インサイド

「DSM kei ninomiya」は、20年以上の歴史を持つドーバー ストリート マーケット（DOVER STREET MARKET）の理念「Beautiful Chaos（美しい混沌）」や、そのコミュニティの価値観を象徴するインハウスブランドとして誕生した。「セレオリ（セレクトショップのオリジナルブランド）」といえば、トレンドを無難に落とし込んだ手頃なベーシックウェアを想像しがちだが、同ブランドはそれらとは明確に一線を画している。多様なクリエイターやインディペンデントなカルチャーが交差するプラットフォームの思想そのものを、服として具現化する野心的なプロジェクトだからだ。そうして独自の歩みを進め、立ち上げから1年半、3シーズン目を迎えた今季、ブランド初となるランウェイショーが実現。毎シーズン特定のコミュニティに焦点を当てる同ブランドが、記念すべきショーのテーマに掲げたのが「OUR PUNK」である。　川久保玲の公私に渡るパートナー、エイドリアン・ジョフィ（Adrian Joffe）CEOが執筆したプレスリリースには、「完璧さよりも参加することに意味がある。許可を求めず、社会的な慣習を気にせず、自らの選択を行い、新しい方法を模索する」という強いメッセージが込められている。これは単に1970年代のパンク・ムーブメントを懐古するものではなく、「2026年においてパンクであるとは何を意味するのか」という現代に向けた問いかけでもあった。　二宮のシグネチャーブランド「ノワール ケイ ニノミヤ（noir kei ninomiya）」が主に抽象的なキーワードから造形を生み出すのに対し、「DSM kei ninomiya」はコミュニティという“人”のカルチャーを起点としている。そのためアウトプットは実生活に根ざしたワードローブに近いものの、決して平凡な日常着には着地しない。ランウェイに登場した衣服は、パンクの伝統的なコードを二宮の独自の造形技術によって鮮度のあるウェアへと昇華させたものだった。布地が見えなくなるほど無数の安全ピンがあしらわれたライダースジャケットをはじめ、ブランド独自にカスタマイズされたタータンチェックのファブリック、ボンテージパンツや粗いメッシュ素材が重なり、アナーキーなシルエットを形成していく。ショーではメンズモデルを起用したがコレクションはユニセックスで、タイトからオーバーサイズまで、あらゆる体型やジェンダーにフィットするよう設計している。　「反骨」を単なるハードな表現に終わらせない対比の妙も光る。ストイックな前身頃に対し、後ろ身頃には優美なフレアが広がる純白のジャケットや、動きに合わせて軽やかに揺れるスカートが差し込まれた。この二面性はヘアメイクにも色濃く表れていた。ヘアスタイリスト兼ウィッグアーティストのパブロ・クミン（Pablo Kuemin）が手掛けたツンツンに逆立つ攻撃的なパンクヘアには、フラワーアーティスト東信による瑞々しい生花があしらわれている。トゲと花、鉄格子とフレア、反骨と純真といった相反する要素が、ひとつのスタイリングの中で見事に調和していた。　多彩なコラボレーションも、今季の重要な柱だ。セックス・ピストルズ（Sex Pistols）のアートワークを手掛けたことで知られるグラフィックデザイナーのジェイミー・リード（Jamie Reid）のアートワークが衣服に落とし込まれ、特別なタイポグラフィ「Untitled, Untethered, Undefined」も披露された。「ショット（Schott）」とは、同ブランドのアーカイヴとヴィンテージのパンクジャケットに着想を得て、名作「Perfecto®」を二宮の視点で再解釈したレザージャケットを製作。さらに、ジュディ・ブレイム慈善財団との死後のコラボレーションにより、故ジュディ・ブレイム（Judy Blame）の象徴であるボタンの蓄積を用いた表現が取り入れられ、足元にはボタンのディテールを配した「ジョージコックス（GEORGE COX）」のシューズや、「ヴァンズ（VANS）」の最上級ライン「オーティーダブリュー バイ ヴァンズ（OTW by Vans）」の編み込みレザーによるチェッカーボードスリッポン、ジェイミー・リードのアートワークを配したフローラルプリントのスリッポンなどが、パンクの多様な側面を力強く底上げしている 。　ニューヨークのメンズレーベル「プリティ・レリックス（Pretty Relics）」との協業では、ヴィンテージTシャツに、ドーバー ストリート マーケットが出店している各都市へのオマージュとなるエクスクルーシブなプリントが施された。会場の空気を震わせたのは、ローマを拠点とする「ヴィラ・ロンターナ（Villa Lontana）」が考案したカスタムサウンド 。ミケーレ・フェラーリによるアナログ機材を用いたライブ演奏に、ジェンダーを問い続けるアーティスト兼詩人トマゾ・ビンガ（Tomaso Binga）の音声詩が縫い合わされ、非線形なサウンドスケープが展開された。　反逆のスタイルがファッションに吸収され、単なる記号やユニフォームとして消費される現代において、「DSM kei ninomiya」が提示したのは、パンクを「現状に対する独自の解釈と姿勢」として表現することだったのだろう。「時代がどう変わっても、挑戦し続けなければ前に進まない」という二宮の言葉通り、同コレクションは日常着の枠を超え、服の背景にあるカルチャーや歴史をデザインとして深く落とし込んでいた。制約の多い現代社会において、社会の慣習に縛られず、作り手も着る人も自由に選択し自分らしくあること。それこそがファッションの普遍的な価値であり、フィレンツェの地で高らかに宣言された「OUR PUNK」の真髄である。

Fashion

「DSM kei ninomiya」2027年春夏コレクション

2026年におけるパンクとは何か？　二宮啓が提示するファッションの普遍的価値

——昨年ローンチした「DSM Kei Ninomiya」ですが、プロジェクトが始まった経緯や、どんな目的のもとに立ち上がったブランドなのでしょう？　明確なゴールが定まっているわけではありません。スタートとしては、ドーバーストリートマーケットのインハウスブランドを作って行くという流れの中で、自分が一つのブランドを任されたと思っています。　ドーバー ストリート マーケットというプラットフォームの上で、いろいろなデザイナーやアーティスト、さまざまな感覚を持った人たちが参加できるようなプロジェクトとして捉えています。——それは川久保玲さんからのお話だったのでしょうか。　この企画のビジョンとしては川久保とエイドリアン・ジョフィがディスカッションを重ねた中から生まれたものだと認識しています。その上で、川久保から「こういうことに興味はないか」「やってみないか」という形で声をかけてもらいましたが、その時点で全体構想がどこまで決まっていたかは分かりませんし、今後ほかのブランドがどのように走るのかも未知です。——ドーバー ストリート マーケットの名前がついたプロジェクトです。二宮さんはドーバー ストリート マーケットの本質をどのように捉え、どのように服に落とし込んだのでしょうか。　一言では言い表せません。ドーバー ストリート マーケットには「Beautiful Chaos（美しい混沌）」というコンセプトがあり、ストリートからラグジュアリー、長い歴史を持つブランドからインディペンデントなブランドまで、様々なものが共存しているプラットフォームです。川久保やエイドリアンの目を通し編集された世界観があり、そうしたものづくりや商品、価値観の上に成り立っている場所だと思っています。——二宮さん自身にとってドーバー ストリート マーケットはどんな場所ですか。　コム デ ギャルソンという会社の中にもたくさんブランドがありますが、ドーバー ストリート マーケットではより多くのブランドを扱っています。国内外の有名無名問わず様々なクリエイターやブランドの商品と並ぶことで刺激を受けますし、自分自身も興味を持つきっかけになります。　インスピレーションという言葉は少し陳腐かもしれませんが、お互いに見たり感じたりすることで、新しい発見が生まれる場所です。お客様にとっても、それぞれ目的や感じ方は違うと思います。いろいろな価値観が共存しているからこそ、人によって違う面白さを発見できる、そんな場所なのではないでしょうか。——今回の「DSM Kei Ninomiya」は、ご自身の「noir kei
ninomiya」と比べると、より日常に近いデザインアプローチに見えます。意識的に変えた部分はありますか。　逆をやろうとか、あえて離れようという感覚はありません。ノワールの場合は抽象的なキーワードからコレクションの構想が始まることが多いです。そのためゴールも抽象的な表現に向かいます。　一方で「DSM Kei Ninomiya」は、ドーバー ストリート マーケットに集まるコミュニティからスタートしています。より人に近いところが起点になっているので、結果的にリアルクローズに近いアウトプットになっているのだと思います。——「DSM Kei Ninomiya」には、具体的な顧客像があるのでしょうか。　お客様そのものを見ているということではないです。むしろ、そこに集まる多様なカルチャーやバックグラウンドを見ています。そうしたカルチャーに対して新しい解釈を加えられないか。普通の服を作るだけではなく、その周辺にある意味や背景も含めてデザインすることで、新しい提案ができないかと考えています。——制作はどのように進めているのでしょうか。　「DSM Kei Ninomiya」は、海外での生産となるため、より細かいコミュニケーションが必要です。前シーズンのコレクションには、「フットボール」というキーワードがあります。ただユニフォームそのものを作るわけではなく、フーリガンカルチャーやフットボールを取り巻くカルチャー全体からアイデアを拾っています。今回は音楽からインスピレーションを得ています。パンク的な世界観の中で新しい表現ができないかと考えました。——そういったアイデアはご自身の興味から来るのでしょうか。　まだ3シーズン目ですが、自分の興味が中心です。もちろん今後はディスカッションを重ねながら進化していくと思いますが、現段階では自分が面白いと思うことからスタートしています。——今回ならではの新しい試みはありますか。　デザイン面ではメンズウェアのパターンワークです。それに加えて、グラフィックなどアーティストとのコラボレーションも行っています。*ジェイミー・リード（Jamie Reid）、ジュディ・ブレイム（Judy Blame）。シューズでは「ヴァンズ（VANS）」「ジョージコックス（GEORGE COX）」とのコラボレーション。ウェアでは「ショット（Schott）」がショーで登場した。——生産体制も普段と違うそうですね。　「DSM Kei Ninomiya」は、ドーバー ストリート マーケット パリのブランドデベロップメント部門*が主導しています。東京でデザインをして、パリのチームが生産をする形になります。時差も距離もありますし、生産のタイムラインも違います。すぐ変更がきくわけでもありません。まだ良し悪しは判断できませんが、日本とは違う面白さがあります。*これまで「イー アール エル（ERL）」や「ヴァケラ（Vaquera）」などの若手ブランドをサポートし、DSMの生産背景を提供している。「DSM Kei Ninomiya」はその部門による初の本格的なインハウスブランドとなる。——今回ピッティで発表することになった理由を教えてください。　ご招待いただいたというのが大きな理由ではあるんですが、せっかくブランドも始まったタイミングでしたし、新しいチャレンジをする良い機会だと思って参加を決めました。もう一つは、東京やパリではない場所で発表するということです。ドーバー ストリート マーケットの新しいプロジェクトを、ドーバーの店舗がない都市で発表するというのも面白い取り組みだと考えました。いつもと違う場所で発表することで新しい見え方があるのではないかと思っています。——ショーの作り方も普段とは違う？　今回はショーを行うスタッフもパリチームを中心に組んでおり、実際にヨーロッパへ行ってから最終の準備などを行いました。パリでのショー作りとはスタッフも環境も異なっていたので、苦労したところもありますが、最終的にうまくまとまったと思います。パリチームもこのブランドでショーをやるのは初めてなので、やってみないと分からない部分もありましたが、現地でやる以上、日本から人を連れて行くよりも現地の人たちとセッションした方が面白いと思っています。そこでしか生まれないものがあると思うので。——今回初めてショー形式で発表されますが、どんな期待をしていますか？　服は人が着ている姿が一番魅力的だと思っています。歩いている姿や動いている姿には写真とは違う強さがあります。そういう意味では、これまでとは違う角度でコレクションを見てもらえると思っています。——ご自身が考えるファッションにおける「新しさ」とは？　自分自身が見たことのないものを発見することでもあります。時代がどう変わっても、誰かがそういう挑戦をし続けなければ業界は前に進まないと思います。だから新しさは探し続けたいです。——一方で「変わらない価値」とは何でしょうか。　「自由さ」だと考えます。好きなものを選べること。好きな服を着られること。それは本当に幸せなことだと思います。いろいろな制約が増えていく時代ですが、作り手も着る人も自由に選択できること。それがファッションの本質的な価値だと思います。——新プロジェクトを担う立場として、社内外からのプレッシャーも大きいと思います。　プレッシャーはあります。ただ、周りにはもっと大きなプレッシャーの中で仕事をしている人たちがいます。川久保もそうですし、渡辺（淳弥）もそうです。そういう方たちを見ていると、自分はまだまだだなと思います。——先輩方から学ぶことはありますか。　ものづくりに対する真摯さです。「人生を懸けている」という言葉は大袈裟に聞こえるかもしれませんが、本当に100％ものづくりに向き合っています。川久保とは普段多く言葉を交わすわけではないですが、仕事の判断がとにかく速く、迷う時間がほとんどないというその決断力や、そのような姿勢を見ていると、自分ももっと頑張らなければと思います。——「DSM Kei Ninomiya」と「noir kei
ninomiya」の二足の草鞋を経験されてますが、今後どのように影響し合っていくと思いますか。　2つのブランドは全く違うものです。お互いに影響を与える可能性はあると思いますが、今の段階ではそれぞれ別の方向に面白く発展していけばいいと思っています。どちらかがどちらに寄るという感覚ではありません。制作スケジュール上はウィメンズとメンズがきれいに繋がったので、ずっと走り続けることになると思います。

コミュニティから服を考える　二宮啓が「DSM Kei Ninomiya」で挑む新たな表現

雨靴の“新定番”「ハンター」のチェルシーブーツ　過酷な環境や厳しい天候から足元を守るためにゴム製のブーツを作ったことをきっかけに、1856年にスコットランドで設立された「ハンター（HUNTER）」。ブランドのシグネチャーとして知られるレインブーツは、品質の高さと抜群のフィット感、タウンユースとしても活躍する高いデザイン性の3拍子が揃い、海外セレブを中心に愛用されるなど世界的な人気を誇ります。近年ではシグネチャーであるレインブーツの系譜を継いだアパレルやバッグなどのライフスタイルアイテムを展開し、ファッションの文脈を色濃く映し出したコレクションを提案しています。今回紹介するチェルシーブーツは、ブランドの創業170周年を記念して誕生した新作アイテム。アイコンシューズを現代的に再構築した一足です。伝統を継承した製法とデザイン　ゴムやPVC、合皮など様々な種類の素材が用いられるレインブーツですが、「ハンター」では天然ゴムを用いた製品づくりをブランドの核としてきました。裂けや摩耗に強い天然ゴムを使用したブーツの魅力は、柔らかさと伸びのある抜群のフィット感。他の素材と比較すると防水性と断熱性にも優れ、寒い時期でも硬化することなく高い屈曲性を誇り、快適な履き心地を叶えてくれます。　快適な履き心地と高い防水性は、厳選された素材選びだけではなくシューズの構造にも秘密があります。「ハンター」がブランド創業時からこだわって採用しているのは、アッパーとソールを一体化させるバルカナイズ製法。複数のパーツを手作業で木型に貼り込み、金型に入れて加硫し、窯から出して寝かせ、仕上げに防水テストを行うという手間暇のかかる工程を経て作られています。アッパーとソールが一体化されているため、水が染み込む心配もなく、天然ゴムの素材も相まって高い防水性を実現しているのです。 　アウトソールには、ブランドオリジナルのものを採用。1950年代に考案された波状のトレッドパターンのソールは、均一に配置された凹凸により、濡れた地面でも軽快に歩行することが可能です。かかとからつま先にかけて緩やかに勾配をつけたシルエットは、安定感がありながら足元をスタイリッシュに見せてくれます。そのほか注目したいのは、かかと部分に配された真っ赤な天秤のロゴ。天秤にかけられているのは価格と品質であり、良心的な価格設定を守りつつ、品質にも妥協しないというブランドの思想を表現しています。　つま先には、「ハンター」のアイコンであるマスタッシュデザインを採用。曲線状のデザインが口ひげのように見えたことからこのように呼称され、レインブーツだけではなく傘やバッグなど、その他のアイテムにもさりげなく踏襲されているブランドを象徴するデザインです。日常使いに最適化されたサイドガゼット　素材やデザインなど伝統的な作りを踏襲しながら、大きく変更された点として挙げられるのはサイドガゼットの素材使い。元々はゴアゴム素材を使用していたのに対して、本作ではスウェットスーツなどに用いられることが多いネオプレンを使用しています。伸縮性に優れているので、従来モデルよりもスムーズに着脱できるうえ、ふくらはぎに優しくフィットしながら足首周りの動きにも柔軟に対応するようにアップデートが施されています。チェルシーブーツのアイコンとも言える象徴的なディテールの素材変更は、足入れのしやすさだけではなくシューズ全体の軽量化や耐久性向上にも繋がり、より日常使いしやすい一足へと昇華しています。シンプルなデザインと豊富なカラーバリエーション　使いやすいくすっきりとしたくるぶし丈のシルエットで、合わせるボトムスを選ばず取り入れられるので、雨靴としてはもちろん、オーセンティックなブーツとして雨の日以外にも使いたくなるような一足です。F/STOREでは、ソリッドなブラックと鮮やかな色味のソールが目を惹くエナジーレッド、アンニュイな印象のエナジークレイの3色を展開。どのカラーリングもアウトドアにはもちろん、タウンユースにも馴染む色味に仕上がっているので、文字通りシーンを問わず重宝するはずです。　サイズ感はベーシックなので、普段通りのサイズを選べば問題なく着用できます。先述の通りしなやかな質感の天然ゴムを採用していることもあり、従来のレインブーツの硬い履き心地とは異なる柔らかなフィット感を存分に堪能でき、長時間着用していても足への負担が少なく快適に過ごすことが可能です。これからの梅雨のシーズンだけではなく、フェスやレジャーなどのアウトドアシーンでも活躍する一足をチェックしてみて。◾️「マイスタンダード」バックナンバー・名作ブーツの系譜を引いた「エーグル」のクロッグシューズ・無骨さと上品さを両立させた「セブン バイ セブン」のレザートートバッグ・優雅な曲線美に惹かれる「ハトラ」のイヤーカフ・歪さが生む美しさ、「プリーク」のハートリング＞＞バックナンバーを見たい方はこちらから

HUNTER

お買いモノ

【マイスタンダード】雨靴の“新定番”「ハンター」のチェルシーブーツ

「生きたメディア」を目指して——デペニューはどのようなファッションメディアですか？ 強みは？　ファッションやカルチャーを主軸に、グローバルのランウェイニュースやセレブリティのスタイル、フード、ビューティ、ウェルネスまで幅広く扱うデジタルメディアです。常にパーソナルで即時性のある視点を大切にしています。本当にファッションを理解している友人のような存在でありたいと思って2022年に立ち上げました。　私たちの強みは、スピードと感性の組み合わせです。ただ情報を伝えるのではなく、キュレーションする。デペニューのフォローは、情報だけではなく、私たちのテイストを信頼してくれているのだと思います。——デペニューを立ち上げたきっかけは？　ファッションの伝えられ方と、人々が実際にファッションを消費する方法との間にギャップを感じていました。既存のメディアは、情報がスローで、格式ばったものが多く、少し近寄りがたさを感じていました。一方で、特に若い世代は、リアルタイムで視覚的に魅力があり、作り込まれすぎて冷たく感じるものではなく、もっと自然でリアルなコンテンツを求めていると感じたんです。　私は"生きているメディア"を作りたかった。パリで開催されているファッションショーを、ソウルにいる人がまるでその場で体験しているかのように感じられるようなメディアです。——ご自身のキャリアについて教えてください。　私のキャリアのスタートはマーチャンダイザーでした。ニューヨークのラルフ ローレン本社で働いた後、プラダ コリアでミュウミュウを担当しました。その経験を通じて、ラグジュアリーブランドがどのようにアイデンティティを構築し、商品や体験をキュレーションし、オーディエンスと関係を築いていくのかを学んだんです。　デペニューは、ブランド側と消費者側、その両方のファッション業界で学んできたことが交わって生まれたメディアです。急成長を支えたキュレーションとコミュニティ——現在はインスタグラムの本アカウントのフォロワー数が100万人を超え（2026年6月時点で105万人）、韓国国外でも注目されています。急成長の理由は何だったのでしょうか？　成長の理由は、一貫性とオーセンティシティ（本物であること）だったと思います。私たちは、すべての人に向けた存在になろうとはしませんでした。スピードがあり、キュレーションされ、感情に響くという明確な視点を持ち、それを毎日続けてきました。　転機になったのは、オーディエンスを単なるフォロワーではなく、コミュニティのメンバーとして捉えるようになったことです。彼らのために作るのではなく、彼らを意識しながら一緒に作る。その姿勢に変わったとき、目に見えて成長が加速しました。人は、自分を理解してくれるものをシェアするのだと思います。——コンテンツを作る際に大切にしている"デペニューらしさ"とは何ですか？　デペニューのコンテンツは、それを作っている人が本当にその取材対象に関心を持っていると感じられるものでなければいけません。私たちが大切にしている基準は、「ファッションを愛する人が私たちのコンテンツを見たときに、何かを感じるか」です。——投稿のスピード感も強みです。どのような体制で編集、投稿しているのでしょうか？　私たちのワークフローは、リアルタイムの編集リズムを中心に作られています。常にモニタリングし、フットワーク軽くいつでも動ける状態にしています。　チームは小規模ですが、非常にアラインされています。全員がデペニューの声やトーンを理解しているからこそ、スピードを保ちながらもアイデンティティを失わずに発信できるのです。——韓国のセレブリティだけでなく、ペトラ・コリンズ（Petra Collins）や映画監督のバズ・ラーマン（Baz Luhrmann）といった世界的クリエイターとのコラボ投稿や、ファッションウィークでの独自のバックステージ取材も印象的です。こうしたコンテンツはどのように実現しているのですか？　正直に言うと、人との関係性、そして多くの偶然です。こうしたコラボレーションは、必ずしも計画して実現できるものではないと思います。自分がしていることを本当に愛し、そこにリアルなエネルギーを注いでいると、周りの人もそれを感じ取ります。そうすると、そういった予期せぬ良いことがその場で自然に起こり始めるのです。 ▲「クロエ」26年秋冬コレクションのショーバックステージでは、コレクションのムードボードにも登場したブルック・シールズの姿をキャッチし、現地からでしか届けられないショーのエモーショナルな側面を伝えた。SNSメディアの未来——デペニューのビジネスモデルはどのように設計されていますか？　複数の事業ラインで運営しています。ブランドコンテンツのパートナーシップ、イベント、そしてクリエイティブエージェンシーとしての仕事です。私たちは単なるメディア企業ではありません。——2026年にDaily Fashion News Japanをローンチしました。日本進出の理由と目標を教えてください。　韓国は日本が好きで、日本も韓国に関心を持っています。その相互の関心には理由があると思います。2つの文化の間には共有されているものがありながら、同時にお互いが深く惹かれる違いもあります。私自身もずっと日本に惹かれてきました。多くの韓国人が憧れ、夢見てきた場所であり、私もその一人です。　韓国で築いてきた、スピード感がありカルチャーに深く関わるデジタルメディアは、日本でも受け入れられる準備ができていると感じました。韓国のデジタルメディア環境はとても速く進化してきました。そのエネルギーや高揚感を、日本にも届けたいと思っています。　ただし、韓国版をそのまま日本語に置き換えることが目標ではありません。日本の文化や感性を本当に理解しながら、デペニューのDNAであるスピード、キュレーション、オーセンティシティを持つものを作ることが目標です。——昨今のファッション業界は、セレブリティによるバズへの依存度が高まっています。この現状をどのように見ていますか？　セレブリティの注目度は、これからもファッションの一部であり続けると思います。それ自体がなくなることはありません。ただ、オーディエンスはより見極める力を持つようになっています。本物のコラボレーションなのか、単なる広告的な起用なのか、その違いを感じ取れるようになっているのです。　セレブリティは、人々を引き付ける入口にはなりますが、それだけで関心を維持することはできません。これから重要になるのは、その先にあるストーリーやカルチャー、コミュニティの価値です。話題性で人を集めることはできても、人々が継続的に関わり続ける理由は別のところにあると思います。——これからの時代のファッションメディアに必要な役割は何だと考えていますか？　ファッションメディアは、単なるチャンネルではなく、コミュニティにならなければいけません。これからの時代は、所属感を生み出せるメディアが重要になると思います。人々は、何かについて知るだけではなく、自分が何かの一部であると感じたいのです。　デペニューの長期的なヴィジョンもまさにそこにあります。ファッションやカルチャーを愛する人々が実際に出会える場所になること。単なるフィードではなく、コミュニティになること。それこそが、これからのファッションメディアが生き残り、成長するために必要な姿だと思います。

韓国発SNSメディア "デペニュー" 創業者が語る、次世代のファッションメディア像

ITEM PROFILE：「メゾン マルタン マルジェラ（Maison Martin Margiela）」1994年秋冬コレクションで初登場したPコート。「人形のワードローブから再現した服（Clothing reproduced from a doll's wardrobe）」をコンセプトに、人形の服をそのまま人間サイズに拡大したようなデザインが特徴。出会いは、マルジェラが一世を風靡した90年代のパリ　マルタン・マルジェラ（Martin Margiela）本人がパリでブランドを始めてセンセーショナルなムーブメントを起こしていた1990年代当時、私はラッキーなことにパリに留学していたんです。パリファッションウィークの中でも異質な存在として盛り上がっていたので、彼が何か新しいことをやるたびに見に行っていました。当時、マルジェラがパリのセレクトショップ「レクレルール（L’ECLAIREUR）」で、ウィンドウに白い紙を貼って覆い、そこからモデルが出てくるような形式でコレクションを発表したことがあって、それを見に行った際にこのコートに出会いました。非常に高価だったのですがどうしても欲しくてたまらず、後日、レクレルールかオンワード樫山のショップのどちらかで購入したと記憶しています。  マルタン、川久保玲の忘れられない思い出　当時からマルジェラは、ランウェイショーにもメディアにも一切顔を出しませんでした。だから、ショーの手伝いやインターンに入った学生などからの情報しかなかったのですが、当時彼を実際に見た人たちから、「マルタン・マルジェラは男性で、すごく背が高い」という噂を聞いていたんです。　ある日、当時マルタンが打ち合わせのためによく訪れているという噂があったセレクトショップに行くと、まさにその特徴に当てはまる人がマルジェラの服を大量に持っていて。私はインターンをさせてもらいたかったので、店の外で待ち伏せして、「マルタン・マルジェラですか？」と声を掛けました。そうしたら、「違うよ。でも僕はブランドを始めたときから一緒に働いている人間だよ」と。それで、学生時代に作った作品を送りたいと伝えたら、住所を教えてくれたんです。　後日作品を送ったところ、手書きの手紙で返事がありました。お断りの内容でしたが、「ウェイティングリストには入れておく」というようなことが書かれていて。その手紙は今でも大切に持っています。そういったこともあり、この服には勝手な思い入れがあるんです。　そして、実はこのコートにはもう一つ、忘れられない思い出があります。私が日本に帰国して「コム デ ギャルソン（COMME des GARÇONS）」でアルバイトをしていたときに、川久保玲さんもこのPコートのネイビーを着ているという噂を聞きつけて。「私も持っている！」と思ってすごく嬉しかったのを覚えています。本当は私もネイビーのワンサイズ下が欲しかったんです。服作りの概念を覆す、驚きの発想力とディテール　この服の凄さは、まずコンセプトとその発想力です。「人形の服をそのまま拡大する」というコンセプトのもと、誰もが当たり前に知っているミリタリーウェアとして完成されたデザインの「Pコート」を、当時の概念を覆すような発想で再構築していて。人形の服ならではの狭い肩幅やパフスリーブ、ボタンの数や大きさ、ステッチの太さ、ダーツなどを、徹底的にそのままのバランスで人間の服として再現しています。　ステッチには、通常デニムなどに用いる20番や30番よりもずっと太い、カバン用の8番が使われていると思うのですが、これは普通の服の工場ではなかなか縫えないもので、技術的な開発や挑戦も必要だったかと。そんな風に、普通なら人間の洋服の仕様に置き換えてしまいがちなところを、徹底的に再現しようという確固たる意思を全体から感じます。  　しかも、コンセプチュアルで前衛的なデザインであるだけでなく、とても機能的なんです。肩幅をとても小さくしたことで可動域が取れなかったからか、背面にはライダースジャケットのようなアクションプリーツが入っていたり、袖付けも少し上に上げて運動量を確保していたりと、ちゃんと着心地も考えられている。肩パッドと共に入れる「裄綿（ゆきわた）」という芯地も、既製品を使うのが一般的なところ、これは袖の形に合わせてオリジナルで作っていると思います。　さらに、内側のディテールには、ヨーロッパの中世のドレスやコルセットなどに使われるような、身体を縛って中に固定することで美しいシルエットを生み出したり、自分でサイズ調整ができるような紐が取り付けられていて。当時はPコートの肩幅がこんなに狭くてパフスリーブになっていることも、軍物のワークウェアに中世のドレスの要素をドッキングさせるという発想もなかったので、衝撃でした。　一方で背裏の付け方は、バイアスに裁断した生地を輪で取った（背中心に縫い目ができないよう一枚の布で作っていること）、クラシックなメンズの作りなんですよね。最初に見たとき、「ウィメンズの服にこういうメンズの裏地の付け方をしてもいいのか」と気づかされました。そして、この「フレンチ綾（ツイル）」の素材が使われていると、私は「マルジェラだな」と思います。フレンチ綾は、昔の軍物では階級の高い人の服の裏地に使われていた素材。私も好きで最初は自分のコレクションにも使っていたのですが、今はもうコストの問題などで廃盤になりつつあります。当時のマルジェラは、この素材を表地として使った服も作っていました。 　デザイナーだけでなく、パタンナーや生産の現場も「こういう作り方をしてもいい」と知っているかどうかで、出来上がるものが全く変わってきます。ルールに縛られず、もっと自由にやっていいんだということを、このマルジェラの服は教えてくれました。ステッチワークにしても、彼がこのコレクションを発表したことで、多くのデザイナーがステッチを単なる縫い代の始末ではなく、デザインの一部として捉えるようになったと思います。　当時のメゾン マルタン マルジェラのコレクションラインは、すべてにおいて挑戦があり、強いコンセプトがあり、ショーでは絶対的な世界観がある。ファッションにおける“三拍子”が揃ったコレクションを毎回発表されていました。古田泰子が考える、「本当に良い服」の定義　私が惹かれるのは、二つのタイプです。一つは、表面的ではなく、内部の構造からデザインされているもの。もう一つは、そういった理屈は抜きに、ただ作り手の勢いだけで「やりたいこと」がそのままぶつけられている服。この二つの要素が両立しているものが、私にとっては最高の服です。古田泰子 | Yasuko Furutaエスモードジャポン／エスモードパリでファッションデザインおよびパターンを学ぶ。1997年、東京を拠点に自身のブランド「トーガ（TOGA）」をスタート。2005年に発表の場をパリへ、2014年にはロンドンへと移す。現在、ショーによる発表を続けるメインコレクション「トーガ」の他、プレコレクション「トーガ プルラ（TOGA PULLA）」、メンズウェア「トーガ ビリリース（TOGA VIRILIS）」、ユニセックスライン「トーガトゥー（TOGA TOO）」を展開している。title design: Chiaki Sato

TOGA

「トーガ」古田泰子が思う、本当に良い服：90年代マルジェラのPコート

文化服装学院での出会い　1969年生まれの高橋と、1970年生まれのNIGO®が出会ったのは1989年のこと。場所は東京・代々木にある文化服装学院で、高橋はアパレルデザイン科に、NIGO®はエディター科に籍を置いた。FASHIONSNAPが2024年に行ったインタビューで、2人は当時のことをこう振り返っている。NIGO®：学年はジュン（盾）くんの方が1つ上です。僕が当時、ラバーソールの靴とか履いていたら、「そういうの好きなんだ」って校内で声をかけてくれて。そこからですね。高橋：存在感とか雰囲気がある人って、いるじゃないですか。最初に見た時に、なかなか他にない感じだったので「おっ！」と思って、声をかけたんです。それで話してみたら、「え、群馬なの？」って。NIGO®：地元が同じだった（笑）。　同郷という共通点もあり、2人の距離は急速に縮まった。その頃、高橋はセックス・ピストルズ（Sex Pistols）やザ・クラッシュ（The Clash）をはじめとするパンクバンドに傾倒し、自身も「東京セックス・ピストルズ」というパンクバンドを結成してヴォーカルを務めていた。高橋のニックネーム「ジョニオ」は、セックス・ピストルズのヴォーカリスト ジョニー・ロットン（Johnny Rotten）に由来する。一方、NIGO®というニックネームは、1980年代半ばからロンドンやニューヨークのストリートカルチャーを日本に紹介し、DJなどの音楽活動も行っていた藤原ヒロシに顔が似ていたことから「藤原ヒロシ2号＝NIGO®」と名付けられた。高橋とNIGO®は、大貫憲章が主催していた「ロンドンナイト（LONDON NITE）」などのクラブイベントに出入りするようになり、藤原や「ミルク（MILK）」の大川ひとみといった東京のストリートカルチャーのキーパーソンたちと親交を深めるようになる。　高橋とNIGO®は、1992年に雑誌「宝島」で連載「ラスト オージー 2（LAST ORGY 2）」を始めた。これは、藤原と高木完からなるヒップホップグループ「タイニー・パンクス（TINY PUNX）」による連載「ラスト オージー（LAST ORGY）」を引き継いだもので、2人が注目するファッションアイテムや音楽、映画などのカルチャーを独自の視点で紹介しており、インターネットもSNSも存在していなかった時代の若者たちにとって、貴重な情報源となった。ノーウェアのオープンと裏原ブームの到来　1993年4月に、高橋とNIGO®は東京・原宿のプロペラ通りと呼ばれる裏通りにショップ「ノーウェア（NOWHERE）」をオープンした。竹下通りや表参道といった多くの観光客や若者で賑わう表通りから一本奥に入ったそのエリアは、のちに「裏原宿」と呼ばれるようになる。藤原は2022年の対談で、同地域に若者がオーナーを務めるショップが集まった理由として、バブル崩壊後の賃料の安さを挙げている。　ノーウェアの店内はふたつのエリアに分かれていた。一方は高橋が1990年に始動したブランド「アンダーカバー（UNDERCOVER）」の販売スペース。もう一方のスペースでは、NIGO®が海外で買い付けてきたアパレルやスニーカーなどを揃えていた。その後NIGO®は同年11月に、藤原が1990年に始めたブランド「グッドイナフ（GOODENOUGH）」のデザインを手掛けていたスケートシング（SKATETHING）と共に「A BATHING APE®（ア ベイシング エイプ®、以下エイプ）」を始動し、ノーウェアで販売するようになった。　1994年に、高橋とNIGO®、そして藤原は雑誌「アサヤン（asayan）」で連載「ラスト オージー 3（LAST ORGY 3）」を開始。これまでと同じように最新カルチャー情報を伝えるとともに、自身のブランドについても紹介するようになり、グッドイナフ、アンダーカバー、エイプの人気はさらに拡大した。それぞれのブランドの新商品が入荷する際は若者たちが徹夜で大行列を作り、商品は即完売。テレビ番組などで人気タレントが着用したことも後押しとなり、二次流通市場では定価の10倍以上の価格で取引されるようになった。　ノーウェアの特徴は、それが単なるアパレルショップでだけではなく、一種のコミュニティのハブとして機能していた点にある。ノーウェアの周囲には、滝沢伸介の「ネイバーフッド（NEIGHBORHOOD）」や西山徹の「ダブルタップス（WTAPS）」、岩永ヒカルの「バウンティハンター（BOUNTY HUNTER）」など、藤原を中心とする仲間たちが次々とショップを開き、これらのブランドはいつしか「裏原系ブランド」と呼ばれるようになった。彼らは互いのブランドの服を着用してメディアに登場するだけでなく、ブランド同士でコラボレーションを頻繁に行い、限られた数量を販売するという独自のファッションカルチャーを形成していった。このカルチャーは日本だけでなく海外まで伝播し、ヴァージル・アブロー（Virgil Abloh）やキム・ジョーンズ（Kim Jones）といったクリエイターたちに影響を与えることになる。エイプ売却とヒューマン メイドの始動　2000年代以降、高橋とNIGO®のクリエイションの方向性は大きく分岐していく。1994年に東京コレクションに参加したアンダーカバーは、2002年にパリコレクションに進出。高橋は1997年に毎日ファッション大賞の新人賞、2001年には同大賞を受賞するなど、デザイナーとしての評価を高めていった。また、高橋自身がランナーであることから2010年から始まった「ナイキ（NIKE）」とのコラボコレクション「ギャクソウ（GYAKUSOU）」や、2018年の「ヴァレンティノ（VALENTINO）」とのコラボでグローバルな認知度を高めたほか、2012年からユニクロや「ジーユー（GU）」との断続的なコラボコレクションを展開するなど、ブランドの多角化にも取り組んだ。　一方、NIGO®は音楽プロデューサー ファレル・ウィリアムス（Pharrell Williams）と出会い、「ビリオネア・ボーイズ・クラブ（Billionaire Boys Club）」などのブランドを立ち上げたほか、カニエ・ウェスト（Kanye West、現Ye）をはじめとするヒップホップミュージシャンと親交を深めていく。エイプはアメリカを筆頭に海外に積極的に出店し、グローバルなストリートファッションブランドとしての地位を築いていった。　2010年代に入ると大きな転換点が訪れた。巨額の負債を抱えていたエイプの運営会社を、2011年に香港のアパレル小売企業「I.T」が買収し、NIGO®は2013年にエイプのクリエイティブディレクターを退任した。買収のニュースは、裏原宿カルチャーが築いた一時代の終焉として、世界に大きな衝撃を与えた。　だがNIGO®は、エイプ売却前の2010年に立ち上げていた新ブランド「ヒューマン メイド（HUMAN MADE）」で、新たなストリートカルチャーの提案を始めていた。自身が長年収集し続けてきたヴィンテージウェアの知見をベースに、日本の高度な職人技とキャッチーなグラフィックを掛け合わせた新たなストリートウェアを打ち出した。　さらに、2013年にユニクロのTシャツブランド「UT（ユーティー）」初のクリエイティブディレクターに就任したほか、2014年に「ユナイテッドアローズ（UNITED ARROWS）」とのコラボレーベル「ニゴールド バイ ユナイテッドアローズ（NIGOLD® by UNITED ARROWS）」を始動、「adidas Originals（アディダス オリジナルス）」とパートナーシップを締結するなど、次々と新たなクリエイションに取り組んだ。　そんなNIGO®をフックアップしたのが、2018年に「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」のメンズアーティスティックディレクターに就任したヴァージル・アブローだ。ヴァージルは2020年秋冬プレコレクションで、NIGO®とのコラボコレクション「ルイ・ヴィトン LVスクエアード コレクション（LV²）」を発表。その後2021年に、ルイ・ヴィトンと同じLVMH傘下の「ケンゾー（KENZO）」が、NIGO®をアーティスティックディレクターに任命した。NIGO®は2022年に毎日ファッション大賞を受賞。2025年には「ファミリーマート」のクリエイティブディレクターに就任している。HUMAN MADE上場と35周年を迎えたアンダーカバー　HUMAN MADEは、2025年12月に東京証券取引所グロース市場に新規上場した。上場時の資料によると、プロパー消化率はアパレル業界では驚異的な100％を達成しているほか、高い営業利益率を実現している。同資料では今後の長期的な成長戦略として「ブランド資産の価値が充分に利益につながっていない企業をM&Aする方針」を掲げており、同社が手掛ける初めてのM&Aが、今回のアンダーカバーの買収となる見通しだ。　アンダーカバーは2025年に35周年を迎え、近年も映画やアーティストなどクリエイティブなコラボを積極的に行っている。パリでの新作発表を独自の形式で継続し、今年で24年目を迎えた。また、ジーユーとのコラボライン「UG（ユージー）」の名称を「GU × UNDERCOVER」に変更して継続しているほか、高橋は以前から取り組んでいる油絵の個展を開催するなど、幅広い分野でクリエイティビティを発揮している。未来は過去にある　高橋とNIGO®のタッグが37年前と異なるのは、現在のHUMAN MADEに松沼礼 CEOが率いる盤石な経営体制が敷かれていることだ。事業拡大を視野に、今年4月にはダブルタップスを手掛けている西山徹をクリエイティブディレクターに据えた新ブランド「バッファ（Buffer）」を始動している。新たにアンダーカバーが傘下に加われば、裏原宿の主要メンバーが集い、まさにHUMAN MADEのブランドコンセプト「The Future Is In The Past（未来は過去にある）」を体現することになりそうだ。さらに、ファレル・ウィリアムスや現代アーティストのカウズ（KAWS）など、HUMAN MADEに参画する多彩なクリエイターらとの、新たなコミュニティとカルチャーの発展に期待したい。

UNDERCOVER

HUMAN MADE

A BATHING APE®︎

高橋盾とNIGO®の37年の歩みから紐解く、HUMAN MADEがアンダーカバーを買収する意味

【大解剖】名古屋の新ラグジュアリーモール「ハエラ」全65テナントをレポート

予算5,000円以下で選ぶ：毎日使うものこそ上質に、いくつあっても嬉しい日常着Tシャツ　インナーとしてはもちろん、一枚でもさらりと着こなせ、シーズンを問わず重宝するTシャツ。普遍的なアイテムだからこそ、こだわりの一枚を選んでみてはいかがでしょうか。今回は年代や性別を問わず圧倒的な支持を獲得している「ヘインズ（Hanes）」からピックアップしてご紹介します。靴下　毎日履く靴下はいくつあっても困らない、贈り物の定番アイテム。スタイリングにさりげないアクセントを加えてくれるデザインフルな一足や、機能性に優れたソックスをまとめて紹介。予算5,000円以下で選ぶ：清潔感をアップデートする、大人の身だしなみアイテム　毎日使う化粧水は、日々の消耗品だからこそギフトに喜ばれるアイテムの一つ。朝晩のルーティンを少し贅沢な時間へと格上げしてくれる一品をご紹介します。化粧水ヘアオイル　強い紫外線からは、肌だけではなく髪も労って。毎日のヘアスタイリングとしてはもちろん、ダメージもケアしてくれるヘアオイルにフォーカス。ニオイケア　蒸し暑くなるこれからの季節には、ニオイケアアイテムは喜ばれること間違いなし。プレゼントに選ぶなら仰々しいデザインのものではなく、スタイリッシュなものを選んでみて。予算10,000円前後で選ぶ：デザイン性と高級感を兼ね備えたガジェットアクセサリーAirPodsケース　音質や機能性などイヤフォンにはこだわっているけれど、それを収納するケースにこだわっている人は少ないのでは？そのままポケットに入れるよりもスマートに、かつお洒落に保護してくれるAirPodsケースをご紹介します。Apple Watchバンド　素材やデザインによって印象がガラリと変わるApple Watchのバンド。ギフトに選ぶならオンオフ問わず着用でき、長く愛用できるレザーバンドがおすすめです。機能性とファッション性を兼ね備えた一本をチェックしてみて。予算10,000円前後で選ぶ：癒しを贈る、感度の高い大人のための香りものギフトお香　生活の新たなルーティンとして取り入れたいお香。今回はお香初心者にも贈りやすい香立てを同梱したアイテムにフォーカスしてご紹介。ディフューザー　ふとした時にほのかに香るディフューザーは、忙しない日常にさりげない幸せを届けてくれる。心地よい香りだけではなくインテリアに馴染むスタイリッシュなデザインなど、ブランドのこだわりが詰まったアイテムをピックアップ。香水　香水は、香りものギフトの大定番。好みが分かれやすいからこそ、豊富なバリエーションから選べる香水や多彩な香りがセットになったアイテムを選んでみて。

CHICSTOCKS

O Skin & Hair

BOTCHAN

KITOWA

MATIN et ÉTOILE

çanoma

Hanes

DEMIU

CORPUS NATURALS

athletia

DAMDAM

UNITED ARROWS BEAUTY

Charcoal TOKYO

Stadler Form

objcts.io

Waphyto

IPSCISS

VIBSOX

FORME

ISSH

金額別に探す父の日の贈り物　センスの良さを感じさせるアイテムを厳選

はじまりの地点、エナジーの源を想起させるレッドのトゥールビヨン　YOON & VERBAL──音楽、ファッション、デザインにとどまらない広範な文化的領域を横断し、実験的なジュエリープロジェクトに端を発する「アンブッシュ（AMBUSH®）」の功績のみならず、独自性に溢れる活動が世界的に高く評価される2人のクリエイター。彼らとオーデマ ピゲとの創造的な対話から生み出された特別なコラボレーションモデルは、2002年に「ロイヤル オーク」30周年を記念して誕生した「ロイヤル オーク コンセプト」をベースに設計された。オーデマ ピゲにとって“実験と革新のプラットフォーム”であるこのコレクションは、初代モデルを愛用しているVERBALにとっても特別な思い入れのあるものだという。　時計を見るとまず、絶え間なく動き続けるエナジーを象徴する鮮烈なレッドカラーのフライング トゥールビヨンに視線が引き寄せられる。さらに大胆にスケルトナイズドされた部分からは職人の手作業による仕上げを施したパーツやムーブメントの動きを楽しめ、オーデマ ピゲが創業以来誇ってきたクラフツマンシップを堪能することができる。きらきらと輝くブラックアヴェンチュリンは、2人がこのコラボレーションの打ち合わせで訪れ、その澄んだ美しさに感動したというル・ブラッシュの星空を象徴する。軽量かつ耐傷性に優れるチタンケースはジェンダレスな38.5mmというコンパクトなサイズながら、サンドブラスト、サテン、ポリッシュといった異なる仕上げが施されることで力強い造形美を放つ。　これら大胆かつ内省的なディテールの数々は、“過剰ではなく目的を” “雑音ではなく本質を” という両者の共有するヴィジョンが色濃く反映されたものであり、まさに創造的な対話が生み出した結晶といえる。洗練、革新をもたらす──共働の精神　オーデマ ピゲはこれまでも、音楽、スポーツ、アートなど、異なる分野と手を取り合い、多様かつ豊かなコラボレーションモデルを生み出してきた。そうした姿勢は、ブランドが創業当初より取り入れてきた「エタブリサージュ」と呼ばれる分業制による時計製作のアプローチと強く共鳴する。1本の時計を製作するために、部品や技術など、その道を極めた熟練の専門職人たちが腕を振るい、そのクラフツマンシップを掛け合わせ「集団的な創造性」へと昇華させる。ひとりひとりの才能を信じ、それを結集することで新たな価値を生み出すこの哲学こそが、現代の多彩なコラボレーションの原動力として息づいている。新たな意図を宿す、クリエイティビティの必然的合流　「クリエイティビティとは常に動き続けているもの。人は進化し、再生し、前へと進んでいく。だからこそ、この限定モデルのデザインもそのエナジーに寄り添う必要がありました。私にとって重要だったのは“バランス”。誰もが共感できる、真に普遍的なものをつくることでした」とYOONは語る。　異なる創造性が必然的な出会いのもと、彼らは同じ筋道を示し、未知の可能性を引き出す。そうしたクリエイティビティの幸福な巡り合わせに対し、文化を育み、人と人をつなぎ、視野を広げる力があると信じるオーデマ ピゲは、この本質的かつ革新的なコラボレーションにとどまらず、新たな地平を見据えて前へと進み続けていく。ロイヤル オーク コンセプト フライング トゥールビヨン  ロイヤル オーク コンセプト 特設サイト時計づくりを体験して学ぶ　東京・原宿にある「エーピー ラボ トウキョウ（AP LAB Tokyo）」は、世界初の体験型エデュテインメント施設。1階（レベル1）のフロアには、「時間」「素材」「機構」「音」「天体」をテーマとした5種類の体験型ゲームが設けられており、機械式時計に関する知識を楽しみながら学ぶことができる。無事クリアして2階（レベル2）へ進むと、専門の時計師による解説のもと、ヘアライン仕上げやペルラージュといった伝統的な時計装飾技法に挑戦できる。精緻な時計づくりのプロセスや、奥深いオーデマ ピゲの世界に直接触れることができる。■AP LAB Tokyo住所：東京都渋谷区神宮前5-10-9電話番号：03-6633-7000営業時間：11:00～19:00定休日：毎週火曜日※入場無料（予約優先、予約無し入場も可能）AP LAB Tokyoを予約するmodel: Natsuki（TWO PLUS ONE AGENCY） and Choken Son（BE NATURAL）, photography: changsu（LESEN）, styling: Ryoji Morishita, hair & makeup: Narumi Nishihara, location service: Naoshi Kawaguchi（AWANOKIKAKU）, direction & edit: Daisuke Kawamoto | producer: Kazuhiro Oyokawa, co-producer: Hideya Yokoi, casting: Takashi Sasai（FASHIONSNAP）

オーデマ ピゲ「ロイヤル オーク コンセプト」　YOON & VERBALとのコラボレーションから生まれる革新

──アーティストのヴィジュアルディレクターとは、どのような仕事ですか？　日本ではまだ浸透していない職種ではありますが、韓国の大手芸能事務所では、アーティストのヴィジュアルを統括するVDが置かれることが多いです。主な役割は、活動時のヴィジュアル全般をディレクションすること。具体的には、ヘアメイクやスタイリングの方向性を決めたり、音楽番組やファッション関連の撮影、イベントなどの現場に立ち会って、アーティストをよりよく見せるための判断をしていきます。事務所によっては、ヴィジュアルクリエイター（VC）と呼ぶ場合もあります。──VDのプロジェクトへの関わり方は？　役割はかなり明確に分かれています。コンセプトを作るプロデューサーがいて、A&R（音楽プロデューサー）が曲を決め、パフォーマンスディレクターが振付けを作る。そのうえで、VDである私たちが衣装やヘアメイクを含めたヴィジュアル全体の方向性を考えます。　K-POPのアイドルグループはデビュー当初からコンセプトが決まっている場合が多く、爽やかさやナチュラルさを押すコンセプトだったり、ダークな世界観だったりさまざまです。そこをベースとして意識しつつ、新曲ごとのムードに合わせたスタイリングを決めていきます。MVの衣装をそのまま音楽番組で使うこともありますが、番組ごとに見せ方を変えることも多いです。コンセプトやムードから外れない範囲で変化をつけて、活動期間を通してグループの印象を積み上げていくイメージです。──具体的にどういった実務を担っているのでしょう？　例えば、いわゆる"カムバ"と言われる新曲リリースのタイミングでは、まず新曲のコンセプトや楽曲が共有され、VDがスタイリングのムードボードを作ります。　同様に、ヘアメイクのレファレンスもVDが用意します。ヘアメイクチームには、ヴィジュアルの背景にあるイメージも含めて共有します。たとえば、「砂漠で戦っているイメージ」「日焼けしている感じ」「暑さを感じる雰囲気」といったように。私が担当しているグループでは、単に資料を渡すだけではなく、世界観を言語化し、メンバーごとの顔立ちや雰囲気に合わせて、どう落とし込んでいくかチームで話をしながら詰めていきます。──コンセプトが固まったら実際に着用衣装をどのように決め、調達するのでしょう？　MVは世界観を強く打ち出すので、衣装もある意味でコスチューミーになりやすいです。一方、音楽番組ではもう少しリアリティを持たせています。また、パフォーマンスにもよります。なのでパフォーマンスディレクターと相談しながら、動きと見え方の両方のバランスをとっていきます。音楽番組でのパフォーマンス時は、動きや運動量が多いのでブランドから衣装を借りるのが難しいこともあり、購入か自前で制作する場合が多いです。──アーティストマネジメントにおいて、なぜVDのような役割が必要なのでしょう？　韓国ではグループアーティストを「中長期でブランディングしていく」という考えが軸にあります。ヴィジュアルがブレ続けるとファンや見ている人にグループのイメージがなかなか定着しない。なのでVDのように、その連続性を見ていく立場の人間が必要なんです。　もちろん、スタイリストさんやヘアメイクさんはとても重要な存在ですが、大半の方々は他のアーティストも担当されていて、適材適所でアサインされことも多いため、グループの中長期戦略まで見きれないことがあります。私が担当している大人数のグループでは、メンバー一人ひとりの要望を受け入れすぎると、チームとしての表現や全体の統一感が崩れてしまうという難しさがあります。だからこそ、「今はこの方向で見せるべき」と中立的な立場から全体を見渡し、アーティスト、外部スタッフ、事務所の間をつなぐVDの役割が重要になってきます。──日本と韓国の制作現場ではどのような違いがありますか？それぞれの良さや、逆にこうした方がいいのに、と思う場面などはありましたか？　あくまで音楽性ではなくヴィジュアルの作り方でいうと、韓国式のひとつの強みが「ディレクションが明確にあること」という点です。何を目指しているのかが整理されている分、各部署、スタッフ、アーティスト本人が同じ方向に進みやすくなります。　日本では、制作の際、柔軟さやスピード感が強みになる一方、例えばMVなどの撮影で何を撮るかが十分に見えないまま衣装の準備が始まることも多々あります。曲や構成が固まりきっていない段階で撮影日だけが先に決まっていることも多く、どんな表現を目指しているのかを理解するのが難しいことがあります。これは衣装制作の現場に長く携わってきたからこそ感じてきた点です。　ただ、韓国ではデビュー時にグループコンセプトがガッチリ固められている分、デビュー後の軌道修正はしづらく、日本のほうが市場の変化にクイックに動けるメリットもあります。どちらが良く、どちらが悪いということではなく方法論の違いですが、日本の音楽産業が海外に向けた発信力を高めていくには、デビュー当初からディレクションの設計を丁寧に組んでいくことが大切だと思います。──日本の音楽業界が参考にできるのは、どのような部分でしょうか？　K-POPの見た目をそのまま真似すべきというわけではなく、アーティストマネジメントにおける戦略の立て方は学ぶ点が多いと思います。ディレクションが存在し、そのうえでクリエーションが進んでいく。目の前の案件を点で処理するのではなく、計画と文脈を持って点を線で積み上げることが大切だと思います。　実際、日本でも、お世話になっているスタイリストさんやヘアメイクさんの方から「この現場にはVDが必要だ」という声や、その役割が求められることがしばしあります。ディレクションが明確であれば、現場のクリエイターも目的を理解し、良いアウトプットに繋がっていくと思います。──ご自身はどのような経験を経てVDの仕事にたどり着いたのですか？VDという職種とはいつ出会ったのでしょう？　大学卒業後に服飾を学び、自分でブランドを立ち上げてから同時に衣装の仕事を受けるようになり、会社を作りました。最初は、発注されたデザイン画を形にする仕事が中心で、現在に至るまでも、日本のアイドルグループのツアー衣装やMV、音楽番組用の衣装制作に携わらせていただきました。　衣装の仕事を続けるなかで、発注指示が曖昧なまま進むことに、違和感を感じることがありました。デザイン背景や意図が見えないまま作ることもある。そうしたモヤモヤを感じてきたので、ただ降りてきたデザインを納品するだけではなく、こちら側からムードボードやディレクション資料を用意し、クライアントと認識をすり合わせるやり方に変えていくことで、お互いにとってより満足のいく衣装を提供できるようになったと思います。　個人的には次第にK-POPにも興味を持つようになりました。純粋にクリエイティブの質の高さに衝撃を受けたんです。この波が日本にも来ると確信があったので、きっかけを探していました。そんな時、ある事務所から新しいグループがデビューするタイミングでチームに加わることになり、VDの仕事を知って。1から学ばないといけないこともありましたが、これまでの経験を生かせる分野だと思いましたし、自分が現場で感じていた課題に対する一つの答えだと感じて、躊躇なく飛び込みましたね。──VDとしての経験を積むなかで、この仕事に必要なスキルとは具体的に何でしょう？　まず前提として、音楽とファッションが好きであること。私も誰かがデビューしたと聞くと、音楽はもちろん、つい衣装やヘアメイクを見てしまう。そういうアンテナを張っていることは大きいです。　そのうえで大事なのは、ディテールを理解していることです。私はヘアメイクに関しては実際に施すことはありませんが、ベースメイクの考え方も、踊っても崩れにくい髪の作り方も理解しています。何がどう作られているかを知らなければ、解像度の高いディレクションはできないと個人的には思うからです。ただ、全部を自分でやる必要はありません。ゴールを描いたうえで、プロにはプロの力を十分に発揮してもらえるよう、現場でコミュニケーションを取りながらチームとして調整していく力が必要だと思います。──VDとしての経験や衣装デザインで培ってきたノウハウを今後どのように繋げていきたいですか？　自分の会社のなかにも衣装ディレクターという職種がありますが、今後はもっとVD寄りの仕事ができる人材を育てていきたいです。各事務所と業務委託といった形で連携しながら、企画、ディレクションから制作までをワンストップでつなげられる形が理想です。　個人としての仕事を増やしたいというより、業界全体でVDの必要性が共有され、ノウハウが広がっていくことが重要だと感じています。日本の音楽産業が、国内外でもっと競争力を持っていくためには、戦略的なアーティストマネジメントのシステム構築が必要だと感じますし、その一端をヴィジュアルクリエイティブの観点から盛り上げていけたらと思っています。

「点ではなく、線で積み上げる」K-POPアーティストのイメージを作り上げるヴィジュアルディレクターという仕事

「リモワ」がトップ交代　前ルイ・ヴィトンEMEA地域プレジデントを起用「リモワ」が、新たなCEOにルイ・ヴィトンのEMEA地域プレジデントを2年間務めたベアトリーチェ・モングイディ氏を任命し、現地時間6月1日付で同職に就任した。＞＞元記事を読むカルヴェンのデザインディレクターに元サンローランのカイ・ネッセルラート就任「カルヴェン」 が、「サンローラン」のウィメンズウェア・ヘッドデザイナーを務めていたカイ・ネッセルラートをデザインディレクターに任命した。今年2月に退任したマーク・トーマスの後任となる。 今秋開催の2027年春夏パリ・ファッションウィークでファーストコレクションを発表する。＞＞元記事を読むアシックスがオニツカタイガーを分社化　意思決定スピードを向上アシックスが、100％子会社のOT GROUPにオニツカタイガー事業を承継させる。効力発生日は2027年1月1日を予定。 分社化により、オニツカタイガー事業の独立性をより高め、意思決定を迅速化し、ブランド競争力を高める。また、事業ごとの経営状況の可視化や責任の明確化により、アシックスグループ全体の企業価値向上にもつなげる。＞＞元記事を読む英小売フレイザーズ、ヒューゴ・ボスに約3700億円の買収提案イギリスのスポーツ用品小売 フレイザーズグループが、ヒューゴ ボスの全株式取得に向け、株主を対象とした公開買付け（TOB）を開始する意向を公表した。買収総額は約20億ユーロ（約3700億円）に上る見込み。＞＞元記事を読むジェリービーンズグループが送金詐欺被害に　被害額は約4500万円婦人靴ブランド「ジェリービーンズ」を展開しているジェリービーンズグループが、第三者の不正な送金指示による詐欺被害を公表した。被害対象額は約4500万円。手元の運転資金については十分な流動性を確保しており、資金繰りに支障をきたすことはないという。＞＞元記事を読むクロムハーツが米ノードストロームを商標権侵害で提訴　十字架モチーフの模倣を主張「クロムハーツ」が、アメリカの大手百貨チェーン ノードストロームを商標権侵害で提訴したと複数の海外メディアが報じた。 クロムハーツは、ノードストロームが販売するアクセサリーコレクションが、ブランドを象徴する十字架モチーフを模倣していると主張。商標権侵害、偽造、原産地虚偽表示、不正競争にあたるとして、6月4日にカリフォルニア州中央地区連邦地方裁判所に訴状を提出した。＞＞元記事を読む英ファッションデザイナー ナイジェル・ケーボンが死去、享年76英国人ファッションデザイナー ナイジェル・ケーボン氏が死去した。享年76。海外メディアの報道によると、イギリス時間6月11日、自宅で息を引き取ったという。＞＞元記事を読む“ダサい人がいなくてつまらない”　三原康裕、久保嘉男、木島隆幸が語る令和ファッションシーンセレクトショップ「ミッドウエスト」が、2026年で創業50周年を迎える。名古屋の1号店から始まった同店は、インポートブランドから国内の気鋭デザイナーズブランドまで幅広く揃え、現在は東京、大阪とあわせて日本国内に計3店舗を展開。ブランドセレクトにおける「軽く始めない、そして始めたら決してやめない」という信念のもと、数多くのブランドの成長を後押ししてきた。「メゾン ミハラヤスヒロ」「ヨシオクボ」「キジマ タカユキ」など、日本を代表するブランドに育っていった例も少なくない。 今回、ミッドウエストの半世紀の節目にあたり、三原康裕、久保嘉男、木島隆幸という3人のデザイナーが集結。2023年に大澤勝会長からショップの舵取りを引き継いだ2代目 大澤武徳社長を交えての座談会が実現した。話はミッドウエストで取り扱いが始まった当時の思い出から、セレクトショップの意義、令和のファッションシーンまで広がった。＞＞元記事を読む■最新コンテンツは以下のページからニュース　|　特集・連載　|　コレクション

アシックスがオニツカを分社化、ナイジェル・ケーボンが死去…【5分でわかる主要ニュース 6/8〜12】

10周年に向け、「新章」へ──デビューから今まで、アワード受賞やパリコレ参加、グローバルブランドやマスファッションのコラボプロジェクトなどさまざまな動きがありました。外からは非常に順調に見えますが、困難に感じたことはなんでしょうか？　ほぼ毎日がチャレンジですよ（笑）。どのデザイナーにとっても、すべてのクリエイティビティが挑戦で、日々壁にぶつかっていると言えます。ただ、私たちは、ファッションクリエイティブを探究し続け、新しい意味を見つけることを「楽しいチャレンジ」だと感じています。──ファーストコレクションを発表してから、8年が経ちました。今ブランドはどのようなフェーズにあると考えていますか？　ファッション業界だけでなく世界も大きく変わりました。設立当初にやりたかったことは、自分たちのクリエイティビティをしっかりと示すことでしたが、同時に進化し続けたいという思いもあった。その過程を踏まえて、私たちは「第二フェーズ」へと向かっています。このフェーズでは顧客やオーディエンスと、ブランドが持つ価値観、体験をいかに共有できるかを模索する必要があります。　一方で、クリエイティブももちろん重要です。購入だけでなく、ロクの服を見て、感じる体験も含めたカスタマーエクスペリエンスと相互作用するような形で、よりブランドをコンセプチュアルなものへと進化させていきたいと考えています。──コミュニケーション方法も模索中。　それも挑戦の一つです。ファッション業界を取り巻く環境が変わったことの一つに、人々がどのようにファッションを楽しむかの概念も変化したと思う。私はというと、とてもクラシックな人間なので、ショーのような古典的でドラマチックな方法の力を信じています。ただ、世の中全体で見れば、特に新世代の子たちはファッションの見方や感じ方が違うのだろうなと。　だからこそ、そうした人たちにも届ける方法を探すことはチャレンジでもあり、クラシックな人間からすると少し葛藤もあります。今、新たに取り組んでいるのが、彼らと出会い、体験を提供することなんです。──2019年からパリファッションウィークの公式スケジュールに継続して参加していましたが、この2シーズンは休止していました。それも新しいフェーズに向けたものだったのでしょうか。　まさに、そのような理由からでした。ショーには瞬発的なエネルギーがあり、大きな経験になりますが、今のオーディエンスの集中力は数分、あるいはSNSで切り取られた数十秒しか続かないかもしれません。私は元々、タイムレスな衣服を届けたいと思っていて、それはじっくり、長く楽しんでもらうことなのですが、今のショーを取り巻く状況との乖離を感じたのです。自分たちに合う形で、オーディエンスと真に意味のある繋がりを見つけなければいけないと。　将来的にはまたショーを行いたいですが、クリエイティブの新章を描くような、意味のある移行にエネルギーを使いたい。それでショーを休んで、シーズンのヴィジュアルやECサイトのデザイン、ディスプレイの世界観など、よりオーディエンスに近い部分のディレクションに目を向けるようになりました。H&MやGUとのコラボがもたらしたもの──H&MやGUといったマスファッションのブランドとのコラボは、オーディエンスとの繋がり、より広いユーザーとの出会いという意味でも意義深かったのではないでしょうか。　かなり前向きな変化をもたらしてくれました。2つのプロジェクトを通じて、私たちのデザインは、これまでより遥かに大きなスケールで広がりのあるものだと知ることができましたから。今までは、特定の審美眼を持っていたり、ファッションを特別なものと考えている人たちのためにデザインしていました。それもまたブランドのあり方として正しいのだと思いますが、コラボの経験から、自分たちの可能性を大いに広げてもらったと思っています。普段のテリトリーを超えた「私たちの地図上」にはなかった国々の人々が、それを着たり、さまざまな形で自分たちのスタイルに落とし込んでいる姿を見て、たくさんの刺激を得ました。──ロクのクリエイティブにも影響しましたか。　自分たちの世界観を特定の層に向けて特化する必要はないのだという視点を与えてくれました。それはファッション性を落とすといったことではありません。そもそも持っているアイデンティティが、もっと広く受け入れられる可能性があり、だからこそ広い視野でデザインに挑戦してみたらいいんだと。　そしてデザインの幅広さは、プライスレンジの拡大にも繋がります。元々のロクらしいアーティスティックなピースは残しながら、楽しんでもらえるようなデザインと価格も考えるようになりました。ファッションを“作る喜び”──ファッション業界で二極化が進む中、独立したデザイナーズブランドが存続することは難しい時代でもあります。ロックさんがファッションを“作る喜び”はどこにありますか。　これはとても重要な問いですね。ただのひとりのファッション愛好家でオーディエンスでもある自分にとっても、ファッション業界はある意味飽和状態にあると感じています。そして私は、それほど若いデザイナーでもないので、こうした大きな流れに疲れてしまうこともあります。　それでも私が喜びと情熱を感じる源は、ただ作り続けることが好きだということに尽きます。制作で時々あまりにもコンセプチュアルになりすぎることがありますが、最終的に、私が好きなものや自分の審美眼をキュレーションするように整えていく。そのプロセスほど楽しいものはありません。そうやって私が生み出したものが知らない誰かの人生に溶け込んでいくことが、とても意義深く感じるのです。それが私にとってのファッションを通じたコミュニケーションなんだろうと思います。──ちなみに、ご自身がファッションに突き動かされた経験は覚えていますか？　私は昔、歴史的な衣服のコレクターで、それがファッションを始めた理由のひとつでした。あるとき、蚤の市のようなマーケットで古いタキシードを見つけたんです。手作業で縫製されていて、汚れや少しずれがあったりするのですが、でもその佇まいがとても美しかった。古くてもタイムレスな美しさを持った服がとてもかっこいいと思ったのを覚えています。特に、あまりファッション性が高くないような都市のガレージセールを漁ってみると、意外と面白いものが出てくるんです。──ブランドロゴの「0000-0000」は、まさに製造年を空白化したタイムレスな衣服を表すものですね。　このロゴは、ヴィンテージの服に製造年が書かれていたことを参考にしました。いつ作られたかは関係なく、いつでも、いつまでも着ていいというメッセージです。 コレクションではアイデンティティを広げるフェーズ──今回のポップアップでラインナップしている、2026年春夏コレクションはどのように作り上げましたか。　最近の制作方針は少し変わってきています。以前は、よりシネマティックなストーリーや世界観の構築に比重を置いていましたが、近年はもっとアーティザナルでクラフトを重視したものへと進化しています。いつも通り実験的なドレープや裁断、人体とファッションの試作としてのアプローチは変わりませんが、今自分が好きなさまざまなものをジャズのように、フリースタイルで組み合わせて作っていきました。それから、コンセプチュアルでありながら、着る人が自信を持ち快適さを感じるような仕立ても意識しました。──ロクらしい解体・再構築を落とし込んだアイテムの他に、ウェアラブルなカットソーやボトムスが目立ちます。　そこが重要なポイントです。ただし、元々のコンセプトが薄まるような見せ方は避けたいと思いました。構築的なシルエットでも、手触りが柔らかい素材を使ったり、一見すると着方が決まっているようなアイテムも変形して着用できたり、自分たちが持つアイデンティティの表現の幅を広げたという感じでしょうか。──エキシビション形式のポップアップはソウルで開催し、今回東京にやってきました。こうしたリアルなイベントが、ショーに代わる新しいコミュニケーションの形ということでしょうか。　現時点ではイエス、という感じでしょうか。まさに今、私たちは移行期なので、これから別の方法が見つかるかもしれません。ただ、今回のような形式は、ブランドの全体像、コンセプトを伝えながら、より多くの人が同時にハッピーになる方法の一つだと思っています。トルソーはショーピースのようなドラマティカルなルックを着せていますが、それだけではなく、日常使いしやすいジャージー素材のアイテムやスウェット、デニムアイテムもあります。また、従来よりも価格を抑えた商品も増やしました。──書籍やBGMもロクさんがディレクションしたと伺いました。　書籍は恵比寿にある大好きな書店「POST」さんに協力いただき、私が好きなものを集めていただきました。音楽も心地よいジャズで、服を選ぶ時間を映画のように演出してくれる素敵な曲を、「バング＆オルフセン（Bang & Olufsen）」のスピーカーから流しています。展示空間全体でロクの制作プロセスを伝えたかったので、アイコニックなトレンチコートはアーカイヴの型を新たな素材で再構築したものをディスプレイとして紹介し、型紙をインスタレーションのように展示しています。メゾンからディレクターのオファーが来たら？──ブランドの今後の目標や夢を聞かせてください。　ブランドが新しい意味を見つけていくという意味で、どんな個性を持ちうるか、改めて考えているところなので、それを形にするのが今の目標です。コミュニケーション面でも、方法を模索している最中ですが、「ロクのユニバース」——服だけではなく、どんな言語を持ち、どんな香り、ストーリーがあるかということを、リラックした気持ちで楽しめるような空間を作るのが夢です。単なるショップではなく、もっと芸術的で高揚感を与えられるようなものを考えています。──7年前のインタビューで「メゾンからのオファーがあれば、タイミングが合えば考えたい」とおっしゃっていました。ブランドの基盤が固まった今、同じようなオファーが来たらどうしますか？　今でもその気持ちは変わりません。ただ、やはり私が今最も集中し、責任を負うべきなのはロクなんです。スタッフだけでなく、ブランドを愛してくれる人たちに対する責任がありますから。この間にも素晴らしいオファーをいくつか断ってしまったのですが、それでも人生は一度きりですから、いつかは挑戦したいです。photography: Kazuki Ono

「ロク」が描く現在地　マスブランドとのコラボがもたらしたもの

　レノマは、メンズウェアの既成概念を覆したブランドとして知られている。創業者モーリス・レノマが提示したのは、クラシックで均質的だった当時の装いとは異なる、色や柄、素材、ジェンダーに捉われない自由なスタイルだった。　「当時のフランスのファッションは、グレーを基調としたクラシックで直線的な服が多かったのです。そこに父は、花柄や男女のミックスといった、当時としてはとても大胆な要素を持ち込みました。最初は周囲から"クレイジーだ"と言われていましたが、次第に音楽や映画業界のクールな人々が彼の服に惹かれていき、パリの若者たちが憧れるようになったのです」。　そう語るのは、モーリスの娘であり、現在ブランドのCEOを務めるステファニー・レノマだ。デヴィッド・ボウイ、ミック・ジャガー、エルトン・ジョン、セルジュ・ゲンスブール、ジェーン・バーキン、ジョン・レノン、アンディ・ウォーホル、パブロ・ピカソ、サルバドール・ダリ——。レノマの服は、時代を象徴する名だたるミュージシャンや俳優、アーティストたちに愛されてきた。　「父の周りには、映画スターやミュージシャン、アーティストが自然と集まっていました。ヘルムート・ニュートンやギイ・ブルダンのような写真家たちとも親交があり、ブランドはアートを共通言語に持つ、大きなファミリーのような存在でした」。　レノマの革新性は、シルエットや着こなしだけにとどまらない。モーリスは、服飾用ではない素材を服に持ち込んだ。カーテンやカウチなどのインテリアファブリック、軍用テントなどのテクニカルな素材などだ。父であるモーリスについて、ステファニーは「自由な精神の持ち主」と表現する。　「私にとって父は、友人のような存在でした。必要な自由をすべて与えてくれましたし、誰のことも、どんなこともジャッジしませんでした。人は皆それぞれ違う。だから境界線を設けるべきではない、ということを深く理解していた人です。その考え方が、彼の革新的なクリエイションにつながっていたのだと思います」。　ステファニー自身もまた、幼い頃からファッション、写真、アートに囲まれて育った。美術学校で美術史を学び、その後パリのエスモード（ESMOD）に進学。イタリアでは「イヴ・サンローラン（Yves Saint Laurent）」のニットウェアにも携わった。その後、日本におけるレノマのライセンスビジネスに関わり、キッズやウィメンズコレクションを担当。2000年には自身のブランド「ステファニー・レノマ（Stéphanie Renoma）」を立ち上げ、コレクションを展開。ブリジット・マクロン仏大統領夫人やフランスの著名人をクライアントに持つ。　近年はフォトグラファーとしての活動にも力を入れる。雑誌のエディトリアルやレノマのキャンペーン撮影を手掛け、ファッションデザインとは異なる角度からもブランドの世界を表現している。さまざまな分野への挑戦は、まさに父から受け継いだ自由の精神を体現している。　「人生において好奇心を持ち続けることが大切。ずっと同じことをしていると、感性を失ってしまうからです。変化にはリスクが伴いますが、人生も、生きること自体もリスクの連続ですから」。　レノマのアーカイヴには、服を超えた物語が宿る。ジョン・レノンが「イマジン」のミュージックビデオで着用したジャケットは、ロンドンのヴィクトリア＆アルバート博物館に収蔵され、ダリが愛用したジャケットは展覧会のために貸し出されるなど、現在も文化的価値を持つピースとして扱われている。　「ジミ・ヘンドリックスのジャケットや、ジム・モリソンが着るはずだったブルースカイジャケットなど、パリの地下のアトリエには膨大な数のアーカイヴがあります。これらは単なる物ではありません。まさに歴史であり、着る人の人生や愛情、感情の一部なのです。過去にはオノ・ヨーコから直接連絡がきたこともありました」。　最近では若い世代が、親や祖父から受け継いだレノマのジャケットを大切に着ている姿を見ることもあるという。　「20〜30代の人が、"家族から受け継いだレノマのジャケットを今も着ています"と言ってくれることがあります。まるで宝物のように大事そうにして。世界中の人々が、レノマのアーカイヴに宿る物語の一部を求めているのだと思います」。 　現在のレノマは、アーカイヴの復刻と新作コレクションの両軸でブランド展開をしている。年に2回のメインコレクションに加え、VIP顧客に向けた受注生産も行っている。日本では、1990年代から伊藤忠商事とパートナーシップを結んでおり、「renoma PARIS」や、スタイリストの熊谷隆志がディレクションするゴルフブランド「renoma GOLF」などが展開。いずれもブランド独自のフレンチのエスプリを効かせながら、日本の市場に合わせたコレクションを製作している。　ステファニーにとって、日本は特別なマーケットでもある。初来日は約25年前。父と共に、表参道のスパイラルホールで開催されたレノマの展覧会のために訪れた。　「その時に、"私のゴールは日本、東京だ"と感じました。日本はファッションだけでなく、ビューティやライフスタイルなど、あらゆる分野で最も興味深い国の一つです。多くのトレンドが日本からフランスに伝わってきましたし、日本人のライフスタイルには誰もが憧れています」。　ファッションや飲食、アートなどを融合させたプロジェクトにも関心を寄せている。すでに進出しているホテルビジネスでは、テルアビブでブティックホテルを運営、またブエノスアイレスでも新規開業を控え、ファッションに留まらないライフスタイルを提案している。　数多くのブランドが存在し、情報やトレンドが絶えず移り変わる現代において、レノマが提供できる価値とは。最後にそう尋ねると、同氏はこう答えた。　「レノマは、マーケティング主導の商業的なブランドとは違います。時代のアイコンに愛されてきたこそ、表面的なセレブリティマーケティングの手法にレノマにはそぐわない。ブランドを愛してくださる顧客の心の平穏であり続け、レノマを着るということは、歴史の一部を所有すること。もしあなたが、他とは違う何かを求めているのなら、そこにレノマがあります」。

レノマが受け継ぐ自由の精神　ステファニー・レノマが語る父のレガシー

自分を「遠く」まで連れて行ってくれるもの　「率直に、『こんな色が欲しかった』と、一目見た瞬間に思いました。綺麗で、上品で、良い色。スーツにも、カジュアルな服装にも、どんなスタイルにも似合いますし、どんな旅先の景色にも寄り添ってくれる色だと思います」。　「インクブルー」のリモワをいち早く手にした松坂はそう話す。深いブルーがアルミニウム素材と融合することで、より一層の高級感と重厚感、洗練性が加わったインクブルー。アルミニウム素材に美しく深みのあるカラーを載せることができるのは、アルミニウムスーツケースのパイオニアであるリモワならではの技だ。　2027年の大河ドラマ「逆賊の幕臣」で主人公 小栗忠順役を演じる松坂。学業の傍ら、月に数回のモデルの仕事をしていた頃は、現在のような俳優人生を歩むとは思ってもみなかった。そんな大学生が大河ドラマの主演を務めるまでになる長い旅路。松坂を演技の道へと没頭させるきっかけになったのもまた「旅」だった。　「初めて海外に行ったのは22歳の時。映画の撮影でカンボジアに滞在しました。プライベートでは一度も海外に行ったことがなかったので、日本とは何もかもが違う環境に飛び込み、全てが衝撃でした。活力に満ち溢れている環境で、すごく刺激的だった。それまで映画に出演した経験がなかったので、映画の楽しさや映像作品の面白さを教えてもらった旅でした」。“Craft the Journey”自分の道を作るということ　リモワのものづくりともリンクする言葉「CRAFT THE JOURNEY」は、伊勢丹新宿店で開催されているポップアップのテーマでもある。さまざまな役柄を演じることは、普段の自分とは違う人生を生きる「旅」とも言えるだろう。自分ではない誰かを演じる旅に、松坂は丁寧な支度をして挑む。　「いわゆる役作りというものが僕の中には明確にはなくて。何をもって役作りなのかも正直よくわかっていません。でも、一番大事にしているのは“心の準備”です。例えば、大河ドラマの撮影で考えると、『これから一年半以上ある長い旅が始まる』という心の準備ができているだけで、初日のクランクインですごく良いスタートが切れるんです。撮影の段取りをしっかり頭に入れて、どんな不測の事態になっても焦らないようにシミュレーションをしておくとか、いろいろな想定をして、しっかり台本を読み込んで、当たり前かもしれないけれどしっかり準備して挑みます。最初のシーンでつまづいてしまうと、それ以降にも影響が出てしまうので」。「寄り道」が人生を豊かにする　「人生の旅の目的地はどこ？」と訊ねると、松坂は「寄り道」だと答える。　「20代前半の頃は、映画賞が欲しいとか、この監督と仕事がしたいとか、明確な目標がありました。でも今になって振り返ってみると、その過程で出会った人、例えば映画賞を受賞した時に一緒に喜んでくれた人の方が、実は自分の中で大事だったりして。本当に自分が欲しいものは、多分“目的地”じゃなくて、そこに行くまでの過程に手に入るものなんだと思います。だから、たくさん寄り道を楽しむことが、人生を謳歌することに繋がるんだろうなと」。　良い旅は良い旅支度から始まる。丁寧かつ朗らかに取材に応じる松坂の姿からは、日々の丁寧な仕事への向き合い方が垣間見れた。自分の道を自分で切り拓く、夢を実現させるために、目の前の目標を着実に達成してきた。そんな松坂の次なる目標は目の前の大河ドラマを無事に終えること。着実に積み重ねたその旅の先には、きっとまた新しい松坂の姿があるだろう。ひとつひとつの夢を実現して、昨日より一歩前進した自分に出会う。新しい景色を見せてくれる新しい場所に自分を連れて行く。インクブルーは、冒険心を忘れない、成熟した大人の人生という旅の相棒になる。リモワ 公式オンラインストアリモワ クライアントサービス 03-6733-9850松坂桃李 | Tori Matsuzaka1988年、神奈川県生まれ。2009年に俳優デビュー。『孤狼の血』で第42回日本アカデミー賞最優秀助演男優賞、『新聞記者』で第43回日本アカデミー賞最優秀主演男優賞を受賞。近年の主な出演作に、ドラマ『御上先生』のほか、映画『父と僕の終わらない歌』『フロントライン』、さらに『パディントン 消えた黄金郷の秘密』『ひゃくえむ。』※声の出演（いずれも2025年）、映画『未来』（公開中）などがある。また今後の待機作として、TBS日曜劇場『VIVANT』続編、映画『SUKIYAKI』（12月25日公開）を控え、2027年放送のNHK大河ドラマ『逆賊の幕臣』では主演を務める。＠tori.matsuzaka.officialphotography: Kei Sakakura, styling: Keita Izuka, hair & makeup: Eito Furukubo, movie direction: Shunsuke Nakamura, AD & offline editing: Yune Miyashita, cinematography: Seiya Uehara, 1st AC: Shotaro Sugiyama, 2nd AC: Shota Akanuma, gaffer: HajimeOgura, lighting chief: Ayumi Nakamura, 2nd lighting assistant: Masanao Yasuda / Takehiro Mouri / Koji Oka, music & sound recording: Masaya Tamura, colour house: I X A G O N, colour producer: Hidi Lee, assistant colour producer: Sharon Tsang, colour grading: fmlik | creative direction: Mina Jokoji, editing: Chikako Hashimoto, casting: Takashi Sasai, project management: Tomoya Sasaki (FASHIONSNAP)

【インタビュー】松坂桃李とリモワ　静かな旅立ちに寄り添う「インクブルー」

追い求めたのはさらに自由な曲線のかたち──2020年から手掛けているバッグブランド「ノリ エノモト（nori enomoto）」とは切り離し、新たにジュエリーブランドを立ち上げた理由を教えてください。　ノリ エノモトでのバッグ作りでは、物を入れて運ぶという機能が前提にあり、その中で曲線美と実用性をどう共存させるかに焦点を当ててきました。その化学反応のようなものづくりに面白さを感じる一方で、いつしか機能を伴わない純粋な「形」そのものに向き合いたいと思うようになったんです。　さらに小さなスケールで曲線美を追求できる表現を考えたとき、行き着いたのがジュエリーでした。曲線だけにこだわったものづくりをするなら、それはバッグブランドのカテゴリー拡張ではなく、別の思想を持つブランドとして立ち上げるべきではないかと。そこで「実験的な膨らみと美しい曲線の追求」を掲げたブランド「ガルブ」をスタートしました。 ──そもそも強い「曲線」への関心はどのように生まれたのでしょうか。　原点は服作りを学んでいた文化服装学院での学生時代にあります。学校では、制作中に曲がってしまったまち針をそのまま捨てるのではなく、針供養のための回収箱に集める決まりがあったんです。私は提出用のまち針をガムテープに貼ってミシンにベタッと貼り付けていたのですが、その曲がった針の集合体が不思議と美しく見えて。本来であれば役目を終えた道具であり、捨てられるはずだったものの中に偶然生まれる曲線。その美しさとの出会いが、今の自分の造形感覚の出発点になっています。──ガルブはローンチまでに約2年の準備期間があったそうですね。　そうなんです。私はもともと服作りを学んできたので、ジュエリーの専門知識があったわけではありません。素材ごとの性質や耐久性、長く身につけてもらうための構造など、一から学びながら形にしていきました。自分が作りたい曲線を成立させるために、どの素材が適しているのかを探る時間が必要だったんです。──バッグからジュエリーへ。キャンパスのサイズが大きく変わることで、制作にも違いはありましたか？　バッグではミリ単位で調整していたものが、ジュエリーになると0.2ミリ単位の世界になったのが一番大きな変化です。ほとんどの人には気付かれないような差ですが、そのわずかな違いが造形の印象を大きく左右するんです。0.2ミリ削るか、0.2ミリ足すか。その違いを延々と検証しながら形を作り上げていく作業は、正直かなり狂気的だと思います（笑）。でも、そうやって細部を突き詰めていけるところに、ジュエリー作りの面白さを感じています。 ファインジュエリーの世界への扉を若い世代に開きたい──ローンチから半年ほどが経ちました。ガルブとノリ エノモトでは、顧客層に違いはありますか？　少し違いますね。ノリ エノモトは年齢層が幅広い一方、ガルブは現在30歳前後のお客様が中心になっています。　また、ガルブのポップアップには「ノリ エノモトを知っていたから来た」という方だけではなく、ジュエリーそのものに興味を持って来店される方も多いんです。最近は「デザイナーが榎本紀子さんなんですね」と後から知ってくださるケースも増えていて、ブランドとして少しずつ独立した広がり方をしているのを感じています。──実際に顧客と接する中で、どのような反響を感じていますか。　印象的なのは、「ジュエリーは自分とは少し遠い存在だと思っていた」という声を多くいただくことです。アクセサリーには親しみがあっても、ファインジュエリーとなると少しハードルが高く感じられるのかもしれません。だからこそガルブでは、ジュエリーを特別な日のためだけのものではなく、日常の中で楽しめるものとして提案したいと考えています。実際にポップアップでは、「初めてファインジュエリーを購入した」という方や、「ガルブのアイテムをつけるためにピアスを開けた」という方もいらっしゃいます。そうした声を聞くたびに、ジュエリーとの新しい出会いのきっかけになれていることを嬉しく感じます。　ただ同時に、もっと多くの方に素材そのものの面白さも知っていただけたらと思っています。例えばスターリングシルバーは経年変化によって表情が変わりますが、磨けば再び輝きを取り戻します。さらに金やプラチナを組み合わせることで、新たな魅力も生まれる。そうした素材との関係性を楽しみながら、自分なりの付き合い方を見つけてもらえたら嬉しいです。──素材との関係性を楽しんでほしいという思いは、異なる素材を組み合わせたデザインにも表れていますね。　そうですね。バッグでは色の組み合わせを考えることが好きだったのですが、ジュエリーを学ぶ中で、それと似た面白さを素材の組み合わせにも感じるようになりました。中でも気に入っているのが、シルバーと18金の組み合わせ。それぞれ単体でも十分に魅力的ですが、あえて一つのアイテムの中で共存させることで、お互いの色や質感が引き立つんです。シルバーが好きな方にも自然にゴールドを取り入れていただけますし、その逆もあります。素材同士の対話のような感覚があって、とても惹かれている表現の一つで、複数のコレクション内で展開しています。中でも、指輪の造形をピアスへと落とし込んだ「bague collection」の「complète solitaire pierce」（4万4000円）は特に人気が高く、ガルブらしい曲線美と素材の魅力を感じていただけるアイテムだと思います。──ガルブのジュエリーは、人生の節目や特別な記念日を彩る品として購入される方多いと伺っています。　もちろん日常的なお買い物として選んでいただくこともありますが、実際にお客様とお話ししていると、想像していた以上に人生の節目と結びついていることが多いんです。大学の卒業や就職、転職、誕生日、ボーナスが出たタイミング。誰かに贈るだけでなく、自分自身に贈るために選んでくださる方もたくさんいます。　ジュエリーは価格だけを見ると決して気軽な買い物ではありませんが、その分購入した日の気持ちや、そのときの自分の状況まで一緒に記憶してくれる存在でもあると思っています。数年後に見返したとき、「あのとき転職したんだよな」とか、「卒業祝いに選んだものだったな」と思い出せる。そういう時間の積み重ねとともに育っていくものだからこそ、流行として消費されるものではなく、その人の人生に長く寄り添うデザインをこれからも生み出していきたいです。“自分だけ"が意味を知る文字をリングに──6月4日に発売したアルファベットモチーフの新作リングコレクション「mignon alphabet collection」について教えてください。　第1弾となる今回は、「A、B、C、E、G、H、I、J、K、L、M、N、O、R、S、U、V、Y」の計18文字を発表しました。26文字すべてのデザイン構想はありますが、アルファベットごとに造形として成立させる難しさが異なるため、まずは納得できた文字からリリースしています。　アルファベットモチーフのジュエリー自体は世の中にたくさんあります。ただ、その多くは文字そのものを見せるためのデザインだと思うんです。一方で私が作りたかったのは、「自分だけが意味を知っている文字」。例えばイニシャルでもいいですし、大切な言葉でもいい。身につけている本人には意味があるけれど、他人から見たら抽象的な造形に見える。その曖昧さを表現することにこだわりました。　私はもともとパタンナーを目指して服作りを学んでいたので、平面を立体として捉える感覚が自然と身についているんです。なので今回もアルファベットも単なる文字としてではなく、「指に通したときにどんな造形になるか」という視点から考えていきました。文字をそのままジュエリーに置き換えるのではなく、一度立体として再構築し、身につけたときに美しく見える形へと翻訳しています。──翻訳する過程でのこだわりを教えてください。　重ね着けしたときに単調にならず、造形同士が会話するような状態をつくりたかったので、母音の「O」や「I」には膨らみや凹凸を加えました。子音の文字は、「E」のように文字の形をかなり残しているものから、「J」のようによく見ると文字が浮かび上がってくるようなデザインのものまで、幅広く揃えています。　リングのデザインに落とし込む作業で苦戦したのは、「L」や「V」のような直線的な文字。太さや長さ、重心の位置を細かく調整することで、文字としての認識と造形としての美しさの両方を成立させていきました。こうした微調整の積み重ねや、身につけたときの見え方を考えながら形を整えていく感覚は、バッグや服作りをしていた頃から変わらない部分かもしれません。 ──新作は価格帯が1万7600〜5万8300円と、今までのコレクションと比べ価格が抑えられています。　初めてサンプルを公開したときに、年齢や性別を問わず、多くの方が興味を示してくださったんです。ご自分のイニシャルや好きな言葉を考えながらお客様同士で会話をしている様子を見て、このシリーズは単なるイニシャルジュエリーではなく、その人らしさを表現するためのツールになり得ると感じました。　ただ、そのときに「もちろん複数個組み合わせたいけれど、そうなると価格が気になりますね」という声もいただいて。例えば「LOVE」を作るなら4つ必要ですし、もっと長い言葉ならさらに増えます。一点だけを身につけるのではなく、自分の好きな言葉やイニシャルを自由に組み合わせながら遊んでほしいので、価格が理由で選択肢を狭めてしまうのは違うと思ったんです。だからこそ今回は、複数本を組み合わせる楽しさを前提に、手に取りやすい価格設計にこだわりました。──最後に、今後の展望について教えてください。　まずは、ブランドが考えていることを国内外で継続的に発信していきたいです。私にとってジュエリーは装飾品というだけではなく、その人の記憶や節目に寄り添う存在です。今後は結婚指輪のような人生の節目に関わるアイテムにも挑戦していきたいですし、展示会やポップアップを通して、ブランドの思想そのものを伝える場も増やしていきたいと思っています。　また、いつかはガルブの世界観をより深く体験していただける空間も作れたらと考えています。ポップアップを開催するときも、単に商品を並べるのではなく、ブランドの考え方や空気感まで含めて伝えることを大切にしているので、そうした軸をぶらさずに表現できる場所があれば挑戦してみたいです。形の美しさを追求することと、その先で誰かの記憶に残るものを作ること。ガルブはこれからも、その両方を大切にしながら続けていきたいです。

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バッグの次に見つけた表現　榎本紀子はなぜジュエリーブランド「ガルブ」を立ち上げたのか

素材のコントラストを効かせたスタイリング 　ブランドらしいミニマルなデザインが目を惹く「エイトン（ATON）」のウールシャツには、タイトなシルエットのスカートを合わせて綺麗めに着こなして。細番手の梳毛の強撚糸を甘めに織りあげたサマーウールで仕立てられたシャツは、柔らかくしなやかな生地感でドレープを堪能でき、デニムスカートとの素材のコントラストを効かせたスタイリングを楽しめます。STYLING ITEMジャストサイズでまとめた、洗練されたスタイル 　上品さと軽快さを両立させた「ウジョー（UJOH）」のオープンカラーシャツ。春夏らしいスタイリングを叶えてくれる大きめの開襟や一般的なものよりも深めに設計されたVゾーンなどリゾートテイストを感じさせる抜け感あるディテールを採用しながら、あえて細身のシルエットで仕立てることでモダンな佇まいへと仕上げています。洗練されたムードを醸すシャツに合わせたいのは、スマートなシルエットのスラックス。ジャストサイズで品良くまとめ、足元にはサンダルを合わせて程よい抜け感をプラス。STYLING ITEM街に馴染む、都会的なマリンルック 　春夏らしい爽やかなボーター柄のワンピースをモダンに引き締めるのは「オーバーコート（OVERCOAT）」のジップアップシャツ。ブランドの定番として人気を集めるウールシャツをベースにしたアイテムは、ドレスシャツ由来の丁寧な仕立てや上質なウール地はそのままに、ジップアップ仕様へと変更することでブルゾンライクな一枚へと大胆にアップデートを施しています。ミニマルなデザインなので合わせるアイテムを選ばず取り入れられ、さらりと羽織れば少し気恥ずかしさが残るマリンルックも街に溶け込むスタイリングへと様変わり。STYLING ITEMカジュアルさと品の良さを両立したスタイリング 　一見すると無地ライクながらネイビーとブラックの細かなギンガムチェック柄の生地で仕立てられた「NTN」のシャツは、カジュアルなアイテムと相性抜群です。ラフになりがちなワイドシルエットのデニムパンツも、洗練された機能美を感じさせるミニマルなシャツを合わせれば上品な印象のスタイリングに。フロントのジップを隠す比翼のデザインや身体の動きを妨げないサイドガセットスリーブ、ゆとりあるシルエットを際立たせる背面のタックなど、実用性とミニマルな佇まいが調和したブランドらしいディテールを詰め込み、コーディネートに馴染みながらさりげなく存在感を放ちます。STYLING ITEM軽やかにアップデートしたブラックとブラウンの組み合わせ 　ブラックとブラウンのコンビは、いつの時代も色褪せない定番のカラーパレット。重たくなりがちな組み合わせも、大人の余裕を感じさせる余白あるデザインが目を惹く「チノ（CINOH）」のシャツを合わせれば軽やかに仕上がります。フランスの船乗りや漁師の作業着をルーツに持つヴァルーズシャツをモチーフにした一枚は象徴的な深いVネックのデザインはそのままに、程よい透け感のあるコットンシルク地で仕立てられ、クラシカルなグルカパンツを合わせても固くなりすぎずアンニュイな印象の着こなしに仕上がります。STYLING ITEM繊細な色味で構成したグラデーションコーデ 　デニムジャケットの金字塔として知られる3rdモデルをサンプリングした「ティーエイチ プロダクツ（th products）」のシャツ。象徴的なフラップポケットやフロントに入るシームライン、タックボタンなど細部にわたりモチーフを踏襲した一枚は、ブラックの単色でまとめあげることで従来のカジュアルなイメージとは一線を画す、都会的な佇まいへと昇華しています。そんな大人顔のシャツに合わせたいのは、スラックスをそのままカットオフしたかのようなショートパンツ。膝下にかかるほどの少し長めの丈感とスマートなシルエットで上品なエッセンスを加え、ブラックとグレーのグラデーションで構成した大人っぽいスタイリングが完成します。STYLING ITEM巻きスカートでアクセントを効かせたエレガントなスタイリング 　「ザ・リラクス（THE RERACS）」と「1LDK」、「F/STORE」が手がけるコラボコレクションから登場したAラインシャツは、コンパクトな丈感を際立たせるようにボトムスにボリュームを持たせたスタイリングがおすすめ。ワイドシルエットのボトムスを選ぶのも良いですが、少し捻りを効かせるならラップスカートを取り入れてみて。ダークネイビーの色味がブラックとホワイトを繋ぐ中間色として機能し、シャツとデニムの王道の組み合わせも一気にこなれた印象に仕上がります。STYLING ITEM

CINOH

ATON

th products

OVERCOAT

UJOH

THE RERACS

軽やかに着こなせるダークカラーシャツにフォーカス　スタイリングをシックに引き締めるアイテムを紹介

KIJIMA TAKAYUKI

yoshiokubo

MIHARA YASUHIRO

50周年MIDWEST 座談会

“ダサい人がいなくてつまらない”　三原康裕、久保嘉男、木島隆幸が語る令和ファッションシーン

ポケモン26年2月期、初の純利益1000億円超え　ヒューマンメイドなどアパレルコラボ好評「ポケットモンスター」のIP展開を手掛けるポケモンの2026年2月期は、純利益が前期比70.7％増の1200億円で、1000億円の大台を初めて突破した。2026年はゲームボーイ用ソフト「ポケットモンスター 赤・緑」の発売から30周年の節目で、これに合わせて昨年からアパレルブランドとのコラボレーションをはじめとする企画を実施しており、これらの人気が業績を押し上げたと見られる。＞＞元記事を読む中川政七商店が売上高100億円を突破　工芸メーカーへの投資で事業拡大へ中川政七商店は、1716年に麻織物の卸業として創業。現在は、日本の工芸に根差した生活雑貨の製造小売業を中心に事業を運営しており、店舗は奈良本店、渋谷店、高輪店、天神店の旗艦店4店舗を含む67店舗を全国に出店している。2026年2月期には売上高で前期比12％増の103億2000万円を計上し、初めて100億円を超え、4期連続で過去最高業績を更新した。 2026年度から「工芸メーカーを対象とした成長投資」を新事業として開始。第1弾として、1793年創業の漆塗師屋 漆琳堂との資本業務提携を発表した。出資額は非公表だが、出資比率は10％未満としている。＞＞元記事を読む【国内主要百貨店】夏物衣料動き出し、連休や大型催事で客数も増加　26年5月度国内主要百貨店6社（三越伊勢丹、髙島屋、大丸松坂屋百貨店、阪急阪神百貨店、松屋、近鉄百貨店）の2026年5月度の既存店売上高をレポート。気温上昇に伴い夏物衣料が動き出しているほか、ゴールデンウィークや食料品催事などのイベント施策による客数増なども寄与し、6社中5社が前年実績をクリア。訪日客の国籍の多様化や円安の後押しを受け、免税売り上げが安定を取り戻しているほか、ラグジュアリーブランドなどの高額品が伸長するなど、国内客売上高も堅調に推移した。＞＞元記事を読む各地で真夏日観測、高気温で各社増収　ユニクロ2桁増　国内アパレル関連大手2026年5月度国内アパレル関連大手各社が、2026年5月度の既存店売上高を発表した。気象庁の発表によると、当月は5月17日に東京都心や名古屋、福岡などで今年初めて最高気温が30℃以上の真夏日となったほか、5月29日には気温が上がりにくいことで知られる千葉県勝浦市で5月として初の真夏日を記録するなど、気温が高い日が多かった。高気温で夏物商品が動き、ファーストリテイリングの国内ユニクロ事業やしまむら、ユナイテッドアローズ、ワークマンなどの企業は増収で着地した。＞＞元記事を読むZARA運営インディテックス、26年2〜4月期は8.8％増収　春夏コレクションが好調「ザラ」などを運営するインディテックスが、2026年2〜4月期の連結業績を発表した。春夏コレクションが顧客から非常に高い評価を受け、売上高は現地通貨ベースで前年同期比8.8％の87億ユーロ（約1兆6157億円）と好調に推移した。＞＞元記事を読むOTBが「ヴィクター＆ロルフ」を完全子会社化　創設者はクリエイティブディレクター続投「ディーゼル」「ジル サンダー」「マルニ」「メゾン マルジェラ」などを傘下に持つOTBグループがイタリア・ミラノ時間6月4日、「ヴィクター＆ロルフ」の株式を100%取得し、完全子会社化したと発表した。 今回の完全子会社化は、創設者兼デザイナーであるヴィクター・ホスティンとロルフ・スノランの両氏が、今後5年間にわたりクリエイティブディレクターを続投することに昨年合意したことに続いて発表。両氏は今後もブランドのクリエイティブおよび戦略的開発において中心的な役割を担い、OTBと共に世界のラグジュアリー市場におけるさらなる進化を目指す。＞＞元記事を読む元プラダCEOのジャンフランコ・ダティス氏がマックイーンCEOに就任　事業立て直しへケリングが、「マックイーン」の最高経営責任者（CEO）に、プラダグループの「プラダ」元CEOのジャンフランコ・ダティス氏を任命した。6月3日付で着任する。 マックイーンは売り上げが低迷しており、2025年10月にはロンドン本社で約20％の人員削減を行うと海外メディアが報道。以前は130以上あった店舗のうち、2025年に21店舗を閉鎖した。デ・メオCEOは今年2月に開いた2025年度の決算説明会の中で「マックイーンの損失はかなり重大である。安定した業績を取り戻すために、コスト構造と投資の再編が必要」と述べ、再編を進めている。＞＞元記事を読む京大→NHK→フリーランス　パリ在住、31歳ジャーナリストの履歴書FASHIONSNAPでは、パリで暮らし、パリで働く、キャリアも職業も在住歴も異なる4人の女性クリエイターを取材。「新しいことを始めたい」「なぜ今、自分はこの環境にいるんだろう」──ふとそんな問いが頭をよぎる“今”こそが、実は人生の岐路かもしれない。迷える人の背中を押してくれる、四者四様の挑戦と選択の話。今回は、京都大学からNHK、フリーランスを経てパリへ移住したジャーナリストの冨田ユウリさんに聞く。＞＞元記事を読む■最新コンテンツは以下のページからニュース　|　特集・連載　|　コレクション

ポケモン初の純利益1000億円超え、中川政七商店が事業拡大…【5分でわかる主要ニュース 5/31〜6/6】

名作ブーツの系譜を引いた「エーグル」のクロッグシューズ　「エーグル（AIGLE）」は1853年にフランスで誕生したアウトドアブランド。アメリカ出身の実業家がフランス中央部のロワール地方にラバー工場を設立し、ファーマーのためにラバー製のブーツを製造したことをきっかけに発足しました。農作業用だけではなくスポーツやアウトドアシーンでも着用できるシューズを展開するようになったことを契機に、ライフスタイルブランドとして発展。のち2022年には「エチュード（Études）」の創業者であるオレリアン・アルベ（Aurélien Arbet）、ジェレミー・エグリ（Jérémie Égry）、ジョゼ・ラマリ（José Lamali）の3人をアーティスティックディレクターに迎え、伝統的な機能性を軸に洗練された都会的なアウトドアスタイルを提案しています。今回紹介するコーレイは、ブランドのシグネチャーであるレインブーツの系譜を引いたアイテムの一つ。2023年に登場して以降、優れた機能性とデザイン性により人気を集めている一足です。伝統を継承した優れた機能性　本格的なガーデニングシーンを想定し設計されたコーレイは、長い歴史の中で培われてきた「エーグル」独自のテクノロジーが集約されており、ブランドらしい高い機能性が最大の特徴です。アイコンであるレインブーツを継承した一足は、天然ゴムを主原料にブランド独自の製法で薄く引き伸ばした素材をアッパーに採用。レインブーツと同様の素材を使用しているため高い防水性と耐久性を兼ね備え、さらに天然ゴム由来の柔らかくしなやかな素材感による、快適な履き心地を堪能できます。 　さらにインソールはコルク製のものを搭載。通気性と吸水性、高いクッション性など多岐にわたる機能を備えたコルクを使用することでリラクシーな履き心地を堪能できるうえに、素足でも心地よく着用することが可能です。そのほか、足場が不安定な場所でもスムーズに歩行できる頑丈かつ安定感のあるアウトソールを採用するなど細部にまで抜かりがありません。フレンチブランドらしいスタイリッシュなデザイン　前述の通り多彩な機能を搭載しながら、タウンユースにもフィットするスタイリッシュなデザインも魅力の一つ。元々クロッグシューズとは、ずんぐりとした形状でつま先から甲までを覆ったサンダルのことを指しますが、コーレイはボリュームを抑えたフレンチブランドらしい上品なシルエットが目を惹きます。スマートなシェイプだけではなくブランドロゴのみが入るミニマルなデザインやレザーライクに見える素材感も相まって、より上品な印象に仕上がっています。　従来のアウトドアブランドのシューズと言うと派手な色味を想起しますが、シンプルなデザインにマッチするシックなカラーリングも魅力的なポイント。どんなアイテムとも相性よく合わせられるブラックや知的なムードを演出するネイビーなど落ち着いた印象の色味で、モダンな一足へと昇華しています。多彩なシーンで重宝する汎用性の高さ 　「クロッグデザインなのに防水」という今までにない発想で誕生した一足は、レインブーツを履くのが面倒な時や通り雨の時、ワンマイルの外出など多彩なシーンで重宝するはずです。「雨が降っているけどスマートな格好をしたい」、「レインブーツのアウトドアテイストが苦手」という方にとっては、さっと履ける気軽さとスタイリッシュなデザインから、これ以上ないほどぴったりな一足ではないでしょうか。ショートパンツにソックスを合わせたアクティブなスタイルや、太めのパンツを合わせてブーツのように見せる着こなしなど、合わせるボトムスによって表情を変え、スタイリングにアクセントを加えてくれる優れものです。　一般的なクロッグシューズはさっと履ける着脱のしやすさが魅力ながら、踵が無い分つま先から甲にかけて負荷がかかり疲れてしまいがちですが、コーレイに関してはクッショニングに優れたコルクのインソールを採用していることに加え、重厚感のある見た目に反した圧倒的な軽さにより、長時間履いていても足元への負担が少なく快適に着用できます。サイズ感は比較的ゆとりがあるので、普段選んでいるサイズから1つ下げるのがおすすめ。厚手の靴下を合わせてスタイリングしたいという方は普段のサイズを選ぶとちょうどよく履けると思います。ブランドのシグネチャーであるレインブーツを大胆にアップデートした、新しい定番アイテムをチェックしてみて。◾️「マイスタンダード」バックナンバー・無骨さと上品さを両立させた「セブン バイ セブン」のレザートートバッグ・優雅な曲線美に惹かれる「ハトラ」のイヤーカフ・歪さが生む美しさ、「プリーク」のハートリング・植物の恵みを肌で受け取る「ネモハモ」のブースターオイル＞＞バックナンバーを見たい方はこちらから

AIGLE

【マイスタンダード】名作ブーツの系譜を引いた「エーグル」のクロッグシューズ

アイウェアと香水はスタイリングを整えるプロダクト── アトリエ マクリは2022年12月にオープンしました。そもそも、空間スタイリング会社がメガネと香水の店を立ち上げた理由は？　マクリでは、店舗空間のインテリアのセレクトやスタイリングを行っています。展示会会場や店舗設計など、BtoBのビジネスを約10年間続ける中で、作った店舗や空間の先にいるエンドユーザーともコミュニケーションをとることができる起点を作りたいと考えました。　せっかく店を作るなら、わざわざ足を運んでいただく意味のあるコンテンツが作りたかったので、オンラインでは選びにくく、店員のアドバイスを受けながら選びたい専門性が高いもの、そしてメンテナンスを通じて長くお客さまとお付き合いが続くプロダクトを取り扱いたいと考え、メガネと香水を選びました。単に「メガネと香水」と聞くと脈絡なく感じるかもしれませんが、その日のスタイリングを仕上げる重要なピースであるという共通点もあります。　清澄白河という東京の中心から少し離れたエリアを選んだのは、会社が元々浅草にあったので東京の東側で移転先を探していたこと、そして時間をかけてわざわざ訪れなければいけないエリアだからこそ、ゆっくりとした時間を過ごしていただけると考えたからです。── アトリエ マクリはセレクトショップですが、オリジナルブランドはどのようにして誕生したのでしょうか。　以前から、店に置きたいイメージのものが既存のブランドで見つからない時はひっそりと自分たちでオリジナルアイテムを作っていたんです。でもそれはあくまでも足りないジャンルを埋めるためのプロダクトでした。── 市場に足りないのが「リムレス」だった？　リムレスアイウェアは、1990年代から2000年代にかけてハイファッションの文脈で注目されましたが、次第と機能性重視のプロダクトというイメージを強め、ファッションアイテムとして用いられなくなっていきました。トレンドアイテムとしてリムレスが再注目を集め始めた2024年初頭には、デコラティブすぎるかクラシカルすぎる、両極端なデザインがほとんどで、ニュートラルで静かな、アトリエ マクリが求めるデザインが見当たらなかったんです。お客さまからも「リムレスを探しているけど、どこで買ったらいいのかわからない」という声が聞かれました。今でこそリムレスを作るようになったブランドは増えましたが、フレームがないのでレンズに直接テンプルを取り付けなくてはいけないリムレス構造はレンズの付け替えに手間がかかるのでやりたがらないブランドが多かったんです。2024年ごろから作りはじめ、同年5月にザ・コンランショップ東京店で開催したアトリエ マクリのポップアップで初のオリジナルプロダクトとして披露しました。そこで想像以上の反響をいただき、ザ・コンランショップでの卸売りや「ユナイテッドアローズ＆サンズ（UNITED ARROWS & SONS）」をはじめとする大手セレクトショップでの取り扱いが次々と決まりました。── アトリエ マクリのオリジナルプロダクトとして開発してから約2年、今年3月にリムレスアイウェアブランド「リムレス トーキョー」を立ち上げました。　アトリエ マクリには、オリジナルのリムレスメガネを求めて北海道から沖縄まで日本全国からわざわざ足を運んでくださるお客さまがいらっしゃいます。メガネは定期的なメンテナンスが必要なので、遠方のお客さまには近隣にあるおすすめのメガネ屋さんを個別にご案内したり、調整が必要な商品を郵送していただいたりしていましたが、もっと手軽に楽しんでいただくために遠方のお客さまのメンテナンス拠点を作る必要性があると考えました。そこで、メガネブランドとして立ち上げることでメガネ専門店にも卸先を拡大し、3月からは全国展開のメガネ専門店「ポーカーフェイス（POKER FACE）」でも取り扱っています。　アトリエ マクリは、ニッチなデザインのアイウェアを取り扱っており、私たちが店頭でしっかりと接客して選んでいただくことを重視している、“狭く深い”クローズドな空間ですが、ザ・コンランショップでのポップアップをはじめとする反響の大きさを見ていると、リムレス トーキョーはもっと幅広い方々も気軽に手に取っていただくことができる機会を作ったほうが良いのではないかと感じたんです。リムレス トーキョーもアトリエ マクリの世界観の地続きにありますが、もっとその可能性を広げるために、アトリエ マクリの屋号から切り離してみることにしました。レンズを替えれば別のデザインに　「リムレス」ならではのミニマルな生産体制── 現在リムレスの人気は継続していますが、2000年代に人気が落ち込んだように今後また人気が下火になる可能性もあるのでは。「リムレス専門」を掲げることはリスクではないですか？　トレンドに波があるのは確かですが、リムレスデザイン自体はずっと残り続けています。リムレスの魅力は、フレームがないことによる軽量さや顔馴染みの良さ。しかし、製造が難しかったことから、かつてはジュエリーのような高級品として上流階級だけの持ち物だった時代もあります。リムレスが持つ普遍的な魅力を「文化」として根付かせたいんです。── リムレス トーキョーらしいデザインの特徴は？　リムレストーキョーは、「アイウェアブランド」ではなく「スタイリングブランド」であると定義しています。デザインする際に裏テーマとして設定したのは「部屋着に合わせてもサマになる」ということ。リラックススタイルに合わせても、顔だけが浮くのではなくナチュラルに馴染むものです。　かといって、馴染みすぎてもアクセントにならないし、尖りすぎると本人の印象を変えてしまう。かける人が主役になるように、顔の印象を邪魔しない、でも「ないよりあったほうが良い」ものにするべく、シェイプとカラーだけでさりげない存在感を出せるように意識しています。── レンズカラーやシェイプのバリエーションを幅広く揃えていますね。　お客さまに提案する際も、珍しいシェイプはクリアレンズに、その人に似合うシェイプはカラーレンズで遊んでみるなど、“違和感”と馴染みの良さのバランスを大切にしています。── どのようなバックグラウンドのメンバーがブランドを運営しているんですか？　マクリには、メガネ業界をはじめインテリアやアパレルなど幅広いバックグラウンドのメンバーが揃っていて、それぞれが「スタイリスト」を名乗っています。マクリのメンバーが約15人の中で、アトリエ マクリやリムレス トーキョーを担当しているのは5人。誰か一人がバイヤーを名乗るのではなく、価値観を共有した全員が「マクリに合うかどうか」という基準を持ってセレクトしています。デザインはイタリアで10年間アパレル業界に携わってきたメンバーが中心になって、スタイリングのアクセントになるという視点から開発しています。── 生産体制を教えてください。　テンプルなどのパーツとレンズをそれぞれ仕入れて、レンズを削って形を作る加工と組み立ては私たちの手で行っています。テンプルは全型共通で、レンズシェイプを変えることでデザインのバリエーションを作っています。5分もあれば組み立てることができるので、全商品の完成品在庫を積んでおく必要もなく、アトリエ マクリでは接客をしながそのお客さまに似合うメガネを考えて組み立てることもしばしば。そうしたミニマルな運営が可能というのも「リムレス専門」ブランドにした理由のひとつです。　また、レンズを変えるだけで別のデザインになるので、アトリエ マクリの店頭では1万6500円でレンズの交換を受け付けています。購入していただいたデザインに飽きてきたら、店頭で新しいものを選び直していただき、色々なデザインを長く楽しんでいただくことができます。── 今後の展望を教えてください。　リムレス トーキョーは、単独での直営店出店を目指します。また、アトリエ マクリに関しては、今秋に現在の店舗の増床を行います。現在は1階のみですが増床するフロアは、新たに立ち上げるジュエリーラインと、リムレス トーキョーのショールームにする予定です。恐れ多いのですが、いずれはアトリエ マクリの建物を、ドーバー ストリート マーケット（DOVER STREET MARKET）のような、訪れた人が半日滞在してくれるような場所にしたい。アパレルブランドのポップアップなども不定期で開催していて、色々な人が関わってくれる場所を作っています。　ジュエリーを始める理由は、「人生の節目」に選ぶ人が多いものだと思うから。そして、ジュエリーだけでなく、アトリエ マクリのお客さまはメガネも仕事の節目や人生の転機に合わせて購入してくれる方が多いです。近頃は結婚式で指輪ではなくメガネを交換する人もいると聞きます。これからも、節目に訪れたくなるような、記憶にも残る場所づくりを目指し、より深くお客さまの人生に関わっていくお店づくりをしていきたいと考えています。