は消え、代わりに外で白いちょうちょが飛んでいる──」という、日常の風景の中にいつのまにか小さな不思議が入り込んでくる物語だ。　その「曖昧さ」が、染色や編みによる色のグラデーション、トップスとボトムスの切れ目がどこかはっきりとわからないように繋がるスタイリング、日常着からドレスアップスタイルへと印象が変化していくルックの構成など、コレクション全体に落とし込まれている。　コレクションは、無地の半袖や長袖のシャツに膝下丈のタイトスカート、ハイゲージのタートルネックニットとカーディガンにジーンズ、といった“普通”を記号化したようなプレーンなルックからスタート。次第に色合いやディテールが装飾性を帯び、野に花が咲く様子や、花そのものを思わせるファンタジックなルックを経て、白を基調としたエレガントでドレッシーな装いへとゆるやかに変化していく。中盤以降の多くのルックでモデルが目深に被っている「白い帽子」は、レディライクな印象とともに、どこか実在しないかのような儚さと不可思議さを漂わせる。 より抽象的で詩的になった“ピリングスらしさ”　「生きづらさ」や「生活のままならなさ」といった内面のわだかまりや、社会との摩擦や齟齬を、しわや不自然な布の溜まり、歪み、飛び出した裏地や袋布といったディテールで表現する“ピリングスらしさ”は、今季も随所に見られた。ただし、かつてはひきこもりがちで内向的な女性の生活の痕跡や内面の葛藤がそのまま表出したような、特定の人間像に対して強いリアリティを持つデザインだったのに対し、今季はより抽象的でさりげない形へと変化し、詩的でどこか洗練された印象を与えている。毛羽立ち、ごわごわ、ぐちゃぐちゃとしていたテキスタイルやニットの表面は滑らかになり、胸ポケットに添えられたレースのハンカチや帽子は、エレガントな佇まいを醸し出す。 　曖昧さやグラデーションを表現するための技法には、もう一つの“ピリングスらしさ”である手仕事の数々が用いられている。ニットの上に刺繍された花のモチーフは、近くで目を凝らして見ると、花の色がニットにじわっと滲んだような手塗り染め。襟付きのノースリーブトップスとスカートを飾るフリルには、あえて色落ちしやすい“泣き糸”で縫製して洗いをかけることで、じんわりとした色の滲みを生み出している。タイダイ染めのように見えるグリーンのニットは、染色ではなく手編みのインターシャによって、繊細なグラデーションを表現。白のスリップドレスには、後から染料プリントで「無理矢理」施したという朝顔のような鮮やかなピンクやパープルが、ひとさじの不穏さや違和感を添える。さらに、しぼんだ朝顔の花をそのまま巨大化させたようなドレスは、布花のコスチュームジュエリーを手掛けるアトリエ染花との協業によるものだという。 　村上が2シーズン続けて「現実と幻想的なもののあわい」や「曖昧な記憶」をテーマにする背景には、こうした思いがある。今の時代、正しいか間違っているか、明確な答えやスピード感が大切にされますが、そうじゃない部分を持てることが、自分にとっては“ラグジュアリー”なんじゃないかなと。人の手の跡が残っているものには、愛おしさがあるなとも思います。「スクランブル交差点」のように開かれた入り口としての服へ　そして、ピリングスの服が軸として強く持ち続けてきた「社会との折り合いがつかない内向的で不器用な人間像」にも、ここ2〜3シーズンで変化が見られる。かつては特定の人物の生活や内面を強いリアリティで描いていた服が、今ではより抽象的で、見る人それぞれの解釈に開かれたものになっている。その理由を尋ねると、村上はこう話す。自分たちが作ったものが、見てくれる人や着用してくれる人のものになったらいいなということを意識しています。自分が若いころに読んで好きだった小説のように、その人を映してくれる鏡のようなものになったり、一方通行ではなく「スクランブル交差点」みたいに、どの方向からでも見られて色々なところに行けるような入り口みたいなものになればいいなと。　村上が語る「交差点」のような場所として今回ショーの会場に選んだのは、朝日新聞社 東京本社にあるオフィス空間。村上は、小学生から100歳近い人まで幅広い人が思い思いのことを投書する朝日新聞の「声」欄が好きだといい、会社と家の往復生活で社会と触れ合う場が少ない中で、日常を感じたり、今の社会に触れたりする場になっていたという。　コレクションの内側で、村上自身の視点をより多くの人へと開いていくような変化が進む一方で、昨年LVMHプライズのセミファイナリストに選出され、海外での取り扱い店舗も25店舗以上に拡大するなど、ピリングスを取り巻く環境も大きく広がっている。　けれども、見る人や着る人の内面や社会の中でのあり方にそっと寄り添い、世間一般の“普通”に対して「こうであってもいいのかもしれない」と、オルタナティブなあり方や視点を服作りを通して提示する姿勢は変わっていない。疑問文のまま提示する、服の“余白”がもたらすもの　毎回「もしかしたらこういう方向に行ってみたら何かあるかもしれない」といった思いでコレクション製作を進めていくという村上は、発表したコレクションに対しても「疑問文のまま終わっていく」ようにしているという。だからこそ今回のコレクションも、何を受け取り、どのように自分を投影するかは、それを見る私たちに委ねられている。　白い半袖シャツと黒い膝下丈のスカートのルックで始まったショーは、少し透け感のある白い半袖シャツと白い膝下丈のスカートに、白いチューリップハットを被ったルックで締めくくられた。始まりと終わりが繋がるその円環構造は、まるでループのように繰り返しながらも少しずつ変化していく、日常を思わせる。アイテムのシルエットやデザイン、組み合わせはそれほど変化していないにもかかわらず、同じような日常着が、どこか現実から浮遊したものに見えてくる。 　現実と幻想、普通と特別。その境界にあるものを見つめながら、今季のピリングスは、見る人それぞれの解釈へと開かれた服を作った。日常の風景や些細なものごと、服のディテールにそっと目を凝らし、自身の感覚に身を委ねる。「なんだかわからないけれど、なぜか気になる」と感じたものを、そのまま自分の中に残しておく。そんな「余白」こそが、今季のピリングスが提示する一つの価値観なのかもしれない。

pillings

正しさと効率の時代に、ピリングスが「日常と幻想のあわい」を描く理由

02 FENDI｜バゲット® 26424　マリア・グラツィア・キウリ（Maria Grazia Chiuri）のデビューコレクションとなった「フェンディ（FENDI）」2026年秋冬シーズンからは、約30年の時を経て原点回帰を遂げた「バゲット® 26424」が登場。1997年のデビュー時に付けられたモデルコード「26424」をその名に冠し、アイコニックな横長のフォルムはそのままに、より柔らかな構造へとアップデートした。アーカイヴを思わせるタイガーモチーフは今季のトレンド。ヘアカーフ素材が秋冬シーズンの装いに温かみのあるアクセントを添え、脇に抱えるおなじみのスタイルはもちろん、ストラップを調節することでクロスボディにもアレンジできる。

10ブランドから選ぶ10のバッグ　＜FENDI＞

　日本を代表するモディスト（帽子デザイナー）である平田暁夫が1955年に創業した帽子アトリエ、オートモード平田。平田暁夫は、パリの帽子モディストの第一人者 ジャン・バルテ（Jean Barthet）に師事し、その技術を日本に持ち込んだ。三宅一生、川久保玲、山本耀司との仕事から、皇室のためのオーダーメイドまで、幅広いクリエイションで知られる。　オートモード平田は、平田暁夫の死後、娘の欧子と孫の早姫、翔の3人が技術と伝統を継承。欧子によるフルオーダーと一点物を制作する「アキオ ヒラタ オウコ（Akio Hirata OHKO）」、早姫が手掛けるオートモードの技術と歴史を日常使いのアイテムに落とし込む「エイチ.エイティー（H.at）」、ベーシックな型にモディストならではの捻りを加える翔の「ショウ ヒラタ（SHOW HIRATA、旧 saki et show）」の3ブランドを通して“現代におけるオートモード”を発信してきた。そして、今後は早姫と翔が中心となってアトリエを率いていく。　世代交代の契機となる2027年春夏コレクションの舞台となったのは、平田暁夫が生前友人たちと度々帽子を囲んでのホームパーティーを開いていたという東京・広尾のギャラリー「maison d’H」。会場には決められた席はなく、ゲストは立食パーティーのような穏やかな空気の中でが歩くモデルたちを囲んだ。会場では、展示されているショーピースの試着が可能で、ゲストたちもデザイナーに招かれたパーティー客の1人として、そのクリエイションに触れることができた。　オートモード平田が「Rakuten Fashion Week TOKYO（以下、東コレ）」に初参加したのは、1年前の2026年春夏シーズン。平田暁夫の生誕100年を記念して開催されたランウェイショーだった。平田暁夫が作った型をオマージュした帽子作品を中心に、3人の作家による独創的かつ実験的な創作を交え、技術と伝統に裏打ちされた造形美が追求された。　帽子は、全身に占める割合こそ洋服と比べると少ないが顔の印象や全身のバランスに与える影響は大きい。帽子が持つファッションアイテムとしての「力強さ」を表現した前回に対して、今シーズンはよりその「精神性」や「哲学」に立ち返った。「帽子が先に語り出さないように」　コレクションの出発点になったのは、平田暁夫が1番大切にしていたという「帽子はかぶる人にとっての額縁である」という言葉。額縁は、飾る対象そのものを変化させることはないが、その見え方を大きく左右する。人間にとっての額縁である帽子をどこまで作り手が作り込み、どこからが「かぶる人に委ねられる」のか。着用者の魅力を引き立てる最高の額縁には、人それぞれの個性を活かす“余白”があり、着用者が帽子をかぶることで初めて立ち上がる佇まいがあるのではないか、帽子は常に作り手が「個」としての着用者に向き合うことで作り上げられていくものなのではないか、2人は「額縁」という言葉をそう解釈した。　一方で、翔は「オートモード平田の原点である個に向き合う精神に立ち返ると同時に、変えていきたいのは帽子にこびりついた固定観念」だと話す。現代社会で帽子が「上級者向けアイテム」だと思われやすい最大の理由は、ひとつひとつのデザインが持つ歴史的な背景が記号としてキャラクターになってしまっていること。帽子は本来、身につける人の個性を引き出す自己表現のためのツールであるにも関わらず、ハンチングを被るとニュースボーイやパン屋さんを連想し、中折れ帽を被るとキザに見られるといった、“その人自体よりも帽子が先にキャラクターを語ってしまう”逆転現象が起きていると指摘する。そこで、ショウ ヒラタでは、ブランドが探求し続けている、既存の帽子のコードから、構想や素材使いを少しだけ「逸らす」ことを改めて今シーズンのテーマに設定した。　「すごく綺麗な部屋より、ちょっと気が抜けている方が良い。きっちりした形より、少しフォルムが崩れているものの方が余白の美を感じます。完璧なものよりも、少し不安定なものの方にグッとくる。そうした感覚を表現していきたい」と翔は語る。　アウトドアハットはサテン生地を使うことでエレガントな要素を取り入れ、キャップは基本構造を組み直して輪郭をわずかに逸らした。ブリムを変形させたハットは折り返し方によってバケットハットにもセーラーハットにもなる自由さを持たせるなど、被る人の属性やキャラクターを固定化しないスタイリングの自由のあるデザインを追求した。花のコサージュのついたカンカン帽は、ブリムを1箇所大袈裟に垂らすことで違和感を取り入れた。独創的なカーブを美しくかつ自然に実現されているのも、オートモード平田の高度な技術の賜物。モデルが着用したウェアは、榎本光希が手掛ける「アタッチメント（ATTACHMENT）」の最新コレクション。榎本の作るシンプルでありながら、ディテールや素材に対しての探究心が覗くウェアとハットが共鳴し、より明確な人物像が浮き彫りになった。　「私たちから見ると、洋服はとても自由。何か別のアイテムと融合したジャケットなど、奇抜なアイテムもみなさん上手に取り入れていらっしゃいます。でも帽子はフォルムの印象が固定化されているからこそ、そこから逸脱することに抵抗を感じる方が多いのではないでしょうか。少しでも新しい、見たことのない帽子をお見せすることで、帽子の楽しさをお伝えしていきたい」と早姫。エイチ.エイティーの大胆であり洗練されたエレガントなフォルムは、「アキコアオキ（AKIKOAOKI）」のウェアの身体に溶け込むようなフォルムとマッチし、自立した力強い女性像を描き出している。　これまでも、顧客向けにショーをすることはあったが、前回の東コレ参加を機に、これまで接点が希薄だったスタイリストや新規客層への認知が拡大したというオートモード平田。1年間でリース数は倍増するなど、目にみえる反響があったという。同時に、東京を拠点とするデザイナーズブランドのデザイナーたちとも交流を深めるきっかけになり、ショーでの着用やコラボレーションに発展している。さまざまな色を持つブランドとのコラボは、帽子が多様な人に似合う「自由なファッションアイテム」であることの証左で、互いに魅力を引き出す良い相乗効果が見られる。 帽子はまるで人間そのもの　祖父母も両親も帽子を作る家庭に生まれ、自然に帽子作りに関心を持ったが、一度は別の道に進んだという早姫は、「2014年に祖父が亡くなり、お世話になっていた方々が“笑顔で送る会”を開いてくださいました。その場には、祖父が作った帽子を身につけた方が1000人以上駆けつけてくださったんです。子どもの頃から、アトリエで両親が帽子を作っているところは見ていましたが、それほど多くの方々が帽子を被って一堂に会する瞬間を見たのは生まれて初めてでした。人が被ると、帽子ってこんなにも命を吹き込まれるのかと感動した瞬間でした」と原体験を語る。今回の会場「maison d’H」オートモード平田の創業者、平田暁夫が「帽子を感じるギャラリーにしたい」と設えた空間です。ここに幾度も人を招き、杯を交わし、帽子を囲んで語らってきました。きょうも、その続きの午後として皆様をお迎えします。（コレクションノートより）　平田暁夫が開いていたパーティーには、ファッション業界だけでない各界の著名人が集まり交流を深めていたという。幼少期に何も知らずにその風景の一部になっていたという2人。「今思うと、その光景はとても豊かだった。帽子をかぶる人が減った現代に、帽子業界が1番盛り上がっていた時代を経験していない僕たち孫世代が改めて自分たちなりの“パーティー”をすることに意味があるのかもしれない」と話す。　モデルをパーティーの来場客に見立てたスタイリングでは、ブリムの角度や顔の見え方、傾きを細やかに調整した。頭から爪先までの全身を大きな空間として捉えると、ハットによる顔周りの見え方が与える影響は大きく、少しの違いで柔らかさを与えたり、緊張感を感じさせたり、全身が引き締まる。　早姫と翔が現代に提案する、平田暁夫の「帽子は額縁」という言葉は、ランウェイを歩いてくるモデルたちの姿を見るとよく理解できる。帽子アトリエであるオートモード平田が、他ブランドのウェアを借りてまでランウェイショーを行う理由は、帽子の真価は人間が不在では表現できないからに他ならないのだろう。ドレスコードではございませんが、叶いますなら、お気に入りの帽子とともにお越しくださいませ。帽子の集うひとときを、皆様とご一緒できましたら幸いです。　インビテーションに書かれている言葉を読んで、ショーの日の朝、久しぶりに被る帽子を取り出してみた。2人の言葉を思い返しながら鏡の前に立つと、自分の頭の上に帽子が乗っているだけで、自分の表情が普段より明確に見えてくる気がする。帽子に馴染みの薄い人が増えたかもしれない現代においても、自己表現としてのファッションが、その人をらしさを明確にしてくれるのだとオートモード平田は教えてくれる。

Haute Mode Hirata

「クチュールは究極の日常」　オートモード平田が問いかける“ファッション”の本質

UNDERCOVER

アンダーカバー プロダクション苦悩の1年──初の映画『UNDERGIRL』制作秘話を語り合う

今日の1番さん：20代 クリエイター 女性──店舗には何時頃に来ましたか？　朝9時くらいから並びました。来た時には既に3〜4人が並んでいましたね。──今回のコラボはどこで知りましたか？　たまたまXに流れてきた投稿で知りました。ブランドというよりもヴィジュアルが好みだったので、発売日や値段などの情報が出ていないか頻繁に検索しました。──目当てのアイテムは？　ランウェイでモデルが着用していた白いワンピースを見て、色違いで黒があれば欲しいと思っていました。ですが黒の販売がなかったので、早速着用しているこの黒のトラックジャケットにしました。Mサイズが欲しいと思っていたのですが、在庫があまりなさそうで「買えなかったらどうしよう」と心配だったのですが、無事目当てのサイズを買えてよかったです。──早速着用されていますが、サイズ感はどうですか？　私の身長が166cmくらいでちょうどピッタリですが、中に重ね着すると少しタイトな気がします。──購入アイテムはおいくらでしたか？ 価格に対しての満足感は？　6万円くらいでした。子どもの頃からロリータが好きで、布の量がいつも気になるのですが、このジャケットにはチュールがたっぷりと使用されていて、相応の価格かと思います。近づくと、レースの柄がさりげなくアディダスのマークになっていて。手が込んでいますよね。──普段好きなテイストはありますか？　ロリータがずっと好きなこともあり、フリルに惹かれますね。好きなブランドだと「タナカ ダイスケ（tanakadaisuke）」や昔の「パメオポーズ（PAMEO POSE）」とか。モードだけどフリルを使っていたり、特殊なパターンの服が気になります。あとは黒い服が好きで、基本モノトーンの服ばかりです。知り合いから「また同じような服を買ってるね」とよく言われます（笑）。──今日履いているシューズは「ノワール ケイ ニノミヤ（noir kei ninomiya）」と「リーボック（Reebok）」のコラボですね。　そうです。これは初動を逃したのですが、在庫が再入荷するかもしれないという情報を店員の方から聞いて、その日の朝早くから並んで、なんとか手に入れました。──チョーカーは「ヴィヴィアン・ウエストウッド（Vivienne Westwood）」。　はい。パールモチーフも好きなので、お気に入りです。購入した服にもパールがついていますね。──バッグのチャームも可愛いですね。　CLAMPのアニメ「魔法騎士レイアース」に登場する、モコナというキャラクターです。質感の違うものなど、何匹も持っているので、季節や気分によってバッグに付け替えたりしています。──アニメもお好きなんですね。ちなみにご職業は？　今はインディーズのゲームを個人で作っています。今日は久しぶりに外に出ました（笑）。──この後のご予定は？　制作スケジュールがカツカツの中頑張っているので、この後は自宅帰って作業に戻ります！──応援しています。ご協力ありがとうございました！

Simone Rocha

adidas

『今日の1番さん：アディダス × シモーン・ロシャ編』即着用の女性にインタビュー

01 Dior｜ディオールトゥジュール ホーボー　ジョナサン・アンダーソン（Jonathan Anderson）による「ディオール（Dior）」から今季登場したのは、アイコンバッグを新たなシルエットで再解釈した「ディオールトゥジュール ホーボー」。目を引くのは、キルティングで施した「カナージュ」のクラシックな表情と、「C」と「D」の留め具がつながることによって生まれるくたっとしたキュートなフォルムのコントラスト。マチありのたっぷりとした容量に加え、取り外し可能なストラップでショルダーにもハンドバッグにもなる、日常使いしやすいデザインも魅力。“D, I, O, R”のチャームをアクセントに、淡いアイスブルーのパステルカラーから、秋らしい風合いのカラーまで、多彩なバリエーションが揃う。

10ブランドから選ぶ10のバッグ　＜Dior＞

MODERN DUFFLE　トラッドを更新するダッフルコート　トラッドアウターの定番、ダッフルコートがランウェイにカムバック。昔ながらのスクールライクな一着ではなく、鮮やかなカラーや大胆なプロポーションなど、モダンにアップデートしたデザインが目立つ。定番アイテムだからこそ、装いのトーンをそろえて洗練されたムードにまとめるのがポイント。NOSTALGIC KNIT　色と柄で楽しむレトロなニット　どこか懐かしく、温もりを感じる柄やクラフト感のある編み地のニットが豊作。フェアアイルやアーガイル、ノルディックなど、トラディショナルなモチーフを取り入れた色鮮やかなニットが今季のランウェイを彩った。端正なスラックスやレザーパンツ、スカーフなどと組み合わせて、都会的に着こなして。NEW SLIM　細身パンツでシルエットを更新　ワイド＆オーバーサイズが主流だったメンズのシルエットに変化の兆し。今季はボトムスを中心に、すっきりとした細身のシルエットが存在感を増している。かつてのスキニーのように身体に吸い付くフィットではなく、適度な余白を残し、細く長いラインを描くのが特徴。ニットやトップスをインしたり、ロングコートを羽織ったりして、縦長シルエットを強調するのが今季らしい。まずは細身のストレートパンツを、ボトムスの新たな選択肢に加えてみて。POWER RED　一点投入で効かせる鮮やかなレッド　秋冬の装いに鮮烈なインパクトを添えるレッドが今季のキーカラー。目の覚めるようなヴィヴィッドな発色が特徴で、ランウェイではアウターやボトムスなど、大胆に取り入れたルックが目を引いた。グレーやブラウン、ネイビーといった秋冬の定番色とも好相性。まずはキャップやソックスなどの小物で一点投入するだけでも、新鮮な印象に。「ロエベ（LOEWE）」のようにレイヤードで赤を効かせるテクニックにも注目して。PLAYFUL TIE　ネクタイをもっと自由に楽しむ　ルールに縛られない自由なネクタイの着こなしが広がった。ナローからスカーフタイまで、デザインもバリエーション豊富。スーツを端正に仕上げるためだけではなく、遊び心を添えるファッションアクセサリーとして取り入れるのが新しい。ニットやカジュアルなアウターと合わせたり、素材や柄でアクセントを効かせたりと、楽しみ方もさまざま。

今年のトレンドは？　秋冬ファッションを更新する5つの着こなし【メンズ】

　昨年「TOKYO FASHION AWARD」を受賞した小林は、知人から「裕翔くんはずっと地下にいると思っていた」と言われたことをきっかけに、自身の現在地を見つめ直したという。それまで「底」にいる感覚はあったものの、その先に何があるのかは見えていなかった。しかし、「地下」という言葉によって、空だと思っていた頭上に水面が、その向こうにまだ見ぬ「地上」があることに気づいたと小林は振り返る。そこで今季のコレクションを製作するにあたり、自身の姿を重ねたのが、海の底から地上に憧れる「人魚姫」だった。　人魚姫は物語の中で、地上へ行くために声を手放し、人間の姿を得る一方で、歩く苦しみや人を好きになる痛みを知っていく。新しい世界に踏み出すことで、何かを得ると同時に、それまで知らなかった痛みにも出会う。小林はそんな人魚姫の物語に、地上を知り、そこへ向かおうともがく自身の経験を重ねた。コレクションノートには、足を得た人魚姫のその後の姿が、小林自身の想像を交えながら綴られている。地上の世界に憧れた人魚姫は、自分の声を失う代わりに、人間になった。憧れた姿と引き換えに、自分の足で歩く苦しみを、人を好きになる痛みを知った。奇しくも、前回のコレクションでは地下深くの冥界、今回もまた海の底が舞台となった。私は何と引き換えに、地上に上がれるのだろうか。人魚姫は地上に出て初めて、頬を伝う涙に気がついた。初めは体の中に残っていた海水が、流れ出したのかと思った。つらかったが、海の一部が、自分の中に残っていたことが嬉しかった。しばらくして、それが「涙」だと知った。それが、悲しみと繋がっているなんて、気が付かなかった。そんなこと知らなければよかった。「Mermaid's Tears」コレクションノートより 　コレクション会場は、前回と同じヒカリエホールA。会場に足を踏み入れると、そこには人魚姫が暮らす「海の底」が作り出されていた。ダンボールで作られた魚や海藻、ガムテープの継ぎ目をあえて残した舞台装置が並び、中央には光を受けて揺らめく水面を思わせるビニールの幕が垂れ下がる。そこにあったのは、精巧に再現された海ではなく、子どもたちが想像だけを頼りに、身近なものを切って、貼って、つなぎ合わせながら、おぼつかない手つきで作り上げたような、どこか未完成な海だった。　座席には、クロスワードパズルや色鉛筆、魚や亀、貝殻、海藻などが描かれた塗り絵が置かれていた。筆者が子どもの頃なら、何の疑問も抱かず色鉛筆を手に取っていたのだろう。けれど大人になった今、「なぜファッションショーで塗り絵を？」と、そこに理由や意味を探してしまう。人魚姫が地上に出て「涙」の意味を知ったように、私たちもまた、いつの間にか目の前にあるものをそのまま見ることが難しくなっている。コレクションノートに綴られた「そんなこと知らなければよかった」という人魚姫の言葉も、どこか他人事ではないように感じられた。 　小林が人魚姫のまとう衣服の色彩に選んだのは、海の底から水面を見上げたときに差し込む光と、その眩しさへの憧れ。ショーの序盤から中盤にかけては、ホワイトや淡いブルー、ピンクを基調としたルックが続いた。異なるレースを幾重にも接ぎ合わせたドレスや、編み目の密度を不均一に変化させたニットには、パールや貝殻、チェーン、ビーズ、リボンなどが雑多に重ねられ、足元にはほつれた糸やレースが絡みつく。さまざま風合いの素材が境目を失いながら身体を覆う様は、海中を漂う藻屑や、海の底に沈んだものを拾い集めて身につけたかのよう。まだ見ぬ地上に憧れ、人間になることを夢見る人魚姫が、海の底にあるものだけを頼りに記憶の中の「人間の服」を作ろうとしているようにも見えた。 　人魚姫たちによる「見よう見まね」の様子を直接的に表していたのが、子どもの落書きを思わせるモチーフだ。黒い輪郭線で描かれた花やリボンには、クレヨンで走り書きしたような色彩を重ね、その形を大きく切り抜いて服の上に配置。別のルックでは、亀や魚、貝殻、人魚などの図柄をクッション状に膨らませ、ドレスを埋め尽くすように取り付けた。紙に描いた絵を切り抜き、綿を詰めて形にする。そんな子どもの工作をそのまま服へ持ち込んだような、無邪気で拙い造形が目を引いた。　こうした表現の背景にあるのが、小林がリサーチの過程で惹かれたという「塗り絵」。あらかじめ引かれた輪郭に、自らの手で色を与えていく行為に着目し、コレクションでは花やリボン、海藻などの線画を配したテキスタイルを製作。その上から一つひとつ手作業で色を重ねることで、塗り絵特有の不均一さや、手仕事による揺らぎをあえて残した。 　ユウショウコバヤシは、熱狂的なファンによるコミュニティとともに育ってきたブランドでもある。ショー会場にはブランドの服をまとった人々が集まり、ときには来場者まで含めて一つの世界観を作り出す。そこにあるのは、単なる作り手と着る人という関係ではなく、どこか未完成で、社会にうまく馴染みきれない孤独さや、子どもの頃の純粋さを捨てきれない気持ちを共有する人々との精神的なつながりだ。　海の底にあるものだけを頼りに、まだ見ぬ「人間の服」を作ろうとする人魚姫の姿は、コミュニティの中で製作を続けてきた小林の姿と重なる。これまで自分たちが面白いと信じてきたものを、同じ感覚を共有する人々に向けて作ることと、その外にある“世間”に認められること。ブランドがより広い世界へと進むほど、これまで必要のなかった外からの視線も意識せざるを得なくなる。その視線に応えるために自分たちを変えるのか、それとも、海の底で大切にしてきたものを抱えたまま地上へ向かうのか。人魚姫の無邪気で未完成な装いには、その間で揺れる小林の現在地が映し出されているように感じた。 　そうした小林の心の揺れを映すように、ショーは終盤に差し掛かるとそれまでの無邪気な海の景色は少しずつ表情を変えていく。淡い色彩の中に黒いレースや荒く編まれたダメージニットが入り込み、会場に響くアーティスト「ん・フェニ」の生演奏も、それに呼応するように次第に不穏さを増していった。まだ見ぬ地上を無邪気に思い描いていた人魚の世界に、やがて知ることになる現実の気配が忍び込む。　そしてフィナーレでは、一人のモデルが履いていた靴を脱ぎ、自らの足で歩き出した。原作の人魚姫にとって、人間の足を得ることは地上への憧れを叶える一方、一歩踏み出すたびに激痛を伴うものでもある。小林はこの演出について、「靴を脱ぐことで自由になれた一方で、痛みも得た様子を描いた」と話す。 　半年前、筆者にはユウショウコバヤシが順風満帆に新しい場所へと進んでいるように見えていた。しかしその裏側には、外の世界を知ったからこそ生まれた迷いや痛みがあったのだろう。だからこそ印象的だったのが、最後に人魚が靴を脱いだことだ。地上へ行くために手に入れたはずのものを脱ぎ捨て、それでも海へ戻ることなく、自らの足で歩き続ける。その姿は、地上に合わせて自分を作り変えるのではなく、自分なりの方法でその先へ進もうとする意思表示のようにも見えた。　振り返れば、今季のコレクションにはその意思が随所に表れていたように思う。ダンボールとガムテープで作った海、輪郭からはみ出すように色を重ねた塗り絵、拾い集めたようなレースやビーズ、子どもの工作を思わせる不格好なモチーフ。より大きな舞台へと進みながらも、そこに並んでいたのは、完成度を高めて“世間”に合わせたユウショウコバヤシではなく、むしろこれまで大切にしてきた拙さや無邪気さを、これまで以上に露わにした服だった。　「私は何と引き換えに、地上に上がれるのだろうか」。その問いへの答えは、まだ出ていないのかもしれない。それでも、何かを手放さなければ地上へ行けないとは限らない。海の底で育ててきたものを抱えたまま、自分たちなりの方法で地上を歩くこともできる。靴を脱いだ人魚の姿に、そんなユウショウコバヤシのこれからを重ねずにはいられなかった。

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人魚姫は痛みを知り、自由を得る　「ユウショウコバヤシ」が描く“憧れの代償”

“新たなフットウェア”を提案　ボースとは？　ボースが誕生したのは2016年。ラバー（ゴム）素材が秘める無限の可能性の探求を通して、革新的なシューズデザインと、独自のグローバルブランディング、新たなフットウェアのあり方を提案している。ブランド名の「both」は、“見た目は重厚でありながら、実際に手に取ると驚くほど軽い”というプロダクトの二面性を意味する。　ベルギー出身のクリエイティブディレクター であるマット・ロンバート（Mats Rombaut）は、これまでに「ランバン（LANVIN）」「ダミール ドマ（DAMIR DOMA）」「プーマ（PUMA）」「イージー（YEEZY）」などでデザインおよびプロダクト開発に携わってきた実力派だ。また、他ブランドとのコラボレーションも積極的に行っており、日本の「ソウシオオツキ（SOSHIOTSUKI）」と製作した下駄サンダルは当時大きな話題を集めた。1. クリエイションの軸はゴム素材の探求　ボースのクリエイションの根幹にある「ラバー」素材。その魅力は自由自在に形を変える流動性と、形を変えても素材の本質は変わらないという普遍性にある。ラバーは「物質と身体が接する境界線であり、歩きながら現実とのつながりを保つための存在でもある」とマットは語る。デザインのインスピレーションソースは、科学や自然、若い世代による社会的なムーブメント、アートなど、社会に向けられた幅広い関心。加硫ゴムの構造的・彫刻的な可能性を探求し、素材の耐久性や機能性、そして大胆なフォルムとのバランスを吟味する過程で、ブランド独自のデザイン言語を形成している。2. 「バルカナイズ製法」を独自のアプローチで進化　ボースが目指すのは、「新しい時代を生きる人々のための、独創的で革新的、そして長く愛されるフットウェア」。ベーシックなシューズの構造を再解釈し、独自のラバーテクニックと上質なレザーや実験的な素材を融合。ハイブリッドでありながらミニマルなデザインに落とし込んでいる。基本となるのは、ラバーソールとアッパーを接着し、シューズの周囲にフォクシングテープを巻き付け、加硫釜で数時間加熱することで全てのパーツを一体化させるという伝統的なスニーカー製造技法「バルカナイズ製法」。ボースではその技法をさらに発展させ、アッパーにラバーを施し、フォクシングテープを幾層にも重ねるなど、従来の製法を独自のアプローチで進化させている。　現在はパリをクリエイティブの拠点としながら、アジアやアメリカへも活動の場を拡大。異なる視点や美意識、アイデンティティ、ヴィジョンが交差するプラットフォームとして、既存の境界を超えた表現を追求している。 3. 軽量で有機的な新作ソール「GUM」が示す次のヴィジョン　ラバー素材の特徴を起点としたデザインと、スニーカーの型を破るような造形。そうしたブランドのデザイン哲学を昇華したのが、2026年秋冬コレクションで初登場した新開発ソールを採用した「GUM COLLECTION」。この名称は、Grip（グリップ）、Unity（ユニティ）、Movement（ムーブメント）の頭文字に由来し、それぞれ「グリップ力」「安定感」「動き」を象徴している。　ソールは軽量なEVAミッドソール、天然ラバーのPods、TPU構造体によって構成され、細胞を思わせるラバーモジュールを主要な接地部分に配置し、波状のラインをソールからアッパーへと連続させている。ハンドステッチを隠さずに表に見せるなど、機能を担うパーツや要素をそのままデザインとして採用している点も特徴。都市を構成するコンクリートや金属といった無機質な人工物と自然が共存することで生まれる有機的な風景が着想源になったという。建築的な構造がシームレスに有機的な形態に移り変わるデザインには、構造や素材そのものをブランドのアイデンティティとして表明するボースの思想が表れている。　メインとなるシューズモデルに加え、「GUM COLLECTION」では、有機的なフォルムを特徴とするソールをさまざまなデザインへと発展させている。「GUM Sortie Loafer」は、エレガントでクラシックなドレスシューズのシルエットに、ボリューム感のある流線型のアウトソールを組み合わせることで、フォーマルとカジュアルを融合した。また、ブーツには、都会的でシャープなラインが印象的な「GUM Bunker Chelsea Boots」と、より構築的なフォルムと個性的な存在感を放つ「GUM Salvo Boots」をラインナップしている。シリーズ全体を通してジェンダーレスなデザインを採用しており、スタイルや性別にとらわれることなく、さまざまな日常のスタイリングに自然に取り入れられるコレクションに仕上げた。◾️DJのYAMATOらが体験した新作コレクションローンチイベントをSNAP📸 　8月26日に、表参道店で2026年秋冬コレクションのローンチイベントを開催。当日は、靴職人のヴコティッチ・ドラガン（Vukotić Dragan）が来日。ドラガンは、製品が生まれる過程に携わってきた靴職人ならではの視点から、ボースのシューズがどのようなデザインコンセプトから生まれるのか、素材選定、構造開発、工法の調整を経て、最終的にひとつの製品になるまでのストーリーを紹介。このほか、YAMATOによるパフォーマンスの中で、新作シューズを履いたゲストたちがコレクションの世界観を楽しんだ。ボース パリ 公式サイトボース パリ 公式Instagram

フランス発「ボース」がラバーを探求する理由　新作ソールが示す新たなフットウェアの形

About 「TOHA」 　「常に余白を保つ」を意味する“常白”を語源とし、2026年秋冬シーズンにアーバンリサーチからデビューした新ブランド。現代人のライフスタイルに寄り添い、「忙しい日常のなかであえて立ち止まり、身体と向き合うきっかけを生み出したい」という思いが込められている。都市生活に馴染むデザイン性と機能性を兼ね備えたリカバリーウェアをはじめ、心身と向き合う時間を豊かにするアイテムを展開する。「緊張」は表現のスパイス　片岡千之助の仕事への向き合い方　4歳で初舞台を踏んで以来、歌舞伎をはじめ、現代劇の舞台から映画、ドラマまで、幅広い表現の場で活躍する千之助。彼が仕事に向き合うとき、常に大切にしているのは「楽しい」という気持ちだという。　「自分が好きでやっていることなので、もちろん大変で苦しいこともあって当たり前。でも、どんなお仕事をやるときも最終的にはその『好き』の気持ちを忘れずに、楽しみながら舞台に立ったりお芝居ができたりする喜びをしっかり持って、それがお客さまにも良い形で伝わればと思っています。そして、それがカメラの前だろうと舞台の上だろうと、自分が表現したいことをちゃんと伝えられるようにしていきたいですね」。 　俳優の仕事は、日々プレッシャーや緊張の連続だ。なかでも特に緊張を感じるのは、稽古や本番など「何かが始まる前」の瞬間。そんなとき、彼はどのように心身の調子を整えているのか。　「緊張しているときは、楽屋で好きな音楽を聴いたり、あえてクラシックを聴いてみたり。それから『めっちゃ緊張してる』『無理』『できない』と、隠さずに口に出しちゃいますね（笑）。自分で抱え込んで殻に閉じこもるよりも、『無理だよ〜』と言葉にして、周りが『大丈夫だよ』と言ってくれる。そのほうがほぐれてくるんです」。　そんなお茶目で人懐っこい一面を覗かせる一方で、「緊張」を決してネガティブなものではなく、自身の表現の“スパイス”のようにも捉えているという。　「緊張や身体がこわばることも、大事なプロセスではあると思うんです。例えば1ヶ月間の舞台で、初日の『どうなるか分からないけど、とにかくやるしかない』という緊張感のあるお芝居と、千秋楽間近のある程度板についてきて、良くも悪くも慣れがある中でできるお芝居には、それぞれの良さがある。だからその緊張を受け入れて、どう自分の中でプラスに変えていくか、という気持ちでいます。『うわ、どうしよう』と思いながらも、心のどこかではワクワクしている部分もある。そこに至るまでのお稽古の積み重ねが自分の自信に変わりますし、そういう小さいことの積み重ねが、いざ本番という瞬間に、一番作用してくるんじゃないかなと思います」。一度立ち止まったからこそ見えたもの　表現と人生の「余白」　「トハ」のブランド名の由来やコンセプトでもある「あえて立ち止まり」「常に余白を保つ」という考え方。彼は、表現の世界においても「余白」は重要だと話す。　「やっている側に余白や余裕がないと、見ている側もキツくなるんです。お芝居でも絵画でも写真でも、その人の余白や余裕から生まれるものが、ある種その人の個性になるし、色気にもなる。僕の中では、バランス感覚を保つ上でも『余白』は特に大事です。それを保つために必要なのは、心身ともに健康で、良い睡眠を取り、良い生活を送って、いつでも動けるようにしておくこと。お芝居の現場は自分だけの世界ではないので、他の俳優さんやスタッフさんを含めた全体の空気感も感じ取りますし、今自分がどれくらいのパーセンテージで物事と向き合っているかを冷静に見ながらバランスを保っています。そうした周りとの調和は、自分の余白や余裕に直結していると思います」。　「あえて立ち止まる」と言えば、まさに千之助は2023年に「歌舞伎の仕事を一時休業する」という大きな決断をし、新たな形で自分自身や仕事と向き合う日々を歩んできた。当時の心境やこの3年間の歩みを振り返って、今何を感じているのか。　「自分の人生をどうしたら豊かに生きられるだろうと考えたときに、もっと舞台に出る喜びや、お芝居への『好き』という気持ちを大切にしたいと思ったのがはじまりでした。歌舞伎の家に生まれ、ありがたいことに舞台に立たせてもらう機会を自然といただける立場でいた中で、そうした気持ちが次第に薄れ、ある種惰性になりそうな自分がいたんです。でも、今は結果を残さないと次のお仕事をもらえない環境に身を置いたことで、仕事ができることのありがたさを感じられるようになりました。　いつかまた歌舞伎の舞台に立ちたいという思いもありながら、映画や他の舞台などもっといろんなことをやりたいし、やれることを増やしていきたい。そういうマインドにもう一度なれたのは、良かったなと思います。元々仲が良かった同世代の俳優たちがどんどん活躍しているので、『負けていられないな』という気持ちもありますね」。決めるところは決めて抜くところは抜く　オンとオフの装い　普段、自身の装いには「襟を正しながらも、どこかしらに抜け感を持っておく」ことを大切にしていると話す。「僕の中での決まりごとは、舞台の初日と千秋楽には絶対にジャケットかスーツを着るということ。これは祖父（15代目 片岡仁左衛門）に教わりました。プライベートでは白シャツにジーパンが多くて、最近はそういうシンプルなファッションが好きですね。先ほどお話しした『余白』に近い、決めるところは決めて抜くところは抜く、という感覚です」。　一方で、自宅や近所でリラックスした時間を過ごすときは、スウェットや趣味で集めているサッカーのユニフォームなど、心から楽でいられる服を選ぶという。この日、都会の喧騒から少し離れた自然豊かな日本家屋で、千之助は「トハ」のリカバリーウェアに身を包んだ。　「今日はこの空間でこの服を着ていると本当に楽で、のびのびできて、最高の気持ちでした。普段、パジャマとして着ているリカバリーウェアを1着持っているんですが、これは家の中だけじゃなく、近くの行きつけのカフェに行くときや、神社への散歩にも着て行けそうですね」。「自分で自分の人生を豊かにする」　片岡千之助が見つめる、これから　仕事との向き合い方を見つめ直し、自分にとっての「余白」を考えてきた千之助。最後に俳優として、そして一人の人間としての“これから”について尋ねた。　「僕はなんでもやりたがりなので、自分が『いいな』と思うことならどんなジャンルでも挑戦したいです。まだ経験していないミュージカルもそうですし、海外で歌舞伎をやりたいとか、歌舞伎座であの役をやりたいとか、あの俳優さんと一緒にお芝居をしたいとか、本当にきりがない。ただ時間は限られているので、年齢のフェーズは意識したいと思っています。20代の今はまだ、オファーをいただいてお仕事をする受動的な立場でいることが多いですが、30代も後半に差し掛かる頃には、自分から企画を立てるなど、能動的に0から1を生み出せるようになりたい。　そして人間的なことで言えば、やりたいことをやってお金をいただいて、食べたいものを食べ、行きたい所に行き、会いたい人に会う、ということができるように、自分で自分の人生を豊かにしていきたいです。そういう意味でも、家にいる時間など、自分自身と向き合う時間は特に大切。情報が溢れている世の中だからこそ、一人でぼーっとしているだけで『幸せだな』と思えるような時間や感覚を大事にしていきたいですね」。TOHA 公式オンラインストア問い合わせ先アーバンリサーチ：0120-967-013片岡千之助 | Sennosuke Kataoka2000年生まれ、東京都出身。2004年、初代片岡千之助として4歳のときに歌舞伎座で初舞台を踏む。2011年、片岡仁左衛門と戦後初の祖父、孫での「連獅子」を実現させる。2012年（当時12歳）から自主公演「千之会」を主催するなど芸事への研鑽を積みながら、2017年にはペニンシュラ・パリにて歌舞伎舞踊を披露。2020年には「カルティエ（Cartier）」腕時計パシャのアチバー（達成者）に選ばれる。現在は青山学院大学に在学しながら、映画や現代劇舞台、ドラマなどさまざまな分野で表現者としての活躍の場を広げている。Instagram: @sennosuke.officialphotography: Kei Sakakura, styling: Toshihiro Oku, hair & makeup: Miki Marutani | creative direction: Mina Jokoji, text & edit: Erika Sasaki, casting: Takashi Sasai, project management: Shiori Nagaoka & Erika Kawahara (FASHIONSNAP)

進み続けるために、あえて立ち止まる──片岡千之助が「TOHA」と見つける心身の“余白”

TOTAL BLACK　素材の対比で楽しむオールブラック　秋冬の定番、ブラックの着こなしが今季はさらに存在感を増している。ファーストルックにブラックのワントーンコーディネートを採用するブランドも多く、ランウェイを象徴するスタイルの一つに。全身をただ黒一色でまとめるのではなく、シアーやレース、レザー、ウールなど異なる質感を重ねて、奥行きのある表情を生み出すのがポイント。肌をのぞかせたり、シルエットにメリハリをつけたりすることで、重くなりがちな黒に軽やかさをプラスして。SOFT TAILORING　テーラードはしなやかに着こなす　端正なテーラリングに、しなやかさとリラックス感を加えた装いが台頭。かっちりと身体を構築するようなパワースーツとは異なり、柔らかな素材やゆとりのあるシルエット、デコルテを見せる着こなしなど、ほどよく力を抜いた提案が相次いだ。ペプラムが揺れる短丈ジャケットはデニムなどカジュアルアイテムにも合わせやすく、スタイルアップが叶う一着。抜け感のあるテーラードスタイルを楽しみたい。CHECK ON CHECK　大胆に重ねるチェック・オン・チェック　秋冬トラッドの王道であるチェック柄は、異なる柄を大胆に重ねるスタイリングへと進化。「ディオール（Dior）」のようにジャケット×ボトムで色柄の違うチェックを掛け合わせたり、「オーラリー（AURALEE）」のように小物までチェックをミックスしたりと、あえて“揃えすぎない”バランスが新鮮。「アクネ ストゥディオズ（Acne Studios）」のブルーチェックをお手本に、色のトーンを合わせると柄物もまとまった印象に。PLAY WITH SHIRTS　シャツのレイヤードに遊び心をのせて　着こなし方で少しの違和感や変化をつけたシャツのレイヤードスタイルがトレンドに浮上。襟を片方だけジャケットやニットから出したり、フレンチカフスを袖口から大胆にのぞかせたりと、ほんの少しの“ずれ”を楽しむテクニックがランウェイに登場した。手持ちのシャツも、襟や袖口の見せ方を変えるだけで今季らしい表情に。まずはジャケットやニットからチラ見せして、いつもの着こなしに遊びを加えて。SOCKS IN PUMPS　ソックス×パンプスで足元を更新　パンプスにソックスを合わせる足元のレイヤード提案が、数多くのブランドで見られた。ポンテッドトゥやレースアップにソックスを掛け合わせることで、ドレスアップした足元に軽やかなアクセントが加わる。カラー、シアー、リブなどバリエーションも豊か。小花柄を刺繍した「プラダ（PRADA）」やフリルがついた「イザベル マラン（ISABEL MARANT）」など、ソックスで甘さをひとさじ加えるのが今季らしい。リアルに取り入れるなら、まずはモノトーンやベージュといったベーシックカラーがおすすめ。パンプスとソックスを同系色でつなげれば取り入れやすく、カラーソックスを差せば、着こなしのアクセントにも有効。SLENDER LINE　細く長く描くスレンダーシルエット　ワイドシルエットが主流だったボトムスから一転、身体のラインに沿うスレンダーなドレスやスカートが存在感を増している。縦にすらりと伸びるドレスやペンシルスカートが、多様な色と素材でランウェイに登場した。ロングドレスは深めのスリットからストッキングや素足がのぞき、センシュアルなムードが漂う。まずは手持ちのニットやシャツに、タイトスカートなど細身のボトムを合わせてチャレンジを。上下を同系色でつなぐと縦長シルエットが際立ち、華奢なパンプスで仕上げればいっそうシャープな印象に。

今年のトレンドは？　秋冬ファッションを更新する6つの着こなし【ウィメンズ】

26AWコレクションのテーマは「PARALLEL DISTORTION」　「パラトレイト」が26AWコレクションのテーマに掲げたのは「PARALLEL DISTORTION」。“呼吸する服。構造が作用へ変わる。黒と深緑のあいだで、歪みが侘びへ変わる。不完全の中に、新しい均衡が生まれる。”を副題に、ブランドのコンセプトである“衣服の分岐進化”を追求。優れた機能性を備えたテキスタイルや特殊な加工法を用いることで、一見するとベーシックなデザインながらブランドらしいテクニカルなムードを表現しています。26AWコレクションの注目アイテムをピックアップCOATED CORDUROY PK　コーデュロイ素材にコーティングとダメージ加工を施し、ハードで奥行きのある風合いに仕上げたフーディーブルゾン。コンパクトなボディをベースに、フード一体型のデザインを落とし込み、メタリックなタックボタンやボールチェーン付きの斜めファスナーポケットがアクセントをプラス。動きやすいラグランスリーブや立体的なフォルムを生むギャザー仕様の裾など、ディテールまで計算された一着です。CRACK DENIM JACKET & PANTS　レーザー加工でひび割れた模様を描いたデニムジャケットとパンツ。デニムより軽やかで柔らかいカツラギ地を使用し、断ち切り処理を施した裾や袖口がヴィンテージライクな風合いを引き立てます。ジャケットはレイヤードスタイルに重宝するボックスシルエット、パンツは定番の5ポケット仕様を採用し、オーセンティックなデザインながらセットアップで着用することで、独特な柄の存在感がより一層際立ちます。OCTA LS SHIRTS　軽量性や保温性、透湿性に優れた高機能素材「Octa®」で仕立てられたシャツジャケット。風合い豊かな生地を際立たせるようにベーシックなシャツをベースにしながら、大きめの襟やオリジナルのメタルボタンがアクセントをプラス。程よいテック感と上品さを兼ね備え、幅広いスタイルで重宝すること間違いなし。ZIGZAG HN L/S T　裾や襟、袖口に切り取り線のようなレーザーカットを施し、ミニマルな佇まいのなかにエッジを効かせたハイネックプルオーバー。スマートな縦ラインを生むリブニット生地を使用し、肩を落とした程よくゆとりのあるシルエットに仕上げています。鼻元まで覆うハイネックは折りたたんで着用することもでき、シンプルながら個性が光る一着です。CRACK DESTROY LONG T　侵食された人工物を表現したクラック模様が目を惹くロングスリーブTシャツ。ピグメント加工によるヴィンテージのような重厚感のある佇まいながら、クラック部分はメッシュ状に仕立てられているので軽やかに着こなせます。コンパクトなクルーネックやすっきりとしたスクエアカットの裾を採用し、一枚で着るのはもちろん、レイヤードスタイルにも重宝するアイテムです。

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「パラトレイト」の26AWコレクションをデザイナーが解説、注目アイテムをピックアップ

　精神科の看護師でありながら、アート／ファッションの分野で活躍をする彼女は、自身の身体経験を基点に作品を制作してきた。3Dペンによって空中に描くように作られた服は、寝たきりの生活をしている祖母に、前身頃を上から乗せて、あたかも「着ている」ように見える構造をしている。それをモデルに着せた途端に、抜け殻を身につけているような不思議なシルエットになる。布を使わず、空中に線を描くように作られたその作品は、従来の服の作り方とは大きく異なる。一方で、身体に身につけるための構造を持つことで、確かに「服」として存在している。　さらに、ファッションコンテスト「ITS」の2018年ファイナリストに選出され、2026年にはMET（メトロポリタン美術館）の特別展「Costume Art」に作品が出品され、さらに同館に永久収蔵されるなど、ファッションの文脈でも評価されてきた。だから私は、これをファッションからのアプローチとして考えてみたい。　作品を見ながらずっと頭にあったのは、本流のファッションウィークでブランドが提示する服は、「機能」や「美しさ」だけでなく「だれのためか」までを伝えているのだろうかという問いだった。　例えば、2020年ごろまではファッションショーの中で多様なモデルを起用し、身体の多様性を肯定する動きが強まった。けれど、そのムードもやがて陰りを見せる。近年のショーを観察していると、クラシカルな身体美を求めるブランドが増えてきているように感じる。Vogue Businessによると、2025年春夏シーズンのランウェイでは、調査対象となったルックの94.9％がストレートサイズ、プラスサイズは0.8％にとどまり、多様性の停滞、あるいは後退を指摘している。　一方で、社会では「ありのままの自分を愛そう」というメッセージを目にする。それは「ありのままを認めましょう」と言われるだけで、社会規範で求められる「こうあるべき」というプレッシャーがあるのも事実であり、また「ボディポジティブ」という言葉があるように、今度は自己肯定までも求められる。　だから私は、ファッションには自身のコンプレックスや社会的役割から一旦離れ、自分の居場所を作るための「道具」としての役割があると思っている。 　津野氏が提示しているのは、身体を否定することでも、肯定することでもない。彼女が「文學界」で連載しているエッセイ「『ファット』な身体」という題名からも伝わるように、ファッションを通じて自分の姿を一度外に出し、少し離れたところから眺めるような感覚がある。　ファッションは身体を美しく見せたり、ありのままの姿を肯定したりする役割を担っている。けれど現代の多様性を考えるとき、それだけでは捉えきれない、もっと個人的で言葉にしづらい感覚や、とてもパーソナルな悩みをほぐすための道具としても機能するように感じた。　逃れられない身体と生きていくために、どうすれば楽になれるのか。その方法を探すこともまた、ファッションの役割として求められているのかもしれない。　煌びやかで、かつ理想のモデルで溢れかえるファッションウィークの最中だからこそ、津野氏が提案する作品は、ファッション、もっといえば「ファッションコマーシャル」の当たり前をずらしているように見えた。　個展の名前である「Spilling Body」の由来にはこう書かれていた。何かをこぼしている身体と、身体そのものがこぼれ、あふれ出している状態という二つの意味を重ねている。それは、すでにこぼれ終わった身体ではない。人物、環境、時間と関わりながら絶えず境界を変え、今もこぼれつづけている身体である。　服とは、変わり続ける自分の身体と、少し距離を置いたり、愛でるように近づいたり、または理想と現実の間を埋めたりしながら、自分自身と付き合うための場所をつくることができるのではないか。

「ファッションはだれのためのものか」　東コレ期間中、津野青嵐の個展から考えたこと

【注目デザイナー①】5年目の「タナカ ダイスケ」が次に目指すのは？本特集では、設立5年以下で独自の世界観を持ち、今後の活躍に注目が寄せられるファッションデザイナー3人をフィーチャー。トップバッターは「タナカ ダイスケ（tanakadaisuke）」を手掛ける田中大資。舞台映えする繊細な刺繍やビジューを散りばめた装飾で、BIGBANGのG-DRAGONを筆頭にK-POPや著名アーティストがステージ衣装に次々と起用し、エンタメの世界からも熱視線を集め存在感を放つ。5年の節目を迎え、変わらないことと変わったこと、10年目に向けたブランドらしさとの向き合い方を聞いた。...記事を読む【鼎談】20代で店を始めた3人が語る、令和のセレクトショップ事情次のファッションシーンを作るのは、デザイナーだけではない。どんな服を選び、どう見せるか。独自の感性で新たなスタイルを提案するショップもまた、新しい才能や価値観が広がっていくきっかけを作る存在だ。20代でそれぞれショップを立ち上げた「スタジオラボ404ドットコム（studiolab404.com）」のモネと、「ディソナンス（DISSONANCE）」の森下リョウジ、モハメド・アズハリ・アフメドの鼎談を実施。20代で店を始めた理由から、セレクトの基準、同世代への意識、そしてこれから作りたい景色まで、同世代だからこその率直な会話を記録した。...記事を読む【注目デザイナー②】「カカン」がニットとテーラリングで紡ぐ世界設立5年以下の若手デザイナーとして、「カカン（KAKAN）」を立ち上げた工藤花観に取材。シグネチャーである手紡ぎ糸の「HANDSPAN」シリーズに代表される、有機的で野生的な揺らぎを内包したアートピースのようなニットのほか、日常の身体に心地よく寄り添うテーラリングアイテムも支持を集めている。国内アワードの受賞や初のランウェイ、バレエ公演の衣装制作など、ブランドへの期待が高まる彼女が描く、ものづくりの背景とブランドの未来像を紐解く。...記事を読む【音楽】ファッションにも注目、個性あふれる6組を紹介いつの時代も密接に結びつく、音楽とファッション。現代の音楽シーンとそれを取り巻くポップカルチャーを、独自の視点で捉えた文章や音声コンテンツで知られる音楽ライターのつやちゃんに、音楽性だけでなくファッションの個性も光る気鋭のミュージシャンを、ジャンルレスに推薦・寄稿してもらった。...記事を読む【注目デザイナー③】京大卒「ダイスケ タナベ」の服づくりを形成するもの次世代の注目デザイナー、3人目としてフィーチャーするのは、2024年に「ダイスケ タナベ（daisuke tanabe）」を立ち上げた田邉大祐。京都大学経済学部在学中にパターン養成学校で服作りの基礎を学び、卒業後は西陣織の老舗・細尾でテキスタイルに携わった田邉。素材や加工技術への理解を土台に、映画や文学、音楽、写真、旅などから得た感覚でファッション的な“捻り”を加えた服作りが強みだ。日本が誇る繊維産業に敬意を払いながら、ファッション表現を未来へ繋げていく田邉が見据える先を深掘りした。...記事を読む【アワード一覧】若手デザイナー向け国内外の支援制度まとめ「自分の服をより多くの人に届けたい」「いつか自分のブランドを立ち上げたい」。そんな目標を持つ若手デザイナーの一つの突破口となるのが、ファッションアワードや助成制度。学生からブランドを運営するデザイナーまで挑戦できる国内外のアワード、奨学金・助成制度を紹介した。また、2025年にLVMHプライズを受賞した「ソウシオオツキ（SOSHIOTSUKI）」の大月壮士デザイナーに、受賞がブランドにもたらした変化や、賞金の活用について教えてもらった。...記事を読む【次世代育成】設立18年、「ここのがっこう」出身者が世界で評価される理由は？近年、国内外のアワードで評価される気鋭デザイナーたちのプロフィールで頻繁に目にする「ここのがっこう（coconogacco）出身」という経歴。同校は独自のコミュニティを形成し、ファッションにとどまらない多彩な人材を輩出するインキュベーションの場として機能してきた。主宰する山縣良和へのインタビューと、国内外で活躍する修了生や在校生、講師陣たちの声を手掛かりに、次世代デザイナー＆クリエイターを育てる土壌がどのようなものかを紐解く。...記事を読む【アンケート】ファッション業界人52人が注目、日本の次世代ブランド日本のファッションブランドが海外でも存在感を高めている今、注目すべき次なるスター候補は誰なのか。バイヤーやスタイリスト、ジャーナリスト、アワード審査員を務める先輩デザイナーらファッション業界人52人にアンケートを実施。数年後には入手困難になっているかもしれない、今知りたい“青田買い”ブランドを一挙紹介する。...記事を読む【先達に聞く】源馬大輔が語るデザイナーに必要なマインドセット現代のファッションデザイナーが抱える課題は、安定した運営資金を得るための商品構成や価格設定、ビジネスパートナーの選び方などさまざまだ。素晴らしいクリエイションを発表していながらも、運営面で壁にぶつかるデザイナーも少なくない。そこで、ブランドディレクターとして、さまざまなデザイナーズブランドに関わってきた源馬大輔氏に、そうしたリアルな課題との向き合い方を聞いた。...記事を読む【ルーキー名鑑】独立したてのスタイリスト、フォトグラファー、ヘアメイクファッションはデザイナーだけでは作れない。服を起点にさまざまなクリエイターの感性が交わり合うことで、初めてその世界観が立ち上がってくるものだ。服作りとは異なる領域でファッションを支える彼らの仕事は、時に服そのもの以上に注目を浴び、多くの者が活躍を夢見る狭き門でもある。その荒波に飛び込んだばかりの次なる才能にフォーカス。独立ほやほやのスタイリスト、フォトグラファー、ヘアメイク総勢19名を一挙に紹介する。...記事を読む【留学費問題】名門アントワープの学費高騰がファッション教育に投げかける問い今年4月、ファッションスクールの名門、ベルギーのアントワープ王立芸術アカデミーが学費の値上げを発表した。その内容は、非EEA圏出身の新入生を対象に、年間授業料を従来の約3倍に引き上げるというものだった。進む学費高騰や円安の影響によって、ファッションに限らず海外で学ぶためのハードルは大きく変わりつつある。「払える人だけ」が学べる時代になりつつあるのか。アントワープの学費高騰を起点に、ファッション教育を取り巻く現状を深堀した。...記事を読む

ファッションだけじゃない、今知っておくべき次世代クリエイター【特集11記事まとめ】

圧倒的なスケール感！ 国内最大規模を誇る日本初のグローバル旗艦店　原宿駅からほど近い表参道沿いに誕生した、国内最大規模を誇るルルレモンのグローバル旗艦店。一歩足を踏み入れると、天井の高さと奥行きを感じる開放的な空間が広がります。表参道を見渡せるガラス張りの店内には、メンズとウィメンズの最新アスレチックコレクションがラインナップ。洗練されたデザインと温かみのあるディスプレイは、見ているだけで「アクティブに動きたい！」という気持ちを呼び起こしてくれます。　ルルレモンがグローバル旗艦店で採用している「Movement（動き）」「Connection（つながり）」「Sensory Engagement（感性への働きかけ）」の3つのコンセプトをもとにした内装デザインは温かみがあり、ブランドならではの洗練されたデザインとマッチする空間に仕上がっています。　1階を歩いていると目に入るのが、壁一面に描かれた周辺マップ。このマップでは、ルルレモンが提携するヨガスタジオやランニングステーション、運動前後に利用できるカフェや飲食店などを一覧で紹介していて、マップ横のボードでは、ルルレモンがアンバサダーとともに主催するコミュニティイベントのスケジュールを随時発信しています。機能性もデザインも妥協しない、最新ウェアを試着！　店内をひと通り見て回った二人は、気になるアイテムを試着してみることに。ランニングやヨガ、テニスなどのウェアが揃う1階とは異なり、2階には、ルルレモンならではの機能性を備えたカジュアルウェアが並びます。 　二人がそれぞれ選んだのは、シンプルなデザインに優れた機能性を備えたアイテム。ジャケットやアクセサリーをさっと取り入れるだけで、そのままカフェや買い物にも出かけられる、ハイブリッドなスタイリングです。お互いの姿を鏡で確認しながら、試着室の前は大盛り上がり。　Eijiさんは、カーキのワントーンスタイルをセレクト。デニムのような風合いを持つ、独自の「Utilitech」ツイル素材を採用したボトムは、ルーズフィットのストレートシルエット。カジュアルでありながら、品のあるスタイリングに仕上がります。 　普段からヨガやランニングでルルレモンのウェアを愛用している“ルルレモン通”のMayukoさんは、AlignタンクトップとGroove ワイドレッグ ハイライズパンツに、ショート丈のジャケットを合わせました。そのままヨガやピラティスにも出かけられる機能性がありながら、秋らしさと爽やかさを兼ね備えたスタイルです。 原宿店限定、お気に入りを“自分だけのアイテム”に　お気に入りのウェアが見つかったら、最後に立ち寄りたいのが、原宿店限定の体験型コンテンツです。購入したボトルには刻印を、人気のベルトバッグにはイニシャルのエンボス加工を施すことができます。自分の名前や思い出にまつわる言葉を選び、完成を待つ時間まで、特別な体験になりそうです。　原宿店のボトル刻印サービスでは、日本らしいデザインとして、おにぎりをモチーフにしたキャラクターも選べます。「原宿」や「東京」の文字をあしらった提灯モチーフもラインナップ。旅の思い出としてはもちろん、世界中どこにいても日本らしさを感じられるデザインです。 　「運動しなきゃ」と身構えなくても、好きなウェアを身に着けることで、自分の体をもっと好きになれたり、少し外に出て歩いてみようと思えたり。ルルレモンのウェアは、そんな日々の小さな一歩に寄り添ってくれます。今回訪れた原宿店は、ウェアを選ぶ楽しさだけでなく、ブランドが大切にするアクティブなライフスタイルを五感で体験できる場所でした。あなたも是非、自分を心地よくしてくれる相棒を探しに、足を運んでみては？

友達と巡る、ルルレモン原宿　“私らしいウェア”をディグる週末

　「クチュール」は本来、フランス語で「縫製」や「仕立て」を意味し、既製服（仏プレタポルテ、英レディ・トゥ・ウェア）とは異なる、手仕事と高度な技術を重んじる服づくりを指す。しかし近年は、ラグジュアリーの象徴として軽やかに使われ、本来の意味が曖昧になる場面も少なくない。　一方で「オートクチュール（Haute Couture）」は、クチュールとは明確に区別される呼称だ。1945年以降フランスでは法的に管理され、パリのサンディカ（Fédération de la Haute Couture et de la Mode）が認定したメゾンだけが名乗ることを許される。フランスの歴史と制度を背負った言葉である。　だからこそ、アンナ チョイが今回掲げた"クチュール”がどのようなものなのかが気になった。デザイナーに話を聞くと、その重みを意識しながら、自身のものづくりを深めようとする意欲的な姿勢が見えてきた。国や文化を軽やかに超えたルーツ　アンナ・チョイは現在に至るまでさまざまな土地で学び、異なる文化を吸収してきた。兵庫県神戸市に生まれ、韓国籍を持ちながら日本で育つ。東京の文化服装学院、ニューヨークのアートスクール、イギリスのノッティンガム芸術大学で学び、2021年に「ヘンネ（HAENGNAE）」を立ち上げると、「TOKYO FASHION AWARD」や「NEXT BRAND AWARD」特別賞を受賞。2025年には拠点をニューヨークへ移し、「アンナ チョイ」として新たな歩みを始め、今年CFDA（米国ファッションデザイナー協議会）のアジアン・ファッション・アワードのファイナリストにも選出された。　ものづくりにも異なるカルチャーが交差している。デザイナー自身の韓国的ルーツ、日本の職人による精緻な手仕事、ニューヨークの自由な感性、ヨーロッパのクチュール技法。「自然とチマチョゴリのように胸下から広がるシルエットを描いてしまう」とデザイナーは笑う。生地はニューヨーク、パリ、ミラノで仕入れ、縫製と生産はすべて日本の職人に託す。"自由を象徴する街”ニューヨークで得た感覚を、日本の技術で「Made in Japan」で作り上げることがブランドの軸になっている。　拠点やブランド名だけでなく、ものづくりへの姿勢も変わった。海外でハイラグジュアリーの世界や最高級の素材に触れる機会が増えたことで、素材選びや仕様への意識も高まったという。「クリエイションとしても、精神性としてもパワーアップした姿を見てもらいたかった」という思いが、このショー開催へとつながった。出発点はロダン美術館の彫刻　今季のテーマは、“彫刻的”を意味する「SCULPTURAL」。制作の最中に訪れたパリのロダン美術館で、異なる色や質感、フォルムの彫刻が並ぶ光景を目にし、「今やりたい表現」だと感じたという。古典的な造形美を、モダンでエレガントなドレスへと再構築する。その着想は色や質感にも広がり、各ルックにはそれぞれ異なる女性像と物語が与えられ、一着ずつが“彫刻”として仕立てられた。　披露したのは、わずか8ルック。「今の自分ができるキャパシティで、一つ一つを高いクオリティで仕上げたかった」と、数を絞った理由を語る。　会場となった渋谷ヒカリエのホールBも美術館に見立てられ、来場者には展示解説を思わせる一枚が配られた。8人のモデルはランウェイを歩いた後、小さなステージでスポットライトを浴びながら静止し、彫刻のような佇まいを見せた。観客がその周囲を自由に回遊し、ドレスを間近で鑑賞できる演出も、今回のテーマにぴったりだった。8ルックで描く、個性豊かな“彫刻”　ファーストルックのアイボリーのロングドレスは、薄いシルクジャージーにボーンを入れ、立体的に仕立てた一着。当初は1枚のドレスとして製作していたが、繊細なシルクジャージーではシルクタフタのボリュームのあるスカートを支えきれず、上下をセパレートへと組み替えたという。プリンセスラインのスカートにあえて鋭い輪郭を肩に与え、凛としたシルエットで、モダンな印象を醸し出す。 　「CORSET DRESS」は、ダークグリーンのレザー、ベルベット、シルクサテンの異素材を重ねているのが特徴。ボーンとパッドでビスチェを構築し、腰まわりは柔らかなベルベットで大胆に膨らませ、そこからシルクサテンが床へと流れ落ちる。硬さ、柔らかさ、流動性という相反する質感を、一つの身体の上に共存させ、見る角度によって表情を変える彫刻的シルエットを描いた。ブラウンの「VEIL DRESS」は、極薄のシルクシフォンを、すべて手作業のまつり縫いで製作。上半身はレオタード構造で、透けて見える脚が美しく、安心してまとえるよう配慮した。 　白い「PAPER DRESS」は、軽やかな表情を持つキャンバスのようなコットンシルクを使ったミニドレス。内側にはパニエやボーンを仕込み、硬く構築した部分と柔らかく広がる。ベージュの「RIBBON DRESS」は、乾いた質感のシルクタフタの縁や胸元の大きなリボンに、3ミリほどの細いワイヤーを忍ばせ、動かすことで大胆なフォルムを描いた。 　赤い「FOLD DRESS」は、一枚のシルクを、デザイナーいわく「バスタオルを一枚巻いたよう」なイメージで折り、寄せ、胸元の一点から立体に。縫い目を極力つくらず布そのもののドレープを生かすことで、豊かなシルエットを引き出す。マットゴールドのスパンコールをまとったドレスは、鱗を思わせるシークイン刺繍が印象的。「このファブリックを見つけた時、絶対にタイトなタートルネックで、大胆に開いたドレスを作りたいと思った」という。ボリュームのある付け袖には、ヘンネ時代から続く持ち味が現れている。　ラストを飾ったのは、ブラックの「SUIT DRESS」。スーツ生地として用いられるイタリア産の梳毛ウールを、シルクオーガンザの重なりでドレスへと再構築した。シャープなスーツ地と透けるボリュームが交差し、スカートの内側からは歩くたびに艶が覗く。このルックのみメンズモデルが着用。「ドレスは女性だけのものではない」という中性的な強さが、彼女の考える現代のエレガンスを浮かび上がらせた。ミキモトのパールがもたらす説得力　スタイリングの完成度を高めたのが、日本を代表する世界的なハイジュエリーブランド「ミキモト（MIKIMOTO）」のジュエリーだ。　アンナ チョイは今年7月、パリ・オートクチュール期間中に発表されたミキモトの新作ハイジュエリー「レクラ（L'éclat）」のためにドレスを制作した。その縁から今回のショーでは、ミキモトのコレクションからブラック、ゴールド、ホワイトのパールを用いたチョーカーやピアス、リングをルックに添えている。　最高峰のジュエリーにふさわしいドレスであることが、アンナ チョイの目指すラグジュアリーの水準を裏づけていた。“クチュール”で見据える次の景色　今回発表されたようなドレスは、日常で袖を通すものではない。レッドカーペットや式典、パフォーマンスなど、特別な瞬間にこそ映える服だ。今後はニューヨークのアートギャラリーなどで同コレクションを展示し、要望に応じたメイドトゥオーダーも視野に入れる。さらに後日には、8ルックのエッセンスを落とし込んだプレタポルテも披露する予定だという。非日常の造形を日常へとつなぐ道筋まで含めて、アンナ チョイのものづくりは広がり始めている。　デザイナーにパリ・オートクチュール・ファッションウィークへの出展を目指しているのかと尋ねると、「重い歴史があり、自分にはまだ足りていない部分もある。経験と勉強を積み重ねなければならない」と慎重に言葉を選んだ。一方で、「チャンスがあれば、飛び込みたい」と続ける。　今回のショーは、アンナ チョイにとって一つの決意表明だった。"クチュール”という言葉の重みを意識しながら、自分が信じる服づくりの純度を高めていく。その先を見てみたいと思わせるショーだった。photography: monami

ANNA CHOI

「アンナ チョイ」が彫刻的なドレスで切り拓く“クチュール”への道

ダイソンが電動歯ブラシを発売　口腔内を確認できるライブ映像機能を搭載「ダイソン（Dyson）」が、「ダイソン カメラジェット（Dyson CameraJet）フロッサー付き電動歯ブラシ」を発売した。全国の家電量販店と一部百貨店、および公式オンラインストアなどで取り扱っている。 新作には、ダイソン独自のAI機械学習アルゴリズム「Gap Optical Targeting」を搭載した10万ピクセルのマクロレンズカメラが付属。歯間をリアルタイムで捉え、必要な箇所に正確にマウスウォッシュをジェット噴射することで、ブラッシングと同時に効果的な歯間ケアを実現する。また、ダイソン独自の可変式の音波振動技術によりブラシの毛が絶えず動き続けるよう設計。これに加え、円すい状に広がるように噴射される「コニカルジェット」によって歯ぐきやエナメル質への負担を抑えながら、より効果的な歯垢除去を可能にした。 専用アプリと連動させることで、ライブ映像機能を通じて、歯科医が見るような視点で口腔内の状態を確認することが可能。このほかにもアプリでは、クリーニングガイドや使用方法を紹介する動画、ブラッシングや歯間ケアに関するヒントが閲覧できるほか、磨き残しの確認、パーソナライズされたフィードバックを利用することができる。＞＞元記事を読むユナイテッドアローズが文教大学付属中高の新制服デザインを監修　パーカを新たに導入ユナイテッドアローズの法人向けユニフォームレーベル「ID UNITED ARROWS」が、文教大学付属中学校・高等学校の新制服を、オンワードコーポレートデザインとのコラボレーションで製作した。新制服は2027年4月に導入される。 アイテムは従来のブレザーやスラックス、スカートなどに加え、ワイドシルエットのチノパンツや、チノハーフパンツ、チノスカート、パーカーを新たに導入。気候や天候に応じて選べるアイテムを増やすことで、日々の学校生活における着用時の快適性向上を目指したほか、多様なアイテムの組み合わせによって、生徒が自分らしい着こなしを楽しめるデザインに仕上げた。＞＞元記事を読む2026年8月の百貨店売り上げ：6社のうち3社が増収　猛暑で夏物衣料が好調維持国内主要百貨店6社（三越伊勢丹、髙島屋、大丸松坂屋百貨店、阪急阪神百貨店、松屋、近鉄百貨店）の2026年8月度の既存店売上高をレポート。（全て前年同月比） 西日本を中心に例年を上回る暑さとなった8月。前月に引き続き好調を維持した夏物衣料が、各社の売り上げを下支えした。 インバウンド・国内顧客を問わず、高額品の売り上げが好調を維持。宝飾時計を中心に、ラグジュアリーブランドのバッグや衣類が支持を集め、客単価向上に寄与した。 大丸松坂屋百貨店、松屋、近鉄百貨店の3社が減収。松屋は前年の銀座店100周年キャンペーンをはじめとする大型催事の影響、近鉄百貨店と大丸松坂屋百貨店は大阪・関西万博などの反動で減収となった。＞＞元記事を読むポステレガント 中田優也がデザイン　Peachが初の制服全面リニューアル航空会社 Peach Aviation（以下、Peach）が、創業15周年の節目にリブランディングを実施したことに伴い、客室乗務員・運航乗務員・地上係員が着用する新制服を発表した。制服の全面リニューアルは2012年の就航以来初で、10月1日から着用をスタート。デザインは、「ポステレガント（POSTELEGANT）」の中田優也が手掛けた。 刷新した空港カウンターや来春受領予定の新デザインの機体と調和するよう、ベージュのグラデーションを基調とし、Peachを象徴するピンクやブラウンを差し色として取り入れた。スカーフやポケットのディテールには、新たに定めたPeachのロゴと連動したカーブを施すなど、「角のない柔らかさ」を表現した。 客室乗務員と地上係員の制服には共通のデザインを採用し、Peachとして初のワンピーススタイルを発表。各自の個性に合わせ、ジャケット、パンツ、ワンピースを自由に組み合わせて着用できるほか、客室乗務員を対象にスニーカーの着用を可能とした。また、これまで男女で異なっていたジャケットとパンツの素材・デザインを統一した。＞＞元記事を読むユニクロがB.LEAGUEとのパートナーシップ契約を発表　バスケユニフォーム製作ユニクロが、日本の男子プロバスケットボールリーグ「ジャパン・プロフェッショナル・バスケットボールリーグ（以下、B.LEAGUE）」とのパートナーシップ契約を締結した。これに伴い、2026-2027シーズンからレフェリーウェアおよびテーブルオフィシャルズのウェアを提供するほか、2027年1月開催の「りそなグループ B.LEAGUE ALL-STAR GAME WEEKEND 2027 IN AICHI-NAGOYA」では同社初のバスケットボール選手用ユニフォームを製作する。 B.LEAGUEとのパートナーシップは、「スポーツの力で人々の生活を豊かにする」ことを掲げる同機構と、“あらゆる人の生活を豊かにするシンプルで高品質な日常着”である「LifeWear」の哲学を追求するユニクロの考え方が共鳴したことから実現。 レフェリーウェアは、開発に際し実際にレフェリーへのヒアリングを実施。シャツには多くのトップアスリートから高い信頼を得ている高機能素材「ドライEX」を採用し、長時間にわたって走り続けるレフェリーの快適性とパフォーマンスを支える。＞＞元記事を読む毎日ファッション大賞の受賞者が決定　大賞はCFCLの高橋悠介、新人賞はTELMAの中島輝道毎日新聞社が、第44回「毎日ファッション大賞」の受賞者を発表した。今年の大賞は、「シーエフシーエル（CFCL）」デザイナーの高橋悠介が受賞し、新⼈賞・資生堂奨励賞は、「テルマ（TELMA）」を手掛ける中島輝道が選ばれた。 鯨岡阿美子賞には、ビームス代表取締役社長の設楽洋と「イッセイ ミヤケ（ISSEY MIYAKE）」を運営する三宅デザイン事務所の創業者・副社長の故 小室知子が選出された。また、話題賞には1935年に大阪で創業された大手スポーツウェアメーカー「デサント（DESCENTE）」の「新水沢工場」が選ばれた。＞＞元記事を読むオフ-ホワイト™のクリエイティブディレクター、イブラヒム・カマラが退任「オフ-ホワイト™（OFF-WHITE™）」のクリエイティブディレクターを務めたイブラヒム・カマラ（Ibrahim Kamara）が、同職を退任した。2022年から約4年にわたり、ブランドのクリエイションを率いた。 カマラは退任に際し、自身のInstagramを通じて「オフ-ホワイト™と私は、ともに変化を重ねてきた4年間を経て、互いに話し合ったうえでそれぞれの道を歩むことになりました。この章は、ヴァージル・アブローと初めて仕事をともにした時から始まり、その後、私自身がクリエイティブ・ディレクターを務めるまで続いてきたものです。この旅に関わってくれたチーム、そしてすべての方々に感謝します」とコメントを発表。＞＞元記事を読む「払える人だけ」が学べるのか　名門アントワープの学費高騰がファッション教育に投げかける問い今年4月、ファッションスクールの名門、ベルギーのアントワープ王立芸術アカデミーで学ぶ日本人学生 島田響さんのもとに、授業料の改定を知らせるメールが届いた。内容は2026-2027年度から、非EEA圏出身の新入生を対象に、年間授業料を2万5000ユーロ（約465万円）へと、従来の約3倍に引き上げるという通知だった。 進む学費高騰や円安の影響によって、ファッションに限らず海外で学ぶためのハードルは大きく変わりつつある。「払える人だけ」が学べる時代になりつつあるのか。FASHIONSNAPの「次世代クリエイター」特集ラストとなる本記事では、アントワープの学費高騰を起点に、ファッション教育を取り巻く現状を考える。＞＞元記事を読む■最新コンテンツは以下のページからニュース　|　特集・連載　|　コレクション

毎日ファッション大賞にCFCLの高橋悠介、ダイソンが電動歯ブラシを発売…【5分でわかる主要ニュース 8/30〜9/5】

　ショー会場に入って真っ先に目に飛び込んできたのは、ベッドやキッチンなどを設置した「家そのもの」とも言えるセットだ。2度目のショーである2025年秋冬シーズンでは、ディレクター Kokiの実家の近くの森から持ち込んだ段ボール600箱分の枯葉を用いて「家の外」を再現したが、今回作り出したのはその内側。Kokiの実家から、幼少期の自室に置いてあったという思い出のアイテムをプロップとして持ち込んだ。山梨県北杜市の清里でドライフラワーに関する事業を営んでいた実家はKokiにとって、「デザイン」というものに初めて触れた“出発点”とも言える場所。雄大な自然と素朴な手仕事の温もりが当たり前に存在する環境で生まれ育ったからこそ、前衛的でありながら着る人を突き放さない、ある種の包容力を孕んだコッキのモノづくりは生まれたのかもしれない。「自分の内側をさらけ出す感覚があってタフな作業だった」（Koki）と振り返りながら作り込んだ会場は、一見すると外界から隔絶されたノスタルジックな箱庭のようでありながら、生活の気配と、服が日常に寄り添うためのリアリティに満ちていた。　ファーストルックを飾ったのは、ピンストライプのセットアップの内側から、ヴィヴィッドな赤のインナーを覗かせたセンシュアルな装いだ。フロントのジップや白いステッチ、裾のデザインなどに表れているように、インナーのベースにあるのは労働者階級の服であるワークジャケット。そこにフリルを落とし込むことで、無骨さと繊細なフェミニンさを共存させている。しかし、ここで提示されているのは単にメンズウェアに女性的な要素を加えたという表面的な試みではない。実用着のタフネス、フリルの愛らしさ、テーラードの品格。本来異なる時代や場所、用途で着用されてきた服たちが、まるで誰かの生活の中で長年重ね着されてきたかのように、自然にひとつのスタイルとして馴染んでいる。年代や国境を超えて様々な国のカルチャーが入り混じる「蚤の市」を心の故郷とするコッキの、カテゴライズできない服作りがファーストルックに凝縮されていた。　今季ならではの新たな要素として挙げられるのが、Kokiが趣味で集めているヴィンテージの舞台衣装からインスピレーションを得て製作したというショーピースたち。迷彩柄を用いたジャケットのルックは、貴族の装飾服を思わせる肩フリルや金糸刺繍、レースといったデコラティブな意匠を散りばめつつ、膝丈のデニムショーツと合わせることで浮世離れしすぎない絶妙なバランスへと着地。燕尾服風ジャケットのウエストにレオパード柄のコルセットを重ねたルックも力強い。格式や演劇の幻想性を漂わせながらも、ボトムスにダメージデニムを合わせることで古典的なエレガンスと現代のストリートを交差させ、クラシックとモダンという本来矛盾するはずの感覚を共存させた。ショーピースとインラインのアイテムが互いを引き立て合い、展示会で商品を見るのとはまた違った“装うことの楽しさ”を提示した。　ショーのスタイリングは、今回から国内外で活躍するスタイリスト 山口翔太郎が担当。山口もコッキの服について語るときに「温かさ」と答える一人だ。「カッコつけるということがなく、服作りの楽しさが伝わってくる。素直で遊び心があって、自然体。そんな人に似合う服だと思いました」。モード色の強いアイテムにデニムを合わせてカジュアルダウンするなど、「あくまで日常に根ざした服として提案する」ことを意識してスタイルを作り上げたという山口。「パラブーツ（Paraboot）」が提供したグルカサンダルは、ドレスライクな品格を漂わせながら、編み込みの隙間から肌が覗く適度な抜け感を備え、スタイリングが単一のイメージに固まるのを防ぐクッションとして機能した。　多くの人を魅了するコッキの「温かさ」の正体とは。象徴する素材に伝統工芸「アメリカンキルト」があるが、その本質は単に手仕事やクラフトマンシップに留まるものではない。過去と現代、国境の壁、現実と非日常といった異なる要素を拒絶せず丸ごと取り込み、着る人の生活に接続する寛容な眼差しにある。一見前衛的なデザインには、完璧なスタイルで着飾るのではなく、装う人の個性と混ざり合うための余白が意図的に残されている。コッキの服に袖を通したときに感じる「温かさ」とは、衣服というメディアを通して作り手と自分が静かに通い合う、血の通ったコミュニケーションなのかもしれない。

KHOKI

「コッキ（KHOKI）」の服に宿る“温かさ”の正体とは？

復学を前に届いた学費改定の知らせ　現在ファッション科に在籍する島田さんは、少数精鋭で知られる狭き門をくぐり2024年に入学。1年間の休学期間を経て、今年9月の復学を目指して準備を進めてきた。アントワープを選んだ理由は、服作りの技術だけではなく、デザインのコンセプトや思考のプロセスそのものを深く掘り下げる教育環境に魅力を感じたからだ。　もう一つ、現実的な理由もあった。世界的に知られるファッションスクールでありながら、ロンドンやニューヨークなどの有力校と比べ、学費が比較的抑えられていたことだ。　島田さんによると、入学当初の授業料は年間約150万円。加えて、ベルギーでの滞在資格を得るための資金証明として、生活費に相当する金額をあらかじめ預け入れる「ブロックドアカウント」に約150万円が必要で、渡航時には計約300万円を準備したという。　ところが、休学を経て2年次で復学しようとしていた矢先、2026-2027年度から非EEA圏出身学生の学費体系が大きく変わるという通知を受けた。アントワープ王立芸術アカデミーなどを運営するアントワープ応用科学芸術大学は、対象となる非EEA圏出身の新入生の年間授業料を2万5000ユーロ（約465万円）に設定。2025-2026年度の授業料は60単位履修の場合8631.60ユーロ（約161万円）だったため、約3倍の水準となる。島田さんを含む在学生には経過措置として年間1万3500ユーロ（約251万円）の料金が設けられている。背景にある政府の方針転換　学費引き上げの背景にあるのは、ベルギー北部で教育政策を担うフランデレン政府による高等教育への補助金制度の変更だ。フランデレン政府は、教育分野ごとの資金区分において、非EEA圏出身学生が2％を超える部分に対する公的補助を縮小する方針を打ち出した。　多くの名だたるデザイナーを輩出してきた名門ファッションスクールには毎年ヨーロッパだけでなく、世界各国から学生が集まる。現にファッション科では学生の約40％が非EEA圏出身を占めているという。国際的な学生を多く受け入れてきた教育機関ほど大きく影響を受けるというわけだ。　学校側は今回の授業料引き上げについて、フランデレン政府による非EEA圏学生への補助縮小を受けたものだと説明。教育の質と国際性を維持するため、減少する公的資金分を授業料で補う必要があるとしている。　学生側からは反発が広がった。アントワープ王立芸術アカデミーなどでは「Who Can Pay Can Stay（支払える人だけが残れる）」をスローガンに掲げた抗議活動が始まり、4月から5月にかけて行われた学生集会には、EEA圏・非EEA圏を問わず多くの学生が参加したという。「学費の安さ」もアントワープの魅力だった　　アントワープ王立芸術アカデミーを長年見てきた一人が、ユナイテッドアローズの栗野宏文上級顧問だ。同氏は1996年から2002年まで7年連続で同校の卒業コレクションの審査員を務め、その後も定期的に同校との関わりを持ってきた。　同校が世界的なファッションスクールとして注目を集める大きなきっかけとなったのが、1980年代に台頭した「アントワープ・シックス*」の存在だ。ドリス・ヴァン・ノッテン（Dries Van Noten）やアン・ドゥムルメステール（Ann Demeulemeester）ら卒業生が国際的に活躍したことで、アントワープという街と同校の名は世界のファッションシーンに広く知られるようになった。*アントワープ・シックス：アントワープ王立芸術アカデミー出身で、1980年代後半に国際的な注目を集めたベルギー人デザイナー6人の総称。ドリス・ヴァン・ノッテン、アン・ドゥムルメステール、ウォルター・ヴァン・ベイレンドンク、ダーク・ビッケンバーグ、ダーク・ヴァン・セーヌ、マリナ・イー。　その評価を次の世代へとつないだのは、ファッション科を率いたリンダ・ロッパ（Linda Loppa）を中心とする教授陣だった。栗野上級顧問が審査員を務めていた時代には、アントワープ・シックスの一人で、学長も務めたウォルター・ヴァン・ベイレンドンク（Walter Van Beirendonck）やパトリック・デ・ムンク（Patrick De Muynck）らが教鞭をとり、技術面を支える教員も充実していたという。同氏は当時を「アカデミーの黄金時代だったのでは」と振り返る。　こうした教育環境に惹かれ、日本からアントワープを目指す学生も次第に増えていった。栗野上級顧問は、「アントワープがこれほど注目されるようになったのは、『アントワープ・シックス』の功績と、もう一つ、学費が安かったからでしょう」と話す。　1990年代当時、日本から海外でファッションを学ぶこと自体が現在ほど一般的ではなかった。その中でアントワープは、独自性の高いクリエイションと充実した教育環境で世界的に知られ、入学だけでなく進級や卒業まで高い水準が求められる一方、費用面では比較的挑戦しやすい選択肢の一つだった。以降、日本からも学生が渡り、「ユイマ ナカザト（YUIMA NAKAZATO）」の中里唯馬、「ミキオサカベ（MIKIO SAKABE）」の坂部三樹郎、「カラー（kolor）」のクリエイティブディレクターを務める堀内太郎ら、現在も国内外で活動するデザイナーを輩出してきた。「経済力」が進学の条件に？　今回の約3倍の値上げについて、栗野上級顧問は「学費は本来高額であってはならない。将来の産業を担うデザイナーは特殊技能を持つ人材であり、優秀な人が選抜されるシステム自体は良いことですが、そもそも経済力がなければ入学できないというのはおかしな話だと思います」と疑問を呈している。　さらにはこの状況を、現在のラグジュアリー市場に重ねる。かつては少し背伸びをすれば手が届いたものが、価格上昇によって、購入を検討できる層自体を限定するものへと変わっている。同じようなことが教育にも起こり始めているのではないか、という指摘だ。　世界各地から異なる文化や価値観を持つ学生が集まり、互いに刺激を受ける環境も、アントワープの教育を特徴づけてきた要素の一つ。経済的な理由で出願や進学を断念する学生が増えれば、学校側もさまざまな才能を受け入れる機会を失うことになる。栗野上級顧問も、「世界中から優秀な人材が集まらなくなる可能性があり、それは学校にとっても機会損失と言わざるを得ません」と話す。10年前の1.5倍以上、進む留学費高騰　こうした学費高騰は、アントワープだけで起きているわけではない。　文化服装学院などを運営する学校法人文化学園 国際交流センターによると、欧米のファッション系教育機関では、10〜15年前と比較して授業料が1.5倍以上に上昇。多くの学校が毎年、数百〜数千米ドル・英ポンドのペースで値上げを続けているという。　現在の年間授業料は学校によって大きく異なり、米ニューヨークのパーソンズ美術大学（Parsons School of Design）の学士課程は約6万4000米ドル（約1024万円）、英ロンドンのセントラル・セント・マーチンズ（Central Saint Martins）の修士課程は約3万5000英ポンド（約752万円）。一方、フランス・パリの専門学校では年間約1万2000ユーロ（約223万円）で学べるコースもあり、国や教育機関によって価格差は大きい。そこに、日本人学生の場合は近年の円安が重なる。　同センターは、「生活費自体の現地での変化よりも、近年の歴史的な円安による影響の方が深刻」と説明する。実際、相談に訪れる学生の多くが奨学金に関する情報を求めるようになり、「費用を抑えられること」を前提に進学先を検討するケースが増え、留学先も欧米だけでなく、比較的費用を抑えられるアジア圏や中欧などを候補にする学生もいる。　また、円安と授業料の値上げを理由に海外留学を断念する学生は「著しく増えている」といい、2025年度から2026年度にかけても、海外校から合格通知を受け取ったものの、経済的な理由から最終的に進学を辞退した学生がいたという。奨学金は高騰する留学費用に追いついているか　海外留学にかかる費用を補う手段の一つとして、多くの学生が頼りにするのが奨学金だ。授業料や生活費の一部を補う制度として重要な役割を担っている一方、留学費用が高騰するなか、学生が海外で学ぶ機会を十分にサポートできているのだろうか。　同センターは、文化服装学院独自の留学支援奨学金制度を設けているものの、「昨今の費用高騰に対しては十分とは言えない」という。多くの奨学金制度は生活費の一部補助にとどまり、最も負担の大きい授業料をカバーするには至っていないのが現実だという。特に課題となるのが、ファッション分野や、学位取得を目的としない専門学校への留学などに利用できる外部奨学金の少なさだ。　年間の授業料だけで数百万円に達し、さらにファッション分野では材料費や制作費も必要になる。奨学金が存在していても、留学費用全体を賄えるケースは限られる。　島田さんも同様に、資金工面の壁にぶつかった一人だ。復学費用を募るクラウドファンディングを立ち上げ、当初復学にかかる250万円を目標に設定。投資資金を募るリアリティ番組「令和の虎」に出演し、100万円の出資を受け目標金額を達成した後も、作品制作費を含む500万円をネクストゴールに設定し、新学期が始まる直前まで支援を募った。その結果、最終的に目標に対して159％を達成し、当面必要な資金の目処が立ったことから、9月から始まる新学期より復学する予定だという。　しかし、すべての学生が島田さんのように、自ら発信し、クラウドファンディングや外部からの支援によって数百万円規模の資金を集められるわけではない。留学の機会が、本人の経済力だけでなく、資金調達の能力や発信力にまで左右される状況は、教育支援のあり方を考えるうえでも軽視できない問題だ。奨学金をはじめとする既存の支援制度が、増大する留学費用にどこまで対応できるのか——。個人の努力に頼るだけでなく、学びたい学生が利用できる支援の選択肢をどのように広げていくかが、改めて問われている。海外で学ぶ機会をどう支えるか　一方で栗野上級顧問は、海外留学のハードルが高くなれば、日本国内の教育機関の価値が相対的に高まる可能性もある、と期待を寄せる。文化服装学院をはじめ、デザイナーの山縣良和が主宰するファッションスクール「ここのがっこう」、大阪を拠点に実践的なファッション教育を行う「ヴォートレイル ファッション アカデミー」などを挙げ、「優秀な人材が国内の学校を選ぶようになるのであれば、それはそれで良いことかもしれない」と語る。　海外へ行かなければ優れたデザイナーになれないわけではない。それでも同氏は、若い時期に異なる文化や価値観の中に身を置く経験には意味があると考えている。「どんな形であれ、一度は日本を出て世界を見る経験は非常に重要です。海外から日本を見つめ、世界の中での日本の立ち位置を知ることが、大きな財産になります」と、海外経験を通じて視野を広げることの重要性を訴える。　授業料の上昇に加え、円安や生活費の高騰が重なり、日本から海外でファッションを学ぶことは、以前よりも大きな経済的負担を伴うようになった。世界的に授業料や生活費の上昇が続く中、学費が以前の水準まで戻ることは考えづらい。　海外で学ぶ選択肢を経済的な理由だけで諦めないために何ができるのか。教育機関や奨学金制度を含め、学生を支える仕組みそのものを改めて考える段階に差しかかっているのかもしれない。