インサイド

「おかぁさーん、着替えドコォ？」「そこにあるでしょ」「ありがと、おかぁさーん」「おかぁさん、服が汚れちゃった」「何して遊んでたの、早く着替えてきなさい」「おかぁさーん、着替えドコォ？」「そこにあるでしょ」　幼い少女と母親の会話が、やや湿気た家屋内で反復しながらノイズ混じりに響く。　1996年のカレンダー、ベッドサイドでしゃがみ込み俯く少女、放り出されたソックス、花柄のカーテン、ブラウン管のテレビジョン、別の誰かが抱きついているようなジャケット、ショートホープ、化粧水、大きな肩パッドのついたトランスペアレントなブラウス。昭和的モチーフとコンテンポラリーな洋服が生み出す違和感。モデルは虚空を眺め、時折こちらへ顔を向けては厚い前髪で隠れている目が“合っている”畏怖を第六感に訴えかけてくる。　それから、身体が前後逆転している女学生風のルックでは洋服も反転した作りになっていて、シューズまでもが靴下が外側に一体化したデザインになっていた。　ミキオサカベは誇張の上手いブランドだと思う（嘘に近い、という意味でも）。それはギャザーの寄せ方、襟や袖の長短の付け方、シルエットの巨大化など、洋服の構造そのもののことでもあるし、洋服や演出を通したイメージの倍音的表現のことでもある。今回のことで言えば、視覚による痛覚の共有、喪失の追体験などが、モデルの顔を隠すことで観客にとって内外の二項対立を超えた超常現象的表現として提出されていた。　日本美術に於いて幽霊画は厄払いのような役割も持っていると聞いたことがある。それから、社会情勢が悪くなるとホラーがウケなくなるとも──現実世界の方が恐ろしくなってしまうから？　それはさておき、昨今のファッションやアートの分野で、テーマやコンセプトに基づくアウトプットが弱く、後付けなのかと思えてしまう表現が多い中、具体的で明確なプレゼンテーションがデザイナーの底力を感じさせる素晴らしいコレクションだった。　狂気や死が、正反対にありありとした生のリアリティーを予感させていた。

MIKIOSAKABE

Fashion

幻肢痛、欠損した記憶、狂気の媒介としてのホラー表現──MIKIOSAKABE 2026年秋冬

「アンセム エー（ANTHEM A）」は、今回はじめて知ったブランドだった。2021年秋冬スタートで、性別、時代、文化等を掛け合わせたスタイルが得意だと紹介を受けた。　今季は「INNER UNIVERSE」と銘打って、“主観的に捉えた私”を表現したという。日常で目を向けることのない潜在意識に深く潜り、隠された感情や衝動を拾い上げる。　滑らかなサマーウールのスーツには腰にハンドクラック加工を施されたブルゾンが巻かれ、ストライプのニットプルオーバーはシワ加工によって線が歪み、蛍光に近いグリーンのブルゾンや赤いニットジャケットにはそれぞれチャコールグレーのアイテムが合わされている。ルック全体を通して、素材や色彩の対比が目を引く。そういった表現が、ただ極端なコントラストをつくるのではなく「こんな組み合わせ、自分もしてみようかな」と思える提案になっていることが、ブランドの器用さを表しているように思える。　洋服そのものもスタイリングも、過剰と言えるものはほとんどなく、違うルックで登場しているウェア同士を入れ替えても成立させられそうで、ブランドの根幹にある美意識が一本の線となっていることがわかる。頭の中でルックとルックをつなげられる。それを着ている自分が容易に想像できる。　職人とのリレーションによって素材に独自の加工を施し、特殊な仕様で作られたという服の数々は、構造の新しさやフレッシュな捉え方でのアプローチとしてリアルクローズの可能性を拡張していく。テクニックばかりに焦点を当てるとデイリーユースから離れてしまう場合が多い中、しっかり現代社会にフィットするように計算されていて好感が持てる。　ランウェイショーと聞くと、つい、何か特別なことを表現する場という前提や、エポックメイキング的な服たちの登場の期待がどうしても浮かんでしまうけれど、派手な演出や驚きを武器とせずに、こうやって静かに日常に対してアプローチするような方法もあるのか、と考えさせられた。まもなくフィナーレが訪れ、ランウェイは夜の海みたいに光を受け、連なって歩くモデルを反射させていた。　着飾るということは主に顕在意識の表れで、基本的には自我の表出がテーマとなっていると思う。けれど自身の潜在意識に目を向けることで結果的に集合無意識に──集団の夢のようなものに──働きかけるようなコレクションとなっていた。

ANTHEM A

潜在意識へのダイブで導く集団心理の変化──ANTHEM A 2026年秋冬コレクション

　一体目のドレスは、ブランドのシグニチャーともなっている手紡ぎ糸のボリュームあるニットドレスだった。モデルはゆっくり、真っ直ぐ歩き、また舞台袖へと戻っていく。そういった調子で一体ずつたっぷりと時間をとって見せられていく。──この潔さ。誤魔化しのない具体的な提案の仕方が、デザイナーの実直な姿勢を表しているように思える。演出で雰囲気作りをしたりしない「ただハッキリと洋服を見せたい」という堂々とした態度。モデルはほとんど皆、素足だった。　意外だったのはテーラードスーツの多さだった。モデルのウォーキングに合わせてしなやかに揺蕩う生地がきれいで、室内着のようなリラックス感も漂っている。ニットで包まれたヴィンテージのバッグには、庭から摘んできたようにザックリ束ねられた花が差し込まれている。それから、獣のようなセットアップ、メンズスーツには大胆に合わせられたニットガウン、楽しい水べが描かれた毛足のあるマフラー、スミレの図案が入ったニットブルゾン、スラックスには三つ編みを思わせるベルト……、朴訥とした自然感覚と現代社会への眼差しが絡み合う。　朗読は次第に複数の声となって重なり、時に旋律のようになり、また朗読に戻ることを繰り返している。物語を編んでいる。それ自体がニットと緩やかに結びつく。　今シーズンのテーマは「WILD,NOT PURE」。インビテーションには「美しさとは野生的な物でもあり、純粋さだけではない」という意味が込められていると解説があった。ショー全体を通して、ニットからはデザイナー自身の衝動の方向性や知的好奇心が働く領域などの内的なものを、スーツからは社会構造そのものに対する挑戦など外へ向かうものが感じられた。美を追うことの困難さを思うと共に、まだ若いブランドが、これから内的自己をどのようにふくよかにし、社会に対してどのようにアプローチしていくのかが楽しみになるコレクションだった。

KAKAN

ニットとテーラリングのコントラストから立ち現れる詩の世界──KAKAN 2026年秋冬コレクション

　モデルが次々と歩く。真っ赤なシャツにスカーフが袈裟のように掛けられている。ジョン・レノン（John Lennon）のイマジンTシャツにはワイドスラックス。ネルシャツの上から着せられたタンクトップ。牧歌的なワンピースには花束。平和を祈るパッチが付けられたスーツには中指を立てているTシャツが。それから、ニットがターバンになり、アウターがインナーになり、ラグがスカートになり、さまざまな古着がその役割を刷新され、フレッシュな存在になって代わる代わる現れる。 　スタイリングのチカラがある。見たことあるもの、親しみのあるものが、選ばれて、再考され、組み合わせられて新しいエネルギーを生み出す。特別にも思えるのに「今日から真似できるかも」とも思わせられる。同時に、テーゼを感じる。そしてアンチテーゼを感じる。今の社会へのするどい眼差しを感じる。けれど直接的な批判という方法を取らず、高揚感や多幸感を用いて選択肢の再提示をしているんだと感じる。体現することが提案されている。着ることそのものが表現になる、と促されている。　ショーの余韻に浸る間もなく人々の熱量に圧倒される。ひとまず会場内をぐるりと見てまわる。　アメカジ、ミリタリー、ワークウェア、ユーロヴィンテージなど、わかりやすく系統だった店もあれば、形容し難い妖艶さのある店、時計やアクセサリーを玉石混合のまま並べている店、とにかくTシャツばかり置いている店など、「古着」と一言で括ってしまうけれど、それぞれの店によって随分と印象が違う。ブランド古着の店もある。　古着には、少なくとも一度は結末が訪れている。そしてその終わりを自分で拾い上げ、また物語として紡ぐことができる。多くの場合、時間も、場所も、人種も超えて。そこにロマンティシズムを感じる。時間の束を外してバラバラになったものをもう一度編纂するような感覚が立ち上がる。　たしかに新しい洋服は気持ちが良い。まだ誰も袖を通していないものを着るよろこびがある。けれど……。　これから何を選び、着るのか、物語的な問いがあるイベントだった。

古着を選ぶこと、着ることで示す道徳的な怒りと物語的な問い ── Tokyo Vintage Fashion Week

　ショー開始を待つ。シートには陶器で作られた石のようなオブジェが置かれていた。大きな液晶にはパリの風景が流され、暗転するとまもなく、ドアと真っ白な空間が映し出される。　ランウェイにウィメンズモデルが登場すると共に、液晶にはメンズコレクションの映像が流れ、二次元と三次元、男性と女性とが照応関係として重なる。　テーラードスーツにはミリタリー要素の強いレザーブルゾンが羽織られ、トレンチコートやカーディガンは歪み、オーバーサイズのスタイリングが続いたかと思うと、ボディコンシャスなニットドレスやタイトスカートが現れる。メンズウェアの変形と女性性の強調が調和したかたちで展開されていく。それから、今までのコレクションも思い出し、違和感をつくることに長けているブランドなのだとわかる。　違和感の背景に何があるのか？必要以上に意図を汲み取ろうとしてしまう。対比されているメンズウェアが顕在意識や「こう在りたい」と願う自我の表れに思え、反対にウィメンズウェアは潜在意識や「個を超えて全体に溶けていく」ような境界線の曖昧さが表れているように思える。背格好の近いモデルで揃えられていることも助けて、個としてのキャラクターはぼやけていく。ある側面ではとても現代社会的だなと感じる。　「BEYOND FORM」は、アーティストのジャン・アルプの「自然界に直線はない」という思想からインスピレーションを受けたとコンセプトシートに書いてあったけれど、自分の視点では、超越したのは洋服の形状そのものよりも、アーキタイプのかたちだと思えた。性差という意味でも。それがリアルクローズの持つ魅力だとも思えた。ある意味ではとてもシュルレアリスム的だと思えた。デザイナーが意図してのことではないとわかっているけれど。

YOKE

ウィメンズラインで明らかになった潜在意識のかたち──YOKE 2026年秋冬

　ファーストルックからしばらく、黒、黒、黒の連続。　"テルマといえばグラフィカルなテキスタイルだよね"という期待に反した見せ方により、一気に引き込まれる。　同時に、いままでは柄でカモフラージュされていたようなディテールやシェイプもありありと見えてくる。ラペルひとつとっても服作りへの気構えが見えてくる。あるいは反骨的な要素が見えてくる。あるいはセールスへの高級な迎合というものが見えてくる。　次第にグレーが差し込まれる。そこにのせられたシルバーのペイントと連動するように、得意のチェックオンチェックなどの柄のレイヤリング、それからオリエンタルなモチーフ、それから室内着と室外着が交差するようなオン・オフ感覚のルックが次々と展開されていった。　最初は、数ルックずつ区分けされている点、点、点という印象で、フォーカスの曖昧さが気になった。昼夜がくるくると足早に展開されていくようだった。けれど終盤まで見たところで、脈絡がなく感じていたものたちがゆるやかに結びついていく。　幾何学的なビジューのあしらい、レースが施された裾、パファージャケット、プリーツスカートの透け感、フェイクファーのバッグ、蘭や薔薇が描かれたアール・ヌーヴォーテイストのプリント、毛足みたいなグラフィック、唐突なキルティングや、星のかがやく柄……。 　繋がったものを言語化するなら”豊かな記憶から引用される調度品や室内装飾の手触り”だと思えた。それから“美しいものを愛した母親像と東京感覚のソフィスティケイテッド“のミックスとも思えた。　あくまでも無意識的に選び取られているだけで、テーマとしている訳ではないと思う。あくまでも印象によるものだから、思いっきり解釈違いの場合もあると思う（むしろ、確実に解釈違いだと思う）。けれどひとしきり空想を膨らませて、他者の表現を受け取ることの喜びを享受する。そうやってイマジネーションが膨らむショーだったことには間違いはないのだから……、と逃げ道を探す。　ファッションにおける心地良さは、型落ちしていないシェイプの要求というものを除けば、身体との関係、つまりフィット感や肌触りから引き起こされるものだと思っていた。けれど、こういった洗練されたノスタルジアからくる基本的安心感の想起というものもあるんだな、と、ひろびろとした思いがしてくる。それが正しい解釈ではなかったとしても。それが仮に架空の記憶だったとしても。

TELMA

調度品や室内装飾のアトモスフィアがもたらす基本的安心感──TELMA 2025年秋冬コレクション

　そしてシートには真っ黒のキャンドルが──これは何？　暗転し、まもなくスピーカーから重低音が流れ、まもなくけたたましいドラムの音が臨場感を高め、まもなく幾何学的に歩き回るモデルが現れる。 　フィットしているのにハギが多くて着心地の良さそうなドレス、コルセットとバージャケットをマッシュアップしたようなトップス、ホワイトカラーに合わせられたデニムのスカートや、レオパードのボディスーツに羽織られた玉虫色のトレンチコート。それから、大胆に覗く脚はニットタイツによる抑制が効かせられている。それから、宗教的な印象のベロアのワンピースにはハーネスが合わせられている。 　ほとんど全てのルックで、極性による個性の輪郭がこれでもかと打ち出され、インディヴィジュアルなスタイルを作るということへの明確な意思とテクニックを感じる。　シェイプひとつとっても、交通標識のように記号としてひとつの意味だけを表すものではなく、ファッションのコードという象徴となって表現そのものに奥行きを作り出していた。　ついでカーヴという言葉の味わいが増していき「直線は哲学者をも迷わせる迷路」と言ったJ.L.ボルヘスの言葉がよぎる──カーヴによって無限に広がる二項対立的な直線が閉じられて円になる。ついで無限は閉じられて、極性によるものも善悪のように割り切る必要がないのだとわかる。二律背反でもない。自己矛盾でもない。正反対のものだったはずの端と端とが繋がり、調和する感覚がする。　次々と登場するモデルたちの演出なく淡々と歩く姿により、それらは強調されていく。　表面的なラッピングによる印象の強い刺激や、わかりやすいゴールが予感させる解脱感、ハッピーエンドが約束されている物語など、現代で要求されがちな節約的な軽さに対する拒絶すら感じるコレクションだった。受け取り手に知性を要求するように。　──ショーが終わり、ダンスフロアを出て、ビルの前で配られていたコンセプトシートを確認した。けれど上記のようなことは全く書かれておらず、再び得意の誤読に恥ずかしくなる。「Queen of Curves」はピンナップ・ガールのベティ・ペイジだった。　けれど、表現されたものは受け取り手が観察した時点で生まれ変わるし、ファッションそのものが生き物で、誰によって読み解かれるかで性質が変わるんだ！ と開き直る。　先入観を持たせないためにコンセプトシートをショー終わりに配ったんだよね！ と開き直る。　持ち出した真っ黒なキャンドルを改めて眺めながら、これはきっと聖なるものと性的なものの象徴を併せ持っているのだ！ と開き直りを加速させながら、いそいそと電車に自分をしまいこんだ。

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