インサイド

　劈頭、この連載が尻切れになったことの弁解をしておくと、先週金曜日の正午、突発的なアクシデント（私事）が持ち上がった。予定していた残りのショー取材を凡てキャンセルせざるを得ない状況に期せずして陥ってしまった。中途で投げ出すことは、エチケット至上主義に厚い私の性質が潔しとしない。だから、せめてあと一つは原稿を納品して今季の短期連載を終えたいと思い立ち、今日、「ユェチ・チ（YUEQI QI）」2026年春夏コレクションの展示会に足を運んだのだった。ユェチ・チの作品群は少しく奇妙である。ユェチ・チは、ここ数回、東京のファッションウイークにてショーを発表しており、以前より気になる取材対象の一つとして私の胸中の帳面に記録されているブランドである。確かに、奇妙な面白さ（今季のショーの映像を見て改めて感じたのだけれど）は脳髄を刺戟してくれる。番度のことだが、私は一つの突飛な術語を思い浮かべていた。　「アナグラム」は、既存の単語や文章のなかにある文字列を並び替えて、新たに、別の意味のある言葉やフレーズを作る言葉遊びの一種である。その一例を挙げてみよう。私が敬愛する純文学作家、福永武彦は、加田伶太郎と云うペンネームのもとに、『完全犯罪』（昭和三十一年）と云う短篇集を発表している。加田伶太郎（Kada Reitarō）は、即ち「誰ダロウカ」（Taredarōka？）のアナグラムである。福永は、推理小説（犯人は誰か？）の創作に限り、この筆名を使っていた。更に、アナグラムの手法を詩作に当て嵌めるなら、詩句のなかに主題となる語を分解し、散らして嵌め込み、テクストを重層化し、複雑化する技法となる。その伝で云うと、混じり気のある詩的なもの同士を繋ぐ糸が作品群に透いて見えるユェチ・チの今季の創作には、このアナグラムの手法が活かされているな、と私は勝手に想像してみたのである。　そうした視点でじっくり見直してみると、今季の創作の神秘はスッと腑に落ちるのだ。何故なら、彼女は、前以て選び出した服地やモチーフ、服飾資材や装身具（たとえば、奇っ怪な蝙蝠の羽根を広げた黒猫やハート柄、リベットやレース、男物のシャツやパジャマ、水兵服やバイカージャケットなど）を限定して使用し、それらを意図して（ときには恣意的に）様々に入れ替え、並べ替えることで別の新しいテクスチャーを作り出したのだから。それぞれがまったく違う表情の生地でありながら、限定された共通の構成要素が通奏低音のように流れていることで、作品群に不思議な統一感が生まれてくる。それは、誰もが眼にしたことのあるアイテム（クラシックで馴染みのあるカタチ）の、誰もが見たことのない新しいバランス。詩作に於ける換骨奪胎のDNAを我流で掘り下げた、この微妙な釣り合いが、奇妙な面白さに繋がっているように思う。作者（デザイナー）の意図と、読者（受け取る側）の解釈の均衡を探る彼女の創作は、慣れ親しんだ言語のルールを踏まえつつ、その文脈を変えながら、受け手にそれぞれの物語を想起することを促し、自分自身との繋がりとか、意味を見出だす自由（余白）を我々に提供してくれる。　ユェチ・チは種々のモチーフを限定的に使う、と先に述べたが、そのくだりの「限定的」の意味合いは、作者が周到に張り巡らした創作の「糸」と大いに関連がある。つまり、手の仕事と云う経糸と、無国籍な夜会服と云う緯糸によって織られたピースは、作者の自由な解釈のもとで更なる活力を味方に付け、懐古調の夜会服の古めかしい魂は見事に解き放たれるのである。因みに、東京は鶯谷に現存する社交ダンスの殿堂「ダンスホール新世紀」を会場に選んだのは、レトロな夜会服とか、フラメンコの衣裳のイメージが彼女のなかに渦巻いていたからである。一見、相互に無関係なもの同士が、互いに関連なく存在し合っているように思えるこの創作世界が、実は、いかにたくさんの糸で繋がっているか、と云うことを理解することが重要なのであって、詩的な創作が巧く成立するか否かは、その糸が、確かに目視出来るかどうかにかかっている。　淑女と悪女。成熟した女性とあどけなさが残る女性。ロマネスクとそれに次ぐゴシック様式。手仕事の器用さとストリートの粗雑さ。ダークサイドの黒猫（本人が飼っている猫は、きっと愛くるしいのだろうけれど）と「愛」に当たる中国語の簡体字「爱」のモチーフ（レーザーカットで造形したブレードなど、至るところに散見する）。繊細な手工芸（勿論マシンメードで生産された服が大半を占めるけれど）による装飾的な造形と脱構築のカタチ。血の通った抽象を探ったフォトコラージュ的な意匠とアップサイクルと云う時代性。大袈裟な喩えと承知の上で云うのだが、服地にのせられた立体的な構成は、キュビスムを想起させるものであり、理知的とは云い難いけれど、抽象表現を自己流で咀嚼した形跡がある。こうした私の理解は、的を射ているかどうか疑わしいものだが、これもまた物語を読み解く一つの解釈であると、私は信じて止まない。（文責/麥田俊一）

YUEQI QI

collection

モードノオト2025.09.10

　同ブランドにとって設立5周年のアニバーサリーコレクションとなった今回、舟山がテーマに掲げたのは、「彼女の奥深さ（The Depth of Her）」。ドイツの現代美術家 レベッカ・ホルン（Rebecca Horn）と、ルーマニア系フランス人の写真家 イリナ・イオネスコ（Irina Ionesco）という2人の先駆的な女性アーティストの作品に着想を得て、表層的な美しさだけではない、女性の内なる強さと複雑さを繊細にコレクションに落とし込んだ。　病の療養中に得た孤独感や健全な身体への渇望を投影し、羽根や角をまとい身体を拡張する作品やパフォーマンスを通じて、女性の身体の新たな可能性を模索したレベッカ・ホルン。バロック様式やシュルレアリスムを写真に落とし込み、官能的で退廃的な独自の美学を構築したイリナ・イオネスコ。2人の作品スタイルや人物像は全く異なるが、両者に共通する「自身の内面を強く映し出す創作表現の在り方」や「自分が美しいと信じているものを形にする信念」に舟山が共感し、それらをヒントに、現代における女性の身体と自己表現を模索したという。　コレクションでは、レベッカ・ホルンの作品に登場する羽根や放射状のモチーフをフリンジやプリーツ、切り替えなどのデザインとして、イリナ・イオネスコの作品の退廃的な世界観を1920年代のランジェリーの要素やダマスク柄として随所に散りばめ、フェティコならではの女性の造形美を引き立てるシルエットと融合。ダマスク柄の編み地のノースリーブトップスに、胸元にレース、裾にプリーツをあしらったミニ丈のスリップドレスを重ね、顔と脚を格子状のマスクとタイツで覆ったスタイルのファーストルックにも、その要素が色濃く反映されている。　ショーの前半では、退廃的かつ官能的なムードの強い、緊張感のあるオールブラックのルックが続くものの、次第に鮮やかな朱赤やデニムの青が差し挟まれ、後半ではベージュやアイボリーといったナチュラルでやわらかな色味に変化。それは、女性が持つ強さやストイックさ、内に秘めた熱さ、思慮深さ、可憐さ、柔らかさなどの多様な側面を表現しているようでもあり、この社会の中で女性たちがより自然体で自由な姿や振る舞いができるようになる未来を願う、舟山の祈りやエールを込めたようにも感じられた。　多様な柄のレースや編み地、透け感のある素材などをレイヤードしたスタイリングも、今季は目を引いた。裾から美しい花柄のレースが覗くスカートと格子柄の編みタイツ、リバーレースのミニドレスとふんだんにギャザーが寄ったトップス、透かし編みのニットとジョーゼットなど、さまざまな柄や質感の布地や編地が身体の上で繊細に重なり合うさまにも、女性の持つ多面性や奥深さが表れている。　そして今回のショーでも印象的に登場した、アイコンでもある官能的でフェティッシュな“ランジェリールック”。ブラとショーツに、ウエストとヒップ部分に大きな穴が空いたデザインの網タイツとアームカバーを重ねた挑発的なスタイルから、繊細なレースとプリーツが特徴のミニ丈のスリップドレスまで、豊富なバリエーションを提案している。非常に美しく、フェティコの美意識や世界観を豊かに伝えるものではありつつも、街中や日常ではとても着られそうにないこれらのルックを、舟山はなぜ作り続けるのか。ショーを終えた彼女にその背景にある思いを尋ねてみたところ、こんな言葉が返ってきた。「私自身はあまり周りの目は気にならない方なのですが、一方で周りの目をすごく気にするという声や、肌見せやボディコンシャスな服を着ることに対して『批判的なまなざしで見られた』という話も多く聞きます。だから、私は『自信を持って自分が好きなファッションをしている姿が一番かっこいい』という姿勢を打ち出すことで、そういったネガティブな視線を蹴散らしたいし、もっと女性に自信を持ってほしいんです」。　つまり、舟山が“ランジェリールック”を繰り返し提案し続ける大きな理由の一つは、この日本社会が今もまだ、女性の容姿や振る舞いに対してあまりにもとやかく言う環境だからなのだ。舟山にとって、ランジェリーとはもの自体として美しく、女性の身体に一番近いところで自信や美しさを与えてくれるものであり、決してそのまま外に出て、街を歩くわけではないだろう。けれども、“エロ”ではなく“ヘルシー”としての肌見せに世間が見慣れるまで、年齢や体型、容姿、性別を理由にした不躾な視線や“こうあるべき”を蹴散らすまで、おそらく舟山は“ランジェリールック”をはじめとした女性の身体や肌を美しく見せる服を、強い信念とともにこれからも提案し続けるのだろう。　フェティコの服は、目に見て美しく、身に纏って美しい。とりわけ、美術館のような白い壁に囲まれた緊張感の漂う空間を舞台にショーを行った今回は、まるで女性の身体を美しく縁取り装飾した、美術作品のようにも見える。それが他者の理想像や性的なまなざしが投影されて作られたり選ばれたりしたものである場合、そこには窮屈さや居心地の悪さ、暴力性を帯びる可能性もある。しかし、「自分が美しいと信じるものを着る」「私の身体は私のもの」という思いのもとで作られ主体的に選ばれた服は、着る人を内側から守り自信を与える、お守りのような存在になるのだ。　そして、過去のコレクションでも示していた通り、舟山が“美しい”と考える女性像は決して画一的ではない。その思いは起用するモデルにも反映されており、今季は2024年秋冬にも登場した小柄でグラマラスな体型の女性モデルをはじめ、人種や肌の色、年齢、髪型、体型、メイクのスタイルなど、これまで以上に人物像に多様性が感じられた。　個人的に、筆者は肌が大胆に見えたり透けたりするような服をあまり積極的には選ばない。それは単にデザイン的な好みの問題でもあるが、不躾な視線が入り込む隙を与えたくないという気持ちも少なからずある。しかし、仮に自分は肌を見せる服を着なかったとしても、他の女性がそれらを自らの意思で選び纏うことを誰にもとやかく言われない社会の方が、当然ながら誰にとっても居心地がよく、息がしやすいに違いない。人物像の多様性が示されていた今回、舟山がフェティコというブランドの服づくりに込める思いは、あらゆる女性たちが自分が良いと信じるものを選び取ることができるよう、後押ししてくれているように思えた。「世の中には依然として“女性はこうあるべき”という規範が強く残っています。そうした固定観念に縛られず、自分が美しいと信じるものを選び取る女性がもっと増えてほしい。フェティコは、そんな女性たちに寄り添い、選ばれるブランドでありたい」FETICO SPRING SUMMER 2026 "The Depth of Her” プレスリリースより 　デビュー5周年を迎え、国内では既に多くの女性たちの支持を集めているフェティコ。チーム体制も強化されてきたからこそ、「今後はよりグローバルに頑張りたい」と意気込む。一方で、「自分が見えないところでフェティコの商品を手に取ってくださる、好きでいてくださるお客様がすごくたくさんいることを最近改めて実感した。だからこそ、ブランドのファンの方たちともっと親密に関われる場所も作っていけたら」とも話す。　ブランドのアイデンティティに改めて向き合い、そのあるべき姿を再確認した今季のショーからは、今後も日本の女性たちに心強く寄り添い先導しながら新たな章へと踏み出していく、舟山の信念と覚悟が感じられた。

FETICO

Fashion

根強く残る“こうあるべき”を蹴散らして⎯⎯「フェティコ」が日本でランジェリールックを提示し続ける理由

　ここ数シーズン、ランウェイやインスタレーションの形式でショーを継続してきた幾左田千佳。「バイアール（by R）」を通じて披露した2023年秋冬コレクションは、　“チカ キサダ・バレエ団”さながらのダンスパフォーマンスやオーケストラの演奏を披露し、2024年秋冬コレクションはバレエ団の練習風景を切り取りながら、シルエットの美学をロマンティックに幾左田流に切り取った。前回2025年秋冬コレクションは、暗闇を切り裂くビートと共に力強く歩みを進めるモデルが印象的だった。　チカ キサダのショーでは、コレクション制作の指針となるコレクションノートが事後に配信される。今回のテーマは「Trace」。“ Trace ”輪郭が跳ね起きる重なり合う記憶が肌の上で点火し内側のリズムを走らせた流線が静かに描かれる街の呼吸に触れるように曲がった光が香りをなぞり動きはシルエットを連れて立ち上がる　ショーの会場は、これまでのバレエカンパニーのような演出とは一転して、「アンダーグラウンド」な空気を漂わせた（会場は、代官山の建物の地下だった）。無機質でこじんまりとした空間の中央に、「ステージ」らしきスポットがあり、吊り下げられたむき出しの蛍光灯にぼんやりと照らされたモデルが、次々とやってくる。　最初こそ驚いたものの、幾左田が「パンク・バレエ」の革命児と称されるダンサー マイケル・クラーク（Michael Clark）を敬愛することを考えると、このムードもどこか腑に落ちた。　全てのルックを、たった4人のモデルの交代で見せたのも、一般的なバレエの豪勢な公演と対比的な空気を醸し出した。ヘアはセットの途中、あるいは「まだ外に出る予定ではなかった段階」で登場してしまったかのような、乱れた様子も。前髪は無造作なのに、その奥には、決して虚ではない意志のある瞳が光る。 　ファーストルックを筆頭に頻出した、破れやひきつれを施したインナーやレッグウェアのレイヤードによる、皮膚が剥がれ落ちたようなディテールは、ボロボロに見えるが、実は生まれ変わるための「脱皮」の過程にも感じさせる。エッジが効いたレイヤードスタイルとして完成されているのは、幾左田のショーで常連のスタイリスト小嶋智子だからなせる技だろう。 　一方で、ヒップや下半身を歪にデフォルメしたようなシルエットのパファー素材を使ったスカートやワンピーススタイルも象徴的。今にもはち切れそうなボリューム感も相まって、内に蠢くものが解き放たれる、「メタモルフォーゼ」を予兆させる。　肌が透けるほど薄く解かれたTシャツは、インパクトのある見た目に反して、丁寧な処理によって作られていることが想像できる。そしてロックT調に描かれた「OPERAHOUSE（オペラハウス）」の上には、心身の特異性に対する攻撃を非難する強いメッセージがさりげなく記されている。　ブランドに色濃く反映されるバレエの要素や、そこに端を発した身体性の模索は、言うまでもなく幾左田のバッググラウンド（バレエダンサーとして舞台で活躍した経験を持つ）から得たものだ。古典にして総合芸術の完成形でもあるバレエは、厳格な規律による様式美を人の体の細やかな動き、そのための究極的な身体シルエットの管理によって成される。軽やかに跳ね、しなやかに見える身体は、2、3時間程度の公演のために日々研鑽し、むしろ常軌を逸した柔軟性と筋肉によって構成されている。可憐なプリンシパルの足はボロボロなのだが、無論その鍛錬が、比類なき美しさへと変貌を遂げる鍵だ。　幾左田といえば、この様式美的なエレガンスと、ダンサーたちの生命力へのオマージュとしてパンクな精神を組み合わせ、儚さと強さを巧みに融合させたコレクションを展開してきた。　しかしながら、今回は、確かにそのどちらも感じさせながら、いつになく「内側」に目を向けられていたように思う。分かりやすいバレエ的なコンセプトは息を潜め、むくむくと膨れ上がった「何か」が曖昧な輪郭を描きながら理想形へと変体する、美への一途を辿る変遷。言うなれば、ここ数シーズンで研鑽した、ブランドが持つ強いコンセプトとの距離感を見つめ直し、新たなフェーズへと向かうその流動的な瞬間だったのかもしれない。

Chika Kisada

内なるパンクで脱皮する　「チカ キサダ」26SSで見せた新たな美へのメタモルフォーゼ

AI時代に問う「人の手仕事」の価値　制作の出発点となったのは、「ChatGPTをはじめとするAIが普及する現代社会において、人間にとって本当に大切なものは何か？」という本質的な問いだった。　「ファストファッションの服は安価で手軽に手に入るけれど、結局は長く残らない。最後に記憶に残るのは『人の手仕事』や『時間をかけたものづくり』。1920〜30年代のクチュールが今なお美しいように、自分もそうしたものを生み出したい」という強い意志が、緻密なディテールに込められている。　客席に置かれた扇子でさえ、ハンディファンが日常となった現代において、アナログならではの美しさを感じさせる演出になっていた。ランジェリーに宿る親密なエレガンス　コレクションのベースとなったのは、1920年代から60年代のクチュールや、アンティークの室内着だった。女性のネグリジェやルームウェアは、表に見せるものではないのに、驚くほど繊細なテクニックが詰まっているもの。レースや刺繍、ピンタックの細やかな表現で、プライベート空間に寄り添うランジェリーの親密な美しさを再現した。また、モアレやシフォン、サテンといったクチュール由来のエレガントな素材が、コレクション全体にロマンチックな質感を添えていた。 レトロスポーツがもたらす軽やかさ　一方で、1970年代から80年代のスポーツウェアやクラブチームのユニフォームからも着想を得ている。サテンで表現されたステッチラインや、レトロな軽やかさをまとったディテールが、クラシックとモダンが交差するムードを演出した。　ユニフォーム風のトップスは、ツイストした襟やパフスリーブ、バラの手刺繍で華やかさとカジュアルさを融合。胸元や背番号に施された「CIRCOLO 87」は、イタリア語で"クラブ（サークル）"を意味する言葉と、デザイナー自身の生まれ年（1987年）を重ねたもの。これらの要素がノスタルジックな親しみやすさとキャッチーな魅力を添えている。 無彩色で浮かび上がるディテール　色使いだけでなく、ブランドの代名詞とも言えるチュールの使用を大幅に減らしたことも特筆すべき変化。これまで強みにしてきた素材に頼ることなく、ブランドの世界観を表現できることを証明したかったという。　実際、色彩を削ぎ落としたことで、職人の手による刺繍や上品な素材使い、立体的なフォルムの造形がいっそう鮮明に際立っていた。 覆い隠したドレスの意図　ラストも印象深い演出だった。通常3〜4体制作するステートメントドレスを、今回は白と黒の2体のみに絞り込んだ。フィナーレを飾った黒のドレスは、全身にビジューやスパンコールを贅沢に施しながらも、あえて黒いベールで覆い隠している。　装飾を隠すことで生まれる神秘感は、まさに女性のランジェリーに通ずる「見せるための美しさではなく、隠された美しさ」を体現していた。 グローバル市場への布石　ヴィヴィアーノはこれまでユニセックスな提案を得意としてきたが、2025年春夏からメンズコレクションを独立させ、デザインをしっかりと差別化。これによりウィメンズでは、より女性に特化したデザインに集中できるようになり、ブランドにとって良い影響をもたらしている。　同時に海外PRも本格的に始動するため、今シーズンからロンドンのPRエージェンシーであるLobby PRと契約。現地のショールームにサンプルを常設し、貸出対応をスムーズに行っていく体制を整えた。これによって、海外のセレブリティの着用やエディトリアルなどでヴィヴィアーノを目にする機会が格段に増えるだろう。　今季のショーは、ブランドの確かな創造力を示すとともに、海外戦略の布石となり、次なるステージへの飛躍を予感させるものとなった。

VIVIANO

AI時代に問う「人の手仕事」の強み──ヴィヴィアーノが無彩色で見せた新たな一面

　縁あってブランドの歴史を振り返る取材を受けたことがある。短期間ではあるが、足繁く当時の事務所に通った記憶がある。勿論、津森千里本人の談話も取った。往時「ツモリチサト（TSUMORI CHISATO）」はパリでショーを続けていた。パリでも毎回取材をしてきた。服を作ること以上に、服のために絵を描くことが本当に好きなのだな、と云うことを、一連の取材を通して改めて実感した。服を彩る自作のイラストこそが、津森が感じ、考えることを表現した、ハッピーでガーリーな服と云うブランドコンセプトを体現する尤も有益なメディアなのである。身の回りにあるモチーフはドローイングやスケッチの題材となり、プリント図柄に組み込まれる。その流れは今も昔も変わってはいない。 　印象に残るイラストは、思い出の数だけある。なかでも私が一番ユニークだと思ったのは自画像のモチーフである。本人が一層確かに自身の姿を捉えているのか、その胸中の自画像は常に生き生きとしている。これまで幾度も、本人が描いた自画像は、プリントや刺繍で服に落とし込まれていて、確か、二十五周年を迎えた2015-16年秋冬コレクションにも本人の自画像が採用されていたように思う。ガーリーだけれど素朴、ポップだけれど人懐こい。素描のようなイラストそのものも魅力的だが、それらが服の設計に変換されてこそ、その命は一段と輝き出す。「縦縞や横縞、格子柄や水玉模様は、私のなかでは『無地』と同じ」と本人が豪語するだけあって、ここまで色柄で遊ぶブランドも珍しいのではないだろうか。シーズンを失念してしまったが、往時のアメコミ人気にあやかった「スーパー“ツモリ”ウーマン」（津森本人が「スーパーマン」に扮したイラスト）は極め付けだった。　また、ブランドのミューズをデザイナー本人が務めると云うあたりも、このブランドらしいユニークな一面である。そのことを自ら公言して憚らないのだ。本人が標準体型に近いと云うことから、仮縫いでも自ら袖を通し、着心地とシルエットを確認すると云う。年齢云々ではなく、津森と同じ感性、感覚を持った凡ての女性がターゲットだけに、自身がミューズと云うのも過言ではないのだろう。私は、津森の、子供のような天真爛漫を羨ましく思っている。 　2025年9月4日、ツモリチサトは、渋谷区神宮前のTC HOUSE（アトリエ兼直営店）にて2026年春夏コレクションを発表した。今回の東京でのショーは、ブランド設立三十五周年を記念して開催されたものだ。パリにて発表した2018-19年秋冬コレクション（パリデビューは2004年春夏シーズン）以来、七年半ぶりのショーとなった。パリデビューのシーズンは記憶に残っている。「アフロディテ」がそのときの主題で、ギリシャ神話の女神を彷彿させるドレープを効かせたマイクロミニがファーストルック。ピュアな白の潔さが、果敢に挑む当時の津森の熱い思いを代弁するかのようで、印象的なスタイルだった。花や植物、海洋生物、地球、虹と云った津森が愛して止まないモチーフをギュッと濃縮したようにちりばめた今季の作品群は、涼やかなパステルの色彩と煌めくスパングルで彩られている。ファンタジーは、彼女の内面で絶え間なく変化し、変化することで自らを創造し、自らを創造することによって生き続けてゆく。来たる四十周年に向けて、このファンタジーは止むことはないのである。（文責/麥田俊一）

TSUMORI CHISATO

モードノオト2025.09.04

　私は時間を見つけては、現代アートと意識的に触れるようにしている。作品を通して世界の見方を揺さぶられたり、アーティストの思考に浸ったりするのが好きだからだ。専門家ほど知識があるわけではなく、全くの素人であるが、一つの疑問を抱くことがある。それは、若いアーティストでデジタルアートや先端技術を使った作品ほど「人間の精神性」や「人間とは何か」という根源的な問いを投げかけてくる、ということだ。　最近の代表例をあげるならば、大阪万博で展示されている落合陽一氏がプロデュースした作品だ。テクノロジーと仏教哲学を掛け合わせ、人間の存在のあり方を探ろうとしている。根底にあるのは仏教の「色即是空（しきそくぜくう）」という思想で、「形あるものは実体を持たない」という意味だ。落合氏はこれをデジタルに置き換え、「肉体という“色”が、データという“空”に変換されていく世界」を描き出す。つまり、すべてが0と1に還元される近未来に「人間とは何か」を問うているのだ。　同じ問いにファッションで挑んだのが、「ヒュンメルオー（HUMMEL 00）」のデザイナー・森川マサノリ氏である。森川氏はスポーツの根幹にある「人体」を解剖学的に再解釈し、これまで服に隠されてきた筋繊維や骨格を、パターンやパイピングに組み込むことで可視化した。　会場に展示された二体の人形は、アスリートが「ゾーン」に入る瞬間を「身体と意識の融合」として示す一方、身体と意識の分離を暗示する「幽体離脱」として提示され、対極的な状態を描き出した。森川氏はこの二つの状態を対比させることで、スポーツウェアが人間の意識と身体を一致させパフォーマンスを高めるための装置であることを示しながら、同時に「可視化できない精神とは何か」という問いを投げかけている。　さらに映像演出では血液や細胞のイメージが差し込まれ、人間の原始的な「狩り」の記憶までも呼び覚ましていた。肉体を動かすという点で、スポーツと狩りは同じ行動原理に基づくものだと示唆しているのである。　HUMMELが掲げる「Change the World Through Sport」という理念は、肉体的なパフォーマンスの追求にとどまらず、心の変化や人々を奮い立たせる力を信じている。森川氏はその内面的な側面をコレクションに映し出し、テクノロジーを駆使しつつ、あえて「人間らしさ」を際立たせた。　この姿勢は、「クリスチャンダダ（CHRISTIAN DADA）」時代にも通じている。当時は装飾を反抗の象徴として用い、モードの美しさと、着る者の葛藤やアイデンティティの揺らぎを映し出していた。衣服を通じて形のあるものから形のない感情を伝えているのである。また〈Pilgrimage（巡礼）〉と題したコレクションでは、仏教の精神性をモチーフに据えており、森川氏の関心が一貫して人間の内面に向けられてきたことがわかる。　今期のコレクションは、スポーツブランドの理念と森川氏自身の創作哲学が響き合ったものだ。布という具体的な形を通じて、人の内面や背景を映し出しており、前ブランドを知る私の目からは、HUMMELと森川氏の序章が始まったような景色に映った。 　話は戻るが「空」とは、すべてのものごとに実体はなく、個々の関係性の中でしか存在しないという考えだ。テクノロジーが世界をデータ化し、あらゆる事象を数値に置き換えようとするとき、この「空」の感覚は、むしろ人間の側にしか残らないものとして浮かび上がる。　テクノロジー社会が「可視化」「数値化」を追い求める中で、不可視であり、数値化できない人間の精神を可視化しようとする表現は、現代において抵抗になる。ファッションの中で精神性を纏うことは、人間にしかできない「不完全さの価値」を取り戻す営みなのだ。　落合氏と森川氏が共通するのは、先端技術を駆使しつつも「情報化されていく肉体」を見つめながら、その先にある精神性を問うている点である。そして両者の表現は、純粋なアートにとどまらない。落合氏の作品は万博という国家的イベントに、森川氏のコレクションは商品として市場に流通する。つまり、制度や市場という枠組みを通じて、私たちの存在そのものを問い直しているのだ。　デジタル化がさらに加速し、人間を「情報化」し「商品化」する時代。私たちはいかに人間であり続けられるのか。ファッションもアートも、その切実な問いから逃れることはできないだろう。

HUMMEL 00

森川マサノリ氏、スポーツウェアで「人間とは何か」を問う

都会に生きる自然を愛する女性像　ハルノブムラタに加え、今年始動した新ブランド「アルノ（ARNO）」、そしてユニクロを擁するファーストリテーリング傘下「プラステ（PLST）」のウィメンズ クリエイティブディレクター就任と、多忙を極める村田。しかし、その日常の中で、料理のように創造する行為こそが彼の心を潤している。　こうした「本質的な豊かさ」への想いを込めて、2026年春夏コレクションで描いたのが、"自然を愛し、日常の豊かさを感じながら都市を軽やかに歩く女性像"だ。　会場は、近未来的なテレコムセンターのテレコムアリーナ。高さ37メートルの天井をもつ広大な空間に、人工の滝をイメージしたスモークが流れる。都会的な空間で光や水、霧といった自然の要素を用いたインスタレーションで知られる芸術家オラファー・エリアソンへのオマージュで、「自然の要素と都市の要素の融合」をテーマに、自然の壮大さに触れた時の感覚を再現している。　やわらかなスモークが漂う中、モデルたちがランウェイへと歩み出した。自然界の美しさを日常着に融合　ファーストルックに登場したシアードレスは、極薄のオーガンジーを50枚重ねて裾にかけて徐々に枚数を減らし、霧のようなグラデーションを描いたもの。谷崎潤一郎の「陰翳礼讃」で謳われた光と陰翳の調和が織りなす日本的な美学にヒントを得たという。　このように自然界の美しさを思わせるディテールが随所に散りばめられた。長いフリンジをあしらったトップスとテンセルカシミヤのスウェットパンツのレイヤードは、岩間を流れる水をイメージしたもの。上質な素材と日常的なアイテムの組み合わせが、「自然と都市の融合」を体現していた。デニムと西陣織での新たな挑戦　ブランド初となるデニムも、力強い存在感を放っていた。カジュアルな日常着の象徴ともいえる素材を、ハルノブムラタならではの美学でエレガントに仕上げている。ボリューミーなスモッキングが印象的なミニドレスは、1着につき20時間以上という膨大な時間をかけて手作業で施されたもの。丁寧な洗い加工によって柔らかく表情を変えた生地は、品よく心地よい風合いを見せている。　西陣織を使ったスカートは今季のスペシャルピース。京都で百年の歴史を持つ織元、職楽浅野との協力で制作され、帯の織りの裏面に隠れた偶然の美しさに着目したという。銀の裏糸が走る景色を水の流れに見立て、枯山水のような表現をモダンな印象を目指した。充実するアクセサリー 　ハルノブムラタにはすでにアイコンとなるバッグやシューズが揃っているが、今季も新作が加わり、ラインナップがさらに充実した。形を変えられるバケットバッグや、引き絞ることで表情を変えるトートバッグなど、機能性と美しさを両立させた新作が登場している。ヒールシューズやサンダルも新たに提案され、全身のトータルコーディネートによってブランドの世界観がより鮮明に表現されている。　氷柱のように透明なビーズを立体的にあしらったサングラスや、同様に大ぶりのビーズを用いたネックレスやイヤリングが、スタイリングの印象的なアクセントとなっていた。未来を見据えた確かな歩み　総じて、日常の中にある「本質的な豊かさ」がコレクションを通して巧みに体現されていた。一見エフォートレスな佇まいでありながらも、実際にはストイックで、美しさへのこだわりが色濃く表れた、村田らしさが際立っていた。　プラステではよりマス層に向けた洗練された通勤着を提案し、アルノではハルノブムラタよりも手に取りやすいエッセンシャルを届ける。そしてハルノブムラタでは、村田がかねてから追求する“日本発のラグジュアリーブランド”としての世界観を突き詰め、グローバル展開を見据える。　それぞれのブランドで彼のクリエイションは確かな方向性を示し、着実に理想へと歩みを進めている。

HARUNOBUMURATA

ハルノブムラタが見出す“本質的な豊かさ”　自然と都市の調和が生む日常の美

　2025年春夏コレクションでも「レースカーテンが揺れている光景」という「日常」に焦点をあてていたが、その目線が部屋の中から、部屋の外に向けられる変化があったことも心が揺さぶられた要因だろう。ぼさぼさヘアのモデルが早歩きで目の前を駆け抜けたのが最たる例だが、言葉を選ばずにいうなら、それはさながら家の中に数十年引きこもっていた人間が久方ぶりに外の世界に飛び出し、その世界の美しさを語り出しそうな雰囲気すらまとっていた。部屋の中に居続けた人にとって、私たちが見慣れてしまった日常の景色がどれだけ新鮮で美しいことか。 　お尻の部分がすすけた小花柄のパジャマのようなボトムスは、長い間彼女が座り続けていた歴史を感じさせる。肩口が歪んでいるカーディガンは、安いハンガーに長年かけっぱなしだったのだろうか。肩紐がねじれたワンピースやショルダーバッグを急いで掛けたのかめくり上がってしまったジャケット、極め付けはモデルの年齢にはそぐわない、幼児向け番組「にこにこぷん」のキャラクターがほどこされたカーディガン。そのどれもが、鑑賞者に「手入れが行き届いておらず、着飾ることにそれほど興味がなさそうな人」を思わせるのは意図的か、否か。今回のショーが小規模な会場で発表されたことも含め、あえてファッションの制度化されたスケールから距離を取る態度のようにも感じさせる。それは「スーパーに出かける程度の外出が、ある人にとっては大冒険になる」という村上の言葉の通り、些細な行動に宿る大きな意味を強調する行為でもあるように思う。　コレクションテーマの「my basket」は、「当たり前にあるもの」という意味でスーパーマーケットのまいばすけっとにも掛かっているのだろうが、「my basket」（私のカゴ）というモチーフは、知識、経験、感情を抱え込む「自分の器」の比喩として捉えることもできる。また、カゴの編み目はぐるぐると繰り返されることで出来上がる産物であり、その反復性は毎日を生きる我々の「日々の繰り返し」とも連動してくる。忘れてはならないのは、村上は「若い人にニッターはかっこいい仕事だと思って欲しい」と方々でコメントするような生粋のニットブランドデザイナー。ニットも基本的に、編み続けることで物が出来上がる反復の産物だ。反復性の営みは、すなわち「ピリングスの手仕事」「繰り返される日々」とニアイコールで結べるところでもある。　カゴ（basket）は器（bowl）とは異なり、基本的には編み目があるので、カゴが満たされる前に底からこぼれ落ちてしまうこともあるだろう。「バスケット＝自分の内面の入れ物」で、そこに入ったものとどう付き合うか、何を溜め込むか。それは世の中に何かを生み出すクリエイターにとってはほとんど命題に近いものだと思う。編み込まれたカゴに入れられたものは孤立せず、互いに響き合って増幅し、クリエイションとして日の目を浴びる。今回、村上が自身のバスケットの中で響き合わせ、増幅させたのは、私たちが無意識に蓄積してきた日常の視覚的記憶を掘り起こしながら、それを改めて“発見する”体験に変換させる装置（服）だった。私たちが日常的に目にしてきているすべてのものは、本来平凡なものにすぎない。しかし服というかたちで立ち上がると、それは見慣れたものではなく、未知の存在として立ち現れる。その二重性が観客を惹きつけたのではないだろうか。 　不思議なのは、これほどまでに服の背後にある物語を想像させながらも、全体に静けさが漂っている点だ。それはまるで、デザイナー自身が名乗ることを拒むような、村上の沈黙に似た静けさとも言えるだろう。「どこかで見たことがある」という既視感と「決して見たことがない」という未知性。その意図を理解しようとする時、私たちは村上の視線を追うのではなく、自らの中にある記憶や想像を手がかりとせざるをえない。　人間の記憶はビデオカメラのように音声もなければ長尺で保つこともままならない。数秒単位、あるいはカメラのようなワンシーンの連なりが人間の「記憶」の正体だろう。その限りある記憶を駆使しながら、何気ない日常を慈しむ心が我々には備わっている。記憶は曖昧なもので、数式や定規などでは描きようがない。おぼおろげな記憶が規則的ではなく、ピリングスのシグネチャーのように「歪んでいる」のは至極真っ当で納得感もある。　話は横道に逸れるが、仏教には「空」と言う概念があり、日本ではより強く「はかなさ」や「むなしさ」など元来あった日本人特有の気分と結びついたものとして「空」の概念が受け入れられたそうだ。ファッションにおいて「日本的なもの」を表現する時、多くのクリエイターは型や素材、文化的な背景を利用しようとするが、村上は「日本人らしい儚い記憶の保存方法」に着目し、カメラもでもなく、ビデオでもなく、服でそれを試みようとしている稀有な（そしてかなりチャレンジングな）デザイナーだ。それはいつの日か、新たな「日本発の日本らしさを表現するブランド」として世界に受け入れられるだろう。

pillings

見慣れすぎた「まいばすけっと」は都民の罰なんかじゃない──「ピリングス」2026年春夏

　「ちょっと痩せたので」と、男は弁解がましく笑っているが、きっと自覚の顕れだろう。確かに、眼前の男の風貌は、以前のネズミ男的な印象が消え去り、キリリと締まったデザイナーの顔になっている。　ここ数回、「ピリングス（pillings）」は含蓄に富んだショーを見せてくれた。大正時代の私小説作家が作品のモチーフとして描き続けた閉塞感のようなモヤモヤを、詩的で愛らしい掌篇へと昇華させる村上亮太の気骨がその作品群に見え隠れしている。私は、彼の意気地と、作家としての抜き差しならぬ生地を眼にする度に心が動かされてきた。そんな彼が、今回、ヘタウマ式の既製服の境界をひょいと跳び越え、オートクチュール的な仕事を彷彿させる創作を披露したのである。　お前は正気か？と揶揄されるのを覚悟で云うのだ。これでも売文稼業を活計とする身。誤解を招くといけないので註釈を入れておこう。なにも村上の腕前が格段に上がったわけでもないし、高級注文服の崇高なメゾンの格式とアトリエの盤石な体制と云う二種の神器を一挙に手にしたわけでもない。まして実際の服はと云うと、クチュールと呼ぶに相応しい気品（リッチ）もなければ、贅沢感（ゴージャス）もないと云う按配なのだけれど、私は、敢えてこれらの愛らしい「毛玉たち」を、クチュール的な実験の産物として評価したい。　こんな評価は、誰も想像し得なかっただろう。これほどまでに作家の身の丈に合った手仕事と創意工夫の結晶を眼前に突き付けられてしまっては、私のヤワな思考回路は、嬉しいことに、まったくの誤作動を繰り返してしまった。否、思考の誤作動などはどうでもいいことだし、実際、作品がクチュールに値するかしないかなどはどうでもいい。一つだけ確かなことがある。村上は、彼のアトリエの面々を鼓舞して、思考や情熱や感動を、触れることの出来るものへと変換したと云う事実である。元来、メゾンのクチュリエとアトリエとの関係はそう云うものだ。その伝で云えば、紛れもなく彼は、当たり前な日常を、手に触れることの出来る浪漫（ローマン）へと昇華させたのである。新しい技法かと問われれば、決してそうではないけれど、種々の加工を随所に施すことで、服についてしまった「たたみジワ」とか「座りジワ」とかを、意図的に眼に止まるアイコンとして服に定着させるあたりの、この設計上の、良い意味でのあざとさが愉快なのだ。　物語の面白さに慣れた我々は、より工夫された刺戟的な物語を好むように出来ている。だが、恰も評価を当て込んだ如く展開される、日常と非日常の押し付けがましい追い掛けっことか、脱構築のエスカレーションだけが刺戟的な物語なのではないと云う事実を、今回のショーは明確に提示している。村上が描く掌篇は、常に書く側の感覚に裏打ちされた情緒的文章で成り立っていて、しかも充分に計算の行き届いた知的構成を忘れない。否、寧ろ感覚的であるよりも知的であることの方に、重きを置く傾向がある。この場合の知的の意味は、頭脳の冴えと云うよりは、考えに考え抜かれた工夫とか、あざとさと解釈して欲しい。この外連味が、手際の悪さと愛らしさと表裏一体式のヘタウマ感覚を生み出すと云う図式である。まぁ、今回の作品群は、幾許かの稚拙さを味方に付けてはいるものの、少しく大人びて見えたのも確かなのだけれどね。　村上が築き上げた言語世界は、なんとも奇妙である。子供が玩具箱をひっくり返し、ガラクタを積み上げてわけの分からぬ奇妙なオブジェクトを作ったようなものだ。このオブジェクトには、隠されたなんの意味もない。ただ作者の無償の、無垢な想像力が組み上げただけのものである。但し、創作過程の蓄積と醗酵の時間の長さを想像すると、これは、ただの子供の悪戯では成立し得ない、緻密な観察眼と強い意志の賜物であると理解出来よう。題材は、箪笥に仕舞ってある普通の服。飾りは最小までに抑えられ、しかもこちらに媚びる演技もない。それがしかし、見た眼の普通と云う皮を剥いで現れる中身の普通が凄いのである。と云ってもまだ、何も云ったことにはならないが、しかし、そのチラリと露出した普通を見てドキッとするのは何故だろうか。またもや、彼が用意した絡繰りにまんまとハマってしまったらしい。（文責/麥田俊一）

モードノオト2025.09.03

　文字通り流れる如き展開。動きが生み出すワルツの律動。漸次移り変わる服地のしなやかな表情。こうした抒情的な設定は「ハルノブムラタ（HARUNOBUMURATA）」ワールドの定番。気品のある拵えと云う結構も、既に手の内に入れてある道具立てのせいか、終始、滑らかに流れる感じがする。たとい2000年代前半の欧州のラグジュアリーブランドの影響が見られたとて、既視感を追い払うだけの充分な咀嚼力がある。とりわけ今季の創作は涼やかだ。後述するけれど、彼の創作は、眼に見えないほどの一本の糸で繋がれている。　陰影のもたらすゆかしさを感じる。たとえば、透明感のある色彩が交叉する澄んだ空気の印象。浅瀬に流れる水の音のイメージ。陽の光に反射する水飛沫の煌めき。花弁に零れる朝露の儚さ。八重にかかる朝霧のおぼろな情景。鬼百合のグラマラスな造形。朝まだきの庭園のすがすがしい景色を創作イメージの遠景として、我々を育み、恵みを与える自然の豊かさと神秘を彷彿させるモチーフが服の設計と細部に織り込まれている。この場合、古来の日本庭園が望ましいが、特段その様式にこだわるよりは、噴水や花壇、池泉や東家などを設えた情趣のある架空の庭園の全景を想像して欲しい。　円熟した大人の語り口とまではいかないけれど、村田晴信の創作は瑞々しい抒情性を湛えている。と云ったとて、湿っぽさは微塵もない。女性たちは、自慢のボディーラインを見せるために、窮屈な仕立て服を我慢したり、逆に、慎み深く全身を覆い隠したりする必要などはない。村田の特有の優雅さを身に纏えばいいのだ。このことは以前も云ったけれど、軽やかで綺麗な服を演出するブランドの居場所がなくなってしまった今の東京のファッションウイークに於いて、村田の意志は貴重な存在だと思う。それほど引き出しが多くはないようだから、大胆なシーンチェンジは望めないが、何も、立ち合いで、すばしこく変わり身を打つことだけが目新しさではないのだから、そのあたりの土俵勝負の呼吸は、本人がいちばん承知しているだろうし、外野がとやかく口を挟むべきことではない。　これは私の勝手な想像なのだけれど、彼は縫い目を一本取るかどうかで、何時間も、或いは、何日も悩み続ける男なのだと思う。その仕事ぶりは、ファッション界の古典主義者さながらだ。彼の作品がミニマルならば、ミニマリズムには思想とアイデアがギッシリと詰まったものでなくてはならない。密度の濃い仕事をしているのだから、ミニマムなデザインを手掛ける他のデザイナーと一緒くたにすることは、一つ一つの作品に込められた労力を侮辱することになる。私が行司ならば、ミニマリストよりもマキシマリストとしての彼に軍配を上げる。珍しく今季はデニム素材を大胆に取り上げている。一着毎に手仕事によりスモッキングされた布の質量は、洗いを掛けることで肌馴染みの良い風合いに仕上げた。彼のスタイルが微妙に進化を遂げたとしても、驚くに値しない。流行にしがみつき、シーズン毎にトレードマークを変えるようなデザイナーとはわけが違うのだ。　得てして一つのショーには、創作の「魔」が立ち上がる瞬間がある。見逃すことの出来ない瞬間である。村田の創作は、ジャポニスムとかシノワズリーとかのステロタイプ化した異国趣味とは一線を画するものだ。だが、和的なファンタジーがちらりと覗く瞬間がある。服に擦り込まれた「和」とか、幻想的な「和」は、我々がそれと気が付かないほどの巧妙さでうっそりと立ち上がり続けている。「洋」の服を題材にしているが、村田は、豊かな奥行の精神と、極めて日本的な美の本質を自らの創作の拠りどころにしている。「和」と云う直接的な主題に共鳴することはなくて、もっと枝葉末節の、皮膚感覚に近い部分での共鳴である。しかし、思慮深き読者には、主題と枝葉末節は、実は等価であると云う事実を再認識するはずである。さて、一見、途切れているように思える糸をしっかりと見ることが出来るか。試してみる価値はある。（文責/麥田俊一）

モードノオト2025.09.02

　今日「ムッシャン（mukcyen）」のショーを取材して思った。ボンデージとかランジェリーの細部を見て思った。白状するが、私は、女性が作る女性の服に、あまり魅力を感じたことがない。勿論、例外はある。女性が作る女性の服に、感服することはある。意中の女性デザイナーの名前を一つ一つ数えると切りがない。ここで誰々と名前を挙げるのは相応しくない気がするから割愛するけれど、寧ろ、男のデザイナーの比ではないかも知れない。　世間に倣って、遅まきながら、「多様性」と云う題目がファッションの世界でも喧しくなって久しい。遅まきながらと云ったのは、多様性と云う概念こそ、そもそもファッションを、ファッションたらしめる、心理的衝動であった筈の動機に相違なく、それが、今更ながら大手を振って再登場してしまうのだから、さしずめデザイナー諸氏、よほどコレクションノートに書き付けるテクニカルターム（煽情的な用語）が欠乏しているのだなと、いや、関係者よりお叱りを受けるのは覚悟の上だけれど、もそっと気の利いた主題、楽曲の中心となる楽想を端的に表現する術語が使えないものかと、ここ数シーズンの間、心待ちにしている私の身にもなってみなさいな。でも、なんだなぁ、こんな傍観者ヅラした他力本願を懐にするのは卑怯と云うものだなぁと独り言つ愚者一人。　閑話休題。改めて多様性について語るつもりはない。男が作る女の服には、男のエゴがあるから面白い、と云いたいだけだ。炎上覚悟で云うとね、男の私から見ると、男自身のエゴが、彼らの作る服に滲み出るから、男の作る女性の服は面白いのだ、と云う得手勝手な論法である。理論発展の方式など微塵もないし、女性のデザイナーに対して、甚だ失礼なのは承知している。 　もう一つ白状しよう。私の、女性に抱く畏怖の念は、とてもシンプル（単純）なのである。それは、直立二足歩行を始めた僕（正確に云うと、我々の祖先であるアウストラロピテクス）が、「火」を発見したことで、鬱蒼とした原始林の恐怖に打ち勝ったとき、まさにその折に、僕のDNAに深く刻み込まれた根源的な記憶に通じるものなのだ。その畏怖の念は、未知なる不気味さに克つたときに味わうカタルシスと云うか、未知なる神秘の持つ威厳に畏まる気持ちと云ってもいい。眼に見えない一本の糸で、大自然と繋がっていると云う感じだろうか。こうした狭量で曖昧な視点を拠りどころにファッションを書いていていいのだろうか、と番度に思い悩むのだけれども、今更、転向することは出来ない。私にとっての「火」は、錬金術師が躍起になって追い求めた「賢者の石」のようなものなのかも知れない。　「ムッシャン」のデザイナーは、木村由佳と云う女性である。彼女は、セクシュアリティーの境界に挑戦する主題を掲げているわけではない。伝統的な下着やコルセットも、彼女の手に掛かると外出着になる。男のデザイナーであれば、女性の体型を強調することに重点を置く傾向が強くなるところだが、彼女には、常に女性のプロポーションを気にしない節がある。それに彼女は、シャープな仕立てと、ボリュームを持たせたカタチとを両立させることが出来るデザイナーで、寧ろそれを得意としているようだ。但し、今は完璧ではないけれどね。 　フラットにカットするが、悪戯に肉感的なカタチを嫌い、同時に不必要に身体に纏わりつくカタチを避けている。だから、彼女が考えるセクシュアリティーは、より概念的なレベルで、常に自立していて、叛骨的な意志を持つ知的に成熟した女性に訴えかける性質のものだ。要は、男のデザイナーのような変な媚びが立ち入るスキはない。男が理想とする体型とか、社会の性差別意識、或いは服そのものの機能、即ち、リアルクローズとプロテクションと云う概念の相関関係に敢えて挑もうとしている。多様性と云う陳腐なフレーズが声高に謳われようとも、自身が目指す女性の服と真摯に向き合い続けるならば、自身の創作のルーツに繋がる糸は決して断たれることはないだろう。デビューショーの今回がすべてを云い尽くしてはいないし、私にとっての「火」が眼前に迫りくるほどの激しさを伴っていたかと云うと、残念ながらそこまでの迫力はなかった。だがしかし、いつの日か、根源的で神聖な「火」を、私はしっかり享受してみたいと願っている。（文責/麥田俊一）

mukcyen

モードノオト2025.09.01

予言が導いた“限られた時間”への思索　デザイナー木村由佳が今季の着想源に挙げたのは、SNSを中心に広がった「2025年7月5日に日本で大災害が起きる」という噂だった。東日本大震災を的中させたという漫画家のたつき諒の作品に記された一文が発端となり、不安や憶測が世間を駆け巡った。　幸い、そのXデーは何事もなく過ぎ去ったが、木村は「未来への不安感から、“限られた時間をどう生きるか”ということを考えました。予測できない出来事にも対応できるような洋服をイメージして制作しました」と語る。肌を優しく包むセカンドスキン　ファーストルックに登場したのは、枕を抱え、包帯を巻きつけたようなセカンドスキントップスとレギンスに身を包んだモデル。避難の途上を思わせる姿だが、その素材は柔らかく、身体を優しく包み込む。　この象徴的なセカンドスキンシリーズは今季、キュプラを重ねて保湿加工を施し、長時間の着用にも耐える仕様に進化した。木村は「スキンケア効果のある素材を開発し、インナーウェアでケアできる服を目指した」と話す。快適さと実用性を兼ね備え、日常と非常時の両方に対応する"防護服"となった。災害への"備え"をファッションに昇華　コレクションには、災害時の"備え"を思わせるディテールが散りばめられていた。　バッグの造形を取り入れたというハーネスや、ジャケット、ビスチェ、ショートパンツとなる肩甲骨のような立体的なフォルムの“スキャプラハーネス”。ストレッチコットンのジャンプスーツは、大きなポケットや変形できるラペルを備え、シーンに応じて自在に姿を変える。 　さらにモデルたちが携えていたぬいぐるみやランプは、被災時の"持ち物"を想起させるアイテムだった。ギプスや防刃ウェアを彷彿とさせるメッシュやチェーンのアクセサリーは、身を守りながらも前に進む人間の強さを表現する小道具として機能。シャツのスリットに腕を通し、骨折時に使用するアームホルダーのように固定したり、長いスカーフで頭を覆ったりと、スタイリングにもその精神が落とし込まれていた。ムッシャンが描く死生観と退廃美　ムッシャンは2024年秋冬にデビューしたばかりの新たなブランド。今回、日本ファッション・ウィーク推進機構の「JFW NEXT BRAND AWARD 2026」でグランプリを受賞し、このショーで今季のファッションウィークは幕を開けた。　死生観を核に据えたダークで退廃的なムード、コルセットや包帯などボンテージディテールによる身体の誇張、中国と日本をルーツに持つ木村のオリエンタルな表現。4シーズンですでに独自のスタイルを確立しており、その世界観はこの初舞台でも鮮烈に表れていた。防災の日に示した“向き合うことの重要性”　奇しくもショーが行われた9月1日は「防災の日」だった。1923年の関東大震災の教訓を伝えるために制定された日である。　予測不可能な災害や事故が相次ぐ不確実な現実の中で、ムッシャンが示したのは、自分自身と向き合うことの重要性だ。木村はこうプレスノートに綴っている。「自分自身に問い質すことは、不確定な運命の気質の膿である不安や苦痛を和らげるセラピーといえるでしょう。 それは、ほんの 10 分足らずの時間かもしれません。 ただ実際は、その儚さや一貫性の無さからは程遠く、洋服を着脱することを通した思考は、 無を赤く染め上げるかのように、自己のアイデンティティーを炙り出す役割を果たすのです」　わずか10分というショーは、まさに「限られた時間」の象徴だった。しかし、その濃密な瞬間が観客に伝えたのは、不安や恐怖ではなく、どんな状況でも前を向いて生きることの尊さ、備えと心構えを持つことの大切さだった。そして、服をまとうという日常の行為さえ、私たちが自分自身を見つめ直すきっかけになり得るのだと気づかせてくれた。

ムッシャンの儚く美しい防護服──初舞台で問いかけた「限られた時間をどう生きるか」

　今回青木が着目したのは、多様化が進み、あらゆる個性や価値観、ファッションスタイルが受け入れられるようになりつつある時代の中で自身が感じているという、時代や精神の「カジュアル化」。ブランドのアイコン的モチーフとして、“フォーマル”の一つの象徴でもある「ユニフォーム（制服）」に長年取り組んできたアキコアオキが“カジュアル”を捉え直すとどうなるのか、という問いと試みが今季のテーマになっている。　ここでの“カジュアル”が意味するのは、「ユニフォームがもたらす制約とは真逆にある状態」であり、「単なる衣服のカジュアルダウンではなく、プライベート（無意識）の境界線が混じり合った異なる要素が、地続きに存在する中で生まれる装い」のことを指す。　幼稚舎から高校まで厳格なカトリックの女子一貫校に通っていた青木は、規律が厳しく、“クラシック”な価値観や美学を基調とした環境の中で15年を過ごした経験をもつ。それゆえに、インターネットやSNSなどの発達によってあらゆる場所やもの、経験がフラットになり、公私の境界も曖昧になりつつある時代の中で、Tシャツやスウェットでどこにでも出掛けられるようになった今の状況に自由さを感じる一方で、自身がこれまで「良い」と感じてきたものとの違いに、小さな違和感やストレスを覚える部分もあるという。　青木は「私は着替えないまま外の世界に赴くことができないので、例えばコンビニに行くときでさえも必ず着替える（dressing upする）。内と外とは常に曖昧なものかもしれないが、私個人にとっては明らかな境界があり、ここに精神と装いの関連性が潜んでいるように感じている」と語る。　つまり、パブリック（公的・外的・規律的）な自分とプライベート（私的・内的・無意識）な自分は青木の中では明確に分かれ、服装にも紐付いているのだ。しかし、「時代や精神のカジュアル化」を決して否定したいわけではなく、一方で「そういう時代だから」と自分を安易に迎合させたくもないからこそ、今回のコレクションでは「パブリック」と「プライベート」、「ドレッシングアップ」と「ドレッシングダウン」という対照的なものをグラデーションで表現することを目指したという。　その言葉通り、コレクションではユニフォームやスーツ、ドレスをはじめとしたフォーマルでクラシックなアイテムが、スリップドレスやアンダーウェアといった女性にとってプライベートで親密なものや、ポロシャツやスウェット、コンビニのビニール袋といったいわゆる“カジュアル”なもの、ビジューをあしらったヘッドドレスやチョーカーなどのドレスアップ用のアクセサリーと、多様な形で混ぜ合わされている。　ファーストルックでは、ベージュのサテン地のアンダーウェア風スカートに、まるで構築途中のウールのグレーのスラックスをだらしなく貼り付けたようなスカートが登場。ディテールを削ぎ落とした共布のクロップドトップスとの組み合わせは、“フォーマル”が解体され“プライベート”が露出したさまが、シンプルながらも強い印象を与える。　テーラリングでは、「詰襟」のディテールや象徴性を削ぎ落としてフラットに再構築したノースリーブジャケットをはじめとしたアンドロジナスなスタイルと、ウエストをシェイプするなど女性の身体造形に立体的にアプローチし、レースのディテールをあしらったフェミニンなスタイルの2軸で提案した。　そのほか、“捻り”による美しくボディラインに沿ったシェイプが特徴の鹿の子素材のポロシャツワンピースや、フラワーモチーフをあしらったブラックのシアーロングドレスに、肩にスリットが入ったパーカーの袖を前身頃で結びフードを被ったルック、淡いピンクのキャミソールに透け感のある柄のロングスカートを合わせたルックなども登場。正統派なセットアップスタイルにビジューのチョーカーを合わせてフォーマルにドレスアップした着こなしから、まるでルームウェアのまま外に出てしまったかのような無防備さが漂うスタイルまで、フォーマルとカジュアル、パブリックとプライベートを多様な形で行き来するルックの数々を披露した。　コレクション全体を眺めたとき、そこにはマチュアで現代的で凛とした佇まいや、少女のようなピュアさと不安定さ、クラシカルでフェミニンな品と行儀の良さ、規範や常識を気にせず自身のスタイルを貫く強さと破天荒さなど、「女性」がもつ多様な側面が窺える。それらは一見、人物像や価値観、態度の一貫性のなさや揺らぎを思わせるが、おそらくそれこそが、まさに青木が思う現代女性の「リアリティ」なのだろう。　本革のバッグが紙袋に“雑に突っ込まれた”ようなデザインの「morning after bag（二日酔いバッグ）」や、レザーのローファーやバレエシューズにスニーカーソールやハイヒールをドッキングしたシューズといった小物類にも、そんな現代女性のリアリティが反映されている。　アキコアオキが描く人物像について、青木は「過去に価値や新しさを見出し現在のリアリティに合うかたちで取り入れることのできる、いろいろな視点や視野を持った知性のある人」と定義する。子ども時代から自然と刷り込まれてきた規範や美意識と、変わりゆく時代や人々の価値観、社会や世間から求められる振る舞いや理想像、女性に向けられるさまざまな眼差し、自分自身のありたい姿などがせめぎ合う中で、今の自分は何を選びとるべきなのか。　多様な価値観が混淆する中で、アキコアオキは自分と違うものを否定したり、安易に追従したり、矛盾する考えや行動をとる自分を責めることをしない。古いものと新しいもの、自己と他者（社会）の間の差異、自分の中の矛盾に丁寧に向き合いながら、自分にとって一番良い折り合いの付け方を模索する。分断せずに歩み寄り、混ざり合い、その境界をグラデーションにしていくという向き合い方は、多様化が加速する一方で分断や排除が広がりつつある今の時代にとって、とても重要で必要なものではないだろうか。　そして、実はもう一つ、アキコアオキのコレクションを見る上で忘れてはならない“ズレ”が存在する。それは、女性の身体や女性的なものに向けられたまなざしの在り方だ。アキコアオキの服は、見た人から「センシュアルだ」「女性にしかできない表現だ」としばしば言われるそうだが、青木は長年女子校に通っていた経験から「女性の身体が性的に見られる」という感覚や意識がなかったため、言われてはじめて気づき驚いたという。　青木にとって、幼い頃から制服の下に着てきたスリップドレスは「マナー」や「服への敬意を自分の身体との間に1枚挟むもの」であり、ランジェリーを連想させるレースがついたディテールの服も、「ただそういうフェミニンなデザインが好きだから取り入れているだけ」にすぎない。　大人になるにつれて、社会の中の女性の身体を性的に見るまなざしや価値観の存在に気づき、自分にとっての「普通」や「女性の身体に対する感覚」がズレていることを自覚したという青木。それでも「私は基本的に女性の身体や自分が作る服をセンシュアルだとは思っていないし、そう言われても自分ではあまり気にしていない」と話す。そこには、女性の身体や女性的な服に対する、どこまでもフラットで純粋であっけらかんとしたまなざしや態度があるのだ。　青木の経験や視点、感覚は確かに世間一般のそれからは“ズレ”ているのだが、そもそも「メール・ゲイズ（男性のまなざし）」が圧倒的優位な社会における女性（の身体や衣服）に対するまなざしがかなり偏っていることを考えると、むしろ青木の視点や感覚こそが最も“フラット”に近いのかもしれないと気づかされる。　そうしてこちらの視点や感覚の“ズレ”を自覚した上で改めてアキコアオキのコレクションをまなざしてみると、そこに見えてくるのは、美しく律した姿や、無防備でピュアな姿、だらしなく雑な姿などを併せ持った、現代社会を生きる真にリアルな女性の姿だ。そこにはメール・ゲイズを意に介さず、女性の身体や“女性らしい服”に対する性的なまなざしやネガティブな意識が存在しない、「それが私たちのリアルだから（そちらがどう思うかは関係ない）」という、おおらかで、ある種開き直りのような態度が垣間見える。　ファッションを通して女性をエンパワメントする方法やアプローチは多様に存在するが、上記のようなまなざしや意識のもとで作られたアキコアオキの服を纏うことは、性的に対象化されていない、「フィメール・ゲイズ（女性のまなざし）」による女性の身体や衣服を、女性たちの手元に取り戻すことにも繋がるのではないだろうか。筆者自身も同じく現代社会を生きる一人の女性として、共感や安心感、エンパワメントされる感情を覚える。　「服を纏うことを“時代や社会との対話の手段”として捉え、着る人の生き方や姿勢を表現する文化的な道具と考えている」というアキコアオキ。パブリックとプライベート、フォーマルとカジュアルという相反するものの共存を多様なグラデーションで表現した今季のコレクションは、女性たちが時に矛盾や違和感を抱えながらも時代や社会と向き合い、できる限り心地よさや安心感を抱いたまま軽やかに内と外を行き来することを、そっと後押ししてくれそうだ。

AKIKOAOKI

自身と社会の“ズレ”を見つめ、矛盾とグラデーションを肯定する　「アキコアオキ」が描く現代女性のリアリティ

　インが2026年春夏コレクションのテーマに掲げたのは、「日常への招待（Invitation to the Daily life）」。韓国の歌手 シン・ヘチョルの楽曲のタイトルでもあり、「歳を重ねる中で、静かで平凡な一日一日を大切に考えるようになった」と語るイン自身の思いと、ブランドが体現する新たな女性像が過ごす「日常」を反映したという。日常の何気ない小さな幸せや穏やかな時間に目を向ける事で深くて美しい“感動のかけら”を詩的に手に入れる事が出来ます朝の太陽、着古したレザーの香り、毎日飲むコーヒーカップ道端で遭遇する花や犬、記憶の香り、季節のそよ風暖かい陽だまり、夕方のグラデーション、夜の静寂…当たり前の日常にちょっとした違和感（アンバランス）をIHNNらしい解釈で提案何気ない瞬間を特別なものに変えその人の感情を合わせるようなIHNNの服作りを一緒に感じて頂きたいですIHNN 2026年春夏 コレクションノートより　「10年続けてきた中で、自分が当初考えていたブランドの方向性とずれてきてしまった部分があった」と話すイン。2025年秋冬シーズンはコレクション制作を休止し、1年掛けて丁寧にリブランディングを進めてきた。　従来は「Always modern」をコンセプトに、上質な素材を用い、デザインを削ぎ落としたミニマルでタイムレスなウェアを展開してきたが、2025年秋冬シーズンにメンズの新ブランド「モダネス（MDńS）」を始動したことで、今回インの方向性を再定義。「ブランド設立当初には『芯が強い女性に似合う服を作りたい』という思いがあり、自分自身もモードなファッションが好きだが、近年はビジネスに寄り過ぎていた」という反省点もあったことから、よりファッション性を高めた、ハイエンドでエレガントな大人の女性に向けたブランドに舵を切ったという。　そんなインの新たな女性像が体現するのは、何気ない日常の中に小さな幸せや美しさ、心地よさ、豊かさなどのかけらを見出す心とその風景だ。「当たり前の日常にちょっとした違和感（アンバランス）をIHNNらしい解釈で提案」というコレクションノートに綴られた言葉の通り、今回のコレクションでは全体的に“現代の都市で働き生きる女性のデイリーウェア”を思わせるスタイルをベースに、非日常的な要素をディテールや素材、スタイリングなどで散りばめることによって、生活の中の些細で美しい風景を観客に想起させた。　ショーの舞台となった草月会館の草月プラザは、イサム・ノグチが手掛けた石庭「花と石と水の広場『天国』」が広がる空間に、ガラス張りの正面玄関や窓から自然光が差し込み、街路樹の明るい緑がのぞく。「石庭」でありながら伝統的な日本の庭園ではなく、どこか現代の都市の街並みや日常のワンシーンを思い起こさせる空間は、ブランドが思い描く新たな女性像の日常の風景を豊かに伝えていた。　ファーストルックは、上品に透けたホワイトのタートルネックトップスに、裾から白いオーガンジーが覗く黒のタイトスカートを合わせた、ミニマルながら叙情的な美しさを感じるスタイル。日常的な装いでありながらも、手先まで隠れるほどの長すぎる袖や、腕に抱えた花束を模したレザーのオブジェが、非日常的な“違和感”をプラスしている。透け感のある白や歩くたびに揺れ動く裾は、朝の陽の光の爽やかさやそよ風の心地よさなどを彷彿とさせる。　続いてストライプ柄のシャツや、テーラードジャケット、シンプルなノースリーブドレス、無地のブラウスにスラックスやミドル丈のタイトスカートを合わせたルックなど、コンサバでクラシックなアイテム群が披露された。　しかし、ランダムプリーツや豊かなドレーピングをはじめとしたテクニックや、オーガンジーやギャバジン、スエード、艶のあるカーフレザーといった表情豊かでコントラストのある素材使い、夕日や海をイメージしたオリジナルグラフィックをあしらったアイテムなど、日常の中の“感動のかけら”を多様な形で表現。ロング丈のテーラードジャケットとマイクロミニ丈のショーツのセットアップや、襟ぐりが深く開いたノースリーブのスエード素材のドレスなど、潔い肌見せスタイルにも大人の凛とした上品さとモードなエッジを効かせた。　加えて、今シーズン最も印象的だったのは、レザーやメタルを用いた多様な小物使いだろう。各ルックには、さまざまなフォルムのレザーのハンドバッグとシューズや、レザーの紐を編み込んだショルダーストラップのような和状のアクセサリー、腰や首、背中に長く垂れ下がるシルバーやゴールドの大ぶりのチェーンアクセサリー、“バッグとしては使えない”花束や日常使いの食器などを模したデザインのレザー製の器などが豊富に登場。これらは全て、インのルーツである韓国のアーティスト キム・ジュンス（KIM JUNSU）や、アルチザナルレザーグッズブランド「アトリエ・ド・ルメン（Atelier de LUMEN）」、金属アーティストのユン・ヨドン（Yun Yeodong）とのコラボレーションによって手掛けたものだ。　ここには、デザイナーの名前に“and”を意味する「N」を付け加えた「IHNN」というブランド名に込められた、「ファッションブランド IHNN を通じて、さまざまな事が繋がり結ばれ、つづいて行く事」を目指す思いが反映されている。　もっともインはこれまでも、ブランドの活動を通してさまざまな「繋がり」を築き、育ててきた。しかし、文化服装学院で服作りを学び、日本でブランドを立ち上げ、写真家の鈴木親とスタイリストの北村道子を起用し制作したヴィジュアルのエキシビションを開催したり、ロエベクラフトプライズ 2019でファイナリストに残った陶芸作家 橋本知成の作品をショーに用いたりと、その対象は“日本”という場所や人だった。　けれども10周年を迎えた今、インは自身のルーツである“韓国”の人やものと日本との繋がりを築く、新たなステージへと踏み出したことがわかる。「これまでの10年間は、日本でブランドをやっていくことしか考えていなかったので、まずは日本の作家さんとのコラボレーションなどを行うことが先だと考えていた。近年は時代の変化とともに、韓国に対する関心が日本でも高まっている中で、韓国の良いものを取り入れない理由はないし、もっと良いクリエイションを生み出すためにも韓国のアーティストや作家と協業できたらと思うようになった」と、インはその心境の変化を語る。　バッグのデザインにも、「ポジャギ」という韓国の伝統的な手工芸品である布からイメージしたフォルムを採用するなど、韓国の要素やストーリーを取り入れる試みも新たに見られた。　10周年を記念した今回のショーで「エレガンスと日常」「アートや建築、クラフトと日常」「インが描く女性像の日常と着用者の日常」、そして「韓国と日本」など、デザイナー自身の心境や環境の変化とともに、これまで以上にさまざまな物事を繋ぎ、美しく融合させたコレクションを披露したイン。新章へと踏み出したインが、ブランドを通してこれからどのようなクリエイションや風景、感情を我々の日常に繋げてくれるのか、今後の歩みに期待したい。

IHNN

日常と非日常、韓国と日本を“繋ぐ”新章へ　平凡な日常に美しさを見出す心を反映した「IHNN」26年春夏

　会場となったのは、コペンハーゲンの造船所などが集まるポストインダストリアルなエリア「レフサレエン（Refshaleøen）」。普段はナイトクラブとして利用されている退廃的なコンテナ庫と丘越しに覗く風力発電機の羽を背景に、「HANA-BI（花火）」と題されたショーは、10年分のアーカイヴを再構築した一点物とそれらをコラージュした新作を組み合わせ、これまでの歩みをブランドの普遍的なアイデンティティとともに見せた。　デザイナーのセシリーは、「花」と「火」という繊細さと力強さが共存する二面性を併せ持つこの日本語に自身の美学に重ね、白く儚いドリーミーな世界観にシルバーを散りばめコレクションを作り上げた。オールホワイトで構成されたコレクションでは透け素材を巧みに重ね、繊細なレースやスパンコール、銀箔を使ったミニマルながらも贅沢な質感を生み出した。　シンプルなスリーブレスドレスはバルーンのようなペプラムへと変容し、繊細なレーススカートは雲のようなふくらみを帯びたフォルムを造形。レイヤードをよく見ると細身のハーネスやベストをドレスに重ね、編み上げやバックルのデザインを取り入れて、甘いムードを引き締めるエッジの効いたハイブリッドなデザインに。セシリー・バンセンらしい甘さの中に潜む"毒"がコレクションでも随所に垣間見れた。　スモークが焚かれたランウェイは幻想的なムードを演出し、フィナーレには数発の"HANA-BI"が白昼に舞い、霞がかったホワイトのキャンバスに火花が"スパーク"しているようなコレクションとの完璧な連動を見せた。足元は協業パートナーでもある「アシックス（ASICS）」の既存モデルで揃え、セシリー・バンセンの特徴的なスタイルを完成させた。　ファーストルックを歩いたのはビョーク（Björk）の娘でモデルのイサドラ。アシックスとのコラボレーション発売時のキャンペーンヴィジュアルでモデルを務めるなどブランドとのゆかりも深いモトーラ世理奈もランウェイを歩いた。　観客の中にはアーカイヴピースをまとったゲストも招待され、10周年というアニバーサリーショーを故郷への凱旋ショーという特別な形で祝った。コレクションの一部のアイテムはコペンハーゲンに新しくオープンした完全予約制のプライベートブティックで受注生産で展示・販売している。なお、2026年春夏コレクションは10月のパリファッションウィークで発表予定している。

北欧コペンハーゲンの空に舞う「HANA-BI」　セシリー バンセンが10周年記念ショーを母国で開催

　話は少し逸れるが、ケイスケヨシダの展示会は、いつ行ってもひっきりなしに人が訪れる。会期は他ブランドよりもやや長く、基本的には吉田本人がずっとその場にいる。これはもはや展示会というより個展に近い。かつてはファンにも門戸を開き、個人オーダーもできる仕組みだった。秋冬の展示会に足を運ぶと、ラックにはファンたちが大切に着続けてきた歴代のケイスケヨシダのアウターがずらりと並ぶ。その光景は壮観ですらある。そんな展示会に足を運んだファンひとりひとりに吉田本人が丁寧に対応する姿も印象的だ。試着をして鏡の前でくるくると回りながら自分の姿をうっとりと見つめる人々に「うん、似合ってるよ」「こういう着方もできるから、そっちのほうが今のスタイリングに合いそうだね」なんて、声をかける。彼の服を愛する者にとって、デザイナー本人からのその言葉は魔法だ。私だったら、その服を一生着続けると思う。単に“ファンサービス”と言語化しても良いのだが、その優しさを吉田が持ち合わせているのは、彼が誰よりもケイスケヨシダの服を好きな人たちの「こころのかたち」を理解しているからだと推察する。ご存知の通り、ケイスケヨシダの服はこれまでもずっと、きわめてパーソナルで、内向的な感情をすくい上げるようにして作られてきた。彼自身もファッションに救われ、デザイナーをロックスターを崇めるように敬愛してきた。吉田の作る服を愛する人々は、真面目で真っ直ぐな故に少し心が脆くて、自分に自信がないように見えて、実はものすごく強い意志を持っている。それでもやっぱりまだまだ自信が持てない。そういう矛盾を抱えた、複雑で繊細な人々だと思っている。そしてそれは他でもない「かつての吉田圭佑」自身の姿だ。あるいは、現在進行形で彼もそうなのかもしれない。だからこそ彼は、誰よりも深い解像度で、彼らを見ているし、理解している。自分がかつてしてほしかったことを、今はファンに向けて差し出していると言ってもいい。吉田には、そういう“サービス精神”がある。人を喜ばせることを、照れずにできる人はこの時代においてどれだけいるのだろうか。　今季、「Refresh and Relaxation」と刺繍されたハンカチーフがインビテーションとして配られたのだが、その箱裏には「繊細な心と強い意志（True-Hearted in Relentless Resolve）」と書かれていたことを、ケイスケヨシダの服を愛する人々にぜひ伝えたい。一見、矛盾を孕んだそのフレーズは、むしろブランドの中枢にある信念だ。むやみに強さだけが称揚されがちなこの社会で──とくに女性のエンパワメントの文脈においては「強い人の在り方」という言葉が都合よく使われすぎる今において、吉田の服は、そうした“強さ”の上澄みだけを撫でていない。そもそも、大丈夫な人が書く「大丈夫だよ」という物語は、本当の意味で励ましになり得るのだろうか。ケイスケヨシダの服が胸を打つのは、（語弊を恐れずに言えば）彼自身が“全然大丈夫じゃない”まま、大丈夫じゃないなりに服を作り続けているからだ。
大丈夫じゃないことを隠さず、それでもなお「大丈夫そうに見えるもの」を差し出そうとする。その不安定な優しさに、きっとたくさんの人が何度も救われてきた。　吉田曰く「この数シーズンの『女性像』はどこか自分の心の中で生まれたようなマジカルな存在で、前回のコレクションは、それを現実に引きずりだそうとした感覚があった。それらを経て、過去よりも現実のほうが大切だ、と心から思えたから、これからはそれをもっと表現していこうと思った」そうだ。それは心の成長過程でいうところのブレイクスルーと言える。前回のショーで、池袋ロサ会館を会場に選んだのも、おそらく「自分の記憶の中にある、どうしようもないほどの（書き換え不可能な）現実」として対峙する必要があったのだろう。吉田は続ける「いままでは『社会と距離がある自分』の内側にあるものを社会に近づけていく作業だった。でも、ブランドがちゃんと社会の中心から物事を眺めなきゃと思った」。　社会と距離がある自分の内側＝孤独はこれまでもケイスケヨシダのキーワードであったと思うが、彼のいう「孤独」は決して「さみしいこと」とイコールでは結べないと認識している。吉田が扱ってきた孤独はもっと生活に息づくものだった。ファッションの中で孤独を美化せず「隣にあるもの」として静かに引き受けてきた。「レディオヘッド（Radiohead）」のトム・ヨークが「君の歌詞はネガティブな内容ばかりだ」と指摘された際「歌詞をつけること自体がポジティブな行いだ」と返した逸話があるのだが、吉田の創作過程もそれに近しいものを感じる。暗さや憂鬱を表現に昇華すること自体が、すでにポジティブな行為なのだ。　さて、吉田の社会との関わり方を踏まえたうえで、次に「現実」の「社会」や「都市」が現在どのような状態にあるのかを考える必要がある。端的に言えば、「生きているだけで偉い」という言葉が一般的になる程度には、生きることが難しい時代になっている。これから先ちっとも良くなる未来が描けないような翳りが社会全体を包み、情報が溢れかえり、かつては加点法だったものが減点法になり、人々は「ダサい」と思われないように必死だ。先述のように、ケイスケヨシダの服を愛する人々は、厳格で繊細な心を持ち、自信があるようで実はない、そんな複雑な人物だ。都市で生きるとは、それだけで厳格さや正しさを求められ、緊張感に満ちた息苦しい日々を送ることでもある。「必死に都市で現実を生きているだけで生まれる陰鬱な香り。それこれそが人間らしさである」と仮定したことから今回のクリエイションは始まり、「モダン＝現代（における美意識）」を追求する作業だったという。「都市の現代を生きる人」のための服であるならば、これまでの会場とは異なり、より都市的でラグジュアリーな文脈を持つ六本木に位置するエストネーションを会場に選んだことも頷ける。 　「吉田の内面にあるエレガンス」を具象化する作業が昨シーズンまでだとすれば、今シーズンからは自身の中にある「モダン（現代における美意識）」を具象化するフェーズへと移行したと言えるだろう。ここでいうモダンとは、「大丈夫に見える人が密かに抱える、心の柔らかい部分」とも言い換えられる。それは「気が抜けた瞬間」でもある──たとえば仕事終わりに化粧も落とさずベッドに寝そべってしまうような、生々しくも隠された側面だ。都市で生きているかっこいいあの人の“見てはいけない部分”であり、ほとんどの場合「アンコントロール」な性質を帯びている。だからこそ、今回のルックにはアンコントロールな要素から生まれたものが多く見られる。 　襟裏や見返しを一度解いて作られたというコレクションの中には、身返しや台襟が捲れ露わになることでチェスターコートに見紛うステンカラーコートをはじめ、萎びて崩れ落ちた襟のテーラードジャケット、身頃や袖を回転させながら捻り出し、不規則なドレープが生まれたシフォンのロングドレスなど、そのどれもが、無意識で服を着た際に稀に起こる気の緩みや不精によって“偶然“生まれたシルエットを起点にしている。ポケットの袋布が捲れ上がりウエストから吹き上がるように見えるデニムやタイトスカートは特にわかりやすい。「めちゃくちゃ忙しい日々」を送る現代人なら一度や二度は見たことがあるだろう。これまでのようなとびきり高いピンヒールではないことも含め、その「美しさ」を感じられたのは、今回の吉田が「現実」に向き合っている証とも言えるかもしれない。ネックラインがパンツウエストのディテールに置き換えられたジャケットなど、首元の余白やスタイリングで“強制的“に少し怠惰な印象を持たせたルックの数々は、引き続きスタイリングを手掛けているレオポルド・ドゥシェマン（Leopold Duchemin）のなせる技だろう。 　まち針で表現されたたんぽぽを模したピアスも今シーズンの「現実」の象徴と言える。吉田はたんぽぽを「探してもなかなか出会えないけれど、ふとした瞬間に目にする花」と定義する。なかなか出会えない花を、普段からよく目にしているであろうまち針で象る行為は、吉田流の現代の美意識としてぴったりだ。これは余談だが、たんぽぽは踏まれてもなかなか枯れにくい雑草だとどこかで読んだことがある。にもかかわらず、繁殖はほわほわの綿毛まかせで、強いのか弱いのか判然としない。それでも気がつけば、どこにでも咲いている。その図太さと儚さの同居はケイスケヨシダの信念と重なって見える。吉田がたびたびたんぽぽをモチーフに用いる理由も、そこにあるのではないだろうか。 　デニムやミリタリージャケットが登場したことにも注目したい。都市で“現実”を生きていることを前提にコレクションを捉えるならば、必然的に装いはスーツだけに留まらない。ジーンズやミリタリージャケットは、いまや都市生活における普遍的な服装だ。これまでならマキシ丈だったスカートがミドル丈になっていたのも「都市における普遍」を思えば頷ける。ジーンズといえばブルー、シャツといえばチェック──吉田にとってのそうした“普遍”が、今季は丁寧に服へと昇華されていた。 　コレクションの中でサプライズの役割を果たしていたのは、モデルの顔を覆うほど大きな帽子だろう。その真意はわからないが、マルタン・マルジェラのようなモデルの「匿名性」の演出というよりも、その帽子が大きな烏帽子なようにも見えたことから、日本の平安時代に見られた「女性が顔を隠すことの美意識」に近いものを感じさせた。当時、女性たちが顔を隠していたのは社会的規範や文化的な価値観によるものであり、肌の白さや髪の美しさを際立たせる手段として、「顔を見せない」ことが美徳とされていたという。「社会」が軸になっているのであれば、当然「社会的規範」を思わせる大きな帽子はコレクションの象徴として浮かび上がるだろう。　生々しい人間を表現できるのも、また人間だ。そこにあった少年性は消え、代わりに母性のような穏やかさが漂っている。まるで何かを吹っ切ったかのような印象さえあった。今回のコレクションには、吉田の“我”のようなものが見えてこなかったからだ。だが、それは自己を消したという意味ではない。我の出し方が変わっただけで、作り手が吉田圭佑であることに一片の揺らぎもない。その揺るぎなさこそが、今回のクリエイションの中核にあると感じられた。　さて、話を冒頭に戻そう。混沌とした脳内を少しでも整理しようと、私より長くケイスケヨシダのコレクションを見続けている記者に感想を尋ねたところ「謎に懐かしさを感じた」という言葉が返ってきた。この感覚は彼だけではなく、他の来場者からも聞かれた。多くの人が同じ印象を受けたのはなぜだろうか。デザイナー本人は「今」＝現実を見つめているのに、観客が「懐かしさ」を感じる。この矛盾の理由は、創作における「過去」の経験にあると推測する。制作において、過去の経験や記憶を完全に排除することは不可能だ。制作者が意識せずとも、無意識の基盤＝足場として、過去は作品に作用する。それは避けようのないことだ。私たちは、どんなに「今（現実）」を見つめていても、それを見つめる目そのものが、すでに過去の経験に支えられている。例えていうならば、赤ん坊には“今”しかないが、だからといって彼らが現実を理解できるわけではない。あったとしても精々「ピンク色が好き」「お腹が空いた」などの極めて原初的な感覚だろう。過去がないと、判断も解釈もままならないのだ。何かを見たり、考えたりする際には、原理的に「過去」が足がかりとなる。だからこそ、「現実」を見つめる創作が「懐かしさ」として受け手に届くことは、ある意味では当然ともいえる。ここで忘れてはいけないのは、吉田は「過去」を足がかりにして制作の目線を「現実」に向けていることだ。制作の目線を過去に向けることと、過去を足がかりにしていることは似ているようで全く意味合いは異なる。　ここからは少し飛躍を含むが、創作初期の若いデザイナーにとって、「大昔の出来事」こそが唯一の創作の拠り所だったのではないだろうか。積み上げてきた経験がまだ少ないがゆえに、強烈な“初期衝動”の源泉は、過去の記憶や感情しかなかった。その後、年月を経て、かつての「今」がようやく「過去」として定着したとき、制作にはある種の“型”が生まれる。その型を一度手放し、あらためて「今、ここ」に立ち返ろうとする姿勢──それ自体が、逆説的に初期衝動を喚起し、「懐かしさ」という質感を帯びるのかもしれない。もし吉田のこれまでの創作が「遠い過去＝大過去」として存在していたのなら、現在の彼は「少し前の過去」を静かに足がかりにしながら、よりリアルで切実な“今”と向き合っているのではないか。だからこそ、彼の作品には自然と初期の空気感や“若さ”が受け手には見て取れる。あたかも、過去と現在が響き合っているかのように。　吉田が今回のコレクションで打ち出したのは「エレガンス」から発展した「モダン（現代における美しさ）」だ。それはもはや、完璧な仕立てや上品な所作を指すものではない。街中で見かける、思いがけず垣間見えるような“どうしようもなさ”。ときに不格好で、生活の匂いがして、でもなぜか目が離せない佇まい。そんな不完全な存在のすべてに、美しさを見出せる服づくり。海外を見据えているのはショーの時期を考えてもいうまでもなく、これからも私たちの「美意識」の新たな視点をもたらしてくれることだろう。

KEISUKEYOSHIDA

大丈夫じゃない私たちが、大丈夫なふりをしなくていい服──「ケイスケヨシダ」2026年春夏コレクション

新解釈のテーラリング　ヨウジヤマモト プールオム2026年春夏コレクションの最初のパートで登場したのは、極薄のシルクジョーゼットを用いた半袖ジャケット。裏地や縫い代を極力排除しながら、テーラリングの立体を維持する建築的な仕立てが印象的だ。袖口から半袖シャツをのぞかせ、裾のボタンを一段外すことで、テーラードの規範も柔軟に解釈。ゆとりのあるシルエットが、心地よさとモダンな余白を両立させている。  自然との共生　解放的なパターン　続くパートは、テキスタイルが一気に華やかに。万華鏡のようなステンドグラス、そして深海から着想を得たというプリントが主役となった。光や海のモチーフは、自然の美しさを思い出させる。鮮やかなインクジェットプリントはシルク生地の裏面にも施され、繊細な柄合わせの技術によって裏側まで美しい仕上げとなっている。 　パターンの注目は、脇にマチや切れ込みを入れた変形ドルマンスリーブ。腕を下げた時のドレープの美しさと同時に、可動域を広げる。ショーツも7分丈からロングまでバリエーション豊富に揃い、街から海までシーンを問わない軽快さをまとう。 どこまでも軽やかで上質なスーツ　上質な絹紡羽二重で仕立てられた端正なブラックスーツは、極薄の肩パッドをはじめ全体的にソフトに仕上げられている。足元はホワイトレザーのビーチサンダルで、どこまでも軽やかなバランス。ラスト2体のジャンプスーツのルックには珍しくヘッドピースが合わせられた。波打つクラゲの触手を連想させ、自然との共生というメッセージを暗示する。   環境、社会、愛のスローガン　6月末のパリ・メンズファッションウィークは、猛暑や突発的な嵐といった厳しい気候の中で行われた。そんな環境下だからこそ、ヨウジヤマモト プールオムのコレクションピースに刻まれた「Ecosystem balance」「NANO PLASTICS」「NO MORE WARS」といったスローガンが突き刺さる。ラストルックの背中には、「Stand by me」「Kill me softly」といった愛を感じさせる言葉も。見る者の心をほどき、解放感をもたらした。

Yohji Yamamoto POUR HOMME

2026年春夏コレクションを紐解く

半袖ジャケットに透ける環境問題と解放──削ぎ落として核心に迫る「ヨウジヤマモト プールオム」

改装中に見つかった"秘密"がインスピレーション源に　サラ・バートンによる「ジバンシィ」のデビューコレクションは、思いがけない偶然から生まれた。ジバンシィの最初のメゾンであるアルフレッド・ド・ヴィニー通り8番地に建つ邸宅の改装中に発見されたユベール・ド・ジバンシィの1952年デビューコレクションのオリジナルパターンが、サラ・バートンのクリエイティブな道筋を照らしたのだ。茶封筒に入れられたパターンは、1952年に発表された彼のデビューコレクションで使用したキャリコ（綿織物）のもので、上海プレビューではその実物も展示された。　「前へ進むためには、原点に立ち戻る必要がある」というサラ・バートンの言葉通り、同コレクションはジバンシィの伝統を尊重しながらも、現代的な解釈で蘇らせている。"GIVENCHY 1952"と刻印された裁断用ボディから着想を得たニットのルックに始まり、男性的な仕立ての技術と女性らしいシルエットを融合させたテーラリングを軸に展開。力強いショルダーとウエストを強調するジャケットやコート、2種類の洗練されたトラウザーは、クラフトマンシップへの敬意を表している。　女性の身体の曲線美を出発点とした同コレクションは、創業者ユベール・ド・ジバンシィの過去のデザインとも呼応している。ユベール・ド・ジバンシィ自身が動物好きで、農業もしていたという背景から、コートやスカートにアニマルプリントやボタニカル柄の刺繍があしらわれている。また特筆すべき点は、創業者と共に働いた職人たちの技術が今も継承されていること。ウエストで摘み、立体的なフォルムを形成したスカートやシューズにあしらったボタニカル柄の刺繍は、卓越した技術を持つアトリエの職人の手によって仕上げられており、ファッションハウスの歴史の重みと継続性を感じさせる。　マシュー・M・ウィリアムズ（Matthew M Williams）時代と比べても、ウールギャバジンなど硬質な素材が目立った今シーズン。古巣の「マックイーン（McQueen）」から招聘するなどデザインチームを刷新したことに加え、テキスタイルについても1から選び直したものが多いという。ジバンシィを象徴する白いシャツはドレスとして生地をたっぷり使ってアシンメトリーに仕上げられており、日本での展開も予定されている。背中で語る服、こだわり抜いた360度デザイン　上海プレビューの会場では、ユベール・ド・ジバンシィのデザイン画や、コレクションルックなども公開。これを見れば、ユベール・ド・ジバンシィのエッセンスの単なる再現ではなく、サラ・バートンにより現代的視点で再解釈されたことがわかる。ショーにアクセントを加えたストールも、当時のルックからインスパイアされたものだが、サラ・バートンはこれを形状記憶レザーで表現している。　コレクションルックだけでは見落としがちだが、サラ・バートンによる「ジバンシィ」の指針を示す一番見るべきポイントは、精巧なパターンメーキングにより生み出す360度デザインだ。前後ろを逆転させたVネックジャケットは最たるもので、立体的なシルエットを生み出す二枚袖の内側をプレスし、クリースを付けたコートやジャケットの袖は、よりウエストのシェイプが際立つシルエットになっている。さらに、ダーツやパネルを多用した女性の身体に沿うアウター類からは「現代の女性のすべてを表現したい。強さ、繊細さ、感情的知性、パワフルであること、そしてセクシーであること— そのすべてを」と語るサラ・バートンの意図が読み取れる。新作多数、新生ジバンシィの注目アクセサリー　コレクションを彩るアクセサリーも見逃せない。新生ジバンシィでは、単なるアイテムではなく、欲望をかきたてるオブジェとして靴、ジュエリー、バッグをデザインしたという。　アイコンになりそうなシューズとして挙げられるのが、ロゴが入ったバレリーナフラットシューズ。スクエアトゥが印象的なアイテムで、日本ではブラック、レッド、パウダーピンクなど5色展開で、価格は13万円～。そのほか、ローファーやブーツなどの新作シューズも展開される予定だ。　バッグは、「ピンチ（The Pinch）」と「ファセット（The Facet）」と名付けられた新商品を用意。ピンチは、縫い針から着想を得た金具が特徴のハンドバッグで、内部にはミラーが付いていたりと機能性も充実している。ファセットは、サラ・バートンらしい立体美のバッグで、クラッチタイプのスモールと、ハンドバッグタイプのミディアムの2サイズを展開。価格帯は40〜50万円前後になる予定だ。　また、"GIVENCHY 1952"のロゴが彫られたリングや、砕かれたシャンデリアから着想を得たガラス、パール、クリスタルを用いたピアスやネックレスなども披露された。

GIVENCHY

上海で行われた展示会をレポート

サラ・バートン「ジバンシィ」のデビューコレクションがいよいよ発売　気になるアイテムは？

I had the feeling that we would really need to get someone powerful like a shaman to come back to lead us to peace, love and fraternity.（私たちを平和と愛と友愛に導くためには、シャーマンのような強い存在を呼び戻さなければならないと感じていた）──コレクションノートより　ファーストルックは前回の「TO HELL WITH WAR」コレクションと同様の重厚なムードを漂わせつつも、主役は軍服からスーツへ。シルエットはタイトになり、オリーブグリーンから鮮やかなオプティカルプリントにガラリと変化した。ジャケットは複数の細長いパーツを繋ぎ合わせた立体的な仕立てで、パンツは足首から膝上まで締め上げるようにジッパーが走っている。  　テールを膨らませたウエストコートや、ジッパーの間から吹き出るフリルの装飾は、18世紀ロココ時代の貴族衣装を彷彿とさせる。一方で、ミリタリーやボンテージのディテール、端切れを繋ぎ合わせたかのようなシャビーなニットも提案された。  　パターンは複雑性を極め、デフォルメを重ね、原型を解体して異質を融合。再構築というデザイン手法には、コム デ ギャルソンの哲学が息づいている。  　ヘッドウェアはキャスケットとキャップを掛け合わせたデザインで、ハットデザイナー日爪ノブキが手掛けた。レザーシューズは今シーズンも「キッズ ラブ ゲイト（KIDS LOVE GAITE）」とコラボレーション。履き口を紐で調整する、イージーなスリッポンタイプとなっている。 　ショーはトゥヴァ共和国出身のサインホ・ナムチラク（Sainkho Namtchyla）によるホーミー（喉歌）が響き、祈りの儀式のようだった。モデルの顔を隠すように覆う巨大な帽子と、非対称に編み込まれた極太の三つ編みヘア。スーツというメタファーに、川久保玲が求める真の強き存在が顕現した。

COMME des GARÇONS HOMME PLUS

2026年春夏コレクションを深掘り

川久保玲が求める強き存在──真の"スーツ"を問う「コム デ ギャルソン オム プリュス」

　「腕の良い料理人が食材から自身の手でこだわって作り込もうとするように、デザイナーが素材作りに傾倒するのは当然のこと」。森川がそう話す通り、タークのものづくりは、生地や素材の開発から始まる。アートピースのような独創的なテキスタイルは、シンプルな構造の日常着に新しい視点を与え、素材や加工に対する研鑽は、既存の素材や技術の固定観念を解き放ち新しいデザインへと発展させる。今シーズンのテーマとして掲げる「アートピースと日常着の境界」は、「タークにとってのベーシック」とも言い換えられる。　「僕からしたら当たり前になっている仕事をひたすらしよう」。そのような考え方から始まった今シーズンは、これまで開発してきたさまざまなテクニックを進化させながら新しい表現を模索。タークの定番である2つの生地がグラデーションのように切り替わる「グラデーションファブリック」では、「シャツからスーツへ」「スーツからシャツへ」という素材とアイテムを横断した変化にフォーカス。無地のブロードがピンストライプのスーツ生地へ、多様なジャケット生地はシャツ生地へ、単なる色の移ろいを超えたテキスタイルの用途や機能までも溶け合わせるグラデーションは錯視的な効果をもたらし、本来レイヤードされるシャツとジャケットという2つのアイテムの関係性を揺るがす、新しい服の可能性を示した。 　過去数シーズンにわたって展開してきた、リボン状にした同素材の生地を縫い付けレリーフのように表現する刺繍技術は、フリルのように細かく折り合わせて立ち上げることで、表面的な装飾としてではなく服に立体感をもたらす“彫刻”として機能。透けるホワイトのテキスタイルは、オパール加工の上からさらに顔料と発泡プリントを重ねることでレース柄の繊細なディテールを浮き立たせた。職人が一点ずつ手作業で施す表面のスプレー加工がレザーのような風合いを実現するスウェットパンツからは、初のハーフパンツが登場。過去のコレクションに登場したさまざまなテクニックの発展は、服の造形そのものに対して新しいバランス感を生む。  　ブランドにとっての当たり前に立ち返った今回のコレクションだが、その姿勢はこれまでのコレクションで目指してきたものとは一味違っている。「常に新しいことをしたいと考えていても、そのために捨ててきたものが勿体無くも思えた」（森川）。無から新しいものを生み出そうとするのではなく、ベーシックを追求することで発見される新しさは、ブランドのオリジナリティを強固にする。コレクションごとに切り分けられ独立した「アラカルト」ではなく、これまでブランドが積み重ねてきたものをすべて活かして紡ぐ「フルコース」を目指した。それは過去に「デザインとは積み重ねる仕事」だと語った職人気質なデザイナーのアティテュードそのものだ。