インサイド

若手の登竜門「NFDT」「SFDA」とは？ 　2022年に東京都が設立した「Next Fashion Designer of Tokyo」（以下、NFDT）と「Sustainable Fashion Design Award」（以下、SFDA）。世界で活躍する若き才能の芽を育て上げていくことを目的とし、未来を担う若手デザイナーを発掘・育成するための実践的なプログラムが組まれている。　同コンクールの最大の特徴は、一次審査、二次審査それぞれ終了後に、審査員のデザイナーをはじめファッション業界の最先端で活躍するプロフェッショナル達による講義や、応募者全員を対象としたワークショッププログラムが受けられること。審査員もファッションデザイナーだけではなく、メディアやバイヤーなど多角的な視点でのフィードバックが受けられるようなラインナップが揃う。また、二次審査通過者への支援として、上限付きの制作費補助のサポートや、MD（マーチャンダイザー）等との協働による商品化体験・プロモーション体験の機会を提供している。　受賞者には、大賞、優秀賞、特別選抜賞としてそれぞれ賞金が与えられるほか、ブランドの立ち上げをサポート。都内商業施設等で巡回展示や、パリファッションウィーク期間中での作品発表などの支援も行う。コンクール終了後も応募者同士が情報交換し、デザイナーとしての視野を広げるとともに、刺激し合い切磋琢磨するため、コミュニティ「アルムナイ」を運営。トップデザイナー等による各種ワークショップの実施や体験企画などを共有するほか、過去の応募者のなかには審査員を務めるデザイナーのもとでインターンシップを経験するなど業界とのネットワーク形成のきっかけを獲得する者もいる。　昨年11月中旬に行われた二次審査会では、デザイン性、機能性、新規性（伝統の継承と革新）、市場性、サステナビリティへの対応、将来性の6項目に基づき選出。計24組（各部門6組ずつ）の二次審査通過者は、3月29日に虎ノ門ヒルズで開催されるショー形式の最終審査へ進む。審査員は何を見て、どう評価したのか？ 　SFDAは、学生やキャリアを問わず「日本独自の着物などの文化、伝統を現代のファッションの力により新たな形で世界に発信していくこと」を審査要項に一般応募も可能。服を対象とした「ウェア部門」と、バッグや帽子などを対象とした「ファッショングッズ部門」のそれぞれ2部門で審査を行った。審査員には、前回から引き続き「マリオンヴィンテージ（MALION
vintage）」デザイナーの石田栄莉子、「チルドレン・オブ・ザ・ディスコーダンス（Children of
the discordance）」デザイナーの志鎌英明、ライフスタイリストの大田由香梨、「FASHIONSNAP」ファッションディレクターの小湊千恵美に加えて、新たに三越伊勢丹新宿紳士商品部バイヤーの椋田暁が参加した。　初めて本コンクールの審査員を務めた、椋田は二次審査に進んだ応募者について「独自の視点から着物の生地を解釈し、試行錯誤を重ねながら、形にした過程が短い時間でも伝わる作品だった」とコメント。また、三度目の参加となる志鎌は今回の評価軸を「独自性がありファッションマーケットで戦える1着」とした上で、「デザイン、テキスタイル、コンセプトが高次元で完成されている作品が増えている」と年々上がる作品の精度を評価した。　前回の応募者でもある、ウェア部門の西﨑有那（文化服装学院）は「販売できることをより意識して臨みました。同時に、二次審査に至るまでにいただいたアドバイスとして、コンセプトに付随した重みを表現するために曲線を描くことを実践しました」とクリエイティビティとマーケットのバランスに努めた。その想いは審査員にも伝わり、志鎌と椋田ともに「コンセプトからデザイン、そして細部に至るテキスタイルデザインまで質の高い作品」であることを評価した。　ファッショングッズ部門では、オケージョンを考え抜いた作品が最終審査に残った。婦人靴メーカーに勤務している、東海林理見子は、ファッションコンテストへの参加が初めて。「衰退する産業を盛り上げたい」という想いで、職人たちと協業して作品を仕上げた。他の応募者との交流を通して「ファッションの観点から”いま”に落とし込むことを意識する視点が新鮮だった」と話す。同じく初参加の八木香菜子（多摩美術大学）は「甲冑」を特徴としたリュックを発表する一方で、「インパクトだけにならないように、リュック紐の部分も市場に流通しているものをリサーチした上で、このデザインに合うものを選んだ」と細部まで機能性とデザイン性を考え抜いた。　都内在住・在学の学生を応募対象者としたNFDTは、「フリー部門」と「インクルーシブデザイン部門」で構成される。フリー部門二次審査の審査員は、ファッションディレクター原由美子、「アンリアレイジ（ANREALAGE）」デザイナーの森永邦彦、「シーエフシーエル（CFCL）」代表兼クリエイティブディレクターの高橋悠介、WWD JAPANサステナビリティディレクター向千鶴、三越伊勢丹伊勢丹新宿店リ・スタイルバイヤー橋本航平が参加。　高橋は今年度の審査通過者について「毎年少しずつ、応募者全体のレベルが確実に向上していると感じる。最終審査に進む方の特徴は、表現したいことに冷静に向き合いながら、自分の強みとコンテストの傾向を的確に捉えて、スタイル提案からアイテム単位に至るまで具体的に落とし込めていること。少なくとも今回の二次審査においては、その精度に達している応募者が増えている印象を受けた。最終審査に残る作品は、そうした選考プロセスとアウトプットの整合性の高さゆえに、結果に対する納得感があるものばかりだった」。　そして、橋本も同様に「審査員と応募者がしっかりとコミュニケーションを取れる環境を通して、生まれる完成度の高さを強く感じた。特にファッションに対する熱量やものづくりへの真摯な姿勢が印象的」と、同コンクールならではのプロセスから生まれるクオリティに感化されたという。　森永も同じ感想を述べながらも、その裏付けとして自己探究があったからだと話す。「最終審査に残った方々は、それぞれが自身の内側にある世界と向き合い、自分にしか作れない服を考えているように感じた。自分が経験したこと、感じたこと、信じていることを起点にした服には強度と誠実さがある。学生のコンテストではありますが、今後ブランドとして成立することまで考えている作品が多く、世界に向けたファッションブランドとしての可能性を感じる審査だった」。　二次審査通過者にも話を聞くと、以前に参加した経験を経て再度チャレンジを行った層も目立った。今野奏（文化服装学院）は、これまでの服作りで扱っていた、布帛から大胆にも今回初めてニットに挑戦。「自分の強みに向き合った時に、ニットがしっくりきました。前回参加して、世界的に活躍するデザイナーの方々と直にお話しできる機会の貴重性を感じました。 各審査員とお話しする時間をいただき、自分が描くイメージを共有しつつ、自身の長所を活かせるアドバイスを細かく伺えるので、最後まで自信を持ってブラッシュアップすることができました」。　同じく、皆川空也（文化服装学院）も前回の応募経験を活かして自己探求を深めたという。「今回の応募に至るまで改めてファッションの知見を広めるためのリサーチを深めました。そのなかで、服以外の要素を取り入れながらも、服としての説得力を持つことが大切だと気がつけました。それは前回、他の通過者の方々との対話や審査員の方々から受けたフィードバックも大きくて。 多角的な視点が開けることで、0から1の発想が生まれるきっかけがたくさんあるコンクールだと思います」。3月29日、一般投票可能な最終審査ショーで受賞者決定　3月29日に開催するファッションショーに向けて、森永と高橋は、ともに「直感的に伝わる」ことを意識するように通過者にアドバイスしたという。その上で、森永は「ショーは非日常の場。日常の服の中にどれだけファッションの夢や自分自身の情熱を込め、それを伝えられるか。その一瞬の時間の中で、観る人の常識や日常を揺るがすようなインパクトを残してほしいと思う。ランウェイを歩いた時の空気感、服が身体とどのような距離感で存在するのかを意識することが大切」とコメント。　高橋は、最終審査で主に問われる点を「3体としての統一感」や「1体目を起点としたアイデアの発展性」とし、過去の受賞作品の傾向や審査員の志向、時代性、社会性もリサーチすることを勧めた。それは実践の場でも必要なスキルでもある。「将来、企業でデザイナーとして勤めるにしても、自身でブランドを立ち上げるにしても、ニーズを分析しながら自分の強みと『適切』に掛け合わせていく力が求められる。最終審査は本当に一瞬。これまでと違い『いかに明快であるか』が重要になってくる。自身を客観的に見たとき、少しでも直感的にわかりづらいと感じる部分があるのであれば、それは他人には確実に伝わらない。最後の瞬間まで繰り返し作品と向き合い、直感的に伝わるかどうか丁寧に吟味してみてほしい」とプラクティカルなアドバイスを残した。また、最終審査後の懇親会も「審査員に率直に質問し、どこが足りなかったのかを確認することも、次の成長へ繋がる絶好の機会」であると、あくまでも参加者が見据えるべき視点が長期的であることを強く伝えた。　虎ノ門ヒルズ ステーションアトリウム（虎ノ門ヒルズ駅直結）で開催される、3月29日の最終審査は一般観覧可能なフィジカルーファッションショー形式となる。ショーの模様はYoutubeでもライブ配信を行う。NFDTの審査員長には東京藝術大学長の日比野克彦、SFDAの審査員長にはLVMHモエヘネシー・ ルイヴィトン・ジャパン合同会社 社長ノルベール・ルレ、副審査員長には篠原ともえを迎える。NFDT・SFDAともに当日は来場者・オンライン視聴者による投票で特別選抜賞が決まる一般投票も実施。各部門の受賞者は最終審査日当日に発表されるので、次年度の応募を検討している候補者はぜひ審査の場を体感してほしい。

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若手の登竜門「NFDT」「SFDA」栄冠は誰の手に？

ショーで受賞者決定へ　東京都主催のファッションコンクールの審査会に密着

■ファッション・リイマジンのあらすじ　現代アーティストのダミアン・ハースト（Damien Hirst）の妻だったマイア・ノーマンが設立したブランド「マザー オブ パール（Mother of Pearl）」にフォーカス。物語は、マイア・ノーマンから同ブランドのクリエイティブ・ディレクターを引き継いだエイミー・バウニーが、2017年4月に英国ファッション協議会とヴォーグ（VOGUE）誌に英国最優秀新人デザイナーに選出され、賞金10万ポンドをもとに、同ブランドをサステナブルに変革する決意から始まる。新たなラインを「No Frills（飾りは要らない）」と名づけ、コレクション発表までの18ヶ月間、理想の素材を求めて地球の裏側まで旅をする姿が描かれる。ーまずは率直に「ファッション・リイマジンン」の感想を教えてください。　主人公であるエイミーが自分の信念を徹底的に貫き通すことで、ファッション業界だけではなく社会全体が少しずつ変わっていく様は痛快で、清々しい気持ちにすらなりましたね。私自身も、自分の信念を貫き通したクリエイティブをどのように続けていこうかと向き合える良い時間でした。ー印象的だったシーンは？　エイミーが自分のルーツを辿って実家を訪れるシーンです。同じデザイナーとしてとても共感するものがありました。エイミーが「地球に負荷をかけないファッションブランド」を考えるきっかけになったのは、幼少期に大自然の中で育ったことだったと劇中で明かされます。私自身も、青梅市の実家で生まれ育ったこともり、緑が豊かな環境だったんですよね。ルーツというのは「自分らしさ」と言い換えることもできます。つまり、クリエイターとしてものを作る以上は自分のルーツとは切っても切り離せないし、エイミーと私の原始的なルーツが「自然の中で育ってきたこと」だったのかなと思えたんですよね。ー一見、自身の内面にフォーカスした「自分らしさ」と利他的な「サステナブルな取り組み」は相反するもののようにも感じますが。　たしかに、「サステナブル」という言葉をよく見聞きするようになった2018年頃は、正直「クリエイションにおいて、なにか不自由なことがファッション業界で起こり始めるのではないか」という少しネガティブなイメージとして認識していました。でも、「サステナブルこそがクリエイティブなんだな」と思えた出来事が2019年頃にあったんです。　2019年は、私が「ファッションデザインで、自分らしいものづくりを突き詰めよう」としたタイミングでした。それまでは、祖母が着物の針子さんだったこともあり「和物が好きだな」「カラフルなものが好きだな」とざっくりと自分の興味が湧くものを認知し、アイデアソースにしていたんですが、具体的に「何を目指すべきか」ということだけがなかなか見当たらなかったんです。そこで自分のもう一つのルーツであり、祖母、母、私と三代受け継がれてきた祖母があつらえた着物と向き合い、糸を解いてみたんです。ーアイデアソースはあるけど、クリエイションとして何を目指すべきか模索していた時に、自分のルーツである祖母の着物をほどいてみた、と。　その通りです。その着物はパズルのように全てが四角い生地で構成されていて、最終的に3尺、約12メートルぐらいの一枚の布になったんです。それを体感した時に、私の好きな着物は生地を余すことなく使うことで出来上がっていたんだな、と納得したんですよね。自分にとって少しだけネガティブだった「サステナブル」という言葉が「サステナブルこそクリエイティブなんだ」とポジティブなものに変わる瞬間でした。着物をほどき、目の前に現れた一枚の布からは、祖母のクリエイションの息吹が隅々まで宿っているようにも感じましたしね。　サステナブルについて調べていく過程で、困難なことに向き合っているデザイナーたちが、すごく好奇心を持って楽しそうにものづくりをしていることも知りました。自分が生まれ育った自然環境を自覚し、ルーツである着物を分解したことで、サステナブルという言葉の解像度が高くなり「私も課題から逃げずに向き合って製作するデザイナーになりたいな」と思うようになりました。「それはできないから」という理由で自分の好きなものを作るデザイナーではなくて、挑戦するデザイナーになりたいな、と。その先に、祖母があつらえた着物のように、三代にわたって着継がれるものが生み出されるんじゃないかなと思えたんですよね。ー篠原さんは今日、この日のために自分でパターンもデザインも手掛けた服を着ていますよね。　このブラウスは「パターンを折り紙のように重ねて作ろう」と考えたのが着想源です。買った生地をいかに端から端まで使うかを意識しました。結果として残布がほとんど出ませんでした。何故なら、布幅に合わせてパターンを引いているから。ベルトも、普通なら横で取るんですが縦で取っていて、パンツも通常なら曲線でパターンを引くところを、布の形に合わせて全て直線かつ四角パターンで作っています。不思議な感覚なんですが、布に導かれてパターンを引いている感じです。ー篠原さんは、本来廃棄されるエゾ鹿革の端を使用したアートピース着物「ザ レザー スクラップ キモノ（THE LEATHER SCRAP KIMONO）」で第101回ニューヨークADC賞（THE ADC ANNUAL AWARDS）のシルバーキューブとブロンズキューブの2冠を達成しています。制作のきっかけは？　真実をデザイナーとして作品にして届けたいなと思ったからです。このプロジェクトに取り組む上で最初に向き合ったのは「動物たちの命である天然皮革を扱うことはSDGsやサステナブルな取り組みといえるのか」ということ。なので、まずは真実を怖がらずに知ることから始まりました。実際に埼玉県草加市の三代続くタンナーさんの元に訪れて話を伺いましたし、日本タンナーズ協会の方々とも意見交換をさせていただきました。その中で、エゾ鹿の皮は革を取るために殺生されているわけではなく、森林被害を防ぐために仕方なく捕獲されること、捕獲された害獣も食肉として余すことなく食べられていること、余った皮の有効活用として皮がなめされて天然皮革になっていることなどを知りました。そうやって、天然皮革に対する自分の考えが変わっていったんですよね。事実、タンナーさんたちも動物たちの皮をいかに活用するかを日々模索されていて、その姿に胸を打たれました。これらは、人間が動物や自然と共生していく中で、必ず向き合わなければいけないテーマだと思います。だったら私も、私なりの方法で伝えよう、と。ーファッション・リイマジンの主人公であるエイミーも、自分が作る服の素材が誰にどのような形で作られているかを自分の足で確認しにいく姿が印象的でした。篠原さんも、実際に現場に足を運んでものづくりをするんですね。　私もかつては「自分の作りたいものに材料や素材が後からついてくる」というイメージでした。でもいまは真逆で、素材が自分の作りたいものを形成してくれていると思っています。何故なら、素材そのものに既に伝統が刻まれているから。素晴らしいマテリアルにはしかるべき職人さんや取り組みが付きもので、私はその姿に寄り添うように作品を届ければいいと思っています。ー新しい取り組みとして、高尾の森で伐採された間伐材を原料にしたバッグを制作されました。　元々は、私の地元である多摩で開催される八王子芸術祭に参加するにあたって「高尾のもので何かアイテムを作って、地域の皆さんに還元したいな」と思ったのがきっかけです。バッグは、期間と数量限定で高尾山の山頂で配布することになっています。ー間伐材を利用するというアイデアはどのように思いついたんですか？　高尾山や森のことを調べていく中で初めて「間伐」という概念を知ったんです。一見、森を伐採するネガティブなイメージがあるかもしれませんが、自然光を森の中に取り込み、植物が健やかに成長するためには必要不可欠な作業で、定期的に実施されています。ただ、伐採された木を運ぶのにはとても労力が掛かり、その場に放置されるケースもある。それに、必ずしも良質ではない木の場合は、建築材の資材などとしては選ばれずに行き場を失うのです。ー森のサイクルがしっかりと循環していない背景を知ったことがきっかけだったんですね。　そういう話を間伐業者さんから聞き「デザイナーとして何かできることがあるのでは」と思えたんですよね。このバッグを制作するにあたって、高尾の認可林業の方に「余った間伐材があれば譲っていただけませんか？一緒に八王子芸術祭で何かをやりませんか？」とお声がけしたらとても喜んでくれて。結果的に今回は、樹齢50年の杉の木を受け取りました。　50年というサイクルにも意味があります。というのも、戦後の日本は家を建てたり、木材を豊富に提供するために人工林を森に植えていったのが大体50年前なんですよね。現在は、植林された人工林が育ちすぎてしまって、林業の人も間伐が追いついていないそうなんです。高尾は天然林の方が多いのですが、高尾に限らず、各地で間伐は取り組まれています。ただ、循環できるスキームがないので、なかなかアイテムを作るところまでいかなかったみたいです。ー篠原さんが、デザイナーとして一番大事にしている信念はなんですか？　「手を動かし作り続けること」かな。私がずっと製作活動を続けられているのは、針を布に刺した時の感触を心地よいと思い続けられているからだと思うんです。話は少し脱線するかもしれないんですが、私は40歳のタイミングで一度仕事をリセットして、かつて通っていた文化学園大学で学び直しをしました。10代の多感な時期にも同じ学校に通っていたわけなんですが、40代で改めて学校に通い出した時に完全に手が縫い方を覚えていたんです。何かを作るたびに「懐かしい！」という感覚が完全にあった。その時に、10代、20代の自分に心から感謝したんです。「夢中になってくれて、ありがとう」って。だから、その時の自分が手に入れてくれた「身体に染み込んだ感覚」「感触」は信じているし、手を動かしてものを作り続けているからこそだなと思っています。ー最後に母校である文化学園大学に通う学生に向けてメッセージをお願いします。　エイミーも私も、自分のルーツの中から今の創作を導いたと思っています。ぜひ皆さんも、自分らしさの根源を見つけ出して、あなたにしか発想し得ないオリジナルの表現や、取り組みに挑戦してください。この学校は、爆発的なアイデアを受け止めてくれる懐の深い学校だと思うので、何も臆することなく、自分を信じて。そして、みなさんの中からエイミーのように社会を突き動かすようなデザイナーやクリエイターが誕生することを願っています。（聞き手：古堅明日香）

「10代の自分に感謝してる」　篠原ともえのクリエイションのひみつ

海外における「デコラ」の定義　国外でも「デコラ」は日本のカルチャーとして浸透している。世界各国のストリートスナップをキーワードと共に紹介している書籍「The World Atlas of Street Fashion」にも、日本のストリートファッションとして「Decora」が紹介されており、そこには「1997年に創刊された雑誌『フルーツ（FRUiTS）』、そしてその創刊号で表紙を飾った小林あきがアイコンであった」と綴られている。小林氏は、ソフトパンク系のスタイリングを好み、「ミルク（MILK）」や「ミルクボーイ（MILKBOY）」のアイテムに自作の服をミックスしたコーディネートで度々誌面に登場。ファンも多い人物であった。なお、「デコラちゃん」という言葉は、1998年の時点でメディア上で使用されていることが確認できる（「毎日新聞」1998年8月12日付朝刊）。デコラはクラブカルチャーから生まれた　菊田はデコラの起源は、新宿の「ツバキハウス」や原宿の「ピテカントロプス・エレクトス」を嚆矢とするクラブカルチャーにあると話す。ピテカントロプス・エレクトス、通称「ピテカン」は、日本初のクラブハウスとして桑原茂一が1982年に開店。坂本龍一、高橋悠治らによるライブや、高木完、藤原ヒロシによるDJプレイが披露され、キース・ヘリング、ジャン・ミッシェル・バスキアなど、海外からも多くのアーティストが訪れた。最もシンボリックなのは、漫画家 岡崎京子の作品「東京ガールズブラーボ」で“憧れの東京の象徴”として描かれたことだろう。以後、日本のストリートカルチャーに多大な影響を与えたピテカンは、若者がオシャレをして集う場として機能することになる。ピテカンは、明治通りと竹下通りを跨いだ先に位置し、その後「裏原」と呼ばれる地域に根ざしていたことも興味深い。裏原を中心に、日本のファッションシーンは大きく変わっていったが、デコラもその例外ではないようだ。デコラとロンドンパンクスタイルの関係性　ピテカンに遊びにいく若者のスタイリングの参考になったのは、日本よりも先にクラブカルチャーが成熟したイギリス ロンドンのクラブシーン。1980年代のロンドンでは、ポストパンクやニュー・ウェイブ、ゴスといった細分化された ファッションが流行し、日本でもセレクトショップ「ア ストア ロボット（A STORE ROBOT）」が、ヴィヴィアン・ウエストとマルコム・マクラーレンによる「セディショナリーズ（SEDITIONARIES）」などの、パンクファッションを取り扱い始めた時期と重なる。菊田は「パンクのブリコラージュの精神を踏襲したロンドンのクラブファッションが、そもそもデコラティブだった」と説明する。今ほどカラフルな装いではなかったかもしれないが、自分の個性を打ち出す服でドレスアップし、クラブイベントへ繰り出していたそうだ。　さて、そういったロンドンのクラブシーンを参考にした若者たちのスタイリングを取り上げたのが、ピテカンオープンから7年後の1989年に創刊された雑誌「キューティ（CUTiE）」だった。同誌では「キッズコレクション」と称して、現在で言うところのストリートスナップページを掲載していた。菊田はそこで着られていた服が、クラブシーンの盛り上がりの中で登場したインディーズブランドである「ヒステリックグラマー（HYSTERIC GLAMOUR）」「スーパーラ ヴァーズ（SUPER LOVERS）」「ミルク」だったと解説する。雑誌「CUTiE」が提案した“ラジカルな”女の子像　「キューティ」が打ち出したコンセプトは“for INDEPENDENT GIRLS”。その名の通り、唯一無二の“自分だけの私”が提案され、装いの個性の一つとして、古着とインディーズブランド、そして手作りアイテムをミックスするようなスタイリングが紹介された。この地点が、現在「デコラ」と呼ばれているスタイリングの成熟期だと考えられるが、当時は「デコラ」ではなく「ラジカル（過激なさま／急進的なさま）」と呼称された。デコラが、ロンドンのクラブシーンやパンクファッションを踏襲し「人と違う服を着て、目立ちたい」という思想をも引き継いでいるとしたならば、「過激で急進的」という呼び名も頷ける。また、手作りアイテムをスタイリングに組み込むDIY精神は裏を返せばメジャーに対するカウンターとして機能し、パンクマインドと地続きであるとも考えられる。シノラーとデコラは似て非なるもの？　一方で、原宿には数多のファッションスタイリングが存在しており、中でも差別化が難しいのは「シノラー」と「デコラ」なのではないだろうか。菊田はシノラーとデコラの違いを「スタイルの背景にある文脈の違いである」と説明した。　そもそも、シノラーとは、当時文化女子大学短期大学部の学生だった篠原ともえをファッションアイコンにしたファッショントレンドであり、古着、インディーズブランド、手作りアイテムを組み合わせた様相はデコラとかなり近しいものを感じる。しかし菊田は「シノラーという現象はメディアが作り出したファッションで、それが一人歩きし、拡大していった」と考察し、2010年代に流行したきゃりーぱみゅぱみゅをアイコンとした「原宿KAWAII」にもメディア上で拡大再生産されていった側面があるとした。「シノラー」のアイコンとなった篠原ともえは、元々ファッション感度の高い文化の学生であることもあり、「デコラ」のように、クラブカルチャーや原宿のストリートスタイルにも精通していたかもしれません。だからこそ、シノラーとデコラを完全に「似て非なるものである」と言い切ることはできない。つまり、篠原ともえという人物は、デコラの歴史や文脈にも繋がりうるが、彼女のファッションだけが「シノラー」という枠組みに収められ、メディアの中で拡大していき、デコラとは別物になってしまったのではないでしょうか。ー菊田琢也　現に、篠原はメディアで当時を振り返り「シノラーのルーツは、学校の課題で書いたデザイン画である」と話している。タレント活動をする中で、周りの大人たちがそれを増幅させ、作り上げたものと言えるかもしれず、続く、きゃりーぱみゅぱみゅをアイコンとした原宿KAWAIIも、参照すべき（きゃりーぱみゅぱみゅという）カテゴリーに合わせていく側面が強かった。つまり、大衆のイメージが作り上げた、少し個性的で奇抜な像がシノラーとするならば、デコラは、ロンドンのクラブシーンを横断し、目標とするべき型がない自分らしいスタイリングと言える。増田セバスチャンという存在　また、デコラとシノラーの共通点であり、原宿カワイイカルチャーの重要なキーパーソンとして欠かせない人物といえば増田セバスチャンだ。増田が手掛ける「ロクパーセントドキドキ（6%DOKIDOKI）」は、現在のデコラにとってもマストハブアイテムであり、2010年代においても、きゃりーぱみゅぱみゅの初期作品で美術演出を手掛けるなど、その関係性は深い。菊田は「彼は、かわいいカルチャーの文脈から出てきている人物という側面が重要」とした上で、「最初から、デコラやシノラーが好むような派手なアイテムばかりを扱っていたわけではない」と付け加えた。ロクパーセントドキドキは立ち上げ当初、クラブキッズに向けたファッションアイテムのほかに、ケアベア（Care Bear）や、マイリトルポニー（My Little Pony）などの、ファンシーで可愛い西洋のキャラクターグッズや玩具を取り扱うお店でした。　欧米のキュートなアイテムを紹介するというのは、ロンドンのクラブシーンを日本に持ち込んだ若者のスタイリングや、それを取り上げた雑誌「キューティ」に近く、それを「デコラ」という自国の文化にしていくのは、極めて日本の文化醸造らしい手法のように思う。族から系へ、そして「型」の時代となった令和へのカウンターになるか　菊田は、「デコラファッションとは、スタイリングである」と締め括った。かつての原宿は、1980年代の竹の子族が代表格のように、皆が共通の格好をして同じ場所に集まり、仲間意識を高めていた。一方、パンクはブリコラージュをし、自分のスタイリングを作り上げてきた。つまり「パンクス」というコード（共通認識）は同じだが、ひとつとして同じ文脈でのパンクスは存在せず、本質的には一人一人が完全に異なる装いをすることになる。社会学者の難波功士が「族の系譜学―ユース・サブカルチャーズの戦後史」の中で「渋谷・原宿のストリートファッションは、＜族＞から＜系＞へと変化していった」と綴っているように、「デコラ系」と呼称されるものは、パンクの文脈を引き継ぎ、自分らしい装いや個性を表現するに至っただろう。現在の「デコラ」に含まれている意味は、原宿に集まりそうな人の装い程度の意味が最も強いのかもしれない。その装飾の仕方も、装い方も千差万別だ。　現代の日本は、族から系に移り変わり、骨格診断における「ストレート」「ウェーブ」 「ナチュラル」や、パーソナルカラーにおける「イエベ」「ブルベ」といった「型（タイプ）」に各個人が分類され、それに合わせてファッションを選択する。もしかしたら近い将来、そういった「型」や「似合う」が求められる時代へのカウンターとして、デコラの再ブームが訪れるかもしれない。text＆edit：古堅明日香

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