インサイド

■Tsubasa Dicky1993年生まれ。東京でのアシスタントを経て、ニューヨークに渡る。帰国後は東京を拠点に、国内外の雑誌のエディトリアル、ブランドのヴィジュアル、アーティストのヘアなどを手掛ける。2023年に表参道に「リンカーネーション（REINCARNATION）」をオープンし、ヘアサロンと服屋を融合したカルチャースポットに。2024年に現在の三軒茶屋に移転。2025年夏、同ビルの上層階に古着屋「リンカーネーション 5（REINCARNATION 5）」をオープンした。Instagram22歳で渡米　自由なクリエイティブに触れた日々⎯⎯ツバサさんが手掛けるリンカーネーションは、ヘアサロンと服屋のミックスですが、ご自身はどんなファッションに影響を受けたのでしょうか。　両親も服が好きだったので、「かっこいい服が着たい」という気持ちは子どもながらに持っていましたね。小学校3年生の時にピアスを開けて、美容室で髪も染めてもらっていました。中学生になってからは「チョキチョキ（CHOKiCHOKi）」や「チューン（TUNE）」を読み始めたり、地元の兄貴みたいな先輩たちに古着やアメカジを教えてもらったり。割とその時代ごとに流行もキャッチしていた気がしますね。特にどのカルチャーが好きかは決め難いですが、系統は変遷がありつつも古着やグランジ系はずっと好きですね。⎯⎯元々、ヘアスタイリストになりたいと考えていたんですか？　気がつけば、という感じですね。美容学校に行って、卒業後は都内のサロンに就職しました。当時就職したサロンがニューヨークにも店舗を持っていて、2年くらいアシスタントとして働いてから海外への興味が湧いて、ニューヨークに行きました。2013年、22歳の時だったと思います。⎯⎯当時、ニューヨークに渡ろうと考えた理由は？　安直かもしれないですけど、海外のクリエイティブに触れてみたいと漠然と思ったんですよね。もっと一人で国外の空気感を吸収できたらいいなと。誰かに（アシスタントとして）つきたいとか、会いたいとか、そういう計画は正直無かったです（笑）。当時の気持ちと決断ですね。⎯⎯勢いは大事ですよね。ニューヨークでの生活はどうでしたか？　最初は全然英語も話せなかったんでアシスタントの仕事すらもらえなくて、がむしゃらに食らいつくしかなったです（笑）。朝5時から英語を勉強して、徐々に話せるようになって、地道に仕事がもらえるようになりました。⎯⎯現場でどんなことを学びましたか。　サロンワークをメインに先輩たちの撮影に同行させてもらって、リチャード・カーン（Richard Kern）や、ティム・バーバー（Tim Barber）のような、えげつないセンスの写真家の方々の現場に入れたのは貴重でした。若いうちに、そういう現場の空気に触れられたのは大きかったです。あとは街として変な人もたくさんいて包容力があるというか、「俺、これで良いんだな」ってバイブスも強くなれたかな。⎯⎯日本とクリエイティブの違いはありましたか？　どの現場も「やベぇな」というのが基本ですが、作るものの幅が広いなと感じました。日本だとヌードや性的な描写みたいなものって、割とセンシティブな扱いが多いじゃないですか。でも、向こうの感覚だと、何の引っかかりもなくアートとして成立する。　例えば、下着無しのTシャツ1枚のルックで、胸が透けていたとしても、いやらしいとかではなく、かっこよく落とし込める。日本でも色んな挑戦をする人はいますが、空気感の土台が違うのは感じました。⎯⎯自由度が高い？　良い悪いは置いといて、日本でやるとどうしてもセクシャルな部分が強く出てきちゃいますよね。そういう面でニューヨークは、日本とはベクトルが違う発展なんだなと現場を見て感じていました。自由なクリエイティブを色々と見れて、「コレもありなんだ」という感覚が広げられたのは良い経験でした。ヘアサロンは「自己中」になって自分も楽しめる場所⎯⎯帰国後も元のサロンに所属していましたよね。独立を決めたきっかけは何だったのでしょうか。　元々いたサロンの先輩たちもニューヨークと行き来する方が多かったので、1年くらいニューヨークで働いてから戻りました。サロンワークも撮影も、色んな経験をさせてもらいましたし、良い職場ではあったのですが、30歳になる前に環境を変えたいと思っていて。自分の力で頑張ってみようと、29歳の時に独立してリンカーネーションを表参道にオープンしました。⎯⎯サロンとアパレルの複合業態は以前から考えていたんですか？　シンプルに、普通のことをやってもつまらないというか。僕自身が飽き性なので、「自己中」になって自分も楽しめる場所にしたかったんです。アパレルをやっていた友人と話して、一緒にやったら面白そうだなとまとまって、この形態になりました。 ⎯⎯店名のリンカーネーションは直訳すると「輪廻転生」。耳慣れない言葉ですが、決め手は？　一緒にお店を始めた相方と考えたんですが、マジでいい案が全然出なくて（笑）。たまたまロンドンの友達にアイデアを聞いてみたら、「リンカーネーションっていう言葉はどう？」と教えてくれて。輪廻転生が持つ「生まれ変わる」というニュアンスがしっくりきたんですよね。新しくなる、アップデートする、イメチェン、みたいなポジティブな雰囲気が自分たちの気分と合うなって。　去年サロンの上にオープンした古着屋の「リンカーネーション 5」は、「五感」とか人間のフィーリングを大事にしてるからっていうのもありますが、数字ってキャッチーだよなっていうのでつけましたね。⎯⎯個人のヘアサロンは、オーナーの世界観が色濃く反映されますが、ツバサさんはどんなお店にしたいと考えていましたか？　自由な意志の集まりみたいな、自分の時間を使って己を高めたい子達が集まれる場所にしたかったですね。全部僕に従えとかは思わない。シェアサロンとも違うし、かといって一般的なヘアサロンの正社員とも少し違う、その中間かな。サロンワークも撮影も両立していきたいとか、各々の「これがイケてる」を持っていて、突き詰めたい子が集まったらいいなと思うし、それができる場にできたら良いなと。イケてるファッションのために「ヘアだけで爪痕を残さない」⎯⎯ツバサさん自身のワークについて、ある時期からアワー レガシーや「パープル（PURPLE）」、ルイ・ヴィトンなどグローバルでの仕事が増えた印象があります。ターニングポイントは何だと思いますか？　正直、自分がブレイクしたみたいなのは全くなくて、割とコツコツやったから増えてきたのかなという感覚でした。運良く色んな撮影現場で、現役でバリバリ活躍してるフォトグラファーやスタイリストに出会って、また別の撮影に少しずつ呼んでもらえるようになったのが大きいかもしれないですね。⎯⎯個人的に、フォトグラファーの鈴木親さんとのタッグで制作された雑誌やキャンペーンヴィジュアルなどが印象に残っています。　親さんには仕事の面でも、感性も、世界を広げてもらったなと思います。僕がいうのもおこがましいですけど、自分の名前が載っていなくても、国内外から見て「あの人の作品だ」って分かる。自分の色を持っている人の作品はかっこいいですよね。⎯⎯ツバサさんのヘアからも、「生身の人間が持つ湿度」のような、“らしさ”を感じます。　そういうのが、伝わっていると嬉しいです。でも、具体的に何かと聞かれたら答えにくいんですけど（笑）。正直ヘアもメイクもスタイリストも、上手な人はめちゃくちゃいると思うんですよ。僕自身は単純にファッションが好きだから、撮影のゴールは自分が納得するかっこいいものにしたいという気持ちだけですね。髪の毛は結局トータルバランスの一部なので、ヘアだけ爪痕を残したいってガツガツしても、全体が崩れたら意味無いかなって。⎯⎯全体のバランスが大事？　逆も然りで、どんなに首から上がかっこよくても、ファッションがダサかったら決まらないじゃないですか。だから、全体のファッション感が完成することを前提にしながら、リアルな中に少し違和感や「ツイスト」を取り入れる、というのをヘアの観点で目指しますね。⎯⎯今後も、撮影とサロンワークは並行して続けていきたいですか？　スチール（静止画）撮影の場合は一定の角度から切り取るから、極端な話、見えない裏側がどうなっていても成立するんです。でもサロンでお客さんを担当するとなったら、360度完成させないといけない。結構真逆の仕事だと思っていて、僕はどちらも好きだから、バランス良くやっていきたいんですよね。その自由度のためにリンカーネーションを作ったので、これからも両方やり続けると思います。「流行っているからダサい」はない　自己流“イケてる”の探し方⎯⎯サロンには、ツバサさんが作るスタイルやセンスに憧れて来るお客さんも多いと思います。情報過多の現代で、どうやって自分が「イケてる」と思うものをキャッチしていますか？　僕は結構ミーハーなので、InstagramもTikTokも見るし、流れてくるものをあえてシャットダウンはしないんです。街を見ても空気感ってどんどん変わるんで、そういう変化はいつも感覚的に取り入れているかな。自然と入ってくるものを自分でかっこいいかどうか判断して、好きだと思ったら、もっと調べたり見たりします。流行ってるからダサい、アンダーグラウンドだから良いっていうのは無いですね。⎯⎯抽象的ですが、ツバサさんにとっての「イケてる」とは？　急に難しいですね（笑）。僕にとっては、根本的にその人に似合ってるかどうかが、ひとつのラインだと思います。ヤンキーも、ギャルも、ギークな感じの子も、そのスタイルが本人に似合っていればかっこいい。どんなカルチャーであっても、その人らしく楽しんでいれば、イケてるんじゃないですかね。⎯⎯これからクリエイターを目指す若い世代にメッセージを送るとしたら。　僕が参考になるかは分からないんですけど、よく「どうやってフォロワーが増えたんですか？」とか「芸能人のヘアを担当するには？」って聞かれるんですけど、人生で一度も意識したことがないんです。誰かと繋がるとか、フォロワー増やすための計画とか。一つひとつの現場で、色んなクリエイターの方に出会えて本当にラッキーだったなって思います。⎯⎯（笑）。では何が今に繋がったと思いますか？　そういう質問で何をしたかなって、唯一返せるとしたら「努力したから」しかないですね。独立する前のお店でも、売れるための努力はすごく必要でしたし、現場でもその都度、自分が持っているものを最大限に使ってやり切るしかない。あとは、誠実でいること。媚を売って規模が大きい現場は増えるかもしれないけど、その仕事は本当に自分に必要なのかなって。結果論ですけど、誠実に向き合ってきたら、結果としてイケてる仕事や人と出合えたのかなと。努力と運。つまらないかもしれないですけど、それだけだと思います。

Culture

ルイ・ヴィトンやアワーレガシーからも指名

「流行だからダサい、はない」　世界を舞台に活躍するヘアスタイリスト Tsubasa Dickyの“イケてる”の探し方

変わり続けることが肯定される街、今の東京が持つパワー⎯⎯TCSは次回で7回目を迎えます。まずは皆さんそれぞれの視点から、舞台となる“現在の東京”について、都市が持つパワーについてお聞かせいただけますか。杉山央氏（以下、杉山）：コロナを経て、東京は“物理的な中心”から“感情の中心”へと変わりつつあると感じています。以前は「人が集まる場所」としての価値が大きかったですが、今や人の想いや創造のエネルギーが集まる都市になっている。東京は矛盾と多様性を内包する街であり、静けさと喧騒、伝統と未来、アナログとデジタルといった対極が共存しています。この“混沌の中の創造性”こそ、東京の本当のパワーであり、次の時代の原動力になると考えています。物延信氏（以下、物延）：“エネルギー”は東京を形容するひとつですよね。僕は、東京のプレゼンテーションの仕方が変わってきたと思っています。かつては「何でもある」「朝まで飲める」といった物量と時間軸の網羅性がアピールポイントでした。ただコロナを経て、人々のライフスタイルが変わり、それだけではない「東京にしかないもの」が求められるようになってきた。そこで、東京ならではだと感じるのは、“速さ”です。僕が仕事で拠点を置いていたロンドンや、現在住んでいる京都は真逆とも言える歴史的遺産が街の強み。一方で東京は、次々と新しいものを生み出していく“速さ”を街が包み込んで先に進むという独自性があると思います。杉山：まさに、そういう在り方は東京ならではですよね。完成された街ではなく、昔のものを引き継ぎながら、常に壊され、作られ、変わり続けることを肯定する。そうした矛盾や多様性を内包しているからこそ生まれるエネルギーが、クリエイティビティの源泉になっているのではないでしょうか。物延：速さへの対応力、エネルギーをエンジンにしていく力は圧倒的ですね。松井智則氏（以下、松井）：お二人の言葉が示唆に富んでいましたから、僕は実体験を語りたいと思います。僕はすごく“都会”が好きで世界中の都市に行きましたが、なんだかんだで一番だと思うのが東京。一つの都市でありながら、まるで世界の縮小版を見ているような、小さな世界が完成していると感じます。例えば、世界で生産国が中国から東南アジア、南アフリカへと移行してきたように、都内でも若者の流れが原宿、下北沢、新大久保と移り変わり、レトロブームを受けて下町も盛り上がりを見せてくる、というようなことが起こっている。住んで、仕事をしていて、これほど面白い街はないんじゃないかと思うことが増えました。⎯⎯流動性やサイクルの速さは、東京らしさの欠かせない要素ですね。ファッションの観点からはいかがでしょうか。松井：ブランドやデザイナーはさることながら、こと“東京”のファッションで見ても、歴史的に面白いポイントはたくさんあります。1990年代のゴスロリや女子高生ファッションのように、東京から生まれたカルチャーは世界的に見てもユニーク。グローバルで一躍トレンドになった「Y2K」だって、当時の東京のスタイルが盛り込まれていて、リアルタイムを生きていた人は懐かしみながら流行のサイクルを体感したのではないでしょうか。物延：消費者のパワーもすごい。好奇心旺盛で、新しいものを“試してみる”という土壌がある。そのエネルギーがあるからこそ、私たち仕掛ける側もさまざまなサービスを試し、オーディエンスを広げていくことができるのだと思います。杉山：ファッションにしろ、クリエイティブにしろ、昨今は「デザインは出尽くした」と言われ、新しいものは生まれないのではないかという風潮もあります。ただ、コロナを経てライフスタイルが変わり、東京も刻一刻と変容してくる中で、「東京が生み出すパワーはまだまだある」というのは3人の意見が一致しているところです。TCSが目指す、新たなステージへの萌芽⎯⎯TCSでは徐々に開催エリアを拡張し、巻き込む地域と人を拡大してきました。絶賛、議論の最中だと思いますが、新たな体制で見据える方向性は？杉山：昨年まで、開催地は10のエリア（丸の内、日本橋、銀座、有楽町、赤坂、六本木、渋谷、原宿、新宿、羽田）にまたがり、それぞれが個性的なイベントを開催してきました。数分移動しただけでも地域の個性が変わるのも東京の面白さですから、各エリアで個性的な催しが揃うことは素晴らしい取り組みでした。一方で、全体としてどうあるべきか、改めて洗練させていくフェーズなのではないかと。　そこで次回は、各エリアの個性を大事にしながらも、全体で発信するメッセージを明確にし、TCSが主催するイベントを打つことで軸を作り、そこから各エリアへとエネルギーを波及できるような構造を目指したいと思っています。⎯⎯次回のテーマは？杉山：全体で掲げるテーマは「FUTURE VINTAGE」です。これは、東京が築き上げてきた都市の記憶や文化を大切にしながら、そこから新しいものを生み出し、未来に残るもの、つまり「将来ヴィンテージになるもの」を発信していくんだ、という思いを込めています。このテーマのもとで、さまざまな企画が繰り広げられていきます。松井：本当に現在進行形で議論を積み重ねているところなんですよ（笑）。現段階でお伝えできることとして、TCSのオリジナルコンテンツを3つ立ち上げます。1つ目はTCSのコアをお伝えするための「TCS Opening Ceremony」。2つ目は一般参加が可能な「Focus Exhibition Tokyo Trace」というイベント。最後に「Tokyo Vintage Fashion Week」の開催です。杉山：Opening Ceremonyはどちらかと言うと業界や関係者のtoB向けの施策。改めて一緒に盛り上げていきましょうよ、と音頭をとって、TCSの熱量を高めていきたいと話し合いました。Tokyo Traceは物延さんが素晴らしい視点でアイデアを出してくださいました。物延：そんなに仰々しいものじゃないですよ（笑）。クリエイターやデザイナーのような本業の人たちが来たいと思うコンテンツをもっと届けていきたいじゃないですか？日本ひいては東京からは、めちゃくちゃかっこいいクリエイターの人たちがわんさか羽ばたいている。そういう人たちにとって、それぞれの東京像、抱える思いがあるはずなんですよね。それで、「東京トレース」では、一人のファッションデザイナーにフォーカスを当てて、その人が東京とどう関わり、どんな影響を受けてきたのか、アーカイヴ的に見せていく予定です。⎯⎯ちなみに、主役となるデザイナーはもう決まってるのでしょうか？物延：ここはもう決まっているので、初公開ですが「ノーマリズム テキスタイル（NOMARHYTHM TEXTILE）」のお二人（デザイナーの野口真彩子氏と佐々木拓真氏）にお願いしています。写真家の川内倫子さんや、藤原ヒロシさんとコラボレーションするなど、東京を拠点にしながらグローバルにも活動を広げています。ストリートに通じるパワーを持ちながら、所謂パリコレのモードとは違う感覚で東京を見ている。そこに僕が感じる東京らしさも潜んでいる気がして、とても楽しみにしています。⎯⎯そして、最後のオリジナルコンテンツがTokyo Vintage Fashion Weekですね。松井さんはこれまでも街全体を巻き込んだファッションのお祭り「渋谷原宿ファッションフェスティバル」を開催したり、TCSでも原宿エリアのプロデュースや代々木第一体育館でランウェイを実施したり、ファッションコンテンツを担ってきました。松井：ファッションも東京と同じく“ナマモノ”で、移ろい続けていますよね。“ヴィンテージ”は最早、今の東京のファッションの大きな資産。グローバルでヴィンテージブームが起こっていますが、元を辿れば東京がその発端でもあった。各国と比べてもレベルが高く、世界中から愛好者やバイヤーが集っているんです。こうした流れを汲み取って、“ヴィンテージだけ”のファッションウィークを開催します。⎯⎯所謂ランウェイやファッションショーも行うイメージでしょうか。松井：そのつもりです。まずはメイン会場で集中的に開催しますが、将来的にはさまざまなエリアの会場にも横展開していきたい。まだ企画中ですが、某有名ブランドに新作と過去のアーカイヴを織り交ぜたショーをやってもらえないかと交渉もしています。クリエイティブが都市と人々に与える力⎯⎯皆さんは、ファッションやデザインというものが、都市やそこに住む人々にどのような力を与えるとお考えですか。杉山：これまで都市を舞台にしたイベントやデザインをフィーチャーした催しに多く携わらせていただきました。僕が思うのは、都市が生き物だとしたら、ファッションやデザインは「エネルギー」や「呼吸」のようなものではないかと。それがあるから都市は成長し、魅力を発信できる。ビルディングのような物理的なものではなく、都市に生命を吹き込む、目に見えないけれど不可欠な存在だと思います。物延：エネルギー、確かに都市においてはそうやって前に進んでいっている部分は大きいですよね。僕は「規律」のようなものだと捉えています。ロゴやシンボルが、それを見た人にどう受け取られるかを考えるのがデザイン。企業のロゴが社員のモチベーションをデザインするように、あるいはテーラーのジャケットに袖を通した時に背筋が伸びるように、ファッションやデザインは人の意識や行動の規律を作る力を持っていると思います。それは必ずしも秩序のようなものではなくて、心持ちとかそう言う意味も含みます。松井：それぞれ違っていて面白いですね。こんな目線がうまく混ざり合えば、いい企画がさらに立てられる気がします。僕はTCSに加わってから、この話題についてより考えるようになりました。そこでいつも思うのが、その役割を突き詰めていくと「平和」なんじゃないかなと。おしゃれをしたい、美しくありたいという気持ちは、人間の美意識を高めます。そうなると、自分のことだけでなく、他人の命や気候変動といったことにも自然と興味が向くようになる。平和でなければ、ファッションもデザインも楽しめませんから。⎯⎯次回開催に向け、さまざまな議論が進む中での取材となりましたが、最後にこれからの東京クリエイティブサロンへの期待感を一言ずついただけますか？杉山：変動し、エネルギーを生み出し続ける今の東京に生きるクリエイターや我々だから見つけられた“らしさ”の議論は個人的にも刺激的で面白いんです。TCSの新たなステージに向けた萌芽を、ぜひお見逃しなく。物延：自分が関わるコンテンツを宣伝させてください（笑）。東京トレースはクリエイターと東京の関係性を深く掘り下げる、ユニークな試みになると思います。そこからまた、各々が考える東京ってなんだ、とか。言葉が生まれたり、クリエイティブの種になるよう準備を進めていきます。松井：長く携わってきましたが、毎回改善点と同時に「次はさらにいい企画ができるな」と期待値は上がっていくんですよね。特に次回は、ファッションと関連するイベントも強くなりますから一層気持ちも入っています。東京ヴィンテージファションウィークはおそらく世界初の試みになるはず。僕らにとってTCSは、東京の地場産業であるクリエイティブの“祭り”だと思っています。今まできたことがない方も、経験のある方も、是非この祭りに参加してみて欲しいですね。杉山央：新領域 CEO / Art+Tech Producer。2000年に森ビルに入社。2018年「森ビルデジタルアートミュージアム：エプソン チームラボボーダレス」企画運営室長、2023年虎ノ門ヒルズ「TOKYO NODE」の施設責任者を経て、2024年に森ビルを退職。新領域を設立し、2025年大阪・関西万博シグネチャーパビリオン「いのちのあかし」計画統括ディレクター、2026年「東京クリエイティブサロン」統括ディレクター、2027年「GREEN×EXPO 2027」テーマ館 展示ディレクター等を務め、アートとテクノロジーを横断しながら新たな体験と空間の創造に取り組んでいる。物延信：国内メーカーでインハウスデザイナーとしてキャリアを積んだ後、2010年に渡英。ロンドンのクリエイティブファーム「Winkreative」でブランディングのノウハウを学び、2016年に英国法人 Anyhow Ltd. を創業（2021年に日本法人を設立）。ブランド戦略構築から、プロジェクト企画、コミュニケーション戦略、各種デザインに至るまで、トータルで一貫性のあるブランディングビジネスを行う。自社プロジェクト「A Piece of Gold」展や、スニーカーブランド「クレメンス（Clemens）」を運営している。松井智則：1977年生まれ。2000年にアッシュ・ペー・フランスに入社し、社内小売店やPR部門を経て、2006年にPR01.を立上げエグゼクティブディレクターに就任。「SHIBUYA FASHION FESTIVAL」や「PR01.TRADESHOW」といったファッションイベントの立ち上げに尽力。2017年にワンオーを設立し、代表取締役に就任。ファッションをはじめ、商業施設や異業種のブランディングおよびプロモーション監修に携わる。

【鼎談】東京クリエイティブサロンが描く“今の東京”のパワーとは？

フューチュラ初の東京、そして戻ってくる理由　フューチュラが初めて来日したのは1975年。来日時は知人もおらず、富士山のような典型的なイメージしか持っていなかったというが、実際の東京は「非常にモダンで清潔、素晴らしい場所」だったと振り返る。次の来日は1983年で、映画『ワイルド・スタイル』のツアーでのこと。DJやブレイクダンス、ラップ、グラフィティなど、ニューヨーク発のムーブメントの熱を日本に伝えるための旅であり、そこで藤原ヒロシと出会ったのだという。藤原は「彼は覚えていないかもしれないが」と前置きしつつ、「当時のクラブ『ピテカントロプス』でオープニングDJを務め、多くの人で賑わう中、後にフューチュラと六本木のクラブへ行った記憶がある」と語った。　それ以来、フューチュラは30回以上日本を訪れている。彼にとって東京は「大きなインスピレーション源」であり、「素晴らしい友人たちにも恵まれた自分の一番のお気に入りの場所」。だからこそ、70歳の誕生日をここで祝いたかったと明かした。「次世代が、違う面白いものを見つけてくれたら」　トークは東京のカルチャーと世代間の変化へと移った。藤原は「これからの東京に期待すること」を問われると、自身が感じるジェネレーションギャップについて触れた。大学の講義で映画『007』についての話を取り上げようとしたところ、観たことがある学生が一人もいなかったというエピソードを紹介し、「昔のカルチャーに興味が向かなくなっているのかもしれない」と語る。しかし藤原はそれを否定的には捉えていない。「僕はフューチュラやブライアンとは年代が違っていても、なんとなく同じものを観ていたり、共通言語があるような気がしています。でも、新しい世代はそうではない。しかし、それは決してネガティブなことだとは思っていません。僕らとは全く違うジェネレーションが、僕らでは理解できない違うことをやって、それがかっこよければそれでいい。昔のことを気にせず、全く違う場所で新しい面白いものを見つけてくれたら東京はもっとおもしろくなるんじゃないですかね」（藤原ヒロシ）。　カウズも「若い世代の中で新しいサークルや歴史が生まれているはずだ」と期待を寄せ、「その動きは日本に留まらず国際的なムーブメントへと広がるかもしれない」と述べた。なぜ東京は今もなお重要なのか　イベントの中心テーマ「なぜ東京は今もなお重要なのか（Why Tokyo Still Matters？）」に対し、3人はそれぞれの立場から答えた。　フューチュラは「東京は常にエネルギーを再活性化させてくれる場所」と語り、アメリカ人と比べて、日本人の勤勉さや新しいものを追求する姿勢など、日本独特の文化的な環境を指摘した。来るたびに新たな発見があり、その発見が彼にとっての東京のイメージをつくっているという。「カオティックでありながらコントロールされ、いつも平穏を感じられる街だ」とコメントした。　カウズは「東京には他の都市にはない、言葉にするのが難しい特別な“感性”（sensibility）が存在し、空港に降り立った瞬間からそれを感じることができる」と話す。「多くの観光客が訪れるようになっても、伝統を重んじ、構造化された文化が根付くこの街の本質は変わらないだろう」と見解を述べた。　一方、東京を拠点とする藤原は、両名とは異なる視点から東京の魅力を語る。「仕事で海外へ行くことが多いのですが、出かける度に必ずホームシックになります。絶対にすぐ東京に帰りたくなるんです。海外の街を歩いていても、もちろんその街のいいところはありますが、『東京だったらこうなのに』と比較してしまう。僕にとっては、何より仕事がやりやすく、時間を有効に使えるのが東京の良さです」（藤原ヒロシ）。若い世代が持つ、かつてなかったアドバンテージ　参加者から「今の若い世代には、昔より多くの機会があるか」という質問が寄せられた。フューチュラは「若い世代は、我々が持っていなかった大きなアドバンテージを持っている」と語り、その利点を最大限に活用してほしいとエールを送った。「現代はあらゆる情報がオープンになり、即座に繋がることができるため、明らかに昔より多くの機会があります。インターネットがなかった時代、人と繋がるためには実際に旅をして会う必要がありました。しかし今は、アイデアやイメージ、思考を瞬時に共有し、より多くの人々と繋がることが可能です。世界はより小さく、人々の距離は近くなったと言えるでしょう。ダイレクトメッセージ一つで、誰かにコンタクトし、新たな機会に繋がる可能性がある時代だと思います」（フューチュラ）。楽しむことを忘れずに　イベントの最後、フューチュラは「100歳まで生きるつもりだ。それが若いみんなへのインスピレーションになれば」と力強く宣言。また、20年ほど前、日本の病院でMRI検査を受けた際に、医師から「あなたはとても若い脳を持っていますね」と言われたエピソードをユーモアたっぷりに披露。その言葉を胸に、若々しい心と頭脳で創作を続けてきたという。そして、映画「戦場にかける橋」の一節「Be happy in your work（汝の仕事に幸せであれ）」という言葉を引用し、「仕事を楽しむことが大切です。私は自分のやっていることを楽しみ、そこに心と幸せを注いでいます」と締めくくった。　伝説的な世代が語る東京の魅力と未来への視線は、この街がこれからもクリエイティブなインスピレーションの源泉であり続けることを強く示していた。

対話から見えた、街が与えるインスピレーション

フューチュラ、カウズ、藤原ヒロシが語る「東京が生むクリエイティブの源泉」

TABFの歩み　「アートブックフェア」とは、アートブックやZINEに特化した展示販売イベントで、国内外の出版社やギャラリー、アーティストなどが出展し、来場者と直接コミュニケーションをとることができる空気感も人気が高い。今年で15回目となったTABFが誕生するきっかけとなったのは、ニューヨークで開催された「NY ART BOOK FAIR」に、書店「ユトレヒト（UTRECHT）」の当時のオーナーであった江口宏志と雑誌「PAPERBACK」のメンバーである東直子らが参加したこと。両者に加え、2006年に開催された第1回「NY ART BOOK FAIR」も訪れた現代美術家のミヤギフトシなどが立ち上げメンバーとなり、「でもインディペンデント出版の受け皿となるアートブックフェアを開催しよう」という考えから第1回の開催に至った。　立ち上げ当初は「ZINE’S MATE」という組織名で、ユトレヒトやペーパーバックのメンバーが中心となり運営。その後、2015年に江口から書店「POST」の中島佑介へとディレクターを交代し、twelvebooksの濱中敦史の運営メンバー加入を経て、2017年に「一般社団法人 東京アートブックフェア」を設立し、現在の運営体制となった。　同法人は、フェア開催のほか、出版事業や海外フェアとの共同事業を展開。2024年には出版事業として「Publishing Publishing Manifestos」「Die Hefte ステファン・マルクス アーティストブック大全」を刊行した。韓国・ソウルのアートブックフェア「UNLIMITED EDITION」との協働企画をはじめ、海外のアートブックフェアとの連動企画も積極的に開催。今年はシンガポールのインディペンデントリサーチラボ「Atelier HOKO」による展示「BOOK？」の日本巡回展をTABFとして主催している。東京都現代美術館での開催が契機に　2009年の初回開催から、出展者80組に対し来場者は4000人が来場。「初開催の頃から、会場を埋め尽くすほどの来場者数と熱気があり、回を重ねるごとに、出展者と会場の規模拡大と比例して、来場者数も増えていった」と黒木は振り返る。特に10周年の節目として東京都現代美術館に会場を移した2019年には、来場者数が3万5000人を超えるなど、大きな飛躍を遂げた。美術館での開催を機に、アートブックに関連した企画展、国際的なアーティストらとのコラボレーションをより積極的に実施することで、国内外のアートシーンとの結びつきを強化したことは国内外のアートシーンでも認知を一層広げる契機になったという。コロナ禍を経て一度落ち込むも、2024年開催時には2万人以上が足を運ぶなど、その人気は定着している。　主な客層は、アートやカルチャーに対して関心が高い20〜30代。アジア圏を中心に海外からの来場者も多いという。また、最近ではTABF立ち上げ当初に20〜30代だった来場者や出展者が子育て世代となり、子どもを連れて来場・参加する姿が多く見られるようになったことから、近年では子どもと一緒に楽しめるアートブックの企画展示や、託児所サービスも展開している。ブックフェアは「コミュニティ」へ　現在、さまざまなアートブックフェアが世界各都市で新たに立ち上げられ、その数は年々増加傾向にある。古くから続く歴史のあるフェアは、TABFと同様に美術館やアートギャラリーなどに会場を移して規模を拡大しているケースも多い。開催を続けることで、販売や流通という役割を超え、ローカルなコミュニティの形成や、国内外の出版社、アーティストらとの交流、ネットワークの場としても重要な役割を担う存在として、その立場は変化しつつあるという。　黒木は、世界的なアートブックフェアの人気の理由を「誰もが手に取りやすい『本』のイベントであるという気軽さと、『アート』イベントとしての独創的なイメージや期待値が、幅広い層の集客に繋がっているのでは」と分析する。このほか、都市や地域の名前を冠するアートブックフェアでは、その地域や国の独自性、ローカリティを出展者、来場者、会場全体の雰囲気から感じることができる観光的な体験も魅力の一つとして指摘する。「本来の価値はトレンドとかけ離れた部分にある」　TABFは国内最大のアートブックフェアへと成長する一方で、運営チームは「出展者の固定化」や「応募数の増加による新規参加障壁の高まり」など、規模の拡大を原因とした課題も抱えていたという。そうした中で、2023年からTABFに協賛している芝パークホテルからの申し出を受けたことや、運営チームの世代交代も見据えた考えから、同ホテルを会場に今年5月に新たなブックフェア「TOKIO ART BOOK FAIR」を開催。TABFのZINE’S MATEエリアのディレクターを担当していた黒木と、昨年度のTABFでドイツの現代アートブックシーンを紐解く展示「Doitsu Art Buchmarkt」を担当した角田芽央子が中心メンバーとなった。　TOKIO ART BOOK FAIRでは、出版社同士のネットワークを重視し、運営チームが選出した18組のホスト出展者が、交流のある友人や、おすすめの出版社らをゲスト出展者として推薦する招待制にするなど、従来のTABFとは異なる仕組みを採用。また招待出展者の中で最低1組はこれまでTABFに参加したことがないことを条件とすることで、新たな参加者への広がりも目指したという。出展者数は約54組と、約300組が出展するTABFの1/5程度だが、出展者同士の交流を強めるネットワークの場という役割を重視した取り組みとなった。　黒木氏は「アートブックフェアの盛り上がりは世界的に見てもある種の過渡期にあるのでは。アートブックの本来の価値は、人気やトレンドとかけ離れた部分にある。アートブック、ZINEなどを一過性のトレンドとして捉えるのではなく、その背景にある文化的意義を継続して伝えていくことで、今後の出版文化の有意義な変化につながれば」と展望を語る。個人の趣向が細分化され、SNS上ではアルゴリズムの最適化によって「新しいもの」と出会いにくくなっている現在。アートブックに限らず文学作品の展示即売会「文学フリマ」も1日あたりの来場者数が1万人を超えるほど盛況を見せ、大手書店にも個人出版の書籍を取り扱う棚が用意されるなど、個人が制作した「本」を取り巻く熱狂は拡大している。現代人が知的好奇心を満たすための行動は、手触りや対話、自らの足によって予期せぬ出会いを探し出す、アナログな方向に再びシフトしつつあるのかもしれない。

トレンドに依存しない価値、「アートブックフェア」の変革と現在

あらすじベニチオ・デル・トロ演じる“6度の暗殺未遂から生き延びた大富豪”ザ・ザ・コルダは、疎遠となっていた修道女の娘リーズル（ミア・スレアプレトン）を後継者に指名。ビジネスの危機的状況を打開するために「大独立国フェニキア」を旅する中で様々な事件に巻き込まれていく。カルティエ（Cartier）リーズルのロザリオ＆ザ・ザがヒルダに贈る婚約指輪　リーズルの真っ白な修道女の衣装に鮮やかに映えるのはカルティエが1880年頃に製作したロザリオ。現在は「カルティエ コレクション」に収蔵されているネックレスに魅了されたウェス・アンダーソンがその熱意をカルティエに伝えたことで実現したそうです。ザ・ザがリーズルに何かあげるならカルティエに作らせるだろうと思って、同社に頼んだら引き受けてくれました。ーウェス・アンダーソン　ルビーとエメラルドによる色のコントラストはもちろんのこと、ローズカットダイヤモンドをあしらったチェーンにはアンティークの要素が反映され、ウェス・アンダーソンの美しい世界観が存分に表現されています。　ちなみに、ザ・ザがはとこのヒルダに贈る、印象的なレッドボックスにおさめられた婚約指輪も、もちろんカルティエのダイヤモンドリングです。ダンヒル（dunhill）ザ・ザがリーズルの誕生日を祝って贈ったコーンパイプ　ふんだんに宝石があしらわれたダンヒルのコーンパイプは、ザ・ザの大富豪っぷりと（ツンデレながらも）娘の溺愛っぷりが伝わる逸品です。　19世紀に流行したアメリカの古典的なコーンコブパイプ（トウモロコシの穂軸を削って作られたスタイル）から着想を得て作ったそうで、手作業でカットし磨き上げられた色鮮やかな石が、ボウルを囲む18金ゴールドのフレームに一粒ずつ精緻にあしらわれています。撮影中もそうでない時も、リーズルのロザリオとパイプを持ち歩いていました。おかげで手の一部のようになじみました。ーミア・スレアプレトン（リーズル役）　ちなみに、ダンヒルの創業者アルフレッド・ダンヒルは、20世紀初頭に「ホワイトスポット」の名でパイプ製造を開始。ジュエリー装飾職人やパイプ専門家など、熟練職人たちと共に作り上げたことから、伝統的な職人技とハイジュエリーの精緻なデザインが融合した希少な逸品として知られています。プラダ（PRADA）ザ・ザの全財産が入った赤いリュック　ザ・ザが側近のビョルンに「肌身離さず持て」と命じる、全財産の現金が入った赤いリュックはプラダが製作。口がマグネットラッチでしっかり閉まるため、現金を入れるのにもってこいの設計になっています。プラダはカギとなるアイテムのリュックを快く作ってくれました。ザ・ザが持っていそうだと思ったんですーウェス・アンダーソンハルミ・クロソフスカ・ド・ローラファルーク王子がザ・ザに贈り、ザ・ザがリーズルに持たせる短剣　スイス人画家バルテュス（Balthus）と、同じく画家である日本人女性を両親に持つ、ジュエリーデザイナーのハルミ・クロソフスカ・ド・ローラさんがあつらえたのは、ゴールドの刀身にレッドやグリーンの宝石がはめ込まれた豪奢な短剣。この美しいナイフは、鋭いというよりは、ただとても美しく、装飾的な刃がついているだけでゴージャスなのです」と語っています。ーミア・スレアプレトン（リーズル役）モンブラン（Montblanc）万年筆　ウェス・アンダーソンが、2024年にモンブランのアイコン筆記具「マイスターシュテュック」の誕生100周年を記念したキャンペーンムービーの制作監督を担当したことから親交が深い両者。本作では、2つの万年筆が復刻されています。　ひとつは1950年代のモンブランのアイコン筆記具「マイスターシュテュック」（ドイツ語で「傑作」の意）。ザ・ザがリーズルに後継人になるよう打診する際、サインのために用意される万年筆がマイスターシュテュックです。　もうひとつは「ヘリテージ ルージュ エ ノワール コーラル」。1920年代のアーカイヴから登場したコーラルの万年筆は、キャラクターポスターにも使用されており、さりげないながらも存在感を放っています。 番外編：実在する本物の名画が飾られたリッチなセット　「ザ・ザ・コルダのフェニキア計画」の特筆すべき点は、セットに使用された美術品もまた"本物"にこだわっている点。ザ・ザ・コルダの邸宅のいたるところに飾られている絵画や美術品は、実在する本物を各地から集めているという前代未聞の試みがなされています。　通常、映画撮影では美術館やコレクションから本物の絵を持ち出すことはありませんが、本作ではウェス・アンダーソンの"本物"への強いこだわりから、実際の名画が集められたそう。今回は"収集家"であり"所有欲の強い"キャラクターが登場します。ザ・ザは物を所有することにこだわる人物。そして今回はアートとビジネスが入り混じった物語なので、本物を使ってみようと考えたのです。ーウェス・アンダーソン監督　セットに使用された名画の一つがベルギーの画家ルネ・マグリットの「赤道」。これはベルリンの個人から借りたものだそうです。また、フランスの印象派画家ルノワールによる幼い甥、エドモンの肖像画「青い服の子供（エドモン・ルノワール）」も登場。ウェス・アンダーソンはこの絵をリーズルのベッドの上に飾りたいと要望しました。さらに、ザ・ザ邸の大理石の壁に立てかけられたいくつもの古典絵画や彫刻はハンブルクの美術館から借用。壁に立てかけられた美術品からは、物が常に出入りしていることが読み取れ、ザ・ザの莫大な資産と熱心な蒐集家であることが暗示されています。キャストにとっても"本物"が飾られているということは意味を持つと思いました。画面の中でもセットでも、"本物"だということを感じるはずです。レプリカとはやはり全く違うオーラがある。作品の保護のために手袋をした係員が歩き回っているのも面白いと思いました。ーウェス・アンダーソン　作中、ザ・ザが進言する「良い絵は買うな 本物の名作を買え」というセリフを裏付ける"本物"まみれのセットと小道具の数々。スクリーンに映し出されるアンダーソン監督のこだわりぬいた映像美は必見。FASHIONSNAP独占！キャスト3名が本作に登場する小道具を解説

【独占】ウェス・アンダーソン監督最新作のこだわり小道具をキャストが解説

まずは聴いておくべき10曲も紹介

フレッド・アゲインの押さえておくべき功績【連載：いまさら聞けないあのアーティストについて】

東京都内はレコードショップの宝庫！押さえておきたいショップを紹介　東京では、特に渋谷区宇田川町を中心に1990年代から2000年代前半までレコードが大盛り上がり。最盛期には200以上のレコード店が軒を連ねる街としてギネス認定されたそう。デジタル音源の普及により、一度は衰退してしまったレコード文化ですが、アナログ音源の良さが改めて認識されたことをきっかけに、再び盛り上がりを見せています。ここからは、12インチシングル専門店や、ドリンクを飲みながら商品を探すことができる店舗など、個性あふれる9店舗に直接伺い、それぞれの魅力を店主やスタッフへのインタビューを交えながら徹底的に解説します。JET SET 下北沢店／オールジャンル　JET SET（ジェットセット）下北沢店は、2002年7月にオープン。1998年に京都に1号店をオープンし、2000年にオンラインショップと神戸店を展開しました。しかし当時は東京からの来客が多く、その需要に応えるため東京に進出。1990年代は渋谷にレコード店が集中していたことから、まずは渋谷で物件を探し始めましたが手頃な物件が見つからず、渋谷から近く「Disk Union」や「RECOfan」、「DISC SHOP ZERO」などレコード店が複数ありかつ家賃相場もお手頃な下北沢に出店を決めたそう。オープン時には路面を含めた広めの2フロアでオールジャンルを取り扱っていましたが、徐々にネット中心の販売にシフトしていったので在庫を絞り2009年に現在のビルの2階にお引っ越し。また、東京では制作部がメインとなったため店舗は縮小して現在のかたちに至りました。　店舗では、狭いながらも商品を常に入れ替えています。特に国内アーティストのアナログレコードと最新のインディやブラックミュージックは大型店に引けを取らない品揃え。加えてカウンターに立っているスタッフ全員が制作部員でもあるので、アーティストやレーベル関係者が頻繁に訪れ情報交換の場にもなっています。制作を担当しているスタッフの貴重なお話を聞きながら、自分のお気に入りの1枚をぜひ掘り出しに行ってみて。店主／店長インタビュー◾️JET SET 下北沢店所在地：東京都世田谷区北沢2-33-12 柳川ビル201号営業時間：12:00〜20:00公式オンラインストアRANA-MUSICA RECORD STORE／ダンスミュージック、オールジャンル　RANA-MUSICA RECORD STORE（ラナムジカレコードストア）は、実店舗が2021年7月31日にオープン。オンラインストアは2008年から運営していたそうです。店主の中原さんは、ずっと「実店舗のレコード屋を開きたい」という思いを持っていたこと、またダンスミュージックを軸とした新譜を取り扱うショップが少なくなってきたことを受けて前職を退職したタイミングで自身のショップをオープンするに至ったそう。店内では、新譜と買い取った中古盤をおよそ3：7の割合で展開。ハウスやテクノといったダンス系のレコードが多いものの、広くさまざまな音楽を取り扱っています。価格帯も、数百円から用意しており、レコード収集初心者でも気軽に訪れることのできる店舗です。　また、店内ではビールやコーヒーなどのドリンクも販売しており、心ゆくまでレコードを見た後は外のテラス席でドリンクを楽しむこともできます。ヘッドホンやターンテーブルの針なども取り扱いがあります。気さくな店主とドリンクを飲みながら音楽について語り合うのも良いですね。店主インタビュー◾️RANA-MUSICA RECORD STORE所在地：東京都世田谷区代沢5-28-12 藤田ビル2A営業時間：13:30〜20:30定休日：火曜日公式オンラインストアLOS APSON?／ワールドミュージック　LOS APSON?（ロス・アプソン）は、1994年8月7日にオープン。最初は西新宿にあるマンションの一室からスタートし、幡ヶ谷の商店街の中への移転を経て、現在の高円寺に着地しました。現在の六本木ヒルズの場所にあった1棟6フロアのビル「WAVE」でレコードやCDの販売を行っていた店主の山辺さんは、だんだんとグッズやTシャツなども扱いたいという気持ちが強くなり、自分の店をオープンしました。　「オールジャンルからのピックアップ」というコンセプトの店内では、レゲエやダンスミュージック、パンク、などさまざまなジャンルの中から「これだ！」と思うレコードやCDを展開。取り扱いが珍しいノイズや実験音楽のレコードも揃い、これまでに聞いたことのない音楽に出会うことができそう。また、Tシャツやパーカなどのアパレルや、ステッカーやキーホルダーといった雑貨もたくさん置いてあり、レコード以外のアイテムも楽しむことができます。店内に飾られている、一見装飾のようなものも全て販売しているとのこと。このほかにも、店内では1ヶ月から2ヶ月に1回の入れ替わり頻度でアーティストの作品を展示しており、有名無名問わず「良い」と思ったアーティストの作品を並べています。一度訪れたら絶対にクセになる、良い意味で「カオス」な店内をぜひ体験しに行ってみてください。店主インタビュー◾️LOS APSON?所在地：東京都杉並区高円寺南4-3-2 三光ビル1階営業時間：13:00〜19:00定休日：水曜日公式オンラインストアLighthouse Records／ダンスミュージック（ハウス・ディスコ）　Lighthouse Records（ライトハウスレコーズ）は、2008年7月14日にオープン。ハウスミュージックを軸に、ディスコ系やテクノ系など多様なダンスミュージックをセレクトし、展開しています。新譜を中心に取り扱っていますが、買取も行っているので中古レコードの販売もしています。オープン当初の2008年は、音楽のデジタル配信が台頭し始め全盛期に比べてレコードが売れなくなっていた時期だったそうですが、「アナログ・レコードの灯を絶やすわけにはいかない」という強い思いから同店をオープンするに至りました。　店内はブラウンカラーを基調としており、落ち着いた雰囲気の中でレコードを見ることができます。窓側に視聴用のターンテーブルを設置しているので、気になる作品を見つけたら聞いてみることも可能です。また、スタッフさんによる作品に関する説明ポップがあり、それぞれのレコードに対する愛も伝わってきます。ダンスミュージックのレコードを探したい方は行くべきショップ！店主／スタッフインタビュー◾️Lighthouse Records所在地：東京都渋谷区道玄坂2-9-2 正実ビル4階営業時間：13:00〜20:00定休日：日曜日・月曜日公式オンラインストアnext. records／オリジナル盤12インチシングル専門　next. records（ネクストレコーズ）は、2000年1月4日にオープン。当時は「DJブーム」に伴うレコードブームのピークで、オープンの宣伝をしていなかったのにも関わらず、開店初日にはお客が殺到したそうです。元々大阪のレコードショップの通信販売部門にいた店主の今本さんは、そのレコードショップが暖簾分けして渋谷の公園通りに出店した店舗で働いていましたが「やはりレコード屋をやるなら宇田川でないと」と思い立ち、新たにnext. recordsをオープンしました。最初は、木造の古いアパートの1室で営業していましたが、在庫が多すぎたことと地震などによって建物の梁にヒビが入って床が沈んできてしまったことから2008年に現在の場所に移転しました。2005年にレコードブームが過ぎ去り、売り上げが落ち込んでしまった時期もあったそうですが、いち早くオンラインストアを取り入れたことでなんとか持ち堪えたとのこと。　同店は、日本ではもちろん世界的にみても珍しい当時リリースされた「オリジナルの12インチシングル」のみを取り扱う専門店。オープン当初からオリジナルの12インチシングル専門で行こうと決めていたわけではなく、たまたま好きなレコードを販売しているうちに定着していったそうです。また、12インチシングルはどちらかというとマイナーな存在。今本さんは「なんでこんなに12インチシングルがいいと思っているのに、どこの店もメインで扱わないんだろう」と思ったことも専門にした理由の一つだそうです。店内のレコードはほぼ二次元バーコードから視聴が可能。一点物のお宝を見つけにぜひ足を運んでみてください。いい音で聞くことのできるレコード針も販売しています。店主インタビュー◾️next. records所在地：東京都渋谷区宇田川町11-11 柳光ビル本館2階営業時間：13:00〜20:00公式オンラインストアELLA RECORDS／オールジャンル　ELLA RECORDS（エラレコーズ）は、幡ヶ谷に実店舗と北沢にアポイント制のショールーム「ELLA RECORDS VINTAGE」を持ちます。本店の幡ヶ谷店は2016年7月に、北沢のショールームは2024年8月にそれぞれオープンしました。幡ヶ谷店は、元々燻製屋だった店内を改装しており、剥き出しの梁などをそのままにすることでレトロで落ち着いた雰囲気の店内に仕上げています。壁はスタッフたち自身で塗り直したのだとか。　レコードはジャズや邦楽、ダンスミュージックなど厳選された盤をオールジャンル揃えており、貴重な名作から比較的手に入れやすい価格帯の作品まで、バランスよく用意されています。また、「ELLA STORIES」というYouTubeチャンネルも運営しており、DJミックス動画やレコードショップ紹介動画など、さまざまな企画を投稿しているので、要チェックです。ストアマネージャーインタビュー◾️ELLA RECORDS所在地：東京都渋谷区西原1-14-10営業時間：13:00〜20:00定休日：月曜日公式サイト／公式オンラインストアKankyō Records／アンビエント　Kankyō Records（カンキョウレコーズ）は、2021年11月18日にオープン。三軒茶屋駅から徒歩約8分の世田谷観音通りに面した建物の1階に入居しています。設計事務所を運営しながらアンビエント音楽の制作を行っていた店主が、「空間と音楽を融合させた店舗」をやりたいと思ったことからオープンに至ったそうです。　「音を中心に空間を提案する」というコンセプトの店内では、アンビエント音楽を中心にテクノ、クラシックのレコードのほか、インセンスとセットになったカセットやフック、お皿といったインテリアもラインナップしています。いい香りに包まれながら、心が落ち着く自分好みのアンビエントミュージックを探しに、ぜひ一度訪れてみてください。店主インタビュー◾️Kankyō Records所在地：東京都世田谷区上馬1-35-13 Royal Arc Garden #107営業時間：13:00〜18:00定休日：不定休公式オンラインストアJAZZY SPORT MUSIC SHOP TOKYO／オールジャンル　JAZZY SPORT MUSIC SHOP TOKYO（ジャジースポートミュージックショップトーキョー）は、最初の店舗を岩手県盛岡市にオープン。そして、2003年に渋谷宇田川町に「JAZZY SPORT MUSIC SHOP TOKYO」をオープンした後に、現在店舗を構える目黒区の五本木へ移転しました。「音楽とスポーツで世界を一つに」をコンセプトとした音楽レーベル「Jazzy Sport」の立ち上げと同時に、自分達の作品を販売する場所が欲しいという思いから店舗のオープンに至ったそうです。　元々は材木屋さんの倉庫をリフォームした店内では、壁一面にレコードがディスプレイ。スタッフの方々の「音楽性や精神と共鳴する作品」を中心にセレクトしたレコードを多数ラインナップしています。ヒップホップからハウス、ジャズ、日本の音楽に至るまでさまざまなジャンルが揃っているので、どんな音楽好きも楽しめそう。現在は、五本木、盛岡、下北沢、京都に店舗を持ちます。店主インタビュー◾️JAZZY SPORT MUSIC SHOP TOKYO所在地：東京都目黒区五本木3丁目17-7営業時間：16:30〜19:00定休日：金曜日・土曜日・日曜日・月曜日（不定休）公式サイト／公式オンラインストア番外編 　実店舗を持たずオンラインストアのみでの運営ですが、人気の店舗を紹介します。T.E.Q／ダンスミュージック（テクノ）　T.E.Q（ティーイーキュー）は、2022年11月にオープン。日本で随一の品揃えであったテクノレコードショップ「テクニーク（Technique）」の閉店後、元スタッフがテクニークのスピリットを受け継ぎ日本のテクノシーン、レコード文化を支えていくために立ち上げました。新譜は月間200タイトル以上追加され、中古アイテムは毎日更新しています。オンラインストアのみですが、取り置きや予約、取り寄せ機能も実装し見応えある使いやすいサイトを目指しています。◾️T.E.Q公式オンラインストア／公式インスタグラム最後に　いかがでしたでしょうか？個人的には、日本のバンドや新人アーティストのレコードを探すなら「JET SET」、ダンスミュージックの新譜、中古レコードが欲しい方は「RANA-MUSICA RECORD STORE」や「Lighthouse Records」がおすすめ。特にテクノミュージックに特化して掘るならオンラインショップの「T.E.Q」がいいかも。ヒップホップやジャズのレコードは「JAZZY SPORT MUSIC SHOP TOKYO」、アンビエントなら「Kankyō Records」に行ったらお気に入りが見つかりそう。「ELLA RECORDS」は中でも特に日本のシティポップが豊富な印象で、オリジナル12インチシングルを掘るなら絶対「next. records」だし、少し変わったマニアックなレコードが欲しいなら「LOS APSON?」へぜひ...という感想を持ちました。　この記事が、皆さんのお気に入りのレコードを見つけるきっかけになれば幸いです。また、店舗に訪れる際には是非スタッフの方とお話をして好きな音楽や、好きな世界観を深めてみてくださいね。

東京都内の行くべきレコードショップ　DJや音楽通が訪れる9店舗

オーディションの前日に大喧嘩　開けた俳優への道　福岡県で生まれ育ったボクは、本当に「その日暮らし」という表現がピッタリな若者だった。好きなこと、興味があることはたくさんあったが、だからと言ってそれを将来の夢にすることはなく、刹那的に毎日を過ごしていた。　人生が動いたのは、16歳のとき。友人が『博多っ子純情』という映画のオーディションの話を持ってきた。興味を持ったボクは参加を決意。ところがオーディションの前日、（今となってはもうきっかけは覚えていないが）ある友人に売られた喧嘩を買う形で学校で殴り合いになり、目の上を2〜3針縫うケガをしてしまった！　翌日、絆創膏を貼ってオーディション会場へ。審査員の人たちがケガの理由を聞くので正直に話したら、今度は勝敗を聞かれて、ボクは「大負けしました」と答えた。そしたら大人たちが面白がって喧嘩の再現をしてくれと言うので、全力でやった。これが大受けし、なんと主役に抜擢。そこでの経験がすごく刺激的で、「映画業界で働きたい！」と思った。なんとも不思議な縁だ。本当は俳優ではなく裏方さんがいいかなと考えていたが、入り口が俳優だったのでそのまま俳優を志し、高校卒業と同時に上京した。原宿に足繁く通った20代　上京して、小田急沿線の千歳船橋に部屋を借りた。駅から歩いて10〜15分ほどの場所。今では信じられないだろうが、1980年代当時は東京・世田谷にも関わらず家の周りに畑がたくさんあった。ボクは福岡県北九州市の黒崎という町の出身だったが、黒崎には畑なんてなかった。しかも千歳船橋駅前の銭湯のトイレは汲み取り式だ。ボクは「東京といってもこんなものか」と拍子抜けし、内心では畑の有無でマウントをとり東京を見下しさえした。新宿に出てど肝を抜かれたのはまた別の話である。　『博多っ子純情』でお世話になったプロデューサーさんに俳優になるために上京したと連絡したら、映画『男はつらいよ』にエキストラとして出演させてもらえることになった。更にその映像を見た業界関係の方からボクの下宿先に連絡が入り、「今後俳優としてやっていくなら所属事務所が必要だ」ということで今の鈍牛倶楽部を紹介してもらえた。今振り返っても、人の縁に助けられっぱなしだ。　今のボクにはあまりイメージがないかもしれないが、上京したてから20代半ばまではアメカジファッションが好きで、原宿に大変お世話になった。当時の原宿は今とは全く様子が違い、服を安く買える古着屋が特にキャットストリート沿いに多く軒を連ねていた。よく渋谷のタワーレコードからキャットストリートを通って原宿までぶらぶら歩いたものだ。中でもよく足を運んでいた古着屋は「デプト（DEPT）」。ハイカラなブランドモノではなく、デイリーに気を遣わず着られる1950〜60年代くらいのアメリカ古着をたくさん置いていた。シャツ1枚あたりの価格帯は2000〜3000円程度で、上京したてで懐が豊かでなかった自分にとっては有り難かった。ちなみに、たまにブランドモノが欲しい時は「サンタモニカ（Santa Monica）」に行った。「ブルックス ブラザーズ（Brooks Brothers）」のアイテムを奮発して7800円で買ったのを覚えている。　　キャットストリートにあった「ナイス」というシャレたお店を覚えている人はいるかな。ご夫婦でやっていた雑貨屋さん。古着屋に寄った帰りにそこで気分が上がる雑貨を買って、夜に買った物とコンビニのカップラーメンを肴にレコードを聴く。それが当時のボクのルーティンだった。人間、三十路で壁にぶつかる　29歳の時、妻と結婚し、それを機に横浜の港北ニュータウンに引っ越した。新生活をスタートさせたが、そのタイミングで仕事が激減。スケジュール帳の空白が多くなった。30歳にさしかかって若者の役が難しくなり、かといっておじさんの役もできないといういわゆる“過渡期”だったことに加え「俳優として何かを成し遂げてやろう」「目立ってやろう」といった“欲深さ”みたいなものが自分の中に芽生えてしまっていた。それが演技に反映され、業界人に伝わってしまったのかもしれない。男は（女もそうかもしれないが）三十路の頃に大きな壁にぶつかると聞いたことがあるが、自分にとってはこの時期がまさにそれだった。　一人暮らしの時は正直仕事がなくても生活を切り詰めてどうとでもなったが、妻がいるとそうもいかない。今は知らないが当時の港北ニュータウンは“成功者”然とした人が多く、日中からプラプラしているのが居心地悪かったこともあり、上京後に一度住んでいた下北沢に戻ることにした。　駅前の再開発が進み今では随分雰囲気が変わってしまったが、当時の下北沢は安い居酒屋や街中華、個人商店なんかがひしめいていた。ひと笑いとれるような面白いエピソードはないが、「カプリチョーザ」というイタリアンレストランで皿いっぱいのパスタを友人とシェアしたり、「エクセロ」という居酒屋でおでんを食べたりと、苦しい時期の自分を包み込んでくれるような街だったと記憶している。　自分にとっての転機は下北沢に移り住んだタイミングで、バブル経済が弾けたことだった。不景気で映画業界も潤沢な制作費を用意できなくなり、ギャラが高額だった有名監督に代わって、青山真治さんや岩井俊二さんといった若手監督が台頭した。ボクは彼らと歳が近かったこともあってか、縁あって作品に呼んでもらえて、1つ（の出演）が2つになり、2つが3つになり、といった具合に雪だるま式に仕事が増えていった。　芝居への向き合い方が変わったことも奏功した。先述した通り、スランプに陥った頃のボクは「自分を見てくれ」と前のめりになっていた部分があったが、自己を見つめ直し、「ボクを撮っているんじゃない、作品を撮ってるんだ」と考えを変えた。「自分は作品を良くするための舞台装置に過ぎないんだ」と良い意味で開き直れたことで芝居へのアプローチが変わり、これが今の「名バイプレイヤー」といった嬉しい評価に繋がったような気がする。人生には必ず終わりがある、だからこそ　10代で上京して気付けば40年以上。振り返ると、この飽き性なボクがよくこんなにも長い間一つの仕事を続けてこられたなと思う。作品が違えば監督も脚本もスタッフも共演者も違い、現場入りのたびに新鮮な気持ちになれる俳優という仕事は、自分にとって天職なのかもしれない。ボクは幸せ者だ。ただ、ここで重要なのは、天職というのは基本的に受け身の姿勢で天から降ってくるものではないということ。僭越ながら人生の岐路に立って悩んでいる人にアドバイスさせてもらうとしたら、好きなことは全力でやれ！　それが1つでなく2つ3つあったとしたら、夢中になって全部やりなさい。もちろんそれで食べていけるようになるのが一番だけど、そうならなかったとしても意味はある。　少し前に観た何かのテレビ番組で、新橋の駅前にギターを置いて道行く人に弾いてもらうという企画があり、酔っ払ったサラリーマン風のオヤジが現れた。服はヨレヨレで、言っちゃあ悪いが“ダッサダサ”な風貌だ。そんなオヤジがギターを手に取り演奏したらめちゃめちゃに上手くて、気付いたらボクは涙を流してた。その人がこれまでの半生ギターにどれだけ一生懸命打ち込んできたのかが伝わってきたから。きっとオヤジは音楽の道には進まなかったんだろうけど、好きなことのために努力した時間は間違いなく彼自身を大きくしたはず。　ボクも俳優になるまではフラフラと寄り道を繰り返してきたけど、時間を忘れて周囲が真っ暗になるまで虫を見ていたあの夜も、今の自分を形作る一要素だ。人生には必ず終わりがある。だからこそ、毎日を大切に、悔いのないように。ボクもまだまだ60歳を超えたばかり。やりたいことには全部チャレンジしていこう。◾️あの人の東京1年目第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第3話：「アンジュルム」 佐々木莉佳子と赤羽橋第4話：オカルトコレクター  田中俊行と清澄白河第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第6話：役者 佐藤二朗と登戸第7話：俳優 髙石あかりと高井戸第8話：エバース 佐々木隆史と上石神井第9話：デザイナー 東佳苗と新宿（文化服装学院）第10話：俳優 光石研と原宿・下北沢styling: Satsuki  Shimoyama, hair & makeup: Chiho Oshima | photography: Hikaru Nagumo(FASHIONSNAP)衣装クレジット スーツ、ネクタイ：Artigiano-Tokyoシューズ：Parabootその他：スタイリスト私物

【あの人の東京1年目】俳優 光石研と原宿・下北沢

シンガーソングライターに憧れた学生時代　学生時代に憧れていたのは、デザイナーではなくシンガーソングライター。自分の内にあるものを形にして、誰かに共感されて、それを生業にすることが夢でした。私にとって、その理想系がシンガーソングライターで、椎名林檎、Chara、安藤裕子、aikoといった歌姫たちに憧れて、中学生の時には詩を書いて、高校生の時にはバンドを組んだりしていたけど、どんなに時間を費やしてピアノやギターに向き合っても、どうしても作曲だけが上手くできなかったんです（笑）。結局、シンガーソングライターになる夢は泣く泣く諦めることにして、次に夢中になったのが、絵を描くことでした。　高校では、美術部に所属。画家を目指していたわけではなかったけど、絵を描くことで自分のセーフティーゾーンを守れるような気がして、とにかく夢中でした。でも、高校卒業のタイミングで友達と作品展を開いた時、ギャラリーの人から「君は、君と同じような心情の人が見たら一瞬で泣くような絵を描いてるかもしれないけど、ノーマルな人にとっては何も感じない」と言われて。辛辣だし衝撃だったけど、すごく腑に落ちたんですよね。それまでの私にとって、絵を描くことは自分との対話でしかなくて「他者が見た時にどう感じるか」を考えて描けていなかったなって。　その言葉を抱えたまま、本屋にこもって画集や写真集を漁っていた時、絵本作家の荒井良二さんの作品に出合いました。幼い子が描いたような素朴な画風なのに、よく見ると深いメッセージが刻まれていて、目にした瞬間、思わずその場で号泣（笑）。負の感情を負のままアウトプットするんじゃなくて、幸せなものとしてパッケージングして届けるやり方があると気づかされたんです。どんなに鋭利で感傷的なテーマを内包していたとしても、「可愛くて綺麗」でコーティングすれば、広く受け手の心に響くかもしれない。辛い時に一緒に堕ちてくれる作品より、高揚感で震えるような作品こそ得難いんじゃないかと。自分もそんな作品を産み出していきたいと覚悟した瞬間だったし、今思えば、それが一つ目の人生の転機でした。今はもう名前も覚えていないあの時のギャラリーの店主が、厳しい本音をぶつけてくれたおかげで、今の方向性に目覚めましたね。原宿は戦場だった　ストリートスナップへの羨望　高校生の時、絵を描くことともう一つ、夢中になったのがファッション雑誌でした。小学生の頃はあゆ（浜崎あゆみ）の影響でギャルに憧れて「ポップティーン（Popteen）」を読んでいたけど、そのあとは「セブンティーン（Seventeen）」、落ち着きたくなって「ノンノ（non-no）」、お姉さん系にシフトしたくなって「ピンキー（PINKY）」や「キャンキャン（CanCam）」に移行して、最後に行き着いたのが、「ジッパー（Zipper）」や「キューティー（CUTiE）」「フルーツ（FRUiTS）」でした。中でも、一番影響を受けたのがフルーツのストリートスナップ。フルーツに登場するスナップはジャンルレスで、個性の振り幅もすごいし、モード系から姫っぽい人、ストリート系までいるじゃないですか。「服って、なんでもありなんだ」と教えてくれました。　高校を卒業してからは、福岡の大村ファッションデザイン専門学校（現・大村美容ファッション専門学校 ※2010年に大村美容専門学校と統合し、改名）に進学しました。ただ、「カルチャーの中心地は東京だ」と思っていたから、青春18きっぷで鈍行を乗り継いだり、夜行バスを使って、暇さえあれば東京や大阪に遊びに行っていました。九州ローカルのカルチャー誌「NO!!」（現在は休刊）のスナップやお部屋紹介のページで取り上げてもらったことはあったので、「東京に行くからにはFRUiTSの表紙に載ってこい」と、行きつけの古着屋の店主にも言われていましたね（笑）。当時の私にとって、原宿はまさに“戦場”。絶対に同じ服は着ていかないと決めて、毎回手作りと好きなブランドをミックスした“戦闘服”を着て上京していました。　当時はスナップサイトが全盛期。スナップサイトや雑誌のストリートスナップに載ることが私や作品を見つけてもらう手段でした。文化時代の友人に「兎（うさぎ）」と呼ばれていたことから、スナップを掲載してもらうときは「兎＠kanae」という名義を使っていました。その頃から「縷縷夢兎（rurumu:）」として服や小物を販売していたので、自分自身も変な名前で記憶と印象に残ることを重要視していましたね。 　爪痕を残すという意味では、ハンドメイドの名刺を作って、東京のショップやクラブで知り合った人、尊敬し会いたかった人に渡すようにしていました。福岡の専門学校時代、講師の先生から「大物の印象に残りたいんだったら、捨てにくい名刺を作れ」とアドバイスをもらったんです。その先生は自作のキーホルダーを名刺代わりにしていたのを見て、私もあえて捨てにくい名刺にすることでお店に置いてもらおうと考えたんです。10個くらい作って、手元に残ったものは今でも保管しています。　その甲斐あってか、原宿のショップ「the Virgin Mary」のオーナーの安理（田村安理）さんが高円寺でやっていたお店「CULT PARTY」では、名刺をきっかけに、私の作った服や小物を委託販売してもらうようになりました。安理さんは、その後もたくさんお世話になった、私の原点のような存在。ずっとブレずにカルチャーを作り続けて、周りから信頼されている姿を間近で見てきました。何を作る／選ぶ／提案する／売るにしても、「この人だから見に行く」とか「この人が選んだものだから」と興味を持ってもらえるような人間としての魅力が何よりも大切だということは、安理さんから学びました。常にブルーオーシャンを探していた　突破口になったニットとの出会い　19歳の春、ようやく文化服装学院に入学。実は、上京を決める前、文化に行くか、アントワープ（アントワープ王立芸術アカデミー）かセントマ（セントラル・セント・マーチンズ）に留学に行くかで迷っていたんです。海外でファッションを学びたい気持ちもあったけど、福岡にいるだけじゃ日本のストリートカルチャーの源流を知ることはできないし、いざ海外で日本のファッションについて聞かれても答えられないと思って。それなら、まずは東京で日本のカルチャーを吸収しよう、と上京を決めたという経緯があります。　入学当初の私はありえないくらい尖っていて、文化は「ハンター×ハンター（HUNTER×HUNTER）」のハンター試験みたいに、全国から奇抜な精鋭たちが集まってくる場所をイメージしていたけど、いざ入学して周りを見渡してみると、意外とみんな普通で拍子抜けでした。「服が好きだからなんとなく」「勉強しなくても入れるから」を理由に来ている子もたくさんいて、肩透かしを食らった、という感覚が一番大きかったです。何様なんだって感じですけど（笑）。私は入学式には自分で作った服を着て、人形を頭に乗せたり抱えたりして挑んだので、明らかに「話しかけちゃいけない人」状態だったとは思うんですけど、「え、なんで私に話しかけてこないの？ 私、多分このクラスで一番面白いけど」みたいな恐ろしいマインドでしたね（笑）。　当時は、どんな職業に就くのか手探りの状態だったので、極力、内申点を良くしたくて。課題は必ず期限内に凝りに凝って提出するし、よく「東さんみたいなポートフォリオを作りなさい」と見本にされたりしていて、入学して数ヶ月は優等生タイプだったと思います。でも、いざ将来について考えたとき、自分はパターンもミシンも苦手なことに気が付いたんです。文化出身で活躍している先輩デザイナーは、パタンナーを経て独立するという流れが一般的だったので、「私にはパタンナーは無理だ」と気づいた瞬間、自分の中で"就職"というルートが完全に閉ざされたんですよね。入学して数ヶ月、夏休みを迎えた頃でした。　ちょうどその頃、もう一つ転機となる出来事がありました。当時は「縷縷夢兎（rurumu:）」として、何店舗かに委託販売していた頃だったんですが、あるショップのオーナーさんに「お客さんから、東さんのブランドと他のブランド、どっちがどっちか分からない。同じブランドじゃないの？と言われた」と言われて、それがすごくショックだったんです。私は“まだこの世にないもの”を生み出そうと作っていたのに、側から見たら“すでにこの世にあるもの”だったんだということを思い知らされて、一旦、縷縷夢兎をストップすることにしました。　その後、2年次からはニット科に進級。元々、1本1本毛糸を混ぜて色を作っていく作業が、絵の具を混ぜて絵を描くのに近い感覚で好きでした。当時はガーリーかつ私が得意なサブカルチャーの要素を織り交ぜたニットの表現をしているブランドはほぼいなかったので、ニット科の恩師にも「その方向性で頑張りなさい」と背中を押してもらい、ブルーオーシャンを探していた私にとって突破口になったし「ようやく自分らしい表現ができる方向性を見つけた」という感覚でしたね。ニットでいこうと決めてからは、一度ストップしていたブランドをリブランディングして、今の「ルルムウ（rurumu:）」の元となる服作りを始めました。校舎の12階から見た“上京”の景色　文化で過ごした学校生活の中でも特に思い出深い場所が、12階の学生ホール。12階は学生たちが集まって課題をやる場所になっていて、みんな遅い時間まで残ってパターン用紙を広げていました。私も当時、2日に1回は学生ホールに来て、終電ギリギリまで課題をやっていました。21時くらいになると一回消灯するんですけど、灯が消えても、携帯の灯りとか自販機の灯りを頼りに地道に続けていたのが懐かしいです（笑）。最後は見回りの警備員さんが来て、「早く出ろ」と怒られて帰る、という流れが日常でした。　12階からの景色は、私にとって「上京」を感じる絶景だったんですよ。映画「ロスト・イン・トランスレーション（Lost in Translation）」の劇中で主人公のシャーロットが「パークハイアット東京」の高層階から見下す景色が、私がイメージしていた“東京の景色”で。文化の12階から一望できる東京は、その景色に似ていたから「今、東京にいるんだな」「来てしまったんだな」と、センチメンタルな気分に浸れる場所でした。この景色見たさに、いつも窓際の席を狙っていたのを覚えています。“若気の至り”という名の爆発を経て　思い返すと、高校時代から今まで、なぜかわからないけどずっと生き急いでいました。自分がやりたいと思ったことはまずやってみるし、向いていないと感じたら諦めて、次にいく。文化に行くと決めた時も、誰にも言わずに勝手に調べて勝手に受けて、受かったら上京を決めて。常に事後報告だし、有言実行ではなく不言実行をするタイプでした。そっちの方が恥をかかないっていうだけなんですけどね（笑）。学校の先生からは「東さんには何を言っても聞かないから、言ってもしょうがない」と言われてきたし、多分、親も同じように思っていたと思います。　自分の進路で悩むことも、あまりなかった気がします。私の脳は都合の良いようにできているので、自分にとって必要のないことや嫌な気持ちになることがあったとしても、すぐに忘れちゃうんですよ（笑）。それって私にとってはすごく大切な処世術のようなもので、中学生くらいの時からずっとそうでした。その反面、人から言われて「これは忘れない方がいいかも」と思ったことはずっと肝に銘じるようにしています。高校時代に辛辣なマジレスをしてくれたギャラリーの人のように、誰かに言われて自分の中で生きている言葉はたくさんありますね。18歳で親元を離れて、身近に叱咤激励してくれる人がいる環境じゃなかったからこそ、自分に学びを与えてくれる人と意図的に一緒にいるようにしていたのかもしれないです。私はずっと若気の至りという名の爆発ばかりしてきたけど、一応、素直ではあったんですよ（笑）。尖ってはいたけど、正しい指摘をされたら1回受け止めて、自分の中に落とし込んできた実感があります。　だから、上京したてで新しい生活に悩んでいる学生に何か伝えられることがあるとしたら、福岡の専門学校時代、講師の先生に言われたことを思い出します。「今は数十人が同じクラスにいるけど、10年後に一緒にいるのは1人か、多くても2人くらい。だから、馴染めないことがあったとしても何も気にしなくていい。“何者かになりたい”“夢を叶えたい”と思っているなら、周りと同じことをしていても叶えられるわけないし、馴れ合いが一番無駄」という言葉（笑）。冷めているかもしれないけど、当時その言葉を聞いて深く共感したし、スッキリした気持ちになったんです。　私は、昔からずっと「学校はあくまでもランダムにチョイスされた人間を収容する箱」くらいにしか思ってなくて、気が合う人がいたらラッキーくらいの感覚で期待せずに生きてきたので、行きつけの古着屋や好きな音楽のイベントとか、学校外で知り合った趣味の合う子と遊ぶことのほうが多くて。趣味嗜好の範囲が広くないので、話が通じる友達はすごく貴重で、面白くて刺激的な少人数との密度濃い時間が必要なタイプだったんです。友達という形に固執していなかったから、別に「みんなと仲良く」とかは一切してこなかった。けど、それでいいじゃないですか。やりたいことがあって上京しているなら、導きをくれる先輩たちの叱咤激励、そして沢山の挫折と立ち直りを繰り返すことが何より大事。興味の矛先は沢山あって良いし、迷っても良いので、自由な直感を信じて、素直に実直に、色んな扉を叩いて進んでみてほしいです。◾️あの人の東京1年目第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第3話：アンジュルム 佐々木莉佳子と赤羽橋第4話：オカルトコレクター  田中俊行と清澄白河第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第6話：俳優  佐藤二朗と東京第7話：俳優 髙石あかりと高井戸第8話：エバース 佐々木隆史と上石神井第9話：デザイナー 東佳苗と新宿（文化服装学院）第10話：俳優 光石研と原宿・下北沢

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【あの人の東京1年目】デザイナー 東佳苗と新宿（文化服装学院）

元芸人の不動産屋に勧められるがままに　出身は宮城県登米市で、石ノ森章太郎さんと同じです。子どもの頃からずっとお笑いは好きでしたが、芸人になることは、大学3年生くらいのころからうっすらと考え始めました。大学は野球推薦で入学したので、大学でも野球部に入っていたんですが、あまり合わなくて、そのうち行かなくなりました。でもだからと言って別に他の大学のサークルに入るとか、そういうのは全くなくて。バイトするか、大学行くか、家にいるか。本当に暇な時間が多くて、そうした空いた時間にお笑いを見るようになりました。その時期にダイアンさんのラジオをよく聴いていて、「自分も（芸人に）なろうかな」と思い始めた感じです。あとは「にけつッ！！」もめっちゃ観てました。ゲオでDVDを片っ端から借りて。本当に暇だったので、家にいる時は借りてきたお笑いのDVDを観ながらゲームしたりとか、そんな感じでした。　就職活動をみんなが始める時期に「芸人になりたいなぁ」と思っていたから、就活にもそんなに本気では取り組んでいなかったんです。そのうち4年生になり、周りはみんな就職先が決まったり内定をもらったりしている中でも、僕は特に何もせず。このまま行ったらもう「本当に芸人になるしかないな」って。どんどん現実味を帯びていったというか。　NSCに入るために上京し、東京でアパートを探すために行った不動産屋で担当してくれた人が元芸人で、「芸人やるんだったら、西武新宿線沿いは（家賃が）安いし、新宿も1本で行ける」と薦められ、特に利便性などは考えず、とにかく何もわからなかったので、その人に言われるがまま決めました。上石神井では、家の近所の公園でよくネタ合わせをしていました。この公園はいつもそんなに人がいなかったから、やりやすくて。あとは、公園のすぐそばの「びっくりドンキー」で飯食って、そのままネタ合わせをしたりもしていました。　大学時代から仙台で一人暮らしをしていたので、上京後の苦労はそこまで多くはなかったですが、やっぱり東京は大都会なので「すごく離れた地に来た」という感覚はありました。あとは、上京してすぐ、歌舞伎町の漫画喫茶でバイトをはじめて、思ったより、まあ当然なんですけど客層が悪くて、マジでダルかったですね……。「お前が面白いのはわかったから、町田を面白くしろよ」　NSCに入学してまず最初にあるネタ見せの授業には、授業の一環で行われる「相方探しの会」をきっかけに知り合った別の人とお試しでコンビを組んで出ました。その授業の中では、僕たちのコンビが一番ウケたと思ったんですが、その時の相方がその1回だけで「もう芸人を目指すのを辞める」と言い出して。でも「急に辞めるのは申し訳ないから、代わりに友達を紹介するよ」と言って、連れてこられたのが今の相方の町田（和樹）でした。同じネタ見せの授業の時に町田が組んでいたコンビは一番スベッていたので「うわ、一番スベってたヤツだ！」と思いました。その元相方に紹介されなかったら町田とは知り合いにもなっていなかったと思います。町田との漫才は自分たちでは面白いと思ってやっていたけど、NSC時代は全然評価されなくて、選抜クラスに選ばれたこともなかったし、同期にもろくに知られていなかったと思います。　3〜4年目くらいまでは、「こうやったらウケるんだ」というやり方がよくわからないままに、ただ闇雲にやっていました。でもある時、今でもお世話になってる作家の山田ナビスコさんから、「そのネタはツッコミが（相方の）町田じゃなくてもいい」って言われたんです。その時まで作っていたのは、どちらかというと僕の大喜利ボケというか、言ってしまえばツッコミが誰でも成立するネタだった。だから、「お前が面白いのはわかったから、町田を面白くしろよ」って。　同時に「町田ってどういう時が一番面白いの」と聞かれて。それまでは考えたこともなかったんですけど、いじられたり、困っていたり、追い詰められていたりする時かなって考えるようになってから、結構大きくネタの作り方を変えました。そうしてイチから作り直したネタが一番ウケたんですよ。それまで結果を出していなかったので、「これで行こう」と。　もともと今みたいな日常会話の延長線のようなしゃべくり漫才で、自分たちでは面白いと思ってやっていましたが、昔は「伝え方」が下手くそだったからお客さんに全然聞く耳を持ってもらえなかったんだと思います。例えば「ケンタウロス*」は、6年目か7年目くらいの時に作ったネタなんですけど、例えばあのネタを思いついたとして、以前だったら町田じゃなくて「僕がケンタウロスになる」と言う入りにしていたと思う。「交通費を浮かせたい」という理由が最初にあって、だから「お前をケンタウロスに改造するわ」と言うと、お客さんにとっても設定がわかりやすくなるし、町田のツッコミが熱を帯びるためには「自分が改造される」ってなった方が嫌がるだろうし。*「交通費を無料にする方法」を見つけたと言う佐々木さん（ボケ）が、町田さん（ツッコミ）の下半身をケンタウロスにする手術をしようと説得する漫才。M-1グランプリ2024年決勝で披露した「桜の木の下」は、「末締めだろ」のツッコミも話題を集め、社会人にとって耳馴染みの良いワードや設定も笑いを誘う。「桜の木の下」はエバース公式YouTubeで、「ケンタウロス」はNetflixで配信中の「M-1グランプリ2023」の敗者復活戦で見ることができる。（2025年6月現在）　ネタの考え方は日によります。なんとなく歩いていて思いついたり、テレビや動画を見て気になった単語があったらメモる。「気になった」というのは、本当に簡単なことで、たとえば日常生活の中で「忍者」という単語が目に入ってきて「忍者でネタを作ったことないな」と思ったら、メモっておいて後から見返して考えたりします。　この間パン屋に行った時に、僕のひとり前のお客さんがおじさんだったんですけど、「〇〇で見て、めっちゃ美味しそうだったんで来たんですよ！」って店員さんに話しかけてて、おじさんの後にパンを買って僕も店を出たら、そのおじさんが店の外でパンを取り出して食べ始めていて、「そんなすぐに食いたかったんだ……」と思ったのは面白かったです。そのおじさんは、ふざけているわけじゃなくて、大真面目にマジで早くパンを食いたくて仕方なくて袋を開けたんでしょうけど、こっちからしたらちょっと面白いじゃないですか。家に帰ってから食えばいいのに、みたいな。そういう面白さはネタ作りにおいても意識しています。僕も町田も結構真面目に喋っているのに面白いというか。　芸人になってからはどうしても、「自分が面白いと思うか」よりも「ウケているか」「ウケた方がいい」という芸人目線が入りそうになりますが、常に「学生時代のひとりのお笑い好きの自分がこのネタを見て、面白いと思うのかな」とは考えています。本当に感覚的な話ですが。反面教師になった“野球部的”コミュニケーション　僕は人見知りですが、仲の良い先輩・後輩芸人は比較的多いと思います。人間関係に関して気をつけているのは、特に後輩に対してはこちらから踏み込みすぎないこと。学生時代に野球部だったから特にかもしれませんが、後輩ってあんまり「嫌」って言えないじゃないですか。野球部の頃は遊んでいる時によく仲の良い後輩に対して「あいつ呼ぶか」とか言って電話したりして。そいつは遊んでる時はめっちゃ楽しそうに見えていたんですけど、連絡した時は電話に出ないで、次の日に「すいません、寝てました」とか言われるようになって、「あ、めんどくさいんだな」って気がつきました（笑）。先輩から呼び出されて、後輩が楽しそうにしていても、連絡くるのって基本だるいんだなってことを野球部で学んだので、芸人になってからは自分から後輩に連絡しなくなりました。でも後輩の方から連絡をもらったら、本当に行きたいんだなと思うので、飯にも行きますよ。 　先輩に対しては、人によりますけど、相手にとって失礼にならない程度のボケを言う。自分が後輩にされたとしても、めっちゃ気を遣われるよりは、フランクなボケをされた方が心を開いてくれている感じがすると思うので。流石に初対面ではしませんけど、仕事とかライブとかでよく一緒になって、ある程度世間話ができるような仲になったら、そういう踏み込み方をする時もありますね。気楽にやっている方が目標は見えてくる　今でも新ネタライブを毎月やっていて、常に「新ネタどうしよう」という頭ではあるので、野球も好きですが、それでも一日の大半を占めるような趣味は特になくて、お笑いのことを考えている時間が一番多いかもしれません。　「若手芸人は基本的にネタを作った方がいい」という風習もありますし、暇ですし、単純に仕事もなかったので、新ネタを作るしか結果を出す方法がなくて、駆け出しの頃はとりあえずガムシャラにネタを作っていました。今は当時と比べるとペースは落ちていますが、「今年、まだ1本もいいネタができてないな」と思うとちょっと焦ります。去年や一昨年の自分よりネタを作る能力が落ちてるのかなと思っちゃうんで、自分を安心させるため、みたいな感覚かもしれません。　新しい環境って、最初から頑張らなきゃとか、結果を出さなきゃとか、まだ頑張る方法すらわかっていないのに無理をして、憂鬱になったり、仕事を辞めたくなったりすることもあるじゃないですか。でも、最初はとりあえず気楽にやってるうちに、何となく自分に向いているものとか、目標とか、ここを頑張らなきゃいけないんだっていうのが見えてくるから。肩肘張らずにやった方がいいなって思いますね。◾️あの人の東京1年目第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第3話：「アンジュルム」 佐々木莉佳子と赤羽橋第4話：オカルトコレクター  田中俊行と清澄白河第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第6話：役者 佐藤二朗と登戸第7話：俳優 髙石あかりと高井戸第8話：エバース 佐々木隆史と上石神井第9話：デザイナー 東佳苗と新宿（文化服装学院）第10話：俳優 光石研と原宿・下北沢

【あの人の東京1年目】エバース 佐々木隆史と上石神井

秘密基地を探した幼少期、夢はずっと「俳優」　私が生まれ育った宮崎という場所は、人と人との距離がすごく近かった。近所の人と会ったら必ず挨拶するし、「秘密基地を探す！」と言って、友達と探検に出かけたりするような活発な幼少期を過ごしていました。屋根の上に登って、家から持ってきた布団や毛布をそこに敷いてみんなで寝たりとかして、よく怒られてました（笑）。　兄が1人いるんですが、昔から友達みたいな関係性で。2人で旅行に行ったり、よく電話したりするくらいすごく仲が良いです。　将来の夢は、本当に物心ついたときから「俳優」でした。保育園の頃にテレビドラマ「花より男子」を観て、井上真央さんに憧れて。それからずっと、俳優になりたいと思い続けていました。上京して過ごした思い出の街、高井戸とみずほ台　元々小学生のときに地元のダンススクールに通っていたのですが、そこに貼られていたポスターを見て、2014年に自分の意思でエイベックス主催のオーディションを受けて賞をいただいたことが、芸能活動の始まりでした。　芸能活動のために宮崎と東京を行ったり来たりする生活をスタートしたのは、中学生の頃。東京では高井戸に住んでいたので、当時は井の頭線によく乗っていた記憶があります。 　その後、高校生になって本格的に一人暮らしを始めたとき、最初に住んだ街は埼玉のみずほ台。当時の私はよく電車に忘れ物をしてしまって、その度に毎回駅員さんのところに行っていたので、「ああ、また君か」みたいな感じでした（笑）。好きだからやっていただけで、「努力をした」という感覚はない　「好きだからやる」「楽しいからやる」みたいな気持ちが強かったので、俳優になるために「努力をした」という感覚は、自分の中ではあまりなくて。例えば、上京した当時はいろいろな台本をネットで探して、ひたすら読んだり演じたりしていました。もしかしたら、それは他の人からすると大変なことなのかもしれないですが、私にとってはものすごく楽しかったんです。　ひとつひとつの役にはそれぞれの感情があるので、いくらレッスンしても、必ずしもそれが現場でできるわけじゃない。レッスンで身につく“技術”ももちろん大切ですが、最終的に必要なのは、役とどう向き合うかという“心”だと思っています。それは経験でしか養えないものなので、「とにかく経験を積むしかない」と途中で諦めがついた部分もありますし、それによって得られたものもたくさんありました。　同じように、「もっと深みのある芝居がしたい」、他の俳優さんの演技を見て「あんな表情をしたい」と思っても、年齢を重ねなければできないことも多くて。でも、私は望みを捨てないし諦めないタイプなので、昔から「どうにか土俵に立ちたい」「早く大人になりたい」と思いながら、ずっとやってきました。　これまで、お芝居をする中で壁にぶつかることは何度もありました。でも、監督さんから演技に対して「違う」と言われたときには、どうしても自分だけでは解決できない部分もあるので、何が「違う」のかを直接聞いて、少しでも“正解”に近づけるようにしています。　一方で、自分との間にある壁については「仕方ない」と考えるしかないと思っていて。自分では「納得できない」と思っても、監督さんが「良い」と判断したのであれば、それが一つの答え。それで実際に作品を見てみると、意外とすごく良かったりすることもあるんです。だから、OKが出たお芝居に対して自分が納得できていないのであれば、悔しいという感情は大切にしながらも、「次、頑張ろう」と気持ちを切り替えています。　だけど、基本的に私は壁にぶつかることが好きなんです。だって、「できた」と思ってしまったら、もう面白くないじゃないですか。お芝居はわからないことだらけで“正解”も全然ないからこそ、すごく楽しくて。だから、俳優やお芝居の仕事は自分にすごく合ってるんだろうなと思います。昔と今で変化した、“服”との向き合い方　学生時代は、黒いジャケットやオーバーサイズのロングコートを着たりと、結構大人びたファッションが好きでした。当時は、自分の気持ちを上げてくれる「ファッション」というものにすごく助けられていた部分があったし、正直今よりもお洒落だったと思います（笑）。日本の雑誌よりも海外のファッション雑誌に載っているようなスタイルが好きで、そういう服を扱っているセレクトショップで買い物をすることも多かったです。　今は、衣装として素敵な服を着せていただく機会が増えましたが、着るとやっぱりぐっと気持ちが上がります。そして、作品では役に入るために“服の力”がすごく大事なんです。衣装を通して「この人はこういうタイプだったんだ」と役を知る助けになることも多いですし、私自身も服を着ることで雰囲気が切り替わりやすいタイプで。だからこそ、今は衣装を着たときにそれが“スイッチ”になるように、普段は自分が素でいられる服を選ぶようにしています。 「他人にも自分にも“思いやり”を持っていたい」　上京してからこれまで、人との出会いにはすごく恵まれているなと感じています。今お仕事で日々関わっている皆さんも本当に良い方たちばかりですし、特に、家族以上に多くの時間を共にするマネージャーさんの存在は大きいです。今のマネージャーさんとは出会ってから5年以上が経ちますが、時には厳しく、時には優しく背中を押してくれる愛情深い方。俳優としても、一人の人間としても育てていただいたので、感謝しています。　私は結構誰とでも仲良くなれるタイプではあるのですが、「友人は無理して作らなくていい」と考えていて。「仲良くなる」というのは、必ずしもプライベートに踏み込む必要はなくて、リスペクトし合える関係性の中で「お仕事として仲良くなる」というのも素晴らしいことだと思うんです。私もプライベートの友人は少ない方ですが、自分にとっては今の状態がすごく心地よくて。だから、「友達を作らなきゃ」と無理している方がいるなら、「こういう人もいるよ」と伝えたいです。　よく「自分と似た人が集まる」と言ったりしますが、信頼できる良い友人や仲間に出会うためには、まずは自分自身が幸せにハッピーに生きることが大切なんじゃないかと思います。そうすれば、自然と良い人たちが近くに来てくれるような気がします。　そして、私は周りの目線を気にするのをやめたことで、「自分らしさ」を手にすることができたと感じていて。私にとっての自分らしさは「思いやり」。他人に対してはもちろん、自分に対しても思いやりを持っていたいと思っています。私も俳優のお仕事をしていく中で、正解がないことに悩んだり迷ったりすることもたくさんありますが、そんな自分のことも受け入れながら、日々少しずつ学び、進んでいるところです。◾️あの人の東京1年目第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第3話：「アンジュルム」佐々木莉佳子と赤羽橋第4話：オカルトコレクター  田中俊行と清澄白河第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第6話：俳優 佐藤二朗と登戸第7話：俳優 髙石あかりと高井戸第8話：エバース 佐々木隆史と上石神井第9話：デザイナー 東佳苗と新宿（文化服装学院）第10話：俳優 光石研と原宿・下北沢ドレス 13万7500円／seya.、イヤリング 1万8700円／SAFON､ネックレス 1万6500円／YArKA､ブレスレット 1万8700円／four seven nine､リング 3万9600円／O-KI（ジュエリーは全てロードス）、その他スタイリスト私物styling: Kenshi Kaneda, hair & makeup: Aya Sumimoto | photography: Hikaru Nagumo(FASHIONSNAP)

【あの人の東京1年目】俳優 髙石あかりと高井戸

HERMÈS

Stone Island

SAINT LAURENT

BURBERRY

Levi's®

オアシスの押さえておくべき功績【連載：いまさら聞けないあのアーティストについて】

カスタムアーカイブ

パスタを茹でながら考える「新しさ」について　リリー・フランキーさんが教えてくれたこと

カルティエのヴィジョンを体現したパビリオン　カルティエは、ジェンダー平等と女性のエンパワーメントをラグジュアリーメゾンの責任ある行動として捉え、これまでにも精力的に啓蒙活動を行い、継続的に支援してきました。大阪・関西万博では、ドバイ万博に続き、ウーマンズ パビリオンを再び展開。東ゲートゾーン 大屋根リング外の日本館の隣に位置するウーマンズ パビリオンは、真っ白な立体的格子が組み合わさってできたファサードが目印です。ドバイ万博の日本館で建築家・永山祐子により設計された日本の伝統とモダンを融合させた組子ファサードが大阪・関西万博でも再利用され、ウーマンズ パビリオンとして新たな命が吹き込まれました。没入型ストーリー体験──順路で辿るパビリオン内部　組子のファサードから青空が爽やかに覗くエントランスの「THE GARDEN」を通り抜け、入り口で配布されるヘッドセットのオーディオガイドに従って2フロアからなる館内へ。旅の主役となる"あなた"の名前を音声で登録し、パビリオンでの体験がスタートします。ロンドン五輪の閉会式や数々のセットデザインを手掛けてきた、イギリス人現代美術家のエズ・デヴリンが、パビリオンのグローバル アーティスティック リードを務めています。　まず、ゲストを迎えるのは「THREE WOMEN」の部屋。エズ・デヴリンと映画監督 河瀨直美が手掛けた3人の女性、小説家 吉本ばなな／詩人・アクティビスト エムティハル・マフムード／環境保護活動家 シエ・バスティダのショートフィルムが投影されています。来場者は「THREE PATHWAYS」で3人のいずれかの人生を辿る物語に導かれ、扉の先へと進みます。　国籍や年齢、職業の異なる3人の女性の歩みを追体験した後は、しばし足を止め、自己と向き合う「MA」のスペースへ。日々、たくさんの人が来場する万博会場でひと時の静寂の時間を過ごします。　「PUZZLE BOX」は、UN WOMENよる現代社会における女性を取り巻く統計データのほか、ジェンダー平等の現状や各国のリーダーによるアクションなどが映し出されている学びの部屋。スクリーンに映し出される選択肢をタッチし、自身のリーダータイプが診断されるインタラクティブな展示も。 　そして最後の部屋「YOUR HAND」では、多様な14人のロールモデルが登場。ヴィジュアルエフェクトとともに現れる登場人物それぞれのブースに手をかざすと、希望あふれるメッセージが浮かび上がる、という仕掛けです。 ▲黒柳徹子さんのブースでは「咲くはわが身のつとめなり。／ Bloom with Purpose.」の文字が。これは著書「続 窓際のトットちゃん」に出てくる先生の言葉。自分の個性や才能を最大限に活かし、社会に役立てるべきという意味が込められた力強いメッセージです。そのほか、僧侶でアーティストの西村宏堂さんやわずか10歳で環境問題に取り組む会社を起業した細井愛茉さんなどの日本人も。　2階へと続く階段を登ると、吹き抜けの庭園「UPPER GARDEN」が開放的に広がります。景観デザイナーの萩野寿也が手掛けた館内の植栽は、地域の植物を中心に構成され、木々は万博終了後には地元の山に還されるそう。　会期中、2階の「WA」スペースでは世界的な専門家やヴィジョナリーリーダーなどを招聘し、6つのテーマのもと150をこえる講演会やパネルディスカッションといったイベントを定期的に開催。オーディエンスに考えるきっかけを与え、アクションへの一歩を後押しします。事前予約をすれば、誰でも参加可能。6月は中田英寿、熊川哲也、ファッションデザイナーのガブリエラ・ハースト、SHELLYなどが登壇を予定しています。ウェブサイトでは最新情報が随時更新中。詳しくはこちら　パビリオンのアテンダントユニフォームは、「サカイ（sacai）」デザイナー兼クリエイティブディレクターの阿部千登勢が担当。白のシャツにグレーのパンツを合わせ、サカイらしいシルエットとディテールが特徴です。世界が注目するセレブレーションイベントのハイライト　セレブレーションイベントの一環として、式典やコンサートなどが万博の舞台を彩ります。5月21日には万博内EXPOホールにてオープニングセレモニーが開催。国内外およそ1600名がお祝いに駆けつけ、特別な日に華を添えました。　オープニングセレモニーでは、「ともに生き、ともに輝く未来へ」のメインテーマのもと、詩の朗読やドラムパフォーマンスのほか、女性のエンパワーメントを体現してきたグローバルリーダーたちによるスピーチが披露。フィナーレには和太鼓や雅楽の演奏をバックに奄美大島出身の唄者 里アンナによる力強い歌声で日本古来の自然讃美を歌ったオリジナル曲「心に咲く花」が会場に響きわたり、エズ・デヴリンが手掛けた舞台演出と相まって、約1600人の観客を感動の渦に巻き込みました。　翌22日には堺市内でカルティエが創設した女性起業家支援プログラム「カルティエ ウーマンズ イニシアチブ（CWI）」のインパクトアワード授賞式が開催され、9人の社会にインパクトを与える女性起業家が表彰されました。2006年の創設以来19年目を迎えるこのプログラムでは66ヶ国約330人のフェローを輩出。現在2026年度CWIを募集しており、女性起業家の更なる活躍を後押ししています。　3日間にわたるセレブレーションイベントの最後を締め括ったのは、特別記念コンサート「マザーアース（Mother Earth）」。大阪のザ・シンフォニーホールで開催された公演では、シモーネ・メネセス氏の指揮のもと、ファジル・サイ作曲のピアノ協奏曲「Mother Earth」が世界初披露され、大阪フィルハーモニー交響楽団と共演しました。自然の四要素（水、空気、火、大地）に着想を得たこの協奏曲は、地球温暖化への深い懸念と警鐘のメッセージも込められています。　国籍や世代の異なるリーダーたちのストーリーと出会い、さまざまな視点から女性にまつわる社会課題に触れることで、学びと気づきを与えてくれる「ウーマンズ パビリオン」。性別を問わず訪れたすべての人が、社会との関わりを"ともに"考えることでより良い未来を手繰り寄せることができるはず。大阪・関西万博のウーマンズ パビリオンで「ともに生き、ともに輝く未来へ」の一歩を踏み出してみては。

大阪・関西万博で体感する“エンパワーメント”──「カルティエ」ウーマンズ パビリオンの全貌

マルジェラが語る“マルタン・マルジェラ”あらすじなぜ、マルタン・マルジェラは評価され続けるのか？革新的、繊細で優しく、かつ大胆不敵、本質を見極め、決して妥協しない。マルジェラの創造性と仕事術、その全貌が明かされる。　1988年に自身のブランドを設立し、解体や再構築など斬新なアプローチでファッション界に多大な影響を及ぼしたデザイナー、マルタン・マルジェラ（Martin Margiela）。1997年から2003年にかけて、フランスの老舗メゾン「エルメス（HERMÈS）」のウィメンズプレタポルテのアーティスティックディレクターを務めたときは、装飾を抑えたミニマルなデザインが評価されました。マルジェラは匿名性を重んじ、自身の顔を公開せず、メディアのインタビューもほとんど受けないという秘密主義を貫き通し、2008年にファッション業界を引退しました。そんな彼の本当の姿に迫る作品です。プラダを着た悪魔あらすじ恋に仕事にがんばるあなたへ贈るゴージャス＆ユーモラスなサクセスストーリー。ジャーナリストをめざしてNYにやってきたアンディ。オシャレに興味のない彼女が、世界中の女性が憧れる仕事を手にしてしまった！それは一流ファッション誌“RUNWAY”のカリスマ編集長ミランダのアシスタント。しかし、それは何人もの犠牲者を出してきた恐怖のポストだった！悪魔的にハイレベルな要求と鳴り続けるケイタイ、「センス、ゼロ!!」と酷評され、私生活はめちゃめちゃ。このままでいいの？　私って、本当は何をしたいんだっけ？　ファッションに関する映画のなかでも、ひときわ有名な作品ではないでしょうか。原作者ローレン・ワイズバーガー（Lauren Weisberger）本人が、かつて米国版「ヴォーグ（VOGUE）」でアシスタントとして働いていた体験を反映しているとされ、劇中で主人公アンディをこき使う「ランウェイ」誌の編集長ミランダのモデルは、ヴォーグの名物編集長アナ・ウィンター（Anna Wintour）だと言われています。メットガラ ドレスをまとった美術館あらすじメトロポリタン美術館（通称：メット）にて、年に一度開催される世界最大のファッションイベント「メットガラ」。その主催者は、ファッション誌US版「VOGUE」の編集長で、メットの理事でもあるアナ・ウィンター。彼女が主催するこのイベントの目的は、服飾部門の活動資金調達（アナが理事就任してからの活動資金総額は1億2千万ドル超）。そんなイベント開催に向け、アナとコンビを組むのはメットのキュレーター、アンドリュー・ボルトン。彼は従来の服飾展示を脱却した挑発的な展示で人々から絶賛を浴び、アナからも一目を置かれていた。そして二人は、15年の企画展「鏡の中の中国」に向け、アジア美術部門に企画を持ち込むが、様々な問題が発生し…。本作は史上最多の入場者数を記録した展示会の制作過程やスタッフ、豪華セレブ陣に密着した、至福ドキュメンタリーである。　プラダを着た悪魔の登場人物のイメージソースとされる、アナ・ウィンターが主導するファッションイベントが「メットガラ（Met Gala）」です。数多くのセレブリティが、著名デザイナーによる趣向を凝らしたファッションでレッドカーペットに登場することで知られており、これまでリアーナ（Rihanna）やレディー・ガガ（Lady Gaga）、キム・カーダシアン（Kim Kardashian）らのスタイルが、世界的な話題になりました。アンドレ・レオン・タリー 美学の追求者あらすじ差別の激しかったアメリカ南部に生まれた彼がいかにしてファッション界の伝説となったのか。その足跡と彼の哲学を、アナ・ウィンターやトム・フォードといったファッション関係者に加え、ウーピー・ゴールドバーグ、イザベラ・ロッセリーニをはじめとする彼をよく知るセレブたちのインタビューを通して明らかにしていく。　アナ・ウィンターの右腕として知られたのが、ファッションジャーナリストのアンドレ・レオン・タリー（ANDRÉ LEON TALLEY）です。1988年にヴォーグ初の黒人男性クリエイティブ・ディレクターに就任。2メートル超の長身と華麗なケープ姿、豊富な知識と鋭い審美眼で業界に大きな影響を与えました。マドモアゼルＣ　ファッションに愛されたミューズあらすじ2011年、10年間君臨した仏「VOGUE」誌の編集長を突如として辞任したカリーヌ・ロワトフェルド。その後、自らの名前を付けたレーベルを発表し、自伝的な本の出版、かつてない斬新な雑誌「CR Fashion Book」の創刊など、現在59歳にして次から次へと新たな挑戦に乗り出している。カール・ラガーフェルドやトム・フォード、ドナテラ・ヴェルサーチといったトップデザイナーの素顔を通してファッション界の裏側を覗きながら、新雑誌の制作過程から発売までを追う。　カリーヌ・ロワトフェルド（Carine Roitfeld）は、モデルとして活動した後に、ファッション雑誌「エル（ELLE）」のフランス版でスタイリストとしてのキャリアを築きました。著名なフォトグラファー、マリオ・テスティーノ（Mario Testino）との協業が注目を浴び、トム・フォード（TOM FORD）時代の「グッチ（GUCCI）」や、「サンローラン（SAINT LAURENT）」のキャンペーンにも携わります。その後、2001年から2010年までフランス版ヴォーグの編集長を務め、2015年には「ユニクロ（UNIQLO）」とのコラボレーションも行うなど、今もファッション界に多大な影響力を持つ人物です。マリー・クワント スウィンギング・ロンドンの伝説あらすじ第二次世界大戦後、戦争の爪痕と階級差別が残るロンドンで、若者たちは自由を求めていた。フランスのオートクチュール発の優雅で女らしいファッションに窮屈さを感じていたマリー・クワントは、1955年に自分が着たい服をクリエイトしたロンドン初のブティック「BAZAAR」をチェルシーのキングス・ロードにオープン。開店直後からマリーがデザインした服は奪い合いになり、60年代初めには動きやすく少女らしさを演出するミニスカートが世界中で大ブームを巻き起こす。若い女性の“ほしい”に敏感なマリーを支えたのは、夫のアレキサンダー･プランケット･グリーンと友人のアーチー・マクネア。ブランドのアイコンであるデイジーはファッションから下着、メイク、インテリアと生活に広がり続け、3人はファッションビジネスの新機軸を打ち出してゆく。　第二次世界大戦後のイギリス・ロンドンではベビーブーマー世代が成長して消費者として力を持ち始める一方、保守的な価値観に飽き足らない若者たちが新しい文化を求めていました。そんな世情を背景に、「ザ・ビートルズ（The Beatles）」や「ザ・ローリング・ストーンズ（The Rolling Stones）」らミュージシャンとともに、世界のトレンド発信地になった「スウィンギング・ロンドン」を象徴するファッションデザイナーが、マリー・クヮント（Mary Quant）でした。特にミニスカートの普及において中心的な役割を果たし、若い女性たちが大胆に脚を露出する自由と自己表現を後押ししたことは、ファッション史を語るうえで欠かせない功績です。エンペラーズ ジュエル 皇帝の宝石 - ブルガリ ホテル ローマができるまであらすじアウグストゥス帝政時代から2023年6月8日の新しいホテルのグランドオープニングイベントまでのタイムラインを描きながら、観客をブルガリ ホテル ローマの舞台裏へと誘う、ビジュアル豊かなドキュメンタリーです。ブルガリ ホテル ローマ開業プロジェクトの背後にある綿密な計画、建築の素晴らしさ、芸術的なヴィジョンを掘り下げるこの作品は、ホテル建設とブルガリのジュエリーのクラフツマンシップとの類似性を描き、ローマの伝統、イタリアの創造性、時代を超えたデザインを強調しています。　「ブルガリ（BVLGARI）」は、1884年にギリシャ出身の銀細工師ソティリオ・ブルガリ（Sotirio Bvlgari）がローマに開いた宝飾店がルーツで、古代ローマ遺跡やルネサンス芸術に着想を得た大胆な色石使いと幾何学的デザインで評判を呼び、1950～60年代にはエリザベス・テイラー（Elizabeth Rosemond Taylor）などの映画スターが愛用。その後、時計や香水、レザーグッズなどを手掛けるようになります。2001年にはホテル事業を開始。ラグジュアリーライフスタイルを総合的に提案しています。ヘルムート・ニュートンと12人の女たちあらすじ1920年ベルリンに生まれ、映画やラジオなどの大衆文化が広まったワイマール文化の中で育ったニュートンは、50年代半ばから各国版の「ヴォーグ」誌をはじめとするファッション誌にユニークかつ衝撃的な作品を次々と発表。ワーグナーの歌劇に登場する女神のような女性たち、バロック趣味のインテリアや建築物に覆い尽くされた作品世界は、それまでの着せ替え人形のようなモードを見慣れていた読者に強烈なインパクトを与えた。だが、その作品は「ポルノまがい」「女性嫌悪主義」との議論も巻き起こし、「20世紀を最も騒がせた写真家」とも呼ばれた。本作は、2020年にニュートンの生誕100年を記念して制作されたドキュメンタリー。　20世紀を代表するファッションフォトグラファーである、ヘルムート・ニュートン（Helmut Newton）。1960年代よりパリを活動拠点に活動を始め、そのモノクロの洗練された光と影のコントラストと、人間の肉体美を大胆に捉え、官能性・挑発性を帯びたフェティッシュな作風で一躍注目を集めました。ホワイト・ホット: アバクロンビー&フィッチの盛衰ネットフリックスで観るあらすじ90年代後半から2000年代前半、魅力あふれるモデル、高鳴るダンスビート、刺激的な香りでショッピングモールを席巻したアバクロンビー&フィッチ。広く熱烈な支持を得るなか、排他的なブランド戦略と差別的な人材雇用の実態が明るみに出ると、アメリカの若者を象徴するブランドイメージが崩れていきます。　「アバクロンビー＆フィッチ（Abercrombie & Fitch）」は、1892年にニューヨークでデビッド・T・アバクロンビー（David T. Abercrombie）が開いた高級アウトドア用品店が起源。市場変化で衰退し1977年に一度清算するものの、1988年にリミテッド傘下となって若者向けカジュアルブランドへ転換し、2000年代にはアイビーリーグの学生やビーチリゾートのライフスタイルを思わせる、健康的でスポーティー、かつセクシーな打ち出しで高い人気を集めました。HOMECOMING: ビヨンセ・ライブ作品ネットフリックスで観るあらすじ「HOMECOMING: ビヨンセ・ライブ作品」は、2018年のコーチェラ・フェスティバルで魅せたビヨンセの歴史的なパフォーマンスに密着。その中で彼女はアメリカの歴史的黒人大学に敬意を表しています。ありのままの映像とインタビューが散りばめられ、準備段階や彼女のビジョンの裏に秘められた力強い意図までが詳しく描かれている「HOMECOMING: ビヨンセ・ライブ作品」は、ショーとしてのコンセプトから文化運動に至るまでの込められた熱い想いをたどります。　ビヨンセ（Beyoncé）はR&Bグループ「デスティニーズ・チャイルド（Destiny's Child）」で頭角を現し、2003年のソロ作「Dangerously in Love」でグラミー5冠を達成。パワフルな歌唱と高度なダンス、映像演出を融合させる表現力で、ポップ・R&Bの地平を拡張してきました。ファッションアイコンとしても絶大な影響力を持っており、SNSでの発信やレッドカーペットでの着こなしには大きな注目が集まっています。

ファッション業界を描いた映画まとめ　ネトフリ＆アマプラで視聴可能な10作品

体験編　大阪市の人工島「夢洲」に建設された万博会場の総面積は、約155ヘクタール。東京ドーム約33個分、東京ディズニーランドにして約3個分相当と、ぐるっと一周するだけでも一苦労。そんなボリューム満点のコンテンツの中から、特に必見の4つのパビリオンと展示を紹介します。世界最大の木造建築にギネス認定、全周2kmの「大屋根リング」　会場に到着すると、まず目に飛び込んでくるのが「大屋根リング」。建築家の藤本壮介氏がプロデュースした建築は、会場全体を取り囲むような設計で「多様でありながら、ひとつ」という会場デザインの理念を表す、同万博のシンボルとなっています。日本の神社仏閣などに使用されてきた伝統的な貫接合に、現代の工法を加えて建築された同建築は「最大の木造建築物」として、ギネス世界記録にも認定されました。エスカレーターで屋根上の舗道「スカイウォーク」に登れば、会場全体を見渡しながら、全周2kmをぐるっと散歩することができます。また、屋根下に設置されたベンチは、雨風や日差しを遮断しながら休憩できる絶好のスポットです。LVMHが卓越した職人技を紹介する「フランスパビリオン」　160を超える国と地域、国際機関が参加する今回の万博。限られた時間の中、どの国のパビリオンに参加するべきか迷ってしまうかもしれませんが、ファッション好きならば、まずはフランスパビリオンに向かってください。フランスパビリオンには、メインパートナーとしてLVMHが参画し、同社を代表する5つのメゾンが出展。「メイド・イン・フランス」の価値を体感できる展示を通して、フランスが誇るサヴォアフェールとアール・ド・ヴィーヴルの精神を発信します。　「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」と「ディオール（DIOR）」の展示は、万博の期間と同様、半年間常設されます。ルイ・ヴィトンは、建築家の重松象平氏とコラボレーションし、「日本への愛」と「時を超えるクラフツマンシップへの愛」にオマージュを捧げた展示を用意。メゾンのアイコニックなトランク84個を配したライブラリーには、アトリエの音を再解釈したサウンドトラックが響き、アーティストの真鍋大度氏が手掛けた映像作品も放映されます。ディオールは、職人技と手仕事へのオマージュとして、トリコロールカラーの「バー」ジャケットやアンフォラ ボトル、約400点の白いトワルや、3Dプリントで再解釈されたフレグランスボトルを並べたインスタレーションを用意し、タイムレスなエレガンスを表現。アーティスト高木由利子氏の作品や、デザイナーの吉岡徳仁氏によるメダリオンチェア、建築家の妹島和世氏が手掛けた「レディ ディオール」などを通して、メゾンと日本のつながりを讃えます。　「セリーヌ（CELINE）」は開幕から5月11日まで、「ショーメ（CHAUMET）」は9月1日から10月13日までの期間限定で展示を披露。セリーヌは、石川県輪島市を拠点に、伝統的な漆器を制作するアーティスト集団の彦十蒔絵とコラボレーションしたメゾンのアイコニックなシンボル「トリオンフ」を展示します。ショーメは、空間全体を煌めきで演出した没入型の展示を実施予定。麦の穂やミツバチ、ミツバチの巣（ハニカム）などのモチーフとともに、メゾンが培ってきた自然の美しさと生命力への賛辞を表します。ちなみに、同館で味わうことができるビストロは、「モエ ヘネシー（Moët Hennessy）」がプロデュースしています。ジェンダーを超えた公平な未来へ導く「ウーマンズパビリオン」　続いて紹介するのが、夢洲駅からほど近い東ゲートゾーンに設置された「ウーマンズパビリオン in collaboration with Cartie」。その名の通り、「カルティエ（Cartie）」とのコラボレーションによって実現したプロジェクトです。コンセプトは「When women thrive, humanity thrives ～ともに生き、ともに輝く未来へ～」。社会における女性の役割とともに、ジェンダーを超えて誰もが公平であることを望む、持続可能な未来の構築を目指し、建築やコンテンツ、対話など多角的な展示を行います。　同パビリオンのメインコンテンツが、3人の女性を主人公としたストーリーとともに展開する、没入型のキュレーション「THREE PATHWAYS」。日本を代表する作家 吉本ばなな氏、詩人でアクティビストのエミ・マフムード氏、環境保護活動家のシエ・バスティーダ氏の3人のショートフィルムが流れたあと、3人の中から1人の部屋を選ぶことで、それぞれのこれまでの人生を追体験できるインスタレーションが楽しめます。ちなみに、ショートフィルムを制作したのは、映画監督の河瀬直美氏。　そのほか、世界中の男女平等の現状について、各国のデータに基づいて表現したインスタレーション「PUZZLE BOX」や、世界で活躍する14人の活動家のメッセージに触れることができる体験型の展示「YOUR HAND」なども用意。日本からは、タレントの黒柳徹子氏や、メイクアップアーティストで僧侶の西村宏堂氏、社会起業家の細井愛茉氏、寿司職人の三好史恵氏が参加。それぞれの声を通して、未来へのメッセージを届けてくれます。■公式サイト“未来の自分”に出会える「大阪ヘルスケアパビリオン」　万博ならではの最新テクノロジーが集結した「大阪ヘルスケアパビリオン」では、「リボーン（REBORN）」をテーマに、25年後の未来の都市生活をイメージした体験を用意しています。中でも、おすすめなのが「リボーン体験ルート」。プリクラ機のような「カラダ測定ポッド」に入り、自分の髪や肌年齢、視覚、脳、筋骨格などの数値を測ると、25年後の自分のアバターが形成され、専用のリストバンドを装着することで、アバターと一緒に展示を楽しむことができます。ちなみに、アバターの衣装を手掛けたのは、「ハトラ（HATRA）」のデザイナー長見佳祐氏。自分のアバターがどんな衣装に身を包むのか、必見です。　測定ポッドで計測したデータに基づき、今の自分に必要な栄養を補完できるサプリを提供してくれるフードスタンドをはじめ、「未来では洋服ではなくロボットを着用しているかもしれない」という発想をもとに、VR体験を通して自分にピッタリのロボットスーツを提案してくれるアトラクションも。25年後の未来に思いを馳せながら、さまざまなテクノロジーを体感できるスポットです。リボーン体験ルートの参加には予約や公式アプリの事前登録が必須なので、詳しくは公式サイトをチェックしてください。■公式サイトお土産編　万博では、会場でしか手に入らないお土産も見どころの一つ。オフィシャルショップには、バリエーション豊かな「ミャクミャク」のマスコットやお菓子などが所狭しと並んでいますが、今回は、ファッション好きならぜひチェックしてほしい2つのショップと、そこで出会える限定アイテムをピックアップします。アーバンリサーチが手掛ける「アーバン博」　大阪に拠点を持つファッション企業・アーバンリサーチは、会場西側のセービングゾーンに、限定アイテムを取り扱う期間限定店「アーバン博」を出店。テーマは「未来につながる“すごい”をシェア」。他のオフィシャルストアでは手に入らない、同店ならではのアイテムとして、「カンペール（CAMPER）」とのコラボレーションによる雑貨や、アーバンリサーチの社員100人の声の振動を柄にしてデザインし、商品化するプロジェクト「一〇〇 VOICES」による鯉口シャツといった限定アイテムをラインナップ。変わり種のお土産を求めている人は訪れるべきスポットです。■公式サイトファッションブランドとの限定コラボに出会える「大丸松坂屋百貨店」　夢洲駅からすぐの東ゲートのそばにオフィシャルストアを出店している大丸松坂屋では、百貨店ならではのファッションブランドとのコラボアイテムをラインナップしています。開幕時には、「ミントデザインズ（mintdesigns）」「ジェラート ピケ（gelato pique）」「ジャーナル スタンダード レリューム（JOURNAL STANDARD relume）」の3ブランドとのコラボレーションを展開。それぞれのブランドが持つスタイルとミャクミャクをかけ合わせた独自のアイテムを揃えます。

【大阪・関西万博】ファッション好きが楽しめるスポット6選

阿部千登勢  ⎯ 「ウーマンズ パビリオン in collaboration with Cartie」　「ウーマンズ パビリオン in collaboration with Cartier」は、内閣府、経済産業省、「カルティエ（Cartier）」、2025年日本国際博覧会協会と共同で手掛けるパビリオン。「When women thrive, humanity thrives ～ともに生き、ともに輝く未来へ～」をコンセプトに掲げ、建築や没入型の体験コンテンツなどの展示を通して来場者の視点変革を目指しています。　ウーマンズ パビリオンのアテンダントユニフォームは、「サカイ（sacai）」デザイナー兼クリエイティブディレクターの阿部千登勢が担当。調和とモダニティを身に纏えるようなユニフォームとなっています。ヨウヘイ オオノ⎯「住友館」アテンダントユニフォーム　住友グループが出展するパビリオン「住友館」は、森の中で様々な「いのちの物語」に出会うインタラクティブな体験や、来場者が参加できる「植林体験」を実施します。　ヨウヘイ オオノにとって初めてのユニフォームデザインとなる住友館のアテンダントユニフォームでは、「ジャケットやパンツ・カットソーを⽤いたスーツスタイル」「帽⼦やシューズ」などを共通デザインとしながら、2種類のユニフォームを制作。分量のあるプリーツを採⽤したジャケットや動きやすさや霧が漂う空間における快適性を意識した丈感のパンツ、サイクリングトップをベースにしたスポーティーなインナーなどをデザインしました。ユニフォームの素材には、住友商事グループ企業が全国の⼩売店などで独⾃に回収されたペットボトルからエコ・リサイクル⼯程で再⽣された特殊⻑繊維⽤ペレット「bottlium®（ボトリウム)」と、住友化学が開発した吸熱と放熱の特性を併せ持つ温度調節樹脂「コンフォーマ®」を⽤いた繊維を使用しています。中里唯馬 ⎯ 「Better Co-Being®」アテンダントユニフォーム　「Better Co-Being®」は、慶應義塾大学医学部教授 宮田裕章氏がテーマ事業プロデューサーを務めるシグネチャーパビリオン。ゴールドウインは、同パビリオンにサプライヤー協賛し、デザイナーに中里唯馬を迎え、ユニフォームを製作しました。　ユニフォームは、形ある物が絶えず移ろい続ける様を意味する「IMPERMANENCE」という言葉をテーマに、帽子、ジャケット、シャツ、パンツ、雨具を展開。屋外にあるパビリオンのため、ユニフォームは適度なフォーマルさと同時に、長時間の野外環境で快適に過ごしていくための機能性を実現しました。また素材は、ゴールドウインの富山本店の研究開発施設「ゴールドウイン・テック・ラボ」が、暑さ対策として特殊な加工技術を使用し、紫外線遮蔽率と太陽光反射率の両方を高めた新素材を開発。ジャケット、シャツ、パンツの生地に採用しました。中田優也ー日本館アテンダントユニフォーム　日本館のアテンダントユニフォームは、中田優也がデザインを担当。ジャケットやパンツ、ベスト、カットソー、スカーフ、帽子、バッグといったアイテム構成となっており、「日本の美意識を纏う」をコンセプトに美しさと機能性の両立を目指してデザインしたそうです。ジャケットは、日本の伝統衣装である着物の構造を元に製作されており、帯状のベルトで自在にサイズを調整し着用者の体に合わせてフィットさせることができます。また、日本の伝統的な履き物として採用された足袋は、「福助足袋」が一点ずつ職人の手により製作。留め具（コハゼ）で足をしっかりとホールドするため歩く際に安定感があり、足に綺麗にフィットすることから足もとを美しく演出します。　アイテムは、付属の風呂敷でまとめて持ち運ぶことができるようになっており、日本の文化が感じられる工夫を施しました。素材は、植物由来のポリエステル繊維や、使用済みのペットボトルを原料としたリサイクル繊維など環境に配慮した物を採用。また、単一の素材や原料で構成された製品を指す「モノマテリアル」を採用したため、リサイクルの際に分別する必要がなくなりリサイクルの工程が簡略化され、環境への負荷を大幅に削減することができます。藤本ハルミー「PASONA NATUREVERSE」　パソナグループが出展するパビリオン「PASONA NATUREVERSE」では、97歳の現役デザイナー藤本ハルミをデザイナーに起用。パソナグループの代表取締役グループ代表の南部靖之と藤本が同郷であることをきっかけに、今回の協業に至ったそうです。　ユニフォームは、全てオートクチュールドレスとして製作。京都・祇園祭の山鉾（やまほこ）巡行が描かれた生地や、染織家として初めて人間国宝になった三代目田畑喜八による生地などを使用した、デザインの異なる20着を用意しました。同ドレスは、パソナグループのパビリオンでVIP接客などにあたるアテンダントが着用し、万博閉幕後は、パソナグループが進める淡路島へのパビリオン移設計画で活用される予定です。ミナ ペルホネンー「Dialogue Theater - いのちのあかし - 」　河瀨直美がテーマ事業プロデューサーを務めるシグネチャーパビリオン「Dialogue Theater - いのちのあかし - 」では、「ミナ ペルホネン（minä perhonen）」がユニフォームのデザインを担当。コートジャケットやレインコート、Tシャツ、サコッシュ、バンダナ、靴下といったアイテムを製作しました。コートジャケットは、一般的なメンズとウィメンズの打ち合わせではなく、右と左の生地が対話をするように重なり合うデザインを採用し、一般常識や男女の慣習などを取り払い、多様なテーマについて考えてみようというメッセージを込めたそうです。またバンダナは、アテンダントスタッフの個性やその日の気分によってさまざまな巻き方ができ、スタッフ自身が装いにアレンジを加えることができるように設計しました。アンリアレイジ ーNTTパビリオンスタッフユニフォーム　「アンリアレイジ（ANREALAGE）」は、機能性と環境への配慮を両立した、アウター、ポロシャツ、バッグ、バケットハット、ロゴバッジの5点を製作しました。アウターは、「風をまとう服」をコンセプトに「空調服®️」の電動ファンを内蔵。体と服の間に風を送り込むことで布にドレープが生まれ、着る人の体型に沿って変化します。ポロシャツは、シルエットやディテールのプロポーションを再解釈し、性別や体型を問わず着用できる形を追求しました。そのほか、バケットハットおよびバッグには、日本国内で回収された廃漁網を100%再利用して作られた、ケミカルリサイクル糸「MURON」を採用。ロゴバッジには、フォトクロミック生地を使用し、屋内と屋外で色が変化する仕掛けを施しています。　各アイテムの生地には、通気性・吸水速乾性に優れた「AZEK」を使用。製作工程では水の使用量を限りなく削減したサステナブルなプリント技術「FOREARTH」を用いています。ディウカ ー 大阪ヘルスケアパビリオン・ファーマフーズ　卵研究により生まれた素材を使った商品を展開するバイオテクノロジー企業 ファーマフーズが、大阪ヘルスケアパビリオンに出展。アテンダントユニフォームを「ディウカ（divka）」がデザインしました。これに際し同社は、研究で廃棄されてきた卵殻膜に着目し開発た新素材「オボヴェール（ovoveil®）」を採用。デザインには、卵の持つ柔らかさや包容力をシルエットに落とし込みました。公式スタッフ用ユニフォーム　会場サービスアテンダントスタッフユニフォームは、主に来賓のアテンドや通訳、案内所などで働くスタッフが着用。公益社団法人2025年日本国際博覧会協会が、2023年5月18日から6月19日にかけて公募し、513作品（応募者数369人）の中から優秀賞に選ばれた服部真理子のデザインを採用しています。全世界共通のSDGsカラーをインナーに起用したカラフルなユニフォームは、寒暖差や自分の好みに合わせて自由に着こなしを楽しむことができます。　その他ユニフォームは、シニアアドバイザーのコシノジュンコの助言のもと、会場サービスアテンダントスタッフユニフォームのデザインから派生して展開。公益社団法人2025年日本国際博覧会協会は、多様性の観点から年齢や性別に関係なく、暑さ対策、着心地、機能性、耐久性、環境に配慮した素材の使用や会期終了後のリサイクルなど、総合的な視点を踏まえて製作したといいます。

大阪・関西万博のユニフォーム、ファッションデザイナーが手掛けたデザインを紹介【まとめ】

　TCSは、「東京を世界有数のファッションとデザインの都市に、そして世界一のクリエイティブな都市にする」というテーマのもと、2020年にスタート。「日本の創造力をより良い世界へとつなげること」をミッションに、地域や民間企業が連携し、ファッション、 アート、音楽、カルチャーの発信を通して、「伝統をつないできた技」「新技術（デジタル・サステナビリティ）」「日常に新しい視点を加えたアイデア」を世界に届け、東京の価値向上を目指している。　2025年のテーマは、「QUEST｜さがそう〜創造性・美意識の探求〜」。日本が誇る知恵や技術、美意識を「再発見し、再定義」することを目的に掲げ、120を超える多様なプロジェクトを展開する。2025年は昨年の約120万人を上回る150万人の動員を目指すという。　今回は、TCS初の総合拠点として「QUEST BASE」をハラカド4階のハラッパに設置。会場では、都内10エリアそれぞれの多彩なコンテンツや作品の一部を展示しており、祭典全体の“目次”として位置付ける。また、今年初の取り組みとして、新たな才能を発掘すべく実施したクリエイターのコンテスト「TCS Open Call 2025」の受賞作品を展示。加えて、東京都主催の学生向けファッションコンクール「Next Fashion Designer of Tokyo」（以下、NFDT）と日本独自の文化や伝統を現代のファッションの力により新たな形で世界に発信していく「Sustainable Fashion Design Award」（以下、SFDA）の受賞作品や、日伊の若手デザイナーと国内産地の尾州・福山との共創プロジェクトによる作品なども展示している。　QUEST BASEでは、原宿エリアで実施するイベント「トートバッグスタンプラリー」の参加に必要な「TCSオリジナルトートバッグ」を数量限定で配付。同バッグを対象の20ブランドのショップ店頭で提示すると、各店オリジナルデザインの限定パッチを入手できる。また、今回エリア横断企画として、テーマにちなんで各エリアに「Tokyo QUEST Gacha - AREA Edition -」を設置。検索やSNSでは知ることができない、TCS各エリアディレクターをはじめとするさまざまな人の“とっておきの東京のクリエイティブスポット”に出会えるガチャを楽しめる。　説明会に登壇した廣内会長は、「東京を“世界一のクリエイティブシティ”として確立するという目的のもとスタートしたTCSも、今年で6回目。世界的な著名性と経済効果を創出しているミラノサローネをお手本にしてきましたが、東京も伝統や文化、職人技など、世界に誇れる素晴らしいコンテンツやクリエイティブを持っており、素材から製品まで一貫して生み出せるという魅力や強みを持っています。そんな東京が持つ多様な魅力を一つにまとめて世界に発信するとともに、あらゆる年齢や立場の人々が一丸となって、これまで継承されてきた伝統や技術を未来に受け継いでいくことが、このTCSの大きなテーマだと思っています」と、開催の挨拶として同イベントの主旨を改めて紹介した。　統括クリエイティブディレクターの齋藤氏は、現在の東京の現状について「クリエイティブ5大都市と呼ばれるニューヨーク、ロンドン、パリ、ミラノ、東京の中で、東京は『最もクリエイティブな都市』の第2位に選ばれるほど世界的な注目度が高い。しかし一方で、日本人はそれに対して自信を持てていない現状がある」と説明。TCSは、その状況に対するアクションとして、日本のファッションやデザインをはじめとする「クリエイティビティ」にフォーカス。東京だけでなく日本全国の地域からコンテンツを集めて世界に向けて発信する。　「“JAPAN CREATIVE FOR BETTER WORLD（日本の創造力を、 より良い世界のために）”を究極的なゴールとして掲げ、数十年間続けていけるような強度を持ちながら、世界の都市で開催されるファッション・デザインウィークなどに劣らないものを目指していくのが大きなミッション」と話した。　また、同氏はTCSの特徴として、デザイナーやアーティストのみならず、日本各地の商業施設や商店会、行政、文化施設、交通インフラ企業などがともに手を組んで発信する「共創的に作り上げる都市型イベント」であることを強調。加えて、「TCSは、ファッションやデザイン、まちづくりといった『文化』的側面はもちろん、『政治』、『経済』『地方創生』など多方面に効果があるイベント。また、エンタメ・クリエイティブ産業は、既に鉄工業や半導体産業に匹敵するほどの市場規模があり、TCSは、今後産業がさらに成長していくための一つの起爆剤にもなるのではないかと考えています」と同祭典がもたらす効果に期待を寄せた。　続いて、統括共創ディレクターの浜野氏は、TCS2025のコンテンツの中から見どころを厳選して紹介。「QUEST BASE@原宿ハラカド」や「街の特徴を活かした企画の実施」「伝統工芸 × クリエイティブ」「ファッション × クリエイティブ」「サステナブル × クリエイティブ」「TCS2025 Open Call」「国内産地 × 若手デザイナープロジェクト」「20以上のトークイベント実施」「TCSエリアでギャザリング開催」の9つを挙げた。「全10エリアで120以上のコンテンツがありますので、まずは全体の“目次”となっているハラカドで各エリアのコンテンツの概要を見ていただきながら、実際に都内各地でのさまざまな企画を楽しんでもらえたらと思います」とコメントした。　そのほか、TCSで開催するファッションショーをはじめとするファッション関連のコンテンツに関しては、今年はより一般客向けにシフト。原宿エリアクリエイティブディレクターを務めるワンオー取締役 古瀬伸一郎氏は「昨年は東京ファッションウィークとも連動しながら“BtoBtoC”的なスタンスで行っていましたが、今年はより一般の人をターゲットに、ファッションを気軽に楽しんでもらえるような企画に方向性を変えています。例えば、原宿エリアで開催するファッションショーには、昨年のFRUITS ZIPPERさんのようなエンタメ領域の方にも出演していただいたり、『トートバッグスタンプラリー』を実施するのもその一つ」と説明。また、ファッションショーでは歌舞伎ともコラボするなど、日本の伝統文化の要素も取り入れることで、インバウンド客に日本の文化を伝える機会の創出にも繋げるという。photography : Momoka Omote

東京クリエイティブサロン2025が開幕、「ハラカド」を拠点に120超のコンテンツを都内10エリアで展開

10:00 開店　記念品を求める長蛇の列【9:30】　10時の開店を控え、入り口にはオープンを待つ人は82人。凍える寒さの中、椅子を持参して並ぶ人も多く、来店者たちの高い熱意を感じる。　先頭に並ぶ松本市内在住の40代男性は、先着400人に配布される記念品のハンガーを求めて朝7:30から待っていたという。「学生の頃よく来ていたので、最後と聞いて来ました。なくなると聞いた時はあまり実感がなかったけれど、今月に入ってからは何度も来ています」と話す。2番目に並んでいたのは、50代の男性。松本市の隣の塩尻市から訪れ、8時ごろから並んでいたという。「若い頃はよく来ていましたが、もう若者じゃないので最近は来なくなっていました。でも、今日は最後なので」と教えてくれた。2人とも今日のために有給を申請してきたという。【9:55】　開店5分前のアナウンスが流れる。気がつくと行列はパルコの建物を半周ほど囲み、281人が列を成していた。青春時代をパルコで過ごした世代を中心に、学生や若い親子連れ、親子3代で来店する客など顔ぶれは様々。【10:00】　ついに最終日の営業がスタート。行列は絶え間なく入店し続け、ハンガーを手にした来店者たちは各々目当ての店舗へ向って行った。【10:30】　3階のプリクラブースには高校生女子5人組の姿。「パルコにはプリクラがあるのでよく撮りにきていました」と話す。12:00 平日昼から大盛況のフェアウェルパーティ　【11:50】　6階の特設会場では、パルコに40年間の感謝を伝えようという地元の有志によるフェアウェルパーティが始まろうとしていた。長野県内外から15店舗の人気店が出店し、料理やドリンクを振る舞う。中には今回のために用意されたメニューもあった。　会場には12時のオープンを心待ちにする人が列を成し、平日の昼とは思えぬ活況ぶりだ。「金曜日なので、どうなることかと心配していたんですが、よかったです」と担当者は喜びを噛み締める。【12:10】　オープンとともに拍手が起こった会場。同県諏訪市と塩尻市から訪れたという20代のカップルは「偶然2人の休みが重なったので、せっかくだからと思い来ました。学生の頃からよく来ていたけど、デートでくるのは初めて」と笑う。　代々木でビアホール「Watering Hole」を営む林ゆうやさんは松本市出身。松本ブルワリーで製造したクラフトビールを振る舞う。松本パルコとは“同い年”だと笑って教えてくれた。　今回の閉店イベントを指揮するパルコの宣伝部担当者は、新卒入社時の最初の配属が松本パルコだったため思い入れもひとしおだという。「色々な店舗にもちろん思い入れはあるけれど、松本は“特別”。テナントさんとの距離が特に近い店舗で、たくさん良くしていただきました。テナントさんに育ててもらったんです」と、賑わう会場を感慨深そうに見つめていた。【13:30】　4階特設会場には、2月1日からメッセージボードが設置されている。付箋に寄せられたメッセージには、様々な来店者からの松本パルコへの感謝や同店の思い出が綴られていた。会場では、メッセージを書き添える人や懐かしそうにメッセージを読む来店者の姿が見られた。【14:30】　各店の名物店員たちは最後の接客に勤しむ。2階のコスメ専門店「ローズマリー」の安藤店長は同店に勤めて約14年。しかし、同店の他のスタッフと比較すると“歴は短い方”だという。それだけ長年、店舗の“顔”となるスタッフたちが店を支えてきた。安藤さんは「若い頃はよく他のテナントの方とも仕事終わりに飲みに行ったりして、楽しかったですね」と振り返る。　閉店前最後の週末は3連休。名残惜しむ多くの来客があったそうだ。【14:50】15:00 パルコアラ登場！【15:00】　パルコのマスコットキャラクターである「パルコアラ」が来店。各フロアを練り歩き、来店客やスタッフたちと記念撮影を楽しんだ。この後18:30まで、休憩を挟みながら各階を巡回していく予定だ。18:00 「今は去っても、また逢える」アオイヤマダによるパフォーマンス【17:30】　仕事や学校帰りの来客が増え始め、各フロアは賑わいを見せる。　6階のフェアウェルパーティ会場の盛り上がりも最高潮へ、久々の再会を果たす人や友人同士が集い、"まるで同窓会"。皆が思い出話に花を咲かせた。　同じく6階の特設会場では、1969年から現在に至るまでのパルコのB全ポスター約100枚を展示するポスター展も開催。そして同会場では18:00から行われる、松本市出身のアーティスト アオイヤマダと高村月によるユニット「アオイツキ」のパフォーマンスのリハーサルが行われていた。　アオイは松本パルコ閉店のクリエイティブに登場しており、自身が登場しているポスターの前でパフォーマンスを行う。【17:50】　客入れがスタート、事前に行われた抽選の当選者たちで会場は超満員に。【18:00】　パフォーマンスがスタート。アオイヤマダは「松本パルコ」を、高村月は「春」を表現し、2人が出会うことで松本パルコは「松本春子」に変化するというストーリーだ。「明日から春になります。気象学によれば、3月1日から春が来る。春は人生の句読点」　という語りとともに、2月末で閉店する松本パルコに対しての感謝と別れ、明るい未来への祝福を表現した。　終盤には「あなたがパルコで鬼ごっこをしたことも、あなたがパルコで買ったお洋服も、あなたがパルコで食べたケーキも、松本パルコが覚えています。松本パルコはいなくなりますが、みなさんが過ごした時間、思い出は決して消えません。みなさまどうか、松本パルコのことを忘れないでください。本当にありがとうございました」と語り、「今は去ってもまた逢える」と歌うように繰り返してパフォーマンスを締めくくった。20:15 閉店セレモニー「これほど深く愛されたパルコはない」【19:00】　2部制で行われたパフォーマンスが終わると、閉店セレモニーが始まる前に斉藤博一店長は報道陣の囲み取材に応じた。　「松本はパルコにとっては“小ぶり”なマーケットだったのにも関わらず、40年間営業を続けてこられ、これだけ多くの方々から支持をいただけたのは、松本が文化や芸術を大切にする街であったこと、そして地域の方々のデザインやモノ作りに対する関心が非常に高かったことが大きな理由だと感じています」とコメント。　数値的な面だけでは測りきれない松本の環境は、パルコの中でもかけがえのない存在であったとし、「パルコの中でも特に、お客様や地域の方々との絆が強く、愛されていた。松本パルコを支えてくださった地域の方には最大限のお礼を申し上げます」と感謝の言葉を述べた。　オープンからラストまで、賑わいを見せた松本パルコ最後の日。顧客たちからは「松本パルコが青春の思い出だった」「松本の象徴だった」といった言葉を受けたという。営業終了まで1時間を切った店内で「この瞬間をしっかりと胸に焼き付けて営業を終えたい」と語った。【20:00】　多くの人に悲しまれながらついにパルコが閉店する。建物の公園通り側入り口付近に閉店セレモニーを見届けようと集まった人の中には、感謝の言葉が書かれたメッセージボードを掲げる姿も見られた。【20:15】　いよいよ閉店セレモニーがスタート。会場の周りには、多くの地域住民が集まりその様子を見守る。　セレモニーには、臥雲義尚松本市長とパフォーマンスを披露したアオイヤマダ、高村月がゲストとして登壇した。　臥雲市長は「松本パルコは、松本のかっこよさのシンボル。“松本は他の地方都市とは違うんだ”という気持ちを市民に持たせてくれた特別な存在だった」とコメント。「パルコに与えてもらっていたいろいろな力を、これからは私たちひとりひとりがこの街で生み出していかねばなりません。松本市では、駅前を中心に広いエリアで変化が起きています。新たな動きを前向きに捉え、パルコとともに歩んできた40年を、これからもっともっと明るく前向きなものにしていくことを皆さんとともに誓いたいと思います」と語った。【20:20】　市長が挨拶を終えると松本市出身の写真家 白鳥真太郎による集合写真撮影会が行われた。公園通り側入り口の裏手にある駐車場の3階から、集まった観衆たちとともに松本パルコの姿が写真に収められた。司会者の掛け声とともに「ありがとう、松本パルコ」と唱和する。大衆から自然と大きな拍手が巻き起こった。【20:30】 　セレモニーの最後には、斉藤店長が登壇。「これほど深く愛されたパルコはないと感じております」と集まった住民たちに直接感謝を伝えた。シャッター代わりの垂れ幕が下りると、観衆からは拍手喝采と「ありがとう！」という力強い感謝の声が相次いだ。セレモニー後には、パルコを呼ぶ“パルココール”が自然と発生。パルコの最後の姿を写真に収めようと、人だかりの熱はなかなか冷めなかった。【20:50】　セレモニーを終えた20:50。松本のパルコロゴから灯りが消えた。　カルチャーアイコンとして市民、ひいては県民たちのライフスタイルを支えた松本パルコの最後の姿には、地域住民と歩んだ日々が伺い知れた。　同店に続き、今年3月末には松本駅前の「松本 井上百貨店」も閉店する。変化の最中にある松本駅前〜中心街の今後に注目が集まる。

「さようなら、松本パルコ」　40年間愛されたカルチャースポット最後の日

追い求めたのは世間ではなく“自分の中の王道”──カワイイラボの立ち上げから、今年で3周年を迎えます。木村さんが手掛けるグループは、今や令和の王道アイドルのスタイルを牽引する存在ですが、この反響は想定内でしたか？　当初は、世間にとっての“王道”を意識して作ったつもりはありませんでした。日本のアイドル文化を体現するプロジェクトにしたいという思いがあったので、「私にとっての理想のアイドルを作ろう」というところを起点に始まりました。私は元々アイドルオタクなので、これまで自分がファンとして応援してきたももクロ（ももいろクローバーZ）やハロプロ（ハロー！プロジェクト）のグループのような、どんなコンセプトの楽曲も歌って踊れるアイドルであることが理想でした。それに加えて、アソビシステムが得意としている原宿を起点とした“カワイイ”ファッションカルチャーも体現できるグループをイメージして作ったんですが、“カワイイ”を軸にした結果、色々な人から「王道でいいね」と言っていただけるようになりましたね。──カワイイラボのグループは、これまでアイドルに触れてこなかった層も取り込んでいる印象ですが、狙いはあったのでしょうか？　どのグループにも共通していることなんですが、アイドルソングでありながら、一つの楽曲としてアイドル好きじゃない人にとっても聴きやすい楽曲を作ろうという思いが根底にあります。「カワイイラボの楽曲＝カワイイを打ち出した楽曲」というイメージが先行していますが、実はそれだけをやっているわけではないんです。　例えば、FRUITS ZIPPERがデビュー当初にリリースした「RADIO GALAXY」は、転調が多かったりラップパートがあったりと、いろいろな要素が詰まった楽曲で、一つの型に囚われないカワラボ（カワイイラボ）らしさを表現しています。メンバー自身もすごく大切にしている楽曲で、この曲があるからこそ「私たちには多様な表現ができる」という自信にも繋がっていると感じます。衣装へのこだわりは業界随一　雑誌「Zipper」のDNAを引く“カワラボらしさ”──カワイイラボのグループは、ライブの公演やCDのリリース時期に関わらず、頻繁に衣装を変えているのも印象的です。　衣装に対するこだわりは強くて、特にFRUITS ZIPPERは衣装がコロコロ変わっています。昨年の年末は、各音楽番組ごとに衣装を変えたりもしていましたね。「原宿から世界へ」というコンセプトなので、ファッションの街である原宿を発信する上で、衣装にこだわるのは必要不可欠だと考えています。──FRUITS ZIPPERの衣装は、スタイリストの相澤樹さんが手掛けています。　相澤さんには、ステージ衣装に加えて、メディアに露出する時のスタイリングをお願いすることも多いです。個人的に、アイドル衣装はファッション的な要素とかけ離れている側面があると常々感じていて。だからこそ、アイドル衣装を専門的に作っていない方に依頼することが多いです。「この人がアイドル衣装を作ったらどうなるんだろう？」と興味が湧くような人。相澤さんもその一人です。　FRUITS ZIPPERは、相澤さんと、浜崎あゆみさんの衣装を手掛けている齋藤ヒロスミさんがタッグを組んで一緒に作ってくださることが多くて、CUTIE STREETは、椎名林檎さんやきゃりー（きゃりーぱみゅぱみゅ）の衣装を担当している飯島久美子さんにお願いしています。それに対して、SWEET STEADYは坂道グループの衣装を手掛けている市野沢祐大さんに依頼したりと、グループの雰囲気に合わせて、クリエイターの方も変えるようにしています。──衣装制作においては、Zipperモデルとしての経験が生きていることもあるのではないでしょうか。　衣装はもちろん、ヘアメイクなどのディレクションに関しては、Zipperでの経験があったからこそ、できていることが多いと感じます。例えば、FRUITS ZIPPERがデビューしたばかりの頃は、雑誌の取材で「私服でお願いします」と言われることが多かったんですが、すぐに私服が用意できないメンバーもいたので、自らリースに行ってスタイリングを組むこともありました。私の私服でコーディネートを組んでメンバーに着させることもあったり。私がモデルとして活動していた頃のZipperは、リースされた衣装の中から自分たちで好きなものを選んでコーディネートを組むという環境が当たり前だったので、「やっていて良かったな」と感じましたね。──衣装を手掛ける上で気をつけていることはありますか？　メンバーの趣味がバラバラで、それぞれ好きなテイストが明確にあるので、同じ衣装でもメンバーの個性や良さが出るように気をつけています。好みに合わせてパフスリーブにしたり、肩を出したデザインにしたり、お腹を出すのが苦手な子には配慮したデザインにしたりと、制作過程でメンバーにフィッティングをして、直接意見をもらいながら調整しています。　色々な衣装を作ってきたからこそ「この子にはこういう形が似合うから、フリルを少し減らそう」とか、メンバーの個性を反映した細かい調整もできるようになりました。メディアに出演する時には、スタイリストさんに「この子は肩を出しすぎるのはNGだけど、このくらい出すとスタイルが良く見えます」と明確に伝えたりもします。──衣装や楽曲制作におけるインスピレーション源は？　楽曲は、「メンバーが自分自身の感情を乗せて歌うことができるか」「メンバーの気持ちとリンクするか」を大事にしているので、メンバーとの会話を通してインスピレーションを受けることが多いです。メンバーが今、何に興味があるのかとか、メンバーの間で流行っている言葉を起点に作っていますね。あとは、アニメのキャラクターソングをよく聴くようにしています。アニメソングは、キャラクターのセリフが入る楽曲が多いので、「この（セリフの）入れ方、いいな」とか、ピンポイントで参考にすることもあります。　衣装に関しては、とにかくめちゃくちゃインスタを見ています。スタイリストさんやブランドのアカウントを見て「この形が可愛い」とか「この服のこの部分がかわいい」と、細かいポイントを集めて切り貼りしながら、衣装チームに提案しています。──トレンドも気にしているのでしょうか。　“気にしつつ、気にしすぎず”を意識しています。アイドル衣装においては、トレンドを取り入れたからといって必ずしもファンの方に喜んでもらえるとは限らないと思うので。日常着なら良くても、ステージ衣装に取り入れると違和感を生んでしまうものもあるので、線引きが難しいのが正直なところです。基本的な形は変えず、素材や細かいデザインに遊びを入れながら「この雰囲気がアイドル界でトレンドになったらいいな」と思って作っています。──近年、アイドル業界全体ではカワイイラボ同様、メンバーカラーの衣装が主流になっていますよね。　メンバーカラーで言うと、これまでアイドルグループにおいてメジャーな色ではなかった「ミントグリーン」が、カワラボの子達をきっかけに人気色になったように感じています。これまで、アイドルのメンバーカラーと言えばピンクや赤が“人気色”で、グリーンはそこまで目立つ色とされていなかったんです。私個人としては、グリーンのメンバーカラーを背負ったアイドルに推しが沢山いるので、カワラボのグループには必ずミントグリーンを入れていたら、最近は色々なグループでミントグリーンの子を見かけるようになりました。これを機に、さらにミントグリーンに憧れる子が増えたらいいなと思っています。加速する「カワイイ」消費　日本発のアイドルならではの魅力とは？──近年、K-POPアイドルが年々市民権を得ていますが、それに対して日本独自のアイドル文化の魅力はなんだと思いますか？　K-POPが完成されたクオリティの高いものを楽しむ文化なのに対して、日本のアイドルは、完璧じゃないからこその可愛らしさだったり、人としての成長物語をリアルタイムで届けられることが魅力だと思っています。ただ、成長過程を売りにすることで「アイドルなんて」と下に見られてしまいがちなので、そのイメージは変えたい。日本には、成長過程を追う楽しさと、クオリティの高いパフォーマンスがうまく共存しているアイドルが沢山いるので、カワイイラボを通して、日本ならではの魅力を発信していきたいですね。──K-POPアイドルは、身につけたものがすぐにトレンドになったりと、Z世代のロールモデルとなっているケースも見られますが、日本のアイドル界でも、今後そのような存在は生まれると思いますか？　生まれてほしいです。かつてギャルのカリスマと言われた益若つばささんのように、日本のアイドル業界にも憧れられるロールモデルのような存在がいたら良いなと思いますね。実際、FRUITS ZIPPERのメンバーが身につけたものを真似してくれるファンの方もいるので、可能性は感じています。──トレンドと言えば、「カワイイ」をキーワードにした楽曲を出すアイドルが増えたのは、カワイイラボの台頭がきっかけですよね。　アイドル業界全体で見ると、「カワイイ」という言葉が消費されすぎていて、飽きられてきているのが正直なところ。ただ、カワイイラボとしての軸は、これからも変わらず「カワイイ」です。今は一種の流行りになっていますが、一世を風靡したももクロの楽曲は、今でも「ももクロっぽい」系統として愛されているし、モーニング娘。などのハロー！プロジェクトの楽曲も時代を超えて「ハロプロっぽい」と言われ続けていますよね。そんなふうに、カワイイを歌う楽曲も「カワラボっぽい」系統として浸透させたいです。流行りはいずれ廃れてしまうかもしれないけど、私たちはこれからも変わらずにカワイイを発信し続けます。──最後に、木村さん自身が考える「カワイイ」の定義は？　「カワイイ」って変幻自在な言葉だと思っていて。“キモカワイイ”とか“ブサカワイイ”とか、語尾に「カワイイ」を付けると全てが肯定されて、プラスになるような不思議な言葉じゃないですか。前に来る言葉によって意味が変わるので、ある意味、定義のない自由なものだと思っています。　「アイドル」という言葉も、定義が一つではないですよね。自分で名乗るものというよりは、他人から与えられる肩書きで、本人が自分のことをアイドルと名乗っていなくても“誰かにとってのアイドル的存在”なら、その人はアイドルと言えると思うんです。「こうじゃなきゃいけない」という定義がないからこそ、一つの形に囚われない自由な“カワイイアイドル”像を、これからも作っていきたいです。■木村ミサ　1990年、群馬県出身。アソビシステムのアイドルプロジェクト「KAWAII LAB.」総合プロデューサーを務める。これまでには、雑誌「Zipper」のモデルやアイドルグループ「むすびズム」として活動した経歴を持つ。公式インスタグラム