インサイド

■今月の必聴アーティスト：連載ページ　早耳な音楽フリークの方々にとっては既に知られた存在が登場するだろうが、復習も兼ねてファッション的新情報を得られるという心持ちで読み進めていただければ幸いだ。第10回は、2019年にコム デ ギャルソン インターナショナルのバックアップのもと、ファッションブランド「ハニー ファッキング ディジョン（Honey Fucking Dijon）」を立ち上げた黒人のトランスジェンダーDJハニー・ディジョン（Honey Dijon）についてお届け。忍び込んだクラブでハウスに魅了された13歳　ファッションシーンにおける2010年代は、大きな転換期を迎えたディケイドだった。その最たる例が、2017年1月に「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」の2017年秋冬メンズコレクション内で披露された「シュプリーム（Supreme）」とのコラボレーションに代表されるラグジュアリーとストリートの邂逅だろう。この後世に語り継がれるエポックメイキングなコレクションを音楽面でサポートしていたのが、今回紹介するハニー・ディジョンだ。　ハニー・ディジョンこと本名ハニー・レドモンド（Honey Redmond）は、“ハウスミュージックの聖地”として名高いアメリカ・シカゴ生まれ（年齢不詳）。子どもの頃から自宅で両親のためにDJ（単に好きな音楽をかけていた）を披露し、13歳の時に偽造の身分証明書を手に忍び込んだクラブで聴いた“ハウスの父“の1人と呼ばれるフランキー・ナックルズ（Frankie Knuckles）のDJプレイからハウスの虜となり、“シカゴハウス第2世代”を代表するデリック・カーター（Derrick Carter）に弟子入りする形でハウスDJとしてのキャリアを歩み始めた。これが、1990年代初めのことである。ちなみに、ハニー・ディジョンは“史上最高のダンスソング”としてフランキー・ナックルズの「Your Love」を挙げている。　1990年代後半になると、新しい音楽と居場所を求めてニューヨークに移住。そして、“NYハウス界のレジェンド”であるダニー・テナグリア（Danny Tenaglia）と出会ったことで、彼に影響を受けた王道的なグルーブのNYハウスとルーツであるディープで官能的なシカゴハウスに、カルチャーの坩堝という土地柄からヨーロッパ諸国の影響をミックスさせ、早々とハニー・ディジョンとしてのオリジナリティを確立していった。現在はドイツ・ベルリンを拠点にプロデューサーとしても活動しており、その自由で多様な音楽性はさらに加速。ライブ配信プラットフォーム「ボイラールーム（Boiler Room）」を一聴（一見）すると分かるはずだ。　直近の大仕事といえば、ハニー・ディジョンを「世界で1番好きなDJ」と絶賛するビヨンセ（Beyoncé）との協業だろう。さまざまな音楽メディアの“2022年の年間ベストアルバム”に取り上げられたビヨンセの7thアルバム「RENAISSANCE」は、ハウスとダンスに重点を置いた作品で、ハニー・ディジョンは「Cozy」と「Alien Superstar」の2曲にプロデューサーとして参加。さらに、リードトラック「BREAK MY SOUL」は、1990年代のハウスの名曲「Show Me Love」をサンプリングしているのだが、同楽曲をリミックスしたEP「BREAK MY SOUL REMIXES」の1曲をハニー・ディジョンが担当し、トランスのリズムやトライバルなドラム・ビートを加えている。NYハウス界でファッションシーン進出のきっかけを掴む　少し時計の針を戻すが、13歳のハニー・ディジョンがハウスに魅了された理由は音楽性だけではない。その一つが、学校でいじめられていたトランスジェンダー女性（MtF）の自分を初めて受け入れてくれる“マイノリティーの居場所”としての側面だ。そもそも、ハウス発祥（1977年）のディスコ「ウェアハウス（The Warehouse）」の主な客層が黒人のゲイでフランキー・ナックルズも当事者だったように、アフリカンアメリカンのLGBTQ+コミュニティーはハウスの誕生と発展に大きく関わっている。　ハニー・ディジョンが拠点を移した1990年代のNYハウス界にもこのムードは当然あり、より人種と職業の間口が広かったことから彼女のパーティーには、ゲイの多いファッション業界で働くデザイナーやフォトグラファー、スタイリストといったオーディエンスも多数足を運んでいたそうだ。その1人が、現在「ディオール（DIOR）」のメンズと「フェンディ（FENDI）」のウィメンズを手掛けるキム・ジョーンズ（Kim Jones）である。　ハニー・ディジョンは、2002年のセントラル・セント・マーチンズの卒業コレクションの時からキムのことを知っていたそうで、2人は翌2003年にニューヨークで出会うと意気投合。キムがルイ・ヴィトンのメンズを率いていた頃（2011～2018年）は、ラストコレクションとなった2018年秋冬メンズコレクションをはじめ6年にもわたってショーBGMを担当し、キムがディオールを手掛けるようになってからも時折ハニー・ディジョンが音楽を添えている。　この他にもニコラ・ジェスキエール（Nicolas Ghesquiere）やリック・オウエンス（Rick Owens）、リカルド・ティッシ（Riccardo Tisci）らと親交を深め、彼らのブランドのパーティーでプレイすることも次第に増え、居場所だったハウスはファッションシーンへの扉を開く足掛かりにもなった。だが、彼らとの関係性もさることながら、ハニー・ディジョンとファッションシーンのクロスオーバーを語るうえで何よりも欠かせないのが「ハニー ファッキング ディジョン」だ。同ブランドは、川久保玲のパートナーであるエイドリアン・ジョフィ（Adrian Joffe）が率いるドーバー ストリート マーケット パリ（DOVER STREET MARKET PARIS）傘下のブランドで、エイドリアンが抜群のプロポーションと独自のファッションセンスを持つハニー・ディジョンのファンだったことから実現。ハウスというカルチャーを伝えるためのツールとしてアパレルからジュエリーまでを揃えるほか、ハニー・ディジョンが愛するキース・ヘリング（Keith Haring）や「ショール（SCHOLL）」とのコラボアイテムなども展開している。　また、とあるインタビューで「トランスジェンダー女性であることを認めてもらうには、モデルが一番早かった」と語っているように、ハニー・ディジョンはさまざまなブランドでモデルとして起用されており、生前親交のあったヴァージル・アブロー（Virgil Abloh）の「オフ-ホワイト c/o ヴァージル アブロー™（OFF-WHITE c/o VIRGIL ABLOH™）」では2021年秋冬コレクションと2022年秋冬コレクションのランウェイを歩いている。　本業のDJの他に、デザイナーやモデルとしても活動するハニー・ディジョンは、黒人のトランスジェンダーとしてインクルージョンや「Black Lives Matter」運動にも積極的に取り組み権利を訴えている。自らを“喜びの推進者”と呼ぶハニー・ディジョンが少しでも気になった方は、SNSをフォローしてみてはいかがだろうか。ハニー・ディジョン：Twitter／Instagram■今月の必聴アーティスト：連載ページ

Culture

【今月の必聴アーティスト】ハニー・ディジョン編　ギャルソンとブランドを立ち上げた黒人のトランスジェンダーDJ

—まずは、ビジョンをオープンした経緯から教えてください。　ビジョンは、2011年10月にオープンしました。2011年というと3月に東日本大震災があった年で、世間全体が先の見えない未来に不安を抱いている時期でしたよね。震災から3ヶ月が経った6月に、新大宗ビルのオーナーさんから時期が時期ということで良い条件で提案してもらったんです。その条件に加えて、これ以上みんなの顔が下を向くことなく、未来や夢に向かって上向きに元気になってもらえるような場所を作りたいと思い、“ビジョン”と名付けた新しいクラブのオープンを決めました。あとは、配信サービスが充実して多様な音楽を手軽に聴けるようになった反面、起源や歴史を知らない若い人たちが増えていると感じていたので、いろいろな音楽を身体で感じ、体感することでダンスミュージックをより理解してもらいたいという意味を込めて“サウンド ミュージアム”を頭に付けたんです。—前々から渋谷にクラブをオープンすることを計画していたわけではなかったんですか？　震災がきっかけですね。その頃はエアー（*2001～2015年末まで代官山にあったクラブ、キャパは約500人）を運営していて、より一般の方々にダンスミュージックの楽しさを伝えるためにエアーより大きい規模感のクラブが欲しいとは思っていました。—オープン当時は、渋谷最大級のキャパシティ（1000人）だったと記憶しています。　メッセージ性やインパクト、説得力を伴うには、ある程度の人を集める規模感が必要なんです。今はアトム（ATOM）さんやキャメロット（CAMELOT）さんもリニューアルして広くなりましたが、当時は一番大きい箱だったかもしれません。まだ風営法が変わっていない時期（2016年改正）ではありましたが、大きなクラブを道玄坂にオープンしたらインパクトがあると思いました。何より駅から歩いて10分かかったエアーやスペース ラボ イエロー（*1991～2008年まで西麻布にあったクラブ、キャパは約1000人）のように、人がいないところ、行きづらいところのアンダーグラウンドな立地でクラブを営業している時代から、オーバーグラウンドな立地に変化させることもクラブシーンやダンスミュージックを一般化させるためには必要な選択だったんです。　コンタクトは、改正された風営法が施行される直前の2016年4月にオープンしました。コンタクトをオープンした理由は2つです。風営法の改正には自分も関わっていたんですが、裏路地の地域までクラブをオープンできるように変えるべきではないと思い、そのため代官山のエアーは特定遊興飲食の営業が取れる地域では続けられず移動する必要がありました。そして、イエローやイレブン（*2010～2013年まで西麻布にあったクラブ、キャパは約1000人）から続くクラブの系譜を絶やさずに、続けていける音箱も必要だったんです。この2つの理由でコンタクトは生まれました。—噂では、コンタクトをオープンする時点で新大宗ビルの取り壊しが決まっていたと。　正式決定ではなかったです。ビジョンはもともと2011年から7年の定借（定期建物賃貸借契約）だったんですが、その頃から既に解体するかもしれないという話はありました。その後、解体が延長に次ぐ延長の末に2021年末に決定し、あとは発表をいつにしようかと。ただ、コロナ禍でみんなが外出できず営業もしていないタイミングは違うと思ったので、ある程度営業ができるようになった2022年3月に発表しました。本当はもっと前から告知をして、オリンピックとあわせて閉店に向かって盛り上げて行こうと思っていたんですけどね。—ビジョンとコンタクトは、それぞれどういった立ち位置でしたか？　ビジョンは、設備的にも規模的にもライブ空間に近く、音楽的には少し若くて分かりやすいライブ中心のパーティーが多かったかもしれません。コンタクトは新たな流れで始めたビジョンとは違い、私が携わってきたイエローやイレブンなどから代々続くアンダーグラウンドやダンスミュージックの音箱です。新しいお店を作る時、大抵は新しいスタッフを雇うことにしているんですが、コンタクトの場合はイエローやイレブンの者に手伝ってもらいましたし。—どちらもファッションイベントが頻繁に開催されていたことを例に、クラブとファッションという2つのカルチャーのハブのような場所だったと思います。このように、他のカルチャーとのミックスは意図的に狙っていましたか？　ファッションでいうと、考えるというよりも若い頃から遊んでいた仲間たちに著名なデザイナーが多いので、あまり区切りを意識したことはありませんね。私が21歳で立ち上げたピカソ（*1985～1989年まで西麻布にあったクラブ、キャパは約150人）では、ヒロシ君（藤原ヒロシ）も滝沢君（ネイバーフッド滝沢伸介）もジョニオ君（アンダーカバー高橋盾）もNIGO®︎君も、裏原系と呼ばれるデザイナーたちがDJしていましたから、今は自分たちが楽しみたいことをやって、私のクラブを使ってくれるという自然なことです。—12月にオープンしたエンターの構想はいつからありましたか？　2021年の早い段階でビル側からお誘いがあり、内容が最終的に決まったのはオープンの半年ほど前です。もっと早く開けようと思えばできたんですが、ビジョンもコンタクトも営業していたので、両クラブのスタッフにそのまま働いてもらうためにも閉店まで待つ必要がありました。エンターはクラブの基本に立ち返り、もう一度さまざまな点で見直しを行い足元を固めて、若い世代の才能を活かせる場にしたいと思っています。—名前の由来は？　「アーティストにとってやりたいことや行きたい世界の入り口になってくれれば良い」という思いを込めています。 エンターのオープニングパーティー—エンターが目指すクラブは？　いわゆる音箱と呼ばれるクラブです。小さいクラブだとそれに準じたサイズのサウンドシステムになるケースが多いんですが、それでは次の世代の人に大箱でプレイする感覚を教えてあげられないし、百戦錬磨のレジェンドたちも感覚を失ってしまう。だから、エンターではコンタクトのメインフロアにあったサウンドシステムをそのまま置いていて、クオリティーもコンタクト以上です。フロアの真ん中にDJブースを設置し、アーティストと来場者をサウンドシステムで囲うようにすることで、音の中にいるような錯覚に陥る空間に仕上げました。“訪れた人たちが元気になって帰っていく”、そんなクラブになってほしいです。　あとは、音楽の聴き方と受け取る情報量が膨大になったことで、音楽だけに集中して聴く時間は少なくなりましたよね。だからこそ、エンターでは音楽と向き合える側面を強くしたかったんです。若い人たちは、聴く耳も感性も持っているけれど、実際に素晴らしい音を体感できる場が無く、音楽に感動する経験が希薄だから、その機会を出来る限り与えたいと思っています。今の20代前半の世代は、特に優秀だし面白い子が多いんですよ。自分が若かった時に近いというか、バランスを取るのが下手だけど自由な感じがして、溜まっているものを吐き出したい、何かを表現したい子たちが増えているような気がします。しかも、私の世代はDJをやりたかったらDJ1本でしたが、今はDJもやるけど写真も撮るみたいな、ひとつに囚われない自分の活かし方の幅が広いですし。 コンタクトのメインフロアにあったスピーカー—パンデミックによる影響は？　何が本当に大事かを見抜けたと思います。良かったことだけを言うと、オリンピックに向けてとにかく走っていた中で強制的に足踏みしたことで、走っていると見えなかったことが見えた。例えば、2019年に新宿にDJバーを出したんですけど、急ぎ足で作ったから新宿という街をよく理解できていなかった。パンデミックを経たことによって街の知見が増え、それからの方が営業形態やコンセプトがはっきりと見えてきました。あとは、個人がバラバラにされたことで自分は何ができて何をしたいのかを見つめ直す時期にもなった気がします。—新宿と渋谷は、地理的には近いですがクラブシーンは全く違いますよね。　遊び方の価値観が少し違って、代々木辺りを境に渋谷が新宿を下に見ているような感じはありますよね（笑）。新宿の方が、格好付けずに単純に音楽とお酒を楽しみたいという気持ちが強いと思います。新宿にも才能がある人は多いですしタイプが少し違うだけなので、街単位で区切る感覚が無くなれば嬉しいですが、日本は職人気質なので自分の縄張りを作りがちなんです。海外では、DJにしてもアーティストにしても助け合わないと広い大陸で生きていけないから、連携と信頼し合うことを大切にしています。どんぐりの背比べをせず、本当の意味で助け合っていける場面を作っていきたいと思います。—最後に、最前線で渋谷のクラブカルチャーを見てきた村田さんにとって、この10年の変化をどのように総括していますか？　EDMやハウス、テクノ、ヒップホップなど旬なジャンルは時期によって入れ替わり、メジャーとアンダーグラウンドの均衡のバランスは変わり続けていると思いますが、ダンスミュージックの中心はそんなに変わっていないんじゃないですかね。それよりも、音楽の楽しみ方が変わっていると思います。音楽を聴くために数千円のレコードを買っていた時代は、“クラブに来ないと聴けない音楽と時間”がありました。海外から来たDJが流す音楽が初めての音楽との出会いの連続で、それに感動して集まる時代だったんです。でも今は、“皆とその時間を体感したい”、“好きなアーティストを実際に見て思い出に残したい”という思考がより強くなっていると感じます。実体験や共感を求めていて、実は生きていくうえで一番大事なのって思い出なんですよ。思い出が無くたって死にはしないけど、思い出があるからこそ人は生きていける。クラブは、そういった機会を作る場所になっていると思います。

VISIONとContactの閉店背景と新クラブにかける思いは？日本クラブシーンの重要人、村田大造に聞く

　ネットフリックス「ウェンズデー（Wednesday）」の週間視聴回数が、グローバルTOP10で首位をキープし続けている（2022年12月25日時点）。広報が「クィア・ベイティング（性的指向の曖昧さをほのめかし、世間の注目を集める手法）」として批判されたり、ラテン系アメリカ人の俳優のキャスティングが好意的に評価されたりと、賛否両論が巻き起こっている。　「ウェンズデー」は、「アダムスファミリー」に登場する娘ウェンズデー・アダムスを主人公としたスピンオフ作品。「アダムスファミリー」は、1938年に雑誌「ザ・ニューヨーカー」で連載形式の一コママンガとして登場して以来、幾度もドラマや映画、アニメといった様々なメディア化を繰り返し、親しまれてきた。この一家は、不適切な衝動や共感で連帯し、その理解不能であるが故の奇妙な怖さは、幸せで円満なアメリカの白人家族を基本単位とする社会の異端として描かれてきた。本記事では、「ウェンズデー」に関するいくつかのレビューを基に批判と評価の論点を整理しつつ、過去の「アダムスファミリー」との違いに着目しながら批判的に感想を述べたい。ドラマ「ウェンズデー」が巻き起こした様々な議論「ウェンズデー」とクィア・ベイティング　「ウェンズデー」は、社会から疎外されてきたクィアコミュニティの美学を宣伝材料に流用したとして強く批判された。ことの始まりは、公開に先立ったプロモーションとして開催されたアメリカ発の大人気リアリティ番組「ル・ポールのドラァグ・レース（RuPaul's Drag Race）」の卒業生が出演した「WednesGay」というドラァグイベントだ。そこに登場したパフォーマーたちはウェンズデーにちなんだ衣装に身を包み、「ウェンズデーはクィアなアイコン※1」と語った。更にはネットフリックスの公式アカウントで、ウェンズデーとルームメイトであるイーニッドの関係が、友情以上であるかのように感じさせるツイートを発信。こういった広報を受け、一部のファンの間では#Wenclairというフェムスラッシュも誕生し、SNSで盛り上がりをみせた。公開を目前に、ファンの間では「ウェンズデー」がクィアの人や関係を中心的に描くドラマになるのではないかとの期待が膨らんだのだ。　しかし、いざドラマが放映されるとこういった期待は裏切られる。ウェンズデーとイーニッドがルームメイトになったことをきっかけに、互いに正反対の趣味や性格でありながらもかけがえのない存在になっていく過程は描かれたが、それはあくまでも一線を越えることのない“友達”を追認するものだった。さらに、ウェンズデーもイーニッドも、それぞれ気になる異性との恋に悩んでいるようだ。彼らとのデートの成り行きが物語の見せ場としてフォーカスされ、よくある男女の学園ドラマの恋模様が繰り広げられる。　こういった広報からドラマまでの一連の在り方を、クィアな人々を餌で誘きよせるマーケティングの手法「クィア・ベイティング」であるとして、様々なメディアが批判した。カナダの総合エンタメサイトScreen Rant※2は「クィア・ベイティングとは、LGBTQ+の表現がかつてないほど増えている時代において、視聴者を維持するためだけにLGBTQ+の関係をからかう厄介な行為」と説明し、主要なメディアが未だにドラマの中心からクィアなストーリーを排除していると指摘。オーストラリアを拠点とするポップカルチャー専門のメディアJUNKEE※3も人間性よりも利益を優先させる陰湿な戦略であると非難した。　ドラマでは、ウェンズデーの数少ない友達、ユージーンの両親が同性のカップルであることが描かれるが、脇役として登場するだけで、物語の重要なストーリーラインに浮上することはない。こうした細部からも、アクセサリー感覚で性的マイノリティの描写を取り入れようとしているとしか思えない。「家族の血には抗うことができない」という規範的な呪い　ユージーンの家族を別にすれば、「ウェンズデー」において「家族」は物語の中心的なテーマだ。十代の若者がその親との強いつながりや確執に悩む姿が描かれる。例えばウェンズデーで言えば、母モーティシアから遺伝した幻視能力が、民族的なルーツに接続すると知り、宿命論的な親子関係に対して「母と私は違う」と抵抗するが、物語が進むにつれてそれを受け入れる。他にも、セイレーンであるビアンカは、新興宗教に傾倒する母から逃げるように名前を変え、ネヴァーモア学園にやってきたが、「セイレーンは、鱗を決して取り替えることができない」という呪いのような母の言葉が、彼女の胸に重くのしかかっている。2人の抱える親子関係をはじめとして、本作の舞台となるネヴァーモア学園は社会の“のけ者”が集う寄宿制の学校として描かれるが、同時に、“のけ者”たちの間でさえも、親から子へ継承される“あるべき姿”という通念が強い規範として機能しているように描かれる。　このように、ウェンズデーやイーニッドのラブコメ的な異性との恋愛模様や、ビアンカを始めとした“のけ者”たちの親子関係など、思春期世代の学園ドラマにありがちな平凡なリアリティが浮き彫りになればなるほど、規範的な親密さが避けられない呪いのように全体に通底していることが見えてくる。アンチ家族としてのアダムスファミリー奇妙な愛　そもそも「アダムスファミリー」シリーズは、家族の縁や血の繋がり故の親密さを完璧に否定するものであった。1991年に公開された劇場版では、アダムス家の資産を狙って、25年間行方不明になっていたフェスターを名乗る男が現れ、新しく家族に加わることが物語の焦点となる。弟のゴメスをはじめとする一家の奇妙な愛に触れ、男は、アダムス一家を実母よりも本当の家族のように感じはじめる。つまり、母と息子の縦の繋がりを拒否し、偶発的な横の繋がりによって家族を再構成する物語になっている。家族として共にした時間の長さや、血縁関係の有無はストーリーの中で重要視されておらず、自分たちが、今日から“そうだ”と思ったら家族になれると、一般的なものさしでは測ることのできない親密な関係が描かれる。続編の「アダムスファミリー2」でも、規範的な家族に対するアンチテーゼは変わることがなく、官能的な結婚詐欺師の連続殺人者デビーと、殺し殺される関係であるはずのアダムス一家は、世間が理想とするような円満で幸せな家族からかけ離れた存在として共鳴する。アメリカの植民地主義批判　「アダムスファミリー2」は、理想の家族なる規範が、アメリカの植民地主義の差別的な歴史といかに地続きであるかを痛烈に描き出す。それを象徴するのが、ウェンズデーが参加した「サンクスギビング（感謝祭）」の劇だ。結婚詐欺師デビーによって、ウェンズデーは弟のパグズリーとともに、両親の愛情をたっぷり受けた裕福な家庭の子供だけが集まるサマーキャンプに強制参加させられる。ウェンズデーは湖のほとりで、大人の社会の縮図とでもいうようなスクールカーストの下位に位置づけられ、キャンプのフィナーレを飾るサンクスギビングの劇で、アメリカ先住民のポカホンタス役を演じることになる。イギリス系入植者の娘役を演じるカースト上位のアマンダに、ポカホンタスとして感謝の意を示し、宴をひらかなくてはいけないことになったウェンズデーは、そんなクソくらえな社会の枠組みにあてはめられてなるものかと劇のエンディングを変えてしまう。「血の雨がふるだろう」と宣言し、入植者役の子どもたちやこの劇を作った大人たちを縛りあげ、火の矢を放ち、視聴者に「ここまでして良いの？」という驚きを与えるほど徹底的に劇をぶち壊す。アメリカ建国の歴史以来、白人の中産階級の家族たちが計画し、演じ続けようとする社会の正しさを、場違いな破壊衝動で台無しにするのだ。　「アダムスファミリー」シリーズの思想を象徴するかのようなこのシーンは、もちろん「ウェンズデー」でも印象的に引用されている。同作は入植者以外の視点からサンクスギビングを語り直すことの重要性※4を意識したドラマに仕上がっている。公開日が実際のサンクスギビングを意識した日程であったことや、アダムス一家のキャスティングからも伺えることだ。　内容に関してはぜひ本作をチェックして欲しいが、要約すると、人狼やセイレーンなどの“のけ者”というフィクションと、先住民といったアメリカ建国の歴史においての“のけ者”を「魔女狩り」で繋ぎ合わせ、幾重もの排除を描こうとしており、歴史の語り直しを試みようとしたものであると言えるだろう。アメリカのラテン系に関するニュースや文化を分析し発信するLatino Rebels※5では、「ウェンズデー」のヒットの要因は、現代的な感覚を的確に捉え、アメリカの物語が語り直されている点にあると評価する。ダークヒーローになったウェンズデー　「ウェンズデー」では、彼女が人には理解されない暴力的で反抗的な行動をすることの動機を明確に説明することができる。ウェンズデーはドラマの中で、先祖代々受け継いできた幻視能力によって、祖先が“のけ者”として入植者に虐殺される瞬間を目撃し、歴史の真実を知る。さらに幻視能力によって、未来のネヴァーモア学園でこの歴史が繰り返されることを予見するのだ。ウェンズデーの行動は、それがたとえ反抗的に映るものであったとしても、真犯人を突き止め、学園を救いたいという正義につき動かされたものであることがわかる。　真実を探求し、悪を成敗したいという動機がウェンズデーにある点は、かつての「アダムスファミリー」との決定的な違いであると私は考える。かつての「アダムスファミリー」は、「ここまでして良いの？」と思わせてしまうような、社会の規則みたいなものが一家の不適切な動機によって悉く破られて逸脱してしまうところにジョイがあった。拷問されること、血を見ること、殺しのスキルが上達すること、生よりも死を好むこと、こういった反社会的で非人道的にもうつる行為に喜びを見出すのは、到底社会で受け入れられることではない。「ウェンズデー」では、これらの行いを真の悪である入植者の行為へと反転させ、ウェンズデーはその悪を告発し、歴史を正し、ネヴァーモア学園を救うダークヒーローの立場に立っている。　しかし、世の中で何が正しくて何が悪いのか、そういう判断の基準がどんどん覆されていくところが「アダムスファミリー」の魅力だったのではないだろうか。正義が勝つ物語ではなく、多くの人が考える正しさとはかけ離れた場所で、愛と美しさを育む家族の物語だった。いま、ネヴァーモア学園のなかでさえ、ヒーローにならなくては「ウェンズデー」には居場所がないのだとすれば、胸が痛い。 遠藤麻衣 （） アーティスト、俳優。 1984年兵庫県生まれ。民話や伝説などの史料や、ティーン向けの漫画、ファンフィクション、婚姻制度、表現規制に関する法律など幅広い対象の調査に基づき、クィア・フェミニスト的な実践を展開。身体を通じたおしゃべりやDIY、演技といった遊戯的な手法を用いている。主な個展に「燃ゆる想いに身を焼きながら」愛知県立芸術大学サテライトギャラリー SA・KURA（愛知、2021）。主なグループ展に「フェミニズムズ」金沢21世紀美術館（石川、2021）、「ルール？」21_21 DESIGN SIGHT(東京、2021)など。2018年に丸山美佳と「Multiple Spirits（マルスピ）」を創刊。2022年より文化庁新進芸術家海外研修制度でニューヨークに滞在中。 （企画・編集：古堅明日香）

「ウェンズデー」はなぜクィア・ベイティング批判をされたのか

インテリ一家に生まれ、絵でしか勝てなかった　台風のような女——と周囲からは評されているらしい。29歳のチョーヒカルは、そのチャーミングな外見からは想像できないほどバイタリティに溢れ、同時に冷静で繊細な面も持ち合わせている。それは彼女のユニークな作品性とも重なり合う部分だ。　東京生まれのチョーは、幼い頃から絵を描くことが好きな子どもだったという。「少しでも放っておくと木に登っちゃうような子どもで、絵を描かせる時だけ大人しく座ったので、母が絵画教室に放り込んだそうです」と語る。「私以外の家族が全員、頭いいんですよ。みんな東大の院とかまで行っているインテリ一家で。自分が唯一、抜きん出ていたのが絵。いつの間にかそれしか選択肢は残っていなかった」。カサカサの作品なんて面白くない　チョーの家族はアートにまったく興味がなかった。「まだ実家に住んでいた大学生の頃、家族共有のパソコンにボディペイントの作品を保存していたんです。私がデスクトップにぐちゃぐちゃに配置していたのを、ある日父がまとめてくれていて。そのフォルダ名が『グロテスクな絵』——そういう感じです、うちの家族の反応って」と笑う。　とはいえ、グロテスクな要素はチョーの作品にとって大切な要素でもある。「ちょっとグロい感じの生々しさがあるヴィジュアルが好きですね。ツブツブしているとか、内臓っぽいとか。カサカサの作品を見ても別に面白くないから（笑）やっぱりシズル感が大切」。物覚えが悪いから、いつも手にメモしていた　ボディペイントを始めたのは、日常の延長線上だった。「私、ものすごく物覚えが悪いんです。メモしてもその紙をなくしちゃうから、ずっと手にメモしていて。だから身体に絵を描き始めるのも自然な流れでした。絵の具を使って描いたのは19歳の時。一番最初に描いたのは目でした」。　あまりにもリアルなクオリティに、CGや特殊メイクと見間違う人も多い。「私は絵を描く行為が好きなので、シンプルな技術で作った方が意味がある気がしています。CGはかっこいい技術だと思うんですけど、何でもできちゃうじゃないですか。私は、絵の技術だけで質感や立体感などを表現するのもいいかなと思っています」。思いがけずSNS上でバズってしまう　武蔵野美術大学では視覚伝達デザインを専攻した。「グラフィックや広告といったデザイン分野の、視覚を使ったコミュニケーション全てを学ぶんですけど、絵を描く生徒はいませんでした」。ボディペイントが注目されたのは、本人がSNSに投稿した写真がバズったのがきっかけだった。「現役美大生のボディアートがすごい」「メイクが創造的すぎる女子大生」とあらゆるメディアで取り上げられ、一躍時の人となる。「知らないうちに人気が出ちゃって、どうしたらいいか分からない。いっそのこと全部やめてしまおうかな、と悩んだ時期はありましたね」。　それでも続けたのは、身近な人からのアドバイスだった。「教授に『やめるのはいつでもできるから、世間が求めるものを学ぶためにも続けた方がいいよ』って言われて『じゃあ、できる限り続けようか』と思ったんです」。「君の作ったものはゴミ」と言われて奮起　その後、展覧会が開催され、作品集も出版。多くの仕事が舞い込んだ。しかし、求められることに応えるのに必死で、チョーはだんだん閉塞感を覚えるようになっていく。「同じようなクオリティで作品を作り続けることはできる状態だったけれど、それ以上に“仕事”になってしまっていて。自分が『これはいいじゃん』と思える作品なんて二度と生まれないかもって悩んでいました」。　そんなある時、作品制作のために滞在したニューヨークで、ある美術評論家に酷評されてしまう。「君の作ったものはゴミだから、辞めたほうがいい」——その言葉に一度は憤慨したチョーだったが、それを転機にニューヨーク留学を決意した。もう一度、芸術を学び直そうと思ったのだ。「自分を批判してくれない所では成長できないじゃないですか。当時、どこかでレベルアップのきっかけを掴まなきゃいけなきゃいけなかったんです。周りからは『今じゃない』と言われましたけど」。　翌年渡米し、ニューヨークのプラット・インスティテュート（Pratt Institute）で専攻したのはコミュニケーションデザインだ。「伝えたいことをちゃんと伝えられて、人を動かせるような作品を作りたいという気持ちがあって。メッセージ性の強いものを作れるようになりたいって思ったんです」とその理由を説明する。宇宙人のアバターで会話する空間　「今は『すごいな』とか『面白いな』よりも、一歩踏み込んだところを伝えられる作品が作れたらな、と思っています。それに関しては正直、ボディペイントじゃなくてもいいと思うので、最近関わった『プロジェクトエイリアン』はそういう作品の一つですね」。　「プロジェクトエイリアン」は、顔出ししづらい事情を抱えた若者がエイリアンのアバターに身を包んでVR空間に飛び込むという、NHKのドキュメンタリー番組（2022年9月放映、12月再放送）。トランスジェンダーや在日韓国人、無職、ホストといった一般の参加者が“現代社会の分断”を乗り越えるために交流を重ねていく。チョーは番組チームと共に企画・デザインを担当した。「元々は個人でひっそりとやっていたプロジェクトだったんですが、テレビ局の知り合いに企画書を持ち込んだんです」。顔の見えない相手だからこそ話せることも　それまで肉体そのものをベースに作品を作り上げることが多かったが、新しいプロジェクトでは逆の発想で同じコンセプトを踏襲している。「ボディペイントは皮膚の上に何かを描くことで『今まで見ていたもの』の意識を変えるじゃないですか。アバターも同じで、それを人に被せることで『今まで見ていたもの』への偏見が取り払われる装置なんです」。　その背景にあるのは、チョーのオンラインゲーム体験だ。「私、ゲーム内のボイスチャットも好きなので、アバター上でするコミュニケーションに可能性を感じます。深夜の2時に、一緒にゲームをしている見知らぬ相手とすごく深い話をしたりする時があって。匿名で、相手の正体が分からない状態でするコミュニケーションには不思議な自由さがあるというか」。オンラインゲーム上でアンチと直接対決　実際、日本生まれだが中国籍であることで、チョー自身が長年「エイリアン」のように感じながら生きてきた。「一人ひとりが違う人間であること」はチョーにとって重要な価値観。だが、そのことに理解が及ばない人間も多く存在する。　新型コロナウイルスの新規感染者数が急増していた2020年、留学中だったチョーは「日本の永住権を持っていても、海外国籍保持者は入国を禁止される」と聞いて一時的に帰国した。その時の心情を綴ったツイートに大量のヘイトコメントが書き込まれたのだ。　「『帰化しないなら黙ってろ』『中国人はどうせスパイだろ』みたいな言葉が投げつけられて、地獄のようでした。人間の未知のものへの恐怖と自己防衛心から来ているのもあると思うんですけど。『本当にお前の言ってることが正しいんだったら、説明してみろよ』みたいなDMまで届いたので、『説明します』と返信したんです」。　その後の彼女の行動には驚かされる。相手をオンラインゲーム上に誘い、プレイしながら帰化問題について語ったのだ。日本国籍を取得するには様々な条件や調査があること、日本に暮らす中で国籍を意識する場面があらゆるところに存在すること、そしてそれはアイデンティティに強く関わる問題であること——。すると相手は態度を改め、彼女に謝罪したという。相互理解へのアプローチも、非常にユニークだ。見た目をキュレーションする楽しさ　また、個人のアイデンティティを語る上で、外見の問題も重要だ。著作の中では赤裸々にルッキズムに対する思いを明かしている。「以前は、自分が持っていた『女はこうであるべき像』に必死に当てはまろうとしていたんです。自分はブスだから目立っちゃいけないし、社会の規範に合わせないと受容してもらえないんだと思っていました」。　だがニューヨークに引っ越してからは、肉体に対する意識の変化を感じたという。「多様なレプレゼンテーション（概念・イメージ）を目にして、自分の身体や顔の造形に対しても許せるようになりました。日本だと『脚が細くないのにミニスカートなんて穿いたら、みっともないって思われる』といった気持ちに左右されることが多いけど、アメリカだと明らかに誰も気にしていない。挑戦してみて『あ、意外と自分のミニスカート姿を醜いと思わないな』と思ったり」。　アートとファッションは近しい関係にあるようにも思えるが、チョーにとって後者を楽しめるようになったのはごく最近のことだという。「ファッションの方が、より自分と外の世界を繋げる部分なのかもしれないですね。今は『自分がやりたいこと』と、『外から見て良いと思われるだろうもの』をうまくキュレーションして服を選んでいるので、パズルみたいで本当に楽しいです」。身体は、自由なキャンバス　取材当日、チョーは4時間かけて作品を完成させた。ボディペイントを制作する際、まずネットでモチーフをリサーチし、それらをiPadで確認しながら筆を進める。「描いたことのない物を描くときは、できるだけたくさん画像を集めます。本物を見ながら描くのが一番ですけど、なかなか叶わないので」。最初は軽く輪郭を取り、様々な距離や角度から確認しながら描き進めていく。　「今回のテーマは、二面性を表す作品シリーズの中で思いついたものです。花って美しいものだけど、美しいものほど毒があったりする。それで毒のある花を調べて、体内で繁殖しているイメージを作りました」。骸骨の内側から覗くイヌサフランという花は、アルカロイド系の有毒植物。誤って摂取すると下痢、嘔吐、皮膚の知覚麻痺、呼吸困難などを発症し、重症の場合は死亡することもあるという。　チョーにとって身体は「自分の好きなように表現できる場所」だという。「陳腐に聞こえるかもしれないけど、自分にとって身体はキャンバス。ボディペイントをする上でもそうだし、『身体にはもっともっと可能性がある』とも信じているので。この世には、みんなが『こういうふうに着飾るのが正解』と思うような美しさもあれば、それ以外の美しさもあると思うんですよね」。　今後の目標を尋ねると「2023年に発表したい本が3冊あるんです。あと、日本とニューヨークで作品を展示できる機会を作れたら。それに合わせて新作もいっぱい作りたいな。“楽しく絵を描いて死んでいく人生”の基盤を作りたいと思っています」と笑顔で語った。彼女のクリエイションは、これからも世界の様々な偏見や分断をポジティブなものに変えていくに違いない。

アーティスト・チョーヒカル　エイリアンな私たちを繋げる世界【連載：BODY MAGIC】

　アンジュルム現リーダーの竹内朱莉ちゃんとの対面の出会いは、忘れもしない2022年4月。S Cawaii!特別編集アンジュルムスペシャルでの撮影現場でした。　現場でご挨拶をさせて頂きましたが、ちょっと小さな声で控えめな印象でした。それもそのはず。私はスタイリストという立ち位置、スタッフとして初めましてのご挨拶をしているのにも関わらず、2重に重ねた不織布マスクに油性ペンで「アンジュルム」と書き、グッズのTシャツを着ていたので、タケちゃん的には「なにこの人......」と思っていた事でしょう（笑）。　それまでは動画、雑誌、SNS、インターネット上で一方的に見ていた竹内朱莉ちゃん。そこから漏れ聞こえるでっかい笑い声。スッコーンと突き抜ける高音が気持ちいい歌声。スマイレージ時代のトレードマークだったショートカット。底なしのビッグスマイル。誰にでも平等に同じ目線で向き合う、飾らない人柄。ブログに綴る、本当に等身大の女の子としての言葉の数々。　「タケちゃん」の明るさと強さを画面越しに見ていた私は、人柄からも彼女たちを好きになり、アンジュルムのアンジュルムらしさを体現する代表選手として彼女を、そして彼女が率いるアンジュルムを応援してきました。そしてタケちゃんに会ってからは、勝手に理想のリーダー像として、小さな会社のリーダーである自分と重ねるようになり「ああ私は、こんなリーダーでありたいな」という目線でタケちゃんの事を見るようになりました。　舞台上での完璧な姿、客席の後ろの方にまで気を配るMC、会場を盛り上げ、一気に笑顔にする煽り。その裏での多くの努力については語らない彼女ですが、その代わり、舞台裏や舞台上でのハプニングや裏話を笑いながら明るく語ってくれる事にファンとして本当に感謝の気持ちでいっぱいです。　タケちゃんが卒業を決めた今、タケちゃんが作り上げたアンジュルムが一つの完成形を迎えたという事です。もちろん卒業は寂しいし、あの明るくて幸せしかない竹内リーダーのアンジュルムをもっと見ていたいと思う気持ちはありますが。　2022年は単独ツアーの最後となる日本武道館公演まで、「誰の卒業もないライブ」を1年間守ってくれたこと。春の卒業まで彼女に会える時間を与えてくれたこと。そしてアンジュルムがこの先も大丈夫で、最高で最強なグループであることを誰の目にも明らかにしてくれたこと。　竹内朱莉ちゃんと、アンジュルムの全メンバーに感謝です。　これからもアンジュルムをずっと応援していくし、卒業を経て大きく成長していくのがハロプロなので、誰がどう覚醒してどんな最強のグループの形を見せてくれるのか、今からとても楽しみで仕方ないです！　愛してる！！ 春海茜 （Akane Harumi） Harumi Showroom Founder & PR Director 自称ハロプロPRを名乗るアタッシェ・ドゥ・プレス。2021年元モーニング娘。リーダーの高橋愛とダンスボーカルユニット「ゴキゲンズ」を結成。 

ファッション界の"ハロヲタ"が綴る、卒業を発表した「アンジュルム」リーダー竹内朱莉への感謝

■今月の必聴アーティスト：連載ページ　早耳な音楽フリークの方々にとっては既に知られた存在が登場するだろうが、復習も兼ねてファッション的新情報を得られるという心持ちで読み進めていただければ幸いだ。第9回は、2019年の来日公演後に渋谷マークシティの壁にグラフィティを描き、逮捕されてしまったことでも話題となったラッパーのレジー・スノウ（Rejjie Snow）についてお届け。多くのカルチャーを学んだ若きブラックアイリッシュとしての日々　レジー・スノウことアレクサンダー・アニュエブナム（Alexander Anyaegbunam）は、1993年6月27日にアイルランドの首都ダブリンで誕生した。祖父はアフロビートの創始者であり黒人運動家フェラ・クティ（Fela Kuti）の刑務所からの解放に貢献した判事で、両親はナイジェリア人（父親）とアイルランド系ジャマイカ人（母親）。このため、彼はいわゆるブラックアイリッシュ（アフリカ系黒人の血を引いたアイルランド人）にあたり、白人多数のアイルランドでは小学校に唯一の黒人として通い、足が早くフットボールが上手かったことから人気者だったという。　幼い頃は、母親の影響でクイーン（QUEEN）やジョージ・マイケル（George Michael）といったUKのメジャーアーティストを聴いて育ち、内気な性格からよく室内でノートに絵を描いていたそうだ。その後、描く場が屋内からストリートへと移り、夜な夜な街や電車の壁にグラフィティをボムし、ブレイクダンスを習うティーン時代を過ごす。だが、何よりも彼が夢中だったのはフットボールで、趣味が高じて16歳でフットボール留学のためアメリカ・フロリダ州に渡米。ちなみに、アーセナル（Arsenal）のサポーターとしてティエリ・アンリ（Thierry Henry）を崇拝しており、とあるインタビューでは「スタジアムクラスの規模のライブでチケットを完売させることよりも、アーセナルがリーグ優勝することが夢だ」と語っている。　渡米したレジーは、奨学金を得てジョージア州のサヴァンナ芸術工科大学に進学し映画とデザインを学ぶも、フロリダ州にいた頃から始めていたYouTubeへの楽曲投稿と音楽活動に魅力を感じ、わずか1学期で退学しダブリンへ帰国。ラッパーとしての道を本格的に歩むことになる。5年の月日をかけたデビューアルバム　アイルランドに戻ったレジーは無我夢中で楽曲制作に取り組み、2013年にデビューEP「Rejovich」をリリース。すると、これがアイルランドおよびUKで口コミから人気に火が付き、同時期に作品をリリースしていたカニエ・ウェスト（Kanye West）やJ・コール（J. Cole）らを抑えてiTunesのヒップホップ・チャートで1位を獲得するというヒットを記録。これを機にニューヨークの名門レーベル「300エンターテイメント（300 ENTERTAINMENT）」との契約にこぎつけ、ケンドリック・ラマー（Kendrick Lamar）やマドンナ（Madonna）らトップアーティストたちの前座に抜擢されるようになり、たちまち時のラッパーとなったのだ。なお、同作には本連載で以前ご紹介した若き日のロイル・カーナー（Loyle Carner）も参加している。　「Rejovich」で人気と富を得たレジーは、正式なデビューシングル「All Around The World」をリリース後、デビューアルバムの制作のためニューヨーク、ロサンゼルス、モントリオール、オスロ、パリ、ロンドンなどに赴き、じっくりと時間をかけながら世界各地のプロデューサーやアーティストとの関係を構築。カナダ出身の天才プロデューサーとして名前が売れ出していたケイトラナダ（Kaytranada）との「Blakkst Skn」や、ケンドリックの3rdアルバム「To Pimp a Butterfly」への参加で知られるプロデューサーのラキ（Rahki）との「D.R.U.G.S.」などのシングルと共に、ファンの間で名作と名高いミックステープ「The Moon & You」を制作し、来るデビューアルバムのリリースの時に備えていたのだ。　またこの間、活動領域を広げる意味でOG エモジ（OG Emoji）としてDJも積極的に行っており、世界的人気を誇るオンラインプラットフォーム「ボイラールーム（BOILER ROOM）」への出演も果たしている。　デビューEP「Rejovich」からファンを待たせること5年、レジーは2018年に待望のデビューアルバム「Dear Annie」をリリースした。同作ではロサンゼルスのシンガーソングライターのユア・スミス（Your Smith）や女性シンガーソングライターのダナ・ウィリアムズ（Dana Williams）、ポートランド出身のラッパーのアミーネ（Amine）らを招聘。レジーらしいゆったりとしたジャジーでミニマルなビートを軸に、多様な要素がミックスしたバラエティに富んだ柔軟な作品に仕上げた。なお、タイトルと19曲目およびアートワークにも登場する“Annie”とは、彼いわく子どもの頃に恐れていた映画のキャラクターかつ堕天使を指しているそう。アルバムは“Annie”ひいては全ての女の子に宛てた手紙の代用品で、作品を通して過去に犯した過ちのけじめをつけているという。突然のリタイヤ宣言と“ブラック・シープ”のブラックアイリッシュ　「Dear Annie」で名実ともにアイルランドを代表するラッパーとなったレジーだったが、「脚光を浴びることによってアレックス（本来の自分）でいられなくなったことに疲れた」と、突如として同作がレジー・スノウとしての最後の作品であることを吐露。結果として彼は2年後にシーンに舞い戻るのだが、その間はグラフィティで培った技術とセンスをもとにアートの世界に傾倒し、数多くのペインティング作品を生み出していた。冒頭で触れた日本での逮捕事件はこの頃で、酒に酔った勢いからスプレー缶でグラフィティを描いてしまったそうだ。　そして2020年7月、その3ヶ月後に急逝する故MF ドゥーム（MF DOOM）との楽曲「Cookie Chips」で2年の沈黙を破る。余談にはなるが、16～18歳という多感な時期をアメリカで過ごしたレジーは、「Dear Annie」までの多くの作品をアメリカン・アクセントでラップするなど、随所でUSヒップホップシーンからの影響を感じさせることが多く、中でも「彼になりたいと思うくらい全てに憧れている」とコメントするほど故MF ドゥームをリスペクトしていた。　「Cookie Chips」からは1年後、「Dear Annie」からは3年半後となる2021年7月にレジーは2ndアルバム「Baw Baw Black Sheep」をリリースする。子どもの頃に大好きだった映画「チャーリーとチョコレート工場」の非公式サントラとして企画された同作のタイトルにある“ブラック・シープ”は、英語圏で“厄介者／はみ出し者”を意味する言葉。彼がアイルランドからアメリカへと渡った際に、それまで周りに少なかった同じ肌の色をした黒人の友達ができると想像していたが、実際は“白人多数のアイルランドから来た黒人”というレッテルを貼られて人種差別を受けた実体験に基づいているのだ。また、1stアルバム「Dear Annie」で「Egyptian Luvr」という楽曲を収録しているように、彼は古代エジプトを自身のパラダイスに位置付けており、同作のアートワークに三大ピラミッドとスフィンクスの前に立つレジー本人を採用したのは、居場所（楽園）を求める“ブラック・シープ”（レジー）を意味しているのだろう。もちろん、内容はスキルフルなラップ、クールなトラック、高いソングライティングの技量の三拍子が揃った完成度の高い仕上がりとなっている。どこかミステリアスな風貌からモデルに引っ張りだこ　レジーの存在は、そのどこかミステリアスな風貌からジャンルの壁を越えファッションシーンでも早い段階で話題となっており、2016年には1stアルバム「Dear Annie」の制作のために訪れていたロサンゼルスで築いたコミュニティをきっかけに「ブランドブラック（Brandblack）」2016年秋冬コレクションのルックブックでモデルを担当。2017年には「ア コールド ウォール（A-COLD-WALL*）」のランウェイを歩き、それから数年の間に「リーバイス（Levi's®）」や「ヴェルサーチェ（VERSACE）」「リーボック クラシック（Reebok CLASSIC）」などのキャンペーンにも抜擢された。極め付けは、「シーピー カンパニー（C.P. COMPANY）」との協業だ。彼は同ブランドの2019年春夏シーズンと2019年秋冬シーズンのキャンペーンにモデルとして出演すると、最終的にはコラボコレクションを発売。アートの造詣が深いレジー自らが手掛けたグラフィックを落とし込んだTシャツなど、世界限定1000ピースを製作した。また、わずかな期間ではあるが大学で映画を学んでいただけあってMVはどれも手が込んでいるほか、「シーイー（C.E）」から「グッチ（GUCCI）」までを着こなす姿が楽しめるので、ぜひご覧いただきたい。■今月の必聴アーティスト：連載ページ

【今月の必聴アーティスト】レジー・スノウ編　グラフィティライターからフットボーラー、そしてラッパーに

「私がいなくなった未来にも残る面白い本を作ってみたい」ー前回取材をしてからちょうど一年ですね。　お久しぶりです。「2021年ベストバイ」の記事は、友達も新しく会う人からも、たくさん「読んだよ」とコメントをいただきました。ーどんな感想がありましたか？　一番多かったのは「あんなに服オタクなんだ」というコメントでした。服は現在進行形で好きですし、今年は他のジャンルでも今年も好きなものが増えました。いつもこれ以上増えたら大変だなと思うんですけど、世の中に面白いものがまだまだたくさんあるので......。ー今回は初の書籍ということですが、展示から形式を変えた理由は？　2020年にパルコで2回目の展示（「HOMESICK」）が終わって、興奮が収まらないうちにパルコの方々と「次は何をしますか」と話していて、ふと「本ですかね」と言ったのがスタートです。今までの展示は、場所と期間、時間が限定されていて、「今ここでしか体験できない」特別なものという、足を運んだ人にしか分からない面白さがあり好きでした。でも本は極端な話、永遠に残るので。自分が本を作るとしたら、私がいなくなった未来にも残る面白い本を作ってみたいと思ったんです。　そこから1年の間に同世代の面白い人たちにもたくさん出会い、自分たちから今しか生まれない熱量と衝動的な思いを形に残したかったので、2021年に企画書を作り具体的に動き始めました。ー書籍に参加したクリエイターは、ベテランからアップカミングな方まで幅広いのが特徴です。皆さんとは元々知り合いですか？　TEPPEIさん（スタイリスト）とはいつか一緒に何か作りたいと思っていました。根本さん（劇作家・演劇家 根本宗子）とはこれまで何度か作品でご一緒していますが、いつも体と記憶に残るような体験をさせてくださるので、今回の企画でも絶対お願いしたいと考えていました。皆さん私のオタク気質なところというか「好き」を突き詰めるところを理解してくださって、本を作り始めた当時は本当にワクワクしました。完全燃焼した”ファッションシューティングドキュメンタリー”の撮影舞台裏ー本を作り始めた「当時」だけワクワクしていた？　もちろん、ずっとワクワクはしていて今も展示が始まるのが楽しみです（笑）。一番最初に動き出したファッションシューティングでの2日間が自分にとって衝撃が大きすぎて、単純にこの書籍を「ただの本にはできない」という気持ちになってきたんです。もっともっとこの本がずっと残るようなものにしなくてはいけない使命感みたいなものが強くなっていったというか。本を出したいと思い始めた時の感情を、極限まで突き詰めて作らないといけないなと。ー撮影が相当刺激的だったんですね。　TEPPEIさんのチームとシューティングできるだけで私としては楽しみで仕方がなかったです。でも本として残すなら限界突破して新しいものを生み出さないと意味がないなと。元々何かが生まれる過程が好きで「どうやって作るんだろう？」と疑問に思うことが多いので、今回のシューティングはスタイリングもヘアメイクも即興で作って、その様子を全部見せることにしました。ーどうやって撮影したのでしょうか？　パルコ本社の会議室を貸し切ってフォトスポットを4つ作り、衣装ラックやヘアメイクのスペース、試着室、全て一つの部屋にまとめてそれぞれの過程をずっと撮影しました。だからほぼ48時間ずっと撮られている状態ですし、誰もこの後の展開が分からないからどの会話も創作の一部であるような、脳みそフル回転で走り抜けた感覚です。最中はアドレナリンのお陰なのか、自分も含めて想像以上のものがポンポン出てきたんですけど、反動で終わった後は放心状態で自然と涙が出るくらい燃え尽きました（笑）。だから、この企画は「ファッションシューティングドキュメンタリー」と呼んでいます。 ー確かに、スタイリングが出来上がってく様子をリアルに感じられるのは新鮮ですね。　即興で制作している最中の会話をずっと録音していて。何気ない日常的な会話から始まったのに、最終的にスタイリングのアイデアになっていることがあり、「今何が起きたの？」と、私自身が一番楽しんでいました。現場の即興感をできるだけ本でも感じてもらいたかったので、テキストも現場の言葉をできるだけそのまま載せました。ーファッションシューティングドキュメンタリーは40ルック150枚以上とかなりのボリュームです。　最初は20ルックの予定だったのですが、撮り始めたら生き物みたいにあちこちでいろんなことが起こって「このスタイリングいいじゃん」とか「こうしちゃえ」とか、自然と派生していくことばかりでした。蓋を開けてみれば40ルックになっていました（笑）。数だけ見ると多いなとも思うのですが、ページをめくりながらあの時起こっていたことを体感してもらうためには全部が欠かせないルックです。「デビュー作を絶対私の本に載せたい」　無名の漫画家 CO¥OTEとは？ー参加クリエイターの中で、漫画家のCO¥OTEさんは検索しても全くヒットしなかったのですが...。　気になりますよね（笑）。CO¥OTEさんはここ数年で出会ったお友達ですが、当時は漫画家さんのアシスタントをしていて、自分ではこんなのを描いてるんだと見せてもらった作品がめちゃくちゃ面白かったんです。いち読者として早くこの人の作品をちゃんと読みたい、デビュー作を絶対私の本に載せたいとお願いしました。ーストーリーも伊藤さんと一緒に考えたのでしょうか？　制作に介入することはしていません。本人が考えていること、今だけの感覚、純度の高い衝動というか、それを自由に出してほしいと思ったので、とにかく今描きたいものを出して下さいとお願いしました。そしたらやっぱり面白くて最高でした！漫画が唐突に写真の合間に挟まっている構成もお気に入りです。いびつな感じというか、急に漫画家の作品が現れるのが良いアクセントになったと思います。実は漫画の最後の方に、よく見ると分かるちょっとしたネタがあるので是非読んで欲しいです。ー今回の書籍は、これまでクリエイターと制作してきた伊藤さんのキュレーターの側面がより現れていると感じます。　クリエイターやキュレーターだと意識したことはないんです。それよりも、好きなもの・面白いものを作る人たちと関わって何か生まれる現象が好きというか。いつも自分の「好き」からスタートしているのですが、理由を突き詰めていくとどうしたら面白いものを見せられるか分かってくる感覚もあります。本の”裏テーマ”と将来の夢ー書籍と連動した展覧会「MARIKA ITO LIKE A EXHIBITION LIKEA」は、「パルコでの展覧会の三部作最終章」とのことですが、元から三部作と決めていたのでしょうか。　全然そんなことはなくて、むしろ毎回「これが最後でいい」と思えるくらいの気持ちで挑んでいるので、3回も開催させていただいたことが自分でも驚きです。ありがたいことに、毎回いろんなクリエイターさんが参加してくださって刺激的な分、関わる人が多いとどの人にも同じ熱量でぶつかっていくので終わった後は本当に燃え尽きちゃうんです（笑）。今回は書籍が10年の集大成として深くて濃い内容になったから、パルコさんでの展覧会も一区切りという形です。ー展覧会は書籍を展示に再構築したものですが、どうやって作り上げていったのでしょうか。　空間設計に、クリエイティブチームCEKAIの福田哲丸さんに入っていただきました。本を読んでいただいて、私の考えやアイデアをお伝えしそれをどう立体物に落とし込むか考えていきました。本の巻頭企画であるファッションシューティングドキュメンタリーの写真を軸に展示していますが、ただ写真が並んでいるだけではつまらないので私の幼少期の動画を投影したり、本の最後にもある「プレイリスト 実家」で紹介している音楽を使ったり、生花アーティストのアレキサンダー・ジュリアンさんの作品など立体作品を織り交ぜながら本の内容を体感できるような空間を目指しました。根本さんには本に収録した脚本をラジオドラマに再編集していただいて。本の内容でありながらここでしかできない体験なので、ぜひご来場していただきたいですー展示にも再構築している本の企画「プレイリスト実家」では、実のお兄さんと対談しています。　この企画は自分の中で本の裏テーマ「古い記憶の中で一番好きなものは？」の軸になるもので実は結構重要というか。私は好きで集めたものについて「そもそもなんで好きなんだっけ？」と考えるのが癖なのですが、大体が「昔からこういうの好きだったな」と軸が変わってないことが多いんです。それは実家でよく聞いていた音楽とか、母が着ていたブランドとか、お兄ちゃんから教えてもらった漫画とかが起源になっているんだろうなと。だから一番身近なお兄ちゃんと実家でどんな音楽聞いてたっけって話をしてみました。話してみると「ああそうだった」と思うこともたくさんあり、私自身も今の自分がどうやってできたのか立ち返ることができて思い出深い企画になりました。あと、単純に自分で企画した雑誌だからこそ一般人のお兄ちゃんも自由に出てもらえるなと思って（笑）。ー伊藤さんの制作の根底にある「好き」のルーツを探れる企画だと思いました。　そうかもしれません。いろんな人や物が好きな私自身のルーツって何だっけと深掘りするような企画なので。私自身、昔好きだったものを今反芻することもめちゃくちゃあるんですけど、感じ方が変化しているのも面白いところだなと。最初にこの本を未来にも残したいとお話ししましたが、先の未来でこの本を読んだ人の感想を聞いてみたいです。きっとずっと先のことですけど。ー最近はデジタル社会で断片的にいろいろなものに触れるものの、それぞれのルーツまでは知らないことも多いと思いますが、この本はルーツを探る面白さのヒントになるような気がします。　そうなったらめちゃくちゃ嬉しいです。私は好きなものが出来上がる過程や引用元を探っていくのが癖で、考えることが作るモチベーションでもあるんですけど、好きの理由を突き詰めていくことと制作ってセットになっているところもあって。「なんで好きなんだろう？」を限界まで考えると同時に、じゃあどうやって伝えたら面白くなるんだ？と疑問が自然に湧いてくる。今回も単純な伊藤万理華の本ではなくて、それ以上のものを作るには自分を曝け出して剥いでいくしかないと思ったんです。剥いで剥いで、最後に残った面白さの核に何があるのか私が知らないことには始まらない。楽なことではないですけど、そういう核を大切にすればするほど、生み出したものが自分にとってただの物ではなくなるというか。それこそ生きていく糧になっています。ー気が早いですが、次に何か作るとしたら？　10年分の思いを詰め込んだので、「LIKEA」をじっくり、いろんな人の手に届けたいなと思っています。　次かどうかはわかりませんが、将来の夢としてギャラリーを作りたいと考えています。ギャラリーはアーティストの作品を披露する場でもあるし、作品を見に面白い人たちが集う場所でもあります。そういう意味では今回も「伊藤万理華のギャラリー本」のようなところもあるなと思いました。ジャンルとか立場とか関係なく共鳴した人たちが集まるギャラリーのような場所をいつか実現できたらと考えています。

伊藤万理華はなぜ作るのか？　初の書籍「LIKEA」の制作舞台裏と将来の夢

■「LEITZ PHONE 2」ライカ独自の高品質な写真が楽しめるスマートフォン第2弾。スマートフォンとして最大級となる1インチの高性能47.2メガピクセルのCMOSイメージセンサーと、高い処理能力を持つSnapdragon® 8 Gen 1 Mobile Platformプロセッサーを採用し、高解像度による細かなディテールの表現や自然な色表現など優れた描写性能を実現。ライカが培った高い光学性能と画像ソフトウェア技術により、日常のあらゆる瞬間や経験する場面を切り撮る。価格は22万5360円。11月18日からソフトバンクで販売されている。LEITZ PHONE 2：オフィシャルサイト■田中開1991年ドイツ生まれ。早稲田大学基幹理工学部卒。直木賞受賞作家 田中小実昌を祖父に持つ。2015年、レモンサワー専門バー「OPEN BOOK」を新宿ゴールデン街にオープン。店内には、新宿ゴールデン街に集う文化人として知られていた同氏の祖父の蔵書が並ぶ。レモンサワーブームの火付け役となった同店のほか、新宿一丁目に「OPEN BOOK 破」、日本橋のホテルK5内に「Bar Ao」を構える。今年4月には、祖父との思い出や酒場の楽しみについて綴った初のエッセイ「酔っ払いは二度お会計する」を刊行。OPEN BOOK：公式サイト酒よ、今夜もありがとう　インスタグラムも満足に更新できない自分が、ゴールデン街で1週間、その様子を撮ってくれと言われる。それからの1週間は、午前5時に向かって飲んでいる日々であり、もはや写真を撮るという名目でずっと街にいりびたるだけであって、5時になれば始発が動くのではなく、タクシーの割増が終わって、お得な気持ちになるだけである。そして、気づくとスマートフォンの中には500枚以上にのぼる膨大な写真があり、この画像たちと自分の1週間を振り返るなんて、どうすればいいんだと途方に暮れる。色んなお店に行くつもりが結局、同じ店に、でも違う人と飲むことの連続で、何か定点観測のような飲み方になってしまった。　この機会だから、ゴールデン街はなんぞやと考えてみるが答えは出ない。ただ、なんとなくとこの街の「らしさ」というのは分かってきた気がする。　だからこそ、多様性とかダイバーシティとか言ってSDGsのピンバッジを付けている、いかにもなサラリーマンの首根っこをつかまえて、しかと聞きたい。ゴールデン街で飲んでいて、横のおじさんが「日本には核武装しかない！」と言われたときに、どう答えるのが、この社会の多様性たる答えなのか。答えはないのだけれど、そこで正面から議論も良し、よしなに酒を飲み交わすもよし、ゴールデン街ひいては歌舞伎町にあるのは、その変わらない許容のスタンスだ。この街の「らしさ」と「酉の市」の”粋” 　例えば、ここは歌舞伎町のニューハーフバー。　女性か男性か分からない中で、お互いに男と女を演じている空間（僕たちもあくまで男を演じているだけかもしれない！）。ニューハーフのキャストに混じって生物学的女性（本物の女性とか言うと語弊を産む）もいる。　ジェンダーや性差について学ぶことは誰でもできる。でも、そういうのが座学だとすると、こちらは実践かもしれない。残念なことに、座学はあまり役に立たなくて、結局、彼女たちにシャンパンが何本開けられるかというお財布のほうが大事だったりする。非番の子が、ノーギャラなんだけどと言いながら私服で踊っていたり、もう全く踊りが揃ってないショータイムに、僕は不思議と勇気をもらいました。　新宿、花園神社の酉の市。ゴールデン街の脇にある花園神社のお祭り。今年になって、ようやく酉の市が戻ってきたように思える。でも、屋台だけで、飲み食いできるお店がまだ無いし、11時でお終いということで、少し寂しい。前は、お店の営業終わりに朝まで飲むのが楽しかったんだけど。みんな大きい熊手を買うけれど、個人的には、神社の売店で売っている1000円の小さな熊手で済ませるのが粋、と信じている。歌舞伎町にあるセレクトショップ「THE FOUR-EYED」の藤田くんもいた。 今週もよく遊びました。　さて、ゴールデン街のお店をいくつか巡ってみようと思う。＜オープンブック＞　弊店舗。一応、事あるごとにお店に足を運ぶのが、せめてものオーナーの仕事。ちなみに、こんな感じで本がたくさんあるお店です（安直）。　僕がこのお店に立つことはあまりなく、専らカウンター外からの賑やかし。■オープンブック住所：東京都新宿区歌舞伎町1-1-6 ゴールデン街五番街営業時間：午後8:00〜午前0:00定休日：不定休＜しの＞ 　オープンブックで働く前に1年間、ここで働いていた。この1週間も5日行きました。この日はスタッフのユキトモとキャメロンとお店の営業あとに。。「しの」は18時から5時まで、年中無休という素晴らしい営業スタイルで、いつも遅い時間まで飲んでしまい、もう人気の無い通りを帰るのが常だ。■しの住所：東京都新宿区歌舞伎町1-1-9 花園一番街営業時間：午後6:00～午前5:00定休日：無休＜ロケット＞／＜disico devil＞　5時になれば、近隣のスタッフたちが集うお店。ゴールデン街のアフターファイブはAMなのです。　この日は、アリスという後輩に誘われて。飲みいきましょうと屈託のない笑顔で言われると断れない性格です。　そのまま、新宿三丁目のdisico devilへ。ゴールデン街の逸材・ハンナちゃんへ会いに。ここまで酒を飲む美女は後にも先にも見たことがない、ゴールデン街の鑑。■ロケット住所：東京都新宿区歌舞伎町1-1-10営業時間：午後9:00～午前6:00定休日：毎週日曜日■disico devil住所：東京都新宿区新宿3-7-5 第2シグマビル 4階営業時間：午後9:00〜午前5:00＜ゴールデンダスト＞　ゴールデンダスト、日本語に略せば金の屑。新宿ゴールデン街3番街の中心に位置するお店。　24時間営業のお店。ご飯が出るわけでもコーヒーが出るわけでもなく、ずっと酒を飲むお店。お隣には、山本さん。山本さんは、ゴールデン街のファミリーマートで働いている。都心にありがちな外国人がバイトの大方を占めるお店で、ほぼ唯一の日本人。ゴールデン街のファミリーマートは、一晩中肉まんをはじめとしたホットスナックが途切れない、まさに夜が訪れないお店なのだが、そこでいつも忙しなく働いている。　山本さんは土日月の深夜は、このしんちゃんという彼が働いているところに、ずっといる。カウンターにドラムのばちと謎のハートの容れ物を置きながら飲むのが彼女のスタイル。習っているというドラムをカウンターで、叩き始めて、いつもしんちゃんに怒られている。　歌舞伎町に住みながら、どうしてもゴールデン街のコンビニで働きたいと、ずっと応募のチャンスを伺って、その念願が叶ったのが3年前。「ずっと変だと言われていたけれど、この街では誰もそんなこと言わないで受け入れてくれる、ここが好き」と言いながら、バチを叩いて、「うるさいよ！」としんちゃんは怒鳴っているが、誰も怒っていなくて、また気にすることでもない。　気づけば、日曜の朝5時。週の頭のこんな時間に、もう街は閑散としていた。また次の週末を待って。■ゴールデンダスト住所：東京都新宿区歌舞伎町1-1-8 新宿ゴールデン街3番街営業時間：24時間営業定休日：無休（文・写真：田中開、編集：長岡史織）

歌舞伎町・新宿ゴールデン街の”今”を切り撮る　「オープンブック」店主と夜の街を巡る

ドレスアップしたくなる劇場型ポップアップ　カルティエカラーのレッドやゴールドで彩られた会場は、アーティストが集う劇場をイメージ。「#カルティエ座」「#CartierLoveIsAll」「#CartierTokyo」の文字が躍るサインボードやチケットオフィスは、まるでヨーロッパの街角のような雰囲気だ。ページボーイが来場者を迎え、エントランスから高揚感に包まれる。落ち着いたムードの会場内では、並べられたレコード（記載されているQRコードをスマートフォンで読み込む）やジュークボックスから、「愛」をテーマに選曲したプレイリストを聴くことができる。多彩なキュレーターたちが選んだラブソング　プレイリストのキュレーターとして参加したのは藤井フミヤ、宇多田ヒカル、玉森裕太といった豪華な顔ぶれ。各プレイリストはカルティエLINE公式アカウントのスペシャルサイトから楽しめるほか、LINEを通じて友だちに送ることも可能だ（一部ポップアップ限定）。　スペシャルサイトでは、プレイリストに対する各アーティストのコメントも紹介している。藤井フミヤは「自分の心に残っているのは、王道のヒットソング」とし、時代が移り変わっても色褪せない名曲をセレクト。宇多田ヒカルは「静かに燃える情熱の歌」や「大好きな人を讃える歌」など、誰かに「伝わってほしい」という強い思いを感じる曲を選んだという。玉森裕太は12曲をセレクトし、「平和を願い歌う幸せを感じる楽曲たちを皆さんにも是非聴いてもらえたら」とコメントした。　また、miletは「肌寒くなってきた季節に寄り添ってくれるような優しいラブソング・プレイリスト」を選び、リリー・フランキーは「脊椎液に流れ込む日本の言葉とメロディーの甘酸っぱさ。ひとりで夜中に聴いてのたうちまわれます」と自身の選曲について説明している。各40組だけが参加できるスペシャルライブ　また、場内のステージでは、Awesome City Club、milet、OKAMOTO'S（オカモトショウ・オカモトコウキ）、SIRUPなど豪華アーティストによる一夜限りのライブを開催する。「愛」をテーマに開催されるライブの観覧応募はスペシャルサイトから受け付け、抽選の上、各40組80名を招待。限られた人数だけが参加できるプレミアムなイベントとなる（一部アーティストのライブはスペシャルサイトにて後日、アーカイヴ配信される予定）。　日中は、ハラミちゃんやピアニストによるピアノ演奏が披露されるなど、盛りだくさんの内容に。会場内のウォールやレコードには、出演者のサインが次々と記されていくので、こちらも楽しみにチェックしたい。サプライズゲストは藤巻亮太　オープン前夜には、キュレーターの一人である藤巻亮太が登場しスペシャルライブ。冬の定番ソングとなっている「粉雪」をはじめ、結婚した幼なじみに捧げた曲「3月9日」、来年発売となるアルバムから先行配信されたばかりの新曲「この道どんな道」などを含む全5曲を披露した。「愛にまつわる曲をお届けしたいと思います。今、世界で色々な意味で『分断』という言葉が叫ばれているけれど、音楽が繋いで、みんなを元気にできる力になれたら」と観客に語りかけ、愛と音楽の力を印象付けた。　会場近くの66プラザではカルティエのクリスマスツリーも点灯し、ロマンチックなフォトスポットに。ハイジュエリーからインスパイアされたカラフルなオーナメントが、ホリデームードを華やかに盛り上げる。　そのほか、東京・表参道交差点と大阪・阪急うめだ本店1階 コトコトステージ11でも「カルティエ座」のポップアップが開催され、こちらでもプレイリストへのアクセスが可能。ホリデーを祝う、「愛」にあふれたコンテンツが各会場で繰り広げられるので、ぜひ家族や友人、大切な人と一緒に楽しんで。

Fashion

音楽で愛を届けるポップアップ「カルティエ座」　六本木ではアーティストライブが連日開催

■いまさら聞けないあのアーティストについて：連載ページ自然発生的な流れで誕生したKANDYTOWN　ラッパーやトラックメーカー、DJ、フィルムディレクターらを擁する大所帯クルーKANDYTOWN。彼らは2012年に世田谷区を拠点に結成されたのだが、もとはBANKROLLとYaBastaという2つのクルーを母体としている。BANKROLLは故YUSHIを中心に2005年に結成され、IOやRyohu、BSCらが所属。YaBastaはBANKROLLに触発される形でYOUNG JUJU（現KEIJU）やIO、Gottz、Holly Qらが2010年に結成した。この2クルーがどちらも世田谷区を拠点としており、ライブやパーティーなどで一緒になるシーンが多かったことに加え、音楽活動を始める前より幼馴染や中高の先輩という近しい関係だったことから、自然発生的な流れでKANDYTOWNが結成されたという。　初期は、“K”ANDYTOWNではなく“C”ANDYTOWNだったが、結成から2年後の2014年にフリーミックステープ「KOLD TAPE」をリリースしたタイミングで“K”ANDYTOWNに変更。“C”を“K”とした理由は、メンバーの多くが世田谷区の喜多見や駒沢、経堂など“K”始まりのタウン（町）が地元だったため、ふざけて“K-TOWN”と呼んでいたことが由来のひとつだそうだが、詳しい経緯は本人たちすらも不明だとインタビューで語っている。故YUSHIという存在　「KOLD TAPE」は、彼ら曰く“溜まっていた曲をまとめて出しただけの作品”だったが、シーンからは支持を集めたことで2015年1月にストリートアルバム「BLAKK MOTEL」をフィジカルで制作。すると、同作も早耳リスナーたちの関心を集め、2月にクルーとして初の取材を受けることに。しかし取材前日、中心メンバーだったYUSHIが不慮の事故から23歳で夭逝してしまったのだ。　KANDYTOWNにリーダーはいないが、YUSHIは心臓に近い役割を果たしていた。小学生の頃からスケートボードに乗ってヒップホップを聴き、中学生でドゥーラグの上に「ニューエラ（NEW ERA）」を被るなど、全てにおいて“早い”人物で、彼に影響されてラップを始めたメンバーもいるほど。だが何よりも、その生き様からKANDYTOWNに“イズム”をもたらした必要不可欠な存在であり、そんなメンバーとの離別によってクルーは結束力を強め、本格的に動き出すことになったのである。　なお、YUSHIは高校生時代、後に「OKAMOTO'S」を結成するハマ・オカモトやオカモトレイジ、オカモトショウらと共に「ズットズレテルズ」というバンドを結成し、MCドカットカットとして活動。当初は卒業式限りの活動予定だったが、諸事情で“音楽の甲子園”と呼ばれた10代のアーティストのみが出演できる音楽フェス「閃光ライオット」（2009年）などにも出演している。下の映像は、新型コロナウイルスによる第1回緊急事態宣言発令を受け、オカモトレイジの「各々のバンドが世に出さずに持っている映像データを、お世話になったライブハウスもしくは、その映像の中で出演しているライブハウスに納品して、マネタイズする」というアイデアから、新宿のライブハウス「レッドクロス（紅布）」がアップした2009年のズットズレテルズの貴重なライブ映像だ。　ちなみに、オカモトレイジは同ライブハウスでアルバイトをしていたほか、BSCと小学校が、YUSHIとIOと中学校が一緒だったり何かとメンバーと縁が深く、2016年にKANDYTOWNがメジャーデビューする際はA＆Rやディレクション周りを担当。1stアルバム「KANDYTOWN」の初回盤には、オカモトレイジの距離感だからこそ撮影できるメンバーを捉えた写真集が付属していた。KANDYTOWNとは別にソロとしても精力的に活動　YUSHIの一件でアクセルに足を乗せ直したKANDYTOWNは、トラックメイカーのnoshとのコラボアルバム「Kruise’」（2015年）を経て、2016年11月に満を持してメジャーデビュー作となる1stアルバム「KANDYTOWN」をリリース。全19曲を収録する同作は、アートワークに故YUSHIが描いたイラストを採用し、その見事なマイクリレーと時代の流れを汲み取りつつもオリジナリティが溢れる音楽性から、2010年代のジャパニーズ・ヒップホップを代表する1枚に数えられるほど高い評価を獲得した。特に収録曲「Get Light」は、「リーボック クラシック（Reebok CLASSIC）」とのコラボレーションで書き下ろした楽曲ということもあってMVと共に話題となり、広く人に知られることとなったのである。　そして、1stアルバム「KANDYTOWN」のリリースにあわせて各メンバーがソロとして精力的に活動を開始。クルーとしてのまとまった作品は2019年2月のEP「LOCAL SERVICE」と、10月の2ndアルバム「ADVISORY」まで日が空くのだが、その前後までにIOが1stソロアルバム「Soul Long」（2016年2月）を、YOUNG JUJU（現KEIJU）が1stソロアルバム「juzzy 92’」（2016年11月）を、IOが2ndソロアルバム「Mood Blue」（2017年4月）を、Dony Jointが1stソロアルバム「A 03 Tale,￥ella」（2017年5月）を、MUDが1stソロアルバム「Make U Dirty」（2017年7月）を、RyohuがEP「Blur」（2017年10月）を、Neetzが1stソロアルバム「Figure Chord」（2019年2月）を、Gottzが1stソロアルバム「SOUTHPARK」（2018年10月）を、BSCが1stソロアルバム「JAPINO」（2019年7月）を発表している。もちろん、これ以外のソロ作品や他アーティストの楽曲への参加・プロデュースも数え切れないほどあるほか、Holly Qは俳優・上杉柊平としても活躍したりと、それぞれのメンバーがKANDYTOWNをプラットフォームのように位置付け活動していたのだ。強い個性でファッションシーンからも引く手数多　メジャーデビュー前にもかかわらず、「Get Light」でリーボック クラシックとコラボしていたように、大所帯でありながらクルーとしての個性が強いKANDYTOWNは、活動初期よりファッションシーンからも引く手数多だった。2017年9月にデジタル配信限定でリリースした「Few Colors」は「ティンバーランド（TIMBERLAND）」とのコラボソングで、MVではメンバーたちがアイコニックな「6インチ プレミアム ブーツ」を着用して登場。さらに、2020年3月の「PROGRESS」も「ナイキ（NIKE）」とのコラボソングで、「エア マックス 2090（Air Max 2090）」にインスパイアされた楽曲として「エア マックス」の誕生日「エア マックス デイ」（3月26日）にリリースし、MVではさまざまな「エア マックス」シリーズを履きこなすメンバーを映し出している。　また、Dony Jointに至っては自身のブランド「グッドイェラ（GOOD ￥ELLA）」を手掛けているほか、YOUNG JUJUがメジャーデビューにあわせて現在のKEIJUへと改名した記念イベントでは「ピガール（PIGALLE）」が協賛し、IOが「カルバン・クライン ジーンズ（CALVIN KLEIN JEANS）」2020年春夏コレクションのモデルを務めたことから「CK」がライブをサポートしたりと、“KANDYTOWN meets Fashion”のトピックスは枚挙にいとまがない。人気絶頂の中、活動を“終演”　冒頭でも触れたが、KANDYTOWNは2023年3月の武道館公演を最後に“活動終演”をアナウンスしている。それに先立ち、11月30日にリリースするのが3年ぶりとなる3rdアルバム「LAST ALBUM」だ。同作についてIOは、「KANDYTOWNが始まった時から構想にあった」と語っており、クルーとしては10年、プライベートでは20年近く関係を築いてきた彼らの足跡を、音楽を通じて振り返るような楽曲ばかりに。そして、決して過去の焼き直しではなく、KANDYTOWNというアイデンティティが深く感じられる作品に仕上がっている。　なお、12月にはニューエラの別注アイテムを展開するコンセプトショップ「ザ キャップ（THE CAP）」のサポートによる全国クラブツアーが開催されるので、武道館公演のチケットを逃した方はお見逃しなく。また、「まずは聴いておくべき10曲」とは別に、KANDYTOWNのサウンドクラウド（SoundCloud）にのみ上がっている「Untitled（2012）」もぜひ聴いてほしい。まずは聴いておくべき10曲1曲目：R.T.N 1stアルバム「KANDYTOWN」（2016年）収録曲で、タイトルは“Run The Night”は略。ラストの「熱い土地に憧れた 飛ばす246」は、故YUSHIが遺した歌声。 2曲目：Get Light 1stアルバム「KANDYTOWN」（2016年）収録曲で、リーボック クラシックとのコラボ楽曲。浅草周辺で撮影されたMVは必見。 3曲目：Scent of a Woman 1stアルバム「KANDYTOWN」（2016年）収録曲で、アルバムの中でも特にシブさの光る1曲。おそらく、アル・パチーノ（Al Pacino）が主演の同名映画に着想したもの。 4曲目：1TIME 4EVER アルバム未収録曲で、故YUSHIの命日にリリースされた楽曲。ほぼフルメンバーとなる10人のMCがマイク・リレーを繰り広げている。 5曲目：Prove EP「LOCAL SERVICE」（2019年）収録曲で、EPは「1TIME 4EVER」と同じく故YUSHIの命日にリリース。リリックでは随所に故YUSHIへの愛が感じられる。 6曲目：Local Area 2ndアルバム「ADVISORY」（2019年）収録曲で、Neetzの自宅でGottzとKEIJUが別の作品を収録中にノリで出来た楽曲。 7曲目：Until The End Of Time 2ndアルバム「ADVISORY」（2019年）収録曲で、アルバムのラストを飾る楽曲。MVでは、仲間と過ごす普段の彼らをはじめ、レコーディングやライブといった2019年の軌跡が収められている。 8曲目：NEKO (Remix) OKAMOTO'SのEP「BL-EP」（2016年）収録曲で、RyohuとMUDがフィーチャリングで参加している。 9曲目：Make U Dirty MUDの1stソロアルバム「Make U Dirty」（2017年）収録曲で、スポーツカーの「シボレー」をイメージして書き上げた楽曲。同アルバムの全曲をNeetzがプロデュースしている。 10曲目：Hold You Down KEIJUの1stソロアルバム「T.A.T.O.」（2020年）収録曲で、客演はMUDのみだがMVにはHolly QやIOらも登場している。

KANDYTOWNの軌跡【連載：いまさら聞けないあのアーティストについて】

　二人のキーパーソンが動き出した。齋藤氏は「六本木アートナイト」や「MEDIA AMBITION TOKYO」のメディアアートディレクターおよび大阪・関西万博のPLLクリエイターを務めており、市民を巻き込んだ都市イベントを成功させる手腕を持つ。松井氏はファッションから行政まで幅広いクライアントのブランディングやコンサルティングを担当。TCS期間内に開催される渋谷原宿ファッションフェスティバル（シブハラフェス）のプロデューサーも務めている。そんな二人から見た、今の東京とは？■人の集まりも建築の一つ？ー齋藤さんは多くの都市イベントに関わっておられますね。齋藤精一氏（以下、齋藤）：僕はもともと建築の出身で、コロンビア大学で学んでいたのがモルフォロジーという建築の形態学でした。その時の学科長が、パリのラ・ヴィレット公園を設計したベルナール・チュミという有名な建築家。彼が「人の動きから生まれるムーブメントは、建築に等しい」という考え方をしていたんです。要は、あまりハードウェアに依存するようなデザインではなく、人の集まりをデザインするというか。今、僕は行政のイベントや芸術祭を作ることもしていますけど、それは全てモルフォロジーから繋がっているんです。ー都市の計画をする上で、どうやって街を分析しているんですか？齋藤：最初はリサーチです。これまでの歴史と現在と、都市開発になると少し先の情報もあるじゃないですか。そういうデータも全部見ているんですけど、よくやっているのはフィールドワーク。つまり歩くことです。とはいえ今日、原宿には超久しぶりに来たんですけど、とんでもなく変わってますね（笑）。松井智則氏（以下、松井）：すごく変わりましたよ。キャットストリートとか歩いてみてください、テナントもだいぶ空いてるし。齋藤：コロナの影響でだいぶ様相も変わちゃったんですよね。こういうのはたぶん店舗の稼働率を見ているだけじゃ分からない。「昔こうだったのに……」とか「ここ、古かったのにリノベーションされてる」というような情報は歩いて見て回らないと。■「金太郎飴化」して、魅力を失った東京ー松井さんは今の東京をどんなふうにご覧になっていますか？松井：僕はもう20年住んでいるから飽きちゃっているだけかもしれないんですけど、今の東京に昔ほどのパワーは感じないんですよ。上京してきた時は、ファッションとかクリエイティブが東京の地場産業だと思っていました。でも今はパリもニューヨークも東京も、どこを切っても金太郎飴化していて……。齋藤：僕も本当にそう思っています。松井：先進国って建物も似ていますよね。だからさっきの建築の話とも繋がるんですが、大事なのは「誰が集まるか」ということ。「どういうエコシステムで、街のクリエイティブな人たちの中で新陳代謝が起こるか」を正常化していかないと、新しいものを生み出せないと思います。齋藤：昔の東京って、ファッションの人たちはどういうところにいて、音楽の人はどういうところにいて、というのがけっこう分かりやすかったじゃないですか。今はどこもかしこも同じ施設を作って、街が同質化・均質化され、インテリア化しています。松井：例えば大手セレクトショップに行きたいと思ったら丸の内にもあるし、渋谷にもある。街が均一化されてしまったら、やっぱりそういうカルチャーって各所から生まれづらいんですよね。業界の人からすると、丸の内で売っているものと渋谷で売っているものは、MD（商品開発や販売戦略）が違うというのはあるんですけど、一般の人は分からない。ーTCSはそんな現状をどうやって変えていくのでしょうか？齋藤：去年、TCSにお声がけいただいた時に「イベントをやることで、各エリアの役割分担がもう一度できるんじゃないか」と思ったんです。こんな東京全部を使ったイベントを民間団体で協力しあって実現するなんて本来あり得ないことですし、東京都も助成してくれているので、街の再定義はちゃんとしたいですね。でもそれってルールじゃなくて、そのエリアのノーム（規範）だと思っています。松井：例えば渋谷だったらイノベーションブランドのデビューの場にしようとか、丸の内はインキュベーションにしようとか、今そういう割り振りを計画・実施しているところですね。今の時代感にあったBtoC（企業と消費者間の取引）のモデルで、ビジネスに貢献できる舞台を考えています。齋藤：あと松井さんがよく言う「ニッパチ（全顧客の上位20％の顧客が売上げの80％を占める、2対8の法則）の2を今回はちゃんと狙っていこう」というところが僕はすごく大事かなと思っています。だから「たくさん来てください」というよりは、ちゃんと哲学が合う人に集まってもらうということが大事。僕が他でやっている芸術祭でも「モチベーションがない人は来ないでください」と思っているんです、濁ってしまうと思うので。松井：ビジネスだけではなく、感性の2も大切にしたいです。消費するだけではなく何かを生み出すようなモチベーションや、何かトライしてみようという人たちが加わることで、足し算ではなく掛け算で物事が進化すると思いますし。■これがラストチャンス、東京は沈みかけた船TCSの開催エリアは丸の内、日本橋、銀座、渋谷、原宿。エリアイベントは三井不動産、三菱地所、全銀座会、東急が主催して行う。目指すのは「ミラノサローネ国際家具見本市」のようなデザインの祭典。ファッションを中心とした展示からスタートさせ、アートや建築、音楽や食文化に至るクリエイティブな活動へと成長させていくという。ーTCSの舞台はどのような視点で選ばれたのでしょうか？齋藤：まずTCSのコアエリアは、開催時期の3月に各エリアでアクションを起こしている人たちが賛同してくれたのがきっかけで決まりました。例えば渋谷は東急さんもあるし、Rakuten Fashion Week TOKYOも渋谷ファッションウィークもあります。何かアクションを起こすんだったら東急さんに話すと、渋谷をある程度は把握できるんですよ。ー今後、開催場所が増える可能性も？齋藤：増えていきます。今年も実際、その動きはあります。松井：羽田空港は本決定ですね。齋藤：TCSのエリアが広がると「クリエイティブにおいて多数者が関わると相乗効果と同時に相殺効果も生まれるのではないか」という議論も出てくると思いますけど、僕としては、塗れるものは一旦塗ってみる方がいいような気がしています。とにかく一度集まって、何ができるのかということをまず考えなきゃいけないと思うので。松井：やっぱり広げ続けて、模索しなきゃいけないですね。ーTCSでは2週間の期間、街全体がマーケットになることを目指しています。経済効果は？齋藤：文化と経済の直接の相乗効果って、実はほとんどないんです。文化の経済効果なんてGDP（国内総生産）的に言うと、0コンマくらいのパーセンテージしかないんですが、それが周りまわって観光産業や文化の継承に繋がったりするんですよね。松井：「イッセイ ミヤケ（ISSEY MIYAKE）」さんも山形の地場産業を助けたりしていましたもんね。結果が出て初めて回顧的に理解できるわけですが。齋藤：TCSでもエリアを広げて、どれだけの経済効果ができるのかを後々検証してみたいです。これだけ良いデザイナーがいるのに「別に東京でやっても話題にならないし」ということで、みんなまずは海外から発表していく。それってもう「沈没する船」のほか何物でもない状況だと思うんです。業界もリミットが迫ってる危機感があります。松井：業界団体同士が手を組めばギリギリ回避できる瀬戸際です。なので同業種以外でも絶対に手を組むべき。そもそも共同体なわけですし、そこは話し合っていきたいですね。齋藤：ファッションを専門外とする僕のような人間からすると、業界的におかしなことがすごくたくさんあって。「なんでこれとこれは別でやってるんですか？ なんで時期を合わせないんですか？」とか。普段はみんなバラバラでいいと思うんですよ、ただ一年に一回くらいは合わせてもいいんじゃないのかな、と思っています。松井：ちゃんとみんなの哲学が合えば、サクッと東京のスタイルが見つかって同じ方向を向けるような気がしますし。齋藤：よく街作りで「（地域活性化に必要なのは）よそ者、若者、ばか者」と言うじゃないですか。それを特に「よそ者」の目で、東京内でも気づかせてあげるのがTCSの役割かな、と僕は思っています。■戦争が始まった日に考えたことーTCSで実現したいことは？松井：究極的には「クリエイティブで日本国民の美意識を上げて世界平和に繋げる」ですかね。齋藤：今回、「世界平和っていうのは、北極星としては絶対あるよね」みたいな話はしていましたね。もしかしたらコピーにも大きく「PEACE」というのが入るかもしれない。松井：やっぱり僕は、デザイナーが何か自分たちの思いを訴えたいと思って作るものには未来とかパワーがあると思っているんです。それが何十年、この仕事をやってきた理由でもあり、今回のTCSでもそれを世の中に伝えたいという気持ちが強いです。幸せなことに今の日本は平和で、ファッションやクリエイティブ産業を楽しめる状態です。そうあり続けるために、一般の人も業界の人も未来に向けて努力しなくちゃいけないと思うんです。齋藤：僕、ティム・インゴルドという人類学者が大好きで。半年前くらいに彼にインタビューさせてもらったのが、ちょうどウクライナにロシアが攻め入った日だったんです。朝、起きてテレビをつけたら戦争が始まっていた、そんな日に「今、世界に何が必要か？」と尋ねたら「カンバセーション」って言われたんです。松井：会話が途絶えると、全部マイナスの方向にいきますよね。ただ、会話ができるような起点が、視覚的に存在するといいなと思います。齋藤：なるほど。例えば今日、松井さんの付けているワッペンを「この人になら話しかけても大丈夫」という目印にするとかね。松井：これに書いたらいいんですもんね、「ファッションが好き」とか「戦争反対」とか。「あいつ俺と同じだ」っていう人が分かったら、まず何を話せばいいか分かりやすいですよね。そういう人を捕まえて話をすればいいんです（笑）。■ダフトパンクが和解のきっかけに齋藤：そういえば僕、軽い自動車事故を起こしたことがあったんです。急ブレーキでフライドポテトが落ちて「うわっ」と思ったら前の車にコツンと当たってしまって。そうしたら、お兄さんが車から降りてきたんです。本来ならすぐ謝らなきゃいけないんですが、彼がダフトパンクのTシャツを着ていて、「ダフトパンク好きなんですか？」って思わずそれを突っ込んだんですよね（笑）。松井：それは（笑）。齋藤：そうしたら「大好きです」って答えてくれて。僕が製作した「au 4G LTE」のCMで彼らの曲「ワン・モア・タイム」を使っていたのもあって「へえ！」、「じゃあ、とりあえずお互いダフトパンクが好きだってことで…...」みたいな。許してもらいました（笑）。松井：めちゃくちゃいい話じゃないですか（笑）。齋藤：今、そんなアイコンがなくなった気がしているんです。それがないとやっぱりカンバセーションは生まれないじゃないですか。そういうきっかけをTCSでも作りたいなと思います。■やる気スイッチで消費側から生産側へーファッションやデザインに携わりたい若者は、どういう意識で動くべきでしょうか？齋藤：オードリー・タンもよく言っているんですけど、今は「コンピテンシー」の時代。コンピテンシーって能力という意味なんですけど、つまり「やる気スイッチを押すか否か」ということですね。もし何かに関わりたいんだったら能動的に一歩踏み出せばどうにでもなるんです。例えばイベントに呼ばれていなくても、自分の作品を纏って行っちゃうとか（笑）。松井：そういう人たちが参加できる場は作りたいですね。齋藤：いつか公募もやりたいです。今はメディアも多いし、TCSみたいな機会も多いから、すぐ関われると思うんですよ。松井：シブハラフェスのテーマは「ファッションウィークが街へ飛び出した」なので「めっちゃおしゃれして、東京という街のランウェイを楽しんでください！」って言いたいんですけど、なんか齋藤さんの後に話すと安っぽいな（笑）。齋藤：いや、でもそういうことですよね。やっぱりみんなに消費側だけじゃなくて生産側にも回ってほしいなと思います。でもおしゃれって言われても、僕にはオプションがないかも......。みんなはそういう服を持っているのかもしれないけど。松井：「今日はシャツのボタンを2個外してみよう」とかそういうのでいいんじゃないですか？ ちょっとワル系で。齋藤：どうしたんですか？ってみんなに言われそう（笑）。でもそれくらいのチャレンジが今の日本に必要なのかもですね。

東京クリエイティブサロンが見直す「東京」の役割　齋藤精一×松井智則対談

ーココ吉から出品されたバンド「ロリポップ・ソニック」のカセットが150万で落札されました。改めて、どのようなカセットだったのかを教えてください。　ロリポップ・ソニックは現在コーネリアス（Cornelius）名義で活動されている小山田圭吾さんと、小沢健二さんらによって1987年に結成されたバンドです。ロリポップ・ソニックは2年後の1989年に「フリッパーズ・ギター（Flipper's Guitar）」という名前に改名するのですが、フリッパーズ・ギターも1991年に解散。2人で活動した期間はロリポップ・ソニック名義を含めても約5年間と短いものの、日本のポップスに多大なる影響を与えたバンドとして知られています。今回出品したカセットは、ロリポップ・ソニックが唯一残したアルバムです。ー販売はされていたのでしょうか？　はい、ライブ会場の手売りのみですが販売されていました。確証は無いのですが、数十本しか生産されてないみたいなんです。もし、値段を付けずに無料で「友達に配ったもの」だったら話が違うのですが、レコード屋としては「少ない本数しか出回っていないものの、リリースされたアルバム」という観点で査定をします。些細なことと思われるかもしれませんが、結構重要な事実だったりします。ー生産数の少なさが事実ならかなり希少性が高いですね。　これも確証はないんですが最初に30本作り、好評だったので更に30本追加で作ったと言われています。今回僕が買い取ったものは、追加販売された30本のうちの1本です。ー買い取ったものが本物であるという確証はある？　もちろん。確証があって買い取っています。本当にただのカセットテープなので、複製しようと思えばいくらでもできる品物だし、実際に今までも明らかなコピー品が3000円とかで落札されているのでそこには注意を払っています。ーココ吉さんはどのように入手したんですか？　それは言えません（笑）。ーちなみにどういった点で確証を得たのでしょうか？　詮索されるとまずいので詳しいことは言えないんですが、言える範囲の証拠を言うと「マクセル（maxell）」のUD1という種類のテープを使っていることが挙げられます。当時フリッパーズ・ギターのマネジメントをしていた牧村憲一さんも「色々偽物が出回っているが、ロリポップ・ソニックの自主制作カセットテープはUDI 30を使用している」とツイッターで公言しているし、このカセットを売ってくれた人も同じことをおっしゃっていました。それなのに、今まで、それがわかる写真で出品している人が1人もいなかったんですよ。だから、出品されているものが本物なのか否かがそもそも判断できなかった。　他にも「ラベルに手書きされているペンの色がオリジナル正規品のそれではない」という指摘もありましたが、もちろんそれも調査済みで100%オリジナル音源ですと断言することができます。僕も「変なものは出せない」というプライドがあるので。ーオークション形式で販売されましたが最初の設定価格は？　6万円からスタートしました。おそらく「ただのテープに6万円かよ！」と思った人の方が多かったんじゃないかな。僕自身も「そうだよね」と思いながらコメントを眺めていました（笑）。でも僕としては、それくらいの価値があるものだと思ったので落札されてもされなくてもどちらでもいいやという気持ちで出品しました。ー矢島さんが思う、このカセットの価値は？　僕は「フリッパーズ・ギターの前身バンドだから」というよりも、そもそも内容が素晴らしく、傑作だと思っています。もちろん151万円の価値が付いたのには小沢健二さんと小山田圭吾さんが現在も活躍しているからこそなんですけどね。　それでも正直なところ、151万円で落札されるとは思わなかったし、誰も想像していなかったんじゃないかな。カセットを売ってくれた人も「間違いなく本物だが、これがどれくらいの市場価値があるのかがまったく未知数だ」とおっしゃっていました。ー希少性があるとわかっていながらも、なぜ市場価値が読めなかったのでしょうか？　大きく分けて2つあって。一つは約20年間で通算5〜6本しか出品されていないこと。つまり、値付けをする上で参考になる取引が極端に少なかったんです。どんなに調べても過去の最高落札額が6万円だったので、その値段からオークションを始めることにしました。もう一つはさっきも言った「UD1かどうか」を明示している出品者が今までにいなかったこと。それくらい、このカセットにまつわる価値を証明できる情報がなかったんですよ。ー小沢健二さん、小山田圭吾さんもツイッターで反応していましたね。　まさか僕が撮ったロリポップ・ソニックのカセットの写真と、思い入れたっぷりの紹介文が小沢さんのストーリーズに掲載されるとは。思わずスクショしちゃいました（笑）。ー結果として、あのカセットには151万円の価値があると認められることになりました。　おそらく、カセットテープに録音されたものでは最高額に近いんじゃないかな。でも、だからこそ声を大にして言いたいのは「儲かった」という話ではなく、151万円の価格が付くくらいの価値があるバンド、それがロリポップ・ソニックだったし、フリッパーズ・ギターだったのだ、ということ。例えば、ビートルズがデビューする前に「アセテート盤」という、自分たち作ったレコードが存在するんですが、それもやはり数百万円で取引されたんです。価格だけでみてしまえば、そういうものと同じ価値があると消費者が判断した。　僕は彼らのことが本当に大好きだったし、今、こう言う仕事をしているのも言ってみればフリッパーズ・ギターとの出会いがあったから。ちょっと言い方が大袈裟かもしれないですが「それくらいのバンドだったんだよ」ということが事実として残せたことは素直にとても嬉しかったです。【連載：“ココ吉”矢島店長に聞く、レコードの話】 第1話「レコードの再ブームの背景にあったもの」 第2話「レコードは、消費者が価値を作る？」 第3話「レコードはどうやって値付けされている？」 第4話「レコード屋はつらいよ、ブームなのに薄利？」 番外編「151万円で落札された伝説のカセット」（聞き手：古堅明日香）

151万円で落札された伝説のカセット【“ココ吉”矢島店長に聞く、レコードの話　番外編】

弱小レコード屋の生き残り方ー昨年の夏、山下達郎さんが1991年に発表したアルバムのリマスター盤をアナログで発売しました。その際に、原宿に位置するインディペンデントレコードショップ「BIG LOVE RECORDS」の仲真史さんのツイートは、レコード屋の薄利が明らかになる内容で、SNS上ではレコード好きを中心に賛否両論が巻き起こりました。　このツイートの内容を理解するためには、レコードがどのように流通しているのかを知る必要があります。今回は山下達郎さんを例に出して説明しますね。　山下さんは所謂「どメジャーアーティスト」です。当然ながら、山下さんほどになると、インディーズバンドのようにレコード屋に自ら足を運び「店頭に新譜レコードを置いてくれませんか？」と直談判することはなく、基本的には流通会社が、各レコード屋に卸します。ここで問題になってくるのは、流通会社が大口の取引しかしないこと。うちみたいな、小さなレコード屋は相手にしてもらえない。もっとわかりやすく言ってしまえば「月に数十万円の取引がないと口座を開設しません」というスタンス。なので、山下さんの新譜だけを買い取りたいというわがままなお願い事は聞き入れてもらえないんですよね。そこで、我々のような弱小レコード屋さんの強い味方になるのが、東洋化成ディストリビューションさんです。ーどのように心強いのでしょうか？　東洋化成ディストリビューションさんも流通会社であることには変わりがありません。ただ、うちみたいなお店ともお付き合いしてくれますし、彼らを通せばメジャーレコードも仕入れることができる。　ここからは想像でしかないのですが、おそらく全国各地の小さなレコード屋からたくさんの「今回の達郎のレコードを仕入れてくださいよ」という要望が来たと思うんです。それで彼らも頑張ってくれて、無理して枚数を確保してくれたのかな、と。その大変さは計り知れないし、それで色々あって8掛けになっちゃったんじゃないか、というのが僕の予想です。おそらく、このツイートをした仲さんもその辺の事情はわかっているんじゃないかな。ーなるほど。ちなみに通常は何掛けで仕入れているんですか？　基本的には7掛けか7.5掛けですね。だから「8掛け」というのは確かに割高ではあるんです。本当は6掛け、7掛けにして欲しいし、それくらいにならないと商売にならない。それこそ「10枚とって8枚売っても儲け0円」です。ーレコード屋の薄利は業界全体の問題意識として、まだ希薄なのでしょうか？　もっと問題意識を持つべきですよね。もしくは買い取りではなく、返品できるようにして欲しい。　レコードブームと言われているものの、儲かっているわけではないので「売れないかもしれないものは怖くてなかなか注文できない」という気持ちは働きます。でも、山下達郎なら売れると言う確証があるから、みんななんとかして手に入れたいし「まあ買い取りでもいいか」と納得している節があります。レコードを買う人はきっとそこまで考えてレコードは買わないと思うんですけど「こういう現実がある」ということはなんとなくわかってもらいたい（笑）。街の個店と大手レコード屋の差別化が不可能な時代にーレコード屋の実情がわかった上で、買い手ができることって何かありますか？　「欲しいレコードは予約をしよう！」これに限ります。例えば、山下達郎ほどメジャーではないアーティストのレコードを取り扱うと決めた時は、レコード屋は必ず予約を受け付けます。あれは要するに「売れないかもしれないものは怖くてなかなか注文できないので、何枚買ってもらえるかを事前に知りたいです！」と言い換えることもできる（笑）。つまり「10人予約してくれたから、10枚は売れるはず。じゃあ15枚くらい入荷してみるか」と考えるんです。だから、欲しい気持ちがあるなら予約をして欲しい。当たり前ですが、そしたら僕も全力でその分を確保します。　一方で「予約受付数は3枚だったのに、発売日当日になって20人がそのレコードを買い求めて来店した」ということもよくあります。そういうことが起こり続けると、値付けのバランスが崩れてしまい、定価よりも値段が高くなるレコードも出てくる。ーレコードを販売するインディペンデントレーベルも、どれくらいの枚数を用意するべきなのかが手探りなんですね。　ギリギリ赤字にならない枚数をみんな知りたがっているんです。100枚売れるのか、200枚売れるのかは、インディーズバンドやレーベル側からしてみたら大きな問題です。「もっと枚数を確保しといてよ」という声もあるんですけど、枚数をたくさん確保できない事情があることも知って欲しい。　先ほどのツイートの話に戻すと、実はこの短いツイートで記されている内容は結構ややこしくて。深読みをするならば「街の小さなレコード屋と大手CDショップの棲み分けができなくなってきた」という話に帰着するのかな、と。ー以前は、街のレコード屋と大手CDショップはどのように差別化されていたんでしょうか？　前提として、中古レコードを主に扱うココナッツディスクと、新譜CDを主に取り扱うタワーレコード（以下、タワレコ）やHMVは、仕入れの方法から売っているものまで異なっていて、業種が違うと言ってもいいくらい棲み分けができていましたが、それが最近になって曖昧になってきたんです。例えば、タワレコは「タワーヴァイナル」という新形態をスタートさせ、中古レコードを取り扱うようになりました。また、最初は中古レコードしか置いていなかったココナッツディスクも、インディーズバンドの新譜CDやレコードを置くようになり、今となってはメジャーデビューした彼らのCDはタワレコでもうちでも売られています。ー大手CDショップが中古レコードを取り扱い始めたことに嫌悪感を抱くことはなかったんですか？　僕の個人的な意見ですが、「こっちに歩み寄ってきてくれている！」と少し嬉しかったくらいですよ。大手も中古盤屋という形態にようやく魅力を感じてくれたんだな、と。やっぱりそれまではどちらかというと僕たちは日陰者だったから（笑）。極端だけど、大手は、ちゃんと買い取りで新品を仕入れて売っている。こっちはみんなが「もういらない」と言ったものを集めて「どうですか？」と聞いているようなもんだったので。新品と中古が対等な関係になってきたというのは嬉しいことなんですけど、お客さんからしてみたら、その違いはどんどん無くなっていて、街のレコード屋と大手ショップは「CDショップ」という大きい括りの中で同じものだと思っているんじゃないかな。だから「ココナッツディスクにはなんで山下達郎の新譜がないんだよ」と思われてしまう（笑）。でもそう単純なもんではないんだよ、と。その辺はきっと、ちゃんと説明しないとわかってもらえないことなんですよね。ーメジャーアーティストがアナログ盤で復刻や新譜をリリースするようになったのも最近の事で、それ以前はCDでの発売が一般的だったように思います。　その通りですね。2010年代は「レコードで作りたい！」と言っていたのは圧倒的にインディーズバンドだったから。それが段々と人気になってきて「アナログ版がまた人気らしいから、俺も作ってみようかな」という感覚でメジャーアーティストも第二次レコードブームに参入してきたというのが僕の実感です。2010年代に何が起きていたのかを知らない人たちからしてみれば、メジャーどころが昔からやっていたように見えるし、僕たちはいつまでたってもメジャーアーティストのレコードを仕入れることがままならない（笑）。ーメジャーアーティストもレコードで新譜を発売するようになったことが、街のレコード屋と大手CDショップの棲み分けがしづらくなってきた要因？　それも大きいと思いますよ。でも、昔ほどCDが売れなくなってきているから仕方ないといえば仕方ないことなんですよね。CDが売れなくなり、CDショップ自体が少なくなってきていますし。　本当だったら、レコード会社が全ての空気感を汲み取って、小さいところも大きいところも関係なく、様々なお店に「どうですか、取り扱いませんか？」と営業をかければいんですけどね。いまだに、大手流通会社に卸してそれでおしまい。「あとは好きにやって」という昔のやり方をずっと続けている。せっかくみんなが音楽の聞き方に興味を持ってくれているのに「もったいないな」とは思いますよね。レコードを一時的なブームで終わらせないためにーレコード好き、そしてレコード屋の店主として、これからのレコード市場に期待していることはなんですか？　一番は、せっかく興味を持ってもらったレコードを、少しでも長く、多くの人に聞き続けてもらいたい。そのためには、レコード屋の店主として、必要な知識は惜しむことなく伝えていかなくては、と思っています。ー必要な情報とは？　今はブームということもあり、間口が広く、たくさんの人がレコードや音楽に興味を持ってくれていると思うんですが、その後のフォローを誰もしてくれていない気がしていて。だからこそ、レコード好きの店主としては、きっかけとなるレコードを契機に「音楽の聞き方」みたいなものが伝えられれば、と。例えば「山下達郎の音楽がイケてるらしい」とお店に来てくれた人が、山下達郎だけを聞いて満足してしまわないように「山下達郎が好きなら、多分この音楽も好きだよ」「山下さんはこういうバンドに影響を受けたと言われているよ」と、音楽に対する興味が広がるよう助言をできたらいいですよね。そういう風に音楽そのものを深掘りして聞く人が増えれば、必然的に音楽好きも、レコード好きも増えるだろうな、と考えています。【連載：“ココ吉”矢島店長に聞く、レコードの話】 第1話「レコードの再ブームの背景にあったもの」 第2話「レコードは、消費者が価値を作る？」 第3話「レコードはどうやって値付けされている？」 第4話「レコード屋はつらいよ、ブームなのに薄利？」 番外編「151万円で落札された伝説のカセット」（聞き手：古堅明日香）

レコード屋はつらいよ、ブームなのに薄利？【“ココ吉”矢島店長に聞く、レコードの話　第4話】

レコードの値付け、何を見ている？ーココナッツディスクは、お客さんから持ち込まれたレコードを買い取り形式で商品を補充しています。具体的にはどのような観点で、商品の値付けを行っているのでしょうか？　大きく2つあります。一つは昔ながらの「経験則」。もう一つは現在の主流でもある「インターネット上の情報を元にした値付け」です。ー「インターネット上の情報を元にした値付け」ではヤフオク！やメルカリを参考に？　メルカリは出品者が値段を決めてしまうのであまり参考にはならないのですが、オークションの場合は、みんなで価格を釣り上げるので「大体これくらいの値段なら、みんなが欲しがるのか」と参考にはなります。あとは「Discogs」というサイトができて値付けの方法は大きく変わりました。きっとレコード屋さんはみんな見ている（笑）。ーどのようなサイトなのでしょうか？　海外のサイトなんですけど、世界中のレコード好きが、この世に存在するありとあらゆるレコード情報を登録して成り立っているサイトです。例えば、検索バーでビートルズの「Please Please Me」を調べると、この楽曲だけでも603種類のレコードが存在することがわかります。　また、Discogs上でレコードの売買も行われており、そのレコードが大体どれくらいの値段で売れたのかなどの「販売実績」も確認することができます。この情報だけを鵜呑みにするわけではないのですが、指針にはなりますよね。　Discogsが業界にもたらした影響は他にもあります。それは、お店だけではなく、顧客であるレコード好きも市場相場を確認することができる点です。レコードの価値や大体の価格が共有されているので、昔みたいに、お店の経験則で値段を決めづらくなりました。よくも悪くも面白みが薄れましたね。ー面白みとは？　昔はお店ごとの個性がそのまま値付けや置いてある商品に反映されていたんです。例えば、ジャズが強いお店だったら、人によっては5000円でも欲しいと思うようなレコードでも、ジャズ好きの店主がそれほど興味のないジャンルだと500円で売られたりする。そういう「レコードとの出会い」を面白がって、みんな全国のレコード屋さんに足を運んでいたんですよね。　今は、レコードを売りに来る人の中には、事前にネットで調べて「大体これくらいの値段が付くだろうな」とわかって持ち込んでくる方もいます。なので、ちゃんと市場相場を加味した査定をしないと「じゃあ売りません」と言われてしまうし、買い取ったら、買い取ったなりの値段で売らないと商売として回らなくなってしまう。そうやって段々と、レコードの値段は均一化されたんだと思います。今は、どこのレコード屋に売りに行っても同じような値付けがされるから、どのお店も置いてあるものが一緒。僕個人としては、お店の個性が感じられないのは寂しいことだなと思うので、ココ吉では「わざわざ店頭に足を運ぶ」という面白さを提供できたらな、と考えています。あると思うと買わないし、ないと思うと買いたくなるー現在は、新曲をリリースしたタイミングでレコードでも新譜を発売するアーティストも多いですが、完売後、新品であるにもかかわらず定価よりも高く取引されることはあるのでしょうか？　悲しいことに転売目的で購入されて、それをその日のうちに倍の値段でメルカリで出すみたいなことはあると思います。　前回もお話しした通り、レコードカルチャーの再注目は元々、インディーズバンドの「憧れ」という感覚で新曲をレコードで発表し始めたことに起因しています。当時は、そもそも売れるとも思っていなかったので、そんなに枚数も作っていなかった。例えばミツメのファースト、セカンドアルバムは各100枚ぐらいしか世の中に出回っていないんですよ。それくらい内輪なものだったんです。それを転売目的で買われてしまうと、やっぱり値段は釣り上がってしまいますよね。ー世の中に出回っていない「レア」を求めて、倍の値段を出してでも購入する人がいる？　飢餓感で値段が上がってしまっているアーティストは多いと思います。ー飢餓感というと？　欲しい人が多いのに、ものが少ないとやはり値段は上がります。レコードにおいて、「古さ」は値上がりにはさほど関係がなく、人々の「欲しい」という欲求が価格の上がる理由になったりします。　本当に不思議なもので、お店をやっているとその人間の性を実感しますよ（笑）。購入者はそこまで意識をしていないと思うんですが、やっぱり無くなったら問い合わせは多くなるし、店頭にあったら買わない。次の日、店頭から無くなったのをみて「あれってもう売り切れちゃったんですか？」と聞かれる。ー飢餓感を薄めるために、レコードを作り続けるという選択肢は業界には無いのでしょうか？　もちろんそういう意見もあります。ただ、余ってしまうとやっぱり「まだあるじゃん」と売れなくなってしまうので難しいところではあるんですよね。買いたい人が買って、ちょうど売り切れるのが一番良いんですけど、それこそ欲しくもないのに儲けようとする人が入ってきちゃうとそのバランスは崩れてしまう。ーレコードブームに乗って販売枚数を増やすアーティストもいるのでしょうか？　そうですね、1000枚くらい作っている人もいると思いますよ。カネコアヤノさんとかは、すごく人気だし、すぐ売り切れてしまう。完売が続くので「そんなに枚数を作っていないんじゃないか」と思っている人もいるかもしれないんですけど、そんなことない。これは彼女の名誉のためにも声を大して言いたい（笑）。うちのお店に入ってきては、すぐ売り切れてしまうだけなんです。　カネコさんを例にお話をすると、彼女は来年アナログ盤を発売するんですが、予約がバーっと入っているものの、オフィシャルサイト上ではまだ在庫があるんです。それを見たお客さんが「なんだ、まだあるのか」と思ったのか、パタッと予約が止まっています。多分、オフィシャルサイトがソールドアウトしたら、またうちに問い合わせの電話が増えるんじゃないかな。ーレコード業界は需要と供給の均衡を保つことがとても難しいんですね。　重複するけど、無くなると思うから予約するし、予約しないでも買えるだろうと思ったら、やっぱりみんな予約をしない。だから、「無くなるかもしれない」というギリギリのラインを生産し続けて、市場に出回らせ、余ることなく売り切れて、価格が少しずつ上がっていくのがアナログレコードにおける理想の形態なんですよね。【連載：“ココ吉”矢島店長に聞く、レコードの話】 第1話「レコードの再ブームの背景にあったもの」 第2話「レコードは、消費者が価値を作る？」 第3話「レコードはどうやって値付けされている？」 第4話「レコード屋はつらいよ、ブームなのに薄利？」 番外編「151万円で落札された伝説のカセット」（聞き手：古堅明日香）

レコードはどうやって値付けされているの？【“ココ吉”矢島店長に聞く、レコードの話　第3話】

レコードの値段は変わっていない？ー日本レコード協会によると、2021年の間に生産されたアナログレコードは前年比約1.7倍の191万枚。生産数は伸びていますが、実際のところ売れていますか？　売れているっちゃ売れていると言う感じで「めちゃくちゃ儲かっているか？」と問われるとそうでもないんです。ただ、ひどい時よりは良いし、売上が下がらないだけマシだろうと思っています。ー「ひどい時」というのは？　前回もお話ししたように「レコードが珍しいものではなくなった」2008年頃のことです。お客さんもほとんどお店にいませんでしたから。　実感としては「売れるようになったものが増えた」と言う感じです。例えば、いままでと同じように800円で販売していても、昔は買う人がいなかったけど、今はしっかりと売れる。ー具体的にはどのようなレコードが売れるようになったのでしょうか？　ビートルズ（The Beatles）のレコードが一番わかりやすいかな。今まで、みんなが欲しがったのはリリースされた当時に製造された「オリジナル盤（初版）」と呼ばれているものや、帯付きの古いものだったんですけど、最近はどちらかというと「単純にビートルズをレコードで聞いてみたい」という人が多い。要するに、希少性を求めているわけではないので、普通の再発盤でも、出した分だけ売れるんです。昔は、そういったものはいくら出しても「もう持っているよ」と売れなかった。ーレコードというメディアそのものが売れるようになった？　その通りですね。それこそ、2000年代はレコードで音楽を聞かない人ばかりだったので、レコード好きの僕としては嬉しい限りです。　話を戻すと、やっぱりみんなが一番欲しがるようなものってあるんですよ。最近だとそれが、ビートルズや、大瀧詠一の「ア・ロング・バケーション」、山下達郎、竹内まりやになった。昔は山ほど在庫があったんですけど、今は入荷するとすぐに売れてしまいます。大瀧詠一や山下達郎はなぜ人気なのかー大瀧詠一や山下達郎はどうしてみんなが欲しがるのでしょうか？　海外での人気が大きな要因です。海外から日本にレコードを買い付けに来ている業者が数百円で買ったものを、海外では数千円で販売しているんですよ。昔だったらそういう情報は、知ろうと思わなかったし、知る術がなかったんですけど、最近はSNSの発達もあり、簡単に知ることができます。海外で人気を集めるとどのようなことが起きるかというと「海外で5000円で売れるなら」と日本の業者も5000円で販売をするようになる。何より、今の時代ならインターネット販売で海を越えることもできますからね。ここで重要になってくるのが、Discogsというサイトなんですけど、これは次回に詳しくお話ししますね。ー数百円だと思っていたものが、倍の価値があるものになった、と。　最初は僕も半信半疑（笑）。自分のお店でも怖くて出せなかったですもん。例えば、竹内まりやのレコードは昔、300円くらいだったんです。「ヤフオク！で5000円で落札されていたけど、本当に売れるの？」と思って、半ばダメ元で出してみたんですけど、店頭に出した直後に売れちゃった。ーレコードを買い始めた人は、昔は300円くらいで買えたということを知らないですもんね。　山下達郎の「フォー・ユー（FOR YOU）」は、本当にいつの間にか8000円くらいで取引されるものになってしまった。安かった頃を知らない人たちにとっては、最初から8000円の価値があるものだから。見つけたら「買おう」となるんでしょうね。ー安く仕入れて、価値が上がるのを待ってからオークションなどに再出品するセカンダリーのような考え方はレコードにもあるのでしょうか？　あるんじゃないかな。業者が知っている販売価格は、一般のレコードコレクターも知れるのが今の世の中ですから。　ただ、レコードの面白いところはお店によって値付けが少しだけ違うところです。今は昔ほどお店ごとに差はないのですが、同じレコードがA店では1000円だったけど、B店では500円で売っている。「じゃあ、安いしお得な気がする方買っちゃおうかな」という気持ちが働きやすかった。レコードの値段を釣り上げるのはお客さん？ーココナッツディスクは買取専門で、買い付けは行っていません。レコードの価値を上げるのは、買い取る側のレコード屋ではないんでしょうか？　それが全然そんなことはないんです。お店は最終的に売れないと商売にならないので、値付けには弱気で（笑）。今はいろんな情報が溢れているので基本的には、その時の市場価格じゃないとお客さんに買ってもらえないんです。相場が1万円のものは2万円では買ってくれない。ー具体的にはどのように買い取り、どのような値付けがなされているんですか？　例えば、1000円で買ったレコードが今、1万円の価値になったとします。それをうちに売りに来てくれても、僕は1万円でそのレコードを買い取ることができません。何故なら「そのレコードが1万円で売られているんだったら、うちも1万円で売らなければ利益が出ない」から。もちろん、2万円で店頭に出してもいいんですが、2万円をつけたところで買う人がいないだろうな、と。だから、1万円の価値があるものは大体半額の5000円〜7000円で買い取り、うちは1万円で売る。そうなるとやっぱり、レコード屋を起点にレコードの値段は上がっていかないですよね。　それこそ昔は「自分にとってこのレコードはとても価値があるから、1万円で買って、2万円でお店に出す」ということもあったと思うんですけど、いまはなかなかそういう商売をしているお店は少ないんじゃないかな。ーレコードの価値はお店が決めると思っていましたが、消費者が作り上げているんですね。　不思議なシステムですよね。それこそ、山下達郎の「フォー・ユー」は、レコード屋がいきなり1万円で売り出したわけではなく、レコードを買い求める人が「その価値がある」と判断したという方がイメージとしては近い。　レコードの価格が釣り上がるのは、メルカリで2万円の値付けがされたレコードが売れてしまい、その事実を元に価格の相場が定着してしまったり、ヤフオク！でみんなが「1万円くらいだろう」と思っていたものが競り上がって3万円で落札されたことが価値の源泉になるんです。【連載：“ココ吉”矢島店長に聞く、レコードの話】 第1話「レコードの再ブームの背景にあったもの」 第2話「レコードは、消費者が価値を作る？」 第3話「レコードはどうやって値付けされている？」 第4話「レコード屋はつらいよ、ブームなのに薄利？」 番外編「151万円で落札された伝説のカセット」（聞き手：古堅明日香）

レコードは、消費者が価値を作る？【“ココ吉”矢島店長に聞く、レコードの話　第2話】

「第二次ブーム」レコード市場の今ー昨今レコードが再注目を集めています。　そうですね。僕個人の感覚としては、大体2014年頃から再び盛り上がってきたな、と。ー第一次ブームは1990年代にありました。　僕が学生だった1990年代はそれこそみんなレコードを買っていたと思いますし、もっと言ってしまえば1980年代はCDではなくレコードの方が一般的でした。なので1980年代〜1990年代を「レコード第一次ブーム」とするならば、今は「レコード第二次ブーム」と言えるのではないでしょうか？ 　一般社団法人日本レコード協会によると、2021年の間に生産されたアナログレコードは前年比174％の191万枚、金額は同184％の39億円と大幅な伸びをみせている。また近年は新譜をレコードで出す事例も多く、2021年は900タイトルと約3倍に増えた。ーなぜ2014年頃からレコードが再び注目され始めたのでしょうか？　きっかけは色々あったと思います。僕が感じていたことだけで言えば、インディーズバンドの台頭があるかな、と。具体的なバンド名を出せば、スカートやミツメ、セロ（cero）、シャムキャッツなどでしょうか。彼らはCD全盛の時代に思春期を過ごしていて、音楽キッズだった彼らにとってレコードはいわば「憧れ」みたいな感じだった。ーいまでこそ、インディーズバンドや、大御所アーティストも新譜リリースのタイミングと同時にレコードを発売しますが、2014年頃にそんな流れはなかった？　なかったと思います。ヒロト＆マーシー、小西康陽さん、曽我部恵一さん、銀杏BOYZなど、レコードが下火になってきた2000年代以降もアナログレコードでリリースする人はいたんですがかなりの少数派。基本的にはCDが主流だったので、多くのインディーズバンドも自分達でCDに音源を焼いて販売する、みたいな活動をしていたはずです。アナログ盤を作るお金もないですし。ーちなみに第一次レコードブームでは、どんなジャンルの音楽が流行っていたのでしょうか？　1990年代は、ソウルやサウンドトラック、ソフトロックなど様々なジャンルが流行っていたと思います。大きな要因には、スチャダラパーなどのジャパニーズヒップホップや渋谷系※と呼ばれている音楽ジャンルの台頭があり、彼らのサンプリングの元ネタを探すカルチャーがあったことが挙げられます。彼らの台頭を合わせて、DJブームも巻き起こったんですよね。音楽好きの間で、元ネタをレコード屋さんに探しに行き、見つけた元ネタをDJイベントでかけるのが“クール”とされていた時代で、だからこそレコードが人気を集めた。※渋谷系：1990年代に流行した日本のポピュラーミュージックのジャンル、ムーブメント、それに付随するファッションスタイルも指す。代表的な人物にピチカート・ファイブ、フリッパーズ・ギターなどが挙げられる。ーいまの流行り方とは少し異なる？　「おしゃれアイテムとしてレコードを聴いたり、集めたりする」という意味では近しいかもしれませんね。僕がレコードを買い始めたきっかけも、当時レコードブームやDJブームだったことも理由の一つですが、「レコードを聴いている僕はおしゃれでかっこいいはず」と背伸びをして聴いていた節がありましたから（笑）。シャムキャッツやミツメがレコードを作ったのも「おしゃれアイテムとして」という側面が強かったと思います。だからこそ、ある種最先端であったし「自分たちはCDだけではなく、レコードやカセットでも音源を出すんだぜ」という気合いやレコードそのものに対する愛もあった。　僕自身、2000年代に入って全くレコードが売れなくなった時に「レコードがおしゃれアイテムになって、『マニア的な物である』というイメージを払拭できないと復権はないだろうな」と思っていました。なので、彼らがレコードを発売した時に「ついにここまできたか」と思ったのをよく覚えています。ーなぜ、2000年代はレコードが売れなくなってしまったんでしょうか？　それは、逆に「データで音楽を聴く方がカッコいい」となったことが大きい。当時、DJシーンも過渡期を迎えていて、CDやUSBでDJをプレイする人が多かった。一度DJイベントに呼ばれてレコードバッグを抱えて会場に赴いたんですが「レコードでDJを回すなんて珍しいね」と言われたことを鮮明に覚えていて。「ああ、そんな時代になっちゃったんだな」と。ー2000年代は日本だけではなく、世界的にレコードは売れていなかった？　売れない、というかそもそも生産数がすごく減っていた。ただ象徴的な出来事があって。それは2000年代末にイギリスで起こったバンドブームです。有名な話だと、ザ・リバティーンズ（The Libertines）に憧れてバンドを組んだ若い子たちが、新譜音源をダウンロード販売するようになった。面白かったのは、リリースと同時に7インチレコードを出していたんです。しかも、そのレコードはすぐに完売する。リリースしている側からしてみたら、ダウンロード販売の新譜を売るためのプロモーションのつもりだったと思うんですが、7インチレコードをみんなが欲しがった。その動きを見た時に「あ、こういう息の吹き返し方もあるな」と。それはイギリスの話でしたが、日本でもそういう流れが生まれたらいいなと思いました。「明らかに今までの客層とは違う子たちが店舗に訪れるようになった」ーレコードが下火だった2000年代に、レコードをおしゃれアイテムにするため矢島さん自身が取り組んだことは？　色々なことを考えましたね。珍しいレコードを集めて利益を保つことも思案したんですが、自分には向いていないと思ったし、ちょっとつまらないな、と。そこで、自分が元々好きだったということもあり、「お店の個性」として明確に「インディーポップが強いお店です」と謳うことにしました。ーインディーポップ、ギターポップというのは、まさしく1990年代に流行した渋谷系を彷彿とさせる音楽です。　そうですね。きっかけは、トゥウィー・ガールズ・クラブ（TWEE GRRRLS CLUB）という女の子だけで構成されているDJグループでした。彼女たちは、2000年代後半に活動を始めたグループなのですが、彼女たちのDJイベントに赴いた時に、僕が「珍しい」と言われたレコードでDJを回していたんです。そんな、DJへの愛が深い彼女たちが好きな音楽ジャンルがまさしく、海外のインディーポップやギターポップだった。　お店の存続をかけた打算的な考えがなかったと言ったら嘘になりますが、かつて、自分が好きだった音楽を、下の世代の子たちが新鮮に楽しんでいる姿が純粋に嬉しくて。ここを糸口になんとかできないかな、と。彼女たちが地道にレコードDJでインディーポップをかけ続けてくれたおかげで、更に若い世代の子たちが「あ、レコードってかっこいいんだ」「海外のインディーポップっていいな」と興味を持ち、「インディーポップが強い」と謳うココ吉に足を運んでくれるようになりました。それが2012年頃だったと記憶しています。ー明らかに今までの客層とは違う子たちが店舗に訪れるようになった？　その通りです。ちょうどその頃、お店のTwitterもやり出して、お客さんの声や人物像が可視化されたことも僕にとっては大きかった。「最近、大学生くらいの若い子がお店に来るようになってきたな」と思っていたら、ツイッター上で「今日、学校終わりにココ吉行こうよ」みたいな会話がなされているのを見かけたりするようになって、注目していたんです。ツイッター上でココ吉に行く予定を立てていた子たちは、しばらくしてから褐色の恋人というDJチームを組むことになります。まさに、リバティーンズに憧れた若手バンドが続々とカルチャーを盛り上げたように、日本国内でも小さいながらも、トゥウィー・ガールズ・クラブのフォロワーである若い世代の子たちがレコードカルチャーを再び盛り上げてくれたと僕は思っています。ー若い子たちが継続的にココ吉へ足を運んでくれるために工夫したことはありますか？　学生だからお金を持っていないことは一目瞭然で。だからとにかく手に取りやすく、という気持ちを込めて300円とかでレコードを店頭に出していましたね。当時は在庫もたくさんあったし（笑）。あとは、お店に通ってくれるようになった子たちとコミュニケーションも取るようになって。「これが好きなら、多分これも好きだよ」と次に聞くべきおすすめの曲を教えたりしていましたね。ー音楽に造詣が深い人からのレコメンドは、何よりも説得力があると思います。　同感です。レコメンドの重要性に気がついて、ブログでおすすめのレコードを発信するようになったのもその頃です。それを見た人たちがまたココ吉に足を運んでくれて、買ったレコードでDJを回す。その会場には、たまたま友達に誘われただけで、DJにもレコードにも興味がなかった子がいて「あ、レコードってかっこいいかも」と思ってくれる。レコードに少しだけ興味を持った子たちが、ふらっとレコード屋に足を運んでくれるようになる。そういう良い流れが生まれた実感があったし、「こういう子たちをどんどん増やしていこう」と。そのために、なんとなくそういう「おしゃれっぽいものが好き」「羨望の眼差しがある」ような子たちが好みそうな音楽をどんどん店頭に出しました。　そういう「今までと全然違う客層である若い子たち」がレコードを買い出した時期と時を同じくして、先ほどもお話ししたシャムキャッツやセロ、ミツメなどのインディーズバンドが台頭してきた。その辺の波長が若い子たちに合ったんですよね。ー波長というと？　簡単に言ってしまえば、お店のファンになってくれたんです。レコードに興味を持ち始めた若い子たちは、最初、1990年代に流行した海外のインディーポップを求めてココ吉に足を運んでくれていました。そこでたまたまプッシュされていた、スカートやミツメの音楽に出会い、好きになる。そういう良い循環が回り出した。どちらかと言えば「ココナッツディスクに行くのが楽しい」と思ってもらえるようになったんだな、とツイッターのタイムラインで流れてくるツイートを読んで実感しました。ココ吉が、昔のレコードも、インディーズバンドの新譜も置いている店だったことが、彼らにとって良かったんでしょうね。ーそういうレコード屋と若いお客さんの関係値が、ココ吉以外にも同時多発的に起きていて、それが昨今のブームに繋がっているのかもしれませんね。　そうかもしれない。今話したのは、あくまで僕がみている範囲の話ですが、それでもやっぱり当時は「若い人がレコードを買う」という風潮はまだまだ珍しいことだったんじゃないかな。そこで一役買ってくれたのが、スカートやミツメ、シャムキャッツなどのインディースバンドだったんですよね。レコードに憧れがあった彼らは「ようやくアナログで出せる！嬉しい」と喜びのツイートをするんです。僕も「やったー！」とリプライを返したりと、レコードを出すだけでやたらと盛り上がっていた（笑）。バンドのファンは、最初こそ興味を示さなくとも、ツイッターでのやり取りから「自分の好きなインディーズバンドがレコードを出すことにこんなに喜んでいるなら、きっといいものなんだろうな」と思ってくれたのかな、と。アナログブームとまではいかずとも、健全にレコードやレコード屋の魅力がうまく若い世代に広まっていったなという感覚が生まれてきたのもその頃です。【連載：“ココ吉”矢島店長に聞く、レコードの話】 第1話「レコードの再ブームの背景にあったもの」 第2話「レコードは、消費者が価値を作る？」 第3話「レコードはどうやって値付けされている？」 第4話「レコード屋はつらいよ、ブームなのに薄利？」 番外編「151万円で落札された伝説のカセット」（聞き手：古堅明日香）

レコードの再ブームの背景にあったもの【“ココ吉”矢島店長に聞く、レコードの話　第1話】

■服好き必聴アーティスト：連載ページ　早耳な音楽フリークの方々にとっては既に知られた存在が登場するだろうが、復習も兼ねてファッション的新情報を得られるという心持ちで読み進めていただければ幸いだ。第8回は、チャンネルの総登録者数が1000万人を超える過激系YouTuberからR＆Bアーティストへと転身したジョージ（Joji）についてお届け。YouTuberのはしりとして活躍した10代　ジョージこと本名ジョージ・クスノキ・ミラー（George Kusunoki Miller）は、大阪府で1992年9月18日にオーストラリア人の父親と日本人の母親の間に生を受けた。彼は18歳まで日本で過ごしたのちに渡米するのだが、それまで通っていた兵庫県のインターナショナル・スクールでブーンバップ（1990年代のヒップホップでみられたサンプリング主体のトラック）をはじめとするUSミュージックと邂逅（かいこう）。友人たちと暇つぶしにヒップホップをサンプリングした楽曲をガレージバンド（GarageBand）で作るうちに、アーティストとして成功する夢を描くように。そして、この時に楽曲制作と並行して行っていたものがある──それがYouTubeへの映像投稿だ。　ジョージは、2008年という早い段階から自身のYouTubeチャンネル「DizastaMusic」を開設し、友人と共にYouTuberの走りのような映像を投稿していた。下の映像は、当時高校生のジョージが2008年7月に投稿した2本目の動画で、TERIYAKI BOYZ®ならぬTEMPURA BOYZたちによる寸劇が行われている。　このチャンネル「DizastaMusic」は、チャンネル名通り（本当かどうか分からないが）当初から音楽活動のプロモーションを目的に開設し、MCラッカス（MC Ruckuss）としてラップソングもいくつか投稿していた（削除済み）。しかし、2011年からフィルシー・フランク（Filthy Frank）という架空のキャラクターとして“おふざけ動画”を投稿し始めると、これがネットユーザーたちにハマり一躍人気者に。さらに、フィルシー・フランクとラップを融合したもう1人のメインキャラクター ピンク・ガイ（Pink Guy）を生み出し、数々の“ネタラップ”（コメディ・ミュージック）や“おふざけ映像”を制作。特に、2013年2月にピンク・ガイとして投稿した「DO THE HARLEM SHAKE（ORIGINAL）」は、“ハーレムシェイク（Harlem Shake）”という世界的なインターネットミームを巻き起こし、使用していた楽曲をアメリカ版アイチューンズ（iTunes）のシングルチャートで1位に押し上げてしまうという珍事件まで起こすほどにまで成長した（2022年11月15日現在で6654万回再生）。フィルシー・フランクとの別れ　「DizastaMusic」で想像を超える反響を受けたジョージは、“おふざけ映像”が自身および楽曲の宣伝につながると確信し、2013年1月に2つ目のチャンネル「TVFilthyFrank」を、2014年7月に3つ目のチャンネル「TooDamnFilthy」を開設。“音楽制作も行う過激系YouTuber”のようなスタイルで活動すると、今では100％炎上してしまうような内容ばかりのフィルシー・フランク（主にピンク・ガイ）の人気は日々加速し、平均再生回数が数百万回を超えることが当たり前となった。その最中、2014年5月に初のミックステープ「Pink Guy」を、2017年1月にデビューアルバム「Pink Season」をリリースすると、「Pink Season」は全米アルバムチャートで70位に入る快挙を達成。スポティファイ（Spotify）とアップルミュージック（Apple Music）ではそれぞれ数千万回再生され、収録曲「STFU」に至ってはMVだけで9000万回近い再生回数を記録することに。しかし、12曲目のタイトルが「セックス大好き」であるように、その内容は賛否両論を呼び、数曲はSpotifyから削除されている。※年齢制限が設けられているため、気になる人は「YouTubeで見る」から。　そして、フィルシー・フランクとして自ら“売名活動”をする裏で、本当の自分（George）がやりたい音楽活動を、“Joji”としてこっそりサウンドクラウド（SoundCloud）で始動。下の「Thom」と「you suck charlie」は、どちらもピンク・ガイ全盛期の2015年に制作されたものだが、今のジョージに通ずる音楽性を感じることができる。ちなみに、“Joji”はすぐにフィルシー・フランクのファンたちに身バレしていた。　そんな“真のジョージ”の将来性を見出したのが、気鋭音楽レーベル「88ライジング（88RISING）」だった。2015年に設立された同レーベルは、アジア人およびアジア系アメリカ人のアーティストを積極的にフックアップすることで知られ、フィルシー・フランク（主にピンク・ガイ）を88ライジングのさまざまな企画に参加させながら音楽家としてのジョージの成長をフォロー。2017年に入ると大きく舵を切り、フィルシー・フランクとは正反対のアンビエントでダークかつソウルフルなテイストを前面に押し出し、4月に「I don't wanna waste my time」、7月に「Rain on Me」と88ライジング所属のハイヤー・ブラザーズ （Higher Brothers）との「Nomadic」、10月に「Will He」という4曲を立て続けに発表し、11月には待望のデビューEP「In Tongues」をリリースした。　これらのジョージ名義での楽曲は、一部のフィルシー・フランクを愛する者たちから受け入れられなかったが、純粋な音楽ファンたちの心を掴むことに成功。こうしてジョージの人気と反比例するかのようにフィルシー・フランクは徐々に活動のペースを落とすようになり、2017年9月を最後に動画投稿を休止。同年12月には、コンテンツ作りが楽しめなくなったことと健康上の問題（*2014年にYouTube活動が原因の神経障害を発症していた）を理由に、フィルシー・フランクからの引退も発表した。　なお、ジョージの引退から5年が経った今もフィルシー・フランクの人気は衰えず、「TVFilthyFrank」は789万人の登録者と12億回以上の再生回数を、「TooDamnFilthy」は235万人の登録者と3億回以上の再生回数を記録している。唯一無二のR＆Bアーティストに　2017年に10年近いYouTuberとしての活動に終止符を打ち、ようやくジョージとして活動を本格化させると翌年、デビューアルバム「BALLADS 1」をリリースした。“明るい人ほど闇がある”とはよく言ったもので、フィルシー・フランクとして明るく振る舞うことで隠していた“ジョージ（George）”の闇の部分を巧みにサウンドへと昇華し、主に変化への葛藤を扱った同作は、全米アルバムチャートで首位とはならなかったが3位を記録。ジャンル別のR＆B／ヒップホップ・チャートでは見事初登場1位を獲得した。これはアジア出身のアーティストとしては史上初の快挙で、「BALLADS 1」は2010年代のR＆B史に残る1枚となったのだ。中でも、修復不可能な人間関係を綴った収録曲「SLOW DANCING IN THE DARK」は高く評価され、フィルシー・フランクで培ったのであろう独特な世界観を描くMVは3億4000万回超えの再生数となっている。　わずか1枚で世界的なYouTuberから唯一無二のR＆Bアーティストへと転身したジョージは、その後しばらくは控えめに活動し、「Sanctuary」というシングルや、88ライジングの盟友リッチ・ブライアン（Rich Brian）とのフィーチャリング曲「Where Does the Time Go」などを経て、2020年に2ndアルバム「Nectar」をリリース。オマー・アポロ（Omar Apollo）やイヴ・トゥモア（Yves Tumor）らアーティストをはじめ、人気プロデューサーを多数招聘したことで、「BALLADS 1」よりもサウンドの多様性に富んだメランコリックなバラードとなり、前作と同じく全米アルバムチャートで3位を獲得した。　そして、今月リリースした3rdアルバム「Smithereens」は、“内省的なバラードのPart1（5曲）”と“ローファイでDIYなサウンドのPart2（4曲）”で構成。全9曲で25分に満たないコンパクトな作品だが、相変わらずの“Joji World”と共に試行錯誤も感じられ、全米アルバムチャートは5位と少し落ち込んだが、オルタナティブ・チャートでは首位に立った。なお収録曲「Glimpse of Us」は、ジョージとして初めて全米シングルチャートのトップ10入りを達成。これはティックトック（TikTok）でのバズによる影響が大きい。この“TikTokでのバズ→シングルチャートで好成績”という流れ自体はよくあるものの、これまでの他アーティストの楽曲とはバズり方が違うようで、「ビルボード（Billboard）」ではこれを解き明かすためのインタビュー記事が公開されている。「ヘインズ」のタンクトップを愛用　人気USアーティストの多くは、ステージ上で煌びやかな衣装を着用し、何かしらのファッションブランドの広告塔を務めることが義務レベルで多い。しかし、ジョージはこういった自身の見せ方を好まず、メディア露出もかなり制限していることで知られる。これは、フィルシー・フランク時代の学びを生かした戦略だと推測され、SNSも滅多に更新せずプライベートをひた隠すことで、ミステリアスさが魅力のひとつになっている。　その中で、大体的に協業したブランドのひとつが「ゲス（GUESS）」だ。といっても、ジョージ単体ではなくレーベル「88ライジング」とのコラボで、2019年9月にリリースされた第2弾コラボコレクションのルックでは、リッチ・ブライアンやニキ（NIKI）らと共に、珍しくモデルを務めているジョージが確認できる。また、好きなブランドは「ヘインズ（Hanes）」と「ナイキ（NIKE）」で、特にヘインズのタンクトップを愛用しており、下記の映像のようにそれ1枚でパフォーマンスすることも。　最後に、フィルシー・フランクの片鱗が未だに感じられる小ネタをご紹介。未だにMVやステージの節々でフィルシー・フランク時代の要素が見受けられるが、「Nectar」がリリースされた際のマーチャンダイズではしっかりふざけており、ルックでは若者のストリートスタイルを真似する高齢者をモデルに起用したほか、一定数以上の購入者には“Nectar（ハチミツ）”をプレゼントしていた。

【服好き必聴アーティスト】ジョージ編　過激系YouTuberから世界的R＆Bアーティストに

CDや本が山積み、McGuffin編集長 安藤啓太の部屋を逆取材

　花道みささぎ流家元の片桐は、アニミズム的なアプローチで植物と向き合うアーティスト。異分野との協働も精力的に続けており、花と光を題材にしたヴァン クリーフ&アーペルとのコラボレーションは今回で2回目となる。つねに花の生命力と美しさを称えてきたハイジュエラーと片桐の生け花が、紅葉に向かう京都の自然の中で互いに共鳴しあった。　今回の舞台は、下鴨神社の境内。春の代官山で開催された前回の展示と異なり、今年は11月～12月という「花が終わっていく季節」での開催となる。そのため花の儚さと命の循環が、より繊細かつ純粋に表現される内容となった。縄文時代から生き続ける森　まず一つ目の会場となる神社の参道「糺の森」には、落ち葉のトンネルが登場。これは「もし、降り積もった落ち葉の下に埋もれたら、落ち葉を透かして光が漏れて、星空のような光景が広がるのではないか」という片桐のアイデアを具現化したもの。森の一部のようでありながらどこか神々しい、体感型インスタレーションとなった。　静けさをたたえるトンネルの先には小川が流れ、そのせせらぎの中に幾つもの花が生けられている。「神社に入る前に、手を洗って清める場としてのイメージで作りました。太古から水の湧き出る社がすぐ近くにあるので、作品を見るだけでもいいですし、川に手を浸していただいてもいいです」と片桐はその意図を解説する。美しい命のサイクルの中で　そして森を散策し、楼門をくぐった先に現れるのが特設会場。モダンな建造物の中に足を踏み入れると、拡大した葉のコラージュが壁いっぱいに広がる。そして足元には花々が咲き乱れ、水面に鮮やかなリフレクションを生み出していた。　天井の役割を果たしているのは、大量の落ち葉。これらは全て、樹齢200～600年の樹木が約600本自生する境内の森から集められたものだ。「落ち葉ってしみじみとした印象で解釈されることが多いと思うんですが、繰り返される命のサイクルの一つと僕は捉えています」。落ち葉が土の栄養となって次の命を生む——それは自分で花を育てるために畑仕事をしているという片桐にとって、身近な循環の形であるという。枯れる花と、永遠の美を留める花　そして最後の会場は、重要文化財の「細殿」。ここでは、自然をテーマにしたヴァン クリーフ&アーペルの可憐なジュエリーの数々が展示されている。風にそよぐアネモネや、真紅に色づいたミステリーセットのブドウの葉などが、さざ波をイメージしたショーケースの中で輝く。　「僕が好きなのは、クリスマスローズを表現した『ローズ ド ノエル』。植物を本当によく見て作っているなと感じますね。ブローチなどはアシンメトリーに作られたデザインも多くて、自然なバランスの崩し方が絶妙です」。ジュエリーをよく見てみると、花芯や花びら一枚一枚のつき方まで、宝飾職人たちが真摯に観察してデザインに取り入れていることが感じられる。花々に魅せられたジュエラー　自然や花々は1930年代初頭から現在まで、ヴァン クリーフ&アーペルの大切なインスピレーションの一つであり続けてきた。この世から姿を消してしまう生け花と、長く形を留めるジュエリーは一見、相反するもののように思える。だが「どちらも自然が作ったものを素材としているという意味では、根っこの部分は同じ。そして、自然に宿るものを信仰する神社という場所での展示は、全てがピタッと繋がったように感じます」と片桐は語る。　光と花、そして水がハーモニーを奏でるこの展示は、花々を随時入れ替えながら12月12日まで開催。例年、12月上旬には「糺の森」の紅葉がピークを迎える。変わりゆく自然界から生まれたクリエイションとの一期一会が堪能できそうだ。

「ヴァン クリーフ&アーペル」太古の森で出会うジュエリーと花々　展覧会が京都で開幕

■いまさら聞けないあのアーティストについて：連載ページヒップホップに光を見出した青年時代　エミネムの名で知られるマーシャル・ブルース・マザーズ3世（Marshall Bruce Mathers III）は1972年10月17日、アメリカ・ミズーリ州セントジョセフ生まれ。スコットランドにルーツを持ち、エミネムが生まれてすぐに父親が母親を捨てるような形で離婚したことで、母親は幼いエミネムを連れてデトロイトを中心に2～3ヶ月ごとに生活拠点を移す極貧生活を余儀なくされたという。この生活は12歳頃まで続き、すぐに引っ越してしまうことから友達がなかなか作れず、仲間外れやいじめに遭い、母親からも虐待に近い仕打ちを受けたことで若くして自殺未遂を経験するなど、当時の悲惨な状況はエミネムの人格形成に大きな影響を与え、リリックにも現れている。　そんなエミネムに手を差し伸べてくれたのが、同じように不遇な状況に置かれていた同年代のアフリカン・アメリカンで、彼らと過ごすうちに自然とヒップホップに傾倒。同じ肌の色をしたヒップホップのパイオニアであるビースティ・ボーイズ（Beastie Boys）をはじめ、ラン・ディーエムシー（Run-DMC）やLL・クール・J（LL Cool J）、アイス-T（ICE-T）などを聴くうちにマイクへと手が伸び、14歳ごろからバトルMCの道に踏み込んだ。しかし、1980年代のヒップホップ・シーンはアフリカン・アメリカン優位の差別社会であり、その中で“若い白人”であるエミネムがMCバトルに参加するのは異例中の異例。それでも、夜な夜な人種差別的な罵倒や暴力を受けながらもMCバトルを繰り広げ、日中は工場で働き生計を立て、空いた時間でレコード会社にデモ・テープを送る日々を何年も続けたという。当時の詳しい描写は、エミネム自身が主演を務めた半自伝的な映画「8 Mile」を観るのがオススメだ。また、この頃のエミネムは同じ釜の飯を食べた5人のアフリカン・アメリカンたちとD12という6人組ヒップホップ・ユニットを結成し活動していた。ちなみに、初期のエミネムは“Marshall Mathers”の頭文字を取った“M&M”として活動していたが、彼の代名詞でもある早口で発音すると“Eminem”になることからステージ名に採用したと言われている。恩師ドクター・ドレとの奇跡的な出会い　日々MCバトルに明け暮れていた1997年に自主制作EP「The Slim Shady EP」をリリースすると、既にデトロイトを中心に知る人ぞ知る”白人ラッパー”となっていたため2万枚の売り上げを記録。そして同年、ロサンゼルスで開催されたフリースタイルのラップイベント「ラップ・オリンピック（Rap Olympics）」に出場し見事決勝へ進出を果たすが、惜しくも準優勝に終わった。この時、肩を落としてステージを降りるエミネムに1人の男性が「『The Slim Shady EP』が欲しい」と声を掛けてきたが、敗戦から自暴自棄になっていたエミネムは粗暴にカセットテープを渡したそうだ。しかし、この男性はアメリカの老舗レコードレーベル「インタースコープ レコーズ（Interscope Records）」で働くインターンで、カセットテープは彼から同レーベルの創設者であるジミー・アイオヴィン（Jimmy Iovine）の手に渡り、後日ジミーの自宅で行われたリスニング・セッション時に偶然再生され、ある人物が耳にした──それは、“世界で最も影響力のあるヒップホップ・プロデューサー“と称されるドクター・ドレー（Dr. Dre）だ。　エミネムに光を見出したドレーはすぐに自宅スタジオへと呼び出し、後に代表曲のひとつとなる「My Name Is」のビートを流すと、エミネムは3秒後には「Hi! My Name Is! My Name is!」と、おなじみのラップを始めたそうだ。この才能にドレーは惚れ込み、すぐに自身のレーベル「アフターマス・エンターテインメント（Aftermath Entertainment）」と契約させた。これが、1998年のことである。なお、このヒップホップ史に残る日は映像として残っており、ドレーとジミー・アイオヴィンの関係性やその影響を紐解くドキュメンタリーシリーズ「ザ・ディファイアント・ワンズ（The Defiant Ones）」で観ることができる。　見事レーベルとの契約を勝ち取ったエミネムだが、やはりアフリカン・アメリカン優位の差別社会は根強く、ドレーは周囲の人間から「こいつの目は青い。お前は誰と契約しているんだ」などと批判を受けたという。というのも、アフターマス・エンターテインメントは1996年の設立年は快調に作品を生み出していたが、翌年には順調とは言い難い運営に陥っており、ドレーの慧眼が疑われても仕方のない状況だったのだ。それでもドレーはエミネムの未来を信じ、1999年にメジャーデビュー作となるアルバム「The Slim Shady LP」をプロデュースした結果、500万枚以上を売り上げる大ヒット作となっただけではなく、2000年のグラミー賞でベスト・ラップアルバム賞を獲得する”クラシック”が生まれたのだ。一気にスターの座にのし上がった2000年代初期　「The Slim Shady LP」で一気にスターの座にのし上がったエミネムは、翌2000年の2ndアルバム「The Marshall Mathers LP」で1700万枚以上を、2002年の3rdアルバム「The Eminem Show」では1900万枚以上の売り上げを記録した。同年には映画「8 Mile」も公開し、アメリカでは社会現象と言われるほどの人気を獲得。さらに、「8 Mile」の主題歌「Lose Yourself」が2003年にヒップホップ・アーティストとして史上初めてアカデミー歌曲賞（主題歌賞）を受賞するなど、破竹という言葉では言い表せないほどの勢いを見せた。　「Lose Yourself」といえば、彼の幼少期の体験を基にチャンスを掴み取ることをラップしており、2022年の第56回スーパーボウルで恩師ドクター・ドレーと、アンダーソン・パーク（Anderson .Paak）と共に怪演したのが記憶に新しいが、「There's vomit on his sweater already, mom's spaghetti（セーターにゲロがついてる、ママが作ったスパゲッティだ）」というリリックが存在するのをご存知だろうか。このスパゲッティは、これまで不定期にポップアップショップがオープンするなど”スタン”（後述するエミネムファンの愛称の一つ）には親しまれた食べ物なのだが、実は昨年、デトロイトにレストラン「マムズ・スパゲッティ（Mom’s Spaghetti）」がオープン。1階ではナポリタンのようなケチャップベースのシンプルなスパゲッティやスパゲッティサンドが楽しめ、2階では限定のマーチャンダイズを取り扱うファンショップとなっており、デトロイトの隠れた名所となっている。第56回スーパーボウルの動画：Youtube　また、「The Marshall Mathers LP」の収録されている「Stan」についても触れたい。まず、エミネムは初期の初期から別人格スリム・シェイディ（Slim Shady）を宿しており、自主制作EP「The Slim Shady EP」や1stアルバム「The Slim Shady LP」のタイトルはこれが由来である。そして、「Stan」はスリム・シェイディの熱狂的な架空の青年ファン”Stan”にまつわる楽曲で、”Stan”が異常なほどにエミネムを憧憬することで結果として死に至ってしまうというストーリー性の高いリリックなのだが、なんと”stan”というワードは世界で最も包括的な単一の言語による辞書刊行物「オックスフォード英語辞典」と、英語辞典の代名詞として名高い「ウェブスター辞書」に登録されているのだ。意味は”特定の有名人に対し狂信的で異常なほどの関心を持ったファン”や”非常にもしくは過度に熱心かつ忠実なファン”。お時間のある方は、ぜひご自身の目で確認していただきたい。　なお、「The Marshall Mathers LP」は”稀代のリリシスト”と称されるケンドリック・ラマー（Kendrick Lamar）の人生を変えた作品でもあり、エミネムこそが史上最高のリリシストで、リリシストがなんたるかを「The Marshall Mathers LP」から学んだと公言している。友人の死を乗り越え、前人未到の10作連続初登場1位を記録　2004年の4thアルバム「Encore」は、過去3作と比べると数字を落としたがそれでも400万枚以上を売り上げ、デビューから約5年は順風満帆な生活を送っていた。だが、2006年にD12のメンバーだったプルーフ（Proof／8 Mileに登場するフューチャーのモデルとなった人物）が地元デトロイトで銃殺されたことを機に、「人生を共に歩んできた友人を亡くした時、言うべき言葉はなかなか見つけられないものなんだな。プルーフが俺をプッシュしてくれたお陰で今の俺がいる。アイツがいなかったら今のマーシャル・マザーズは存在しなかっただろうし、エミネムもスリム・シェイディも生まれていなかったはずだ。友人を失っただけではなく、デトロイトのヒップホップシーンにおいても必要な人物を失った。俺の一番の親友だった。そしてこれからも」と、以降は表舞台から離れプロデュース業に専念することに。　2004年から時計の針を進めたい。2009年に表舞台に戻ってきたエミネムは、同年に5thアルバム「Relapse」を、2010年に6thアルバム「Recovery」を、2013年に7thアルバム「The Marshall Mathers LP 2」を、2017年に8thアルバム「Revival」を、2018年に9thアルバム「Kamikaze」を、2020年に10thアルバム「Music To Be Murdered By」をリリース。驚くべきことに、全作品が全米アルバムチャートで初登場1位を獲得し、2ndアルバム「The Marshall Mathers LP」から2005年の1stベストアルバム「Curtain Call: The Hits」を含めて10作連続で初登場1位という歴代最高記録を樹立している（The Slim Shady LPはデビューアルバムということで惜しくも2位だった）。そして、9thアルバム「Kamikaze」と10thアルバム「Music To Be Murdered By」という直近2作がなんの前触れもなくゲリラリリースされたことを考えると、いつ11thアルバムが発表されてもおかしくはないだろう。2000年代のヒップホップシーンのアイコンに　“Rap God”を語るうえで、超高速ラップと共に外せないのがファッションだ。USヒップホップ好きであれば、誰しもが一度はグレーのフードを目深に被り”擬似エミネム”を楽しんだ、もしくはフードを被っている人にツッコミを入れたことがあるだろう。マーチャンダイズでもフーディーは定番アイテムで、また多くのブランドが彼をリファレンスしたフーディーを発表してきたほか、2018年には「ラグ & ボーン（rag & bone）」が正式なコラボフーディーを発売している。　だが何よりも欠かせないものが、「ナイキ（NIKE）」および「ジョーダン ブランド（JORDAN BRAND）」とのコラボだ。初期の頃からエミネムを足元で支えてきた両ブランドは、これまでコラボスニーカーを把握しきれないほど制作している。というのも、エミネムとのコラボモデルは数十足しか生産されないことがザラにあり、エミネム本人しか履いていないモデルや、関係者限定のフレンズ＆ファミリーモデルも数多く存在するためだ。第56回スーパーボウルでエミネム本人が着用していた「エア ジョーダン 3 ”シェイディ”（Air Jordan 3 “Shady”）」が、その最たる例だろう。　そして、エミネムモデルは販路が非常にユニークなことも相まって、二次流通市場では100万円以上で取り引きされることが珍しくないほか、希少すぎて値付けすらできないモデルも多い。2008年に書籍「THE WAY I AM」の発売を記念して313足限定で制作された「エア ジョーダン 2 ”エミネム ザ ワイ アイ アム”（Air Jordan 2 “Eminem The Way I Am”）」は、現在オンラインマーケットプレイス「ストックエックス（StockX）」で最低出品額が100万円以上に。2015年に地元のミシガン州立大学音楽学部へ売り上げを寄付するために10足限定で制作された「カーハート WIP（Carhartt WIP）」とのトリプルコラボ「エア ジョーダン 4 “エミネム カーハード”（Air Jordan 4 “Eminem Carhartt”）」は、「イーベイ（eBay）」のオークションでのみ販売され（落札総額は約2800万円）、こちらもストックエックスで最低出品額が440万円以上となっている。また、2004年に4thアルバム「Encore」のプロモーションのために50足限定で制作された「エア ジョーダン 4 “エミネム アンコール”（Air Jordan 4 “Eminem Encore”）」や「エア フォース 1 ロー “エミネム アンコール”（Air Force 1 Low “Eminem Encore”）」、2006年にチャリティーの一環として8足のみ制作された「エア マックス 97  “シェイディー・レコード”（Air Max 97 “Shady Records”）」などは、その希少性の高さゆえ値段が付けられていない。　なお、カーハート WIPとのトリプルコラボ「エア ジョーダン 4」の10足のうちの1足は、シューケアブランド「クレッププロテクト（Crep Protect）」のプロモーションのために溶かした「M&Ms」が塗りたくられているので、結果が気になる方は映像を見てみてほしい。まずは聴いておくべき10曲1曲目：My Name Is 1stアルバム「The Slim Shady LP」（1999年）収録曲で、事実上のデビュー曲。ドクター・ドレも惚れ込んだ色褪せない名作。 2曲目：Stan 2ndアルバム「The Marshall Mathers LP」（2000年）収録曲で、女性シンガーソングライターのダイド（Dido）の「Thank You」をサンプリング。リリックはエミネムの熱狂的なファンについてを綴っており、後に「Stan」は“非常にもしくは過度に熱心かつ忠実なファン”という意味で「オックスフォード英語辞典」に登録された。 3曲目：Cleanin' Out My Closet 3rdアルバム「The Eminem Show」（2002年）収録曲で、両親の離婚や母親との不仲をラップしたことで裁判にまでもつれた。 4曲目：Without Me 3rdアルバム「The Eminem Show」（2002年）収録曲で、まくしたてるような挑発的なラップが珍しい1曲。アメコミ風のミュージックビデオも必見。 5曲目：Lose Yourself エミネム自身が主演を務めた映画「8 Mile」（2002年公開）の主題歌で、2003年度アカデミー歌曲賞を受賞。プレミアリーグのアーセナルは、ホームスタジアムでの選手入場曲として採用している。 6曲目：Love The Way You Lie 6thアルバム「Recovery」（2010年）収録曲で、リアーナ（Rihanna）がフィーチャー。DV被害を受けてきたエミネムだからこそ書ける、加害者と被害者の間の歪んだ関係をリリックにしている。 7曲目：Rap God 7thアルバム「The Marshall Mathers LP 2」（2013年）収録曲で、”最もワード数の多い楽曲”という世界記録に認定。6分4秒の間に1560ワードを使用している（1秒間に4.28ワード）。 8曲目：Not Alike 9thアルバム「Kamikaze」（2018年）収録曲で、先にちょっかいをかけてきた若手ラッパーのマシン・ガン・ケリー（Machine Gun Kelly）を痛烈に非難したディスソング。これに対し、MGKは「Rap God」をもじった「Rap Devil」というアンサーソングを発表している。 9曲目：Godzilla 10thアルバム「Music To Be Murdered By」（2020年）収録曲で、故ジュース・ワールド（Juice WRLD）がフィーチャー。エミネムの“超高速ラップ”が堪能できる楽曲で、彼自身が“ゴジラチャレンジ（#godzillachallenge）”を呼びかけたことで一大ネットミームに。 10曲目：From D2 The LBC 2ndベストアルバム「Curtain Call2」（2022年）収録曲で、スヌープ・ドッグ（Snoop Dogg）がフィーチャー。2ndアルバム「The Marshall Mathers LP」収録曲の「Bitch Please II」以来、22年ぶりのコラボ楽曲となった。

現在の人気記事

NEWS LETTERニュースレター

人気のお買いモノ記事

公式SNSアカウント