インサイド

襟元の表情を楽しむ、ハイネックブルゾン 　ダークトーンに偏りがちな秋冬の装いは、襟元に少し色をのぞかせて。メタブルゾンは、襟を開くとキャメル色の裏側が現れ、グレーと黒のシックな着こなしに温かみを添えます。縮絨ウールとレザー調のコットンを貼り合わせた、表裏で異なる質感も魅力。濃色のインナーにさらりと羽織るだけで、その違いが引き立ちます。襟を立てて端正に着るのはもちろん、少し開いて色を効かせることで、いつもの着こなしも新鮮な表情に。model：@aoyama_keisukeスタイリングに立体感を添える、ギミックが効いたジャケット 　黒のアウターにデニムパンツ。定番の組み合わせに変化をつけたいときに取り入れたいのが、テストジャケットです。生地を折りたたんで形作った大きなポケットが、シンプルな装いに立体感をプラス。柔らかなウールナイロン素材と裾で丸く収まるシルエットが、ミリタリー由来のデザインを穏やかな表情に仕上げています。スナップのように前を閉じれば、ポケットの形がより鮮明に。ミニマルなデザインながらさらりと羽織るだけで、ジャケットそのものが着こなしのポイントになります。model：@jun___tamuraAラインシルエットを堪能する、短丈のニットパーカ 　ワイドパンツに厚手のニットを合わせると、全身が重たく見えてしまう。そんなときは、メタニットパーカの短めの丈に注目を。フライトジャケットをローゲージのニットで表現した一着は、裾のリブが編み地のボリュームを腰回りで丸くまとめます。ゆったりしたボトムスを合わせても上下の境目が埋もれず、ニットのふくらみを活かしたメリハリのある着こなしに。ネイビーの身頃に映える淡い色のフードと大きなメタルボタンが、視線を上半身に引き寄せます。model：@taku_yamaguchi「OUAT」の商品一覧はこちらから

OUAT

お買いモノ

「OUAT」26AWのアイテムを主役に、スナップで見つける旬な秋冬の着こなし

Fashion

台北ファッションウィークも僕も道すがら【コラム連載 - ニイハオ、ザイチェン vol.36】

ハンサムなジャケットにフェミニンなスパイスを　テーラードジャケットは、フェミニンな要素を掛け合わせて大胆に着崩すのがミラノ流。ランジェリー風のインナーを差し込んだり、ミニ丈のボトムスで脚を見せたりと、どきっとするセンシュアルなエッセンスを添えて。スポーツブラやレギンスでハズすスタイルもチェック。きちんと感とラフさを掛け合わせた、自由なジャケットスタイルが今っぽい。ひとクセあるレイヤードで定番シャツをアップデート　合わせるアイテムや重ね方を工夫した、脱・真面目なシャツスタイル。ワンピースやショートベストを重ねる、五分袖のプルオーバーニットから襟や袖をのぞかせるなど、レイヤードのアレンジは多彩。オーバーサイズのシャツをミニドレス感覚で着こなすスタイルや、透け感のあるシアースカートとのスタイリングも見逃せない。セットアップは型にはまらず自分らしく着こなす　ジャケットとワイドパンツの王道スタイルから、レザーのジャケット＆スカート、チェック柄のトラッドなデザインまで、セットアップのバリエーションがぐっと広がった。鮮やかなレッドのスーツは、淡いブルーのシャツを合わせて凛とした佇まいにブラッシュアップ。足元はヒールでシャープに、あるいはフラットシューズで軽やかに。気負わず楽しむ着こなしがお手本。小物使いで遊ぶ、個性派セットアップ　セットアップの着こなしに差をつけるなら、小物やアクセサリーの取り入れ方にひと工夫を。マニッシュなグレーのパンツスーツは、ゴールドのネックレスと大ぶりのベルトバックルで華やかさを添えて。チョークストライプのセットアップは、メタリックなフリンジを効かせてモードな表情に。ドット柄のセットアップには同系色のヘアーバンドやグローブを合わせるなど、ディテールまで自分らしく楽しむスタイルに注目。2027年春夏ウィメンズコレクション・トレンド特集

クラシックのルールから解放　ストリートスナップに学ぶミックススタイル from ミラノ

ミシンとパターンによるファッションの民主化　ファッション史を振り返ったときにとりわけ重要な技術的ブレイクスルーとして五十棲氏が挙げるのが、19世紀における「ミシンの実用化」と「パターンの普及」だ。1851年にアイザック・シンガー（Isaac Singer）が実用性を高めたミシンの特許を取得した。シンガーの初期のミシンには足踏み装置も備えられており、足で機械を動かしながら、両手を使って布を操作することができた。　こうした機構の改良に、製造技術や販売方法の発展も相まって、ミシンは工場や家庭へと普及していった。それまで熟練の針子により手作業で行われていた縫製の効率をミシンが大幅に高めたことで、服作りのハードルが劇的に下がり、衣服の生産が職人の世界から大衆へと開かれていく土台が整った。　この流れをさらに加速させたのが、パターンの発展と普及だ。パターンとは、布をどのような形に裁断し、組み合わせるかを示す、衣服の設計図にあたるものだ。パターンの歴史は古く、服飾史研究者のジョイ・スパナベル・エメリー（Joy Spanabel Emery）は、西洋で12世紀頃から身体の形に沿った衣服が発達するにつれて、裁断法が複雑化していったと説明している*。*Joy Spanabel Emery, A History of the Paper Pattern Industry: The Home Dressmaking Fashion Revolution (Bloomsbury Academic, 2014), pp. 1, 5.　五十棲氏によれば、16世紀には衣服の裁断図を収録した技術書が刊行されていたものの、そこに示されていたのは布の上に衣服の各部分を配置するための図であり、現在の実物大のパターンとは異なるものだったという。パターンは仕立て職人の工房内だけで用いられることが多く、一般に広く流通することはなかった。だが、19世紀のアメリカで大きな変化が起きた。印刷・出版・販売の仕組みの発展によって、家庭裁縫に利用できるパターンが商品として広く普及したのだ。とりわけ、1863年にエベネザー・バターリック（Ebenezer Butterick）が薄紙の型紙を製造し、一般向けに販売したことは大きな転機となった。それに加え、「ハーパーズバザー（Harper's BAZAAR）」や「ヴォーグ（VOGUE）」といったファッション誌が実物大のパターンを掲載し、それらの注文販売を行ったことで、家庭内での衣服製作はさらに大衆化していった。　さらに19世紀には、市販のパターンだけでなく、採寸した身体の寸法から衣服の型を製図するための道具も考案された。例えば、KCIが所蔵する19世紀後半のパターンメーキングセットは、金属製の複数のパーツを動かして形状を調整できる器具である。こうした道具は、身体の寸法を平面上の衣服の形へと置き換える製図作業を支援した。　このように、19世紀には、ファッションの中心地、フランス・パリで発表された最新のファッションが、ファッション誌というメディア、そしてそこに掲載されたパターンを通してアメリカをはじめとする遠方の都市にもスピーディに伝わるようになった。読者はパリで発表されたばかりのデザインを参考に、市販のパターンと必要な素材、裁縫の技能を用いて、流行の衣服を自ら製作することもできた。つまり、ミシンとパターンの普及によって、一般大衆が最新のトレンドファッションを気軽に楽しめるようになったのだ。価値観の変革を加速させた化学繊維　ミシンとパターンの普及が家庭での服作りを後押しした一方で、産業としての既製服もまた進化を遂げていく。既製服産業が早くから発展した分野のひとつが、スーツやシャツ、軍服、作業服といった、形状が規格化されているアイテムが多い男性服の分野だ。19世紀前半にはすでに、男性用既製服の製造・販売がみられ、身体寸法をもとに衣服の形を割り出す比例製図法も研究され、これらが19世紀半ば以降の既製服の生産拡大を後押しした。とりわけ、1861年に勃発したアメリカの南北戦争で、兵士に大量の軍服を効率よく供給する必要性から、体型データを測定してサイズを規格化し、グレーディング（相似形にサイズを拡大・縮小する技術）を行って同一の型を大量生産する生産体制が確立された。　ここで重要なのは、身体の寸法を一定の規則に従って扱い、衣服の形に変換する仕組みが発達したことだ。それは既製服生産を支える一方、多様な身体を一定のサイズ体系に当てはめることにもつながった。身体の形状を製作に利用する道具も発達した。そのひとつが、KCIが所蔵する1900年頃の可変式ドレスフォームだ。布で覆われた胴体を上半身8ピース、下半身4ピースに分け、各部分の位置を調整できる構造を持っている。先に紹介したパターンメーキングセットが身体の寸法を平面上の製図へと置き換えるための道具であるのに対し、ドレスフォームは身体の形を立体的に再現し、衣服の形状を検討するための道具だった。　一方で、女性の高級注文服の領域では異なる形で製作・販売の近代化が進んだ。その代表的な担い手のひとりが、1858年にパリでメゾンを開いたシャルル・フレデリック・ウォルト（Charles Frederick Worth）だ。19世紀半ばまで、服作りの主導権は圧倒的に顧客側にあった。顧客が生地屋で生地を買い、仕立屋に「こういうデザインで作ってほしい」と指示を出していたのだ。だが、もともと生地商で働いていたウォルトは19世紀中盤に、生地見本とともにあらかじめデザインしたサンプルを仕立て、生身のモデルに着せて顧客に提示し、選ばれたデザインを個別に仕立てる手法を積極的に展開した。これにより、服作りの主導権は顧客から作り手（デザイナー）へと移るとともに、この製造・販売の仕組みは、後のオートクチュールのビジネスモデルにも引き継がれていった。　20世紀に入ると、ポール・ポワレ（Paul Poiret）やガブリエル・シャネル（Gabrielle Chanel）、マドレーヌ・ヴィオネ（Madeleine Vionnet）といったデザイナーたちが登場し、従来のコルセットに依存したシルエットとは異なる衣服の造形を模索した。彼らの服作りは「下着で身体の形を整える」ことから、「身体の自然なラインを生かす」ことへと、衣服と身体の関係を見直す動きの一端を担った。素肌に近い部分を清潔に保ち、自然に支えるための新しい下着が必要とされるようになり、ブラジャーやショーツ、ストッキングといった現代的なインナーウェアも、その形状や素材、身体を支える機能などを変化させていった。　こうした衣服や下着の素材の選択肢を広げた技術のひとつが、化学繊維だ。絹に代わる繊維を人工的につくる試みから、1884年にはフランスのイレール・ド・シャルドンネ（Hilaire de Chardonnet）が人造絹糸の製造に成功した。1890年代にはビスコース法が開発され、19世紀末から20世紀初頭にかけてレーヨンなどの再生繊維の工業化が進んだ。キュプラなどの再生繊維やアセテートなどの半合成繊維も、開発・実用化されていった。さらに1935年、米デュポン社が「石炭と水と空気から作られる、鋼鉄よりも強くクモの糸より細い繊維」として開発したナイロンが1940年にストッキング市場へ投入され、空前の成功を収める。続いて1940〜50年代には、ポリエステルやアクリル、スパンデックス（ポリウレタン弾性繊維）といった合成繊維が次々と実用化された。デザイナーによる美意識の転換と化学繊維という技術革新が融合したことで、現代へと続く機能的で自由な女性服の基盤が確立されたのである。CADとPOSによるファッションのデータ化　1960年代に入ると、イヴ・サンローラン（Yves Saint Laurent）が、メゾン初の既製服ブティック「Rive Gauche（リヴ・ゴーシュ）」を立ち上げたことに象徴されるように、ファッションの主戦場はオートクチュールからプレタポルテへとシフトする。その後、ファッションが大量生産・大量消費の時代へ突入する中で不可欠となったのが、服を効率的に設計・流通・管理するための情報技術だった。日本では、東レなどがシステム開発を手掛けた「CAD（コンピューター支援設計）」が、1970年代後半からアパレルの実務現場に導入された。CADの導入によって、それまで熟練のパタンナーが膨大な時間をかけて手作業で行っていたグレーディングやマーキング（型入れ）などの工程がコンピューターで処理できるようになり、後には設計データの修正や共有も容易になった。　さらに、1970年代から実用化が進んだPOS（販売時点情報管理）システムが、ファッション流通を大きく変えた。店頭で服が売れた際に品目やサイズ、カラーなどの販売データが記録・集計され、在庫状況や売れ行きの傾向を以前より迅速に把握・分析できるようになったのだ。1980年代以降には情報通信技術や物流システムの発展によって、店頭で得られた顧客の購買データが生産・企画部門へフィードバックされ、追加生産の判断や次シーズンの商品開発に反映する仕組みが整えられていった。こうして、「ものを作る工程」から「流通・販売する工程」、そして「データを分析して次の服を設計する工程」までをデータで直結させる仕組みができあがったことは、後のファストファッションの台頭を支える重要な基盤のひとつとなった。テクノロジーが切り拓くファッションの未来　テクノロジーはいつの時代も、ファッションの「当たり前」を更新してきた。2026年のいま、衣服はもはや単なる「身体を覆うプロダクト」ではない。技術の進化が加速するなかで、テクノロジーは衣服を、そして人間自身をどこまで拡張していくのか。次回からの本連載では、生成AI、ウェアラブル、先端素材といったフロンティアで、新たな地平を切り拓く先駆者たちが見据える未来に迫る。

テクノロジーはいかにファッションを変えてきたのか　技術革新が実現した装いの民主化

長澤まさみ in KHAITE 　俳優の長澤まさみは11月3日、都内で開催された映画「ゴジラ-0.0」の初日舞台挨拶に登壇。ニューヨーク発ケイトの2026年秋冬コレクションのブラックジャケットを着用しました。ウエスト部分にあしらわれたゴールドのチェーンがアクセントをアクセントに、アイボリーのロングスカートを合わせたエレガントな装いを披露しました。 柴咲コウ in GUCCI　俳優の柴咲コウは11月4日、Netflix映画「余命一年、男をかう」の配信直前プレミア試写会イベントに、グッチの「インターロッキングG チェーン シルクジャカード シャツ」を着用し登壇。ブランドを象徴するインターロッキングGとチェーンのモチーフをあしらった、華やかなシルクシャツが華やかです。仲里依紗 in TENDER PERSON | YELLO　俳優の仲里依紗は11月5日、映画「高校生家族」のイベントに登壇。テンダーパーソンの2026年秋冬コレクションから、アーガイル柄のニットベストとネクタイを着用しました。赤いギンガムチェックのシャツに鮮やかなグリーンのパンツを組み合わせ、足元には東京発のシューズブランド イエロのチェック柄シューズをセレクト。柄と色を大胆に掛け合わせた、仲らしいカラフルなスクールスタイルを披露しました。齋藤飛鳥 in Vivienne Westwood　齋藤飛鳥は11月7日放送の「アナザースカイ」に出演。ヴィヴィアン・ウエストウッドのマルチカラーのニットセットアップとブラックのメリージェーンシューズを着用しました。シルバーで統一したアクセサリーが、柔らかな色合いのニットスタイルにシャープなアクセントを添えています。ロゼ in AUGUST BARRON　BLACKPINKのロゼは11月7日、ロサンゼルスで開催された「LACMA Art+Film Gala 2026」に出演。パフォーマンスではオーガスト バロンの2026年秋コレクションから、淡いブルーのキャミソールとボリューミーなチュールスカートを組み合わせた、バレエコアを彷彿とさせるドレスを着用しました。アニャ・テイラー＝ジョイ in Pierre Cardin | Tiffany & Co.　同じくLACMA Art+Film Gala 2026に出席した俳優のアニャ・テイラー＝ジョイは、ピエール・カルダンの1997年のヴィンテージドレスを着用しました。繊細なレースを施したアイボリーのドレスは、立体的に広がるオーガンジーのフリルが特徴。ジュエリーはティファニーの「ジャン・シュランバージェ バイ ティファニー」から、スターズ アンド ムーン ネックレスに、合計3カラットを超えるイヤリングと9カラットを超えるリングを合わせました。

Vivienne Westwood

GUCCI

KHAITE

PIERRE CARDIN

Tiffany ＆ Co.

AUGUST BARRON

長澤まさみから仲里依紗、ロゼまで　FS週刊衣装情報【11/2〜11/8】

脂が乗っている「アーデム（ERDEM）」　20周年を迎えたロンドン発「アーデム（ERDEM）」は今季、ブランドの持ち味である「コンテクスト」を巧みに操るコレクションを披露した。　2027年春夏コレクションの出発点となったのは、ジャン・コクトー（Jean Cocteau）の「美が持つ特権は計り知れない。それは、美に気づかない者にさえ影響を及ぼす」という言葉と、1920年代のパリで活躍したアメリカ人空中曲芸師バルベット（Barbette）の存在だ。女性の姿で空中ブランコに舞い上がり、男性の姿で地上に降り立ったという数奇なエピソードをインスピレーション源に、アーデムは男性性と女性性の境界を意図的に曖昧にすることで、美しさやアイデンティティそのものが絶えず変容し続ける可能性を、衣服というキャンバスに描き出した。　ランウェイでは、端正なテーラードジャケットに煌びやかなビジューショーツを合わせ、マスキュリンな仕立てとフェミニニティを鮮やかに交差させた。ストライプショーツには「Barbette」のパッチを配し、花の刺繍を施したデニムコートをレイヤード。フェザーが舞うサテンドレスや、ランジェリーライクなスリップドレスなど、舞台衣装のような装飾美と紳士服の要素を掛け合わせた。　ここ数シーズンのアーデムは、目を見張るほどのクリエイションの冴えを見せている。巨大コングロマリットの傘下に入らず独立系ブランドを貫いているからこそ、純度の高いストーリーテリングが実現しているのだろう。そして何より、同ブランドが勢いを見せているのは、同じくロンドン発の「シモーン・ロシャ（SIMONE ROCHA）」などにも通底する装飾的でジェンダーフルイドなスタイルが、今の時代において最も“先端”に見えるからに他ならない。1920年代パリの退廃的な文脈を用いた知的なアプローチと、現代が求めるムード。その二つが見事に合致しているからこそ、魅力的なスタイルとして真っ直ぐに刺さるのだろう。ファッション消費システムに対する皮肉か、「プラダ（PRADA）」　ミウッチャ・プラダ（Miuccia Prada）とラフ・シモンズ（Raf Simons）が手掛ける「プラダ（PRADA）」の2027年春夏ウィメンズコレクションで際立っていたのは、「コンセプト」の深みである。情報過多な現代社会に対し、二人が提示したのは「THE SKIRT」という厳格なテーマであった。　近年、メンズコレクションにおいてスラックスやバッグの型数を極端に絞るアプローチを見せていたプラダだが、2027年春夏ウィメンズでは全63ルックをスカートという一つのアイテムに絞り込むという制約を自らに課すことで、逆説的に表現の自由を模索。新しさを奇抜なフォルムに求めるのではなく、「この素材はこう使うもの」「このパーツはここにあるもの」といった素材やディテールにまつわる既成概念を少しずつずらすことで、新たな見え方を生み出している。あらかじめ決められた完成形を提示するのではなく、着る人の動きに合わせて服の形が変わる“余白”を残している点も印象的だ。先行きが見えない時代だからこそ、私たちの身近な日常の動作に目を向ける、プラダらしいアプローチと言えるだろう。　また、一つのアイテムの徹底的な探求は、現代のファッション消費システムに対する皮肉とも受け取れる。大半のユーザーが数十枚あるルックの最初の数枚しか見ず、スマートフォンの画面を素早くスクロールしてコレクション全体をわかった気になってしまう現代。あえて全ルックをスカートに限定することで、プラダは観る者の目を細部へと向かわせ、表面的な視覚消費に抗っているのではないだろうか。　ビジネスに目を向けると、プラダグループが発表した2026年1〜9月期の最新決算では、グループ全体の売上高は前年同期比15％増の45億4100万ユーロ（約8000億円）を記録した。プラダ単体の売上高は前年同期比2%増と推移しており、「ミュウミュウ（MIU MIU）」も前年同期の急成長（41%増）に対する反動がありつつも、同1%増と着実な成長を維持している。   　不安定な市場環境下においてさらなるシェア拡大を狙うには、顧客の既存ワードローブにいかに自然に介入するかが鍵となる。全身のスタイリングを押し付けるのではなく、日常着の延長線上にありながら無限の可能性を秘めたスカートに焦点を当てる戦略。それは、プラダ特有の知的なアプローチを保ちながら、消費者のリアルな日常に確実に忍び込む洗練されたビジネス戦略と言えるだろう。売上高も堅調に推移、「トム フォード（TOM FORD）」　ハイダー・アッカーマン（Haider Ackermann）による「トム フォード（TOM FORD）」の2027年春夏コレクションは、メゾンの根幹である誘惑をさらに押し進め、極限まで無駄を削ぎ落とした「スタイル」の美学を提示した。　SNSで自己を過剰に露出し、見られることを渇望する現代において、アッカーマンが提示したのはアンチテーゼとしての「沈黙のセクシュアリティ」だ。自らをさらけ出しながらも、決して差し出さない身体には、深く官能的なものが宿る。ランウェイでは、胸元が構築的にデザインされた深紅のドレスが、潔いカッティングと深いスリットで優雅なシルエットを描き出した。また、彫刻的なブラトップにシャープなレザージャケットとスカートを合わせたルックが、力強くもフェティッシュなムードを体現。肉体を大胆に露出するアシンメトリーなブラックのボディスーツでさえも、直接的なアピールではなく、研ぎ澄まされたカッティングの妙によって、静かでありながら芯のあるセクシュアリティへと昇華されている。   　日常着への見事な落とし込みも引き続き顕著だ。素肌の上に直接まとうアイスブルーのセットアップや、胸元まで深くジップを開けたオリーブグリーンのジャンプスーツは、マスキュリンな骨格の中に気だるいエレガンスを漂わせる。メンズルックにおいても、ピンストライプのダブルブレストスーツのインナーを大きく開襟し、スカーフを無造作に垂らすなど、ブランドのシグネチャーに気負いのないセンシュアリティを宿らせていた。　親会社であるエルメネジルド ゼニア グループの2026年1〜9月期決算によると、トム フォード ファッションの売上高は同3.5%増（オーガニック成長率6.1%増）の2億2630万ユーロ（約398億円）と堅調に推移。特にブランドが注力している直営店チャネルの売上高は同5.5%増（同8.9%増）を記録し、アメリカや欧州地域を中心に成長をけん引している。　前シーズンからアッカーマンが持ち込んでいるデイリークローズへの翻訳に加え、今季提示されたソリッドな造形美は、特別な夜の装いにとどまらず、知的な富裕層のワードローブ需要を満たすものだ。完成度を追求したスタイルは、世界観を表現できる直営店チャネルの勢いをさらに加速させていくだろう。ロビー・スペンサーと作る新たな女性像、「ドリス ヴァン ノッテン（DRIES VAN NOTEN）」　ジュリアン・クロスナー（Julian Klausner）による「ドリス ヴァン ノッテン（DRIES VAN NOTEN）」の2027年春夏コレクションは、効率化やミニマリズムへと傾倒する社会に対する、美しい反逆であった。彼が独自の「キャラクター」として遺憾なく発揮してみせたのは、ブランドの核に新たな解釈をもたらす、豊潤で力強い「フェミニニティ」である。　今季のテーマは「グラマー」。特権階級の非日常ではなく、ただ美しく装いたいという無邪気な感情の抽出である。象徴的なのは、架空の映画ポスターを色鮮やかにデザインし、それをあえてヴィンテージのロックバンドTシャツのようなユースカルチャーの文脈で日常着に落とし込んだアプローチだ。そして今季、コレクションの解像度をさらに高めたのが、これまで同ブランドのメンズを手掛けてきたロビー・スペンサー（Robbie Spencer）による、初のウィメンズスタイリングである。エアキャノンを駆使したスプレープリントや、オーガンザを重ねて輪郭をぼやけさせる彼特有の巧みなルック構築は、クロスナーが描くフェミニニティと絶妙な化学反応を起こし、完璧なトータルコーディネートを押し付けるのではなく、着る人の主体性に委ねる遊び心の余白を見事に生み出していた。　親会社であるプーチ（Puig）が発表した2026年1〜9月期の最新決算によると、グループ全体の売上高は前年同期比4.8%増の37億4500万ユーロ（約6590億円）と成長を見せ、ドリス ヴァン ノッテンが属するフレグランス＆ファッション部門も同3.8%増と堅調に推移している。   　ブランド単体の具体的な売上高こそ非公表であるものの、プーチは今回の決算レポートのなかで、「ドリス ヴァン ノッテンはクリエイティブ・ディレクターのジュリアン・クロスナーのもとで力強いモメンタムを構築し続けている」とコメント。2027年春夏ウィメンズのショーが、主要ファッションメディアのランキングのトップ10にランクインした事実にも触れ、クロスナーの手腕を高く評価しているようだ。アーカイヴの形を単になぞるのではなく、「着飾る歓び」というエモーショナルな体験を現代にデザインするクロスナーのアプローチは、長年のファンに寄り添いながらも、ブランドの新たな魅力を幅広い層へと力強くアピールしている。ものづくり投資で盤石体制へ、「シャネル（CHANEL）」　マチュー・ブレイジー（Matthieu Blazy）が手掛けて3シーズン目となる「シャネル（CHANEL）」の2027年春夏コレクションは、創設者ガブリエル・シャネルの生涯を過去・現在・未来の3つの章で描き出した。社会がどれほど合理化へ傾倒しようとも、メゾンの美学を決して曲げない確固たる「アティチュード」と、歴史を現代のワードローブへと変換する「スタイル」が光った。　コルセットからの解放を思わせる第一章では、軽やかな透け感のあるホワイトのスカートルックや、リラックスしたシルエットに精緻な装飾を施したドレスがしなやかなエレガンスを体現。続く第二章では、端正なブラックのテーラードジャケットにバーガンディのレザースカートを合わせるなど、男性服の要素を取り込んでシルエットに力強い変化をもたらした。そして第三章で提示されたのが、未来への革新である。1年をかけて開発したという軽量で伸縮性のある新素材「スモッキング・ツイード」をはじめ、裾にフリンジをあしらったモダンなダークトーンのツイードスーツや、立体的なフラワーアップリケ、大胆なグラフィックが目を引く鮮やかなテキスタイルなど、最高峰の職人技（サヴォアフェール）とテクノロジーの融合が、揺るぎない次世代のシャネル像を構築している。   　同社の開示は2025年通期のものが最新となるが、全社売上高は同2%増の193億ドル（約3兆320億円）とプラス成長を維持し、営業利益も同5%増の47億1200万ドル（約7400億円）を記録した。しかし、全社売上の半数近くを占める中核のアジア太平洋地域に限ると、売上高は同0.8%減の91億8200万ドル（約1兆4420億円）と、停滞の兆しを見せていた。   　市場全体が不透明な環境下において、マチューのクリエイションには実需を喚起し、ブランドを力強い再成長へと導く使命が課せられているわけだが、シャネルは2025年だけで、最高品質の素材と職人技を提供するサプライヤーの獲得等に7億ドル（約1100億円）以上を投資するなど、クリエイションの基盤を強化している。歴史の重みと圧倒的なサヴォアフェールを引き受けながらも、軽やかに新しいシャネル像を形作ったマチューのスタンスは、厳しい市場環境を突破するための戦略といえるだろう。2027年春夏ウィメンズコレクション・トレンド特集

PRADA

DRIES VAN NOTEN

CHANEL

TOM FORD

ERDEM

注目を集めたショーは？　ロンドン・ミラノ・パリの必見ブランド5選【27年春夏】

■キャラメル（Caramel）1999年にデザイナーのエヴァ・カラヤニスによってイギリス・ロンドンで設立。英国調のクラシカルな世界観が特徴で、日本国内でも支持を集める。2007年に日本初の旗艦店を東京・代官山に出店。2026年10月には日本向けの公式オンラインストアがオープン。 ■エヴァ・カラヤニス（Eva Karayiannis）キプロス生まれ・ギリシャ出身。アテネで法律を学んだ後に渡英し、ロンドンのサザビーズ美術研究所でアートを学ぶ。1999年にキャラメルを設立。独自のカラーパレットや素材使いで人気を得ている。ZARA率いるマルタ・オルテガからのラブコールでコラボ実現⎯⎯ザラとのコラボはどのようにして実現したのでしょうか。　キャラメルらしく、無理に狙ったわけではない、とても自然な流れでした。　私たちは自分たちのことを「美しい服を作るデザインスタジオ」だと思っている、少し変わった会社なんです。この27年間、巨大な資金や大規模なブランディングに頼ることなく、とにかくデザイン、生地、ファッション、そして品質だけに向き合い、私たちの服を愛してくれる人たちのために作ってきました。　そうした中で、自分のキャリアの終盤としてパリに小さな拠点を構え、一つの区切りをつけようとしていたときに、ザラ（インディテックス）のオーナーであるマルタ・オルテガ（Marta Ortega）が見つけてくれたのです。彼女には2人のお子さんがいて、「この服を作っている女性に会いたい」と連絡をくれたんです。彼女は私の服作りを深くリスペクトしてくれて、「一緒に何かを作りましょう。何も心配せず、あなたらしく、キャラメルのままでいてほしい。場所も時間も技術も生地も、すべてザラが提供するから、小さなカプセルコレクションを表現してほしい」と提案してくれました。⎯⎯ 巨大なインフラを持つザラとのタッグにより、キャラメルの製品を手に取りやすい価格帯で提供することが可能になりました。　私の提案したアイデアや生地をチームがそのまま理想的なクオリティで実現してくれたので、「コストのために妥協する」といった議論は一切ありませんでした。私自身、普段はマージンを削って価格を調整することもありますが、ザラ側から「これはできない」と断られたことは一度もありません。だからこそ、ザラのような大企業が制作インフラをバックアップしてくれたことは、私たちのような小さなブランドにとって本当に大きな支えになりました。⎯⎯ キャラメルとザラには共通する価値観はあると思いますか。　共通する価値観はあると思います。私たちのような小さなブランドやアーティストを見つけ出し、その価値を認めること自体が、彼らのやりたいことだからです。彼らは他のアーティストと展覧会を開いたり、財団を作ったりして、職人やデザイナーが活躍できる場を提供しています。ザラに限らず、ユニクロなども同じような取り組みをしていますよね。　LVMHやシャネルといった大手メゾンが伝統的な職人やアトリエを守ってきたように、巨大なグローバル企業がその資金力やネットワークを使って小さなクリエイターを支援し、世に送り出すプラットフォームになる。それはすごく価値のある取り組みだと感じています。⎯⎯ 今回のコレクションの背景にあるコンセプトやインスピレーションについて教えてください。　今回のコレクションでは、改めて「家族」を讃えたいと思ったんです。ヨーロッパでは家族が離れて暮らすことが多く、関係が薄れがちですし、出産でキャリアを諦める女性も多くいます。さらに最近は経済的な影響もあり、家族みんなで助け合って子育てをする場面が増えてきました。　デジタル化が進む世界で、自然や本、物語を楽しむ時間が減っている今だからこそ、家族のつながりが大切だと思うんです。おばあちゃん、お母さん、子どもという3世代の女性たちが、それぞれの意見を持ってオープンに関わり、情緒や文化を受け継いでいく。キャンペーンムービーではそんな温かく力強い家族のあり方を表現しました。⎯⎯ 第2弾コレクションの見どころは？　今回はレイヤリングをテーマにした提案を前面に出しています。私自身、移動や旅が多い生活を送っているのですが、コートもスカートもドレスも、手持ちの服をすべて自由に組み合わせて小さなバッグひとつで出かけられるようなワードローブを求めていました。今回のコレクションは大人服だけでなく子ども服も、すべてのアイテムが相互に重ね着できるよう計算して設計しています。落ち着いたベージュやブラウンといった秋冬らしいトーンを中心にまとめているので、どう組み合わせても自然とスタイリングが決まるんです。「Less is more（少ないほど豊か）」という言葉通り、キャラメルの服があれば、大きなスーツケースを持たずとも、旅先で自由自在にスタイリングを楽しんでいただけます。子ども服に過剰なデザインはいらない⎯⎯ キャラメルを設立して以来、子ども服作りで決して妥協しなかった信条は？　私の信条は、自ら足を運んで探求し、完全に理解すること。つまり、お客さまに「最高のもの」を届けることです。25年前には世界最高峰のカシミヤを求めて内モンゴルまで足を運びました。日本でも染色職人のもとへ直接伺い、機械に頼らず職人さんが手染めや天日干しで仕上げる素晴らしい手仕事をこの目で確かめてきました。素材や時代が変わっても、自分が心から納得し、責任を持てる本物しか提供しない。その誠実さと透明性だけは、25年間一度も妥協したことがありません。⎯⎯ 子ども服の市場は息の長いブランドが少ないように感じます。その中で、時代を超えて選ばれ続けるために意識していることはありますか。　子どもの体はとても小さいですよね。そこに過剰なデザインを施してしまうのが、服作りにおいて一番良くないことだと思っています。大人の都合やエゴで足し算をしすぎて、子どもを“何かのキャラクター”に変身させるような服にはしたくないんです。大事なのは見た目以上に、着ている本人がどう感じるか。着ている感覚すらないほど心地よく、その子自身が自然体でいられること。それこそが、時代を超えて長く愛されるブランドであり続ける秘訣だと思っています。⎯⎯ キャラメルにとって日本市場の位置付けは？　私にとって日本は、この20年ほど深く関わってきた“第二の故郷”のような場所なんです。初めて訪れたのは35年前、夫と一緒でした。旧オークラや素晴らしい旅館に泊まって、子宝祈願のためにだるまの目を塗ったことも大切な思い出です（笑）。日本人のスタイリングはすごくクリエイティブで革新的ですよね。当時、私の夫もよく「ヨウジヤマモト（Yohji Yamamoto）」のシャツを着ていましたが、「コム デ ギャルソン（COMME des GARÇONS）」や「イッセイ ミヤケ（ISSEY MIYAKE）」といった巨匠たちが創り上げた、本物でシックなファッション文化が今も息づいています。そうした革新的で常に進化し続ける日本のスタイルから、私はずっと大きな刺激を受け続けていますし、心から敬愛しているんです。

Caramel

ZARAも魅了　ロンドン発「キャラメル」創業者エヴァ・カラヤニスに聞く不変の美学

⎯⎯コジマさんたちは大学在学中にプロジェクトをスタートしています。卒業を待たずしてファッションブランドを立ち上げようと思った一番の原動力は何だったのでしょうか？　主な理由は、待ちきれなかったからです。クリスタと私はすでに一緒にものづくりをしていて、誰かの許可や仕事のオファーを待つつもりはありませんでした。私たちには、当時のファッション界には存在しない、ある女性像が明確に見えていて、その女性像を現実のものにする最も早い方法は、自分たちで服をつくることだった。今思えば、若くて世間知らずだったことも幸いでした（笑）。自分たちに出来ること、出来ないことをあまり深く考えていなかったので。⎯⎯ファッションの原点、最も影響を受けたデザイナーやブランドについて教えてください。　私たちはスイスで育ったので、ファッションとの出合いは少し間接的なものでした。雑誌や音楽、アートを通じてファッションのインスピレーションを得ていましたね。いわゆるデザイナーでは、マルタン・マルジェラ（Martin Margiela）やヘルムート・ラング（Helmut Lang）から大きな影響を受けました。イザ・ゲンツケン（Isa Genzken）やヴァネッサ・ビークロフト（Vanessa Beecroft）、コクトー・ツインズ（Cocteau Twins）、それからリチャード・カーン（Richard Kern）、コリアー・ショア（Collier Schorr）といった他ジャンルのアーティストの存在も大きい。そして何よりも重要だったのは、私たちの友人たちですね。⎯⎯デュオとして制作する面白さ、難しさはどこにありますか？　私たちは常に一緒にデザインをしていて、二人とも納得しない限り、作品が外に出ることはありません。一緒に仕事をする最大の魅力は、すべてを一人で背負わなくてよいことですが、一方で難しいのは、相手に対して自分を隠せないこと。もっとも、私たちは長い付き合いなので、お互いに遠慮して取り繕うような関係ではありませんが。⎯⎯オットリンガーのデザインでは、火で炙る、酸で侵食させるなど、「破壊を通じてしか生まれないエレガンス」が特徴です。「Destructive（破壊的）」「Experimental（実験的）」といったキーワードはどんな意味を持ちますか？　私たちにとって「破壊」は、素材の本質にたどり着くための方法。素材を燃やしたり、腐食させたりすることで、負荷がかかったときに素材がどのように変化するか。そこに興味があります。単に壊すこと自体が目的ではありません。　そして「実験的」であるということは、偶然を受け入れることでもあります。実際、私たちの優れた作品のいくつかは、失敗から生まれています。こうした手法を取りながら、エレガンスを宿すには、どこで手を止めるべきかを理解している必要があります。溶けたようなディテールやトロンプルイユ、マルチプリントなどがブランドを代表するデザイン⎯⎯かつてアンダーグラウンドで反体制的な要素だった「Reconstruction（再構築）」は、今やメインストリームのデザインコンセプトの一つで、オットリンガーを表現する言葉としても登場します。その中でオットリンガーの固有性はなんだと考えていますか？　今は「再構築」そのものが、“購入できるひとつのスタイル”になっていますよね。しかし、私たちにとって再構築は見た目ではなく制作手法です。私たちの作品は、実際にそうした工程を経て、しばしば手作業で仕上げています。　ブランドのコアな部分で言えば、女性像も重要です。彼女にはユーモアがあり、セクシーで、少し下品なところもある。そして、自分自身の身体に自然体でいられる女性です。この厳密さと型破りな精神の組み合わせとバランスが、他にないブランドとして立ち上がっているのだと思います。⎯⎯お二人のデザインからは「パンクで力強い歪み」を女性的な美しさに組み込もうとする姿勢を感じます。女性のデザイナーデュオとして、「男性目線での女性らしさ」からの意識的な逸脱を心がけていますか？それとも、もっと広い視点でジェンダーフルイドなスタイルを模索しようとしているのでしょうか。　その両方だと思います。でも、私たちは特定の思想や方針に従ってデザインしているわけではないのです。私たち自身の身体や、周囲にいる女性たちを起点にデザインすること自体が従来の視点を変えることにつながっています。私たちが表現したいのは、自分自身の価値観でセクシーさを楽しむ女性。時には不器用であってもよく、決して誰かに見られるためだけに存在しているのではない。服が、“着る人のジェンダー”を知る必要はないと思っています。⎯⎯コレクションではアーカイヴや古着をたびたび活用しています。ゼロから新しいものを作るより、過去の創造物に新たな価値を与える面白みはなんでしょうか。　世界にはすでに、あまりにも多くのものが存在しています。既存の服には、それぞれの歴史があり、誰かが過去に下した、デザイン上の決断が刻まれています。だからこそ、何もないところから新しいものを生み出すのではなく、その服と対話するように制作することができるのが面白い。ただ、これはノスタルジーなどではないんです。私たちは過去を保存しようとしているのではなく、むしろ過去に手を加え、かき乱そうとしていると言いますか。 ⎯⎯以前からデシグアルのアーカイヴを集め、アトリエで解体していたと聞いています。デシグアルのアーカイヴに特別に惹かれた理由は？　私たちは以前から、さまざまなところで見つけたヴィンテージアイテムを制作に取り入れてきましたが、デシグアルに興味を持ったのは、そのアーカイヴが一般的に「クール」とされるものではなかったからです。デシグアルの世界観は、華やかで装飾的で、そしてマキシマリスト的。オットリンガーとは大きく異なるからこそ、融合しがいがあるなと。私たちの視点で、もっとダークで奇妙な一面を引き出してみたいと思いました。⎯⎯今回のカプセルコレクションにあたり、デシグアルのアーカイヴ収蔵を実際に見て、デッドストックを自ら選んだとのことですが、特にインスピレーションとなったアイテムやスタイルはありましたか？　デシグアルの服は、プリントや構造が何層にも重なっているため、解体して再構築するのに理想的でした。店頭に並ぶことのなかったデッドストックもユニークなものが多く、私たちの興味を引きました。⎯⎯世界5着の希少なピースも制作しています。　そうした量販から離れたものに、本当の手仕事が存在しています。それぞれの作品は、特定のアーカイヴピースを使って制作された一点物であり、大量生産することはできません。幅広く展開するコレクションは、このアイデアをより多くの人に届けるためのもので、希少なピースは、そのコンセプトを極限まで追求したものとして、どちらも私たちにとって重要な表現でした。“5点だけ”制作したのは、私たちが納得のいくクオリティで作れる数だったからなんです。⎯⎯「プーマ」など大企業との協業も経験しています。自分たちのスタイルを保ちながらコラボするために、どんなプロセスを踏んでいますか？　私たちはまず、コラボレーションする相手が最も得意とすることから考え始めます。例えば、カンペールのクラフトマンシップ、プーマのスポーツにおける歴史、マムートであれば技術的な専門性などです。そのうえで、相手のブランドの言語と私たちの言語がぶつかり合う接点を探します。そして、最も重要なのは信頼関係です。どちらか一方だけでは生み出せなかったものが完成したなら、そのコラボレーションは成功したといえます。⎯⎯ブランドの拠点であるベルリンでは近年、ベルリンファッションウィークが少しずつ成長しています。ベルリンのファッションシーンの特徴を教えてください。　ベルリンは、物理的にも精神的にも、私たちに自由な空間を与えてくれました。クラブシーンやアートシーンは、私たちのクリエイションに大きな影響を与えていますしね。現在、私たちの生活拠点はベルリン、ミラノ、アテネに広がっていますが、スタジオのルーツは今もベルリンにあります。　ベルリンのファッションは、洗練された完成度よりもアティチュードを大切にしていると思います。DIY精神があり、音楽とも密接につながっている。ベルリンファッションウィークが成長しているのは、新しい世代が自分たちの手で独自の基盤を築いているからで、喜ばしいことですね。⎯⎯設立から10年以上が経った今、ブランドが最も力を入れている・投資している分野は何でしょうか。　クリエイティブ面では、リサーチへの投資を進めています。素材を研究し、自分たちのアーカイヴを見つめ直しているんです。並行して、オットリンガーの世界観を、イメージや映像、パフォーマンスへと拡張していきたいと考えています。　ビジネス面では、ブランドの核となるアイテムを強化し、マックスフィールド（Maxfield）などのリテールパートナーとの密接な関係を構築していきます。　また、ブランドの本質を薄めることなく、新しいオーディエンスへと広げられるコラボレーションにも取り組んでいきたいですね。⎯⎯設立当初と比較してファッション業界の変化をどのように感じていますか？　今はあらゆることのスピードが速くなり、情報量も増え、コンテンツを生み出し続けるプレッシャーが非常に大きくなっています。大手ファッショングループの存在感はますます強くなり、私たちと同じ世代の多くのインディペンデントブランドは生き残ることができませんでした。　一方で、セカンドハンドの服や、多様な身体、さまざまなアイデンティティに対して、人々は以前よりもずっとオープンになっていると感じます。⎯⎯プレッシャーが大きい状況の中でも成長し、ブランドを継続するために必要なことは？　自分が何者なのかを理解し、その核となる部分については頑固であること。そして、それ以外のことには柔軟でいることです。本当の意味でのコミュニティを築き、忍耐強く取り組むこと。自分たちの誠実さを保てなくなるほど、急いで成長しようとしないことも大切ではないでしょうか。「イエス」と言うことと同じくらい、「ノー」と言うことも重要なのです。⎯⎯同世代のデザイナーがラグジュアリーブランドのディレクターとして活躍しています。もしオファーを受けたらどうしますか？　そうしたお話をいただく機会はありますし、私たちは常に興味を持っています。異なる規模で仕事をすることは、非常に刺激的な経験になり得るからです。ただし、それは私たちにとっても、オットリンガーにとっても、意味のあるものでなければなりません。⎯⎯ブランドもしくはファッションデザイナーとして、今後の目標や夢を聞かせてください。　オットリンガーとしては、ひとつの世界全体をつくり上げていきたいと考えています。オブジェクト、イメージ、空間など、表現の領域を広げながら、より大きなスケールでも自分たちの自由を守り続けたい。そして私たち自身としては、好奇心を失わず、お互いを驚かせ続け、これからも長く一緒にものづくりを続けていきたいと思っています。

OTTOLINGER

火で炙り、酸で侵食させる⎯⎯オットリンガーの“破壊”が生むエレガンスを支えるもの

Tシャツからぬいぐるみまで、思いが詰まった“文字モノ”ヴィンテージ──「ようこそ古着沼へ」シーズン1のゲストは、古着屋「デザートスノー（DESERT SNOW）」の鈴木道雄 社長。前回は、アクタガワさんが今ハマっている1940〜50年代のシャツを紹介していただきました。今回は植木さんに、今ハマっている古着を紹介していただきます。植木勝也（以下、植木）：以前ステンシルが入ったUS NAVY（アメリカ海軍）のデッキクルージャージーを紹介しましたが、今回も“文字モノ”です。僕は、文字が書いてある服が大好きなんですよ（笑）。──卒業アルバムのように、学生が高校や大学を卒業するときに寄せ書きをした服はメモリアルジャケットやメモリアルパンツと呼ばれ、オンリーワンのアイテムとしてヴィンテージ市場で高い評価を得ていますが、こんなにバリエーションがあるんですね。植木：年代やアイテムを問わず、たくさん集めています。寄せ書きのシチュエーションは学校の卒業時だけではなく、引っ越しや誕生パーティーなど様々です。今回持ってきたなかでは、この「アロー（ARROW）」*のシャツが特に気に入っています。*1851年にアメリカ・ニューヨークで創業したシャツメーカーアクタガワタカトシ（以下、アクタガワ）：後で皆で書き足してみようか（笑）。植木：それも面白いと思います（笑）。このTシャツは、1985年にメキシコで地震が起きた際に開催された、チャリティーダンスイベントの参加者による寄せ書きだと思われます。──メモリアルアイテムはアウターやパンツのイメージが強かったですが、Tシャツもあるんですね。植木：アイテムは色々ありますね。このTシャツは1970年代のものですが、寄せ書きというよりも落書きと表現した方が正しいかもしれません。とにかく、こういった雰囲気が好きなんです。──それぞれのアイテムに書かれている文言は全部解読されているんですか？植木：買うときにだいたいチェックするんですが、8割方は名前ですね。そのときに集まった人たちが、自分の名前を書いているんだと思います。服だけではなく、バッグや帽子もあります。これ、面白くないですか？　ぬいぐるみに寄せ書きしているんですよ。鈴木道雄（以下、鈴木）：これは凄い！可愛いですね。未来のヴィンテージ？フラミンゴスタッフによるメモリアルカバーオールアクタガワ：このカバーオールは？植木：これは他のアイテムとはちょっと趣旨が違うものなんです。カバーオール自体は1940年代のヴィンテージで、手に入れたのはコロナ禍が落ち着いた頃でした。そのとき、海外からのお客さまが増え始めていたので、「フラミンゴを外国人接客No.1の古着屋にしよう！」という社内目標を掲げたんです。目標のシンボルになるものが何か欲しいな、と考えて思いついたのがこの「メモリアルカバーオール」です。手に入れた時から背面に「52」という数字が入っていたのですが、当時の社員数が奇跡的にも52人だったんですよ。そこで「社員全員でこのジャケットに寄せ書きをして、日本一を目指そう！」と声をかけて作りました。鈴木：ポケットに描かれているイラスト、めっちゃ上手いですね。植木：これは僕の似顔絵です（笑）。絵が得意なスタッフが描いてくれたんですよ。植木：このカバーオールにはもうひとつ裏の目標があるんです。100年後、どこかで誰かがこのカバーオールを古着として手に入れたときに、当時のフラミンゴがどういう活動をしていたかを知ってもらえたら素敵だなぁって思っているんです。アクタガワ：まさに、メモリアルジャケット。日本語は書かれていないんだね。植木：そこはこだわっていますね。あと、ペンにもこだわっています。ヴィンテージのメモリアルアイテムって、細いペンで書かれたものが多いじゃないですか。──ペンもヴィンテージなんですか？植木：いえ、ペンは普通のですね（笑）。油性ペンだけでなく、雰囲気が良いのでボールペンも使っています。もちろんボールペンで書いた文字は洗えば落ちてしまいますが、洗うつもりはありませんし。このカバーオールはまだ着用しておらず、トルソーに着せて事務所に飾っています。──他の“文字モノ”は実際に着用されているんですか？植木：普通に着ていますね。先日、ベルベルジンの新店オープンのレセプションにも着て行きました。アクタガワ：知名度の高い希少なヴィンテージを手に入れて達成感を味わうのも古着の醍醐味と言えるでしょうけど、こういう一点ものを探すのも楽しいですよね。植木：連載タイトルの「古着沼」のごとく、こういう変わったヴィンテージ探しにずっと沼ってますね（笑）。

【ようこそ古着沼へ】服に刻まれた記憶を着る「文字モノ古着」の世界

ポーリーヌ デュジャンクール　PAULINE DUJANCOURT　パリ出身でロンドンを拠点とするポーリーヌ・デュジャンクール（Pauline Dujancourt）は、かぎ針編みや手編みを軸に、繊細でロマンティックな服作りを得意とするデザイナー。透け感のあるニットや、身体の曲線を引き立てる官能的なシルエットで、やわらかさと強さを併せ持つ女性像を描き出す。　デュジャンクールはパリのエコール・デュペレ（École Duperré）でファッションとテキスタイルを学んだ後、ロンドンに渡り、セントラル・セント・マーチンズ（Central Saint Martins）の修士課程を修了。「シモーン ロシャ（SIMONE ROCHA）」や「レジーナ ピョウ（REJINA PYO）」「アレキサンダー ワン（ALEXANDER WANG）」で経験を積み、2022年に自身のブランドをスタート。英国ファッション協議会（BFC）の若手支援プログラム「NEWGEN」に参加し、ポール・スミス財団のレジデントデザイナーとしてサポートを受ける。2024年度LVMHプライズではファイナリストに選ばれ、2026年にはANDAM特別賞を受賞した実力派だ。 　今季の大きな転機となったのが、ドーバー ストリート マーケット パリ（Dover Street Market Paris）のブランド育成プログラムへの加入だ。ドラマチックなショーピースだけでなくコマーシャルピースの生産も強化し、持ち前の繊細で詩的な表現を保ちながら、ものづくりの精度を一段と高めている。 　2027年春夏の「The Bitter Tears」は、デザイナー自身が数字や文字に色を感じる“共感覚”の能力から広がった。“涙”にまつわる絶望、悲嘆、恐れ、痛み、苦味、悲しみ、安堵という7つの感情を、それぞれ異なる色彩とテキスタイルで表現。ファスビンダーの戯曲「ペトラ・フォン・カントの苦い涙」にヒントを得て、女性の内面に潜む葛藤や、自立への思いを重ねた。手縫いやかぎ針編みで制作した無数の花が服を彩り、フィナーレでは、ペルーで編まれた700輪ものアルパカの花をオーガンザとチュールに重ねた、ボリューム感のあるドレスを披露した。 　すでにセリーヌ・ディオン（Celine Dion）やジェニファー・ローレンス（Jennifer Lawrence）、ジャパニーズ・ブレックファスト（Japanese Breakfast）のミシェル・ザウナー（Michelle Zauner）らセレブリティも着用。日本ではドーバー ストリート マーケット ギンザや伊勢丹新宿店、大阪のVISIT FORなどで取り扱われている。シモーン ロシャに代表される、ロンドンの大人ためのロマンチックなスタイルの系譜を受け継ぎながら、独自のクラフトで新たな表現を切り拓き、今後も飛躍が期待される。オスカー オウヤン　Oscar Ouyang　北京出身でロンドンを拠点とするオスカー・オウヤン（Oscar Ouyang）は、独創的なニットウエアとファンタジーを思わせる世界観で定評のある若手ブランド。これまでメンズを主軸としてきたが、今季はウィメンズウェアを披露し、新展開を見せた。 　オウヤンは16歳でロンドンに渡り、2023年にセントラル・セント・マーチンズの修士課程を修了。在学中にロイヤル・カレッジ・オブ・アート出身のイーボー・チェン（Yibo Chen）とともにブランドを立ち上げ、卒業後にすぐドーバー ストリート マーケット ロンドンでの取り扱いが開始した。2025年9月に「NEWGEN」の支援枠でショーデビューを果たした。　創作の核となるのは、素材そのものから作り上げるニットの技術。軍服や自然、ストリートカルチャー、幼い頃から親しんだスタジオジブリ作品などの日本のアニメや民話に影響を受け、ハイファッションにファンタジーの自由な発想を持ち込む。 　2027年春夏は、思春期から大人へと移り変わる時期に着目。母親のイヤリングや父親のディナージャケットを借り、自分らしい装いを模索する若者の姿を思い描いた。大きく開いたポロシャツや背中を露出したテーラードジャケット、丸みを帯びたランニングショーツなど、クラシックな男性服のバランスをさりげなく崩し、遊び心のあるスタイルに仕上げている。 　今季は強みのニットだけでなく、布帛のテーラリングや艶やかなデュセスサテン、バッグなどにも表現を拡張。繊細なクロシェや白鳥を編み込んだショーツ、淡いピンクやブルーの色彩が、ノスタルジックでロマンティックな雰囲気を漂わせた。得意のニットを軸にアイテムの幅を広げ、ブランドの新たな可能性を感じさせた。　トロイ・シヴァン（Troye Sivan）やキャロライン・ポラチェク（Caroline Polachek）ら、現代のポップシーンを牽引するアーティストも着用。日本ではドーバー ストリート マーケット ギンザをはじめ、Garden Shibuya、PALETTE art aliveなど、取扱店を広げている。ノスタルジックな世界観を独自のセンスでモダンにアレンジし、ロンドンの若手シーンで勢いを増している。ライザ キーン　LIZA KEANE　今季、LFWの公式スケジュールで初のショーを披露したライザ・キーン（Liza Keane）は、ダークで退廃的な美学を持ち味とするデザイナー。2022年にセントラル・セント・マーチンズを卒業し、服作りを通して、人間の内面や複雑な感情を表現してきた。　得意とするのが、レザーを身体のラインに沿って立体的に加工した“鎧”のような服。哲学者ジョルジュ・バタイユや心理学者カール・ユングの思想に影響を受け、官能性や脆さ、強さが交錯する人間の身体表現を追求している。アップサイクル素材やデッドストックを活用するほか、新たに使用する生地には天然繊維を選ぶなど、サステナビリティにも配慮している。 　デビューコレクション「Rain On My Parade」では、災厄の後の荒廃した世界で生き延びようとする人々の姿を表現し、持ち前のダークな世界観を存分に描き出した。会場中央に設置されたのは、コンクリートブロックと金属パイプで組まれた巨大な構造物。全身を銀色に塗った6人のパフォーマーがそれを担ぎ上げると、頭上から激しい雨が降り注ぎ、モデルたちは泥水の中を歩いた。　ワックス加工を施したレザーや裾を引きずる黒いマント、引き裂かれたようなドレスなどが、終末的な世界観を表現。傷ついた天使の翼や弓矢を身につけたモデル、赤ん坊を抱くモデルも登場し、不穏な物語性を強調した。ドラマティックな演出で、強いインパクトを残した。 フランチェスカ レイク　FRANCESCA LAKE　今季のロンドン・ファッション・ウィークの初日に、鮮烈なデビューを飾ったフランチェスカ・レイク（Francesca Lake）。ジャマイカの首都キングストン出身で、ファッションに加え、陶芸や映像、文章など幅広い分野で活動するアーティスト兼デザイナーだ。 　レイクは西インド諸島大学で文化研究を学んだ後、ロンドンのセントラル・セント・マーチンズでファッションデザインの修士課程を修了。英国ファッション協議会（BFC）の奨学金やダフネ・ギネス奨学金、同校の学部長賞を受賞し、2026年にはNEWGENに選出された。 　2027年春夏は「Wake The Town」をテーマに、故郷ジャマイカの文化に根ざした、これまで語られることの少なかった物語に光を当てた。植民地時代の軍服を思わせるジャケットや、身体を包み込む彫刻的なテーラリング、レースやパールなどを用いた大胆な装飾が際立つドレスなどを披露。終盤には、モノトーンのドレスに、かつて英国の入植者が使用していたという日傘を合わせたルックが登場。日傘にはジャマイカの抵抗の象徴であるバナナがあしらわれ、植民地支配の歴史を問い直すメッセージが込められた。　これまでにリアーナ（Rihanna）やエリカ・バドゥ（Erykah Badu）らディーバが着用しているほか、ギリシャ版「ヴォーグ（VOGUE）」では、ナオミ・キャンベル（Naomi Campbell）がブランドのドレスをまとって表紙を飾った。ジャマイカにルーツを持つ気鋭の黒人女性デザイナーとして、力強い世界観と独自の美意識で、業界の視線が集まっている。2027年春夏ウィメンズコレクション・トレンド特集

ロンドンで存在感を放った若手4選──2027年春夏アップカミングブランド

STYLIST 01：イ・ヒョナ（Lee Hyunha）ソウルを拠点に活動するファッションスタイリスト、クリエイター。韓国のガールズグループ ILLITのスタイリングを手掛けている。Instagram：@lee.hyunha【SHOP】SHEEP　シープ（SHEEP）は、「多感で好奇心が強く、ちょっと意地悪でちょっと大人なあなた」をターゲットにした、日本と世界のエマージングデザイナー（新出現のクリエイター）の発掘と発信を目指すセレクトショップとして2021年にオープン。「ミキオサカベ（MIKIOSAKABE）」や「ジェニーファックス（Jenny Fax）」、「ユウショウコバヤシ（yushokobayashi）」、「キディル（KIDILL）」、「ピリングス（pillings）」、「コトハヨコザワ（kotohayokozawa）」をはじめとした東京のデザイナーズブランドに加え、海外の新鋭ブランドも取り扱っている。■SHEEP所在地：東京都渋谷区神宮前1-11-6 ラフォーレ原宿1階営業時間：11:00〜20:00電話番号：03-6434-0333定休日：なし公式サイトInstagram：@sheep_harajuku【BRAND】LII　「リー（LII）」は中国・重慶出身、ニューヨーク州立ファッション工科大学（FIT）を卒業したゼイン・リー（Zane Lii）が2023年に設立したブランド。1990年代のアメリカンスポーツウェアをベースに、大胆なフォルムと表情豊かな素材づかい、コントラストを効かせた色彩が特徴のクリエイションを手掛けている。2026年春夏シーズンから、ニューヨーク・ファッションウィークに参加しランウェイショー形式で発表。2026年のLVMHプライズではカール・ラガーフェルド賞を受賞するなど、注目を集めている。公式サイトInstagram：@l__i_iSTYLIST 02：小山田孝司1985年生まれ。ドレスメーカー学院 ファッションビジネス学科卒業。在学時よりファッションディレクター 山口壮大に師事。卒業後、後藤慶光と共に高円寺キタコレビル内に古着屋「はやとちり」をオープンする。2010年より、スタイリストとして活動。国内外のエディトリアル、広告、アーティストのスタイリングなどを手掛ける。2020年8月からLESEN inc.に所属。2023年、作品集「なにがみてるゆめ」を刊行。Instagram：@oyamadakoji【SHOP】DOMICILE TOKYO　ファッションや音楽、アートなどさまざまなカルチャーを多角的にフィーチャーし、最先端のアンダーグラウンドカルチャーを紹介するコンセプトショップ。国内外の新進気鋭ブランドのアイテムを展開しているほか、多様な分野で活躍するアップカミングなアーティストやクリエイターの展示も行っている。　アーティストのヨシロットン（YOSHIROTTEN）がデザインを手掛けた店舗は、原宿の古民家を改装。「近未来的な日本の民家」をコンセプトに、庭には伊豆諸島の神津島から取り寄せた石や鹿威し（ししおどし）が置かれているほか、庭と店内を赤一色の襖が隔て、店内にはネオンライトや宙に浮く盆栽、カラフルなアクリルの障子が設置されるなど、和と近未来的な要素を融合した空間が広がる。■DOMICILE TOKYO所在地：東京都渋谷区神宮前4-28-9営業時間：12:00〜20:00電話番号：03-6447-1068定休日：不定休公式サイトInstagram：@domicile.tokyo【BRAND】Penultimate　「ペナルティメイト（Penultimate）」は、中国・温州出身のデザイナー シャン・ガオ（Xiang Gao）が2018年にニューヨークで始動したブランド。ガオは、ニューヨークのパーソンズ美術大学で修士号を取得後、ラフ・シモンズ（Raf Simons）が率いる「カルバン クライン 205W39NYC（Calvin Klein 205W39NYC）」で2年間経験を積んだ経歴を持つ。デザイナー自身のルーツである中国とアメリカでの生活の双方から着想を得た、1970年代の「ウェアラブル・アート（着る芸術）」運動を彷彿とさせるコレクションを展開。多様な素材を組み合わせたアッサンブラージュ（寄せ集め）技法と、独創的な物語性のあるクリエイションが特徴だ。2025年には、LVMHプライズのセミファイナリストに選出された。Instagram：@_penultimate._STYLIST 03：コギソマナ「今日も明日も服が好き〜♡」をモットーにするスタイリスト。新進気鋭のブランドへの造詣も深く、自由でハッピーなミックススタイリングを得意とする。インスタグラムで発信する私服にもファン多数。Instagram：@kogisonofuku【SHOP】dim at noon　ディム アット ヌーン（dim at noon）は、オーナーの梅野久美子が2018年に東京・下北沢にオープンしたセレクトショップ。店内には、ソフィア・コッポラの映画「ヴァージン・スーサイズ」から着想を得た、4姉妹の部屋をイメージした空間が広がる。「スーザン ファン（SUSAN FANG）」や「ユハン ワン（yuhan wang）」、「フロレンティーナ ライトナー（Florentina Leitner）」、「カシア クチャラスカ（Kasia Kucharska）」、「クララ コレット ミラモン（clara colette miramon）」「ルー ドゥ ベトリー（Lou de Bètoly）」をはじめ、世界中から買い付けたガーリーでフェミニンなテイストの新進気鋭ブランドを揃えている。　現在実店舗の営業は休止中だが、11月20〜21日には東京・外苑前でポップアップの開催を予定している。■dim at noon現在は一時的に店舗営業を休止中。当面はオンラインストアのみ営業。公式サイトInstagram：@dimatnoon＜ポップアップストア「SECRET CLOSET」開催情報＞日時：2026年11月20日（金）13:00〜20:00、11月21日（土）11:00〜18:00会場：Studio CENN AOYAMA所在地：東京都渋谷区神宮前3-42-11 ローザビアンカ201【BRAND】Landmeé　「ランドミー（Landmeé）」は、クリエイティブディレクターのネットダオ・ヴァタナシマコン（Netdaw Vattanasimakon）が2002年に設立した、タイ・バンコク発のウィメンズウェアブランド。手作業による刺繍や高品質なレース、上質な素材にこだわったものづくりを行っている。ブランドのシグネチャーアイテムは「デニム」と「レース」。美術工芸に対する深い造詣と、音楽や自然、旅の経験から得たインスピレーションを独自のデザインへと昇華した、ロマンティックな女性らしさとモダンなエッジが融合したコレクションを手掛けている。公式サイトInstagram：@landmee_officialSTYLIST 04：Nao Koyabu15年間ロンドンでスタイリスト、コーディネーターとして活動後、2017年に東京にヴィンテージショップ「キュリオス（curios）」をオープン。現在雑誌、広告のほか、アーティストのスタイリングを手掛ける。Instagram：@nao_now【SHOP】SHEEP　イ・ヒョナさんに続き、Nao Koyabuさんもピックアップしたのは、ラフォーレ原宿1階に店を構える「シープ」。元アッシュ・ぺー・フランス バイヤー、元WALLディレクターの益子杏子がディレクター兼バイヤーを務めており、気鋭の東京ブランドや海外のエマージングブランドが揃う。定期的にポップアップやイベントを開催しており、フィーチャーするブランドによってショップの装いが様変わりするのも魅力の一つ。Koyabuさんが注目するブランド「フィービー ペンダーガスト（Phoebe Pendergast）」のアイテムも取り扱っている。■SHEEP所在地：東京都渋谷区神宮前1-11-6 ラフォーレ原宿1階営業時間：11:00〜20:00電話番号：03-6434-0333定休日：なし公式サイトInstagram：@sheep_harajuku【BRAND】Phoebe Pendergast　フィービー ペンダーガストは、セントラル・セント・マーチンズ卒、ロンドンを拠点に活動する同名デザイナーによるウィメンズウェアブランド。個人的な記憶や感情、ノスタルジーなどから着想を得た、ロマンティックなムードと立体的なシルエットにスポーツウェアの要素、遊び心のあるディテールを取り入れたコレクションを展開している。公式サイトInstagram：@phoebependergast【Special Pick】nu uniform　Nao Koyabuさん自身が手掛ける、「女の子というオーガニゼーションの為の新しい形の制服」をコンセプトにしたブランド「ニュー・ユニフォーム（nu uniform）」。ナイトドレスや大人サイズのベビーロンパースのセットアップをはじめ、フリルやレース、リボン、小花柄などガーリーでロマンティックなディテールをふんだんに取り入れたアイテムを提案している。公式サイトInstagram：@nu_uniform

私にとっての“かわいい”とは？　人気スタイリスト4人が通うショップ＆注目ブランド

「バレンシアガ」ピエールパオロ・ピッチョーリがクリエイティブディレクター退任「バレンシアガ（BALENCIAGA）」のクリエイティブディレクターを務めるピエールパオロ・ピッチョーリ（Pierpaolo Piccioli）が、同職を退任したことがパリ現地時間11月5日に発表された。就任からわずか1年あまりでブランドを離れることとなった。後任となる新たなクリエイティブ体制については、近日中に発表される見通しだ。 ピッチョーリによるバレンシアガはメゾンの原点回帰を図るクチュール路線が評価された一方、前体制下で売り上げをけん引していたストリート層の離脱やメンズウェア・シューズ部門の失速、親会社ケリングによる業績立て直しのプレッシャーといった課題が海外メディアで報じられていた。＞＞元記事を読む無印良品の不正アクセス、カード番号109万件も全桁閲覧された可能性　氏名や住所も対象「無印良品」を運営する良品計画が11月4日、公式アプリ「MUJI アプリ」における顧客情報流出の可能性について、追加の調査結果を発表した。 同社によると、MUJI アプリおよび無印良品ネットストアの利用者について、メールアドレス、生年月日、性別、会員IDの最大約2726万件が外部からアクセスされた可能性がある。このうち約52万件には氏名、住所、電話番号も含まれていた。対象には退会済みの会員も含まれる。 また、クレディセゾンが発行するクレジットカード「MUJI Card」の会員情報約109万件について、カード番号の全桁、MUJI Card ID、生年月日が外部からアクセスされた可能性があることも判明した。対象は2021年7月までに入会した会員で、約109万件のうち現在も有効なカードは約34万5000件。カード名義、有効期限、セキュリティコードは含まれていないという。＞＞元記事を読む仏「コペルニ」が事業終了を発表　ブランド存続に向けた交渉が決裂かフランス発のファッションブランド「コペルニ（Coperni）」が11月4日、事業を終了すると公式Instagramで発表した。 同ブランドは株主兼ディストリビューターである英国のファッション企業、トゥモローとの対立を明らかにした。過去数ヶ月にわたり、ブランドの存続に向けて解決策を模索してきたものの、双方の合意には至らず、ブランドを運営するCoperni SASの事業終了を決定したと説明。ブランド立ち上げからこれまでの8年間については「素晴らしい時間だった」と振り返り、ブランドを通じて数々のアイデアを実現できたことや、多くの人々との出会いに感謝を示した。＞＞元記事を読む2026年CFDA賞、ラルフ・ローレンとレイチェル・スコットが受賞アメリカファッションデザイナー協議会（CFDA）が主催する「CFDA ファッション アワード」の授賞式が、ニューヨークの自然史博物館で現地時間11月2日に開催された。会場ではマット・デイモン（Matt Damon）をはじめ、トレメイン・エモリー（Tremaine Emory）やフランシスコ・コスタ（Francisco Costa）らが各部門の受賞者を発表。 アメリカン・メンズウェア・デザイナー・オブ・ザ・イヤーには「ラルフ ローレン（Ralph Lauren）」のラルフ・ローレン（Ralph Lauren）が、アメリカン・ウィメンズウェア・デザイナー・オブ・ザ・イヤーには「ディオティマ（Diotima）」のレイチェル・スコット（Rachel Scott）が輝いた。 アメリカン・アクセサリー・デザイナー・オブ・ザ・イヤーは、ニューヨークを拠点とするアナ・クーリ（Ana Khouri）が初受賞。Google・アメリカン・エマージング・デザイナー・オブ・ザ・イヤー賞には、歴史から着想を得たデザインを手掛けるブルックリンを拠点とするコリーン・アレン（Colleen Allen）が選出された。＞＞元記事を読む神戸阪急がケイ・エスビルでの営業を2027年春終了へ　全体の営業面積の約15％阪急阪神百貨店が、神戸阪急の一部であるケイ・エスビルでの営業を2027年春に終了すると発表した。店舗機能を本館およびS・ヨシマツビルに集約し、再編する。具体的な営業終了日や、館内における店舗の移転・改装のスケジュールについては、決定次第ホームページなどで告知する。 神戸新聞によると、ケイ・エスビルは1974年に完成したビルで、当初は旧そごう神戸店の新館として開業。近年、大規模地震の頻発や南海トラフ地震、直下型地震の発生予測最新情報の更新など急速な震災リスクが高まっていることを踏まえ、来店者や従業員の安全・安心の確保を最優先とする予防的観点から、旧耐震基準であるケイ・エスビル区画における営業終了を決定したとしている。＞＞元記事を読むザ・ノース・フェイス、成長にブレーキ　ゴールドウインが27年3月期業績予想を引き下げゴールドウインが、2027年3月期の連結業績予想を下方修正した。売上高を従来予想の1454億円から1415億円（前期比2.9％増）に、営業利益を261億円から238億円（同8.0％減）に引き下げた。 4〜6月期の業績悪化を一時的なものと見込んでいたが、売上高の7割超を占める主力の「ザ・ノース・フェイス（THE NORTH FACE）」で、8月以降も天候不順やインバウンド需要の鈍化、秋物需要の立ち上がりの遅れなどが重なり、特に卸売りが苦戦。上半期（4〜9月期）の業績が当初計画を下回ったことを受けて修正した。＞＞元記事を読む「メゾン マルジェラ」恵比寿店20周年の全容が公開　過去と未来を“紡ぐ”インスタレーションも「メゾン マルジェラ（Maison Margiela）」が、リサーチ・ドキュメンテーションプロジェクト「MaisonMargiela/folders」の新章に関する全容を公開した。恵比寿の直営店「メゾン マルジェラ トウキョウ」では、同店の20周年を祝うインスタレーションを展示するとともに、限定ZINEを配布。多角的な企画で、メゾンの歴史、現在の創作活動、未来へのまなざしを紐解いていく。 今年4月にスタートしたMaisonMargiela/foldersとは、メゾンの根幹をなすハウスコードを紐解き、クリエイションのインスピレーションや背景を掘り下げることを目的としたプロジェクト。上海で披露した2026年秋冬コレクションのショーを皮切りに、メゾンのアイデンティティに焦点を当てた展示を中国各地で開催したほか、過去社内で共有された資料や、プロジェクトのプレスリリースといった、創造を支える多様な情報を含むDropboxフォルダを公開している。＞＞元記事を読むなぜ今「パンドラ」に行列ができるのか？　若者を魅了する"意味のあるジュエリー"の価値1982年創業のデンマーク発ジュエリーブランド「パンドラ（PANDORA）」が、日本の若い世代を中心に支持を広げている。日本上陸から15年。原宿や渋谷などの店舗では入店待ちの列ができ、かつてインバウンド客が中心だった顧客構成も、日本のローカル客が約8割を占めるまでに変化。 2026年上半期の売上げは、前年比でほぼ倍増しており、100億円規模を見込んでいる。チャームブレスレットの人気が再燃する中、ブランドはどのように日本の消費者との関係を築いてきたのか。パンドラ ジュエリー ジャパンの舘野洋介カントリーマネジャーに、急成長の背景と今後の戦略を聞いた。＞＞元記事を読む■最新コンテンツは以下のページからニュース　|　特集・連載　|　コレクション

ピッチョーリがバレンシアガ退任、無印良品が不正アクセスの調査結果を発表…【5分でわかる主要ニュース 11/1〜11/7】

祖母の風呂敷から始まった歩みと、国内回帰── まずは、ウメダニットの歴史について教えてください。　起源は戦後、僕の曾祖母が始めた商売です。布や編み地を鍋で煮出して色をつけ、風呂敷に包んで新潟から会津若松へ向かう路線沿いを行商していました。毎朝たくさんの商品とともに出て夕方には空にして帰ってくる姿を見て、祖父がビジネスとして立ち上げたと聞いています。設立当初は肌着に近いジャージなどを生産していましたが、1970年代から大手アパレルとの取引が始まったことをきっかけに、ニットを使った洋服の仕立てを学んだことをきっかけにメーカーへと変化していきました。── 一般的なニット工場とは異なり、早くから縫製ラインまで内製化していたそうですね。　通常のニット工場は編み機、洗い、リンキングが中心で、裁断や縫製は専門の縫製工場が担います。しかし、ウメダニットでは社内で洋服として完結できるよう、早い段階からパターン設計、裁断、縫製のラインを確保していました。1970年代後半から1980年代にかけては、布帛とのドッキングや複雑な仕立てにも対応できる「オールマイティな縫製工場」として拡大していきました。── 一時期は海外生産も行っていたそうですが、なぜ国内生産に絞ったのでしょうか？　バブル後の1990年代後半から縫製の仕事がアジアへ流れ、ウメダニットでも中国に直接管理する工場を構えました。自分たちで現地に赴き指示や検品を行っていましたが、工賃が上がる一方で品質は思うように上がらず、結局日本で手直しすることが増えてしまったんです。それなら社内と国内の協力工場だけで本当にいいものを作ろうと、2010年に海外生産をやめ、国内一貫体制へと舵を切りました。ものづくりの理念と4つの柱── 全社の理念として掲げる「工業の合理と工芸の執念」には、どのような想いが込められていますか？　工場の現場は日々の生産ノルマと戦っています。そこにミリ単位の細部を求めるのは、本来なら相反する要求です。ですが自社ブランドを手がける中で、そうした細かなこだわりがお客様に届き、喜ばれる場面を職人たち自身が目の当たりにしました。ニットは毎回コンディションが違い、色が変わるだけでも扱い方が変わるため、決まりきった正解はありません。だからこそ「できない」ではなく「こうしたらできる」と工夫する。ウメダニット全社として、その姿勢を大切にしていきたいという想いが込められています。──ものづくりの指針として、パターン・縫製・ニッティング・テキスタイルの4つの柱を掲げています。　「オールマイティな縫製工場」と認知されていた時期もありますが、「なんでもできる」ということは、平均点が落ちることに近いと思っていました。「ウメダニットの特徴は？」と聞かれて曖昧になっていた部分を突き詰めた結果、この4つに集約しています。──ニットにおけるパターンの必要性について、意外と考えたことなかったです。　自社内にパタンナーがいるというのは、かなりユニークなスタイルだと思います。ニットは平面的になりがちで、前身頃と後ろ身頃、左右の袖がほぼ同じというのが業界のスタンダードですが、本当にそれでいいのかと考えました。加えて、僕自身体が大きいということに対してコンプレックスがあり、すっきり見せたいという思いが常にあったのも、パターンに注目するようになったきっかけです。──続いて、縫製はニットにおいてどう関わってくるのでしょうか。　美しい縫製は、パターンがあってこそ成り立つものです。緻密に設計されたパターンを基にしているからこそ、リンキングに近い、細い縫い代でいかに美しく縫い上げるかを追求することができており、その点で高い評価いただいています。時間がかかっても美しい始末を追求できる技術があることは、オールマイティな縫製工場としての歴史があるからこその完成度であり、大きな武器です。──ニッティングでは、どんな点が特徴でしょうか。　ウメダニットでは、ハイゲージで目が詰まった重厚なニットを強みにしています。目が詰まっている方が毛玉になりにくく、型崩れもしにくい。近年は軽さやコストを重視して甘く編み、ワンシーズンで終わってしまう服も増えましたが、ハイゲージに誇りを持って生産しています。──ローゲージが主流とされている近年の潮流とは真逆ですね。　ハイゲージのニットは、ある程度洋服に対する知識がある人にしか響かない商材だと言われてきましたが、一方でイタリアをはじめとした海外ブランドのニットを買ってきた目の肥えた方は触っただけで良さを理解してくれますし、そうしたものに憧れる若者も増えてきている。ハイゲージのニットは目の詰め方、素材の番手、適度な肉感の「三位一体」が何より大事です。薄すぎて体に張り付くニットは体型を選びますが、ウメダニットが製造しているものは適度な弾力と厚みを持たせているので、体のラインを拾いにくい。自分自身が気持ちよく着られるものを作れたことも、大きな手応えになっています。五泉の強みと、産地が直面するリアルな課題── ニット産地として、五泉ならではの強みはどこにありますか？　カットソーなどに使われることが多い丸編みが中心の和歌山や、ローゲージが得意な山形に対し、五泉は「ハイゲージの緻密さ」と「高度な縫製力」が武器です。自然環境にも恵まれていて、阿賀野川と早出川の軟水を使うことで、仕上げの洗いの際に繊維がふっくらと仕上がります。雪国特有の湿度が静電気を抑え、繊細な糸を傷めずに編み立てられる点も地域ならではの特徴です。── 一方で、産地が抱えている課題は何でしょうか。　何よりも現場を動かし続ける「継続的な仕事」の不足です。世間では「国内生産比率は1％台だから希少価値がある」と言われますが、実際に現場を潤すほどの仕事量は入ってきていません。価格勝負では海外に敵いませんし、国産で作っても売れなければ仕事が途切れてしまうのが現実です。　加えて、作り手と発注側の両方で人材の課題があります。地方の工場では若い担い手が不足していますし、アパレル側も少人数化が進み、服の構造を理解したデザイナーが減っています。写真だけ送られてきて「仕様書もそちらで作ってください」という丸投げの案件も増えました。服に本気で向き合う人間が業界全体で減っていることには、強い危機感を抱いています。「ラッピンノット」から、「ウメダ」と「プラム」へ──産地が抱えている課題に反して、ウメダニットには服が好きな若い人材が集まっている印象です。　僕が入社した当時は、取引先も聞いたこともないようなブランドばかりで、この先何十年もこれが続くのは厳しいと感じていました。「自分たちが作った」と胸を張れるブランドがなければ、志のある若い人が入ってきても辞めてしまう。名前の通るセレクトショップと直で取引できるブランドを立ち上げれば、服が好きな人が集まるのではないかと考え、「ラッピンノット（WRAPINKNOT）」をスタートしました。 ──2012年というと、ファクトリーブランドという存在自体が世の中に浸透していなかったのでは？　そうですね。僕らがブランドを始めたときも、当時はまだ前例が少なかったこともあり、会長である父からは「他社や取引先から文句を言われないか」と心配されました。実際に風当たりを感じる場面もありましたが、自分たちの技術を世の中に直接届けるためには必要な一歩だったと今では思っています。その結果として、この10年で新潟出身の意欲的な作り手がうちを選んでくれるようになり、明確な手応えを感じています。──そこから2022年には「ウメダ（UMEDA）」、2025年には「プラム（PURLAM）」を立ち上げています。　「ラッピンノット」は「なんでもできるウメダニット」を武器にスタートしましたが、時代が進むにつれてシャツやパンツの専業ブランドが台頭し、器用さだけでは埋もれてしまう危機感がありました。そこで根本的な見直しを行い、ウールの吸放湿性や消臭性に再び着目し、上品なジャージ素材を使用する「ラッピンノットウールウェア（Wrapinknot wool wear）」へとリブランディングを行いました。そして2022年には定番を追求する「ウメダ」を立ち上げ、パターンとデザイン性を極限まで研ぎ澄ませた新たなブランドとして2025年に始動させたのが「プラム」になります。──まずは「ウメダ」のコンセプトを教えてください。　「ウメダ」は「10年着られるニット」をコンセプトに掲げています。10年は必ず着られるクオリティで作るので、愛着を持って着て続けてもらいたい。それはすなわちユーザーと作り手が共存していくブランドを目指しています。ターゲットは、20代から60代までの幅広い男女を想定しています。品と知性を兼ね備えた大人の方はもちろん、そうしたカルチャーに憧れる感度の高い若い層にも届けていきたいと考えています。──10年にした理由はありますか？　トレンチコートのような布帛と違い、ニットとしてのリアルな耐久年数を見据えているからです。ちょうど自分が40代になり、会社が60周年を迎えたタイミングで、まず地に足のついた10年を提示しようと決めました。──シグネチャーアイテムについて教えてください。　「10年着られる」というコンセプトを掲げているからこそ、ベーシックなアイテムを追求しています。ブランド立ち上げ当初はクルーネックとカーディガンの2型を展開し、のちハイネックも加わり、今では「ウメダ」の定番として定着しました。それぞれアイテムのデザイン自体は変えず、7、12、16というゲージ違いを揃えているのが特徴です。──ゲージで選ぶという感覚は新鮮ですね。素材はウールのみ？　そうですね。定番ラインは山形の佐藤繊維さんと作ったウール糸を使用しています。カラーはグレー、ネイビー、ブラック、モカの4色を展開。特にグレーは、誰もが持っているデニムやチノ、白シャツに馴染むよう、わずかに黄みがかったトップグレーに仕上げたこだわりの色です。──さりげないディテールが目を惹きます。　袖の線の本数はサイズ表記で、0本がXS、1本がS、2本がM、3本がL、4本がXLです。ニットでは珍しく右袖と左袖があるので、作る人も間違えず、店員さんもサイズがすぐ分かる。作る人と着る人の両方に向けた、ちょっとした遊び心です。ちなみにタグもニットで作っています。織りタグは角が肌に刺さることがあるので、同じ糸で本体を編み、そこに刺繍するのを思いつきました。 ── パッケージにもこだわっているのだとか。　“オールメイドイン新潟”にこだわり、着物のたとう紙のようなパッケージを県内の老舗製造元で作っていただきました。中にはブランドの歩みやケア方法、ゲージごとの編み地グラフィックを刷り込んだストーリーカードを同梱しています。単に服を売るだけでなく、手仕事の品格と工場の想いを届けるための仕掛けです。 ──続けて「プラム」はいかがでしょうか？　「ラッピンノット」を見直す中で、自分たちの最大の強みは「ニットなのにテーラードのようにパターンまでこだわること」だと再認識しました。ニットブランドが増えている今、パターンメイキングに特化して差別化を図ろうと、名前も新たにゼロからスタートしました。──「ウメダ」と比較するとファッション性を感じさせます。　「ウメダ」が普遍的なプロダクトだとすれば、「プラム」はよりモードでデザインコンシャスです。トゥーマッチな要素を削ぎ落としながら、着用者を美しく見せるシルエットを追求。品のよさや、やりすぎないエレガンスを軸に、大人の色気が漂うようなアイテムを打ち出しています。──テーラリングに精通したパタンナーが関わっているそうですね。　社内のメンズパタンナーを中心に、テーラードジャケットやドレスシャツの構造をニットに落とし込んでいます。外部のPRにも入ってもらい、共に作っているということも完成度を高めていくための重要な要素。社内だけだと「このくらいでいいか」と甘えが出がちですが、外部の厳しい視点が入ることで良い緊張感が生まれ、ブランド全体として統一された世界観を打ち出せていると思っています。──鮮やかなカラーリングも特徴です。　品のよさ、やりすぎないエレガントさがコンセプトにあります。若い人は何を着ても様になりますが、僕らより上の世代の大人でも素敵に見えるものを意識しているので、華やかに見えるようなカラーリングも採用しています。 ──「プラム」が掲げているシグネチャーは？　ウールとポリエステルを高密度に撚り合わせたオリジナル糸を使い、編み立てが非常に難しい両畦編みで仕立てた「FCRシリーズ」です。毛玉になりにくいので気負わずデイリーに着用でき、パターンを活かす立体的なボリューム感が特徴です。──同シリーズの中でも人気なアイテムを教えてください。　ボリュームのあるモードな佇まいのハイネックと、ニットなのにスラックスのようにきれいなシルエットを描くボトムスが人気です。ニットパンツは脇に縫い目がなく、履くと筒のようにストンと落ち、どこから見ても美しいシルエットで、特に男性から根強い支持を獲得しています。──自社でのリペア対応も行っているそうですね。　ニットのリペアは手間がかかるため、一般のお直し店では断られることも多いと聞きます。それなら作った自分たちが直そうとリペア対応をスタートしました。自社工場だからこそ、同じ糸や近い組織で直すことができる。窓口を明確にしてからご相談が非常に増えており、長く大切に着たいというお客様の想いを実感しています。──最後に、2つのブランド、そしてウメダニット全体の展望をお聞かせください。　「ウメダ」は、道具としての完成度をどこまで高められるか。飽きられない定番として磨き続け、パッケージを含めたこの世界観で海外にも挑戦したいです。一方「プラム」は、ニットとジャージの枠を超えた素材開発とパターンワークをさらに先鋭化させ、モードの領域で存在感を高めていきます。そして会社全体としては、OEMとブランドの売上の比率を半分まで持っていくことが目標です。自社ブランドでしっかり利益を生み出し、現場の職人たちの待遇向上や設備に還元する。そうして産地に誇りと好循環が生まれれば、次の世代を担う若い作り手が入ってきてくれます。五泉の技術を未来へ繋ぐため、これからも合理と執念を両立させたものづくりを続けていきたいです。「ウメダ」の商品一覧はこちらから「プラム」の商品一覧はこちらから

UMEDA

PURLAM

工業の合理性と工芸の執念の間で紡ぐニット、「ウメダニット」が手掛ける2つのブランド

CHISA×プラダ ＠ミラノ2027春夏　CHISAは、9月22日にミラノのプラダ財団Depositoで開催された「プラダ（PRADA）」2027年春夏ウィメンズコレクションのショーに出席。ブラックのシアートップスとツイードパンツに、メタリックなショルダーバッグを合わせました。COCONA×グッチ ＠ミラノ2027春夏　COCONAは、9月25日にミラノでブランドアンバサダーを務める「グッチ（GUCCI）」2027年春夏コレクションのショーに出席。象徴的なウェブ ストライプをあしらったセットアップを着用しました。JURIA×ディオール ＠パリ2027サマー　JURIAは、9月29日にパリのチュイルリー庭園で開催された「ディオール（Dior）」2027年サマー ウィメンズコレクションのショーに出席。フェザーパターンをあしらったコートドレスを身につけ、カラーレンズのアイウェアと「ディオール シガール」バッグがアクセントに。HARVEY×ミュウミュウ ＠パリ2027春夏　HARVEYは、10月4日にパリのイエナ宮で開催された「ミュウミュウ（MIU MIU）」2027年春夏コレクションのショーに出席。カーキのブルゾンとプリーツスカートのセットアップに、ビジューを施したブラを合わせ、「ランデヴー」バッグを身につけました。HINATA・MAYA×ルイ・ヴィトン ＠パリ2027春夏　HINATAとMAYAは、10月6日にパリのルーヴル美術館のクール・カレで開催された「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」2027年春夏コレクションのショーに出席。HINATAは近未来的なムードを醸し出すメタリックブルーのミニドレスを、MAYAはイエローのオーガンジーの装飾でスパイラルを描いたドレスを着用しました。

MIU MIU

DIOR

LOUIS VUITTON

XGがパリとミラノのコレクションに出席　それぞれのフロントロウスタイル

1位「チノ」のタートルネックニット　　1位にランクインしたのは、「チノ（CINOH）」の定番として根強い人気を集めるタートルネックニット。イタリアの老舗紡績メーカーによる15.5マイクロンのウール糸を使用し、梳毛特有の張り感を抑えたふっくらと柔らかな肌当たりを実現。スリットが入った首元や袖口のアクセントカラーなど、ミニマルな佇まいの中にエッジを加え、一枚で着るのはもちろんインナーとしても活躍します。2位「タナカ」のワイドジーントラウザーズ　“トラウザーのように穿けるデニム”をコンセプトに掲げる「タナカ（TANAKA）」のシグネチャーパンツ。つまみあげたようなフロントタックとセンタープレス、表に縫い目を出さないルイス仕上げの裾など、スラックスの端正な仕立てを随所に凝縮。生地には日本製のプレミアムセルビッジデニムを用い、穿き込むほどに肌に馴染み、自分だけの経年変化を楽しめます。定番のブラック×ブラックに加え、深みのある表情が秋冬のワードローブにフィットするピンク×ブラックの2色展開。3位「アンセム エー」のブルゾン　ヴィンテージのワークジャケットをベースに、贅沢な素材使いでモダンに刷新した「アンセム エー（ANTHEM A）」のショートブルゾン。フロントに配された大胆なダブルポケットや背面のアクションプリーツなど無骨な機能美を踏襲しつつ、生地には超高密度に織りあげた生地には超高密度に織りあげたウールカシミヤのフランネル調ポプリンメルトンを採用し、メルトンとは思えない軽快さと上品なハリ感を両立しています。今季のトレンドであるAラインの着こなしを簡単に叶えてくれる、ゆとりのある身幅に対してコンパクトな着丈に設計されたボックスシルエットも魅力的なポイント。4位「カナコ サカイ」のブルゾン　4位にランクインしたのは、フェミニンとマスキュリンが調和する「カナコ サカイ（KANAKO SAKAI）」のクロップドブルゾン。身頃の生地を折りたたむことで立体的に仕立てられたパワーショルダーが力強い輪郭を描きつつ、たわみを持たせた袖や連なるカフスボタンがクラシカルな気品を漂わせます。ボリューム感のある上半身に対して裾を絞ることで、メリハリのある美しいシルエットを形成。生地にはストレッチウールを使用しており、上品な佇まいでありながら日常に寄り添う一着です。5位「オン」のクラウドモンスター 1 　スイス発のブランド「オン（On）」からは、26AWの新作として登場した「クラウドモンスター 1 ウォータープルーフ」がランクイン。ブランドのシグネチャーであるクラウドモンスターをモチーフにした一足は、快適な履き心地を叶えてくれる独創的な形状のソールや、濡れた路面でも優れたグリップ力を発揮するアウトソールはそのままに、防水仕様へとアップデート。合わせるアイテムを選ばないミニマルなデザインも相まって、天候やシーン問わず足元を支えてくれる優れものです。6位「ウジョー」のカーディガン　印象派の絵画のように繊細に表現されたグラデーションのカラーリングが目を惹く「ウジョー（UJOH）」のクルーネックカーディガン。裾方向にかけてチャコールから柔らかなクリームイエローへと移り変わるさまを繊細な編み地で見事に表現した一着は、重たくなりがちな秋冬のスタイリングに彩りを添えてくれます。全体に丸みを持たせたシルエットながら、短めの着丈と計算されたパターンによってだらしなさを払拭し、羽織るだけでこなれた印象に。7位「アンスクリア」のハイブリッドデニムパンツ　7位にランクインしたのは、「アンスクリア（INSCRIRE）」の遊び心が光るハイブリッドボトムス。前面にはギャザーを寄せたリラクシーなスウェット、裏面には本格的なパッチやポケットを備えたデニムパンツをドッキングさせた大胆な切り替えデザインが特徴です。脚のラインを拾わないワイドなシルエットで、シンプルな装いに取り入れるだけでこなれた抜け感を演出してくれます。8位「オブジェクツ アイオー」のレザーバッグ　シーン問わず重宝する「オブジェクツ アイオー（objcts.io）」のホーボーバッグが8位にランクイン。上品なムードを醸すシンプルなデザインが特徴的なアイテムは、天候を気にせず使える防水レザーを採用し、荷物の重さを分散させてくれる弾力のあるスポンジを搭載したショルダーストラップを備えるなど、美しい見た目だけでなくアクティブな日々に寄り添う機能性も追求。日常使いに最適なミディアムと、荷物の多い日にも活躍するラージの2サイズ展開です。9位「オダカ」のシャツ　波打つ貝殻を模した首元のスカラップが、繊細なアクセントを加える「オダカ（ODAKHA）」のシャツ。ドレスシャツのパターンをベースにしながら、襟元にあしらわれたニットテープがブランドらしいフェミニンなテイストをプラス。ジャケットを羽織った際にも首元のディテールがさりげなく存在感を放ち、バックヨークから落ちるドロップショルダーとサイドタックが生み出す立体的なフォルムも魅力的なポイントです。10位「OUAT」のニットパーカ　フロントに並ぶ大きなメタリックのスナップボタンや、ボタンダウンをモチーフにした襟元など独創的なディテールが光る「OUAT」の新作ニット。メリノウールにアクリルを混紡した糸をローゲージで編み立てることで、ざっくりとした豊かなボリュームと軽やかな着心地を両立。フード部分にのみ異なるカラー糸を用いてさりげないグラデーションを表現し、スタイリングでも存在感を放つアイコニックなデザインが特徴です。

CINOH

INSCRIRE

TANAKA

UJOH

KANAKO SAKAI

ANTHEM A

ODAKHA

objcts.io

みんなのお気に入りを大公開、F/STOREユーザーが選んだ"欲しい"アイテムTOP10【2026年10月】

「売れなくてもいいから、職人の手仕事を活かしたい」L.L.リブランディングの背景　L.L.が誕生したのは1984年。「ポーター（PORTER）」に次ぐ吉田カバン第2のブランドとして、より高感度なユーザーを対象としたハイエンドなアイテムを提案し、1980年代後半に人気を集めた。しかし、1990年代以降、大量生産が可能なナイロン製品を中心としたポーターが脚光を浴び、主力ブランドとして成長。そこで、「他のアプローチがなければL.L.は生き残れない」と考えた松原が目指したのは、改めて吉田カバンが重視する「メイドインジャパン」の精神の根幹である手仕事を追求することだった。「売れなくてもいいから、何よりもまず、いま失われつつある日本の伝統技術や職人の手仕事を活かし、職人たちに還元する仕組みを作りたかった」と松原は語る。　リブランディングを経て新たに打ち出した「温故知新」というコンセプトは、「世の中に、“完全に新しい”ものはもうなく、これまでに見聞きしたさまざまなものから影響を受けて新しいものは生まれている」という考え方に基づく。過去に生まれた伝統的な技法や素材の魅力を現代的なアプローチでプロダクトに落とし込み、ポーターや「ピー・オー・ティー・アール（POTR）」といった同社のブランドが機能性を追求しているのに対して、L.L.では「その逆を行こうと考えた」という。L.L.のものづくりを象徴する3つのシリーズ 　リブランディングを経て、職人の手仕事を取り入れた3つのシリーズを発表した。 エリック・クラプトンも購入した「OLDNEW」 　第1弾として登場したOLDNEWは、日本に約1000年前から伝わる最古の天然染料のひとつである「柿渋」を見つめ直し、現代にその価値を改めて伝えるために開発した。成熟する前の青い柿を圧搾して発酵させた「柿渋」に含まれるタンニンは、繊維や木材などに防水・防腐の効果をもたらすことから、古来より染色や薬品、建材として利用されてきた。近年の研究では、抗ウイルス効果も報告されている。食用にならない渋柿を染料として活用した先人の知恵や、独特の深みのある色合い、太陽光の下で持ち歩くことで色褪せるのではなく次第に色が濃さを増していくという特徴など、その美しい色合いと経年変化に着目した。 　OLDNEWは、中綿の入った真っ白なナイロンバッグを、昔ながらの製法で染色職人がひとつひとつ柿渋につけ、天日干しする作業を繰り返すことで色を出している。一点ずつ色の出かたが異なり、使い込むことによって独自の風合いに“育てて”いくことができる。  　ニュースペーパーバッグ（通常サイズとLサイズの2型）、ショルダーバッグ、リュックサックの計4型を揃え、価格帯は7万1500〜9万9000円。物価の高騰に応じて3年前の初登場時よりも商品価格は1〜2万円程度引き上げたが、背景には「職人に適正価格を支払うことができなければ文化は守れない。職人がしっかり“儲かる”仕組みがなければ、技術は受け継がれない」という、作り手を守るための切実な思いがある。  　ニュースペーパーバッグとショルダーバッグは、無骨なロープのワンハンドルで肩にかけることができる。このロープハンドルは、出雲大社の大しめ縄から着想を得て、職人たちへのリスペクトが込められている。カラー展開は、柿渋染めを活かしたブラウン「KAKISHIBU」と、柿渋で下地染めしたバッグを鉄分を多く含む木酢液につけることで黒く反応させる「暮染め」を施した「KURE」の2色。KUREは、酢酸の独特な香りも特徴だ。「KAKISHIBU」のニュースペーパーバッグは、2025年4月に日本武道館でライブを行ったエリック・クラプトンが公演の合間に表参道店を訪れて購入したという逸話もある。 土に還る天然素材だけで作った「TRUE BLUE」 　「土に還る」というコンセプトで開発された「TRUE BLUE」は、人類最古の染料と呼ばれる藍で染めたバケットバッグやショルダーバッグなど6型をラインナップ。価格帯は6万2700〜10万1200円。通気性と吸水性に優れる麻糸、植物タンニンで鞣した牛革、ボタンには豊穣の象徴とされるエゾシカのツノを使用し、土に埋めると全てが自然に還る生分解性の天然素材だけで仕上げた。  身近で神秘的な竹を大胆に使用「FILAMENT」 　ハンドルに「竹」を使用したデザインのトートバッグなど3型を揃える「FILAMEN T」シリーズ。適度な硬さとしなやかさを備え、古くから日本のものづくりに欠かせない存在だった竹は、品種によっては1日に1m近く成長するほどの生命力を誇り、竹取物語のモチーフとしても古くから親しまれ「宇宙から来た植物」とも呼ばれている。吉田カバンでは、竹のその神秘性と万能性に注目した。「FILAMENT」という名前は、エジソンが白熱電球のフィラメントに京都・石清水八幡宮の竹を使用したことで、1200時間の明かりを灯すことに成功したというエピソードに由来。世界的な技術の礎にもなった日本の素材と知恵へのリスペクトが表現されている。価格帯は10万100〜10万4500円。偶然こそ運命？　「旅先」という販売チャネルの可能性　イベントの会期は紅葉が深まり、宮島の観光客数が年間で一番多くなる時期。会場となったref. Miyajimaは、今年3月にオープンしたばかりのHOTEL FORK & KNIFE Miyajimaのロビーに出店するセレクトショップで、広島の工芸品を中心にファッションブランドのアイテムも取り扱っており、多様な日本のものづくりを宿泊客に紹介している。特にOLDNEWは、生産数の少なさから基本的には受注生産で1年以上入荷待ちをするファンもいるレアアイテムながら、表参道店での再販に先駆けて即売を行った。宮島という立地でのイベントを企画した背景には、物を運ぶ「バッグ」というプロダクトと「旅」との親和性があるという。　ラゲッジレーベルは昨年、静岡県の宿泊施設「沼津倶楽部」でも同様の企画展を行った。約110年の歴史を持つ有形文化財のレストランと、建築家の渡辺明が設計した全8室の邸宅のような宿泊施設が隣接しており、期間中に宿泊できる客数は限られたが、購入を目的に訪れたのではない宿泊客だからこそ、旅先での偶然の出合いに意味を見出し、プロダクトの背景にあるストーリーに積極的に耳を傾ける姿が見られたという。オンラインや都内の旗艦店とは異なる購入体験が好評だったことから、今年は広島県に舞台を移した。　松原は「リブランディングを実施したということも、またブランド名自体の認知度もポーターと比較するとまだ低い」とし、同時に「ただ売れれば良いと思っているわけではなく、まずは一歩ずつ、着実にお客様に届けていきたい。生産効率を考えずに、量産品ではできない手仕事の魅力を表現することをブランドの目的にしているからこそ、少しずつでも着実に、職人たちやその技術についても伝えていきたい。宿泊施設で提案する一番の価値は、商品を目的にした方ではないお客様に偶然出会えること」と語る。　国内有数の観光地である厳島神社がある広島県宮島だが、関西と九州の中間地点という立地から、旅の「通過点」になりやすくく宿泊需要は比較的少ない。そこで、HOTEL FORK & KNIFE Miyajimaでは、食や空間、アートを通して広島の文化を知ることができるコンテンツを充実させることで、宿泊そのものの体験価値向上に注力。現在の宿泊客は約6割が海外旅行者だという。　ロビーに併設したセレクトショップref. Miyajimaは、一般的な「ホテルのロビーのお土産屋」とは異なり、商品を熟知した店員による丁寧な接客を受けることができる。同店では、旅先という場所での“運命的”な出会いを機にブランドを知り、旅の思い出や記念として商品を購入していく旅行者が多いという。ディレクターの中本は「ものが溢れる時代に、人が心から欲しいと思うのは“人の手によって作られた、ヴィンテージになり得るもの”だと考えている。L.L.のバッグは、ファブリック製品でありながら、長い時間を共に過ごす中で経年変化し“ヴィンテージ”になっていくアイテム。まさに、このホテルやref. Miyajimaのコンセプトともマッチしている」と太鼓判を押す。　生産数が限られるL.L.は、認知が広がったとしても、必ずしも求める人の手に届けることができない。だからこそ、接点を持つことができる客数は限定されたとしても、しっかりとプロダクトの持つストーリーに共感してくれる新たな客層との偶然の接点を得ることができる「旅館」という販売チャネルは、ブランドとの親和性が高い。「L.L.のバッグに使われている技術は、いつできなくなるかわからない。日本文化の温もりや手仕事の魅力をゆっくりと手にとって感じてほしい」と松原。筆者も実際に店頭で接客を受けたが、旅先という非日常空間で静かにゆっくりと商品と向き合うことができる時間を過ごせたことは、都会の喧騒や忙しない消費活動を忘れさせてくれる、東京では得難い豊かな経験だった。◾️HOTEL FORK & KNIFE Miyajimaとは？ 　2026年3月28日に広島県廿日市市宮島口に開業。「Culture Retreat」をコンセプトに掲げ、土地の文化や食を静かに深く体感できる新しい形の宿泊施設を目指す。建築や空間デザインは、建築家で美術家の佐野文彦が担当し、木や石などの自然素材を用いて和の美意識を現代的に昇華させている。ツイン、キング、テラス付き、バリアフリールーム、サウナや露天風呂を備えたプレミアムスイートなど、バリエーション豊富な全34室を用意。併設するレストランでは、薪火での調理などを用いて地元の旬の味を楽しめる「ローカルガストロノミー」を提供している。最上階には、宮浜温泉の天然温泉を使用した水着着用の男女混浴スタイルの内湯・露天風呂・サウナを備え、露天風呂からは宮島の大鳥居が見える。館内には囲炉裏を囲みながら広島の地酒を愉しめるサロンラウンジも。家具には広島の「マルニ木工」、アメニティは「uka」を採用。中本がディレクションしたギャラリースペースでは、1958年に日仏合作映画「ヒロシマ・モナムール」の撮影で来日したエマニュエル・リヴァが、映画撮影の合間にプライベートで撮影した1958年当時の広島を記録した写真集「HIROSHIMA 1958」の写真を常設展示している。「この写真集に初めて出会った時、そのデザインの素晴らしさに衝撃を受けた。広島市で平和記念資料館や原爆ドームを訪れてからやってくるであろう多くの観光客に、その先の希望にも触れてほしい」と中本。

LUGGAGE LABEL

吉田カバンはなぜ、1年以上入荷待ちの人気商品を広島・宮島で売るのか

Part1：＝LOVE 9周年コンサート衣装ができるまで　日々アイドルを応援しているファンでさえ、自分の推しが着ている衣装がどのように作られ、どんなこだわりや思いが詰まっているかは意外と知らないもの。そもそも、アイドル衣装の制作はどのようなプロセスで進んでいくのだろうか？ 　今回は、10月15日・16日にTOYOTA ARENA TOKYOで開催された＝LOVE 9周年コンサート「＝LOVE 9th ANNIVERSARY PREMIUM CONCERT」の衣装にフォーカス。3つ制作された新衣装のうち「チャイナモチーフ」の衣装を例に、その制作過程を茅野さんのコメントとともに紹介する。①オファー・コンセプト決定　新曲やミュージックビデオの場合は楽曲ありきのため、プロデューサーのイメージをもとにゼロからテーマを考案。一方、ライブ衣装の場合は「演出や意図、セットリスト」に合わせてコンセプトを決めていく。今回の9周年コンサートでは、本番の約1ヶ月前に開催されるセットリスト会議から参加し、指原莉乃プロデューサーと直接意見を交わしながら方向性を決定。「ファンに感謝を伝えたい」という思いを根底に、提示された予算と全体のバランスを考慮した上で、コンサートの構成に合わせて3つの新衣装を制作することになった。②デザイン画制作　コンセプトに基づいてデザイン画を作成。通常は10パターンほど全く違う方向性のデザインをプロデューサーに提案し、そこから選ばれたものをメンバーのキャラクターに合わせてバリエーション展開していく。今回は、セットリスト会議で事前に指原プロデューサーと「メンバーカラー」「花柄」「チャイナモチーフ」といった方向性をすり合わせていたため、3〜4パターンに絞って提案。デザイン画の段階でほぼ完成形と同じディテールまで詳細に描き込んでおり、縫製時には指示書の役割も果たす。これらを通常1〜2日という驚きのスピードで仕上げていく。③生地・装飾・仕様決め＆サンプル制作　デザイン画の制作と並行して、オリジナルの生地作りも進行。通常は生地のサンプルが刷り上がったタイミングで仮縫い*を1体分作り、実際の装飾を付けたり、全体のバランスを見ながらデザインや仕様の調整を行う。今回は、茅野さんが描いたデザイン画を元に社内の別のデザイナーがグラフィック化して生地データを作成し、メーカーにサンプル制作を依頼。微細な色の調整を経て、本番用のオリジナル生地が完成した。* 仮縫い：洋服を本縫いする前に、シルエットやサイズ、デザインを確認するためにしつけ糸などで仮に縫い合わせる工程のこと。④衣装本制作　仮縫いで全体の仕様が決まったら、いよいよ本制作へ。オサレカンパニーのアトリエ内にある多数のミシンが並ぶ作業場で、スタッフが縫製し形にしていく。5体以上など、数が多い場合は外部の協力工場にも依頼しつつ、細かな装飾などはすべて社内で制作・縫製している。⑤スタイリング・小物制作　衣装本体だけでなく、靴や靴下、アクセサリーといった小物も重要な要素のひとつ。これらはチーム内のスタイリスト業務を担当するスタッフが、茅野さんのデザインや方向性をもとに提案・制作・調達していく。今回は、衣装と同じ生地や装飾、タッセルを用いた髪飾りを全メンバー分制作した。⑥フィッティング　本番3〜5日前という直前のタイミングで、メンバーが実際に衣装を着用し最終調整を実施。サイズはもちろん、その衣装を着るときに一番可動域が広い振り付けをしてもらい、動きやすさも確認する。そのほか、装飾や小物など本人のテンションが上がるような調整を共に行っていく。⑦完成　ついに衣装が完成！動いたときにかわいく、後ろから見ても立体的で、装飾やパーツにもこだわり抜いた「360度どこから見てもかわいい」を体現した仕上がりに。⑧本番　本番当日は、リハーサルでアリーナやスタンドなどあらゆる客席からの衣装の見え方をチェック。舞台裏では、オサレカンパニーのスタッフが衣装を並べ、一人ひとりのメンバーに合わせた早着替えのセッティングやサポートを行う。⑨本番後　ライブやプロモーション期間が終わった衣装は特別なクリーニングを施し、温湿度管理が徹底された空間で、小物や付属品を含めて全てリスト化して大切に保管。綺麗な状態を保つことで、後々衣装展などを開催した際にも飾ることができる。Part2：完成した新衣装を大解剖　“かわいい”が宿る緻密な仕掛け　制作の裏側を知ったところで、続いては完成した9周年コンサート用衣装のディテールを徹底解剖。メンバーの個性を活かしたデザインの違いから、歌って踊るアイドル衣装ならではの特殊な仕様まで、至近距離から見えるこだわりの数々を紐解く。◆“ときめき”を宿す、妥協なきディテールへのこだわり　前パートで茅野さんが語った通り、ベースとなるのは昔のツアー衣装の花柄モチーフと、7thシングル「CAMEO」衣装のチャイナモチーフの融合。当時の衣装では全員同じカラーだったが、現在の10人だからこそ立てるステージを表現するため、メンバーカラーを基調としつつ、他のメンバーの色も織り交ぜた。　素材はプリント生地、オーガンジー、チュールなど4種類を使用。スカートの表面のプリント生地はプリーツ、その下に重ねたオーガンジーとチュールはギャザーフレアのデザインにすることで、“360度かわいい”を実現する立体感や重厚感を演出している。さらに、省略されがちなコードのエンドモチーフやチャイナボタン、生地のつなぎ目にあしらったピコレース、コードパイピングなど、10個以上の資材を用いて細部のディテールにも徹底的にこだわっている。◆各メンバーの骨格とチャームポイントを際立たせる、5型のデザイン　グループ全体としての統一感は保ちつつ、トップスはメンバーの骨格や個性に合わせて5つの型を用意。肩からデコルテのラインが美しい髙松瞳さんや野口衣織さんはアメリカンスリーブ、齋藤樹愛羅さんや瀧脇笙古さんは肩のラインが出ないパフスリーブに。大谷映美里さんや山本杏奈さんのような小柄で華奢なメンバーは、肩を見せて抜け感を作ることでキュートさを際立たせるなど、それぞれの骨格やチャームポイントを引き立てるデザインに仕上げている。◆2分半の早着替えを可能にする、アイドル衣装ならではの緻密な仕掛け　約2分半という超タイトな早着替えの時間に対応するため、ワンピースに見える上下セパレート仕様で制作。複数の生地が重なったスカートは、パニエまで全て一体化された「一度で着られる」構造を採用している。着脱しやすいよう、ファスナーは強度の強いオープンファスナー、スカートのウエストにはマジックテープを使用し、スカートは位置がずれないように内側からスナップボタンで固定。腕を動かしやすいように脇の下にはマチを入れるなど、普通の服にはない、歌って踊るアイドルの衣装ならではの仕様や工夫がいたるところに施されている。Part3：茅野しのぶに聞く、アイドル衣装デザイナーの仕事と哲学　最後に、茅野さんに「アイドル衣装デザイナー」の仕事とその哲学について尋ねた。20年以上にわたって日本の女性アイドルに深く寄り添い、衣装を通じて彼女たちの背中を押し続けてきた同氏だからこそ語ることができる、愛と熱量溢れる思いを一問一答形式でお届けする。── 茅野さんが定義する「かわいい」とその哲学を教えてください。　「ときめくもの」ですね。そして、ときめきは細部に宿ると思っているので、たとえ人数が多くても決して細かいところまで省略しない、丁寧なものづくりを心掛けています。そうすることで衣装自体に力が生まれ、それを着ることで彼女たちに自信がつき、その自信がオーラになる。衣装の力は間接的ではありますが、アイドルを輝かせる要因の一つになると思っています。── アイドルの衣装を手掛ける際に、マインドとして大切にしていることは何ですか？　特に女性アイドルに対しては、10代後半から20代後半という若くて一番いい時期を捧げてくれているので、その期間を「無駄な時間にしてほしくない」という思いがあります。たとえグループが売れなかったとしても、自分の魅力を知るきっかけになってほしいし、自分の良さを愛せる人間になってほしいし、せめて楽しい日々であってほしい。衣装を通じてその手助けができたらと常に考えています。　今のアイドルたちは、グループ内や業界はもちろん、SNSを通じて世界中に比べる対象がいる環境に身を置いているため、意外と自己肯定感が低い子も多いんです。だからこそ、衣装を着ているときは「自分は大切で特別な存在なんだ」と思ってほしい。たとえ予算が限られていても、決してそうは見えない工夫を心掛けています。　同じように、ファンの方たちにも「推していて楽しい」と思ってほしいんです。特にライブでは、もちろんアイドルたちの歌声やパフォーマンスに一番魅了されるのですが、そのときまとっている衣装も含めて「このグループ大好きだな」「このメンバーを推していて良かったな」「今日ここに来るために日々の生活を頑張ってきて良かったな」という気持ちになってもらいたい。それを視覚的に後押しするのが、私たちの衣装作りです。これは、アイドルの衣装を長年手掛けてきたからこそ、強く思うようになったことですね。── リアルクローズではなく、「衣装」をデザインし制作することの魅力ややりがいとは？　誰かの特別な思い出や瞬間に寄り添えることです。日常着がアパレルだとするなら、特別なのが衣装。長く愛されるのがアパレルの良い商品だとするなら、プロモーションという限られた期間の中で、いかに人の記憶に残り、琴線に触れるかというのが衣装の役割だと思っています。大変な面で言えば、スケジュールがすごくタイトなのでタフじゃないと続けられないし、判断力の速さが求められるところですね。── 「アイドル衣装デザイナー」の道を自ら切り拓いてきた茅野さんですが、始めた当初と現在ではどのような変化を感じていますか？　昔のアイドル衣装は「ペラペラだ」と言われることもあるくらい、予算の中でただできるものを作るだけという感じで、「戦略」の中に衣装が入っていないことが多かったんです。「アーティストにとって一番身近で重要なものなのに、なぜそこが最初に削られるんだろう」と、20代前半の頃の私はすごく疑問に思っていました。AKB48の衣装を担当するようになってから、秋元康さんに「おかしいと思います」と直談判したことがあるのですが、その時「しのぶの言うことは確かに正論だ。だけど、決定権のある立場にいる人には偉くなった理由がある。だからその考えを変えたいなら、自分が偉くなるしかない」と言われたんです。　その言葉を受けて、私は「衣装を戦略として考えてもらえるように、価値のある衣装作りをしていこう」と考えました。それが「360度どこから見てもかわいくて、立体的でときめきが宿るデザイン」という今の衣装作りにも繋がっています。「私たちの会社が入ることで企画も衣装もワンランク上になる」というサービスを提供し続けてきた結果、ありがたいことに、今では衣装業界を目指したいという学生さんもすごく増えました。かつては選択肢にすらなかった「アイドルの衣装デザイナー」が、目指すべき職業になれたことは本当に嬉しいです。 ── 衣装デザイナーには、どんな人が向いていると思いますか？　デザインのポイントをどこに見せたいか絞れる「切り取りがうまい人」でしょうか。学生はやりたいことをてんこ盛りにしてしまいがちですが、テーマを決めて足し算、引き算ができることが重要です。あとは探究心と好奇心、そして大前提として、真面目な人じゃないと続かないと思います。裏方として、輝く彼女たちのために真摯に衣装に向き合えること、そしてそれを続けられる実直さが必要です。■茅野しのぶ | Shinobu Kayano1982年生まれ、埼玉県出身。服飾専門学校で学び、在学中からスタイリストのアシスタントを経験。卒業後、「AKB48の1期生募集ポスター」を見て自ら運営に直談判し、グループ創設時から衣装担当に就任。現在はオサレカンパニーのクリエイティブディレクターを務める。メンバーの個性を引き出すデザインに定評があり、AKB48や＝LOVEといったアイドルをはじめ、これまでに手掛けた衣装は5万点以上。次世代の育成にも注力しており、2027年4月には代々木アニメーション学院とともに新学科「衣装デザイン科」を開講する。X：@shinobukayano

“360度かわいい”を大解剖　オサレカンパニー茅野しのぶに聞く、アイドル衣装ができるまで

「ようやくスタートラインに立った」　若手デザイナーの登竜門として知られる歴史ある賞の受賞について尋ねると、中島は「本当に率直に、うれしかったです」と語った。ブランドの立ち上げ以来、目の前のものづくりに向き合い続けてきただけに、自分たちの仕事を外から評価されたことは大きな励みになったという。　ただ、「ようやくスタートラインに立たせていただいた、という思いの方が強いんです」と受賞を到達点とは考えていない。「責任も意識しながら、使命を持ってものづくりをしていきたい」。喜び以上に、これからへの覚悟をにじませた。経営を託し、ものづくりに集中　現在は経営や資金繰りを任せられる体制となり、自身はクリエイティブに軸足を置く。「ものづくりに集中できる環境ができたのが大きな変化です。　同時に、「自分一人だけで作り続けると、ブランドを成長させられない」と強く意識するようになったという。生産や販売、PRなど、さまざまな立場の人々と感覚や価値観を共有しながら、ブランドを土台から強固にしていく。　もっとも、組織をやみくもに大きくする考えはない。「少数精鋭が一番いいと思っています」。かつて在籍した「ドリス ヴァン ノッテン（DRIES VAN NOTEN）」も小さなチームでコレクションを生み出していたという。アントワープとドリス、イッセイミヤケ　中島のものづくりの土台には、アントワープ王立芸術アカデミー、「ドリス ヴァン ノッテン」、「イッセイ ミヤケ（ISSEY MIYAKE）」での経験がある。　この取材の前日には、アントワープ出身の伝説的なデザイナー集団「アントワープ・シックス（Antwerp Six）」のドキュメンタリー映画「ザ・シックス（THE SIX）」の試写会があり、中島も出席していた。感想を尋ねると、留学時代の記憶がよみがえり、「もう一度、身が引き締まる感じがありました」と振り返った。　アントワープ王立芸術アカデミーは、中島にとって「自分を知るための場所」だった。メリル・ロッゲ（Meryll Rogge）が同級生で、上級生にはデムナ（Demna）やグレン・マーティンス（Glenn Martens）ら、現在第一線で活躍するデザイナーが同じ校舎で学んでいた時代。「いろんな国の、個性豊かな人たちがいる中で、『あなたにしかできないことって何なの？』と徹底的に突き詰められるんです」。ただ好きなものを作るだけでは十分ではない。自身の感覚を言語化し、それを論理的に突き詰める訓練を重ねた。　一方で、”洋服”を学んだのはドリス ヴァン ノッテンだったという。「どれだけクリエイションが素晴らしくても、売れない服はある。純度を上げすぎれば着られない服になるし、下げすぎれば選ばれない。そのバランスは、生涯追求していくことだと思います」。強いアイデアを、いかに人が着たいと思う服へ落とし込むのか。その難しさと面白さを、ドリスで学んだ。　そして帰国後、イッセイ ミヤケへ。そこで中島は、日本のものづくりと改めて向き合うことになる。「西洋で生まれ育った人が肌感覚で分かることを、頭で学びながらやっていては肩を並べられない」という実感が、日本独自の美意識や技術へと目を向けるきっかけになった。一枚の布から素材が最も美しく見える状態を探り、身体との関係から形を導き出す。そこで国内の産地へ足を運び、職人たちと出会った日々が、現在の中島の礎となっている。着想源はいつも日常から　創作の起点は、ごくありふれた日常にある。きれいな夕日、街を歩く人のスカートの揺れ方、床にくたっと置かれたジャケット、プリンの表面。そんな些細なものに潜む「言葉になっていない美しさ」に中島は惹かれる。「美しいものは、作るというより、周りから見つけるもの。日常にあるそれを、いかにすくい上げるか」。だからこそ、日々の風景を丁寧に見ることを大切にしているのだという。　その原点の一つに、学生時代に出合ったマルタン・マルジェラ（Martin Margiela）の作品がある。カビを培養し、時間とともに服を変化させていくインスタレーションを見た時のことを、「自分が持っていた美の基準が大きく揺らいだ事件だった」と振り返る。発想一つで、ものの見方も価値も変わる。デザインとは新しい形を作ることだけではなく、人の視点そのものを変えることでもある。その体験は、今もテルマのものづくりの根底に流れている。時間をかけることでしか、生まれないもの　テルマを語る上でもう一つ欠かせないのが、日本各地の産地や職人とのものづくりだ。中島が惹かれるのは、「時間をかけることでしか生まれないもの」だという。「手で作業すると、均一に仕上げようとしても、わずかな違いや揺らぎが残る。人の手が入ることで、最初に想定したものとは少し異なる表情が現れるんです。その予想しきれない部分に面白さを感じます」。　ただし、手仕事であれば無条件に価値があると考えているわけではない。「手間がかかっていても、服として魅力がなければ意味がない。大切なのは、その技術や工程からどんな新しい表現が立ち上がるかだと思っています」。　新体制によって得た時間と資金面での後ろ盾は、こうした素材開発にも生きている。難度の高い開発ほど試行錯誤に時間と費用を要するが、以前は踏み込めなかった領域にも腰を据えて向き合えるようになった。その一つが、約150年と技術を受け継いできた和装の伝統技術だ。深い敬意があるからこそ、中途半端な気持ちでは踏み込めないと感じていた場所でもある。　2027年春夏コレクションでは、足利銘仙のほぐし織に取り組んだ。織る前の糸に柄をつけることで、完成した生地に独特の揺らぎが生まれる技法だ。中島はその伝統的な表情を現代の服の中でどう更新できるのかを考えた。染め、色作り、製糸・紡績、紋紙作成、織り、仕上げ。一枚の生地が完成するまでに、何人もの職人の手を渡っていく。中島はその工程を「職人のリレー」と表現する。　「すでに評価されているものを、僕らがそのまま使わせていただくだけでは意味がありません」。いつも教えを受ける立場だからこそ、自分からも新しい刺激や発見を返せたと感じられることが何よりの喜びだという。「みんなで試織を囲んで、『ああでもない、こうでもない』と言いながら、でき上がった瞬間にみんなの目が変わって、笑顔になる。あの瞬間が本当にうれしい」。職人の技術や感覚と、自身のクリエイションが交わることで、双方にとって未知の表現が生まれる。国境を越えて”選ばれる服へ”　中島の目標はシンプルだ。「テルマの服を、ただ自然に選んでくれる人が増えてほしい」。目指すのは、国や文化を越えて、服そのものの魅力が伝わること。「背景を知らない海外の人が見ても、純粋に服として魅力を感じる。その上で、知ればさらに面白くなる。そういうブランドにしていきたいです」。技術や背景を説明して評価してもらうのではなく、まず服そのものに惹かれること。その上で、ものづくりの奥行きや思想が伝わっていくことが理想だという。　その根幹にあるのが「日常を華やかにする服」という考え方だ。ショーのラストを飾ったドレスでさえ、「本当は、もっと日常の中で着てほしい」と話す。「ドレスアップというより、カジュアルアップ。日中のパーティでも気負わず着られるような、そういう文化を作っていきたい」。　だからこそ、ブランドの成長を実感する瞬間も数字の中にはない。自分が想定していなかった人が服を手に取り、自分とは異なる理由で気に入ってくれたときだ。「自分が意識していなかった魅力を、着る人が見つけてくれることもある。自分の手を離れたところで服の可能性が広がっていく。それを感じられたら、ブランドが成長していると思います」。目指すのは"グローバルニッチ”　こうした美意識やものづくりを、これからどのように広げていくのか。中島の口から繰り返し出てきたのが、「グローバルニッチ」という言葉だった。目指すのは、規模を追うことではない。テルマならではの価値観やものづくりを深めながら、それに共鳴する人へ国境を越えて届けていくことだ。　「まだ気付かれていない価値や、言葉になっていない価値を見つけていくブランドでありたい」。まったく新しい形を作ることだけがデザインではない。「見慣れたものの視点を変えるとか、違うものを発見するとか。物の見方や価値観そのものを表現していくのが、自分の仕事だと思っています」。まいた種に、花を咲かせる　最後に、どんなデザイナーでありたいかを尋ねた。中島は、流行や時代の要求に応えるだけでなく、自分なりの美意識を大切にしたいと語る。「情報化で、いろんな価値基準がある時代。だからこそ、自分が何を美しいと感じるかを、しっかり持ち続けたい」。　一人体制では叶えられなかったアイデアや構想が、中島の中に溢れている。「種はたくさんあります。それを一つ一つ育てて、花を咲かしていくことに時間をかけていきたいです」。中島輝道
2010年、アントワープ王立芸術アカデミーを卒業。卒業コレクションが評価され、「Christine Mathys賞」と「Louis賞」を日本人として初めてダブル受賞。同年、ドリス ヴァン ノッテンに入社し、ウィメンズデザインに携わる。その後、日本のものづくりを学ぶため帰国。2014年にイッセイ ミヤケに入社し、「一枚の布」という概念を起点とした独自のシルエット表現や、国内産地との素材開発に取り組む。2022年、自身のブランド「TELMA」を発表

【インタビュー】テルマが見据える“グローバルニッチ”という道　「国境を越えて選ばれる服」へ

ロンドンガールは甘スカートに夢中　レースアップや立体的な装飾、鮮やかな刺繍など、アイキャッチなデザインのステートメントスカート。2027年春夏ランウェイのトレンドにも浮上した主役級スカートが、ロンドンの街を彩った。繊細なレースやフラワープリントから、スパンコールが輝くチェック柄、アーティスティックなグラフィックまで。ベージュやブラックなど、ベーシックカラーのアイテムを合わせてスカートの魅力を引き立てて。ロマンティックなスカートはスポーティにハズす　トラックジャケットやスポーティなトップスに、ガーリーなスカートを合わせた甘辛ミックススタイルがあふれた。ふんわりと広がるチュールや繊細なレースといった甘さたっぷりのスカートをスポーツアイテムでカジュアルダウン。相反するテイストを掛け合わせることで、遊び心とエッジの効いた着こなしに。チェックプリーツ × デニムでプレッピーを更新　英国らしいチェック柄のプリーツスカートは、パンツとのレイヤードが新鮮。ミニ丈のスカートにワイドデニムを合わせ、プレッピーなムードをストリート仕様にアップデート。ジャケットを合わせてクラシックにまとめたほか、異なるチェック柄トップスを重ねる上級者も。自由な感性を映し出すアクセサリーの新バランス　素材もデザインも異なるネックレスをたっぷり重ねるスタイルがロンドンのストリートで目を引いた。色や大きさが違うパールを何連にも重ねたり、華奢なチェーンにボリュームのあるモチーフを組み合わせたり。長さや質感の違いを生かしたレイヤードで、シンプルな装いに華やかなアクセントが加わる。とことん盛って、飾って、楽しんで　アクセサリーは控えめにまとめず、思う存分に盛るのが今の気分。大ぶりのリングや色とりどりのブレスレットを幾重にも重ねたり、胸元にブローチを散りばめたり。きゅっとまとめたヘアには、ビジューきらめくヘアアクセサリーをたっぷりと。チャームを飾ったバッグにはさらにスカーフを巻きつけるなど、アレンジも自由自在。素材やテイストの違いを気にせず、好きなものを組み合わせる大胆な小物使いがお手本。2027年春夏ウィメンズコレクション・トレンド特集

スカートを主役に、アクセは盛って　ストリートスナップに学ぶミックススタイル from ロンドン

1. 大ぶりのイヤリング　顔まわりを大胆に飾る、存在感のあるイヤリングが今季のランウェイを彩った。「クロエ（Chloé）」では花びらをモチーフにビーズをあしらったロングイヤリング、「ディオール（Dior）」ではウェアのディテールと呼応するように花びら状のパーツを幾重にも重ねたデザインが登場。いずれも片耳に長いイヤリングを配したアシンメトリーなスタイリングが印象的で、歩くたびに揺れる装飾が春夏の軽快さを演出した。「サンローラン（SAINT LAURENT）」は1980年代を彷彿とさせるゴールドのイヤリングで、グラマラスなムードを強調した。　彫刻的な造形から肩に届くほど長いデザインまで、ボリュームだけでなく左右のバランスや動きも今季のポイント。ミニマルな装いに大胆なアクセントを添え、顔まわりに視線を集めるスタイルが広がった。2. ベルトの存在感が拡大　ベルトはボトムスを留める実用性を兼ね備えつつ、今季はデザインや使い方が一段と大胆になり、装飾性の高さも印象深かった。「セリーヌ（CELINE）」は極太のレザーベルトに誇張されたメタルバックルを組み合わせ、ミニマルなドレスやテーラリングに力強いアクセントを加えた。「グッチ（GUCCI）」ではブランドを象徴するホースビットを用いた3連ベルトが登場。「フェラガモ（FERRAGAMO）」ではジャケットの裾とスカートの腰周りにベルトを配し、二重巻きのような見え方に。「アクネ ストゥディオズ（Acne Studios）」ではアンティークの額縁を思わせる大きなバックルが目を引いた。　太幅のデザインでウエストを強調する一方、複数のベルトを重ねたり、ウェアのデザインとして組み込むなど、使い方にも広がりが見られた。ウエストをマークする位置やベルトの重ね方によって、服のプロポーションや印象を変え、シルエットそのものを再構成する提案が目を引いた。3. 華やぎをプラスするブローチ＆コサージュ　立体的な花の造形がウェアのトレンドに浮上したのと連動して、クラシックな装飾品であるブローチやコサージュも存在感を増した。「シャネル（CHANEL）」では大きな花のコサージュがドレスやジャケットを彩り、「ラルフ ローレン（Ralph Lauren）」はニットやテーラリングに装飾的なブローチをプラス。　「ドリス ヴァン ノッテン（DRIES VAN NOTEN）」では、オーバーサイズのTシャツやスウェットに、ブローチを思わせる刺繍を施した。取り外して身につけるアクセサリーにとどまらず、ジュエリーのような装飾を衣服そのものに取り入れるなど、日常着を華やかに彩る提案が広がった。4. 巻く、結ぶ、まとう、スカーフの新しい使い方　首元を飾るだけでなく、トップスやベルトへと用途を広げたのがスカーフだ。「エルメス（HERMÈS）」ではメゾンを象徴するシルクスカーフにプリーツを施し、ストラップ付きのトップスへとアレンジ。「ラルフ ローレン」はプリントスカーフやフリンジ付きの布を腰に巻きつけ、ベルト代わりに用いることで、クラシックな装いにリラックスしたムードを加えた　一枚の布を結んだり、巻いたり、垂らしたり。決まった用途にとらわれず、手持ちのアイテムを自由に組み合わせるのもスカーフの楽しみ方。春夏シーズンらしい軽やかな素材感や色柄を楽しみながら、装いに個性を加えるアイテムとしてランウェイを彩った。5. 長く垂らす、重ねるネックレス　ネックレスは繊細な一本でまとめるよりも、長さや素材の異なるデザインを幾重にも重ね、胸元を華やかに彩る提案が目立った。「シャネル」ではパールなどを用いたロングネックレスの重ねづけが登場。「ディオール」でも華奢なチェーンや不揃いのパールを連ねたデザインが見られた。クラフト感のあるビーズから華やかなパールまで、首元を自由に彩るスタイルが充実した。2027年春夏ウィメンズコレクション・トレンド特集