インサイド

TABFの歩み　「アートブックフェア」とは、アートブックやZINEに特化した展示販売イベントで、国内外の出版社やギャラリー、アーティストなどが出展し、来場者と直接コミュニケーションをとることができる空気感も人気が高い。今年で15回目となったTABFが誕生するきっかけとなったのは、ニューヨークで開催された「NY ART BOOK FAIR」に、書店「ユトレヒト（UTRECHT）」の当時のオーナーであった江口宏志と雑誌「PAPERBACK」のメンバーである東直子らが参加したこと。両者に加え、2006年に開催された第1回「NY ART BOOK FAIR」も訪れた現代美術家のミヤギフトシなどが立ち上げメンバーとなり、「でもインディペンデント出版の受け皿となるアートブックフェアを開催しよう」という考えから第1回の開催に至った。　立ち上げ当初は「ZINE’S MATE」という組織名で、ユトレヒトやペーパーバックのメンバーが中心となり運営。その後、2015年に江口から書店「POST」の中島佑介へとディレクターを交代し、twelvebooksの濱中敦史の運営メンバー加入を経て、2017年に「一般社団法人 東京アートブックフェア」を設立し、現在の運営体制となった。　同法人は、フェア開催のほか、出版事業や海外フェアとの共同事業を展開。2024年には出版事業として「Publishing Publishing Manifestos」「Die Hefte ステファン・マルクス アーティストブック大全」を刊行した。韓国・ソウルのアートブックフェア「UNLIMITED EDITION」との協働企画をはじめ、海外のアートブックフェアとの連動企画も積極的に開催。今年はシンガポールのインディペンデントリサーチラボ「Atelier HOKO」による展示「BOOK？」の日本巡回展をTABFとして主催している。東京都現代美術館での開催が契機に　2009年の初回開催から、出展者80組に対し来場者は4000人が来場。「初開催の頃から、会場を埋め尽くすほどの来場者数と熱気があり、回を重ねるごとに、出展者と会場の規模拡大と比例して、来場者数も増えていった」と黒木は振り返る。特に10周年の節目として東京都現代美術館に会場を移した2019年には、来場者数が3万5000人を超えるなど、大きな飛躍を遂げた。美術館での開催を機に、アートブックに関連した企画展、国際的なアーティストらとのコラボレーションをより積極的に実施することで、国内外のアートシーンとの結びつきを強化したことは国内外のアートシーンでも認知を一層広げる契機になったという。コロナ禍を経て一度落ち込むも、2024年開催時には2万人以上が足を運ぶなど、その人気は定着している。　主な客層は、アートやカルチャーに対して関心が高い20〜30代。アジア圏を中心に海外からの来場者も多いという。また、最近ではTABF立ち上げ当初に20〜30代だった来場者や出展者が子育て世代となり、子どもを連れて来場・参加する姿が多く見られるようになったことから、近年では子どもと一緒に楽しめるアートブックの企画展示や、託児所サービスも展開している。ブックフェアは「コミュニティ」へ　現在、さまざまなアートブックフェアが世界各都市で新たに立ち上げられ、その数は年々増加傾向にある。古くから続く歴史のあるフェアは、TABFと同様に美術館やアートギャラリーなどに会場を移して規模を拡大しているケースも多い。開催を続けることで、販売や流通という役割を超え、ローカルなコミュニティの形成や、国内外の出版社、アーティストらとの交流、ネットワークの場としても重要な役割を担う存在として、その立場は変化しつつあるという。　黒木は、世界的なアートブックフェアの人気の理由を「誰もが手に取りやすい『本』のイベントであるという気軽さと、『アート』イベントとしての独創的なイメージや期待値が、幅広い層の集客に繋がっているのでは」と分析する。このほか、都市や地域の名前を冠するアートブックフェアでは、その地域や国の独自性、ローカリティを出展者、来場者、会場全体の雰囲気から感じることができる観光的な体験も魅力の一つとして指摘する。「本来の価値はトレンドとかけ離れた部分にある」　TABFは国内最大のアートブックフェアへと成長する一方で、運営チームは「出展者の固定化」や「応募数の増加による新規参加障壁の高まり」など、規模の拡大を原因とした課題も抱えていたという。そうした中で、2023年からTABFに協賛している芝パークホテルからの申し出を受けたことや、運営チームの世代交代も見据えた考えから、同ホテルを会場に今年5月に新たなブックフェア「TOKIO ART BOOK FAIR」を開催。TABFのZINE’S MATEエリアのディレクターを担当していた黒木と、昨年度のTABFでドイツの現代アートブックシーンを紐解く展示「Doitsu Art Buchmarkt」を担当した角田芽央子が中心メンバーとなった。　TOKIO ART BOOK FAIRでは、出版社同士のネットワークを重視し、運営チームが選出した18組のホスト出展者が、交流のある友人や、おすすめの出版社らをゲスト出展者として推薦する招待制にするなど、従来のTABFとは異なる仕組みを採用。また招待出展者の中で最低1組はこれまでTABFに参加したことがないことを条件とすることで、新たな参加者への広がりも目指したという。出展者数は約54組と、約300組が出展するTABFの1/5程度だが、出展者同士の交流を強めるネットワークの場という役割を重視した取り組みとなった。　黒木氏は「アートブックフェアの盛り上がりは世界的に見てもある種の過渡期にあるのでは。アートブックの本来の価値は、人気やトレンドとかけ離れた部分にある。アートブック、ZINEなどを一過性のトレンドとして捉えるのではなく、その背景にある文化的意義を継続して伝えていくことで、今後の出版文化の有意義な変化につながれば」と展望を語る。個人の趣向が細分化され、SNS上ではアルゴリズムの最適化によって「新しいもの」と出会いにくくなっている現在。アートブックに限らず文学作品の展示即売会「文学フリマ」も1日あたりの来場者数が1万人を超えるほど盛況を見せ、大手書店にも個人出版の書籍を取り扱う棚が用意されるなど、個人が制作した「本」を取り巻く熱狂は拡大している。現代人が知的好奇心を満たすための行動は、手触りや対話、自らの足によって予期せぬ出会いを探し出す、アナログな方向に再びシフトしつつあるのかもしれない。

Culture

トレンドに依存しない価値、「アートブックフェア」の変革と現在

ーまずは、オノデラユキさん選出による「2021年度 写真新世紀」佳作入選おめでとうございます。　ありがとうございます。実は、コンペで何か結果を残したのは初めてで。高校生の頃から知っている賞で何か結果が残せたことは、素直に嬉しいです。一方で「優秀賞ではない」という部分で、悔しい気持ちもありますね。ー写真を撮り始めたきっかけは？　今思えば、中学生の時におばあちゃんがデジカメを買ってくれたことかな。当時は、友達をずっと撮っていましたね。ー遠藤さんは、東京藝術大学大学院美術学部デザイン科を修了。学部生時代はグラフィックデザインを勉強していたと聞きました。　写真を撮ることも好きでしたが、絵を描くことも同じくらい好きだったんです。そもそも美大を受験しようと思ったのも、友達が美術予備校の講習に誘ってくれたのがきっかけ。絵を描くのは好きだけど、勉強が好きじゃない私にとっては天国のような環境だったんです（笑）。それに、東日本大震災があった年だったからか、他の受講生が全然いなくて。友達と2人っきりで何週間も絵を描くことができたんですよね。最初からあまり人と比べることなく伸び伸びと制作できたことは、私の性格を考えるととても良いことだったのかもしれません。ー藝大には写真を学ぶことができる美術学部先端芸術表現科もあります。なぜ、美術学部デザイン科への進学を決めたのでしょうか？　最終的な決め手は「デザイン科なら最初に決めずとも、在籍中になんでも出来るだろう」と思えたこと。それでも大学院での修了制作で写真に向き合うまでは、引け目を感じていました。ー何に対する引け目ですか？　「美大生ではあるけど、芸術をやっているわけではない」と自分に対して思ってしまう部分がありました。何をしているのかが、自分でもずっとわからない。「美術と呼べるようなことをやっている」という意識が持てずにいたんです。「グラフィックの方が仕事には困らないだろう」と思いながら制作をしている一方で、「もしもグラフィックが仕事になった時、細かな業務や、やりとりが必要になってくるクライアントワークは私には向いていないだろうな」と思っている自分がいる。だからといって、写真でクライアントワークをしたいわけでもないし、純粋な作品として写真を撮っているわけでもなかった。ークライアントワークになりやすいグラフィックや写真と、美術作品としての写真の間で揺れていた、と。　客観的に見ても、ふわふわしている状態だったと思います。様々な方法で美術や芸術に真剣に取り組んでいる人が多い中で、同じように「作品」として発表することに引け目があったのかもしれません。ー写真と向き合うきっかけは何かありましたか？　休学をしていた時期に、グラフィックデザイナーの田中義久さんに「本を作ってあげるよ」と言われたのがきっかけだと思っています。元々、学部生の頃から田中さんがアートディレクターを務める「サイン計画」には携わっていたのですが、田中さんからの一言でTOKYO ART BOOK FAIRに本を出す側として関わるようになりました。写真を撮っては、田中さんに見せに行くを繰り返していたんですが、なかなか上手くいかなかった。サイン計画　TOKYO ART BOOK FAIRとして複数会場で行われる企画を、目印を用いて連動させるプロジェクトー上手くいかなかったとは？　それまで一つの作品を作る意識で写真を撮ったことがなかった私は、田中さんも、撮っている私自身も納得がいくようなものが撮れずにいたんです。そこから1年間ぐらい「作品としての写真を撮る」ということに取り組んでいたと思います。ー数年後、遠藤さんは大学院の修了制作として写真作品の展示を行いました。　それまでの写真は「素材としての写真」という感覚が強くて「写真作品」ではないと感じていました。「本のために撮る」「ページを埋めるために撮る」という感じで、写真1枚1枚に意識が行き届かないと言いますか……。順番が逆になってしまう感覚があったんですよね。ー遠藤さんの展示空間は、それぞれの作品をパズルのように組み合わせることで、大きな1つの作品を作り上げているような印象を覚えました。　たしかにそういう感覚はあります。修了制作展と、2回の個展を通して思ったことは「展示するということは、構成をすることなのだな」ということ。画面の中はもちろんですが、展示空間全体をどうやって組み立てるのかはすごく考えます。ー「構図」という点では、グラフィックデザインの観点を写真でも活かせる気がします。　それは修了制作展を通して初めて気がつきました。舵を切るまでに時間がとてもかかりましたが、最後に写真で修了制作を作ってよかった。　ある日、友達が「自分が好きなこととか、やりたいことに対して失礼がないようにしなさい」と言ってくれたことがあって、その言葉がずっと心に残っています。「結局、自分が好きなものしか真剣に取り組めないなら、学生生活の最後にずっとやっていた写真と向き合おう」と思わせてくれた友達には、本当に感謝しています。ー写真を作品としてアウトプットするために、誰かに指導を受けたことは？　特別、誰かに長年教わったりはしていないんですよ。でも、写真集を見るのはすごく好きでした。ー中でも一番好きな写真集は？　荒木経惟さんの「花曲」でしょうか。古本屋を巡っている中で出会って。初めてアート写真をみて感激したことを覚えています。なぜ感動したのかを説明することは難しいんですけど、対象にギュッと寄ってしまう所とかは、影響を受けている気がします。　画家だとサイ・トゥオンブリー（Cy Twombly）が好きです。最初の頃に撮っていた、花の写真はトゥオンブリーからの影響が大きいんじゃないかな。結局、グラフィカルなものが好きなんだな、と。上手に説明出来ないんですが、やっぱり自分が見てきたものの影響は少なからずありますよね。ー遠藤さんの作品は、パッと見た時「絵画のようだな」と思う人も多い気がします。　「現実離れをしている作品を作ろう」という意識はすごいあります。ストロボを用いた撮影をよくするのですが、それは実際に見える景色と一番違って見えるから。写真の面白いところは、実際に見ているものとは違うものに見えるという点。だから、画面の中では現実とは少し違う世界観になったらいいな、と。ー遠藤さんの作品が現実離れをしているように感じる理由の一つは、写真を撮る時にどうしても現れてしまうはずの奥行きや、距離感が掴めないからだと思いました。写真を撮る時に遠近や奥行きへの意識はあるんでしょうか？　「平面のようにノッペリと見せたい」という気持ちは無意識にあるのかもしれませんね。たしかに絵画を作っているような感覚はあって、撮った後にデジタル加工で色を調整したりしています。「現実離れ」を突き詰めていくと、レタッチやデジタル加工になるんですよね。ー写真のデジタル加工は賛否が分かれる部分ですよね。　写真を撮っている人は、現像するプロセスの中で大なり小なり加工をするものだと思うんですけど、「加工をしている」と言い過ぎるのも自分の中では最近違和感が出てきていて。ーどのような違和感ですか？　私がなぜ加工を施すのかと言うと、自然に対して、人間や、神様のような「どうしようもない大いなる力」の介入を考えているから。例えば、動物や森林を見て、人は自分とは関係のないもののように「自然物」と思うかもしれません。でも、実際にここに写っている動物は家畜だったり、ペットだったりと人間が世話をして生きているものです。大きな山も、人間が山を保とうと思って保たれているものだったりします。何が言いたいのかと言うと、全ての自然には何かが介入しているし、自然と人工物の境界線は実は曖昧なのでは、と。ー遠藤さんの作品から感じる、被写体である動物たちはとは違う何か別の存在の予感や、違和感を覚える理由が分かった気がします。　「加工を用いて曖昧な境界を作っていく」ということを私はやっているつもりです。でも「何かが介入しているかもしれないし、手付かずのものかも知れない」という曖昧な境界についてを「加工」と言う言葉で説明してしまうのは、何か違う気がしてしまう。曖昧さが消えてしまう、とでも言えばいいんでしょうかね。ー個展の名前は「カムィ・モシㇼ（Kamuy Mosir）」。アイヌ語で「神々の住まう地」という意味があります。　私は、手を動かしてようやく思考がどうにか追いつくタイプなので、最初からテーマがあって撮っていたわけではないんです。私が表現したかったことを表してくれる言葉はないかと撮影をしている最中に、「カムイ」という考え方を知りました。本当にたまたまなんですが、撮影しながら登った北海道の雌阿寒岳の近くには、アイヌコタン（アイヌ民族が住む集落）があったそうで、何か繋がったなぁ、と。ーアイヌの人々は、全てのものには「カムイ（神）」が宿っており、熊などの動物に化けて人間界に遊びに来ている、という考えを持っていました。　「道具や家、災害、岩など、世の中にある全てのものには神が宿る」ということは、頭では理解しているんですが、都市部にいるとなかなか感じることができなかった。私が実際にそれを実感することができた対象が、まずは自然だったんですよね。 　コロナ禍や、BLMなど世の中で大々的に取り上げられるニュースだけではなく、大抵の問題は「目の前の他者というものに対して、どのように向き合うのか」ということに行き着く気がします。身近な自然や動物に対して、感情や精神も含めて同じ生命だという意識を持つことも、他者への向き合い方の一つかな、と。その向き合い方を知るための他者が、私はたまたま、山や自然だった。ー今後、取り組んでみたいことはありますか？　少しずつ変えてはいるんですが、修了制作展を含めた3回の展示は、すべて同じ作品を発表していて、「何回同じ作品を展示するねん」というツッコミが自分自身にあります（笑）。次どこかで何かができるなら、もう少しこのシリーズを増やして、また本を作りたいですね。一方で、今までとは全く違う作品をアングラな場所で展示したいな、とも考えています。嫌というわけではないんですが、「植物や動物の写真＝遠藤文香」になりたいわけじゃない。このシリーズしか受け入れられなくなるのではなく、今はまだもがいていたいです。（聞き手：古堅明日香）

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