インサイド

姿を変えていくショー会場　池を囲むようにプロムナードを設けた会場は、一見すると前回と同じ構成だ。しかし、骨組みとベンチはグリーンからホワイトへと塗り替えられ、池には蓮の花に代わってクスノキが枝を伸ばす。古びた椅子は、6月に開催したメンズコレクションのショーで使われたもの。過去の要素を受け継ぎながら姿を変えていく会場は、伝統を更新し続けるクチュールメゾンのあり方を映し出していた。衣服はどこまで軽くなれるのか？　今回ジョナサンが探求したのは、軽やかさだ。コレクションノートに「空気さえも素材のひとつに」とあるように、風をはらみ、重力を感じさせない衣服が軸となった。レースやシルクモスリン、オーガンザといったフルーのアトリエで用いられることの多い素材を、タイユールの技術で仕立てる。極薄のシャツやテーラードジャケット、スカートを重ねることで、透けるストライプやチェック、千鳥格子が交差し、奥行きのある表情を生み出した。　フォルムには、創設者ムッシュ ディオールのドレスを思わせる立体的なスカートのラインや、花弁のように広がるシルエットが息づく。先シーズンを印象づけたクロップド丈を引き継ぎつつ、サファリジャケットを「バー」スーツへと転換するなど、異なる要素を自在に掛け合わせた。自然界の非対称性　ムッシュが愛した花々は、コレクションを彩る重要なモチーフ。アーカイヴの「ジュノン」ドレスを思わせる、シルクジョーゼットの花弁をあしらったジャケットをはじめ、水彩画のようなスカートや、プリーツ加工の上からプリントを施したドレスが登場。スクエアトゥのパイピングサンダルには、花のフォトプリントを施した。　自然界の摂理に通じる非対称性も、コレクションを形づくる要素のひとつ。片耳だけに着けるカスケードイヤリングには、花弁のモチーフやビジューがあしらわれ、歩みに合わせて繊細に揺れた。メンズとウィメンズの呼応　5月にメゾン初の男女混合ランウェイを披露したクルーズコレクションに続き、今シーズンも性差にとらわれない表現が見られた。6月発表の2027年サマーメンズコレクションと呼応するショールカラーのジャケットや、1979年のオートクチュールから着想を得て、トロンプルイユ（だまし絵）のスカーフをビーズ刺繍で表現したブラウスなどが登場した。　メタリックカラーのパイソンレザーは、メンズと同様のパンツに加え、バッグやシューズなどのアクセサリーにも用いられた。ひとつの素材やモチーフを共有し展開することで、メンズとウィメンズの世界を結び、互いに響き合う表現へと広げている。クルミやスワンがバッグに　バッグは「ディオール ダブル」と「ディオール イニシャル」ホーボーの新作に加え、バイカーに着想を得たモデルも登場。メッシュバッグは、フリンジ付きのシルクスカーフや花弁モチーフのパーツでカスタマイズすることができる。　ショーの招待状としてゲストに贈られた中国の文玩核桃は、シルバー仕上げのミノディエールに姿を変えた。スワン型のミノディエールも、コレクションに遊び心を添えている。伝統をほどくそよ風　全65ルックのコレクションは、ラストルックでファーストルックのデザインへと回帰。始まりと終わりが呼応し、円環を描く構成となった。1947年の「ニュールック」に始まるメゾンの歴史を受け継ぎ、アーカイヴのコードを未来へとつないでいくという伝統を背負いながらも、その重みを感じさせない。そよ風が吹き抜けるような軽やかさが、ジョナサンの真骨頂を物語っている。

DIOR

Fashion

2027年サマー ウィメンズコレクション

空気のように軽やかな「ディオール」　自然の摂理と非対称の美

「グラマー」という感情の抽出
　今季のテーマに据えられたのは「グラマー（魅惑、華やかさ）」という概念。「ただ、そうありたいという理由だけで、美しく着飾ろうとする願望について」とクロスナーが語るように、それは特権階級の非日常ではなく、日常の中でふと華やぎを求める無邪気な感情への讃歌である。　ベルトでウエストをきつく締め上げる感覚や、赤いリップ、古い衣服に眩いブローチを添える瞬間の高揚感。ジュリアンはそうしたパーソナルな喜びを、撮影現場での1日を終え、現実の世界へと戻る女優の情景と重ね合わせた。　ホワイトキューブの会場に響き渡ったのは、多くの映画音楽を手掛けたイタリアの作曲家、ピエロ・ウミリアーニ（Piero Umiliani）による壮麗な音楽と、街の喧騒や行き交う人々の足音、車の走行音が入り混じるサウンドスケープ。スクリーン上の完璧な姿と、スクリーン外の現実の狭間を浮遊する女性像を通して、クロスナーは服そのものだけでなく着飾る歓びというエモーショナルな体験をデザインした。   映画ポスターを「ロックT」に変換する知性
　特定のアーカイヴピースを持たないからこそ、デザイナーは自由な発想をメゾンの文脈に落とし込むことができる。その最たる例が、今季の象徴である架空の映画ポスターのグラフィックだ。
一枚の図画に物語の最高潮が凝縮された映画ポスターを世界共通の言語として捉え、クロスナーは色鮮やかなテクニカラーのポスターを創作した。それをドレスやコートだけでなく、あえて「ヴィンテージのロックバンドTシャツ」のようなユースカルチャーの文脈で日常着のTシャツやポロシャツにプリントし、豪奢なアイテムと組み合わせた。　さらに、エアキャノンを駆使したスプレープリントもコレクションに瑞々しい活力を与えている。華美を象徴するフラミンゴ、宵の宴を暗示するマティーニグラス、星影、魅惑的なアイラインを施した目元の図案などが、衣服の表面に無邪気に散りばめられた。ブランドが持つ知的なエレガンスの中に、クロスナー自身の同時代的なストリートのエネルギーが溶け合っている。 余白を孕んだ「積み重ねる」スタイリング
　スタイリストのロビー・スペンサー（Robbie Spencer）が手掛けたスタイリングも、コレクションのテーマを巧みに補完している。透けるオーガンザなどの素材をレイヤードして意図的に輪郭をぼやけさせ、アニマルプリントを重ねたテーラードジャケットや、胸元を深く開けたVネックのニットが、寛ぎの中に官能を忍ばせる。　また、装いの完成を着る者の主体性へと委ねる心地よいルーズさも、今季を象徴する要素だ。袖を無造作に捲り上げ、コスチュームジュエリーを合わせるというより積み重ねるように幾重にも飾る手法。ウッドヒールの古典的なパンプスやブロックヒールのモカシンに並び、パイソン柄のヒールが鋭い美意識を突きつける。片手のみに嵌められたドライビンググローブや大ぶりのハンドバッグなど、ちぐはぐとも言える小物使いは、完璧なトータルコーディネートの押し付けではなく、着る人が自身のために役柄を作り上げる遊び心の余白として機能している。　明確な「型」を持たないからこそ、時代に合わせてあらゆる要素を咀嚼し、ドリス ヴァン ノッテンの服へと発展させることができる。ブランドの核は、物質的なアーカイヴの形ではなく、着飾る歓びという感情の動きにこそあるのだ。クロスナーが今季見せた着飾りすぎることの肯定と、未完成なリアリティの共存は、まさにその本質を捉えた証明と言える。着る者の感情に真っ直ぐに寄り添い、衣服を通してパーソナルな歓びを引き出すという彼の自由な思考は、ブランドの抽象性を広大なキャンバスに見立て、次なる黄金期へと確かな歩みを進めている。

DRIES VAN NOTEN

抽象性という最強の武器　「ドリス ヴァン ノッテン」が肯定する着飾る歓び

私小説から「集団の記憶」へ　マメ クロゴウチのクリエイションはこれまで、黒河内自身の私的な記憶や、日常の些細な機微を咀嚼して普遍性へと繋げるアプローチが真骨頂だった。しかし第2章の幕開けとなる2027年春夏コレクションにおいて、彼女の眼差しは自身の内面から、無数の他者が共有する集団の記憶、すなわち社会的な「客観」へと開かれた。　近代哲学の祖であるイマヌエル・カント（1724〜1804年）は「認識が対象に従うのではなく、対象が認識に従う」と説き、客観的だと信じている世界は、実は人間の主観的な認識の枠組みを通して構成されていると主張した。この哲学的命題は、今季のテーマである「制服」というコードの本質と重なる。制服は本来、没個性的で画一的な客観的ルールの象徴であるが、それを身にまとう者たちは、日々の着用という反復のなかで、プラスチックカラーを外したり、パンツをボンタンに変えたり、ウエストを折り曲げミニスカートのようにしたり、ソックスをルーズにしたりとその客観的な枠組みに自らの主観を介入させ、独自の着こなしを構築していくのである。　黒河内は制服を着るという行為に、日本の工芸世界に見られる「うつし（写し）」の精神を重ね合わせている。過去の型をなぞる反復行為の中で、担い手の身体性や感覚、時間の差異がわずかに滲み出る「うつし」の美学。それは、記号性を持つ客観的な型を繰り返すことで、逆説的に主観的な個性が創出されるプロセスに他ならない。製作にあたり、黒河内は森伸之の「東京女子高制服図鑑」や「制服図鑑通信」といった書籍を通じ、日本の制服の歴史を深くリサーチ。時代によって移り変わるパンツのシルエットや着続けることで柔らかさを持つようになる学ランの襟元など、ミクロな視点で採集された主観性が、今季の核となっている。「チェックへと移ろう」テキスタイル　ショーは、学校生活の1日の移ろいを追体験するかのような構成で展開された。音楽家の日野浩志郎が書き下ろしたオリジナル楽曲は、朝から夕方へと移ろう時間帯の中での、奔放さと緊迫感、学びと遊びという二つの相反する要素を、経糸と緯糸のように編み上げ、空間を支配していた。　ランウェイの序盤を飾ったのは、日本の学ランを再解釈したコートやジャケット。スタンドカラーはマメ クロゴウチ独特の”マメカーブ”で描かれ、学ランのプラスチックカラーではなく柔らかな素材をレイヤードすることで着やすさに配慮した。また、今季を象徴したのが、無地がチェックへと移ろい、ブレザーとスカートが溶け合いながら1着のドレスへと仕立てられたルックだ。プリントではなく、職人との綿密な連携により一つの織機で生み出したジャカード織りのテキスタイルで、この視覚的なグラデーションは、定められた制服をいかに着崩すかという、思春期特有の捉えどころのない揺らぎを表現している。学生たちの「小さな反抗」の記憶をモードへ　「制服そのものを再現するのではなく、そこから生まれた記憶の所作や着こなしを、どうブランドのスタイルに落とし込むか」。黒河内の言葉通り、ショーが進むにつれ、Ai Kamoshita（鴨下亜衣）によるスタイリングはより自由で遊び心溢れるものへと変化する。ハーフジップなどを駆使し、制服と運動服が混ざり合ったような部活前のレイヤードスタイルが登場。かつてのヤンキーカルチャーを彷彿とさせるボンタン風のボリュームパンツや、緩めたネクタイなど、誰かと同じ服を自分らしく着ようとした小さな反抗の記憶が、現代のワードローブとして描き出された。　制服特有のノスタルジーは、小物類においても発揮された。プレイフルなニュアンスを添える校章風のブローチやカラフルなハイソックス、さらに日本の老舗メーカーとの協業が今季の世界観をより強固なものにする。「ムーンスター（MOONSTAR）」とのコラボレーションでは、上履きを着想源としたブランド初のスニーカーを製作。久留米市で150年以上にわたり培われてきた確かな技術と、マメ クロゴウチらしい有機的なカーブが共存している。「ツチヤカバン（TSUCHIYA KABAN）」と2シーズン目となる取り組みでは、キャンバス素材のスクールバッグや、フラワーモチーフ付きのレザーバッグなどが披露された。客観のルールから主観を解き放つ、新たなスタイル　ショーの終盤、ルックは再び序盤の端正な出立ちへと回帰していく。ラストを飾ったのは、直営店でスタッフが着用している実際の制服を、今シーズンのテキスタイルとテクニックで仕立て直したルック。過去の記憶を辿る旅から、現在進行形でブランドを支える現代の制服へと繋ぐ、知的な帰結が見て取れる。　今回掲げた「制服」というテーマは、前述の通り、インスピレーション源を個人の私小説から社会的な客観へと大きく開いたように映る。しかし、彼女が真にスポットライトを当てたかったのは、没個性的なルールのなかで各々が独自に発揮していた主観性であった。これまで黒河内は、自身が日々経験してきたことを深く掘り下げ、日本の文化や職人によるクラフトマンシップをリンクさせることで、世界にも通用するオリジナリティを模索し続けてきた。客観的な枠組みをスタート地点に据えた今季も、結局のところ彼女が最も重きを置いているのは、それを着る人間の主観なのである。　第一ボタンまで留める端正な着こなしもあれば、ルーズに着崩すスタイルもある。画一的な制服というベースがあるからこそ、服を手にした顧客一人ひとりが独自の着こなしを構築できるその余白をデザインすることこそが、黒河内が今季辿り着いた「マメ クロゴウチが生み出したい新たなスタイル」なのだ。均一性のなかに生じる揺らぎを見つめた同コレクションは、第2章へと突入したブランドの現在地と、その先の未来を確かに提示していた。

Mame Kurogouchi

マメ クロゴウチは第2章へ、「制服」を通して見出すファッションスタイルとは

服と身体の間に生まれた風の通り道　トロッターにとって、ボッテガ・ヴェネタでの3回目のショー。ミラノで季節をひと巡り経験したことが、今季の出発点となった。冬の身体を守る装いから、春、そして夏へ。「包み込むことから、解き放つことへ」という変化が、服の重なりや素材の軽さに顕著に表れている。　幕開けには、白のシャツドレスにベージュのロングコートを重ねたルックが登場。首元からはマクラメのレースが覗く。黒のジャケットも、肩の輪郭とウエストのラインはありながら、柔らかく生地感たっぷりのパンツを合わせ、続く軽快なルックの方向性を決めた。　特に目を引くのは、身体にゆとりを持たせたテーラリングと、軽くしなやかなレザーだ。トレンチコートやレザーのアウターも身体を締めつけないシルエットで、素材の持つ硬質さではなく、布のような柔らかさを感じさせる。手をポケットに入れたモデルたちの姿も含めて、丁寧に作られた服を普段のまま着る感覚がある。身体を覆いながらも、風が通り抜けるように見えるシルエットが、今季の開放感を印象づける。花が開くように色が広がる　序盤の白、ベージュ、黒から、やがてピンクやイエロー、パープルの彩りが加わる。ピンクのトップスにはイエローのパンツ、パープルのジャケットには淡いピンクのパンツ。親しみのあるシャツやテーラリングを、色の組み合わせで軽快に見せた。　季節の移ろいは、服の表面にも表れている。花柄のセットアップでは、細い糸状のフリンジが長く垂れ、束になって丸みのあるスカートを形作り、歩くたび弾けるように表情を変える。イエローのシャツに合わせたスカートも、裾を内側へ巻き込むようなボリュームが特徴だ。装飾を加えるだけでなく、その動きや集まり方によって見え方や、シルエットまでも変化する。　花の表現にも立体感を加え、視覚的な奥行きを生み出した。細かな編みを複雑に縫い上げた薄手の白のニットドレスの胸元には赤い花が咲き、別の花に覆われたドレスでは、ラバー素材が一部混ざり、不規則な揺れをルックに与えた。レザーで作られたフラワーコサージュは、ブランドが得意とする素材で、植物の柔らかな質感を表現。花が開き、季節が移ろっていくイメージが、クラフトを通して表現されていく。「編む」を広げる、人間の手仕事　ブランドの中核にあるイントレチャートは、今季も重要な役割を担う。レザーの表面だけに収まらず、ラフィアやマクラメ、透かし編み、フリンジへと表現を広げ、隙間や毛羽立ち、不揃いな端にも手仕事の痕跡が残る。　白い編み地のトップスには、密度の異なる編み目が混在。レザーとラフィアを使ったバッグや帽子も、素材の質感を残した仕上がりが印象的だった。　コレクションノートでは、手仕事に宿る知性や感情に加え、作り手の所作が生む不完全さまで、目に見える形で残すと説明している。ここでの「不完全さ」は、技術の欠如や手間を省くことではなく、クラフトマンシップをもってこそ実現できる遊び心のある表現だ。空間にも残された、人の手の痕跡　ショー会場にも、同じ考え方が貫かれていた。客席に置かれたのは、アーティストのイリヤ・ゴールドマン・グービン（Illya Goldman Gubin）による「Karton Hocker」。自らの身体で抱え込み、押しつぶした段ボール箱を原型とし、樹脂でコーティングしたスツールだ（販売は現時点で未定）。組み合わされた箱のふたはイントレチャートを思わせ、表面のしわやへこみには、身体を使って形を変えた痕跡が残る。　招待状のポスターにも、グービンやブランドで働く人々が実際に手を加え、一枚ずつしわをつけた。会場では席にひとつずつ手作業で仕立てたレザーの花を配置。チューリップ、シャクヤク、ユリといった花々が、ショーに先立って季節の高揚感を伝えていた。 　ショー前にはフロリアン・ヘッカー（Florian Hecker）の音響作品が空間を満たし、本編にはマーク・レッキー（Mark Leckey）のサウンドトラックが添えられ、リズミカルな音楽は観客の身体を揺らした。異なる作家や表現を組み合わせることも、ボッテガ・ヴェネタにとっては「編む」という行為の延長にあるのだ。　服も空間も、緻密な仕事を幾重にも重ねながら、受け取る側には軽やかさを感じさせる。今季のボッテガ・ヴェネタは、重厚さに結びつきやすいレザーやクラフトの印象を、風を含む服へと変えた。素材を薄くし、編み目をほぐし、裾を遊ばせる。その工夫の積み重ねが、まとうことの喜びを感じさせ、外へ出かけたくなるワードローブを作っていた。

風を含む服、手仕事がほどく軽快な「ボッテガ・ヴェネタ」

紙飛行機に込められたメッセージ　招待状として届いたのは、透け感のある封筒に収められた水色の紙飛行機だ。マルニで回収した素材を用い、ローマ美術アカデミーで紙素材を研究する「Aula9」と協働して、3週間、100時間以上をかけて手作業でつくられたという。紙飛行機を選んだ理由は、その形が持つ矛盾にある。それは「ほとんど重さがないにもかかわらず、重力に打ち勝つための機械から形を得ている」ということ。もとは別の目的でつくられた素材を、新たな形にすることで、今季のキーワードである“変化”を体現した。　会場はブルーのライトに照らされ、デザインスタジオ「フォルマファンタズマ（Formafantasma）」とともに手掛けたウッドピースがランダムに配置された。技法そのものを装飾として見せる演出で、“つくること”と“新たに組み立てること”の楽しさを空間でも表現されていた。見せすぎないカットアウト　ロッゲがヒントを得たのは、マルニ2004年春夏のビキニトップや、建物を切断して内部を露出させた作品で知られるアーティスト、ゴードン・マッタ＝クラーク（Gordon Matta-Clark）、1960年代のアメリカで服と身体の関係を問い直したデザイナー、ルディ・ガーンライヒ（Rudi Gernreich）らの作品や思想。ファーストルックから続いたのは、胸元に円形のカットアウトを施したドレスのシリーズだ。手刺繍で縁取られた開口部から肌をのぞかせながらも、見せすぎない絶妙なバランスに仕上げた。 新しいレイヤードの提案　ランジェリーの要素も随所に見られる。ブラジャーの輪郭を服に組み込み、本来は内側にあるものをあえて表へと反転。ビスチェとスカートを重ねたように見えるルックは、実は1枚仕立てのドレスだ。 　こうしたフェイクレイヤードがある一方で、新たな重ね方も提案。ショーツの上に柔らかなコットンジョーゼットのパンツを重ねたスタイリングや、背中の開いたホルターネック風のベストをシャツに重ねたルックが、軽やかで新鮮な印象を残した。 紙のように軽い素材　春夏らしい“ライトネス”も今季のキーワードだ。リアルレザーを薄く加工した“ペーパーレザー”のジャケットは、驚きの軽やかさ。ブランドの原点のひとつであるファーには、食肉の副産物であるベビーゴートを用い、軽さとラグジュアリーな存在感を両立させた。昨シーズンから続くスキーウェア由来のスポーティな要素も、今季は軽やかな色柄のミックスでアップデートされている。 懐かしさをモダンにアレンジ　色は、創業者コンスエロ・カスティリオーニ（Consuelo Castiglioni）の時代を思わせるパープル、グリーン、ブラウン、グレーといったダークトーン。どこか懐かしさを帯びた色合いに、初期のマルニの記憶が重なる。本来は工業的な縫製であるトリプルステッチは、コントラストカラーで際立たせた。アーカイヴからヒントを得た巨大なスパンコールを用いたドレスのほか、ビジューをあしらったミニドレスにはあえてシワ加工を施し、華やかさにラフな表情を加えている。 遊び心あるアクセサリー　シューズは、シースルーのソックスを履いているように見えるブーツ、バイカラーのトングサンダルやラバーのようなカラフルなサンダルも目を引いた。 　エキゾチックレザーのような表情を持つ型押しバッグは、意外性のある色の組み合わせがポイント。アイコンバッグの「トランケット（Trunkette）」は、スエード素材のイーストウエスト型など、より軽やかなフォルムで登場。ラバーのような質感の丸いモチーフを連ねたジュエリーも、新鮮な表情へとアップデートされている。 定まり始めた“ロッゲのマルニ”　招待状の紙飛行機には、「過去の記録ではなく、未来へ向かって動き続ける素材」という言葉が記されていた。その言葉に重なるように、今季のコレクションでは、かつてのマルニを思わせる色や素材、ディテールが新たなかたちへと再構築された。実験的でありながら、そこにはポジティブなエネルギーと遊び心がある。2シーズン目にして、ロッゲが描く新しいマルニの方向性は、より説得力を増している。

MARNI

2シーズン目で鮮明になるメリル・ロッゲの「マルニ」　アーカイヴを開いて再構築

グッチという「場所」の原点　その答えの一つが、グッチを単なるブランドではなく、異なる人物や価値観が共存する「場所」として捉えることだ。着想の根底には、創業者グッチオ・グッチ（Guccio Gucci）が若き日に働いたロンドンのサヴォイ・ホテルがある。さまざまな階層や背景を持つ人々が行き交ったホテルのロビーになぞらえ、現代のグッチもまた、貴族的な世界（アリストクラシー）とポップカルチャー、格式と官能性、ヘリテージと大衆性が交わる空間として描いた。そこには、貴族からインフルエンサー、ラッパー、新興富裕層まで、異なる顧客像が内包される。　そして、さまざまな顧客が集い、ブランドの世界観を最も直接的に伝えられる場所として選ばれたのが「ブティック」だ。会場には、今後のショップコンセプトに先行した店舗空間が何部屋にも連なって出現。ラックや棚には商品が並び、実際の店舗スタッフも参加した。窓の外には街を行き交う人々や、日中から夕刻へと移ろう光、晴れ間や通り雨といった一日の風景が投影され、店舗の外側に広がる日常まで含めて再現。観客を新たなグッチの世界へ引き込む没入的な演出となった。多様な顧客像を映すワードローブ　コレクションでは、一つの明確な人物像に集約するのではなく、多様な「グッチ像」を連続して描写。古巣の「バレンシアガ（BALENCIAGA）」や、約1年前に発表したファーストコレクションでも用いた“キャラクター設定”で、「反逆的なアリストクラート」「スノッブ」「エキセントリック」といった人物像を浮かび上がらせた。　店舗の売り場を分けるように、序盤のメンズと後半のウィメンズによる2部構成で展開。クラシックなワードローブにスポーティな要素を重ねながら、今シーズンはメンズ、ウィメンズともにラグビーシャツがキーアイテムとして登場した。シャツと合わせたレイヤードスタイルのほか、ブレザーやパフ状に膨らんだボンバージャケットといったアウターと合わせたり、ウィメンズではタータンチェックのキルトスカート、大ぶりのホースビットやチェーンを重ねたスタイリングで、育ちの良さを思わせるプレッピーなコードにデムナらしい反抗的なムードを加えている。　そのほか、メンズではシワ加工が施されたシャツやデニムシャツ、ジップアップのスウェットやフーディなどのデイリーウェアが多く登場。ウィメンズでは、乗馬服に着想したブルジョワ的な装いに加え、パゴダショルダーを用いたシャープなテーラードなどを展開し、世代問わずさまざまな顧客像を描く。これまで以上に実際に人が着る姿を想像できる、リアルなワードローブの印象を強く残した。「売ること」もヴィジョンの一部　そして今回、無視できないのが明確な商業性だ。そもそもショーの舞台が「ブティック」であること自体、服を最終的に顧客へ届ける場所として認識させる試みでもあり、ダイレクトなメッセージでもある。日常のワードローブに取り入れやすいものから、ボリュームのあるアウターやイブニングドレスまで、異なる顧客のニーズに応える商品が一堂に並ぶ。ショーと店頭をほぼ地続きのものとして見せ、コレクション自体が売り場の延長のようにも映る。　現にウィメンズの冒頭にモデルが携えていたのは「オフィディア」や「GGマーモント」といった、いわゆる"コマーシャルライン"の定番バッグ。そのほか今シーズンは「ホースビット」の装飾が大小問わずコートやニット、ベルトなどにも多用され、グッチのコードをわかりやすい形で組み込んだ。　ただし、単に「売れるもの」を揃えただけではない。デムナは、洗練されたブルジョワの品格に、エキセントリックさや危うさ、官能性が加わったときにこそ、記憶に残るグッチが生まれてきたと捉えている。その考えを反映するように、マキシサイズのホースビットモチーフや、ホースビットの3連ベルトといった過剰なディテールやバランスの崩しが加えられ、ランジェリーにはボリュームのあるアウターを重ねるなど、デムナが解釈するグッチらしいアンバランスさを生み出した。　終盤には、身体のラインに沿う流麗なイブニングドレスが続き、グッチがトム・フォード期の1990年代に築いた官能的なグラマーにも回帰。フィナーレでは、片方の肩から流れるドレープをティアドロップ型のメタルウェイトの重さによって固定した「グラビティドレス」が登場した。重力そのものを構造に取り込むことで生まれるシルエットは、イタリアングラマーを象徴する一着となった。一つではない「グッチらしさ」　「The Store Show」に登場した人物像も、着る服も、決して一様ではない。ブルジョワも、プレッピーも、グラマーも、ストリートも、スタイルとして一つの店舗の中に並べられる。そして、実際に商品を選ぶ顧客がその中から自分のグッチを探し、見つけていく。デムナが言う「誰もが自分のなりたい自分になれる場所」というヴィジョンは、店舗という極めて商業的な場所を舞台にしたことで、より具体的な形となって提示された。　ここ数年、売上をめぐるさまざまな話題が取り沙汰されるなかで、その現実すらブランドのヴィジョンに取り込み、あえて「店」をショーの主役に据えたことは、どこかデムナらしいアイロニーを含んだアンサーとも受け取れる。グッチである以上、避けては通れない「売ること」という使命を正面から引き受けるという覚悟の表れでもあり、ひとつのステイトメントのようでもあった。就任から1年。デムナ自身の手で描くグッチが、本格的に始まった。

2027年春夏コレクション

グッチは誰のためにあるのか　デムナが描くグッチ像

セラピーのような再構築　「"完璧さ”というものは、脆いものです。それが永遠に続くことは、ほとんどありません。だからこそ、不完全さにはこれほどの魅力があり、人を惹きつけ、心を誘い、そして躍動感に満ちているのでしょう」とベロッティ。 　その言葉通り、今季はブランドへのリスペクトを土台にしながら、崩して再構築することに挑んでいる。ブランドに根付く「ユニフォーム」の厳格さの中に柔らかさや遊び心を差し込むことで、新しいジル サンダーの軽やかさが見えてきた。　「コレクションをつくることは、セラピーに通うようなものです。自分が何を残したいのかを理解するために、いったん物事を解体する。そして、もう一度それらを組み立て直すのです」。ひねりを効かせたテーラリング　テーラリングは、ミニマルな佇まいを保ちながらも、随所にひねりを効かせた。シルエットはコクーンのように丸みを帯び、もともと小ぶりな襟はさらにコンパクトに首元へと詰め、ボタンをあえて高い位置に2つ配したオーバーサイズのジャケットや、掛け違えたようにフロントが開いたジャケットなど、見慣れたテーラリング全体のバランスに変化を加えた。 　クラシカルなアーガイルニットもアレンジ。柄部分だけをモヘアに切り替え、生地が引き上げられたような独特の表情を生み出している。 シワとボリュームがもたらす軽やかさ　今季の代表的なディテールがシワ加工だ。キャミソールドレスにシースルー素材を波打つシワが出るように重ねて身体を覆うドレスや、トラウザーにプリーツのようなシワを施したピースなど、整ったものをあえて崩した。 
　ブランドの象徴的なアイテムであるシャツも、新たな展開に。抜き襟のオーバーサイズで、バックスタイルに余分な生地をデザインしているものなど、リラックスしたシルエットとなっている。理想化された日本の風景を崩す　ニュートラルカラーが続くショーの中盤、鮮やかな色柄が現れた。古い日本画に着想を得た風景で、ベロッティはこれを“理想化された平穏”の象徴として用いている。その風景をプリントしたスカートには、同じイメージを原色やドットで抽象化したニットトップスを合わせた。コレクションノートでは、こうして突然現れる鮮やかな色柄を、スマートフォンに届いた通知が思考の流れを遮る様子に例えている。「一見脈絡のないものに直面してこそ、自分が求めているものがより鮮明に見えてくるのです」とベロッティは語る。　身体を包み込むようなバルーンドレスは、圧倒的なボリュームと軽やかさを両立させた。ぬいぐるみのようなふわふわした風合いのニットドレスに肩パッドを入れるなど、新鮮な素材使いも見られた。 新顔のシューズとバッグ　足元は、ドレスにローファーやフラットシューズを合わせたこれまでから一転、パンプスが中心に。同系色のグレーのストッキングを合わせたヴィンテージ調のスタイルが目立った。　バッグの新作「フォロ（FORO）」は、裏地をめくって見せられるバイカラーのデザインが特徴的で、閉じればマチのあるトートとしても使用することができる。“不完全さ”が見直される時代　ジル サンダーらしいミニマルなシルエットや緻密な仕立てといった軸は保ちながらも、シワや歪みなど意外性を持ち込み、ベロッティらしい遊び心が感じられた。 　テクノロジーの進歩によって整った美しさがあふれる今、不完全さや人の手にしか生み出せない質感に、あらためて価値を見いだす声も高まっている。今季のジル サンダーは、常にデジタルを通してものを見る私たちに、リアルな質感の豊かさをあらためて気づかせるような問いかけにも感じられた。

JIL SANDER

「ジル サンダー」不完全のエレガンス　秩序を崩す挑戦

「見えない」ランウェイから始まった身体の問い　会場では、客席とランウェイの間は、反射するPU素材で隔てられ、1970年代の陽気なディスコミュージックとともにショーが始まった。モデルの姿はその表面越しにぼんやりと現れ、音響が反響すると素材そのものが振動。映し出された身体の輪郭はさらに歪み、通常なら一着一着を明瞭に見せるファッションショーで、キウリはあえて「見る」ことを難しくした。　着想源となったのは、イタリア人アーティストのルチアーノ・ファブロ（Luciano Fabro）による作品「Cubo di specchi（ミラーキューブ）」。鏡の中ではモデルだけではなく、自分自身や周囲の観客の姿までが幾重にも重なる。鏡は自分だけを確認するためのものではなく、他者との関係のなかで自らを認識するための装置へと置き換えられていた。　こうした「他者との関係」は、今季の出発点である身体の捉え方にも表れている。キウリが引用したのは、E.E.カミングス（E.E. Cummings）の「I like my body when it is with your body（あなたと一緒にいる時の、自分の身体が好き）」という一節。この言葉は招待状にも記され、キウリは現代の身体を、強さと脆さ、マスキュリンとフェミニンといった異なる要素を併せ持つものとして捉えた。ランジェリーは、誰のために見せるのか　そこから導かれたのが、ランジェリーだった。本来は服の内側に隠されるブラレットやショーツ、スリップが表へと現れ、レースや刺繍、シアーな素材が身体を覆いながら、その一部を露わにする。ドレッシングガウンも室内着という役割から離れ、街を歩く服へと姿を変えた。　ただし、ここでのランジェリーは肌を露出するためだけのものではない。あるルックではブラレットやショーツを大胆に見せ、別のルックではレースやファーの奥からわずかに覗かせる。肌を見せる部分と覆う部分を一つのルックの中に共存させ、単なる露出とは異なる、内面から滲み出るような官能性があった。ラファエラ・カッラが象徴する女性像　その思想を象徴する人物が、今季を語る上でキーパーソンとなったラファエラ・カッラ（Raffaella Carrà）だ。1970年代のイタリアで、大胆なステージ衣装と身体表現によって国民的な人気を得た歌手でありショーガール。当時としては大胆な肌の露出や身体を使ったパフォーマンスを、大衆的なエンターテインメントとして発信した。そのセクシュアリティは、誰かに見られることだけを目的としたものではなく、自らの身体や欲望を主体的に表現する姿勢とも結びついていた。　薄いレースやシルクには、フェンディを象徴するボリュームのあるファーを重ねた。光沢とマット、軽さと重さ、シルクとアニマルプリント、ベルベットとパーチメント、パンクとブルジョワ。一見相反する要素を共存させることで、一つのルックの中に多様なパーソナリティを浮かび上がらせている。　こうしたアプローチは、女性のワードローブだけではない。メンズモデルも胸元が大きく開いたシャツにパンツを合わせ、その上からボリュームのあるファーを羽織る。男性的、女性的とされてきた要素を分けるのではなく、ジェンダーにとらわれない着こなしを提示した。見えにくさも意図的な演出に　印象的だったのは、「身体」をテーマに掲げながら、その姿をあえて明瞭には見せなかったことだ。PU素材の表面ではモデルの像が揺らぎ、そこに観客の姿も重なっていく。ランウェイを見るはずだった視線の先に、自分自身や周囲の人々まで入り込む。だが、その見えにくさもまた、他者と自己の関係性を示唆した今回のテーマの一部だったのだろう。　見せることも、隠すことも自分で決める。服が身体を定義するのではなく、身体が服との関係を選ぶ。ランジェリー、鏡、そしてカッラの人物像を重ねながら、キウリが今季のフェンディで探ったのは、誰かの視線によって決められるものではない、自らの意思による身体のあり方だった。

「見せる」も「隠す」も自分で選ぶ　フェンディが描く身体の自由

自由と独立の象徴としてのスカート　スカートは、プラダにとって特別な存在だ。スカートを自由と独立を象徴する服として捉え、ミウッチャにとっての"ユニフォーム"でもある。関係性を遡ると2004年には、建築キュレーターの太田佳代子とともに、展覧会「Waist Down: Skirts by Miuccia Prada」を企画。100着のスカートを身体やランウェイから切り離して、彫刻的なオブジェとして見せ、東京を皮切りに世界各都市を巡回した。長年にわたってスカートの造形やその意味を探ってきたとも言える。　今シーズン、ミウッチャとラフが改めて向き合ったのは、誰もが知る普遍的な衣服を、一つの形に固定せず、どこまで変化させられるのかという実験であり、問いだった。スカートは単体で形として成立する一方、合わせるアイテムによって異なる表情を見せる。スカートという一つの造形に対象を絞り、その限られた枠組みの中で表現の幅を広げていった。　コレクションの中心となったのは、プラダが得意とする膝丈のスカート。身体に巻き付け、大ぶりのベルクロで留めるラップスカートをはじめ、プリーツやクリノリンの概念を取り入れたもの、カットオフや布を重ねてボリュームを持たせたものなど、その表情はルックごとに変化する。腰位置をずらしたり、留め方をあえて崩したりすることで、整いすぎないシルエットに仕上げた。機能を装飾へ、構造を表へ　ここで重要になるのが、機能を別の意味へと置き換えるプラダらしいアプローチだ。工業製品にも広く用いられるベルクロ（ショーの招待状もベルクロだった）は、スカートのサイズやシルエットを調整するという機能を残しながら、コントラストカラーに切り替え、クリスタル刺繍の土台というデザイン要素へと変化。大きく拡張されたスナップボタンはジュエリーのように配され、通常は衣服の内側でシルエットを支えるクリノリンの構造をあえて表に出し、透けるシェルのようにスカート全体を覆うことで、内側のプリーツや装飾を見せた。　ラップ、プリーツ、クリスタル刺繍、カットオフといった複数の技法を一着の中で交差させることで、スカートは繰り返し再構築されていく。着方によってシルエットや見え方が変わるデザインも多く、均整の取れた完成形を提示するのではなく、ずらす、重ねる、開くといった動作によって、馴染みのあるスカートの造形を更新していく。　素材の選択にも同様の反転が見られる。コットンを多用しながら、ラテックスやRe-Nylon、シレ加工を施したマットな素材といったインダストリアルな要素を投入。工業的な素材をクラシックなプリーツへと仕立てる一方、コットンはレザーやスエードを思わせる風合いに加工された。クリスタルで再解釈したギピュールレースや、フローラルプリントをコットンやシンセティック素材で表現したスカートも登場する。　鮮やかな花柄と異なるプリントを重ねたり、プリントの上に光沢のある異素材のパネルを重ねたりと、異なる柄や質感をあえて共存させる。"新しさ"を奇抜なフォルムに求めるのではなく、「この素材はこう使うもの」「このパーツはここにあるもの」といった素材やディテールにまつわる既成概念を少しずつずらすことで、新たな見え方を生み出している。一つの服から広がる可能性　スカート単体だけでなく、何と組み合わせるかによってもその印象は変化する。ブラトップやチューブトップ、シャツ、タートルネック、シンプルなニットなど、上半身は比較的ミニマル。装飾やボリュームを腰から下に集中させることで、スカートそのものの存在感を際立たせた。一方で、オーバーサイズのレザージャケットではタフに、ナイロンアウターでは軽快にと、同じ膝丈のスカートも合わせる服によって見え方を大きく変える。セーターやシャツ、ブラトップなど、周囲のアイテムとの関係によって、一つのスカートに異なる解釈が生まれていく。　ミウッチャとラフが今回設定したのは、「スカート」という極めて限定的なルールだった。しかし、一つのアイテムに絞り込むことは、決して表現を狭めるということではない。むしろ形、素材、機能、装飾、着方、スタイリングを一つずつ組み替えることで、見慣れた衣服の中に新たな可能性を引き出していった。　「既知のものの中にこそ、無数の可能性が存在する」。 まったく新しい何かを生み出すのではなく、すでに知っている一つの服を繰り返し見直すこと。厳格な制約から自由な変化を導き出すという、一見矛盾する方法によって、プラダはスカートという普遍的な衣服を改めて問い直した。

制約することで自由を模索する、「プラダ」がスカートに探る可能性

集大成の“パーティー”　約6年間にわたりディーゼルのクリエイティブを率いてきたマーティンスが、集大成となるコレクションのキーワードに挙げたのは昨シーズンに引き続き、「パーティー」だった。「ディーゼルは、いつだってパーティーが最優先。そこにあるのは、インクルーシビティ、自己表現、喜び、そして誰もが同じように体験を楽しめるという民主性。このコレクションはディーゼルそのもの。破壊的で、セクシーで、流動的で、楽しい。僕たちはみんな、この瞬間を一緒に生きている。もう一度、一緒にこの旅を楽しもう」と語る。200人の“サクラ”パフォーマー　ショーでは、マルセイユを拠点とするアーティスト・コレクティブ「(LA)HORDE」のパフォーマー200人が観客に紛れ込んでいた。開始直後は一般の来場者と見分けがつかず、ほかのゲストと同じようにショーを鑑賞。しかし、ドナ・サマー（Donna Summer）の楽曲「Love to Love You Baby」が流れ始めると、官能的で挑発的なパフォーマンスを開始し、ショーが進むにつれてその絡みは激しさを増していった。キーモチーフはオーキッド　今季のキーモチーフとなったのは、オーキッド（蘭）。最新フレグランス「Only Desire」を象徴する花でもあり、コレクション全体に散りばめられている。レザージャケットとブレザー、トラックスーツの襟とシャツの袖口など、異なるアイテムを重ね合わせ、その境界にはオーキッドをかたどったカットアウトを施した。ポロドレスやニット、パンツ、Tシャツも大胆に切り込み、肌を露出。花びらが生地を侵食したような表現や、極端なローウエストのシルエットで官能性を強調した。 得意の“トロンプルイユ”　マーティンスの得意とするトロンプルイユ（だまし絵）も健在。ツイードコートや厚手のウインタージャケットを軽やかなシャツにプリントし、春夏のワードローブとして提案。過去のコレクションにも登場したアウターも、プリントで再現。デニムのボンバージャケットには、ベースボールジャケットやバイカージャケットに見えるフォイルプリントを施し、あえてひび割れさせている。 　たくし上げたTシャツを縫い合わせてブラトップやバンドゥ、ドレスへと再構築し、“激しい夜を過ごした後、大急ぎで服を着た”ようなカオスを表現した。 最初と最後のルックをまとったエラ・スナイダー　ラストルックを飾ったのは、マーティンスのディーゼルでのデビューコレクションでファーストルックを務めたアーティストで、トランスジェンダー人権活動家のエラ・スナイダー（Ella Snyder）。ヒップが大胆にのぞくマイクロなデニムショーツで登場し、始まりと終わりをつなげてみせた。約6年間の物語を結ぶ、象徴的なフィナーレとなった。 “ファッションの民主化”を掲げた約6年間の功績　マーティンスは約6年間にわたり、ディーゼルのスローガン「For Successful Living」を独自に解釈しながら、“ファッションの民主化”を掲げてきた。振り返れば、その姿勢は一貫している。ファッションを一部の人だけのものにせず、多くの人が参加できる体験へと広げてきた。 　ショーやプレゼンテーションでも、既成概念を覆すアイデアで見る者を驚かせ続けた。一般客や学生を含む約5000人を招いた大規模ショーをはじめ、コンドームの山をランウェイに出現させてセーフセックスを啓蒙し、デニムの残布の山を舞台にアップサイクルを打ち出したことも。一般客も招いたレイヴの開催や、3日間にわたるショーの舞台裏の生中継も実施。ミラノの街中に卵型カプセルを設置し、街全体をランウェイへと変えたこともあった。　主軸であるデニムは多彩な加工でユニークに表現しながら、ブランドが本来持つセクシーでやんちゃな、遊び心のある世界観を発信。オーガニックコットンやリサイクル繊維などの採用を進め、サステナビリティの取り組みも推進したこともまた、彼がディーゼルに残した大きな功績の一つだろう。名残惜しい幕引きとマルジェラ専念への期待　デニムや大胆な再構築を得意とするマーティンスと、ディーゼルの相性は抜群だっただけに、この続きがもう見られないのは名残惜しさもある。ただ、マーティンスは現在「メゾン マルジェラ（Maison Margiela）」のクリエイティブディレクターも務めており、2つのブランドを両立させる負担は相当なものだったはずだ。 　メゾン マルジェラは、ウィメンズとメンズ、オートクチュール（アーティザナルコレクション）までを抱えるメゾンであり、二足のわらじで手掛けるのは難しいポジション。現在、就任から1年が経つが、メゾン マルジェラで独自のスタイルを確立できたとはまだ言い難い。彼のキャリアを考えれば、今こそメゾン マルジェラに専念すべき重要な局面といえるだろう。破壊的で、セクシーで、自由で、楽しい。最後まで“マーティンスのディーゼル”を貫いたラストショーだった。

DIESEL

観客が激しく絡み合う!?　グレン・マーティンス集大成の「ディーゼル」ラストショー

肌見せとレイヤードの融合　インスピレーションとなったのは、古田が酷暑のパリで目にした、裸に近い開放的な装いと、高温多湿の東京で重ね着をする人々の姿。その対照的な二つの装いを結びつけ、肌見せとレイヤード、スポーツウェアとドレスアップといった、相反する要素を掛け合わせている。 布の面積を減らし、シアー素材を重ねる　今季は、意図的にバランスを少し崩すことで生まれる、自然な肌見せが基調となった。ランウェイには、ビスチェや胸元が深くV字に開いたセーター、サイドを大きく開けたトップス、ショートパンツやミニ丈のボトムなど、肌をのぞかせるアイテムが登場。ジャンパースカートにはブラトップを合わせ、露出の新たなバランスを探った。 　さらに、シャツやテーラリングといった端正なアイテムにも、肌見せや透け感を取り入れることで涼やかな表情を加えている。布の面積を思い切って減らす一方で、シアー素材はふんだんに用い、パンツやスカートを透かしながらレイヤード。重層的でありながら、暑苦しさを感じさせない佇まいに仕上げている。 意思のあるバックスタイル　古田は今季、特に背中を意識したという。「より自分の体に自信を持って見せ、見せたいところを自分でコントロールできるように、あえて大胆に開けるようにしている」。象徴的だったのが、ジョギングショーツの後ろにクラシックな燕尾服を思わせるディテールを加えた一着だ。スポーツウェアという枠にとどまらず、別の役割を与えようとする発想が表れている。背中から流れるオーガンジーは、風をはらんで美しくなびいていた。 日常着としての水着　スイムウェアをコーディネートに取り入れていた点も印象的だった。古田は「泳ぐためのものというより、今は外で着る服の一つとしての提案」と語る。暑さからセーヌ川へ飛び込む若者たちの姿を思わせる、奔放で自由なムードが漂う。 装飾と機能の掛け合わせ　都会的なブラックを基調にしながら、古田がパリで訪れたマーケットで目に留めたものに着想を得たという大胆な花柄を差し込み、鮮やかなコントラストを生んでいる。さらに、ジャカードやクラシックなパターンをあえてスポーツウェアに落とし込むなど、クラシックとスポーツ、装飾と機能といった異なる要素の掛け合わせが随所に見られた。玉虫色に光るサンダルやサンバイザーなどのアクセサリー使い、スリーブなどにあしらわれたスタッズのアクセントも目を引いた。 偶然の音楽さえも、ショーの一部に　ショーは、テムズ川を望むテラスで行われた。折しも近くを通りかかったマーチングバンドの演奏がショー音楽と重なり合い、思いがけない不協和音が会場を包む場面もあった。もちろん意図された演出ではなく、屋外でショーを行ったからこそ生まれた想定外のハプニングだ。 　しかし、環境の変化に対して、服や身体をどう適応させ、順応させていくのかを題材にした今季を思えば、その偶然すらもテーマと呼応しているようだった。予期しない変化を避けるのではなく、それを受け入れ、楽しみながら、解放していく。ランウェイに登場した服だけでなく、ショーそのものが、「順応、適応、解放」というキーワードを体現していた。

TOGA

酷暑のパリと高温多湿の日本にヒントを得た「トーガ」──露出とレイヤードの新たなバランス

　同ブランドがユナイテッドアローズに事業譲渡し、子会社となったのは今年2月のこと。産地とより深い関係を構築し、ファッションクリエイティブを通じた繊維産業の振興のために、大手企業をパートナーとすることを決断した。経営面でのサポートを得たことで、作りたいものと向き合う時間が増えた中島は、改めて「人がものをつくること」の意義を見つめ直し、「手触り感のある強さ」に辿り着いた。　そうして迎えた今回のコレクションのテーマは「THE BEAUTY OF FREEDOM」。1969年の伝説的な音楽フェス「ウッドストック・フェスティバル」に代表されるヒッピーカルチャーを起点に、自由を信じ、未来を切り拓いた人々のエネルギーを、不完全さや非効率さの先にある美しさの追求へと発展させた。中島は「職人との対話や試行錯誤から生まれる歪みや揺らぎ、偶然性こそが服に生命を吹き込む。効率や均一性が求められる現代だからこそ、人間の痕跡を肯定したかった」と振り返り、これは恩師ドリスのステイトメント「The Only True Protest Is Beauty（美こそ唯一の真の抗議である）」に対する中島なりのアンサーでもあるという。　ショーはホワイトのワントーンルックで静かに幕を開けた。次第に構築的なジャケットやフォーマルなアイテムへと移行し、終盤では色鮮やかなグラフィックや繊細な装飾を施したドレスが次々と登場。フィナーレに向けて、ドラマティックな高揚感が空間を包み込むとともに、空色、オレンジ、マゼンタ、グリーンといったカラーパレットが祝祭的な活気をもたらした。　ブランドの新章を印象付けた美しくエネルギーに満ちた人間らしさは、国内産地との密な共創によるオリジナルのテキスタイルの数々によって表現。栃木県の伝統的な「足利銘仙」（シルクの先染め平織物）のほぐし織に捺染、ジャカード織を掛け合わせ、さらにラメ糸を組み込んだ独自素材は、繊細な光沢感と独特な立体感が手触りを想起させる。群馬県桐生産の三重織（みえおり）には今シーズンの“キーチャーム”である菖蒲の花のモチーフをあしらった。ロングスラブ糸にスペック染めを施すことでウォッシュドデニムのように仕上げたジャケットは、ヒッピーカルチャーに欠かせないデニムスタイルのテルマ流に提案。華やかさと静けさ、強さと繊細さが同居する独特のテクスチャーが想像力を掻き立てた。　また、手仕事の極致ともいえるディテールも随所に光る。2枚の生地を重ねて精密なレーザーカットを施し、手作業でカット部分を抜き出したシアー素材でボリュームたっぷりのドレスを仕立て、製造の過程で生まれた残反を、糸に再生した手編みのニットベストや、パッチワークとして配したブルゾンを披露した。 　こうした豊かなテキスタイル、ハンドクラフトの温かみとエレガンスの絶妙なバランス感がテルマらしさを形作っている。シグネチャーであるフラットジャケットは半分縫製してから畳んだ状態でプリントし、そこから仕上げの縫製をするというもので、脇下やラペル裏などは無地になり、着用時の動きによってプリントが表情を変える。ボートネックのワンピースは、ボトムに贅沢に用尺をとり、ウエストの切り替えと最低限のタックによって歩くたびに優美なドレープが生まれる。ドレスやアウターにあしらった大胆なトレーンはウォーキングに合わせてはためき、観客の視線に優美な余韻を残した。 　ピンク・フロイド（Pink Floyd）のツアーポスターからアイデアを得たというブランド初のロゴTも製作。肌触りが良いジャージー素材で仕立て、東京とアントワープというバックグラウンドとともに、「BEAUTY IS THE COURAGE TO IMAGINE（美しさとは、想像する勇気）」のメッセージをあしらった。　中島の職人気質なものづくりとクリエイティビティ、美に対する情熱は言わずもがな“師匠たち”の存在が大きい。ドリスのもとでは、美しさの探究が自由を求める行為であり人の創造性の根源であることを学んだ。花々に象徴される自然のダイナミズムを、テキスタイルとデザインでいかに表現するか——ドリス ヴァン ノッテンでの日々が蒔いた種が、今テルマで花を咲かせている。　そしてイッセイ ミヤケでは素材に対する視座が鍛えられたと以前の取材で中島は語っていた。「生地はデザインのために使うものではない。職人や工場と共創することで、誰も見たことのないファッションの地平に辿り着けるのだと学びました」。ショー会場の座席からは、「シーエフシーエル（CFCL）」デザイナーの高橋悠介や、「エイポック エイブル イッセイ ミヤケ（A-POC ABLE ISSEY MIYAKE）」デザイナーの宮前義之といったイッセイ ミヤケ社の元同僚が温かく見守っていた。　今シーズンの多彩なテキスタイルの挑戦は、ユナイテッドアローズのバックアップがあってこそ。これまでサンプルコストやロット数の兼ね合いでアプローチできなかった工場などと協業できるようになったと話す。今後について中島は、「日本の素晴らしい手仕事や職人技術を、ファッションというフィルターを通して世界に伝えていきたい。テルマを単なる服のブランドではなく、文化の継承と革新を担うプラットフォームのような存在に育てていくことが目標です」と決意を語った。　静謐でエレガントな佇まいの奥に、アグレッシブな素材のアプローチが生み出す、手触りのある強さが渦巻く。直近では第44回「毎日ファッション大賞」　で新⼈賞・資生堂奨励賞を受賞。勢いに乗り、新体制のもとでクリエイションの純度をさらに高めたテルマの飛躍はここから始まる。

TELMA

ファッションデザインと“職人”の衝突が生む「手触り感のある強さ」　テルマ新章の祝祭

　デザイナーのソニア・カラスコ（Sonia Carrasco）は、1988年にスペインのバレンシアで生まれ、マドリードのデザイン学校 Istituto Europeo di Design Madrid（IED）でファッションデザインを学んだ。卒業後は「アレキサンダー・マックイーン（Alexander McQueen）」で経験を積み、フィービー・ファイロ（Phoebe Philo）率いる「セリーヌ（CÉLINE）」でアシスタントデザイナーとして携わった。2019年にバルセロナを拠点に自身のブランドをスタート。立ち上げから一貫してメイドインスペインを追求し、一部を除いてすべてスペイン産の素材を採用するほか、イタリアのウールなどスーツ生地を使う場合も縫製はスペインで行うなど徹底している。2026年秋冬シーズンから、パリファッションウィークの公式スケジュールで発表している。　2027年春夏コレクションのテーマ「ACT II: SOBREMESA」に用いた「SOBREMESA」は、スペイン語で「食後に家族や友人と会話を楽しむ楽しい時間」を表す言葉。パリのショーでは会場を貫くように長い食卓を設置し、フィナーレでモデルがその上を歩くという大胆な演出で注目を集めた。前回の2026年秋冬コレクションのショーでは、織機や制作途中の洋服によるインスタレーションとランウェイを融合するなど、美しいコレクションは常に誰かの創造性と手仕事によって生み出されることを空間全体で提示してきた。　東京でのショーに際し、古代ギリシアの都市メガロポリスのテルシリオン（議事堂）が着想源となった。機械や重機などがない時代に建築されたこの建物は、調和と均整を兼ね備えたデザインで当時の超大都市システムを象徴している。実際のショー会場ではテルシリオンの均質な構造を観客の椅子の配置によって再現しながら、“秩序から逸脱”するような要素を取り入れたという。長い直線状のランウェイではなく、客席を数席ずつのブロックに分け、モデルがそれらの隙間を縫うように歩いていく演出によって、有機的でしなやかな動線を生み出したのが特徴。これについてソニアは「秩序的で“完璧な構造”とも言える建築をベースにしながら、モデルが観客の直近をすり抜けるように歩くことで、構造を打ち破るような自由なムードを表現したかったのです」と説明する。 　この「構造的秩序と自由の対比」は、ソニアの服作りにも反映されており、今季のクリエイションは「衣服の内側には何があるべきか」という問いからスタートしている。ジャケットやベストでは、衿裏の表地と芯地を縫い合わせるハ刺しをテキスタイルのように組み合わせ、ポイントとしてしつけ縫いのようなステッチをあしらい、ショルダーパッドの中身が覗くようなカッティングを施すなどのギミックが特徴だ。これらのディテールは本来の機能や仕立ての目的を損なうことなく配しており、ソニアによればこうしたアプローチは、「“脱構築”的な表現がしたかったのではなく、内部構造をごく自然に表面化する新たな均衡の探究」なのだという。また、内側の要素を表出させたデザインは、創作の過程を重要視するブランドの姿勢を具現化したものでもある。 　伝統的なテーラリングに新たなコードを与えるスーチングのほか、ニットもブランドを象徴するアイテム。スーツ類と連動するように白いステッチを施したローゲージニットのカットソー、ショートパンツ、カーディガンのニットルックをワードローブのアクセントとして差し込んだ。加えて、100％シルクの糸を用いたフリンジスカートのようにハンドクラフトな印象とともにコレクションに流動性を与える実験的なアイテムも目を引いた。　ロールアップのスタイリングや、ハンズインポケットといったポージングによってリラクシーなムードを演出。ポプリン生地のシャツ、ショーツ、スカートのスタイリングでは、ポケットに手を入れることでAラインシルエットを強調。過度なボディストラクチャーや装飾性によってスタイルを作るのではなく、着る人の身体と連動してファッションは確立されるというソニアの感性を浮かび上がらせていた。　空間演出の音楽もソニアが手掛け、コレクションのテーマである「対比」や「流動性」を表現。力強いドラムが鳴り響くロック調のメロディと、優美なクラシックテイストの音楽が交錯し、調和と開放感のある自由なムードが高められていく。フィナーレではリヒャルト・ワーグナーの楽劇「ラインの黄金」第4場における「ヴァルハラ城への神々の入場」が壮大なエンディングを彩った。　実はブランドにとって日本は最大のマーケットのひとつで、ブランド設立当初から取り扱いされている。ソニア自身も日本のマーケットに対し「新しいブランドを発見し、支援する何か特別なものがある」と語っており、今回のショーによってより深い結びつきを得られることに喜びを示した。

SONIA CARRASCO

「ソニア カラスコ」が探究した秩序と逸脱の自由　東京で“再演”した27年春夏

「日常」と「ファンタジー」が溶け合う童話の世界　今季のテーマは、「landscapes 2」。先シーズンから続く、現実と幻想的なもののあわいにある「平凡な日常の風景」という世界観をさらに掘り下げ、そこで生きる人々が着る「何気ない日常の服」をモチーフにした。1年前の2026年春夏では、都市型小型スーパーの「まいばすけっと」を着想源に、家にひきこもっていた内向的な女性が部屋から一歩踏み出し、近所の“まいばす”に向かう際のようなリアリティのある装いを描いた。続く2026年秋冬では、東京の街やその郊外を俯瞰して眺めるような視点から、「何気ない日常のドレスアップ」をベースに現実と夢のあいだにある世界を想像。今シーズンはそこからさらに、現実と幻想の境界線をぼかし、それらがグラデーションのように自然に溶け合う感覚を表現した。　直接的なヒントとなったのは、小学校の国語の教科書にも載っているあまんきみこの童話「白いぼうし」。「道端の白い帽子からモンシロチョウを逃してしまったタクシー運転手が、持ち主への埋め合わせに夏みかんを置く。すると不思議な小さな女の子が乗車してくるが、目的地に着くとその姿は消え、代わりに外で白いちょうちょが飛んでいる──」という、日常の風景の中にいつのまにか小さな不思議が入り込んでくる物語だ。　その「曖昧さ」が、染色や編みによる色のグラデーション、トップスとボトムスの切れ目がどこかはっきりとわからないように繋がるスタイリング、日常着からドレスアップスタイルへと印象が変化していくルックの構成など、コレクション全体に落とし込まれている。　コレクションは、無地の半袖や長袖のシャツに膝下丈のタイトスカート、ハイゲージのタートルネックニットとカーディガンにジーンズ、といった“普通”を記号化したようなプレーンなルックからスタート。次第に色合いやディテールが装飾性を帯び、野に花が咲く様子や、花そのものを思わせるファンタジックなルックを経て、白を基調としたエレガントでドレッシーな装いへとゆるやかに変化していく。中盤以降の多くのルックでモデルが目深に被っている「白い帽子」は、レディライクな印象とともに、どこか実在しないかのような儚さと不可思議さを漂わせる。 より抽象的で詩的になった“ピリングスらしさ”　「生きづらさ」や「生活のままならなさ」といった内面のわだかまりや、社会との摩擦や齟齬を、しわや不自然な布の溜まり、歪み、飛び出した裏地や袋布といったディテールで表現する“ピリングスらしさ”は、今季も随所に見られた。ただし、かつてはひきこもりがちで内向的な女性の生活の痕跡や内面の葛藤がそのまま表出したような、特定の人間像に対して強いリアリティを持つデザインだったのに対し、今季はより抽象的でさりげない形へと変化し、詩的でどこか洗練された印象を与えている。毛羽立ち、ごわごわ、ぐちゃぐちゃとしていたテキスタイルやニットの表面は滑らかになり、胸ポケットに添えられたレースのハンカチや帽子は、エレガントな佇まいを醸し出す。 　曖昧さやグラデーションを表現するための技法には、もう一つの“ピリングスらしさ”である手仕事の数々が用いられている。ニットの上に刺繍された花のモチーフは、近くで目を凝らして見ると、花の色がニットにじわっと滲んだような手塗り染め。襟付きのノースリーブトップスとスカートを飾るフリルには、あえて色落ちしやすい“泣き糸”で縫製して洗いをかけることで、じんわりとした色の滲みを生み出している。タイダイ染めのように見えるグリーンのニットは、染色ではなく手編みのインターシャによって、繊細なグラデーションを表現。白のスリップドレスには、後から染料プリントで「無理矢理」施したという朝顔のような鮮やかなピンクやパープルが、ひとさじの不穏さや違和感を添える。さらに、しぼんだ朝顔の花をそのまま巨大化させたようなドレスは、布花のコスチュームジュエリーを手掛けるアトリエ染花との協業によるものだという。 　村上が2シーズン続けて「現実と幻想的なもののあわい」や「曖昧な記憶」をテーマにする背景には、こうした思いがある。今の時代、正しいか間違っているか、明確な答えやスピード感が大切にされますが、そうじゃない部分を持てることが、自分にとっては“ラグジュアリー”なんじゃないかなと。人の手の跡が残っているものには、愛おしさがあるなとも思います。「スクランブル交差点」のように開かれた入り口としての服へ　そして、ピリングスの服が軸として強く持ち続けてきた「社会との折り合いがつかない内向的で不器用な人間像」にも、ここ2〜3シーズンで変化が見られる。かつては特定の人物の生活や内面を強いリアリティで描いていた服が、今ではより抽象的で、見る人それぞれの解釈に開かれたものになっている。その理由を尋ねると、村上はこう話す。自分たちが作ったものが、見てくれる人や着用してくれる人のものになったらいいなということを意識しています。自分が若いころに読んで好きだった小説のように、その人を映してくれる鏡のようなものになったり、一方通行ではなく「スクランブル交差点」みたいに、どの方向からでも見られて色々なところに行けるような入り口みたいなものになればいいなと。　村上が語る「交差点」のような場所として今回ショーの会場に選んだのは、朝日新聞社 東京本社にあるオフィス空間。村上は、小学生から100歳近い人まで幅広い人が思い思いのことを投書する朝日新聞の「声」欄が好きだといい、会社と家の往復生活で社会と触れ合う場が少ない中で、日常を感じたり、今の社会に触れたりする場になっていたという。　コレクションの内側で、村上自身の視点をより多くの人へと開いていくような変化が進む一方で、昨年LVMHプライズのセミファイナリストに選出され、海外での取り扱い店舗も25店舗以上に拡大するなど、ピリングスを取り巻く環境も大きく広がっている。　けれども、見る人や着る人の内面や社会の中でのあり方にそっと寄り添い、世間一般の“普通”に対して「こうであってもいいのかもしれない」と、オルタナティブなあり方や視点を服作りを通して提示する姿勢は変わっていない。疑問文のまま提示する、服の“余白”がもたらすもの　毎回「もしかしたらこういう方向に行ってみたら何かあるかもしれない」といった思いでコレクション製作を進めていくという村上は、発表したコレクションに対しても「疑問文のまま終わっていく」ようにしているという。だからこそ今回のコレクションも、何を受け取り、どのように自分を投影するかは、それを見る私たちに委ねられている。　白い半袖シャツと黒い膝下丈のスカートのルックで始まったショーは、少し透け感のある白い半袖シャツと白い膝下丈のスカートに、白いチューリップハットを被ったルックで締めくくられた。始まりと終わりが繋がるその円環構造は、まるでループのように繰り返しながらも少しずつ変化していく、日常を思わせる。アイテムのシルエットやデザイン、組み合わせはそれほど変化していないにもかかわらず、同じような日常着が、どこか現実から浮遊したものに見えてくる。 　現実と幻想、普通と特別。その境界にあるものを見つめながら、今季のピリングスは、見る人それぞれの解釈へと開かれた服を作った。日常の風景や些細なものごと、服のディテールにそっと目を凝らし、自身の感覚に身を委ねる。「なんだかわからないけれど、なぜか気になる」と感じたものを、そのまま自分の中に残しておく。そんな「余白」こそが、今季のピリングスが提示する一つの価値観なのかもしれない。

pillings

正しさと効率の時代に、ピリングスが「日常と幻想のあわい」を描く理由

　日本を代表するモディスト（帽子デザイナー）である平田暁夫が1955年に創業した帽子アトリエ、オートモード平田。平田暁夫は、パリの帽子モディストの第一人者 ジャン・バルテ（Jean Barthet）に師事し、その技術を日本に持ち込んだ。三宅一生、川久保玲、山本耀司との仕事から、皇室のためのオーダーメイドまで、幅広いクリエイションで知られる。　オートモード平田は、平田暁夫の死後、娘の欧子と孫の早姫、翔の3人が技術と伝統を継承。欧子によるフルオーダーと一点物を制作する「アキオ ヒラタ オウコ（Akio Hirata OHKO）」、早姫が手掛けるオートモードの技術と歴史を日常使いのアイテムに落とし込む「エイチ.エイティー（H.at）」、ベーシックな型にモディストならではの捻りを加える翔の「ショウ ヒラタ（SHOW HIRATA、旧 saki et show）」の3ブランドを通して“現代におけるオートモード”を発信してきた。そして、今後は早姫と翔が中心となってアトリエを率いていく。　世代交代の契機となる2027年春夏コレクションの舞台となったのは、平田暁夫が生前友人たちと度々帽子を囲んでのホームパーティーを開いていたという東京・広尾のギャラリー「maison d’H」。会場には決められた席はなく、ゲストは立食パーティーのような穏やかな空気の中でが歩くモデルたちを囲んだ。会場では、展示されているショーピースの試着が可能で、ゲストたちもデザイナーに招かれたパーティー客の1人として、そのクリエイションに触れることができた。　オートモード平田が「Rakuten Fashion Week TOKYO（以下、東コレ）」に初参加したのは、1年前の2026年春夏シーズン。平田暁夫の生誕100年を記念して開催されたランウェイショーだった。平田暁夫が作った型をオマージュした帽子作品を中心に、3人の作家による独創的かつ実験的な創作を交え、技術と伝統に裏打ちされた造形美が追求された。　帽子は、全身に占める割合こそ洋服と比べると少ないが顔の印象や全身のバランスに与える影響は大きい。帽子が持つファッションアイテムとしての「力強さ」を表現した前回に対して、今シーズンはよりその「精神性」や「哲学」に立ち返った。「帽子が先に語り出さないように」　コレクションの出発点になったのは、平田暁夫が1番大切にしていたという「帽子はかぶる人にとっての額縁である」という言葉。額縁は、飾る対象そのものを変化させることはないが、その見え方を大きく左右する。人間にとっての額縁である帽子をどこまで作り手が作り込み、どこからが「かぶる人に委ねられる」のか。着用者の魅力を引き立てる最高の額縁には、人それぞれの個性を活かす“余白”があり、着用者が帽子をかぶることで初めて立ち上がる佇まいがあるのではないか、帽子は常に作り手が「個」としての着用者に向き合うことで作り上げられていくものなのではないか、2人は「額縁」という言葉をそう解釈した。　一方で、翔は「オートモード平田の原点である個に向き合う精神に立ち返ると同時に、変えていきたいのは帽子にこびりついた固定観念」だと話す。現代社会で帽子が「上級者向けアイテム」だと思われやすい最大の理由は、ひとつひとつのデザインが持つ歴史的な背景が記号としてキャラクターになってしまっていること。帽子は本来、身につける人の個性を引き出す自己表現のためのツールであるにも関わらず、ハンチングを被るとニュースボーイやパン屋さんを連想し、中折れ帽を被るとキザに見られるといった、“その人自体よりも帽子が先にキャラクターを語ってしまう”逆転現象が起きていると指摘する。そこで、ショウ ヒラタでは、ブランドが探求し続けている、既存の帽子のコードから、構想や素材使いを少しだけ「逸らす」ことを改めて今シーズンのテーマに設定した。　「すごく綺麗な部屋より、ちょっと気が抜けている方が良い。きっちりした形より、少しフォルムが崩れているものの方が余白の美を感じます。完璧なものよりも、少し不安定なものの方にグッとくる。そうした感覚を表現していきたい」と翔は語る。　アウトドアハットはサテン生地を使うことでエレガントな要素を取り入れ、キャップは基本構造を組み直して輪郭をわずかに逸らした。ブリムを変形させたハットは折り返し方によってバケットハットにもセーラーハットにもなる自由さを持たせるなど、被る人の属性やキャラクターを固定化しないスタイリングの自由のあるデザインを追求した。花のコサージュのついたカンカン帽は、ブリムを1箇所大袈裟に垂らすことで違和感を取り入れた。独創的なカーブを美しくかつ自然に実現されているのも、オートモード平田の高度な技術の賜物。モデルが着用したウェアは、榎本光希が手掛ける「アタッチメント（ATTACHMENT）」の最新コレクション。榎本の作るシンプルでありながら、ディテールや素材に対しての探究心が覗くウェアとハットが共鳴し、より明確な人物像が浮き彫りになった。　「私たちから見ると、洋服はとても自由。何か別のアイテムと融合したジャケットなど、奇抜なアイテムもみなさん上手に取り入れていらっしゃいます。でも帽子はフォルムの印象が固定化されているからこそ、そこから逸脱することに抵抗を感じる方が多いのではないでしょうか。少しでも新しい、見たことのない帽子をお見せすることで、帽子の楽しさをお伝えしていきたい」と早姫。エイチ.エイティーの大胆であり洗練されたエレガントなフォルムは、「アキコアオキ（AKIKOAOKI）」のウェアの身体に溶け込むようなフォルムとマッチし、自立した力強い女性像を描き出している。　これまでも、顧客向けにショーをすることはあったが、前回の東コレ参加を機に、これまで接点が希薄だったスタイリストや新規客層への認知が拡大したというオートモード平田。1年間でリース数は倍増するなど、目にみえる反響があったという。同時に、東京を拠点とするデザイナーズブランドのデザイナーたちとも交流を深めるきっかけになり、ショーでの着用やコラボレーションに発展している。さまざまな色を持つブランドとのコラボは、帽子が多様な人に似合う「自由なファッションアイテム」であることの証左で、互いに魅力を引き出す良い相乗効果が見られる。 帽子はまるで人間そのもの　祖父母も両親も帽子を作る家庭に生まれ、自然に帽子作りに関心を持ったが、一度は別の道に進んだという早姫は、「2014年に祖父が亡くなり、お世話になっていた方々が“笑顔で送る会”を開いてくださいました。その場には、祖父が作った帽子を身につけた方が1000人以上駆けつけてくださったんです。子どもの頃から、アトリエで両親が帽子を作っているところは見ていましたが、それほど多くの方々が帽子を被って一堂に会する瞬間を見たのは生まれて初めてでした。人が被ると、帽子ってこんなにも命を吹き込まれるのかと感動した瞬間でした」と原体験を語る。今回の会場「maison d’H」オートモード平田の創業者、平田暁夫が「帽子を感じるギャラリーにしたい」と設えた空間です。ここに幾度も人を招き、杯を交わし、帽子を囲んで語らってきました。きょうも、その続きの午後として皆様をお迎えします。（コレクションノートより）　平田暁夫が開いていたパーティーには、ファッション業界だけでない各界の著名人が集まり交流を深めていたという。幼少期に何も知らずにその風景の一部になっていたという2人。「今思うと、その光景はとても豊かだった。帽子をかぶる人が減った現代に、帽子業界が1番盛り上がっていた時代を経験していない僕たち孫世代が改めて自分たちなりの“パーティー”をすることに意味があるのかもしれない」と話す。　モデルをパーティーの来場客に見立てたスタイリングでは、ブリムの角度や顔の見え方、傾きを細やかに調整した。頭から爪先までの全身を大きな空間として捉えると、ハットによる顔周りの見え方が与える影響は大きく、少しの違いで柔らかさを与えたり、緊張感を感じさせたり、全身が引き締まる。　早姫と翔が現代に提案する、平田暁夫の「帽子は額縁」という言葉は、ランウェイを歩いてくるモデルたちの姿を見るとよく理解できる。帽子アトリエであるオートモード平田が、他ブランドのウェアを借りてまでランウェイショーを行う理由は、帽子の真価は人間が不在では表現できないからに他ならないのだろう。ドレスコードではございませんが、叶いますなら、お気に入りの帽子とともにお越しくださいませ。帽子の集うひとときを、皆様とご一緒できましたら幸いです。　インビテーションに書かれている言葉を読んで、ショーの日の朝、久しぶりに被る帽子を取り出してみた。2人の言葉を思い返しながら鏡の前に立つと、自分の頭の上に帽子が乗っているだけで、自分の表情が普段より明確に見えてくる気がする。帽子に馴染みの薄い人が増えたかもしれない現代においても、自己表現としてのファッションが、その人をらしさを明確にしてくれるのだとオートモード平田は教えてくれる。

Haute Mode Hirata

「クチュールは究極の日常」　オートモード平田が問いかける“ファッション”の本質

　昨年「TOKYO FASHION AWARD」を受賞した小林は、知人から「裕翔くんはずっと地下にいると思っていた」と言われたことをきっかけに、自身の現在地を見つめ直したという。それまで「底」にいる感覚はあったものの、その先に何があるのかは見えていなかった。しかし、「地下」という言葉によって、空だと思っていた頭上に水面が、その向こうにまだ見ぬ「地上」があることに気づいたと小林は振り返る。そこで今季のコレクションを製作するにあたり、自身の姿を重ねたのが、海の底から地上に憧れる「人魚姫」だった。　人魚姫は物語の中で、地上へ行くために声を手放し、人間の姿を得る一方で、歩く苦しみや人を好きになる痛みを知っていく。新しい世界に踏み出すことで、何かを得ると同時に、それまで知らなかった痛みにも出会う。小林はそんな人魚姫の物語に、地上を知り、そこへ向かおうともがく自身の経験を重ねた。コレクションノートには、足を得た人魚姫のその後の姿が、小林自身の想像を交えながら綴られている。地上の世界に憧れた人魚姫は、自分の声を失う代わりに、人間になった。憧れた姿と引き換えに、自分の足で歩く苦しみを、人を好きになる痛みを知った。奇しくも、前回のコレクションでは地下深くの冥界、今回もまた海の底が舞台となった。私は何と引き換えに、地上に上がれるのだろうか。人魚姫は地上に出て初めて、頬を伝う涙に気がついた。初めは体の中に残っていた海水が、流れ出したのかと思った。つらかったが、海の一部が、自分の中に残っていたことが嬉しかった。しばらくして、それが「涙」だと知った。それが、悲しみと繋がっているなんて、気が付かなかった。そんなこと知らなければよかった。「Mermaid's Tears」コレクションノートより 　コレクション会場は、前回と同じヒカリエホールA。会場に足を踏み入れると、そこには人魚姫が暮らす「海の底」が作り出されていた。ダンボールで作られた魚や海藻、ガムテープの継ぎ目をあえて残した舞台装置が並び、中央には光を受けて揺らめく水面を思わせるビニールの幕が垂れ下がる。そこにあったのは、精巧に再現された海ではなく、子どもたちが想像だけを頼りに、身近なものを切って、貼って、つなぎ合わせながら、おぼつかない手つきで作り上げたような、どこか未完成な海だった。　座席には、クロスワードパズルや色鉛筆、魚や亀、貝殻、海藻などが描かれた塗り絵が置かれていた。筆者が子どもの頃なら、何の疑問も抱かず色鉛筆を手に取っていたのだろう。けれど大人になった今、「なぜファッションショーで塗り絵を？」と、そこに理由や意味を探してしまう。人魚姫が地上に出て「涙」の意味を知ったように、私たちもまた、いつの間にか目の前にあるものをそのまま見ることが難しくなっている。コレクションノートに綴られた「そんなこと知らなければよかった」という人魚姫の言葉も、どこか他人事ではないように感じられた。 　小林が人魚姫のまとう衣服の色彩に選んだのは、海の底から水面を見上げたときに差し込む光と、その眩しさへの憧れ。ショーの序盤から中盤にかけては、ホワイトや淡いブルー、ピンクを基調としたルックが続いた。異なるレースを幾重にも接ぎ合わせたドレスや、編み目の密度を不均一に変化させたニットには、パールや貝殻、チェーン、ビーズ、リボンなどが雑多に重ねられ、足元にはほつれた糸やレースが絡みつく。さまざま風合いの素材が境目を失いながら身体を覆う様は、海中を漂う藻屑や、海の底に沈んだものを拾い集めて身につけたかのよう。まだ見ぬ地上に憧れ、人間になることを夢見る人魚姫が、海の底にあるものだけを頼りに記憶の中の「人間の服」を作ろうとしているようにも見えた。 　人魚姫たちによる「見よう見まね」の様子を直接的に表していたのが、子どもの落書きを思わせるモチーフだ。黒い輪郭線で描かれた花やリボンには、クレヨンで走り書きしたような色彩を重ね、その形を大きく切り抜いて服の上に配置。別のルックでは、亀や魚、貝殻、人魚などの図柄をクッション状に膨らませ、ドレスを埋め尽くすように取り付けた。紙に描いた絵を切り抜き、綿を詰めて形にする。そんな子どもの工作をそのまま服へ持ち込んだような、無邪気で拙い造形が目を引いた。　こうした表現の背景にあるのが、小林がリサーチの過程で惹かれたという「塗り絵」。あらかじめ引かれた輪郭に、自らの手で色を与えていく行為に着目し、コレクションでは花やリボン、海藻などの線画を配したテキスタイルを製作。その上から一つひとつ手作業で色を重ねることで、塗り絵特有の不均一さや、手仕事による揺らぎをあえて残した。 　ユウショウコバヤシは、熱狂的なファンによるコミュニティとともに育ってきたブランドでもある。ショー会場にはブランドの服をまとった人々が集まり、ときには来場者まで含めて一つの世界観を作り出す。そこにあるのは、単なる作り手と着る人という関係ではなく、どこか未完成で、社会にうまく馴染みきれない孤独さや、子どもの頃の純粋さを捨てきれない気持ちを共有する人々との精神的なつながりだ。　海の底にあるものだけを頼りに、まだ見ぬ「人間の服」を作ろうとする人魚姫の姿は、コミュニティの中で製作を続けてきた小林の姿と重なる。これまで自分たちが面白いと信じてきたものを、同じ感覚を共有する人々に向けて作ることと、その外にある“世間”に認められること。ブランドがより広い世界へと進むほど、これまで必要のなかった外からの視線も意識せざるを得なくなる。その視線に応えるために自分たちを変えるのか、それとも、海の底で大切にしてきたものを抱えたまま地上へ向かうのか。人魚姫の無邪気で未完成な装いには、その間で揺れる小林の現在地が映し出されているように感じた。 　そうした小林の心の揺れを映すように、ショーは終盤に差し掛かるとそれまでの無邪気な海の景色は少しずつ表情を変えていく。淡い色彩の中に黒いレースや荒く編まれたダメージニットが入り込み、会場に響くアーティスト「ん・フェニ」の生演奏も、それに呼応するように次第に不穏さを増していった。まだ見ぬ地上を無邪気に思い描いていた人魚の世界に、やがて知ることになる現実の気配が忍び込む。　そしてフィナーレでは、一人のモデルが履いていた靴を脱ぎ、自らの足で歩き出した。原作の人魚姫にとって、人間の足を得ることは地上への憧れを叶える一方、一歩踏み出すたびに激痛を伴うものでもある。小林はこの演出について、「靴を脱ぐことで自由になれた一方で、痛みも得た様子を描いた」と話す。 　半年前、筆者にはユウショウコバヤシが順風満帆に新しい場所へと進んでいるように見えていた。しかしその裏側には、外の世界を知ったからこそ生まれた迷いや痛みがあったのだろう。だからこそ印象的だったのが、最後に人魚が靴を脱いだことだ。地上へ行くために手に入れたはずのものを脱ぎ捨て、それでも海へ戻ることなく、自らの足で歩き続ける。その姿は、地上に合わせて自分を作り変えるのではなく、自分なりの方法でその先へ進もうとする意思表示のようにも見えた。　振り返れば、今季のコレクションにはその意思が随所に表れていたように思う。ダンボールとガムテープで作った海、輪郭からはみ出すように色を重ねた塗り絵、拾い集めたようなレースやビーズ、子どもの工作を思わせる不格好なモチーフ。より大きな舞台へと進みながらも、そこに並んでいたのは、完成度を高めて“世間”に合わせたユウショウコバヤシではなく、むしろこれまで大切にしてきた拙さや無邪気さを、これまで以上に露わにした服だった。　「私は何と引き換えに、地上に上がれるのだろうか」。その問いへの答えは、まだ出ていないのかもしれない。それでも、何かを手放さなければ地上へ行けないとは限らない。海の底で育ててきたものを抱えたまま、自分たちなりの方法で地上を歩くこともできる。靴を脱いだ人魚の姿に、そんなユウショウコバヤシのこれからを重ねずにはいられなかった。

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人魚姫は痛みを知り、自由を得る　「ユウショウコバヤシ」が描く“憧れの代償”

　「クチュール」は本来、フランス語で「縫製」や「仕立て」を意味し、既製服（仏プレタポルテ、英レディ・トゥ・ウェア）とは異なる、手仕事と高度な技術を重んじる服づくりを指す。しかし近年は、ラグジュアリーの象徴として軽やかに使われ、本来の意味が曖昧になる場面も少なくない。　一方で「オートクチュール（Haute Couture）」は、クチュールとは明確に区別される呼称だ。1945年以降フランスでは法的に管理され、パリのサンディカ（Fédération de la Haute Couture et de la Mode）が認定したメゾンだけが名乗ることを許される。フランスの歴史と制度を背負った言葉である。　だからこそ、アンナ チョイが今回掲げた"クチュール”がどのようなものなのかが気になった。デザイナーに話を聞くと、その重みを意識しながら、自身のものづくりを深めようとする意欲的な姿勢が見えてきた。国や文化を軽やかに超えたルーツ　アンナ・チョイは現在に至るまでさまざまな土地で学び、異なる文化を吸収してきた。兵庫県神戸市に生まれ、韓国籍を持ちながら日本で育つ。東京の文化服装学院、ニューヨークのアートスクール、イギリスのノッティンガム芸術大学で学び、2021年に「ヘンネ（HAENGNAE）」を立ち上げると、「TOKYO FASHION AWARD」や「NEXT BRAND AWARD」特別賞を受賞。2025年には拠点をニューヨークへ移し、「アンナ チョイ」として新たな歩みを始め、今年CFDA（米国ファッションデザイナー協議会）のアジアン・ファッション・アワードのファイナリストにも選出された。　ものづくりにも異なるカルチャーが交差している。デザイナー自身の韓国的ルーツ、日本の職人による精緻な手仕事、ニューヨークの自由な感性、ヨーロッパのクチュール技法。「自然とチマチョゴリのように胸下から広がるシルエットを描いてしまう」とデザイナーは笑う。生地はニューヨーク、パリ、ミラノで仕入れ、縫製と生産はすべて日本の職人に託す。"自由を象徴する街”ニューヨークで得た感覚を、日本の技術で「Made in Japan」で作り上げることがブランドの軸になっている。　拠点やブランド名だけでなく、ものづくりへの姿勢も変わった。海外でハイラグジュアリーの世界や最高級の素材に触れる機会が増えたことで、素材選びや仕様への意識も高まったという。「クリエイションとしても、精神性としてもパワーアップした姿を見てもらいたかった」という思いが、このショー開催へとつながった。出発点はロダン美術館の彫刻　今季のテーマは、“彫刻的”を意味する「SCULPTURAL」。制作の最中に訪れたパリのロダン美術館で、異なる色や質感、フォルムの彫刻が並ぶ光景を目にし、「今やりたい表現」だと感じたという。古典的な造形美を、モダンでエレガントなドレスへと再構築する。その着想は色や質感にも広がり、各ルックにはそれぞれ異なる女性像と物語が与えられ、一着ずつが“彫刻”として仕立てられた。　披露したのは、わずか8ルック。「今の自分ができるキャパシティで、一つ一つを高いクオリティで仕上げたかった」と、数を絞った理由を語る。　会場となった渋谷ヒカリエのホールBも美術館に見立てられ、来場者には展示解説を思わせる一枚が配られた。8人のモデルはランウェイを歩いた後、小さなステージでスポットライトを浴びながら静止し、彫刻のような佇まいを見せた。観客がその周囲を自由に回遊し、ドレスを間近で鑑賞できる演出も、今回のテーマにぴったりだった。8ルックで描く、個性豊かな“彫刻”　ファーストルックのアイボリーのロングドレスは、薄いシルクジャージーにボーンを入れ、立体的に仕立てた一着。当初は1枚のドレスとして製作していたが、繊細なシルクジャージーではシルクタフタのボリュームのあるスカートを支えきれず、上下をセパレートへと組み替えたという。プリンセスラインのスカートにあえて鋭い輪郭を肩に与え、凛としたシルエットで、モダンな印象を醸し出す。 　「CORSET DRESS」は、ダークグリーンのレザー、ベルベット、シルクサテンの異素材を重ねているのが特徴。ボーンとパッドでビスチェを構築し、腰まわりは柔らかなベルベットで大胆に膨らませ、そこからシルクサテンが床へと流れ落ちる。硬さ、柔らかさ、流動性という相反する質感を、一つの身体の上に共存させ、見る角度によって表情を変える彫刻的シルエットを描いた。ブラウンの「VEIL DRESS」は、極薄のシルクシフォンを、すべて手作業のまつり縫いで製作。上半身はレオタード構造で、透けて見える脚が美しく、安心してまとえるよう配慮した。 　白い「PAPER DRESS」は、軽やかな表情を持つキャンバスのようなコットンシルクを使ったミニドレス。内側にはパニエやボーンを仕込み、硬く構築した部分と柔らかく広がる。ベージュの「RIBBON DRESS」は、乾いた質感のシルクタフタの縁や胸元の大きなリボンに、3ミリほどの細いワイヤーを忍ばせ、動かすことで大胆なフォルムを描いた。 　赤い「FOLD DRESS」は、一枚のシルクを、デザイナーいわく「バスタオルを一枚巻いたよう」なイメージで折り、寄せ、胸元の一点から立体に。縫い目を極力つくらず布そのもののドレープを生かすことで、豊かなシルエットを引き出す。マットゴールドのスパンコールをまとったドレスは、鱗を思わせるシークイン刺繍が印象的。「このファブリックを見つけた時、絶対にタイトなタートルネックで、大胆に開いたドレスを作りたいと思った」という。ボリュームのある付け袖には、ヘンネ時代から続く持ち味が現れている。　ラストを飾ったのは、ブラックの「SUIT DRESS」。スーツ生地として用いられるイタリア産の梳毛ウールを、シルクオーガンザの重なりでドレスへと再構築した。シャープなスーツ地と透けるボリュームが交差し、スカートの内側からは歩くたびに艶が覗く。このルックのみメンズモデルが着用。「ドレスは女性だけのものではない」という中性的な強さが、彼女の考える現代のエレガンスを浮かび上がらせた。ミキモトのパールがもたらす説得力　スタイリングの完成度を高めたのが、日本を代表する世界的なハイジュエリーブランド「ミキモト（MIKIMOTO）」のジュエリーだ。　アンナ チョイは今年7月、パリ・オートクチュール期間中に発表されたミキモトの新作ハイジュエリー「レクラ（L'éclat）」のためにドレスを制作した。その縁から今回のショーでは、ミキモトのコレクションからブラック、ゴールド、ホワイトのパールを用いたチョーカーやピアス、リングをルックに添えている。　最高峰のジュエリーにふさわしいドレスであることが、アンナ チョイの目指すラグジュアリーの水準を裏づけていた。“クチュール”で見据える次の景色　今回発表されたようなドレスは、日常で袖を通すものではない。レッドカーペットや式典、パフォーマンスなど、特別な瞬間にこそ映える服だ。今後はニューヨークのアートギャラリーなどで同コレクションを展示し、要望に応じたメイドトゥオーダーも視野に入れる。さらに後日には、8ルックのエッセンスを落とし込んだプレタポルテも披露する予定だという。非日常の造形を日常へとつなぐ道筋まで含めて、アンナ チョイのものづくりは広がり始めている。　デザイナーにパリ・オートクチュール・ファッションウィークへの出展を目指しているのかと尋ねると、「重い歴史があり、自分にはまだ足りていない部分もある。経験と勉強を積み重ねなければならない」と慎重に言葉を選んだ。一方で、「チャンスがあれば、飛び込みたい」と続ける。　今回のショーは、アンナ チョイにとって一つの決意表明だった。"クチュール”という言葉の重みを意識しながら、自分が信じる服づくりの純度を高めていく。その先を見てみたいと思わせるショーだった。photography: monami

ANNA CHOI

「アンナ チョイ」が彫刻的なドレスで切り拓く“クチュール”への道

　ショー会場に入って真っ先に目に飛び込んできたのは、ベッドやキッチンなどを設置した「家そのもの」とも言えるセットだ。2度目のショーである2025年秋冬シーズンでは、ディレクター Kokiの実家の近くの森から持ち込んだ段ボール600箱分の枯葉を用いて「家の外」を再現したが、今回作り出したのはその内側。Kokiの実家から、幼少期の自室に置いてあったという思い出のアイテムをプロップとして持ち込んだ。山梨県北杜市の清里でドライフラワーに関する事業を営んでいた実家はKokiにとって、「デザイン」というものに初めて触れた“出発点”とも言える場所。雄大な自然と素朴な手仕事の温もりが当たり前に存在する環境で生まれ育ったからこそ、前衛的でありながら着る人を突き放さない、ある種の包容力を孕んだコッキのモノづくりは生まれたのかもしれない。「自分の内側をさらけ出す感覚があってタフな作業だった」（Koki）と振り返りながら作り込んだ会場は、一見すると外界から隔絶されたノスタルジックな箱庭のようでありながら、生活の気配と、服が日常に寄り添うためのリアリティに満ちていた。　ファーストルックを飾ったのは、ピンストライプのセットアップの内側から、ヴィヴィッドな赤のインナーを覗かせたセンシュアルな装いだ。フロントのジップや白いステッチ、裾のデザインなどに表れているように、インナーのベースにあるのは労働者階級の服であるワークジャケット。そこにフリルを落とし込むことで、無骨さと繊細なフェミニンさを共存させている。しかし、ここで提示されているのは単にメンズウェアに女性的な要素を加えたという表面的な試みではない。実用着のタフネス、フリルの愛らしさ、テーラードの品格。本来異なる時代や場所、用途で着用されてきた服たちが、まるで誰かの生活の中で長年重ね着されてきたかのように、自然にひとつのスタイルとして馴染んでいる。年代や国境を超えて様々な国のカルチャーが入り混じる「蚤の市」を心の故郷とするコッキの、カテゴライズできない服作りがファーストルックに凝縮されていた。　今季ならではの新たな要素として挙げられるのが、Kokiが趣味で集めているヴィンテージの舞台衣装からインスピレーションを得て製作したというショーピースたち。迷彩柄を用いたジャケットのルックは、貴族の装飾服を思わせる肩フリルや金糸刺繍、レースといったデコラティブな意匠を散りばめつつ、膝丈のデニムショーツと合わせることで浮世離れしすぎない絶妙なバランスへと着地。燕尾服風ジャケットのウエストにレオパード柄のコルセットを重ねたルックも力強い。格式や演劇の幻想性を漂わせながらも、ボトムスにダメージデニムを合わせることで古典的なエレガンスと現代のストリートを交差させ、クラシックとモダンという本来矛盾するはずの感覚を共存させた。ショーピースとインラインのアイテムが互いを引き立て合い、展示会で商品を見るのとはまた違った“装うことの楽しさ”を提示した。　ショーのスタイリングは、今回から国内外で活躍するスタイリスト 山口翔太郎が担当。山口もコッキの服について語るときに「温かさ」と答える一人だ。「カッコつけるということがなく、服作りの楽しさが伝わってくる。素直で遊び心があって、自然体。そんな人に似合う服だと思いました」。モード色の強いアイテムにデニムを合わせてカジュアルダウンするなど、「あくまで日常に根ざした服として提案する」ことを意識してスタイルを作り上げたという山口。「パラブーツ（Paraboot）」が提供したグルカサンダルは、ドレスライクな品格を漂わせながら、編み込みの隙間から肌が覗く適度な抜け感を備え、スタイリングが単一のイメージに固まるのを防ぐクッションとして機能した。　多くの人を魅了するコッキの「温かさ」の正体とは。象徴する素材に伝統工芸「アメリカンキルト」があるが、その本質は単に手仕事やクラフトマンシップに留まるものではない。過去と現代、国境の壁、現実と非日常といった異なる要素を拒絶せず丸ごと取り込み、着る人の生活に接続する寛容な眼差しにある。一見前衛的なデザインには、完璧なスタイルで着飾るのではなく、装う人の個性と混ざり合うための余白が意図的に残されている。コッキの服に袖を通したときに感じる「温かさ」とは、衣服というメディアを通して作り手と自分が静かに通い合う、血の通ったコミュニケーションなのかもしれない。

KHOKI

「コッキ（KHOKI）」の服に宿る“温かさ”の正体とは？

　コレクションのテーマの着想源となったのは、三浦が尊敬するミュージシャンのデヴィッド・バーンらが生み出した「ニューウェーブ」だ。今季は「POST NEW WAVE」を掲げ、既存の価値観を自分たちの視点で再構築したかつてのムーブメントをファッションに落とし込んだ。彼らが音楽の枠組みを超えた演出を取り入れた手法にならい、衣服のクリエイションのみならず、ショーでの見せ方にもこだわった。1つのルックを3人が着用するという試みを取り入れ、多種多様な年齢や国籍のモデルを起用。それをまとう“人”の個性や、その人が着たときの服の多彩な表情にフォーカスするためにルックは厳選され、発表されたのはわずか10ルックだ。　緻密に仕上げられた衣服は、モデルが袖に通すことで初めて完成する。例えばファーストルックでは、オーガンジー素材のロングアウターを羽織ったモデルが颯爽と観客の前を歩き、会場の空気を瞬時に切り替えた。その後、同じ装いの別年代の女性が現れると、初めの衣服の印象から一転し、落ち着きと優雅さを漂わせる。さらに大きな体格の男性が同じルックをまとって歩くと、重厚感のある空間へと変えた。　全10ルック、30回にわたるウォーキングを通して、三浦が伝えたかった「着る人が変われば服も変わる」という考えは鮮やかに表現された。年齢、体型、国籍、ジェンダーといった属性の違いにとどまらず、帽子やシューズなどの小物使いや着こなし、歩くスピードや視線に至るまで、一人ひとりの個性が服の表情を生み出している。羽織るだけでスタイルが完成してしまいがちなアウターだが、フードの被り方や身につけ方でも表現の可能性も探り、その先の提案をしてみせた。　ブランドのコンセプトでもある「羽織るだけで、360度美しいアウター」の追求も一層深めた。繊細なオーガンジーは、まるで空気の層を身体にまとうように立体感のあるフォルムを描き出す。撥水可能なハリのあるナイロン素材も使用することで、アウターとしての機能性も欠かさない。贅沢に寄せられたプリーツやギャザーが生み出す丸みを帯びたシルエットは、着る人や見る角度によって、さまざまな表情を見せた。　ディテールには、フリル、ギャザー、ギンガムチェック、オーガンジーへの刺繍といった従来“フェミニン”といわれてきた要素を、誰でも楽しめるものとしてユニセックスのアイテムに落とし込んだ。「フリルは昔のイメージとは違い、男性も身につけられるようになった。それを後押しできれば」と三浦は話す。女性が着ればガーリーに見えるエッセンスも、男性だとどこかポップな躍動感へと表情を変える。ルックには、三浦が手掛ける「ザ・ノース・フェイス アーバン エクスプロレーション（THE NORTH FACE Urban Exploration）」（中国本土、香港、台湾の一部店舗で販売）の柔らかなパステルカラーのアイテムも差し込まれ、透けるオーガンジーのアウターに重ねるなど、自由なレイヤードが提案された。　ブランドのクリエイションの核には、働く人のユニフォームがある。今回は「漁師」をイメージし、漁網やバスクシャツなど、海らしいワークテイストを取り入れた。カラーパレットには赤、白、青といったマリンカラーが並び、春夏シーズンらしい軽やかなアウターへと昇華されている。花柄のテキスタイルをドッキングしたジャケットは、人の営みを思わせる自然なシワ加工が施され、同素材のエプロン型アイテムと重ねられた。アイボリーを基調にした、日本のハンドメイドブランド「ニット・クルセイダーズ（KNIT CRUSADERS）」とのコラボレーションによるニットピースが、手仕事の温もりを与えていた。　限られた10ルックの中に、フェミニンなエッセンスやマリンモチーフ、クラフト感あふれる質感やユニフォームの要素、クチュールのような精細さが交差する。そして布を自由に重ねることでジャンルにとらわれない新しさと奥行きをもたらした。

MEGMIURA WARDROBE

“1着が持つ表情の可能性”　まとう人の個性にフォーカスした、三浦メグのメッセージ

　一方で、ユウショウコバヤシが作り上げる「可愛さ」には中毒性がある。おもちゃのようなティアラ、手描きの絵、ほどけそうな未完成のニット、大きなリボン。そして会場の装飾や最後のルックに登場したのは、絵が描かれたダンボールだった。子どもの遊びのような自由さと、このまま残ることはないと思わせる未完成さは、私たちの中にある儚い記憶を蘇らせる。 　しかし、それには危うさも同居する。大人になるにつれて「幼い」という言葉は、不器用さや未完成さとみなされ、社会からは成熟や洗練を求められる。このブランドが少女的なかわいさだけでなく、不器用さや未完成さ、儚さまでをも含めて演出に取り入れることは、社会に適応するため器用になっていく自分と、子どもの頃の純粋な気持ちを捨てきれない自分との間で揺れる心に強く刺さるのだろう。　プレスリリースによれば、2027年春夏シーズンのテーマは「Mermaid's Tears」。地上に降り立った人魚姫の物語をショーの演出に取り入れている。憧れていた人間になれた喜びだけではなく、その代償として悲しみや苦しみを抱える人魚姫の物語だ。　さらに、ショー音楽として生演奏をしたアーティスト「ん・フェニ」がフィナーレで歌った楽曲「日々」は、完璧ではない生活を綴っている。誰しもが幸せを望み、SNSでは楽しそうな写真が溢れる中で、「日々」を楽しめない人の心を代弁するような歌詞だ。不器用で未熟な自分を代弁してくれる音楽が、ショーの文脈と深く共鳴する。少女性を捨てきれない人や、さらには社会から取りこぼされてしまうと感じる人にとっての救いであり、同時に「劇薬」でもある。だから、私はこのブランドに「中毒」という言葉を使った。日々を愛してるとはまだ言えずに震えた心で生きているそれでも日々を紡いでいく（ん・フェニ「日々」、歌詞引用）