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【台湾2泊3日】一人旅にもおすすめ　編集部員がゆるく紹介する台北＆台中の欲張りモデルコース

雪路♣︎fanfanとは？　大学時代に映像を学び、劇場版「ポケットモンスター」シリーズなど長編アニメーション作品の脚本や演出を手掛ける園田英樹に弟子入りした雪路♣︎fanfanは、アイドル好きが講じてアイドルとなった。数年前、アイドルを辞めるか否かを占うためにタロットカードに打ち込んだことがタロットとの出会い。リーディングを繰り返すうちにその楽しさに目覚め、占い結果は関係なくアイドルを辞め占い師になった。　1枚の絵で結果が出るタロット占いは「映画のワンシーンのよう」だという。「映像作品が意味のないカットを入れないように、その時そのカードが現れた意味を考察するんです」。子どもの頃からアニメや映画、小説の登場人物たちが何を考えているのか知りたいと常に考えていたそうで、そうした好奇心は、空想のキャラクターから、動物や身の回りの人間、ひいては自然そのものへ向けられるようになったという。万物に対して、「“共感”したい」と雪路♣︎fanfanは話す。　「境界線に立つ」ことも雪路♣︎fanfanの活動テーマの一つ。かつては占い師を指したとされる「魔女」は、ドイツ語では「境界線や垣根に立つ存在」という意味の「Hexe（ヘクセ）」と呼ばれる。個人が理想の人物像になりきることで成り立つ二面性を持ったアイドルも、服を着ることで別人になったようにすら感じられるファッションも、彼女が経験してきたものいずれも、複数の存在を行き来する“境界線の上に立つ”存在だった。占い師としても、「占い」と様々な活動を掛け合わせその定義を曖昧に、自由にしていく。　絵を描くことや、物語を考えることなどものづくりを得意とすることから、お守りアクセサリーやお清め塩ガチャなどユニークなグッズを作っている雪路♣︎fanfan。現在はイベントに参加することで占いを行うほか、ホームページからも個人鑑定を予約することができる。今後は、タロットカードや物語の本などさらに幅広いプロダクトを作ったり、自分が被写体になって表現活動をしていくなど、幅広い領域で活動していく予定だ。 【占い】がんばれない朝を乗り越えるために（〜2023年10月31日）♣︎advice♣︎　まずは、この10月なんだか疲れているという人に向けたトータルアドバイス。　吊るされた男の逆位置。吊るされた男は、「動けないことを自分で選択している」という状況を示しています。今、そうなっていることを選んでいるのは自分自身なんです。自分のためになっていると今は思えなくても、絶対に自分のためになっている。自分の軸での選択だから、「なるようになる」と思って流れに身を任せてしまえば、抵抗する体力を温存できる、とも考えられます。自分で選んでいるということは、もっと良い状態も自分で選んでいくことができるということです。♣︎3つのカードから選ぶ♣︎　頑張れない朝や気だるい1日を乗り越えるためのタロット占いをシェア。ABCのカードから気分の一枚をクリックしてみて。  雪路♣︎fanfan：Instagramphotographer：米澤桃子 InstagramAのカードを選んだあなた　ソードの8の逆位置。たくさんの人たちが関わることで辛くなっている状態なのかも。自分の意志を押し殺して周りの人の考えばかりを優先しているから気疲れしているのかもしれません。仕事や学校など大多数の人が関わるコミュニティで周りの意見を優先するのは仕方ないことだけど、自分が思っていることや感情を心の中だけでもしっかりと認識してあげるといいのかも。心の中の自分の声が「うるせー！」って言っていたらその声に気付いて「そうだよね」と自分の考えを自分で認めてあげることで少し楽になりそうです。 雪路♣︎fanfan：Instagramphotographer：米澤桃子 InstagramBのカードを選んだあなた　太陽のカードの逆位置。ちょっと眠そうですね。昼夜逆転が当たり前になっていませんか？精神面ではなく、根本的な体力面で負荷がかかっているみたい。やりたいことが盛りだくさんかも知れませんが、まず睡眠をしっかり摂ってくださいね。 雪路♣︎fanfan：Instagramphotographer：米澤桃子 InstagramCのカードを選んだあなた　ワンドの4の逆位置。楽しさを優先できていないみたい。今のなんだか頑張れない気持ちは、昔のいたずら心やごっこ遊び、公園で遊んでいた子どもの頃の気持ちを思い出すといいかも知れません。仕事に対しても、「こうしなきゃいけない」と今の意識で決めてしまうのではなく、子どもの頃のフィーリングで取り組んでみるとか。完璧主義なところがあるかも知れませんが、ビジネスだから、というセオリーを1秒でもいいので手放して和気藹々とやってみるのがいいと思います。家のリビングで寛いでいるような気分で。 雪路♣︎fanfan：Instagramphotographer：米澤桃子 Instagram

ここのがっこう出身の占い師、雪路♣︎fanfanが占う10月の「しんどい朝の乗り越え方」

授業中にブランドをスタート　全力で駆け抜けた大学時代─オプナーを始めたきっかけは？　高校生の頃から、タトゥー好きが高じて、自分の腕にボールペンでイラストを描いていたのがきっかけです。大学生になっても変わらず続けていたんですが、「洋服が汚れるから」という理由でタトゥーシール作りにシフトしたら、友人に「売ってみたら？」とアドバイスをもらえ、オンラインでの販売を始めました。当時は大学3年生で、良くないことですが授業中に作っていました。先生には申し訳ない...（笑）。─絵を描くのが好きだったんですか？　絵を描くというよりは、タトゥーが好きで。4足歩行の動物を描けなかったり、リアルな絵を描くのは苦手だと思っていました。オプナーを始めた当初も、「何かに見える」みたいな抽象的なイラストが多かったです。「これは犬か？うさぎか？」みたいな（笑）。ブランドを続けるうちに、練習して少しずつ描けるものが増えていきました。─タトゥーを好きになったのはいつですか？　中学生くらいですかね。子どもの頃から洋楽を聴くことが多かったんですけど、その影響から海外アーティストのタトゥーをよく雑誌で見ていました。そういう小さなきっかけからタトゥーへの純粋な興味が湧いて、日本ではタブー視されている刺青も、歴史や文化を学んでいくと、世界に賞賛される高度な技術が必要なことを知りました。文化を知ることで「なんとなく怖い」という表面的な要素だけではない、色々なレイヤーを知れるのが魅力だと思います。─好きなタトゥーアーティストはいますか？　沢山います。私がタトゥーを好きになるきっかけをくれたのは海外バンドの人だったので、海外のアーティストの作品を見ることが多いですね。最初に好きになったアーティストは、ウクライナ出身のStanislava Pinchukという方です。　今年の7月には、台湾のギャラリー「fruit hotel taipei」で、私の図案を台湾で活動するUpaさんに彫っていただくというコラボイベントを開催したんですが、すごく忠実に再現してくださって。そのイベントでは、大学時代からオプナーを手伝ってくれていた友達が日本から来てくれて、感慨深かったです。─ものづくりにおけるルーツは？　昔から、誕生日プレゼントや、学校での演し物でここぞとばかりに力を入れて、ものづくりへの欲を爆発させていました。そういうことの延長ですね。母もコツコツ小さいものを作るのが好きだったので、幼い頃から自然と「物を作るのって楽しい」という感情が染みついていたのかもしれません。　本格的なものづくりを始めたのは、大学1年生の頃です。大学時代は、とにかく「何かを作りたい」という感覚で、当時住んでいた滋賀から都内のZINEスクールに通ったり、フリーペーパーのサークルにも所属していたので、常に何かの締め切りに追われていました。駅で大きいカッターボードを広げて、ホテルで製本して、「気づいたら朝6時」みたいなことが日常でしたね（笑）。漠然と「デザインやアートに携わりたい」という気持ちで挑戦を続けていたら、ZINEスクールで出会った人に、ポートランドの芸術大学でのアートキャンプのプログラムを勧められたんです。その後、お金を貯めて、大学3年生の8月にポートランドに行ったんですが、その時の経験が今の活動の起点になっていると感じますね。─アートキャンプではどんなことを学んだんですか？　 街に出て、モチーフを見つけて模写をし、小さな版画を作ったりといった課外授業のような制作活動を1週間体験しました。初めての海外だったので、アートキャンプで学ぶことの他にも、小さな文化の違いも全部刺激になりましたね。街中でタトゥーを入れている人が沢山いて、憧れのタトゥーを間近で見て、驚きと喜びと同時に「日本ではなんで（タトゥーが）タブー視されているんだろう」と疑問に思いましたね。─日本のタトゥー文化に疑問を抱くきっかけになったのが、ポートランドだったんですね。　当時は、「就活は黒髪でなければいけない」とか、日本にある「当たり前」みたいなレールに乗るのが、どこか腑に落ちないと思っていました。それでも「何かを作りたい」という思いから、デザイン会社にコンタクトをとったりしていたんですが、同時に違和感もあったんです。　帰国後は、「オプナーをもっと頑張りたい！」という気持ちでがむしゃらだったんですが、ちょうどそのタイミングに母が亡くなって。それでもまともに落ち込む時間がないほど全力でオプナーを続けていたら、大学4年生になる前に倒れて、右耳が聞こえなくなりました。そこで初めて「レールに乗る云々の前に、そもそも真っすぐ歩けていない」ということに気がついて。元々違和感に感じていた就活をやめて「自分が作りたいものは、オプナーとして模索していこう」と決意を固めました。万年眼精疲労で腱鞘炎、それでも1人でブランドを続ける理由─今でも、制作から発送まで、全ての工程を1人でやられているんですか？　あまりにも手が回らない時は家族が助けてくれますが、基本的には全部1人でやっています。オプナーは手紙のようなテンションでやっているので、発送の際に必ず小さいメッセージカードを同封しているんです。こういう作業をなくして機械的に量産することもできるんですが、正直「それなら私じゃなくても良くない？」と思ってしまうので。何回も買ってくれているお客様の名前は覚えますし、「ありがとう」だけじゃ物足りなくて、裏面に長文の手紙を書いたりしています。「お元気ですか？」みたいに。─1人でブランドを続けるのは大変じゃないですか？　めちゃくちゃ大変で、万年眼精疲労で腱鞘炎（笑）。でも、これが今の自分には一番合っているような気がします。父がワイナリーをやっていて、畑でブドウを育てて、そのブドウでワインを作って、エチケットのデザインをして、最後の流通まで、全て自分で手掛けているんですけど、先日、畑に手伝いに行った時、猛暑の中で60歳近い父が作業している姿を見て、「きっと父はどれだけしんどくてもこの仕事を選びそうだな」と漠然と感じた時に「自分もそうかもしれない」と思いました。私には、こういう泥臭いやり方が合っているんだと思います。─デザインをする上でのインスピレーション源は？　毎回違いますね。例えば、これは「『風車』って好きな言葉だな」と突然頭に浮かんで、それから半年以上ずっと頭に残っていたんですが、ふと「今かな」と思ったタイミングがあったので、それをテーマに作りました。丘の上にある風車が回っている様子をイメージして、野を走るウサギや、風で飛んでくる手紙の柄を入れています。手紙は、春からの便りをイメージしています。　これは、北海道など、旅先で見た綺麗な景色をイメージして作りました。川のゆらめきだったり、見たままの模様をどこまで表現できるのか挑戦した作品です。思い出を映したものですね。自分自身に入っているタトゥーと同じで、「覚えておきたいこと」をテーマに作り始めることが多いです。─最近ではアパレルやインテリアなど、タトゥーシール以外のものづくりもしていますよね。　アイデアによって、「これはTシャツにした方がいい」「本で出した方がいい」など、伝えたいイメージによってアウトプットを変えています。でもやっぱりタトゥーが好きだし、できる限りタトゥーで表現したいと思っています。─そもそもですが、Iwayaさん自身が彫り師になるという選択肢はなかったんでしょうか？　いつかは、彫りもできるようになりたいと考えています。シールにはシールの良さがあって、その時のテーマに沿った1つの作品としてシートを構成できるのが好きで続けているんですが、図案を担当するとどうしても「最後（彫り）までやってあげたかったな」という気持ちが出てくるんですよね。線一つでも個性が出ると思うので、できれば自分の手の癖で彫りたいなと思っています。「ネガティブなイメージを持つ理由も知るべき」オプナーが目指すタトゥーの“提案”─8年間ブランドを続ける中で、タトゥーに対する世間の反応の変化を感じることはありますか？　オプナーをきっかけに、「タトゥーに対する怖いイメージがなくなって入れた」という声をいただくことはあります。「タトゥーのイメージが180度変わった」という人もいれば、「無関心だったけど、タトゥーについてもっと知りたくなった」とか、色々な声をいただいて、それがやりがいに繋がっていますね。─タトゥーへのネガティブなイメージが残る日本で、オプナーを続ける意義をどう考えていますか？　タトゥーって、1つの提案で見え方の幅が広がるものだと思うんです。それが面白いところだし、オプナーをタトゥーの一種として提案した時に、シールだとしても、これまで無関心だった人や、ネガティブなイメージがあった人でも、自分事として考えるきっかけになれたらいいなと思います。でも、だからと言って「イメージを変えたい」とは思っていません。ネガティブなイメージを持つ人たちにも理由があるので、その理由もちゃんと知るべきだと考えています。その中で「こういう見方もできるよ」という、あくまで提案として楽しんでもらえたら嬉しいです。（聞き手：張替美希）

タトゥーシールブランドのオプナーが目指すもの「タトゥーについて考えるきっかけに」

1.人生に影響を与えた言葉やるならやる。やらないならやらない。　子どもの頃に親によく言われていたんです。サッカーをやらせてくれたり、テコンドーをやらせてくれたりしたんですけど、三日坊主のことが多くて、途中で辞めたときとかに。それから、ラップをやるようになって、「もうアルバム出すよ」とか口を切ってしまった際は絶対にやりきる。特にヒップホップの人は、口に出したことへの責任を持つみたいな傾向が強いんで。大人になるにつれて、面倒くさがるのは良くないなって学んで、やるって言ったら最後までやるし、やらないなら最初からやらないっていう。　名前がちょっと売れてきて、めちゃめちゃライブに呼ばれるようになったんです。出るって言ったライブに怠いから行かないとかありえないじゃないですか。でも、たまに疲れてしんどいなっていうときもあるんで、そういうときによく思い出します。2.人生に影響を与えた人アメリカンスクールの友達　影響を受けた人はいっぱいいるんですけど、強いて言うならアメリカンスクールでできた友達ですね。彼がギャングだったり、スラングだったり僕が知りたかったアメリカの文化を教えてくれたんです。英語の喋り方もイケていたし、髪型も、服の着方も教えてもらって、ツルんでた友達みんなで同じ髪型にしたり。他にも、テレビ番組からストリートの話まで本当に色々な話をしてくれました。彼の話を聞いて初めて「ニューヨークに行きたい」って思いました。　ニューヨーク出身で、やんちゃしてた子なんで彼の先輩がギャングやったりするんですよ。だから、ニューヨークに行った時に彼に聞いたギャングの名前を出したりすると、現地の人に「よく知ってるな」って言われます（笑）。3.人生に影響を与えたアーティストヌンチャク　これまでラッパーとしてGファンクだったりブーン・バップだったり、1990年代に近い音楽を中心にやっていたんです。そしたら、XXXテンタシオン（XXXTentacion）とかラップにロックやハードコアの要素を混ぜたような音楽を作るアーティストが出てきて、そうした音楽を作っているときに知り合いに聞かされたのがヌンチャクの「都部ふぶく」っていう曲です。フックが8小節あるんですけど、8小節全てのフックが刺さったんです。僕も「こういうフック作りてぇ」って思ったんですけど、絶対無理やと思って。カバー曲を作るぐらい影響を受けましたね。意味無く 酒飲み 暴れてた、強けりゃ良いと 思ってた、むかつく奴らをまちぶせした、外道に 目の色 変えていた、おまわり 見つかり 逃げ回った、あの時はそれで楽しかったあの時の自分が好きだった今の自分はもっと好き ヌンチャク「都部ふぶく」　歌詞一部抜粋　めっちゃ素直なんですよ。だけど、ちょっとしたバイオレンス要素もあって、めっちゃ格好良い。8小節に好きなものが全部入ってて、「言いたいことを全部言ってくれた」みたいな気持ちにさせてくれたんですよ。当時はほぼ毎日聞いてましたね。　カバー曲を出して少ししたらヌンチャク本人がライブを見にきてくれたんです。面白いと思ってくれたみたいで、クニさん本人が「公式で使って良いからね」って言ってくれてめっちゃ嬉しかったですね。気持ちの良い人で、ライブの後そのまま飲みに行って、一緒に曲も作りましたから。　カバー曲を作ってから、シャウトしながらライブをするみたいなスタイルが明確に固まった感じがしました。好きなものが詰まったものに触れて、自分の方向性が一つ決まった感じです。4.人生に影響を与えたもの音楽　音楽がなかったら何をやってたんやろうって感じで。絵が上手なわけでもないし、動画の編集ができるわけでもない、運動が得意なわけでもない。中高生の頃に友達とカラオケに行って、自分が書いてきたリリックを歌ってみんなで盛り上がってて、初めてみんなに「やばいな」とか「上手やな」って言われたのがラップだったんです。　結構シャイな性格で、人前で歌うのとかあまり好きじゃなくて。カラオケでも一曲目歌い出すまでは勇気がいる。最初にライブしたのも小さなバーで、歌詞を飛ばさないようにリリック帳を目の前に置いていたのに、最後には歌詞を飛ばしてしまってDJブースで頭を抱えながら終わったんです（笑）。　ジャンルで言うと、衝撃だったのはパンクロックやハードコア。全部ぶち壊して、何も関係ないみたいな雰囲気があるじゃないですか。子どもの頃とかは押さえ込む性格だったんです。ちょっと我慢しがちというか。それがハードコアを聴いて、スパンと爽快になったのを覚えています。ヒップホップは単純に格好良い。喋り方だったり、立ち振る舞いとかが初めて見るジャンルで。それまでテレビで見てたミュージシャンと全然違う雰囲気が格好良さを感じましたね。5.人生に影響を与えた物ピアス　中学生の頃にホームステイで半年間オーストラリアに行ってたんですけど、髪型とか服装を何も気にしてなかったから目を覆うくらい伸び切った髪型になってたんです。それを見たオカンがホームステイ先にブチギレて、僕に「散髪に行って、ピアスも開けてこい」って言ったんです。結局は韓国に戻ってから開けたんですけど、それから服装にも気をつかうようになりましたね。服に興味がないから何処かに出かけたついでに親に服を買ってもらってたんですけど、ピアスも開けたしもうちょっと格好良い服を着てみようかなって、一人で服を買いに行くようになりました。　中学生のときは耳が垂れるのが格好良いなと思って、坊主にしてガラスのデカいやつを着けて。高校生になってからは、ガラスがダサいかもなと気が変わってフープピアスを着けるようになりました。それからずっとフープピアスだったんですけど、友達でDJのfuji trillが今年の誕生日にダイヤのピアスを買ってくれて。ラッパーになったらいつかダイヤのピアスを着けたいなと思っていたので一つの夢が叶った感じです。まあ、そのダイヤのピアスは片方失くしちゃったんですけどね（笑）。6.人生に影響を与えた映画友へ チング　チングは韓国で大ヒットした18禁の映画です。当時、観客動員記録を達成したり、テレビでもずっとチングの話をしていたり、歴史的にも大ヒットした作品なんです。でも18禁なので映画館には見に行けないし、人気でずっと映画館で上映しているからレンタルビデオ屋にも全然並ばなくて。しばらくしてから、やっとレンタルビデオ屋にも並ぶようになって、親と一緒に見たのを覚えています。　最初に見たのは小学校高学年で、正直何が何だかわからず、喧嘩している理由もわからないけど、生々しいリアルな映画というイメージでした。それから、ある程度成長して、自分も友達とかができてから見るとめっちゃ面白くて。大人になってから見るともっと理解できることが増えて、さらに面白さがわかって、結果的に感情移入して涙を流しましたね。チングを見始めてからヤクザ映画にハマって、アンダーグラウンドな映画をめちゃめちゃ見ていた時期もありましたね。その頃は「大人になったら組長になりたい」って言ってました（笑）。ポケットいっぱいのなみだ（Menace II Society）　アメリカンスクールにロサンゼルスから来てる人がめっちゃ多かったんです。ニューヨーク出身の人もいましたけど、ほとんどがロサンゼルスの子たち。それで、「ポケットいっぱいのなみだ」はロサンゼルスの子たちは全員見る映画と教えてもらって、友達と一緒に見た映画です。ロサンゼルスのギャングの映画なんですが、ファッションスタイル的にも、掟を守る姿とかも凄く格好良い。　アジアのアンダーグラウンドな映画って歌舞伎町にある組の事務所で起きる問題の話とかが多いですが、アメリカは街全体で活動していて、地元がそういう世界観の街みたいなこともある。それから日本に帰ってきて出身の生野区のことを調べたら、コミュニティで生活している感じだったり、リンクするものを感じて。街のみんなと仲良くなっていって、その街の人間だと認められていくみたいな。それから、プライドができてきて、地元を誇れるようになりました。7.人生に影響を与えた場所アメリカンスクール　アメリカンスクールに通っていた経験が自分の中で凄く大きいですね。アメリカの帰国子女が多かったんですが、彼らはマインドがほとんどアメリカ人なので週末はクラブに踊りに行くみたいな感じなんですよ。僕も帰国子女コミュニティで遊ぶことが多かったので、そこで彼らの遊び方を学んで。他にもメキシコ料理の食べ方だったり、スペイン語だったり、本当に色々な文化を教えてもらいました。それからアメリカに行ってみたいと思うようになりましたし、実際に行って凄く色々な経験もできました。plus 1.近々の活動について　10月から11月にかけて身内のプロモーションツアーを行います。そして、12月と1月に東京と大阪でそれぞれ2Daysのワンマンをします。ワンマンは初めてですし、コロナで一回全部なくなっちゃたので待望のですね。チェックお願いします。Photography：Suguru TanakaCreative Direction：Kohei Suda（Peeps）Text&Edit：Shinya HayashiSponsorship：atmos

Jin Doggの7ルーツ【Behind the Creations】

　堀内將平は、日本のバレエ界をリードしてきた熊川哲也率いるKバレエ トウキョウ（今年9月よりKバレエ カンパニーから名称変更）のプリンシパルだ。プリンシパルとは最高位のダンサーのこと。バレエ団の顔として主役を演じ、その繊細かつエレガントな踊りで観客を魅了している。まさに生粋の「王子様」という印象だが、素顔はいたってフレンドリー。根っからの国際人でもあり、この日も「インド旅行から帰ってきたばかり」と屈託のない笑顔を見せた。型にはまらない自由な発想と行動力が、彼の表現の礎を支えている。「バレエって、イケてるかも」　バレエを始めたのは10歳で、決して早いわけではない。もともとは親が共働きで「放課後、子どもを一人にするわけにはいかない」という理由で、7歳から体操教室に通うことになった。その後、引っ越しで体操をやめることになり「男の子でそんなに身体が柔らかいんだったら、バレエをやったら？」という周囲からのアドバイスをきっかけにバレエ教室の門を叩いた。「そこのロシア人の先生が僕のことをすごく気に入ってくださって、2回目のレッスンで『あなたはプロになれるから、毎日来なさい』って。そんなふうに認めてもらったのが子ども心に嬉しくて、何も分からないまま『バレエ、イケてるかも』と始めちゃった感じです」。　恵まれた体格はもちろん、柔軟性や音楽性、筋肉の記憶力など、あらゆる素質を持ち合わせていた堀内はすぐに頭角を現した。14歳になると「あなたは海外でちゃんと勉強した方がいい」と恩師から告げられ、留学することに。「その頃、僕はバレエをやっていることを周囲に隠していたんですよ、ずっと。男の子がやるものじゃないと思っていたので、やっぱり恥ずかしかったんですね。だから中学校では突然『堀内くんが留学します』と発表されて、みんな『えー！』みたいな感じ」と、当時を振り返る。少年は人知れずバレエへの情熱を育み、単身世界へと飛び出した。　その後、堀内はウズベキスタン、モナコ、ドイツ、ルーマニアなど様々な国で学び、活躍することとなる。しかし海外のレベルの高い環境で踊ることは、喜びばかりではない。「ドイツのバレエ団はモデル体型のダンサーしか入れないところだったので、男性も身長180cm以上の人ばかり。僕も若い頃は"物理的な美しさ"を目指していたところもあって、コンプレックスには悩まされました。今はそれよりもっと表現や踊りなど集中すべきことがあるので、それだけじゃないと思えるようになりましたけど」。美の基準は変わってもいい　「バレエダンサーに求められる身体とは何か？」は今でも堀内を悩ませるテーマだという。「バレエって"美しい型"が細かく決まっているんですよ。手足が長くてスタイルが良くて、足の形も膝が入っていて甲が出ていて......みたいな。そういうストイックな削ぎ落とされた美しさはもちろん綺麗ですが、肉体に対する厳しい基準にこだわるのは今っぽくないな、と思っています。美の基準って時代によって変わってきているから」。　その鍛え抜かれた身体で雑誌「ターザン（Tarzan）」のカバーモデルも務めた堀内だが、本人は「もうちょっと内面的なもの」を目指していると語る。「バレエは本来、何かを表現するものであるべきだから。"綺麗だから好き"ばかりじゃなく、"表現が好き"っていう部分を大事にしたいんです」。TikTokも"感動を得られるツール"　2015年に帰国し、Kバレエ カンパニーにアーティストとして入団。Kバレエの持つ、高いエンターテインメント性に共感したのが理由の一つだという。「熊川（哲也）芸術監督はエンタメがお好きなんです。僕も大好き。以前、B’zのライブ演出を手掛けている方にこんな話を聞きました。友人に仕方なく連れてこられた人、それも何万人規模のホールの一番後ろの席に座っている人に『今日、楽しかったね』と言ってもらえることを毎回目標にしている、って。Kバレエも同じなんですよ。バレエを分からない人が見ても『よかった、感動した』と言ってもらえるような舞台を作っているんです」。　堀内自身は本業の傍ら、TikTokやインスタグラムで日々バレエを発信し、人気YouTuberとのコラボにも応じる。「SNSも言ってみれば、ほんの一瞬だけど感動が得られるツールなわけじゃないですか。誰かそれを見て『バレエダンサーってすごい！』と引っかかって、繋がってくれたらいいなと思いますね」。この日も撮影の合間にセルフィーを撮影。今の時代感覚を活かしたアプローチが、幅広いファン層を獲得している。バレエに新たな角度からアプローチ　しかし海外で活躍したダンサーだからこそ、日本におけるバレエ文化の立ち位置に葛藤を抱くことも。「パリ・オペラ座のエトワールになれば、『ディオール（DIOR）』がスポンサーについて、衣裳は『シャネル（CHANEL）』が作ってくれて......というような世界。40歳で年金が出て、日本でいう人間国宝みたいなものに認定されるんですよ。日本にも素晴らしいダンサーは沢山いるのになぜ評価されないんだろう？ってずっと考えていて、もっと多様な見せ方があったらいいのかも、と気づいたんです」。　例えば「白鳥の湖」は「眠れる森の美女」「くるみ割り人形」とともに3大バレエと呼ばれる古典だが、イギリスの演出・振付家のマシュー・ボーン（Matthew Bourne）は、男性が演じるスワンと王子の悲恋物語としてストーリーを再構築。その斬新な改訂版は90年代にセンセーションを巻き起こし、ロングランを記録した。「ああいうのも、とても面白いと思います。それで僕もバレエの演出や照明、衣裳、ヘアメイクを変えてみようとパンデミック中に企画したのが『BALLET TheNewClassic（バレエザニュークラシック）』です」。バレエとハイファッションの類似性　「バレエザニュークラシック」は、堀内が写真家の井上ユミコと共に立ち上げたプロジェクト。バレエファンならば誰もが知る古典作品を再解釈し、"新しい定番"の形を提案した。舞台と客席の距離はたった2.26mで、「チカキサダ（CHIKA KISADA）」による衣裳やプロジェクションマッピングなど、現代的な要素を融合させた。現役のプリンシパルダンサーが舞踊監修するダンス公演ということもあり、チケットはあっという間にソールドアウト。「次回はもうちょっと自分たちが届けたい層に届けられたらいいなとは思っています。一番振り向いてほしいのは、やっぱりファッションの人とか、クリエイターの人たちかな」。　バレエとハイファッションの類似性を堀内は指摘する。「バレエは元々ハイカルチャーと呼ばれるもので、王族などが楽しんでいました。今はもっと広がってきているけど、どこか届かない存在・憧れであり続けてほしいとも思います。ファッションにしても、憧れのオートクチュールやランウェイルックがあって、それが市場に広がっていくという形ですよね。あとバレエはやっぱり小さい頃からやっていないとできないものなので、そういう意味でのストイックさや厳しさも似通っているかなと思います」。敷居の高さは保ったまま、裾野を広げていく。それが文化を継承していくための大事なポイントなのかもしれない。こだわるのは踊りだけじゃない　踊り手だけでなく、公演をプロデュースする側になって学んだ点も多い。「ダンサーって『踊れればいい』と思っているところがあります。衣裳や音楽は自分では変えられないし、メイクもある程度決まった型があるので。でもその中で『どこまでそれをいいものにできるか？』というところが本当の仕事。やっぱり細かいところまでこだわらないといけないんだな、とあらためて気付きました」。中でも特に力を入れているのは、舞台メイク。劇場には専属メイクがいるが、基本的には全部自分でこなす。役柄ごとに全く違う表情を引き出し、踊りのニュアンスを増幅させている。　また、衣裳も踊りを引き立てる大きな要素だ。「ある意味、その役柄を一番視覚的に表現するものなので、音楽よりも何よりも視覚的な影響は大きいのかな。スタジオで踊るときは稽古着なので、舞台で照明が入って衣裳を着た時に『あ、こういう世界観なんだ！』と実感して、一気に次のレベルにいく感じがします」。ちなみに堀内が今まで着用した中で気に入っている衣裳は「ロミオとジュリエット」のものだそう。「ロミオはずーっと踊りたい役だったので、その分思い入れが強いです」。やはり根底には、クラシックバレエへの深い愛とリスペクトがある。「眠れる森の美女」の新たな王子像　現在は、創立25周年記念として上演される「眠れる森の美女」のリハーサル中だ。熊川芸術監督による新たな解釈で、ストーリーもアレンジされている。「今までの『眠れる森の美女』の王子は、終盤に突然出てきてお姫様にキスして結婚！みたいな強引な展開でしたが（笑）今回はもっと掘り下げられています。呪いにかけられて間違ってお姫様を死に導いてしまったり、そういう苦悩もあって、もう少し人間らしさのある王子像なのかなと思います」。　衣裳を担当するのは、世界の名だたる劇場で演劇やオペラのデザインを手掛けるアンゲリーナ・アトラギッチ（Angelina Atlagic）。豪華さと繊細さ、古典と現代的センスを併せ持つ彼女の衣裳が、作品にさらなる深みを与えそうだ。　かつてはバレエへの情熱を周囲に明かせなかった堀内少年だが、今はバレエ界を率いるトップダンサーの一人。「バレエは自分の存在価値、意義みたいなものになりましたね。僕にとって身体とは、自分を表現するための手段です。舞台では、お客様に感動してもらうのが一番。その役に共感してもらえるような舞台にしたいです」。バレエ以外では、ミュージカル「ロミオ＆ジュリエット」（2021年）に"死のダンサー"役で出演し、新境地を切り開いた。「もしお話があれば、俳優にも挑戦してみたいですね。僕は基本、なんでもやってみたいので」と貪欲さも垣間見せる。バレエは日常に溢れている　一般的に、バレエと聞くと「敷居の高いもの」と身構えてしまう人も多い。だが、「バレエに関するものって、意外と日常に溢れているんですよ」と堀内は語る。「例えばソフトバンクのCMに使われている音楽も『ロミオとジュリエット』。街中でみんなが穿いているチュールのスカートもバレエのチュチュから発展したものだったりします。バレエを見たり習ったりすると、思った以上にいろんな繋がりがあることを感じられるはず。それこそTikTokを通してでもいいので、肩肘張らずに楽しんでほしいですね。そこから理解を深めていただけたら、それも嬉しいです」。　「眠れる森の美女」に続き、今冬は「くるみ割り人形」で王子役を演じる。先人へのリスペクトを守りつつ、自らの美意識を活かしながら挑戦する堀内。バレエはもちろん、日本のエンタメや社会通念にも変化をもたらしてくれそうだ。

Kバレエのプリンシパル・堀内將平　バレエの「今」を体現する王子【連載：BODY MAGIC】

「バービー」を楽しむための4つのポイント衣装はシャネルだらけ！シーンごとに移り変わるファッション　本作では、マテル社がこれまでに展開してきたバービー人形を限りなく忠実に再現。さまざまな人種や職業に合わせたバービー人形が販売されていることから、主演のマーゴット・ロビーの他に、ケイト・マッキノン（Kate Mckinnon）やイッサ・レイ（Issa Rae）、エマ・マッキー（Emma Mackey）などがバービー役として作品を彩るほか、バービーのボーイフレンド（？）であるケンも、主演のライアン・ゴズリング（Ryan Gosling）をはじめ、シム・リウ（Simu Liu）、ンクーティ・ガトワ（Ncuti Gatwa）、スコット・エバンス（Scott Evans）といった複数キャストが務めます。　マーゴット・ロビーが演じるのは最も典型的なバービー。ブロンドヘアに足元は常にハイヒールで、キャミソールワンピースやコットンブラウス、大胆なチェック柄のセットアップ、リゾートワンピースなど、バービーを思い浮かべた時のファッションのイメージをそのまま表現した“完璧な”バービースタイルを常に身に纏っています。マーゴットが纏うバービースタイルの中には、彼女自身がアンバサダーを務める「シャネル（CHANEL）」のアイテムも多数登場。シーンによって移り変わるバリエーション豊かなコーディネートからは、目が離せません。ちなみに、マーゴット・ロビーは予告映像の2分39秒の中だけでも、15種類の衣装を着用しているんだとか。「ミーン・ガールズ」の影響も？徹底されたピンク色の世界　本作の一番の見どころと言えば、ピンク一色で統一されたバービーランドの世界。制作中には、ピンク色のペンキが世界中から消えたという逸話もあるほど、とにかくピンクにこだわったセットが特徴です。監督のグレタ・ガーウィグは、サラ・グリーンウッド（Sarah Greenwood）が率いる美術チームとミーティングを重ねて、鮮やかなショッキングピンクや薄いパステルピンクなど、さまざまな種類のピンクの組み合わせを考えながらセットを組み立てたのだとか。ちなみに、バービーランドのセットには、黒や白などのモノクロ一色で彩られたものは一つもないそう。　ピンクへのこだわりは、作中だけではなく制作の裏側にも及び、バービーの製作陣は、映画「ミーン・ガールズ」に登場する3人組“プラスチックス”が毎週水曜日を「ピンク色を身につける日」としていたことからインスピレーションを受けて、毎週水曜日のドレスコードをピンクにしていたんだそう。スタッフ全員がそのドレスコードを心から楽しんでいたというエピソードからは、現場の和気藹々とした雰囲気が伺えます。華やかなだけじゃない！バービーランドとの対比で知る社会問題　本作では、華やかなファッションや世界観だけではなく、現代の社会問題を表現したストーリーにも注目。劇中では、マーゴット・ロビー演じるバービーが、ライアン・ゴズリング演じるケンとともにバービーランドを飛び出して人間世界を旅しますが、そんな2人を待ち受けているのは、バービーランドとは真逆の世界。　バービーランドでは、医者や学者、弁護士、大統領に至るまで、リーダーシップを取るのは常にバービーたち。自立した女性像を体現することで、人間世界の女の子にも勇気を与えていると信じて疑わなかったバービーですが、彼女が人間世界のロサンゼルスで目にするのは、バービーランドとは全く異なる社会でした。現実に触れ、新たなことに気づきを得たバービーが2つの世界で巻き起こす奮闘劇は泥臭さ満載で、現代社会で生きる全ての人々に勇気を与えてくれます。リゾやデュア・リパなど豪華アーティストが楽曲提供　本作には、リゾ（Lizzo）やデュア・リパ（Dua Lipa）、ニッキー・ミナージュ（Nicki Minaj）、韓国発のアイドルグループ FIFTY FIFTYなど、多くの注目アーティストが楽曲を提供していて、鑑賞しながら思わず体が揺れてしまうような名曲揃い。鑑賞後には、作品の余韻に浸りながらサウンドトラックを楽しむのもおすすめです。劇中に登場するケン役のライアン・ゴズリングの歌唱シーンも必見ですよ。コスチュームデザイナーに聞く制作背景　劇中では、60年以上にわたるバービーのファッションの変遷を年代順で表現しているのだそう。ストーリーとともに移り変わるバービーのファッションのテイストも見どころの一つとのことで、コスチュームデザイナーのジャクリーヌ・デュランにインタビュー。同じくグレタ・ガーウィグ監督作品「ストーリー・オブ・マイライフ／わたしの若草物語」では、第92回アカデミー賞衣装デザイン賞を受賞した彼女に、映画「バービー」の制作背景について聞きました。─どのようなアイデアから衣装制作をスタートさせましたか？　世界中で知られている人形を題材にした作品なので、まずは発売当時の1959年から現在に至るまで、バービーが何を象徴してきたのかを意識して衣装を決めていきました。制作開始当初は、バービーの衣装をハイファッションで固めてしまう案も浮かんだけど、バービーはあくまでも人形で、そのセンスには少しズレたところがあるのも事実なので、彼女ならではの着こなしの特徴をできる限り再現しようと決めました。─制作する上で大変だったことは？　ストーリーラインに合わせて、衣装の順序を考えなければならなかったこと。正直、この作品を手掛けるまではバービーについて深く考えたことがなかったんです。ただ、制作していくうちに、バービーは、それまでは赤ちゃん人形でしか遊んでいなかった少女たちが、主体性を持った女性を象った人形で遊ぶようになるという変遷を描いているということに気がつきました。そのコンセプトをもとに、1959年から現在までのバービーを網羅して、フルに表現した衣装にしたいと思ったんです。バービーが誕生したのは1959年で、予告編に登場するのもボーダー柄の水着を着た1959年の元祖バービー。映画の前半では、その当時のノスタルジックさをイメージして、後半では、女性についてまわるステレオタイプをひっくり返したような、自立した女性を象徴する「何でもできるバービー」というポジティブなメッセージを表現することを意識しましたね。─衣装の見どころは？　劇中に登場する衣装のほとんどは、バービー人形にインスパイアされたものか、バービー人形を模したレプリカになっています。バービー人形といえば、パッケージで販売されている完璧なコーディネート。目的に合わせて洋服を着替えるのが特徴なので、映画でも、バービーのキャラクターではなく、行事やその時々の目的をベースにした衣装になっているところに注目してほしいですね。■「バービー（Barbie）」2023年8月11日（金）全国ロードショー公式サイト©2023 Warner Bros. Ent. All Rights Reserved.

Barbie

コスチュームデザイナーへのインタビューも

映画「バービー」の見どころは？公開前に知っておきたい4つの注目ポイント

■今月の必聴アーティスト：連載ページ　早耳な音楽フリークの方々にとっては既に知られた存在が登場するだろうが、復習も兼ねてファッション的新情報を得られるという心持ちで読み進めていただければ幸いだ。第15回は、第13回で紹介したプロデューサーでDJのケイトラナダ（Kaytranada）とのユニット「ケイトラミーネ（KAYTRAMINÉ）」を結成したアメリカ・ポートランド出身のラッパー アミーネ（Amine）についてお届け。バスケ少年からラッパーに　アミーネことアダム・アミネ・ダニエル（Adam Aminé Daniel）は、1994年4月18日にアメリカ・オレゴン州のポートランドで生まれた。父親はエチオピア（注：東アフリカに位置し、北隣がエリトリア）からの移民で、母親はエリトリア（注：アフリカ大陸北東部に位置し、1993年エチオピアから独立）からの移民ということもあり、幼い頃は英語ではなくアムハラ語で育ったという。　学生の頃は、地元を本拠地とするNBAのポートランド・トレイルブレイザーズ（Portland Trail Blazers）でプレーすることを夢見てバスケットボールに勤しんでいたが、チームのスタメンから外されてしまい途方に暮れていたところ、よくライバル校のディスラップを友人に披露していたことから、2014年よりラッパーとしての活動を歩み始める。友人に楽曲をリツイートしてもらったり、街角にリリースを告知するポスターを貼ったりと、地元を中心とした草の根活動に奮闘。また、ミック・ケイプス（Mic Capes）やクール・ナッツ（Cool Nutz）ら地元の先輩ラッパーに直談判したコラボや前座での起用は全て断られてしまったが、自らイベントも企画するようになったことで、ポートランドでは期待の若手ラッパーとして認知されるようになっていった。それでも当時20歳のアミーネは、音楽で成功する将来に確信が持てなかったため、音楽やファッションなどのカルチャーニュースを扱うアメリカの人気メディア「コンプレックス（Complex）」でインターンとして働いていたそうだ。キャリアを決定付けた楽曲「Caroline」　そして2016年、キャリアを決定付けた転機が訪れる。アウトキャスト（Outkast）の楽曲「Roses」にインスパイアされた「Caroline」という楽曲をリリースしたところ、その独特な浮遊感のあるフロウと中毒性の高いフックでジワジワと再生数を伸ばし、最終的に全米シングルチャートの11位にまで登り詰めたのだ。さらに、その人気から急遽制作したMVもすぐに1000万回再生を達成。全米に彼の名を轟かせ、これを機に彼は大手レーベル「リパブリック・レコード（Republic Records）」との契約を勝ち取った。なおこの頃、音楽活動に専念するためポートランド大学を中退している。　「Caroline」のMVは、アミーネ本人が学生ローンで資金を調達して制作されたのだが、「Let's get gory, like a Tarantino movie」というリリックと呼応するように、映画監督のクエンティン・タランティーノ（Quentin Tarantino）の代表作「パルプ・フィクション（Pulp Fiction）」のTシャツを着用。また、後述する“バナナ”を食べている点にも注目してほしい。新人ラッパーの登竜門に選出され、人気を世界規模に　「Caroline」で一躍時の人となると、新人ラッパーの登竜門として知られるヒップホップ専門誌「XXL・マガジン（XXL Magazine）」の新人発掘企画「XXL・フレッシュマン・クラス（XXL Freshman Class）」の2017年版にも選出され、勢いそのままにデビューアルバム「Good For You」を2017年7月にリリース。タイ・ダラー・サイン（Ty Dolla $ign）やケラーニ（Kehlani）らが参加したこの作品は、アミーネらしさ全開の軽快なリリックとサウンド、カラフルかつユーモア溢れる世界観を世に知らしめ、USヒップホップシーンにおけるポジションを確立した。　その後、人気ラッパーの前座や音楽フェスに立て続けに呼ばれ、世界各国で場数を踏んだ経験を活かして2018年8月に3rdミックステープ「ONEPOINTFIVE」をリリースし、さらなるプロップスを獲得。また、“旬なラッパー枠”として映画「スパイダーマン: スパイダーバース」にも参加を果たし、その人気を世界規模とした。ケイトラミーネの結成　2020年8月に待望の2ndアルバム「Limbo」を、その翌年に4thミックステープ「TWOPOINTFIVE」をリリースするなど、止まらない勢いを象徴する圧巻の制作スピードを見せていたアミーネだったが、2022年はソロ作品を一切発表せずファンを心配させていた。しかし、それはあるプロジェクトの準備のためだった──ケイトラナダとのユニット ケイトラミーネの結成である。　実は、2015年にアミーネがサウンドクラウド（SoundCloud）にアップした「La Dance」という楽曲（ストリーミングサービスでは未配信）をケイトラナダがプロデュースしているほか、アミーネが2020年にパンデミックで鬱を患った際には何よりもケイトラナダの存在が助けになったと語るほど、2人は昵懇（じっこん）の仲なのだ。だからこそケイトラミーネの1stアルバム「ケイトラミーネ」は、2人の阿吽の呼吸が感じられる秀逸な作品に仕上がっているので、ぜひとも聴いていただきたい。シーンを代表するファッションアイコン　アミーネは、ポートランド大学でマーケティングを専攻していたが同時にグラフィックデザインも学んでいたため、自身でディレクションした「Caroline」のMVからも分かるように色使いのセンスが頭抜けている。それがファッションにも顕著に現れており、タイラー・ザ・クリエイター（Tyler, The Creator）とエイサップ・ロッキー（A$AP Rocky）に並ぶファッションアイコンに推す声は多く、昨今のアウトドアトレンドをけん引する「アークテリクス（ARC'TERYX）」の着こなしは、彼がトリガーの1人と言っても過言ではない。実際、空音や18scottといった日本のラッパーは、彼がスタイル見本であることを公言している。　また地元ポートランドは、ラッパーの足元のユニフォームであるナイキのお膝元であるが、彼は断然「ニューバランス（New Balance）」派。デビュー当初から、「990v3」と「2002R」と「992」の3モデルを着用している姿が頻繁に目撃されている。そして先日、ついにコラボの夢が叶ったことを自身のインスタグラムで報告し、好物の“バナナ”に着想した「610」を披露していた。こちらは2023年中にリリースされるとのことなので、前々からファンだった方も、本稿を機に興味を持った方も、彼のSNSをフォローしておこう。

【今月の必聴アーティスト】アミーネ編　浮遊感のあるフロウが武器のポートランド産ラッパー

主人公パールの境遇を表現する衣装「みんな、同じポップカルチャーを観て育つので、映画やドラマなどの影響を自然と受け、それがファッショントレンドになることは大いにあり得る。お父さんが履いているような派手でボリューミーなダッドスニーカーやルーズソックスなど、誰しもがこの大袈裟なアイテムが流行るとも、再流行するとも考えていませんでした。少し前ならダサいと捉えられていたアイテムが流行するのはまさに、ファッションのマジックと言えるでしょう。トレンドとは、ある1人が古いものを復活させ、最初は『変わり者』として捉えられたとしても、その人が個性を主張し続けることで雪だるま方式に広がっていき、いつしかトレンドと言われるようになるのです」（マウゴシャ・トゥルジャンスカ）。　今作の主人公 パールは、映画スターを目指しているが、人里離れた農場に暮らしており、父親の世話と家畜たちの餌やりに追われている。劇中のほとんどを作業着で過ごしていることからもわかるように、その暮らしは豊かなものとは言えず、華やかな世界に憧れているパールの唯一のドレスアップは、母が昔着ていた（1970年代風）のドレスのみである。キーヴィジュアルでも着用している赤いドレスも母親のお下がりで、1918年代を生きる若者が着用するドレスにしては少し古めかしい印象を受けるのはそのためだ。  　一方、パールが常に付けている白いリボンの髪飾りは、彼女の境遇を考えると洗練されたアイテムであり、2020年代の現代でもトレンドとなり得そうですらある。この現代的な白いリボンは、劇中でパールにとっての「自分らしさ」「周りに溶け込む」ためのアイテムとして機能することを意識したそうだ。シモーン・ロシャ、セシリー・バンセンをきっかけにしたアイテムが流行か「2020年代の現在、シモーン・ロシャ（Simone Rocha）やセシリー・バンセン（Cecilie Bahnsen）のような、ラブリーなワンピースや、レースやチュールを多用したガーリーなアイテムが流行しています。そのような状況を考えれば、今後1910年代から1920年代に流行したアンティークで乙女チックなアクセサリーや、イヴニングドレスのようなアイテムが再び注目を集めるかもしれません」（マウゴシャ・トゥルジャンスカ）。　過去のリバイバルアイテムが再注目するにあたって重要なのは、いかに現代風のアップデートをさせ、フレッシュなスタイリングに見えるかだという。「映画の公開には1年〜2年ほどの歳月が掛かり、今、イケていると思うアイテムも数年後には廃れる可能性があります。なので、『思いっきり個性を出すか』『時代を超えたルックスにするか』の2つの選択肢を必然的に選ぶことが多いです」（マウゴシャ・トゥルジャンスカ）。1910年代ファッションが復活する時の注目アイテムは？　例えば、Y2Kトレンドにおけるシグネチャーアイテムのひとつとして注目されたルーズソックス。1910年〜1920年代ファッションが再びトレンドになるとしたら、どんなアイテムがその流行を牽引するのだろうか。「ひとつは、パールにも数多く登場しているダンスシューズ。ルーズソックスと組み合わせたら、1910年代と1990年代後半がミックスした新たなスタイルになると思います。もう一つは装飾的なヘッドドレス。近年、さまざまなブランドが、顔が大きく隠れるような帽子をコレクションに取り入れはじめましたよね」（マウゴシャ・トゥルジャンスカ）。　昨年9月に公開した米国では、ハロウィンの夜、赤いイヴニング・ドレスを着用し、片手に斧を持った人々で街中が溢れかえったそうだ。「もし仮に、1910年代のトレンドが生まれなかったとしても、ハロウィンで多くの人がパールのコスチュームに身を包んだことはとても嬉しかった。私たち衣装デザイナーはポップカルチャーの一部で、あとは映画を観ている鑑賞者に『トレンド』というのを託すしかないと思っています」。　今年のハロウィンは日本でも、パールのコスチュームに身を包んだ人が溢れかえり、数年後にはレトロなドレスがトレンドアイテムになる日も近いかもしれない。

Simone Rocha

Y2Kの次は1910年代ファッション？“ストシン”の衣装デザイナーが仕掛ける映画「Pearl パール」の世界

アートディレクターYOSHIROTTEN、山口はるみとの出会いーまずは、YOSHIROTTENさんとパルコさんの出会いについてお伺いできればと思うのですが、地元・鹿児島にPARCOはなかったそうですね。　そうですね。鹿児島にはなかったんですが高校生の頃から存在は知っていて、パルコさんといえば渋谷PARCOのイメージが強かったです。初めて訪れたのは上京したての18歳の時で、その時はまだ「渋谷PARCO Part3」（注：1981年9月に開館。2016年8月に建て替えのため閉館）もありました。Part1地下の「パルコブックセンター（PARCO BOOK CENTER）」と「パム/パークスアンドミニ（P.A.M./Perks and Mini）」がお気に入りで、レコード屋「岩盤（GAN-BAN）」ではレコードを買って、「パルコミュージアム（PARCO MUSEUM）」のイベントにもよく足を運んでいました。　20代前半の頃、友人たちとパーティーをよく開いていて、そのフライヤーを渋谷や原宿を歩き回って配っていたんですが、ある日、渋谷PARCOの前にかっこいい外国人の方が立っていたので、「今週パーティーがあるからおいでよ」と話しかけたんです。すると、「俺のパーティーも今日あるからおいでよ」と返されて、行ってみたらデザイナーのベルンハルト・ウィルヘルム（Bernhard Willhelm）で、それもすごく覚えていますね。ー20代の頃は、昼夜問わず渋谷で遊ばれていたんでしょうか？　渋谷だけではなかったんですが、渋谷PARCO前のスペイン坂を下ったとこにあった「ラ ファブリック（LA FABRIQUE）」というクラブでは、エレクトロクラッシュ系のDJが頻繁にパーティーをしていたので2週間に1回は行っていましたね。それに、「オルガンバー（Organ Bar）」や「渋谷チェルシーホテル」というライブハウスでも遊んでいたので、いま思い返すと渋谷PARCO周辺で遊んでいたみたいです。ーでは、これまでの記憶に強く残っているパルコさんのヴィジュアルはありますか？　山口はるみさんや石岡瑛子さんをはじめ、1970～80年代に女性の方々がメインで制作されていたヴィジュアルの印象は強いですね。グラフィックデザイナーになる前の学生時代からなのですが、当時をリアルタイムで体感できず後から追いかけたことでより憧れていて、時代が変わっても色褪せない魅力があると思っています。その中でも、特にはるみさんはキーパーソン的位置付けでしたね。ー今回、そんなはるみさんと2023年夏の「PARCO GRAND BAZAR」のヴィジュアルでコラボされていますが、以前にも協業経験があるそうですね。　2018年にはるみさんが個展を開催された際、アートディレクターとしてお声がけいただき新たな角度での「Harumi Gals」を提案し、2020年にも渋谷PARCOのギャラリー「2G」でイラストをリミックスするような形でコラボ展を開かせていただきました。この時、ほぼ全ての作品を拝見させていただいたので、はるみさんと作品への理解が高まったと思っています。ーということは、今回の「PARCO GRAND BAZAR」が3度目のコラボということになるのでしょうか？　実は違うんですよ。2014年に、僕が故DJ Deckstreamさんの手掛けていたプロジェクトICEKREAMのEPをデザインすることになった際、はるみさんがアートワークのイラストを描いてくださったんです。当然その頃はお会いしたことはないし、調べても全く情報が出てこなかったので半ば架空の存在のように思っていたのですが、見つけ出した連絡先に問い合わせたところ直接会ってくださいました。当時、はるみさんはすでにエアブラシでイラストを描かれていなかったのですが、初めましての勢いもあって図々しくも「アートワークをエアブラシで描いてほしい」とお願いしてしまい……（笑）。ただ、熱量が伝わったのか何十年ぶりに描いていただき、それがはるみさんとの初仕事になりました。その後、ありがたいことにはるみさんは僕の仕事を見てくださっていたそうで、2018年と2020年のコラボはICEKREAMでの協業があったからこそ実現したんです。「Harumi Gals」が40年ぶりにパルコに、懐かしくも新鮮に魅せるアートディレクションー素敵なエピソードをありがとうございます。それでは、3年ぶりのコラボが実現した経緯を教えてください。　今年（2023年）の2月に、現在はるみさんが所属されているナンヅカ（NANZUKA）さん経由でお話をいただいたことがきっかけです。ー率直にどのような感情を抱きましたか？　2つの喜びがありましたね。1つは、はるみさんが「PARCO GRAND BAZAR」に戻ってくるということ。もう1つは、「PARCO GRAND BAZAR」という歴史ある広告を初めて僕らYARが手掛けられるということ。この2つが、同時に押し寄せてきた感じです。ー今回のヴィジュアルは、どのようなコンセプトで制作しましたか？　また、2人の「Harumi Gals」にフォーカスしていますが、多くの「Harumi Gals」の中から選んだ理由があれば教えてください。　“「Harumi Gals」が40年の時を超えて「PARCO GRAND BAZAR」に帰ってきた”をコンセプトに、1970〜80年代にパルコさんのヴィジュアルで使用されていたはるみさんの作品を再構築しています。はるみさんが自分にオーダーしてくださる時は、いつも「鮮やかで新しくアップデートしてほしい」ということなので、今回もそれを軸にフレッシュに見せることを意識しました。そして、はるみさんはエアブラシで描いたものに縛っても、パルコさんのために30以上のヴィジュアルを手掛けられていますが、今回は夏の印象が強い「Harumi Gals」を中心に5～6点ほどピックアップし、その中からCGとの合成や平面の状態でもアニメーションとして動いた時に成り立つかどうかも含めて、1979年と1981年の広告をベースに選んでいます。ー再構築はどのようなイメージで進めたのでしょうか？　ソーダの中にさくらんぼが沈んでいる1979年の広告を着想源に、1人を気泡がぶくぶくと湧いている水中の底で寝そべらせ、もう1人を水面で泳がせるイメージが最初から浮かんでいました。そして、2人の「Harumi Gals」はもともと別々の広告なので、共通した世界観に仕上げるために気泡とさくらんぼ、メタリックなストローという3つのモチーフをどちらにも取り入れています。また、2つの広告の世界観を繋ぎ合わせる役割としてアニメーションも制作しましたが、どれも基本的に原画自体はいじっていません。全体のレイアウトや気泡の表現、ロゴデザインやCG製作は、YARのデザイナー春原菜津美と大西碧が担当し、アニメーションは同じくYARの渡邉祐貴が担当しています。春原菜津美：エアブラシで描かれたはるみさんの作品とCGのバランスが取れるように、違和感のない質感を作り上げることを意識しました。エアブラシの作品とCGとのミックス自体も初めてで、アナログとデジタルの表現を交えた貴重な機会でした。気泡には「Harumi Gals」を反射させているのですが、このディテールはCGの反射具合を調整できるという特徴を活かしたもので、何よりはるみさんが喜んでくださったのが嬉しかったです。大西碧：気泡の反射は、リアルを忠実に再現すると作品が変に伸びてしまったり映らない部分が出てきてしまうので、“はるみさんの作品が気泡にどう映れば綺麗に見えるか”を調整して反射させています。ロゴデザインは、今回の広告が水中と水面のシーンなので水に揺られているように波打たせ、現代的なヴィジュアルに対して少しクラシックなフォントを使用することで伝統と改革を表現し、さくらんぼと同様のカラーで世界観の統一を狙っています。ーアニメーションの音楽には、韓国発の気鋭エレクトロニカ・ユニットのサラマンダ（Salamanda）が起用されていますね。　アニメーションの制作中、音楽に広告の世界観を広げてくれる可能性を感じ、普段から聴いているサラマンダが直感的に合うと感じたんです。彼女たちは、アンビエントから実験的な音楽まで幅広く制作していて、フレッシュな存在感も含めて「PARCO GRAND BAZAR」のテンションにぴったりだと思いオファーしました。ー水の中にいるような浮遊感を覚えるサウンドですが、オファーの際は明確なイメージを伝えたのか、それとも映像から汲み取ってもらったのでしょうか？　過去の「PARCO GRAND BAZAR」のアーカイヴCMを大量に渡して、「ナレーションをサンプリングしてほしい」とだけ伝えて制作してもらいました。細かく聴くと、気泡が弾けるような音だったり、水が跳ねるような音も入っていて、1発目のデモの時点からイメージ通りの音楽を仕上げてくれましたね。冒頭に「パルコ グランバザール」という声もあるのですが、昔のCMをサンプリングしたのか、彼女たちが録音した自身の声を使用しているのか、最終的にどうなったのかは僕も分かっていないんです（笑）。ー制作を振り返って、はるみさんの作品に手を加えるという行為にプレッシャーは感じましたか？　変なプレッシャーは全く感じず、割とスムーズにできましたね。はるみさんの作品を新しい角度で表現するアイデアは、不思議とすぐに出るし楽しくて手が進みます。ー今回のヴィジュアルを、人々にどのように受け取ってほしいですか？　ベースとなった「Harumi Gals」をリアルタイム（1970～80年代）で見ていた人たちが、「あの頃に戻ったのかな？」と思ってくださったら嬉しいですが、サラマンダを起用したりと現代風にアップデートしているので、フレッシュにも感じ取って欲しいですね。あとは、リアルタイムを知らない世代の反応が気になっていて、今回のヴィジュアルを機に「PARCO GRAND BAZAR」の歴史やストーリーを調べてくれたら幸いです。ー最後に、将来的にパルコさんのヴィジュアルを制作するかもしれない未来のクリエイターやアーティストたちにメッセージがあれば。　パルコさんのヴィジュアルを追っていた学生時代から十数年後、こうして制作に携われたことは未だに信じられないですが、作品を制作し続ければ未来はやってくるはずです。いっぱい作ってください。

YOSHIROTTENに独占インタビュー　「PARCO GRAND BAZAR」で実現した山口はるみとの邂逅

丸の内・有楽町／次世代の才能をサポートする舞台—担当された丸の内・有楽町エリアでのハイライトは？松田千広（丸の内エリアクリエイティブディレクター）：未来のトップデザイナーを目指す全国の服飾学生さんたちの卒業制作作品を披露する「Future Designers Collection」を行いました。4年目となる今年は、日本だけでなく中国・タイ・台湾・韓国の服飾学校からのよりすぐりの作品が丸の内に集結しました。ショー当日はあいにくの雨に見舞われ、予定していた丸の内仲通りでの開催はかなわず残念でしたが、2020年以来開催されるごとにスケールアップしているのを実感しています。—“働く大人のまち”というイメージがまだまだ強いエリアです。だからこそ、次世代にとってこのエリアが"自分の才能を披露できる舞台"になっていくことを引き続き目指したいと考えています。今年のエリアコンセプトとしても掲げた「これからの才能へ熱視線を送る」という姿勢を大切に、新しいモノ・コトを生み出す人々を街全体で応援できる仕掛けづくりに取り組んでいきたいです。 松田千広 （Chihiro Matsuda） 株式会社博報堂プロダクツ クリエイティブディレクター 丸の内エリアクリエイティブディレクター 日本橋／”明日の流行り物”を提案する日本市—テーマは"明日の流行り物"でした。寺岡重人（日本橋エリアクリエイティブディレクター）：さまざまな分野のトップクリエイターたちが、明日にでも流行りそうな物を集めた「明日の日本市」です。かつて五街道を通して多くのモノやコトが日本橋に集まったように、TCSの期間中、日本中から集まったラインナップを来場者の方々にも楽しんでいただけたのではないかと考えております。—日本中から集めたものを展示する意図は？手の中にある小さなスマートフォンから世界中のモノが見られるようになった現代において、街に出かけ、自分の目で見たいと思えるほどの価値のあるモノとは何か？ そこにこそ、このイベントの価値があります。「日本橋を歩けば、素敵な明日、そして未来が見えてくる」。そう思ってもらえる日まで「明日の日本市」を育てていきたいと思います。 寺岡重人 （Shigeto Teraoka） 株式会社ハッピーアワーズ博報堂 クリエイティブディレクター 日本橋エリアクリエイティブディレクター 銀座／街全体を一つのキャンバスに—銀座のあらゆる場所にインスタレーションが登場しました。手応えは？岸仲真（銀座エリアクリエイティブディレクター）：「インパクトがある」「面白い展開だ」「外国人客の評価も高くインバウンド効果とも相まって多くの方が来店した」など好意的な声が多く寄せられました。商業施設のショーウィンドーをはじめ、空き店舗の壁面や工事現場の仮囲い、デジタルサイネージなど街の計15ヵ所にグラフィカルなタイポアートを施したインスタレーション作品「GINZA POET-GRAPHY」を設置し、街全体を一つのキャンバスとして捉えた形です。ジャンポール・ゴルチエ「ファッション・フリーク・ショー」のパフォーマーたちによるランウェイも盛り上がりを見せました。—難しさもありましたか？銀座の街からは「TCSの企画進捗の情報共有が少なかった」「情報共有が遅かったために、効果的に独自施策を実施できなかった」「TCSに集客したお客様に対して実施した購買特典キャンペーン"スペシャルデイズ"はもっとできたはず」という課題が上がりました。その裏返しとして、「次回は前倒しで自主的に企画を立案し、積極的に参加したい」というポジティブな意見も寄せられました。また、銀座エリアのPRを含めた告知方法も課題として挙がっています。 岸仲真 （Makoto Kishinaka） 株式会社新東通信 コミュニケーションデザインユニット ユニット長 クリエイティブディレクター 銀座エリアクリエイティブディレクター 渋谷／過去と未来が出合う実験的なショー—渋谷らしい、挑戦的なファッションショーをされたと聞きました。田中ヒロ（渋谷エリアクリエイティブディレクター）：100周年を迎える文化服装学院の学生たちによるショーです。「過去と未来のENCOUNTER」をテーマに、偉大な日本ブランドのコレクションを多様な視点でひもときました。過去に生み出されたファッションスタイル約10,000点を機械学習させ、時代ごとに未知のアーカイヴスタイルをAI（人工知能）で生成。その不思議な映像を演出に活用し、屋内空間の特徴を活かしたショーを作り上げました。—やってみて見えた課題はありますか？ファッションショーはどうしてもその場限りの瞬間的なイベントとなってしまいます。開催期間中、多くの人が「○○を見に行こう」と渋谷を目指して来てもらえるような常設の目玉コンテンツをつくることが必要だと感じました。また、渋谷のみで完結するのではなく、他のエリアと連携・連動するような施策が構築できると良いと思います。 田中ヒロ （Hiro Tanaka） 株式会社東急エージェンシー クリエイティブディレクター 渋谷エリアクリエイティブディレクター 原宿／特別感のあるショーやNFTの活用—Rakuten Fashion Week TOKYOとの連動で生まれたものは？松井智則（ファッション統括ディレクター）：通常では実現できないユニークべニュー（特別感や地域特性を演出できる会場）でのファッションショーを実施することができました。原宿エリアでは今回、アートや投資のイメージが強かったNFTの新しい使い方を提案し、イベントの入場チケットとして活用したり、NFTを所持していることで受けられる特典などを打ち出せたのもよかったです。—エリアが都内の広範囲にわたる難しさもあります。実際、TCSの実態が分かりにくいというご意見をいただきました。次回に向けて各エリアのさらなる連動強化と、TCSの本質が伝わりやすい施策の検討を始めています。ファッションショーのユニークべニューも、より特別感が感じられる場所を提案できたらと思います。来年はインバウンドも完全復活していると想定されるので、国内だけでなく国外へのプロモーションも強化していきます。最大の目標は、TCS全体の拠点づくりです。 松井智則 （Tomonori Matsui） 株式会社ワンオー 代表取締役 ファッション統括ディレクター 羽田／空港というロケーションを活かして—羽田エリアは空港好きな人にとってはたまらない場所で行われました。大平裕子（羽田エリア統括ディレクター）：「ファッションとデザインを羽田空港からテイクオフさせる」という初めての試みでした。全てのコンテンツが新鮮で、とても目を引く内容になったと思います。中でも、飛行機の離発着が見えるロケーションで行われたトレードショーは反響が大きかったです。ファッション業界の関係者だけではなく、一般のお客さまの目にも触れ、デザイナーとの会話も楽しんでいただくなどTCSを広く浸透させる良い機会になりました。—今後、羽田空港で実現させたいアイデアはありますか？音楽を融合させたファッションショーやトークショーにも取り組んでいきたいですね。今回、羽田空港内では3つのファッションコンテンツと1つのデザインコンテンツを発信しましたが、積み残したものもありました。次回はファッションとデザインの祭典として、さらなるファッションとデザインを羽田空港からテイクオフさせていきたいと思います。 大平裕子 （Yuko Ohira） 株式会社羽田未来総合研究所 コンサルティング事業部 担当部長 羽田エリア統括ディレクター 総括／大きな可能性を持つ都市型イベント—全体を振り返って、特に反響の大きかったイベントは？齋藤精一（総括クリエイティブディレクター）：羽田イノベーションシティで行われた「Sound & City 2023」の中で、音楽を伝達手段としてDAO（分散型自立組織）の仕組みをみんなで体験する実験的なイベント「MUSIC EXPERIMENT ON “DAO"」です。初の試みが多かったのですが、参加したミュージシャンと観客にこれからの都市や社会の分散と、それをみんなで創り上げる仕組みを体験してもらえたのではないでしょうか。—TCSは東京の街にどのような影響を与えていくでしょうか？街づくり、ファッション、デザイン、クリエイティブに関わる熱量の高い人たちが創り上げるTCSは、都市型イベントとしての大きな可能性を持っています。今後さらにエリアごとの連携を強化し、東京ならではの物語と、さまざまなコミュニティを巻き込んでいく施策を創っていきます。金太郎飴化していると言われている東京が、もっとユニークで高解像度な都市になるきっかけを創れると思います。 齋藤精一 （Seiichi Saito） パノラマティクス 主宰 総括クリエイティブディレクター 

KEISUKEYOSHIDA

Jean Paul GAULTIER

「東京クリエイティブサロン2023」が街に与えたインパクトを徹底分析

1.人生に影響を与えた番組ダウンタウンのごっつええ感じ　親がダウンタウン好きで。僕はごっつの世代ではないんですが、親の影響から中学生くらいのときにTSUTAYAでごっつを借りて見るというのを何回も繰り返していました。YOUさんが子ども役で、食事中の親が目を離した隙に嫌いな豆を捨てると、部屋に豆の被り物を被ったダウンタウンの2人が現れる「豆」というコントは衝撃でした。ごっつのコントは面白さはもちろんなんですが、洒落の利かせ方とか、ヴィジュアルに格好良さもあるんですよ。昔、貯金箱が自分の頭を割る作品を作ったことがあるんですが、立場を逆転させたような考えはごっつからの影響が大きいです。　あと当時の画質だからというのもあると思うんですが、ごっつのコントはちょっとした怖さもあるんです。ほんのり恐怖を感じるというか。ホラー映画の撮影現場では、実は爆笑が起きやすいと聞いたことがありますが、恐怖とユニークって表裏一体なのではないかと。僕の作品でも怖さと可愛さ、面白さのバランス感は意識していますし、ごっつにはかなり影響を受けています。2.人生に影響を与えた映画メン・イン・ブラック（Men in Black）　メン・イン・ブラックは異星人のヴィジュアルがシンプルに可愛いのと、人間として日常を過ごしていて、しかもそれがユニークなところが好きですね。一見するとくだらないような面白さだと思いますが、遊び心を感じます。有名なシーンですが、2のラストでロッカーの中で生活している異星人を憐れんでいたら、実は自分達も一つのロッカーの狭い世界でしか生きていなかったということを伝えられる。洒落の利かせ方も、良いメッセージをサラッと流す感じも凄く格好良くて。シリーズ全作見ていますが、特に1と2が好きで、映画を見ながらであれば次に喋るセリフを言えるくらいには見ましたね。3.人生に影響を与えたデザインサンタクルーズ ロブ・ロスコップ Target 1~5 ジム・フィリップス（Santa Cruz Rob Roskopp Target 1~5 Jim Phillips）　高校生のときにスケボーをしていて、スクリーミング・ハンド（SCREAMING HAND）からサンタクルーズを好きになりました。それから色々なシリーズを見ていたら、ロブ・ロスコップのTarget 1~5の5作品を見つけて。5枚のスケボーの板で、徐々に腕や体が出てくるストーリー性のある作品になっているんですが、スケボーの板を使ってこんなに面白いことができるんだ、と本当に衝撃的を受けました。スケボーとして実用できるものにストーリー性のあるアートを入れ込んだのが本当に格好良いなと。ちなみに、スケボー中に暑いから脱いで置いていたスクリーミング・ハンドのパーカを盗まれたことをきっかけにスケボーは辞めました（笑）。4.人生に影響を与えたアーティストキース・ヘリング（Keith Haring）　物心ついた頃くらいから、家にキース・ヘリングのマスキングテープが貼ってあったんです。それを見ていたからか、本能的に可愛いなという感覚があって。それから、高校生くらいのときにニューヨークの地下鉄のグラフィティアートを見て、表現方法を変えることで絵が持つ意味が変わることを知りました。僕も絵を描くのが好きなんですが、当時から漠然と彫り師になりたいという思いがあって。今では当たり前になりましたが、当時はタトゥーとして自分の絵を彫るみたいな文化ってあまりなかったんですよ。ただ、キース・ヘリングのグラフィティアートを見たことで、タトゥーとして絵を彫るというのもやって良いんだ、彫り師としてちゃんと挑戦してみたいなと思えたきっかけになりました。5.人生に影響を与えた漫画こちら葛飾区亀有公園前派出所　見た目通りだと思いますけど、勉強が嫌いだったんです。公文に通っていたので、ある程度の授業にはついていけたんですが、漢字は覚えないといけないので全然好きじゃなかったんですよ。ただ、こち亀って色々な漢字が出てきて、ふりがなを振ってくれているのでこち亀のおかげで漢字を覚えていけたんですよね。あと作者の秋本治さんの知識量が凄くて、説明だけでページが埋まる箇所もあるんです。異常な情報量でありながら、40年間の週刊連載で一度も休んだことがないというのは本当に尊敬します。先見の明も凄くて、有名な話ですがタイムカプセルを埋める会でムシキングのカードを入れようとする本田に対して、10年後に値が上がっているからと遊戯王のカードを入れる両さんが描かれていたり。話数が多いので、偶然当たった一つのネタなのかもしれませんが、各回に熱量を持って取り組んでいるのが伝わってきます。　他にも作中で特に好きなセリフがあって。両さんがいじめられている子どもに対して「今に見ておれ、お金持ちや有名人になって見返すのだ」という気持ちを忘れるなといったシーンで。本当は、両さんは部長の前で良い格好をしようとしているだけなんですが、僕はそのセリフが凄く刺さったんですよ。左腕には「今に見ておれ」とタトゥーで入れていて、ムカつくことがあっても「今に見ておれ」っていう気持ちを大事にしています。6.人生に影響を与えた音楽RCサクセション　僕の名前の由来でもあるんですが、忌野清志郎さんの息子さんと同じ竜平を名付けるくらい親がRCサクセションを好きだったんです。家でずっと曲が流れていたので、普通だったら嫌いになるレベルで小さい頃から聴いていました。一時期はあまり聴かない時期もあったんですが、高校を卒業して親離れをしてから改めて聴くとやっぱり格好良いなと。印象に残っているエピソードがあって、小さい頃、父親に連れられて清志郎さんのライブに行った時に、開演間近でトイレに行きたくなってしまい......。ライブを少しでも見たいであろう父親が付き添ってくれながらトイレに行ったんですが、トイレから出たら偶然にも目の前の通路を清志郎さんたちが歩いていたんです。信じられないくらい近い距離だったので、「本当にありがとう」と父親に感謝されたことが凄く印象に残っています。　あと渋谷パルコで開催した初の個展に父親が来てくれて。Instagramに個展で録った動画を投稿してくれたんですが、動画のBGMがTHE TIMERSの「タッペイくん」だったのはめちゃめちゃ嬉しかったです。7.人生に影響を与えたものぬいぐるみ、フィギュア　人形遊びって基本的に小学校低学年くらいまでだと思うんですが、僕は小学生の頃に友達がいなかったこともあって中学校に入学するまで遊んでいたんです。デパートで売っているウルトラマンのフィギュアとか、チップ＆デールのぬいぐるみとか。怪獣の人形も戦闘するんじゃなくて、平和な日常を送るキャラクターとして使っていました。でも、そこで人形たちによるシナリオを考えるようになったから、作品に込めるストーリーとかも考えられるようになったのかなと。フィギュアは今も集めていますし、ぬいぐるみは同い年くらいの友達とかに子どもが出来始めている時期なので最近作り始めていて、友達の子どもが育った時に「昔遊んでいたのはタトゥーの人のぬいぐるみだったんだ」とかで僕のことを知ってくれたら面白いなと思っています。plus 1.近々の活動について　7月中旬に秋田のセレクトショップ「ウォンツ アンド フリー（WANTS AND FREE）」でポップアップを開催して、初のクッキーとコーヒーを販売します。8月には「ビームス（BEAMS）」の「FUTURE ARCHIVE」との第3弾コラボレーションアイテムとして、個展で置いていた天使のぬいぐるみのスモールバージョンや、時計の新色、Tシャツなどを発売します。8月の末は、前回号から雑誌EYESCREAMの誌面でスタートしたセリフなしの4コマ漫画の連載に紐づいた個展を開きます。4コマ漫画は書籍化もされるので楽しみです。Photography：Suguru TanakaCreative Direction：Kohei Suda（Peeps）Text&Edit：Shinya Hayashi（FASHIONSNAP）Sponsorship：THE CAP

TAPPEIの7ルーツ【Behind the Creations】

　撮影のために訪れた「N.ハリウッド TPES（N.HOOLYWOOD TPES）」のトレーニングジム、タクティカル ガレージ（TACTICAL GARAGE）。インタビューが行われた別室で「こういうものを見つけると、どう使うかをとっさに考えてしまうんです」と伊澤が指差したのは、アンティークの武器のディスプレイだ。「モーニングスターっていう、頭をかち割ったりする打撃用の武器です」と興味を示す姿に、真のスタント魂を垣間見ることができた。クリエイティブな両親の影響　伊澤の趣味はピアノと写真。学生時代に手がけたクレイアニメで受賞歴もある。日本では数少ない女性スタントパフォーマーだが、いわゆる"体育会系"のステレオタイプからはかけ離れている。　「父はテレビのカメラマンだったんです。ドラマ『ロング・ラブレター～漂流教室～（2002年）』を撮ったり、スポーツ中継を担当したりしていて、子どもの頃にテレビ局のセットに遊びに行かせてもらったこともあります。海外や地方へ出張する姿を見て、旅人のような撮影業に憧れを抱きました。父の一眼レフで遊びはじめてから、写真や映像にハマっていったんです」　さらに、美術や物作りを愛する母親からも大きな影響を受けたという。「家にはクラフトアートやビーズ、絵や刺繍などの道具がたくさんありました。自然と創作に惹かれていく環境でしたね。母は『できるようになりたい』と思うことに対して、とにかく勉強し続ける人。最近も、ぬいぐるみ作家になるという目標を叶えていて驚かされました」。両極端なものを持ち合わせていたい　日本大学芸術学で映画を学んでいた頃、映画の現場を体験したくて「アクション部」に入った。アクション部は現場でのワイヤーのセッティングやマット補助などを含め、安全に撮影を行うための仕事全般を担当する部署だ。「スタントを始めたのは、アクションと映画の関わり方に興味を持ったから。でも当時は、まさか自分がここまでプレイヤーにのめり込むとは思っていませんでした」。　「対極のものを考えるのが好き」と伊澤は語る。「例えば男性らしさ、女性らしさみたいな両極端なものを持ち合わせていたい。高校生の時から、ハイヒールを履いて踊るウクライナの男性ダンスグループ『カザキー（KAZAKY）』が好きでした」。自分は何をすればギャップになるんだろう？と考えているうちに、それがいつの間にかアクションになっていったのだという。「ひょんなことでこの世界に迷い込んで、色々な人が『こういう道があるよ』って繋いでくれました」。バレエの経験をアクションに活かして　刀を使う殺陣や男性相手のボディファイト、銃やナイフを使った軍事格闘技など、伊澤が見せるアクションは多岐にわたる。「武器や武道の使い方は物語やキャラクターによって変わるので、その作品ごとに必要なものを勉強します」と本人は語る。「個人が経験してきたことを活かせるのがアクションの良いところ。スタントパーソンは体操や格闘技、ダンスなどの経験者が多いです。私はバレエの経験があったので、四肢の先への意識やリズムの作り方、呼吸法などに活かせる部分がありました。言葉なしで感情を伝えることや、舞台上の役割などにも共通点が多いと感じます」。　アクションをやっていくうちに身につけたのは「度胸」。「はじめは先輩たちの激しい立ち回りやスタントを間近で見て、なんで怖くないんだろう？と不思議でした。でもプレイヤーとしてカメラの前に立つと、『目の前のことに集中するしかない』とスイッチが入るんです。撮影本番は、自分の練習量や技量が試される時間。怖いと思ったらできない。だから物事を恐れない心、気おくれしない精神力が大事なんです」。　今はプレイヤーとしての仕事の方がメインになっている。「コンプレックスはたくさんあります。仕事上、ルッキズムの厳しい世界に身を置かなきゃならないし、体型を誰かと比べられるのは当たり前。でも、今は自分のコンディションが良い状態でいることが一番大事だと思っています。自分の身体は一つしかなくて、服みたいに簡単に脱げるものじゃないから。今ここにいるだけの心身があるだけで十分だと思い込むようにしてます」。戦いの時でしか表現できない色気　「アクションは総合芸術」だと伊澤は語る。基本的に現場ではアクションコーディネーターのもと、動きながら立ち回りを作っていく。現場の必須アイテムはパッド。この日の撮影でも膝や肘のパッドが活躍した。「人と接触する部分にパッドを入れて『当て感』を出したり、『壊しもの』や壁にぶつかる際には脊髄や腰に巻いて身体を守ります。万が一のために服の中に仕込むんです」。　今年は指の靭帯損傷も経験した。「スタントがうまいのは身体能力があって、コントロールが効く人。あと、けがをしない人」と伊澤は笑う。「アクションには攻め手と受け手があって、攻め手には『止める力』が必要。殴るパワーを相手にそのままぶつけてしまわないための技術が要るんです。その攻撃を受けた人のリアクションによって、ようやく一手分の会話が成立します。攻め手より、受け手の方が100倍難しいです」。　「アクションシーンをリアルに見せるのは殺気かなと思います。どれだけ技術的に動けても、そこに殺気がないと緊張感のあるものは生まれない。やっぱりかっこいい戦いの時でしか、表現できない色気みたいなものがあると思っています」　近年は女優としての活動も増えてきており、セリフでも動きでも演技力が求められるようになった。「演技はスタントの世界でもすごく大事。アクションと芝居を分離させず、感情の揺れ動きを細かく体現できるようにどちらも勉強していきたいです」。衣装は世界に入り込むためのスイッチ　映画で「スタントダブル」を演じる時は、役者と同じ衣装や髪形にして分身を演じる。女性だけではなく、少年のスタントダブルを演じることもあるという。「男性よりもスタントを求められる機会は少ないので、スタントダブルの役をもらえた時はすごく嬉しいんです。衣装は、その世界に入り込むためのスイッチになります」。　現場では、衣装や小道具の担当者と相談して「なるべくアクションのやりやすいものに」と工夫されたものを身につけている。「地面の状態によっても靴の相性の良し悪しが出てくるので、滑らないようにしてもらったり。ヒールの高さや材質が異なるアクション用のシューズが3種類くらい用意されていることもあります」。日本のアクションチームのクオリティは世界からも注目されているが、それを支えるスタッフ陣の工夫とアイデアもどんどんアップデートされているようだ。女性たちの心を掴んだ「ベビわる」　伊澤はスタントを続ける中で、「海外に行く」「尊敬する先輩と一緒に立ち回りをする」といった目標を立てていたという。「それを一つずつ叶えていく中で『女性が主役のアクション映画でスタントダブルをするまでスタントを続けていこう』と考えていたんです。日本ではあまり女性が主役のアクション映画がないので」。　しかしそれを実現する前に「ベイビーわるきゅーれ（以下、ベビわる）」で女優としての主演が決まった。初の主演作は異例のロングランとなり、続編も作られるほどの人気に。「『ベビわる』は自分にとって"名刺がわり"の作品になりました。金髪の深川まひろという役のイメージが、私の知らないところまでどんどん広がっていっています」。　「ベビわる」以前は「女子高生が戦うシーン」を求められることが多かった。制服での立ち回りはキャッチーさはあるが、どこか男性目線のセクシーな演出であることは否めない。「ベビわる」が画期的なのは、あくまでアクションに重きが置かれた作品になっていることだ。「主人公二人は『よく街で見かけるような女の子』。若い年齢層や女性層に刺さったのは、露出がなくても印象に残る衣装だったことが大きかったと思います。まひろの戦闘服であるバンドTシャツを真似してくれるお客さんもとても多かったです」。アクションで人を感動させろ　伊澤のアクションの師匠は故・田中清一。倉田アクションクラブ出身で、香港映画にも参加したベテランだ。「先生がずっと言っていたことは『たった一手でもお金が取れるようなパンチ・蹴りを目指せ』ということ。あと『アクションで人を感動させろ』という一言は、自分がアクションを続ける指針になりました。『ベビわる』では多くの人から『アクションシーンに感動した』というお手紙をいただいて、やっと自分も何かを残せたのかな、と心が救われましたね」。　「アクションをやっていること自体がまだ冒険の途中」と伊澤は語る。「いつか演出側に回るのも楽しそうだな、と思います。今、友だちと一緒に映画のお話を書いているんです。何年かかるか分からないですけど、いつかそれを撮影できたら嬉しいです」。

スタントパフォーマー・伊澤彩織　アンビバレントな冒険者【連載：BODY MAGIC】

  Photographer：Hiroyuki  Ozawa（FASHIONSNAP）Text＆edit：Asuka Furukata（FASHIONSNAP）

【写真で見る】大規模ドラァグショー「オピュランス」　新宿の地下、混沌から始まる希望

■いまさら聞けないあのアーティストについて：連載ページ運命の出会いから「デフ・ジャム」所属に　現在35歳のリアーナの本名は、ロビン・リアーナ・フェンティ（Robyn Rihanna Fenty）で、1988年2月20日にカリブ海に浮かぶ島国バルバドスにて、バルバドス人の父ロナルド・フェンティ（Ronald Fenty）とガイアナ人の母モニカ・ブレイスウェイト（Monica Braithwaite）との間に生まれた。幼い頃から歌うことが大好きで、特にカリブ音楽を好んでいたが、のちに「“Black Madonna”になりたかった」と振り返るほど、マドンナ（Madonna）に強い影響を受けていたという。また、通っていた中学校のミスコンテストで優勝するなど、当時からそのエキゾチックな美貌と抜群のスタイル（身長173cm）から地元でも知られた存在だったそうだ。　そして、15歳の時に人生の転機が訪れる。なんでも、休暇でリアーナの実家近くに滞在していた人気音楽プロデューサーのエヴァン・ロジャース（Evan Rogers）が主催したオーディションに友達2人とトリオで参加し、デスティニーズ・チャイルド（Destiny's Child）の「Emotion」やマライア・キャリー（Mariah Carey）の「Hero」を披露したところ、皮肉にもリアーナだけがロジャースの目に留まり、すぐさま歌手デビューの手配が進んだというのだ（諸説アリ）。その中で、デモ音源が送られた先のレーベルの1つにジェイ・Z（Jay-Z）の率いる「デフ・ジャム（Def Jam）」もあり、リアーナの歌声を耳にしたジェイ・Zはすぐさまアメリカ・ニューヨークの事務所まで呼び出し、「ここから出るには、2つの方法がある。契約書にサインしてドアから出るか、（29階の）窓から出るかだ」と半ば強引に勧誘。しかし、リアーナはこれを誉なことだと捉え、晴れて16歳にして「デフ・ジャム」の所属アーティストとなったのである。17歳の“クイーン・オブ・ダンスホール”　2005年初頭に「デフ・ジャム」と契約すると、同年5月にデビューシングル「Pon de Replay 」を発表し、8月にはデビューアルバム「Music of the Sun」をリリース。バルバドス出身らしいレゲエやダンスホールを押し出した同作は、見事全米R&B／ヒップホップ・アルバムチャートで初登場1位を記録し、早くも17歳にして“クイーン・オブ・ダンスホール”と称され、新世代の歌姫の誕生を知らしめた。　続く2ndアルバム「A Girl like Me」は、「Music of the Sun」のわずか8ヶ月後の2006年4月にリリースされると、ルーツの影響が色濃いポップとR&Bを融合した作品として高い評価を得ただけでなく、リードシングル「SOS」が全米シングルチャートで3週連続で1位を獲得する快挙を達成。そして、約1年後の2007年6月に発表した3rdアルバム「Good Girl Gone Bad」では、「グッド・ガールがバッドになった」というタイトル通り10代のピュアなティーンネイジャーのイメージを払拭すべく、美の象徴的存在やセックス・シンボルとしての方向性にシフト。当初は懐疑的な意見もあったが、恩師とも言えるジェイ・Zとのコラボ楽曲で、翌年にはグラミー賞で最優秀ラップ／ソング・コラボレーション賞を受賞する収録曲「Umbrella」のヒットも手伝い、前作の倍以上となる売り上げを見せ一気にスーパースターの座に上り詰めた。デビュー7年目にして念願の全米1位を獲得　その後、当時のボーイフレンドだったクリス・ブラウン（Chris Brown）からの暴行事件も影響し、それまでで最もリリース間隔が空く形で2009年11月に4thアルバム「Rated R」をリリースした。邦題が“R指定”であるように、全体的にロックやダブステップの要素を取り入れたダークな雰囲気を特徴とし、「Good Girl Gone Bad」ほどの伸びは見せなかったが、批評家からは肯定的評価を獲得。一方、ちょうど1年後にリリースされた5thアルバム「Loud」は、空前のEDMブームの渦中だったこともあり、これまで以上にダンスが中心のポップで爽やかなサウンドに仕上げ、全米アルバムチャートでは3位と首位を獲得することはできなかったが、ほぼ全ての国と地域でチャート上位に食い込む成功を収めた。　さらに1年後の2011年11月にリリースした6thアルバム「Talk That Talk」も、「Loud」同様にマーケットを意識したダンス色の強い作品で、カルヴィン・ハリス（Calvin Harris）とのリードシングル「We Found Love」は全米シングルチャートの首位に10週間も留まる大ヒットを記録。また、奇しくも4年連続11月のリリースとなった7thアルバム「Unapologetic」は、積極的にヒップホップとレゲエの要素を取り込み、デビューから7年目かつ7作目にして念願の全米アルバムチャート1位を手にし、名実共に全米No.1となったのである。カムバックは2024年以降？　「Unapologetic」までのリアーナは、ほぼ毎年のようにアルバムをリリースしていたが、以降は後述するファッションやビューティなどのジャンルにも活躍の幅を広げたこともあり、しばし制作活動を休止。それと同時に「デフ・ジャム」との契約を解消し、新たにジェイ・Zが設立したレーベル「ロック・ネーション（Roc Nation）」へ移籍して心機一転、8thアルバム「Anti」の制作に着手した。3年以上の制作期間が充てられた同作は、収録曲がインターネットでリークされたため当初の予定から早めて2016年1月にリリースされ、サウンドもそれまでと打って変わって全体的に落ち着いた雰囲気だったが、それを物ともせず2作連続で全米アルバムチャートの1位を獲得。特にドレイク（Drake）との収録曲「Work」は、全米年間シングルチャートで4位を記録するメガヒットとなり、のちのダンスホール・ポップの流れを決定付けたエポックメイキングな楽曲に位置付けられている。　「Anti」を最後にリアーナはソロ活動から一旦離れ（フィーチャリングにはたびたび参加）、ライブも2018年を最後に一切行っていなかった中、2022年に「第57回NFLスーパーボウル」のハーフタイムショーに出演することをアナウンス。続けて、映画「ブラックパンサー／ワカンダ・フォーエバー」のサウンドトラックのリード曲で、ソロとしては約6年9ヶ月ぶりの新曲「Lift Me Up」を発表し、4年以上にわたって“リアーナ飢餓”に陥っていたファンたちを沸かせたのである。第57回NFLスーパーボウル：YouTube　この一連の動きから音楽シーンへのカムバックかと思われたが、2022年5月に誕生したエイサップ・ロッキー（A$AP Rocky）との第1子レザ・アセルストン・メイヤーズ（RZA Athelston Mayers）に続き、2023年後半に出産予定の第2子を妊娠中ということで、本格的な音楽業界への復帰は早くても2024年になってからだろう。ウィメンズのストリートシーンを席巻した「フェンティ プーマ」　ここからは、ファッションおよびビューティの側面でリアーナを掘っていきたい。彼女は、“21世紀最大の歌姫”であり、セックスシンボルであり、ファッションアイコンでもある。17歳のデビュー時から多くのファッションブランドが“ダイヤの原石”を注視する中、当時フリーダ・ジャンニーニ（Frida Giannini）が率いていた「グッチ（GUCCI）」は、リアーナが18歳で慈善団体を立ち上げた人道主義者としての面も高く評価し、ユニセフ支援プロジェクトのアンバサダーに任命。以降、フリーダ退任後も「グッチ」とは良好な関係を続けている。　また、2014年に「プーマ（PUMA）」は女性への影響力の高さから、リアーナをグローバル・アンバサダーおよびウィメンズのトレーニングラインのクリエイティブ・ディレクターに招へいし、リアーナの本名「フェンティ」に由来するオリジナルライン「フェンティ プーマ（Fenty PUMA）」を設立。この頃、メンズのストリートシーンではカニエ・ウェスト（Kanye West）ことイェ（Ye）が主宰する「イージー（YEEZY）」が絶対的王者だったが、ウィメンズのストリートシーンは「フェンティ プーマ」が席巻しており、アイコンスニーカー「フェンティ プーマ クリーパー（Fenty Puma Creeper）」は世界的スニーカー専門メディア「フットウェア ニュース（Footwear News）」が発表する“2016年のベストスニーカー”に選出されていた。なお同ラインは、「他のプロジェクトに専念する」という理由から2017年のコレクションを最後に休止されていたが、先日「プーマ」の公式アカウントにて再始動のアナウンスがあったので、今年中になんらかの動きがあると見て間違いないだろう。実業家としても成功　「プーマ」とのタッグを組んで以降、リアーナはアーティストではなく実業家としてファッションおよびビューティシーンへの参画をスタート。2017年にLVMHモエ ヘネシー・ルイ ヴィトン（LVMH MOET HENNESSY LOUIS VUITTON）のバックアップを受けて立ち上げたビューティブランド「フェンティ ビューティ（FENTY BEAUTY）」は、幼い頃に肌の色が原因で差別された経験をもとに、「Beauty For All（全ての人を美しく）」を掲げ、あらゆるタイプの肌に効果的な処方と誰にでも合うカラーで展開。リアーナという看板以上に、白人主義の美容業界で長らく無き声とされていたダークトーンの肌を持つ消費者たちのニーズに応えたことで、初月だけで1億ドル（約139億円）以上の売り上げがあったという。　さらに、2019年にまたしてもLVMHと共にラグジュアリーブランド「フェンティ（FENTY）」を設立。LVMHがブランドを立ち上げるのは1987年の「クリスチャン ラクロワ（CHRISTIAN LACROIX）」以来2度目で、なおかつ有色人種の女性として初めて同グループとパートナーシップを締結したことでかなりの注目を浴びていたものの、パンデミックの影響からわずか2年で休止となってしまった。それでも、先の「フェンティ ビューティ」と2018年設立のランジェリーブランド「サヴェージ X フェンティ（SAVAGE X FENTY）」、2020年設立のスキンケアブランド「フェンティ スキン（FENTY SKIN）」は絶好調で、昨年には“アメリカにおける自力で財を成した最年少女性ビリオネア”となるなど、多様性や包括性の実現に取り組みながら大きな成功を収めている。型破りなマタニティコーデ　最後に、マタニティコーデについて。そもそも妊娠中の女性は、免疫力や感染症の観点から体を冷やすことが御法度とされており、マタニティコーデといえばお腹をカバーするのが主流だったが、リアーナはふっくらしたお腹も含めたスタイリングを発案。当初、この肌見せを積極的に取り入れたマタニティコーデには批判の声もあったが、アメリカをはじめとするマタニティ市場に新風を吹き込み、今や多くのブランドが肌見せを想定したアイテムをラインナップするようになったのである。まずは聴いておくべき10曲1曲目：Pon De Replay 1stアルバム「Music Of The Sun」（2005年）収録曲で、デビュー・シングル。“ダンスホール・レゲエに強力なビートを合わせたポップ・ソング”として高く評価された。 2曲目：Umbrella 3rdアルバム「Good Girl Gone Bad」（2007年）収録曲で、恩師ジェイ・Z（Jay-Z）とのコラボ楽曲。作曲者が多くのアーティストに同時に売り込んでいたため、メアリー・J. ブライジ（Mary Jane Blige）やブリトニー・スピアーズ（Britney Spears）が歌う可能性もあったが、紆余曲折ありリアーナのものとなった。グラミー賞では最優秀ラップ／ソング・コラボレーション賞を受賞。 3曲目：Love The Way You Lie エミネム（Eminem）の11thアルバム「Recovery」（2010年）収録曲。DVの加害者と被害者の歪んだ関係を表現した楽曲で、エミネムの“最も売れたシングル”となっている。 4曲目：Only Girl (In The World) 5thアルバム「Loud」（2010年）収録曲。全米シングルチャートの首位を獲得した9作目かつ、グラミー賞ではベスト・ダンス・レコーディング部門を受賞した一曲。 5曲目：We Found Love 6thアルバム「Talk That Talk」（2011年）収録曲で、カルヴィン・ハリス（Calvin Harris）とのコラボ楽曲。アップテンポのテクノ曲で、全米シングルチャートの首位に10週間も留まる大ヒットを記録し、27ヶ国でも1位を獲得した。 6曲目：Diamonds 7thアルバム「Unapologetic」（2012年）収録曲で、リアーナを代表するパワーバラード。「第57回NFLスーパーボウル」のハーフタイムショーでは、同楽曲がラストソングとして披露された。 7曲目：FourFiveSeconds アルバム未収録曲（2015年）で、ポール・マッカートニー（Paul McCartney）とイェ（Ye）ことカニエ・ウェスト（Kanye West）との豪華コラボ楽曲。ポールは歌わずギターで参加し、イェはラップではなく歌うという新鮮な作品。 8曲目：Work 8thアルバム「Anti」（2016年）収録曲で、ドレイクとのコラボ楽曲。その年の全米年間シングルチャートで4位を記録するメガヒットを記録し、楽曲名は“仕事”ではなくカリブ海周辺国で使われている“セックス”を意味するスラング。 9曲目：This Is What You Came For アルバム未収録曲（2016年）で、カルヴィン・ハリスとのコラボ楽曲。ハリスの元恋人テイラー・スウィフト（Taylor Swift）について歌っており、テイラー本人も制作に携わっている。また、「FIFA ワールドカップ ロシア 2018」の決勝戦後に会場で披露された。 10曲目：Lift Me Up 映画「ブラックパンサー／ワカンダ・フォーエバー」（2022年）のサウンドトラックで、ソロとしては約6年9ヶ月ぶりの新曲。監督ライアン・クーグラー（Ryan Coogler）らと共に、主人公を演じた故チャドウィック・ボーズマン（Chadwick Boseman）に捧げるために制作された。

PUMA

まずは聴いておくべき10曲も紹介

リアーナの押さえておくべき功績【連載：いまさら聞けないあのアーティストについて】

　小源寺亮太がオーナーを務める南青山のスタジオは、まるで都会のオアシスだ。あらゆるところに植物が置かれ、パウダールームの中でも鳥や虫の鳴き声が流れている。ここには老若男女の生徒が通っており、最高齢は70代だという。ポールダンスに対する”官能的な女性たちのショーダンス”というステレオタイプに囚われていると、あらゆる意味で裏切られる。　小源寺の言葉や身のこなしからは、ポールダンス界を牽引するパフォーマーならではの美意識とプロ意識が伝わってくる。「ストイックなわけではなく、ただ変態的にオタク気質なんですよ（笑）」と本人は謙遜するが、鍛え上げられた身体はギリシャ彫刻のよう。どの瞬間、どのポーズを切り取っても美しい。「男性がやってもいいんだ」という衝撃　ステージで見せる神話のような世界観とダイナミックな技術。その超絶技巧からは想像できないが「昔から運動が嫌い」と本人は明かす。「球技とかも全然ダメで『体育の授業があるから早退します』というような子どもだったんです（笑）ただ身体測定とか、自分の記録を伸ばすのは好きだったんですよね」。　歌手を目指し、17歳で福岡から上京。ダンスを本格的に始めたのはその頃だ。「自分に何が合うのか分からなくて、様々なダンスレッスンを受けていました。ある時、クラブイベントで偶然出会ったのがポールダンス。男性ダンサーの演技を見て『男性がやっていいものなんだ！』と衝撃を受けて。その方が楽屋に戻るところを引き止めて『僕もやりたいです。どこに行ったらできますか？』って聞いたのがきっかけです」。　それから11年。「スポーツジムで身体を鍛えるのは苦手だけど、ポールダンスはやっていくうちに筋肉も育っていく。レッスン毎にできることが増えていって『自分でもこんなことができるんだ！』という感動の積み重ねが自信をもたらしてくれたんですよね」。オリンピック種目になるかもしれない　ポールダンスは、スポーツともアートとも言われている。「僕は表現する方が好きなのでそういう大会に出場しているんですけど、"ポールスポーツ"としてオリンピックの種目入りを目指している団体もあって。それはポールをもっと認知してもらうためにはいい活動だと思っています。2028年ロサンゼルス五輪には——という噂も耳にしているので近い将来、実現するかもしれないですね」。　日本での選手人口も徐々に増え、競技としてどんどん広がりを見せている。「国によってトリックそのものや表現方法が違うから、見ていて面白いですよ。今はSNSで情報を共有できるから、ますます技術が進化しています。もともとバレエや体操をやっていた方たちが参入してくると、ものすごい動きが生まれるんですよね」。 世界一になるために必要だったもの　小源寺が出場する試合では身体表現だけではなく、曲に対しての動き、衣装やメイクを含め、いかにトータルの世界観を作り上げられるかが評価される。パワー系のトリックや、柔軟性を見せる動き、フロアでのパフォーマンス、会場がどれだけ魅了されたかという”エックスファクター”も採点対象になるという。　彼の独特の世界観を一言で表すならば「ファンタジー」。小源寺の妖精のようなキャラクターとパフォーマンスは、ステージ上に束の間の"異世界"を作り上げる。「正直なところ、始めた頃はやっぱり『優勝したい』という願望が強くて空振りしていたところがありました。でも挑戦する過程で、自分の身体や魂をもっと進化させていきたいという気持ちに変わっていって。『結果がどうこうではなく、色々な経験をしにいく』という意識に変わったタイミングで、賞をいただけたという感じです」。ファッションという魔法を操って　ポールダンスの選曲も振り付けも衣装も、基本的には全て自分で手掛けているという。この日まとっていたビジュー付きのショーツも、本人のお手製だ。「ファッションって『魔法』みたいですよね。僕は衣装で自分のキャラ設定ができるというか、『今度はこういうイメージで踊ってみたいな』と想像することも表現につながります。今日の撮影みたいに『誰かにかけてもらう魔法』もいいですね。新たな自分を発見できるし、色々な自分に変身できて楽しいです」。　そのファッションセンスは子供の頃から抜きん出ていた。「小学校に厚底のスニーカーを履いていって、休み時間にファッション雑誌を見たり、眉毛のお手入れをしてみたりとか（笑）雑誌で見るようなものは田舎ではなかなか手に入らないので、自分で作ったりリメイクしたりもしていました。周りの子たちからは変わった目で見られたりしていましたけど、ファッションへの強い憧れがあったんですよね」。 天と繋がり、自己を解放する瞬間　重力を感じさせない浮遊感と、ダイナミックな大技。筋力なくては成し得ないパフォーマンスにもかかわらず、小源寺のパフォーマンスはどこまでも軽やかだ。「僕にとってポールダンスは瞑想のようなもの。ポールという軸をコントロールすることで、自分自身にフォーカスできるように感じます。踊っているときや空中にいるときは、本当に天と繋がっているような感覚があるんです。無心になれるというか、心地良いんですよね」。　「逆に、空中に上りたいと思えない時はポールを触らないようにしています。身体の素直な反応を大事にしたいので、そういう時は身体をケアしたり整えたりしますね。やっぱり自分が苦しいと思っている時の演技って、見ている側も苦しいと感じるんです。だからまず自分が解放できていないと」誰もが可能性を持っていると信じて　自身の身体を「魂の入った器」と小源寺は表現する。「僕は普段、ストレッチや身体のケアをする柔軟のクラスを受け持っているんですが、いつも言っているのは『まずは器を整えましょうね』ということです。水の通りが悪いと植物も育たなかったりするじゃないですか。身体と魂（心）って直結しているので、身体が循環していくと思考や選択そのものが変わってくるんです」。　その変化を、実際に生徒からも感じたこともあるという。「ずっと自分自身をブロックをしていた方がいたんです。『こんな服を私は着るべきじゃない』とか言っていたり。でも身体の変化と共に思考そのものが変わっていって、最近ミセス・コンテストにエントリーしたそうです。それを聞いた時は嬉しかったですね。『誰もが可能性を持っているから自分自身を信じてほしい』と、僕はいつもみんなに伝えています。どんなふうにもなれるし、そう信じた瞬間から変わっていけるので、その手前で塞ぎ込まないでほしいな」。美しい伝統文化を引き継ぎたい　今後の目標を尋ねると「日本の伝統文化を、自分のフィルターを通して伝えていきたい」という意外な答えが返ってきた。「例えば、僕が習っている生け花との融合とか。伝統をちゃんと引き継いで、それを守りつつも自分のエッセンスを加えてやっていけたらいいな、と思います。アートも生け花もそうですが間（ま）が美しいんですよね、特に日本はそういうものを大切にしているので」。茶道や寺社仏閣巡りも好きだという小源寺。誰も見たことのない新たな表現とファンタジーが、また彼の身体から生まれていきそうだ。

ポールダンサー・小源寺亮太　空中で魅せるファンタジー【連載：BODY MAGIC】

■今月の必聴アーティスト：連載ページ　早耳な音楽フリークの方々にとっては既に知られた存在が登場するだろうが、復習も兼ねてファッション的新情報を得られるという心持ちで読み進めていただければ幸いだ。第14回は、さまざまな楽器を巧みに操る天才マルチ奏者で、ニューフレンチハウスのパイオニアとして名高いFKJについてお届け。独学で楽器演奏を研磨した10代　FKJとは、音楽プロデューサーのヴィンセント・フェントン（Vincent Fenton）のソロプロジェクト名のこと。ヴィンセントは1990年3月26日、フランス人の母親とニュージーランド人の父親の間にフランス・トゥールで生まれた。両親はどちらも学校の教師だったが音楽への造詣が深く、幼い頃の彼はクイーン（Queen）やピンク・フロイド（Pink Floyd）、レッド・ツェッペリン（Led Zeppelin）といったバンドをはじめ、ニーナ・シモン（Nina Simone）やビリー・ホリデイ（Billie Holiday）、マイルス・デイヴィス（Miles Davis）、セルジュ・ゲンスブール（Serge Gainsbourg）など、ジャンル問わず自宅にあったCDやレコードを聴く毎日を過ごしていたという。その後、ヴィンセントは自宅にあった音楽だけでは飽き足らず、ドクター・ドレー（Dr. Dre）やファレル・ウィリアムス（Pharrell Williams）ら1990年代後期～2000年代のヒップホップに加え、ソウル、ファンク、ゴスペル、レゲエ、ジャズ、ボサノヴァ、ジャマイカミュージックにも手を伸ばしたそうだ。　また、両親は特に楽器に明るかったわけではないが「なにがしかの楽器を彼に演奏してほしかった」と、7歳でサックスを、12歳でギターをプレゼント。だが教えることはできなかったため、ヴィンセントはYouTubeやインターネットを通じて独学で楽器演奏を研磨する中で、次第に楽曲制作にも興味を持ち、ギターだけでなくベースやドラム、キーボードも学び、13歳にして初楽曲を完成させたというから驚きだ。そして、その才能を発揮すべく14歳でギタリスト兼キーボーディストとして初のバンドを、17歳でキーボーディスト兼サクソフォーンとして2つ目のバンドを結成するも、明確な方向性が定まらず解散。高校卒業後は、パリで映画音楽を学ぶ傍らハウスミュージックのデュオとしても活動し、その過程でソロアーティストの方が性に合っていると気付き、FKJとして活動することとなったのだ。アイデンティティを表現したFKJというアーティスト名　そもそもFKJは“French Kiwi Juice”の略語で、これには彼の出自が関係している。というのも、“French”はフランス人の母親を、“Kiwi”は父親のルーツであるニュージーランドの名産キウイフルーツを、“Juice”は血を意味しており、FKJというアーティスト名で「フランスとニュージーランドの血がミックスされた人物」というアイデンティティを表現しているのだ。　本格的に活動し始めたのは2012年頃で、盟友セザーレ（Cezaire）とインディ・レーベル「ロッシュ・ミュージック（Roche Musique）」を設立し、ヒップホップ的なサンプリングとビートを軸に、R&Bの要素も含むメロウネスでアンビエントかつフューチャリスティックな楽曲を次々にリリースすると、主戦場の「サウンドクラウド（SoundCloud）」ですぐに市民権を獲得。特に楽曲「Lying Together」は初期を代表するスマッシュヒットとなり、同年にラッパーのトウキオー（TOWKIO）が「I Know You」という楽曲で大胆にサンプリングしたことでも話題となった（*無許可での使用だったが、のちに和解）。　だが、彼の名を一躍世界に知らしめたのは、2016年にYouTubeで公開されたシンガーソングライターのマセーゴ（Masego）とのインプロヴィゼーション（即興演奏）の様子を収めた動画だろう。「Tadow」と名付けられたこの約8分間の動画は、それまで一度しか対面したことがなく、この日が初めてセッションしたとは思えない2人の息のあったインプロヴィゼーションとなっており、FKJ自身も「天からの贈り物」と絶賛。現在までに4億4000万回以上の再生数を記録している。また、この「Tadow」でFKJが（マセーゴも）多様な楽器を1人で巧みに操るマルチ奏者であることが明るみとなり、人気を急上昇させる一員となったのである。飛躍の年となった2017年　「Tadow」で波に乗ったFKJは、2017年3月に待望のデビューアルバム「French Kiwi Juice」をリリース。複数の楽器で多様なジャンルを行き来する彼らしく、あえてコンセプトはなくツアーや旅行で訪れた場所での物事や瞬間を楽曲ごとに表現したといい、チャートでは好成績は残せなかったものの批評家と早耳リスナーの間では人気を博し、今なお彼を代表する作品として愛聴されている。ちなみに、「French Kiwi Juice」を引っ提げた同年の来日ライブは「カーハート WIP（Carhartt WIP）」によるサポートで開催されていた。　また時を同じくして、韓国の人気ダンススタジオ「1MILLION DANCE STUDIO」がYouTubeチャンネル（現在、登録者数2600万超え）で、FKJとトム・ベイリー（Tom Bailey）の楽曲「Drops」を使用したコレオグラフィーを公開したこともヒットに拍車を掛けた要因だろう。余談ではあるが、先日、FKJが2023年のアジアツアーを行った際に日本公演はなく韓国公演があったのは、上記動画を起因とした韓国での支持率の高さと、2019年の「サマーソニック（SUMMER SONIC）」での客入りの悪さが原因かもしれない。実際、韓国公演は国立代々木競技場・第二体育館と同等のキャパシティーを誇る「KBSアリーナ（KBS ARENA）」で大々的に行われており、BLACKPINKのジェニーも訪れライブ後には2ショットまで掲載していた。1MILLION DANCE STUDIO：YouTubeフィリピンでの日々と、((( O )))という存在　「French Kiwi Juice」のリリース後、世界各地でのツアーやライブに勤しみながら楽曲制作に励み、2019年12月にEP「Ylang Ylang EP」を発表した。タイトルは、精油やアロマオイルに利用される同名の南国の花イランイランを意味すると共に、FKJが数ヶ月を過ごしたフィリピンの地名が由来。そこではインフラが整っていないジャングルの中にスタジオを設置し、昼間のうちに貯めた太陽光を使用して夜間にのみ発電機を稼働して楽曲を制作するという、極めてオーガニックなシチュエーションでの日々を過ごしたそうで、一度聴けばそれが音作りに反映されていることが分かるはずだ。　なお、「Ylang Ylang EP」の直後にパンデミックが訪れたこともあり、ツアーを行えなかったFKJはフィリピンのスタジオを再現したかのようなセットでのライブ映像をYouTubeで公開しているので、ぜひ観ていただきたい。また余談であるが、2015年頃から不定期にコラボしていたフィリピンを拠点に活動する女性シンガー・ソングライターの((( O )))ことジューン・マリージー（June Marieezy）と同年3月に結婚。共にジャングルの中の例のスタジオに入り、((( O )))も同地でアルバム「((( 1 )))」を完成させたそうだ。そして余談の余談として、2人の結婚式のドキュメンタリーもYouTubeで公開されており、愛に溢れた内容と音楽になっているのでこちらもあわせてご覧いただければと思う。　公私で充実の時を過ごすFKJは2022年に、2017年以来となる5年ぶりの2ndアルバム「V I N C E N T」をアナウンスした。ロサンゼルスを1人旅している時に芽生えた“ティーンの頃の自由さ”というアイデアを軸に、((( O )))との住まいでもある自宅スタジオにて制作。愛妻((( O )))やリトル・ドラゴン（Little Dragon）、トロ・イ・モア（Toro y Moi）らゲストアーティストを迎えることで、FKJらしさを残しつつ新たな境地も感じ取れる。特に、2曲目のサンタナ（Santana）との「Greener」は必聴だ。なんでもFKJは、幼い頃にラジオから流れてきたサンタナの「Smooth」を録音して何度も聴いていたそうで、憧憬の人物との楽曲は哀愁が漂うギターが程良いアクセントのネオソウル・ジャムに仕上がっている。　最後に、筆者おすすめのFKJのライブ映像でお別れしたい。それは、音楽と観光を同時にプロモーションするライブストリーミング・メディア「セルクル（Cercle）」に彼が出演した1本だ。“天国に最も近い場所”と称される南米ボリビアのウユニ塩湖を舞台に、FKJが流麗に多様な楽器を操る90分間のパフォーマンスを披露しており、幻想的な景色と相まって何度観ても時間を忘れる素晴らしい映像となっている。

【今月の必聴アーティスト】FKJ編　多様な楽器を操る才人マルチ奏者

「岸辺露伴」の衣裳はどのようにして生まれたのか、デザイナー 柘植伊佐夫の“ファッション的ではない”思考回路

とみざわみーこ／シンディ・ヨシエダ1974年栃木県生まれ。1997年から手芸作家として活動を始める。2019年シンディ・ヨシエダとして、ライブハウスや編み物イベントで「編み語り」を開始。フィンランドで開催されている「ヘヴィメタル編み物世界選手権大会」に3年連続で出場し、決勝戦に出場している。公式インスタグラム／公式ツイッター手芸作家シンディ・ヨシエダって何者だ？ーシンディさんの本業を教えてください。　「よしえだ製作所」という屋号で、テレビ局から依頼を受けて着ぐるみなどを作っています。ー編み物や縫い物を生業とされていますが、服飾学校を卒業されているんですか？　全然違います。地元の栃木県宇都宮市にあるグラフィックデザイン系の短大を卒業しました。ー卒業後、すぐに上京したんですか？　と、思いますよね。でも私は、プータローになりたかった（笑）。だから、就職活動もせず、バイトだけで暮らす生活を5年くらい続けました。そして突然「そろそろちゃんとするか」と思い立ち、なんのツテもなく東京に来ました。ラッキーなことに、同級生が日テレの舞台美術を手掛ける会社に勤務していて「なんか楽しそう」くらいのテンションで就職を決めました。それが、25歳くらいの時。ーでは、編み物を始めたきっかけは？　両親が編み物が好きで。小さい頃から、あまりにも身近な存在だったんです。だから、明確にきっかけがあったわけじゃないんですよね。でもまさか仕事になるなんて思わなかった。　私、編み物で何かを作り上げることも好きなんですけど、編む時の手の動きや、一定のリズムで編み目が出来上がっていく様子に心が躍るし、編み地も模様として好きなんです。学生の頃、美大を目指して絵を描いていたりもしたんですが、描き上げるまでの過程が辛いから、常に面倒臭かった。でも、編み物は編む工程そのものが好きだから苦じゃないんです。「あ、失敗した」と思って編み終わったものを解いて、編み直すのも全然辛くない。やっぱり、そういうものが一番続くのかな、と最近は思いますね。ヘヴィメタル世界選手権大会とは？ーあらためて「ヘヴィメタル編み物世界選手権大会」について教えてください。　簡単に言えば、フィンランドのヨエンスーという街の村興しとして2019年から開催されている大会で、ヘヴィメタルが鳴り響く中で、編み手が得意の編み技を披露し、そのパフォーマンスクオリティを競う競技です。国が大会を運営していて、毎年7月に決勝が同地で行われています。フィンランドの夏は、すごく短いんですよ。だから、エアギター大会とかヘヴィメタル編み物世界選手権大会とか、おかしな大会が夏にいっぱい催されるんです（笑）。ーそもそもどうして、編み物とヘヴィメタルを組み合わせた大会が考案されたんでしょうか？　「フィンランド人がどっちも好きだから」というゆるい理由だったと聞いています（笑）。元々、フィンランドはヘヴィメタルバンドが世界一多い「メタル愛好大国」で、かつ、冬が長く暇を持て余しがちなため手工芸が盛んで、フィンランド人はみんなニットを編むのが好き。それである日、手芸関係者が編み物をしているフィンランド人に「一流ギタリストのように、目を閉じ、手を首の後ろに回して編むことは可能ですか？」と質問したところ「編めるに決まっているだろ！」と答えたことがきっかけとなって、大会化されたそうです。シンディ・ヨシエダと同大会を結びつけた「アマーシャル」という芸ーシンディさんが、ヘヴィメタル編み物世界選手権大会への参加を決めたきっかけは？　これも本当にたまたまなんですよ（笑）。私の友人でヘヴィメタを心から愛している人がTwitterでリツイートしていたのをみたんです。当時、私は「編み語り」というイベントをやっていて、親和性があるかも、と。ー編み語り……？　「アンプ型編み機『アマーシャル』に、ギターを繋いで編み物に関する歌を歌うと、何かが編み上がるよ」という私の芸です（笑）。実際には、アンプ付きのギターで音を出し、演奏が終わったタイミングで、アマーシャルの中に予め編んでおいた作品を「さあ、何が編み上がったでしょうか」と言って出すんです。タネと仕掛けしかない手品風の芸です（笑）。 　きっかけは、よく行くライブハウスのイベントで出し物をお願いされたこと。「せっかくライブハウスなんだから」という理由だけで、編み物とギターを組み合わせたんですよね。ー「編み語り」でシンディさんが編み物とギター組み合わせていたように、ヘヴィメタル編み物世界選手権大会が、ヘヴィメタルと編み物を組み合わせていたことに親近感が湧いたんですね（笑）。　そうなんです。編み語りをやっていなかったら、多分出場しようなんて思わなかったんじゃないかな。ライブハウスで知り合った友人たちが「音楽と編み物なんて、『編み語り』をやっているシンディ・ヨシエダは出るべきでしょ」って適当に言うんですよ。それを真に受けて「出るしかないか！」と（笑）。ヘヴィメタル編み物世界選手権大会の出場方法ー大会の参加条件は？　1分間の課題曲が与えられ、その音楽をベースにした編み物をしている動画を送るのが条件です。その動画が選出されれば決勝進出です。でもね、決勝が行われるフィンランドに行く旅費は実費なんですよ。「100%実費でフィンランドの会場に来れる人は来てね」と。ーシンディさんは、2019年の初参加時にどのような動画を制作したんですか？　「アマーシャルに編み針を繋いだら、大会のメインヴィジュアルがデザインされたニットセーターが編み上がったよ」という動画を送りました。ーこのニットは全て手編みですか？　土台だけ編み機を使っていて、あとは手編みです。デジタル上で製図を作ってから編む人もいると思うんですけど、私はそういうのが苦手なので、製図なしで仕上げました。というのも、本業のテレビ局から依頼されて作る着ぐるみは、本当に短納期で「3日で作ってください」とかもざらにある。だから、製図なしで編み足す方法が染み付いていて。編んでいる途中に、その場でサイズ変換したりできるようになりましたね。ー決勝戦で行われる審査はどのような内容なんですか？　決勝戦当日にくじ引きで楽曲が決められます。1分間のパフォーマンス時間が与えられてルールは「1分間に必ず一目だけは編むこと」だけ。それ以外は、あとは何をやってもOKということになっています。シンディ・ヨシエダのパフォーマンスは48:00あたりからー審査では、どういったとことに注目されているんですか？　それが、決勝はおろか動画審査の「審査基準」は開示されていないんですよ。ー審査員のコメントももらえないんですか？　そうなんですよ。正直、頑張りようがないですよね（笑）。私、決勝に行ける自信はあるんです。なぜなら、決勝進出者を選ぶ審査員は、ニッティングの講師をやっている人で、純粋に編み物のクオリティも見てくれるから。決勝の審査員も、過去二大会はヘヴィメタルバンドメンバーが2人と、ニッティングの講師1人で構成されていたんですが、昨年は、審査員がヘヴィメタルバンドメンバー2人と、ヨエンスーの観光施設の人に代わっていました。ー編み物のクオリティを見てくれそうな人が審査員ではなくなった、と。　いまや、編み物にこだわっているのは私だけなんじゃないかな（笑）。それだと優勝は遠いですよね。どちらかというと、1分間のパフォーマンスの中で、賑やかに盛り上がって「なんかすごかった！」というチームが優勝している印象です。ーちなみに、優勝すると何がもらえるんですか？　賞金があるわけでもないし、別に大したものが貰えるわけでもないんです。湖畔にあるホテルのペアチケットとか、毛糸とか、トロフィーとかだった気がします。ーではなぜ、優勝を目指すんでしょうか？　負けず嫌いだからなのかな。「優勝」っていう響きがやっぱり良いじゃないですか。しかも世界選手権だし。ただ、知らない人が聞いても「は？」という称号ではあるんですけどね（笑）。それに、今のところ同じ大会に出ている人で「すごいな」と心から思える人がいなくて。なんで私が勝てないんだろうと少し思っちゃっているんですよね。ー今年こそ優勝を目指す？　うーん。今年は、決勝戦には行かないかもしれない。ーなぜですか？　旅費が自費というのが大きい。私、毎回友人に借金してフィンランドの決勝戦に行っているですよ。まだ返済できてないし、心の優しい人たちだから更に貸してくれそうだけど、「もうこの大会で私は勝てないだろうな」とちょっと思っちゃってるから。シンディ・ヨシエダの次の目標は「ウミウシのギネス記録」ーでは、次に目指している「負けず嫌い欲」を満たす「優勝」は何かありますか？　いま、「ウミウシ」という海洋無脊椎動物の形をしたアクリルたわしを編んでいるんです。3年前くらいに100匹編んだんですが、それからコロナ禍で暇になって、夏の間は毎日ウミウシを編むようにしていたんです。その時に目標として「999匹のウミウシを編もう」となんとなく決めて。今、950匹くらい編み終わったんですけど、それを見た周りの友人たちがまた面白がって「ギネス記録に申請しなきゃね」と（笑）。私もまた乗せられて、ギネス記録の申請方法を調べたら全然申請できるし、ギネス記録認定されるかもということがわかってきたんですよね。ー具体的に、ギネス記録の申請の条件とはどのような項目なんでしょうか？　別に何もないんですよ。今回の私の場合だったら、作品が本当にあるかどうかを提示するだけ。今、インスタグラムに一匹ずつ投稿しているので、それがそのまま証拠になるかな、と。それに、申請するためにお金もかからないんです。お金を支払うと、早く申請を受理してくれるみたいなんですが、時間はたくさんあるから、コスパよくギネス記録を取得を目指そうかな、と。ーウミウシを編んでいる人は他にいないんですか？　います。でも、999匹はいないかな。誰もやらないから「優勝」できる。不戦勝だけど、誰もやらないところを攻めるのは私らしい気がして。ーユーモアあふれる経歴ですが、自分ではご自身のことをどのように分析されていますか？　面白いことが好きなんですよね。極論、笑いこそが一番素晴らしいと思っています。だからといって、芸人になろうと思ったことはないんですけどね。なんというか、正統派が恥ずかしいと思っているのかもしれません。　負けず嫌いで、勝ちたい欲求もあるけど、私は正統派では勝てないこともわかっているとでも言えば良いんでしょうか。今も別に「編み物で食べていけているか」と問われれば、ギリギリ食べていけていないから勝ち組ではないんですけど、本当にフィンランドにヘヴィメタル編み物世界選手権大会の決勝戦に行ってしまうとか、ウミウシでギネス記録を目指すような馬鹿馬鹿しさは誰にも負けていないと思っているし、それで十分だなって。そのユーモアだけで、勝ちたいという欲求を満たせているんですよね。（聞き手：古堅明日香）

北欧発の「ヘヴィメタル編み物世界選手権」って知ってる？借金をしてまで決勝に進出する手芸作家に聞く

ゴキゲンズって？　モーニング娘。のOGでアパレルブランド「フクウ（fukuu）」のディレクターを務める高橋愛さんがリーダーとなり結成したダンスボーカルユニット「ゴキゲンズ（GOKI-GENs）」。元々モーニング娘。のファンだったという「ビームス（BEAMS）」プレスの藤井早希子さんと、ハロオタで”ハロプロPR”を自称するHarumi Showroomのファウンダー兼PRディレクターの春海茜さんの3人で活動をスタートし、今年で結成3年目。3人が目指す場所は、「アイドルの聖地」とも言われる日本武道館。プロデューサーにお笑い芸人のあべこうじさんを迎え、日々トレーニングを重ねています。　主な活動は、高橋さんのYouTubeチャンネル「高橋愛lab。」内で、モーニング娘。の楽曲の「ダンス練習してみた」と「踊ってみた」を不定期に更新しているほか、昨年12月にルミネtheよしもとで行われたあべこうじの漫談舞台「あべこうじのおしゃべりさせていただきます。」にゲスト出演し、ライブデビュー。今年3月には、2度目のライブ「あべこうじプロデュース～GOKI-GENs武道館への道」に出演。オリジナル楽曲とモーニング娘。の楽曲のカバーダンスと生歌を披露しました。結成の経緯　ゴキゲンズは、2021年春に結成。高橋さんのYouTubeチャンネル「高橋愛lab。」にモーニング娘。の楽曲のダンス動画「踊ってみた。」を投稿したことから活動がスタートしたそうです。　ゴキゲンズの名前の由来は、高橋さんがモーニング娘。現役時代に5期生だったことによる「ゴキ（5期）」と、「ジェネレーション（Generation）」を組み合わせた造語。名付け親の春海さんによると、「ご機嫌でやろう！」という意味も込められているそうです。MV撮影に密着！　ゴキゲンズは、3月のライブで新曲「好きを言葉に変えて」を発表。4月某日には、初となるMVを撮影！FASHIONSNAPでは、吉本興業東京本部で行われた撮影現場に密着しました。　まずは、メンバー1人1人のソロショットから撮影スタート。風を当てながら、自然な笑顔を作るためにダジャレを言い合う一コマも。　MVのコンセプトは、アイドルとしての顔と仲良し3人組の普通の女の子としての顔という表と裏の2面性。独自の"ハロプロらしさ"は盛り込みながら、1990年代のJ-POPやY2Kのテイストを掛け合わせた雰囲気をイメージしたそう。　MV衣装は、楽曲のコンセプトに合わせて3種類を用意。ソロショットでは、表に立つゴキゲンズとして「はじめまして」の意味を込め、それぞれのメンバーカラーを入れて覚えてもらいやすいようにスタイリングを組んだそう。メンバーカラーは、高橋さんが黄色で、春海さんが緑、藤井さんが赤。 　ソロカットの後は、廊下でラップシーンを撮影。リップシンクをしながら、カメラに向かって歩くカットです。歩く速度や見せ方にも工夫が必要なようで、「どうしても前に出過ぎちゃう！」と試行錯誤。カメラマン、ディレクターと共に確認しながら、何度もテイクを重ねます。　最後は、屋上でダンスシーンを撮影。まずはプロデューサーのあべこうじさんの撮影からスタート。　サビの振り付けは、あべさんが考案したそう。「プロデューサーっぽく！」というディレクターの指示のもと、表情豊かにダンスを披露し、なんと一発OKとなりました。衣装は自前だそうで、ジャケットのピンクのスパンコールが輝いていました。　あべさんの撮影が終わったら、衣装チェンジしたゴキゲンズの3人が登場。屋上での衣装は、デニムと風になびくシアー素材を使って、色味を少なめにスタイリング。衣装に使用したアイテムは全てメンバー3人の私物で、そのほとんどが高橋さんの物なんだとか。■着用ブランドレイ ビームス（Ray BEAMS）／ホリデイ（HOLIDAY）／ラングラー（Wrangler）xトーガ（TOGA）／ヘンネ（HAENGNAE）／ラインヴァンド（LEINWANDE）／フミエタナカ（FUMIE TANAKA）／サロモン（Salomon）／シモーン・ロシャ（Simone Rocha）×H&M／メゾン スペシャル（maison special）／エントワフェイン（ENTWURFEIN）／ジャックムス（Jacquemus）など　暑い日差しの中、ダンスシーンを1曲通して撮影。メンバー1人1人にフォーカスしたカットや、遠くから撮影したカットなど、さまざまなバージョンを撮影します。 　ダンスシーンの撮影が終わると、撮影はオールアップ！無事に完成したMVはこちら。「遊びの延長と思われたくない」ゴキゲンズこぼれ話　次回のゴキゲンズのライブは、青森を拠点に活動するボーカルグループ「ライスボール」との2マンライブ。6月10日に青森・弘前市のライブハウスKEEP THE BEATで開催されます。47都道府県制覇に向けて着々と活動中です。GOKI-GENs：InstagramFASHIONSNAPでは連載「業界人が本気で遊んだら」企画に参加いただけるチーム・団体を募集中！ファッション業界をはじめ、さまざまなクリエイティブな業界に携わる皆さま、ぜひ press@fashionsnap.com までご連絡ください。お待ちしています！（企画・編集：張替 美希）

業界人が本気で遊んだら：ゴキゲンズ編　目指すは武道館、“ハロオタ”によるニュージャンルのアイドルユニット

■いまさら聞けないあのアーティストについて：連載ページワン・ダイレクションのメンバーとして　ハリー・スタイルズは、1994年2月1日にイングランドのウスターシャー・レディッチで生まれた。両親はハリーが7歳の時に離婚し、母親が2013年に再婚するまでは女手ひとつで育てられ、幼い頃からエルヴィス・プレスリー（Elvis Presley）やビートルズ（The Beatles）を歌う音楽好きだったという。　中学生になると友人らとバンドを結成。歌唱力に自信が無かったというが、地元のバンド大会で優勝し、アルバイト先のパン屋で鼻歌を歌っているところをスカウトされるなど、次第に自らの歌唱力が秀でた才能であることに気付き、16歳でイギリスの人気オーディション番組「Xファクター（The X Factor）」に腕試し感覚でエントリー。結果は残念ながら脱落となったが、名物審査員のサイモン・コーウェル（Simon Cowell）から同じくオーディションに出演していたナイル・ホーラン（Niall Horan）、リアム・ペイン（Liam Payne）、ルイ・トムリンソン（Louis Tomlinson）、ゼイン・マリク（Zayn Malik）と共にボーイズグループを結成することをアドバイスされ、ワン・ダイレクション（One Direction）のメンバーとしてデビューした。ちなみに、ワン・ダイレクションのグループ名はハリー考案で、「別々の場所から来た5人が、ひとつの場所（ワン・ダイレクション）に向かう」というメッセージが込められているそうだ（＆単に響きが良かった）。　その後のワン・ダイレクションでの活躍は、ご存じの通り。イギリス出身のグループとして史上初めて全米アルバムチャートで初登場1位を獲得したデビュー作「Up All Night」を含む5枚のアルバムを、2010年から無期限の活動休止を発表した2016年までにリリースし、全世界で合計7000万枚以上のセールスを記録。活動休止中の2023年現在も、「スポティファイ（Spotify）」では約4000万の月間リスナーを抱えている。“元アイドル”のイメージを自ら払拭　ワン・ダイレクションの活動休止前からソロ活動に意欲的だったハリーは、2016年2月にワン・ダイレクションのマネジメント会社を脱退し、6月に「コロンビア・レコード（Columbia Records）」とソロアーティスト契約を締結。1年を通して世界各国のスタジオに入り腕を磨くと、翌年4月に待望の初ソロシングル「Sign of the Times」をリリースした。同楽曲は見事全英シングルチャートで1位を獲得し、MVもUK最大の音楽の祭典「ブリット・アワード 2018（The BRIT Awards 2018）」でブリティッシュ・ビデオ・オブ・ザ・イヤー賞を受賞。さらに、米ローリングストーン誌が発表した“2017年のベストソング50”では、ケンドリック・ラマーの（Kendrick Lamar）の「Humble.」や、エド・シーラン（Ed Sheeran）の「Shape of You」を抑え、堂々の1位に選ばれたのだ。　こうして“元アイドル”のイメージを払拭し、“ロックミュージシャン”として華々しいソロキャリアの幕を切ったハリーは、同2017年5月に自身の名前を冠したソローデビューアルバム「Harry Styles」を発表。ワン・ダイレクション時代のハリーを良い意味で裏切った古風なソフトロックを前面に押し出した結果、なんと全米と全英で1位を獲得するだけにとどまらず、55ヶ国のチャートで首位となる快挙を達成し、わずか1作で音楽的評価の確立に成功したのだ。　続く2ndアルバム「Fine Line」はより自由な音楽性を求めて制作され、コロナ直前の2019年12月にリリースされた。同作は、2作連続で全米初登場1位を獲得したことをはじめ、現在までに全世界の累計ストリーミング再生回数が50億回を超え、米ローリング・ストーン誌が選ぶ「歴代最高のベストアルバム500」に選出。また、シングルカットされた「Watermelon Sugar」は自身初の全米シングルチャート1位の座に輝き、第63回グラミー賞では最優秀ポップ・ソロ・パフォーマンス賞を受賞。デビュー13年目にして念願のグラミー賞受賞アーティストの仲間入りを果たし、長らく不在だった絶対的なメンズのポップ・アイコンおよびロックミュージシャンとしての地位を確固たるものにしたのである。傑作とブリティッシュスターの誕生　「Fine Line」のリリース後は、パンデミックによる予期せぬ人生初の長期休暇を手に入れ、友人たちと遊びの延長で3rdアルバム「Harry's House」の制作に着手。同時に、ビリー・アイリッシュ（Billie Eilish）らの活躍を目の当たりにし、「もう自分はポップス界の若手有望株の座を争う立場にない」と肩の荷が降り、非常にリラックスした状態で作品に向き合えたという。　「Harry's House」について書き進める前に、2022年4月に開催された世界最大級の音楽フェス「コーチェラ・フェスティバル（Coachella Festival）」への出演について少し触れたい。ハリーは初出演ながらも初日のヘッドライナーという大役に抜擢されると、歓迎ムード一色では無かったが、その完成されたパフォーマンスで改めて“元ワン・ダイレクションのアイドル”という枕詞を過去のものとし、出演後にはスポティファイのリスナー数を約750万人以上も増加させるという世界規模のバズを巻き起こすことに成功したのだ。なお後述するが、煌びやかなレインボーのジャンプスーツは、懇意の仲にある「グッチ（GUCCI）」が制作した特注衣装である。　話を「Harry's House」に戻すと、随所にハリーの強烈な個性が見え隠れしながらも全体的にリラックスムードが漂う仕上がりとなり、前2作とは全く異なる作風に。チャートでは全米と全英で首位を獲得し、第65回グラミー賞では最優秀アルバム賞と最優秀ポップ・ボーカル・アルバム賞を、「ブリット・アワード」では最多4部門を受賞。また、スポティファイにおいて“2022年に世界で2番目に再生されたアルバム”となったほか、収録曲「As It Was」も“2022年に世界で最も再生された楽曲”となり、名実共にデヴィッド・ボウイ（David Bowie）やフレディ・マーキュリー（Freddie Mercury）らの流れを汲むブリティッシュスターとなった。　なお、「Harry's House」というタイトルは、細野晴臣が1973年に発表した1stアルバム「HOSONO HOUSE」に着想したとハリーは公言しており、2023年3月の来日公演の際には細野邸に出向き対顔を果たしている。「グッチ」との蜜月な関係　スターというものは、そのカリスマ性から音楽面だけではなくファッション面でも世間を賑わすもの。ハリーはその点、恵まれたルックスと共にジェンダーの流動性を楽しむ姿勢でも注目が集まるようになり、現代におけるファッションアイコンとしての地位を確立してきた。　だが、彼がファッションに目覚めたのは18歳と遅咲き。なんでも、人生初のファッションショーとなった「バーバリー（Burberry）」の2013年春夏コレクションのフロントローに招待されたことが明確な目覚めだったそうで、それ以降はファッションにどっぷり。以来、ツアー時には数十着の衣装を特注でデザインし（実際に着用するのは数着）、着用した全ての衣装を低温管理されたクローゼットに保管しているという。　そして、ハリーのファッションおよびヴィジュアルイメージを語るうえで欠かせないブランドがグッチだ。もともとは、ワン・ダイレクション時代の2015年に参加した「アメリカン・ミュージック・アワード（American Music Awards）」で、その頃ハリーのスタイリストだったハリー・ランバート（Harry Lambert）が、同年1月にアレッサンドロ・ミケーレ（Alessandro Michele）がクリエイティブ・ディレクターに就任したばかりのグッチの花柄のセットアップを試験的に着せたことが始まり。この日を境にハリーはミケーレが手掛けるグッチがお気に入りとなり、2017年に行ったワールドツアーの衣装をグッチに依頼。こうして両者の結びつきは強くなり、2018年3月には、グッチのテーラーリング・キャンペーンのヴィジュアルにハリーが登場し、生粋のイングランド人らしく（ペットの鶏と犬を連れて）フィッシュ＆チップスをオーダーするというストーリーが描かれた。　その後も両者の関係は続き、2019年の「メット・ガラ（Met Gala）」で話題をさらった黒いレースのシアートップスとドレスパンツも、「ヴォーグ（VOGUE）」のアメリカ版創刊127年の歴史で初めて男性単独表紙を飾ったドレスも（2020年12月号）、2021年と2023年のグラミー賞授与式に出席した時のスーツも、2022年の「コーチェラ」の衣装も、アイコニックなシーンは全てと言っていいほど「グッチ」を着用。2022年11月にミケーレが「グッチ」を去る直前には、ミケーレがハリーに「一緒に夢のワードローブを作ろう」と提案したことに端を発するコラボコレクション「ハ ハ ハ（HA HA HA）」まで発表していた。なお、ミケーレ退任後も「グッチ」とは変わらず良好な関係は続いている。　最後に、ファッションアイコンがゆえにSNSで巻き起こったバズをご紹介したい。2020年2月にハリーが某TV番組に出演した際、「ジェイ ダブリュー アンダーソン（JW ANDERSON）」のマルチカラーのカーディガンを着用していたのを観た1人のファンが、同様のカーディガンを自ら鍵編みで作る様子をTikTokに投稿。すると、これが「#HarryStylesCardigan」としてトレンドになり、関連動画が数百万回以上も再生されるバズ化。あまりの盛り上がりぶりにジェイ ダブリュー アンダーソンがファンの熱意に応える形でカーディガンのパターンを公開し、最終的に“DIYを重視する方向へシフトするファッション業界の一例”としてロンドンのヴィクトリア＆アルバート博物館に収蔵されたのであった。まずは聴いておくべき10曲1曲目：What Makes You Beautifulワン・ダイレクションの1stアルバム「Up All Night 」（2011年）収録曲。全米シングルチャートでは初登場28位を記録し、1998年以降のUKアーティストのデビューシングルとしては最高位となった。 2曲目：One Way Or Anotherワン・ダイレクションのアルバム未収録曲で、アメリカのロックバンド、ブロンディ（Blondie）の同名楽曲のカバーソング。イギリスのチャリティ団体「コミック・リリーフ（Comic Relief）」が主催するイベント「レッド・ノーズ・デイ（Red Nose Day）」のテーマソングで、MVには当時の首相デーヴィッド・キャメロン（David  Cameron）らがカメオ出演している。 3曲目：Story of My Lifeワン・ダイレクションの3rdアルバム「Midnight Memories」（2013年）収録曲。メンバー全員でリリックを書いた楽曲で、日本ではNTTドコモのCMソングに起用されたことでも話題に。 4曲目：Night Changesワン・ダイレクションの4thアルバム「FOUR」（2014年）収録曲。メンバー全員でリリックを書いた楽曲で、ゼイン・マリク脱退前最後のシングル。TikTokでカバーソングがバズったこともあり、Spotifyではワン・ダイレクションの中で最も再生された楽曲となっている。 5曲目：Sign of the Times1stアルバム「Harry Styles」（2017年）収録曲。初のソロシングルで、見事全英シングルチャートで1位を獲得。 6曲目：Kiwi1stアルバム「Harry Styles」（2017年）収録曲。ライブで披露するたびに客席から本物のキウイが投げ込まれ、ハリーが転倒しそうになっていたことも。 7曲目：Watermelon Sugar2ndアルバム「Fine Line」（2019年）収録曲。自身初の全米シングルチャート1位を記録するだけではなく、グラミー賞の最優秀ポップ・ソロ・パフォーマンスも受賞。 8曲目：Adore You2ndアルバム「Fine Line」（2019年）収録曲。ハリー屈指のラブソングで、“Adore”のバックワードでもある架空の島“Eroda”を仕立て上げた壮大なSNSプロモーションも話題に。 9曲目：As It Was3rdアルバム「Harry's House」（2022年）収録曲。自身2度目となる全米シングルチャート1位を獲得し、「コーチェラ・フェスティバル」ではオープニングを飾った。 10曲目：Music For a Sushi Restaurant3rdアルバム「Harry's House」（2022年）収録曲。和訳すると「寿司屋のための音楽」だが、全く和の要素は感じさせないアルバムを象徴するレトロなメロディック・ポップに仕上がっている。■いまさら聞けないあのアーティストについて：連載ページ