インサイド

　そしてモデルをしながらコレクションレポートをリアルタムで書いている。「当日は自分の好きなことをしていて欲しい」との連絡を受けたので、新しい挑戦としていままさに、コレクションモデルをしながら書いている最中だ。　ブランドの一役を担いながらコレクションレポートを書くのは初めてだ。本来ならば、文章を読みやすいように編集をするのだが、実況という「なま」感を楽しんでもらいたい。話が脱線したり、拙い文章から臨場感を受け取ってもらえると嬉しい。　私はいま、POTTOの新作を着ながら書いているが、正直に言えば少し恥ずかしい。私の服には袖と襟にフリルがついているからだ。私はフリルがついている服を買ったことがないし、一度も着たこともない。しかし、このシャツは私のために作られている。2ヶ月前にオンラインでデザイナー山本さんと1時間くらい話をした。山本さんは私のことを丸裸にするような雰囲気を醸し出し、インタビューを得意とする私でさえ自然と素直にペラペラと答えていた。その後、いくつか質問が送られてきて、 私はこう答えた。・何か信じているものはありますか？偶然は必然 ・今まで嬉しかったこと他人の子供に気に入られたこと ・今まで悲しかったこと、嫌だったこと仲間はずれ ・自分は？自分に興味がない人間かもしれない ・死んだら？何もない ・愛は？見返りを求めると価値がなくなるもの。愛する行為に価値がある　山本さんから見た私は、シャツにフリルがついているのだ。「可愛い一面があると感じた」と言われて戸惑いながらも、そうなのかもしれないと自分を受け止めてる真っ最中である。とても興味深いのは会場にいるいろんな人たちから「似合っている」と言われたことだ。そこには、他者から見る「私」と、自分が思う「私」がチグハグであることをファッションという媒体を通じて知った。40歳を手前にしてフリルが似合うとはなんとも複雑な気持ちであるが、この機会がないと知り得なかったことだろう。　この経験は私だけじゃなく、モデルに選ばれた全ての人が同じである。スタイリスト、歌い手、デザイナー、カメラマン、編集者、料理人などジャンル違いで活躍するモデルが集められ、職種だけ見るとまるで小さな街ができそうだ。そして今回選ばれたモデル全員に特別な一着を作っている。みんな「自分が思う自分」と「他者から見る自分」の差異を楽しんでいるのではないだろうか。　基本、ブランドからコレクションの案内をもらうと新しいものを期待するが、今回のPOTTOは「誰かのために」が集まったコレクションである。量産可能であり、品番にはそれぞれの名前が記されるようだ。つまり今季は私のために作られた洋服がコレクションの一部となり、モデルの数だけ特別な一着が集まって、今季の新作になっているのだ。　本来、その解説あるいは翻訳をすることがレポートの基礎であるが、私がいうのも大変恥ずかしいことだけれど、POTTOを言語化することがとても難しい。新しい技術を使うわけでもなく、デザイナーは強いメッセージを伝えたいわけでもない。解釈に余白が多いブランドである。だから、執筆者としての技量が問われる。また、POTTOのコレクションショーは洋服以外の「仕掛け」が多いのもまた迷宮に入ってしまう。ライターはつい「仕掛け」を解説してしまいがちで、肝心のコレクションに触れることなくレポートしてしまうからだ。ただ、今回はモデルをしながら執筆をして、感じることは「ファッションの主体性はどこにあるのか」だという問いである。話は飛躍するが、マルタン・マルジェラ（Martin Margiela）の功績はさまざまな側面があるけれど、一つはファッションの主体性を問うたことだろう。貴族文化が強いファッション業界において、庶民を主体として可視化し、コレクションで表現したことが歴史の転換であったと思う。今季のPOTTOは、まさにそれを体現していて、さらにはパーソナルな内面を一点一点に落とし込むことで、洋服からコミュニケーションが生まれ、人との関係性を可視化し服に奥行きが出る。　「他者と私」の関係をファッションから受容する、または発信・発見する。POTTOはそこを大切にしているように思えた。　一つ気になるのは、14年前と同じ形式で発表したことだ。当時は東日本大震災が起きた年。悲惨な現状とエンタメの自粛。また不都合な情報はTVに流さないことが明らかになり、何も信じられない混沌とした心情だった。国内は不穏な情勢の中で、ただ生きていくことしかなかった。広義な意味で今年の出来事と無理矢理結びつけるならば、さまざまな世界情勢が起きており、都市伝説で話題に挙がった「とある予言」もあった年。2011年と2025年、もし通じているのならば山本さんは、私たちに溜まったストレスの塊に針で風穴を開けて風通しをよくしてくれる存在である。ファッションを語る為に必要な文脈や現代性など小難しいことを一旦棚に置いて、「かわいい」という共通言語で繋がれる世界を大切にしている。とてもプリミティブな感覚を共感し合ったり、体験することに重きを置いているのであろう。今回のコレクションで一つ言えることは、誰かを思いながら作ること、そしてデザイナーが自分のために作ったものを着る高揚感は、代替え不可能な体験であった。デザイナーと服を着る側の関係で1番単純で、清く、心地よいものである。　そして、ショーは終わり、いまは帰りの電車の中でまた執筆を始めている。結果、約3時間のショーの中で原始的な体験の良さしか語れない悔しさを噛み締めている。先ほども記述したように、POTTOのショーは捉えどころが難しい。何が正しいかが分からなくなってくるからだろう。受け手の価値基準が揺さぶられ、私の理解力を試されているようだ。まさにPOTTOの世界に迷い込んでいるのだ。ただ、言い換えるならば、ファッションの答えや正しさは一つではないとも解釈できる。コレクションを振り返るとTシャツや短パンといった軽装から、メンズのセットアップ、ウィメンズのワンピースやスパンコールドレスといったジャンルが違うアイテムも全て新作の中にまとまっている。山本さんにとって洋服という広義の意味では「同じ」なのであろう。そこに受け手にとって解読の難解さはあるが、それが面白さであり、単純に「かわいいだけで良し」ということであり、長年愛される理由なのだろう。　帰り際に「僕は2011年と2025年は通ずるモノがあると思っています」と山本さんに伝えると「いまは戦争中だと感じている」と一言答えてくれた。私の予想は間違ってなかった。SNSから流れてくる悲惨な光景に無力を感じながらも精神的な痛みは伴う。そんな繊細な感情に向き合い、そして普段生活していて気づかないし見えないストレスが少しずつ溜まっていく現実に山本さんは反応していた。「平穏で明るい生活」をファッションショーのなかで人々の生活の延長戦のような空間を作り、未来に希望を持ちにくい世の中でも「私たち」という主体性を取り戻したかったのだろう。

POTTO

Fashion

「ファッションの主体性はどこにあるのか」　“モデル”目線から見たPOTTO2026年春夏

MASU

【インタビュー】MASU後藤愼平、“狂ったファッションサイクル”の中で立ち止まったからこそ拓けた新境地

GUCCI9/23 19:00（日本時間 9/24 2:00）前任デザイナー：サバト・デ・サルノ親会社：ケリング　「バレンシアガ（BALENCIAGA）」を牽引し今年7月のクチュールコレクションを以て退任したデムナ（Demna）が、「グッチ（GUCCI）」のアーティスティックディレクターに就任し、初となるコレクションをミラノファッションウィーク初日に発表。ケリンググループきってのスターデザイナーの擁立で新たなチャプターを迎える。JIL SANDER9/24 10:30（日本時間 9/24 17:30）前任デザイナー：ルーシー&ルーク・メイヤー親会社：OTB　「ジル サンダー（JIL SANDER）」に8年間在籍したルーシー&ルーク・メイヤーの後任には「グッチ」に16年間在籍し、直近では「バリー（BALLY）」でクリエイティブディレクターを務めた地元ミラノ出身のシモーネ・ベロッティ（Simone Bellotti）が就任。BOTTEGA VENETA9/27 17:00 （日本時間 9/28 0:00）前任デザイナー：マチュー・ブレイジー親会社：ケリング　「ボッテガ・ヴェネタ（BOTTEGA VENETA）」在籍時に高い評価を得たマチュー・ブレイジー（Matthieu Blazy）は「シャネル（CHANEL）」へ移籍。後任は、「ラコステ（LACOSTE）」や「カルヴェン（CARVEN）」でクリエイティブディレクターを歴任したイギリス人デザイナーのルイーズ・トロッター（Louise Trotter）が務める。VERSACE前任デザイナー：ドナテラ・ヴェルサーチェ親会社：プラダグループ　プラダグループの傘下に入った「ヴェルサーチェ（VERSACE）」は、亡き兄であり創業デザイナー ジャンニ・ヴェルサーチェ（Gianni Versace）の意思を継ぎ1998年からクリエイティブディレクターを務めてきたドナテラ・ヴェルサーチェ（Donatella Versace）が前シーズンのショー後に退任を発表。チーフクリエイティブオフィサーに起用されたダリオ・ヴィターレ（Dario Vitale）は直近まで同傘下の「ミュウミュウ（MIU MIU）」のデザイン・ディレクターを務めていた人物。今シーズンはプレゼンテーション形式で新作コレクションを発表する。DIOR10/1 14:30（日本時間 10/1 21:30）前任デザイナー：マリア・グラツィア・キウリ親会社：LVMH　約9年にわたり「ディオール（DIOR）」のウィメンズ部門を率いたマリア・グラツィア・キウリ（Maria Grazia Chiuri）の後任となるのは、ジョナサン・アンダーソン（Jonathan Anderson）。メンズ兼任デザイナーとして6月のメンズに続き、ウィメンズのデビューコレクションを迎え、"ワン・ディオール"としてのヴィジョンが示される。LOEWE10/3 11:30（日本時間 10/3 18:30）前任デザイナー：ジョナサン・アンダーソン親会社：LVMH　2015年春夏シーズンから「ロエベ（LOEWE）」に加入し、売上・人気ともにブランド成長の立役者となったジョナサン・アンダーソンが「ディオール」へ移籍。後任のクリエイティブディレクターには「プロエンザ スクーラー（Proenza Schouler）」の創業デザイナー ジャック・マッコロー（Jack McCollough）とラザロ・ヘルナンデス（Lazaro Hernandez）によるデュオが就任。ブランドの全クリエイティブを統括し、ウィメンズシーズンで初のコレクションを披露する。Maison Margiela10/4 12:00（日本時間 10/4 19:00）前任デザイナー：ジョン・ガリアーノ親会社：OTB　創設者マルタン・マルジェラ（Martin Margiela）と同じくアントワープ王立芸術アカデミー出身のグレン・マーティンス（Glenn Martens）による新生「メゾン マルジェラ（Maison Margiela）」。7月のオートクチュールファッションウィークで先立って発表されたアーティザナルコレクションに続き、初となるプレタポルテコレクションを発表する。兼務する「ディーゼル（DIESEL）」や、今秋ローンチを控えるH&Mとのデザイナーズコラボレーションなど、今、最も多忙を極めるデザイナーの一人。BALENCIAGA10/4 20:00（日本時間 10/5 3:00）前任デザイナー：デムナ親会社：ケリング　「ヴァレンティノ（VALENTINO）」を去った後、動向が注目されていたピエールパオロ・ピッチョーリ（Pierpaolo Piccioli）は「バレンシアガ」に加入。約10年在籍したデムナの後任としてプレタポルテとオートクチュール部門を手掛け、2026年春夏コレクションのショーでカムバックする。JEAN PAUL GAULTIER10/5 16:30（日本時間 10/5 23:30）前任デザイナー：ゲストデザイナー形式で毎シーズン招聘　2020年に創業デザイナーが引退してからは毎シーズン、ゲストデザイナーを招聘しオートクチュールコレクションを発表してきた「ジャンポール・ゴルチエ（Jean Paul Gaultier）」。今シーズン、ANDAMやLVMHプライズなどで存在感を示してきたオランダ人デザイナーのデュラン・ランティンク（Duran Lantink）をクリエイティブディレクターに抜擢。ブランドにとって約10年ぶりのプレタポルテのショー開催となる。CHANEL10/6 20:00（日本時間 10/7 3:00）前任デザイナー：ヴィルジニー・ヴィアール　ヴィルジニー・ヴィアール（Virginie Viard）退任後、数シーズンはデザインチーム体制でコレクションを発表してきた「シャネル（CHANEL）」。ビッグメゾンのアーティスティックディレクターに起用されたマチュー・ブレイジー（Matthieu Blazy）は、「ボッテガ・ヴェネタ」での手腕を買われ、プレタポルテをはじめ、オートクチュール、アクセサリーの全コレクションを担当する。Others　そのほか、マーク・トーマス（Mark Thomas）による「カルヴェン（CARVEN）」やミゲル・カストロ・フレイタス（Miguel Castro Freitas）による「ミュグレー（MUGLER）」といった老舗のフレンチブランドが新デザイナーを迎えてのデビューコレクションを発表する。

＜ミラノ／パリ＞2026年春夏ウィメンズシーズンについて知っておくべき10のトピック

ハイライトの周年ショー　節目にふさわしく、記念すべきショーが目玉となった。「ツモリチサト（TSUMORI CHISATO）」はブランド設立35周年を迎え、表参道の店舗でのショーと渋谷ヒカリエでの展覧会を同時開催。2019年にイッセイ・ミヤケグループ傘下のエイ・ネットとのライセンス契約が満了し、ブランド事業を独立させて以降も、デザイナー自身が描くカラフルでユニークなグラフィックは健在で、独自の世界観を改めて発信した。　「オートモード平田（Haute Mode Hirata）」は、創設者で日本の帽子界の巨匠・平田暁夫の生誕100年を記念したショーを開催。娘の欧子、孫世代の早姫と翔が手掛けた31点の帽子が披露され、故人が切り拓いた帽子の創造性を時代を超えて継承した。クリエイティブディレクションを務めたエディター山口達也のもと、「リュウノスケオカザキ（RYUNOSUKEOKAZAKI）」の岡﨑龍之祐、「ミスターイット（mister it.）」の砂川卓也、「タム（Tamme）」の玉田達也らが手掛けた衣装とともに発表され、強い印象を残した。　舟山瑛美による「フェティコ（FETICO）」は、冠スポンサー・楽天の「by R」の支援を受け、ブランド5周年を記念したショーを開催。ブランドらしさを凝縮したコレクションで、女性の内なる強さと複雑さを繊細に表現した。ビューティブランド「スリー（THREE）」とのコラボレーションも披露され、2025年度「第42回毎日ファッション大賞」新人賞・資生堂奨励賞の受賞も決まり、ブランドの次なる新章を予感させた。アワードの功績ー参加ブランドの成熟　東京ファッションウィーク20年の最大の成果の一つは、アワード創設による支援体制の拡充だ。東京都が2015年に立ち上げた「TOKYO FASHION AWARD」では、現役バイヤーが有望ブランドを選出し、パリでの展示会と東京でのショー発表を支援してきた。過去10年間で60以上のブランドが支援を受け、海外進出の足掛かりを築くと同時に、ショー表現の幅も広げている。　受賞後も公式スケジュールで発表を続けるブランドも多い。「ハルノブムラタ（HARUNOBUMURATA）」は日本発ラグジュアリーの路線で存在感を強め、「ピリングス（pillings）」は独自の視点でユニークなクリエイションを深化。「チカキサダ（CHIKA KISADA）」はバレエ由来の造形美をデフォルメし理想の形を探求した。「ヴィヴィアーノ（VIVIANO）」は白と黒だけで新たな表現に挑み、海外PR契約の強化を通じてブランドの可能性を広げている。 　また「JFW ネクスト ブランド アワード 2026」では、木村由佳による「ムッシャン（mukcyen）」がグランプリを受賞し、デビューショーを開催。完成度の高いコレクションで確かな実力を示した。さらに「TOKYO FASHION AWARD 2026」も同時受賞し、来シーズンはW受賞ブランドとして東京でのショー発表とパリ展示会進出への切符を手にした。初参加のインパクト　今季デビューした「アンセルム（ANCELLM）」は、古着のようなダメージの経年変化を岡山・児島の高度な加工技術で再現し、モダンなアイテムへと昇華。同じく初参加の折見健太による「オリミ（ORIMI）」や津吉学が手掛ける「ファンダメンタル（FDMTL）」も、ショーを通じて独自の世界観を提示し、存在感を示した。　大手バロックジャパンリミテッドの「ナゴンスタンス（någonstans）」の東コレ参入も、新たな局面を印象づけた。デザイナー植田みずきは「マウジー（MOUSSY）」「スライ（SLY）」を立ち上げ、2000年代渋谷ファッションを牽引した仕掛け人物。2012年の「エンフォルド（ENFÖLD）」、2017年デビューのナゴンスタンスも女性から根強い支持を集めている。今季ランニングスタジアムで発表した、アウトドアや自然を着想源としたカラフルでプレイフルなウェアには、来場者の共鳴が確かに感じられた。　関連イベントとして新設された「インキュベーションショー」では、専門学校生による新鮮なクリエイションが披露された。今季は創立76年を迎えたマロニエファッションデザイン専門学校の学生たちが新たな才能の芽を見せた。浮き彫りになった課題　一方で、参加ブランドの減少傾向は看過できない。2024年春夏が50ブランドだったのに対して、24年秋冬は43ブランド、25年春夏は33ブランド、昨シーズンの25年秋冬は37ブランド、今季は25ブランドという縮小が鮮明になっている。今季からコロナ禍以降続けてきたデジタル発表が廃止され、「ハイク（HYKE）」「ミントデザインズ（MINTDESIGNS）」などデジタル発信を軸としていたブランドが不参加となった。　参加には一定の審査基準が設けられていることも一因だ。しかしより大きな課題は発表時期の問題だろう。東京ではメンズデザイナーの活躍が目立つものの、メンズコレクションに対応する時期のファッションウィークが存在しない。そのため「シンヤコヅカ（SHINYAKOZUKA）」「シュガーヒル（SUGARHILL）」「カミヤ（KAMIYA）」といったブランドは、海外のメンズファッションウィークに合わせて6〜7月頃に単独で発表している。　同様に、ウィメンズでも「ケイスケヨシダ（KEISUKEYOSHIDA）」「アキコアオキ（AKIKOAOKI）」などの中堅が、バイイングのタイミングを重視して発表を前倒しするケースが増えている。　この結果、本来なら東京の目玉となるべきブランドが流出し、ファッションウィーク全体の集客力やPR効果の低下を招いている。今こそメンズファッションウィークの創設、あるいはその時期に合わせた新たな発表プラットフォームの整備を検討することが急務だろう。ファッションウィークで発表する意義　ファッションショーは多大なコストを要する一方で、その価値は計り知れない。会場演出、音楽、モデルの表現に至るまでがブランドの世界観を体現し、インパクトを残す。業界関係者やメディア、バイヤーが集う場は、新作の発表や商談の場であると同時に、ブランドの知名度を高める絶好の機会だ。SNSの普及により、ショーの映像や写真は瞬時に世界へ拡散され、大きな広告効果を生む。東京で定期的に発表することは、単なるイベントを超えたブランドの存在証明ともいえる。　東京ファッションウィークで発表する最大のメリットは、公式スケジュールに名を連ねること自体が信頼を担保する点にある。さらにJFWによる海外ジャーナリストやバイヤーの招聘制度も整備され、東京から世界へ向けた発信力は着実に高まっている。海外進出を視野に入れるブランドこそ、まず東京で表現を磨き、海外展でコレクションを披露するというステップアップが重要だ。　東京での発表は、日本発ブランドが世界へ挑むための出発点であり続ける。20周年を迎えた今こそ、東京からデザイナーが未来に挑むための舞台としてさらに育てていくことが、ファッションウィークの次なる使命だろう。

【東コレ総括】20周年で浮き彫りになった成果と課題──メンズコレ創設が急務

　そのような視座で「レシス（LES SIX）」の創作を展望すると、皮肉を顧みない悠然とした小気味良さがある。2026年春夏は、2024年春夏より続いていた現代の米国をファッションという写し鏡に、生々しく描く試作の最終章となっており、表現方法としてランウェイショーではなく、写真を選択している。写真はルックブック、キャンペーン、イメージビジュアル（2026年春夏のデリバリー時期に公開）という3つのセクションに分けられ、9月18日（木）より代田橋にあるアートブック書店、フロットサムブックス（flotsam books）にてキャンペーンヴィジュアルを展示する写真展を開催。レシスを手掛ける川西遼平は「今では、ブランドはそのシーズンに関連する題材を下地にセレブリティをモデルとして起用した広告写真が主流となっていて、そこに映し出される写真もコレクションの内容がわかりやすく、直接的になっている。ただ1990年代は雑誌の影響力が強かったこともあり、スティーブン・マイゼル（Steven Meisel）、ピーター・リンドバーグ（Peter Lindbergh）、ティム・ウォーカー（Tim Walker）といった写真家の写真はコレクションの内容問わず強さがあって、1枚に懸ける情熱も尋常ではなかった。1枚の写真で世界を変えると本気で思っていたと思う。実際に広告写真は時代を写し出す鏡として創作と結実していた。今回のキャンペーンのように、1枚の写真に10人以上が映し出されているなんてことも今はほとんどないし、そもそもそれに意味がない。愚にもつかないが、それを全力でやると強さが出るし、生々しさも出る」と語る。　現代において、ブランド、コレクション、プロダクト、セレブリティ、そしてSNSの距離は最短が求められる。それは売上に関わるため、わかりやすいキャンペーンを提示することは当然であるが、その価値は変わってきている。モノの価値が変わるのと付随して、それに纏わるプロモーションの手法も変わるのは自明の理である。ただし人の視界に変化はない。「例えば、タクシーとか電車に乗っていて、キャンペーンやティザー映像が眼に入る。薄っすらとしているかもしれないが、人の記憶に残ることは重要で。面倒だと思いながらも精魂詰めてやっているならば、アーカイヴ化されたいという思いがある。プロダクション的にはランウェイショーをやるのとほとんど変わらない予算を注いでいる。馬鹿馬鹿しいかもしれないけれど、それを本気でやる」というように、現代風刺の根幹はそこにあるのかもしれない。　先述したように、レシスは此処2年ほど、あらゆる題材を引用して現代の米国社会をファッションの目線で切り取っている。今回は主題にあるように「キリストの裏切り（The betrayal of Christ）」がモチーフとなっている。聖書における「キス・オブ・ジューダス（Kiss of Judas）」はあらゆる芸術作品の主題になっており、米国建国の1776年から現在の2025年までの洋服で一つのコレクションに落とし込んでいる。「『ユダの裏切り』のユダはイエス・キリストの12使徒の一人であるイスカリオテのユダの話であって、ユダヤ人のことを指しているわけではない。ただ、これを現代社会と現代アメリカに転換した時に、裏切り者は誰？となる」。「キリストの裏切り」は、宗教的なテーマとして、美術作品にも描かれており、今回のキャンペーンのインスピレーション源となったバロック期のイタリア人画家、ミケランジェロ・メリージ・ダ・カラヴァッジオ（Michelangelo Merisi da Caravaggio）やフランドル派のベルギーの画家、アンソニー・ヴァン・ダイク（Anthony van Dyck）らが取り上げている。「それらと今季の服に特別な関連はないが、今季は主題が最初に決まってからコレクション製作を進めた。タイトルに関してはデザインを出し切った後か、アウトプットが決まってからか、とにかく全体像を見て決定する。アシスタントにリサーチや方針案を広げさせているが、彼はファッションデザインをやったことがないためルールがない。そこが面白い。例えば、リサーチ1つとっても、パソコンの画面から画像を保存する行為だとか、ファッションの本からスキャンする行為をだけではなくて、日本の場合は希少なアメリカの古着がマーケットに落ちているため、それを探しに行く。宝探し感覚ではないが、当時実際に切られていた軍服や労働着を拾ってそこから文献を掘っていく」。　レイヤードされた世界観を写真集「マカロニキリシタン」や「showa」シリーズなどの代表作のある写真家、薄井一議が12枚の写真に収めている。薄井はこれまでもレシスのコレクションを撮影しており、薄井の写真が展示されるフロットサムブックスも、川西曰く「何でも揃っている」ため、頻繁に出向くこの書店で開催することが即決された。「印刷、サイズ感などは薄井さんに任せている。展示のレイアウトも当日決める」という川西は自身を「モノがないと判断ができない」というが、逆手に取れば、モノが揃えば全体像が即座に決まっていく。昨季のショーも音楽や照明なども当日現場で判断していった。そういう意味ではデザイナーというよりもどこまでもディレクター気質。「薄井さんだけではなく、ヘアメイクやスタイリスト、モデルにもこのテーマに関しては入念に話をした。なんせ、プロダクション、写真やヘアメイクのイメージのミーティングだけではなく、フィッティング、キャスティングを一つの部屋でやるわけだから、多くの時間をかけて話さなくとも自然と共有されていく」ともいう。　主題の本質にあるテーマの最終章ということで、次回からはブランドの体制やシステムが変わるよう。「2026-27年秋冬は久しぶりに起点から着地まで、すべて自分で手掛けることになる。プロダクトベースでの協業はあるが、そこまで自らの手が加わるのは学生以来。あの時も現代社会をファッションで表現していた」と語るように、セントラル・セント・マーチンズの卒業コレクションは名物教授であるルイーズ・ウィルソン（Louise Wilson）に絶賛され、今も尚関係者の記憶に刻まれている。その時のようなムードが戻ってくるかもしれない。だが、それがプロダクトに直接的な影響を及ぼすかは定かではない。本人はこうも語っている。「ヴィジュアルとプロダクトのコンセプトが離れているように見えるかもしれないが、結局はどちらも精緻に人が作ったものは何かしらどこかで連鎖している。確かに体制やシステムは変わるかもしれないけれど、自分が手を入れているわけだから、そこは変わらない。面倒だけれど」。

LES SIX

フロットサムブックスでの写真展開催

それは果たして本当に現実か？「レシス」が現代の表裏一体を突く

着実に増えていくファンとアカウント　ファンのみならず、着実にアカウント数も増やしており、百貨店やセレクトショップが中心に国内約20ドアにテルマの服は並んでいる。海外での展開も2025年秋冬コレクションからスタートしたという。「顧客層は20代後半から60代までと非常に幅広いのですが、ものの価値をしっかりと見てくださる方が多いと感じています」（中島）。テルマの新プロジェクト始動　アイテムのアップデートも続けている。今シーズンからテルマが提案するのは、残布を用いたニットだ。2023年春夏コレクションで発表された生地を裂いて糸にし、手編みでニットに蘇らせたという。　同アイテムは、生産ロットの問題でどうしても生まれてしまうプリント生地に着目。アップサイクルでありながらよくある「残ったものを使った」「ほっこりした」「おばあちゃんが作った」ような情緒的な訴えでなく、一つの「マテリアル」として展開する予定で、残布をブランド「資源」「資産」として捉え直し、継続的にプロジェクト化していく意向を示した。「生地を裂いて糸にする工程は、実はとても手間がかかります。生地幅でしか裁断できないので、1m50cmほどの長さで毎回糸を結んでいかなければなりません。そのため、価格はどうしても20万円ほどになってしまいますが、ビジネス的な側面とは別に、こうした取り組みはブランドの軸として今後も続けていきたいと考えています」（中島）。技術を用いた新しい表現　プリント表現においても、新しい挑戦を2026年春夏コレクションでは示している。　テルマが開発した特殊な両面同時プリント技術は、表地と裏地の色が互いに反映し合う独自の表現を可能にしている。通常のプリント工程では実現困難な、複雑な色の重なりと奥行きが生まれる仕組みだ。この技術を活用したアイテムは、光の当たり方によって見え方が変化するという特徴を持つ。「見る角度によって色のニュアンスが変わっていく」という中島の言葉通り、一度見ただけでは把握できない奥行きが魅力となっており、さながら日本画の裏彩色のような味わいが服となって立ち上がる。このアプローチにより、立体感と奥行きのある表現が生まれ、単に「柄と柄」を組み合わせることで新たな表現領域を開拓した。「これまでは表は柄、裏は色をプリントすることが多かったのですが、今回は表裏ともに柄をプリントするアプローチを取りました。表から柄プリントするだけでなく、裏からも柄プリントを施しています。例えば、裏にピンクをプリントすると、その色が表の緑に影響して複雑な色合いが生まれるのです」（中島）。　単なる平面的なデザインではなく、半円や四角などの幾何学的な形を取り入れたパターンメイキングや、熱を与えると柔らかくなり冷えると固まるポリエステルの特徴を活かすために感熱剤を用いたジャケットにも注目したい。中島は「ジャケットが好き」と語りながらも、「真面目に作りすぎたジャケットはどこで着ればいいのかわからない」という現代的な課題を認識しており、その解決方法として、平面でも立体でもないジャケットを製作。「平面っぽくもないし、立体ともまた違う」という新たな次元の製品が、特に海外市場で高い評価を得ているという。  　また、伝統的な技法と現代的な感性を融合させる試みとして、「ログウッド」と呼ばれる木のチップを使った天然草木染めにも挑戦したことに、伝統技法をアップデートする姿勢が感じられた。

TELMA

好調「テルマ」の2026年春夏コレクション　唯一無二のクリエイション

　劈頭、この連載が尻切れになったことの弁解をしておくと、先週金曜日の正午、突発的なアクシデント（私事）が持ち上がった。予定していた残りのショー取材を凡てキャンセルせざるを得ない状況に期せずして陥ってしまった。中途で投げ出すことは、エチケット至上主義に厚い私の性質が潔しとしない。だから、せめてあと一つは原稿を納品して今季の短期連載を終えたいと思い立ち、今日、「ユェチ・チ（YUEQI QI）」2026年春夏コレクションの展示会に足を運んだのだった。ユェチ・チの作品群は少しく奇妙である。ユェチ・チは、ここ数回、東京のファッションウイークにてショーを発表しており、以前より気になる取材対象の一つとして私の胸中の帳面に記録されているブランドである。確かに、奇妙な面白さ（今季のショーの映像を見て改めて感じたのだけれど）は脳髄を刺戟してくれる。番度のことだが、私は一つの突飛な術語を思い浮かべていた。　「アナグラム」は、既存の単語や文章のなかにある文字列を並び替えて、新たに、別の意味のある言葉やフレーズを作る言葉遊びの一種である。その一例を挙げてみよう。私が敬愛する純文学作家、福永武彦は、加田伶太郎と云うペンネームのもとに、『完全犯罪』（昭和三十一年）と云う短篇集を発表している。加田伶太郎（Kada Reitarō）は、即ち「誰ダロウカ」（Taredarōka？）のアナグラムである。福永は、推理小説（犯人は誰か？）の創作に限り、この筆名を使っていた。更に、アナグラムの手法を詩作に当て嵌めるなら、詩句のなかに主題となる語を分解し、散らして嵌め込み、テクストを重層化し、複雑化する技法となる。その伝で云うと、混じり気のある詩的なもの同士を繋ぐ糸が作品群に透いて見えるユェチ・チの今季の創作には、このアナグラムの手法が活かされているな、と私は勝手に想像してみたのである。　そうした視点でじっくり見直してみると、今季の創作の神秘はスッと腑に落ちるのだ。何故なら、彼女は、前以て選び出した服地やモチーフ、服飾資材や装身具（たとえば、奇っ怪な蝙蝠の羽根を広げた黒猫やハート柄、リベットやレース、男物のシャツやパジャマ、水兵服やバイカージャケットなど）を限定して使用し、それらを意図して（ときには恣意的に）様々に入れ替え、並べ替えることで別の新しいテクスチャーを作り出したのだから。それぞれがまったく違う表情の生地でありながら、限定された共通の構成要素が通奏低音のように流れていることで、作品群に不思議な統一感が生まれてくる。それは、誰もが眼にしたことのあるアイテム（クラシックで馴染みのあるカタチ）の、誰もが見たことのない新しいバランス。詩作に於ける換骨奪胎のDNAを我流で掘り下げた、この微妙な釣り合いが、奇妙な面白さに繋がっているように思う。作者（デザイナー）の意図と、読者（受け取る側）の解釈の均衡を探る彼女の創作は、慣れ親しんだ言語のルールを踏まえつつ、その文脈を変えながら、受け手にそれぞれの物語を想起することを促し、自分自身との繋がりとか、意味を見出だす自由（余白）を我々に提供してくれる。　ユェチ・チは種々のモチーフを限定的に使う、と先に述べたが、そのくだりの「限定的」の意味合いは、作者が周到に張り巡らした創作の「糸」と大いに関連がある。つまり、手の仕事と云う経糸と、無国籍な夜会服と云う緯糸によって織られたピースは、作者の自由な解釈のもとで更なる活力を味方に付け、懐古調の夜会服の古めかしい魂は見事に解き放たれるのである。因みに、東京は鶯谷に現存する社交ダンスの殿堂「ダンスホール新世紀」を会場に選んだのは、レトロな夜会服とか、フラメンコの衣裳のイメージが彼女のなかに渦巻いていたからである。一見、相互に無関係なもの同士が、互いに関連なく存在し合っているように思えるこの創作世界が、実は、いかにたくさんの糸で繋がっているか、と云うことを理解することが重要なのであって、詩的な創作が巧く成立するか否かは、その糸が、確かに目視出来るかどうかにかかっている。　淑女と悪女。成熟した女性とあどけなさが残る女性。ロマネスクとそれに次ぐゴシック様式。手仕事の器用さとストリートの粗雑さ。ダークサイドの黒猫（本人が飼っている猫は、きっと愛くるしいのだろうけれど）と「愛」に当たる中国語の簡体字「爱」のモチーフ（レーザーカットで造形したブレードなど、至るところに散見する）。繊細な手工芸（勿論マシンメードで生産された服が大半を占めるけれど）による装飾的な造形と脱構築のカタチ。血の通った抽象を探ったフォトコラージュ的な意匠とアップサイクルと云う時代性。大袈裟な喩えと承知の上で云うのだが、服地にのせられた立体的な構成は、キュビスムを想起させるものであり、理知的とは云い難いけれど、抽象表現を自己流で咀嚼した形跡がある。こうした私の理解は、的を射ているかどうか疑わしいものだが、これもまた物語を読み解く一つの解釈であると、私は信じて止まない。（文責/麥田俊一）

YUEQI QI

collection

モードノオト2025.09.10

　同ブランドにとって設立5周年のアニバーサリーコレクションとなった今回、舟山がテーマに掲げたのは、「彼女の奥深さ（The Depth of Her）」。ドイツの現代美術家 レベッカ・ホルン（Rebecca Horn）と、ルーマニア系フランス人の写真家 イリナ・イオネスコ（Irina Ionesco）という2人の先駆的な女性アーティストの作品に着想を得て、表層的な美しさだけではない、女性の内なる強さと複雑さを繊細にコレクションに落とし込んだ。　病の療養中に得た孤独感や健全な身体への渇望を投影し、羽根や角をまとい身体を拡張する作品やパフォーマンスを通じて、女性の身体の新たな可能性を模索したレベッカ・ホルン。バロック様式やシュルレアリスムを写真に落とし込み、官能的で退廃的な独自の美学を構築したイリナ・イオネスコ。2人の作品スタイルや人物像は全く異なるが、両者に共通する「自身の内面を強く映し出す創作表現の在り方」や「自分が美しいと信じているものを形にする信念」に舟山が共感し、それらをヒントに、現代における女性の身体と自己表現を模索したという。　コレクションでは、レベッカ・ホルンの作品に登場する羽根や放射状のモチーフをフリンジやプリーツ、切り替えなどのデザインとして、イリナ・イオネスコの作品の退廃的な世界観を1920年代のランジェリーの要素やダマスク柄として随所に散りばめ、フェティコならではの女性の造形美を引き立てるシルエットと融合。ダマスク柄の編み地のノースリーブトップスに、胸元にレース、裾にプリーツをあしらったミニ丈のスリップドレスを重ね、顔と脚を格子状のマスクとタイツで覆ったスタイルのファーストルックにも、その要素が色濃く反映されている。　ショーの前半では、退廃的かつ官能的なムードの強い、緊張感のあるオールブラックのルックが続くものの、次第に鮮やかな朱赤やデニムの青が差し挟まれ、後半ではベージュやアイボリーといったナチュラルでやわらかな色味に変化。それは、女性が持つ強さやストイックさ、内に秘めた熱さ、思慮深さ、可憐さ、柔らかさなどの多様な側面を表現しているようでもあり、この社会の中で女性たちがより自然体で自由な姿や振る舞いができるようになる未来を願う、舟山の祈りやエールを込めたようにも感じられた。　多様な柄のレースや編み地、透け感のある素材などをレイヤードしたスタイリングも、今季は目を引いた。裾から美しい花柄のレースが覗くスカートと格子柄の編みタイツ、リバーレースのミニドレスとふんだんにギャザーが寄ったトップス、透かし編みのニットとジョーゼットなど、さまざまな柄や質感の布地や編地が身体の上で繊細に重なり合うさまにも、女性の持つ多面性や奥深さが表れている。　そして今回のショーでも印象的に登場した、アイコンでもある官能的でフェティッシュな“ランジェリールック”。ブラとショーツに、ウエストとヒップ部分に大きな穴が空いたデザインの網タイツとアームカバーを重ねた挑発的なスタイルから、繊細なレースとプリーツが特徴のミニ丈のスリップドレスまで、豊富なバリエーションを提案している。非常に美しく、フェティコの美意識や世界観を豊かに伝えるものではありつつも、街中や日常ではとても着られそうにないこれらのルックを、舟山はなぜ作り続けるのか。ショーを終えた彼女にその背景にある思いを尋ねてみたところ、こんな言葉が返ってきた。「私自身はあまり周りの目は気にならない方なのですが、一方で周りの目をすごく気にするという声や、肌見せやボディコンシャスな服を着ることに対して『批判的なまなざしで見られた』という話も多く聞きます。だから、私は『自信を持って自分が好きなファッションをしている姿が一番かっこいい』という姿勢を打ち出すことで、そういったネガティブな視線を蹴散らしたいし、もっと女性に自信を持ってほしいんです」。　つまり、舟山が“ランジェリールック”を繰り返し提案し続ける大きな理由の一つは、この日本社会が今もまだ、女性の容姿や振る舞いに対してあまりにもとやかく言う環境だからなのだ。舟山にとって、ランジェリーとはもの自体として美しく、女性の身体に一番近いところで自信や美しさを与えてくれるものであり、決してそのまま外に出て、街を歩くわけではないだろう。けれども、“エロ”ではなく“ヘルシー”としての肌見せに世間が見慣れるまで、年齢や体型、容姿、性別を理由にした不躾な視線や“こうあるべき”を蹴散らすまで、おそらく舟山は“ランジェリールック”をはじめとした女性の身体や肌を美しく見せる服を、強い信念とともにこれからも提案し続けるのだろう。　フェティコの服は、目に見て美しく、身に纏って美しい。とりわけ、美術館のような白い壁に囲まれた緊張感の漂う空間を舞台にショーを行った今回は、まるで女性の身体を美しく縁取り装飾した、美術作品のようにも見える。それが他者の理想像や性的なまなざしが投影されて作られたり選ばれたりしたものである場合、そこには窮屈さや居心地の悪さ、暴力性を帯びる可能性もある。しかし、「自分が美しいと信じるものを着る」「私の身体は私のもの」という思いのもとで作られ主体的に選ばれた服は、着る人を内側から守り自信を与える、お守りのような存在になるのだ。　そして、過去のコレクションでも示していた通り、舟山が“美しい”と考える女性像は決して画一的ではない。その思いは起用するモデルにも反映されており、今季は2024年秋冬にも登場した小柄でグラマラスな体型の女性モデルをはじめ、人種や肌の色、年齢、髪型、体型、メイクのスタイルなど、これまで以上に人物像に多様性が感じられた。　個人的に、筆者は肌が大胆に見えたり透けたりするような服をあまり積極的には選ばない。それは単にデザイン的な好みの問題でもあるが、不躾な視線が入り込む隙を与えたくないという気持ちも少なからずある。しかし、仮に自分は肌を見せる服を着なかったとしても、他の女性がそれらを自らの意思で選び纏うことを誰にもとやかく言われない社会の方が、当然ながら誰にとっても居心地がよく、息がしやすいに違いない。人物像の多様性が示されていた今回、舟山がフェティコというブランドの服づくりに込める思いは、あらゆる女性たちが自分が良いと信じるものを選び取ることができるよう、後押ししてくれているように思えた。「世の中には依然として“女性はこうあるべき”という規範が強く残っています。そうした固定観念に縛られず、自分が美しいと信じるものを選び取る女性がもっと増えてほしい。フェティコは、そんな女性たちに寄り添い、選ばれるブランドでありたい」FETICO SPRING SUMMER 2026 "The Depth of Her” プレスリリースより 　デビュー5周年を迎え、国内では既に多くの女性たちの支持を集めているフェティコ。チーム体制も強化されてきたからこそ、「今後はよりグローバルに頑張りたい」と意気込む。一方で、「自分が見えないところでフェティコの商品を手に取ってくださる、好きでいてくださるお客様がすごくたくさんいることを最近改めて実感した。だからこそ、ブランドのファンの方たちともっと親密に関われる場所も作っていけたら」とも話す。　ブランドのアイデンティティに改めて向き合い、そのあるべき姿を再確認した今季のショーからは、今後も日本の女性たちに心強く寄り添い先導しながら新たな章へと踏み出していく、舟山の信念と覚悟が感じられた。

FETICO

根強く残る“こうあるべき”を蹴散らして⎯⎯「フェティコ」が日本でランジェリールックを提示し続ける理由

　「クリエイション」を羅列して、さも理解したような気になって書かれた記事こそ、我々の稼業に仕掛けられた落とし穴。理解した気にならない、と私は常々そう思っている。「モダンな」「可憐な」「ロマンチックな」、「ひとつに」「大胆に」、「協調」「調和」も然り、我々は言葉に明るいつもりでいるし、便利な言葉だから、ついと容易に使いがちだが、その言葉の持つ現代における微妙な意味合い、この業界に特有なニュアンスが暗示する核心を本当に突いているかは甚だ疑問の余地がある。　ここでの真の題目は、チカ キサダの服作りに「クリエイション」の言葉は本当に相応しいのか、である。これまで水掛け論が成されるがまま、「クリエイション」の言葉が蔓延る現在の東京という土俵で、他のブランドと共にチカ キサダも語られてきたが、これに対して、私は素手で反論するつもりはない。　過去の稿で彼女の服作りを「文体」として捉えてきたので、ここでも敢えて前述した「翻案」を「翻訳」と置き換えてみる。翻訳というのは外国作家の文章を自国語に直すことで、自ずから創作とは質が異なり、寧ろ批評の質に寄った仕事とも考えることができる。翻訳者は自国語を以って外国作家の思想の良回路となる。自国語を鍛えに鍛えれば、それだけ、思想の優れた良回路としての役割を果たすわけだ。思想に対する解釈と自国語（言葉）の鍛錬の度合いの差が、翻訳者の優劣に繋がるのである。的を得た隠喩かどうかはさて置き、チカ キサダの服作りに翻訳者の仕事を重ねてみるならば、怠惰な言葉には決して望み得ないような、鍛えられた言葉の力......バレエの歴史、文献やパンクの精神や動力の融合よりも、その前に様式を解釈する文脈の力強さには、まさに一流の翻訳者の資質が見て取れるのではないか。更に加えるならば、「きわどさ」を精製したものがやたらと幅を利かせている昨今の東京においても、その傾向に拍車が掛かっているようだが、そうしたモノを所謂「クリエイション」と語ってしまう時代ならば、却ってチカ キサダの服作りを「クリエイション」といわずにおく方が、一層のこと潔いのかもしれない。　「プロテクト」の機能は身体の身を包む服の形、首回り、肩回り、腰回りに量感を分散させた設計に置き換えられ、そこ（身体と空間）にある普遍性ではなく不滅性にして既に滅びた存在ともいえる褪せたテクスチャーを縦横無尽に、生命や時間を超越した何かをイメージとして捉えようとしている。有機的な曲線、左右の均衡を崩した造形、爛れた皮膚のような布地、細胞質や神経繊維の断面のように精緻に考え抜かれたスタイル、ヘアメーク、そしてサロンのように一体ずつと聴衆が対話できるよう、さりげなく仕掛けられた演出。歴史服や衣装を作る感覚ではない、かといってストリートの服とも違う自分たちの確たる居場所がある。この「ほどよさ」という審美的感覚、なかなかに重要ではないだろうか。自らの立脚点をわきまえた上で、チカ キサダは、殊更に人に媚びを売るような服作りの曖昧さに一線を引く。彼女特有の拡大鏡越しに覗いてみた異境の世界が、小々波のように潤いを与え、滲むように現実世界を染め上げていく。

Chika Kisada

「チカ キサダ」の"きわどさ"と"ほどよさ"がクリエイションに風穴を開ける

　ここ数シーズン、ランウェイやインスタレーションの形式でショーを継続してきた幾左田千佳。「バイアール（by R）」を通じて披露した2023年秋冬コレクションは、　“チカ キサダ・バレエ団”さながらのダンスパフォーマンスやオーケストラの演奏を披露し、2024年秋冬コレクションはバレエ団の練習風景を切り取りながら、シルエットの美学をロマンティックに幾左田流に切り取った。前回2025年秋冬コレクションは、暗闇を切り裂くビートと共に力強く歩みを進めるモデルが印象的だった。　チカ キサダのショーでは、コレクション制作の指針となるコレクションノートが事後に配信される。今回のテーマは「Trace」。“ Trace ”輪郭が跳ね起きる重なり合う記憶が肌の上で点火し内側のリズムを走らせた流線が静かに描かれる街の呼吸に触れるように曲がった光が香りをなぞり動きはシルエットを連れて立ち上がる　ショーの会場は、これまでのバレエカンパニーのような演出とは一転して、「アンダーグラウンド」な空気を漂わせた（会場は、代官山の建物の地下だった）。無機質でこじんまりとした空間の中央に、「ステージ」らしきスポットがあり、吊り下げられたむき出しの蛍光灯にぼんやりと照らされたモデルが、次々とやってくる。　最初こそ驚いたものの、幾左田が「パンク・バレエ」の革命児と称されるダンサー マイケル・クラーク（Michael Clark）を敬愛することを考えると、このムードもどこか腑に落ちた。　全てのルックを、たった4人のモデルの交代で見せたのも、一般的なバレエの豪勢な公演と対比的な空気を醸し出した。ヘアはセットの途中、あるいは「まだ外に出る予定ではなかった段階」で登場してしまったかのような、乱れた様子も。前髪は無造作なのに、その奥には、決して虚ではない意志のある瞳が光る。 　ファーストルックを筆頭に頻出した、破れやひきつれを施したインナーやレッグウェアのレイヤードによる、皮膚が剥がれ落ちたようなディテールは、ボロボロに見えるが、実は生まれ変わるための「脱皮」の過程にも感じさせる。エッジが効いたレイヤードスタイルとして完成されているのは、幾左田のショーで常連のスタイリスト小嶋智子だからなせる技だろう。 　一方で、ヒップや下半身を歪にデフォルメしたようなシルエットのパファー素材を使ったスカートやワンピーススタイルも象徴的。今にもはち切れそうなボリューム感も相まって、内に蠢くものが解き放たれる、「メタモルフォーゼ」を予兆させる。　肌が透けるほど薄く解かれたTシャツは、インパクトのある見た目に反して、丁寧な処理によって作られていることが想像できる。そしてロックT調に描かれた「OPERAHOUSE（オペラハウス）」の上には、心身の特異性に対する攻撃を非難する強いメッセージがさりげなく記されている。　ブランドに色濃く反映されるバレエの要素や、そこに端を発した身体性の模索は、言うまでもなく幾左田のバッググラウンド（バレエダンサーとして舞台で活躍した経験を持つ）から得たものだ。古典にして総合芸術の完成形でもあるバレエは、厳格な規律による様式美を人の体の細やかな動き、そのための究極的な身体シルエットの管理によって成される。軽やかに跳ね、しなやかに見える身体は、2、3時間程度の公演のために日々研鑽し、むしろ常軌を逸した柔軟性と筋肉によって構成されている。可憐なプリンシパルの足はボロボロなのだが、無論その鍛錬が、比類なき美しさへと変貌を遂げる鍵だ。　幾左田といえば、この様式美的なエレガンスと、ダンサーたちの生命力へのオマージュとしてパンクな精神を組み合わせ、儚さと強さを巧みに融合させたコレクションを展開してきた。　しかしながら、今回は、確かにそのどちらも感じさせながら、いつになく「内側」に目を向けられていたように思う。分かりやすいバレエ的なコンセプトは息を潜め、むくむくと膨れ上がった「何か」が曖昧な輪郭を描きながら理想形へと変体する、美への一途を辿る変遷。言うなれば、ここ数シーズンで研鑽した、ブランドが持つ強いコンセプトとの距離感を見つめ直し、新たなフェーズへと向かうその流動的な瞬間だったのかもしれない。

内なるパンクで脱皮する　「チカ キサダ」26SSで見せた新たな美へのメタモルフォーゼ

AI時代に問う「人の手仕事」の価値　制作の出発点となったのは、「ChatGPTをはじめとするAIが普及する現代社会において、人間にとって本当に大切なものは何か？」という本質的な問いだった。　「ファストファッションの服は安価で手軽に手に入るけれど、結局は長く残らない。最後に記憶に残るのは『人の手仕事』や『時間をかけたものづくり』。1920〜30年代のクチュールが今なお美しいように、自分もそうしたものを生み出したい」という強い意志が、緻密なディテールに込められている。　客席に置かれた扇子でさえ、ハンディファンが日常となった現代において、アナログならではの美しさを感じさせる演出になっていた。ランジェリーに宿る親密なエレガンス　コレクションのベースとなったのは、1920年代から60年代のクチュールや、アンティークの室内着だった。女性のネグリジェやルームウェアは、表に見せるものではないのに、驚くほど繊細なテクニックが詰まっているもの。レースや刺繍、ピンタックの細やかな表現で、プライベート空間に寄り添うランジェリーの親密な美しさを再現した。また、モアレやシフォン、サテンといったクチュール由来のエレガントな素材が、コレクション全体にロマンチックな質感を添えていた。 レトロスポーツがもたらす軽やかさ　一方で、1970年代から80年代のスポーツウェアやクラブチームのユニフォームからも着想を得ている。サテンで表現されたステッチラインや、レトロな軽やかさをまとったディテールが、クラシックとモダンが交差するムードを演出した。　ユニフォーム風のトップスは、ツイストした襟やパフスリーブ、バラの手刺繍で華やかさとカジュアルさを融合。胸元や背番号に施された「CIRCOLO 87」は、イタリア語で"クラブ（サークル）"を意味する言葉と、デザイナー自身の生まれ年（1987年）を重ねたもの。これらの要素がノスタルジックな親しみやすさとキャッチーな魅力を添えている。 無彩色で浮かび上がるディテール　色使いだけでなく、ブランドの代名詞とも言えるチュールの使用を大幅に減らしたことも特筆すべき変化。これまで強みにしてきた素材に頼ることなく、ブランドの世界観を表現できることを証明したかったという。　実際、色彩を削ぎ落としたことで、職人の手による刺繍や上品な素材使い、立体的なフォルムの造形がいっそう鮮明に際立っていた。 覆い隠したドレスの意図　ラストも印象深い演出だった。通常3〜4体制作するステートメントドレスを、今回は白と黒の2体のみに絞り込んだ。フィナーレを飾った黒のドレスは、全身にビジューやスパンコールを贅沢に施しながらも、あえて黒いベールで覆い隠している。　装飾を隠すことで生まれる神秘感は、まさに女性のランジェリーに通ずる「見せるための美しさではなく、隠された美しさ」を体現していた。 グローバル市場への布石　ヴィヴィアーノはこれまでユニセックスな提案を得意としてきたが、2025年春夏からメンズコレクションを独立させ、デザインをしっかりと差別化。これによりウィメンズでは、より女性に特化したデザインに集中できるようになり、ブランドにとって良い影響をもたらしている。　同時に海外PRも本格的に始動するため、今シーズンからロンドンのPRエージェンシーであるLobby PRと契約。現地のショールームにサンプルを常設し、貸出対応をスムーズに行っていく体制を整えた。これによって、海外のセレブリティの着用やエディトリアルなどでヴィヴィアーノを目にする機会が格段に増えるだろう。　今季のショーは、ブランドの確かな創造力を示すとともに、海外戦略の布石となり、次なるステージへの飛躍を予感させるものとなった。

VIVIANO

AI時代に問う「人の手仕事」の強み──ヴィヴィアーノが無彩色で見せた新たな一面

　縁あってブランドの歴史を振り返る取材を受けたことがある。短期間ではあるが、足繁く当時の事務所に通った記憶がある。勿論、津森千里本人の談話も取った。往時「ツモリチサト（TSUMORI CHISATO）」はパリでショーを続けていた。パリでも毎回取材をしてきた。服を作ること以上に、服のために絵を描くことが本当に好きなのだな、と云うことを、一連の取材を通して改めて実感した。服を彩る自作のイラストこそが、津森が感じ、考えることを表現した、ハッピーでガーリーな服と云うブランドコンセプトを体現する尤も有益なメディアなのである。身の回りにあるモチーフはドローイングやスケッチの題材となり、プリント図柄に組み込まれる。その流れは今も昔も変わってはいない。 　印象に残るイラストは、思い出の数だけある。なかでも私が一番ユニークだと思ったのは自画像のモチーフである。本人が一層確かに自身の姿を捉えているのか、その胸中の自画像は常に生き生きとしている。これまで幾度も、本人が描いた自画像は、プリントや刺繍で服に落とし込まれていて、確か、二十五周年を迎えた2015-16年秋冬コレクションにも本人の自画像が採用されていたように思う。ガーリーだけれど素朴、ポップだけれど人懐こい。素描のようなイラストそのものも魅力的だが、それらが服の設計に変換されてこそ、その命は一段と輝き出す。「縦縞や横縞、格子柄や水玉模様は、私のなかでは『無地』と同じ」と本人が豪語するだけあって、ここまで色柄で遊ぶブランドも珍しいのではないだろうか。シーズンを失念してしまったが、往時のアメコミ人気にあやかった「スーパー“ツモリ”ウーマン」（津森本人が「スーパーマン」に扮したイラスト）は極め付けだった。　また、ブランドのミューズをデザイナー本人が務めると云うあたりも、このブランドらしいユニークな一面である。そのことを自ら公言して憚らないのだ。本人が標準体型に近いと云うことから、仮縫いでも自ら袖を通し、着心地とシルエットを確認すると云う。年齢云々ではなく、津森と同じ感性、感覚を持った凡ての女性がターゲットだけに、自身がミューズと云うのも過言ではないのだろう。私は、津森の、子供のような天真爛漫を羨ましく思っている。 　2025年9月4日、ツモリチサトは、渋谷区神宮前のTC HOUSE（アトリエ兼直営店）にて2026年春夏コレクションを発表した。今回の東京でのショーは、ブランド設立三十五周年を記念して開催されたものだ。パリにて発表した2018-19年秋冬コレクション（パリデビューは2004年春夏シーズン）以来、七年半ぶりのショーとなった。パリデビューのシーズンは記憶に残っている。「アフロディテ」がそのときの主題で、ギリシャ神話の女神を彷彿させるドレープを効かせたマイクロミニがファーストルック。ピュアな白の潔さが、果敢に挑む当時の津森の熱い思いを代弁するかのようで、印象的なスタイルだった。花や植物、海洋生物、地球、虹と云った津森が愛して止まないモチーフをギュッと濃縮したようにちりばめた今季の作品群は、涼やかなパステルの色彩と煌めくスパングルで彩られている。ファンタジーは、彼女の内面で絶え間なく変化し、変化することで自らを創造し、自らを創造することによって生き続けてゆく。来たる四十周年に向けて、このファンタジーは止むことはないのである。（文責/麥田俊一）

TSUMORI CHISATO

モードノオト2025.09.04

　私は時間を見つけては、現代アートと意識的に触れるようにしている。作品を通して世界の見方を揺さぶられたり、アーティストの思考に浸ったりするのが好きだからだ。専門家ほど知識があるわけではなく、全くの素人であるが、一つの疑問を抱くことがある。それは、若いアーティストでデジタルアートや先端技術を使った作品ほど「人間の精神性」や「人間とは何か」という根源的な問いを投げかけてくる、ということだ。　最近の代表例をあげるならば、大阪万博で展示されている落合陽一氏がプロデュースした作品だ。テクノロジーと仏教哲学を掛け合わせ、人間の存在のあり方を探ろうとしている。根底にあるのは仏教の「色即是空（しきそくぜくう）」という思想で、「形あるものは実体を持たない」という意味だ。落合氏はこれをデジタルに置き換え、「肉体という“色”が、データという“空”に変換されていく世界」を描き出す。つまり、すべてが0と1に還元される近未来に「人間とは何か」を問うているのだ。　同じ問いにファッションで挑んだのが、「ヒュンメルオー（HUMMEL 00）」のデザイナー・森川マサノリ氏である。森川氏はスポーツの根幹にある「人体」を解剖学的に再解釈し、これまで服に隠されてきた筋繊維や骨格を、パターンやパイピングに組み込むことで可視化した。　会場に展示された二体の人形は、アスリートが「ゾーン」に入る瞬間を「身体と意識の融合」として示す一方、身体と意識の分離を暗示する「幽体離脱」として提示され、対極的な状態を描き出した。森川氏はこの二つの状態を対比させることで、スポーツウェアが人間の意識と身体を一致させパフォーマンスを高めるための装置であることを示しながら、同時に「可視化できない精神とは何か」という問いを投げかけている。　さらに映像演出では血液や細胞のイメージが差し込まれ、人間の原始的な「狩り」の記憶までも呼び覚ましていた。肉体を動かすという点で、スポーツと狩りは同じ行動原理に基づくものだと示唆しているのである。　HUMMELが掲げる「Change the World Through Sport」という理念は、肉体的なパフォーマンスの追求にとどまらず、心の変化や人々を奮い立たせる力を信じている。森川氏はその内面的な側面をコレクションに映し出し、テクノロジーを駆使しつつ、あえて「人間らしさ」を際立たせた。　この姿勢は、「クリスチャンダダ（CHRISTIAN DADA）」時代にも通じている。当時は装飾を反抗の象徴として用い、モードの美しさと、着る者の葛藤やアイデンティティの揺らぎを映し出していた。衣服を通じて形のあるものから形のない感情を伝えているのである。また〈Pilgrimage（巡礼）〉と題したコレクションでは、仏教の精神性をモチーフに据えており、森川氏の関心が一貫して人間の内面に向けられてきたことがわかる。　今期のコレクションは、スポーツブランドの理念と森川氏自身の創作哲学が響き合ったものだ。布という具体的な形を通じて、人の内面や背景を映し出しており、前ブランドを知る私の目からは、HUMMELと森川氏の序章が始まったような景色に映った。 　話は戻るが「空」とは、すべてのものごとに実体はなく、個々の関係性の中でしか存在しないという考えだ。テクノロジーが世界をデータ化し、あらゆる事象を数値に置き換えようとするとき、この「空」の感覚は、むしろ人間の側にしか残らないものとして浮かび上がる。　テクノロジー社会が「可視化」「数値化」を追い求める中で、不可視であり、数値化できない人間の精神を可視化しようとする表現は、現代において抵抗になる。ファッションの中で精神性を纏うことは、人間にしかできない「不完全さの価値」を取り戻す営みなのだ。　落合氏と森川氏が共通するのは、先端技術を駆使しつつも「情報化されていく肉体」を見つめながら、その先にある精神性を問うている点である。そして両者の表現は、純粋なアートにとどまらない。落合氏の作品は万博という国家的イベントに、森川氏のコレクションは商品として市場に流通する。つまり、制度や市場という枠組みを通じて、私たちの存在そのものを問い直しているのだ。　デジタル化がさらに加速し、人間を「情報化」し「商品化」する時代。私たちはいかに人間であり続けられるのか。ファッションもアートも、その切実な問いから逃れることはできないだろう。

HUMMEL 00

森川マサノリ氏、スポーツウェアで「人間とは何か」を問う

都会に生きる自然を愛する女性像　ハルノブムラタに加え、今年始動した新ブランド「アルノ（ARNO）」、そしてユニクロを擁するファーストリテーリング傘下「プラステ（PLST）」のウィメンズ クリエイティブディレクター就任と、多忙を極める村田。しかし、その日常の中で、料理のように創造する行為こそが彼の心を潤している。　こうした「本質的な豊かさ」への想いを込めて、2026年春夏コレクションで描いたのが、"自然を愛し、日常の豊かさを感じながら都市を軽やかに歩く女性像"だ。　会場は、近未来的なテレコムセンターのテレコムアリーナ。高さ37メートルの天井をもつ広大な空間に、人工の滝をイメージしたスモークが流れる。都会的な空間で光や水、霧といった自然の要素を用いたインスタレーションで知られる芸術家オラファー・エリアソンへのオマージュで、「自然の要素と都市の要素の融合」をテーマに、自然の壮大さに触れた時の感覚を再現している。　やわらかなスモークが漂う中、モデルたちがランウェイへと歩み出した。自然界の美しさを日常着に融合　ファーストルックに登場したシアードレスは、極薄のオーガンジーを50枚重ねて裾にかけて徐々に枚数を減らし、霧のようなグラデーションを描いたもの。谷崎潤一郎の「陰翳礼讃」で謳われた光と陰翳の調和が織りなす日本的な美学にヒントを得たという。　このように自然界の美しさを思わせるディテールが随所に散りばめられた。長いフリンジをあしらったトップスとテンセルカシミヤのスウェットパンツのレイヤードは、岩間を流れる水をイメージしたもの。上質な素材と日常的なアイテムの組み合わせが、「自然と都市の融合」を体現していた。デニムと西陣織での新たな挑戦　ブランド初となるデニムも、力強い存在感を放っていた。カジュアルな日常着の象徴ともいえる素材を、ハルノブムラタならではの美学でエレガントに仕上げている。ボリューミーなスモッキングが印象的なミニドレスは、1着につき20時間以上という膨大な時間をかけて手作業で施されたもの。丁寧な洗い加工によって柔らかく表情を変えた生地は、品よく心地よい風合いを見せている。　西陣織を使ったスカートは今季のスペシャルピース。京都で百年の歴史を持つ織元、職楽浅野との協力で制作され、帯の織りの裏面に隠れた偶然の美しさに着目したという。銀の裏糸が走る景色を水の流れに見立て、枯山水のような表現をモダンな印象を目指した。充実するアクセサリー 　ハルノブムラタにはすでにアイコンとなるバッグやシューズが揃っているが、今季も新作が加わり、ラインナップがさらに充実した。形を変えられるバケットバッグや、引き絞ることで表情を変えるトートバッグなど、機能性と美しさを両立させた新作が登場している。ヒールシューズやサンダルも新たに提案され、全身のトータルコーディネートによってブランドの世界観がより鮮明に表現されている。　氷柱のように透明なビーズを立体的にあしらったサングラスや、同様に大ぶりのビーズを用いたネックレスやイヤリングが、スタイリングの印象的なアクセントとなっていた。未来を見据えた確かな歩み　総じて、日常の中にある「本質的な豊かさ」がコレクションを通して巧みに体現されていた。一見エフォートレスな佇まいでありながらも、実際にはストイックで、美しさへのこだわりが色濃く表れた、村田らしさが際立っていた。　プラステではよりマス層に向けた洗練された通勤着を提案し、アルノではハルノブムラタよりも手に取りやすいエッセンシャルを届ける。そしてハルノブムラタでは、村田がかねてから追求する“日本発のラグジュアリーブランド”としての世界観を突き詰め、グローバル展開を見据える。　それぞれのブランドで彼のクリエイションは確かな方向性を示し、着実に理想へと歩みを進めている。

HARUNOBUMURATA

ハルノブムラタが見出す“本質的な豊かさ”　自然と都市の調和が生む日常の美

　2025年春夏コレクションでも「レースカーテンが揺れている光景」という「日常」に焦点をあてていたが、その目線が部屋の中から、部屋の外に向けられる変化があったことも心が揺さぶられた要因だろう。ぼさぼさヘアのモデルが早歩きで目の前を駆け抜けたのが最たる例だが、言葉を選ばずにいうなら、それはさながら家の中に数十年引きこもっていた人間が久方ぶりに外の世界に飛び出し、その世界の美しさを語り出しそうな雰囲気すらまとっていた。部屋の中に居続けた人にとって、私たちが見慣れてしまった日常の景色がどれだけ新鮮で美しいことか。 　お尻の部分がすすけた小花柄のパジャマのようなボトムスは、長い間彼女が座り続けていた歴史を感じさせる。肩口が歪んでいるカーディガンは、安いハンガーに長年かけっぱなしだったのだろうか。肩紐がねじれたワンピースやショルダーバッグを急いで掛けたのかめくり上がってしまったジャケット、極め付けはモデルの年齢にはそぐわない、幼児向け番組「にこにこぷん」のキャラクターがほどこされたカーディガン。そのどれもが、鑑賞者に「手入れが行き届いておらず、着飾ることにそれほど興味がなさそうな人」を思わせるのは意図的か、否か。今回のショーが小規模な会場で発表されたことも含め、あえてファッションの制度化されたスケールから距離を取る態度のようにも感じさせる。それは「スーパーに出かける程度の外出が、ある人にとっては大冒険になる」という村上の言葉の通り、些細な行動に宿る大きな意味を強調する行為でもあるように思う。　コレクションテーマの「my basket」は、「当たり前にあるもの」という意味でスーパーマーケットのまいばすけっとにも掛かっているのだろうが、「my basket」（私のカゴ）というモチーフは、知識、経験、感情を抱え込む「自分の器」の比喩として捉えることもできる。また、カゴの編み目はぐるぐると繰り返されることで出来上がる産物であり、その反復性は毎日を生きる我々の「日々の繰り返し」とも連動してくる。忘れてはならないのは、村上は「若い人にニッターはかっこいい仕事だと思って欲しい」と方々でコメントするような生粋のニットブランドデザイナー。ニットも基本的に、編み続けることで物が出来上がる反復の産物だ。反復性の営みは、すなわち「ピリングスの手仕事」「繰り返される日々」とニアイコールで結べるところでもある。　カゴ（basket）は器（bowl）とは異なり、基本的には編み目があるので、カゴが満たされる前に底からこぼれ落ちてしまうこともあるだろう。「バスケット＝自分の内面の入れ物」で、そこに入ったものとどう付き合うか、何を溜め込むか。それは世の中に何かを生み出すクリエイターにとってはほとんど命題に近いものだと思う。編み込まれたカゴに入れられたものは孤立せず、互いに響き合って増幅し、クリエイションとして日の目を浴びる。今回、村上が自身のバスケットの中で響き合わせ、増幅させたのは、私たちが無意識に蓄積してきた日常の視覚的記憶を掘り起こしながら、それを改めて“発見する”体験に変換させる装置（服）だった。私たちが日常的に目にしてきているすべてのものは、本来平凡なものにすぎない。しかし服というかたちで立ち上がると、それは見慣れたものではなく、未知の存在として立ち現れる。その二重性が観客を惹きつけたのではないだろうか。 　不思議なのは、これほどまでに服の背後にある物語を想像させながらも、全体に静けさが漂っている点だ。それはまるで、デザイナー自身が名乗ることを拒むような、村上の沈黙に似た静けさとも言えるだろう。「どこかで見たことがある」という既視感と「決して見たことがない」という未知性。その意図を理解しようとする時、私たちは村上の視線を追うのではなく、自らの中にある記憶や想像を手がかりとせざるをえない。　人間の記憶はビデオカメラのように音声もなければ長尺で保つこともままならない。数秒単位、あるいはカメラのようなワンシーンの連なりが人間の「記憶」の正体だろう。その限りある記憶を駆使しながら、何気ない日常を慈しむ心が我々には備わっている。記憶は曖昧なもので、数式や定規などでは描きようがない。おぼおろげな記憶が規則的ではなく、ピリングスのシグネチャーのように「歪んでいる」のは至極真っ当で納得感もある。　話は横道に逸れるが、仏教には「空」と言う概念があり、日本ではより強く「はかなさ」や「むなしさ」など元来あった日本人特有の気分と結びついたものとして「空」の概念が受け入れられたそうだ。ファッションにおいて「日本的なもの」を表現する時、多くのクリエイターは型や素材、文化的な背景を利用しようとするが、村上は「日本人らしい儚い記憶の保存方法」に着目し、カメラもでもなく、ビデオでもなく、服でそれを試みようとしている稀有な（そしてかなりチャレンジングな）デザイナーだ。それはいつの日か、新たな「日本発の日本らしさを表現するブランド」として世界に受け入れられるだろう。

pillings

見慣れすぎた「まいばすけっと」は都民の罰なんかじゃない──「ピリングス」2026年春夏

　「ちょっと痩せたので」と、男は弁解がましく笑っているが、きっと自覚の顕れだろう。確かに、眼前の男の風貌は、以前のネズミ男的な印象が消え去り、キリリと締まったデザイナーの顔になっている。　ここ数回、「ピリングス（pillings）」は含蓄に富んだショーを見せてくれた。大正時代の私小説作家が作品のモチーフとして描き続けた閉塞感のようなモヤモヤを、詩的で愛らしい掌篇へと昇華させる村上亮太の気骨がその作品群に見え隠れしている。私は、彼の意気地と、作家としての抜き差しならぬ生地を眼にする度に心が動かされてきた。そんな彼が、今回、ヘタウマ式の既製服の境界をひょいと跳び越え、オートクチュール的な仕事を彷彿させる創作を披露したのである。　お前は正気か？と揶揄されるのを覚悟で云うのだ。これでも売文稼業を活計とする身。誤解を招くといけないので註釈を入れておこう。なにも村上の腕前が格段に上がったわけでもないし、高級注文服の崇高なメゾンの格式とアトリエの盤石な体制と云う二種の神器を一挙に手にしたわけでもない。まして実際の服はと云うと、クチュールと呼ぶに相応しい気品（リッチ）もなければ、贅沢感（ゴージャス）もないと云う按配なのだけれど、私は、敢えてこれらの愛らしい「毛玉たち」を、クチュール的な実験の産物として評価したい。　こんな評価は、誰も想像し得なかっただろう。これほどまでに作家の身の丈に合った手仕事と創意工夫の結晶を眼前に突き付けられてしまっては、私のヤワな思考回路は、嬉しいことに、まったくの誤作動を繰り返してしまった。否、思考の誤作動などはどうでもいいことだし、実際、作品がクチュールに値するかしないかなどはどうでもいい。一つだけ確かなことがある。村上は、彼のアトリエの面々を鼓舞して、思考や情熱や感動を、触れることの出来るものへと変換したと云う事実である。元来、メゾンのクチュリエとアトリエとの関係はそう云うものだ。その伝で云えば、紛れもなく彼は、当たり前な日常を、手に触れることの出来る浪漫（ローマン）へと昇華させたのである。新しい技法かと問われれば、決してそうではないけれど、種々の加工を随所に施すことで、服についてしまった「たたみジワ」とか「座りジワ」とかを、意図的に眼に止まるアイコンとして服に定着させるあたりの、この設計上の、良い意味でのあざとさが愉快なのだ。　物語の面白さに慣れた我々は、より工夫された刺戟的な物語を好むように出来ている。だが、恰も評価を当て込んだ如く展開される、日常と非日常の押し付けがましい追い掛けっことか、脱構築のエスカレーションだけが刺戟的な物語なのではないと云う事実を、今回のショーは明確に提示している。村上が描く掌篇は、常に書く側の感覚に裏打ちされた情緒的文章で成り立っていて、しかも充分に計算の行き届いた知的構成を忘れない。否、寧ろ感覚的であるよりも知的であることの方に、重きを置く傾向がある。この場合の知的の意味は、頭脳の冴えと云うよりは、考えに考え抜かれた工夫とか、あざとさと解釈して欲しい。この外連味が、手際の悪さと愛らしさと表裏一体式のヘタウマ感覚を生み出すと云う図式である。まぁ、今回の作品群は、幾許かの稚拙さを味方に付けてはいるものの、少しく大人びて見えたのも確かなのだけれどね。　村上が築き上げた言語世界は、なんとも奇妙である。子供が玩具箱をひっくり返し、ガラクタを積み上げてわけの分からぬ奇妙なオブジェクトを作ったようなものだ。このオブジェクトには、隠されたなんの意味もない。ただ作者の無償の、無垢な想像力が組み上げただけのものである。但し、創作過程の蓄積と醗酵の時間の長さを想像すると、これは、ただの子供の悪戯では成立し得ない、緻密な観察眼と強い意志の賜物であると理解出来よう。題材は、箪笥に仕舞ってある普通の服。飾りは最小までに抑えられ、しかもこちらに媚びる演技もない。それがしかし、見た眼の普通と云う皮を剥いで現れる中身の普通が凄いのである。と云ってもまだ、何も云ったことにはならないが、しかし、そのチラリと露出した普通を見てドキッとするのは何故だろうか。またもや、彼が用意した絡繰りにまんまとハマってしまったらしい。（文責/麥田俊一）

モードノオト2025.09.03

　私はかつて、ファッションウィークの最中に「多様性はどこへ」という問いを投げかけたことがある。当然、業界全体を動かす力が自分にあるとは思っていなかった。ただ、誰も言葉にしないことを指摘することで、議論のきっかけになればと信じていた。マイノリティの身体を持つ一人として、その責任を引き受ける覚悟があったからだ。　だが年月を経てもなお、「多様な身体がモデルとして起用される社会」という願いは現実から遠い。むしろ、画一的な基準はさらに強まっているように見える。ファッションが時代を映すものだとするならば、この問題は単にモデルの選考基準だけの話ではない。社会全体に漂う空気の表れとして読むべきだろう。　結論を言えば、いまの社会には「違いを認める余裕」が欠けている。戦争や覇権争いが激化し、国は「自国を守る」という論理に回帰している。個人も同じだ。「自分を守る」ことで精一杯になり、他者や異なる価値観を受け入れる余白はどんどん縮んでいる。多様性は希望ではなく、ときに過剰な負担として受け止められるようになった。　だからこそ、ファッションウィーク初日の光景を見たとき、単なる演出以上のものを感じる。それは時代の不安が映し出された兆しだ。ファッションの華やかさの裏には、現代が抱える「余裕のなさ」という影が潜んでいる。　「現代人は余裕がない」──そうしたフィルターを通すことで、ファッションウィーク初日の風景もまた違った姿で浮かび上がってきた。ムッシャン：傷ついた心に寄り添う「第二の皮膚」 　2026年春夏コレクションで「JFW ネクスト ブランド アワード 2026」のグランプリを受賞し、楽天ファッションウィーク東京のトップバッターとして初のショーを行った「ムッシャン（mukcyen）」。ブランドの世界観は、見る人によって幻想的にも、儚げにも、強さを感じさせるものにも映った。　今回登場した「セカンドスキン」のアイテムは、肌に優しい素材で作られ、まるで傷ついた体を包むガーゼのように保護する役割を果たしていた。白、黒、グレーといった低トーンの色は、外界の喧騒から距離を置き、心の平穏を求める姿勢を象徴している。彼女は「今を生きるために必要な服」と答えていた。　また、今年話題になった「とある予言」にも触れ、将来への希望ではなく、不安を和らげることや、「いま」という瞬間を大切に守ることを意識しているようにも見えた。関係者に配られた「笛」も、危機意識から生まれた防御策だが、災害時だけでなく、ときに「孤独」を感じたときのSOSアイテムとして捉えることができる。ナゴンスタンス：日常からの解放を提案する「逃避」 　一方、ファッションウィークに初参加したナゴンスタンスは、「どこかへ」（日常からの離脱）をテーマに、疲れから解放される「逃避」の機会を提示した。自然の中での変化は身体的な解放を意味するが、時に危険も伴う。「ナゴンスタンス（någonstans）」の水着やセカンドスキンのように身体に密着したアイテムは、外的ストレスやケガから身を守る機能も備えている。　このブランドは、ファッションを「安らぎ」と「解放」の手段として位置づけ、日常のストレスから意識的に距離を置くための具体的かつ実用的なソリューションを提供している。こうしたアプローチは、内なる調和を促し、前向きな気持ちで外界に向き合うための方法とも言える。　「現代が求める多様性とは」 初日にショーを行ったムッシャンとナゴンスタンスは、困難な時代にあっても、ファッションがストレスからの解放を多様な形で示せると感じとった。両ブランドの共通点である「セカンドスキン」は、それぞれ「外の世界に向かうための保護」と「傷ついた内面を守るガーゼ」という異なる役割を持つ。　ポジティブな色で外界と向き合うナゴンスタンスと、モノトーンで内なる平穏を求めるムッシャンは、一見相反するようだが、どちらも現代の人々の「ストレスから解放されたい」という願いに応えている。これが、単一の正解を押し付けない現代の多様な表現だ。ファッションは、一人ひとりが自分なりの方法でストレスに向き合い、心の平穏を保つ手段となり得る。両ブランドが示すファッションは、現代人の内面に寄り添い、心を安定させる処方箋であることを示唆している。

någonstans

mukcyen

疲弊する時代への「解毒剤」──ムッシャン、ナゴンスタンスをレポート

　文字通り流れる如き展開。動きが生み出すワルツの律動。漸次移り変わる服地のしなやかな表情。こうした抒情的な設定は「ハルノブムラタ（HARUNOBUMURATA）」ワールドの定番。気品のある拵えと云う結構も、既に手の内に入れてある道具立てのせいか、終始、滑らかに流れる感じがする。たとい2000年代前半の欧州のラグジュアリーブランドの影響が見られたとて、既視感を追い払うだけの充分な咀嚼力がある。とりわけ今季の創作は涼やかだ。後述するけれど、彼の創作は、眼に見えないほどの一本の糸で繋がれている。　陰影のもたらすゆかしさを感じる。たとえば、透明感のある色彩が交叉する澄んだ空気の印象。浅瀬に流れる水の音のイメージ。陽の光に反射する水飛沫の煌めき。花弁に零れる朝露の儚さ。八重にかかる朝霧のおぼろな情景。鬼百合のグラマラスな造形。朝まだきの庭園のすがすがしい景色を創作イメージの遠景として、我々を育み、恵みを与える自然の豊かさと神秘を彷彿させるモチーフが服の設計と細部に織り込まれている。この場合、古来の日本庭園が望ましいが、特段その様式にこだわるよりは、噴水や花壇、池泉や東家などを設えた情趣のある架空の庭園の全景を想像して欲しい。　円熟した大人の語り口とまではいかないけれど、村田晴信の創作は瑞々しい抒情性を湛えている。と云ったとて、湿っぽさは微塵もない。女性たちは、自慢のボディーラインを見せるために、窮屈な仕立て服を我慢したり、逆に、慎み深く全身を覆い隠したりする必要などはない。村田の特有の優雅さを身に纏えばいいのだ。このことは以前も云ったけれど、軽やかで綺麗な服を演出するブランドの居場所がなくなってしまった今の東京のファッションウイークに於いて、村田の意志は貴重な存在だと思う。それほど引き出しが多くはないようだから、大胆なシーンチェンジは望めないが、何も、立ち合いで、すばしこく変わり身を打つことだけが目新しさではないのだから、そのあたりの土俵勝負の呼吸は、本人がいちばん承知しているだろうし、外野がとやかく口を挟むべきことではない。　これは私の勝手な想像なのだけれど、彼は縫い目を一本取るかどうかで、何時間も、或いは、何日も悩み続ける男なのだと思う。その仕事ぶりは、ファッション界の古典主義者さながらだ。彼の作品がミニマルならば、ミニマリズムには思想とアイデアがギッシリと詰まったものでなくてはならない。密度の濃い仕事をしているのだから、ミニマムなデザインを手掛ける他のデザイナーと一緒くたにすることは、一つ一つの作品に込められた労力を侮辱することになる。私が行司ならば、ミニマリストよりもマキシマリストとしての彼に軍配を上げる。珍しく今季はデニム素材を大胆に取り上げている。一着毎に手仕事によりスモッキングされた布の質量は、洗いを掛けることで肌馴染みの良い風合いに仕上げた。彼のスタイルが微妙に進化を遂げたとしても、驚くに値しない。流行にしがみつき、シーズン毎にトレードマークを変えるようなデザイナーとはわけが違うのだ。　得てして一つのショーには、創作の「魔」が立ち上がる瞬間がある。見逃すことの出来ない瞬間である。村田の創作は、ジャポニスムとかシノワズリーとかのステロタイプ化した異国趣味とは一線を画するものだ。だが、和的なファンタジーがちらりと覗く瞬間がある。服に擦り込まれた「和」とか、幻想的な「和」は、我々がそれと気が付かないほどの巧妙さでうっそりと立ち上がり続けている。「洋」の服を題材にしているが、村田は、豊かな奥行の精神と、極めて日本的な美の本質を自らの創作の拠りどころにしている。「和」と云う直接的な主題に共鳴することはなくて、もっと枝葉末節の、皮膚感覚に近い部分での共鳴である。しかし、思慮深き読者には、主題と枝葉末節は、実は等価であると云う事実を再認識するはずである。さて、一見、途切れているように思える糸をしっかりと見ることが出来るか。試してみる価値はある。（文責/麥田俊一）

モードノオト2025.09.02

　今日「ムッシャン（mukcyen）」のショーを取材して思った。ボンデージとかランジェリーの細部を見て思った。白状するが、私は、女性が作る女性の服に、あまり魅力を感じたことがない。勿論、例外はある。女性が作る女性の服に、感服することはある。意中の女性デザイナーの名前を一つ一つ数えると切りがない。ここで誰々と名前を挙げるのは相応しくない気がするから割愛するけれど、寧ろ、男のデザイナーの比ではないかも知れない。　世間に倣って、遅まきながら、「多様性」と云う題目がファッションの世界でも喧しくなって久しい。遅まきながらと云ったのは、多様性と云う概念こそ、そもそもファッションを、ファッションたらしめる、心理的衝動であった筈の動機に相違なく、それが、今更ながら大手を振って再登場してしまうのだから、さしずめデザイナー諸氏、よほどコレクションノートに書き付けるテクニカルターム（煽情的な用語）が欠乏しているのだなと、いや、関係者よりお叱りを受けるのは覚悟の上だけれど、もそっと気の利いた主題、楽曲の中心となる楽想を端的に表現する術語が使えないものかと、ここ数シーズンの間、心待ちにしている私の身にもなってみなさいな。でも、なんだなぁ、こんな傍観者ヅラした他力本願を懐にするのは卑怯と云うものだなぁと独り言つ愚者一人。　閑話休題。改めて多様性について語るつもりはない。男が作る女の服には、男のエゴがあるから面白い、と云いたいだけだ。炎上覚悟で云うとね、男の私から見ると、男自身のエゴが、彼らの作る服に滲み出るから、男の作る女性の服は面白いのだ、と云う得手勝手な論法である。理論発展の方式など微塵もないし、女性のデザイナーに対して、甚だ失礼なのは承知している。 　もう一つ白状しよう。私の、女性に抱く畏怖の念は、とてもシンプル（単純）なのである。それは、直立二足歩行を始めた僕（正確に云うと、我々の祖先であるアウストラロピテクス）が、「火」を発見したことで、鬱蒼とした原始林の恐怖に打ち勝ったとき、まさにその折に、僕のDNAに深く刻み込まれた根源的な記憶に通じるものなのだ。その畏怖の念は、未知なる不気味さに克つたときに味わうカタルシスと云うか、未知なる神秘の持つ威厳に畏まる気持ちと云ってもいい。眼に見えない一本の糸で、大自然と繋がっていると云う感じだろうか。こうした狭量で曖昧な視点を拠りどころにファッションを書いていていいのだろうか、と番度に思い悩むのだけれども、今更、転向することは出来ない。私にとっての「火」は、錬金術師が躍起になって追い求めた「賢者の石」のようなものなのかも知れない。　「ムッシャン」のデザイナーは、木村由佳と云う女性である。彼女は、セクシュアリティーの境界に挑戦する主題を掲げているわけではない。伝統的な下着やコルセットも、彼女の手に掛かると外出着になる。男のデザイナーであれば、女性の体型を強調することに重点を置く傾向が強くなるところだが、彼女には、常に女性のプロポーションを気にしない節がある。それに彼女は、シャープな仕立てと、ボリュームを持たせたカタチとを両立させることが出来るデザイナーで、寧ろそれを得意としているようだ。但し、今は完璧ではないけれどね。 　フラットにカットするが、悪戯に肉感的なカタチを嫌い、同時に不必要に身体に纏わりつくカタチを避けている。だから、彼女が考えるセクシュアリティーは、より概念的なレベルで、常に自立していて、叛骨的な意志を持つ知的に成熟した女性に訴えかける性質のものだ。要は、男のデザイナーのような変な媚びが立ち入るスキはない。男が理想とする体型とか、社会の性差別意識、或いは服そのものの機能、即ち、リアルクローズとプロテクションと云う概念の相関関係に敢えて挑もうとしている。多様性と云う陳腐なフレーズが声高に謳われようとも、自身が目指す女性の服と真摯に向き合い続けるならば、自身の創作のルーツに繋がる糸は決して断たれることはないだろう。デビューショーの今回がすべてを云い尽くしてはいないし、私にとっての「火」が眼前に迫りくるほどの激しさを伴っていたかと云うと、残念ながらそこまでの迫力はなかった。だがしかし、いつの日か、根源的で神聖な「火」を、私はしっかり享受してみたいと願っている。（文責/麥田俊一）

モードノオト2025.09.01

予言が導いた“限られた時間”への思索　デザイナー木村由佳が今季の着想源に挙げたのは、SNSを中心に広がった「2025年7月5日に日本で大災害が起きる」という噂だった。東日本大震災を的中させたという漫画家のたつき諒の作品に記された一文が発端となり、不安や憶測が世間を駆け巡った。　幸い、そのXデーは何事もなく過ぎ去ったが、木村は「未来への不安感から、“限られた時間をどう生きるか”ということを考えました。予測できない出来事にも対応できるような洋服をイメージして制作しました」と語る。肌を優しく包むセカンドスキン　ファーストルックに登場したのは、枕を抱え、包帯を巻きつけたようなセカンドスキントップスとレギンスに身を包んだモデル。避難の途上を思わせる姿だが、その素材は柔らかく、身体を優しく包み込む。　この象徴的なセカンドスキンシリーズは今季、キュプラを重ねて保湿加工を施し、長時間の着用にも耐える仕様に進化した。木村は「スキンケア効果のある素材を開発し、インナーウェアでケアできる服を目指した」と話す。快適さと実用性を兼ね備え、日常と非常時の両方に対応する"防護服"となった。災害への"備え"をファッションに昇華　コレクションには、災害時の"備え"を思わせるディテールが散りばめられていた。　バッグの造形を取り入れたというハーネスや、ジャケット、ビスチェ、ショートパンツとなる肩甲骨のような立体的なフォルムの“スキャプラハーネス”。ストレッチコットンのジャンプスーツは、大きなポケットや変形できるラペルを備え、シーンに応じて自在に姿を変える。 　さらにモデルたちが携えていたぬいぐるみやランプは、被災時の"持ち物"を想起させるアイテムだった。ギプスや防刃ウェアを彷彿とさせるメッシュやチェーンのアクセサリーは、身を守りながらも前に進む人間の強さを表現する小道具として機能。シャツのスリットに腕を通し、骨折時に使用するアームホルダーのように固定したり、長いスカーフで頭を覆ったりと、スタイリングにもその精神が落とし込まれていた。ムッシャンが描く死生観と退廃美　ムッシャンは2024年秋冬にデビューしたばかりの新たなブランド。今回、日本ファッション・ウィーク推進機構の「JFW NEXT BRAND AWARD 2026」でグランプリを受賞し、このショーで今季のファッションウィークは幕を開けた。　死生観を核に据えたダークで退廃的なムード、コルセットや包帯などボンテージディテールによる身体の誇張、中国と日本をルーツに持つ木村のオリエンタルな表現。4シーズンですでに独自のスタイルを確立しており、その世界観はこの初舞台でも鮮烈に表れていた。防災の日に示した“向き合うことの重要性”　奇しくもショーが行われた9月1日は「防災の日」だった。1923年の関東大震災の教訓を伝えるために制定された日である。　予測不可能な災害や事故が相次ぐ不確実な現実の中で、ムッシャンが示したのは、自分自身と向き合うことの重要性だ。木村はこうプレスノートに綴っている。「自分自身に問い質すことは、不確定な運命の気質の膿である不安や苦痛を和らげるセラピーといえるでしょう。 それは、ほんの 10 分足らずの時間かもしれません。 ただ実際は、その儚さや一貫性の無さからは程遠く、洋服を着脱することを通した思考は、 無を赤く染め上げるかのように、自己のアイデンティティーを炙り出す役割を果たすのです」　わずか10分というショーは、まさに「限られた時間」の象徴だった。しかし、その濃密な瞬間が観客に伝えたのは、不安や恐怖ではなく、どんな状況でも前を向いて生きることの尊さ、備えと心構えを持つことの大切さだった。そして、服をまとうという日常の行為さえ、私たちが自分自身を見つめ直すきっかけになり得るのだと気づかせてくれた。

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