インサイド

名作ブーツの系譜を引いた「エーグル」のクロッグシューズ　「エーグル（AIGLE）」は1853年にフランスで誕生したアウトドアブランド。アメリカ出身の実業家がフランス中央部のロワール地方にラバー工場を設立し、ファーマーのためにラバー製のブーツを製造したことをきっかけに発足しました。農作業用だけではなくスポーツやアウトドアシーンでも着用できるシューズを展開するようになったことを契機に、ライフスタイルブランドとして発展。のち2022年には「エチュード（Études）」の創業者であるオレリアン・アルベ（Aurélien Arbet）、ジェレミー・エグリ（Jérémie Égry）、ジョゼ・ラマリ（José Lamali）の3人をアーティスティックディレクターに迎え、伝統的な機能性を軸に洗練された都会的なアウトドアスタイルを提案しています。今回紹介するコーレイは、ブランドのシグネチャーであるレインブーツの系譜を引いたアイテムの一つ。2023年に登場して以降、優れた機能性とデザイン性により人気を集めている一足です。伝統を継承した優れた機能性　本格的なガーデニングシーンを想定し設計されたコーレイは、長い歴史の中で培われてきた「エーグル」独自のテクノロジーが集約されており、ブランドらしい高い機能性が最大の特徴です。アイコンであるレインブーツを継承した一足は、天然ゴムを主原料にブランド独自の製法で薄く引き伸ばした素材をアッパーに採用。レインブーツと同様の素材を使用しているため高い防水性と耐久性を兼ね備え、さらに天然ゴム由来の柔らかくしなやかな素材感による、快適な履き心地を堪能できます。 　さらにインソールはコルク製のものを搭載。通気性と吸水性、高いクッション性など多岐にわたる機能を備えたコルクを使用することでリラクシーな履き心地を堪能できるうえに、素足でも心地よく着用することが可能です。そのほか、足場が不安定な場所でもスムーズに歩行できる頑丈かつ安定感のあるアウトソールを採用するなど細部にまで抜かりがありません。フレンチブランドらしいスタイリッシュなデザイン　前述の通り多彩な機能を搭載しながら、タウンユースにもフィットするスタイリッシュなデザインも魅力の一つ。元々クロッグシューズとは、ずんぐりとした形状でつま先から甲までを覆ったサンダルのことを指しますが、コーレイはボリュームを抑えたフレンチブランドらしい上品なシルエットが目を惹きます。スマートなシェイプだけではなくブランドロゴのみが入るミニマルなデザインやレザーライクに見える素材感も相まって、より上品な印象に仕上がっています。　従来のアウトドアブランドのシューズと言うと派手な色味を想起しますが、シンプルなデザインにマッチするシックなカラーリングも魅力的なポイント。どんなアイテムとも相性よく合わせられるブラックや知的なムードを演出するネイビーなど落ち着いた印象の色味で、モダンな一足へと昇華しています。多彩なシーンで重宝する汎用性の高さ 　「クロッグデザインなのに防水」という今までにない発想で誕生した一足は、レインブーツを履くのが面倒な時や通り雨の時、ワンマイルの外出など多彩なシーンで重宝するはずです。「雨が降っているけどスマートな格好をしたい」、「レインブーツのアウトドアテイストが苦手」という方にとっては、さっと履ける気軽さとスタイリッシュなデザインから、これ以上ないほどぴったりな一足ではないでしょうか。ショートパンツにソックスを合わせたアクティブなスタイルや、太めのパンツを合わせてブーツのように見せる着こなしなど、合わせるボトムスによって表情を変え、スタイリングにアクセントを加えてくれる優れものです。　一般的なクロッグシューズはさっと履ける着脱のしやすさが魅力ながら、踵が無い分つま先から甲にかけて負荷がかかり疲れてしまいがちですが、コーレイに関してはクッショニングに優れたコルクのインソールを採用していることに加え、重厚感のある見た目に反した圧倒的な軽さにより、長時間履いていても足元への負担が少なく快適に着用できます。サイズ感は比較的ゆとりがあるので、普段選んでいるサイズから1つ下げるのがおすすめ。厚手の靴下を合わせてスタイリングしたいという方は普段のサイズを選ぶとちょうどよく履けると思います。ブランドのシグネチャーであるレインブーツを大胆にアップデートした、新しい定番アイテムをチェックしてみて。◾️「マイスタンダード」バックナンバー・無骨さと上品さを両立させた「セブン バイ セブン」のレザートートバッグ・優雅な曲線美に惹かれる「ハトラ」のイヤーカフ・歪さが生む美しさ、「プリーク」のハートリング・植物の恵みを肌で受け取る「ネモハモ」のブースターオイル＞＞バックナンバーを見たい方はこちらから

AIGLE

お買いモノ

【マイスタンダード】名作ブーツの系譜を引いた「エーグル」のクロッグシューズ

アイウェアと香水はスタイリングを整えるプロダクト── アトリエ マクリは2022年12月にオープンしました。そもそも、空間スタイリング会社がメガネと香水の店を立ち上げた理由は？　マクリでは、店舗空間のインテリアのセレクトやスタイリングを行っています。展示会会場や店舗設計など、BtoBのビジネスを約10年間続ける中で、作った店舗や空間の先にいるエンドユーザーともコミュニケーションをとることができる起点を作りたいと考えました。　せっかく店を作るなら、わざわざ足を運んでいただく意味のあるコンテンツが作りたかったので、オンラインでは選びにくく、店員のアドバイスを受けながら選びたい専門性が高いもの、そしてメンテナンスを通じて長くお客さまとお付き合いが続くプロダクトを取り扱いたいと考え、メガネと香水を選びました。単に「メガネと香水」と聞くと脈絡なく感じるかもしれませんが、その日のスタイリングを仕上げる重要なピースであるという共通点もあります。　清澄白河という東京の中心から少し離れたエリアを選んだのは、会社が元々浅草にあったので東京の東側で移転先を探していたこと、そして時間をかけてわざわざ訪れなければいけないエリアだからこそ、ゆっくりとした時間を過ごしていただけると考えたからです。── アトリエ マクリはセレクトショップですが、オリジナルブランドはどのようにして誕生したのでしょうか。　以前から、店に置きたいイメージのものが既存のブランドで見つからない時はひっそりと自分たちでオリジナルアイテムを作っていたんです。でもそれはあくまでも足りないジャンルを埋めるためのプロダクトでした。── 市場に足りないのが「リムレス」だった？　リムレスアイウェアは、1990年代から2000年代にかけてハイファッションの文脈で注目されましたが、次第と機能性重視のプロダクトというイメージを強め、ファッションアイテムとして用いられなくなっていきました。トレンドアイテムとしてリムレスが再注目を集め始めた2024年初頭には、デコラティブすぎるかクラシカルすぎる、両極端なデザインがほとんどで、ニュートラルで静かな、アトリエ マクリが求めるデザインが見当たらなかったんです。お客さまからも「リムレスを探しているけど、どこで買ったらいいのかわからない」という声が聞かれました。今でこそリムレスを作るようになったブランドは増えましたが、フレームがないのでレンズに直接テンプルを取り付けなくてはいけないリムレス構造はレンズの付け替えに手間がかかるのでやりたがらないブランドが多かったんです。2024年ごろから作りはじめ、同年5月にザ・コンランショップ東京店で開催したアトリエ マクリのポップアップで初のオリジナルプロダクトとして披露しました。そこで想像以上の反響をいただき、ザ・コンランショップでの卸売りや「ユナイテッドアローズ＆サンズ（UNITED ARROWS & SONS）」をはじめとする大手セレクトショップでの取り扱いが次々と決まりました。── アトリエ マクリのオリジナルプロダクトとして開発してから約2年、今年3月にリムレスアイウェアブランド「リムレス トーキョー」を立ち上げました。　アトリエ マクリには、オリジナルのリムレスメガネを求めて北海道から沖縄まで日本全国からわざわざ足を運んでくださるお客さまがいらっしゃいます。メガネは定期的なメンテナンスが必要なので、遠方のお客さまには近隣にあるおすすめのメガネ屋さんを個別にご案内したり、調整が必要な商品を郵送していただいたりしていましたが、もっと手軽に楽しんでいただくために遠方のお客さまのメンテナンス拠点を作る必要性があると考えました。そこで、メガネブランドとして立ち上げることでメガネ専門店にも卸先を拡大し、3月からは全国展開のメガネ専門店「ポーカーフェイス（POKER FACE）」でも取り扱っています。　アトリエ マクリは、ニッチなデザインのアイウェアを取り扱っており、私たちが店頭でしっかりと接客して選んでいただくことを重視している、“狭く深い”クローズドな空間ですが、ザ・コンランショップでのポップアップをはじめとする反響の大きさを見ていると、リムレス トーキョーはもっと幅広い方々も気軽に手に取っていただくことができる機会を作ったほうが良いのではないかと感じたんです。リムレス トーキョーもアトリエ マクリの世界観の地続きにありますが、もっとその可能性を広げるために、アトリエ マクリの屋号から切り離してみることにしました。レンズを替えれば別のデザインに　「リムレス」ならではのミニマルな生産体制── 現在リムレスの人気は継続していますが、2000年代に人気が落ち込んだように今後また人気が下火になる可能性もあるのでは。「リムレス専門」を掲げることはリスクではないですか？　トレンドに波があるのは確かですが、リムレスデザイン自体はずっと残り続けています。リムレスの魅力は、フレームがないことによる軽量さや顔馴染みの良さ。しかし、製造が難しかったことから、かつてはジュエリーのような高級品として上流階級だけの持ち物だった時代もあります。リムレスが持つ普遍的な魅力を「文化」として根付かせたいんです。── リムレス トーキョーらしいデザインの特徴は？　リムレストーキョーは、「アイウェアブランド」ではなく「スタイリングブランド」であると定義しています。デザインする際に裏テーマとして設定したのは「部屋着に合わせてもサマになる」ということ。リラックススタイルに合わせても、顔だけが浮くのではなくナチュラルに馴染むものです。　かといって、馴染みすぎてもアクセントにならないし、尖りすぎると本人の印象を変えてしまう。かける人が主役になるように、顔の印象を邪魔しない、でも「ないよりあったほうが良い」ものにするべく、シェイプとカラーだけでさりげない存在感を出せるように意識しています。── レンズカラーやシェイプのバリエーションを幅広く揃えていますね。　お客さまに提案する際も、珍しいシェイプはクリアレンズに、その人に似合うシェイプはカラーレンズで遊んでみるなど、“違和感”と馴染みの良さのバランスを大切にしています。── どのようなバックグラウンドのメンバーがブランドを運営しているんですか？　マクリには、メガネ業界をはじめインテリアやアパレルなど幅広いバックグラウンドのメンバーが揃っていて、それぞれが「スタイリスト」を名乗っています。マクリのメンバーが約15人の中で、アトリエ マクリやリムレス トーキョーを担当しているのは5人。誰か一人がバイヤーを名乗るのではなく、価値観を共有した全員が「マクリに合うかどうか」という基準を持ってセレクトしています。デザインはイタリアで10年間アパレル業界に携わってきたメンバーが中心になって、スタイリングのアクセントになるという視点から開発しています。── 生産体制を教えてください。　テンプルなどのパーツとレンズをそれぞれ仕入れて、レンズを削って形を作る加工と組み立ては私たちの手で行っています。テンプルは全型共通で、レンズシェイプを変えることでデザインのバリエーションを作っています。5分もあれば組み立てることができるので、全商品の完成品在庫を積んでおく必要もなく、アトリエ マクリでは接客をしながそのお客さまに似合うメガネを考えて組み立てることもしばしば。そうしたミニマルな運営が可能というのも「リムレス専門」ブランドにした理由のひとつです。　また、レンズを変えるだけで別のデザインになるので、アトリエ マクリの店頭では1万6500円でレンズの交換を受け付けています。購入していただいたデザインに飽きてきたら、店頭で新しいものを選び直していただき、色々なデザインを長く楽しんでいただくことができます。── 今後の展望を教えてください。　リムレス トーキョーは、単独での直営店出店を目指します。また、アトリエ マクリに関しては、今秋に現在の店舗の増床を行います。現在は1階のみですが、2階に新たに立ち上げるジュエリーラインを、3階をリムレス トーキョーのショールームにする予定です。恐れ多いのですが、いずれはアトリエ マクリの建物を、ドーバー ストリート マーケット（DOVER STREET MARKET）のような、訪れた人が半日滞在してくれるような場所にしたい。アパレルブランドのポップアップなども不定期で開催していて、色々な人が関わってくれる場所を作っています。　ジュエリーを始める理由は、「人生の節目」に選ぶ人が多いものだと思うから。そして、ジュエリーだけでなく、アトリエ マクリのお客さまはメガネも仕事の節目や人生の転機に合わせて購入してくれる方が多いです。近頃は結婚式で指輪ではなくメガネを交換する人もいると聞きます。これからも、節目に訪れたくなるような、記憶にも残る場所づくりを目指し、より深くお客さまの人生に関わっていくお店づくりをしていきたいと考えています。

RIMLESS TOKYO

Fashion

「リムレスメガネは文化になり得る」　空間デザインスタジオがアイウェアを作る理由

1位「チノ」のVネックシャツ　1位にランクインしたのはブランドのシグネチャーとして知られる「チノ（CINOH）」のVネックシャツ。フランスの船乗りや漁師の作業着をルーツに持つヴァルーズシャツを彷彿とさせる一枚は、象徴的な深めのVネックのデザインはそのままに、コットンシルクの上質な素材と丁寧に仕立てることで、モチーフの古臭さを払拭したモダンな佇まいが目を惹きます。抜け感のあるネックのデザインに合わせ、自然な余白が生まれるリラックスしたサイズ感を採用し、軽やかな着心地でこれからの季節に重宝すること間違いなし。2位「オン」のクラウド6 ジオ　従来のモデルとは一線を画すトレンド感のある佇まいが目を惹く「オン（On）」のクラウド6 ジオ。26SSコレクションの新作として登場した一足は、ブランドの定番であるクラウド6をベースに、地形図をモチーフにした流線型のデザインとトグル式のシューレースを採用することでテックな印象を放つ仕上がりに。シーン問わず着用できる防水仕様やクッショニングに優れたオリジナルのソールなど、高いデザイン性だけではなくブランドらしい機能性も兼ね備えた万能シューズです。3位「タナカ」のボウリングシャツ　春夏のスタイリングを彩る「タナカ（TANAKA）」の半袖シャツが3位にランクイン。クラシカルなボウリングシャツをサンプリングした一枚は、大きめの開襟や背面のアクションプリーツなどを踏襲しながら、今シーズンの象徴的なデザインであるボタニカル柄の刺繍を全面にあしらうことで、従来のアメカジテイストを払拭しブランドらしくモダンに再構築。洗練された大人の雰囲気を演出するブラックとベージュのコントラストも魅力的なポイントです。4位「セブン バイ セブン」のレザートートバッグ　ブランドのシグネチャーとして2024年以降継続して展開を続ける「セブン バイ セブン（SEVEN BY SEVEN）」のレザートートバッグ。1940〜1970年代頃にアメリカやヨーロッパなどで作業員が工具を運ぶために使用していたツールバッグをサンプリングしたアイテムは、象徴的なデザインである底面に打たれたリベットや短めのハンドル、ツールを引っ掛けるために使用していたサイドのフックなどモチーフを忠実に再現した、ヴィンテージに造詣が深いブランドらしい仕上がりが特徴です。ディテールを完全に踏襲しながら、素材にはしなやかなゴートスエードを用いることで、従来のタフで重厚感のあるイメージを払拭し、洗練された仕上がりへと昇華しています。5位「ヘインズ」のヘンリーネックTシャツ　取り入れるだけで簡単に抜け感を演出できるアイテムとして注目を集め始めたヘンリーネックのカットソー。一枚でそのまま着るのはもちろんレイヤードスタイルにも重宝する汎用性の高さから、クルーネックに代わる新たな定番としてストリートを席巻しています。そんなトレンドの波に乗るように、5位にランクインしたのはアメリカの老舗ブランド「ヘインズ（Hanes）」の代名詞とも言える「ビーフィーT（BEEFY-T®）」シリーズから登場した一枚。その名の通りタフで丈夫な仕上がりが特徴で、洗えば洗うほど肌に馴染む独自の風合いを堪能でき、春夏のワードローブの心強い味方になってくれるはず。6位「イレニサ」のデニムシャツ　メンズ服の定番とされているアイテムにブランド独自の解釈を加え、長く着られる服を提案している「イレニサ（IRENISA）」。ベーシックなデニムシャツを大胆にプルオーバー仕様へと変更した一着は、アノラックのようにスタイリングに取り入れられ、着こなしの幅を広げくれる優れものです。独創的な佇まいに加え、テンセルを原料にしたデニム地で仕立てることで、シルクのような光沢感と美しいドレープを帯びたモダンな一着へと昇華。カジュアルなアイテムを素材とデザインでエレガントに刷新する、ブランドの手腕が光る仕上がりです。7位「ノマット」のパイピングジャケット「ヨウジヤマモト（Yohji Yamamoto）」で経験を積んだデザイナーが手がける「ノマット（Nomàt）」からは、ブランドのシグネチャーとして人気を集めているノーカラージャケットがランクイン。余計なディテールを排除したミニマルなデザインが目を惹く一着は、アンニュイなムードを演出する首元の緩やかなカーブや自然な袖の振り、丸みを帯びたパッチポケットなど、カッティングに定評のあるブランドらしい仕様が目を惹きます。脇下に施されたベンチレーションは、衣服内の湿気や熱を逃すためだけではなく、腕を動かした際の身頃の突っ張りや浮きを抑えるように設計されているだけではなく、腕を通すことでジャケットを肩から羽織ったかのようなアレンジも楽しめる、シンプルながらも気の利いたデザインです。8位「ティーエイチ プロダクツ」のワイドショーツ　昨年からのトレンドアイテムとして人気を集めるワイドショーツ。一歩間違えると子供っぽくなりがちなアイテムも「ティーエイチ プロダクツ（th products）」にかかれば大人顔の一本へと姿を変えます。膝下にかかるほどの長めの丈感や迫力あるワイドなシルエットなどトレンドに沿ったデザインを採用しながら潔くブラックの単色でまとめ、さらに生地には程よい光沢とハリがあるナイロンベースのテキスタイルで仕立てることで、シャツやジャケットなどモダンなアイテムとマッチする上品な仕上がりに。ブランドのシグネチャーである腰元のチャームにも注目です。9位「N.ハリウッド」のスウェット　毎シーズン注目を集める「N.ハリウッド（N.HOOLYWOOD）」と「チャンピオン（Champion）」のコラボコレクションの新作として登場したスウェットが9位にランクイン。シーズンごとにモチーフを変え展開していますが、26SSコレクションでは「チャンピオン」を象徴するリバースウィーブを再構築したリバーシブルのアイテムが登場。表面は無地、裏面はバイカラーを採用し、スミクロのような濃いグレーの色味も相まって合わせるアイテムを選ばず着こなせ、スタイリングの幅を広げてくれること間違いなし。10位「ジョン メイソン スミス」のデニムパンツ　10位にランクインしたのは昨年登場し人気を集めた「ジョン メイソン スミス（JOHN MASON SMITH）」のデニムパンツ。最大の特徴は、大胆に表裏をひっくり返したインサイドアウトの仕様。本来は内側にあるスレキすらも残したまま反転させることで、デザインの一部として昇華させたブランドの手腕が光る一本です。独創的な佇まいに加え、生地には国内有数のメーカーであるカイハラ社製のデニム地を使用し、着古したような佇まいを表現するためにヴィンテージ加工を施すなど細部にわたるこだわりも見逃せません。

CINOH

N.HOOLYWOOD

th products

IRENISA

TANAKA

JOHN MASON SMITH

SEVEN BY SEVEN

Nomàt

Hanes

みんなのお気に入りを大公開、F/STOREユーザーが選んだ"欲しい"アイテムTOP10【2026年5月】

COLOR BLOCK　今年らしいスタイルのポイントは、強めの色同士を思い切って組み合わせるカラーブロック。ピンクやブルー、グリーン、オレンジ、レッドといった鮮やかな色をぶつけることで、シンプルな夏服も一気に今年らしい表情に。装いが軽くなる季節だからこそ、色のコントラストはより効果的。トップスやバッグ、シューズなどでワンカラーを効かせるだけでも十分。この夏、まずはいつものベーシックな装いに一点、強めのカラーを取り入れてみては。LINGERIE　ランジェリーデザインは、今年のランウェイで印象的だったトレンド。レース素材やスリップ、細いストラップのキャミソールなど、インナー由来のディテールをあえて見せることで、軽やかさと抜け感を出すのがポイント。あくまでヘルシーに見せるのが重要で、一枚で着るのが難しい場合は、トップスやシャツの中からのぞかせるだけでも十分だ。肌見せが増える夏にこそ、チャレンジしたいスタイル。MODERN PREPPY　トレンドのプレッピースタイルは、きちんと感を残しながらも、どこか力の抜けたバランスが肝。ポロシャツやラガーシャツ、Vネックニット、チノパンといった定番要素をベースにしつつ、サイズ感や着崩し方で今年ならではのスタイリングに。袖をラフにまくったり、ショーツやミニ丈ボトムで軽さを出したりするだけでも印象が変わり、これからの季節はサンダルと合わせるのもおすすめ。夏は全体をかっちりまとめるより、素足感のある足元や肩掛けニットなどで抜け感を出すのが、今年らしいモダンなプレッピーに仕上げるコツ。OVERSIZED SHIRTS　オーバーサイズシャツは、サマーシーズンも引き続き頼れる定番かつトレンドアイテム。白やブルー、ストライプといった爽やかな色柄なら、着こなしに清涼感を加えながら、日差しや冷房対策にも使える。ワードローブの定番アイテムだが、今年は思い切ってサイズで遊んでみよう。SCARF MOTIF　スカーフはスタイリングに動きと軽やかさを取り入れられる万能なファッションアイテム。今季はランウェイでもウェアのデザインに組み込まれたものから、小物として取り入れるスタイルまで、さまざまな表現で登場した。首元に巻くのはもちろん、バッグに結ぶ、ヘアアクセサリー感覚で使うなど、取り入れ方の幅が広いのも魅力。薄着でスタイリングが単調になりやすい季節にも、一枚で印象を変えられる。VOLUMY SKIRT　ボリュームスカートは、装いに華やかさを加える主役級アイテム。ランウェイでは、羽根やフリンジ、構築的なシルエットを備えたデザインが目立ったが、これからの季節、リアルに取り入れるなら、軽量のテクニカル素材で風をはらむようなバルーンシルエットやコクーンフォルムのスカートがおすすめ。トップスがシンプルになりやすい夏は、ボトムに量感を持たせるだけでスタイリング全体にメリハリが生まれ、今年らしい高揚感を日常に落とし込める。

夏ファッションをアップデートする6つのトレンド　ランウェイから読み解く

ここのがっこう コースについてファッション表現の基礎や歴史を学びながら、自身のルーツを掘り下げる「プライマリーコース」、書くことを通して自分らしいファッション表現を探る「ファッションドローイングコース」のほか、ゲストとの対話から創作のヒントを得る「レクチャーコース」、毎回異なるチューターを迎えながら制作を深める「プレアドバンスコース」といったクラスを用意。加えて、プライマリーコース修了生を対象に、チューター形式で制作指導を行う1年制の「アドバンスドコース」「マテリアル＆マターコース」も開講。両コースでは、年度末の4月に富士吉田を舞台としたインスタレーション形式の作品展示を実施する。FUJIHIMURO、福源寺　富士吉田駅から徒歩5分ほどの場所にあるアートギャラリーFUJIHIMURO、福源寺には6つのインスタレーションが揃う。アーカイヴとしての“靴”（高橋耀）“ゲロ”がモチーフ（田岡理沙）「路上生活者に着目」（相原民生）少し“ずらした”スーツ（成枝 真由菜）祖父と私をつなぐ“逆お下がり”（小林大介）心の中にいる“とくさん”を助けたい（徳永貴雄）旧山叶工場　展示会場で最大規模である山叶工場では、18ものインスタレーション作品が並ぶ。「G e3.1 Pro（非恋愛的親密さ）」（嵯峨南）“バイブス屋”が手掛けるポップアップ（白浜麗）ぬいぐるみにまみれた「方舟」（本間蒼生）「曖昧」「中途半端」「境界線にいる人」（樫山マサヒロ）“誠実な適当さ”（ジュガール）椅子に着せる服（伊藤愛希）服を“建てる”（吉野達也）「呪い」（齋藤幸樹）日常を切り取った生地写真（土出あゆみ）私を守る服（パク ヒョンヒ）心の“傷を肯定（藤松怜央）標高6812mの頂上で自作のドレスを（高橋侑希）「オパール加工は人間関係に似ている」（高平ふみ）想像には怖い一面がある（馬場逸平）やめられない衝動がドレスに（笹久保紅織）生きづらさを消化するための祈り（室諭志）過去や閉塞感を抱えながらも前へ進む人間像（浜田空）高尾家住宅　国の重要文化財に指定されている高尾家住宅には3つのインスタレーションが並ぶ。暮らしの痕跡から着想（中島芽衣）内と外「あいだ」の空間（小栗天音）「安全な冒険」原題：Turvallinen retkikunta（シェイ・ミロ）旧社員寮・Fab Cafe　昨年度の展示場所としては使われなかった2階建ての旧社員寮を開放。Fab Cafeでは物販も行われた。五島列島の歴史にニットの歪みを（野上翔平）郷愁や山河への慕情を表現（村野こだま）「アフターイメージング」（市原結菜）「東北から都へ」馬と共に旅した記録（岩井巽）

「アントワープシックスの魂が受け継がれている」　ここのがっこう 2025年度修了展示

ハンズ渋谷店が11月に閉店　1978年から48年間にわたり営業ハンズが運営する「ハンズ渋谷店」が、賃貸借契約の満了に伴い11月をもって営業を終了する。最終営業日は決定次第アナウンスするという。＞＞元記事を読むミッソーニ家が全株式を売却・資本から撤退　現CEOと経営陣は続投ミッソーニ創業家が、保有する全ての株式を売却したと発表した。2018年からミッソーニに出資を行い、41.2％の株式を所有していたイタリアのファンド会社 FSIが、第一段階として全株式を取得。その後すぐに、ドイツの製菓大手 カッチェスのグループ企業で戦略的投資部門のカッチェス・インターナショナルが、その子会社であるカッチェス・クワイエット・ラグジュアリーを通じて、ミッソーニの株式約27％の取得を完了。FSIは約73％の株式を保有し筆頭株主となった。 同ブランドの経営は取引後も変わらず、リヴィオ・プローリ現CEOと現経営陣が担う。会長にはFSIの共同創設者兼共同経営パートナーであるバルナバ・ラバンヌ氏が就任する予定だ。＞＞元記事を読むエバーレーンがシーインに売却　創業者は新事業立ち上げへ「エバーレーン」が「シーイン」に売却されることが決定した。海外メディアの報道によるとシーインはLキャタルトンからエバーレーンの過半数株式を取得する予定で、取引額は非公開。 エバーレーン創業者のマイケル・プレイズマンは自身のリンクトインアカウントを通して、新たな事業に着手することを明かした。＞＞元記事を読むグッチがF1参入、アルピーヌとパートナーシップ締結「グッチ」が、アルピーヌ・フォーミュラワン・チームとのパートナーシップ締結を発表した。ラグジュアリーファッションブランドがF1チームのタイトルパートナーを務めるのは初めて。これに伴い、グッチは新たなビジネスおよび体験型プラットフォームとして「Gucci Racing」を立ち上げる。＞＞元記事を読むダイアン フォン ファステンバーグのデザイントップにヘンリー・ザンコフが就任「ダイアン フォン ファステンバーグ」が、アーティスティック・ディレクターにデザイナー ヘンリー・ザンコフを起用した。コレクションからヴィジュアルまでブランドのクリエイティブ全般を統括する。 アーティスティック・ディレクター就任後も自身のブランド「ザンコフ」を引き続き率いていく。＞＞元記事を読むBLACKPINK ジスがサロモンのグローバルアンバサダーに就任「サロモン」が、BLACKPINKのジスをグローバルアンバサダーに起用した。今後、クリエイティブプロジェクトやコラボレーション企画を実施していく。＞＞元記事を読むユニクロとドジャースが地域社会貢献へ　ホーム球場を拠点にイベントを実施「ユニクロ」が、ロサンゼルス・ドジャースとのパートナーシップに基づき、ロサンゼルス地域社会に貢献するために行う取り組みについて発表した。第1弾では、「ユニクロフィールド・アット・ドジャースタジアム」を拠点にしたイベントや取り組みを実施する。 また、若い世代が野球に取り組む機会を広げることを目的に、国際的なユースプログラムを用意。7歳から14歳までの子どもたちを対象に、ドジャースの元選手らとともに、ユニクロフィールド・アット・ドジャースタジアムおよびロサンゼルス各地でのベースボールクリニックや試合を実施する。＞＞元記事を読むただの「情報拡散」はもう終わり？　2人のファッションPRが思索する新たなPRの形ファッション業界において、ブランドとメディア、そして生活者を繋ぐ重要な役割を担う「PR」。しかし、情報が溢れ、発信の手法が多様化する現代において、従来のPRのあり方に疑問を抱く者も少なくない。2019年にそれぞれ独立し、数多くのブランドのPRを手掛けているTEN10の志賀光と、Sakas PRの長坂啓太郎。国内PRの第一線を走る2人が、この度パートナーシップ・プロジェクト「カンマ（comma）」を立ち上げた。「このままでは、ブランドの未来を作れないのではないか」。2人が抱いた危機感とは何だったのか。そして、ジャンルの壁を越えて目指す「新しいPRの形」とは？＞＞元記事を読む■最新コンテンツは以下のページからニュース　|　特集・連載　|　コレクション

ハンズ渋谷店が11月に閉店、グッチがF1参入…【5分でわかる主要ニュース 5/24〜30】

Nomàt / TIE SHIRT 　“国境にとらわれず、土地や人の背景を大切にした服づくり”をブランドのコンセプトに掲げる「ノマット（Nomàt）」。世界各国から調達した上質な素材を立体的なシルエットへと落とし込んだ、ミニマルながらも独創的な存在感を放つ洋服を展開しています。今回紹介するタイシャツはブランドのシグネチャーとして人気を集めているアイテムです。ディテール・シルエット　「クラシックな要素を取り入れながらも、硬くなりすぎず、日常の中で自然に馴染むバランスを意識した」という「ノマット」のタイシャツ。ゆとりあるサイズ感や丸みを帯びたシルエット、可変的な仕様などを取り入れながら、ボタンダウンの襟元やメタリックなボタンなど端正かつメリハリを効かせるディテールを採用し、クリーンな白シャツにアクセントを加えています。 　フロントのポケットから伸びる紐のディテールが最大の特徴。紐を活用することでシルエットを自由に調整できるデザインになっており、ラフに結んで軽くシェイプしたり、しっかり絞ってメリハリのあるラインを作ったりと、合わせるアイテムやスタイリングによって着こなすことが可能です。紐はポケット内に収納できるように設計されており、よりミニマルな印象で着用できるようにデザインされているのも魅力的なポイント。華美な装飾に寄りすぎず、機能とデザインの中間のような感覚で取り入れられており、この絶妙なバランス感も「ノマット」らしい点です。テキスタイル　生地には、近江晒によるペーパーライクな質感が特徴のコットン地を採用。ヨーロッパで見たアンティークシャツに着想を得たというテキスタイルは、ドライな質感とこなれたムードを演出する細かなシボが目を惹きます。適度なハリ感がありながらも着込むことで少しずつ柔らかく馴染み、シャツとしての品性を保ちながら経年変化していく点が、この生地の魅力です。CINOH / DEEP V NECK COTTON SILK SHIRT 　捻りを効かせた白シャツを探している人におすすめしたい「チノ（CINOH）」のVネックシャツ。普遍的なアイテムをベースに素材やディテール、カッティングで遊び心を加えたアイテムを展開するブランドらしい仕上がりの一枚です。ディテール・シルエット　「チノ」の26SSコレクションでは“適当すぎない適当さ”をテーマに掲げ、「きっちりと作り込まないが崩しすぎない」という自然体のバランスを追求しています。フランスの船乗りや漁師の作業着をルーツに持つヴァルーズシャツを彷彿とさせる一枚は、ブランドらしい品の良さを感じさせるミニマルなデザインと丁寧な仕立てはそのままに、深いVネックのカッティングで軽さやラフさを加えた、シーズンのテーマを体現したかのようなアイテムです。襟があることでシャツとしての輪郭は残しながら腰上まで深く設計されたカッティングにより、印象的な余白を生み出し、ボタンの開閉では表現できない抜け感を表現しています。またシルエットは、抜け感のあるネックのデザインに合わせてゆとりあるものを採用。「ラフな中にあるエレガンスを表現するためには、身体との距離感が必要」と説明し、着たときに自然な余白が生まれるリラックスしたサイズ感に仕上げています。テキスタイル　過去コレクションではドレープや落ち感を堪能できるウールなどの生地で仕立てられていることが多い一方で、今季はワッシャー加工を施したコットンシルク地を採用。軽さやさりげない透け感、身体から離れる自然なハリを備えた生地で仕立てることで、重厚感のある従来の佇まいとは異なる方向性でアプローチし、春夏仕様へとアップデートを施しています。シルク混なので高級感があり、軽やかながら大人っぽく着こなせます。nonnotte / DORMEUSE SHIRT 　国内の職人とともに作り上げられる渾身のテキスタイルと、立体裁断による身体から離れるような優雅なシルエットがマッチしたコレクションを展開する「ノノット（nonnotte）」。数多くある象徴的なテキスタイルの中でも、今回はブランド設立当初から展開しているヘビーブロードシリーズから登場したパジャマシャツにフォーカス。ディテール・シルエット　女優であるジェーン・バーキン（Jane Birkin）の“自然体でありながら艶っぽさのある空気感”から着想を得た一枚。「着飾ったものではなく、むしろ少し無造作で肩の力が抜けているのにどこか印象に残る。その感覚をシャツに落とし込みたいと思った」とデザインアプローチについて説明し、丸みを帯びた襟元やパイピングなどパジャマシャツ由来のディテールを踏襲しつつ、ブランドの十八番である立体裁断によって仕立てることで優雅な佇まいへと仕上げています。「白を基調にしつつ、あえて異なる色のパイピングを入れることで輪郭を際立たせ、柔らかさの中にほどよい緊張感を加えた」という一枚は、リラクシーなムードと品の良さを両立し、カジュアルなアイテムと合わせても印象がぼやけず、タウンユースとして上品に着こなせます。テキスタイル　ブランド設立当初から継続して展開しているヘビーブロードシリーズ。コレクションを構成するうえで欠かすことができない重要なテキスタイルであり、「ノノット」のシャツ作りの根幹を担っています。このテキスタイルで追求したのは「ドレスシャツの美しさ」と「日常着としてのタフさ」を両立させること。一般的な細番手のシャツ地は美しい反面繊細すぎて気を遣うことが多い一方で、太番手だけではカジュアルになりすぎてしまう。この矛盾を解消すべく太番手の糸を限界まで高密度に織りあげることで、程よい光沢としなやかな手触りによる高級感がありながらデイリーに着回せるという、シャツ地として理想的なテキスタイルを実現しています。太番手特有の立体感ある皺は、細番手では出せない無骨さと上品さを兼ね備えており、その皺自体を活かすという逆転の発想により完成された「ノノット」らしいテキスタイルです。th products / ROMAN MIDSIZE SHIRT 　「日常における普遍性の追求」をコンセプトに掲げる「ティーエイチ プロダクツ（th products）」からは、ブランドのコンセプトを体現したかのようなオーセンティックな仕上がりのシャツをピックアップ。どんなスタイリングにも馴染む懐の深さで、ユニフォームのように着こなせる一枚です。ディテール・シルエット　「ティーエイチ プロダクツ」から登場したシャツは、極限まで削ぎ落としたミニマルなデザインが目を惹く一枚。TPOやスタイル問わずマッチするレギュラーカラーやシングルカフスなどベーシックなディテールを踏襲しつつ、一枚で着るのはもちろんインナーとしても使いやすいサイズ感を採用することで使い勝手抜群の仕上がりに。一見するとシンプルながら、丸みのあるシルエットを演出する背面のサイドタックや、胸元にはさりげなく存在感を放つブランドロゴの刺繍を配するなど細部にまで抜かりありません。テキスタイル　クリーンなデザインに合わせるように、生地には艶やかなポリエステルコットンのタイプライターを採用。しっかりとしたハリと高級感がありながら、洗濯後にシワになりにくく速乾性にも優れており、デイリーに重宝します。TANAKA / THE TUNIC 　ワークウェアやヴィンテージに着想を得ながら、上品なテキスタイルとトレンド感のあるデザインで現代のワードローブにマッチするコレクションを展開する「タナカ（TANAKA）」。ブランドのシグネチャーとして無骨なデニムアイテムがピックアップされがちですが、今回はフェミニンなムードのチュニックに注目。ディテール・シルエット　欧米ではバカンス時に水着の上からバサっと羽織れるドレスやチュニックが定番であり、このスタイルに着想を得た「タナカ」の一枚。ざっくり羽織れる象徴的なプルオーバーの仕様はそのままに、抜け感を演出するカットオフやスリット、襟元のレースアップのディテールなどユニフォーム由来のデザインを取り入れることでリラクシーなムードときちんとした印象を両立させています。 　注目すべきポイントは象徴的なセーラーカラー。水兵服に由来する特徴的な襟元は、一目でわかるアイコニックなデザインであり、取り入れるだけで春夏らしいマリンルックを叶えてくれます。一枚でさらりと着るのはもちろん、襟元を際立たせるレイヤードスタイルもおすすめ。顔まわりを華やかな印象に仕上げてくれ、淡白になりがちなこれからの季節のスタイリングにアクセントを加えてくれます。テキスタイル　26SSコレクションで多用されていたリネン。世界最古の素材と言われ、吸水・吸湿性や速乾性など自然由来の機能性を備えており、高温多湿のこれからの季節に最適な素材の一つです。フランスやベルギーなどヨーロッパのものが使用されることが多いなか、「タナカ」では“国産”に着目。国内で製織や加工を行うことで日本独自のエッセンスや技術を詰め込んだテキスタイルを提案しています。このチュニックではそんなリネンを贅沢に使用したワッフル地を採用。素材由来の機能性に加え、凹凸感のある組織により肌離れよく清涼感のある着心地を実現しています。

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定番品こそ際立つ個性　ブランドのこだわりが詰まった「白シャツ」を徹底解剖

歴史あるミラノのファッションエリアに構える、ブランドの新たな拠点　セッチュウの新オフィス兼アトリエが位置するのは、「プラダ（PRADA）」や「ポール・スミス（Paul Smith）」のミラノ本社などが点在する、ミラノ南東部の古くからファッション企業が集うエリア。以前はナヴィリオ運河のあるポルタ・ジェノヴァ地区にアトリエを構えていたが、ブランドの成長に合わせ、より広いスペースを求めていたタイミングでこの場所と出会い、2025年6月に移転。もともとここは、「マルセル・パラダイス（Marsèll Paradise）」というクリエイティブな人々が集うギャラリーだったという。ちなみに、今年1月のミラノ・ファッションウィークでセッチュウの2026年秋冬コレクションのランウェイショーが行われたのもこの場所だ。　「このあたりは、元々は車の修理工場や倉庫が並ぶエリアだったんです。だから建物の作りはすごく質素。冬は寒く、夏は暑いですし、時々雨漏りもします（笑）。でも、このシンプルで工業的な感じが良かったんです。質素でもきれいに飾れば十分“ラグジュアリー”になります」と桑田さん。　約70〜80年前に建てられたという建物は、窓が多く外からの光がたっぷりと差し込む。壁や天井は、「退去時には白く塗らなければならない」というイタリアの慣習に倣い、歴代の借主たちが塗り重ねてきた痕跡が残る「白」をそのまま採用。インテリアも、シーチングを思わせる生成りや木、藁などの明るくナチュラルな色合いで統一されており、クリーンでありながらどこか心安らぐ温かみを感じさせる。　建物は3階建てで、全フロア合わせて約200平方メートルほど。今回見せてもらった1階は、主にショールームやモデルのフィッティングを行うスペースとして使用。「SETCHU」のロゴが入ったカーテンの向こうには、桑田さんや他のスタッフのデスク、ミーティングスペースなどが広がる。奥には、来月発表を控えた新作コレクションやそれにまつわるものが多数あるとのことで、今回は残念ながら非公開。地下1階にはアトリエ、2階にはストックスペースを構え、デザインからパターン製作、サンプル縫製、製品の出荷まで、ブランドのすべての機能がこの場所に揃っている。「畳」と「工芸品」が物語る、デザイナーのルーツと美学　室内に足を踏み入れてまず目を引くのは、随所に配され積み重ねられた「畳」だ。テーブルや作業台、ベンチの天板として、あるいはモデルを立たせる背景としても活用されているほか、床に敷いてその上で作業をしたり、座ってお昼ごはんを食べたりと、多種多様な用途に姿を変えるという。　「僕が育った実家の部屋が畳だったので、この匂いがあると落ち着くんです。そして、もともと僕がものづくりをしていたのも畳の上でした」。桑田さんにとって「畳」は、単なるインテリアではなく、自身のクリエイションの原点。かつて畳の上で絵を描いていた経験は、現在の服作りにも深く影響しているという。　「畳の上で紙に線を引くと、畳の目の凹凸があるので、綺麗な円が描けなかったりしますよね。でも、パターンを1mm変えるだけで他のブランドと変わる服作りにおいては、それが僕のオリジナリティになっている。僕の描く線は、畳に育てられたんです」。直線を引くとき以外は定規を極力使わず、フリーハンドでパターンを引くという桑田さん。その唯一無二の線から、ブランドのアイコンである「折り紙ジャケット」も生まれたそうだ。　畳とともに空間を印象的に彩っているのは、桑田さんが日本各地を巡って少しずつ集めたという伝統工芸品の数々。釘を使わずに作られた桶や、相撲の力士が使う力水を入れる器、祝い事の際などに贈られる檜の角樽など、決して有名ではないが、その技術やものづくりの背景、もの自体の美しさに惹かれたものだけを厳選しているという。「みんなが知っているようなブランド化された伝統工芸品は、別に助ける必要もないじゃないですか。僕は、あまり知られていないけれど美しく作られているものの方が意味があると思うし、興味があるんです」。　前回のショーには秋田の「なまはげ」の藁の靴が登場していたが、アトリエにもなまはげの衣装の一部や、東北地方の「蓑」、稲わらの座布団などが点在している。　「こういったものは、東北地方で農家の方たちが、稲の穂を刈った後に残ったものを使って冬の間に作っているもの。だから『何個作ってください』と言ってオーダーできるわけじゃなく、その方が元気で、そのときある材料で作れる分しか作ってもらえないんです」。「このなまはげの衣装は、本来売ってもらえるものではなく、編み方を勉強しに現地に行ったときに『あげるよ』といただいたもの。とても考えて作られていますし、毎回開くごとに削られていったりと、その完璧ではないところに美しさを感じます。もうこれを編む人は日本に数人しかいないそうなのですが、だからこそ少しでも農家さんの助けになったらいいなと思っていますし、もっと多くの子どもたちにもなまはげを見てほしいですね」と桑田さん。こうした文化的遺産を、敬意を持って大切に飾っているという。和と洋が調和する「折衷」の空間　畳や日本の伝統工芸品と静かに調和しながら共存しているのは、ヨーロッパで集められたヴィンテージと、さりげない名品プロダクトの数々だ。サヴィル・ロウのテーラーに必須だという三面鏡は、桑田さん自身が製作過程で服を着用し、フィットを確かめるために欠かせないアイテム。そのほか、フランスの教会にあったという古い木のベンチや、トスカーナの植木鉢、大理石のオブジェなども彩りを添える。　アトリエ内に点在する温かみのある木製の家具は、デンマークを代表する家具デザイナー ハンス・J・ウェグナー（Hans J Wegner）や、アルネ・ヤコブセン（Arne Jacobsen）、バウハウス出身の建築家兼デザイナー マルセル・ブロイヤー（Marcel Breuer）など、20世紀を代表する建築家やプロダクトデザイナーが手掛けた名品たち。インダストリアルな空間の中で、畳や日本の伝統工芸品、ヨーロッパのヴィンテージと自然に調和しながら佇んでいる。　窓際に並ぶ「竹竿」をモチーフにしたユニークなフォルムのランプは、桑田さんが大好きだというイタリアンデザインの巨匠 アキッレ・カスティリオーニ（Achille Castiglioni）が手掛けた「トイオ（Toio）」。「いくつかあるうちの黒いランプの一つは、僕がジバンシィで働いていたときの初給料で、自分へのプレゼントとして買ったもの。今でも少しずつ買い足していっています」とその思い入れを語ってくれた。隅々まで貫かれた「自分で作る」ことへの矜持　「手芸など多趣味な母親の影響で『ものは自分で作るものだ』と育てられてきたこともあり、なんでも自分で作るのが好きなんです。旅先でも、僕は売られているお土産を買うことはせず、工房を探して実際に行って作ります。そうやって、人生に一手間かけているんです」。そう語る桑田さんは、これまでずっと、国内外問わず自ら現地に赴き、学び、作ることを大切にしてきたという。　「暑い国なら涼しく過ごすための工夫がされていたりと、その土地ごとに作られた工夫を見るのがすごく面白くて。そういった、あまり他の人が気づかないようなところからヒントを得ることも多いです。着飾るために作られたものよりも、そういう“本当の機能性”や、蝶々の柄のように自然と生まれた機能美の方がきれいだと思うので、僕自身もそういうものを作っていきたいという思いがあります」。　アトリエ空間にも、桑田さんの実家から程近いという滋賀の信楽で作った信楽焼のスツールや、スタッフの故郷であるイタリア・プーリアで試作として作った陶器、来客をもてなすロゴ入りのグラスや箸まで、自らデザインしたものが多く揃う。 　「僕はサヴィル・ロウ出身のテーラーだからこそ、『実際に作り方を知って自分で作りたい』という思いがあります。だから、製作も工場に任せっきりにするのではなく、最初のプロトタイプは必ず自分たちの手で作り、改善できるところを自分たちで探る。それが一般的な他のブランドとの違いです。その代わり、新しい商品もそんなに多く発表できないですし、年に何回もコレクションを製作することもできないですが」。　ブランドが大きくなっても、自身が引退しない限りはこの姿勢を変えないという桑田さんの言葉には、ものづくりに対する真摯で誠実な思いと、その揺るぎない哲学が滲む。地下のアトリエでは、現在6人いるというインターンにも、ジャケットを一から手で作る、サヴィル・ロウで培った本物の技術を伝えている。　毎週金曜日の夕方には、皆で一斉にアトリエを片付け、掃除をしてから週末を迎えるという。「僕たちは見栄を張るラグジュアリーではなく、きれいにものを使って、きれいに見せることを大切にしています。元は安価だった工芸品が今では高価になっているのにも理由がある。それと同じように、きれいに高く見せながらも、安く売るために工夫して日々ものづくりを行っています」。　今回の探訪を通して見えてきたのは、セッチュウのアトリエは単なる“作業場”ではなく、「和洋折衷」というブランドの精神が、デザイナー桑田さんの生き方や哲学として深く息づく場所だということ。サヴィル・ロウや名だたるメゾンで培った確かな技術と、自らの足と手で「一手間」をかけることで磨かれた独自の美意識、世界各地の手仕事への理解と敬意が随所に感じられるこの空間は、まさにセッチュウそのものだった。

SETCHU

【アトリエ探訪記】セッチュウ編：畳に育てられ、サヴィル・ロウで磨かれた“一手間”の美学

【連載：ゆるふわファッション講義】第9回 ファッション論で紐解く 映画「プラダを着た悪魔２」

顔なじみの良いウェリントンは“遊び”を楽しむ　顔馴染みの良いウェリントン「DL4011D」は、透け感のあるグレーフレームを選んで柔らかく知的な印象に。ミニマルなフォルムはどんな服装にも合わせやすく、要素の多いレイヤードスタイルとも好相性。今回は、メンズとウィメンズのアイテムをミックスしたユニセックスな装いのアクセントとして取り入れた。一見すると黒縁のようでありながら、光を通すと透ける絶妙なグレーが程よい抜け感を演出。顔立ちを選ばない万能カラーで、アイウェア初心者にもおすすめしたい1本だ。　「特に服装がシンプルになる夏には、ラフなTシャツスタイルにもちゃんとしたアイウェアを1本取り入れるだけでスタイリングが格上げされるので重宝しています。ジュエリーは無くしてしまうのであまり着けません。代わりに、アクセサリー感覚でアイウェアを取り入れているんです。このメガネは、透け感のあるカラーがとても可愛いくて、幅広いスタイリングに似合いそうだと感じました」（塩野）日本人向けに設計された「DL4011D」は、丸みのあるフロントデザインで顔なじみがよく、アイウェア初心者にも取り入れやすいデザイン。グースネックタイプのノーズパッドによって快適なかけ心地を実現している。テンプルにあしらわれたさりげないDロゴもポイント。＜カラー展開：Matte Black、Transparent Cristal、Havana、Transparent Grey（※塩野着用モデル）／価格：2万6400円＞個性派デザインで軽やかに変身　普段と違う新しいスタイルに挑戦したいなら、エッジの効いたフレームを主役にスタイリングを組み立てて。顔の印象を大胆に変化させてくれるティアドロップ風のビッグシェイプフレームには、ベージュトーンのレザージャケットを合わせて、やわらかな印象を添えながら洗練されたムードに。ボリュームのあるデザインは一見難易度が高そうにも思えるが、角の取れた丸みのあるフォルムが特徴の「DL6008U」は軽やかな雰囲気で身につけやすい。　「今日はかっこいいスタイルに合わせましたが、曲線的で柔らかさもあるので、柔らかなスウェットスタイルに合わせても良さそうだと思いました」（塩野）。初挑戦だというハバナカラー＆ビッグシェイプで、新しい表情を見せた。大胆なボリューム感が特徴の「DL6008U」は、厚みのあるリムで輪郭を際立たせつつ、リキッド（液体）からインスピレーションを得た曲線的なシェイプが柔らかい印象を演出する。＜カラー展開：Shiny Black、Havana（※塩野着用モデル）、Black Barreling Red、Cristal Metallic、Yellow Barreling Black、Cristal Metallic Green／価格：2万6400円＞トレンドデザインこそ「似合う」ものを探して　トレンドが継続する横長のメタルフレームが気になるなら、クリーンかつクラシックなフルリムモデル「DL5008D」をチェック。クールな印象を与えるメタル × スクエアデザインだが、ブローラインがややカーブしていることでシャープながらも印象が鋭くなりすぎないのもポイントだ。ボリュームのあるオーバーサイズジャケットと合わせて抜け感をプラスすると気張りすぎないスタイルに仕上がる。「過去に演じた役柄で、こういったスクエアのメタルフレームを着用したことがあります。そのスタイルはファンの方からもとても評判が良くて、似合うのかもしれません（笑）。プライベートではあまりかけたことがないデザインでしたが、カジュアルなTシャツやスウェットにさらっと合わせてもアクセントになりそうです」（塩野） クリーンなラインとクラシックなシェイプが特徴の「DL5008D」。テンプルにはディーゼルのアイコニックな1DRベルトを想起させるオーバルDロゴとホールがあしらわれている、ディーゼルらしさ満載の1本。カスタマイズされたノーズパッドが快適な装着感とフィット感を提供する。インジェクション素材を採用したテンプルチップにもDロゴが配されており、耳の形に合わせた調整が可能。＜カラー展開：Shiny Silver（※塩野着用モデル）、Brushed Light Grey Green、Shiny Black、Shiny Gunmetal／価格：2万6400円＞　いつもの自分に新しい表情を教えてくれる、とっておきのアイウェアを手に入れて、新しい自分に出会おう。購入はこちらから【眼鏡市場公式サイト】塩野瑛久 | Akihisa Shiono2012年、TVドラマ「GTO」で俳優デビュー。スーパー戦隊シリーズ「獣電戦隊キョウリュウジャー」で立風館ソウジ／キョウリュウグリーン役を演じ注目を集める。2024年に、NHK大河ドラマ「光る君へ」で演じた一条天皇役が話題に。放送中のTVアニメ「あかね噺」では声優に初挑戦。公開中の映画「SAKAMOTO DAYS」につづき、今年の待機作としては、日本テレビ系7月期土曜ドラマ「告白ー25年目の秘密ー」、映画「マジカル・シークレット・ツアー」、「ラブ≠コメディ」、「すべて真夜中の恋人たち」などがある。 @akihisa_shiono_official1着目：デニムトップス 6万500円、トップス 1万9800円、デニムパンツ 6万3800円、ベルト 3万4100円、アンダーウェア 8800円、スニーカー 3万800円　2着目：レザージャケット 17万2700円、Tシャツ 1万3200円、パンツ 10万100円、ネックレス2万2550円、スニーカー 3万8500円　3着目：ジャケット 13万2000円、Tシャツ 3万9600円、デニムパンツ 5万1700円、スニーカー 4万4000円／すべてディーゼル ジャパン（0120-55-1978）photography: Kazuki Iwabuchi (TRON), styling: Anji Fujimoto, hair & makeup: Masayoshi Okudaira | text & edit: Chikako Hashimoto, casting: Takashi Sasai ,casting assistant: Rika Yamaguchi, direction: Riko Miyake, project management: Tomoya Sasaki（FASHIONSNAP）

眼鏡市場で発売中の注目モデル3選

塩野瑛久 × ディーゼル　“新しい自分”に出会える3つのアイウェア

リューズなしで操作する「宇宙の時間」　IWCはこれまでも宇宙飛行ミッションに関わってきましたが、それらは“航空時計の応用”にすぎませんでした。今年の新作 「パイロット・ウォッチ・ベンチュラー・バーティカル・ドライブ」
は、そこから一線を画します。これは、「宇宙飛行士が新たな時代の宇宙で本当に必要とするツールウォッチとは何か？」をゼロベースで見直し、白紙から設計された初のIWCウォッチ だからです。「宇宙で使うために生まれてきた」初めてのIWCと言っていいでしょう。　最大の特徴は、リューズを廃した操作系にあります。✔️ ケース側面のロッカースイッチで、巻き上げ・タイムゾーン・モード切り替えを行う✔️ ベゼル自体が“巻き上げ機構”として機能する✔️ 厚手の宇宙服グローブでも操作可能　この仕組みは「Vertical
Drive（バーティカル・ドライブ）」と名付けられ、特許出願中。宇宙空間での“確実な操作性”を最優先にした結果、リューズという腕時計を象徴する伝統的なパーツを思い切って無くしています。　宇宙船は90分で地球を周回します。つまり、宇宙飛行士は1日に16回の朝と夕方を迎えるため、そこでは地上のような「昼夜の感覚」は通用しません。　この時計は、「ミッション基準時間（UTC）」と「ホームタイム」を明確に分けて読めるように、24時間針とセンター表示を組み合わせた独自のデュアルタイム構造を採用しています。地球のリズムを保ちながら、宇宙の“時間の揺らぎ”に飲まれないための時計。使われ方が変われば、時計の設計思想も変わる。その必然を感じます。　このモデルは、IWC
のパートナーであるVast社の厳格なテストを受け、2027年に打ち上げ予定の商用宇宙ステーション「Haven-1」での使用向け認証を取得しています。「最大10Gの振動」「-150℃から+100℃への急激な温度変化」「真空と放射線」──。こうした極限環境を耐え抜いた時計は、歴史的にもきわめて稀です。　素材使いも宇宙基準。ケースはホワイト酸化ジルコニウムセラミック、ベゼルとケースバックはセラタニウム®、ストラップは一体型FKMラバーです。軽さ、耐傷性、温度変化への耐性を高いレベルで実現するための組み合わせで、いずれもIWCが長年磨き続けてきた素材工学の結晶です。宇宙服の腕に本当に収まる時計とは何か？ その問いに対する回答が設計の端々から垣間見える1本でした。自動巻き（IWC自社製Cal.32722）、パワーリザーブ約120時間。デュアルタイム表示（ミッション基準時間24時間表示＋ホームタイム）、日付表示、ロッカースイッチ式機能切り替え、リューズレス操作構造。ケース径44.3ミリ、厚さ16.7ミリ。ホワイト酸化ジルコニウム・セラミックケース、セラタニウム®製ベゼル＆ケースバック、ホワイト一体型FKMラバーストラップ。10気圧防水。407万9900円伝統の複雑機構時計に、青く輝く新素材を採用　2本目の新作 「ビッグ・パイロット・ウォッチ・パーペチュアル・カレンダー・セラリューム®」 は、“発光する複雑時計”という、過去にない領域に踏み出したモデルです。　この時計の特長は、IWC独自の“セラリューム®”という新素材で、ケースそのものが発光するところにあります。セラミック粉末にスーパールミノバ®顔料を均質にブレンドすることで、太陽光や人工光から光エネルギーを吸収すると、ケースと文字盤とストラップのすべてが、暗所で青く発光します。しかもこの発光は 24時間以上持続するとされています。日中は白く、凛とした表情。暗所では、ケースごと青く光りだす“発光オブジェ”。ひとつの時計がまったく異なる2つの顔を持つという、視覚的な革新性があります。　搭載されるムーブメントは、IWCが誇るCal.52616。7日間パワーリザーブを備え、「パーペチュアルカレンダー」「ダブルムーンフェイズ」「4桁年表示」といった高度な表示を、完全機械式で実現しています。技巧の極みである永久カレンダーを、あえて“発光するケース”という未来的な素材と組み合わせる。そこには、「古典と革新を同時に前へ進める」という IWC の決意が感じられます。　発光素材の製造には高度な工程が必要で、均質化には専用のボールミルプロセスが導入されています。技術的難易度の高さを反映し、250本の限定生産です。自動巻き（IWC自社製Cal.52616）、パワーリザーブ約168時間（7日間）。永久カレンダー（月・日・曜日・4桁西暦年）、ダブルムーンフェイズ、パワーリザーブ表示、スモールセコンド。ケース径46.5ミリ、厚さ15.9ミリ。セラリューム®発光ホワイト・セラミックケース、ホワイト発光ラバーストラップ。10気圧防水。250本限定生産。1105万600円そして腕時計は、次の世代にも受け継がれる　IWCの2本を並べて見ると、共通しているのは、「”時計はこうあるべきだ”という思い込みからの解放」です。リューズをなくす。宇宙で使う前提で設計する。ケース全体が発光する。古典と未来素材が共存する。こうしたアプローチは、技術革新でありながら“エンジニアリングの哲学”でもあると感じました。　IWC は、航空時計の歴史を礎にしながら、2026年の新作で次の段階へ踏み出しています。それは、「時計の使われ方そのものが変わる未来」を見据えたものでした。宇宙で使う時計。光る素材で時間の表情を一変させる時計。どちらも、ただの新モデルではなく、“腕時計の概念そのもの”を更新する試みでした。ヤマモトの見立て会場写真©2026 Watches and Wonders Geneva Foundation※腕時計は未入荷や売り切れの場合もあります。また、為替レートなどの影響で価格が改訂されることがあります。

「IWC」が示した未来の腕時計──「ウォッチズ＆ワンダーズ」取材記vol.5

MILANテッテ（TETTE）   無数の断片が、ひとつの輪郭を形作る。テッテは色や質感の異なる布を重ねながら、鮮やかな色彩と軽やかなムードでランウェイを彩った。シアーな素材のレイヤードに、構築的なシルエット——どのルックも断片をつなぎ直すことで新たなバランスを生み出している。それぞれの布に刻まれた痕跡が重なり、そこに走るステッチや不均一なラインが、未完成のままにとどまる美しさを引き出す。廃材に再び光を当て、別の形へと導くその試みは、トレンドで終わらないブランドの持続的姿勢として、コレクションに芯をもたらしている。公式インスタグラムジャンパー・チャン（JUMPER ZHANG）　ビーズ刺繍やラインストーン、アップリケを重ね、奥行きのあるテクスチャーを表現したジャンパー・チャン。中国の伝統的な美意識を想起させるモチーフを手がかりに、現代的なドレスアップスタイルへと昇華している。精緻な針仕事で彩られた装飾は、ドットのようにちりばめられた意匠や、反復する円形パターンに象徴されている。モノトーンを基調に、ピンクやグリーンが差し込まれ、色彩に強弱をつけたカラーバレットも印象的。装飾性と構造的なフォルムがせめぎ合い、伝統と革新が交差する煌びやかなルックを披露した。公式インスタグラムNEW YORKルイ・ルイ・ルイ（RuirUirul）　ドイツの新表現主義の巨匠、アンゼルム・キーファー（Anselm Kiefer）の作品に着想を得て、廃墟や侵食のイメージを起点に据えたルイ・ルイ・ルイ。セージグリーンやアースカラーを軸に、レザーの光沢や複雑なレース、バーンアウトデニムといった異なる質感を重ねたルックが目を引く。フォルムを強調したアウターや3Dニットなど、実験的な素材使いや造形もまた、一定の緊張感をもたらしている。異質な要素や構成が重なり合う不均衡なバランスが、破壊から再生へと向かうプロセスを想起させる再構築的なコレクションとなった。公式インスタグラムカールトン・ジョーンズ（Carlton Jones）  カールトン・ジョーンズは、広大な空や森の風景にインスパイアされ、実用的なウェアに自然の気配を落とし込んだ。砂漠を思わせるニュートラルカラーやモスグリーン、チャコールといった落ち着いたトーンを基調にコレクションを展開。テーラードのジャンプスーツやクロップド丈のブルゾン、アシンメトリーなドレスが並び、構築性を保ちながらも軽やかなシルエットが続く。アースカラーをベースにした抽象柄や迷彩にも、ほんのりトライバルなムードが薫り、ミニマルに収まらない日常のラグジュアリーを提示した。公式インスタグラムLONDONオレナ アダム（OLENA ADAM）　ウクライナ出身のオレナ・アダムは、流れるようなシルエットとレイヤードによって表情が移ろうコレクションを打ち出した。核となるのは、シグネチャーである「Festan」ガーメント。しなやかなフォルムに構築性を重ね、シーンを問わず機能するデザインへと導いている。軽やかに揺れるローブやコートが繰り返し登場し、ランジェリーライクなトップスやきらめきを纏ったスカートを重ねることで、表情に変化をもたらす。緻密なクラフツマンシップに優雅さが重なり、タイムレスな装いとしてブランドの存在感を示した。公式インスタグラムアレックス・ユー（ALEX S.YU）　幼少期の記憶に紐づき、内面をたどるような詩的なコレクションを発表したアレックス・ユー。オーバーサイズのチェックパターンやリラックスしたシルエットが、どこか曖昧であたたかな記憶の片鱗を感じさせる。バーガンディやブラウンといった深みのあるカラートーンに、インディゴやブラック＆ホワイトのアクセントが加わり、シアー素材や光沢のあるスカートで視覚的なリズムも生まれる。断片的な記憶をつなぎ合わせるように、内省的な世界観を立ち上げ、観る者の記憶に働きかけるコレクションとなった。公式インスタグラムPARISシフト（CFT.）　10周年という節目を迎えたシフトは、テーマとして「SHIFT」を掲げ、西海岸のライフスタイルとパリのエレガンスを掛け合わせたワードローブを打ち出した。ニットやセットアップを中心に、ゆとりのあるシルエットやボリュームスリーブを組み合わせ、力みのない装いに仕上げている。シンプルながら、丈感や重ね方にも独自のニュアンスが宿る。10年の変化を断絶ではなく進化として捉えるアプローチのもと、日常に寄り添うスタイルを描き出し、ブランドの成熟をにじませる新たなフェーズへと移行した。公式インスタグラムブルネット・ザ・レーベル（Brunette the Label）　西海岸のライフスタイルや乗馬文化に、パリのロマンティックな美意識をにじませたブルネット・ザ・レーベル。軽やかなコットンから上質なカシミアまで幅広く組み合わせ、自然体のワードローブを形成した。ファーやレザー、ニットといった異素材も無理なく溶け込み、質感のコントラストが緩急を添えている。エスプレッソやオートミールといった温もりのあるカラートーンに、グリーンやレッドがアクセント的に映え、色のレイヤーで視覚的な厚みももたらしている。また、過度に主張せずとも過不足ないバランスで、静かな存在感を際立たせた。公式インスタグラムTOKYOマリカ・スズキ（Marika Suzuki）　マリカ・スズキは廃材を起点としながらも、単なるサステナビリティの文脈には収まらず、その価値を異質な領域へと引き上げた。傷や摩耗といった痕跡そのものを造形の核に据え、装飾的なシルエットへと展開。きらめきを伴った豊かなボリュームが視線を引き寄せる。絡みつくような繊維、膨張する量感、不均質なテクスチャー。水中生物を思わせる有機的なフォルムは、角度によって異なる表情を見せる。幼少期から18歳までの断片的な記憶を重ね合わせ、再構築を“修復”ではなく、別のかたちへと転じるプロセスとして捉え直した。公式インスタグラムアオ ミヤサカ（Ao Miyasaka）　「肉声」をテーマに、身体に刻まれた記憶を可視化したアオ・ミヤサカ。皮膚の上にもう一層まとわせるかのように、透け素材に走るラインや刺繍、グラフィックが交錯する。赤やブラック、メタリックを基調に、身体の輪郭をなぞる装飾は、内側に潜む感情を引き出している。シアーでタイトなシルエットは緊張感を生み、どこか生々しさをも感じさせる。衝動と修復という相反する要素を重ねながら、身体に刻まれる感情として表出させたコレクションは、独自のムードを色濃く残した。公式インスタグラムVANCOUVERエイム/エイミー（aim/aimme）　北海道・旭川にあるフォトスタジオ発のブランド エイム/エイミーは、着物からドレスまでを横断しながら、日本の伝統美を現代的な感性で再解釈。壊れたものを修復し、再び価値ある存在として蘇らせる金継ぎの技法をイメージし、職人による金箔加工や繊細な柄使いを取り入れた和装ならではの佇まいに、チュールやレースをふんだんに使ったドレスの流動的なシルエットを掛け合わせた。伝統に宿る格式を残しながらも、固定化された和装像にとらわれない自由な美意識を感じさせるコレクションとなった。公式インスタグラムジー（JII）　ジーのコレクションは、沖縄の風土や自然観を繊細な感性で描き出した。草木染めや琉球藍による、にじみやムラ感のあるテキスタイルには、土や水、植物を思わせる有機的な色彩が広がり、淡いグラデーションは空や水面の移ろいを連想させる。ゆるやかなラインを描くドレスやセットアップなど、抜け感のある装いにも力まない美しさが宿り、全体を軽やかなムードで包み込む。水彩画のように色彩が溶け合う流動的な柄には、自然の気配が心地よく内包され、土地に根差した素材使いや染色技法で、風土に呼応する空気感を滲ませた。公式インスタグラム手織工房織色OriirO（Teori Kobo Oriiro）　幾重にも重なる色彩と織りの表情が目を引く手織工房織色OriirO。異なる布地を組み合わせて立体的なテクスチャーを生み出し、ピンクやブルー、オレンジといった多彩な色をパッチワークのようにつなぎ合わせ、素朴さの中にも確かな高揚感をもたらしている。糸の凹凸や繊維の表情をそのまま生かしたニットやドレス、ストール状のピースは、一点物のような存在感を放ち、素材を循環させながら新たな価値へと転換。伝統的な織りの技法を現代的に再解釈し、手仕事ならではの魅力を彩り豊かに昇華させた。公式インスタグラムヒプノティック・センス（Hypnotique Sense）　ヒプノティック・センスは、朽ちた布や繊維の質感を生かしながら、退廃的な空気をまとった装いが並んだ。ムラのある染めや風化した色合いは、時間の痕跡を宿したような乾いた質感を生み出し、朽ちていく過程そのものを美しく表現している。フリンジや歪なヘッドピースにはどこか民俗的なムードが漂い、引き裂かれたようなディテールや身体を覆うレイヤードもまた、その退廃性を強調している。荒廃と装飾性が交錯するルックを通して、朽ちゆく美を独自の感性で描きながら、ランウェイに美しく異質な余韻を残した。公式インスタグラムtext: Urara Kurihara

世界6都市の次世代デザイナーが集結　2026年秋冬の注目株は？

■アダム・リペス「ラルフ ローレン（RALPH LAUREN）」でキャリアをスタート。「オスカー デ ラ レンタ（OSCAR DE LA RENTA）」では当時最年少の27歳でクリエイティブディレクターに就任。2004年に前身となる自身のブランド「アダム（ADAM）を立ち上げた。一時はファッション業界から離れるも、2014年から現行の「アダム・リペス（Adam Lippes）」を手掛けている。世界中の産地から厳選した素材を採用し、職人技による繊細な美しさを追求。建築やアートに着想を得たタイムレスなデザインで、グウィネス・パルトロー（Gwyneth Paltrow）やニコール・キッドマン（Nicole Kidman）、リアーナ（Rihanna）といったアメリカを代表する著名人、ファーストレディなどが着用。アメリカ国内に4店舗を構え、2025年から海外市場に力を入れ、日本ではユナイテッドアローズやエストネーションなどでのポップアップを皮切りに展開をスタートしている。銀行員からラルフ ローレンに転職しファッション業界へ──まずはアダムさんのご経歴について教えてください。　ファッションデザイナーになることは、子どもの頃からの夢でした。ですが、実際に学んだのが金融や経済のことだったので最初は投資銀行で銀行員として働きました。当時私は長髪だったのですが、ある時上司に「髪を切ってこい」と言われてしまって。そこで散髪に行く途中、ふとラルフ・ローレンのショップに立ち寄り、その場の勢いで求人に応募したら運よく採用されたんです。1年ほど働いて、オスカー デ ラ レンタに移籍しました。オスカーの元では、「見習い」から始めて、彼と当時の業界の空気から、今に通ずるファッションに関わるすべてを学びました。──2000年、27歳という若さでオスカー デ ラ レンタのクリエイティブディレクターに就任されましたね。　現在ではメゾンのクリエイティブディレクターに若手が抜擢されることも少なくないですが、当時はもっと厳粛な時代でした。だからこそ、声をかけてもらった時は本当に名誉なことだと思いましたし、貴重な経験をさせてもらいました。──そこから、自身のブランドを立ち上げようと思ったきっかけは何だったのでしょうか。　オスカーは私にって第二の父親のような存在でしたし、メゾンでの仕事に満足していたんです。その反面、常に「自分の声を持った、自分のブランドを作り上げたい」という想いがありました。起業家・実業家の家系に育ち、銀行での勤務経験もあったことも後押ししましたね。意を決してオスカーに独立の夢を打ち明けたら、「応援する」と言ってくれた。そして、最初のブランド「アダム（ADAM）」を2004年にスタートしました。“ロゴドン”時代から貫くクワイエットラグジュアリー──夢だったブランドを始めてみてどうでしたか。　どんなブランドを持ちたいか、答えが出るまでは時間がかかりました。最初はオスカー デ ラ レンタにパートタイムで在籍しながら、並行して自分のブランドを手掛けていたこともあり、オスカーが僕のクリエイティブをどう思うか気になってしまって.....。そこで、まずは高級なTシャツから始めました。半年ほど経った頃、アメリカの“レジェンド司会者”であるオプラ・ウィンフリー（Oprah Winfrey）が私の服を気に入ってくれて、番組で着用してくれたんです。そこから一気にブランドが成長して、自分のブランド一本で生活するようになりました。ただ、ブランドを8年ほど続けた頃、何か新しい挑戦をしてリフレッシュしたいという気持ちが強くなり、手放すことにしたんです。そして、ブラジルにホテルを開業する計画をスタートしました。──急転換ですね。ホテル業界からまたファッションに戻るわけですが、何がアダムさんを引き戻したのでしょう。　少しして、「やっぱり自分にはファッションなんだ」という考えが離れなくなったんです。その時は、自分の血に「ファッション」というものが流れているんだなと思いました。そして、2014年に現在も続く「アダム・リペス」を始めたんです。──アダムさんはコレクションをどういうプロセスで作りますか？　まずは全体のムードや女性像を思いついて、そこから世界中の産地から、どんな最高品質の素材を選んだら良いか考えます。カシミヤやメリノウール、シルク、レザー、デニムなど、世界各地にとびきり美しいテキスタイルがあり、高度な縫製技術や装飾の職人技がある。それらを使ってどう心地良いものを作り上げるかを熟考していくんです。このアプローチは初期から変わらずに一貫しています。──アダムやアダム・リペスを始めた当時、ファッション業界ではブランドロゴを目立たせたデザインや、カラフルでキャッチーなスタイルがトレンドでしたよね。「クワイエットラグジュアリー」という言葉がない時代から、素材の良さを軸にしたブランドを続けるのに迷いはありませんでしたか？　昔から、「まずは服から始めるべき」と考えていました。ブランドロゴも、大規模なマーケティングも、過度な宣伝も無しにして、純粋に最高の生地と縫製とフィット感からなる良い服を作りたかった。今思えば、自分にはそういうやり方しかできなかったから、というのもありますが。もちろん、続ける中で不安になることは多々ありました。私たちのブランドの売り場の隣には、誰もが知るブランドが並んでいて、それらと競合する必要がありましたから。ただ、今こうしてブランドを継続して、グローバルに拡大できたことを鑑みると、やってきたことが正解だったんだなと改めて思います。──素材選びの際は、ご自身で各地を訪れるのでしょうか。　良いものがあると聞いたら、どこにでも行って、優れたテキスタイルメーカーと一緒に素材を開発したい。世界中の約100の工場やメーカーと取引していますが、日本からも岡山産のデニムや、上質なコットン素材などを調達しています。 2年かけて初のバッグコレクションを発表──今回のフォールコレクションについて教えていただけますか。　このシーズンは、私が好きなヴィンテージカーやクラシックなレーシングカーの美しさ、スポーツウェアの機能性に着想を得ています。防水加工を施したシルクのコートや、シルクとウールの混紡素材のアイテム、シルクとメリノウールを組み合わせたパファージャケットなどがあります。鮮やかなブルーやレッドのカラーパレットは美しいヴィンテージカーを彷彿とさせるでしょう？　それから全面にスパンコール刺繍を施したトップスは、異なる色のスパンコールを一枚ずつ縫い付けていくことで、べっ甲のように立体的で絶妙な色合いを表現しました。通常はインテリアファブリックとして使用される名門スカラマンドレ（Scalamandré）社のアイコニックなファブリックを、敢えて薄く仕上げて、スカートやスーツセット、コートへと落とし込んだアイテムもあります。 ──今春には、初のレザーバッグコレクションを発売しました。デザインプロセスはウェアと異なるのでしょうか。　バッグのデザインは全然違いますね。非常に才能のあるバッグデザイナーとコラボレーションして約2年かけて完成しました。シルエットを決めてから、そのフォルムに完璧に合うレザーを探し出し、フランスで製造しています。──金具のパーツがアクセントになっていて印象的です。　金具は上品な艶にこだわり、18Kゴールドメッキを施しています。アール・デコ様式のライターやペン、「ダンヒル（dunhill）」のクラシックなライターのような小物からデザインを発想したんです。細かいですが、すべて手彫りで仕上げていて、私にとってはジュエリーのようなアイテム。今後は財布やベルトのようなスモールレザーグッズも拡充する予定です。海外初の常設店で大阪を選んだ理由──海外初の常設店で日本を選んだ理由は？　理由はシンプルで、私の審美眼と日本の皆さんが持つ美意識が非常に近いと感じているからです。それから、日本はファッションの中心地であり、アジアのハブでもあります。ここでビジネスを広げることは自然な選択でした。それに、私自身が日本に来るのが大好きなので、これから頻繁に訪れる理由ができて嬉しいです（笑）。──1号店を東京にオープンするブランドが多い中、大阪にした決め手は？　大阪は本当に素晴らしい街だと思いますし、私がアメリカでブランドを育ててきた方法と重なる点がありました。ブランドと顧客が非常に親密な関係性を築いていると感じたのです。だから、ここから始めるのが最適だと。──店舗のデザインコンセプトを教えてください。　私たちの店舗は、エレガントかつ穏やかな邸宅のようなムードを大切にしています。大阪店はフランスの有名なインテリアデザイナー兼建築家のフランソワ＝ジョセフ・グラフ（François-Joseph Graf）の協力を得て、作り上げました。──いずれは、東京にも出店するのでしょうか。　2030年までに、東京や京都、名古屋、福岡といった主要都市を中心に10店舗を構えるのが目標です。今年の8月にはロンドンにもオープンします。──最後に、アダム・リペスというブランドをこれからどのように育てていきたいですか？　現在の私の最大の課題は、「服のクオリティを上げること」ではなく、「私たちのストーリーをどのように伝えるか」なんです。世の中には、コミュニケーションやSNSでの発信が非常に上手でも、実際に店舗で服を見るとクオリティにギャップを感じるというブランドもあります。私たちはその真逆です。クオリティには絶対の自信があるからこそ、実際に触れて、着ていただく機会を増やしたい。そして、私たちのストーリーをメディアや皆さんの手を通じて広めていただくことが、何よりも大切だと考えています。

過熱するSNS偏重の中で「まずは服から始める」　NY発 アダム・リペスの美学

エルメスのポケットウォッチは“首から下げるアート”　エルメスが提示した「スリム ドゥ エルメス ポケット
ROAAAAAR！」は、時計の概念を大胆に拡張する一本です。直径45mmのホワイトゴールドケース、エナメル文字盤。そして、カバーにはウッドマルケトリ（木象嵌＝もくぞうがん）という緻密な作業で描かれたライオンの咆哮。もはや、時計を超えた美術工芸品と表現する方が正確です。　注目すべきは、“ポケットウォッチ”でありながら、レザーコードで首から下げるスタイルを推奨している点。胸元で揺れるその姿は、ジュエリーと時計の境界線を曖昧にし、19世紀のソートワール（ロングネックレス）を現代的に再解釈したようにも見えます。　アート、工芸といったものを守っていこうとするエルメスというブランドの矜持とともに、「腕から離れることで、時計はここまで自由になれる」のを示しています。自動巻き（Hermès H1950／超薄型ムーブメント）、パワーリザーブ約48時間。ケース径45ミリ、厚さ10.45ミリ、ホワイトゴールドケース。ヴェール・シプレまたはブルー・サフィールのエナメル文字盤。ウッドマルケトリによるカバー付き。3気圧防水。世界限定3本。価格：3293万4000円（予定価格・2027年発売予定）。ピアジェがジュエリーウォッチの歴史を現代に揺り戻す　“腕に着けない時計”の系譜を語るとき、ピアジェは特別な存在。1960〜70年代には、カフウォッチやソートノワール（ロングネックレス）で、時計をジュエリーへと開放し、ウォッチメイキングに新しい価値観を持ち込みました。ジュエラーとしてのジュエリー作りとマニュファクチュールとしての時計作り、いずれにも等しく力を注いできたブランドです。　ブランドのDNAは、2026年の新作 「スウィンギング ペブル」にも息づいています。タイガーズアイ、ヴァーダイト、ピーターサイトといった、オーナメンタルストーンを丸ごと削り出して作られたペンダントウォッチ。21.4mmと小石のようなケースは、石の塊を繊細にくり抜き、自社製クォーツムーブメント355Pを収めた後、再び精密に閉じられる独特な製造工程を経ています。　この“石を彫る”制作方法そのものが、70年代のピアジェの創造精神を現代的に再解釈したものと言えるでしょう。揺れるたびに表情を変えるゴールドチェーンも、同社が誇るチェーンメイキングの伝統を反映したもの。時間を見る行為と、身につける所作のどちらも成立する、ピアジェらしい二面性があります。　ペンダントウォッチは、時計よりも“動きのためのオブジェ”に近い存在です。揺れ、光を拾い、色を見せる。かつては、パーティーで時間を気にするのはエレガントではないとされたものです。装身具としての魅力を持ちながら、必要なときに小さな文字盤の中で時間を知ることができる。これこそが、ピアジェが最も得意とする領域です。　“装飾のための時計”としても“時間のためのジュエリー”としても成立するこのソートワールは、2026年のジュネーブで見た中でも、最も象徴的な非・腕時計でした。（左から）“G0A51409”18Kホワイトゴールド×ピーターサイト（ケース径21.4ミリ）。
自社製クォーツムーブメント 355P。チェーンの長さ 80センチ。価格1513万6000円。“G0A51410”18Kイエローゴールド×タイガーズアイ（ケース径21.4ミリ）。自社製クォーツムーブメント 355P。チェーンの長さ 80センチ。価格：1214万4000円。“G0A51408”18Kピンクゴールド×ヴァーダイト（ケース径21.4ミリ）。自社製クォーツムーブメント 355P。チェーンの長さ 80センチ。価格：1214万4000円。いずれも発売時期は未定。ジャガー・ルクルトはマーク・ニューソンと共演　時間を“空間”と“移動”に解き放つ時計。身に着けるスタイルから自由になった時計の世界を、さらに大きく広げたのがジャガー・ルクルトです。今年は、デザイナーのマーク・ニューソン（Marc Newson）が手掛けた置時計「アトモス」2作と、携行時計「メモボックス・トラベルクロック」を発表しました。これらは、時計を「部屋に置く」「旅に連れていく」といった文脈に分岐させた点で、2026年の潮流を象徴しています。“空気で動く時計”「アトモス」がインテリアの主役になる　「アトモス」は、温度と気圧のわずかな変化で駆動する機械式置時計です。手でゼンマイを巻き上げたり、電池で電気を供給したりすることは不要。この独創的な駆動方式は、ジャガー・ルクルトが発明して、1928年のプロトタイプで発表した技術です。　ジャガー・ルクルトは、自社のためだけではなく、名だたる腕時計ブランドにムーブメントを供給してきた歴史を持っています。だからこそ、“マニュファクチュールの中のマニュファクチュール”の異名を持つのです。ゆえに、他が追随しない技術の置時計も作り続けているのでしょう。スイス本国でジャガー・ルクルトの開発部門責任者を務める浜口尚大氏に、「なぜ、他ブランドはアトモスの駆動方式で時計を作らないのか？」を問うたところ、「極めて難しい技術だからじゃないですか」との回答でした。　今年の主役となったのは、いくつかの「アトモス」をこれまでも手掛けてきたマーク・ニューソンがデザインした二つのモデルです。まず「Atmos Designer 568」は、透明な立方体のバカラクリスタルのケースに機構を閉じ込めた、彫刻のようなモデル。時を刻む“動きそのもの”を見せるためのデザインです。そして、「Atmos Hybris Artistica Tellurium」は、地球・月・太陽の運行を可視化する複雑機構を備え、部屋に小さな宇宙を配置するような作品。工芸性・科学性・装飾性の3つが、高度に融合しています。　ジャガー・ルクルトは、ウォッチズ・アンド・ワンダーズ ジュネーブに続くミラノサローネの期間中に「アトモス」を中心とした展示企画
「THE PERPETUAL TIMEKEEPER」 を開催しました。会場にはニューソン本人も登場し、デザインと機構が一体となるアトモスの世界観を語っていました。“時間の静けさ”をもたらす置時計の存在感は格別です。温度・気圧差で駆動する機械式置時計（アトモス機構）。マーク・ニューソンによるデザイン。透明ケース（バカラクリスタル）に機構を収めた立方体構造。金属フレーム＋アトモス専用キャリバー。巻き上げ不要の環境駆動式。752万4000円温度・気圧差で駆動するアトモス機構。地球・月・太陽の位置関係を可視化するテリュリウム（天文表示）搭載。マーク・ニューソンによるデザイン。複雑天文モデルとしての置時計仕様。3台限定。価格要問合せ「メモボックス・トラベルクロック」旅先でスタイリッシュに目覚めるために　同時に発表された「Memovox Travel Clock」は、より実用的な「携行の時計」です。折りたたみ式ケースで持ち歩きやすく、ホテルのサイドテーブルに置くだけで、そこに小さな“整った時間”が生まれます。手巻き（アラーム機構付きトラベルクロック仕様）。折りたたみ式ケースによる携行設計。アラーム表示、時・分表示。マーク・ニューソンによる新デザイン。出張や旅行用の卓上時計として開発。567万6000円　スマートフォンのアラームとは異なり、機械式アラームが鳴る瞬間の確かな手触りが、旅先の朝に独特の気配を与えてくれます。「アトモス」が“家に置く時間”のための時計だとすれば、「メモボックス」は“旅の時間”のための時計です。　ニューソンによるデザインの力も相まって、ジャガー・ルクルトは「時計が存在する場所を広げていく」可能性を示しているように感じました。ヤマモトの見立て会場写真©2026 Watches and Wonders Geneva Foundation※腕時計は未入荷や売り切れの場合もあります。また、為替レートなどの影響で価格が改訂されることがあります。

JAEGER-LECOULTRE

腕に着けなくとも、美しい時計──「ウォッチズ＆ワンダーズ」取材記 vol.4

　1875年の創業以来、スイスのル・ブラッシュを拠点に高度な時計製造を続けてきたマニュファクチュール「オーデマ ピゲ」。"時計界のピカソ"の異名を持つジェラルド・ジェンタ（Gérald Genta）がデザインし、1972年に誕生した「ロイヤル オーク」をはじめ、時計業界の既成概念に挑むタイムピースを世に送り出し、世代を超えて憧れを育んできた。中でも近年は、アートや音楽、スポーツなど多様なカルチャー領域にも注力。2023年にはマシュー・ウィリアムズ（Matthew M. Williams）が手掛ける「1017 アリックス 9SM（1017 ALYX 9SM）」や、トラヴィス・スコット（Travis Scott）のブランド「カクタス・ジャック（Cactus Jack）」との協業モデルを発表し、2024年にはアーティストのカウズ（KAWS）とのモデルも展開してきた。直近では、スウォッチ（Swatch）とのコラボレーション「ロイヤル ポップ（Royal Pop）」がバズを生み出し話題を集めたが、今回の協業はオーデマ ピゲが、YOONとVERBALという2人のクリエイターとの継続的な対話を軸に、時計製造の本質に向き合ったプロジェクトとして位置付けたもの。「ロイヤル オーク コンセプト フライング トゥールビヨン」は、費やされた年月や技術、そして金額を含め（価格は17万6800スイスフラン/ 税込参考価格3927万円）、最高峰のコンプリケーションウォッチであることを示している。　新作は、幅広い手首に対応する38.5mmサイズのチタンケースを採用。サンドブラスト、サテン、ポリッシュといった複数の仕上げを組み合わせたケースに、煌めくブラックアヴェンチュリンダイヤルを合わせ、6時位置にはレッドにアルマイト加工を施したアルミニウム製のキャリッジが目を引くフライングトゥールビヨンを配した。ムーブメントには、今回のために特別に開発された手巻きキャリバー2982を搭載している。　韓国・ソウルの「AP House Seoul」で開催されたプレスカンファレンスには、オーデマ ピゲ CEOのイラリア・レスタ（Ilaria Resta）、YOON、VERBALらが登壇。世界各国から集まったメディアを前に、制作プロセスやデザインに込めた思いなどが代表質問形式で語られた。Q&A──今回の協業は、どのようなところから始まったのか。YOON：仕事で収入を得た時、良い時計を買いたくなるものですよね。20年前でしょうか。当時は時計のことはそこまで詳しくなかったんですが、グラフィックデザインを専攻していたこともあり、幾何学的な「ロイヤル オーク」の美しい造形に衝撃を受けました。この時計を所有したいという欲にかられ、その後ジェラルド・ジェンタや彼のデザインやコンセプトについて、そして当時ロイヤル オークがいかに革新的だったかを知りました。今回お誘いをいただいた時は信じられなかったです。VERBAL：もともと時計好きで、オーデマ ピゲのファンでもありました。さまざまなモデルを調べたり、歴史を掘り下げたり、コンプリケーションについて知っていくなかで、2002年に発表された初代「ロイヤル オーク コンセプト」は私たちにとっても思い入れが強いモデルで自然と惹かれていきました。時計史におけるひとつの重要なモーメントを象徴するモデルだと思っています。今回の対話は、そこから始まったと言えるかもしれません。──サイズを含め、デザイン面でどのようなことを重視したか。YOON：時計をつけるときに自分の手首に合うサイズかどうかは大事ですよね。過去の「ロイヤル オーク コンセプト」も好きでしたが、いずれも44mmで私には少し大きくて自分が身につけている姿が想像しづらかった。なので女性ユーザーとして、38.5mmはとても自然なサイズ感だと思いました。自分が本当に身につけたいと思えるものを作りたかったので、朝着けて、日中も過ごせて、服を変えれば夜にもそのまま出かけられる。そうした使いやすさをサイズ含め意識してデザインしました。　もともとのフェイスがとても美しかったので、必要のないものをできるだけ削ぎ落としたかったんです。何を残すべきか、どこがこの時計の核になるのかを見極めることが大切でした。トゥールビヨンは、その時計の"心臓"のようなものです。だからこそ、私たちはそこを強調したかった。キャリッジをレッドにすることで、この時計のエネルギーを表現したいと考えました。VERBAL：従来の「ロイヤル オーク コンセプト」と比べると、38.5mmはコンパクトなサイズですが、特別な場面だけでなく、日常でも使えるものにしたいと思ったのでとてもいいサイズだと思っています。音楽に例えると、時計のサイズが曲の“フック”だとすれば、トゥールビヨンは“パンチライン”のようなもので、誰の記憶にも残る部分だと思います。──今回のモデルでは、レッドが象徴的。なぜこの色だったのか。VERBAL：赤は、僕たちにとってとても重要な色です。力強さや地球のコアを想起させる色でもあります。なぜレッドのトゥールビヨンがこれまでなかったのだろう、という疑問があり、職人の方々と話し合い、最終的にアルミニウムにレッドのアルマイト加工を施すという答えに辿り着きました。フライング トゥールビヨンはブリッジがなく、回転し続ける構造で、まるで浮いているようにも見える。その詩的な感覚も、この時計に合っていると思いました。──フェイスのデザインのインスピレーションは？YOON：スイスの本社を訪れたときの体験が大きかったです。時計製造の歴史に触れるなかで、かつて農家の人々が冬のあいだに家の中で時計部品を作っていたという話を聞きました。小さな窓から外の空を眺めながら作業していたという背景が、とても印象に残っています。　時間はかつて、月や星の動きによって測られていました。今回の時計にも、その星空や宇宙的なムードを取り入れたいと思ったんです。私たちは普段から「ユニバース」という言葉をよく使います。アイデアはときに散発的で、いろいろな惑星を行き来するように広がっていく。夜空や惑星、銀河のようなイメージは、今回の時計のデザインにも自然に重なりました。 ──制作プロセスでは、どのような学びがあったか。VERBAL：このプロジェクトはファッションや音楽の制作とはまったく違い、3年以上の歳月がかかりました。時計の場合、機能がデザインの方向性を決める大きな基準になります。僕たちが「この素材はどうか」「こういう見え方はどうか」と提案するたびに、オーデマ ピゲの職人やエンジニアの方々が、それが機能性や精度を損なわないかを確認してくれました。その中で学んだのは、時間のかかるプロセスこそ良いものを生むということ。すべてのパーツに意図があり、意味があり、同時に美しくなければならない。ただ動くだけではなく、美しいことも重要でした。YOON：対話を続けていく中で特に驚いたのは、オーデマ ピゲチームがとても柔軟な姿勢を見せてくれたことです。もっと「NO」と言われるのかと思っていました。でも実際には、私たちのアイデアに、とてもオープンに向き合ってくれました。私たちが求める色や質感に近づけるために、試行錯誤を重ねてくれたんです。　そしてファッションの世界にいると、シーズンに合わせてアイデアや製品を生み出したらまた次のシーズンのことを考えないといけません。でも今回のプロジェクトでは辛抱強く時間をかけて取り組むことの大事さを学びました。この時計は私がいなくなった後も残り続けるものだと思うので、そういった制作のプロセスに携われたことはとても良い経験になったと思います。──付属するストラップやケースについて。YOON：この時計には、ブラックとレッドの2本のストラップがつきます。自分で簡単に付け替えることができるので、ドレスアップにもドレスダウンにも合わせられます。また、時計のケースについてもよく考えました。ケースはクローゼットにしまわれてしまうことが多いですよね。なのでケース自体もリビングの棚などに飾りたくなるようなデザインにしたいと考えてこの形にしたんです。 ──この時計をどのように受け取ってほしいか。VERBAL：単に時刻を知りたければ、私たちにはスマートフォンがあります。ですが私が今身につけているのはアートピースであり、歴史の一部でもあると思います。トゥールビヨンは、現代において必ずしも実用だけの機構ではありませんが、真のクラフツマンシップを示すものです。そうした要素が一つになり、この時計として形になったことに大きな意味を感じています。豪華ゲストが集結したローンチパーティ 　同日夜には、韓国の伝統家屋が並ぶ北村韓屋村（プクチョンハノクマウル）の一角でローンチパーティ開催。南山タワーなどソウルの街並みを一望できるルーフトップでコラボレーションのローンチが祝われ、YOONとVERBALと親交のあるゲストや"APファミリー"が多数来場した。真っ赤なライティングに染まった会場では、2人がセレクトした秋田の純米吟醸「SŌMATŌ」を使ったスペシャルドリンクなどが振る舞われたほか、チタンケースにサファイアベゼルとリューズを組み合わせた世界に1本のみのユニークピースも展示された。  　ゲストには、イ・ジョンジェやアン・ヒョソプ、イ・スヒョク、ウィン、ブライトといった俳優をはじめ、CL、ZICO、EJAEといったアーティストなど豪華な顔ぶれが集結。また、ヘイリー・ビーバーやBIGBANGのG-DRAGONといったサプライズゲストの姿も。ゲスト同士が着用モデルを見せ合うなど親密なムードの中で宴が繰り広げられ、特別な一夜に華を添えた。

YOONとVERBALが振り返る「オーデマ ピゲ」との対話

ファッション業界の「当たり前」に、小さな疑問が積み重なっていた──カンマの立ち上げに至った経緯を教えてください。Sakas PR長坂啓太郎（以下、長坂）：僕たちが初めて顔を合わせたのは2017年、東京で開催されたショーの現場でした。その後、それぞれ会社を立ち上げたのが2019年で、独立時期がほぼ一緒なんです。当時、僕のオフィスに複合機がなくて、TEN10のオフィスにコピーを取りに行ったりして。TEN10志賀光（以下、志賀）：そうそう、よく来てたよね（笑）。長坂：仕事の現場が重なることも多くて。経営やキャッシュフローのことなど、同業の中で率直に相談できる数少ない相手が志賀さんでした。TEN10志賀光（以下、志賀）：そうやって情報交換をしていくうちに、お互いPRという職種でありながら、得意な領域が微妙に違うことに気づいたんです。Sakas PRはリース貸し出しをして、メディア露出を増やすオーソドックスなショールームスタイル。一方、僕の会社は「TEN10」という自社スペースを持ち、サンプルを外部に貸し出さないブランドも担当するなど、アプローチが異なります。　協業を考え始めた根本には、「自分が提供しているサービスで、ブランドの未来を時代性を持って作れているのだろうか」という疑問があったからです。プレスリリースを送り、メディアに掲載され、次の仕事へと移っていく。日々の繰り返しの中で、その問いへの答えが見当たらなくなっていたんです。そうした状況を打破したいと考えている中で、約1年前、「じゃあ何か一緒にやってみますか」という話になりました。──PRという仕事に対して、具体的にどのような危機感を持たれているのでしょうか。志賀：PRという言葉一つとっても、今は求められる役割が多様化していて、一人の人間で全てをカバーするのが難しくなっています。だからこそ、キャスティングやプランニングなど、それぞれ得意分野を持つフリーランスが集まって一つの案件を回すことが増えているのですが、僕はこのスタイルにも難しさがあるなと感じていて。マンパワー不足を補う手段としては有効ですし、僕自身も経験してきましたが、どうしても拭えない懸念があったんです。長坂：たとえば、あるブランドのPRチームに、別の競合ブランドを手掛けているメンバーがスポットで混ざったとします。クライアントからすれば、それは決してポジティブには映りませんよね。デザイナーにとって、自身のブランドの裏側を知るPR担当が近い立ち位置のブランドにも携わっているという事実は、信頼関係を損なう要因になり得ます。だからこそ僕は、ここ2年ほどは基本的に「1社で1案件を責任を持ってやり切るスタイル」に切り替えました。　今はメディアだけでなく、ブランド自身が扱えるコンテンツも増えています。そうなると、僕たちPRは写真や映像など、たくさんの要素を作っていかなければならない。ブランドによっては、それを全てデザイナーがやるしかなく、時には僕たちPRにセールスの意見を求めることもあります。単にリースの貸し出しをしてプレスリリースをメールで送るだけ、というのはナンセンスになっていくでしょう。領域を少し広げてでも、ブランドにとって良い相談相手でいなければならないと思っています。志賀：定型のパッケージをこなしているだけのPRでは、提供するサービスの価値そのものが薄まってしまいます。ブランドのためにどこまで頭を絞り、戦略を組み立ててどう成長させていくことができるか。それが、今回のパートナーシップの大きな動機でもあります。情報伝達ではなく「関係構築」、カンマが描く5つの循環プロセス──カンマには決まったメニューがないそうですが、それはなぜですか？志賀：従来のPRが一時的な「情報伝達」や話題化を主軸に置いているとすれば、カンマは長く残り続ける「関係資産（Relational Assets）」の構築に重きを置いているからです。パブリックリレーションズ（PR）という言葉の本来の意味である「人、ブランド、社会の関係性設計」に、もっと忠実でありたい。だから、既存のフォーマットで「このプランはいくら」と最初から限界線を引くようなやり方はしません。　カンマでは「日常的な対話（DAILY MATTER）」からスタートし、「課題の共有（SHARING ISSUES）」「オリジナリティへの洞察（FINDING ORIGINALITY）」を徹底的に行います。対話の中からブランドの中核にある思想やヴィジョンを丁寧に汲み取り（MAKE A VISION））、どんなクリエイションを作り、「誰と繋ぐべきか（LINK AND CONNECT）」をオーダーメイドで設計・実装していく構造をとっています。そしてまた「日常的な対話（DAILY MATTER）」への循環を通じて、PRとクリエイションの境界を越え、“⼈とブランドの関係”を更新し続けられたらと考えています。長坂：そのため、「ここまでしかできません」という限界線をあらかじめ引かないようにしていて。その部分で、僕と長坂さんの感覚はとても合っていると思います。──お互いから見て、相手の「ここがすごい」と思う強みはどこでしょうか。長坂：志賀さんが以前の仕事で作った提案書を見せてもらった時、非常にロジカルでデータに基づいているのに、その中に「このブランドのことが本当に好きなんだろうな」という愛情がちゃんと感じられて驚きました。広告代理店が作る資料とは全く違うんですよ。「この人と一緒にやったらどんな未来が描けるだろう」と、ブランド側に期待させる力を感じました。志賀：いやいや（笑）。逆に僕には絶対にないと思うのは、長坂さんは人の良いところを見つけるのが本当に上手い。僕はどうしても「外部の専門家」として見られがちなんですが、長坂さんは向上心や競争心の高いデザイナーたちの懐に深く入り込み、ちゃんと「仲間」として認められている。「この人になら本音を話したい」と思わせる人間力が最大の強みだと思いますね。──今年3月の東コレでの「ユウショウコバヤシ（yushokobayashi）」のショーがカンマとしての最初の仕事と聞きました。2社で組んだからこその相乗効果はありましたか？志賀：3〜4ヶ月という短い準備期間の中で、長坂さんがショーの現場ディレクションをクラシックにまとめてくれたおかげで、僕はPR戦略に集中する時間を十分に確保できました。一人でやっていたら手が回らなかったであろう、海外メディアへのアプローチも実現できました。長坂：ショーの前にプレス向け、 バイヤー向け、 一般客向けと内容を変えたブランドのアイデンティティを伝えるメールを送るなど、 志賀さんの緻密な設計と実装力は流石でしたね。一人では思いつかなかったアイデアがいくつも生まれましたし、お互いの役割が明確だったことで、結果として多くの露出に繋がったと感じています。──カンマとして予定している取り組みがあれば教えてください。志賀：戦略を実践に循環させる仕組みとして、定期的に「カクテルパーティー」を開催します。これは、僕たちが持つファッション、アート、ビジネス、メディアのコミュニティに、毎回異なる共催パートナーそれぞれのコミュニティを重ね合わせることで、既存のネットワークだけでは生まれない新しい接点を作る試みです。例えばデザイナーが資金調達やファッションロー、あるいは生産管理やOEMといったビジネスの課題に直面したとき、業界内に知り合いが誰もいない状態からでも、安心して頼れる相手と繋がれる場所を作りたいんです。適切な人を紹介するだけでなく、紹介した後も伴走できる体制がカンマの目指す形です。長坂：クライアントであるブランドから「良いセールス、生産管理を紹介してほしい」と言われるんですが、ブランドにとって重要なことであるため気軽には紹介できなくて。でも、このカクテルパーティーという開かれた場であれば、起業家から弁護士、クリエイター、学生など、さまざまな立場の人がフラットに出会うことができる。紹介して終わりではなく、カンマが中長期のプロジェクトとして伴走することで、ブランドの持続的な成長にコミットしていきたいと考えています。──最後に、カンマの活動を通して、社会やファッション業界をどのように変えていきたいですか？志賀：「情報を出せばメディアに掲載され、認知が広がる」というアテンションのみの時代は終わりに向かっています。今はその情報に、腹落ちするような「信頼の文脈」と「共感」が伴っているかが重要です。そのために、カクテルパーティーのようなフィジカルな体験の場を作るなど、情報を広く届ける前の、関係性を深く耕す工程にもっと時間をかける必要があると考えています。長坂：あと、ファッション業界と他業界との間にある見えない壁は、昔から言われ続けている課題ですよね。日本のデザイナーズブランドが10年、20年と長く続いていくためには、その壁を越えてマーケットを広げていくことが絶対に必要だと、僕も現場でずっと思い続けてきました。志賀：まさに。2社が組んでいるこの「カンマ」という構造自体が、個社で囲い込まずに「業界全体に開いていく」という意思表示です。ファッションの領域で培ったクリエイティブの知見やストーリー分析の力は、他の業界の魅力を引き出すために絶対に活かせるはず。　たとえば地方の伝統工芸や観光振興など、「職人さんが話す思想を、ちゃんと翻訳して形にできる」という僕たちのPR・クリエイティブの感覚は、他業界にとっても大きな価値になるはずです。それが巡り巡って、デザイナーたちのマネタイズの多様化や、新しい文化の地層になっていく。ファッション以外の大手企業からも、すでに「新しい文脈を作ってほしい」と声がかかり始めています。業界の壁を越えるための「渡り船」のような存在になれるよう、ここから新しいPRの形を作り上げていきたいですね。

yushokobayashi

ただの「情報拡散」はもう終わり？　2人のファッションPRが思索する新たなPRの形

黒のなかで抽象と叙情が出合う　前回は、「AI時代のファッション」という連載の切り口にまったく言及できなかったが、後半ではコム
デ ギャルソンの2026年秋冬コレクションのショーの演出や、今年復活した「Six」のことも含めて振り返ることで、AI時代とコム デ ギャルソンというテーマについて私なりに考えを深めていってみたい。　まずは、ショーで使用された音楽について、少々勝手な想像を膨らませながら考察してみることにしよう。　コンクリートが剥き出しになった廃墟のような会場に、全身黒のファーストルックを着たモデルがクラシックの音色とともに現れた。ショパンやモーツァルトのほか、ウーゴ・ナルディーニ（18世紀のイタリアの作曲家）の叙情的でロマンティックな旋律に、黒のジョーゼットの優雅なテクスチャーと曲線的なシルエットが相まって、一瞬現実から離れた耽美的世界に誘われるような感覚になる。　すると、ショーの中盤過ぎに音楽が急に止み、無音のなかで一転、全身ピンクのルックが数体登場した。それは、見るものの感覚を一瞬中断するためのように過ぎ去り、やがて弦楽器の演奏が再開すると、「黒」が再び現れる。新たな曲は、「アルビノーニのアダージョ
ト短調」。聞き覚えのある哀切な旋律で、今でも葬送の曲として映像のBGMやドラマなどにしばしば使用されている曲だ。　後から知ったことなのだが、この曲には制作過程の裏話がある。実はアルビノーニ（18世紀イタリアの作曲家）の作ではなく、20世紀の音楽学者レモ・ジャゾットが作曲・編曲した作品だといわれている。第二次世界大戦中に爆撃で廃墟となった、ドイツのドレスデンの図書館から見つかったアルビノーニの曲の断片を基に作られたとされている。どこまでが真実なのかは不明だが、いずれにしろ、メランコリックで情緒的な曲調が感情に強く訴えかけ、世界中で広く親しまれてきた曲であることだけは確かだ。　少し私的なイマジネーションの世界になるが、ここでドレスデンという響きが、私の意識を前シーズンのコム デ ギャルソンのコレクションへとつながる道に引き戻した。ドイツの古都ドレスデンは、第2次世界大戦の終盤、1945年2月に連合国軍（英・米軍）による大規模な無差別爆撃によって壊滅し、数万人の市民が命を落とした。その「悲劇」は戦争の悲惨さの象徴として今も歴史に深く刻まれている（ちなみに、小説家のカート・ボネガットは、アメリカ兵捕虜としてドレスデンで爆撃にあったが奇跡的に生き延び、その体験をもとに『スローターハウス5』を著した）。　その悲惨な廃墟のイメージは、「Dust」という言葉と結びつき、私に先シーズン（2026年春夏）のコム デ ギャルソンを想起させた。コレクションノートとして伝えられたのは「After
the Dust」というフレーズ。「Dust」には、粉塵や埃などとともに、遺骸や亡骸という意味もある。麻やジュート素材で構成されたコレクションルックは、すべて完成した後に丸ごと洗いにかけられていた。それはまるで、廃墟の粉塵や悲劇を葬り、そこから再生するための神聖な儀式のようにも感じられた。そのコレクションには、黒は一切登場しなかった。　そして、今回、「Dust」が洗い流された後に、美しい黒の葬送が現れたのだ。　薄手で柔らかなジョーゼット素材を使い、目のくらむほど大量に寄せられたひだやノット、ドレープなどが、大胆かつ曲線的なフォルムの中に縦横に配されている。密集、突起、曲線と直線、断絶、軽さ、重さなど、さまざまな意匠とテンションが凝らされた造形には、不思議とどこか優しさと優雅さが漂う。　直近のコム デ ギャルソンで、黒がメインとなったシーズンを振り返ると、2024年秋冬の「怒り」のコレクションが思い出される。同じ黒であっても、全ルックに人工レザーを使用したデザインは、鎧のようなハードさがあり、感覚的にも激しくエッジが突き刺さるようなコレクションだった。それに比して、今回の黒の表情はまったく別のものだったといえる。造形の強さは変わらないとしても、どこかたおやかで古典的な優雅さがあり、叙情的音楽と共に、抽象的造形に物語性が溶け込むような気配があった。曲の選択から見ても、「感傷」をあえて恐れない川久保さんの姿勢を感じ、その思いを強くさせた。「感情」が生むクリエイション　ショー後半の黒のルックは、主にレースで表現されることで華やかさが増し、“葬送の曲”とともに、私は思わず涙ぐみそうな感情が込み上げてくるのを感じた。──そうだ、私たちは泣いてもいいのだ。流れる涙を拭えるのは生きているということ。泣くことさえも不当に奪われ、できなくなることを、深く悼まなければならない──そう問いかけられているように感じられた。通常は、ありきたりの高揚感や安易な物語性を否定するのがコム
デ ギャルソン的だと思っていただけに、感情は複雑に入り乱れた。　ここまでだいぶ長く、連載テーマであるAIのことについてはまったく触れてこなかった。しかしながら、私にとっては、コム デ ギャルソンを語ることはすなわちAIを逆の形で語ることに等しい、と感じている。川久保さんはかねがね、「感情をデザインする」「最初にあるのは気持ちです」と語っている。それは、普遍的な意味の「感情」ではなく、川久保玲という一人の人間、すなわち「自分」だけの「気持ち」だ。そこからしかクリエイションは生まれない。　この文章を書きながら、いかにもAI初心者が思いつくようなひとつの質問をChat GPTに訊ねてみた。「AIは涙を流しますか？」　AIはこう答えた。「いい質問ですね。結論から言うと、AIは実際に涙を流すことはありません。人間が涙を流すのは、体にある涙腺や神経、そして感情の働きが関係しています。悲しみや喜びといった感情が脳で処理され、その結果として涙が出るわけです。一方でAIは、そうした身体も生理的な仕組みも持っていませんし、本当の意味での感情もありません。（・・）ただし、AIは“泣いているように見える表現”をすることはできます。でもそれはあくまでプログラムされた表現であって、内側から自然に湧き上がる感情によるものではありません」（太字はAIによる表記）　だいぶ昔のインタビューになるが、川久保さんは「（コンピュータより）人間の頭の方がずっと複雑だし、広いと考えています」と語っていたことがあった。脳と感情は深く結びつき、それぞれの人間固有の、複雑で偶然性に満ちた表現を生み出してゆく。おそらく、そのすべての根本に存在するのは、世界にたったひとつの有限な自分の身体であり、存在である。復活した「Six」──第6感を信じて　実は今回のパリでショー以外に楽しみにしていたのが、2年前にオープンした「ドーバー ストリート マーケット パリ（DOVER STREET MARKET PARIS）」を訪れることだった。マレ地区の歴史ある建造物の構造を生かして、川久保さんのディレクションによって迷路のような店舗がデザインされている。表通りから門をくぐると、すぐ中庭が広がり、そこに数ヶ月ごとに変わるインスタレーションが展開されている。私が訪れた3月には、本年度のコム
デ ギャルソン社のDM（メディア関係者や顧客に向けたダイレクトメール）のテーマとして、約25年ぶりに復活した伝説のアートブック「Six」のアートインスタレーションが展示されていた。大きな円柱型のオブジェが5つ立ち、その上にも二重に重なるように「Six」の誌面がコラージュされており、私たちは巨大な円柱の間を巡りながら、ヴィジュアルイメージのなかに没入する体験を味わうことになる。　「Six」は、1988年から2001年の間に8冊刊行されたコム デ ギャルソンの世界観を表現したアートブックだ。文字はほとんどなく、写真などのヴィジュアルイメージが脈絡なく並び、その抽象的な流れが未知の感覚を呼び覚ます。川久保さんは、今年のDMにその「Six」を復活させた。いろいろテーマを探すうちにたまたま思い浮かんだ選択、ということらしいが、今この時代だからこそ再び「Six」、つまり「Sixth Sense＝人間の第6感」の重要性に目を向けるべき、という意図を勝手に受け取ることはできよう。「Six」には以下のようなメッセージが掲載されている。「5感は 見る、聴く、味わう、嗅ぐ、触れる という5つの現実的な感覚」「第6感は現実的に表現できない感覚」　つまり、第6感は見えないが超自然的にどこかから降ってくるわけではなく、自分のなかの何かが突然反応するものである。それは、個人の特性や経験、知識の合理的な総体ではなく、意識や理性を超越した「現実的に表現できない感覚」だと思われる。それこそ、AIには持ち得ないものではないだろうか。「『Six』はコム デ ギャルソンの存在を最も正しく伝える方法の一つ」と、かつて川久保さんは語っていた。　川久保さんは、パリに進出してから45年、ブランド創立から57年、休むことなく継続することを重要な方法論として「クリエイション/仕事」を続けている。その継続した時間がなければ、今回の「結論（最後に残るのは黒。黒が私の色だということ）」にはたどり着けなかったのではないだろうか、と感じる。そこには、誰にも説明できない川久保さんの「Sixth Sense」がかかわっていたのだろうか。　しかし、それと同時に、いやもしかしたらもっと大切なことは、継続がいつでも別の「結論」を運んでくる可能性をはらんでいる、ということなのかもしれない。崩壊と膨張を繰り返す宇宙のように。「終わりなどない」のがコム
デ ギャルソンであることは、忘れてはならない。　記憶のなかに現れる、川久保さんのサングラスの真っ黒なレンズが、まるでブラックホールのように思い出される。

COMME des GARÇONS

2026年秋冬パリ・ファッションウィーク断想

第1回「コム デ ギャルソン」はなぜ「黒」に戻るのか？（後編）

CEOに問う、「新しい世代と腕時計」　ウォッチズ・アンド・ワンダーズ　ジュネーブ財団CEOマチュー・ユメール（Matthieu Humair）氏は、柔らかい微笑でこちらを迎えてくれました。「ようこそジュネーブへ。いつも取材してくださってありがとうございます」　巨大見本市のトップという権威より、時計文化の“語り部”という印象。インタビューの冒頭で、私は核心の問いを投げました。── 「腕時計は、若者にとってどんな存在になるのでしょうか」。ユメール氏は、迷いなく答え始めました。「WWGの重要課題は若い世代との接点づくり。腕時計の未来はそこから始まります」　静かではありますが、力強い口調で語られた展示会の意義。「デジタル化が進むほど、フィジカルの価値は高まります。画面越しではなく、触れる・聞く・話す・体験する。それこそが、腕時計の魅力です」「私たちは非営利財団としてブランドのために存在しています。多様性を尊重しながら出展コストを抑え、誰もが参加しやすいプラットフォームをつくらなければいけません」　この言葉の背景には、高騰した出展費で崩壊した「バーゼルワールド」の記憶が透けて見えます。だからこそ、ウォッチズ・アンド・ワンダーズ ジュネーブは門戸の広さを徹底して、今の隆盛に至っているのです。　“誰でも参加しやすい”という発言は、ブランドだけではなく、来場者にも向けられています。従来はバイヤー、ジャーナリスト、一部の上位顧客だけに門戸が開かれていたのですが、現在はそうではありません。今年の会場では、25歳以下の来場者向け無料プログラム、学生のためのウォッチメイキング体験、市内では子ども向け教育プロジェクトまで実施されていました。「時計の世界を“発見”してほしい。それが未来の時計文化を育てる第一歩です」　若い来場者がブースを回り、真剣に腕時計を見つめていました。ユメール氏の言葉が現実の風景として広がっていたのです。　「腕時計は、父から息子へ、母から娘へと受け継がれる文化です。私たちには、それを未来に渡していく責任があるのです」　ラグジュアリーの未来を語るのではなく、文化の継承”宣言”でした。そして、その宣言は、会場で見た新作の傾向と驚くほど重なっていたのです。2026年に浮かび上がったキーワード「ヴィンテージをどう再構築するか」　会場へ戻って取材を再開すると、ユメール氏の言葉がそのままかたちになったような展示が多く見られました。多くのブランドが目指していたのは、派手な複雑機構や最新素材の競争ではなく、過去のデザインを現代の感覚で再構築すること。　古着、ワーク、ミリタリー。若い世代のスタイルと、時計ブランドの歴史的意匠が、自然に結びついていました。その象徴ともいえる4本を紹介していきます。チューダー「モナーク」：70年代エレガンスを現代的にアレンジ　細密に面取りしたケースとブレスレットが特徴で、70年代風の雰囲気を漂わせつつ、腕にのせた瞬間に現代的に見える絶妙なバランス。COSC＋METAS認定ムーブメントの精度と、65時間パワーリザーブの実用性。そして、若い世代でも手が届く価格。　「あえて言えば、ウィークポイントが見つかりません」──取材に対応した日本のマーケティング担当者の言葉にも納得がいきます。　古着のスラックスにも、レザージャケットにも、シルバーアクセサリーの手元にも無理なく馴染みそうです。まさに“今のドレススポーツの理想形”です。自動巻き（Cal.MT5662-2U／COSC＋METAS認定）、スモールセコンド、パワーリザーブ約65時間、ケース径39ミリ、SSケース、100メートル防水。81万6200円（5月より順次発売）オリス「スター エディション（1966）」：ミッドセンチュリーの素朴さを現代の質感で　1966年に初代モデルが発売された時の広告を見ると、今回のモデルが忠実に復刻されていることがわかります。　メンズ腕時計の定番であった35ミリ径の文字盤、プレキシ風防の柔らかい表情、少しアイボリーがかった夜光塗料で光るインデックス。1960年代の素朴さを残しながら、現代の精度で美しく再解釈しています。　ツイードのジャケットを羽織るスタイルとの相性は抜群です。自動巻き、パワーリザーブ約41時間、ケース径35mm、SSケース、50メートル防水。36万3000円（5月発売）レイモンド ウェイル「ミレジム スモールセコンド 」：1930年代の正統派を誠実に再現　“ヴィンテージ風”ではなく、本気で1930年代のクラシックをそのまま現代に持ってきたような誠実な一本。40ミリを下回る使いやすいケースサイズ、整然としたセクターダイヤル、SW261系のCal.RW4251らしい端正な文字盤デザイン。　バブアーのブルゾンにも、レザーシューズにも、古着コーデにも。若い世代の“程よくクラシック”というニーズを満たしてくれる腕時計です。自動巻き（Cal.RW4251／SW261系）、パワーリザーブ約41時間、ケース径39.5ミリ、SSケース、50メートル防水。37万4000円。パネライ「ルミノール」：ツールウォッチの力強さと洗練のバランス　1960年代ツールウォッチの荒削りな魅力を残しながら、ケースラインを直線的でミニマルに再構成した最新のルミノール。192時間というロングパワーリザーブのムーブメントを搭載しているから、一週間以上も止まることなく着用できます。　ミリタリージャケットやカーゴパンツと合わせると、“武骨なのに上品”なスタイルに。若い世代が求める絶妙なニュアンスを感じさせます。手巻き（Cal.P.5000）、パワーリザーブ約192時間、ケース径44ミリ、ブルニートスティール、300メートル防水。168万3000円（6月発売予定）ヤマモトの見立て会場写真©2026 Watches and Wonders Geneva Foundation※腕時計は未入荷や売り切れの場合もあります。また、為替レートなどの影響で価格が改訂されることがあります。

腕時計は若い世代に響いているのか？ 現地で掴んだ新潮流──「ウォッチズ＆ワンダーズ」取材記 vol.3

一目で分かる有名ブランドのクリエイティブディレクター年表【随時更新】

本格的な防水機能は、100年前にロレックスがつくった　会場でもっとも多くの来場者を集めていたブランドがロレックスです。ブースの中央には、巨大なオイスターケースのインスタレーション。壁面には、歴代のアイコニックなアーカイヴ。今年の中心テーマが何かということが、ブースに足を踏み入れた瞬間に分かります。　1926年に生まれた「オイスター」は、世界初の本格防水腕時計です。ねじ込み式リューズと密閉ケースにより、腕時計は“慎重に扱う装飾品”から“日常に寄り添う道具”へと変わりました。　ロレックスが拓いたこの技術は、腕時計が「生活の中で時間を使う」文化へと進化する原点となったのです。　その100周年を記念して発表された新作は、単なる復刻ではありません。　クラシックなラウンドケース、端正なバーインデックス、無駄のない3針レイアウト。基本的なデザインはオイスター
パーペチュアルそのものですが、ケースのエッジがこれまで以上にシャープになり、ブレスレットとの一体感も滑らかになりました。文字盤には100周年を記念した特別なモチーフが控えめにあしらわれ、裏蓋から覗くローターにもアニバーサリーイヤーが刻まれています。　派手さはありません。むしろ驚くほど静かなアップデートです。これこそがロレックスらしさと言えるでしょう。大きく変えるのではなく、誰もが知っている完成形を、誰にも気づかれないほどの微細な進化を積み重ねる。その姿勢が、このブランドの強さなのです。　日本からジュネーブを訪れているリテイラーのバイヤーは、「発表前からお客様の問い合わせが多かった」と話します。そうした期待感は、日本に限ったことではありません。欧米でもアジアでも、ロレックスほど認知度の高い腕時計ブランドは他にありません。　いつの時代でも、世界中のどこでも、価値が認められている。これこそが、ロレックスが最強のブランドである証明と言っていいでしょう。自動巻き（Cal.3230）、2万8800振動／時、パワーリザーブ約70時間、ケース径41ミリ、SS×18KYG。100メートル防水。142万8900円（予定価格・今春発売予定）。パテック フィリップが生んだラグジュアリースポーツ腕時計の傑作　腕時計の最高峰とも言われるパテック フィリップの新作取材は、毎年いくぶんかの緊張を伴います。そして、今年はまた違う意味で、取材するプレス陣に静かな熱気がありました。　その理由は、明快。事前に伝わっていた「ノーチラス」誕生50周年の発表です。　1976年、デザイナーのジェラルド・ジェンタが手掛けた「ノーチラス」は、ドレスウォッチが中心だった高級時計の世界に、“ラグジュアリースポーツ”という新しい価値観をもたらしました。舷窓から着想を得た八角形のベゼル、一体型ブレスレット、薄型ケース。そのデザインは半世紀を経ても古びることなく、むしろ普遍性を増しています。　パテック フィリップ社長ティエリー・スターン氏も、「20歳のとき、最初のパテック フィリップとしてノーチラスを選んだ」と語っています。まさに、世代を超えて価値観を受け継いでいく腕時計なのです。　今回の50周年モデルのデザインも、従来からの「ノーチラス」を踏襲しています。ケースのフォルム、文字盤の横ストライプ、スポーティさと滑らかさが両立したブレスレット。　しかし、実機を手にした瞬間、違いがはっきりと分かります。ケースのポリッシュはさらに滑らかに、エッジは一段と凛とし、文字盤の光の反射は深みを増しました。ブレスレットの仕上げも細部まで磨き込まれ、全体の完成度が一段上の次元に達しています。　“何も変えていないようで、すべてが進化している”。パテック フィリップが周年モデルで示したのは、新しさではなく完成度でした。　数年前、ジュネーブ市内にあるパテック フィリップのミュージアムを訪れたことがあります。約2500点ものアーカイヴが展示されているのを見て、「腕時計の歴史は、パテック フィリップが作ってきたといっても過言ではない」と感じたのを思い出します。　50周年を記念して作られた今年のノーチラスは、次の50年の基準となるでしょう。自動巻き（Cal.240）、2万1600振動／時、パワーリザーブ約48時間、ケース径41ミリ（10-4時位置）、18KWG。30メートル防水。1526万円。世界限定2000本。ヤマモトの見立て会場写真©2026 Watches and Wonders Geneva Foundation※腕時計は未入荷や売り切れの場合もあります。また、為替レートなどの影響で価格が改訂されることがあります。