インサイド

ここが違う！フジロックのフェス飯の特徴　フジロックのフェス飯の特徴は、なんといってもそのバリエーションの多さ。和食はもちろん中華やイタリアン、メキシコ料理まで、世界中の多様なグルメを楽しむことができます。また、フェス飯の屋台はエリアごとにまとまって各ステージの近くにオープン。2026年のフジロックでは10のエリアに分かれます。各ステージを往来しながらそのエリアでしか食べられないフェス飯をいただくのもフジロックの楽しみの一つと言えそうです。【エリア別】フジロックで定番の”フェス飯”　「イエロークリフ」「OASIS」など10エリアに分かれて分布するフジロックのグルメ。エリアごとに、フェス飯の定番屋台を紹介します。AVALON FIELD　オーガニックやエコといったサステナビリティに関するメッセージを強く打ち出している「AVALON FIELD」。芝生の上でごろりと寝転がり、ゆっくりとした時間を過ごすのもおすすめのエリアです。タナカクマキチ。　今年で出店20年目を迎える新潟・十日町市のスナック「タナカクマキチ。」の名物は、新潟県産舞茸の揚げたて天ぷらを、新潟県産米の炊きたてご飯にのせ、甘辛いタレをかけた舞茸天丼。タレをカツオ出汁の入っていないものに変更しヴィーガン対応も可能です。朝霧食堂　朝霧JAM のボランティアチームが運営する朝霧食堂。芳醇なソースの香りが食欲をそそる「富士宮やきそば」（800円）は、噛みごたえのある蒸し麺と肉かす、静岡県産桜海老をキャベツ、もやしとソースで炒め、最後にイワシの削り粉をたっぷりかけていただく名物です。森のハイジカレー　森のハイジカレーでは、バラ肉と肩肉をじっくり煮込み、玉ねぎの旨みと牛乳のまろやかさ、赤ワインのコクを丁寧に引き出した「森のハイジカレー」（1000円）を提供。とろけるように柔らかいお肉と、やさしく深みのある味わいが楽しめるそうです。CAMPSITE　フジロックの雰囲気を全身で感じるため、多くの人が寝泊まりするキャンプサイト。ここでは、コーヒーショップや小料理屋などが軒を連ねます。TASOGARE COFFEE　イタリアのエスプレッソ文化を源流に持つ、伝統的なブラックコーヒーを提供するTASOGARE COFFEE。「AMERICANO」（750円〜）は、好みのシングルオリジンを選び、圧力抽出によってその個性を凝縮。端正で力強いクラシックなフレーバーが特徴です。ぞうめし屋　愛知の今井醸造という味噌専門店が手掛ける小料理店「ぞうめし屋」。自家製味噌を使った肉味噌に、パリパリ焼き海苔、キムチ、温泉玉子、ネギを乗せた「肉味噌ごはん全部のせ」（1000円）は、間違いなしの一杯だとか。FIELD OF HEAVEN　周りを森に囲まれ、日没後は幻想的なムードに包まれるというFIELD OF HEAVEN。ここではビールやコーヒーといったドリンクや、手軽に食べられるサンドイッチが売られています。PRIMAL　「PRIMAL」では、低温調理した自家製ローストポークを使用したオリジナルキューバサンド（1200円）が人気。ローストポーク、ハム、チーズ、ピクルスの絶妙なバランスが人気です。TOKYO ALE!　FIELD OF HEAVEN定番の「TOKYO ALE!」。看板メニューの「TOKYO ALE」（1000円）、は加熱処理をしてない生ビールで、コクのある味わいが絶品だそう。Lotus Cafe　フジロック初開催以来、FIELD OF HEAVENでコーヒーを届けている「Lotus Cafe」では、父から息子へ受け継がれた、伝統のダークローストコーヒーを提供。北海道・定山渓で焙煎した、深いコクと心地よいほろ苦さが特徴の「Coffee」（600円〜）は、ホットもアイスも人気です。OASIS　場内最大のホスピタリティエリアと言われる「OASIS」では、30以上のご飯屋さんが出店。フェス飯大定番の「苗場食堂」からスイーツ、地料理までバリエーションも豊富です。GAN-BAN BAR　体だけでなく、心まで温めてくれる一品を提供する「GAN-BAN BAR」。貝の旨味とクリーミーなスープがマッチするクラムチャウダー（1000円）や、味わい深いコーンスープ（1000円）をラインナップします。野毛焼きそばセンターまるき　数々のメディアに出演した実績を持つ、横浜・野毛に本店を構える焼きそば専門店「野毛焼きそばセンターまるき」。浅草開化楼の特製麺を使用し、ほんのり甘辛いオリジナルソースがよく絡む「素焼きそば」（800円）は、ご飯にもおつまみにもおすすめだそう。五平餅　新潟県産コシヒカリを使用したモチモチ食感が特徴の五平餅（600円）を提供。香ばしく焼き上げた五平餅に自家製味噌だれをたっぷり塗っていただきます。元祖 越後もち豚　「元祖 越後もち豚」では、脂さえも甘くて美味しいという越後もち豚を串焼きにした「もち豚串焼き」（700円）を提供。ビールとの相性がバツグンなんだとか。越後魚沼の地酒屋　「越後魚沼の地酒屋」では、地元越後湯沢の「白瀧 純米」（700円）を提供。最もベーシックな純米酒として愛されています。鮎茶屋　「鮎茶屋」では、地元・魚野川の伏流水で育てた「地鮎」を使用した「鮎塩焼き」（1000円）が人気。地元の間伐材を用いて、テント裏で約45分じっくり焼いて提供しています。Rainbow cafe　米粉入り生地を使用したモチモチとした食感の「チョコバナナクレープ」（800円）を提供する「Rainbow cafe」。雪室で熟成されたコーヒー豆で淹れたコーヒーやクリームソーダといったドリンクもラインナップします。四代目　徳次郎　「四代目　徳次郎」の看板商品は「日光天然氷のかき氷　とちあいかいちご」（1200円）。全国で5軒しかない氷室（冬場に収穫された天然氷を夏の出荷時期まで貯蔵しておく所）の氷を使用しています。たっぽ家　フジロックの定番として毎年多くの来場者に親しまれている「たっぽ家」では、新潟県魚沼地方の郷土料理「へぎそば」（1000円）が人気。独特のコシとツルリとしたのど越しが、暑さに疲れた体を癒してくれます。森のステーキハウスビトロー　フジロックに23年出店し続けている「森のステーキハウスビトロー」。湯沢産コシヒカリを使用し、秘伝のガーリックソースを合わせた「ステーキ丼レギュラー」（1600円）が看板メニューです。焼肉 かすうどん 龍の巣　「焼肉 かすうどん 龍の巣」で人気なのは、牛のコテッチャンを素揚げして余分な脂分を落とし、旨味を凝縮させたあぶらかすをトッピングした「かすうどん」（1000円）。外はサクッと、中はぷりっぷりでコラーゲンたっぷりです。苗場食堂　フジロックのフェス飯大定番「苗場食堂」。「新潟の美味しいものを安くお腹いっぱいに」をテーマに、栄養豊富な地料理をふるまいます。特に「とろろご飯」（700円）は「フェス飯といえば？」という問いに真っ先に挙げる人が多いほど有名です。神立商店　「神立商店」では、揚げたてのヒレカツをご飯の上にのせ、甘辛い特製タレをかけて仕上げた新潟のソウルフード「新潟たれカツ丼」（1200円）を提供。お米は地元のブランド米「南魚沼産コシヒカリ」を使用しています。SPICE STAND 556　大阪発の独創カレー店「SPICE STAND 556」。「チキンココナッツとチキンキーマ2種あいがけカレー」（1450円）など、グルテンフリーで健康的なカレーをラインナップします。ラ・ロカンダ・デル・ピットーレ岩原本店　地元越後湯沢、岩原スキー場のPIZZA屋「ラ・ロカンダ・デル・ピットーレ岩原本店」では、手造りの薪窯で焼き上げる「薪窯焼きピッツァ」（2000円〜）が人気。赤ワインやショコラ、ゴルゴンゾーラタルトも揃えます。WE ARE THE FARM　「WE ARE THE FARM」では、昨年、多くのフジロッカーから好評だった「牛すじビリヤニ」（1200円）をアップデートして提供。本場のバスマティライスを使用し、12種のスパイスと自社農場で栽培する新鮮な野菜に、圧力鍋でほろほろに仕上げた牛すじを加えて炊き上げます。WESTSIDE 314　「WESTSIDE 314」の看板メニューは、プルドポークとトマトソースをご飯にのせたボリューム満点の「プルドポークライス」（1300円）。数種類のスパイスにじっくり漬け込み、香味野菜と一緒に煮込んだホロホロの豚肉と、チーズたっぷりの濃厚トマトソースが食欲をそそる逸品だそう。おむすび ゆた　地元魚沼産コシヒカリを100％使用したおむすびと豚汁などがセットになった「おむすびスペシャルセット」（800円）を提供する「おむすび ゆた」。握りたてのおにぎりがフジロッカーたちの心を掴んでいるそうです。WILLIAMS　「WILLIAMS」では、オリジナルレシピで焼き上げたバンズにマスタード、マヨネーズ、ルッコラをサンドして肉肉しいパティを乗せたハンバーガーと、ハンドカットしたジャガイモに専用の粉をまぶして高温で一気に揚げたフレンチフライのセット「オリジナルバーガー&フレンチフライ」（1300円）を提供します。ORANGE CAFE　フジロック会場の最奥に位置する唯一の屋根付き飲食・休憩スペース「ORANGE CAFE」。2025年から「オレンジエコー（ORANGE ECHO）」 という新たなステージが追加されたことでも話題になりました。タコとケンタロー　「タコとケンタロー」では、たこ焼きに京野菜の九条ねぎをたっぷりのせた「たこ九条」を提供。ソースもネギにあうオリジナルソースを使用しており、トッピングのネギは、手で切った青い部分だけを使っているそう。辛みが少なく生ネギが苦手な方でも美味しく食べられるんだとか。THE PALACE OF WONDER　大人の遊び場と言われる「THE PALACE OF WONDER」。ヘッドライナーのライブが終わる頃にオープンし、「夜のフジロック」を楽しむことができます。さかたや　地元新潟の漁師町寺泊から直送のイカを特製のしょうゆダレを付けて香ばしくジューシーに焼き上げた「浜焼きイカ」（1000円）を提供する「さかたや」。キンキンに冷えたビールとの相性はバツグンです。CRAZYDOG　ホットドッグスタンド「CRAZYDOG」では、国産小麦の香る焼きたてパンに肉汁溢れる熊本県産SPF豚のソーセージをはさんだ「CLASSIC STYLE」（900円）が人気。刻み玉ねぎとレリッシュ（甘い刻みピクルス）をトッピングし、ケチャップとマスタードでいただく王道スタイルです。Vegas in Milk　バー「Vegas in Milk」では、ハイボール（900円）、生ビール（800円）、ワイン（900円）、レモンサワー（900円）、ウーロンハイ（900円）を提供。そのほか、ウォッカ、ジン、ラム、テキーラ、カンパリ（各900〜1100円）、プレミアムカクテル（1000円～）を用意しています。PYRAMIDGARDEN　キャンドル・アーティスト Candle JUNEがプロデュースする、ステージとキャンプサイトのエリア「PYRAMIDGARDEN」。親子が遊んでいたり、涼む人がいたりと、街の公園のような穏やかな雰囲気が流れているそう。PYRAMID COFFEE STAND　ミュージックラバーが集まる東京・代々木公園横の「Little Nap COFFEE STAND」が、今年も「PYRAMID COFFEE STAND」としてフジロックに出店。「DRIP COFFEE」（600円）や焼き菓子が楽しめます。PYRAMIS CAFE　長年PYRAMIDGARDENに店を構える「PYRAMIS CAFE」。看板メニューのピラミスカレーとガパオのコンビメニュー（1500円）がおすすめだそう。PYRAMID SIDE BAR　「PYRAMID SIDE BAR」では、日本各地から集結したクラフトビール（800円〜）を楽しむことができます。双葉ワンタン　福島県双葉町の復興アクションとして生まれた「双葉ワンタン」。あっさりスープの「双葉ワンタン」（800円）が評判です。YELLOW CLIFF　入場ゲート付近のホスピタリティエリア「YELLOW CLIFF」。エネルギーを養うスタミナ満点のメニューが揃います。老舗肉問屋OGAWA　「老舗肉問屋OGAWA」では、千葉県の房総地域で丹精に育成された希少なブランド豚「白姫豚」のロース肉を贅沢に使用した「白姫豚ロースカツサンド」（1200円）が人気。雌限定で選別された白姫豚の特徴である、甘みのある脂質とキメ細やかな肉質を楽しめるそうです。長城菜館　「本格台湾屋台」をコンセプトに長年フジロックに出店する「長城菜館」。定番メニューの「台湾まぜそば」（1300円）は、麺に辛子と炒めた挽き肉の餡をあえ、焼き豚、半熟玉子、高菜、にらと一緒にぐるぐる混ぜていただきます。麺屋「極」　「麺屋『極』」の人気メニューは「濃厚醬まぜそば」（1000円）。極太麺に絡む特製濃厚醤油だれのコクと旨みがやみつきになるそうです。カレーショップ　「カレーショップ」では、新潟県産のお米を使用したご飯と、フルーティーでピリッと辛いカレールーを合わせた「カレーライス」（800円）を提供。フジロッカーに毎年好評だそうです。FUTABA屋　「FUTABA屋」では、新潟の郷土料理 けんちんを使った「けんちんうどん」（1000円）を提供します。サマーコボルト　「サマーコボルト」では、極上の甘みとジューシーな脂がのった津南ポークに夏野菜を添えた「津南ポークグリル夏野菜添え」（1200円）が人気。粗切りのわさびを添えればお肉の旨みがさらに引き立ちます。イスタンブールGINZA　ケバブが人気の「イスタンブールGINZA」。エクストラミート、チーズソースを加えた豪華版「ケバブデラックス」（1000円）が評判です。浦子の湯高野屋　「浦子の湯高野屋」では、越後もち豚を使った自家製チャーシューを魚沼産コシヒカリで巻いた巻き寿司「越後もち豚チャーシュー巻き」（500円）が人気です。ところ天国　会場の真ん中あたりに位置するチルアウトスポット「ところ天国」。川べりに広がるエリアなので、暑い日には川の冷水で涼をとる人も多く見られるそうです。ところ天国　フェス飯大定番の1つ、「ところ天国」。名物「天国バーガー」（1400円）のほか、ここでしか味わうことのできない限定クラフトビールやカクテルなど、多彩なドリンクメニューを用意します。朝晩きゃらばん　「朝晩きゃらばん」では、肉汁あふれるブラジル式特製生ソーセージ「リングイッサ」を、香ばしいバケットでサンドしたホットドッグ「オリジナルチミー」（1300円）を提供。9種のハーブとビネガーベースの自家製チミチュリソースが味わいを引き立てます。らーめんえにし　「らーめんえにし」では、フジロック限定の「天国にぼしラーメン」（1000円）が人気。厳選した3種（アジ、マイワシ、ウルメ）の煮干しと、道南真昆布、奈良の熟成木桶醤油をたっぷり使用したスープに、国産小麦100％のフジロック特注麺を絡めていただきます。　以上、フジロックの定番フェス飯をピックアップして紹介しました。フジロック初参加の人や、これからフェス飯に挑戦したい人は参考にしてみてください。

Culture

"フェス飯"の王道、フジロックで並んでも食べたい定番屋台

#1 「車は一番大きなアウター」　若者が惹かれるヤングタイマー　中古車の個人売買のマッチングを手掛けているtokyo basic car club（以下、TBCC）が、車に興味を持つ若い世代を惹きつけている。TBCCは1994年生まれの南部翔也CEOがマーケティング企業や広告代理店を経て2021年に創業し、売り上げはこの2年で5倍と急成長。「2年前は東京在住のクリエイターや美容師などが購入者の中心だったが、今はその熱量が全国に広がった。納車のために、スタッフは全国を飛び回っている」と南部CEO。購入者は20代前半から40歳までが主だという。…記事を読む#2 車好きの集まりからフェスへ　拡張するカーミーティング　車カルチャーが盛り上がる中で、“カーミーティング”と呼ばれるイベントが変わりつつある。車好きたちが自慢の愛車で集まり、交流するカーミーティング文化は1980年代以前からあった。ただ近年は、車のスペックやチューニングを語り合う走り屋のコミュニティとしてだけでなく、音楽やストリートカルチャーと交差するフェスのような空間へと拡張され、SNSによってよりライトな層も取り込むようになっている。カーミーティング風に会場を作り込んだファッションイベントが話題になるケースも出てきた。…記事を読む#3 映画ワイルド・スピードから軽トラまで　世界が熱狂する“JDM”　“JDM”と呼ばれる日本車が、近年世界中の車好きから熱視線を集めている。JDMは「Japanese Domestic Market」の略で、本来は日本市場向けに生産された車を指す言葉。現在では、特に1980～90年代の日本のスポーツカーや、その改造を含めたカルチャー全体を指して使われることが多い。かつて日本では“走り屋”のイメージが強かったそれらの車は、映画「ワイルド・スピード」やレースゲームの世界的ヒットにより、今や漫画やアニメに並ぶ日本のクールコンテンツになった。そんな日本独自の車文化を、流暢な日本語で発信しているYouTube「スティーブ的視点」のスティーブさんを取材した。…記事を読む#4 ヤンキー熱再燃　“ドリギャル”油浦桃が描く新時代のドリフト文化　Netflixのヤンキーの恋愛リアリティショー「ラヴ上等」が話題になり、北千住マルイの「大ヤンキー展」にZ世代が詰めかけるなど、平成のローカルな若者文化としてヤンキーに光が当たっている。かつてヤンキーや走り屋のものだった改造車やドリフト走行なども、Y2Kや平成レトロの流行、海外での映画「ワイルド・スピード」人気に後押しされ、いなたい文化として再評価されつつある。そうした変化を象徴する1人が、“ドリギャル”として注目を集める油浦桃さん。プロドライバーとしてドリフトの魅力を令和に伝える油浦さんは、実は渋谷109で販売員をしていたこともある。…記事を読む#5 グッチも参戦？　F1が“推し活”でポップカルチャーに返り咲き　「グッチ（GUCCI）」がF1チームのスポンサーになるかもしれないと、つい先日海外メディアが報じた。それによると、ケリング傘下のグッチは、2027年からF1チーム「アルピーヌ（Alpine）」との提携を検討しているという。背景には、2025年9月に再建請負人としてケリングCEOに就任したルカ・デ・メオ氏の存在があるという。デメオCEOは自動車メーカーのルノーの元CEOで、アルピーヌはルノーの子会社だ。グッチだけでなく、近年はラグジュアリーやファッションブランドのF1との接近が著しい。…記事を読む#6 元ZOZOクリエイティブ責任者が発信　大人が楽しむラジコン文化　ラジコンが、子どものおもちゃから大人のカルチャーへと姿を変えつつある。ラジコンといえば、思い浮かぶのは1980年代の大ブームだが、近年はかつてのファンによる出戻り需要に加え、SNSをきっかけに新規層も流入。その熱は海外にも広がり始めている。ラジコン×カルチャーの仕掛け人の第一人者は、渋谷パルコにも出店するラジコンショップ「ブロックヘッドモータース（BLOCKHEAD MOTORS）」代表のJUN WATANABEさん。JUNさんは、ファッションEC企業のZOZOで、長らくクリエイティブの責任者を務めた人物でもある。…記事を読む番外編 フェラーリ新車は「まるで中国EV」？　上海で見たEVのリアル　フェラーリが発表した、同社初の完全EV（電気自動車）「ルーチェ」が話題になっている。アップルの元チーフ・デザイン・オフィサーであるジョナサン・アイブらによる流線形のミニマルなデザインに対し、SNSには「フェラーリらしくない」「まるで中国メーカーのEVのよう」といった声も上がっている。だが、その「中国メーカーのEV」とは実際どんなものなのか。日本市場にも進出しているBYDは知っていても、他の中国EVがパッと思い浮かぶ人はまだそう多くないだろう。私自身もそうだった。しかし、先週6年ぶりの上海出張で現地の車事情を目の当たりにし、EV大国・中国を肌身で実感。上海のEV事情を写真中心にレポートする。…記事を読む

なぜ今、車は再びカルチャーになったのか？　「令和カーカルチャー」全7記事まとめ

国策としてEVを振興　前提として、中国はガソリン車で欧米や日本メーカーに遅れをとってきたことから、国策としてEVを振興してきた。その結果、現在中国は世界最大のEV市場として、新車販売の半分近くがEVやPHEV（プラグインハイブリッド）、EREV（レンジエクステンダーEV）を含む“NEV（新エネルギー車）”になっているというデータがある。どの車がNEVなのかは、ナンバープレートを見れば一目瞭然。緑と青の2種類があり、緑がNEVだ。地方都市では状況も異なるのだろうが、上海では緑ナンバーが圧倒的多数だった。青ナンバーは上海ではオークションで落札する必要があり、現地駐在員いわく「落札価格が200万円近くになることもある」。一方で、緑ナンバーはオークションなしで取得でき、それがEV普及を後押ししているのだという。中国EVがベンチマークしてきたTesla　中国EV各社がベンチマークしてきた存在として、まずは米国のテスラ（Tesla）からSUVの「モデルY」。現地での販売価格は日本円で650万〜850万円ほどだという。中国EVのバリエーションは想像以上に多様で、テスラは街中においてもはや飛び抜けて目立つ存在ではないと感じたが、テスラ的な丸っこい流線形ボディや電動格納式のドアハンドルといったEVの“トンマナ”は、中国EVの多くが踏襲しているように感じた。　バッテリー容量に限りがあるEVは、ガソリン車と比べて空気抵抗が航続距離にシビアに影響すると聞く。空気抵抗を考えると、どうしてもテスラ的トンマナに収斂していくものなのかもしれない。それを考えると、記事冒頭で触れたフェラーリの新EVも、なるべくしてあのデザインだとも言える。中国最大のEVメーカー、BYD　次に、中国最大のEVメーカーで、日本にも正規ディーラーがあるBYD。どうやらBYDとは、BUILD YOUR DREAMSの略のようだ（写真2枚目の車体の文字参照）。原点は1995年に創業したバッテリーメーカーだという。面白いのが、中国の王朝名を採用した車種があること。写真1、2枚目はBYDのフラッグシップセダンの「漢」。日本車でいうところのトヨタ「クラウン」のようなモデルで、販売価格は400万〜600万円ほど。写真3、4枚目は「秦」。秦は漢に比べて、より大衆的な車種（200万〜350万円ほど）というが、始皇帝が聞いたら激怒しそうな話だ。EV界のプレミアムブランド、NIO　続いて、中国EV界のプレミアムブランドであるNIO（上海蔚来汽車）。中国新興EVメーカーの一角といい、テスラが高級路線から大衆路線に軸足を移す中で、高級感を打ち出している。EVは充電が必要だが、NIOは充電ではなくバッテリーそのものを交換する方式を採っており、充電の時間がかからない点が売りだという。写真のSUVの価格はバッテリー買い取りで700万円弱、バッテリーを月額使用料によるサブスク形式にすると550万円ほど。NIOはNEVブームを追い風に急成長したが、中国EV激戦のなかで、株価は数年前に比べると低調に推移している。大型SUVや高級ミニバンに強み、Li Auto　NIOと同じく、中国新興EVメーカーのLi Auto（理想汽車）。スポーティなセダンではなく、中国人好みのファミリー向け大型SUVや高級ミニバンに強みを持つメーカーだといい、中国EVの車種バリエーションの広さを示す存在と言える。写真1〜4枚目は同じ車種で、新車価格は700万円前後。通信大手ファーウェイによるAITO、LUXEED　中国の通信大手、ファーウェイが主導し、自動車メーカーのセレス（SERES）が車両製造を担っているEVがAITO（問界）だ。写真1、2枚目のSUVは1000万円前後。ファーウェイは、自動車メーカーのチェリー（奇瑞汽車）との共同開発で、LUXEED（智界）というEV（写真3、4枚目、500万〜650万円前後）も手掛けている。車載OSや自動運転支援などはもちろんファーウェイ製。残念ながら写真はないが、ファーウェイだけではなく、スマホやIoT家電に強いシャオミもSU7というEVを作っており、これらは自動車産業の中でIT企業の存在感が増していることの例として挙げられる。世界市場を目指すZEEKR　ZEEKR（ジーカー）は新興EVメーカーではなく、スウェーデン車ボルボの親会社でもある中国の大手自動車メーカー、吉利汽車（Geely）のEVブランド。対テスラだけではなく、対欧州メーカーも視野に、すでに欧州での販売も行っているという。写真1、2枚目のセダン（600万〜700万円前後）に加え、3枚目の高級ミニバン（1000万円前後）も目撃した。大手の上海汽車がアリババとタッグ、IM Motors　写真1、2枚目（650万〜950万円ほど）のIM Motors（智己汽車）は、長年中国を代表する自動車メーカーとして存在感を放ってきた上海汽車（SAIC）が、IT大手のアリババなどと共同で立ち上げたプレミアムEVブランド。上海汽車は独フォルクスワーゲンなどと合弁を組んでおり、約20年にわたって中国で自動車の販売台数1位を誇ってきたが、NEVブームを背景に2024年にBYDに抜かれたという経緯がある。上海汽車は独自ブランドのEVのRising Auto（写真3、4枚目、400万〜500万円ほど）も手掛けている。中国メーカー同士の激戦時代に突入　数年前まではテスラの存在感が強かったとも聞くが、対テスラの時代を経て、今は中国メーカー同士のEV競争の時代に突入しているというのが上海を訪れての感想だ。ただし、これらの写真は高級マンション群が立ち並ぶエリアで撮影しており、下町や地方都市に行くと景色は大きく変わる可能性もある。日本メーカーも含めてEV開発競争の行方がどうなるか、市場が何を選択するかはまだまだ見通せないが、そもそもフェラーリのEVに対し、「中国のEVのよう」といった声が上がるくらいに、中国EVの存在感が増していることは間違いない。

フェラーリ新車は「まるで中国EV」？　上海で見たEVのリアル【令和カーカルチャー番外編】

「ラジコンはカッコよくならない」を覆す　1977年生まれのJUNさんは、80年代のラジコンブーム直撃世代。中高生以降になると、興味の中心は音楽やデザインの分野に広がっていったが、大人になっても、好きなものの中にラジコンはずっとあった。同時に感じていたのは、歯がゆい思い。「たとえばスケートボードは常にファッションのそばにあって、かっこいいものになっている。ゲームもカルチャーになった。一方で、ラジコンはいつまで経ってもオタクっぽくて、かっこいいカルチャーと交わらない。ラジコンが好きだから、ファッションやカルチャーとつなげたいとファッション業界の人に話すと、『ラジコンは絶対にかっこよくならないよ』とも言われた」。　ラジコンへの思いを胸に、JUNさんはZOZO在職中だった20年ほど前に、世界有数の模型メーカーであるタミヤにアプローチ。手書きの手紙とコラボレーションの企画書を送ったところ、少しずつ交流が始まった。数年かけて関係を築き、2012年にとうとうコラボモデルのラジコンの発売に至る。黒いドット柄とピンク色の掛け合わせが印象的なデザインは、同時期にZOZOTOWN限定で発売されたJUNさんデザインのリーボックのスニーカー「インスタ ポンプフューリー」とも連動していた。キャンプ × ラジコンなど楽しみ方が拡大　「僕はラジコンそのものではなく、ラジコンの周りを作っているんです」とJUNさん。たとえば気持ちのよい空の下、キャンプ道具の横に置かれたラジコン。ガレージで愛車やバイクと並ぶラジコン。友人たちと集まって遊ぶ週末。ラジコンがライフスタイルの中にどうあったらかっこよくなるか、どうあれば大人の趣味の一つとして魅力的か、そんなイメージを発信し続けてきた。2017年にZOZOから独立し、千葉・習志野に自身のデザイン事務所を構えたが、その上階に2022年にラジコンショップを設けたのも、「発信のために街のラジコン屋のような場があった方が面白い」という考えからだ。　ブロックヘッドモータースで一番よく売れるのが、オリジナルのデカール（1200〜1800円前後）。ラジコンの車体を装飾するためのステッカーで、「ブロックヘッドのデカールを貼るとラジコンがカッコよくなる」と支持が広がった。今となってはさまざまなデザインのデカールが売られるようになったが、JUNさんが販売を始めた当時は、純正品やメーカーがオマケとして製作するデカール以外、あまり選択肢がなかったのだという。「いかにラジコンを速く走らせるか、性能をよくするかにはフォーカスが当たっていたが、いかにおしゃれにするかの提案はほぼ存在しなかった」。　近年、ラジコンを楽しむ人が増えている実感があるとJUNさんは話す。「昔はラジコン友達を探すだけで一苦労したけど、いまは状況が様変わりした。中心は30代後半〜50代の男性。子どものころにラジコンで遊んでいて、戻ってきた層もいるし、SNSを見て面白そうだと入ってきた人もいる。おしゃれな人が増えた印象がある」。コロナ禍にキャンプなどのアクティビティが盛り上がったことで、キャンプ×ラジコンといった楽しみ方も広がっている。タミヤと組んで、毎年秋に富士山のふもとのキャンプ場で行っているアウトドアフェスも盛況で、今年も11月に開催を予定している。東南アジアや欧州で“ワールドツアー”　こうした熱は海外にも拡大中だ。ブロックヘッドモータースは、パルコに請われて2025年に渋谷パルコ5階に常設2号店を出店。同店は客の6〜7割が訪日客だといい、もともとモーターカルチャーが盛んなオーストラリアや米国、経済発展著しい東南アジアなどからの来店が目立つ。「映画の『ワイルド・スピード』などの影響で、日本のカーカルチャーに興味を持つ層が増えている」ことも背景にある。渋谷パルコ店だけでなく、交通アクセスがいいとはいえない習志野の店舗にも、SNSを見た訪日客がふらりと訪ねてくる。上海で開催した、自転車×ラジコンイベントの様子　ブロックヘッドモータースとしても、2025年には“ワールドツアー”と称し、各国の販売パートナーのラジコンショップと組んでオーストラリアやドイツ、スペイン、中国の上海などでイベントを開催した。たとえば上海では、現地で流行っている自転車とラジコンを組み合わせて、サイクリングとラジコンのイベントを実施するなどの楽しみ方を提案。2026年春には、「ブロックヘッドモータースのSNSのフォロワーの中でも比率が高い」というインドネシアでもイベントを行った。「経済成長の中で、30代くらいの人たちが趣味にお金を使うようになっている。SNSのフォロワー数が20万人といった、現地で影響力のあるデザイナーや建築家、イラストレーターなどのクリエイティブ職の人が多数集まった」と振り返る。　渋谷パルコ店は売れ行きも順調だが、「売り上げよりも、渋谷パルコに店があるということが重要」。ファッションやカルチャーとは縁遠い趣味とされてきたラジコンが、クールなジャパンカルチャーの発信地である渋谷パルコに並ぶようになった。「10〜20年前は一部の人だけに閉じられた世界だったラジコンが、今はカルチャーに接続した実感がある」とJUNさん。他の商業施設からの出店依頼も多いが「店の数を増やすことよりも、もっと濃くしていきたい」。平松有吾 渋谷パルコ アソシエイツプロデューサーの話　ブロックヘッドモータースは2025年4月に、渋谷パルコ5階に習志野に続く常設2号店を出店している。リーシングを進めた平松有吾 渋谷パルコ アソシエイツプロデューサーに聞いた。　渋谷パルコ屋上で2026年3月に開催したイベントの様子

元ZOZOクリエイティブ責任者が発信　大人が楽しむラジコン文化【令和カーカルチャー⑥】

ユニクロやジェントルモンスターもF1コラボ　グッチだけでなく、近年はラグジュアリーやファッションブランドのF1との接近が著しい。象徴的なのが、LVMH モエ ヘネシー・ルイ ヴィトン グループが昨年発表した、F1との10年間にわたるグローバルパートナーシップ。時計ブランド「タグ・ホイヤー（TAG Heuer）」がレースのタイムキーパーを務め、優勝者に贈られるトロフィーのケースは「ルイ・ヴィトン（Louis Vuitton）」が製作、レース会場ではモエ・ヘネシーのシャンパンが振る舞われるといったように、LVMH傘下のブランドがF1という体験の場に寄り添っている。　かつてF1のスポンサーと言えば、石油会社やタバコメーカー、自動車部品メーカーが中心だった。しかし現在は、ラグジュアリー企業が世界観を構成する時代になりつつある。　より身近なブランドやビューティ企業も、F1に注目している。例えば、韓国発のアイウェアブランド「ジェントルモンスター（GENTLE MONSTER）」や「ユニクロ（UNIQLO）」、キャップの「ニューエラ（NEW ERA）」はF1や参加チームとのコラボ商品を発売し、「トミー ヒルフィガー（TOMMY HILFIGER）」やビューティの「ロレアル パリ（L’Oréal Paris）」はF1ドライバーをアンバサダーに起用。「ミズノ（MIZUNO）」や「アディダス（adidas）」といったスポーツブランドはチームに請われて、機能性を追求したユニフォームやシューズを製作している。　われわれFASHIONSNAPが掲載した「F1」という文字をタイトルに含むニュース本数で見ても、2023年は0本だったものが2024年は6本、2025年は10本、2026年は現時点で既に11本と急増した。これも、ファッションやラグジュアリー企業の関心がF1に向かっていることを分かりやすく表す事例だ。F1低調の米国でZ世代のファンを獲得Netflixの「Fomula 1:Drive to Survive」ティザー　時計の針を巻き戻してみると、F1は1980〜1990年代前半に、伝説的なドライバーのアイルトン・セナなどがけん引する形で、マスに支持が拡大。ホンダ参戦を受けて日本でも1987年に地上波で中継が開始されると、社会現象化した。当時のF1はスポーツの枠を超えてヒーローを生み出し、企業の技術力を象徴し、ファッションやライフスタイルにも影響を与えるポップカルチャーだった。　しかし1990年代後半以降、状況は変化していく。欧州を中心に放映権ビジネスが巨大化し、F1はスポーツビジネスとして成功を収めた一方で、マシン開発やレース戦略は複雑化。ファンの固定化・高齢化が進んだと指摘する声は多い。F1は、「一部の車好きな人が見るもの」に閉じていった。　そのようにトレンドの枠外に押し出されてしまったF1を、再びカルチャーのど真ん中に引き戻したのがNetflixだ。Netflixは2019年に、ドキュメンタリーの「Fomula 1:Drive to Survive（邦題：栄光のグランプリ）」の配信を開始。かつて地上波がレース中継やレース結果を中心に伝えていたのに対し、Netflixはドライバーやチームの人間模様にフォーカスし、それがZ世代の取り込みにつながった。　好評を受けて、同シリーズは第8シーズンまでを配信済み。「米国のF1ファンの53%が、同シリーズをきっかけにF1を観るようになったと回答しているデータがある」（Netflix広報）というように、欧州に比べてF1人気が低調だった米国市場を開拓したことは大きい。その結果、米国では2012年から行われてきたオースティンでのアメリカGPだけでなく、2022年からマイアミ、2023年からラスベガスでもF1大会が開催されるようになった。分断の時代に高まるスポーツの価値　日本においても、Drive to SurviveがF1の新たなファン層を開拓しているとNetflix広報は説明する。「世界的な傾向と同様に、同シリーズは日本でもスポーツへの入り口として機能しており、特にこれまでF1に関心のなかった層に対しても、人物像やライバル関係、人間ドラマに焦点を当てることで、親しみやすいコンテンツになっている」。Netflixの成功要因は、F1がもともと持っていたドラマチックな人間ドラマの要素に光を当てて、SNS時代にマッチするコンテンツに編集し直したことだ。　近年のF1ファンたちの話しぶりを聞いていると、これは選手の推し活なんだなと感じることは多い。角田裕毅選手やルイス・ハミルトン選手、シャルル・ルクレール選手などは、アスリートであると同時にSNSで強い影響力を持つインフルエンサーだ。1980年代にテレビがアイルトン・セナをスターにしたように、2020年代はNetflixやSNSが新たなスターを生み出し、そのストーリーやコミュニティの周りにラグジュアリーやファッションブランドが集まるようになった。　こうした流れはF1以外のスポーツジャンルにも広がる可能性がある。Netflixはフランスの自転車レースを題材に「ツール・ド・フランス: 栄冠は風の彼方に」を配信。こちらも「若い世代を中心に新たなファンダムの創出につながり、配信開始後1週間でフランスでの『自転車』の検索数が50％増加した」とNetflix広報はコメントする。　趣味嗜好がタコ壺化し、分断が進む時代の中では、多くの人が共有・熱狂できるストーリーやスターの価値が従来よりもむしろ高まっている。そうした流れの中で、F1をはじめとしたスポーツはコンテンツとしてこれからさらに存在感を増していく。ラグジュアリーやファッションブランドが、自分たちの魅力を伝えるための舞台としてスポーツを求める構図は、今後より強化されていきそうだ。

グッチも参戦？　F1が“推し活”でポップカルチャーに返り咲き【令和カーカルチャー⑤】

「ドリフトはフィギュアスケートに近い」YouTube「ドリギャル油浦桃」からアパレルブランドは「意地で」法人化「女の子のファンが多いのが自慢」油浦さんのインスタグラム（@yuuramomo7）投稿からレッドブルがドリフトの大型イベント  　3月21日、横浜湾岸の工業団地エリアにある巨大物流センターで、レッドブル・ジャパンがカーイベント「Red Bull Tokyo Drift 2026」を開催した。展示ブースに集まった車は約500台、観客は約5000人と、同社が昨秋行ったカーイベントから大幅に規模を拡大。イベントの目玉は、ドリフトのデモ走行だ。耳栓をしても響いてくる爆音の中、白煙を上げて走る車に若いカップルも家族連れも車オタクたちも大興奮。アジア系、欧米系共に、海外客も非常に多かった。自慢の車を展示していたオーナーや、来場者のスナップを行った。           ※背景に写る車のオーナーが別のケースも含まれます。Images by:FASHIONSNAP（Kazuo Yoshida）

ヤンキー熱再燃　“ドリギャル”油浦桃が描く新時代のドリフト文化【令和カーカルチャー④】

円安でJDM人気が加速──日本ではここ数年で、「JDMがアメリカで人気」といったニュースを頻繁に目にするようになりました。本当に盛り上がっているのでしょうか？　かなり盛り上がっていて、日本車は大人気です。背景にはさまざまな理由がありますが、今の若い人たちが幼いころから親しんできた映画「ワイルド・スピード」シリーズや、レースゲームの「ニード・フォー・スピード」などの影響は大きいですね。　私は今56歳ですが、日本車がアメリカ市場で支持を広げたのは1970年代以降です。アメリカに日本車が入ってきた当初は、「安いけど壊れやすい」というイメージがあった。でも実際に買った人たちが「壊れない」「燃費がいい」「よくできている」と気づいたんです。そこからホンダ「シビック」「アコード」、トヨタ「カムリ」「カローラ」などが爆発的に売れて、日本車自体の信頼性が高まっていったという歴史があります。──安さや燃費ではなく、カッコよさで支持された日本車は当時はなかったのでしょうか？　当時からアメリカのスポーツカー市場に強い影響を与えていた唯一の存在と言えるのが、日産の「フェアレディZ」ですね。アメリカでは「ダットサン240Z」「260Z」「280Z」として売られていました。本当に大人気で、僕が若いころにも、新型Zが出るたびに買い替えている車好きがいました。すごくカッコいい車というイメージが当時からあったんです。──JDM人気がアメリカで本格的に拡大したきっかけとして、「25年ルール」についてよく言及されます。　アメリカには、1988年に制定された「製造から25年以上が経過した車であれば、海外仕様車を輸入できる」という制度があります。それが「25年ルール」。アメリカで売られている日本車は、基本は左ハンドルのアメリカ市場向けに作られた車（USDM）ですが、日本市場向けの右ハンドル車や日本限定車も生産から25年経って輸入できるようになった。それで、1990年代に生産された名車のスポーツカーや軽トラックなど、それまでアメリカに存在しなかった日本車が近年一気に入ってきたんです。　さらに今は円安もあります。日本の車はちゃんと整備されていて、状態のいい車両を比較的安く輸入できることで、「買ってみたい」と思う人が増えています。日本車が集まる米国のカーミーティングを紹介するYouTube「スティーブ的視点」──スティーブさん自身が感じる、JDMや日本車の魅力は何ですか。　第一に、いい車が多いんですよ。日本のメーカーは、1970〜90年代に本当にすごいものを作っていました。第二に、僕はカーミーティングでずらっと並ぶような車ではなく、他では見掛けないユニークな車が好きなんです。アメリカでJDMに乗っていると、他の人とかぶる確率が低い。JDMを走らせているとすごく注目されるし、みんな笑顔になります。親指を上げるサムズアップのポーズをしてくれたり、「カッコいいね」って声をかけられたり。周囲の人を笑顔にできるところが楽しいですね。　僕や家族は日本車を何台か所有していますが、そのうちの1台が“ハコスカ”と呼ばれる日産「スカイライン」です。名前を知らない人でも、車好きなら見れば「カッコいい」「いい車だ」と感じると思う。僕は大学時代に初めて日本に行って、ハコスカをはじめ、それまで見たことがなかった日本車をたくさん見ました。シャコタンなど、日本独特の車の改造も面白いなと思ったし、靴を脱いで車に乗る人がいたり、タクシーがピカピカだったりといった、日本の車文化のさまざまな面に魅了されました。「日本車を通し、日本好きと出会える」「Steve的視点」に登場する日本車好きの若者たち──アメリカでJDMや日本車を楽しんでいる人は、どんな人たちですか？　日本車に乗る人は、車のサイズやパワーを競う感じじゃないんですよね。フレンドリーな人が多くて、日本の文化や日本食が好きで、そういった日本好き同士でつながって一緒にドライブしたり、交流したりといった楽しみがある。日本車を通して日本好きと出会えることは大きな楽しみになっています。　特にこの世代に日本車が人気、といった傾向もなく、10代から50、60代までさまざまです。男性だけでなく、女性もいますよ。私の肌感では、JDMファンの2〜3割は女性です。私のYouTubeでも、ホンダの「S2000」に乗る10代の女性を取り上げています。ワイルド・スピードに出てくる女性キャラクターに影響を受けているんだと思います。──1980～90年代の日本のスポーツカーには、昔から日本にも熱狂的なファンがいます。ただ、近年は海外のJDM人気が逆輸入される形で、ファン層が若い世代にも広がっているように感じます。　僕は日本の車関係のイベントにゲストとして参加することもありますが、「10年前から父親と『スティーブ的視点』を見ていて、JDMが大好きになった」とか、「『スティーブ的視点』を見て、この車を買った」などと、日本の若い人からよく声を掛けられます。日本では長らく「若者の車離れ」と言われていますが、JDMをはじめとした車に興味を持っている若い人は多いと思いますよ。　ただ、1990年代に生産された旧車を買って、維持して、車検を通して、といったことを考えると、税制などを含めた日本のシステムは新車を買った方がいい仕組みになっている。だからこそ、日本から流れてくる旧車は、しっかり整備されていて走行距離はたった数万キロと、アメリカ人にとっては新車同様なんです。　維持費、車検、駐車場代などを考えると、日本の若い人にとって車を持つことは非常にお金がかかる趣味。車を買うと決めたとしても、旧車ではなく経済的な新車を選ぶ、といった傾向があると思います。「軽トラは見る人を笑顔にする」軽トラや軽自動車を紹介するYouTube「スティーブ的視点」──スティーブさんの動画には、JDMだけでなく軽トラックなどの軽自動車もたくさん登場します。軽トラのイメージが日本とはかなり異なり、驚きました。　軽トラや軽自動車はアメリカにはなかったからこそ、「かわいい！」「あの車は一体なに？」という気持ちを掻き立てて、見掛けた人を必ず笑顔にしてくれます。子どもたちも軽自動車を見るとすごく喜ぶ。世の中には何千万円、何億円のスーパーカーもあって、それももちろん魅力的。一方で、軽自動車は数十万円で買えるものもあって、スピードや高級かどうかといったことは関係なく、「面白い」「かわいい」と人を惹きつけている。　アメリカでも牧場などで仕事用に軽トラが使われているケースがありますが、私の周りでは遊びや趣味で軽トラに乗っている人が多いですね。通勤車として毎日乗ろうと思えば乗れないこともないですが、日本国内でさえ軽自動車については衝撃に弱いと指摘する声があります。アメリカの高速道路で巨大なピックアップトラックとぶつかったら、とても危ない。だからこそ、毎日乗るよりも週末に軽自動車のオーナーたちで集まって、ルートも考えて走るという楽しみ方が多いです。──日本車の旧車のアメリカでの流通価格はどれくらいですか。　ものによるので一概には言えません。例えば軽トラなら日本のオークションからでも30万〜50万円で買えますが、近年は値上がり傾向にあります。スズキの「カプチーノ」やホンダ「ビート」、マツダ「オートザム」などの軽自動車の人気車種は、すでに200万円を超えるケースもあります。　JDMの価格はとんでもなく上がっています。日産「スカイライン」などは6万ドル（約950万円）〜10万ドル（約1500万円）以上。GT-Rになればオークションで億単位の価格がつくこともあります。トヨタ「スープラ」は10万ドル（約1500万円）超えが普通ですし、希少なスバル車も20万ドル（約3100万円）クラスがあります。日本車は全般的に価格が落ちづらいですし、JDMは25年ルールで供給量が少ないこと、一方で需要は非常に高まっていることなどから、価格はどんどん上がっている。多少の経済変動はあっても、この傾向は今後も大きくは変わらないと見ています。日本車以外も人気の旧車は値上がりしていますが、日本車の値上がり幅は特に目立ちます。──日本では欧州車が高級車として扱われるケースが多く、日本車がコレクターズアイテムとして扱われていることに驚きます。　コレクターカーといえば、古い欧州車やアメ車というイメージが強いですよね。日本車は、これまでは忘れられていた側面があったと思うんです。近年のJDMの値上がりを見ていると、日本車に注目する投資家グループが増えているという印象を受けます。　一方で、宝物のような日本車が海外に流出してしまうことについて、日本の車好きは複雑な思いを抱えていますよね。そういう感情をアメリカ人が日本に対して抱いた時代もありました。バブル景気のころに、1960〜70年代の貴重なアメ車が日本にたくさん流出して、当時は「二度と米国に戻ってこないんじゃないか」と危惧されていました。でも、今は再び米国にあります。バブル崩壊やその後の日本の経済状況、円安、インターネットの広がりなどが背景にありますが、日本の仕組みではそういった旧車を維持できなかったという側面があると思う。税制などを含め、古い車を維持し続けることに日本が優しい国にならない限りは、日本にJDMを戻してもまた流出するだけです。──最後に、来日した際に行く、車関連のお気に入りスポットを教えてください。　やっぱりパーキングエリア（PA）は楽しいですね。でも近年は、人が集まりすぎることで騒音などが問題になっています。海外の人は、PAのことを車を見せ合うカーショーの会場だと思っていることも多いんです。車イベントの賑やかな雰囲気は好きですが、自分がPAで休んでいる長距離ドライバーの立場だったらと思うと、PAで集まろうなんて、決して言えないですね。　テキサスで経営している日本食カフェ「ほしカフェ」では、車好きが集まるイベントを行っています。日本でも場所を借りて、愛車で集まれるイベントができたらと考えていますよ。みんなにマナーを守ってもらって、迷惑のかからない走りをしてもらうことが大事だなと思っています。

映画ワイルド・スピードから軽トラまで　世界が熱狂する“JDM”【令和カーカルチャー③】

ファッション文脈でも注目　2025年11月の夜。車好きたちの聖地、大黒パーキングエリアからもほど近い横浜湾岸で、ミュージシャンのトラヴィス・スコット（Travis Scott）と藤原ヒロシ率いる「フラグメント デザイン（fragment design）」、「ジョーダン ブランド（JORDAN BRAND）」によるトリプルコラボモデルの「エア ジョーダン 1」の発売イベントが行われた。サーチライトが照らす空間に、クラシックカーや“JDM”（Japanese Domestic Market）と呼ばれる日本仕様の改造車が続々登場。まるでカーミーティングのようなその会場でスペシャルライブを披露したトラヴィス・スコット自身も、熱狂的な車好きとして知られる。カーミーティング風の「エア ジョーダン 1」イベント　このように、ファッション文脈でも見逃せない存在になっているカーミーティング。その界隈の有名人の1人が、大阪・八尾を拠点に中古車販売や車の整備、加工を手掛ける、ゼロロクベースの飯塚玄代表だ。1994年生まれの飯塚代表は、主に1980〜90年代のスポーツカーが集まるカーミーティング「06BASE」を主催している。2024年9月に群馬の川場スキー場の立体駐車場で行ったオールナイトイベントでは、約300台の展示スペースが車好きたちのエントリーで埋まり、同年11月に大阪の湾岸、泉大津の多目的広場を借りて行ったイベントは、約500台のスペースが埋まった。泉大津のイベントの総来場者は、1万人近くになったという。車をメインに、異なるジャンルを横断　車好きにとっては、車をお互いに見せ合って、会話をするだけでも十分楽しいもの。それがカーミーティングの原点だが、06BASEは車を展示するだけでなく、有名ミュージシャンのライブやダンスバトルなども組み込んでいる。「車をメインにして、ストリートやヒップホップのカルチャーをミックスしたフェスみたいな場をイメージしている」と飯塚代表。飯塚代表は、漫画「頭文字D」や映画「ワイルド・スピード」の影響で小学生のころからの車好き。一方でプロのヒップホップダンサーを目指していた時期もあり、有名ミュージシャンのバックダンサーを務めたこともある。　車とダンス、DJプレイといった自分の好きなカルチャーを横断する形で、飯塚代表が仲間うちでパーティーを行うようになったのは2015年ごろ。SNSを通じて注目を集めるようになり、イベントとしての形を整え、本格化させたのが2019年だ。以来、2019年、2021年、2024年（2回）と06BASEを開催してきた。イベントが軌道に乗ったことで、9年勤めた長距離トラックドライバーを辞めて、2023年に独立を決めた。　車を展示するためのエントリー料金として、オーナーから1万〜3万円を徴収するカーミーティングは多いが、06BASEは飯塚代表のこだわりで、車両エントリー料金を2000〜3000円前後に抑えている。その代わり、観客の入場料を他のカーミーティングに比べて高めな3000〜4000円に設定することが多いのだという。「すごいものを見にくるんだから、観客の料金が車両エントリー料金よりも高いのは当たり前」。自身も年間30回ほど全国各地のカーミーティングに参加しているからこそ、「車好きにまず楽しんでもらいたい」という気持ちが強い。　映画「ワイスピ」風カスタム車が話題 飯塚玄ゼロロクベース代表と愛車のスカイラインGT-RImage by:FASHIONSNAP（Kazuo Yoshida）　飯塚代表の愛車の1台は、映画ワイルド・スピードに登場する車をイメージしてカスタムした、日産スカイラインGT-R。SNSでも何度かバズを起こしており、国内外のワイスピファンの間では非常によく知られた存在だ。「10年くらい前までは、ワイスピ風のカスタムは車好きから“浅い”と見られる空気があった。でも、その価値観を僕ら自身で変えてきた」と胸を張る。海外での“JDM”ブームが日本に逆輸入されたことで、空気感や評価が変わってきたという側面もある。そうした変化に伴い、1980〜90年代の日本のスポーツカーの価格は年々高騰している。飯塚代表の愛車も10年前の購入時は100万円ほどだったが、「今では数百万円、個体によっては数千万円の値がつき、若い世代は手が出しづらくなっている」。　2024年は2回開催した06BASEだが、2025年は開催場所やタイミングが理想にはまらず、実施を見送った。企業によるブース出展は受け付けているものの、イベント自体にスポンサーは付けず、ゼロロクベースの資金で運営している。だからこそ、「120％の形になると思えなければ開催しない」。次回は2026年秋に開催予定だ。　カーミーティングは今、車好きだけの閉じた文化から、より広いカルチャーへと広がりつつある。その中で、今年のゴールデンウィークには、一部のマナー違反や騒音問題によってパーキングエリアが閉鎖されたり、歴史あるカーミーティングの終了が報じられたりもした。熱が広がる一方、コミュニティをどう持続可能な形で育てていくかも問われている。06BASEのようなイベントは、その新しい形を模索する存在だ。

車好きの集まりからフェスへ　拡張するカーミーティング【令和カーカルチャー②】

“自己表現としての車”に若者が注目　国土交通白書によれば、30歳未満の単身世帯の車保有率は1999年の55.3％から2009年には46.5%へと低下。統計手法の変更によりその後の推移は単純比較できないが、日本自動車工業会の調査でも、「若年層はお金をかけてまで車を所有する意識が低い」「若年層の車への関心は低下している」といった文言がこの10年ほど続いている。　一方で、そのように誰もが持つものではなくなったからこそ、持つ人にとっては車は自己表現の意味合いがより強まっている。「走り自体を楽しむ車好きは昔から一定数いるが、ファッションやライフスタイルの延長として車を求める若い世代の存在をここ数年で感じるようになった」と話すのは、中古車買い取りの「旧車王」を運営する、カレント自動車の清水篤朗 買取ユニット サブユニットリーダー。「中古車の売り手は50〜60代が中心だが、20代からの買い取り依頼も徐々に増えている」。次なるヒットは「00年代初頭の日本車」　そうした若い世代を引き付けているのが、中古車の個人売買のマッチングを手掛けているtokyo basic car club（以下、TBCC）だ。1994年生まれの南部翔也CEOがマーケティング企業や広告代理店を経て2021年に創業し、売り上げはこの2年で5倍と急成長している。「2年前は東京在住のクリエイターや美容師などが購入者の中心だったが、今はその熱量が全国に広がった。納車のために、スタッフは全国を飛び回っている」と南部CEO。購入者は20代前半から40歳までが主だという。　TBCCが扱うのは、“ヤングタイマー”と呼ばれる1980〜2000年代初頭の中古車。“ネオクラシックカー”と呼ぶ人もいる。“ヤングタイマー”はヴィンテージカーを指す“オールドタイマー”に比べれば故障リスクが低く、安全性能や環境基準のために画一化が進む新車と比較すると、デザイン上の遊びがある。中古車価格も値上がりが進んでいるが、新車よりは気軽に購入できる。　TBCC立ち上げ当初は、フォルクスワーゲンの「ゴルフ2」やボルボの「240」「940」、日産の「グロリア」「セドリック」など、1990年代前半を中心とした角張ったシルエットの車が注目を集めた。ただ、人気が出たことで「100万〜200万円に値上がりしており、より手の届きやすい1990年代後半から2000年代初頭の日本車にも関心が広がっている」。例えば、スバルの「フォレスター」や「レガシィ」、トヨタの「カルディナ」「スプリンターカリブ」など。「それらは100万円以下でも良い個体があるし、フォレスターは『エル・エル・ビーン（L.L.Bean）』とのコラボモデルがあったりして、内装にも今の車にはない遊び心がある」。TBCCのYouTubeチャンネルの「フォレスター」動画「ミニマリストはもう気分じゃない」　話を聞いていると、まるで古着をディグるような感覚で、まだあまり魅力に気づかれていない中古車を掘り出している。「僕らのまわりのカルチャーにとって、車は一番大きなアウター」。南部CEOがよく口にするこの言葉が端的にそれを言い表している。「おしゃれをしているのに、車がレンタカーだったらダサい。コロナ禍を1つのきっかけに、若い人の価値観や人生観が変わってきたと思う。モノを持たないミニマリストが流行った時代もあったが、人生の豊かさは経済合理性だけでは計れない。体験価値として車にも光が当たっているのだと思う」。　多くの中古車販売サイトが味気ない車体写真を掲載しているのに対し、TBCCはおしゃれに作り込んだヴィジュアルをSNSやYouTubeで発信している点が強みだ。そうしたマーケティング面と同時に、「中古車販売の透明化」にも注力している。大手損保会社出身者や自動車整備のプロを社員や業務委託で迎え入れ、扱う車は全て点検して故障リスクなども伝えたうえで販売している。「中古車業界は、数年前には大手企業の保険金不正請求も問題になったし、情報格差で買い手や売り手に損をさせるような業者も存在する。若い人が安心して車を買える環境を整えたい」。　TBCCは、2027年初頭に大阪にも拠点を開設予定。その後も福岡などにも拠点を拡大し、全国に“ヤングタイマー”の熱をさらに広げていくことを目指す。同時に車好きたちのコミュニティ形成にも注力中だ。5月16日には、神奈川・大磯で“ヤングタイマー”250台超を集めたオーナー同士の交流の場「ROMANTIC CARS」を開催。感度の高い若者が集まるコミュニティは、他業界の企業からも注目を集めている。「TBCCが車の価値を再解釈して若い人に伝えることで、スクラップになっていたかもしれない車が新しいオーナーと新しい生活を送るようになっているのはとても嬉しいこと。日本の若い世代の多くが、当たり前のように車を楽しめる世の中にしていきたい」と南部CEO。【SNAP企画】自慢の車、見せてください！  　5月16日にTBCCが大磯で開催したカーフェス「ROMANTIC CARS」で、“ヤングタイマー”を中心とした車とオーナーのスナップを実施。お気に入りポイントや購入経緯を聞いた。車と古着シャツの色をコーディネート22歳、江東区在住の社会人3年目。人生初の愛車は昨年9月に購入したボルボの「940」。「映画の『ドライブ・マイ・カー』を見て、北欧の車に興味を持った」。車体と登録費用など諸々込みで初期費用は約230万円。月3万円の駐車場料金など維持費も安くないが、「車を買ってよりアクティブになった。これでスノボにも何度も行ったし、スケボーやテントも常に積んでいる。この車に興味を持ったおじさんをヒッチハイクで乗せて話がはずむなど、車がなければできなかった経験をたくさんしている（笑）」「現行車にはないロマンがある」鹿児島で育ち、就職を機に神奈川にやって来た22歳。日産「グロリア」のバンは、約230万円で2024年秋に購入。「上京するとき、都会は車がなくても生きていけると聞いていたけど、購入したらやっぱり行動範囲が広がった」。自動車関係の仕事をしており、新車も購入しやすい環境にあるというが、「見た目でこの車に決めた。燃費とかを気にするなら現行車がいいんだろうけど、この車にはロマンがある」人気の「フォレスター」×「エル・エル・ビーン」名古屋在住の24歳が1年前に約150万円で購入したのは、スバル「フォレスター」の人気の「エル・エル・ビーン」エディション。18歳で初めて購入した車もスバル「インプレッサ」のスポーツワゴンタイプと、「あの時代のスバルがもともと好き。フォレスターのエル・エル・ビーンエディションを探していて、相場よりちょっと高いなと思ったんだけど、走行距離が2万5000キロと少なめだったし、いいなと思って」購入。当日着ていたTシャツももちろん「エル・エル・ビーン」。ステッカーで自分だけの車にカスタム長野出身、東京在住の27歳。フィアット「パンダ」は8年前、19歳のときに約100万円で購入。「小さいころに読んでいた車雑誌の影響で、パンダが欲しかった。パンダの中でも色が気に入ってこれに決めた」。これまで行った場所の思い出のステッカーなどを、運転席や助手席、トランクなどに貼ってカスタム。気づけば「ステューシー（STÜSSY）」のシャツもなんとなく車の色と合っている。「燃費の悪さも愛おしい」石川出身、横浜在住の37歳、職業はIT関係のデザイン職。3年前に購入したランドローバーの「ディスカバリー」は、なんとメルカリで100万円で購入。「不安もあったけど、実際に前のオーナーさんに会って、信頼できるなと思った」のが購入の決め手。自分で買った初めての車もボルボ「V70」と、“ヤングタイマー”好き。「昔見た当時最新の車が、今見てもかっこいいと感じる。燃費の悪さも愛おしい」。この日は午前中は横浜のマルシェに行って、お気に入りの作家のスカーフを購入してから人生初のカーフェスに参加。自転車を積んでどこへでも東京・杉並区在住の32歳。フォルクスワーゲン「ゴルフ2」は24歳の誕生日に約130万円で購入し、8年間乗っている。自転車ショップ「ブルーラグ」に勤めており、「スーリー（Thule）」のキャリーに自転車を積んでどこへでも移動。「この車を買ってすぐ、長野・白馬で開催されたOMMというランと自転車のレースに遠出したのが一番の思い出」。駐車場料金は月4万円。「安くはないけど、この子のためなら！」

「車は一番大きなアウター」　若者が惹かれるヤングタイマー【令和カーカルチャー①】

【聖水洞】コッキリベーグル 聖水店　ソンスのメイン通りとは逆の北側にある、工場をリノベーションして作られた「コッキリ ベーグル」。有名カフェ「オニオン」や、化粧品大手アモーレパシフィックが手がける「アモーレ ソンス」の近くに位置しています。コッキリ ベーグルの特徴はなんといっても、店内にピザ窯があること。この窯で焼かれたベーグルは、モッチモチの食感で食べ応えがあります。　たくさんのベールグルの種類があり、看板メニューは「クリームチーズ・生クリーム・ベーグル」だとか。価格帯は₩4000〜6000。今回はお昼時に行ったので、サーモンと野菜のベーグルを選びました。結構なボリューミーで、これだけで充分お腹いっぱいに。本当はドバイチョコもあったけど、今回は断念。トッピングは自分で決められるから、次回はもっと冒険するのもありかも？2階にあるイートインスペースはゆったりとしているので、ショッピングで疲れた時にゆっくり休みたい。季節の良い時は、ショップ入口のテラス席で自然を感じながらランチするのも◎。コッキリベーグル 聖水店所在地：ソウル特別市 城東区 聖水2路26キル 17営業時間：8:30～20:00Instagram：@kokkilibagel（ビューティディレクターA・F）【龍山】WHAT A BREAD　龍山（ヨンサン）にある「WHAT A BREAD」は、クロワッサンとお餅を組み合わせた新感覚のパン「クロッチ」で知られるベーカリー。星条旗や木樽など古き良きブルックリンの街並みのような外観が目印です。店内にもアメリカ現地で買い付けたというレトロな雑貨が並びます。K-POPの大手事務所 HYBEの本社ビルが目の前にあることから、BTS SUGAやLE SSERAFIM ユンジンなど著名人のサインもずらり。　プレーン・きなこ・コーン・チョコレート・抹茶・ドバイチョコレートの6種類のクロッチの中から、初心者向けかつ1番人気のプレーン（₩6500）をチョイス。香ばしいクロワッサン生地の中に白いお餅が入っていて、まさに「外はカリッ、中はもちっ」という食感のコントラストが楽しい！見た目以上の食べ応えがあり、朝食ならこれ1つで十分なほどの満足感でした。パンのお供になるドリンクも、コーヒーをはじめ、ラテやシェイクなど豊富に揃っています。WHAT A BREAD所在地：ソウル特別市 龍山区 漢江大路15キル 19-19営業時間：11:00〜22:00Instagram：@what.a.bread（ビューティエディター M・K）【江南】カフェ ドゥ ザット　地下鉄2号線「ヨッサム駅」から徒歩5分ほど歩くと見えるカフェ「ドゥ ザット」。大通りに面したビルの1階に入居しています。店内は温かみのある光に、観葉植物やウッドチェアなどを組み合わせたミニマルで落ち着いた空間。デザインの効いたミラーや何だかしょうしゃなポスターがアクセントに。椅子に着せられた靴下や、ライトと同系色でまとまり感のあるカカオフレンズ「チュンシク」のフィギュアもいい味を出しています。　注文したのは「黒ごまクリームラテ」（6500₩）と「ドバイチョコクッキー」（4800₩）。ラテはクリーミーながらもさっぱりとした甘さでくどすぎず、あまり甘いのが得意でない人にもおすすめです。デザートは、クッキー生地にクリスピーなカダイフを合わせ、噛むたびにザクザクとした楽しい食感を味わえます。cafe dothat所在地：ソウル特別市 江南区 駅三洞 668-3営業時間：9:00〜19:00（金土日休み）Instagram：@cafe_dothat（ビューティエディター S・H）【聖水洞】カフェ デイジーク　コスメブランド「デイジーク（dasique）」のカフェ。聖水洞フラッグシップストアの2階にあります。店内は植物やキュートな小物でデコレーションされていて、まるでお城の庭園みたいな雰囲気。客層はかなり幅広く、家族連れやカップル、友だち同士などさまざまで、推しのグッズを持ち込んで"推し活"する人の姿もありました。カウンター席では1人でゆっくりと過ごしている人もいて、それぞれが思い思いに楽しんでいる感じが心地よかったです。土曜の13時頃に行きましたが、並ばずすんなり入れたのも嬉しいところ。ショーケースには名物のケーキがずらり。じっくり観察して、決めてからレジに向かう人が多い印象でした。　迷いに迷った結果、「チョコレートベア」（₩16000）と「スノーベリーラテ」（₩7500）を注文。ベアのケーキはパリパリのホワイトチョコレートでコーティングされていて、"ごめん！"と思いながら割って食べました。中はナッツ、チョコレートクリーム、ストロベリージャム。周りのホワイトチョコが甘いぶん、中身はさっぱりした味わいでした。スノーベリーラテは意外と重すぎず、飲みやすいバランス。ミルクとストロベリーソースが爽やかなので、ケーキと一緒でもペロリでした。cafe dasique所在地：ソウル特別市 城東区 聖水洞二街 316-6 2階営業時間：11:00〜20:00Instagram：@cafe_dasique（ビューティエディター H・K）

Beauty

【韓国散策】ビューティエディターが韓国で見つけたイイもの　カフェ編

混沌を極める現代社会で雑誌は何を求められているのか　HIGH(er) magazine編集部haru.＆Miyaにインタビュー

　登壇者はそれぞれ渋谷と深い関わりを持っている。大平氏は渋谷区渋谷生まれ・育ちで、2000年頃から渋谷パルコに通ってきた。平松氏は1990年代前半の学生時代から渋谷に親しみ、当時「ミッドウエスト トウキョウ（MIDWEST TOKYO）」での買い物に憧れを抱いていたという。さらに源馬氏は、建て替え前の渋谷パルコでリーシングを担当していた駆け出し時代の平松氏と出会い、その後のキャリアにも影響を与えた人物。3人がそれぞれの視点で、渋谷パルコの変遷、そして2000年代から2020年代にかけての渋谷および東京のファッションカルチャーシーンの変化を語った。“街を館に持ち込む”　渋谷パルコが実現した異種混在の空間　2019年、約3年間のリニューアル期間を経てついにベールを脱いだ新生・渋谷パルコ。当時多くの商業施設が渋谷に誕生する中で、その姿は源馬氏と大平氏の目にどのように映ったのだろうか。　源馬氏は、当時リニューアルに向けたコンセプト策定を行っていた平松氏と交わした会話を回想し、「『街を切り取りたい』という話をしました。例えば、ブランドのお店の隣にその服を扱えるクリーニング店があるような、機能が混在する状態です。熊本の街を歩いたときに感じた面白さを、そのまま商業施設に持ち込めたらと思ったのがきっかけでした」と振り返る。この「街をそのまま館の中に持ち込む」という源馬氏のアイデアに対して平松氏は、当初は「むちゃな提案だと思った」が、「よく考えたら面白い」と感じたのだという。その結果として実現したのが、現在の渋谷パルコを象徴する「商店街のような」異種混在のテナントリーシングだった。「ラグジュアリーとサブカルチャー、飲食と音楽といった要素が同一空間に共存する設計とし、お客さまの動線をあえてコントロールしすぎないことで、街のような偶発性を生み出すことを目指しました」と平松氏。　大平氏はメディアの視点から、現在の渋谷パルコを「日本のソフトを翻訳している場所」と表現。リニューアル時の衝撃について、「ゲーム、音楽、ファッション、食といった要素が一体となり、2020年代の日本の魅力を凝縮していた」と語り、「こんな場所は見たことがなかった」と振り返った。また、建て替え期間中に工事の仮囲いに掲出された「AKIRA」のアートワークにも言及し、「あれを見たときに、新しい挑戦をする意思を強く感じた」と語った。これに対し平松氏は、「実はあのアートワークは、飲み屋での会話から始まった企画。長いリニューアル期間に、街に何かを還元する必要があるという思いが出発点でした。役所への説明と説得を重ね、ようやく形になったプロジェクトです」と実現に至った経緯を明かした。　さらに話題は、渋谷パルコのビジネス構造へと及ぶ。平松氏は「街のような多様性を館内に持ち込むために、賃料の幅を意図的に広げた」と説明。高収益を担う区画と、発信力を重視する区画を明確に分けることで、「いろんな人が集まる余白」を生み出したという。この構想のヒントになったのは、意外にも「渋谷の街そのもの」だった。「渋谷って坂が多いですよね。坂の途中って、どうしても家賃が安くなる。一方で明治通りのような大通りに面した物件はすごく高い。そうやって高い場所と低い場所が混在しているから、街としておもしろくなっているんじゃないかと思ったんです。その感覚を、そのまま館の中で表現しました」と平松氏。こうしてラグジュアリーブランドから、実験的なショップまでが共存する多層的な空間が生まれたという。　この“種々雑多”な構成について、源馬氏も強く共感を示す。「ファッションの中でも、ビジネスモデルごとに利益構造が大きく異なります。例えばヴィンテージを扱う店と自社で商品を企画・生産するブランドとでは、ビジネスの前提が違う。それを同じ館内で成立させているのは、かなり大変なことだと思うしすごいと思います」と評価。また、「地下のレストラン街にレコードショップが入っているじゃないですか。食べ物の匂いを感じながらレコードを選べるって、すごくいい体験だと思うんです」と語り、「昔、宇田川町の『シスコ』や『マンハッタン』でレコードを買って、そのままうどん屋の『やしま』に行くみたいな流れがあって、それ自体がカルチャーになっていた。渋谷はそういうことが成立する街だし、それを館の中で再現しているのが面白い」と続けた。　また、大平氏は「渋谷といえばディグ（掘る）文化」と指摘し、パルコ館内に位置するヴィンテージショップ「VCM」など従来の商業施設には馴染みのない存在が、来館者に発見の体験を提供している点に注目した。これに対し平松氏は、パルコ新入社員の多くが「古着フロアを作りたい」と提案したエピソードを紹介し、「リアルな感覚を取り入れた結果として現在の構成に至った」と語った。社内を動かす突破力と、渋谷パルコを象徴するあの“一手”　こうした型破りな企画を実現するためには、社内での説得や調整が欠かせない。平松氏も、渋谷パルコでの企画実行は決して容易ではなかったと振り返る。　成功のコツを問われると、「環境として恵まれている側面は大きい。パルコにはもともと、新しいことや既存の枠を越える挑戦に価値を見出す人材が多い」と前置きしつつ、「重視していたのは、挑戦の“結果”をいかに具体的に伝えるか。実行したときにどんな景色が見えるのかのリアリティをどれだけ解像度高く共有できるかが重要だった」と回答。さらに相手によって伝え方を変えることも徹底していたといい、「外資ラグジュアリーブランドの経営者と国内オーナー企業のトップでは、響く言葉は異なる。その違いを理解することが大切」とヒントを送った。　話題は2019年のリニューアルにおける"印象的な一手”へと移る。源馬氏は、「『ヒューマンメイド（HUMAN MADE）』を1階に配置したことは大きかった」と指摘し、さらに日本酒バーを併設するという大胆な構成に当初は驚いたと振り返る。これを受けて平松氏は、キーパーソンはクリエイターのNIGO®氏であり、その存在があったからこそ成立した企画だったとしつつ、「もう一段おもしろさを加えたい」という意図から、日本酒バーの導入を強く提案し続け、実現にこぎつけたと明かした。東京ファッションの現在地と、渋谷パルコが担う役割　続いてのトピックは、渋谷パルコの欠かせない要素である「東京ファッション」。司会の前田氏がその役割について問いかけると、平松氏は世界的に見ても、東京のファッションはきわめてユニークだとし、「階級的な背景が強くない社会でありながら、服を通じて自分の気分を高めたり、好きな映画やアートを表現したりする文化が根付いている」と指摘する。その空気感を最も体現しているのが日本のデザイナーたちであり、彼らの服は単なるプロダクトではなく、日本のファッションシーンそのものの表現でもあるという認識だ。だからこそ平松氏は、そうした才能がより広く海外へと届くための“きっかけ”を渋谷パルコが担いたいと語り、次世代ブランドの可能性に期待を寄せた。　これに対して源馬氏は、東京ブランドの本質を「クリエイティブがビジネスに勝っていること」と表現する。その自由さこそが魅力でありながら、同時にスケールの障壁にもなりうると指摘し、「優れたクリエイターの隣に優れたビジネスパーソンがいることで、初めて大きな発展が生まれる」と語る。象徴的な存在として名前が挙がるデザイナーの背後にも、実際には複数の優秀な人材がいてビジネスを支えている現実があるとしつつ、東京の“未完成さ”が持つ魅力を肯定しながらも、「あえて完成させてみること」の重要性にも言及した。　一方、大平氏は消費者とメディアの視点から、日本のファッションの豊かさに着目。世界的にラグジュアリーやデザイナーズブランドの価格が高騰する中で、日本のブランドは比較的手に取りやすい価格帯を保ちながら、高いクリエイティビティともの作りの質を両立している点を強みとして挙げる。続いて多くのブランドが少人数体制で運営されている現状にも触れ、「1人や2人での運営にも関わらず、世界的な評価を得てしまうこと自体が日本らしい面白さでもある」と指摘する。さらにファッションという言葉の多義性に触れながら、それが単なる商品ではなく、デザイナーや職人、バイヤー、編集者、そして着る人それぞれの視点や感性が重なり合って成立する“文化”であることを強調した。　トークの終盤に渋谷パルコの未来像についても話が及ぶと、平松氏は場所や業態を超えて「パルコらしさ」が広がっていく未来を見据えていると回答。単なる商業施設ではなく、世界中の都市とフラットにつながりながらカルチャーを発信する“パブリックな存在”へと拡張していく構想を示した。Q＆Aセッション　イベント終盤には、来場者とのQ&Aセッションも実施した。ここでは、その一部を抜粋して紹介する。Q. 渋谷パルコでは売り上げなどの現実と、面白さややりがいなどのバランスをどう取っていますか？平松：常にバランスは意識していますが、トレンドは必ず移り変わるものだと考えています。今うまくいっている領域だけでなく、次の芽を育てる取り組みも同時に行うことが重要です。その際に大切なのは、単なる自己満足ではなく、「次につながるかどうか」という視点で判断できているかどうかだと思います。Q. 最近「これはすごい」と感じた出来事は？大平：AIを活用して、世界中のファッションやデザインの情報を毎日まとめてもらっていますが、知らなかった情報に出会える機会が増えたのが新鮮です。一方で、AIの回答の精度を高めるにはこちら側の工夫も必要で、その試行錯誤も含めて楽しんでいます。源馬：久しぶりに藤原ヒロシさんと上海の「ナイキ（Nike）」のイベントに参加した際、ヒロシさんがインタビューで語っていた内容が20年前とまったく同じで、強い衝撃を受けました。根本の考え方は変わらないまま、アウトプットだけを時代に合わせて更新し続けている。その一貫性と柔軟さに刺激を受け、帰りの飛行機では自分自身の取り組みを見つめ直していました。平松：最近、子どもが世田谷区のプレイパークで行われている「子ども商店街」というイベントに夢中になっていて。木を拾って店を作り、商品も自分たちで作って売るんですが、とにかく「作ること」そのものに熱中しているんです。売上よりも過程に価値を見出す姿を見て、商売においてもそれだけではない価値があると改めて感じました。まだ自分の中でどう活かすかは整理できていませんが、印象に残っています。Q. 新しいものを紹介する際の考え方や予測の方法は？平松：一つの領域だけを見ていると、見えないものは多いと思っています。例えばここ数年は、世界情勢を含めて「これまででは起きなかったようなこと」が次々と起きている。その流れの延長で、新しい価値観や動きも生まれてくるはずです。だからこそ、次に何が流行るかといった個別の予測よりも、いま人々が何に関心を持っているのかを多角的に捉えることを意識しています。特別なことをしているわけではなく、日常の中で起きている出来事や、そのとき自分が感じたことを大切にしている感覚に近いですね。大平：面白いものや新しいものは、実はすでに身近に存在していることが多いと思っています。その上で、編集やものづくりに関わる中で培ってきた「見せ方」や「伝え方」が重要だと感じています。どうすれば興味を持ってもらえるか、かっこいいと思ってもらえるかを考えながら、ヴィジュアル表現を工夫したり、過去の文脈を紐解いて今の形に再構築したりと、伝え方を磨くことを意識しています。そうした積み重ねが、説教臭さを避けることにもつながっているのかもしれません。　また、今は発信すれば必ず何らかのフィードバックが返ってくる時代です。その反応が背中を押してくれることもあれば、考えさせられることもある。いずれにせよ、誰にも届かない状態で発信するよりも、受け手とのコミュニケーションを楽しみながらものづくりを続けていくことが大切だと考えています。

平松有吾、源馬大輔、大平かりんが登壇

【トークショーレポート】渋谷パルコはなぜ「面白い」のか？　再生を支えた発想と突破力

デザイナー コシノヒロコと西新宿　2026年の1人目には、日本ファッション界のレジェンドであり、90歳を目前にしてもなお現役で走り続けるデザイナーのコシノヒロコさんが登場。洋裁店の実家に育ちながら「洋服作りは大嫌い」で画家を夢見た少女は、雑誌で見た「スタイル画」との出会いをきっかけに、19歳で単身大阪から上京し文化服装学院に入学。強力なライバルである妹・コシノジュンコさんや後の大物デザイナーとなる仲間たちと切磋琢磨し遊び歩いた学生時代を経て、戦後の日本のファッション史を自らの手で切り拓いてきた彼女は、どのように夢を現実のものとしてきたのでしょうか。⁠…記事を読む俳優 河内大和と稲田堤　今年2人目は、40歳を超えてドラマ「VIVANT」や映画「8番出口」といった話題作での演技が注目を集めブレイクした、“遅咲き俳優” 河内大和（こうちやまと）さんが登場。その裏にあるこれまでの苦悩や研鑽、どのような紆余曲折を経て今の場所に辿り着いたのかを、「苦しみしかなかった」下積み時代を過ごした多摩川沿いの京王稲田堤で振り返ります。…記事を読む芸人 ケンドーコバヤシと六本木　3人目は、ファッション好きとしても知られる芸人のケンドーコバヤシさん。嘘か真か分からないエピソードトークや、漫画やプロレスを題材としたマニアックなネタ、ダンディズムに独自の「変態性」を織り交ぜた唯一無二のキャラクターで、関西のコアなお笑い好きから熱烈な支持を受けていたピン芸人は、いかにして「ケンコバ」の愛称で親しまれる全国的な人気タレントになったのか？ 東京に来るつもりはなかったはずなのに、気がつけば年間300日以上をホテル暮らしすることになっていたという六本木の街を舞台にインタビュー。…記事を読むデザイナー リバー・ガラム・ジャンと下北沢／東葛西　4人目は、「リブノブヒコ（RIV NOBUHIKO）」のデザイナーの1人、リバー・ガラム・ジャン（River Garam Jang）さん。釜山からロンドン、ソウルを経て東京へ。異なる土地で経験を重ねながらファッションと向き合い続け、2024年には第10回「TOKYO FASHION AWARD」を受賞、2025年には初のショーを行うなど注目を集めている彼女ですが、その歩みの裏側には、言語や文化の壁に戸惑い、悩みながらも前に進み続けてきた時間がありました。…記事を読む小説家 金原ひとみと早稲田　今年の連載を締めくくるのは、当時20歳の若さで「蛇にピアス」を出版し、鮮烈なデビューを果たした小説家の金原ひとみさん。不登校や中退といったアウトローな学生時代、出産・子育て、渡仏を経験しながら、社会のゆがみや生きづらさを言葉ですくい上げた話題作を生み出し続けています。「生きるために小説は必要不可欠」と語る、東京生まれ・東京育ちの彼女が思う、「東京をサバイブ」するための秘訣とは？…記事を読む◾️あの人の東京1年目（2024〜2025年掲載）第10話：俳優 光石研と原宿・下北沢第9話：デザイナー 東佳苗と新宿（文化服装学院）第8話：エバース 佐々木隆史と上石神井第7話：俳優 髙石あかりと高井戸第6話：役者 佐藤二朗と登戸第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第4話：オカルトコレクター 田中俊行と清澄白河第3話：「アンジュルム」 佐々木莉佳子と赤羽橋第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿

インタビュー連載「あの人の東京1年目」まとめ

新生活シーズン、慣れない環境での不安や迷いを“あの人”はどう乗り越えた？

──今回20年ぶりにアンディとミランダを演じるにあたり、どのような準備をしましたか？メリル・ストリープ（以下、メリル）：どのような話だったかを思い出すために、作品を観返すところから始めました。だって20年も経っているんですもの。ミランダがどのような人物だったか、演じていたときの感覚が曖昧になるには十分な時間でした。でもアンは、一度も観返さずに撮影現場に来たと言っていたわよね？アン・ハサウェイ（以下、アン）：ええ。でもそれには理由があります。映画の制作が決まって、7月に撮影が始まると知りワクワクしていたのですが、公開が翌年の5月だと聞いて。これは映画の制作期間としては非常に短い期間なんです。だから私は、「役をじっくり探っている時間はない。飛び込むしかない」と自分に言い聞かせ、最初から監督にすべてを委ねることにしました。　その上で役作りの助けになったのは、セオドア・シャピロ（Theodore Shapiro）が手掛けた1作目のオープニング音楽でした。あの弾むような音楽を聴いた瞬間に、アンディのリズムが蘇ってきて、スムーズに役を取り戻すことができました。ただ正直なところ、1作目ではアンディを完全には理解できていなかったんです。それでも、監督が素晴らしい編集で、まるで素晴らしい演技をしているように仕上げてくれました。だから今回も彼がどうにかして良い形にしてくれると思っていたので、プレッシャーはあまり感じませんでした。メリル：私はミランダのウィッグを被った瞬間に「あ、彼女はこういう人だった」と完全に思い出すことができました。そして衣装や靴、そして隣にいるアンの存在。そういった外的なものが、役に戻るのを大いに助けてくれました。──パート2には、前作以上に多くのトップブランドや企業が参加しています。セットや衣装を目にして、前作とのスケールの違いを感じましたか？メリル：まったく違いました。1作目は、衣装に割ける予算が今回と比べて本当にわずかだったんです。資金面の問題もありましたが、多くのデザイナーが私たちとのコラボレーションをためらっていたのだと思います。おそらく、アナ・ウィンター（Anna Winter）を怒らせたくなかったのでしょうね（笑）。　実際、「ヴァレンティノ（VALENTINO）」以外で衣装の貸し出しに応じてくれたブランドは、ほとんどありませんでした。そのため衣装デザイナーのパトリシア・フィールド（Patricia Field）と、当時アシスタントで今作では衣装デザインを担当したモリー・ロジャーズ（Molly Rogers）は、ニュージャージーの倉庫まで足を運んで誰も見向きもしないようなヴィンテージ品までかき集めなければならなかった。それで最終的にあれだけ素敵な衣装を揃えたのですから、大したものです。一方、今回は違いました。前作が成功した途端、みんな急に協力的になったんです。成功すると、こんなにも“友達”が増えるのかと驚きました（笑）。アン：今回私たちが直面した課題の一つが、撮影中にパパラッチや大勢の見物客に囲まれてしまうことでした。私たちが着ている衣装が、映画公開前にSNSで拡散されてしまっていたんです。そこで撮影方法を工夫しました。外から見えない閉鎖された場所でさまざまな衣装を次々に見せる「ファッション・モンタージュ」を撮影したんです。なので観客の皆さんには、「心配しないで、まだ全部は見えていませんよ」とお伝えしたいです（笑）。──パート2の中でお気に入りの衣装を教えてください。メリル：ヘリコプターのシーンで着ていたグリーンのスーツ。でも正直に言うと、私の一番のお気に入りは撮影終わりに部屋で履いていた「アグ（UGG）」のもこもこのスリッパです。一日中ヒールを履いて歩き回った後に、あれを履く瞬間が本当に最高だった。あれほど愛おしいファッションアイテムは他にありません。まあ、衣装ではないのだけれど（笑）。アン：私のお気に入りは、予告編にも映っている、ミランダがミラノのガレリアを歩くシーンで着ていたブラックのコートです。このシーンは朝の2時に撮影された、最後のカットでした。真夜中の静まり返ったガレリアを、きらめくコートをまとったメリルが歩いていくんです。その姿があまりにも完璧で、本当に息をのむというか、「これがミランダだ......」と圧倒されてしまって。ただ見とれていましたね。これまで見てきた中でも、間違いなく一番ゴージャスで、忘れられない瞬間の一つです。　そしてもう一つ、どうしても外せないのが、アンディが映画のラストで着た衣装です。観ていただければきっと共感してもらえるはず。真のスタイルとは何かを教えてくれると思います。──プラダを着た悪魔はファッション業界の裏側を描いた作品として注目を集めましたが、パート2ではその世界の変化も描かれています。お2人はファッション業界や時代の変化をどのように感じていますか？アン：やはりSNSの影響力の拡大は、とても大きいと思います。特にファッションのように視覚的な要素が重要な分野では、その影響は計り知れません。1作目はiPhoneが登場する前に撮影されたので、作品にはスマートフォンは出てきませんが、今作では誰もがスマホを片手に仕事をしています。　1作目の頃はファッション業界はどこか閉鎖的で、誰がその世界に入れるのか、誰がトレンドセッターになれるのかを決める“ゲートキーパー”のような存在があったように思います。でもSNSの登場によって、その構造は大きく変わったと感じています。個人的には、その変化はとてもポジティブなものだと思っていて、ファッションはより民主化されて、個々のスタイルが自由に表現されるようになりましたし、おしゃれの形も一つではなくなりました。今は、自分自身をどう表現するかが、より個人に委ねられている時代だと感じています。とても喜ばしいことです。メリル：パート2を撮影する中で強く感じたのは、雑誌という存在が大きく変わっているということです。1作目が公開された頃からすでに厳しい状況にあったことは知っていましたが、今ではオンラインへ誘導するための広告のような存在へと変わってきているように感じます。　そこから見えてきたのは、ファッション業界全体の構造の変化です。流行は、かつてのように上から提示されるものではなく、ストリートから生まれるものへと変わり、業界のキュレーターたちはそれに必死で追いつこうとしています。これは、1作目で描かれていた世界とはまったく異なります。さらに、収益の上げ方も変化しています。今回の映画でも描かれているように、広告主の重要性はこれまで以上に増している。これはファッション業界に限らず、多くのビジネスに共通する流れだと思います。──“お仕事映画”として愛されてきた本作ですが、今回の撮影でお互いの仕事観から影響を受けたことはありますか？アン：私にとって大きかったのは、メリルさんがミランダの「地に足のついた人物像」を演じているのではなく、ご本人が本当にそういう人なのだと知ったことです。そのことに、とてもインスピレーションを受けて、俳優である以前に一人の人間として等身大であり続けたいと思うようになりました。　私は幸運なことに、メリルさんのお子さんたちを皆知っていて、友達なんです。3度もアカデミー賞を受賞している彼女を見ると、つい普通の人ではない特別な存在だと思ってしまいがちですが、公私ともに彼女の人生に触れる中で、彼女が本当に地に足のついた人なのだと、改めて感じています。メリル：嬉しいわ、ありがとう。娘が3人と息子が1人いるので、私はまだまだ働き続けないといけないの（笑）。　私はいつも、現場ではスポンジのように周囲からスキルを吸収しています。演技に「正解」はありません。だからこそ、他の人がどう向き合っているのかを見て、常に学び続けているんです。アンからは、オープンでいることの大切さを教えてもらいました。彼女はいつも新鮮な気持ちで現場にいて、すべての瞬間を彼女らしく生きている。繊細さや傷つきやすさも、ときには少しやりすぎなくらいに隠さないんです。シーンに対してオープンであり続けるのは簡単なことではありませんが、アンはそれを自然に体現している。それは、俳優としてとても大切なことだと思います。彼女は私の子どもたちと同じくらいの年齢ですが、私の子どもたちにも、あなたのように物事に向き合ってほしいと思っています。聞いてくれているかは分かりませんけれど（笑）。──最後に、作品のファンに向けてメッセージをお願いします。メリル：完成版を観たとき、観客の一人として満足できるか、自分に問いかけたんです。その答えはイエスでした。きっと多くの方に愛していただける作品になっていると思います。アン：撮影現場やプロモーションでファンと接する中で、この作品が本当に多くの人にとって特別な意味を持っているのだと実感しました。関わる人たちが大切に作り上げた作品であると同時に、観る人それぞれが自分自身の経験や価値観と重ねて受け取っている。だからこそ、この作品は長く愛され続けているのだと思います。パート2も素晴らしい作品になっています。ぜひ、劇場へ足を運んでいただけたら嬉しいです。

アン・ハサウェイとメリル・ストリープが選ぶお気に入り衣装は？　映画「プラダを着た悪魔2」公開記念インタビュー

社会の余白を感じさせてくれたアルバイトでの人間関係　幼稚園の途中までは板橋区に住んでいて、そこから府中に引越しました。小学生の時に、父の仕事の関係で1年だけアメリカのサンフランシスコで過ごし、大人になってからは当時の彼と所沢や元住吉で同棲したり、コロナを機に一時期は岡山やフランスで生活したりと転々としましたが、基本的に人生のほとんどが東京でした。実のところ、生活の場として親しみはありますが、「めちゃくちゃいいところだ！」と思うほどではありません。　私は昔から、どこか冷めていて、無邪気さから一番遠いところにいるような子でした。子どものくせに同世代の子どもと話すのが苦手で、「子どもっぽいな」とすら思っていました。従姉妹がディズニーランドでミッキーを見てはしゃいでいるのを横目に「どうせ中に人が入ってるじゃん」と吐き捨てるような。自分も子育てを経験して幼少期を振り返ると、全然可愛くない子だったんだろうなと思います（笑）。　幼稚園生の頃から休みがちで、小学校も途中で不登校に。中学校も三日しか行きませんでした。とにかく決められたルーティーンや集団生活に馴染めなかった。ですが、学校の外で出会う人や場所が楽しいと思えたのは、東京ならではだったのかもしれません。中学生で繁華街やゲームセンターなどに通うようになり、年齢や場所に縛られない人間関係が心地良かったのを覚えています。　高校は数ヶ月で中退しましたが、アルバイトは結構好きだったんです。掛け持ちするほどではなかったけれど、ファミレスや飲食店で、割とがっつりシフトに入っていて、人間観察がしたかったので、ホール希望で面接を受けていました。アルバイトって独特のコミュニティだと思っていて。週に何回も一緒に働くけれど、出自や育ってきた文化、世代が違う人が集まっていて、時々「マジでこの人何してるんだろう」っていう人もいる。若かった私に、そういう訳の分からない人の存在と関係性が、この社会の余白みたいなものを感じさせてくれました。3人の母親を描いた「マザーズ」の誕生は早稲田のシャノアールで　「蛇にピアス」の執筆時は、元住吉で彼氏と同棲中でした。東急東横線が通っていたので自然と集まるのは渋谷で、時々新宿という感じ。友達とカラオケに行ったり、プリクラを撮ったり、同棲生活は割と真面目にこなしながら、合間に遊んでいました。　今日久しぶりに来た早稲田は、「オートフィクション」を出版した後くらいに住んでいた場所。長女を保育園に預けてから、駅の近くの喫茶店「シャノアール」（現在はルノアールとして営業）で執筆するのが日課でした。　平日の喫茶店って、お客さんはまばらで静かなんだけど、ほぼ毎日来ている常連らしいおじさんやおばさんがポツポツいる。仲良くなったりしたわけではなく、“大体いつもいるメンツ”というのが、どこかに“通い続けた”経験のない私にとって新鮮で心地よかった。早稲田に住んでいた3年間、ほぼ毎日通って、そこで生まれたのが「マザーズ」です。 　早稲田は学生街なので、暮らしやすい反面、ファミリー層からすると飲食店はかなり不毛地帯（笑）。行きつけのお店はそんなにありませんでしたが、「メーヤウ」というカレー屋さんがお気に入りでした。人気店でしたが一度閉店してしまって、元常連さん達がクラウドファンディングを呼びかけて、数年前に復活しました。数年前からウーバーイーツ（Uber Eats）にも対応しているので、たまに注文します。 　生活圏でいうと、出版社や書店が多い神保町も、特に若い頃によく行ったエリアです。土地柄でしょうけど、神保町の人は現実が見えているというか、地に足がついている感じ。少しくたびれた雰囲気が落ち着くんです。ただ、ふらっと喫茶店に入ったら編集者ばかりで全然落ち着かないなんてこともあり、私としては気が抜けない場所でもあるのですが。 トレードマークのピアス遍歴、リップピアスは大失敗で流血　これまでのファッションは時代とともに変わってきました。若い頃はマルキュー（渋谷109）やアルタ（新宿アルタ）の、いわゆる「ギャルファッション」。原宿系と言われるような個性的なスタイルを取り入れる時もありました。フランスではそういう服装が絶望的に景観に合わず、ベーシックなものを求めて「サンドロ（SANDRO）」「ザラ（ZARA）」に駆け込みました。ですが面白いもので、帰国するとまた「やっぱりギャルだな」と以前のスタイルに戻っていきました。とはいえ、程よく現代に合うような服を選んでいますが。　歳を重ね、経験を積んだことで、なんとなく気負わずに生きられるようになってきた感覚があります。それは服装も同じで、バンドTシャツやバンドパーカで外出できるくらい気楽に過ごせる。昔はそんなこと絶対にできなかったんですよ（笑）。　トレードマークと言われるピアスを最初に開けたのは小学生の時。アメリカに住んでいた時期で、同級生で開けている子が多かったし、海外だと「イヤリング＝ピアス」なので、つけられるものがなくて、両親も意外に「いいんじゃない？」と。　基本的にはピアススタジオで開けてもらうのですが、耳たぶから始まり、徐々に軟骨に。開ける場所はバランスを見ながら相談して、「左はこれ以上やるとバランスが悪いから次は右に」と左は打ち止めになりました。何かの節目だとか、具体的なきっかけはそれほどなく、いつも思い立ったら開けています。　唇はフランスに住んでいた時に自分で開けました。「M･A･C（メイクアップ アート コスメティックス）」の広告だったか、リップピアスをした素敵なモデルの広告を見て、「絶対やりたいな」と。でもセルフのニードルに慣れていなかったので、最初は大失敗してだらだら流血しました。傷口が安定してから、もう一度トライ。緊張で汗だくになりながら開けた記憶があります。　最近、芸能人や一般の方でもボディピアスをしている人が増えてきましたよね。それを見て、またどこかに入れたいなという気持ちが芽生えてきました。耳を増やすか、ボディの変わり種にするか、悩み中です。フランスでの生活で東京をより俯瞰して見られるように　私は小説にすることで、社会で起こっていることや立ち向かわなければいけない人を咀嚼する人間で、自分が生きるために小説は必要不可欠。ありがたいことに、これまで大きなスランプや挫折はありませんでした。でも、フランスに移住してからの2年弱は勉強と育児と生活とで物理的に時間が無く、「このまま自分が損なわれ続けて消えてしまうかも」という恐怖心に駆られていました。子どもが成長し、ようやく書けるようになってきて、「ああやっと息ができる」と安堵しました。　フランスでの生活は東京をより俯瞰して見られるようになった契機でもありました。なんといっても、これほどお酒がすぐに入手できて、無限に飲めてしまうなんて異常ですよ（笑）。24時間営業のお店がそこらじゅうにあり、しかも手頃な価格。良くも悪くも、際限なく遊べてしまいます。パリではエッフェル塔やモンパルナスタワーがある15区に住んでいたのですが、市内にテアトルや映画館のようなエンタメはあっても、ゲーセンやプリクラ、カラオケのような“ストリートでの遊び場”はほとんどない。「東京のシステムや街並みは当たり前ではない」と思えるようになりました。　とはいっても、私の小説の舞台として、新宿や渋谷、港区エリアなど東京がよく登場します。それはやはり、東京での生活が自分にとって現実的なものだからです。作品のために特定の場所に通ってリサーチするようなことはなく、ふとした時に出会った人やおもしろいものがヒントになります。去年実写化した「ミーツ・ザ・ワールド」の舞台は歌舞伎町。フランスに住んでいた時から構想していて、一時帰国の際に取った宿が歌舞伎町で、実際の空気感に触れたことで固まっていきました。　生活は全然普通です。小説家の友人とも普通の友達とも飲みにいくことが多く、たまにイベントやライブ、カラオケに行ったりという感じです。チンポム（Chim↑Pom ※現在はチン↑ポム フロム スマッパ！グループ）のエリイさんだけはよく「クラブに行こう」と言い出すので、朝まで遊ぶことがあります（笑）。東京をどう“サバイブ”するか　これだけ長く“東京”と付き合ってきた私でも、慣れはしても馴染んだと感じることはありません。自分がどこかの土地に根ざすような人間ではないというのもありますが。目の前にある生活だけを常に紡いでいる感覚です。　その上で、東京で生きる人に何かアドバイスするとしたら、「いざという時に掴める手すり」を持っておくことでしょうか。小説や映画、音楽、自分が好きなもの、好きな人。東京の中ではなく、故郷でもいいし、海外のもの、今はもうない過去のものでもいい。「ここに立ち返ってくると、自分が取り戻せる」というものが何かひとつでもあると、大きな流れの中でも安心して歩いていけるんじゃないかなと。　それから、小説を書く・書かないに限らず、「許せないことがある」というのも人生において結構大事だと思っています。「まあ人それぞれだよね」だけでは絶対に世界は良くならない。善悪の判断を怠らないためにも、適切な怒りを持ち続けることはこの世界にとっても必要なことだと思います。　怒りは私にとって執筆の燃料でもあります。すごく腹が立った時は、怒りの最中で「どうやって小説にしてやろうか」と考えています（笑）。このシチュエーションを最も巧く、客観性を保ったストーリーに落とし込むにはどう書くべきか、と。怒りの大きさは、「よし、30枚くらいの短編だ」、「50枚くらいは書けそうだな」と執筆のエネルギーに比例します。　毎日ではないにしても、東京では自分を怒らせるものと急に遭遇します。そんな時は、ぜひ逃さず大切にしてみてください。photography: Sumire Ozawa◾️あの人の東京1年目第14話：デザイナー リバー・ガラム・ジャン第13話：お笑い芸人 ケンドーコバヤシ第12話：俳優 河内大和第11話：デザイナー コシノヒロコと西新宿第10話：俳優 光石研と原宿・下北沢第9話：デザイナー 東佳苗と新宿（文化服装学院）第8話：エバース 佐々木隆史と上石神井第7話：俳優 髙石あかりと高井戸第6話：役者 佐藤二朗と登戸第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第4話：オカルトコレクター  田中俊行と清澄白河第3話：「アンジュルム」 佐々木莉佳子と赤羽橋第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿■金原ひとみの代表作・近著     ■テレビ東京系列「カンブリア宮殿」放送日：毎週木曜 11時06分からMC：作家 金原ひとみ、音楽クリエイター ヒャダイン公式サイト ■金原ひとみ：Instagram

【あの人の東京1年目】小説家 金原ひとみと早稲田

RIV NOBUHIKO

【あの人の東京1年目】デザイナー リバー・ガラム・ジャンと下北沢／東葛西

子どもの頃の夢はうどん職人　子どもの頃になりたかった職業は、うどん職人でした。10歳くらいだったと思いますが、大阪にあったうどん屋で、うどんをこねている職人さんを見て「この人すごいなあ」と感動したんですよ。お笑い芸人を本気で志したのは、芸人になってから20年くらい経ってからですかね。それまでは「いつでも辞めたる」と思っていました。20年を超えたあたりから、ようやく「まあ、向いてるかもな」と思うようになって。そんな感覚です。　NSC（吉本総合芸能学院）に入る前は、お笑い芸人になろうなんて全く思っていませんでした。そもそも、お笑いは好きじゃなかった。むしろバカにしていたくらいです。外で遊ぶのが好きで、テレビっ子でもなかったので、お笑い番組も現役の芸人の中で一番見ていないと思います。NSCに入ったのは、周りの友達みんなから「俺と吉本に行ってくれ」と懇願されたから。興味がなくても、これだけ言われるんなら才能があるんやろうな、と感じたんです。　芸人として関西である程度テレビやラジオに出るようになってからも、お金は全然ありませんでした。俺、30歳になるまで月収が2桁万円に届いたことがなかったんですよ。だから、錦鯉とか他の芸人の苦労話を聞いても全然響かないんです。「俺のほうが金なかったわ」って。なぜ仕事がなかったか？いわゆる、仕事を「振る」立場の人たちにめちゃくちゃ嫌われていたんだと思います。こんな芸風ですから。でも、さっき話したみたいに「いつでも辞めたる」と思っていたので、そんな状況でも全然気にしてなかったですね。NSCの同期はマジでダサかった　ファッションに目覚めたのは、中学1年生の頃。頑張って「ボンタン」を買ったんです。めちゃくちゃ嬉しかったですね。学年で一番乗りだったと思います。当時、1年生で改造制服を着るヤツなんていなかったんですが、「ボンタンを最初に着るのは俺しかおらん」と思っていました。地元の大きな商店街に、改造制服屋さんが3軒あったんですが、全国流通の既製品を置いている店、オリジナルのデザインにこだわる店、持ち込んだ生地で仕立ててくれる店と、それぞれ扱う商品が違っていたんです。最初に買ったのは既製品。後でオーダーメイドにも手を出しましたね。オーダーメイドは高かったので、駅前の自転車整理のアルバイトをしてお金を貯めました。そのバイトは小学校のときからやってたんとちゃうかな。おじいちゃんたちがやるような仕事を、俺もやらせてもらってました。　オシャレだと思った芸人ですか？いないですね。特に、NSC11期の同期（陣内智則、中川家、たむらけんじ、ハリウッドザコシショウなど）は、とにかくマジでダサかったです。本当に嫌になりました。みんなファッション誌に載っている服装を必死で真似しているだけで、死ぬほどダサいんですよ。「マシやな」と思えるヤツすらいなかったですね。でも、野性爆弾のくっきー！（NSC13期）が入ってきたときは「あっ」と思いましたね。あの世代はおしゃれなヤツが多かった気がします。年間300日ホテル暮らし「これはもう限界やな」　俺は「いつ上京した」っていうのが、はっきりしていないんです。当時は、大阪から東京に進出する芸人が「4月から東京行きます」みたいな卒業ライブをすることが流行っていましたが、俺にはなかったです。行く気もないのに「さよならライブ」みたいな嘘のライブはやりましたけどね。そもそも、当時はまだ「いつでも辞めたる」って思ってたんで、東京に行くつもりは全くなかったんですが、東京での仕事が徐々に多くなったので、大阪で部屋を借り続けたまま、東京のホテルに泊まる日が増えていきました。　ホテル暮らしは2年くらい続きましたね。「アメトーーク！」の「ホテルアイビス芸人」（2007年に放送された、東京での仕事時に六本木のホテルアイビスを定宿にしていた吉本芸人たちの特集）に出た後、ホテルの年間宿泊日数が300日を超えたんです。そのときに「これもう限界やな」と思って、東京に部屋を借りました。なので、ホテル暮らしを続けていると体が保たないから部屋を借りた、というのが上京の理由です。ホテル暮らしをしていた頃は、仕事が終わると近所のラーメン屋「天鳳」によく行っていました。ほぼ毎晩通っていたせいで、15キロくらい太りましたね。　結局、大阪の事務所に所属したまま、5年くらい東京で活動していましたね。東京で最初の部屋を探すときは、ピースの綾部（祐二）が手伝ってくれました。綾部のビッグスクーターに二人乗りして不動産屋を回ったのを覚えています。あいつ、ええヤツですよ。あと、東京に来て良かったなと思うのは、大阪では買えなかった服が買えたことです。「ルイスレザーズ（Lewis Leathers）」の革ジャンとか。当時の大阪では新品で買えるお店がなかったので、東京でオーダーして買ったりしていました。そういう店を通じて、知り合いも増えました。服屋でも飲食店でも、お店の前にかっこいいバイクが停まっていたら、入っていったんです。そこでバイクの話で盛り上がって、友達が増えました。ファッション業界の人が多かったですが、タトゥーまみれで革ジャンを着てるような人たちばかりでしたね。タトゥーを入れる場所が体になくなったから顔に入れ始めているみたいな、なかなか人に紹介しづらい友達です。　東京で好きな古着屋は、原宿の「フェイクアルファ（FAKEα）」と高円寺の「ディークロージング（D Clothing）」。どちらもゴリゴリのヴィンテージを扱っています。ディークロージングは、アポイント制になっているのが面白いです。向かいのレギュラー古着屋さんをやっている奥さんにお願いしてお店を開けてもらったら、奥で店主がなんかの手入れしてるんですよ。あの独特の雰囲気が好きですね。最近買ったおもしろい古着は、素人が手書きでランボーの絵を描いたスウェットです。どこで買ったかは覚えてないんですけど。　今使っているバッグは、福岡の古着屋さんが、ロサンゼルスのイラストレーターに依頼して作ったもので、ヴィンテージのバッグにイラストが手描きされています。これを持って歩いていると、海外の人にめっちゃ声かけられるんですよ。「これ描いてるの、俺の友達だ」とか言われて。よく知らないんですけど、有名なイラストレーターなんでしょうね。これからも革ジャンとか、バイク乗りっぽい服を着続けていくんじゃないかと思っています。今欲しい服ですか？私事ですが、実はこの前（2026年1月）子どもができまして。「これ以上服を買ったら燃やす」って妻に言われているんで、その質問には答えかねます。世の中のアンチテーゼとして生きる使命　最近、アニメ「呪術廻戦」で声優の仕事をさせていただきました（ケンドーコバヤシにそっくりの芸人「ケンさん」役で第50話に登場）。自分の声を自分が演じるというのは、おそらくプロの声優さんでもやったことがない難しい仕事だったと思います。前人未到の仕事を成し遂げましたよね。自分で自分を褒めてやりたいです。今後の目標は特にないですね。やってみたい仕事もないです。今って芸人も自分で仕事を見つけて自分で取りに行く、みたいな風潮があるじゃないですか。そんな時代だからこそ、俺は「待つ」という姿勢を貫きたい。世の中のアンチテーゼとして生きる使命が、俺にはあるんです。　東京に来てから20年以上が経ちました。大阪にいつか戻れたらいいなという気持ちは心の片隅にありますが、いざ帰ると鬱陶しいヤツも多いなと感じるので、俺の安住の地は日本にはないのかもしれません。バンコクが安住の地かもしれないですね。仕事とプライベート合わせて、もう70〜80回は行っていますから。俺の墓はバンコクに建てたいですね。photography: Sumire Ozawa◾️あの人の東京1年目第12話：俳優 河内大和と稲田堤第11話：デザイナー コシノヒロコと西新宿第10話：俳優 光石研と原宿・下北沢第9話：デザイナー 東佳苗と新宿（文化服装学院）第8話：エバース 佐々木隆史と上石神井第7話：俳優 髙石あかりと高井戸第6話：役者 佐藤二朗と登戸第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第4話：オカルトコレクター  田中俊行と清澄白河第3話：「アンジュルム」 佐々木莉佳子と赤羽橋第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿

【あの人の東京1年目】芸人 ケンドーコバヤシと六本木

休学に母の涙...自分を認めてくれた役者の道　僕は山口県岩国市生まれ。いろいろなことに興味がある好奇心旺盛な少年で、小学生の頃はソフトボールとサッカー、中学時代は軟式テニス、高校でまたサッカーに打ち込みました。最初は野球選手になりたくて、その次はサッカー選手、その次に映画「バックドラフト」を見て消防士に憧れました。一番真剣になりたいと思っていたのは漫画家で、手塚治虫先生やゆでたまご先生、荒木飛呂彦先生から影響を受け、中学・高校の机は「ジョジョの奇妙な冒険」の落書きで埋め尽くされていました。余談ですが、ジョジョのミュージカルに出演させていただいた際に念願叶って荒木先生とお会いできたときは本当に感動したのを覚えています。　　高校3年生の時、映画好きな友達と出会ったことをきっかけに映画をたくさん見るようになりました。なりたいとまでは思っていませんでしたが俳優に憧れ、「セブン」に出演していたブラッド・ピットの真似をよくしていたものです。進路は、父が土地家屋調査士をしていた関係でなんとなく土木関係かなと考え、建築学科を志しました。雪が降るところに行きたいなと思い、後期日程で新潟大学を受験し合格しました。　大学では、映画が好きだったので演劇研究会に入りました。勉強が難しかったのと、そこまでの熱量があったわけでもなかったのでついていけなくなってしまい、逃げるように演劇に打ち込みました。結果、親に通知がいって休学することになりました。母は泣いていました。父は「とにかく母親を泣かすな。それだけはちゃんと守ってくれ」とだけ僕に言いました。その言葉とそのときの両親の顔は、今でもよく覚えています。　休学したタイミングで新潟市民芸術文化会館「りゅーとぴあ」ができて、俳優養成講座に応募したら合格。そこでシェイクスピア作品と出会い、「りゅーとぴあ」がプロデュースする作品に出始めるようになりました。稽古は夜。それ以外の時間はガソリンスタンドや警備員などのアルバイトに費やしました。そして2000年、東京での遠征公演「リチャード三世」でデビューを果たし、俳優として初めて出演料をいただきました。このまま上京してしまおうかという思いもよぎりましたが、当時のプロデューサーに「今、東京に出ても大量の砂の一粒にしかならない。新潟で芝居の基礎をもっと学んだほうがいい」と言われ思いとどまりました。今考えると、あのとき上京しなかったのは大きかったと思います。　27歳の時、演劇から離れました。シェイクスピアの「マクベス」で初めて主役を務めた直後、指導の厳しさと芝居への恐怖で声が出なくなってしまいました。当時は「この世界は自分には合わなかった」と、本気で芝居を辞めたつもりでいました。　1年半ほど家具の配送のアルバイトをして食いつなぎ、「何のために自分は生きているんだろう」と思い始めていたとき、新潟のプロデューサーから「ルーマニア公演があるからやってみない？」と声がかかったので受けました。海外で芝居できる機会なんてなかなかないだろうし、これを最後にきっぱり辞めようと思ったからです。この公演も遠征先で熱を出したり、喉を痛めて声が思うように出せなかったりとしんどいことばかりでしたが、役者人生最後になるはずだった新潟の凱旋公演で僕の人生は変わりました。芝居を終えてカーテンコールで舞台に戻ると、たくさんのお客さんから「河内！待ってました！」の声。自分の存在価値がよく分からなくなっていた時期だったので、僕を認めてくれる方がこんなにたくさんいるんだと知って自然と涙がこぼれ、「ここで生きなきゃいけない」と覚悟が決まりました。逃げるように上京、2日目で東日本大震災　32歳で上京（稲田堤は多摩川を挟んでギリギリ神奈川県なので厳密には上京ではないですが）しました。山口で生まれ新潟で14年を過ごした僕は都会に対して「怖い」というイメージしか持っていませんでしたが、新潟での修行が厳しすぎたのと、主演、舞台監督、照明など多くの役割を一気に任せられたことで急性胃炎になり血を吐いてしまったため、逃げるように上京したというのが正しいニュアンスかもしれません。　上京して、2日目に東日本大震災が起きました。震源地から離れているとはいえ、山積みの段ボールが大きく揺れて、富士山が噴火したのかと思ったのを覚えています。震災が起きてから東京の方も難しい状況で、なかなか仕事もバイトもできませんでした。新潟でお世話になった方の縁でサッカースクールのチラシ配りなどのバイトをさせてもらい、なんとか食いつなぎました。行きつけは、今はなき駅の近くのガストと松屋でした。　つらい時は映画を観ました。映画を観ている時間だけは全部忘れられたんです。観終わると現実が一気に押し寄せて余計つらくなりましたが、それでも映画に救われた部分は大きかった。このときから、いつか俳優として映画に出演したいと強く思うようになりました。　自分のキャリアを語るうえで欠かせない恩人が、俳優の吉田鋼太郎さんです。新潟時代にも面識はありましたが、上京してしばらくして再会し、演出家の蜷川幸雄さんに僕を推薦してくれました。これによって「彩の国シェイクスピア・シリーズ」への出演が決定。蜷川さんの死後、吉田さんが演出を引き継いだ「ヘンリー五世」では、主要キャストに登用してくれました。40歳を目前にして仕事が軌道に乗り始め、ようやくアルバイトなしで生活できるようになりました。ドラマ「VIVANT」に抜擢、役者としてスタートラインに　結婚して子どもも生まれ、飛躍を目指した2020年、再び壁にぶち当たりました。コロナ禍です。緊急事態宣言などでそれまでの仕事が全部飛んでしまい、家の押入れでハムレットを朗読して配信したり、「ウーバーイーツ」の配達員として再びアルバイトをしたりして生活しました。　そんななか、転機が訪れます。大学時代から憧れていた劇作家の野田秀樹さんが声をかけてくださり、阿部サダヲさん、長澤まさみさんなどが出演した東京芸術劇場での舞台「THE BEE」のメインキャストの一人に抜擢されました。これを「VIVANT」のプロデューサーさんが観てくださっていて、出演が決定。それまで地上波はおろかドラマ自体出たことがなかったので、信じられない思いでした。 　「VIVANT」の撮影は、「失敗したら二度と映像の仕事はない」という不退転の覚悟で臨みました。特に最後のシーンは堺雅人さんや阿部寛さん、ずっと憧れていた役所広司さんといったトップ俳優の方々と対峙することになり人生で1番緊張しましたが、福澤克雄監督が舞台のような雰囲気を作ってくださったこともありなんとか乗り越えることができました。　最終回の放送は、自宅で観ました。妻からは「頑張ってきてよかったね」と言われ、両親からも「良かった」とメール。そのときやっと、「迷惑をかけてきた両親に少し恩返しができた」と思えました。　その後、2025年に「8番出口」のおじさん役を演じたことで有難いことに映像の仕事が急増。街中を歩いていて、道ゆく人に話しかけられることが増えました。話しかけたそうにしている小さな子どもも少なくないので、そんなときはこっちから話しかけることもあります（笑）。47歳、役者として新たなスタートラインに立てたように感じています。俳優 河内大和の“夢”　半生を振り返ると、苦しいことの連続でした。自分が嫌で嫌で仕方なくて、違う人になりたかった。演劇や芝居は、僕にとって逃げ込む場所で、楽しいと感じたこともほとんどありませんでした。でも、俳優 浅野和之さん*をはじめとする数々のご縁や色々な経験を通して、ようやく楽しいと思えるようになりました。*「ある女の家」という舞台で浅野和之と共演。その自由な表現を見て、「こんなに楽しんで仕事をしている人は初めてだ」と雷に打たれたような気分になったという。　もちろん芝居は生活していくための仕事であることに変わりはないですが、今は趣味の延長にある感覚で、研究者が真理を追究するプロセスに近いように思います。今の目標は、多くを語らなくても何かが滲み出て、その場に“存在できる”俳優になること。何もせず、ただそこに“いる”というのはすごく難しいです。立っているだけでその役の半生が見えてくる。その境地まで辿り着き、ゆくゆくは主役を張れるような役者になれたらと思います。　また、最近はもう一つ夢ができました。僕はファッション好きな妻の影響で「ヨウジヤマモト（Yohji Yamamoto）」の服を愛用しています。僕のもう一つの夢は、ヨウジヤマモトのショーにモデルとして出演し、ランウェイを歩くこと。そのためにも、目の前の仕事に真摯に取り組み、相応しい俳優になりたいです。　最後に、未来に向かってもがいている、かつての自分のような皆さまへエールを送ります。夢を叶えるためには苦しみは付き物で、その渦中にいるとすごくキツいです。でも、自分一人で抱え込まないでいろんな人に助けてもらってください。いろんな助けにすがって、強い信念を持って頑張り続けていたら、光は見えてきます。時にはくじけてもいいので前を見て頑張り続けてください。情熱をいつまでも忘れずに歩き続けることができれば、必ず夢は叶うはず。僕もまだ夢の途中。自分が選んだ演技の道で、情熱を燃やし続けます。photography: Sumire Ozawa◾️あの人の東京1年目第12話：俳優 河内大和と稲田堤第11話：デザイナー コシノヒロコと西新宿第10話：俳優 光石研と原宿・下北沢第9話：デザイナー 東佳苗と新宿（文化服装学院）第8話：エバース 佐々木隆史と上石神井第7話：俳優 髙石あかりと高井戸第6話：役者 佐藤二朗と登戸第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第4話：オカルトコレクター 田中俊行と清澄白河第3話：「アンジュルム」 佐々木莉佳子と赤羽橋第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿

【あの人の東京1年目】俳優 河内大和と稲田堤

HIROKO KOSHINO

【あの人の東京1年目】デザイナー コシノヒロコと西新宿

日本のセレクトショップ文化にマッチするキュレーション──今回、アジア初進出の地として東京を選んだ理由は？ザビエ・タハール（以下、ザビエ）：日本には駅伝をはじめとした部活文化が深く浸透していて、若くエネルギッシュなランナーがたくさんいます。私たちがヨーロッパで育んできたランニングカルチャーとも通じる土壌があり、それを根づかせるのにふさわしい場所だと感じたことが大きな理由です。ギョーム・ポンティエ（以下、ギョーム）：ディスタンスのコンセプトは「キュレーション」です。日本にはセレクトショップの文化が定着していて、多くの選択肢を揃える量販店と同じくらい、厳選したものを提供する専門店も支持されていますよね。無数にあるランニングギアの中から、“ディスタンスらしい”トーンに沿ってセレクトしたものを提案するスタイルは、日本の顧客にも受け入れてもらえると考えたんです。──店舗設計にあたり、欧州の店舗と共通する点や、あえて差別化した点があれば教えてください。ギョーム：全店舗に共通している点として、ディスタンスのオリジナルアイテムを一つのエリアに集約し、店内をシューズ、アパレル、オリジナルアイテムの3つの構成で見せています。また、“ランニングらしさ”が感じられるように、ゼッケンやフラッグといった装飾を取り入れているのも共通しています。ギョーム：東京店ならではの試みとしては、古着文化が息づく原宿エリアということもあり、ランニングにまつわるヴィンテージTシャツの販売を始めました。「ゴールドウイン（Goldwin）」の取り扱いも東京限定です。──日本企業との合弁会社を設立して進出に至りましたが、その狙いは？ザビエ：日本のカルチャーや市場の特性をきちんと理解したうえでビジネスを展開したかったからです。ヨーロッパと同じ感覚で進めるのではなく、日本ならではの消費習慣や店舗運営、財務への理解を深めるためにも、日本企業のサポートが必要でした。──インバウンド客もターゲットにしているのでしょうか。ギョーム：特定の年齢層や国籍に絞るのではなく、ディスタンスに興味を持ってくれるすべての人を対象にしています。東京に店を構えるからといって日本国内の顧客だけに向けているわけではなく、すでにディスタンスに親しみのある欧州からの旅行者も視野に入れています。 人と人がつながる“文化としてのランニング”を体現──ファッションにはセレクトショップ文化がありますが、ランニングギアはスポーツ量販店で購入する人が大多数です。そうした市場の中で、ディスタンスはどのように存在感を示していきますか？ザビエ：私たちが目指しているのは、より特別な体験を求めるランナーに向けた提案です。単に一般的なランニング用品を揃える場ではなく、ここでしか手に入らないオリジナルアイテムや、スタッフの知見を生かした栄養面のアドバイスなどを通じて、一人ひとりの関心やこだわりに応えられる場でありたいと考えています。ギョーム：ディスタンスは、ランニングを愛する人たちが自然と集まれる場所でありたいと思っています。量販店と同じ役割を担うのではなく、ランニングへの情熱やカルチャーへの共感を軸に、人と人とがつながる場をつくっていきたい。その積み重ねによって、独自の価値観を生み出してきました。──東京には、「タイクーンランニング（TYCOON running）」や「ダウンビートランニング（downbeat RUNNING）」といったランニングコンセプトショップがありますが、競合として意識していますか？ザビエ：他のショップには敬意を持っていますが、競合として強く意識することはありません。私たちはランニングを単なるスポーツではなく、ファッションやコミュニティを含めたカルチャーとして捉えています。そうした姿勢は店舗づくりにも表れていて、ローカルのショップやカフェ、コミュニティとのつながりも大切にしています。ギョーム：かつては競技性やパフォーマンスが中心だったランニングも、今では人とのつながりや、自分らしいスタイルを楽しむことまで含めた文化になりつつあります。ディスタンスは、そうした“文化としてのランニング”をけん引する存在でありたいと考えています。“シュプリーム的アプローチ”で世界へ──近年、ランニングはトレンドとなり、一種のブーム的な盛り上がりを見せています。ザビエ：世界的な流れの中で、日本ではちょうどランニングが盛り上がり始めたタイミングで出店することができました。一時的なブームという側面はあるにせよ、ランニングは人類が長年にわたって楽しんできたスポーツです。今後もより広がっていくでしょうし、実際にレースやイベントも増えています。この流れは、まだ始まったばかりだと感じています。──大阪への出店に加え、福岡や名古屋への展開も検討しているとのことですが、拡大を進める中で、ブランドの独自性や魅力をどのように保っていく考えですか。ザビエ：今は日本国内だけでなく、ニューヨークやロンドン、ミラノなどの主要都市でのローンチも同時に進めていて、店舗拡大においては「シュプリーム（Supreme）」のアプローチを参考にしています。シュプリームは世界の主要都市に点在し、日本国内にも複数店舗を展開していますが、ブランド力を失っていませんよね。店舗数が増えてもディスタンスらしいユニークさは持ち続けたいと考えているので、各店舗で異なるアプローチを取ることは心がけています。ギョーム：店舗数を増やすことは「同じ店を複製すること」とイコールではありません。私たちは新しい土地に店舗をオープンするとき、必ずその街ならではの独自性を取り入れるようにしています。同じ日本だとしても、渋谷と大阪では内装イメージを変えますし、常に新しい異なる経験ができるよう工夫するつもりです。渋谷店は木を基調とした内装になっていますが、大阪はもっと無機質なものになるかもしれない。各店で新しい体験をしていただけるように、コンセプトは毎回変えていきます。──最後に、ディスタンスが最も大切にしていることを教えてください。ギョーム：何よりも大切にしているのは、ランニングへの情熱を持ち続けることです。顧客にとって価値があり、意味のあるブランドであるためには、まず自分たち自身がそのカルチャーを心から愛している必要があると思っています。ザビエ：私たちは、ランニングがトレンドになる前から走っていました。だからこそ、無理に何かを変えるのではなく、自分たちが本当に好きなものを、そのまま誠実に届けていきたい。これまでも何か特別なことをしてきたわけではありません。ただ「好き」という純粋な原動力が、ディスタンスというブランドの核を形作っています。