インサイド

東京都内はレコードショップの宝庫！押さえておきたいショップを紹介　東京では、特に渋谷区宇田川町を中心に1990年代から2000年代前半までレコードが大盛り上がり。最盛期には200以上のレコード店が軒を連ねる街としてギネス認定されたそう。デジタル音源の普及により、一度は衰退してしまったレコード文化ですが、アナログ音源の良さが改めて認識されたことをきっかけに、再び盛り上がりを見せています。ここからは、12インチシングル専門店や、ドリンクを飲みながら商品を探すことができる店舗など、個性あふれる9店舗に直接伺い、それぞれの魅力を店主やスタッフへのインタビューを交えながら徹底的に解説します。JET SET 下北沢店／オールジャンル　JET SET（ジェットセット）下北沢店は、2002年7月にオープン。1998年に京都に1号店をオープンし、2000年にオンラインショップと神戸店を展開しました。しかし当時は東京からの来客が多く、その需要に応えるため東京に進出。1990年代は渋谷にレコード店が集中していたことから、まずは渋谷で物件を探し始めましたが手頃な物件が見つからず、渋谷から近く「Disk Union」や「RECOfan」、「DISC SHOP ZERO」などレコード店が複数ありかつ家賃相場もお手頃な下北沢に出店を決めたそう。オープン時には路面を含めた広めの2フロアでオールジャンルを取り扱っていましたが、徐々にネット中心の販売にシフトしていったので在庫を絞り2009年に現在のビルの2階にお引っ越し。また、東京では制作部がメインとなったため店舗は縮小して現在のかたちに至りました。　店舗では、狭いながらも商品を常に入れ替えています。特に国内アーティストのアナログレコードと最新のインディやブラックミュージックは大型店に引けを取らない品揃え。加えてカウンターに立っているスタッフ全員が制作部員でもあるので、アーティストやレーベル関係者が頻繁に訪れ情報交換の場にもなっています。制作を担当しているスタッフの貴重なお話を聞きながら、自分のお気に入りの1枚をぜひ掘り出しに行ってみて。店主／店長インタビュー◾️JET SET 下北沢店所在地：東京都世田谷区北沢2-33-12 柳川ビル201号営業時間：12:00〜20:00公式オンラインストアRANA-MUSICA RECORD STORE／ダンスミュージック、オールジャンル　RANA-MUSICA RECORD STORE（ラナムジカレコードストア）は、実店舗が2021年7月31日にオープン。オンラインストアは2008年から運営していたそうです。店主の中原さんは、ずっと「実店舗のレコード屋を開きたい」という思いを持っていたこと、またダンスミュージックを軸とした新譜を取り扱うショップが少なくなってきたことを受けて前職を退職したタイミングで自身のショップをオープンするに至ったそう。店内では、新譜と買い取った中古盤をおよそ3：7の割合で展開。ハウスやテクノといったダンス系のレコードが多いものの、広くさまざまな音楽を取り扱っています。価格帯も、数百円から用意しており、レコード収集初心者でも気軽に訪れることのできる店舗です。　また、店内ではビールやコーヒーなどのドリンクも販売しており、心ゆくまでレコードを見た後は外のテラス席でドリンクを楽しむこともできます。ヘッドホンやターンテーブルの針なども取り扱いがあります。気さくな店主とドリンクを飲みながら音楽について語り合うのも良いですね。店主インタビュー◾️RANA-MUSICA RECORD STORE所在地：東京都世田谷区代沢5-28-12 藤田ビル2A営業時間：13:30〜20:30定休日：火曜日公式オンラインストアLOS APSON?／ワールドミュージック　LOS APSON?（ロス・アプソン）は、1994年8月7日にオープン。最初は西新宿にあるマンションの一室からスタートし、幡ヶ谷の商店街の中への移転を経て、現在の高円寺に着地しました。現在の六本木ヒルズの場所にあった1棟6フロアのビル「WAVE」でレコードやCDの販売を行っていた店主の山辺さんは、だんだんとグッズやTシャツなども扱いたいという気持ちが強くなり、自分の店をオープンしました。　「オールジャンルからのピックアップ」というコンセプトの店内では、レゲエやダンスミュージック、パンク、などさまざまなジャンルの中から「これだ！」と思うレコードやCDを展開。取り扱いが珍しいノイズや実験音楽のレコードも揃い、これまでに聞いたことのない音楽に出会うことができそう。また、Tシャツやパーカなどのアパレルや、ステッカーやキーホルダーといった雑貨もたくさん置いてあり、レコード以外のアイテムも楽しむことができます。店内に飾られている、一見装飾のようなものも全て販売しているとのこと。このほかにも、店内では1ヶ月から2ヶ月に1回の入れ替わり頻度でアーティストの作品を展示しており、有名無名問わず「良い」と思ったアーティストの作品を並べています。一度訪れたら絶対にクセになる、良い意味で「カオス」な店内をぜひ体験しに行ってみてください。店主インタビュー◾️LOS APSON?所在地：東京都杉並区高円寺南4-3-2 三光ビル1階営業時間：13:00〜19:00定休日：水曜日公式オンラインストアLighthouse Records／ダンスミュージック（ハウス・ディスコ）　Lighthouse Records（ライトハウスレコーズ）は、2008年7月14日にオープン。ハウスミュージックを軸に、ディスコ系やテクノ系など多様なダンスミュージックをセレクトし、展開しています。新譜を中心に取り扱っていますが、買取も行っているので中古レコードの販売もしています。オープン当初の2008年は、音楽のデジタル配信が台頭し始め全盛期に比べてレコードが売れなくなっていた時期だったそうですが、「アナログ・レコードの灯を絶やすわけにはいかない」という強い思いから同店をオープンするに至りました。　店内はブラウンカラーを基調としており、落ち着いた雰囲気の中でレコードを見ることができます。窓側に視聴用のターンテーブルを設置しているので、気になる作品を見つけたら聞いてみることも可能です。また、スタッフさんによる作品に関する説明ポップがあり、それぞれのレコードに対する愛も伝わってきます。ダンスミュージックのレコードを探したい方は行くべきショップ！店主／スタッフインタビュー◾️Lighthouse Records所在地：東京都渋谷区道玄坂2-9-2 正実ビル4階営業時間：13:00〜20:00定休日：日曜日・月曜日公式オンラインストアnext. records／オリジナル盤12インチシングル専門　next. records（ネクストレコーズ）は、2000年1月4日にオープン。当時は「DJブーム」に伴うレコードブームのピークで、オープンの宣伝をしていなかったのにも関わらず、開店初日にはお客が殺到したそうです。元々大阪のレコードショップの通信販売部門にいた店主の今本さんは、そのレコードショップが暖簾分けして渋谷の公園通りに出店した店舗で働いていましたが「やはりレコード屋をやるなら宇田川でないと」と思い立ち、新たにnext. recordsをオープンしました。最初は、木造の古いアパートの1室で営業していましたが、在庫が多すぎたことと地震などによって建物の梁にヒビが入って床が沈んできてしまったことから2008年に現在の場所に移転しました。2005年にレコードブームが過ぎ去り、売り上げが落ち込んでしまった時期もあったそうですが、いち早くオンラインストアを取り入れたことでなんとか持ち堪えたとのこと。　同店は、日本ではもちろん世界的にみても珍しい当時リリースされた「オリジナルの12インチシングル」のみを取り扱う専門店。オープン当初からオリジナルの12インチシングル専門で行こうと決めていたわけではなく、たまたま好きなレコードを販売しているうちに定着していったそうです。また、12インチシングルはどちらかというとマイナーな存在。今本さんは「なんでこんなに12インチシングルがいいと思っているのに、どこの店もメインで扱わないんだろう」と思ったことも専門にした理由の一つだそうです。店内のレコードはほぼ二次元バーコードから視聴が可能。一点物のお宝を見つけにぜひ足を運んでみてください。いい音で聞くことのできるレコード針も販売しています。店主インタビュー◾️next. records所在地：東京都渋谷区宇田川町11-11 柳光ビル本館2階営業時間：13:00〜20:00公式オンラインストアELLA RECORDS／オールジャンル　ELLA RECORDS（エラレコーズ）は、幡ヶ谷に実店舗と北沢にアポイント制のショールーム「ELLA RECORDS VINTAGE」を持ちます。本店の幡ヶ谷店は2016年7月に、北沢のショールームは2024年8月にそれぞれオープンしました。幡ヶ谷店は、元々燻製屋だった店内を改装しており、剥き出しの梁などをそのままにすることでレトロで落ち着いた雰囲気の店内に仕上げています。壁はスタッフたち自身で塗り直したのだとか。　レコードはジャズや邦楽、ダンスミュージックなど厳選された盤をオールジャンル揃えており、貴重な名作から比較的手に入れやすい価格帯の作品まで、バランスよく用意されています。また、「ELLA STORIES」というYouTubeチャンネルも運営しており、DJミックス動画やレコードショップ紹介動画など、さまざまな企画を投稿しているので、要チェックです。ストアマネージャーインタビュー◾️ELLA RECORDS所在地：東京都渋谷区西原1-14-10営業時間：13:00〜20:00定休日：月曜日公式サイト／公式オンラインストアKankyō Records／アンビエント　Kankyō Records（カンキョウレコーズ）は、2021年11月18日にオープン。三軒茶屋駅から徒歩約8分の世田谷観音通りに面した建物の1階に入居しています。設計事務所を運営しながらアンビエント音楽の制作を行っていた店主が、「空間と音楽を融合させた店舗」をやりたいと思ったことからオープンに至ったそうです。　「音を中心に空間を提案する」というコンセプトの店内では、アンビエント音楽を中心にテクノ、クラシックのレコードのほか、インセンスとセットになったカセットやフック、お皿といったインテリアもラインナップしています。いい香りに包まれながら、心が落ち着く自分好みのアンビエントミュージックを探しに、ぜひ一度訪れてみてください。店主インタビュー◾️Kankyō Records所在地：東京都世田谷区上馬1-35-13 Royal Arc Garden #107営業時間：13:00〜18:00定休日：不定休公式オンラインストアJAZZY SPORT MUSIC SHOP TOKYO／オールジャンル　JAZZY SPORT MUSIC SHOP TOKYO（ジャジースポートミュージックショップトーキョー）は、最初の店舗を岩手県盛岡市にオープン。そして、2003年に渋谷宇田川町に「JAZZY SPORT MUSIC SHOP TOKYO」をオープンした後に、現在店舗を構える目黒区の五本木へ移転しました。「音楽とスポーツで世界を一つに」をコンセプトとした音楽レーベル「Jazzy Sport」の立ち上げと同時に、自分達の作品を販売する場所が欲しいという思いから店舗のオープンに至ったそうです。　元々は材木屋さんの倉庫をリフォームした店内では、壁一面にレコードがディスプレイ。スタッフの方々の「音楽性や精神と共鳴する作品」を中心にセレクトしたレコードを多数ラインナップしています。ヒップホップからハウス、ジャズ、日本の音楽に至るまでさまざまなジャンルが揃っているので、どんな音楽好きも楽しめそう。現在は、五本木、盛岡、下北沢、京都に店舗を持ちます。店主インタビュー◾️JAZZY SPORT MUSIC SHOP TOKYO所在地：東京都目黒区五本木3丁目17-7営業時間：16:30〜19:00定休日：金曜日・土曜日・日曜日・月曜日（不定休）公式サイト／公式オンラインストア番外編 　実店舗を持たずオンラインストアのみでの運営ですが、人気の店舗を紹介します。T.E.Q／ダンスミュージック（テクノ）　T.E.Q（ティーイーキュー）は、2022年11月にオープン。日本で随一の品揃えであったテクノレコードショップ「テクニーク（Technique）」の閉店後、元スタッフがテクニークのスピリットを受け継ぎ日本のテクノシーン、レコード文化を支えていくために立ち上げました。新譜は月間200タイトル以上追加され、中古アイテムは毎日更新しています。オンラインストアのみですが、取り置きや予約、取り寄せ機能も実装し見応えある使いやすいサイトを目指しています。◾️T.E.Q公式オンラインストア／公式インスタグラム最後に　いかがでしたでしょうか？個人的には、日本のバンドや新人アーティストのレコードを探すなら「JET SET」、ダンスミュージックの新譜、中古レコードが欲しい方は「RANA-MUSICA RECORD STORE」や「Lighthouse Records」がおすすめ。特にテクノミュージックに特化して掘るならオンラインショップの「T.E.Q」がいいかも。ヒップホップやジャズのレコードは「JAZZY SPORT MUSIC SHOP TOKYO」、アンビエントなら「Kankyō Records」に行ったらお気に入りが見つかりそう。「ELLA RECORDS」は中でも特に日本のシティポップが豊富な印象で、オリジナル12インチシングルを掘るなら絶対「next. records」だし、少し変わったマニアックなレコードが欲しいなら「LOS APSON?」へぜひ...という感想を持ちました。　この記事が、皆さんのお気に入りのレコードを見つけるきっかけになれば幸いです。また、店舗に訪れる際には是非スタッフの方とお話をして好きな音楽や、好きな世界観を深めてみてくださいね。

Culture

東京都内の行くべきレコードショップ　DJや音楽通が訪れる9店舗

オーディションの前日に大喧嘩　開けた俳優への道　福岡県で生まれ育ったボクは、本当に「その日暮らし」という表現がピッタリな若者だった。好きなこと、興味があることはたくさんあったが、だからと言ってそれを将来の夢にすることはなく、刹那的に毎日を過ごしていた。　人生が動いたのは、16歳のとき。友人が『博多っ子純情』という映画のオーディションの話を持ってきた。興味を持ったボクは参加を決意。ところがオーディションの前日、（今となってはもうきっかけは覚えていないが）ある友人に売られた喧嘩を買う形で学校で殴り合いになり、目の上を2〜3針縫うケガをしてしまった！　翌日、絆創膏を貼ってオーディション会場へ。審査員の人たちがケガの理由を聞くので正直に話したら、今度は勝敗を聞かれて、ボクは「大負けしました」と答えた。そしたら大人たちが面白がって喧嘩の再現をしてくれと言うので、全力でやった。これが大受けし、なんと主役に抜擢。そこでの経験がすごく刺激的で、「映画業界で働きたい！」と思った。なんとも不思議な縁だ。本当は俳優ではなく裏方さんがいいかなと考えていたが、入り口が俳優だったのでそのまま俳優を志し、高校卒業と同時に上京した。原宿に足繁く通った20代　上京して、小田急沿線の千歳船橋に部屋を借りた。駅から歩いて10〜15分ほどの場所。今では信じられないだろうが、1980年代当時は東京・世田谷にも関わらず家の周りに畑がたくさんあった。ボクは福岡県北九州市の黒崎という町の出身だったが、黒崎には畑なんてなかった。しかも千歳船橋駅前の銭湯のトイレは汲み取り式だ。ボクは「東京といってもこんなものか」と拍子抜けし、内心では畑の有無でマウントをとり東京を見下しさえした。新宿に出てど肝を抜かれたのはまた別の話である。　『博多っ子純情』でお世話になったプロデューサーさんに俳優になるために上京したと連絡したら、映画『男はつらいよ』にエキストラとして出演させてもらえることになった。更にその映像を見た業界関係の方からボクの下宿先に連絡が入り、「今後俳優としてやっていくなら所属事務所が必要だ」ということで今の鈍牛倶楽部を紹介してもらえた。今振り返っても、人の縁に助けられっぱなしだ。　今のボクにはあまりイメージがないかもしれないが、上京したてから20代半ばまではアメカジファッションが好きで、原宿に大変お世話になった。当時の原宿は今とは全く様子が違い、服を安く買える古着屋が特にキャットストリート沿いに多く軒を連ねていた。よく渋谷のタワーレコードからキャットストリートを通って原宿までぶらぶら歩いたものだ。中でもよく足を運んでいた古着屋は「デプト（DEPT）」。ハイカラなブランドモノではなく、デイリーに気を遣わず着られる1950〜60年代くらいのアメリカ古着をたくさん置いていた。シャツ1枚あたりの価格帯は2000〜3000円程度で、上京したてで懐が豊かでなかった自分にとっては有り難かった。ちなみに、たまにブランドモノが欲しい時は「サンタモニカ（Santa Monica）」に行った。「ブルックス ブラザーズ（Brooks Brothers）」のアイテムを奮発して7800円で買ったのを覚えている。　　キャットストリートにあった「ナイス」というシャレたお店を覚えている人はいるかな。ご夫婦でやっていた雑貨屋さん。古着屋に寄った帰りにそこで気分が上がる雑貨を買って、夜に買った物とコンビニのカップラーメンを肴にレコードを聴く。それが当時のボクのルーティンだった。人間、三十路で壁にぶつかる　29歳の時、妻と結婚し、それを機に横浜の港北ニュータウンに引っ越した。新生活をスタートさせたが、そのタイミングで仕事が激減。スケジュール帳の空白が多くなった。30歳にさしかかって若者の役が難しくなり、かといっておじさんの役もできないといういわゆる“過渡期”だったことに加え「俳優として何かを成し遂げてやろう」「目立ってやろう」といった“欲深さ”みたいなものが自分の中に芽生えてしまっていた。それが演技に反映され、業界人に伝わってしまったのかもしれない。男は（女もそうかもしれないが）三十路の頃に大きな壁にぶつかると聞いたことがあるが、自分にとってはこの時期がまさにそれだった。　一人暮らしの時は正直仕事がなくても生活を切り詰めてどうとでもなったが、妻がいるとそうもいかない。今は知らないが当時の港北ニュータウンは“成功者”然とした人が多く、日中からプラプラしているのが居心地悪かったこともあり、上京後に一度住んでいた下北沢に戻ることにした。　駅前の再開発が進み今では随分雰囲気が変わってしまったが、当時の下北沢は安い居酒屋や街中華、個人商店なんかがひしめいていた。ひと笑いとれるような面白いエピソードはないが、「カプリチョーザ」というイタリアンレストランで皿いっぱいのパスタを友人とシェアしたり、「エクセロ」という居酒屋でおでんを食べたりと、苦しい時期の自分を包み込んでくれるような街だったと記憶している。　自分にとっての転機は下北沢に移り住んだタイミングで、バブル経済が弾けたことだった。不景気で映画業界も潤沢な制作費を用意できなくなり、ギャラが高額だった有名監督に代わって、青山真治さんや岩井俊二さんといった若手監督が台頭した。ボクは彼らと歳が近かったこともあってか、縁あって作品に呼んでもらえて、1つ（の出演）が2つになり、2つが3つになり、といった具合に雪だるま式に仕事が増えていった。　芝居への向き合い方が変わったことも奏功した。先述した通り、スランプに陥った頃のボクは「自分を見てくれ」と前のめりになっていた部分があったが、自己を見つめ直し、「ボクを撮っているんじゃない、作品を撮ってるんだ」と考えを変えた。「自分は作品を良くするための舞台装置に過ぎないんだ」と良い意味で開き直れたことで芝居へのアプローチが変わり、これが今の「名バイプレイヤー」といった嬉しい評価に繋がったような気がする。人生には必ず終わりがある、だからこそ　10代で上京して気付けば40年以上。振り返ると、この飽き性なボクがよくこんなにも長い間一つの仕事を続けてこられたなと思う。作品が違えば監督も脚本もスタッフも共演者も違い、現場入りのたびに新鮮な気持ちになれる俳優という仕事は、自分にとって天職なのかもしれない。ボクは幸せ者だ。ただ、ここで重要なのは、天職というのは基本的に受け身の姿勢で天から降ってくるものではないということ。僭越ながら人生の岐路に立って悩んでいる人にアドバイスさせてもらうとしたら、好きなことは全力でやれ！　それが1つでなく2つ3つあったとしたら、夢中になって全部やりなさい。もちろんそれで食べていけるようになるのが一番だけど、そうならなかったとしても意味はある。　少し前に観た何かのテレビ番組で、新橋の駅前にギターを置いて道行く人に弾いてもらうという企画があり、酔っ払ったサラリーマン風のオヤジが現れた。服はヨレヨレで、言っちゃあ悪いが“ダッサダサ”な風貌だ。そんなオヤジがギターを手に取り演奏したらめちゃめちゃに上手くて、気付いたらボクは涙を流してた。その人がこれまでの半生ギターにどれだけ一生懸命打ち込んできたのかが伝わってきたから。きっとオヤジは音楽の道には進まなかったんだろうけど、好きなことのために努力した時間は間違いなく彼自身を大きくしたはず。　ボクも俳優になるまではフラフラと寄り道を繰り返してきたけど、時間を忘れて周囲が真っ暗になるまで虫を見ていたあの夜も、今の自分を形作る一要素だ。人生には必ず終わりがある。だからこそ、毎日を大切に、悔いのないように。ボクもまだまだ60歳を超えたばかり。やりたいことには全部チャレンジしていこう。◾️あの人の東京1年目第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第3話：「アンジュルム」 佐々木莉佳子と赤羽橋第4話：オカルトコレクター  田中俊行と清澄白河第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第6話：役者 佐藤二朗と登戸第7話：俳優 髙石あかりと高井戸第8話：エバース 佐々木隆史と上石神井第9話：デザイナー 東佳苗と新宿（文化服装学院）第10話：俳優 光石研と原宿・下北沢styling: Satsuki  Shimoyama, hair & makeup: Chiho Oshima | photography: Hikaru Nagumo(FASHIONSNAP)衣装クレジット スーツ、ネクタイ：Artigiano-Tokyoシューズ：Parabootその他：スタイリスト私物

【あの人の東京1年目】俳優 光石研と原宿・下北沢

シンガーソングライターに憧れた学生時代　学生時代に憧れていたのは、デザイナーではなくシンガーソングライター。自分の内にあるものを形にして、誰かに共感されて、それを生業にすることが夢でした。私にとって、その理想系がシンガーソングライターで、椎名林檎、Chara、安藤裕子、aikoといった歌姫たちに憧れて、中学生の時には詩を書いて、高校生の時にはバンドを組んだりしていたけど、どんなに時間を費やしてピアノやギターに向き合っても、どうしても作曲だけが上手くできなかったんです（笑）。結局、シンガーソングライターになる夢は泣く泣く諦めることにして、次に夢中になったのが、絵を描くことでした。　高校では、美術部に所属。画家を目指していたわけではなかったけど、絵を描くことで自分のセーフティーゾーンを守れるような気がして、とにかく夢中でした。でも、高校卒業のタイミングで友達と作品展を開いた時、ギャラリーの人から「君は、君と同じような心情の人が見たら一瞬で泣くような絵を描いてるかもしれないけど、ノーマルな人にとっては何も感じない」と言われて。辛辣だし衝撃だったけど、すごく腑に落ちたんですよね。それまでの私にとって、絵を描くことは自分との対話でしかなくて「他者が見た時にどう感じるか」を考えて描けていなかったなって。　その言葉を抱えたまま、本屋にこもって画集や写真集を漁っていた時、絵本作家の荒井良二さんの作品に出合いました。幼い子が描いたような素朴な画風なのに、よく見ると深いメッセージが刻まれていて、目にした瞬間、思わずその場で号泣（笑）。負の感情を負のままアウトプットするんじゃなくて、幸せなものとしてパッケージングして届けるやり方があると気づかされたんです。どんなに鋭利で感傷的なテーマを内包していたとしても、「可愛くて綺麗」でコーティングすれば、広く受け手の心に響くかもしれない。辛い時に一緒に堕ちてくれる作品より、高揚感で震えるような作品こそ得難いんじゃないかと。自分もそんな作品を産み出していきたいと覚悟した瞬間だったし、今思えば、それが一つ目の人生の転機でした。今はもう名前も覚えていないあの時のギャラリーの店主が、厳しい本音をぶつけてくれたおかげで、今の方向性に目覚めましたね。原宿は戦場だった　ストリートスナップへの羨望　高校生の時、絵を描くことともう一つ、夢中になったのがファッション雑誌でした。小学生の頃はあゆ（浜崎あゆみ）の影響でギャルに憧れて「ポップティーン（Popteen）」を読んでいたけど、そのあとは「セブンティーン（Seventeen）」、落ち着きたくなって「ノンノ（non-no）」、お姉さん系にシフトしたくなって「ピンキー（PINKY）」や「キャンキャン（CanCam）」に移行して、最後に行き着いたのが、「ジッパー（Zipper）」や「キューティー（CUTiE）」「フルーツ（FRUiTS）」でした。中でも、一番影響を受けたのがフルーツのストリートスナップ。フルーツに登場するスナップはジャンルレスで、個性の振り幅もすごいし、モード系から姫っぽい人、ストリート系までいるじゃないですか。「服って、なんでもありなんだ」と教えてくれました。　高校を卒業してからは、福岡の大村ファッションデザイン専門学校（現・大村美容ファッション専門学校 ※2010年に大村美容専門学校と統合し、改名）に進学しました。ただ、「カルチャーの中心地は東京だ」と思っていたから、青春18きっぷで鈍行を乗り継いだり、夜行バスを使って、暇さえあれば東京や大阪に遊びに行っていました。九州ローカルのカルチャー誌「NO!!」（現在は休刊）のスナップやお部屋紹介のページで取り上げてもらったことはあったので、「東京に行くからにはFRUiTSの表紙に載ってこい」と、行きつけの古着屋の店主にも言われていましたね（笑）。当時の私にとって、原宿はまさに“戦場”。絶対に同じ服は着ていかないと決めて、毎回手作りと好きなブランドをミックスした“戦闘服”を着て上京していました。　当時はスナップサイトが全盛期。スナップサイトや雑誌のストリートスナップに載ることが私や作品を見つけてもらう手段でした。文化時代の友人に「兎（うさぎ）」と呼ばれていたことから、スナップを掲載してもらうときは「兎＠kanae」という名義を使っていました。その頃から「縷縷夢兎（rurumu:）」として服や小物を販売していたので、自分自身も変な名前で記憶と印象に残ることを重要視していましたね。 　爪痕を残すという意味では、ハンドメイドの名刺を作って、東京のショップやクラブで知り合った人、尊敬し会いたかった人に渡すようにしていました。福岡の専門学校時代、講師の先生から「大物の印象に残りたいんだったら、捨てにくい名刺を作れ」とアドバイスをもらったんです。その先生は自作のキーホルダーを名刺代わりにしていたのを見て、私もあえて捨てにくい名刺にすることでお店に置いてもらおうと考えたんです。10個くらい作って、手元に残ったものは今でも保管しています。　その甲斐あってか、原宿のショップ「the Virgin Mary」のオーナーの安理（田村安理）さんが高円寺でやっていたお店「CULT PARTY」では、名刺をきっかけに、私の作った服や小物を委託販売してもらうようになりました。安理さんは、その後もたくさんお世話になった、私の原点のような存在。ずっとブレずにカルチャーを作り続けて、周りから信頼されている姿を間近で見てきました。何を作る／選ぶ／提案する／売るにしても、「この人だから見に行く」とか「この人が選んだものだから」と興味を持ってもらえるような人間としての魅力が何よりも大切だということは、安理さんから学びました。常にブルーオーシャンを探していた　突破口になったニットとの出会い　19歳の春、ようやく文化服装学院に入学。実は、上京を決める前、文化に行くか、アントワープ（アントワープ王立芸術アカデミー）かセントマ（セントラル・セント・マーチンズ）に留学に行くかで迷っていたんです。海外でファッションを学びたい気持ちもあったけど、福岡にいるだけじゃ日本のストリートカルチャーの源流を知ることはできないし、いざ海外で日本のファッションについて聞かれても答えられないと思って。それなら、まずは東京で日本のカルチャーを吸収しよう、と上京を決めたという経緯があります。　入学当初の私はありえないくらい尖っていて、文化は「ハンター×ハンター（HUNTER×HUNTER）」のハンター試験みたいに、全国から奇抜な精鋭たちが集まってくる場所をイメージしていたけど、いざ入学して周りを見渡してみると、意外とみんな普通で拍子抜けでした。「服が好きだからなんとなく」「勉強しなくても入れるから」を理由に来ている子もたくさんいて、肩透かしを食らった、という感覚が一番大きかったです。何様なんだって感じですけど（笑）。私は入学式には自分で作った服を着て、人形を頭に乗せたり抱えたりして挑んだので、明らかに「話しかけちゃいけない人」状態だったとは思うんですけど、「え、なんで私に話しかけてこないの？ 私、多分このクラスで一番面白いけど」みたいな恐ろしいマインドでしたね（笑）。　当時は、どんな職業に就くのか手探りの状態だったので、極力、内申点を良くしたくて。課題は必ず期限内に凝りに凝って提出するし、よく「東さんみたいなポートフォリオを作りなさい」と見本にされたりしていて、入学して数ヶ月は優等生タイプだったと思います。でも、いざ将来について考えたとき、自分はパターンもミシンも苦手なことに気が付いたんです。文化出身で活躍している先輩デザイナーは、パタンナーを経て独立するという流れが一般的だったので、「私にはパタンナーは無理だ」と気づいた瞬間、自分の中で"就職"というルートが完全に閉ざされたんですよね。入学して数ヶ月、夏休みを迎えた頃でした。　ちょうどその頃、もう一つ転機となる出来事がありました。当時は「縷縷夢兎（rurumu:）」として、何店舗かに委託販売していた頃だったんですが、あるショップのオーナーさんに「お客さんから、東さんのブランドと他のブランド、どっちがどっちか分からない。同じブランドじゃないの？と言われた」と言われて、それがすごくショックだったんです。私は“まだこの世にないもの”を生み出そうと作っていたのに、側から見たら“すでにこの世にあるもの”だったんだということを思い知らされて、一旦、縷縷夢兎をストップすることにしました。　その後、2年次からはニット科に進級。元々、1本1本毛糸を混ぜて色を作っていく作業が、絵の具を混ぜて絵を描くのに近い感覚で好きでした。当時はガーリーかつ私が得意なサブカルチャーの要素を織り交ぜたニットの表現をしているブランドはほぼいなかったので、ニット科の恩師にも「その方向性で頑張りなさい」と背中を押してもらい、ブルーオーシャンを探していた私にとって突破口になったし「ようやく自分らしい表現ができる方向性を見つけた」という感覚でしたね。ニットでいこうと決めてからは、一度ストップしていたブランドをリブランディングして、今の「ルルムウ（rurumu:）」の元となる服作りを始めました。校舎の12階から見た“上京”の景色　文化で過ごした学校生活の中でも特に思い出深い場所が、12階の学生ホール。12階は学生たちが集まって課題をやる場所になっていて、みんな遅い時間まで残ってパターン用紙を広げていました。私も当時、2日に1回は学生ホールに来て、終電ギリギリまで課題をやっていました。21時くらいになると一回消灯するんですけど、灯が消えても、携帯の灯りとか自販機の灯りを頼りに地道に続けていたのが懐かしいです（笑）。最後は見回りの警備員さんが来て、「早く出ろ」と怒られて帰る、という流れが日常でした。　12階からの景色は、私にとって「上京」を感じる絶景だったんですよ。映画「ロスト・イン・トランスレーション（Lost in Translation）」の劇中で主人公のシャーロットが「パークハイアット東京」の高層階から見下す景色が、私がイメージしていた“東京の景色”で。文化の12階から一望できる東京は、その景色に似ていたから「今、東京にいるんだな」「来てしまったんだな」と、センチメンタルな気分に浸れる場所でした。この景色見たさに、いつも窓際の席を狙っていたのを覚えています。“若気の至り”という名の爆発を経て　思い返すと、高校時代から今まで、なぜかわからないけどずっと生き急いでいました。自分がやりたいと思ったことはまずやってみるし、向いていないと感じたら諦めて、次にいく。文化に行くと決めた時も、誰にも言わずに勝手に調べて勝手に受けて、受かったら上京を決めて。常に事後報告だし、有言実行ではなく不言実行をするタイプでした。そっちの方が恥をかかないっていうだけなんですけどね（笑）。学校の先生からは「東さんには何を言っても聞かないから、言ってもしょうがない」と言われてきたし、多分、親も同じように思っていたと思います。　自分の進路で悩むことも、あまりなかった気がします。私の脳は都合の良いようにできているので、自分にとって必要のないことや嫌な気持ちになることがあったとしても、すぐに忘れちゃうんですよ（笑）。それって私にとってはすごく大切な処世術のようなもので、中学生くらいの時からずっとそうでした。その反面、人から言われて「これは忘れない方がいいかも」と思ったことはずっと肝に銘じるようにしています。高校時代に辛辣なマジレスをしてくれたギャラリーの人のように、誰かに言われて自分の中で生きている言葉はたくさんありますね。18歳で親元を離れて、身近に叱咤激励してくれる人がいる環境じゃなかったからこそ、自分に学びを与えてくれる人と意図的に一緒にいるようにしていたのかもしれないです。私はずっと若気の至りという名の爆発ばかりしてきたけど、一応、素直ではあったんですよ（笑）。尖ってはいたけど、正しい指摘をされたら1回受け止めて、自分の中に落とし込んできた実感があります。　だから、上京したてで新しい生活に悩んでいる学生に何か伝えられることがあるとしたら、福岡の専門学校時代、講師の先生に言われたことを思い出します。「今は数十人が同じクラスにいるけど、10年後に一緒にいるのは1人か、多くても2人くらい。だから、馴染めないことがあったとしても何も気にしなくていい。“何者かになりたい”“夢を叶えたい”と思っているなら、周りと同じことをしていても叶えられるわけないし、馴れ合いが一番無駄」という言葉（笑）。冷めているかもしれないけど、当時その言葉を聞いて深く共感したし、スッキリした気持ちになったんです。　私は、昔からずっと「学校はあくまでもランダムにチョイスされた人間を収容する箱」くらいにしか思ってなくて、気が合う人がいたらラッキーくらいの感覚で期待せずに生きてきたので、行きつけの古着屋や好きな音楽のイベントとか、学校外で知り合った趣味の合う子と遊ぶことのほうが多くて。趣味嗜好の範囲が広くないので、話が通じる友達はすごく貴重で、面白くて刺激的な少人数との密度濃い時間が必要なタイプだったんです。友達という形に固執していなかったから、別に「みんなと仲良く」とかは一切してこなかった。けど、それでいいじゃないですか。やりたいことがあって上京しているなら、導きをくれる先輩たちの叱咤激励、そして沢山の挫折と立ち直りを繰り返すことが何より大事。興味の矛先は沢山あって良いし、迷っても良いので、自由な直感を信じて、素直に実直に、色んな扉を叩いて進んでみてほしいです。◾️あの人の東京1年目第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第3話：アンジュルム 佐々木莉佳子と赤羽橋第4話：オカルトコレクター  田中俊行と清澄白河第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第6話：俳優  佐藤二朗と東京第7話：俳優 髙石あかりと高井戸第8話：エバース 佐々木隆史と上石神井第9話：デザイナー 東佳苗と新宿（文化服装学院）第10話：俳優 光石研と原宿・下北沢

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【あの人の東京1年目】デザイナー 東佳苗と新宿（文化服装学院）

元芸人の不動産屋に勧められるがままに　出身は宮城県登米市で、石ノ森章太郎さんと同じです。子どもの頃からずっとお笑いは好きでしたが、芸人になることは、大学3年生くらいのころからうっすらと考え始めました。大学は野球推薦で入学したので、大学でも野球部に入っていたんですが、あまり合わなくて、そのうち行かなくなりました。でもだからと言って別に他の大学のサークルに入るとか、そういうのは全くなくて。バイトするか、大学行くか、家にいるか。本当に暇な時間が多くて、そうした空いた時間にお笑いを見るようになりました。その時期にダイアンさんのラジオをよく聴いていて、「自分も（芸人に）なろうかな」と思い始めた感じです。あとは「にけつッ！！」もめっちゃ観てました。ゲオでDVDを片っ端から借りて。本当に暇だったので、家にいる時は借りてきたお笑いのDVDを観ながらゲームしたりとか、そんな感じでした。　就職活動をみんなが始める時期に「芸人になりたいなぁ」と思っていたから、就活にもそんなに本気では取り組んでいなかったんです。そのうち4年生になり、周りはみんな就職先が決まったり内定をもらったりしている中でも、僕は特に何もせず。このまま行ったらもう「本当に芸人になるしかないな」って。どんどん現実味を帯びていったというか。　NSCに入るために上京し、東京でアパートを探すために行った不動産屋で担当してくれた人が元芸人で、「芸人やるんだったら、西武新宿線沿いは（家賃が）安いし、新宿も1本で行ける」と薦められ、特に利便性などは考えず、とにかく何もわからなかったので、その人に言われるがまま決めました。上石神井では、家の近所の公園でよくネタ合わせをしていました。この公園はいつもそんなに人がいなかったから、やりやすくて。あとは、公園のすぐそばの「びっくりドンキー」で飯食って、そのままネタ合わせをしたりもしていました。　大学時代から仙台で一人暮らしをしていたので、上京後の苦労はそこまで多くはなかったですが、やっぱり東京は大都会なので「すごく離れた地に来た」という感覚はありました。あとは、上京してすぐ、歌舞伎町の漫画喫茶でバイトをはじめて、思ったより、まあ当然なんですけど客層が悪くて、マジでダルかったですね……。「お前が面白いのはわかったから、町田を面白くしろよ」　NSCに入学してまず最初にあるネタ見せの授業には、授業の一環で行われる「相方探しの会」をきっかけに知り合った別の人とお試しでコンビを組んで出ました。その授業の中では、僕たちのコンビが一番ウケたと思ったんですが、その時の相方がその1回だけで「もう芸人を目指すのを辞める」と言い出して。でも「急に辞めるのは申し訳ないから、代わりに友達を紹介するよ」と言って、連れてこられたのが今の相方の町田（和樹）でした。同じネタ見せの授業の時に町田が組んでいたコンビは一番スベッていたので「うわ、一番スベってたヤツだ！」と思いました。その元相方に紹介されなかったら町田とは知り合いにもなっていなかったと思います。町田との漫才は自分たちでは面白いと思ってやっていたけど、NSC時代は全然評価されなくて、選抜クラスに選ばれたこともなかったし、同期にもろくに知られていなかったと思います。　3〜4年目くらいまでは、「こうやったらウケるんだ」というやり方がよくわからないままに、ただ闇雲にやっていました。でもある時、今でもお世話になってる作家の山田ナビスコさんから、「そのネタはツッコミが（相方の）町田じゃなくてもいい」って言われたんです。その時まで作っていたのは、どちらかというと僕の大喜利ボケというか、言ってしまえばツッコミが誰でも成立するネタだった。だから、「お前が面白いのはわかったから、町田を面白くしろよ」って。　同時に「町田ってどういう時が一番面白いの」と聞かれて。それまでは考えたこともなかったんですけど、いじられたり、困っていたり、追い詰められていたりする時かなって考えるようになってから、結構大きくネタの作り方を変えました。そうしてイチから作り直したネタが一番ウケたんですよ。それまで結果を出していなかったので、「これで行こう」と。　もともと今みたいな日常会話の延長線のようなしゃべくり漫才で、自分たちでは面白いと思ってやっていましたが、昔は「伝え方」が下手くそだったからお客さんに全然聞く耳を持ってもらえなかったんだと思います。例えば「ケンタウロス*」は、6年目か7年目くらいの時に作ったネタなんですけど、例えばあのネタを思いついたとして、以前だったら町田じゃなくて「僕がケンタウロスになる」と言う入りにしていたと思う。「交通費を浮かせたい」という理由が最初にあって、だから「お前をケンタウロスに改造するわ」と言うと、お客さんにとっても設定がわかりやすくなるし、町田のツッコミが熱を帯びるためには「自分が改造される」ってなった方が嫌がるだろうし。*「交通費を無料にする方法」を見つけたと言う佐々木さん（ボケ）が、町田さん（ツッコミ）の下半身をケンタウロスにする手術をしようと説得する漫才。M-1グランプリ2024年決勝で披露した「桜の木の下」は、「末締めだろ」のツッコミも話題を集め、社会人にとって耳馴染みの良いワードや設定も笑いを誘う。「桜の木の下」はエバース公式YouTubeで、「ケンタウロス」はNetflixで配信中の「M-1グランプリ2023」の敗者復活戦で見ることができる。（2025年6月現在）　ネタの考え方は日によります。なんとなく歩いていて思いついたり、テレビや動画を見て気になった単語があったらメモる。「気になった」というのは、本当に簡単なことで、たとえば日常生活の中で「忍者」という単語が目に入ってきて「忍者でネタを作ったことないな」と思ったら、メモっておいて後から見返して考えたりします。　この間パン屋に行った時に、僕のひとり前のお客さんがおじさんだったんですけど、「〇〇で見て、めっちゃ美味しそうだったんで来たんですよ！」って店員さんに話しかけてて、おじさんの後にパンを買って僕も店を出たら、そのおじさんが店の外でパンを取り出して食べ始めていて、「そんなすぐに食いたかったんだ……」と思ったのは面白かったです。そのおじさんは、ふざけているわけじゃなくて、大真面目にマジで早くパンを食いたくて仕方なくて袋を開けたんでしょうけど、こっちからしたらちょっと面白いじゃないですか。家に帰ってから食えばいいのに、みたいな。そういう面白さはネタ作りにおいても意識しています。僕も町田も結構真面目に喋っているのに面白いというか。　芸人になってからはどうしても、「自分が面白いと思うか」よりも「ウケているか」「ウケた方がいい」という芸人目線が入りそうになりますが、常に「学生時代のひとりのお笑い好きの自分がこのネタを見て、面白いと思うのかな」とは考えています。本当に感覚的な話ですが。反面教師になった“野球部的”コミュニケーション　僕は人見知りですが、仲の良い先輩・後輩芸人は比較的多いと思います。人間関係に関して気をつけているのは、特に後輩に対してはこちらから踏み込みすぎないこと。学生時代に野球部だったから特にかもしれませんが、後輩ってあんまり「嫌」って言えないじゃないですか。野球部の頃は遊んでいる時によく仲の良い後輩に対して「あいつ呼ぶか」とか言って電話したりして。そいつは遊んでる時はめっちゃ楽しそうに見えていたんですけど、連絡した時は電話に出ないで、次の日に「すいません、寝てました」とか言われるようになって、「あ、めんどくさいんだな」って気がつきました（笑）。先輩から呼び出されて、後輩が楽しそうにしていても、連絡くるのって基本だるいんだなってことを野球部で学んだので、芸人になってからは自分から後輩に連絡しなくなりました。でも後輩の方から連絡をもらったら、本当に行きたいんだなと思うので、飯にも行きますよ。 　先輩に対しては、人によりますけど、相手にとって失礼にならない程度のボケを言う。自分が後輩にされたとしても、めっちゃ気を遣われるよりは、フランクなボケをされた方が心を開いてくれている感じがすると思うので。流石に初対面ではしませんけど、仕事とかライブとかでよく一緒になって、ある程度世間話ができるような仲になったら、そういう踏み込み方をする時もありますね。気楽にやっている方が目標は見えてくる　今でも新ネタライブを毎月やっていて、常に「新ネタどうしよう」という頭ではあるので、野球も好きですが、それでも一日の大半を占めるような趣味は特になくて、お笑いのことを考えている時間が一番多いかもしれません。　「若手芸人は基本的にネタを作った方がいい」という風習もありますし、暇ですし、単純に仕事もなかったので、新ネタを作るしか結果を出す方法がなくて、駆け出しの頃はとりあえずガムシャラにネタを作っていました。今は当時と比べるとペースは落ちていますが、「今年、まだ1本もいいネタができてないな」と思うとちょっと焦ります。去年や一昨年の自分よりネタを作る能力が落ちてるのかなと思っちゃうんで、自分を安心させるため、みたいな感覚かもしれません。　新しい環境って、最初から頑張らなきゃとか、結果を出さなきゃとか、まだ頑張る方法すらわかっていないのに無理をして、憂鬱になったり、仕事を辞めたくなったりすることもあるじゃないですか。でも、最初はとりあえず気楽にやってるうちに、何となく自分に向いているものとか、目標とか、ここを頑張らなきゃいけないんだっていうのが見えてくるから。肩肘張らずにやった方がいいなって思いますね。◾️あの人の東京1年目第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第3話：「アンジュルム」 佐々木莉佳子と赤羽橋第4話：オカルトコレクター  田中俊行と清澄白河第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第6話：役者 佐藤二朗と登戸第7話：俳優 髙石あかりと高井戸第8話：エバース 佐々木隆史と上石神井第9話：デザイナー 東佳苗と新宿（文化服装学院）第10話：俳優 光石研と原宿・下北沢

【あの人の東京1年目】エバース 佐々木隆史と上石神井

秘密基地を探した幼少期、夢はずっと「俳優」　私が生まれ育った宮崎という場所は、人と人との距離がすごく近かった。近所の人と会ったら必ず挨拶するし、「秘密基地を探す！」と言って、友達と探検に出かけたりするような活発な幼少期を過ごしていました。屋根の上に登って、家から持ってきた布団や毛布をそこに敷いてみんなで寝たりとかして、よく怒られてました（笑）。　兄が1人いるんですが、昔から友達みたいな関係性で。2人で旅行に行ったり、よく電話したりするくらいすごく仲が良いです。　将来の夢は、本当に物心ついたときから「俳優」でした。保育園の頃にテレビドラマ「花より男子」を観て、井上真央さんに憧れて。それからずっと、俳優になりたいと思い続けていました。上京して過ごした思い出の街、高井戸とみずほ台　元々小学生のときに地元のダンススクールに通っていたのですが、そこに貼られていたポスターを見て、2014年に自分の意思でエイベックス主催のオーディションを受けて賞をいただいたことが、芸能活動の始まりでした。　芸能活動のために宮崎と東京を行ったり来たりする生活をスタートしたのは、中学生の頃。東京では高井戸に住んでいたので、当時は井の頭線によく乗っていた記憶があります。 　その後、高校生になって本格的に一人暮らしを始めたとき、最初に住んだ街は埼玉のみずほ台。当時の私はよく電車に忘れ物をしてしまって、その度に毎回駅員さんのところに行っていたので、「ああ、また君か」みたいな感じでした（笑）。好きだからやっていただけで、「努力をした」という感覚はない　「好きだからやる」「楽しいからやる」みたいな気持ちが強かったので、俳優になるために「努力をした」という感覚は、自分の中ではあまりなくて。例えば、上京した当時はいろいろな台本をネットで探して、ひたすら読んだり演じたりしていました。もしかしたら、それは他の人からすると大変なことなのかもしれないですが、私にとってはものすごく楽しかったんです。　ひとつひとつの役にはそれぞれの感情があるので、いくらレッスンしても、必ずしもそれが現場でできるわけじゃない。レッスンで身につく“技術”ももちろん大切ですが、最終的に必要なのは、役とどう向き合うかという“心”だと思っています。それは経験でしか養えないものなので、「とにかく経験を積むしかない」と途中で諦めがついた部分もありますし、それによって得られたものもたくさんありました。　同じように、「もっと深みのある芝居がしたい」、他の俳優さんの演技を見て「あんな表情をしたい」と思っても、年齢を重ねなければできないことも多くて。でも、私は望みを捨てないし諦めないタイプなので、昔から「どうにか土俵に立ちたい」「早く大人になりたい」と思いながら、ずっとやってきました。　これまで、お芝居をする中で壁にぶつかることは何度もありました。でも、監督さんから演技に対して「違う」と言われたときには、どうしても自分だけでは解決できない部分もあるので、何が「違う」のかを直接聞いて、少しでも“正解”に近づけるようにしています。　一方で、自分との間にある壁については「仕方ない」と考えるしかないと思っていて。自分では「納得できない」と思っても、監督さんが「良い」と判断したのであれば、それが一つの答え。それで実際に作品を見てみると、意外とすごく良かったりすることもあるんです。だから、OKが出たお芝居に対して自分が納得できていないのであれば、悔しいという感情は大切にしながらも、「次、頑張ろう」と気持ちを切り替えています。　だけど、基本的に私は壁にぶつかることが好きなんです。だって、「できた」と思ってしまったら、もう面白くないじゃないですか。お芝居はわからないことだらけで“正解”も全然ないからこそ、すごく楽しくて。だから、俳優やお芝居の仕事は自分にすごく合ってるんだろうなと思います。昔と今で変化した、“服”との向き合い方　学生時代は、黒いジャケットやオーバーサイズのロングコートを着たりと、結構大人びたファッションが好きでした。当時は、自分の気持ちを上げてくれる「ファッション」というものにすごく助けられていた部分があったし、正直今よりもお洒落だったと思います（笑）。日本の雑誌よりも海外のファッション雑誌に載っているようなスタイルが好きで、そういう服を扱っているセレクトショップで買い物をすることも多かったです。　今は、衣装として素敵な服を着せていただく機会が増えましたが、着るとやっぱりぐっと気持ちが上がります。そして、作品では役に入るために“服の力”がすごく大事なんです。衣装を通して「この人はこういうタイプだったんだ」と役を知る助けになることも多いですし、私自身も服を着ることで雰囲気が切り替わりやすいタイプで。だからこそ、今は衣装を着たときにそれが“スイッチ”になるように、普段は自分が素でいられる服を選ぶようにしています。 「他人にも自分にも“思いやり”を持っていたい」　上京してからこれまで、人との出会いにはすごく恵まれているなと感じています。今お仕事で日々関わっている皆さんも本当に良い方たちばかりですし、特に、家族以上に多くの時間を共にするマネージャーさんの存在は大きいです。今のマネージャーさんとは出会ってから5年以上が経ちますが、時には厳しく、時には優しく背中を押してくれる愛情深い方。俳優としても、一人の人間としても育てていただいたので、感謝しています。　私は結構誰とでも仲良くなれるタイプではあるのですが、「友人は無理して作らなくていい」と考えていて。「仲良くなる」というのは、必ずしもプライベートに踏み込む必要はなくて、リスペクトし合える関係性の中で「お仕事として仲良くなる」というのも素晴らしいことだと思うんです。私もプライベートの友人は少ない方ですが、自分にとっては今の状態がすごく心地よくて。だから、「友達を作らなきゃ」と無理している方がいるなら、「こういう人もいるよ」と伝えたいです。　よく「自分と似た人が集まる」と言ったりしますが、信頼できる良い友人や仲間に出会うためには、まずは自分自身が幸せにハッピーに生きることが大切なんじゃないかと思います。そうすれば、自然と良い人たちが近くに来てくれるような気がします。　そして、私は周りの目線を気にするのをやめたことで、「自分らしさ」を手にすることができたと感じていて。私にとっての自分らしさは「思いやり」。他人に対してはもちろん、自分に対しても思いやりを持っていたいと思っています。私も俳優のお仕事をしていく中で、正解がないことに悩んだり迷ったりすることもたくさんありますが、そんな自分のことも受け入れながら、日々少しずつ学び、進んでいるところです。◾️あの人の東京1年目第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第3話：「アンジュルム」佐々木莉佳子と赤羽橋第4話：オカルトコレクター  田中俊行と清澄白河第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第6話：俳優 佐藤二朗と登戸第7話：俳優 髙石あかりと高井戸第8話：エバース 佐々木隆史と上石神井第9話：デザイナー 東佳苗と新宿（文化服装学院）第10話：俳優 光石研と原宿・下北沢ドレス 13万7500円／seya.、イヤリング 1万8700円／SAFON､ネックレス 1万6500円／YArKA､ブレスレット 1万8700円／four seven nine､リング 3万9600円／O-KI（ジュエリーは全てロードス）、その他スタイリスト私物styling: Kenshi Kaneda, hair & makeup: Aya Sumimoto | photography: Hikaru Nagumo(FASHIONSNAP)

【あの人の東京1年目】俳優 髙石あかりと高井戸

HERMÈS

Stone Island

SAINT LAURENT

BURBERRY

Levi's®

まずは聴いておくべき10曲も紹介

オアシスの押さえておくべき功績【連載：いまさら聞けないあのアーティストについて】

カスタムアーカイブ

パスタを茹でながら考える「新しさ」について　リリー・フランキーさんが教えてくれたこと

カルティエのヴィジョンを体現したパビリオン　カルティエは、ジェンダー平等と女性のエンパワーメントをラグジュアリーメゾンの責任ある行動として捉え、これまでにも精力的に啓蒙活動を行い、継続的に支援してきました。大阪・関西万博では、ドバイ万博に続き、ウーマンズ パビリオンを再び展開。東ゲートゾーン 大屋根リング外の日本館の隣に位置するウーマンズ パビリオンは、真っ白な立体的格子が組み合わさってできたファサードが目印です。ドバイ万博の日本館で建築家・永山祐子により設計された日本の伝統とモダンを融合させた組子ファサードが大阪・関西万博でも再利用され、ウーマンズ パビリオンとして新たな命が吹き込まれました。没入型ストーリー体験──順路で辿るパビリオン内部　組子のファサードから青空が爽やかに覗くエントランスの「THE GARDEN」を通り抜け、入り口で配布されるヘッドセットのオーディオガイドに従って2フロアからなる館内へ。旅の主役となる"あなた"の名前を音声で登録し、パビリオンでの体験がスタートします。ロンドン五輪の閉会式や数々のセットデザインを手掛けてきた、イギリス人現代美術家のエズ・デヴリンが、パビリオンのグローバル アーティスティック リードを務めています。　まず、ゲストを迎えるのは「THREE WOMEN」の部屋。エズ・デヴリンと映画監督 河瀨直美が手掛けた3人の女性、小説家 吉本ばなな／詩人・アクティビスト エムティハル・マフムード／環境保護活動家 シエ・バスティダのショートフィルムが投影されています。来場者は「THREE PATHWAYS」で3人のいずれかの人生を辿る物語に導かれ、扉の先へと進みます。　国籍や年齢、職業の異なる3人の女性の歩みを追体験した後は、しばし足を止め、自己と向き合う「MA」のスペースへ。日々、たくさんの人が来場する万博会場でひと時の静寂の時間を過ごします。　「PUZZLE BOX」は、UN WOMENよる現代社会における女性を取り巻く統計データのほか、ジェンダー平等の現状や各国のリーダーによるアクションなどが映し出されている学びの部屋。スクリーンに映し出される選択肢をタッチし、自身のリーダータイプが診断されるインタラクティブな展示も。 　そして最後の部屋「YOUR HAND」では、多様な14人のロールモデルが登場。ヴィジュアルエフェクトとともに現れる登場人物それぞれのブースに手をかざすと、希望あふれるメッセージが浮かび上がる、という仕掛けです。 ▲黒柳徹子さんのブースでは「咲くはわが身のつとめなり。／ Bloom with Purpose.」の文字が。これは著書「続 窓際のトットちゃん」に出てくる先生の言葉。自分の個性や才能を最大限に活かし、社会に役立てるべきという意味が込められた力強いメッセージです。そのほか、僧侶でアーティストの西村宏堂さんやわずか10歳で環境問題に取り組む会社を起業した細井愛茉さんなどの日本人も。　2階へと続く階段を登ると、吹き抜けの庭園「UPPER GARDEN」が開放的に広がります。景観デザイナーの萩野寿也が手掛けた館内の植栽は、地域の植物を中心に構成され、木々は万博終了後には地元の山に還されるそう。　会期中、2階の「WA」スペースでは世界的な専門家やヴィジョナリーリーダーなどを招聘し、6つのテーマのもと150をこえる講演会やパネルディスカッションといったイベントを定期的に開催。オーディエンスに考えるきっかけを与え、アクションへの一歩を後押しします。事前予約をすれば、誰でも参加可能。6月は中田英寿、熊川哲也、ファッションデザイナーのガブリエラ・ハースト、SHELLYなどが登壇を予定しています。ウェブサイトでは最新情報が随時更新中。詳しくはこちら　パビリオンのアテンダントユニフォームは、「サカイ（sacai）」デザイナー兼クリエイティブディレクターの阿部千登勢が担当。白のシャツにグレーのパンツを合わせ、サカイらしいシルエットとディテールが特徴です。世界が注目するセレブレーションイベントのハイライト　セレブレーションイベントの一環として、式典やコンサートなどが万博の舞台を彩ります。5月21日には万博内EXPOホールにてオープニングセレモニーが開催。国内外およそ1600名がお祝いに駆けつけ、特別な日に華を添えました。　オープニングセレモニーでは、「ともに生き、ともに輝く未来へ」のメインテーマのもと、詩の朗読やドラムパフォーマンスのほか、女性のエンパワーメントを体現してきたグローバルリーダーたちによるスピーチが披露。フィナーレには和太鼓や雅楽の演奏をバックに奄美大島出身の唄者 里アンナによる力強い歌声で日本古来の自然讃美を歌ったオリジナル曲「心に咲く花」が会場に響きわたり、エズ・デヴリンが手掛けた舞台演出と相まって、約1600人の観客を感動の渦に巻き込みました。　翌22日には堺市内でカルティエが創設した女性起業家支援プログラム「カルティエ ウーマンズ イニシアチブ（CWI）」のインパクトアワード授賞式が開催され、9人の社会にインパクトを与える女性起業家が表彰されました。2006年の創設以来19年目を迎えるこのプログラムでは66ヶ国約330人のフェローを輩出。現在2026年度CWIを募集しており、女性起業家の更なる活躍を後押ししています。　3日間にわたるセレブレーションイベントの最後を締め括ったのは、特別記念コンサート「マザーアース（Mother Earth）」。大阪のザ・シンフォニーホールで開催された公演では、シモーネ・メネセス氏の指揮のもと、ファジル・サイ作曲のピアノ協奏曲「Mother Earth」が世界初披露され、大阪フィルハーモニー交響楽団と共演しました。自然の四要素（水、空気、火、大地）に着想を得たこの協奏曲は、地球温暖化への深い懸念と警鐘のメッセージも込められています。　国籍や世代の異なるリーダーたちのストーリーと出会い、さまざまな視点から女性にまつわる社会課題に触れることで、学びと気づきを与えてくれる「ウーマンズ パビリオン」。性別を問わず訪れたすべての人が、社会との関わりを"ともに"考えることでより良い未来を手繰り寄せることができるはず。大阪・関西万博のウーマンズ パビリオンで「ともに生き、ともに輝く未来へ」の一歩を踏み出してみては。

大阪・関西万博で体感する“エンパワーメント”──「カルティエ」ウーマンズ パビリオンの全貌

マルジェラが語る“マルタン・マルジェラ”あらすじなぜ、マルタン・マルジェラは評価され続けるのか？革新的、繊細で優しく、かつ大胆不敵、本質を見極め、決して妥協しない。マルジェラの創造性と仕事術、その全貌が明かされる。　1988年に自身のブランドを設立し、解体や再構築など斬新なアプローチでファッション界に多大な影響を及ぼしたデザイナー、マルタン・マルジェラ（Martin Margiela）。1997年から2003年にかけて、フランスの老舗メゾン「エルメス（HERMÈS）」のウィメンズプレタポルテのアーティスティックディレクターを務めたときは、装飾を抑えたミニマルなデザインが評価されました。マルジェラは匿名性を重んじ、自身の顔を公開せず、メディアのインタビューもほとんど受けないという秘密主義を貫き通し、2008年にファッション業界を引退しました。そんな彼の本当の姿に迫る作品です。プラダを着た悪魔あらすじ恋に仕事にがんばるあなたへ贈るゴージャス＆ユーモラスなサクセスストーリー。ジャーナリストをめざしてNYにやってきたアンディ。オシャレに興味のない彼女が、世界中の女性が憧れる仕事を手にしてしまった！それは一流ファッション誌“RUNWAY”のカリスマ編集長ミランダのアシスタント。しかし、それは何人もの犠牲者を出してきた恐怖のポストだった！悪魔的にハイレベルな要求と鳴り続けるケイタイ、「センス、ゼロ!!」と酷評され、私生活はめちゃめちゃ。このままでいいの？　私って、本当は何をしたいんだっけ？　ファッションに関する映画のなかでも、ひときわ有名な作品ではないでしょうか。原作者ローレン・ワイズバーガー（Lauren Weisberger）本人が、かつて米国版「ヴォーグ（VOGUE）」でアシスタントとして働いていた体験を反映しているとされ、劇中で主人公アンディをこき使う「ランウェイ」誌の編集長ミランダのモデルは、ヴォーグの名物編集長アナ・ウィンター（Anna Wintour）だと言われています。メットガラ ドレスをまとった美術館あらすじメトロポリタン美術館（通称：メット）にて、年に一度開催される世界最大のファッションイベント「メットガラ」。その主催者は、ファッション誌US版「VOGUE」の編集長で、メットの理事でもあるアナ・ウィンター。彼女が主催するこのイベントの目的は、服飾部門の活動資金調達（アナが理事就任してからの活動資金総額は1億2千万ドル超）。そんなイベント開催に向け、アナとコンビを組むのはメットのキュレーター、アンドリュー・ボルトン。彼は従来の服飾展示を脱却した挑発的な展示で人々から絶賛を浴び、アナからも一目を置かれていた。そして二人は、15年の企画展「鏡の中の中国」に向け、アジア美術部門に企画を持ち込むが、様々な問題が発生し…。本作は史上最多の入場者数を記録した展示会の制作過程やスタッフ、豪華セレブ陣に密着した、至福ドキュメンタリーである。　プラダを着た悪魔の登場人物のイメージソースとされる、アナ・ウィンターが主導するファッションイベントが「メットガラ（Met Gala）」です。数多くのセレブリティが、著名デザイナーによる趣向を凝らしたファッションでレッドカーペットに登場することで知られており、これまでリアーナ（Rihanna）やレディー・ガガ（Lady Gaga）、キム・カーダシアン（Kim Kardashian）らのスタイルが、世界的な話題になりました。アンドレ・レオン・タリー 美学の追求者あらすじ差別の激しかったアメリカ南部に生まれた彼がいかにしてファッション界の伝説となったのか。その足跡と彼の哲学を、アナ・ウィンターやトム・フォードといったファッション関係者に加え、ウーピー・ゴールドバーグ、イザベラ・ロッセリーニをはじめとする彼をよく知るセレブたちのインタビューを通して明らかにしていく。　アナ・ウィンターの右腕として知られたのが、ファッションジャーナリストのアンドレ・レオン・タリー（ANDRÉ LEON TALLEY）です。1988年にヴォーグ初の黒人男性クリエイティブ・ディレクターに就任。2メートル超の長身と華麗なケープ姿、豊富な知識と鋭い審美眼で業界に大きな影響を与えました。マドモアゼルＣ　ファッションに愛されたミューズあらすじ2011年、10年間君臨した仏「VOGUE」誌の編集長を突如として辞任したカリーヌ・ロワトフェルド。その後、自らの名前を付けたレーベルを発表し、自伝的な本の出版、かつてない斬新な雑誌「CR Fashion Book」の創刊など、現在59歳にして次から次へと新たな挑戦に乗り出している。カール・ラガーフェルドやトム・フォード、ドナテラ・ヴェルサーチといったトップデザイナーの素顔を通してファッション界の裏側を覗きながら、新雑誌の制作過程から発売までを追う。　カリーヌ・ロワトフェルド（Carine Roitfeld）は、モデルとして活動した後に、ファッション雑誌「エル（ELLE）」のフランス版でスタイリストとしてのキャリアを築きました。著名なフォトグラファー、マリオ・テスティーノ（Mario Testino）との協業が注目を浴び、トム・フォード（TOM FORD）時代の「グッチ（GUCCI）」や、「サンローラン（SAINT LAURENT）」のキャンペーンにも携わります。その後、2001年から2010年までフランス版ヴォーグの編集長を務め、2015年には「ユニクロ（UNIQLO）」とのコラボレーションも行うなど、今もファッション界に多大な影響力を持つ人物です。マリー・クワント スウィンギング・ロンドンの伝説あらすじ第二次世界大戦後、戦争の爪痕と階級差別が残るロンドンで、若者たちは自由を求めていた。フランスのオートクチュール発の優雅で女らしいファッションに窮屈さを感じていたマリー・クワントは、1955年に自分が着たい服をクリエイトしたロンドン初のブティック「BAZAAR」をチェルシーのキングス・ロードにオープン。開店直後からマリーがデザインした服は奪い合いになり、60年代初めには動きやすく少女らしさを演出するミニスカートが世界中で大ブームを巻き起こす。若い女性の“ほしい”に敏感なマリーを支えたのは、夫のアレキサンダー･プランケット･グリーンと友人のアーチー・マクネア。ブランドのアイコンであるデイジーはファッションから下着、メイク、インテリアと生活に広がり続け、3人はファッションビジネスの新機軸を打ち出してゆく。　第二次世界大戦後のイギリス・ロンドンではベビーブーマー世代が成長して消費者として力を持ち始める一方、保守的な価値観に飽き足らない若者たちが新しい文化を求めていました。そんな世情を背景に、「ザ・ビートルズ（The Beatles）」や「ザ・ローリング・ストーンズ（The Rolling Stones）」らミュージシャンとともに、世界のトレンド発信地になった「スウィンギング・ロンドン」を象徴するファッションデザイナーが、マリー・クヮント（Mary Quant）でした。特にミニスカートの普及において中心的な役割を果たし、若い女性たちが大胆に脚を露出する自由と自己表現を後押ししたことは、ファッション史を語るうえで欠かせない功績です。エンペラーズ ジュエル 皇帝の宝石 - ブルガリ ホテル ローマができるまであらすじアウグストゥス帝政時代から2023年6月8日の新しいホテルのグランドオープニングイベントまでのタイムラインを描きながら、観客をブルガリ ホテル ローマの舞台裏へと誘う、ビジュアル豊かなドキュメンタリーです。ブルガリ ホテル ローマ開業プロジェクトの背後にある綿密な計画、建築の素晴らしさ、芸術的なヴィジョンを掘り下げるこの作品は、ホテル建設とブルガリのジュエリーのクラフツマンシップとの類似性を描き、ローマの伝統、イタリアの創造性、時代を超えたデザインを強調しています。　「ブルガリ（BVLGARI）」は、1884年にギリシャ出身の銀細工師ソティリオ・ブルガリ（Sotirio Bvlgari）がローマに開いた宝飾店がルーツで、古代ローマ遺跡やルネサンス芸術に着想を得た大胆な色石使いと幾何学的デザインで評判を呼び、1950～60年代にはエリザベス・テイラー（Elizabeth Rosemond Taylor）などの映画スターが愛用。その後、時計や香水、レザーグッズなどを手掛けるようになります。2001年にはホテル事業を開始。ラグジュアリーライフスタイルを総合的に提案しています。ヘルムート・ニュートンと12人の女たちあらすじ1920年ベルリンに生まれ、映画やラジオなどの大衆文化が広まったワイマール文化の中で育ったニュートンは、50年代半ばから各国版の「ヴォーグ」誌をはじめとするファッション誌にユニークかつ衝撃的な作品を次々と発表。ワーグナーの歌劇に登場する女神のような女性たち、バロック趣味のインテリアや建築物に覆い尽くされた作品世界は、それまでの着せ替え人形のようなモードを見慣れていた読者に強烈なインパクトを与えた。だが、その作品は「ポルノまがい」「女性嫌悪主義」との議論も巻き起こし、「20世紀を最も騒がせた写真家」とも呼ばれた。本作は、2020年にニュートンの生誕100年を記念して制作されたドキュメンタリー。　20世紀を代表するファッションフォトグラファーである、ヘルムート・ニュートン（Helmut Newton）。1960年代よりパリを活動拠点に活動を始め、そのモノクロの洗練された光と影のコントラストと、人間の肉体美を大胆に捉え、官能性・挑発性を帯びたフェティッシュな作風で一躍注目を集めました。ホワイト・ホット: アバクロンビー&フィッチの盛衰ネットフリックスで観るあらすじ90年代後半から2000年代前半、魅力あふれるモデル、高鳴るダンスビート、刺激的な香りでショッピングモールを席巻したアバクロンビー&フィッチ。広く熱烈な支持を得るなか、排他的なブランド戦略と差別的な人材雇用の実態が明るみに出ると、アメリカの若者を象徴するブランドイメージが崩れていきます。　「アバクロンビー＆フィッチ（Abercrombie & Fitch）」は、1892年にニューヨークでデビッド・T・アバクロンビー（David T. Abercrombie）が開いた高級アウトドア用品店が起源。市場変化で衰退し1977年に一度清算するものの、1988年にリミテッド傘下となって若者向けカジュアルブランドへ転換し、2000年代にはアイビーリーグの学生やビーチリゾートのライフスタイルを思わせる、健康的でスポーティー、かつセクシーな打ち出しで高い人気を集めました。HOMECOMING: ビヨンセ・ライブ作品ネットフリックスで観るあらすじ「HOMECOMING: ビヨンセ・ライブ作品」は、2018年のコーチェラ・フェスティバルで魅せたビヨンセの歴史的なパフォーマンスに密着。その中で彼女はアメリカの歴史的黒人大学に敬意を表しています。ありのままの映像とインタビューが散りばめられ、準備段階や彼女のビジョンの裏に秘められた力強い意図までが詳しく描かれている「HOMECOMING: ビヨンセ・ライブ作品」は、ショーとしてのコンセプトから文化運動に至るまでの込められた熱い想いをたどります。　ビヨンセ（Beyoncé）はR&Bグループ「デスティニーズ・チャイルド（Destiny's Child）」で頭角を現し、2003年のソロ作「Dangerously in Love」でグラミー5冠を達成。パワフルな歌唱と高度なダンス、映像演出を融合させる表現力で、ポップ・R&Bの地平を拡張してきました。ファッションアイコンとしても絶大な影響力を持っており、SNSでの発信やレッドカーペットでの着こなしには大きな注目が集まっています。

ファッション業界を描いた映画まとめ　ネトフリ＆アマプラで視聴可能な10作品

体験編　大阪市の人工島「夢洲」に建設された万博会場の総面積は、約155ヘクタール。東京ドーム約33個分、東京ディズニーランドにして約3個分相当と、ぐるっと一周するだけでも一苦労。そんなボリューム満点のコンテンツの中から、特に必見の4つのパビリオンと展示を紹介します。世界最大の木造建築にギネス認定、全周2kmの「大屋根リング」　会場に到着すると、まず目に飛び込んでくるのが「大屋根リング」。建築家の藤本壮介氏がプロデュースした建築は、会場全体を取り囲むような設計で「多様でありながら、ひとつ」という会場デザインの理念を表す、同万博のシンボルとなっています。日本の神社仏閣などに使用されてきた伝統的な貫接合に、現代の工法を加えて建築された同建築は「最大の木造建築物」として、ギネス世界記録にも認定されました。エスカレーターで屋根上の舗道「スカイウォーク」に登れば、会場全体を見渡しながら、全周2kmをぐるっと散歩することができます。また、屋根下に設置されたベンチは、雨風や日差しを遮断しながら休憩できる絶好のスポットです。LVMHが卓越した職人技を紹介する「フランスパビリオン」　160を超える国と地域、国際機関が参加する今回の万博。限られた時間の中、どの国のパビリオンに参加するべきか迷ってしまうかもしれませんが、ファッション好きならば、まずはフランスパビリオンに向かってください。フランスパビリオンには、メインパートナーとしてLVMHが参画し、同社を代表する5つのメゾンが出展。「メイド・イン・フランス」の価値を体感できる展示を通して、フランスが誇るサヴォアフェールとアール・ド・ヴィーヴルの精神を発信します。　「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」と「ディオール（DIOR）」の展示は、万博の期間と同様、半年間常設されます。ルイ・ヴィトンは、建築家の重松象平氏とコラボレーションし、「日本への愛」と「時を超えるクラフツマンシップへの愛」にオマージュを捧げた展示を用意。メゾンのアイコニックなトランク84個を配したライブラリーには、アトリエの音を再解釈したサウンドトラックが響き、アーティストの真鍋大度氏が手掛けた映像作品も放映されます。ディオールは、職人技と手仕事へのオマージュとして、トリコロールカラーの「バー」ジャケットやアンフォラ ボトル、約400点の白いトワルや、3Dプリントで再解釈されたフレグランスボトルを並べたインスタレーションを用意し、タイムレスなエレガンスを表現。アーティスト高木由利子氏の作品や、デザイナーの吉岡徳仁氏によるメダリオンチェア、建築家の妹島和世氏が手掛けた「レディ ディオール」などを通して、メゾンと日本のつながりを讃えます。　「セリーヌ（CELINE）」は開幕から5月11日まで、「ショーメ（CHAUMET）」は9月1日から10月13日までの期間限定で展示を披露。セリーヌは、石川県輪島市を拠点に、伝統的な漆器を制作するアーティスト集団の彦十蒔絵とコラボレーションしたメゾンのアイコニックなシンボル「トリオンフ」を展示します。ショーメは、空間全体を煌めきで演出した没入型の展示を実施予定。麦の穂やミツバチ、ミツバチの巣（ハニカム）などのモチーフとともに、メゾンが培ってきた自然の美しさと生命力への賛辞を表します。ちなみに、同館で味わうことができるビストロは、「モエ ヘネシー（Moët Hennessy）」がプロデュースしています。ジェンダーを超えた公平な未来へ導く「ウーマンズパビリオン」　続いて紹介するのが、夢洲駅からほど近い東ゲートゾーンに設置された「ウーマンズパビリオン in collaboration with Cartie」。その名の通り、「カルティエ（Cartie）」とのコラボレーションによって実現したプロジェクトです。コンセプトは「When women thrive, humanity thrives ～ともに生き、ともに輝く未来へ～」。社会における女性の役割とともに、ジェンダーを超えて誰もが公平であることを望む、持続可能な未来の構築を目指し、建築やコンテンツ、対話など多角的な展示を行います。　同パビリオンのメインコンテンツが、3人の女性を主人公としたストーリーとともに展開する、没入型のキュレーション「THREE PATHWAYS」。日本を代表する作家 吉本ばなな氏、詩人でアクティビストのエミ・マフムード氏、環境保護活動家のシエ・バスティーダ氏の3人のショートフィルムが流れたあと、3人の中から1人の部屋を選ぶことで、それぞれのこれまでの人生を追体験できるインスタレーションが楽しめます。ちなみに、ショートフィルムを制作したのは、映画監督の河瀬直美氏。　そのほか、世界中の男女平等の現状について、各国のデータに基づいて表現したインスタレーション「PUZZLE BOX」や、世界で活躍する14人の活動家のメッセージに触れることができる体験型の展示「YOUR HAND」なども用意。日本からは、タレントの黒柳徹子氏や、メイクアップアーティストで僧侶の西村宏堂氏、社会起業家の細井愛茉氏、寿司職人の三好史恵氏が参加。それぞれの声を通して、未来へのメッセージを届けてくれます。■公式サイト“未来の自分”に出会える「大阪ヘルスケアパビリオン」　万博ならではの最新テクノロジーが集結した「大阪ヘルスケアパビリオン」では、「リボーン（REBORN）」をテーマに、25年後の未来の都市生活をイメージした体験を用意しています。中でも、おすすめなのが「リボーン体験ルート」。プリクラ機のような「カラダ測定ポッド」に入り、自分の髪や肌年齢、視覚、脳、筋骨格などの数値を測ると、25年後の自分のアバターが形成され、専用のリストバンドを装着することで、アバターと一緒に展示を楽しむことができます。ちなみに、アバターの衣装を手掛けたのは、「ハトラ（HATRA）」のデザイナー長見佳祐氏。自分のアバターがどんな衣装に身を包むのか、必見です。　測定ポッドで計測したデータに基づき、今の自分に必要な栄養を補完できるサプリを提供してくれるフードスタンドをはじめ、「未来では洋服ではなくロボットを着用しているかもしれない」という発想をもとに、VR体験を通して自分にピッタリのロボットスーツを提案してくれるアトラクションも。25年後の未来に思いを馳せながら、さまざまなテクノロジーを体感できるスポットです。リボーン体験ルートの参加には予約や公式アプリの事前登録が必須なので、詳しくは公式サイトをチェックしてください。■公式サイトお土産編　万博では、会場でしか手に入らないお土産も見どころの一つ。オフィシャルショップには、バリエーション豊かな「ミャクミャク」のマスコットやお菓子などが所狭しと並んでいますが、今回は、ファッション好きならぜひチェックしてほしい2つのショップと、そこで出会える限定アイテムをピックアップします。アーバンリサーチが手掛ける「アーバン博」　大阪に拠点を持つファッション企業・アーバンリサーチは、会場西側のセービングゾーンに、限定アイテムを取り扱う期間限定店「アーバン博」を出店。テーマは「未来につながる“すごい”をシェア」。他のオフィシャルストアでは手に入らない、同店ならではのアイテムとして、「カンペール（CAMPER）」とのコラボレーションによる雑貨や、アーバンリサーチの社員100人の声の振動を柄にしてデザインし、商品化するプロジェクト「一〇〇 VOICES」による鯉口シャツといった限定アイテムをラインナップ。変わり種のお土産を求めている人は訪れるべきスポットです。■公式サイトファッションブランドとの限定コラボに出会える「大丸松坂屋百貨店」　夢洲駅からすぐの東ゲートのそばにオフィシャルストアを出店している大丸松坂屋では、百貨店ならではのファッションブランドとのコラボアイテムをラインナップしています。開幕時には、「ミントデザインズ（mintdesigns）」「ジェラート ピケ（gelato pique）」「ジャーナル スタンダード レリューム（JOURNAL STANDARD relume）」の3ブランドとのコラボレーションを展開。それぞれのブランドが持つスタイルとミャクミャクをかけ合わせた独自のアイテムを揃えます。

【大阪・関西万博】ファッション好きが楽しめるスポット6選

阿部千登勢  ⎯ 「ウーマンズ パビリオン in collaboration with Cartie」　「ウーマンズ パビリオン in collaboration with Cartier」は、内閣府、経済産業省、「カルティエ（Cartier）」、2025年日本国際博覧会協会と共同で手掛けるパビリオン。「When women thrive, humanity thrives ～ともに生き、ともに輝く未来へ～」をコンセプトに掲げ、建築や没入型の体験コンテンツなどの展示を通して来場者の視点変革を目指しています。　ウーマンズ パビリオンのアテンダントユニフォームは、「サカイ（sacai）」デザイナー兼クリエイティブディレクターの阿部千登勢が担当。調和とモダニティを身に纏えるようなユニフォームとなっています。ヨウヘイ オオノ⎯「住友館」アテンダントユニフォーム　住友グループが出展するパビリオン「住友館」は、森の中で様々な「いのちの物語」に出会うインタラクティブな体験や、来場者が参加できる「植林体験」を実施します。　ヨウヘイ オオノにとって初めてのユニフォームデザインとなる住友館のアテンダントユニフォームでは、「ジャケットやパンツ・カットソーを⽤いたスーツスタイル」「帽⼦やシューズ」などを共通デザインとしながら、2種類のユニフォームを制作。分量のあるプリーツを採⽤したジャケットや動きやすさや霧が漂う空間における快適性を意識した丈感のパンツ、サイクリングトップをベースにしたスポーティーなインナーなどをデザインしました。ユニフォームの素材には、住友商事グループ企業が全国の⼩売店などで独⾃に回収されたペットボトルからエコ・リサイクル⼯程で再⽣された特殊⻑繊維⽤ペレット「bottlium®（ボトリウム)」と、住友化学が開発した吸熱と放熱の特性を併せ持つ温度調節樹脂「コンフォーマ®」を⽤いた繊維を使用しています。中里唯馬 ⎯ 「Better Co-Being®」アテンダントユニフォーム　「Better Co-Being®」は、慶應義塾大学医学部教授 宮田裕章氏がテーマ事業プロデューサーを務めるシグネチャーパビリオン。ゴールドウインは、同パビリオンにサプライヤー協賛し、デザイナーに中里唯馬を迎え、ユニフォームを製作しました。　ユニフォームは、形ある物が絶えず移ろい続ける様を意味する「IMPERMANENCE」という言葉をテーマに、帽子、ジャケット、シャツ、パンツ、雨具を展開。屋外にあるパビリオンのため、ユニフォームは適度なフォーマルさと同時に、長時間の野外環境で快適に過ごしていくための機能性を実現しました。また素材は、ゴールドウインの富山本店の研究開発施設「ゴールドウイン・テック・ラボ」が、暑さ対策として特殊な加工技術を使用し、紫外線遮蔽率と太陽光反射率の両方を高めた新素材を開発。ジャケット、シャツ、パンツの生地に採用しました。中田優也ー日本館アテンダントユニフォーム　日本館のアテンダントユニフォームは、中田優也がデザインを担当。ジャケットやパンツ、ベスト、カットソー、スカーフ、帽子、バッグといったアイテム構成となっており、「日本の美意識を纏う」をコンセプトに美しさと機能性の両立を目指してデザインしたそうです。ジャケットは、日本の伝統衣装である着物の構造を元に製作されており、帯状のベルトで自在にサイズを調整し着用者の体に合わせてフィットさせることができます。また、日本の伝統的な履き物として採用された足袋は、「福助足袋」が一点ずつ職人の手により製作。留め具（コハゼ）で足をしっかりとホールドするため歩く際に安定感があり、足に綺麗にフィットすることから足もとを美しく演出します。　アイテムは、付属の風呂敷でまとめて持ち運ぶことができるようになっており、日本の文化が感じられる工夫を施しました。素材は、植物由来のポリエステル繊維や、使用済みのペットボトルを原料としたリサイクル繊維など環境に配慮した物を採用。また、単一の素材や原料で構成された製品を指す「モノマテリアル」を採用したため、リサイクルの際に分別する必要がなくなりリサイクルの工程が簡略化され、環境への負荷を大幅に削減することができます。藤本ハルミー「PASONA NATUREVERSE」　パソナグループが出展するパビリオン「PASONA NATUREVERSE」では、97歳の現役デザイナー藤本ハルミをデザイナーに起用。パソナグループの代表取締役グループ代表の南部靖之と藤本が同郷であることをきっかけに、今回の協業に至ったそうです。　ユニフォームは、全てオートクチュールドレスとして製作。京都・祇園祭の山鉾（やまほこ）巡行が描かれた生地や、染織家として初めて人間国宝になった三代目田畑喜八による生地などを使用した、デザインの異なる20着を用意しました。同ドレスは、パソナグループのパビリオンでVIP接客などにあたるアテンダントが着用し、万博閉幕後は、パソナグループが進める淡路島へのパビリオン移設計画で活用される予定です。ミナ ペルホネンー「Dialogue Theater - いのちのあかし - 」　河瀨直美がテーマ事業プロデューサーを務めるシグネチャーパビリオン「Dialogue Theater - いのちのあかし - 」では、「ミナ ペルホネン（minä perhonen）」がユニフォームのデザインを担当。コートジャケットやレインコート、Tシャツ、サコッシュ、バンダナ、靴下といったアイテムを製作しました。コートジャケットは、一般的なメンズとウィメンズの打ち合わせではなく、右と左の生地が対話をするように重なり合うデザインを採用し、一般常識や男女の慣習などを取り払い、多様なテーマについて考えてみようというメッセージを込めたそうです。またバンダナは、アテンダントスタッフの個性やその日の気分によってさまざまな巻き方ができ、スタッフ自身が装いにアレンジを加えることができるように設計しました。アンリアレイジ ーNTTパビリオンスタッフユニフォーム　「アンリアレイジ（ANREALAGE）」は、機能性と環境への配慮を両立した、アウター、ポロシャツ、バッグ、バケットハット、ロゴバッジの5点を製作しました。アウターは、「風をまとう服」をコンセプトに「空調服®️」の電動ファンを内蔵。体と服の間に風を送り込むことで布にドレープが生まれ、着る人の体型に沿って変化します。ポロシャツは、シルエットやディテールのプロポーションを再解釈し、性別や体型を問わず着用できる形を追求しました。そのほか、バケットハットおよびバッグには、日本国内で回収された廃漁網を100%再利用して作られた、ケミカルリサイクル糸「MURON」を採用。ロゴバッジには、フォトクロミック生地を使用し、屋内と屋外で色が変化する仕掛けを施しています。　各アイテムの生地には、通気性・吸水速乾性に優れた「AZEK」を使用。製作工程では水の使用量を限りなく削減したサステナブルなプリント技術「FOREARTH」を用いています。ディウカ ー 大阪ヘルスケアパビリオン・ファーマフーズ　卵研究により生まれた素材を使った商品を展開するバイオテクノロジー企業 ファーマフーズが、大阪ヘルスケアパビリオンに出展。アテンダントユニフォームを「ディウカ（divka）」がデザインしました。これに際し同社は、研究で廃棄されてきた卵殻膜に着目し開発た新素材「オボヴェール（ovoveil®）」を採用。デザインには、卵の持つ柔らかさや包容力をシルエットに落とし込みました。公式スタッフ用ユニフォーム　会場サービスアテンダントスタッフユニフォームは、主に来賓のアテンドや通訳、案内所などで働くスタッフが着用。公益社団法人2025年日本国際博覧会協会が、2023年5月18日から6月19日にかけて公募し、513作品（応募者数369人）の中から優秀賞に選ばれた服部真理子のデザインを採用しています。全世界共通のSDGsカラーをインナーに起用したカラフルなユニフォームは、寒暖差や自分の好みに合わせて自由に着こなしを楽しむことができます。　その他ユニフォームは、シニアアドバイザーのコシノジュンコの助言のもと、会場サービスアテンダントスタッフユニフォームのデザインから派生して展開。公益社団法人2025年日本国際博覧会協会は、多様性の観点から年齢や性別に関係なく、暑さ対策、着心地、機能性、耐久性、環境に配慮した素材の使用や会期終了後のリサイクルなど、総合的な視点を踏まえて製作したといいます。

大阪・関西万博のユニフォーム、ファッションデザイナーが手掛けたデザインを紹介【まとめ】

　TCSは、「東京を世界有数のファッションとデザインの都市に、そして世界一のクリエイティブな都市にする」というテーマのもと、2020年にスタート。「日本の創造力をより良い世界へとつなげること」をミッションに、地域や民間企業が連携し、ファッション、 アート、音楽、カルチャーの発信を通して、「伝統をつないできた技」「新技術（デジタル・サステナビリティ）」「日常に新しい視点を加えたアイデア」を世界に届け、東京の価値向上を目指している。　2025年のテーマは、「QUEST｜さがそう〜創造性・美意識の探求〜」。日本が誇る知恵や技術、美意識を「再発見し、再定義」することを目的に掲げ、120を超える多様なプロジェクトを展開する。2025年は昨年の約120万人を上回る150万人の動員を目指すという。　今回は、TCS初の総合拠点として「QUEST BASE」をハラカド4階のハラッパに設置。会場では、都内10エリアそれぞれの多彩なコンテンツや作品の一部を展示しており、祭典全体の“目次”として位置付ける。また、今年初の取り組みとして、新たな才能を発掘すべく実施したクリエイターのコンテスト「TCS Open Call 2025」の受賞作品を展示。加えて、東京都主催の学生向けファッションコンクール「Next Fashion Designer of Tokyo」（以下、NFDT）と日本独自の文化や伝統を現代のファッションの力により新たな形で世界に発信していく「Sustainable Fashion Design Award」（以下、SFDA）の受賞作品や、日伊の若手デザイナーと国内産地の尾州・福山との共創プロジェクトによる作品なども展示している。　QUEST BASEでは、原宿エリアで実施するイベント「トートバッグスタンプラリー」の参加に必要な「TCSオリジナルトートバッグ」を数量限定で配付。同バッグを対象の20ブランドのショップ店頭で提示すると、各店オリジナルデザインの限定パッチを入手できる。また、今回エリア横断企画として、テーマにちなんで各エリアに「Tokyo QUEST Gacha - AREA Edition -」を設置。検索やSNSでは知ることができない、TCS各エリアディレクターをはじめとするさまざまな人の“とっておきの東京のクリエイティブスポット”に出会えるガチャを楽しめる。　説明会に登壇した廣内会長は、「東京を“世界一のクリエイティブシティ”として確立するという目的のもとスタートしたTCSも、今年で6回目。世界的な著名性と経済効果を創出しているミラノサローネをお手本にしてきましたが、東京も伝統や文化、職人技など、世界に誇れる素晴らしいコンテンツやクリエイティブを持っており、素材から製品まで一貫して生み出せるという魅力や強みを持っています。そんな東京が持つ多様な魅力を一つにまとめて世界に発信するとともに、あらゆる年齢や立場の人々が一丸となって、これまで継承されてきた伝統や技術を未来に受け継いでいくことが、このTCSの大きなテーマだと思っています」と、開催の挨拶として同イベントの主旨を改めて紹介した。　統括クリエイティブディレクターの齋藤氏は、現在の東京の現状について「クリエイティブ5大都市と呼ばれるニューヨーク、ロンドン、パリ、ミラノ、東京の中で、東京は『最もクリエイティブな都市』の第2位に選ばれるほど世界的な注目度が高い。しかし一方で、日本人はそれに対して自信を持てていない現状がある」と説明。TCSは、その状況に対するアクションとして、日本のファッションやデザインをはじめとする「クリエイティビティ」にフォーカス。東京だけでなく日本全国の地域からコンテンツを集めて世界に向けて発信する。　「“JAPAN CREATIVE FOR BETTER WORLD（日本の創造力を、 より良い世界のために）”を究極的なゴールとして掲げ、数十年間続けていけるような強度を持ちながら、世界の都市で開催されるファッション・デザインウィークなどに劣らないものを目指していくのが大きなミッション」と話した。　また、同氏はTCSの特徴として、デザイナーやアーティストのみならず、日本各地の商業施設や商店会、行政、文化施設、交通インフラ企業などがともに手を組んで発信する「共創的に作り上げる都市型イベント」であることを強調。加えて、「TCSは、ファッションやデザイン、まちづくりといった『文化』的側面はもちろん、『政治』、『経済』『地方創生』など多方面に効果があるイベント。また、エンタメ・クリエイティブ産業は、既に鉄工業や半導体産業に匹敵するほどの市場規模があり、TCSは、今後産業がさらに成長していくための一つの起爆剤にもなるのではないかと考えています」と同祭典がもたらす効果に期待を寄せた。　続いて、統括共創ディレクターの浜野氏は、TCS2025のコンテンツの中から見どころを厳選して紹介。「QUEST BASE@原宿ハラカド」や「街の特徴を活かした企画の実施」「伝統工芸 × クリエイティブ」「ファッション × クリエイティブ」「サステナブル × クリエイティブ」「TCS2025 Open Call」「国内産地 × 若手デザイナープロジェクト」「20以上のトークイベント実施」「TCSエリアでギャザリング開催」の9つを挙げた。「全10エリアで120以上のコンテンツがありますので、まずは全体の“目次”となっているハラカドで各エリアのコンテンツの概要を見ていただきながら、実際に都内各地でのさまざまな企画を楽しんでもらえたらと思います」とコメントした。　そのほか、TCSで開催するファッションショーをはじめとするファッション関連のコンテンツに関しては、今年はより一般客向けにシフト。原宿エリアクリエイティブディレクターを務めるワンオー取締役 古瀬伸一郎氏は「昨年は東京ファッションウィークとも連動しながら“BtoBtoC”的なスタンスで行っていましたが、今年はより一般の人をターゲットに、ファッションを気軽に楽しんでもらえるような企画に方向性を変えています。例えば、原宿エリアで開催するファッションショーには、昨年のFRUITS ZIPPERさんのようなエンタメ領域の方にも出演していただいたり、『トートバッグスタンプラリー』を実施するのもその一つ」と説明。また、ファッションショーでは歌舞伎ともコラボするなど、日本の伝統文化の要素も取り入れることで、インバウンド客に日本の文化を伝える機会の創出にも繋げるという。photography : Momoka Omote

東京クリエイティブサロン2025が開幕、「ハラカド」を拠点に120超のコンテンツを都内10エリアで展開

10:00 開店　記念品を求める長蛇の列【9:30】　10時の開店を控え、入り口にはオープンを待つ人は82人。凍える寒さの中、椅子を持参して並ぶ人も多く、来店者たちの高い熱意を感じる。　先頭に並ぶ松本市内在住の40代男性は、先着400人に配布される記念品のハンガーを求めて朝7:30から待っていたという。「学生の頃よく来ていたので、最後と聞いて来ました。なくなると聞いた時はあまり実感がなかったけれど、今月に入ってからは何度も来ています」と話す。2番目に並んでいたのは、50代の男性。松本市の隣の塩尻市から訪れ、8時ごろから並んでいたという。「若い頃はよく来ていましたが、もう若者じゃないので最近は来なくなっていました。でも、今日は最後なので」と教えてくれた。2人とも今日のために有給を申請してきたという。【9:55】　開店5分前のアナウンスが流れる。気がつくと行列はパルコの建物を半周ほど囲み、281人が列を成していた。青春時代をパルコで過ごした世代を中心に、学生や若い親子連れ、親子3代で来店する客など顔ぶれは様々。【10:00】　ついに最終日の営業がスタート。行列は絶え間なく入店し続け、ハンガーを手にした来店者たちは各々目当ての店舗へ向って行った。【10:30】　3階のプリクラブースには高校生女子5人組の姿。「パルコにはプリクラがあるのでよく撮りにきていました」と話す。12:00 平日昼から大盛況のフェアウェルパーティ　【11:50】　6階の特設会場では、パルコに40年間の感謝を伝えようという地元の有志によるフェアウェルパーティが始まろうとしていた。長野県内外から15店舗の人気店が出店し、料理やドリンクを振る舞う。中には今回のために用意されたメニューもあった。　会場には12時のオープンを心待ちにする人が列を成し、平日の昼とは思えぬ活況ぶりだ。「金曜日なので、どうなることかと心配していたんですが、よかったです」と担当者は喜びを噛み締める。【12:10】　オープンとともに拍手が起こった会場。同県諏訪市と塩尻市から訪れたという20代のカップルは「偶然2人の休みが重なったので、せっかくだからと思い来ました。学生の頃からよく来ていたけど、デートでくるのは初めて」と笑う。　代々木でビアホール「Watering Hole」を営む林ゆうやさんは松本市出身。松本ブルワリーで製造したクラフトビールを振る舞う。松本パルコとは“同い年”だと笑って教えてくれた。　今回の閉店イベントを指揮するパルコの宣伝部担当者は、新卒入社時の最初の配属が松本パルコだったため思い入れもひとしおだという。「色々な店舗にもちろん思い入れはあるけれど、松本は“特別”。テナントさんとの距離が特に近い店舗で、たくさん良くしていただきました。テナントさんに育ててもらったんです」と、賑わう会場を感慨深そうに見つめていた。【13:30】　4階特設会場には、2月1日からメッセージボードが設置されている。付箋に寄せられたメッセージには、様々な来店者からの松本パルコへの感謝や同店の思い出が綴られていた。会場では、メッセージを書き添える人や懐かしそうにメッセージを読む来店者の姿が見られた。【14:30】　各店の名物店員たちは最後の接客に勤しむ。2階のコスメ専門店「ローズマリー」の安藤店長は同店に勤めて約14年。しかし、同店の他のスタッフと比較すると“歴は短い方”だという。それだけ長年、店舗の“顔”となるスタッフたちが店を支えてきた。安藤さんは「若い頃はよく他のテナントの方とも仕事終わりに飲みに行ったりして、楽しかったですね」と振り返る。　閉店前最後の週末は3連休。名残惜しむ多くの来客があったそうだ。【14:50】15:00 パルコアラ登場！【15:00】　パルコのマスコットキャラクターである「パルコアラ」が来店。各フロアを練り歩き、来店客やスタッフたちと記念撮影を楽しんだ。この後18:30まで、休憩を挟みながら各階を巡回していく予定だ。18:00 「今は去っても、また逢える」アオイヤマダによるパフォーマンス【17:30】　仕事や学校帰りの来客が増え始め、各フロアは賑わいを見せる。　6階のフェアウェルパーティ会場の盛り上がりも最高潮へ、久々の再会を果たす人や友人同士が集い、"まるで同窓会"。皆が思い出話に花を咲かせた。　同じく6階の特設会場では、1969年から現在に至るまでのパルコのB全ポスター約100枚を展示するポスター展も開催。そして同会場では18:00から行われる、松本市出身のアーティスト アオイヤマダと高村月によるユニット「アオイツキ」のパフォーマンスのリハーサルが行われていた。　アオイは松本パルコ閉店のクリエイティブに登場しており、自身が登場しているポスターの前でパフォーマンスを行う。【17:50】　客入れがスタート、事前に行われた抽選の当選者たちで会場は超満員に。【18:00】　パフォーマンスがスタート。アオイヤマダは「松本パルコ」を、高村月は「春」を表現し、2人が出会うことで松本パルコは「松本春子」に変化するというストーリーだ。「明日から春になります。気象学によれば、3月1日から春が来る。春は人生の句読点」　という語りとともに、2月末で閉店する松本パルコに対しての感謝と別れ、明るい未来への祝福を表現した。　終盤には「あなたがパルコで鬼ごっこをしたことも、あなたがパルコで買ったお洋服も、あなたがパルコで食べたケーキも、松本パルコが覚えています。松本パルコはいなくなりますが、みなさんが過ごした時間、思い出は決して消えません。みなさまどうか、松本パルコのことを忘れないでください。本当にありがとうございました」と語り、「今は去ってもまた逢える」と歌うように繰り返してパフォーマンスを締めくくった。20:15 閉店セレモニー「これほど深く愛されたパルコはない」【19:00】　2部制で行われたパフォーマンスが終わると、閉店セレモニーが始まる前に斉藤博一店長は報道陣の囲み取材に応じた。　「松本はパルコにとっては“小ぶり”なマーケットだったのにも関わらず、40年間営業を続けてこられ、これだけ多くの方々から支持をいただけたのは、松本が文化や芸術を大切にする街であったこと、そして地域の方々のデザインやモノ作りに対する関心が非常に高かったことが大きな理由だと感じています」とコメント。　数値的な面だけでは測りきれない松本の環境は、パルコの中でもかけがえのない存在であったとし、「パルコの中でも特に、お客様や地域の方々との絆が強く、愛されていた。松本パルコを支えてくださった地域の方には最大限のお礼を申し上げます」と感謝の言葉を述べた。　オープンからラストまで、賑わいを見せた松本パルコ最後の日。顧客たちからは「松本パルコが青春の思い出だった」「松本の象徴だった」といった言葉を受けたという。営業終了まで1時間を切った店内で「この瞬間をしっかりと胸に焼き付けて営業を終えたい」と語った。【20:00】　多くの人に悲しまれながらついにパルコが閉店する。建物の公園通り側入り口付近に閉店セレモニーを見届けようと集まった人の中には、感謝の言葉が書かれたメッセージボードを掲げる姿も見られた。【20:15】　いよいよ閉店セレモニーがスタート。会場の周りには、多くの地域住民が集まりその様子を見守る。　セレモニーには、臥雲義尚松本市長とパフォーマンスを披露したアオイヤマダ、高村月がゲストとして登壇した。　臥雲市長は「松本パルコは、松本のかっこよさのシンボル。“松本は他の地方都市とは違うんだ”という気持ちを市民に持たせてくれた特別な存在だった」とコメント。「パルコに与えてもらっていたいろいろな力を、これからは私たちひとりひとりがこの街で生み出していかねばなりません。松本市では、駅前を中心に広いエリアで変化が起きています。新たな動きを前向きに捉え、パルコとともに歩んできた40年を、これからもっともっと明るく前向きなものにしていくことを皆さんとともに誓いたいと思います」と語った。【20:20】　市長が挨拶を終えると松本市出身の写真家 白鳥真太郎による集合写真撮影会が行われた。公園通り側入り口の裏手にある駐車場の3階から、集まった観衆たちとともに松本パルコの姿が写真に収められた。司会者の掛け声とともに「ありがとう、松本パルコ」と唱和する。大衆から自然と大きな拍手が巻き起こった。【20:30】 　セレモニーの最後には、斉藤店長が登壇。「これほど深く愛されたパルコはないと感じております」と集まった住民たちに直接感謝を伝えた。シャッター代わりの垂れ幕が下りると、観衆からは拍手喝采と「ありがとう！」という力強い感謝の声が相次いだ。セレモニー後には、パルコを呼ぶ“パルココール”が自然と発生。パルコの最後の姿を写真に収めようと、人だかりの熱はなかなか冷めなかった。【20:50】　セレモニーを終えた20:50。松本のパルコロゴから灯りが消えた。　カルチャーアイコンとして市民、ひいては県民たちのライフスタイルを支えた松本パルコの最後の姿には、地域住民と歩んだ日々が伺い知れた。　同店に続き、今年3月末には松本駅前の「松本 井上百貨店」も閉店する。変化の最中にある松本駅前〜中心街の今後に注目が集まる。

「さようなら、松本パルコ」　40年間愛されたカルチャースポット最後の日

追い求めたのは世間ではなく“自分の中の王道”──カワイイラボの立ち上げから、今年で3周年を迎えます。木村さんが手掛けるグループは、今や令和の王道アイドルのスタイルを牽引する存在ですが、この反響は想定内でしたか？　当初は、世間にとっての“王道”を意識して作ったつもりはありませんでした。日本のアイドル文化を体現するプロジェクトにしたいという思いがあったので、「私にとっての理想のアイドルを作ろう」というところを起点に始まりました。私は元々アイドルオタクなので、これまで自分がファンとして応援してきたももクロ（ももいろクローバーZ）やハロプロ（ハロー！プロジェクト）のグループのような、どんなコンセプトの楽曲も歌って踊れるアイドルであることが理想でした。それに加えて、アソビシステムが得意としている原宿を起点とした“カワイイ”ファッションカルチャーも体現できるグループをイメージして作ったんですが、“カワイイ”を軸にした結果、色々な人から「王道でいいね」と言っていただけるようになりましたね。──カワイイラボのグループは、これまでアイドルに触れてこなかった層も取り込んでいる印象ですが、狙いはあったのでしょうか？　どのグループにも共通していることなんですが、アイドルソングでありながら、一つの楽曲としてアイドル好きじゃない人にとっても聴きやすい楽曲を作ろうという思いが根底にあります。「カワイイラボの楽曲＝カワイイを打ち出した楽曲」というイメージが先行していますが、実はそれだけをやっているわけではないんです。　例えば、FRUITS ZIPPERがデビュー当初にリリースした「RADIO GALAXY」は、転調が多かったりラップパートがあったりと、いろいろな要素が詰まった楽曲で、一つの型に囚われないカワラボ（カワイイラボ）らしさを表現しています。メンバー自身もすごく大切にしている楽曲で、この曲があるからこそ「私たちには多様な表現ができる」という自信にも繋がっていると感じます。衣装へのこだわりは業界随一　雑誌「Zipper」のDNAを引く“カワラボらしさ”──カワイイラボのグループは、ライブの公演やCDのリリース時期に関わらず、頻繁に衣装を変えているのも印象的です。　衣装に対するこだわりは強くて、特にFRUITS ZIPPERは衣装がコロコロ変わっています。昨年の年末は、各音楽番組ごとに衣装を変えたりもしていましたね。「原宿から世界へ」というコンセプトなので、ファッションの街である原宿を発信する上で、衣装にこだわるのは必要不可欠だと考えています。──FRUITS ZIPPERの衣装は、スタイリストの相澤樹さんが手掛けています。　相澤さんには、ステージ衣装に加えて、メディアに露出する時のスタイリングをお願いすることも多いです。個人的に、アイドル衣装はファッション的な要素とかけ離れている側面があると常々感じていて。だからこそ、アイドル衣装を専門的に作っていない方に依頼することが多いです。「この人がアイドル衣装を作ったらどうなるんだろう？」と興味が湧くような人。相澤さんもその一人です。　FRUITS ZIPPERは、相澤さんと、浜崎あゆみさんの衣装を手掛けている齋藤ヒロスミさんがタッグを組んで一緒に作ってくださることが多くて、CUTIE STREETは、椎名林檎さんやきゃりー（きゃりーぱみゅぱみゅ）の衣装を担当している飯島久美子さんにお願いしています。それに対して、SWEET STEADYは坂道グループの衣装を手掛けている市野沢祐大さんに依頼したりと、グループの雰囲気に合わせて、クリエイターの方も変えるようにしています。──衣装制作においては、Zipperモデルとしての経験が生きていることもあるのではないでしょうか。　衣装はもちろん、ヘアメイクなどのディレクションに関しては、Zipperでの経験があったからこそ、できていることが多いと感じます。例えば、FRUITS ZIPPERがデビューしたばかりの頃は、雑誌の取材で「私服でお願いします」と言われることが多かったんですが、すぐに私服が用意できないメンバーもいたので、自らリースに行ってスタイリングを組むこともありました。私の私服でコーディネートを組んでメンバーに着させることもあったり。私がモデルとして活動していた頃のZipperは、リースされた衣装の中から自分たちで好きなものを選んでコーディネートを組むという環境が当たり前だったので、「やっていて良かったな」と感じましたね。──衣装を手掛ける上で気をつけていることはありますか？　メンバーの趣味がバラバラで、それぞれ好きなテイストが明確にあるので、同じ衣装でもメンバーの個性や良さが出るように気をつけています。好みに合わせてパフスリーブにしたり、肩を出したデザインにしたり、お腹を出すのが苦手な子には配慮したデザインにしたりと、制作過程でメンバーにフィッティングをして、直接意見をもらいながら調整しています。　色々な衣装を作ってきたからこそ「この子にはこういう形が似合うから、フリルを少し減らそう」とか、メンバーの個性を反映した細かい調整もできるようになりました。メディアに出演する時には、スタイリストさんに「この子は肩を出しすぎるのはNGだけど、このくらい出すとスタイルが良く見えます」と明確に伝えたりもします。──衣装や楽曲制作におけるインスピレーション源は？　楽曲は、「メンバーが自分自身の感情を乗せて歌うことができるか」「メンバーの気持ちとリンクするか」を大事にしているので、メンバーとの会話を通してインスピレーションを受けることが多いです。メンバーが今、何に興味があるのかとか、メンバーの間で流行っている言葉を起点に作っていますね。あとは、アニメのキャラクターソングをよく聴くようにしています。アニメソングは、キャラクターのセリフが入る楽曲が多いので、「この（セリフの）入れ方、いいな」とか、ピンポイントで参考にすることもあります。　衣装に関しては、とにかくめちゃくちゃインスタを見ています。スタイリストさんやブランドのアカウントを見て「この形が可愛い」とか「この服のこの部分がかわいい」と、細かいポイントを集めて切り貼りしながら、衣装チームに提案しています。──トレンドも気にしているのでしょうか。　“気にしつつ、気にしすぎず”を意識しています。アイドル衣装においては、トレンドを取り入れたからといって必ずしもファンの方に喜んでもらえるとは限らないと思うので。日常着なら良くても、ステージ衣装に取り入れると違和感を生んでしまうものもあるので、線引きが難しいのが正直なところです。基本的な形は変えず、素材や細かいデザインに遊びを入れながら「この雰囲気がアイドル界でトレンドになったらいいな」と思って作っています。──近年、アイドル業界全体ではカワイイラボ同様、メンバーカラーの衣装が主流になっていますよね。　メンバーカラーで言うと、これまでアイドルグループにおいてメジャーな色ではなかった「ミントグリーン」が、カワラボの子達をきっかけに人気色になったように感じています。これまで、アイドルのメンバーカラーと言えばピンクや赤が“人気色”で、グリーンはそこまで目立つ色とされていなかったんです。私個人としては、グリーンのメンバーカラーを背負ったアイドルに推しが沢山いるので、カワラボのグループには必ずミントグリーンを入れていたら、最近は色々なグループでミントグリーンの子を見かけるようになりました。これを機に、さらにミントグリーンに憧れる子が増えたらいいなと思っています。加速する「カワイイ」消費　日本発のアイドルならではの魅力とは？──近年、K-POPアイドルが年々市民権を得ていますが、それに対して日本独自のアイドル文化の魅力はなんだと思いますか？　K-POPが完成されたクオリティの高いものを楽しむ文化なのに対して、日本のアイドルは、完璧じゃないからこその可愛らしさだったり、人としての成長物語をリアルタイムで届けられることが魅力だと思っています。ただ、成長過程を売りにすることで「アイドルなんて」と下に見られてしまいがちなので、そのイメージは変えたい。日本には、成長過程を追う楽しさと、クオリティの高いパフォーマンスがうまく共存しているアイドルが沢山いるので、カワイイラボを通して、日本ならではの魅力を発信していきたいですね。──K-POPアイドルは、身につけたものがすぐにトレンドになったりと、Z世代のロールモデルとなっているケースも見られますが、日本のアイドル界でも、今後そのような存在は生まれると思いますか？　生まれてほしいです。かつてギャルのカリスマと言われた益若つばささんのように、日本のアイドル業界にも憧れられるロールモデルのような存在がいたら良いなと思いますね。実際、FRUITS ZIPPERのメンバーが身につけたものを真似してくれるファンの方もいるので、可能性は感じています。──トレンドと言えば、「カワイイ」をキーワードにした楽曲を出すアイドルが増えたのは、カワイイラボの台頭がきっかけですよね。　アイドル業界全体で見ると、「カワイイ」という言葉が消費されすぎていて、飽きられてきているのが正直なところ。ただ、カワイイラボとしての軸は、これからも変わらず「カワイイ」です。今は一種の流行りになっていますが、一世を風靡したももクロの楽曲は、今でも「ももクロっぽい」系統として愛されているし、モーニング娘。などのハロー！プロジェクトの楽曲も時代を超えて「ハロプロっぽい」と言われ続けていますよね。そんなふうに、カワイイを歌う楽曲も「カワラボっぽい」系統として浸透させたいです。流行りはいずれ廃れてしまうかもしれないけど、私たちはこれからも変わらずにカワイイを発信し続けます。──最後に、木村さん自身が考える「カワイイ」の定義は？　「カワイイ」って変幻自在な言葉だと思っていて。“キモカワイイ”とか“ブサカワイイ”とか、語尾に「カワイイ」を付けると全てが肯定されて、プラスになるような不思議な言葉じゃないですか。前に来る言葉によって意味が変わるので、ある意味、定義のない自由なものだと思っています。　「アイドル」という言葉も、定義が一つではないですよね。自分で名乗るものというよりは、他人から与えられる肩書きで、本人が自分のことをアイドルと名乗っていなくても“誰かにとってのアイドル的存在”なら、その人はアイドルと言えると思うんです。「こうじゃなきゃいけない」という定義がないからこそ、一つの形に囚われない自由な“カワイイアイドル”像を、これからも作っていきたいです。■木村ミサ　1990年、群馬県出身。アソビシステムのアイドルプロジェクト「KAWAII LAB.」総合プロデューサーを務める。これまでには、雑誌「Zipper」のモデルやアイドルグループ「むすびズム」として活動した経歴を持つ。公式インスタグラム

Zipperモデル、アイドルを経てたどり着いたもの

「追い求めたのは自分の中の理想像」　FRUITS ZIPPERの生みの親に聞く、“カワイイ”論

視覚的じゃないからこそ語れるかもしれない「ファッション」⎯⎯ 最近の「品品団地（奇奇怪怪の有料版コンテンツ）」で長畑さんと対談したことを経て、奇奇怪怪でも「もっとファッションの話をしてもいいかも」という発言がありました。これまで話してこなかった理由は？　元々ファッションに興味がないわけではなく、服も人並みに買っている方だとは思います。これまでもポッドキャストで映画や音楽、街や時事について喋るのと同列にファッションについてのテーマで収録しようと思えばできたのかもしれませんが、でもなんだか喋りづらさを感じて。それは、どうしても“階層性”が発生する領域であるから、と無意識に感じていたのかもしれません。　だから、フラットに番組の文脈の中で面白がるみたいなことが、俺らのトーンだとややムズいなと。それこそ（玉置）周啓*くんなんか、あまり服に興味がない気がするし。*玉置周啓：MONO NO AWAREのボーカル・ギター。TaiTanと共に「奇奇怪怪」「脳盗」のパーソナリティを務める。　そういうこともあって、「今どのブランドが面白い」とか「クリエイティブディレクターがどう」といった話ってあまり盛り上がらないだろうなあというなんとなくの判断がありました。⎯⎯ ファッションを取り扱う音声コンテンツは、ファッションメディアやエディターなど「専門」の話者によるものが多かった印象もあります。　でも、長畑さんと話していて、「もうちょっと業界の外様の人間がラフに話した方が、むしろ意外とみんな面白がってくれるんだろうな」と感じました。番組でも先日「どんなブランドが好きですか？」というアンケートを取ったら、100件以上のコメントが一気について。中には全然知らないブランドの名前もたくさんありました。実は需要があるのかもしれません。⎯⎯ ファッションを「語る」人はX（旧Twitter）といったテキスト、「見る・探す」人はInstagramやTikTokといった画像や動画メインのメディアを活用していますが、いずれも情報の消費速度の高まりを感じます。一方でポッドキャストはバズが期待できない分、静かにコミュニティが育つというか。　ポッドキャストの特長って、構造的には誰しもがアクセス可能なメディアではあるんだけど、そこで話されていることは「可視化されない」ので、どうしてもコミュニティとしてはクローズドになることだと考えています。“開かれているのに閉じている”アンビバレント性があると思うんですよね。それに、「バズ」というものはヴィジュアリティにかなり依存するからこそ、不可視なものってバズりようがない。でもそれは逆に言うと、心理的安全性が担保されているような良さがありますね。⎯⎯ 視覚情報がないからこそ、話を聞いて興味を持ったリスナーが「能動的に不足情報を調べる」という動きが発生する点も、ファッションに限らずハイコンテクストなカルチャーと相性がいいのかもしれません。　YouTubeで「ファッション」を扱うとどうしても、基本的に“着こなし論”的な世界線に回収されていく気がするんですよね。だけどそうじゃなくて、もっとブランドの文脈的なものを話したり楽しみたい人にとっては、ポッドキャストのように必要以上に広がりすぎないが、閉じ切ってもいないメディアが向いているのかもしれませんね。⎯⎯ 先日発表された老舗オーディオ機器（マイク）ブランド「シュア（SHURE）」と制作した“ポッドキャスターのためのスニーカー”はどのように誕生したのでしょうか。　シュアから「ポッドキャストの領域を盛り上げて欲しい」という相談をいただいて。はじめはポッドキャスト作りのハウツーを紹介する番組を依頼されていたんですが、それだと僕らのファンや、すでにある程度ポッドキャストに興味がある人しかアクセスしてくれないと思って、もっと色々な人を巻き込める意外性のあるアイデアの方が僕自身もワクワクするので「マイクブランドのスニーカーという企画」を逆提案しました。⎯⎯ 歩くことでスクラッチされたスニーカーのソールから、高性能マイクと交換できるシリアルナンバーが現れる仕組みです。　僕自身が番組を作る上ですごく大切にしていることに、「面白い話は移動量に比例する」という考えがあります。面白い話ができる人は、自分の足でいろんな場所に行ったり人に会ったり動き回っている人だと思うので、僕がポッドキャストを盛り上げたり番組を増やすことを目標にするなら「人を移動させまくればいいんじゃないか」と考え、人が歩くほどにインセンティブが生まれる仕組みを作ろうと。それで、結果的に「歩くだけで高性能マイクがもらえるスニーカー」という企画に着地しました。⎯⎯ 説明を聞かないと意図が理解しきれないという点で、ポッドキャストに通じるような“視覚情報で完結しない伝達スピードの遅さ”も感じました。　本当は0秒で伝わるのがいい企画だと思うんですけどね（笑）。でも、今回はヴィジュアル勝負で一発バズ狙いの”デカ盛りパフェ”のようなプロジェクトではないので、伝達スピードが遅くても、背景を知った上で面白がってくれる人にはしっかりと届く企画なのではないかなと思っています。　それに、シュアの方達もすごく思慮深くて、最初から「無理してバズらなくていいです」というスタンスで。広く遍くではなく、企画の意図を能動的に理解しようとするような人がポッドキャストの世界に入ってきてくれた方が、健康的な環境が築けるという考え方を持っていました。⎯⎯ 過去には“音を立てなければ商品（Tシャツ）を盗める店”なども話題を集めました。スニーカーをはじめとする「ファッションアイテム」を景品に設定することにも狙いがあるんでしょうか？　例えば「スニーカー」ってとても魔性的というか。欲望される対象としてすごくキャッチーなアイコンだと思うんです。そしてその力は、ポッドキャストという不可視なものを扱っている人間としては、有効に働くだろうなという直感はありました。ポッドキャストって超わかりにくいし、ヴィジュアルを伴わないメディアなので、「何をやっているかよくわからない」と思っている人も多いと思います。が、今回はポッドキャスト領域外の人たちにも興味を持ってもらう必要があったので、その意味でかなり強引ですが視覚的な入り口を広げるために効果的なのかなと。そうした魔性的な特長を持ちながらも、今回のように「歩く」を骨子にした企画においては、生活に身近なものでもある必要があったのでスニーカーというプロダクトは最適だと判断しました。「世の中のサンプリングで成り立っている“サンプリングマン”なんです」⎯⎯ 奇奇怪怪や脳盗のリスナーたちのコメントを見ていると、「モヤモヤしていたことを言語化してくれる」といった感想をよく聞きます。正直で嘘のない言葉を話す時、怖さや不安はないですか？　全然ありますよ。だから最近リスナーの規模が増えてきて喋りづらくなってきた（笑）。常に薄氷の上を歩く感覚はあります。でも、「より多くの人に届ける」ことと同じ、あるいはそれ以上に、「この辺りの人には情報を届かせない」というコントロールをする筋力のようなものが発信者に求められているのではないかという気がしていて。その“筋肉”の鍛え方さえ間違えなければ、意図と違ったふうに取られることもないんじゃないかなという感覚がある。⎯⎯ その筋肉はどうやって鍛えるんですか？　例えば、ある事象について喋る時、「この話をこの切り口で話したら、こういった価値観や立場の人はどうやって受け取るんだろう」というのを想像するとか。相手側の心理をちゃんと勉強しておくってことでしょうか。当然自分の意見はあるけれども、俺とは違う属性の人はこういう意見を当然持つだろうっていう、属性別の傾向のようなものにちゃんと追いついておくことは大事だと思います。⎯⎯ 「相手側の心理」については常々リサーチされている？　あえて調べるというよりは、自然と目に入ってくる他者の意見はその背景の心理を想像する癖はついている気がします。例えばSNSで炎上しているものを分析するとか。⎯⎯ 「分析する」という姿勢は、ポッドキャストのトークテーマや内容にも通じている気がします。　「すごいな」と思う事象に出くわすと、「構造を分析したくなる」というか、それがどうして発生したのか掘り下げたいタイプではあります。そしてあわよくば自分の制作プロセスに組み込みたい。　僕みたいなスタイルの人間って、基本的に世の中からのサンプリングでしか成り立っていないんですよ。別に僕はデザインができるわけでも、映像を作れるわけでも、服が作れるわけでもないから、なぜそれをやると面白いのかのロジックそのものをつくることしかできない。　例えば今回、シュアへスニーカーを提案するときによく例に挙げたのはタイヤメーカーの「ミシュランタイヤ」がなぜ「ミシュランガイド」を作っているのか、という話です。ミシュランガイドは、タイヤメーカーが世界中のうまいレストランをマッピングしているわけですが、そのロジックには「うまいメシ屋を知ったら、人は移動したくなる」、だから「車のタイヤが売れるんだ」という、2回の論理飛躍があるわけです。こういう説明を尽くして「マイクブランドがスニーカーを作るのもありえるかもね」と思ってもらえるようにコミュニケーションをとっていきました。　だから全く新しいものを作っているわけではなく、いろいろな事例をサンプリングして企画を作っているというか。要は“サンプリングマン”なんです。寝る寸前まで何か面白いことがないか探しているし、常に頭の中にいろいろな情報を入れておきたいんですよね。⎯⎯ その原動力は？　普通にかっこいいものやユーモアが好きだから、そういうものが自分の身の回りに溢れていて欲しいという、単純で、おそらく多くの人が持っている感覚と同じ動機だと思います。啓蒙主義的な気持ちもあまりなくて、面白いものが身の回りに増えて欲しいから、面白いと思えるものを作りたいんです。その結果、どこかの誰かが自分にも何かできるかもと思ってもらえるなら、とても嬉しいし、そうした連鎖はとても望んでいます。でも原初的な動機としては、「これやったら面白そう」というある種の“わがまま”に説得力を持たせるロジックを組み立てるために、いろいろ思案しているような気がします。⎯⎯ ちなみにTaiTanさんは嫉妬をすることはあるんですか？　「これ自分がやりたかったな」と思うことはたくさんありますが、それが“嫉妬”なのかというとよくわからないですね。嫉妬に近い感情はいくらでも覚えていますけど、すごいものには単純に「すげー」という感情しかなくて、そこをただ羨むというより「真似したい」から、「構造を分析する」という方向に思考が向きがちですね。だから奇奇怪怪みたいな番組をやっているんだと思います。「あれ面白いよなー」って話ばっかりしている気がするので。もし本当に「嫉妬心」があったら、そういうことさえ言わない気がするんだよなぁ。⎯⎯ では、「好き」「嫌い」の感覚はあるんでしょうか？　原理的には「好き嫌い」も本当にない気がします。この世で嫌いなものは「大江戸線」と「きゅうり」だけ（笑）。それ以外は大体全てのものに興味は持てる。ポッドキャストでギャーギャーいうことはめちゃくちゃありますけど、それって嫌いとはまたちょっと違う。ただ意見を言っているというか、面白がっているだけというか。⎯⎯ 「大江戸線」と「きゅうり」というのは…？　今回「みんなを歩かせるため」にスニーカーを作ったように、僕自身もめちゃめちゃ歩きます。よく取材で話しているんですけど、この間は赤坂から下北沢まで歩いたり。それこそFASHIONSNAPのポッドキャストも歩きながらよく聴いています。そして移動時には「電車は乗り継がない」「大江戸線に乗らない」という2つのルールがあって（笑）。大江戸線みたいに地下の深い駅まで降りるくらいなら、その時間で一駅分くらい歩けるなと思うし。だから、この際宣言しますが、大江戸線には乗りません！地下は息苦しいですしね。あとは、乗り換えの時間も煩わしいので、乗り換えるくらいならできる限り歩きます。きゅうりは単純に不味いんで好きじゃないです（笑）。⎯⎯ （笑）。明確にご自身の意見を発信しても、受け入れられるのは根本的な攻撃性の無さにあるかもしれません。　攻撃性がないかというと怪しいもんですが（笑）。また確かに、ただ感情をぶつけるのではなくて「適切に言葉にしようと試みている男」みたいな感じなのかもしれません。その滑稽さを含めて面白がってもらえたら嬉しいですね。◾️IGNITE the Podcasters歩くだけで高性能マイクが手に入る、限定5足のスニーカー応募期間：2025年1月20日（月）〜2月11日（火）応募フォームedit&text：Chikako Hashimotophotographer：Ippei Saito

「奇奇怪怪」TaiTanに聞く

ポッドキャストは「ファッション」の話が最も活気付く場所になり得るか

広瀬すずの強さと弱さ 「自分らしくあること」と表現の関係

世界が羨望を向けるのは、消費に囚われないオルタナティブな街　まず、タイムアウト誌が指す「クール」の定義とは何なのか。一般的には洗練された、かっこいいといったイメージを想起させるが、上田氏は「店同士の距離の近さや、商店街を歩いて回れる環境、有事の際はみんなで助け合える緩やかな連帯感。自分のやりたいことにチャレンジしている個人店の多さ。“消費空間として都市をブーストしていく”といった既存の価値観に対する、オルタナティブで『余白』のある街づくりの在り方をクールだと評価してもらっていると思う」と話す。　学芸大学駅（以下、学大）の変化は、一見目には見えづらい。「クール」と言う評判だけを頼りに週末学大に出向いても、具体的に何がクールなのかを感じ取るのは難しいだろう。しかし、定期的に街に出向いたり、生活の拠点を置いて暮らしたりと、街と関係を継続する中で初めて、そこに育つローカルなカルチャーの存在に気付かされる。街に文化を生む、人の「B面」が育つ場所　学大ではなぜローカリズムが浸透するのか。その背景には、「場づくり」の考え方がある。上田氏が友人らと手掛ける場づくりの会社「welcometodo」は、2017年から学芸大学に拠点を構える。同社が2018年から自社事業として展開するイベントスペース「シーネ（C/NE）」*は、学芸大学に個店が生まれるきっかけの一つとして機能している。　2018年1月に厚生労働省は「副業・兼業の促進に関するガイドライン」の「モデル就業規則」上で「副業禁止」の規定を削除し、新たに副業を認める条文を追記した。これを機に日本では副業を解禁する企業が増え、本業の傍で、趣味を副業として本格的に追求する人が増えていた。こうした時流を受け、シーネでは「みんなのB面（副業）の活動拠点」を目指した。◾️C/NE（シーネ）とは1階の「シーネ食堂」は平日昼はカレーショップ「syncカレー」が営業。週末は映画上映会やポップアップが開催されている。上田氏たちは「イベントスペース」ではなく、「私設の公民館」と呼び、地域の人同士や店同士をつなぐ結節点になる場所を目指す。　「路地裏の文化会館」をコンセプトに、誰もが自由に利用できるこの空間では、子ども向けの上映会からヨガイベント、音楽ライブ、マーケット、ギター教室、結婚式まで様々なイベントが開催されている。中でも最も多い使用用途は、料理好きが誰かに手料理を振る舞うためにシーネを間借りして店を開く「個人の料理人によるポップアップ」だという。様々な個人の活動拠点として5〜6年間運営するうちに、場に集まる出店者や常連客の関係は変化していった。シーネに毎月出店していたキクタロー氏は、料理が人気を集め、学大高架下の一区画に自身が料理長の台湾料理店「CHI-FO 台湾屋台縁食区」の店舗をオープンした。学大では、誰もが好きなことに挑戦できる小さな「場」から、新しいコンテンツが誕生している。　シーネに集う常連客同士や出店者同士の横のつながりも広がっていき、「個人が本当にやりたかったことに挑戦できる場所」が地域の人間関係や街への関心向上、ひいては街づくりの一助になっているのだという。“開業日がピーク”にならないために、ローカルな個店が必要　東急が指揮を執る再開発プロジェクトが始動したのは2021年。シーネでの取り組みが目に留まり、上田氏たちが同プロジェクトの企画メンバーに選ばれた。既存の高架下の商業エリアをリニューアルした「GAKUDAI PARK STREET」には、地元に関わりのある希望者が手掛ける書店や飲食店など9店舗が新たに入居した。　従来の新しい商業施設は、どのようなものが「完成するか」に重きを置いて、開業日前日に多くのメディアを呼び大々的に披露する。一方それは「オープン日がその施設の“ピーク”」とも言え、後には街との接続のない箱が地域に残る。本当に街にとって必要なものは、その地域の固有性を尊重すること。そのため、学大の再開発では、地元に縁のない企業やショップはできるだけ誘致しなかった。土地に縁のない有名店を誘致してもその店は街の“個性”にはならない、長期的な目線で考えれば、街に縁のある個店を育てる方が街の財産になるという考えだ。　関係者間で共有されていた同再開発の裏テーマは、「高架下がきっかけとなって、まち全体に関係性の網の目の数を増やすこと」だったという。従来の再開発では、いかにその土地の賃料を上げることができるかという経済的な指標で測る以外にKPI（重要業績評価指標）が設定できず、賃料を上げれば資金力のある大手のチェーン店しか集まらない画一的な風景が生まれてしまう。しかし、「その街らしさをブーストする再開発」のためには、数字で測れない指標を全ての関係者が心に留めておく必要があった、と上田氏は話す。　一方で、小規模なプロジェクトゆえに、ローカルな個人の挑戦に並走できたシーネとは異なり、大手企業が指揮する再開発事業では、理想と現実の間にギャップは存在した。元々学芸大学の地価は都内の中でも高く、最低限の収益性を見込む出店計画が求められることで、すべての個人の挑戦を受け入れることができなかったという現実もある。　「GAKUDAI PARK STREET」のテナント選定で重視されたのは「昼間の学大の顔」になる店。学大エリアは、コロナ禍を経て立ち飲み屋をはじめとした夜間営業の飲食店が急増し、カジュアルにはしご酒を嗜むのが楽しい街というイメージを強めていた。しかし、プロジェクトを進める中で、夜だけではなく、日中過ごしやすく、ローカルの文化に触れることができる街づくりを求める声もあったという。そこで、「GAKUDAI PARK STREET」には、学大エリアを拠点に人気店を営むオーナーたちが企画を温めていたランチやテイクアウトをメインとした新業態店が多く出店することで、「昼の学芸大学らしさ」を目指しつつ、収益性も担保した。【ある店の話】儲からない書店業、それでも本が「めちゃくちゃ」売れる　そうしたシビアな収益性とローカル性のバランスを見ながら検討された出店計画。その中で上田氏は、高架下に一つの小さな新刊書店「カウンターブックス（COUNTER BOOKS）」を開いた。日本出版インフラセンターの発表では、2003年度に2万880店あった全国の書店数は、2023年度には1万918店に半減した。日々街からは本屋がなくなり続けている状況に逆行するように、なぜ「本屋」を作ったのか。　オンラインストアと違って偶発的に新しい本と出会える書店は、検索では出会えない新たな興味や未知の世界への接続点を与える。そうした自身の内面に静かに向き合うことができる場所が、「料金を払わなくても滞在できる場所」でもあることは、「街にとっての『精神的なセーフティスペース』としての役割も果たす」と上田氏は語る。　高架下に求められる「日中滞在できる場所」という条件と同時に、カウンターブックスが目指したのは「動的な交流」と「静的な内省」を両立することができる、「本を介したコミュニティスペース」。静かな書店としての機能に加えて、動的な交流の場を作るため、カウンターブックスではカフェ＆バーを併設した。メニューには、日本では中々見る機会がない海外の郷土料理や世界中の珍しい酒類が並び、自然と「これはなんですか」といった会話が生まれる。　一息着くことができるサードプレイスでありながら、知らないものを目にして心が動く瞬間やそれを誰かと共有するという時間を空間全体で提案する。飲食を併設することで客単価向上の狙いもある。　最初は様々な他店に出店を持ちかけた。興味を持つ店は多かったが、返ってくる答えは「本屋は本当に儲からないから、2店舗目は無理」という声。ならば自分で立ち上げるしかないと決心し、ゼロからの書店作りが始まった。最もハードルが高かった取次会社（出版社と書店の間に立ち書籍の供給を行う）とのやりとりをはじめとする本の仕入れは、学大に昭和3年に創業した恭文堂書店が買って出てくれた。新たな世代が地元に本屋を取り戻そうとしていると知り、地元を長年支える老舗も全面的に協力してくれたという。　カウンターブックスのテーマは、本を買いたいと思う動機そのものを売る「街の好奇心売り場」。様々なテーマに対して現状をただ肯定するのではなく、思索と対話のきっかけとなるような「カウンターな本」を揃える。　選書は、奥渋谷のSPBS（SHIBUYA PUBLISHING & BOOKSELLERS）から独立したばかりだった工藤眞平氏に声をかけた。店頭に並ぶ本の方向性を定める「キーブック」400冊を上田氏自身が選書し、以降は工藤氏がその400冊の内容から解釈を拡げて選書を進めている。レイアウトにも気を配り、ジャンルはさまざまでも一冊一冊が関連し、新たな興味を惹くような相関性を重視した棚づくりを行う。　「儲からない」と言われた書店業だったが、売れ行きは好調。開店時に揃えた約2000冊は早々に完売し、「自分でも驚くほど、想像以上に本が売れるんです」と上田氏は話す。スマホでは見つけられない刺激的な出会いを求め、客層も幅広い。これからの街には「編集者」が必要　「シーネ」では、映画と食というカルチャーを介した人と人との輪の拡がりを作ってきたが、カウンターブックスでは本を軸にする。「カルチャー的な物事は、肩書きや収入、出身地といったものを取り払い、純粋に自分の好きなことや興味のあることを介して、“人同士”が出会える」と上田氏。カルチャースペースを街に増やしていくこと自体が、住人同士の横のつながりを生み、多様な生き方を後押しし、住みやすさや幸福度につながっていく。様々な大人たちが自分らしく活躍する街は、子どもたちにとっての活きた学び場に変わるかもしれない。これからの街づくりには、暮らしやすく、住みやすい、コミュニケーションとカルチャーが集まる場づくりが欠かせないという。　では、これからカルチャーが生まれる場所は「誰」が作るのか。「これからの街づくりには『編集者』が必要」だと上田氏は話す。同氏はテレビ業界で報道系番組などのディレクターを約10年間勤めたが、次第に視聴率という数字でしか測れない視聴者の存在に実感が持てなくなっていったという。「目に見えない1000万人よりも目の前の100人に届けたい」と考え、活動のフィールドを「場所」に切り替えた。「編集者」を名乗り始めたのはその頃から。テレビ番組制作時代も、自分で立てた企画を取材し、編集してコンテンツを作っていた、ならばやってきたことはずっと変わらず編集だ。上田氏の言う「編集者」というのはコンテンツを「編集」する全ての人を指す。　カウンターブックスでは、個人が作る書籍「クラフトプレス」のイベントを定期開催するほか、編集者によるトークショーなどのイベントも積極的に開催することで、本を売るだけでなく、「誰でも本の作り手になれる」という発信を続けている。好奇心を刺激する場をきっかけに、ものづくりに携わる人を増やしていくことが狙いだ。　カルチャーが自走する街づくりに最も求められる能力は「物事に価値を見出すこと」。つまり、地域に根付いたカルチャーやクリエイターの可能性を見落とさず、その価値を広く理解されるように伝えていくこと。そうした、周囲が気がついていないモノや人の価値に気がつき、光を当てるのは「編集者」が最も得意とする領域だ。近年は「建築家」が主導する、空間優位な街づくりが度々注目を集めてきた。　「でも、これからはもっと人やコンテンツが街を引っ張っていく時代になると思います。編集者はもっと自分の職の領域を広げて、街に繰り出していくべき。街づくりに編集者が求められる時代がすぐに訪れると思います」（上田氏）。　気がつけば地元に愛された店が消え、有名チェーン店が軒を連ねるだけの没個性的な再開発で「個性的な街」が年々姿を消している東京。個性的で「キャラの立っている」店や人の周りには、そのキャラクターに共感した人が集まり、そうした環境で新しいカルチャーやファッションは育ってきた。学大の事例は傍目には「地味」だが、そうしたローカルの色を育てようとする姿勢が世界から「クール」と評価されたことは街の差別化における大きな試金石になるだろう。学大の例に続き、東京、そして日本の各地で魅力的でローカルな街とカルチャーが生まれることに期待が高まる。

日本で唯一“世界で最もクールな街”に選ばれた街　「学芸大学」でローカルカルチャーが育つワケ

「ニュールック」トップメゾンの歴史から紐解く今のファッション　第二次世界大戦下、ナチスの占領下であったパリを舞台に、「ディオール（DIOR）」の創設者 クリスチャン・ディオール（Christian Dior）と、ガブリエル・シャネル（Gabrielle Chanel）、ピエール・バルマン（Pierre Balmain）、クリストバル・バレンシアガ（Cristóbal Balenciaga）といったライバルたちとのエピソード、そして衝撃の事実をスリリングに描いたドラマシリーズ。#Fスナ的ポイントディオールのアイコニックなコレクション「ニュールック」による台頭と、現代ファッションの基盤を構築するまでの物語。ファッションの歴史を振り返り、ファッションがもっと好きになる一作。「ニュールック」シーズン1 全10話Apple TV+で独占配信中「ラ・メゾン」ファッション界の覇権は誰の手に？ 華やかな世界の裏側を追ったドラマ　パリの名門オートクチュールメゾン「ルデュ家」が、スキャンダルや内部の権力闘争に見舞われ、ライバル企業との競争が激化する中で、ブランドの再生を図ろうと奮闘する物語。しれつなラグジュアリーファッションの世界で、覇権をかけて繰り広げられる展開に目が離せない。#Fスナ的ポイント劇中ではオートクチュールのコレクションショーの制作過程が丁寧に描かれ、細部まで美しく再現された衣装やショーの演出は必見。「ラ・メゾン」シーズン1 全10話Apple TV+で独占配信中「ザ・スーパーモデル」伝説のスーパーモデル4人が築き上げたキャリアに光を当てたドキュメンタリー　1980年代、ファッション業界を席巻したナオミ・キャンベル（Naomi Campbell）、シンディ・クロフォード（Cindy Crawford）、リンダ・エヴァンジェリスタ（Linda Evangelista）、クリスティ・ターリントン（Christy Turlington）の4人のスーパーモデルを特集。ファッション業界を変えた彼女たちの軌跡ときずな、その裏にあった努力や葛藤、そして現在の活動に焦点を当てた。#Fスナ的ポイント最も華やかだった1980〜90年代のショーの舞台裏、撮影現場、トップデザイナーとのコラボレーションなど、貴重な映像や未公開証言を収録。当時の業界の熱気をリアルに感じて。「ザ・スーパーモデル」全4話Apple TV+で独占配信中

MARC JACOBS

BALMAIN

BALENCIAGA

DIOR

CHANEL

Fashion

冬休みにゆっくり鑑賞したい！ ファッション関連作品3選「Apple TV+編」

「エミリー、パリへ行く」パリでの生活をロマンティックかつコミカルに描いた人気ドラマシリーズ　物語は、シカゴのマーケティング会社に勤めるエミリーが、あることをきっかけにパリへ赴任するところからスタート。パリのPR会社のSNS担当に抜てきされた彼女は、華々しいキャリアを歩むと思われたが、フランスの言語や生活、働き方の違いなど、思いもよらない壁にぶつかる。仕事での成長だけでなく、プライベートでの恋の三角関係や、友情など...様々な角度からライトに楽しめる一作。最新作では舞台がパリからローマへ移り、エミリーのさらなる奮闘が描かれる。#Fスナ的ポイントとにかくリリー・コリンズ（Lily Collins）演じる主人公エミリーのファッションが華やかで見応えあり。「シャネル（CHANEL）」「ディオール（DIOR）」「クリスチャン・ルブタン（Christian Louboutin）」をはじめ、多くのラグジュアリーブランドのアイテムを取り入れたスタイリングは必見。Netflixシリーズ「エミリー、パリへ行く」シーズン1～4独占配信中「ネクスト・イン・ファッション」ファッション業界をけん引する次世代のデザイナーを目指すリアリティショー　世界中の新進気鋭のデザイナーたちが、優勝賞金とファッション業界での名声をかけて対決。様々なテーマに基づくチャレンジを通じて、個性あふれるデザインと高度なスキルを披露する。司会はシーズン1に続き、リアリティ番組「クィア・アイ」に出演中のファッションデザイナー タン・フランス（Tan France）が務め、最新作となるシーズン2では共同司会としてモデルのジジ・ハディッド（Gigi Hadid）が登場。#Fスナ的ポイントネットフリックスが手掛けた初のファッション番組。シーズン1の優勝者ミンジュ・キムによるブランド「ミンジュキム（MINJUKIM）」は、BLACKPONK ジェニーや、ドージャ・キャット（Doja Cat）といったセレブリティが愛用するなど、世界的ブランドに躍進。Netflixシリーズ「ネクスト·イン·ファッション」シーズン1～2独占配信中「スタイリング・ハリウッド」ハリウッドで活躍する夫夫の仕事と日常に迫る　セレブの専属スタイリスト ジェイソン・ホールデン（Jason Bolden）とインテリアデザイナーのアデア・カーティス（Adair Curtis）夫夫（ふうふ）にフィーチャーしたリアリティーショー。ジェイソンは、サブリナ・カーペンター（Sabrina Carpenter）、ガブリエル・ユニオン（Gabrielle Union）、シンシア・エリヴォ（Cynthia Erivo）といったハリウッドセレブのスタイリングを担当。エミー賞やグラミー賞といったレッドカーペットの衣装フィッティングや、セレブの豪邸の様子など、貴重な裏側を覗くことができる。#Fスナ的ポイント一緒にスタジオを運営するビジネスパートナーとしても活躍する2人が、クライアント対応や日常生活で直面する問題を乗り越える姿は感動的。Netflixシリーズ「スタイリング・ハリウッド」独占配信中

Christian Louboutin

冬休みにゆっくり鑑賞したい！ ファッション関連作品3選「ネットフリックス編」

「AIR/エア」ナイキの伝説を作った社員たちの実話を基にした映画　1984年、低迷していた「ナイキ（NIKE）」が、当時無名だったバスケットボール選手マイケル・ジョーダン（Michael Jordan）と契約し、社会現象を巻き起こした伝説的なバスケットシューズ「エア ジョーダン（Air Jordan）」を生み出すまでの実話を描いた作品。マーケティング担当者ソニー・ヴァッカーロ（"Sonny" Vaccaro）をはじめ、ナイキの社員たちが一発逆転の勝負に挑む姿に胸が熱くなる。主演・製作マット・デイモン（Matt Damon）×監督・製作ベン・アフレック（Ben Affleck）が贈るスポーツ、ファッション、そして個人の可能性をテーマにした感動のストーリー。#Fスナ的ポイントナイキがジョーダンをどう「伝説」に仕立てたか、その革新性とブランド戦略の裏側。スポーツファンだけでなく、ファッション業界やマーケティングに興味がある人も楽しめる作品。「AIR/エア」Prime
Videoで独占配信中「メイキング・ザ・カット〜世界的デザイナーを目指して〜」グローバルブランドへの扉を開くサバイバル番組　「メイキング・ザ・カット」シーズン１では、「プロジェクト・ランウェイ（Project Runway）」のホストを務めた有名ファッションコンサルタント ティム・ガン（"Tim" Gunn）とトップモデル ハイディ・クルム（Heidi Klum）が再びタッグを組み、2人の元に世界中から12人の起業家兼デザイナーたちが集められる。毎回ショー審査が行われ、最後まで勝ち残った者には、ブランドの資金として100万ドルが贈呈されるほか、Amazon Fashionでコレクションを持つ権利が与えられた。ナオミ・キャンベル（Naomi Campbell）やカリーヌ・ロワトフェルド（Carine Roitfeld）といった豪華審査員陣にも注目。#Fスナ的ポイント各エピソードで勝ち抜いたルックは、Amazon Fashionのストアに設置される「メイキング・ザ・カット」ストアで購入できる画期的な試みを導入した。（現在は販売終了）「メイキング・ザ・カット〜世界的デザイナーを目指して〜」シーズン1~3Prime Videoで独占配信中「サヴェージ×フェンティ・ショー（Savage X Fenty Show）」リアーナが手掛けるランジェリーブランドのランウェイショーに密着　リアーナ（Rihanna）によるランジェリーブランド「SavagexFenty」のコレクションショー全4回の舞台裏にフォーカス。あらゆる人種や体型、ジェンダーを支持するブランドとして、さまざまなバックグラウンドを持つモデルが登場。リアーナ自身はもちろん、過去にはヴァネッサ・ハジェンズ（Vanessa Hudgens）やデミ・ムーア（Demi Moore）、ロザリア（Rosalía）、アニッタ（Anitta）といった俳優やミュージシャンが多数出演。ダンス、音楽、ファッションを融合させたパフォーマンスは、観る人を引き込み、エネルギーと自信を与えてくれる。#Fスナ的ポイント2022年のエミー賞でバラエティ／リアリティ番組部門 優秀振付賞を受賞した本作は、圧巻のショーだけでなく、ゲストとして登場する世界的スターも話題に。シーズン3ではジョニー・デップ（Johnny Depp）がゲストとして出演。「サヴェージxフェンティ･ショー」Vol.1~4Prime Videoで独占配信中