インサイド

体験編　大阪市の人工島「夢洲」に建設された万博会場の総面積は、約155ヘクタール。東京ドーム約33個分、東京ディズニーランドにして約3個分相当と、ぐるっと一周するだけでも一苦労。そんなボリューム満点のコンテンツの中から、特に必見の4つのパビリオンと展示を紹介します。世界最大の木造建築にギネス認定、全周2kmの「大屋根リング」　会場に到着すると、まず目に飛び込んでくるのが「大屋根リング」。建築家の藤本壮介氏がプロデュースした建築は、会場全体を取り囲むような設計で「多様でありながら、ひとつ」という会場デザインの理念を表す、同万博のシンボルとなっています。日本の神社仏閣などに使用されてきた伝統的な貫接合に、現代の工法を加えて建築された同建築は「最大の木造建築物」として、ギネス世界記録にも認定されました。エスカレーターで屋根上の舗道「スカイウォーク」に登れば、会場全体を見渡しながら、全周2kmをぐるっと散歩することができます。また、屋根下に設置されたベンチは、雨風や日差しを遮断しながら休憩できる絶好のスポットです。LVMHが卓越した職人技を紹介する「フランスパビリオン」　160を超える国と地域、国際機関が参加する今回の万博。限られた時間の中、どの国のパビリオンに参加するべきか迷ってしまうかもしれませんが、ファッション好きならば、まずはフランスパビリオンに向かってください。フランスパビリオンには、メインパートナーとしてLVMHが参画し、同社を代表する5つのメゾンが出展。「メイド・イン・フランス」の価値を体感できる展示を通して、フランスが誇るサヴォアフェールとアール・ド・ヴィーヴルの精神を発信します。　「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」と「ディオール（DIOR）」の展示は、万博の期間と同様、半年間常設されます。ルイ・ヴィトンは、建築家の重松象平氏とコラボレーションし、「日本への愛」と「時を超えるクラフツマンシップへの愛」にオマージュを捧げた展示を用意。メゾンのアイコニックなトランク84個を配したライブラリーには、アトリエの音を再解釈したサウンドトラックが響き、アーティストの真鍋大度氏が手掛けた映像作品も放映されます。ディオールは、職人技と手仕事へのオマージュとして、トリコロールカラーの「バー」ジャケットやアンフォラ ボトル、約400点の白いトワルや、3Dプリントで再解釈されたフレグランスボトルを並べたインスタレーションを用意し、タイムレスなエレガンスを表現。アーティスト高木由利子氏の作品や、デザイナーの吉岡徳仁氏によるメダリオンチェア、建築家の妹島和世氏が手掛けた「レディ ディオール」などを通して、メゾンと日本のつながりを讃えます。　「セリーヌ（CELINE）」は開幕から5月11日まで、「ショーメ（CHAUMET）」は9月1日から10月13日までの期間限定で展示を披露。セリーヌは、石川県輪島市を拠点に、伝統的な漆器を制作するアーティスト集団の彦十蒔絵とコラボレーションしたメゾンのアイコニックなシンボル「トリオンフ」を展示します。ショーメは、空間全体を煌めきで演出した没入型の展示を実施予定。麦の穂やミツバチ、ミツバチの巣（ハニカム）などのモチーフとともに、メゾンが培ってきた自然の美しさと生命力への賛辞を表します。ちなみに、同館で味わうことができるビストロは、「モエ ヘネシー（Moët Hennessy）」がプロデュースしています。ジェンダーを超えた公平な未来へ導く「ウーマンズパビリオン」　続いて紹介するのが、夢洲駅からほど近い東ゲートゾーンに設置された「ウーマンズパビリオン in collaboration with Cartie」。その名の通り、「カルティエ（Cartie）」とのコラボレーションによって実現したプロジェクトです。コンセプトは「When women thrive, humanity thrives ～ともに生き、ともに輝く未来へ～」。社会における女性の役割とともに、ジェンダーを超えて誰もが公平であることを望む、持続可能な未来の構築を目指し、建築やコンテンツ、対話など多角的な展示を行います。　同パビリオンのメインコンテンツが、3人の女性を主人公としたストーリーとともに展開する、没入型のキュレーション「THREE PATHWAYS」。日本を代表する作家 吉本ばなな氏、詩人でアクティビストのエミ・マフムード氏、環境保護活動家のシエ・バスティーダ氏の3人のショートフィルムが流れたあと、3人の中から1人の部屋を選ぶことで、それぞれのこれまでの人生を追体験できるインスタレーションが楽しめます。ちなみに、ショートフィルムを制作したのは、映画監督の河瀬直美氏。　そのほか、世界中の男女平等の現状について、各国のデータに基づいて表現したインスタレーション「PUZZLE BOX」や、世界で活躍する14人の活動家のメッセージに触れることができる体験型の展示「YOUR HAND」なども用意。日本からは、タレントの黒柳徹子氏や、メイクアップアーティストで僧侶の西村宏堂氏、社会起業家の細井愛茉氏、寿司職人の三好史恵氏が参加。それぞれの声を通して、未来へのメッセージを届けてくれます。■公式サイト“未来の自分”に出会える「大阪ヘルスケアパビリオン」　万博ならではの最新テクノロジーが集結した「大阪ヘルスケアパビリオン」では、「リボーン（REBORN）」をテーマに、25年後の未来の都市生活をイメージした体験を用意しています。中でも、おすすめなのが「リボーン体験ルート」。プリクラ機のような「カラダ測定ポッド」に入り、自分の髪や肌年齢、視覚、脳、筋骨格などの数値を測ると、25年後の自分のアバターが形成され、専用のリストバンドを装着することで、アバターと一緒に展示を楽しむことができます。ちなみに、アバターの衣装を手掛けたのは、「ハトラ（HATRA）」のデザイナー長見佳祐氏。自分のアバターがどんな衣装に身を包むのか、必見です。　測定ポッドで計測したデータに基づき、今の自分に必要な栄養を補完できるサプリを提供してくれるフードスタンドをはじめ、「未来では洋服ではなくロボットを着用しているかもしれない」という発想をもとに、VR体験を通して自分にピッタリのロボットスーツを提案してくれるアトラクションも。25年後の未来に思いを馳せながら、さまざまなテクノロジーを体感できるスポットです。リボーン体験ルートの参加には予約や公式アプリの事前登録が必須なので、詳しくは公式サイトをチェックしてください。■公式サイトお土産編　万博では、会場でしか手に入らないお土産も見どころの一つ。オフィシャルショップには、バリエーション豊かな「ミャクミャク」のマスコットやお菓子などが所狭しと並んでいますが、今回は、ファッション好きならぜひチェックしてほしい2つのショップと、そこで出会える限定アイテムをピックアップします。アーバンリサーチが手掛ける「アーバン博」　大阪に拠点を持つファッション企業・アーバンリサーチは、会場西側のセービングゾーンに、限定アイテムを取り扱う期間限定店「アーバン博」を出店。テーマは「未来につながる“すごい”をシェア」。他のオフィシャルストアでは手に入らない、同店ならではのアイテムとして、「カンペール（CAMPER）」とのコラボレーションによる雑貨や、アーバンリサーチの社員100人の声の振動を柄にしてデザインし、商品化するプロジェクト「一〇〇 VOICES」による鯉口シャツといった限定アイテムをラインナップ。変わり種のお土産を求めている人は訪れるべきスポットです。■公式サイトファッションブランドとの限定コラボに出会える「大丸松坂屋百貨店」　夢洲駅からすぐの東ゲートのそばにオフィシャルストアを出店している大丸松坂屋では、百貨店ならではのファッションブランドとのコラボアイテムをラインナップしています。開幕時には、「ミントデザインズ（mintdesigns）」「ジェラート ピケ（gelato pique）」「ジャーナル スタンダード レリューム（JOURNAL STANDARD relume）」の3ブランドとのコラボレーションを展開。それぞれのブランドが持つスタイルとミャクミャクをかけ合わせた独自のアイテムを揃えます。

Culture

【大阪・関西万博】ファッション好きが楽しめるスポット6選

阿部千登勢  ⎯ 「ウーマンズ パビリオン in collaboration with Cartie」　「ウーマンズ パビリオン in collaboration with Cartier」は、内閣府、経済産業省、「カルティエ（Cartier）」、2025年日本国際博覧会協会と共同で手掛けるパビリオン。「When women thrive, humanity thrives ～ともに生き、ともに輝く未来へ～」をコンセプトに掲げ、建築や没入型の体験コンテンツなどの展示を通して来場者の視点変革を目指しています。　ウーマンズ パビリオンのアテンダントユニフォームは、「サカイ（sacai）」デザイナー兼クリエイティブディレクターの阿部千登勢が担当。調和とモダニティを身に纏えるようなユニフォームとなっています。ヨウヘイ オオノ⎯「住友館」アテンダントユニフォーム　住友グループが出展するパビリオン「住友館」は、森の中で様々な「いのちの物語」に出会うインタラクティブな体験や、来場者が参加できる「植林体験」を実施します。　ヨウヘイ オオノにとって初めてのユニフォームデザインとなる住友館のアテンダントユニフォームでは、「ジャケットやパンツ・カットソーを⽤いたスーツスタイル」「帽⼦やシューズ」などを共通デザインとしながら、2種類のユニフォームを制作。分量のあるプリーツを採⽤したジャケットや動きやすさや霧が漂う空間における快適性を意識した丈感のパンツ、サイクリングトップをベースにしたスポーティーなインナーなどをデザインしました。ユニフォームの素材には、住友商事グループ企業が全国の⼩売店などで独⾃に回収されたペットボトルからエコ・リサイクル⼯程で再⽣された特殊⻑繊維⽤ペレット「bottlium®（ボトリウム)」と、住友化学が開発した吸熱と放熱の特性を併せ持つ温度調節樹脂「コンフォーマ®」を⽤いた繊維を使用しています。中里唯馬 ⎯ 「Better Co-Being®」アテンダントユニフォーム　「Better Co-Being®」は、慶應義塾大学医学部教授 宮田裕章氏がテーマ事業プロデューサーを務めるシグネチャーパビリオン。ゴールドウインは、同パビリオンにサプライヤー協賛し、デザイナーに中里唯馬を迎え、ユニフォームを製作しました。　ユニフォームは、形ある物が絶えず移ろい続ける様を意味する「IMPERMANENCE」という言葉をテーマに、帽子、ジャケット、シャツ、パンツ、雨具を展開。屋外にあるパビリオンのため、ユニフォームは適度なフォーマルさと同時に、長時間の野外環境で快適に過ごしていくための機能性を実現しました。また素材は、ゴールドウインの富山本店の研究開発施設「ゴールドウイン・テック・ラボ」が、暑さ対策として特殊な加工技術を使用し、紫外線遮蔽率と太陽光反射率の両方を高めた新素材を開発。ジャケット、シャツ、パンツの生地に採用しました。中田優也ー日本館アテンダントユニフォーム　日本館のアテンダントユニフォームは、中田優也がデザインを担当。ジャケットやパンツ、ベスト、カットソー、スカーフ、帽子、バッグといったアイテム構成となっており、「日本の美意識を纏う」をコンセプトに美しさと機能性の両立を目指してデザインしたそうです。ジャケットは、日本の伝統衣装である着物の構造を元に製作されており、帯状のベルトで自在にサイズを調整し着用者の体に合わせてフィットさせることができます。また、日本の伝統的な履き物として採用された足袋は、「福助足袋」が一点ずつ職人の手により製作。留め具（コハゼ）で足をしっかりとホールドするため歩く際に安定感があり、足に綺麗にフィットすることから足もとを美しく演出します。　アイテムは、付属の風呂敷でまとめて持ち運ぶことができるようになっており、日本の文化が感じられる工夫を施しました。素材は、植物由来のポリエステル繊維や、使用済みのペットボトルを原料としたリサイクル繊維など環境に配慮した物を採用。また、単一の素材や原料で構成された製品を指す「モノマテリアル」を採用したため、リサイクルの際に分別する必要がなくなりリサイクルの工程が簡略化され、環境への負荷を大幅に削減することができます。藤本ハルミー「PASONA NATUREVERSE」　パソナグループが出展するパビリオン「PASONA NATUREVERSE」では、97歳の現役デザイナー藤本ハルミをデザイナーに起用。パソナグループの代表取締役グループ代表の南部靖之と藤本が同郷であることをきっかけに、今回の協業に至ったそうです。　ユニフォームは、全てオートクチュールドレスとして製作。京都・祇園祭の山鉾（やまほこ）巡行が描かれた生地や、染織家として初めて人間国宝になった三代目田畑喜八による生地などを使用した、デザインの異なる20着を用意しました。同ドレスは、パソナグループのパビリオンでVIP接客などにあたるアテンダントが着用し、万博閉幕後は、パソナグループが進める淡路島へのパビリオン移設計画で活用される予定です。ミナ ペルホネンー「Dialogue Theater - いのちのあかし - 」　河瀨直美がテーマ事業プロデューサーを務めるシグネチャーパビリオン「Dialogue Theater - いのちのあかし - 」では、「ミナ ペルホネン（minä perhonen）」がユニフォームのデザインを担当。コートジャケットやレインコート、Tシャツ、サコッシュ、バンダナ、靴下といったアイテムを製作しました。コートジャケットは、一般的なメンズとウィメンズの打ち合わせではなく、右と左の生地が対話をするように重なり合うデザインを採用し、一般常識や男女の慣習などを取り払い、多様なテーマについて考えてみようというメッセージを込めたそうです。またバンダナは、アテンダントスタッフの個性やその日の気分によってさまざまな巻き方ができ、スタッフ自身が装いにアレンジを加えることができるように設計しました。アンリアレイジ ーNTTパビリオンスタッフユニフォーム　「アンリアレイジ（ANREALAGE）」は、機能性と環境への配慮を両立した、アウター、ポロシャツ、バッグ、バケットハット、ロゴバッジの5点を製作しました。アウターは、「風をまとう服」をコンセプトに「空調服®️」の電動ファンを内蔵。体と服の間に風を送り込むことで布にドレープが生まれ、着る人の体型に沿って変化します。ポロシャツは、シルエットやディテールのプロポーションを再解釈し、性別や体型を問わず着用できる形を追求しました。そのほか、バケットハットおよびバッグには、日本国内で回収された廃漁網を100%再利用して作られた、ケミカルリサイクル糸「MURON」を採用。ロゴバッジには、フォトクロミック生地を使用し、屋内と屋外で色が変化する仕掛けを施しています。　各アイテムの生地には、通気性・吸水速乾性に優れた「AZEK」を使用。製作工程では水の使用量を限りなく削減したサステナブルなプリント技術「FOREARTH」を用いています。ディウカ ー 大阪ヘルスケアパビリオン・ファーマフーズ　卵研究により生まれた素材を使った商品を展開するバイオテクノロジー企業 ファーマフーズが、大阪ヘルスケアパビリオンに出展。アテンダントユニフォームを「ディウカ（divka）」がデザインしました。これに際し同社は、研究で廃棄されてきた卵殻膜に着目し開発た新素材「オボヴェール（ovoveil®）」を採用。デザインには、卵の持つ柔らかさや包容力をシルエットに落とし込みました。公式スタッフ用ユニフォーム　会場サービスアテンダントスタッフユニフォームは、主に来賓のアテンドや通訳、案内所などで働くスタッフが着用。公益社団法人2025年日本国際博覧会協会が、2023年5月18日から6月19日にかけて公募し、513作品（応募者数369人）の中から優秀賞に選ばれた服部真理子のデザインを採用しています。全世界共通のSDGsカラーをインナーに起用したカラフルなユニフォームは、寒暖差や自分の好みに合わせて自由に着こなしを楽しむことができます。　その他ユニフォームは、シニアアドバイザーのコシノジュンコの助言のもと、会場サービスアテンダントスタッフユニフォームのデザインから派生して展開。公益社団法人2025年日本国際博覧会協会は、多様性の観点から年齢や性別に関係なく、暑さ対策、着心地、機能性、耐久性、環境に配慮した素材の使用や会期終了後のリサイクルなど、総合的な視点を踏まえて製作したといいます。

大阪・関西万博のユニフォーム、ファッションデザイナーが手掛けたデザインを紹介【まとめ】

　TCSは、「東京を世界有数のファッションとデザインの都市に、そして世界一のクリエイティブな都市にする」というテーマのもと、2020年にスタート。「日本の創造力をより良い世界へとつなげること」をミッションに、地域や民間企業が連携し、ファッション、 アート、音楽、カルチャーの発信を通して、「伝統をつないできた技」「新技術（デジタル・サステナビリティ）」「日常に新しい視点を加えたアイデア」を世界に届け、東京の価値向上を目指している。　2025年のテーマは、「QUEST｜さがそう〜創造性・美意識の探求〜」。日本が誇る知恵や技術、美意識を「再発見し、再定義」することを目的に掲げ、120を超える多様なプロジェクトを展開する。2025年は昨年の約120万人を上回る150万人の動員を目指すという。　今回は、TCS初の総合拠点として「QUEST BASE」をハラカド4階のハラッパに設置。会場では、都内10エリアそれぞれの多彩なコンテンツや作品の一部を展示しており、祭典全体の“目次”として位置付ける。また、今年初の取り組みとして、新たな才能を発掘すべく実施したクリエイターのコンテスト「TCS Open Call 2025」の受賞作品を展示。加えて、東京都主催の学生向けファッションコンクール「Next Fashion Designer of Tokyo」（以下、NFDT）と日本独自の文化や伝統を現代のファッションの力により新たな形で世界に発信していく「Sustainable Fashion Design Award」（以下、SFDA）の受賞作品や、日伊の若手デザイナーと国内産地の尾州・福山との共創プロジェクトによる作品なども展示している。　QUEST BASEでは、原宿エリアで実施するイベント「トートバッグスタンプラリー」の参加に必要な「TCSオリジナルトートバッグ」を数量限定で配付。同バッグを対象の20ブランドのショップ店頭で提示すると、各店オリジナルデザインの限定パッチを入手できる。また、今回エリア横断企画として、テーマにちなんで各エリアに「Tokyo QUEST Gacha - AREA Edition -」を設置。検索やSNSでは知ることができない、TCS各エリアディレクターをはじめとするさまざまな人の“とっておきの東京のクリエイティブスポット”に出会えるガチャを楽しめる。　説明会に登壇した廣内会長は、「東京を“世界一のクリエイティブシティ”として確立するという目的のもとスタートしたTCSも、今年で6回目。世界的な著名性と経済効果を創出しているミラノサローネをお手本にしてきましたが、東京も伝統や文化、職人技など、世界に誇れる素晴らしいコンテンツやクリエイティブを持っており、素材から製品まで一貫して生み出せるという魅力や強みを持っています。そんな東京が持つ多様な魅力を一つにまとめて世界に発信するとともに、あらゆる年齢や立場の人々が一丸となって、これまで継承されてきた伝統や技術を未来に受け継いでいくことが、このTCSの大きなテーマだと思っています」と、開催の挨拶として同イベントの主旨を改めて紹介した。　統括クリエイティブディレクターの齋藤氏は、現在の東京の現状について「クリエイティブ5大都市と呼ばれるニューヨーク、ロンドン、パリ、ミラノ、東京の中で、東京は『最もクリエイティブな都市』の第2位に選ばれるほど世界的な注目度が高い。しかし一方で、日本人はそれに対して自信を持てていない現状がある」と説明。TCSは、その状況に対するアクションとして、日本のファッションやデザインをはじめとする「クリエイティビティ」にフォーカス。東京だけでなく日本全国の地域からコンテンツを集めて世界に向けて発信する。　「“JAPAN CREATIVE FOR BETTER WORLD（日本の創造力を、 より良い世界のために）”を究極的なゴールとして掲げ、数十年間続けていけるような強度を持ちながら、世界の都市で開催されるファッション・デザインウィークなどに劣らないものを目指していくのが大きなミッション」と話した。　また、同氏はTCSの特徴として、デザイナーやアーティストのみならず、日本各地の商業施設や商店会、行政、文化施設、交通インフラ企業などがともに手を組んで発信する「共創的に作り上げる都市型イベント」であることを強調。加えて、「TCSは、ファッションやデザイン、まちづくりといった『文化』的側面はもちろん、『政治』、『経済』『地方創生』など多方面に効果があるイベント。また、エンタメ・クリエイティブ産業は、既に鉄工業や半導体産業に匹敵するほどの市場規模があり、TCSは、今後産業がさらに成長していくための一つの起爆剤にもなるのではないかと考えています」と同祭典がもたらす効果に期待を寄せた。　続いて、統括共創ディレクターの浜野氏は、TCS2025のコンテンツの中から見どころを厳選して紹介。「QUEST BASE@原宿ハラカド」や「街の特徴を活かした企画の実施」「伝統工芸 × クリエイティブ」「ファッション × クリエイティブ」「サステナブル × クリエイティブ」「TCS2025 Open Call」「国内産地 × 若手デザイナープロジェクト」「20以上のトークイベント実施」「TCSエリアでギャザリング開催」の9つを挙げた。「全10エリアで120以上のコンテンツがありますので、まずは全体の“目次”となっているハラカドで各エリアのコンテンツの概要を見ていただきながら、実際に都内各地でのさまざまな企画を楽しんでもらえたらと思います」とコメントした。　そのほか、TCSで開催するファッションショーをはじめとするファッション関連のコンテンツに関しては、今年はより一般客向けにシフト。原宿エリアクリエイティブディレクターを務めるワンオー取締役 古瀬伸一郎氏は「昨年は東京ファッションウィークとも連動しながら“BtoBtoC”的なスタンスで行っていましたが、今年はより一般の人をターゲットに、ファッションを気軽に楽しんでもらえるような企画に方向性を変えています。例えば、原宿エリアで開催するファッションショーには、昨年のFRUITS ZIPPERさんのようなエンタメ領域の方にも出演していただいたり、『トートバッグスタンプラリー』を実施するのもその一つ」と説明。また、ファッションショーでは歌舞伎ともコラボするなど、日本の伝統文化の要素も取り入れることで、インバウンド客に日本の文化を伝える機会の創出にも繋げるという。photography : Momoka Omote

東京クリエイティブサロン2025が開幕、「ハラカド」を拠点に120超のコンテンツを都内10エリアで展開

10:00 開店　記念品を求める長蛇の列【9:30】　10時の開店を控え、入り口にはオープンを待つ人は82人。凍える寒さの中、椅子を持参して並ぶ人も多く、来店者たちの高い熱意を感じる。　先頭に並ぶ松本市内在住の40代男性は、先着400人に配布される記念品のハンガーを求めて朝7:30から待っていたという。「学生の頃よく来ていたので、最後と聞いて来ました。なくなると聞いた時はあまり実感がなかったけれど、今月に入ってからは何度も来ています」と話す。2番目に並んでいたのは、50代の男性。松本市の隣の塩尻市から訪れ、8時ごろから並んでいたという。「若い頃はよく来ていましたが、もう若者じゃないので最近は来なくなっていました。でも、今日は最後なので」と教えてくれた。2人とも今日のために有給を申請してきたという。【9:55】　開店5分前のアナウンスが流れる。気がつくと行列はパルコの建物を半周ほど囲み、281人が列を成していた。青春時代をパルコで過ごした世代を中心に、学生や若い親子連れ、親子3代で来店する客など顔ぶれは様々。【10:00】　ついに最終日の営業がスタート。行列は絶え間なく入店し続け、ハンガーを手にした来店者たちは各々目当ての店舗へ向って行った。【10:30】　3階のプリクラブースには高校生女子5人組の姿。「パルコにはプリクラがあるのでよく撮りにきていました」と話す。12:00 平日昼から大盛況のフェアウェルパーティ　【11:50】　6階の特設会場では、パルコに40年間の感謝を伝えようという地元の有志によるフェアウェルパーティが始まろうとしていた。長野県内外から15店舗の人気店が出店し、料理やドリンクを振る舞う。中には今回のために用意されたメニューもあった。　会場には12時のオープンを心待ちにする人が列を成し、平日の昼とは思えぬ活況ぶりだ。「金曜日なので、どうなることかと心配していたんですが、よかったです」と担当者は喜びを噛み締める。【12:10】　オープンとともに拍手が起こった会場。同県諏訪市と塩尻市から訪れたという20代のカップルは「偶然2人の休みが重なったので、せっかくだからと思い来ました。学生の頃からよく来ていたけど、デートでくるのは初めて」と笑う。　代々木でビアホール「Watering Hole」を営む林ゆうやさんは松本市出身。松本ブルワリーで製造したクラフトビールを振る舞う。松本パルコとは“同い年”だと笑って教えてくれた。　今回の閉店イベントを指揮するパルコの宣伝部担当者は、新卒入社時の最初の配属が松本パルコだったため思い入れもひとしおだという。「色々な店舗にもちろん思い入れはあるけれど、松本は“特別”。テナントさんとの距離が特に近い店舗で、たくさん良くしていただきました。テナントさんに育ててもらったんです」と、賑わう会場を感慨深そうに見つめていた。【13:30】　4階特設会場には、2月1日からメッセージボードが設置されている。付箋に寄せられたメッセージには、様々な来店者からの松本パルコへの感謝や同店の思い出が綴られていた。会場では、メッセージを書き添える人や懐かしそうにメッセージを読む来店者の姿が見られた。【14:30】　各店の名物店員たちは最後の接客に勤しむ。2階のコスメ専門店「ローズマリー」の安藤店長は同店に勤めて約14年。しかし、同店の他のスタッフと比較すると“歴は短い方”だという。それだけ長年、店舗の“顔”となるスタッフたちが店を支えてきた。安藤さんは「若い頃はよく他のテナントの方とも仕事終わりに飲みに行ったりして、楽しかったですね」と振り返る。　閉店前最後の週末は3連休。名残惜しむ多くの来客があったそうだ。【14:50】15:00 パルコアラ登場！【15:00】　パルコのマスコットキャラクターである「パルコアラ」が来店。各フロアを練り歩き、来店客やスタッフたちと記念撮影を楽しんだ。この後18:30まで、休憩を挟みながら各階を巡回していく予定だ。18:00 「今は去っても、また逢える」アオイヤマダによるパフォーマンス【17:30】　仕事や学校帰りの来客が増え始め、各フロアは賑わいを見せる。　6階のフェアウェルパーティ会場の盛り上がりも最高潮へ、久々の再会を果たす人や友人同士が集い、"まるで同窓会"。皆が思い出話に花を咲かせた。　同じく6階の特設会場では、1969年から現在に至るまでのパルコのB全ポスター約100枚を展示するポスター展も開催。そして同会場では18:00から行われる、松本市出身のアーティスト アオイヤマダと高村月によるユニット「アオイツキ」のパフォーマンスのリハーサルが行われていた。　アオイは松本パルコ閉店のクリエイティブに登場しており、自身が登場しているポスターの前でパフォーマンスを行う。【17:50】　客入れがスタート、事前に行われた抽選の当選者たちで会場は超満員に。【18:00】　パフォーマンスがスタート。アオイヤマダは「松本パルコ」を、高村月は「春」を表現し、2人が出会うことで松本パルコは「松本春子」に変化するというストーリーだ。「明日から春になります。気象学によれば、3月1日から春が来る。春は人生の句読点」　という語りとともに、2月末で閉店する松本パルコに対しての感謝と別れ、明るい未来への祝福を表現した。　終盤には「あなたがパルコで鬼ごっこをしたことも、あなたがパルコで買ったお洋服も、あなたがパルコで食べたケーキも、松本パルコが覚えています。松本パルコはいなくなりますが、みなさんが過ごした時間、思い出は決して消えません。みなさまどうか、松本パルコのことを忘れないでください。本当にありがとうございました」と語り、「今は去ってもまた逢える」と歌うように繰り返してパフォーマンスを締めくくった。20:15 閉店セレモニー「これほど深く愛されたパルコはない」【19:00】　2部制で行われたパフォーマンスが終わると、閉店セレモニーが始まる前に斉藤博一店長は報道陣の囲み取材に応じた。　「松本はパルコにとっては“小ぶり”なマーケットだったのにも関わらず、40年間営業を続けてこられ、これだけ多くの方々から支持をいただけたのは、松本が文化や芸術を大切にする街であったこと、そして地域の方々のデザインやモノ作りに対する関心が非常に高かったことが大きな理由だと感じています」とコメント。　数値的な面だけでは測りきれない松本の環境は、パルコの中でもかけがえのない存在であったとし、「パルコの中でも特に、お客様や地域の方々との絆が強く、愛されていた。松本パルコを支えてくださった地域の方には最大限のお礼を申し上げます」と感謝の言葉を述べた。　オープンからラストまで、賑わいを見せた松本パルコ最後の日。顧客たちからは「松本パルコが青春の思い出だった」「松本の象徴だった」といった言葉を受けたという。営業終了まで1時間を切った店内で「この瞬間をしっかりと胸に焼き付けて営業を終えたい」と語った。【20:00】　多くの人に悲しまれながらついにパルコが閉店する。建物の公園通り側入り口付近に閉店セレモニーを見届けようと集まった人の中には、感謝の言葉が書かれたメッセージボードを掲げる姿も見られた。【20:15】　いよいよ閉店セレモニーがスタート。会場の周りには、多くの地域住民が集まりその様子を見守る。　セレモニーには、臥雲義尚松本市長とパフォーマンスを披露したアオイヤマダ、高村月がゲストとして登壇した。　臥雲市長は「松本パルコは、松本のかっこよさのシンボル。“松本は他の地方都市とは違うんだ”という気持ちを市民に持たせてくれた特別な存在だった」とコメント。「パルコに与えてもらっていたいろいろな力を、これからは私たちひとりひとりがこの街で生み出していかねばなりません。松本市では、駅前を中心に広いエリアで変化が起きています。新たな動きを前向きに捉え、パルコとともに歩んできた40年を、これからもっともっと明るく前向きなものにしていくことを皆さんとともに誓いたいと思います」と語った。【20:20】　市長が挨拶を終えると松本市出身の写真家 白鳥真太郎による集合写真撮影会が行われた。公園通り側入り口の裏手にある駐車場の3階から、集まった観衆たちとともに松本パルコの姿が写真に収められた。司会者の掛け声とともに「ありがとう、松本パルコ」と唱和する。大衆から自然と大きな拍手が巻き起こった。【20:30】 　セレモニーの最後には、斉藤店長が登壇。「これほど深く愛されたパルコはないと感じております」と集まった住民たちに直接感謝を伝えた。シャッター代わりの垂れ幕が下りると、観衆からは拍手喝采と「ありがとう！」という力強い感謝の声が相次いだ。セレモニー後には、パルコを呼ぶ“パルココール”が自然と発生。パルコの最後の姿を写真に収めようと、人だかりの熱はなかなか冷めなかった。【20:50】　セレモニーを終えた20:50。松本のパルコロゴから灯りが消えた。　カルチャーアイコンとして市民、ひいては県民たちのライフスタイルを支えた松本パルコの最後の姿には、地域住民と歩んだ日々が伺い知れた。　同店に続き、今年3月末には松本駅前の「松本 井上百貨店」も閉店する。変化の最中にある松本駅前〜中心街の今後に注目が集まる。

「さようなら、松本パルコ」　40年間愛されたカルチャースポット最後の日

追い求めたのは世間ではなく“自分の中の王道”──カワイイラボの立ち上げから、今年で3周年を迎えます。木村さんが手掛けるグループは、今や令和の王道アイドルのスタイルを牽引する存在ですが、この反響は想定内でしたか？　当初は、世間にとっての“王道”を意識して作ったつもりはありませんでした。日本のアイドル文化を体現するプロジェクトにしたいという思いがあったので、「私にとっての理想のアイドルを作ろう」というところを起点に始まりました。私は元々アイドルオタクなので、これまで自分がファンとして応援してきたももクロ（ももいろクローバーZ）やハロプロ（ハロー！プロジェクト）のグループのような、どんなコンセプトの楽曲も歌って踊れるアイドルであることが理想でした。それに加えて、アソビシステムが得意としている原宿を起点とした“カワイイ”ファッションカルチャーも体現できるグループをイメージして作ったんですが、“カワイイ”を軸にした結果、色々な人から「王道でいいね」と言っていただけるようになりましたね。──カワイイラボのグループは、これまでアイドルに触れてこなかった層も取り込んでいる印象ですが、狙いはあったのでしょうか？　どのグループにも共通していることなんですが、アイドルソングでありながら、一つの楽曲としてアイドル好きじゃない人にとっても聴きやすい楽曲を作ろうという思いが根底にあります。「カワイイラボの楽曲＝カワイイを打ち出した楽曲」というイメージが先行していますが、実はそれだけをやっているわけではないんです。　例えば、FRUITS ZIPPERがデビュー当初にリリースした「RADIO GALAXY」は、転調が多かったりラップパートがあったりと、いろいろな要素が詰まった楽曲で、一つの型に囚われないカワラボ（カワイイラボ）らしさを表現しています。メンバー自身もすごく大切にしている楽曲で、この曲があるからこそ「私たちには多様な表現ができる」という自信にも繋がっていると感じます。衣装へのこだわりは業界随一　雑誌「Zipper」のDNAを引く“カワラボらしさ”──カワイイラボのグループは、ライブの公演やCDのリリース時期に関わらず、頻繁に衣装を変えているのも印象的です。　衣装に対するこだわりは強くて、特にFRUITS ZIPPERは衣装がコロコロ変わっています。昨年の年末は、各音楽番組ごとに衣装を変えたりもしていましたね。「原宿から世界へ」というコンセプトなので、ファッションの街である原宿を発信する上で、衣装にこだわるのは必要不可欠だと考えています。──FRUITS ZIPPERの衣装は、スタイリストの相澤樹さんが手掛けています。　相澤さんには、ステージ衣装に加えて、メディアに露出する時のスタイリングをお願いすることも多いです。個人的に、アイドル衣装はファッション的な要素とかけ離れている側面があると常々感じていて。だからこそ、アイドル衣装を専門的に作っていない方に依頼することが多いです。「この人がアイドル衣装を作ったらどうなるんだろう？」と興味が湧くような人。相澤さんもその一人です。　FRUITS ZIPPERは、相澤さんと、浜崎あゆみさんの衣装を手掛けている齋藤ヒロスミさんがタッグを組んで一緒に作ってくださることが多くて、CUTIE STREETは、椎名林檎さんやきゃりー（きゃりーぱみゅぱみゅ）の衣装を担当している飯島久美子さんにお願いしています。それに対して、SWEET STEADYは坂道グループの衣装を手掛けている市野沢祐大さんに依頼したりと、グループの雰囲気に合わせて、クリエイターの方も変えるようにしています。──衣装制作においては、Zipperモデルとしての経験が生きていることもあるのではないでしょうか。　衣装はもちろん、ヘアメイクなどのディレクションに関しては、Zipperでの経験があったからこそ、できていることが多いと感じます。例えば、FRUITS ZIPPERがデビューしたばかりの頃は、雑誌の取材で「私服でお願いします」と言われることが多かったんですが、すぐに私服が用意できないメンバーもいたので、自らリースに行ってスタイリングを組むこともありました。私の私服でコーディネートを組んでメンバーに着させることもあったり。私がモデルとして活動していた頃のZipperは、リースされた衣装の中から自分たちで好きなものを選んでコーディネートを組むという環境が当たり前だったので、「やっていて良かったな」と感じましたね。──衣装を手掛ける上で気をつけていることはありますか？　メンバーの趣味がバラバラで、それぞれ好きなテイストが明確にあるので、同じ衣装でもメンバーの個性や良さが出るように気をつけています。好みに合わせてパフスリーブにしたり、肩を出したデザインにしたり、お腹を出すのが苦手な子には配慮したデザインにしたりと、制作過程でメンバーにフィッティングをして、直接意見をもらいながら調整しています。　色々な衣装を作ってきたからこそ「この子にはこういう形が似合うから、フリルを少し減らそう」とか、メンバーの個性を反映した細かい調整もできるようになりました。メディアに出演する時には、スタイリストさんに「この子は肩を出しすぎるのはNGだけど、このくらい出すとスタイルが良く見えます」と明確に伝えたりもします。──衣装や楽曲制作におけるインスピレーション源は？　楽曲は、「メンバーが自分自身の感情を乗せて歌うことができるか」「メンバーの気持ちとリンクするか」を大事にしているので、メンバーとの会話を通してインスピレーションを受けることが多いです。メンバーが今、何に興味があるのかとか、メンバーの間で流行っている言葉を起点に作っていますね。あとは、アニメのキャラクターソングをよく聴くようにしています。アニメソングは、キャラクターのセリフが入る楽曲が多いので、「この（セリフの）入れ方、いいな」とか、ピンポイントで参考にすることもあります。　衣装に関しては、とにかくめちゃくちゃインスタを見ています。スタイリストさんやブランドのアカウントを見て「この形が可愛い」とか「この服のこの部分がかわいい」と、細かいポイントを集めて切り貼りしながら、衣装チームに提案しています。──トレンドも気にしているのでしょうか。　“気にしつつ、気にしすぎず”を意識しています。アイドル衣装においては、トレンドを取り入れたからといって必ずしもファンの方に喜んでもらえるとは限らないと思うので。日常着なら良くても、ステージ衣装に取り入れると違和感を生んでしまうものもあるので、線引きが難しいのが正直なところです。基本的な形は変えず、素材や細かいデザインに遊びを入れながら「この雰囲気がアイドル界でトレンドになったらいいな」と思って作っています。──近年、アイドル業界全体ではカワイイラボ同様、メンバーカラーの衣装が主流になっていますよね。　メンバーカラーで言うと、これまでアイドルグループにおいてメジャーな色ではなかった「ミントグリーン」が、カワラボの子達をきっかけに人気色になったように感じています。これまで、アイドルのメンバーカラーと言えばピンクや赤が“人気色”で、グリーンはそこまで目立つ色とされていなかったんです。私個人としては、グリーンのメンバーカラーを背負ったアイドルに推しが沢山いるので、カワラボのグループには必ずミントグリーンを入れていたら、最近は色々なグループでミントグリーンの子を見かけるようになりました。これを機に、さらにミントグリーンに憧れる子が増えたらいいなと思っています。加速する「カワイイ」消費　日本発のアイドルならではの魅力とは？──近年、K-POPアイドルが年々市民権を得ていますが、それに対して日本独自のアイドル文化の魅力はなんだと思いますか？　K-POPが完成されたクオリティの高いものを楽しむ文化なのに対して、日本のアイドルは、完璧じゃないからこその可愛らしさだったり、人としての成長物語をリアルタイムで届けられることが魅力だと思っています。ただ、成長過程を売りにすることで「アイドルなんて」と下に見られてしまいがちなので、そのイメージは変えたい。日本には、成長過程を追う楽しさと、クオリティの高いパフォーマンスがうまく共存しているアイドルが沢山いるので、カワイイラボを通して、日本ならではの魅力を発信していきたいですね。──K-POPアイドルは、身につけたものがすぐにトレンドになったりと、Z世代のロールモデルとなっているケースも見られますが、日本のアイドル界でも、今後そのような存在は生まれると思いますか？　生まれてほしいです。かつてギャルのカリスマと言われた益若つばささんのように、日本のアイドル業界にも憧れられるロールモデルのような存在がいたら良いなと思いますね。実際、FRUITS ZIPPERのメンバーが身につけたものを真似してくれるファンの方もいるので、可能性は感じています。──トレンドと言えば、「カワイイ」をキーワードにした楽曲を出すアイドルが増えたのは、カワイイラボの台頭がきっかけですよね。　アイドル業界全体で見ると、「カワイイ」という言葉が消費されすぎていて、飽きられてきているのが正直なところ。ただ、カワイイラボとしての軸は、これからも変わらず「カワイイ」です。今は一種の流行りになっていますが、一世を風靡したももクロの楽曲は、今でも「ももクロっぽい」系統として愛されているし、モーニング娘。などのハロー！プロジェクトの楽曲も時代を超えて「ハロプロっぽい」と言われ続けていますよね。そんなふうに、カワイイを歌う楽曲も「カワラボっぽい」系統として浸透させたいです。流行りはいずれ廃れてしまうかもしれないけど、私たちはこれからも変わらずにカワイイを発信し続けます。──最後に、木村さん自身が考える「カワイイ」の定義は？　「カワイイ」って変幻自在な言葉だと思っていて。“キモカワイイ”とか“ブサカワイイ”とか、語尾に「カワイイ」を付けると全てが肯定されて、プラスになるような不思議な言葉じゃないですか。前に来る言葉によって意味が変わるので、ある意味、定義のない自由なものだと思っています。　「アイドル」という言葉も、定義が一つではないですよね。自分で名乗るものというよりは、他人から与えられる肩書きで、本人が自分のことをアイドルと名乗っていなくても“誰かにとってのアイドル的存在”なら、その人はアイドルと言えると思うんです。「こうじゃなきゃいけない」という定義がないからこそ、一つの形に囚われない自由な“カワイイアイドル”像を、これからも作っていきたいです。■木村ミサ　1990年、群馬県出身。アソビシステムのアイドルプロジェクト「KAWAII LAB.」総合プロデューサーを務める。これまでには、雑誌「Zipper」のモデルやアイドルグループ「むすびズム」として活動した経歴を持つ。公式インスタグラム

Zipperモデル、アイドルを経てたどり着いたもの

「追い求めたのは自分の中の理想像」　FRUITS ZIPPERの生みの親に聞く、“カワイイ”論

視覚的じゃないからこそ語れるかもしれない「ファッション」⎯⎯ 最近の「品品団地（奇奇怪怪の有料版コンテンツ）」で長畑さんと対談したことを経て、奇奇怪怪でも「もっとファッションの話をしてもいいかも」という発言がありました。これまで話してこなかった理由は？　元々ファッションに興味がないわけではなく、服も人並みに買っている方だとは思います。これまでもポッドキャストで映画や音楽、街や時事について喋るのと同列にファッションについてのテーマで収録しようと思えばできたのかもしれませんが、でもなんだか喋りづらさを感じて。それは、どうしても“階層性”が発生する領域であるから、と無意識に感じていたのかもしれません。　だから、フラットに番組の文脈の中で面白がるみたいなことが、俺らのトーンだとややムズいなと。それこそ（玉置）周啓*くんなんか、あまり服に興味がない気がするし。*玉置周啓：MONO NO AWAREのボーカル・ギター。TaiTanと共に「奇奇怪怪」「脳盗」のパーソナリティを務める。　そういうこともあって、「今どのブランドが面白い」とか「クリエイティブディレクターがどう」といった話ってあまり盛り上がらないだろうなあというなんとなくの判断がありました。⎯⎯ ファッションを取り扱う音声コンテンツは、ファッションメディアやエディターなど「専門」の話者によるものが多かった印象もあります。　でも、長畑さんと話していて、「もうちょっと業界の外様の人間がラフに話した方が、むしろ意外とみんな面白がってくれるんだろうな」と感じました。番組でも先日「どんなブランドが好きですか？」というアンケートを取ったら、100件以上のコメントが一気について。中には全然知らないブランドの名前もたくさんありました。実は需要があるのかもしれません。⎯⎯ ファッションを「語る」人はX（旧Twitter）といったテキスト、「見る・探す」人はInstagramやTikTokといった画像や動画メインのメディアを活用していますが、いずれも情報の消費速度の高まりを感じます。一方でポッドキャストはバズが期待できない分、静かにコミュニティが育つというか。　ポッドキャストの特長って、構造的には誰しもがアクセス可能なメディアではあるんだけど、そこで話されていることは「可視化されない」ので、どうしてもコミュニティとしてはクローズドになることだと考えています。“開かれているのに閉じている”アンビバレント性があると思うんですよね。それに、「バズ」というものはヴィジュアリティにかなり依存するからこそ、不可視なものってバズりようがない。でもそれは逆に言うと、心理的安全性が担保されているような良さがありますね。⎯⎯ 視覚情報がないからこそ、話を聞いて興味を持ったリスナーが「能動的に不足情報を調べる」という動きが発生する点も、ファッションに限らずハイコンテクストなカルチャーと相性がいいのかもしれません。　YouTubeで「ファッション」を扱うとどうしても、基本的に“着こなし論”的な世界線に回収されていく気がするんですよね。だけどそうじゃなくて、もっとブランドの文脈的なものを話したり楽しみたい人にとっては、ポッドキャストのように必要以上に広がりすぎないが、閉じ切ってもいないメディアが向いているのかもしれませんね。⎯⎯ 先日発表された老舗オーディオ機器（マイク）ブランド「シュア（SHURE）」と制作した“ポッドキャスターのためのスニーカー”はどのように誕生したのでしょうか。　シュアから「ポッドキャストの領域を盛り上げて欲しい」という相談をいただいて。はじめはポッドキャスト作りのハウツーを紹介する番組を依頼されていたんですが、それだと僕らのファンや、すでにある程度ポッドキャストに興味がある人しかアクセスしてくれないと思って、もっと色々な人を巻き込める意外性のあるアイデアの方が僕自身もワクワクするので「マイクブランドのスニーカーという企画」を逆提案しました。⎯⎯ 歩くことでスクラッチされたスニーカーのソールから、高性能マイクと交換できるシリアルナンバーが現れる仕組みです。　僕自身が番組を作る上ですごく大切にしていることに、「面白い話は移動量に比例する」という考えがあります。面白い話ができる人は、自分の足でいろんな場所に行ったり人に会ったり動き回っている人だと思うので、僕がポッドキャストを盛り上げたり番組を増やすことを目標にするなら「人を移動させまくればいいんじゃないか」と考え、人が歩くほどにインセンティブが生まれる仕組みを作ろうと。それで、結果的に「歩くだけで高性能マイクがもらえるスニーカー」という企画に着地しました。⎯⎯ 説明を聞かないと意図が理解しきれないという点で、ポッドキャストに通じるような“視覚情報で完結しない伝達スピードの遅さ”も感じました。　本当は0秒で伝わるのがいい企画だと思うんですけどね（笑）。でも、今回はヴィジュアル勝負で一発バズ狙いの”デカ盛りパフェ”のようなプロジェクトではないので、伝達スピードが遅くても、背景を知った上で面白がってくれる人にはしっかりと届く企画なのではないかなと思っています。　それに、シュアの方達もすごく思慮深くて、最初から「無理してバズらなくていいです」というスタンスで。広く遍くではなく、企画の意図を能動的に理解しようとするような人がポッドキャストの世界に入ってきてくれた方が、健康的な環境が築けるという考え方を持っていました。⎯⎯ 過去には“音を立てなければ商品（Tシャツ）を盗める店”なども話題を集めました。スニーカーをはじめとする「ファッションアイテム」を景品に設定することにも狙いがあるんでしょうか？　例えば「スニーカー」ってとても魔性的というか。欲望される対象としてすごくキャッチーなアイコンだと思うんです。そしてその力は、ポッドキャストという不可視なものを扱っている人間としては、有効に働くだろうなという直感はありました。ポッドキャストって超わかりにくいし、ヴィジュアルを伴わないメディアなので、「何をやっているかよくわからない」と思っている人も多いと思います。が、今回はポッドキャスト領域外の人たちにも興味を持ってもらう必要があったので、その意味でかなり強引ですが視覚的な入り口を広げるために効果的なのかなと。そうした魔性的な特長を持ちながらも、今回のように「歩く」を骨子にした企画においては、生活に身近なものでもある必要があったのでスニーカーというプロダクトは最適だと判断しました。「世の中のサンプリングで成り立っている“サンプリングマン”なんです」⎯⎯ 奇奇怪怪や脳盗のリスナーたちのコメントを見ていると、「モヤモヤしていたことを言語化してくれる」といった感想をよく聞きます。正直で嘘のない言葉を話す時、怖さや不安はないですか？　全然ありますよ。だから最近リスナーの規模が増えてきて喋りづらくなってきた（笑）。常に薄氷の上を歩く感覚はあります。でも、「より多くの人に届ける」ことと同じ、あるいはそれ以上に、「この辺りの人には情報を届かせない」というコントロールをする筋力のようなものが発信者に求められているのではないかという気がしていて。その“筋肉”の鍛え方さえ間違えなければ、意図と違ったふうに取られることもないんじゃないかなという感覚がある。⎯⎯ その筋肉はどうやって鍛えるんですか？　例えば、ある事象について喋る時、「この話をこの切り口で話したら、こういった価値観や立場の人はどうやって受け取るんだろう」というのを想像するとか。相手側の心理をちゃんと勉強しておくってことでしょうか。当然自分の意見はあるけれども、俺とは違う属性の人はこういう意見を当然持つだろうっていう、属性別の傾向のようなものにちゃんと追いついておくことは大事だと思います。⎯⎯ 「相手側の心理」については常々リサーチされている？　あえて調べるというよりは、自然と目に入ってくる他者の意見はその背景の心理を想像する癖はついている気がします。例えばSNSで炎上しているものを分析するとか。⎯⎯ 「分析する」という姿勢は、ポッドキャストのトークテーマや内容にも通じている気がします。　「すごいな」と思う事象に出くわすと、「構造を分析したくなる」というか、それがどうして発生したのか掘り下げたいタイプではあります。そしてあわよくば自分の制作プロセスに組み込みたい。　僕みたいなスタイルの人間って、基本的に世の中からのサンプリングでしか成り立っていないんですよ。別に僕はデザインができるわけでも、映像を作れるわけでも、服が作れるわけでもないから、なぜそれをやると面白いのかのロジックそのものをつくることしかできない。　例えば今回、シュアへスニーカーを提案するときによく例に挙げたのはタイヤメーカーの「ミシュランタイヤ」がなぜ「ミシュランガイド」を作っているのか、という話です。ミシュランガイドは、タイヤメーカーが世界中のうまいレストランをマッピングしているわけですが、そのロジックには「うまいメシ屋を知ったら、人は移動したくなる」、だから「車のタイヤが売れるんだ」という、2回の論理飛躍があるわけです。こういう説明を尽くして「マイクブランドがスニーカーを作るのもありえるかもね」と思ってもらえるようにコミュニケーションをとっていきました。　だから全く新しいものを作っているわけではなく、いろいろな事例をサンプリングして企画を作っているというか。要は“サンプリングマン”なんです。寝る寸前まで何か面白いことがないか探しているし、常に頭の中にいろいろな情報を入れておきたいんですよね。⎯⎯ その原動力は？　普通にかっこいいものやユーモアが好きだから、そういうものが自分の身の回りに溢れていて欲しいという、単純で、おそらく多くの人が持っている感覚と同じ動機だと思います。啓蒙主義的な気持ちもあまりなくて、面白いものが身の回りに増えて欲しいから、面白いと思えるものを作りたいんです。その結果、どこかの誰かが自分にも何かできるかもと思ってもらえるなら、とても嬉しいし、そうした連鎖はとても望んでいます。でも原初的な動機としては、「これやったら面白そう」というある種の“わがまま”に説得力を持たせるロジックを組み立てるために、いろいろ思案しているような気がします。⎯⎯ ちなみにTaiTanさんは嫉妬をすることはあるんですか？　「これ自分がやりたかったな」と思うことはたくさんありますが、それが“嫉妬”なのかというとよくわからないですね。嫉妬に近い感情はいくらでも覚えていますけど、すごいものには単純に「すげー」という感情しかなくて、そこをただ羨むというより「真似したい」から、「構造を分析する」という方向に思考が向きがちですね。だから奇奇怪怪みたいな番組をやっているんだと思います。「あれ面白いよなー」って話ばっかりしている気がするので。もし本当に「嫉妬心」があったら、そういうことさえ言わない気がするんだよなぁ。⎯⎯ では、「好き」「嫌い」の感覚はあるんでしょうか？　原理的には「好き嫌い」も本当にない気がします。この世で嫌いなものは「大江戸線」と「きゅうり」だけ（笑）。それ以外は大体全てのものに興味は持てる。ポッドキャストでギャーギャーいうことはめちゃくちゃありますけど、それって嫌いとはまたちょっと違う。ただ意見を言っているというか、面白がっているだけというか。⎯⎯ 「大江戸線」と「きゅうり」というのは…？　今回「みんなを歩かせるため」にスニーカーを作ったように、僕自身もめちゃめちゃ歩きます。よく取材で話しているんですけど、この間は赤坂から下北沢まで歩いたり。それこそFASHIONSNAPのポッドキャストも歩きながらよく聴いています。そして移動時には「電車は乗り継がない」「大江戸線に乗らない」という2つのルールがあって（笑）。大江戸線みたいに地下の深い駅まで降りるくらいなら、その時間で一駅分くらい歩けるなと思うし。だから、この際宣言しますが、大江戸線には乗りません！地下は息苦しいですしね。あとは、乗り換えの時間も煩わしいので、乗り換えるくらいならできる限り歩きます。きゅうりは単純に不味いんで好きじゃないです（笑）。⎯⎯ （笑）。明確にご自身の意見を発信しても、受け入れられるのは根本的な攻撃性の無さにあるかもしれません。　攻撃性がないかというと怪しいもんですが（笑）。また確かに、ただ感情をぶつけるのではなくて「適切に言葉にしようと試みている男」みたいな感じなのかもしれません。その滑稽さを含めて面白がってもらえたら嬉しいですね。◾️IGNITE the Podcasters歩くだけで高性能マイクが手に入る、限定5足のスニーカー応募期間：2025年1月20日（月）〜2月11日（火）応募フォームedit&text：Chikako Hashimotophotographer：Ippei Saito

「奇奇怪怪」TaiTanに聞く

ポッドキャストは「ファッション」の話が最も活気付く場所になり得るか

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広瀬すずの強さと弱さ 「自分らしくあること」と表現の関係

世界が羨望を向けるのは、消費に囚われないオルタナティブな街　まず、タイムアウト誌が指す「クール」の定義とは何なのか。一般的には洗練された、かっこいいといったイメージを想起させるが、上田氏は「店同士の距離の近さや、商店街を歩いて回れる環境、有事の際はみんなで助け合える緩やかな連帯感。自分のやりたいことにチャレンジしている個人店の多さ。“消費空間として都市をブーストしていく”といった既存の価値観に対する、オルタナティブで『余白』のある街づくりの在り方をクールだと評価してもらっていると思う」と話す。　学芸大学駅（以下、学大）の変化は、一見目には見えづらい。「クール」と言う評判だけを頼りに週末学大に出向いても、具体的に何がクールなのかを感じ取るのは難しいだろう。しかし、定期的に街に出向いたり、生活の拠点を置いて暮らしたりと、街と関係を継続する中で初めて、そこに育つローカルなカルチャーの存在に気付かされる。街に文化を生む、人の「B面」が育つ場所　学大ではなぜローカリズムが浸透するのか。その背景には、「場づくり」の考え方がある。上田氏が友人らと手掛ける場づくりの会社「welcometodo」は、2017年から学芸大学に拠点を構える。同社が2018年から自社事業として展開するイベントスペース「シーネ（C/NE）」*は、学芸大学に個店が生まれるきっかけの一つとして機能している。　2018年1月に厚生労働省は「副業・兼業の促進に関するガイドライン」の「モデル就業規則」上で「副業禁止」の規定を削除し、新たに副業を認める条文を追記した。これを機に日本では副業を解禁する企業が増え、本業の傍で、趣味を副業として本格的に追求する人が増えていた。こうした時流を受け、シーネでは「みんなのB面（副業）の活動拠点」を目指した。◾️C/NE（シーネ）とは1階の「シーネ食堂」は平日昼はカレーショップ「syncカレー」が営業。週末は映画上映会やポップアップが開催されている。上田氏たちは「イベントスペース」ではなく、「私設の公民館」と呼び、地域の人同士や店同士をつなぐ結節点になる場所を目指す。　「路地裏の文化会館」をコンセプトに、誰もが自由に利用できるこの空間では、子ども向けの上映会からヨガイベント、音楽ライブ、マーケット、ギター教室、結婚式まで様々なイベントが開催されている。中でも最も多い使用用途は、料理好きが誰かに手料理を振る舞うためにシーネを間借りして店を開く「個人の料理人によるポップアップ」だという。様々な個人の活動拠点として5〜6年間運営するうちに、場に集まる出店者や常連客の関係は変化していった。シーネに毎月出店していたキクタロー氏は、料理が人気を集め、学大高架下の一区画に自身が料理長の台湾料理店「CHI-FO 台湾屋台縁食区」の店舗をオープンした。学大では、誰もが好きなことに挑戦できる小さな「場」から、新しいコンテンツが誕生している。　シーネに集う常連客同士や出店者同士の横のつながりも広がっていき、「個人が本当にやりたかったことに挑戦できる場所」が地域の人間関係や街への関心向上、ひいては街づくりの一助になっているのだという。“開業日がピーク”にならないために、ローカルな個店が必要　東急が指揮を執る再開発プロジェクトが始動したのは2021年。シーネでの取り組みが目に留まり、上田氏たちが同プロジェクトの企画メンバーに選ばれた。既存の高架下の商業エリアをリニューアルした「GAKUDAI PARK STREET」には、地元に関わりのある希望者が手掛ける書店や飲食店など9店舗が新たに入居した。　従来の新しい商業施設は、どのようなものが「完成するか」に重きを置いて、開業日前日に多くのメディアを呼び大々的に披露する。一方それは「オープン日がその施設の“ピーク”」とも言え、後には街との接続のない箱が地域に残る。本当に街にとって必要なものは、その地域の固有性を尊重すること。そのため、学大の再開発では、地元に縁のない企業やショップはできるだけ誘致しなかった。土地に縁のない有名店を誘致してもその店は街の“個性”にはならない、長期的な目線で考えれば、街に縁のある個店を育てる方が街の財産になるという考えだ。　関係者間で共有されていた同再開発の裏テーマは、「高架下がきっかけとなって、まち全体に関係性の網の目の数を増やすこと」だったという。従来の再開発では、いかにその土地の賃料を上げることができるかという経済的な指標で測る以外にKPI（重要業績評価指標）が設定できず、賃料を上げれば資金力のある大手のチェーン店しか集まらない画一的な風景が生まれてしまう。しかし、「その街らしさをブーストする再開発」のためには、数字で測れない指標を全ての関係者が心に留めておく必要があった、と上田氏は話す。　一方で、小規模なプロジェクトゆえに、ローカルな個人の挑戦に並走できたシーネとは異なり、大手企業が指揮する再開発事業では、理想と現実の間にギャップは存在した。元々学芸大学の地価は都内の中でも高く、最低限の収益性を見込む出店計画が求められることで、すべての個人の挑戦を受け入れることができなかったという現実もある。　「GAKUDAI PARK STREET」のテナント選定で重視されたのは「昼間の学大の顔」になる店。学大エリアは、コロナ禍を経て立ち飲み屋をはじめとした夜間営業の飲食店が急増し、カジュアルにはしご酒を嗜むのが楽しい街というイメージを強めていた。しかし、プロジェクトを進める中で、夜だけではなく、日中過ごしやすく、ローカルの文化に触れることができる街づくりを求める声もあったという。そこで、「GAKUDAI PARK STREET」には、学大エリアを拠点に人気店を営むオーナーたちが企画を温めていたランチやテイクアウトをメインとした新業態店が多く出店することで、「昼の学芸大学らしさ」を目指しつつ、収益性も担保した。【ある店の話】儲からない書店業、それでも本が「めちゃくちゃ」売れる　そうしたシビアな収益性とローカル性のバランスを見ながら検討された出店計画。その中で上田氏は、高架下に一つの小さな新刊書店「カウンターブックス（COUNTER BOOKS）」を開いた。日本出版インフラセンターの発表では、2003年度に2万880店あった全国の書店数は、2023年度には1万918店に半減した。日々街からは本屋がなくなり続けている状況に逆行するように、なぜ「本屋」を作ったのか。　オンラインストアと違って偶発的に新しい本と出会える書店は、検索では出会えない新たな興味や未知の世界への接続点を与える。そうした自身の内面に静かに向き合うことができる場所が、「料金を払わなくても滞在できる場所」でもあることは、「街にとっての『精神的なセーフティスペース』としての役割も果たす」と上田氏は語る。　高架下に求められる「日中滞在できる場所」という条件と同時に、カウンターブックスが目指したのは「動的な交流」と「静的な内省」を両立することができる、「本を介したコミュニティスペース」。静かな書店としての機能に加えて、動的な交流の場を作るため、カウンターブックスではカフェ＆バーを併設した。メニューには、日本では中々見る機会がない海外の郷土料理や世界中の珍しい酒類が並び、自然と「これはなんですか」といった会話が生まれる。　一息着くことができるサードプレイスでありながら、知らないものを目にして心が動く瞬間やそれを誰かと共有するという時間を空間全体で提案する。飲食を併設することで客単価向上の狙いもある。　最初は様々な他店に出店を持ちかけた。興味を持つ店は多かったが、返ってくる答えは「本屋は本当に儲からないから、2店舗目は無理」という声。ならば自分で立ち上げるしかないと決心し、ゼロからの書店作りが始まった。最もハードルが高かった取次会社（出版社と書店の間に立ち書籍の供給を行う）とのやりとりをはじめとする本の仕入れは、学大に昭和3年に創業した恭文堂書店が買って出てくれた。新たな世代が地元に本屋を取り戻そうとしていると知り、地元を長年支える老舗も全面的に協力してくれたという。　カウンターブックスのテーマは、本を買いたいと思う動機そのものを売る「街の好奇心売り場」。様々なテーマに対して現状をただ肯定するのではなく、思索と対話のきっかけとなるような「カウンターな本」を揃える。　選書は、奥渋谷のSPBS（SHIBUYA PUBLISHING & BOOKSELLERS）から独立したばかりだった工藤眞平氏に声をかけた。店頭に並ぶ本の方向性を定める「キーブック」400冊を上田氏自身が選書し、以降は工藤氏がその400冊の内容から解釈を拡げて選書を進めている。レイアウトにも気を配り、ジャンルはさまざまでも一冊一冊が関連し、新たな興味を惹くような相関性を重視した棚づくりを行う。　「儲からない」と言われた書店業だったが、売れ行きは好調。開店時に揃えた約2000冊は早々に完売し、「自分でも驚くほど、想像以上に本が売れるんです」と上田氏は話す。スマホでは見つけられない刺激的な出会いを求め、客層も幅広い。これからの街には「編集者」が必要　「シーネ」では、映画と食というカルチャーを介した人と人との輪の拡がりを作ってきたが、カウンターブックスでは本を軸にする。「カルチャー的な物事は、肩書きや収入、出身地といったものを取り払い、純粋に自分の好きなことや興味のあることを介して、“人同士”が出会える」と上田氏。カルチャースペースを街に増やしていくこと自体が、住人同士の横のつながりを生み、多様な生き方を後押しし、住みやすさや幸福度につながっていく。様々な大人たちが自分らしく活躍する街は、子どもたちにとっての活きた学び場に変わるかもしれない。これからの街づくりには、暮らしやすく、住みやすい、コミュニケーションとカルチャーが集まる場づくりが欠かせないという。　では、これからカルチャーが生まれる場所は「誰」が作るのか。「これからの街づくりには『編集者』が必要」だと上田氏は話す。同氏はテレビ業界で報道系番組などのディレクターを約10年間勤めたが、次第に視聴率という数字でしか測れない視聴者の存在に実感が持てなくなっていったという。「目に見えない1000万人よりも目の前の100人に届けたい」と考え、活動のフィールドを「場所」に切り替えた。「編集者」を名乗り始めたのはその頃から。テレビ番組制作時代も、自分で立てた企画を取材し、編集してコンテンツを作っていた、ならばやってきたことはずっと変わらず編集だ。上田氏の言う「編集者」というのはコンテンツを「編集」する全ての人を指す。　カウンターブックスでは、個人が作る書籍「クラフトプレス」のイベントを定期開催するほか、編集者によるトークショーなどのイベントも積極的に開催することで、本を売るだけでなく、「誰でも本の作り手になれる」という発信を続けている。好奇心を刺激する場をきっかけに、ものづくりに携わる人を増やしていくことが狙いだ。　カルチャーが自走する街づくりに最も求められる能力は「物事に価値を見出すこと」。つまり、地域に根付いたカルチャーやクリエイターの可能性を見落とさず、その価値を広く理解されるように伝えていくこと。そうした、周囲が気がついていないモノや人の価値に気がつき、光を当てるのは「編集者」が最も得意とする領域だ。近年は「建築家」が主導する、空間優位な街づくりが度々注目を集めてきた。　「でも、これからはもっと人やコンテンツが街を引っ張っていく時代になると思います。編集者はもっと自分の職の領域を広げて、街に繰り出していくべき。街づくりに編集者が求められる時代がすぐに訪れると思います」（上田氏）。　気がつけば地元に愛された店が消え、有名チェーン店が軒を連ねるだけの没個性的な再開発で「個性的な街」が年々姿を消している東京。個性的で「キャラの立っている」店や人の周りには、そのキャラクターに共感した人が集まり、そうした環境で新しいカルチャーやファッションは育ってきた。学大の事例は傍目には「地味」だが、そうしたローカルの色を育てようとする姿勢が世界から「クール」と評価されたことは街の差別化における大きな試金石になるだろう。学大の例に続き、東京、そして日本の各地で魅力的でローカルな街とカルチャーが生まれることに期待が高まる。

日本で唯一“世界で最もクールな街”に選ばれた街　「学芸大学」でローカルカルチャーが育つワケ

「ニュールック」トップメゾンの歴史から紐解く今のファッション　第二次世界大戦下、ナチスの占領下であったパリを舞台に、「ディオール（DIOR）」の創設者 クリスチャン・ディオール（Christian Dior）と、ガブリエル・シャネル（Gabrielle Chanel）、ピエール・バルマン（Pierre Balmain）、クリストバル・バレンシアガ（Cristóbal Balenciaga）といったライバルたちとのエピソード、そして衝撃の事実をスリリングに描いたドラマシリーズ。#Fスナ的ポイントディオールのアイコニックなコレクション「ニュールック」による台頭と、現代ファッションの基盤を構築するまでの物語。ファッションの歴史を振り返り、ファッションがもっと好きになる一作。「ニュールック」シーズン1 全10話Apple TV+で独占配信中「ラ・メゾン」ファッション界の覇権は誰の手に？ 華やかな世界の裏側を追ったドラマ　パリの名門オートクチュールメゾン「ルデュ家」が、スキャンダルや内部の権力闘争に見舞われ、ライバル企業との競争が激化する中で、ブランドの再生を図ろうと奮闘する物語。しれつなラグジュアリーファッションの世界で、覇権をかけて繰り広げられる展開に目が離せない。#Fスナ的ポイント劇中ではオートクチュールのコレクションショーの制作過程が丁寧に描かれ、細部まで美しく再現された衣装やショーの演出は必見。「ラ・メゾン」シーズン1 全10話Apple TV+で独占配信中「ザ・スーパーモデル」伝説のスーパーモデル4人が築き上げたキャリアに光を当てたドキュメンタリー　1980年代、ファッション業界を席巻したナオミ・キャンベル（Naomi Campbell）、シンディ・クロフォード（Cindy Crawford）、リンダ・エヴァンジェリスタ（Linda Evangelista）、クリスティ・ターリントン（Christy Turlington）の4人のスーパーモデルを特集。ファッション業界を変えた彼女たちの軌跡ときずな、その裏にあった努力や葛藤、そして現在の活動に焦点を当てた。#Fスナ的ポイント最も華やかだった1980〜90年代のショーの舞台裏、撮影現場、トップデザイナーとのコラボレーションなど、貴重な映像や未公開証言を収録。当時の業界の熱気をリアルに感じて。「ザ・スーパーモデル」全4話Apple TV+で独占配信中

MARC JACOBS

BALMAIN

BALENCIAGA

DIOR

CHANEL

Fashion

冬休みにゆっくり鑑賞したい！ ファッション関連作品3選「Apple TV+編」

「エミリー、パリへ行く」パリでの生活をロマンティックかつコミカルに描いた人気ドラマシリーズ　物語は、シカゴのマーケティング会社に勤めるエミリーが、あることをきっかけにパリへ赴任するところからスタート。パリのPR会社のSNS担当に抜てきされた彼女は、華々しいキャリアを歩むと思われたが、フランスの言語や生活、働き方の違いなど、思いもよらない壁にぶつかる。仕事での成長だけでなく、プライベートでの恋の三角関係や、友情など...様々な角度からライトに楽しめる一作。最新作では舞台がパリからローマへ移り、エミリーのさらなる奮闘が描かれる。#Fスナ的ポイントとにかくリリー・コリンズ（Lily Collins）演じる主人公エミリーのファッションが華やかで見応えあり。「シャネル（CHANEL）」「ディオール（DIOR）」「クリスチャン・ルブタン（Christian Louboutin）」をはじめ、多くのラグジュアリーブランドのアイテムを取り入れたスタイリングは必見。Netflixシリーズ「エミリー、パリへ行く」シーズン1～4独占配信中「ネクスト・イン・ファッション」ファッション業界をけん引する次世代のデザイナーを目指すリアリティショー　世界中の新進気鋭のデザイナーたちが、優勝賞金とファッション業界での名声をかけて対決。様々なテーマに基づくチャレンジを通じて、個性あふれるデザインと高度なスキルを披露する。司会はシーズン1に続き、リアリティ番組「クィア・アイ」に出演中のファッションデザイナー タン・フランス（Tan France）が務め、最新作となるシーズン2では共同司会としてモデルのジジ・ハディッド（Gigi Hadid）が登場。#Fスナ的ポイントネットフリックスが手掛けた初のファッション番組。シーズン1の優勝者ミンジュ・キムによるブランド「ミンジュキム（MINJUKIM）」は、BLACKPONK ジェニーや、ドージャ・キャット（Doja Cat）といったセレブリティが愛用するなど、世界的ブランドに躍進。Netflixシリーズ「ネクスト·イン·ファッション」シーズン1～2独占配信中「スタイリング・ハリウッド」ハリウッドで活躍する夫夫の仕事と日常に迫る　セレブの専属スタイリスト ジェイソン・ホールデン（Jason Bolden）とインテリアデザイナーのアデア・カーティス（Adair Curtis）夫夫（ふうふ）にフィーチャーしたリアリティーショー。ジェイソンは、サブリナ・カーペンター（Sabrina Carpenter）、ガブリエル・ユニオン（Gabrielle Union）、シンシア・エリヴォ（Cynthia Erivo）といったハリウッドセレブのスタイリングを担当。エミー賞やグラミー賞といったレッドカーペットの衣装フィッティングや、セレブの豪邸の様子など、貴重な裏側を覗くことができる。#Fスナ的ポイント一緒にスタジオを運営するビジネスパートナーとしても活躍する2人が、クライアント対応や日常生活で直面する問題を乗り越える姿は感動的。Netflixシリーズ「スタイリング・ハリウッド」独占配信中

Christian Louboutin

冬休みにゆっくり鑑賞したい！ ファッション関連作品3選「ネットフリックス編」

「AIR/エア」ナイキの伝説を作った社員たちの実話を基にした映画　1984年、低迷していた「ナイキ（NIKE）」が、当時無名だったバスケットボール選手マイケル・ジョーダン（Michael Jordan）と契約し、社会現象を巻き起こした伝説的なバスケットシューズ「エア ジョーダン（Air Jordan）」を生み出すまでの実話を描いた作品。マーケティング担当者ソニー・ヴァッカーロ（"Sonny" Vaccaro）をはじめ、ナイキの社員たちが一発逆転の勝負に挑む姿に胸が熱くなる。主演・製作マット・デイモン（Matt Damon）×監督・製作ベン・アフレック（Ben Affleck）が贈るスポーツ、ファッション、そして個人の可能性をテーマにした感動のストーリー。#Fスナ的ポイントナイキがジョーダンをどう「伝説」に仕立てたか、その革新性とブランド戦略の裏側。スポーツファンだけでなく、ファッション業界やマーケティングに興味がある人も楽しめる作品。「AIR/エア」Prime
Videoで独占配信中「メイキング・ザ・カット〜世界的デザイナーを目指して〜」グローバルブランドへの扉を開くサバイバル番組　「メイキング・ザ・カット」シーズン１では、「プロジェクト・ランウェイ（Project Runway）」のホストを務めた有名ファッションコンサルタント ティム・ガン（"Tim" Gunn）とトップモデル ハイディ・クルム（Heidi Klum）が再びタッグを組み、2人の元に世界中から12人の起業家兼デザイナーたちが集められる。毎回ショー審査が行われ、最後まで勝ち残った者には、ブランドの資金として100万ドルが贈呈されるほか、Amazon Fashionでコレクションを持つ権利が与えられた。ナオミ・キャンベル（Naomi Campbell）やカリーヌ・ロワトフェルド（Carine Roitfeld）といった豪華審査員陣にも注目。#Fスナ的ポイント各エピソードで勝ち抜いたルックは、Amazon Fashionのストアに設置される「メイキング・ザ・カット」ストアで購入できる画期的な試みを導入した。（現在は販売終了）「メイキング・ザ・カット〜世界的デザイナーを目指して〜」シーズン1~3Prime Videoで独占配信中「サヴェージ×フェンティ・ショー（Savage X Fenty Show）」リアーナが手掛けるランジェリーブランドのランウェイショーに密着　リアーナ（Rihanna）によるランジェリーブランド「SavagexFenty」のコレクションショー全4回の舞台裏にフォーカス。あらゆる人種や体型、ジェンダーを支持するブランドとして、さまざまなバックグラウンドを持つモデルが登場。リアーナ自身はもちろん、過去にはヴァネッサ・ハジェンズ（Vanessa Hudgens）やデミ・ムーア（Demi Moore）、ロザリア（Rosalía）、アニッタ（Anitta）といった俳優やミュージシャンが多数出演。ダンス、音楽、ファッションを融合させたパフォーマンスは、観る人を引き込み、エネルギーと自信を与えてくれる。#Fスナ的ポイント2022年のエミー賞でバラエティ／リアリティ番組部門 優秀振付賞を受賞した本作は、圧巻のショーだけでなく、ゲストとして登場する世界的スターも話題に。シーズン3ではジョニー・デップ（Johnny Depp）がゲストとして出演。「サヴェージxフェンティ･ショー」Vol.1~4Prime Videoで独占配信中

FENTY® PUMA® by RIHANNA

NIKE

冬休みにゆっくり鑑賞したい！ ファッション関連作品3選「アマプラ編」

ジュンク堂書店 池袋店──ジェンダー規範から自由になれる気がする一冊ジェンダー・セクシュアリティ研究の基本書と言われるジュディス・バトラー著「ジェンダー・トラブル」の入門書。 服を着る時、どうしてもついてまわるジェンダー規範から自由になれる気がする一冊です。 特に第2章、ドラァグ・クイーンのパフォーマンスと、世で展開されているいわゆる「女性らしい、男性らしい振る舞い」を比較する論考では、ジェンダーに本物も偽物もないということがよく理解できます。 ジュンク堂書店池袋本店 人文書担当 井手さん◾️「バトラー入門」内容紹介（筑摩書房公式サイトより）クィア理論って何？　ドラァグ論ってどこから来たの？　パフォーマティブってつまりどういうこと？　『ジェンダー・トラブル』がはじめてわかる！現代のジェンダーとセクシュアリティ研究の方向性を決定づけたとされるジュディス・バトラーの主著『ジェンダー・トラブル』は、その難解さでも名高い。実は、バトラーの理論を理解する鍵は、当時のフェミニストやセクシュアル・マイノリティが置かれていた現場――社会と歴史と思想の文脈にある。◾️丸善ジュンク堂ネットストア紀伊國屋書店 新宿店──幅広い関連カルチャーから知る「ゴスロリ」の世界本著はファッション史的側面でも有用ですが、実際にゴスロリ文化にどっぷり浸かっていなければ通じないようなマニアックなワードも多く収録されています。ゴスロリ文化を起点とした枝葉のカルチャーまで網羅しており、非常にユニークな1冊です。 「ゴスロリ」は独特なファッションに目が行きがちですが、TOY・小説作品・音楽ジャンルなど、ファッションだけにとどまらない多様なゴスロリの世界を知っていただける貴重な1冊だと思います。 紀伊國屋書店新宿本店　実用書担当　佐藤さん◾️「ゴシック＆ロリータ語辞典 ―ゴス・ロリにまつわる言葉をイラストと豆知識で甘くデカダンに読み解く」内容紹介（誠文堂新光社公式サイトより）ゴシックとロリータに関する624の「語」を解説！服、小物の名前や、使用されている柄、パーツ名、その服のルーツ、ブランド名の意味まで解説。またファッションだけではなく、ゴス、ロリータ、ゴスロリの歴史、彼女達の趣味、文化（音楽、美術、文学他）、精神性や生活についても触れています！ 思わず微笑んでしまう「ゴス、ロリータあるある話」も。イラストもたっぷり。どこから読んでも楽しい本です！◾️紀伊國屋書店オンラインストア青山ブックセンター本店──クリエイターたちの共作、1960〜70年代の刺激的なファッションフォトファッション写真の巨匠 ギイ・ブルダン（Guy Bourdin）が撮影した、デザイナー シャルル・ジョルダン（Charles Jourdan）の靴やファッションの写真をまとめた1冊。1960〜70年代という古い時代の写真ですが、最近のファッション写真にはあまり見られない斬新さや力強さを感じられ、フェティッシュな作品の数々は今見ても新鮮で刺激的です。 青山ブックセンター本店 ファッション・写真担当 髙橋さん◾️「Guy Bourdin for Charles Jourdan」内容紹介（Rizzoli公式サイトより）現代ファッション写真の巨匠、ブルダンは、シャルル・ジョルダンの靴やファッションにシュールレアリスト的な視点を注ぎました。動き、色彩、官能性に満ちた構図を生み出したこのデザイナーと写真家の先駆的なコラボレーションは、現代のファッション写真に今も深い影響を与えています。 ◾️青山ブックセンター公式サイト代官山 蔦屋書店──UA栗野も推薦、“なぜ「センスのいい人」が得をするのか？”次に何が流行るのか、どんな流れが来ているのかを知るにはどうしたら良いのでしょうか。 その流れをつくりだすことはできるのでしょうか。 社会のなかでの各個人の重要度を示す非公式な指標―「ステイタス」のメカニズムを知ることは、この社会を知り、変化の可能性を探ることにつながるはずです。 代官山 蔦屋書店 人文コンシェルジュ 宮台さん◾️「STATUS AND CULTURE—文化をかたちづくる〈ステイタス〉の力学　感性・慣習・流行はいかに生まれるか？」内容紹介ひとは自分の〈立ち位置〉を気に掛ける。本書は私たちの文化的生態系を解明し、その「呪縛」から解放してくれる。――栗野宏文（ユナイテッドアローズ上級顧問） かつてビートルズの〈マッシュルームカット〉と呼ばれた長く、だらしない髪型は各世代から反発を招き、社会を分断するほどの騒動を全世界に巻き起こした。しかし現在では受け入れられ、むしろクラシカルな髪型となっている。トレンドは一部の過激な行動から始まり、反発を生むが、徐々に許容され、ついには一般化する。人はなぜ集団で特定の習慣を好み、やがて別の流行に移行するのだろうか。なぜあるものが 「クール」になるのか？ スタイルの革新はいかにして生まれるのか？われわれの文化に起こる絶え間ない変化のメカニズムを、本書は〈ステイタス〉――社会のなかでの各個人の重要度を示す非公式な指標――を希求するプロセスとして説明する。本書で解き明かしていくステイタスと文化の原則は、捉えがたいものとされてきたセンスや真正性、アイデンティティ、階級、サブカルチャー、アート、ファッション、流行、スタイル、リバイバルといった概念や現象を明確にし、われわれを取り巻く世界を分析する際に極めて役に立つ。歴史的事例と数々の分野の学問の叡智を統合する文化の普遍理論書。◾️代官山 蔦屋書店 公式サイト

【冬休みに読みたい】書店員が選ぶ、2024年“ファッションの副読本”

モントークから変わらない外観　目指すはオープンソースなランドマーク⎯⎯ モントーク閉店前に実施したインタビューでは「閉店後はジュンの店舗を作り直すのではなく、賃貸に出そうと考えている」とおっしゃっていましたね。　そうですね。他社さんに貸し出すことも視野に入れて色々な可能性を探っていました。多くの企業からお声掛けもいただきましたし、進んでいた交渉もあったのですが、両社でWin-Winになるディールに至らない状況が続き…。コロナがひと段落したタイミングも重なって、「やはりこの場所はジュンで使うべきなんじゃないか」と。2022年の年末から流れが変わっていきました。　ジュンでは、（藤原）ヒロシさんと定期的に打ち合わせや意見交換をする機会を設けているので、その場で相談をしたところ、少し悩んでもおられましたが、最終的には「真剣に考えてみようかな」と言っていただいて、ヒロシさんにストアディレクションをお願いすることになりました。⎯⎯ 自社ビルとはいえ、表参道の一等地に2年9ヶ月間店舗が“放置”されている状態だったので、何か狙いがあるのでは？と思っていました。　貸せば家賃収入だけで数億円になるんですけどね。「あえてのんびりしていた」という感じでしょうか（笑）。⎯⎯ 他社との交渉の中で、「絶対に譲れなかった条件」とは？　この土地に建つものは、立地的にも原宿のランドマークになるわけですから、賃料だけ払えば何でもいいという考えは絶対にないわけです。仮にグローバルブランドであったとしても、「この場所からどういった東京・原宿のカルチャーを発信していくのか」というヴィジョンをしっかりと持っていただきたいとお伝えしていました。⎯⎯ V.A.が、モントークの頃とほぼ変わらない外観を維持されていることを受けて、SNSでも喜びの声が上がっていました。　嬉しい限りですね。僕もこの建築は気に入っていたので、残したいと思っていました。それにまだ使えるものを壊して建て替えるという考え方は、環境インパクトも非常に大きいし、コストも高いので、時代背景的にも相応しくないと思うんですよ。なので、既存の建物をうまく使いながら、新しいものにしていくという形を採用しました。 ◾️V.A.とモントークV.A.は、モントークの外装を活かした2階建て構造。1階に物販エリア、中2階に「バットベーカリー（VAT BAKERY）」、2階にカフェを備える。カフェスペースは白の内壁に赤いソファのレトロなデザインが特徴的。中2階の床や中2階への階段などのタイルはモントークのままの状態で残されている。⎯⎯ では、あまり大掛かりな工事はされていない？　していませんね。実は細かなところを色々と変更しているんですが、変わっていないようにリファインしたくて。建築的なあしらいは荒木（信雄）さんに非常にうまく仕上げていただきました。⎯⎯ 佐々木さんのお気に入りのポイントを教えてください。　壊してそのままにしている部分と、壊した上にちょっと新しい要素を加えた部分の対比はとても良いと思います。ヨーロッパやアメリカには、古いビルや劇場、薬局なんかをうまく活用している建物がよくあるじゃないですか。でも東京では、お風呂屋さんや古民家はあっても、商業施設などの古いビルをリファインして再利用しているものはなかなか見かけません。そういう意味でも、今までにないものを作ることが出来たなと感じています。「服を売る隣で、パンが焼ける匂いがするのがいいんだよね」（藤原ヒロシ）⎯⎯ 物販、カフェ、ベーカリーという3つの軸はどのように決定したのでしょうか？　カフェに関しては、ヒロシさんから「カフェをやるなら宇一さんとがいいよね」と言っていただきました。ベーカリーは、ヒロシさんから「服を売る隣で、パンが焼ける匂いがするのがいいんだよね」というアイデアをいただいて。ヒロシさんとは「ザ・プール青山（the POOL aoyama）」の頃からずっと「実験的な、これまでにない店舗の在り方」を考えてきたので、そういうイメージがあるんじゃないでしょうか。 ◾️ジュンとシナモンロールジュンは、1980年代に、毎朝7時15分に開店する“日本一早くオープンするパン屋”「セブンクォーター（715）」を運営。人気メニューのシナモンロールを求めて行列ができたという。店舗は恵比寿にあったが、パンを焼いていたのは表参道だったという。ならば、「ジュンのシナモンロールを、新しく表参道で焼こう」と、中2階のVAT BAKERYでもシナモンロールを取り扱う。シナモンロールはカフェ ド ロペでも取り扱っていたメニューでもある。VAT BAKERYのシナモンロールは「ロール」といえどツイストした生地をバットで焼き、焼き上げた後にカットして提供。一般的なシナモンロールよりもサクサクとした食感が特徴的。⎯⎯ カフェスペースでは、一部の座席に今年5月に閉店した神田の老舗喫茶店「エース」から引き継いだ家具が設置され、カフェメニューではエースの名物「のりトースト」も提供されています。　ヒロシさんが以前から通っていたお店で、プロジェクトを進めている途中でご紹介いただきました。ヒロシさんが閉店前に訪れた際に交渉してくださり、家具を譲っていただくことになったんです。　リノベーションというのは、壊してみないとわからないことも色々あるので、最初から完成形を定めていたわけではなくて。都度状況を見ながら最善を考えつつ進めていきました。ちなみに、のりトーストはヒロシさんが好きなメニューだそうです。⎯⎯ 藤原ヒロシさんが手掛けられたコンセプトストアは「プール」「パーキング」「コンビニ」とコンセプトが明確でした。「V.A.（Various Artists）」はコンピレーションアルバムなどで多くの参加アーティストを指す際に使われる言葉ですが、藤原ヒロシさんの音楽への考え方が反映されたストアなのでしょうか？　どういったお店にしていくかは、ヒロシさんや宇一さんと話し合いを重ねましたが、僕としては、ジュンにとっての“ソニービル”のように会社を代表するランドマークにしたいという想いがあるんです。そして、今の時代の企業を代表する場所を作るなら、自社のものだけが置かれている「ショールーム」的なものは違うのではないかと考えています。　そのため、V.A.は今後ポップアップスペースとしての貸し出しも予定していますし、色々な人が“書き込む”ことで場所の価値が上がっていくような、オープンソースプラットフォームを提供する場所でありたい、というお話はさせていただきました。物販、カフェ、ベーカリー以外にも、他社さんとのコラボも含めた色々なことができる場所を目指すのは、ある種「コンピレーション」的でもあるから。ヒロシさんの頭の中の基本構造は、やはり音楽的な要素が大きいので、ヒロシさんの中で「V.A.」というイメージが生まれることは必然だったのかもしれません。 ◾️1階 物販・ポップアップスペースエリア1階の物販・ポップアップスペースでは、「チャンピオン（Champion）」「エンダースキーマ（Hender Scheme）」「リーバイス（Levi’s®）」「エルエルビーン（L.L.Bean）」「ニューエラ（New Era®）」などとのコラボレーションアイテム、高橋盾、西山徹がV.A.のために製作したアイテムを販売。「アニエスベー（agnès b.）」「オーデパールパリ（Au Départ Paris）」「パックマン（PAC-MAN）」と藤原ヒロシが主宰する「フラグメント（fragment Design）」が共同製作した限定アイテムを多数ラインナップする。⎯⎯ これまでのコンセプトストアはいずれも短期間で閉鎖してきましたが、V.A.の営業期間についてもお聞かせください。　まだわからないというのが正直なところです。これまでも、入居する施設の都合などがあり、自分たちで「期間限定」と定めて始めたわけではなかったんです。面白いことをやろうと考えて計画して、その潮時がいつなのかは時代と呼吸しながら判断していくことになりますね。⎯⎯ V.A.の運営に対して、具体的な数値や成果の目標は設定していますか？　当然、収益として成り立たせなくてはいけないのですが、立地としても影響力を持つ場所ですし、色々な人が関わって育てていく場所にしたいので、まずは「街に良い作用を及ぼすこと」が目標です。数値にとらわれず、面白いことをやっていきたいですね。背景を掘りたくなる場が、未来のカルチャーリーダーを育てる⎯⎯ 前回のインタビューで、モントークの役割は「東京で一番おもしろい人たちが集まれる場所を作る」ことだとおっしゃっていました。では、V.A.の役割は？　知的好奇心が高い人たちのランドマーク的なハブになること、というのは変わりません。そこにプラスして、V.A.は物販、ベーカリー、カフェでそれぞれ空間のテイストが異なるので、これまで以上に色々な層の方が来てくださるのではと思っています。いい意味で「るつぼ」のような状態になればいいですね。⎯⎯ モントークは「先輩に連れて行ってもらわないと入りにくい」ようなクローズドな空気感も支持されていたかと思いますが、V.A.は「オープン」なイメージですか？　「色々なタイプの方に向けた」という意味では、モントーク以上に間口が広がったのではないかと思います。今は、海外からのお客様が非常に多いですから、東京を代表するような、「東京旅行するならV.A.に立ち寄りたい」と思ってもらえるような場所にしていきたいですね。⎯⎯ モントークの内装はシックなイメージでしたが、V.A.のカフェスペースは一転かなりレトロモダンで可愛らしい印象です。　ここは宇一さんがこだわられていたポイントで、「デコラティブな純喫茶」のようなレトロ感がある内装にしました。若い女性も気に入ってくれそうな空間になったと思うので、今から色々な方に来ていただけるのではないかと楽しみにしています。 ⎯⎯ ジュンのコーポレートスローガンである「YOU ARE CULTURE.」というメッセージには、消費者に対しても「カルチャーの重要性を意識し、探究する精神を持って欲しい」という願いが込められています。V.A.を訪れる様々な顧客たちに対して、期待するものを教えてください。　カルチャーやアーティスト、食べ物もそうですが、全てに好奇心を持って「掘って」いってほしいです。誰かがSNSに載せていたから、みんなが行ってる場所だから、ではなくて。その背景にはどういったものがあるから今がある、ということを知ったり、どういった時代に生まれたものがどのように形を変えて、今再提案されているのかを考えたり。V.A.は、そういったナレッジを探究していくきっかけを作る場にしていきたい。好奇心を持って掘ることを実践していくと、僕個人もカルチャーの発信者として深まっていく気がします。それを実感していただける場になれば嬉しいですね。【ジュンの2024年を総括】基盤が揺らいだ1年、2025年は「一から作り変える」⎯⎯ 続いて、全社的な2024年の状況を振り返りつつ、ジュンの中でのV.A.の立ち位置を伺っていきたいと思います。まずは今年を振り返って、どのような1年間でしたか？　結構大変な1年でしたね。基礎ができているつもりだった会社の基盤が揺らいでしまって、本当に初心に戻って色々なことをやり直さないといけないと気付かされた年でした。⎯⎯ 具体的に苦戦したブランドとその原因を教えてください。　事業の基礎となる主力の「ロペピクニック（ROPÉ PICNIC）」や「ビス（VIS）」といった低〜中価格帯のブランドの成績が伸び悩みましたね。コロナ明けのリベンジ消費は勢いがありましたが、そこからまたノーマルな状態に戻った時に、コロナ前と比べて消費者の意識が大きく変化しました。低価格帯のブランドを求める消費者の目はよりシビアになり、市場の二極化が急激に進んだにもかかわらず、これまでと同じような提案をしていたためお客様とのギャップが生まれてしまったと感じています。人口減の中で客数の増加が見込めないからこそ、高付加価値の商品を提案したり、価格を据え置いたり、逆に上げてしまったり、これが結果的にあまり良くありませんでしたね。⎯⎯ 一方で高価格帯の「ビオトープ（BIOTOP）」は好調です。　二極化したうち、逆にアッパーの領域は取れてきている実感があります。その点はとても良かった。しかし、やはり主力領域のお客様の変化をより確実に捉えていかなくてはいけなかったなと反省しています。　あとは、店頭を中心にコロナ禍に入社したスタッフの割合が増えていて、そうしたメンバーひとりひとりが企業理念を理解して働いてくれる環境を作れていたかというと、もっとやりようはあったなと。思い返せばコロナ禍に店が閉まっている時に、研修や教育により注力すればよかったなという反省もありました。⎯⎯ そう言った意味で、 V.A.ができたことは内部メンバーにとってのモチベーションにもなりそうですね。　そうですね。企業としてこうした魅力的な発信をしているというイメージが対外的にも認識されていくことで、内部のモチベーションにもつながっていくと思います。⎯⎯ 「サタデーズ ニューヨークシティ（Saturdays NYC、以下サタデーズ）」をはじめとする飲食事業の業績はいかがでしたか？　飲食全体は堅調です。コロナ禍以降の、人と会ったり、外出したりという需要は引き続き安定して根強いです。しかし、やはりアパレルが基盤の会社として、カフェ事業を今の状況で注力すべきなのかというと、他にもっと優先して見直さないといけないところがあるというのが正直なところです。⎯⎯ V.A.は飲食領域の中でどういったポジションを担っていく予定ですか？　V.A.はかなり特異的な例にはなると思います。でも、V.A.に新しく作った「VAT BAKERY」は、今後スピンオフしてまた別の場所に出店するということもありうると考えていて、そうした新しい事業を育てる場としても活用していきます。⎯⎯ 反省がある一方、富士急ハイランドのスタッフユニフォーム製作やネットフリックス（Netflix）とのコラボレーションなど、話題を集めるニュースも多い1年でした。 　これまであまり取り組めていなかったBtoBビジネスにももっと重きを置くべきだろうと、営業を強化していたタイミングでもありました。来年以降も色々と発表できる予定です。⎯⎯ 楽しみにしています。新しい挑戦もありつつ、やはり来年の展望は「初心に帰る」でしょうか？　はい。一から作り変えるつもりです。基礎体力もつけなくてはいけないし、収益も高めたい。そのためには、これまでの社内の常識から変えていかなくてはいけないと考えています。今少しずつ着手していますので、来年はそれを結実させる年にしたいですね。（聞き手：橋本知佳子）

【インタビュー】モントーク跡地、外観を同じくした新施設「V.A.」が目指すものは？ジュン 佐々木進社長に聞く

移民2世としての苦悩と葛藤　デュア・リパ（Dua Lipa）は、1995年8月22日に3人姉弟の長女としてイングランド・ロンドンで生まれたが、ルーツはバルカン半島のコソボ・プリシュティナにある。彼女が生まれる3年前の1992年、元ロックミュージシャンの父親は歯科医師を、母親は弁護士を目指してユーゴスラビア連邦共和国（当時）で生活していたものの、激化するボスニア・ヘルツェゴビナ紛争により故郷を追われ、難民としてイングランドに入国。2人がロンドン・カムデン地区でウエイターとして生計を立てる中、デュアは移民2世として生まれたのだ。　父親の影響もあり、デュアは5歳の時には歌手になることを夢見始め、10歳になる前に歌とチェロのレッスンに通うも、11歳で家族に連れられコソボに帰国。ロンドンでは時折、アルバニア語で“愛”を意味する「デュア」という名前をからかわれており、自宅での第一言語も英語ではなくアルバニア語であったため、コソボへの移住に胸を躍らせていたデュアだったが、コソボでも言語の壁にぶつかるなど孤独を強く感じることが多く、人生最大の多難な時期を過ごしたという。それでも音楽が心の支えで、学校では歌唱力でプロップスを集め、YouTubeには12歳の時に学校でアリシア・キーズ（Alicia Keys）の「No One」などを披露するデュアの映像が残っている。　年を経るごとにロンドンに戻りたい気持ちが強くなり、15歳の時にはロンドンの大学への進学を理由に両親を説得。家族の友人と共にロンドン北部に移り住んだが、実際の理由は、コソボよりもロンドンの方が歌手になるチャンスを掴める可能性が高かったためだ。ウェイトレスやバーテンダーなどのアルバイトを掛け持ちしながらファッションモデルとしても活動して生活費を稼ぎ、週末はエイミー・ワインハウス（Amy Winehouse）やエラ・パーネル（Ella Purnell）も在籍した演劇学校「シルヴィア ヤング シアター スクール（Sylvia Young Theatre School））」に通学。隙間時間にはジャスティン・ビーバー（Justin Bieber）にならってカバーソングをYouTubeやSoundCloudに投稿する生活を続けていたある日、転機が訪れる。　ラナ・デル・レイ（Lana Del Rey）らのマネージャーを務めていたベン・モーソン（Ben Mawson）の目に留まり、レーベルの支援のもとレコーディングの機会を獲得。2013年から音楽活動を本格的に開始し、20歳でワーナーミュージック（Warner Music）との契約を勝ち取ると、2015年8月21日に1stシングル「New Love」でデビューを果たしたのだ。4年でイギリスを代表するポップスターに　残念ながら華々しいデビューとはならなかった1stシングルだが、それから2ヶ月後の2015年10月には、早くも2ndシングル「Be the One」をリリース。全英シングルチャートでこそ振るわなかったものの、ベルギーやスロバキア、ポーランドといった国々でランキング1位を獲得し、早耳のファンの間では知られた存在に。実際、音楽データ分析サイト「ネクスト ビッグ サウンド（Next Big Sound）」はインターネット上での話題性の高さから、デュアを“次世代にヒットするアーティスト”に選出し、若手アーティストの登竜門「BBC」も期待の新人「Sound Of」の2016年版にノミネートしていた。　そして、2016年5月の4thシングル「Hotter Than Hell」が初の全英シングルチャート入り（15位）を、8月の5thシングル「Blow Your Mind (Mwah)」が初の全米シングルチャート入り（72位）を、11月のショーン・ポール（Sean Paul）とのコラボソング「No Lie」が初の全英トップ10入り（10位）。徐々に人気の下地が出来始め、2017年6月に自身の名前を冠したデビューアルバム「Dua Lipa」を満を持してリリース。すると、アルバム自体が全英トップ3入りするだけに留まらず、失恋した女性のルールをテーマにした収録曲「New Rules」が世界的ヒットソングとなり、全英シングルチャートで初の1位を獲得した。これは2015年にリリースされたアデル（Adele）の「Hello」以来となる女性ソロ・アーティストの全英シングルチャート1位作品であり、Spotifyでは22億回以上、YouTubeではミュージックビデオが30億回以上の再生数となっている（2024年11月現在）。　「New Rules」のヒットもあり、2017年のイギリス国内における“Spotifyで最もストリーミング再生された女性アーティスト”となったデュア。翌2018年にはイギリス最大級の音楽の祭典「ブリット・アワード（Brit Awards）」において女性アーティスト史上初の5部門でノミネートされ、最優秀ブリティッシュ女性ソロ・アーティスト賞と最優秀ブリティッシュ・ブレイクスルー・アクト賞の2冠を達成した。さらに、同年リリースされたカルヴィン・ハリス（Calvin Harris）とのコラボソング「One Kiss」で2度目の全英シングルチャート1位を手にし、この曲が“2018年にUKでもっとも売れた楽曲”に認定されると、2019年のグラミー賞では主要部門の最優秀新人賞と最優秀ダンス・レコーディング賞を獲得。わずか4年でイギリスを代表するポップスターの1人となったのだ。パンデミックを経て、イギリスのポップスターから世界的アーティストへ　瞬く間にスターダムを駆け上がる中、デュアは2019年初頭より2ndアルバムの制作に着手。同年終わりに「Future Nostalgia」というタトゥーを左腕に彫ったことを発表し、同名タイトルの2ndアルバムのリリースが近いことをアナウンスするも、新型コロナウイルス感染症（COVID-19）のパンデミックが襲来してしまう。この時、社会情勢を鑑みてレディー・ガガ（Lady Gaga）らがリリース延期を選択する中、デュアは葛藤の末にリリースに踏み切った。というのも、ネット上に音源がリークされてしまったため、リリースする以外の選択肢が無かったのだ。「世界中がこんな情勢で多くの人々が苦しんでいるのに、作品をリリースすべきなのか。（煌びやかな作風が）『世の中の空気を読んでいない』と思われそうで葛藤していました」（当時のデュアのInstagramのライブより）。　しかし、デュアの懸念は杞憂に終わった。レトロで中毒性のあるポップサウンドがロックダウン中の人々の心に刺さり、「Future Nostalgia」は全英アルバムチャート初登場1位とはならなかったものの、次週で初の全英1位を獲得。さらに、3つの収録曲も同時に全英トップ10入りを果たし、“英国人女性アーティスト史上最も1日でストリーミング再生されたアルバム”という快挙を成し遂げる。また2020年11月には、延期となった欧州ツアーの代わりに有料のオンライン無観客ライブ「スタジオ2054（Studio 2045）」を配信。全世界で500万回を超える視聴回数を記録し、有料のライブストリーミング視聴回数の世界記録を更新したのだ。こうして、デュアは多くのアーティストが足踏みする中、“パンデミック中にアルバムをリリースしたゲームチェンジャー”として称賛され、名実共に世界的アーティストとしての地位を揺るぎないものに。当然、翌2021年の「ブリット・アワード」では最優秀ブリティッシュ・アルバム賞と最優秀ブリティッシュ女性ソロ・アーティスト賞を手にした。　余談だが、この頃にアメリカの公共放送NPRが主催するライブコンサートシリーズ「タイニー デスク コンサート（Tiny Desk Concerts）」に主演すると、現在までに数百本を超えるシリーズの中で歴代最多再生数の1億3000万回を記録（2024年11月現在）。好評を受け、2024年11月に2度目の出演を果たしている。　その後、2021年8月にエルトン・ジョン（Elton John）とのコラボソング「Cold Heart (Pnau remix)」で3度目の全英シングルチャート1位を獲得するなど順風満帆だったが、彼女を発見したベン・モーソンとの決別や、延期を重ねていた「Future Nostalgia」の大規模ツアーもあり、ソロ楽曲の発表は落ち着きを見せる。2023年11月に「Future Nostalgia」以来の楽曲「Houdini」が配信されると、2024年5月には日本語で「過激派楽観主義」を意味するアルバム「Radical Optimism」をリリース。3rdアルバムにして待望の全英アルバムチャート初登場1位を記録しただけでなく、全11ヶ国のチャートでトップとなり、全米アルバムチャートでも2位に。その勢いのまま、2024年6月には世界最大級の音楽フェス「グラストンベリー・フェスティバル（Glastonbury Festival）」にヘッドライナーとして出演し、現在は約1年間の世界ツアーを巡業中だ。日本では11月16～17日の2日間の公演が予定されており、約6年ぶりの来日公演を記念してアートワークに空山基を起用した来日記念盤がリリースされた。「ヴェルサーチェ」と懇意なスタイルアイコン　冒頭で軽く触れたが、デュアは173cmという恵まれたプロポーションと整った顔立ちを武器に、デビュー前はモデル活動でも生計を立てていた。また、本人いわく多感な時期をコソボとロンドンで過ごしたことで、自身のファッションスタイルは折衷主義的な“ごちゃ混ぜ”となり、10代の頃はそのオリジナリティを活かしてファッションブロガーとしても活動。デビュー後は、同じくロンドンを拠点とするファッションエディターで人気スタイリストのロレンゾ・ポスコ（Lorenzo Poscocco）の助けもあり、デビューアルバムのリリース前から複数のファッション誌の表紙を飾ったほか、アメリカの大手スニーカーショップ「フットロッカー（Foot Locker）」のグローバルアンバサダーに就任するなど、すぐにスタイルアイコンの1人に。　その後も、「プーマ（PUMA）」や「ペペ ジーンズ ロンドン（Pepe Jeans London）」のグローバル・アンバサダーを務めたほか、2021年9月に発表された「ヴェルサーチェ（VERSACE）」2022年春夏コレクションでは楽曲「Physical」がランウェイのオープニングBGMに起用されただけでなく、自身がファーストルックのモデルとして登場。さらに2023年5月には、ドナテラ・ヴェルサーチェ（Donatella Versace）とのコラボコレクション「ラ ヴァカンツァ（La Vacanza）」を製作してランウェイショーを開催するなど、「ヴェルサーチェ」とは懇意な関係を築いている。ちなみに、2022年7月に発表された「バレンシアガ（BALENCIAGA）」の51stクチュールコレクションではパリコレデビューも果たした。　「Radical Optimism」の制作期間に入ると、スタイリストがロレンゾ・ポスコから、リアーナ（Rihanna）のスタイリングを10年近く担当していたジャリール・ウェイバー（Jahleel Weaver）にバトンタッチ。つい先日、髪色を変更してしまったが、デュアがここ1年レッドヘアーにしていたのは彼のアイデアで、ニーナ・ハーゲン（Nina Hagen）やザ・クランプス（The Cramps）のポイズン・アイビー（Poison Ivy）らに着想した“自由な女性アーティスト”をイメージしたものだという。また、「グラストンベリー・フェスティバル」のスタイリングも全てウェイバーが手掛け、1ヶ月以上の制作期間を費やして「クロムハーツ（CHROME HEARTS）」、「ヴェルサーチェ」、ヴィンテージのバンドTシャツ、「アクネ ストゥディオズ（ACNE STUDIOS）」、「ロエベ（LOEWE）」といった5つのカスタムメイドルックを作り上げ、デュアの大舞台をサポートした。コソボへの愛　最後に、デュアのルーツであるコソボでの活動を紹介したい。彼女は、祖父セイト・リパ（Seit Lipa）がコソボ歴史研究所の所長も務めた歴史家だったこともあり、母国での慈善活動に熱心に取り組んでいる。「コソボがどこにあるか、知らない人がほとんど。知っていたとしても、紛争で荒廃した国のままだと思われている。そのイメージを払拭したい」と、デビュー直後の2016年にコソボで経済的に困窮している人々を支援する「サニー ヒル財団（Sunny Hill Foundation）」を父親と共に設立。さらに、待機児童のために幼稚園「サニー ヒル幼稚園（Sunny Hill Kindergarten）」を新設したほか、次世代アーティストの育成と資金調達を兼ねて年に一度の音楽フェス「サニー ヒル フェスティバル（Sunny Hill Festival）」を主催するなど、母国のために尽力している。これを受け、2022年にデュアはコソボ共和国の名誉大使に任命され、アルバニアからは国籍取得を認められたのだ。まずは聴いておくべき10曲1曲目：No Lieショーン・ポール（Sean Paul）とのコラボソング（2016年）で、初めて全英シングルチャートのトップ10入りを果たした楽曲。現在、ショーン・ポール史上もっともストリーミング再生された楽曲となっている。 2曲目：Be The One2015年10月にリリースされた2ndシングルで、1stアルバム「Dua Lipa」（2017年）収録曲。当初はヒットしなかったが、2017年に再注目されて自身初のチャートイン曲に。 3曲目：New Rules1stアルバム「Dua Lipa」（2017年）収録曲。彼女が初めて全英シングルチャート1位を獲得した曲であり、現在までにSpotifyで22億回以上、YouTubeでミュージックビデオが30億回以上の再生数を記録した世界的大ヒットソング。別れた元恋人から立ち直るための新ルールを歌った内容から、女性のエンパワーメントソングとしても捉えられている。 4曲目：One Kissカルヴィン・ハリスとのコラボソング（2018年）。2度目の全英シングルチャート1位を手にし、全米シングル・ダンスチャートでは年間第1位に。また、“2018年にUKでもっとも売れた楽曲”に認定された。 5曲目：Don't Start Now2ndアルバム「Future Nostalgia」（2020年）収録曲。1990年代初頭のユーロダンスをモダンに仕上げたディスコサウンドが特徴で、この曲で第63回グラミー賞の最優秀楽曲賞など3つの賞にノミネートされ、全米シングルチャートの年間第4位を記録。 6曲目：Levitating (feat. DaBaby)2ndアルバム「Future Nostalgia」（2020年）収録曲。オリジナル曲「Levitating」に、デュアが若手アーティストの1人として注目していたラッパーのダベイビー（DaBaby）が参加。2021年の全米シングルチャートの年間第1位となるも、のちにダベイビーが差別発言を行ったことで、公の舞台で披露されることはほぼなくなった。 7曲目：Good in Bed (Gen Hoshino Remix)アルバム未収録曲（2020年）で、デュアの制作チームが星野源に直接オファーする形で実現。星野が他アーティスト楽曲のリミックスを手掛けたのはこれが初めてだった。なお、星野源と共にザ・ブレスド・マドンナ（The Blessed Madonna）とザック・ウィットネス（Zach Witness）が携わったバージョンが、リミックスアルバム「Club Future Nostalgia」に収録されている。 8曲目：Cold Heart (Pnau Remix)エルトン・ジョン（Elton John）とプナウ（PNAU）とのコラボソング（2021年）で、エルトンの4つの名曲を組み合わせた内容。全英1位を記録したことで、エルトンは全英シングルチャート史上唯一となる、過去60年の全年代においてシングルがTOP10入りを果たしたアーティストになった。 9曲目：Dance the Night映画「バービー」のサウンドトラック「Barbie the Album」（2023年）収録曲。プロデューサーの1人だったマーク・ロンソン（Mark Ronson）がInstagramのDMで彼女にオファーする形で実現した。デュア本人も映画に出演し、第66回グラミー賞では最優秀楽曲賞と最優秀映像作品楽曲賞にノミネート。 10曲目：Illusion3rdアルバム「Radical Optimism」（2024年）収録曲で、全英シングルチャートでは9位だったが、全米ダンス/エレクトロニック・チャートでは見事1位を獲得。デュアの制作チームがCreepy Nutsに直接オファーしたリミックス版も存在する。

まずは聴いておくべき10曲も紹介

デュア・リパの押さえておくべき功績【連載：いまさら聞けないあのアーティストについて】

パルコの気になる服と音楽と飯。名古屋城で見つけたニューカルチャー【写真68枚】

　「10 マガジン」は2001年にソフィア・ネオフィトウ・アポストロウ（Sophia Neophitou-Apostolou）によってロンドンで創刊されたスタイル＆カルチャーマガジン。日本版の編集長は、元「ヴォーグ ジャパン（VOGUE JAPAN）」ファッション・ディレクターの増田さをりが務める。創刊号のテーマは「ルネサンス」。AI技術が進化する時代の中で人間こそが生み出せる価値について改めて掘り下げ、多面的なクリエイティヴ・リーダー、そして卓越した職人技と精神を持つ人々にスポットライトを当てた。　ミラノで行われたローンチイベントで取材に応じた増田編集長は「10 マガジンはインディペンデントファッションマガジンとして創刊されたが、もはやグローバルという認識。私はソフィアを15年前から知っているが、彼女も様々なエディションのヴォーグを経験した人で、そのイズムが根底にはある」と語る。渡辺三津子や高見沢さとこなど、ヴォーグ ジャパン出身のベテランを編集チームに迎えた。　創刊号は3種類の表紙デザインで発表され、カバーモデルは広瀬すず、北村匠海、そしてモデルの美佳がそれぞれ務めた。「ヨウジヤマモト（Yohji Yamamoto）」の山本耀司や「サカイ（sacai）」の阿部千登勢ら12人のファッションデザイナー、「ゴジラ-1.0」の映画監督である山崎貴、作家の川上未映子や建築家の重松象平など日本のカルチャーシーンをけん引する総勢10人が登場するほか、韓国発ボーイズグループ、「エイティーズ（ATEEZ）」のサン（SAN）の撮り下ろしも公開。　同誌は英国版と同様に、9月（FALL WINTER号）と3月（SPRING SUMMER号）の年2回の発行を予定している。「年に12回というのはやっぱり時代とそぐわないのかな、と個人的には思っていて。年に2回なら、そのシーズンのトレンドやファッションステートメントを打ち出すサイクルとしてふさわしい」とその意図を明かす。　コンテンツは紙媒体やデジタル、動画、各種ソーシャルプラット・フォームを中心に、グローバルなマルチチャネルネットワークで配信していく。「ニュースメディアではなくて、『ゆっくり読みたい』と思えるような読み応えのあるコンテンツを目指している。ヨーコ・オノの功績など、今の20代の子たちが知らないようなことも盛り込んだので、面白い内容になっているんじゃないかな」と自信をのぞかせた。　創刊号は約340ページ。ジャーナリスティックな視点とトップクリエイターとのコラボレーションによるヴィジュアルが詰まっている。「デジタル化が進む中で、紙媒体の価値が問われる時代に創刊されたこの雑誌は、ぬくもりと人間味を感じられる消費されない情報を提供する一冊でありたい」と語る増田編集長。ファッション、ジュエリー、ウォッチ、ビューティ、アート、カルチャー、そして旅にフォーカスした新たなスタイルバイブルが、大きな注目を集めそうだ。

出版業界に“ルネサンス”を起こす新雑誌「10 MAGAZINE JAPAN」が創刊

【仕事】⎯⎯ モデルを始めたきっかけは？栗原：元々地元でファッションの専門学校に通っていました。自分にあった形で服に関わる仕事に就きたいと考えて、人前に出る仕事にも興味があったので、モデルを目指して上京しました。自分自身を表現をするという意味で俳優にも漠然とした憧れがありました。日高：中学、高校でずっと陸上競技をやっていて、大学にも進学したのですが、色々な都合で陸上に専念することが難しくなり。元々頭の片隅でモデルという仕事にも興味があったので、陸上をやめて事務所に応募したんです。⎯⎯ 「俳優」と「モデル」には、どのような違いを感じましたか？栗原：モデル業にもごく稀にムービーの撮影がありますが、基本はスチール撮影なので、画面越しに喋っている自分を試写でみた時は、「全部見られている」という気恥ずかしさがありました。モデルはあくまでも外見を見られ、服をいかに良く見せるかだと思いますが、俳優は中身を見られているんだなと。全て見透かされているような感覚でした。日高：モデルはあくまでも服をよく見せるための「良いマネキン」を目指すイメージですが、俳優は僕ら自身の人物にフォーカスされるので、本当に全く違いました。⎯⎯ 逆に、俳優・モデルどちらの自分でも変わらない点を教えてください。栗原：共通して言えるのは、自然体でいることです。表情ひとつとっても、固まらずにのびのびとできているか、自分の「在り方」は意識するようにしています。日高：僕は、周りに対してオープンな性格で、あまり周囲から影響を受けないタイプ。それが演技にとってプラスなのかマイナスなのかはまだわかりませんが、どんな環境でもぶれずに相手の懐に飛び込めている気がします（笑）。栗原：本当にグイグイくるんです（笑）。でもおかげで素の自分を出しやすかったし、影響を受けた点もたくさんあります。⎯⎯ 俳優という仕事の、どんなところが1番面白かったですか？日高：まだ始めたばかりなので、監督の頭の中にあるイメージと自分が表現したものが合っていた瞬間など、今はとにかく自分が納得したものが周囲の方に評価していただけた時にやりがいを感じます。映画が公開されたら、その反応次第でまた感覚が変わるかも知れません。栗原：作中の1つのシーンを挙げるとしたら、渡辺真起子さん（栗原が演じたユウタの母親役）と2人で歩く引きのシーン。演じているうちに真起子さんが本当に自分の母親のように感じて、ユウタそのものになった感覚がありました。そして、カットがかかった瞬間に大泣きしてしまって。実体験と重なった部分もあったと思うし、自分自身の感情を抑えられなかったことに若干の悔しさもあるんですが、その時「もっと俳優をやってみたい、突き詰めて勉強したい」と心から思いました。【友情】⎯⎯ お互いの第一印象を教えてください。栗原：年齢が4歳離れていて、この世代の4歳って結構大きいと思っていたんですが、最初から「お互い同じものを持っているな」という感覚がありました。会う頻度が増えるうちに自然と距離は縮まりましたね。日高：彼の方が年齢は上ですが、普段から年上の方と関わる機会も多いので、特に「抵抗感」もなくて。自分とは違ったものを持っていたり、ルックスも含めて「かっこいいやつだな」という印象の方が大きかったです。⎯⎯ 「幼馴染で大親友」という役柄を演じる撮影期間を通じて、実際に友人になられたお二人。私生活の中で他人に対して「この人と友達になりたい」と感じるのはどんな時？栗原：「自分の中身を知って欲しいな」と思った瞬間でしょうか。一緒にいたら楽しい、とかではなくてお互いに相手のことをよく知った上で一緒にいるのが友達だと思います。日高：僕は自分にないものを持っている人間にすごく惹かれるので、そこにまず興味を持って深く関わっていくうちに、自分の弱い部分も見て欲しいなと思えるようになったら友達だなと思います。はやぴー（栗原）も、日々の行動や仕事に対する考えをより理解できるようになりましたし、共通する部分に気がついていきました。栗原：役柄的にも、2人にしかない感情の共通認識があったことも仲良くなれたきっかけだったかも知れません。【夢】⎯⎯ 俳優として、モデルとして、これから目指すものは？栗原：僕がやること全てに意味があると思ってもらえる俳優、モデルでありたいです。僕にしか出せないものを表現したいし、演じたキャラクターの存在をしっかりと意味のあるものとして表現できたらいいなと思います。日高：周りから見て、どういう人か言葉で表現できないような人間になれたら面白いかもなと思っています。でもちゃんと自分のスタイルは確立していたい。何を考えているのかわからない魅力的な人というか、奥深さのある人になりたいです。 photographer:changsu | text&edit: Chikako Hashimoto、direction:Mina Jokoji (FASHIONSNAP)栗原：エンブロイダリーボクサーシャツ 4万4000円、ハイウエストパンツ 5万9400円（いずれもIRENISA）／日高：ウールテーラードブレザー 9万6800円、ウールワイドパンツ 6万3800円（いずれもKANAKO SAKAI）　directed by F/STORE

栗原颯人 × 日高由起刀　服を魅せるモデルが、人を描く役者になる瞬間

表現したのは「日本的な美しさ」、和光本店地階を大幅リニューアル⎯⎯リニューアル後の売り場のコンセプトは？　時代の一歩先をいくこと。これは服部時計店の創業者である服部金太郎の言葉です。実は建物の竣工当時のカタログには「地階には新商品売場を多く設け」と書かれており、蓄音機やレコード、ラジオなどその時代の最先端のものを取り扱ってきた歴史があります。今回のリニューアルでも、創業当時のコンセプトに則って、現代的にアップデートした売り場にしようと。とはいえ、我々は歴史ある日本の会社なので、日本的な美しさは大事にしつつ、“和光にしか生み出すことのできない新しい価値”を提供するフロアを目指しました。⎯⎯リニューアルする上で最もこだわったポイントを教えてください。　1つは先ほど話した「日本的な美」を打ち出すこと。もう1つは、和光がもともと時計の会社ということもあり「時」というテーマを掲げることです。「時」には2種類あって、季節の移ろいや自然との付き合いから生まれる日本の美意識や習慣を意味する「時」と、何百年と継承されてきた伝統や技術、創作の追及に費やされてきた時間を意味する「時」。時間というのは目に見えないものですが、だからこそどうやって表現するのか。そこを意識しながら売り場を組み立てました。⎯⎯前者の「時」はどういった部分に表れているのでしょうか？　例えば、時間の経過によって少し萎れている花でも美しいと捉える感受性を大切にし、そういった花を館内に展示することでその瞬間にしかない美しさを表現しています。また、アートやファッションを取り扱う売り場でもあるので、鮮度や季節感は特に大事にしている部分です。⎯⎯リニューアルオープンから1ヶ月。顧客からの反応は？　和光本店（SEIKO HOUSE）はネオ・ルネッサンス様式の建物で、和を全面に打ち出した空間設計にするのは今回が初の試み。そのため、リニューアルオープン直後は驚かれるお客様もいらっしゃいましたが、売り場をご案内し、コンセプトや我々の想いをお話しすると本当に多くの方が共感してくださいました。「驚いたけれどまた来たい。素敵な売り場だった」といった嬉しいお声もいただくことができ、ひとまず安心しています。1300年の歴史を持つ「泥染め」を採用、和光がT.Tとタッグを組んだワケ⎯⎯リニューアルに際し、「シーエフシーエル（CFCL）」、「ティーティー（T.T）」、「セッチュウ（SETCHU）」「ジ エルダー ステイツマン（The Elder Statesman）」などへの別注アイテムも話題ですが、別注をかけるブランドはどのような軸で選定したのでしょうか。　特別なお取り組みをお願いしたクリエイターさんに共通しているのは、日本的な感受性を尊重しながら、時代を捉えたものへアップデートしてこれまでになかったモノづくりをしていることです。「時代の一歩先をいく」という創業者の言葉もあり、ここは外せないポイントだと考えました。⎯⎯その中でも「T.T」との別注商品が個人的に気になりました。　別注の取り組みをさせていただくクリエイターさんを探している時に、お世話になっている方にご紹介いただいて「T.T」を知りました。ブランドのことを深掘りしていくと、そこまで大々的に展開しているわけではないですが、ラグジュアリーブランドに引けをとらないくらい自分たちのクリエイションに誇りを持ってモノ作りをしていることが分かって。ブランドを引き継いだチームの一人一人が、髙橋大雅さんが遺したフィロソフィーを深く理解して「大雅さんだったらどうするか」ということを真摯に考えながら、ブランドを大切に守っていることが伝わってきたので、シンプルに「リスペクトできるな」と感じたのが始まりでしたね。⎯⎯「T.T」の別注アイテムでは、ブランドがインラインでも積極的に取り入れている「泥染め」と呼ばれる伝統技法を採用しています。　「泥染め」は鹿児島県 奄美大島で1300年以上続いている染色技法で、伝統工芸である「大島紬」は奄美大島の泥を使って染められます。「車輪梅（テ―チ木）」と呼ばれる植物からに出たタンニンと、泥の中の鉄分で赤褐色に染めてから泥に漬け込むことで、化学反応で色をつけているんです。⎯⎯「泥染め」と呼ばれているので泥の色に染めているのだと思っていましたが、違うんですね。　化学反応で染色しているというのはあまり知られていない部分ですよね。泥に含まれる鉄分などのバランスが重要かつ、驚くほど多くの人の手が必要な手法であるため、本当の意味で「泥染め」ができるのは世界中でも奄美大島だけだと聞きました。　ただ時代が進み、段々と「泥染め」の需要がなくなっていくにつれ、技術の継承が困難になっているそうです。職人さんの高齢化も進んでおり、このままだと長い年月続いた伝統文化が途絶えてしまうかもしれない。デザイナーの髙橋さんが「この世界に誇る素晴らしい技術を未来に残していきたい。大量生産、大量消費のモノづくりが主流になっている現代だからこそ、手作業によって生まれる個性を持つ服が必要なのではないか」と考えたことが、「T.T」が「泥染め」にフォーカスするきっかけになったのだそうです。⎯⎯別注アイテムでこだわった点は？　今回、泥染めのアイテムでポップアップを行うため、「T.T」さんからは別注で泥染めの5アイテムをご提供いただきました。先ほど紹介したシャツやセットアップなど、全て和光限定のアイテムです。あわせて泥染めのアーカイヴから7アイテム。計12点もの泥染めコレクションを揃えるのは、「T.T」さんでも初の試みだと聞いています。　和光は銀座の中心地にあるので、かっちりした服装のお客様も多いのですが、より客層にマッチしたアイテムを、ということで、今回は色々ご提案いただいた中からシャツを選ばせていただきました。シャツのボディには、オーガニックコットンを100％用いた「T.T」オリジナル生地を使用しています。T.T Amami Oshima Mud Dye Collection exclusive for WAKO会期：2024年10月3日（木）～30日（水）会場：和光本店地階 アーツアンドカルチャー※会期は予告なく変更する場合あり⎯⎯無骨ながら品のあるボディの表情も相まって、深みのある風合いに仕上がっていますね。　奄美大島の「泥染め」だからこそ、この色味が出せるんですよね。実際に目の当たりにすると圧巻なんですが、口で言っても伝わりきらない部分もあると思うので、近いうちに和光の地階で「泥染め」にフォーカスしたインスタレーションを開催する予定です。どういった見せ方になるかは現在企画中ですが、「泥染め」によって製品が染まるプロセスを可視化して、この技術の素晴らしさを多くの人が実感できるようなイベントにするつもりです。ぜひ多くの方に足を運んでいただきたいですね。日本の伝統を未来に繋いでいくために必要なこととは？⎯⎯今回協業したのは全て日本の伝統や自然と繋がりがあるブランドです。和光がそれらのブランドとタッグを組む意義は？　歴史ある企業として、和光には日本の伝統技術・文化を後世に伝えていく役割があると考えています。そしてそのためには、伝統を受け継ぎながら、自由な発想でモノ作りをする次世代のクリエイターたちを世間に向けて発信していくことが重要です。クリエイターの方々のモノ作りにかける想いをヒアリングして特別なアイテムを作り、それまで接点のなかった層の方々に届けること、それがこの地階フロアの一つの使命だと信じて取り組みを続けています。これからも「日本らしさの探求」をテーマに、伝統と革新が共鳴する文化の発信地になるべく、成長を続けていきたいですね。⎯⎯和光がこうした取り組みの先に実現したい未来について、ヴィジョンを聞かせてください。　外国人観光客が増えていますが、その多くが高い評価を得ている日本の“文化”を体験することを目的にしているそうです。こうした状況は和光の考える「本当の意味でのグローバル化」であり、非常に価値のあること。我々は日本の伝統文化を未来に伝えることを目的に様々な取り組みを続けていますが、伝統文化に興味を持ったもっともっと多くの人が、世界中から日本を訪れてくれるようになることを願っています。そして、和光が店を構える銀座が日本の文化の発信地になれるよう、今後も努力していくつもりです。⎯⎯和光が考える“守っていくべき伝統”とは？　表現するのは難しいですが、あえて言語化するなら「古くから人と人との繋がりによって紡がれ、脈々と受け継がれてきた文化」と言えるかもしれません。これらには今まで銀座の地に息づいてきた「和光の魂」と共通する部分があると感じており、我々が未来に繋げていくべき財産だなと。「T.T」さんのブランドコンセプトに「Futures in the past」という言葉がありますが、過去から学べることって本当に多いと思うんです。⎯⎯最後に、これからの日本において伝統を未来に繋いでいくためには、どんなことが必要になると思いますか？　古くからの伝統には、卓越した技術や他にない魅力を備えているものが多くありますが、そのままの形で永久的に続けていけるものはかなり少なくて、放置しておくと後継者不足などで消えていってしまう「泥染め」のような文化がたくさんあります。だからファッションなりインテリアなり、ニーズに合わせて「時代の一歩先をいくクリエイション」として世の中に届けていくことが大切になってくると考えています。和光としては、あまり知られていないストーリーをお客様に積極的に届けるなどの取り組みを通して、100年近く続いてきた「文化の発信地」として、日本の素晴らしい伝統を数多く後世に繋いでいきたいですね。