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アパレル販売員の仕事は華やかな印象があり、あこがれの職業としてあげられることも多くあります。しかし、実際には力仕事から事務的な作業まで、さまざまな仕事があり、働いてみて第一印象とのギャップに驚く人も少なくありません。今回は、店舗運営を支えるアパレル販売員の仕事内容や、販売員として活躍するために意識しておくべきこと、売上アップに繋がる工夫などについて紹介します。アパレル販売員の仕事接客以外の仕事はイメージしにくい部分もあるかもしれませんが、作業量は膨大で、取り掛かっているうちに、あっという間に閉店時間になることも。裏方的な作業の中にも店舗を強力にする秘訣が隠されています。接客最も重要な位置を占める仕事です。お客様に声をかけ、商品探しやコーディネートの提案を行います。声かけを望まれないお客様もいるので、様子を見ながら接客に切り出すかの判断ができるようになることが望まれます。レジ対応購入される商品の会計はもちろん、メンバーズカードや専用アプリの導入をすすめるといった業務もレジ対応で発生します。包装作業も重要で、極力折り目やシワがつかないような包み方をする、悪天候の日は防水のビニールをかぶせるといった気遣いがあるだけでお客様の印象が大きく変わってきます。ディスプレイの変更コーディネートしたマネキンや売り出し中の商品を目に留まりやすい位置に設置し、お客様にアピールします。定番商品も見やすい位置に置くなど、陳列内容やお客様の動線を意識することで連鎖的な購入に繋がっていきます。それに伴って掃除など、売り場全体をきれいに保つことも必須作業となってきます。商品管理売れた商品の補充や在庫の把握（棚卸し）など、商品管理は地味に捉えられがちですが、店舗運営の根幹にかかわる重要な作業です。バックヤードを整理することで作業効率が大幅に向上。店舗の状況を即座に把握でき、適格な発注を行うことで売り上げアップを図ります。顧客管理頻繁にご利用いただくお客様に向けてDMやメールを送り、店舗の最新情報を連絡します。常連の方などは、担当スタッフが趣味や嗜好のデータを把握し、限定セール情報などを伝えて来店の機会に繋げます。接客や販売のコツとは？接客力を向上させ、販売成績を上げるには個人の心構えや行動が重要となってきます。ささいな気配りの積み重ねが社会人・販売員としての基礎を固めていきます。トレンドの把握と商品への知識量お客様を案内する販売員としてトークなど接客の技術も大切ですが、それと同等に商品の詳細を知っておくことも重要となってきます。アイテムの洗い方ひとつ取っても乾燥機を使用して良いのか、漂白剤は使えるのかといった基本的な質問には答えられるようにしておきましょう。移り変わりの激しいアパレル業界では、お客さまのニーズもシーズンごとでガラッと変わります。最新のコーディネートを提案できるよう雑誌やWEBなど各種メディアをチェックし、トレンドを把握することは必須です。考えて課題をみつける力売り上げが伸び悩んでいる時は、まず、その原因を探します。一例として下記のような流れでひとつずつ問題を捉え、クリアしながら成長に繋げていきましょう。① 接客態度に至らない点がなかったか② 他の人はどういう方法で売り上げを伸ばしているのか？③ 学んだ方法を自分も取り入れてみる、もしくは自分なりの方法を見つけるといったように段階的に思考を巡らせることで、自分に合った接客や店舗作業との向き合い方が見えてきます。不調なときこそ直情的にならず、冷静に分析することを心がけましょう。身だしなみアパレル販売員はブランドの顔として店舗に立つことから、服装やメイク、髪型などがお客様の印象を大きく左右します。大前提として意識しなければいけないのは清潔感。汚れやシワ、食べ物の匂いなどが付いていると印象を悪くしてしまいます。靴などもすり減っていたりサイズが合わないものを着用していると、見た目の印象だけでなく作業の効率まで落としてしまいます。髪型やメイク、ネイルなども奇抜すぎるものは避けましょう。大型の商業施設では身だしなみにおいて独自のルールを設けているところもあります。挨拶や礼儀見た目の印象と同じく、お客様が来店された時のあいさつもお店の印象を決定づけます。あいさつの仕方で社会人としてのルールを理解しているかが瞬時に判断されるので、省略した言い方はNG。お客様に視線を合わせない、トーンが暗いといった態度もお店のイメージダウンに繋がります。お客様に向けて声を出すときは、常にはきはきとした口調を心がけましょう。特に現在は、マスク着用での接客が日常となっています。表情が見えにくい分、声のトーンや話し方が印象を大きく左右します。スタッフ同士の雑談は最低限度であれば問題ありません。しかし、度が過ぎるとお客様の来店に気がつかないなど、大きなマイナスに繋がるので気をつけましょう。こんな接客はNG接客には、お客様を不快にさせないため、やってはいけない行動があります。まず、入店されてすぐの声かけは、店舗の雰囲気を把握したいお客様にとってノイズになってしまいます。しばらく店内を見て回られたことを確認した上で話しかけるタイミングを伺いましょう。しつこく話すのは逆効果になるので、お客様が接客に満足されたら様子を見て離れるようにしましょう。お客様の質問に対し「わかりません」や「たぶん○○です」と返答するのはクレームの原因になることがあるため禁句です。わからない場合は周囲のスタッフに確認するなど、明確な答えを提示できるように務めましょう。お客様の意見に対して否定的な言い方をすることも避けましょう。どうしても否定をしなければいけない場合は、お客様の意見を最大限尊重した上で提案や補足といった形で意見を出すのが望ましいです。また来店したくなる接客テクニックお客様に常連になっていただき、長いおつきあいをするためには、居心地の良い環境づくりが求められます。売り出し中の商品はどうしてもおすすめしたくなりますが、押しが強すぎるとお客様の選択肢を減らして購買意欲を減退させてしまいます。2度、3度と来店を重ね、常連になりつつあるお客様に対しては、適切な距離感を保ちながら世間話も含めたコミュニケーションを取るようにしましょう。売り場のレイアウトも大規模な変更がないからといって同じ状態のままにせず、少し間が開くたびに変化をつけてみましょう。新商品が出るたびにポップにポイントを書くなどの工夫をすることで来店の楽しみに繋がります。TEXT：伊東孝晃

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販売にもコツがある？売れる販売員の特長とは

東京都目黒区にある「アクセサリーミュージアム」で、12月17日(土)まで開催中の企画展 Vol.44『いけないのファッション展』。本展は、環境問題や健康障害、価値観の変化などの理由から、現在では「いけない」とされるファッションアイテムに注目した展覧会で、動物の毛皮、毒を使用した素材、人型のアクセサリーなど、さまざまなアイテムの「いけない」部分が紹介されています。その当時は文化的でオシャレとされた“最新トレンド”が、なぜ「いけない」とされるようになったのか。普段とは少し違った側面から、ファッションを考えることのできる内容です。動物性素材とファッションのこれからまず取り上げられているのは『動物性素材』です。例えばリアルファー(動物の毛皮)。これは、紀元前1000年頃から存在する最も古い防寒着で、寒さから身を守る“生きるため”の必需品でした。それが14～15世紀の西欧では、貴重な素材であるがゆえ、毛皮を使用した衣類は権力や富の象徴となっていきます。そして経済や文化の発展を経て、上品で高級なイメージから憧れのファッションとなり、民間へと広がりました。日本ではバブル期にミンクの毛皮のコートがトレンドに。しかし近年では、動物愛護やエシカルな観点から世界中のブランドで「ファーフリー宣言」を出す動きが広まっており、800以上のブランドがそれを決断しています。リアルファーは時代の流れと共に、その価値観が大きく変化している素材のひとつです。そして、リアルファーと並べて紹介されているのが、その代用品として注目されているフェイクファー(エコファー)です。材料がアクリルやポリエステルなどの生分解されにくい化学繊維である事から環境への影響が懸念されているのも事実で、多くのブランドがこの問題に積極的に取り組もうとしています。例えば「ステラ・マッカートニー」は2020年に植物由来原料を用いたサステナブルなバイオファーフリー素材を採用しました。対して「FENDI」は、肉を食べ、レザーを着ている以上、毛皮は有効活用すべきだという点と、フェイクファー(エコファー)と呼ばれる素材は環境に優しいとはいえないという理由からリアルファーを貫いています。このように、賛否両論あるリアルファーとフェイクファー(エコファー)ですが、今回の企画展ではアイテムを無機質に並べるのではなく、スタイリストがコーディネートする形で展示されています。だからこそ、ファッションとして広く楽しまれていた時代に触れることができ、問題を身近に感じることで動物性素材とファッションのこれからについて想像することができるはず。他にも、アペルト・アルマジロ・カンパニー(テキサス州)で製作されたと考えられる「ココノオビアルマジロのバスケット」(写真：左)や、「ワニ革のハンドバッグとテンの襟巻」(写真：右)なども見ることが可能です。毒をテーマにしたファッションアイテム続いて注目するのは『毒』。ファッションの歴史を振り返ると、人体に有害である事が証明されないまま、長期間使用されていたものが多く存在します。例えば18世紀から20世紀初頭にかけて発見され、製造・使用された合成無機顔料は、鉄や銅、鉛などの金属を化学反応させることで得られる酸化物や結合物から作られるもの。中にはヒ素が含まれているものも存在し、縫製士や繊維工場の多くの労働者が健康被害に苦しみました。ここではそんな素材が使われた、または使われていると言われているファッションアイテムが紹介されています。20世紀前半のイギリスで製作されたプリントハンカチーフ(写真：左)は、色使いが印象的ですが、現在では使用禁止の染料が使われていると言われています。そして手足のしびれや激しい痛みを引き起こし、最悪の場合死に至る危険もある鉛を使用した鉛白粉(写真：右)は、日本でも江戸時代頃から広く使用されていました。白粉を多用していた歌舞伎役者、中村福助(成駒屋四代目)が演技中に足の震えが止まらなくなった1887年の事件をきっかけに、無鉛の白粉の開発が行われるようになったそうです。議論の絶えないファッションと人権問題『人権問題』を取り上げるカテゴリーでは、19世紀末のイギリスでフローレンス・ケイト・アプトンが制作したキャラクター「ゴリウォーグ」の絵本(写真：上)や香水瓶(写真：左)、販売中止となったケイティ・ペリーが発売した自身のブランドのシューズ「Ora Face Block Heel Sandal」(写真：右)などが展示されています。「ゴリウォーグ」は当時、子どもから大人まで広く知られたキャラクターで、丁寧に製作された香水瓶を見れば、当時、いかに愛されていたかを垣間見ることができます。また、ケイティ・ペリーのフェイスサンダル(黒)は、9色展開されたうちの1色ですが、黒だけが批判を受け、謝罪と共に撤去しました。その際ケイティは「そういった意図は無く、苦痛を与えてしまった事を悲しく思っています」というコメントを発表しています。制作された当時はそれぞれに違った感情があったはずですが、様々な立場の人達がきもちよくアイテムを愛せる様、現在でも議論が行われています。切りはなせない性とファッション最後に紹介されているのは『性とファッション』。この題材は時代や場所で、快・不快の偏りが大きく分かれます。展示されている「anan」の創刊号(写真：上)は、ヒッピーブームやベトナム戦争の真っ只中に出版されました。戦争するより愛し合おう！という考えが若者たちに支持されたこともあり、「70年のニュー・ソウルタッチ！」という特集には「男性にさわられても嫌がらない」「触ることは愛情表現」というふうに書かれています。触ることは愛情表現でコミュニケーションという文化がその時代のファッションの一つとして掲示されたのです。そして20世紀初頭頃のものとされる帯留め(写真：下)の裏側には春画が描かれています。春画は武士が出陣の際、鎧を収納する箱に入れておくと必ず勝てると言う俗信から勝絵とも呼ばれる縁起物でした。江戸時代に文化として流行し、芸術作品でもある春画ですが、今は展示にも配慮が必要な時代になりました。かつてはオシャレとして愛されていたふたつのアイテムをどう受け入れるべきなのでしょうか。他にも戦争や著作権問題などファッション関連の様々な「いけない」が展示されています。時代、場所、環境などの世相と密接な関係にあるファッションだからこそ、時代の流れとともに「いけない」に分類されるようになったファッションアイテム。魅力的なデザインに触れつつ、本当にいけないのか、なぜいけないのか。そんなことを考える機会となる貴重な企画展へ、ぜひ足を運んでください。【INFORMATION】企画展 Vol.44『いけないのファッション展』会場：アクセサリーミュージアム会期：2022年9月1日(木)～12月17日(土)　※休館日：月曜日、第4・5日曜日時間：10:00～17:00　※最終入館16:30公式サイト：https://acce-museum.main.jp/exhibition/

動物の毛皮、毒を使用した素材など　企画展「いけないのファッション展」が開催

流行を取り入れたアイテムを安価で購入できるファストファッション。日本では現在、路面店から大型ショッピングセンターまで、国内外のショップが数多く出店し、しのぎを削り合っています。最近では「FOREVER21」や「アメリカンイーグル」の再上陸や、中国発のECブランド「SHEIN」が東京・原宿に日本初の店舗型ショールームをオープンするなど話題を呼んでいます。そこで今回は、今やアパレル業界で確固たるポジションを確立しているファストファッションについて紹介していきます。ファストファッションの定義とは？ファストファッションとは、流行を取り入れたファッションアイテムを大量生産し、低価格で販売するアパレル業態のひとつ。一定基準の品質を満たし、デザインも幅広い層に受け入れられるようにアレンジされているのが特徴です。アパレルのジャンルとしては、ハイブランドの対義語であるローブランドの中に属するものとされています。日本では1990年代後半から外資系ブランドの進出も見られるようになり、2000年代中盤から勢いが加速。店舗数の拡大に加え、近年では著名デザイナーとのコラボレーションで高品質化をはかる動きも見られます。言葉の意味は手早く・安く商品を手に入れられることから、ファストフードになぞらえて使われるようになったもの。2009年には新語・流行語大賞ではトップテン入賞も果たしました。日本におけるファストファッションの歴史外資系ではGAPが1995年、ZARAが1998年にそれぞれ日本一号店をオープン。日本のファストファッションの先駆けともえるユニクロは1984年に広島に1号店を開業しました。当時はナショナルブランドの小売りという業態で、初日は早朝6時に開店し、行列待ちの人々に牛乳やパンが無料で配布していたという逸話も。ユニクロはGAPの「Speciality store retailer of Private label Apparel」（SPA 日本語では製造小売業）という業態を取り入れ、1997年頃からプライベートブランドの開発・製造・販売を一貫して行うスタイルへとシフト。1998年に発売したフリースが大ヒットを記録し、ブランドの知名度が一気に拡大しました。2000年代中盤からは、海外のブランドの日本進出も目立ちましたが、本社の経営難や日本での経営構造がうまく機能しなかったことなどが原因で、多くの店舗が撤退を余儀なくされています。【日本でのファストファッションブランドの動き】　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　1984年　ユニクロ　1号店オープン　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　 ：　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　1995年　GAP　1号店オープン　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　1998年　ZARA　1号店オープン　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　 ：　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　2008年　H&M　1号店オープン　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　2009年　FOREVER21　1号店オープン　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　 ：　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　2012年　アメリカンイーグル　日本上陸　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　2019年　FOREVER21　日本撤退　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　2019年　アメリカンイーグル　日本撤退　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　 ：　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　2022年　アメリカンイーグル　日本再上陸　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　2023年　FOREVER21　日本再上陸※「FOREVER21」は、2000年に三愛と提携して2店舗出店したが1年ほどで撤退している。問題点と取り組み事例アパレル不況でも業績を伸ばし続けているファストファッションは、大量生産であるがゆえに抱えている問題も見られます。商品が頻繁に入れ替わり、低価格ゆえに使い捨て感覚で購入する人が多いことから衣類の大量廃棄を招き、ファストファッションが環境汚染の一因になっているという指摘もあります。そんな問題点に対し、国内ブランド「ユニクロ」は、同社の不要な服を回収してリユースさせるキャンペーンを展開。「ZARA」や「H&M」などの海外ブランドも、素材をサステナブルなものに変更する、再生可能なエネルギーを使用するといった取り組みを行っています。また、製造過程における大量のエネルギー消費やCO2の排出なども問題について、環境保護団体のグリーンピースは2011年、世界的規模のブランドに有害化学物質の排出や使用を中止するよう提言。2019年には先進国首脳会議（G7）で、気候変動・生物多様性・海洋保護を柱とするファッション協定に32社が署名。現在までに、60社・200以上のブランドが署名しており、「ZARA」や「H&M」も加盟しています。そして生産者の賃金など労働面についての問題もしばしば取り上げられています。ファッションブランドは安く服を作るために発展途上国で生産を行っています。待遇の悪い企業の中には賃金だけでなく、衛生面や安全管理が劣悪なのも見られ、2013年にはバングラデッシュの縫製工場で倒壊事故が発生。多くの犠牲者を出し、この事故がきっかけで20カ国以上、220ものアパレル企業が「バングラデシュにおける火災予防および建設物の安全性に関する協定」に署名。現在は「繊維・縫製産業における健康と安全のための国際協定」という名称に変更され、安全な労働環境を作るための取り組みが進められています。「ユニクロ」や「H&M」「ZARA」などが署名しています。代表的な海外ファストファッションブランドFOREVER211984年にアメリカ・ロサンゼルスで創業。最新ファッションをいち早く商品に取り入れ、低価格でフルコーディネートできることから、流行に敏感な女性からは圧倒的な支持を集めています。2009年に日本進出を果たしますが、2019年に実店舗、Eコマース店舗ともに撤退。SPAブランド（企画・製造から販売まで一貫して行う業態）を展開するアダストリアをパートナーにブランディングを新たにし、2023年春から再上陸店舗を関東・関西でオープンすることが発表されました。アメリカンイーグルアメリカンイーグルはアメリカ・ピッツバーグで1977年に創業。東海岸のカジュアルスタイルを打ち出し、ほどよいヴィンテージ加工を施したアイテムは男性を中心に人気を獲得。特にポロシャツはラインナップも豊富で、同社の看板商品の一つとなっています。日本には2012年に進出しましたが、2019年に撤退。2022年10月に東京の池袋と渋谷に旗艦店をオープンさせることが発表されました。SHIEN2008年に中国で設立。創業以来、実店舗を持たず、限定的なポップアップを除き、販売はオンラインのみで行っています。商品の入れ替わりが他社と比べて群を抜いて早く、プロモーションにSNSを活用。若年層からの支持が厚いのが特徴です。2021年には専用アプリのダウンロード数が1.9億回を記録し、大きな話題となりました。日本語にも対応しているので安心してショッピングを楽しむことができます。ZARA海外ファストファッションの中でもアイテム数が際立っているZARA。1975年にスペインで創業し、全世界で2000以上もの店舗を展開。日本では1998年に第1号店をオープンしました。競合他社やターゲットへの入念なリサーチで先進的なデザインを生み出し、ストリート系からヨーロッパ系のモードまで幅広く対応。20〜30代の女性を中心に支持を獲得しています。H&Mスウェーデンを代表するファストファッションブランド・H&Mは1947年に創業。日本には2008年から進出しています。世界各国のカルチャーを貪欲に取り入れ、近年ではNetflixのドラマ『ストレンジャー・シングス』や南アフリカのブランド・MANTSHOとのコラボレーションアイテムを発表して話題となりました。個性的でありながら、他社ブランドともコーディネートを組みやすいのが大きな特徴です。GAPアメリカ・サンフランシスコで1969年に創業したGAPは、当初、リーバイスなどのジーンズ専門店として店舗を展開。セレクトショップの業態から徐々にプライベートブランドの開発に注力するようになりました。普遍性に軸を置きながら流行のエッセンスも取り入れたデザインが人気を博し、ポケットTシャツは同社を代表するアイテムとして現在も親しまれています。日本には1995年に進出しました。TEXT：伊東孝晃

日本再上陸の「FOREVER21」から若者人気の「SHEIN」まで　話題の海外ファストファッションブランド

今でこそファストファッションが浸透していますが、本当にオシャレな人が実践しているのは「良いものを長く愛用する」こと。多少価格は高くても、手入れをしながら長く着られる服を選ぶのは、シックで知られるフランス女性のモットーでもあります。オシャレさんはもちろん、ブランドやショップの顔として店頭に立つ販売員にとっても、自社の洋服を美しく纏うために日々の洋服の手入れは必須。お客様から商品のお手入れ方法を尋ねられる機会も多いため、洋服のケア方法を知っていると役立つことも多いはずです。今回は、洋服を長持ちさせるコツやケア方法について紹介します。洋服を長持ちさせるコツお気に入りの洋服を手に入れたら、少しでも綺麗な状態で長く愛用したいと思うでしょう。しかし衣類は消耗品であるため、袖を通す機会が多いとそれだけ傷むのは当たり前。そこで大切になるのがケア方法です。正しくケアをすれば綺麗な状態を保つことができ、素材によってはよりしなやかになったりツヤが出たりすることも。でもまず一番大事にすべきは、本当に欲しい好みの服を買うことです。大切に着たいと思う服でなければケアはおそろかになるかもしれません。「着る頻度・着用後のお手入れ・正しい保管」を意識衣類の傷みは「扱い方」と「汚れ」の2種に大別できます。前者の「扱い方」の場合、代表的なのが生地に適さない洗濯方法で洗ったり、粗雑に扱う、小さなサイズを無理に着ることによる伸びや破損など。そして後者の「汚れ」に関しては、汗や皮脂が付着した状態での放置や、主に皮革製品のカビなどがあげられるでしょう。また、ニット類はハンガーに掛けて収納することで伸びて型崩れが起きるため、その素材に合った収納方法をしているかも大きなポイント。これらを防ぐには、「着る頻度・着用後のお手入れ・正しい保管」が要となります。衣類は着る回数が多いほど傷むので連続で同じ服を着用せず、1日着たら2日は休ませるくらいの感覚を持つこと。そして着用後には必ずケアをし、正しく保管する。それだけで洋服の寿命はかなり伸びると言われています。また、自宅の洗濯機で洗えるものは、洗い上がりに濡れた状態で放置せずにすぐに干す、必ず洋服ネットを使用する、素材に合った洗剤を選ぶのもマストです。ポイント　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　■連続で着用せず、1日着たら2日休ませる　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　■着用後のケア　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　■生地に合った型崩れしない保管方法　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　■洗濯後、濡れたままで放置しない　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　■洗濯にはネットを使用　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　■素材に合う洗剤を選ぶクリーニングの種類は大きく3種自宅で洗えない衣類はクリーニング店に出すのが一般的ですが、クリーニングには水を使わず特殊な洗剤で洗う「ドライクリーニング」、本来水洗いできない洋服を特別な方法で水洗いする「ウェットクリーニング」、傷みづらい衣類を適した温度で洗う「ランドリークリーニング」の3種の方法があります。クリーニング店では衣類の洗濯表示タグを見て最適な洗い方を選んでくれますが、大事な洋服に関しては自分好みの洗い方を伝えることも大切。そのため洗濯表示タグは自分でも必ず確認するようにしましょう。なお、高級衣類に特化した店やシミ抜きが上手な店、毛皮や着物などの特殊クリーニングに強い店など、クリーニング店にも個性と特徴があります。どの服も同じ店にお任せするのではなく、各店の特徴を知り使い分けるのも衣類を長く綺麗な状態で着るためのコツ。販売員ならばお客さまにおすすめのクリーニング店を聞かれることもあるので、少なくとも・上質素材を任せられる・特殊クリーニングやシミ抜きが得意・ほつれ直しなどのリペアが上手な店、くらいは知っておくべきでしょう。「洗濯表示は守るべき？」と聞かれたらできれば自宅で洗いたい気持ち、わかりますよね。ですが、衣類にはコットン素材でもドライクリーニング推奨の表示がついているものも少なくありません。実際にお客様から洗濯表示と異なる洗い方でも大丈夫かと聞かれる販売員は多く、その返答に困ることも。もしあなたがそう聞かれたら、正しい回答は「洗濯表示通りに洗ってください」と伝えること。もちろん、よほど特殊な素材や加工でなければ、自宅で洗うことはできます。ただそれはあくまでも「洗うことはできる」だけ。実践すると生地の質感が損なわれたり縮みやヨレが起きる、家庭用アイロンでは伸ばしきれない皺が入るなど、衣類に大きなダメージが残る可能性も。販売員の立場からすれば自宅で洗える衣類の方が売りやすいため、つい「大丈夫だと思います」や「私は洗いました」と言ってしまいがちですが、もしそれが原因でクレームが来たらお客様もあなたも悲しい思いをすることになります。そのため洗濯表示は必ず守る、それが結果的に衣類を傷めず、気に入って購入してくださったお客さまに長く愛用していただけることに繋がります。知っておきたい着用後のケア方法洋服を長持ちさせるためにはいくつかの道具が必要で、代表的なのは洗剤、ブラシ、ファブリックスプレー、ハンガー、スチームアイロンなど。どれも販売員なら必携のものばかりですね。例えば洗剤なら衣類のタイプに合わせ中性洗剤と固形石鹸、洗濯用洗剤の3つは必須。シャツの襟元は固形石鹸を使うなど、用途によって使い分けたりデリケート素材には中性洗剤を選ぶなど、素材によって洗剤を変えるのは基本です。秋冬アイテムの取り扱いコートやジャケットは専用ブラシで埃を落とし、一晩程度は陰干をして湿気を取り去ってください。これはデニムなど色落ちしやすく着用ごとに洗わない衣類も同じで、着用時に汗や湿気を生地が吸ってしまうため、脱いだらすぐにしまわずに乾燥させる一手間が必要。その際は日焼けを防ぐためにも必ず陰干にし、衣類用のファブリックミストを使うのもおすすめです。カシミヤやウールなどは脱いだらスチームアイロンを当てて繊維についた臭いやシワを取り、そこから陰干をします。そして保管ですが、ワイヤーやプラスチック製の薄くて細いハンガーは使わないこと。生地の重みを支えられる木製やプラスチックでも型崩れしにくい形状のハンガーを選び、クローゼットにぎゅうぎゅうに詰め込まず、各衣類の間に手が差し込めるくらいの隙間を開けることで通気性を保ちながら保管しましょう。ニット類はふわりと畳んで引き出しなどに収納するのがベストです。ちなみに、ニット類はどうしても毛玉ができてしまいますが、着用後にブラッシングで繊維の毛並みを整えることで毛羽絡みを防ぎ、毛玉そのものができにくくなります。ウールは風合いが損なわれ縮みの原因になるので、洗濯は必ずクリーニング店にお願いしましょう。長く保管する際、ニットをはじめ天然素材の衣類の収納場所には必ず防虫剤を用いてください。お客さまの中には何年も前のコレクションを綺麗な状態で愛用されている方がいます。そういう姿を見ると自社の製品が大切にされていることに幸せな気分になるはず。今はファッションブランドもエシカルな視点でのモノ作りが当然になってきていますが、お気に入りを長く着るということは、それ自体がサステナブルファッションの実践にもなると言えるでしょう。TEXT：横田愛子

販売員なら知っておきたい洋服のケア方法

　 秋冬になるとつい手に取りたくなる素材のひとつにツイードがあります。ツイードはスコットランド発祥の毛織物で、手で紡いだ太く粗い羊毛を平織や綾織で仕上げた分厚い織物のこと。昨今ではウール（羊毛）以外でも節のある糸でざっくりと織った厚手の織物を総称してツイードと呼びますが、本来は機能性や耐久性に優れ、古くから愛されてきた歴史ある素材です。そのツイード素材に脚光を当て、シックな素材であると世に知らしめらのはシャネルのデザイナーであるココ・シャネルこと、ガブリエル・シャネルその人でした。今回は、ツイードの歴史から、シャネルとの関係性、長く着るためのポイントなどをまとめます。ツイードの歴史　ツイードの発祥は18世紀後半のイギリス・スコットランド。雨が多く寒い地方ならではの過酷な環境下で着込むのに最適な素材として、地元の農家が羊から採取したウールを紡ぎ、染めて織ったことが始まりです。当時は農作業や狩猟時といった作業着的な衣類に用いられ、保温性はもとより耐久性と洗うほどに体に馴染む点がスコットランドの気候にぴったりでした。現代でこそ機械織のツイード紡毛地までを含めてツイードと称しますが、そもそもはスコットランドでスコッチ種羊毛を原料染めし、手紡ぎの太い糸にして手織り機で織り上げたものだけがツイードでした。ツイードの種類　ツイードには様々な種類があります。同じくスコットランド発祥のタータンもそうですが、チェックの柄によって起源や格式が異なり、軍隊が用いるブラックウォッチや英国王室が身につけるロイヤルスチュアートなどが有名です。日本で特にお馴染みなのは「ハリスツイード」。スコットランドのアウター・ヘブリディーズ諸島発祥で、最高級品質を誇るツイードの代名詞的存在です。その他にも「ドニゴールツイード（ドネガルツイード）」や「シェットランドツイード」などの種類があります。それぞれのツイードの特徴については、過去記事を参考にしてください。ツイードの魅力とは?　保温性や保湿性に優れ暖か。シックにもカジュアルにも着こなせるなど、ツイードの良さを挙げるとキリがありません。ただ何よりも魅力的なのは「長く愛用できる」ことに尽きるのではないでしょうか。中にはツイードをデニムのようだと表現する人もいますが、その真意は「着込むほどに味わいが増す」ことにあります。ツイード発祥のスコットランドでは作業着的に着られていたこともあり、手を入れながら長年愛用することでどんどん風合いが良くなります。そのため代々受け継がれているツイード製品も珍しくなく、洒落者ほど真新しいものよりも年季を感じさせるツイードを好むそうです。シャネルとの関係性　“一生ものの服“と考えたときに、女性の多くはシャネルジャケットやシャネルスーツを思い浮かべませんか？今なおツイードパターンはシャネルのアイコンであり、衣類のみならずアイシャドウといった化粧品にまでツイードを象ったアイテムが毎シーズンのように登場します。前述したようにシャネルによってツイードは作業着からシックな生地という認識になり、華やかなファンシーツイードが女性の間で広まるきっかけとなりました。では改めて、シャネルとツイードの関係を紐解いていきましょう。そもそもシャネルの原点はスーツ。時は第一次大戦の頃、女性の社会進出に相応しい存在としてデザインされ、体を締め付けず動きやすく、かつ女性らしさもある服として世に出ました。ファンシーツイードで直線的かつ構造的に仕上げ、随所に軽く動きやすい仕掛けを施したスーツは人気を博し、現代に至るまで世界中の女性の憧れとなっています。なお、今やシャネルのマスターピースであるジャケットやスーツ、ときにはバッグに用いられるファンシーツイードは、1912年にイギリスで創業された「リントン・ツイード社」のもの。ガブリエル・シャネルが愛した元祖シャネルツイードのメーカーとしても有名で、現在も革新的で美しいファンシーヤーンの組み合わせで独創的なツイードを生み出し、多くのデザイナーから支持されています。長く着るためのポイント　ツイードは一生もの。それどころか世代を超え受け継ぐことができる素材なので、お気に入りを手に入れたらケアをしながら長く着るのが本来の在り方です。特に今回紹介したツイードはどれも高品質なので、袖を通すごとに着る人の体に馴染み、しっくりと寄り添うような存在となります。ツイードを用いた製品はアウターやスーツが中心のため、Tシャツのように1度着たら洗う種類の服ではありません。そのため普段は着用後にブラシで汚れを落とすのが鉄則。ブラシはコシが強く凹凸のある生地に向いている豚毛製がおすすめですが、ファンシーツイードやシェットランドツイードはデリケートゆえ、豚毛でもよりしなやかな白豚毛が適しています。ブラッシングの際は最初に軽く繊維の流れと逆方向にブラシをかけ、表面の埃を浮かせた後に再度繊維の流れに沿ってブラシをするのが手順です。ツイードは糸と糸の間に埃が入りやすいので、お手入れで最重要視すべきはこのブラッシング。ブラシで汚れを落としたら陰干しし、湿気を取ってからクローゼットに仕舞ってください。なお、ツイードは水に濡れると風合いを損なうことから水洗いは避け、クリーニングに出す場合は必ずドライクリーニングを指定しましょう。今年らしい取り入れ方　毎年秋冬シーズンになるとツイードがランウェイにも登場しますが、ツイードはどちらかといえばクラシックな素材。そのためコンサバになりすぎると敬遠しがちですが、今季のキーワードは「ツイードのカジュアルダウン」です。人気継続中のオーバーサイズのツイードジャケットの袖をラフに捲ってチノやデニムを合わせる、レディライクなジャケットをカーゴパンツでドレスダウンし足元はハイヒールでブラッシュアップなど、相反する素材を合わせるのがセオリー。どちらかといえばツイード本来の作業着感覚の取り入れ方が正解です。とはいえ、やはりアウターは敷居が高いと感じるなら、バッグやシューズでツイードをプラス。この場合でもカジュアルな装いにあえてトラッドなツイードを合わせることで、アンバランスな野暮ったかわいいを意識するのがポイントです。　ツイード。北風の吹く季節はこの素材がどうにも恋しくなります。マニッシュにもフェミニンにも着こなせ、かつクラシカルで叙情的。こういった素材こそ長く愛用し、経年変化を楽しむためにあるのだと思います。TEXT：横田愛子

秋冬の主役の筆頭「ツイード」の歴史 シャネルとの関係とは？

アパレル販売員への転職を検討する際、気になるのが配属先。アパレルの実店舗は、路面店とテナント店に分類され、転職や異動の際にどちらの形態に配属されるかで働き方も異なってきます。今回は、この2種類の店舗における運営方法や来店客の傾向などの違いについて比較し、身につけておきたい知識や注意点などを紹介します。路面店とテナント店の違い路面店は、ブランドやメーカーが大きな通り沿いの店舗を借りて単独で出店しているショップ。規模によって役割も異なり、ブランドイメージを全面に押し出す直営店の中でも、都市部で販売拠点となる大規模なものを旗艦店（フラッグショップ）と呼びます。旗艦とは、もともと海軍などで指揮官が乗船する司令旗を掲げた船のこと。アパレルにおいてもブランドの象徴・となるメージを打ち出し、さまざまな形態の店舗を束ねるポジションと言えます。立地によっては観光スポットのようになることもあり、充実したコレクションが並んでいます。テナント店は、商業施設に入居する店舗のこと。百貨店やショッピングモール、ファションビルなどが当てはまります。路面店よりも小規模なものがほとんどですが、大型の店舗はキーテナントやアンカーストアと呼ばれ、路面店の直営店に匹敵する機能を持ちます。入居する施設によって店の展開に変化が見られるのが特徴です。接客ルールに違いはある？人目に触れやすい路面店は顧客への訴求力・購入率が高い傾向にあります。専門的な知識を持つお客様も多いのでブランドの詳細を熟知し、ハイレベルなニーズに応えられるスキルが必要となってきます。接客にじっくり時間を割けるので客単価が高くなり、顧客との信頼関係を築きやすい環境であるといえるでしょう。テナント店の場合、学生から主婦、年配の方まで、幅広い層を対象としていることから路面店よりも来店の傾向が予想しにくくなります。一見のフリーのお客様も多いのでトーク内容も路面店よりライトにして、ブランドの概要を伝えることに比重を置いたほうが良いでしょう。身につけておきたい知識とは路面店はショッピングセンターなど入居施設の影響を受けないことから制約が少なく、商品レイアウトの変更も独自のタイミングで行えます。そのため店頭ディスプレイが短いスパンで変わることも珍しくありません。ディスプレイ変更の際にはマネキンを移動させたり、着替えさせたりと体力が求められます。また、ディスプレイの変更が多いということはそれだけトレンドの移り変わりに敏感である必要があると言えるでしょう。ブランドのコンセプトを店全体で感じられるようにすることで、テナント店やECショップにはないショッピング体験を提供できます。テナント店ではスタッフの対応が入居施設のイメージに直結するため、接客ノウハウに関する研修が行われることがあります。百貨店では計算・漢字などのテストが行われることもあり、接客に必要な一般常識を身につけているかが試されます。これらはアルバイト雇用においても同様。社員食堂や医務室といった設備が豊富で従業員向けのセールが行われるなどメリットが多い反面、売り上げの減少が続けば入居契約を解除される可能性もあります。独自のルールがあるテナント店テナント店の大きな特徴として、自社だけでなく入居施設のルールに沿って営業することが求められます。営業時間は基本的に入居施設に準じたものとなり、路面店よりも長時間の営業になることも。また、経営方針や店づくりに関しても施設の意思が介入することがあり、商品ラインナップや外観の色合い、看板やポスターといった細かいところまで指示が及ぶ場合があります。施設で展開している会員カードへの入会勧誘なども、テナント店の仕事の一つです。イベントも施設全体で定められたものに時期を合わせ、サマーシーズンなどはほとんどセールで終わることも。ほかにもフロアからバックルームへの移動時にお客様に向けて礼をする、お客様と同じエレベーターを使用しない、食事やお手洗いに行く際は従業員にしか分からない言葉で伝達する…といったルールは、多くの施設で取り入れられています。また、こういった施設ではお客様とトラブルがあった場合、施設運営者に報告する義務があります。この連携を行うことで施設のカスタマーセンターから的確な指示を仰ぐことができ、解決までの道のりがスムーズになります。服装規定について基本的には自社ブランドの服やアイテムを身につけることがほとんどです。ラグジュアリーブランドなど価格帯が高めのブランドではスーツやジャケット着用を条件にすることも。そのほか、ブランドや配属先によって服装規定は異なります。路面店の場合、自社のルール内やブランドイメージに適したものであれば服装やメイクに特に制約はありません。しかし、テナント店の場合は、ある程度の基準が設けられています。メイクは基本的に清潔感のあるナチュラル系を求められますが、薄すぎるメイクやノーメイクはNG。シャドウやチークは控えめにして、リップもビビッドすぎる色は避けましょう。髪も色が明るすぎたりメッシュを入れていたりするとお客様にとっつきにくい印象を与えてしまいます。ネイルの内容も施設によって指定されることがあり、過度な装飾や派手な色は避けておくのが無難です。様々な刺激を受けるテナント店、接客力が身につく路面店ブランドの顔とも言える路面店は、自社製品への愛着の深さが働きがいに影響し、テナント店のスタッフが、より高い専門性を求めて路面店への異動を目指すケースも多く見られます。しかし、その分、接客スキルや売上目標も高く設定されており、知識量も多大に求められます。そのため、大手のアパレル企業やブランドに就職してスキルを身につけてから、後に独立開業する経営者の割合が多いと言われています。テナント店では、入居施設の規定に合わさざるを得ない状況が多々あり、自由度の制限はありますが、他ブランドとの交流を図れるなど、外部からの刺激を得やすい環境であることが魅力。広告展開や販促イベントも施設主導で行われ、路面店より少ない労力で集客が行えます。アパレルキャリアのスタート地点とする人も多く、先に述べた入居施設のルールを遵守することで、自然と接客の基礎を身につけることもできるでしょう。TEXT：伊東孝晃

路面店とテナント店、アパレル販売員の働き方の違い

2022年8月5日に亡くなったファッションデザイナー・三宅一生。日本のファッション業界の黎明期から世界にその名を轟かせ、そのセンスは現代においても大きな影響力を誇っています。三宅一生は自身のデザインを通じて伝統を継承すべく、日本の伝統技術を積極的に取り入れてきました。だからこそ「ISSEY MIYAKE」は機能美と高品質を兼ね備えた唯一無二のブランドとして高く評価されてきたと言えるでしょう。今回は、三宅一生が敬愛し、創作において重要な役割を果たしてきた日本の伝統技術との関わりを紹介します。三宅一生とは1938年に広島で生まれた三宅一生は、彫刻家のイサム・ノグチや建築家である丹下健三のデザインに感銘を受け、多摩美術大学の図案科に入学。グラフィックデザインを学ぶ一方で服飾デザインにも着手し、在学中に2年連続で装苑賞受賞の快挙を成し遂げます。卒業後はフランス・パリに留学し、洋裁学校「サンディカ」で本場の服飾技術を習得。アメリカ・ニューヨークのメゾンでの勤務経験を経て1970年に帰国すると、自身のデザイン事務所を設立します。ここから始まったブランド「ISSEY MIYAKE」がパリコレクションなどで世界的な評価を獲得し、1980年代にはDCブランドの中心的デザイナーとして知名度が拡大。1999年にデザイナーを退任してからも国立デザインミュージアム設立に向けての運動や後進の育成に尽力してきました。ISSEY MIYAKEの魅力「ISSEY MIYAKE」の服作りには、1本の糸から研究し、オリジナルにこだわる「一枚の布」というコンセプトが息づいています。一般向けでありながら職人の手仕事が行き渡り、機能美と高品質を併せ持つプレタポルテがブランドの特徴を体現。現在では9つのラインが展開されています。代表的なレディースライン「ISSEY MIYAKE」は、パーツの縫い合わせではなく、一枚の生地から切り出して服を完成させているのが大きな特徴。この製作方法は「A-POC（A Piece Of Cloth）」と名付けられ、三宅一生の服作りに対する思想や概念を技術として確立。東洋・西洋の枠を飛び越えたグローバルなデザインは世代を超えて愛され、プラスチックや籐、紙など、布だけにこだわらない革新性を伴って時代に呼応しています。ほかにも1988年以来、三宅一生の服作りに欠かせない要素となっているプリーツを進化させた「PLEATS PLEASE ISSEY MIYAKE」やコンピュータサイエンスを応用し、多次元的な服作りに取り組む「132 5. ISSEY MIYAKE」、A-POC技術の可能性を追求する「A-POC ABLE ISSEY MIYAKE」など、スタンダードな服飾とは異なる挑戦的なスタンスでファッションの可能性を開拓し続けています。日本の伝統技術にこだわる理由パリやニューヨークで服飾業の経験を積んだ三宅一生。斬新なデザインを発表する一方、キャリアを一貫して古来より受け継がれる製造技術に敬意を払い、自身の服作りに取り入れてきました。その取り組みには、自身のデザインを通じて伝統を継承しようという思いがあり、「人に夢を与えるデザインの意義を問い直す」という意思が込められています。行商人の作業着や刺し子、絣、楊柳といった民衆のための染色布と現代的なデザインが融合した三宅一生のオリジナリティは欧米のファッションシーンで絶賛され、現在も脈々と受け継がれています。近年では「ISSEY MIYAKE」の2022/23の秋冬コレクションに京都の絞り染めを用いたシリーズ「PODS」が登場。2021/22のコレクションでは、水面に垂らした染料から模様を写し取るという墨流しやプリントした記事をほぐして織り直すほぐし絣という技法を取り入れたウェアが話題を呼びました。メンズのコレクションでも染色技術であるろうけつ染めを用いた「ROUKETSUシリーズ」を発表し、革新的なブランドイメージと伝統技術の親和性の高さを証明しています。三宅一生が愛した工房・職人たち・白石ポリテックス工業プリーツ加工を中心に婦人服の一貫製造を行っており、三宅一生とは1980年代から「PLEATS PLEASE ISSEY MIYAKE」の開発に取り組んできました。一般的にはプリーツ加工をしてから縫製を行いますが、「PLEATS PLEASE ISSEY MIYAKE」では縫製まで完成した製品にひとつひとつプリーツ加工を施していきます。このプリーツはなんと開発に5年を費やし、通常140℃で行う加工を190〜197℃で調整することで抜群の伸縮性と着心地を実現。優れたデザインと着心地を実現できたのは高い技術力を誇る白石ポリテックス工業あってこそと言えるでしょう。洗濯が簡単でアイロンがけの手間もいらない「PLEATS PLEASE ISSEY MIYAKE」のウェアは、現在、婦人服のスタンダードの一つとして定着しています。・中村工房明治時代にイギリスから伝えられた織物技術・ホームスパンを岩手県盛岡市で展開する工房。ホームスパンは「手紡ぎ」という意味で、現在では太い紡毛糸を使用した目の粗い織物のことを指します。中村工房は1970年代から三宅一生、テキスタイルデザイナーの皆川魔鬼子とクリエイティブワークを共に行い、スカーフや真綿のベストなどをパリコレクションに送り出してきました。中村工房では手織りにこだわり、染料には虫やくるみなど天然の材料を使用。皆川魔鬼子は最初、中村工房の草木染めの色の濃さに驚いたといいます。草木染めは素材を乾燥させてから染めるのが一般的ですが、中村工房では量をたっぷり使用し、生のまま染めることで他にはない濃さを生み出しているのだそうです。ホームスパンの暖かく穏やかな風合いと独特の色は、三宅一生のデザインを一層際立たせています。三宅一生はその他にも様々な伝統技術からインスピレーションを受けています。「ISSEY MIYAKE」の「KOGIN CLOTH」では、弘前こぎん研究所の津軽こぎん刺しよる力強く美しい刺し子の模様のジャカード織りを見ることができますし、「ISSEY MIYAKE MEN」の2019年のコレクションでは、国の伝統工芸品に指定されている京鹿の子絞りを極めた重野和夫の染色技術と、現在では7人になってしまった西陣絣職人の中で唯一の若手である葛西郁子による「あばれ絣」と呼ばれる特徴的な生地によるアイテムが注目を集めました。TEXT：伊東孝晃

三宅一生が愛した日本の伝統技術たち

1枚で着こなしが完成するウエアの代表格である「ワンピース」。普段はマニッシュでスポーティーなスタイルを好む女性でも、きっとセレモニー用に1～2着はクローゼットに掛かっているのではないでしょうか。袖を通すと少しフェミニンな気分になったり、忙しい朝でも一瞬でコーディネートが整ったりと、ワンピースの魅力は星の数ほど。そもそも衣服は1枚の布を体に巻きつけたものが始まりであり、ワンピースには古い歴史があります。今回はそんなワンピースについて、歴史から最新トレンドまでをじっくりと掘り下げていきたいと思います。ワンピースとは？ワンピースとは、トップスとスカートが繋がっているデザインの衣服のこと。たとえ上下が異なる素材とデザインであっても上下が一体となっていればワンピースに分類されます。着丈によってミニワンピース、ロングワンピース、マキシワンピースと呼び分けるのが一般的。実はワンピースという呼び方は和製英語であり、海外では「ドレス」と言います。海外ではカジュアルなコットン素材のものも、華麗なパーティードレスもすべてドレスです。ファッション好きであれば一度は耳にしたことがある黒地で装飾のない「リトルブラックドレス」も、日本で言うところのワンピースのこと。「ワンピース」には「上下続きの」という意味があるため、日本では「ワンピースドレス」と呼ばれ、いつの間にか省略されて「ワンピース」になりました。ジャンパースカートやチュニックとはどう違う？上下が一体になった洋服をワンピースと呼ぶものの、中には同様の作りながらもワンピースには分類されない衣服があります。例えばジャンパースカートやチュニック。どちらもワンピースと似た構造ですが、正しく別物なのです。ジャンパースカートは「胸当てがついたスカート」のことで、形状的にはエプロンに近い印象。ワンピースが1枚で着られるのに対し、ジャンパースカートは中にカットソーやブラウスを着る必要があります。チュニックは、あくまでもトップスです。裾に向かって広がるAラインで太もも辺りまでを覆うデザインは一見超ミニ丈のワンピースとも言えなくはないですが、こちらも1枚で着るのではなくボトムに何かを履くことが一般的。1枚で着られる服をワンピース、そうでないものはワンピース以外と覚えておくとわかりやすいかもしれません。ワンピースの歴史始まりは1枚の布ワンピースの歴史を紐解くと遥か古代まで遡ります。古代ギリシャや古代ローマでは1枚の布を体に巻き付けるトーガという衣服が浸透しており、今のワンピースの土台になりました。1枚の布を纏い衣服にするという考え方は日本の着物も同様であり、着物も一種のワンピースと言えるかもしれません。同じくインドのサリーなど、伝統的な民族衣装にはワンピースの原型を感じさせるものが多数存在しています。1枚の布から始まったワンピースの歴史ですが、著しく進化を進めたのが洋服文化の中心であるヨーロッパ。15世紀まではいかにボディラインを強調するかが重視されていましたが、それまで男性のためのものとされていた宝石が女性にも普及したことでドレス全体に宝石が縫い込まれた豪華絢爛なドレスが登場。16世紀にはコルセットでウエストを絞り、袖や裾をふわりと膨らませたシルエットが、17～18世紀にはスカートの下にパニエを仕込んでよりボリュームを出したドレスが流行するように。その時々の世相を取り入れながら変化し続けたワンピースは、19世紀に大変革を遂げます。フランス革命とオートクチュールの誕生ワンピースがより現代の形へと変容した19世紀、ヨーロッパはフランス革命の混乱が終息し貴族社会から市民社会へと移行していきます。それと時を同じくし、パリで高級仕立て服であるオートクチュールが誕生。当時活躍したデザイナー、シャルル・フレデリック・ウォルトがドレスに着心地の良さを付随させようとドレスのスカートのドームシルエットを支える骨組みを取り去り、ストレートやプリンセスシルエットを可能にする「クリノリンスタイル」を生み出しました。大きく装飾的なスカートやウエストを締め付けるコルセットから脱却したワンピースは、その後社会に進出し始めた女性に適するよう、よりシンプルで機能的なものへと進化。日本にワンピースが入ってきたのは明治時代のことで、着用できたのは上流階級の限られた人だけ。大正時代には、まだ和装が中心ではあるもののモダンガールと呼ばれる女性の間で流行しました。年代別トレンド解剖その時代ごとの世相や流行を取り入れ変化してきたワンピースには、年代ごとに大きなトレンドが存在します。現代でも60’sルックなど過去のトレンドがリバイバルすることが多々ありますが、当時の女性はどんなワンピースを纏っていたのでしょうか。1950年代クリスチャン・ディオールによるニュー・ルック全盛期は、ウエストをキュッとマークし数字の8の字のようなシルエットのラインが人気に。ワンピースもウエストを絞り裾に向かって大きく膨らむ「落下傘スタイル」が流行りました。1960年代今でも伝説になっているモデル、ツィギーの登場でミニスカートが爆発的ブームに。ワンピースも着丈がどんどん短くなり、コンパクトなミニ丈ワンピースが主流に。1970年代ヒッピームーブメントに世界が湧いた時代は、民族衣装に着想を得たフォークロア色の強いマキシ丈のワンピースが主役に。刺繍や花柄など、ロマンティックな装飾が好まれました。1980年代バブル真っ盛りの日本では、通称「ボディコン」が大ブーム。ボディラインを強調したミニワンピースを着こなすため、下着のラインが透けないソングショーツも浸透。1990年代スーパーモデルの一人、ケイト・モスの登場でグランジブームが世界を席巻。チェックのネル素材のシャツワンピースを重ね着するなど、1枚ではなく重ねるのがキーワードでした。2000年代以降と今季のトレンド2000年代に入ってからも森ガール風のゆるふわ系やギャルブームに乗ったトロピカル柄など様々なワンピースが登場しましたが、トレンドやスタイルが個々の好みによって細分化されてきたことから、それまでの一極集中的なブームには至りませんでした。今季もワンピースは世代を超えて人気のアイテムですが、そのトレンド傾向も多岐にわたります。その中でも、体のラインを拾わないAラインやゆったりとしたシルエットのもの、モノトーンやベージュ、グレーなどシックなカラーの無地のものやデニムなどの定番素材を活かしたものが特に人気。膝下丈のワンピースにワイドパンツを合わせるスタイリングも注目されています。今季は久々にロングブーツが秋冬ファッションのトレンドに返り咲いたため、ワンピースの足元にブーツを合わせると一気に今年らしい印象に。ついロングブーツにはミニ丈ワンピースを選びがちですが、洗練された大人の女性を演出したいならミモレ丈にあえてロングブーツを合わせて。ワンピースとロングブーツのトーンに統一感を出し、ニュートラルで抜け感のあるコージーな要素をプラスするのが今年らしく、かつセンス良く見せる秘訣です。ぜひ試してみてくださいね。TEXT：横田愛子

ワンピースの歴史を深掘り、年代別のトレンドを紹介

ファッション好きならよく耳にする言葉「トレンドカラー」。それは、そのシーズンを象徴する流行色のこと。しかしトレンドカラーはその季節になって作られるものではなく、実は早いものでは2年も前から決められています。ちなみに今年の秋冬は「ベリーペリ」「バービーピンク」など計6色がトレンドカラーなのだそう。色には人の気分を左右するパワーがあり、ファッションやヘアメイクとは切り離せない関係と言えるでしょう。そこで今回は、アパレル業界で働くなら知っておきたいトレンドカラーについて、詳しく掘り下げていきましょう。色の持つ力青なら落ち着きや知性、オレンジは快活さ、赤は情熱など、色から喚起されるイメージはまさに多彩。そのため色が持つ効果はインテリアやメイク、ファッションに活用され、空間装飾のみならずその人の個性やキャラクターを表すツールとしての役割も担ってきました。病院の壁に淡いブルーが、高級ホテルのラウンジにダークトーンが使われていたり、元気がない時に明るい色のシャツを纏えば気分が少し上向いたりするように、色は心理や感情に少なからず影響を与えています。トレンドカラーとはトレンドカラーはそのシーズンに流行するであろう色のことで、SS/AWのシーズンごとの色もあれば、年間を通してのものもあります。ファッション誌にも「今年の色特集」が組まれたりしますが、実はどの色をトレンドにするのかを決めるのはファッションデザイナーではなく、国内外の専門団体。主要団体は、現在17ヵ国で構成される流行色選定機関の「インターカラー（国際流行色委員会）」、インターカラーが流行色を発表したのちに日本の社会情勢に合わせ国内独自の流行色を発表する「JAFCA（一般社団法人 日本流行食協会）」、世界共通の色見本を制作する企業である「パントン」の3つです。インターカラーがシーズン2年前に、JAFCAが1年半前に流行色を発表するため、トレンドカラーは該当シーズンよりもかなり以前から選定されています。トレンドカラーはどうやって決まる？トレンドカラーを決める主要3団体では、それぞれ選定方法が異なります。インターカラーでは加盟する国の代表団体がそれぞれの国で決めた色を持ち寄り、6月と12月に開催される会議によって春夏と秋冬の流行色を決定します。一方、JAFCAではインターカラーの発表後に日本の世相や社会動向を踏まえ、各分野の専門家とともにカラーテーマと流行色を発表。そしてパントンは毎年12月頃に、独自の基準で選んだ来年のトレンドカラーを「パントン・カラー・オブ・ザ・イヤー」として発表しています。トレンドカラーが流行るとは限らない2年前に発表されたトレンドカラーを元に、ファッションやコスメ、インテリア業界などは該当シーズンに向けて流行色を取り入れた商品開発に入ります。それにより該当時期には流行色を纏った品々が店頭に並ぶわけですが、トレンドカラーが必ずしも流行するわけではありません。その大きな理由は2年間というタイムラグにあり、2年の間に社会情勢や景気などが大きく変わるため。仮に「ピンク」がトレンドカラーだったとして、その年が不景気だったりすれば、人は明るいカラーを手に取る気持ちにはなりません。色の持つ力について最初に触れていますが、消費者が選ぶ色というのはその時の心理状態にも大きく左右されるもの。ゆえに2年前に選ばれた色と今の社会状況が大きく乖離していて、ほとんど流行らないなんてことも起こり得るのです。それでもなぜトレンドカラーがこれだけ深い歴史を持っているかというと、ファッション産業を活性化させようと各国が足並みを揃えてきたから。実は国によって色の認識の違いがあり、例えば同じ「赤色」でも国によって明度や彩度が異なります。そのためインターカラーが30色以上を選び、各国が選定色を自国の色に置き換えることで具体的なトレンドカラーを決めているのです。世界中が協力しながらファッション業界を盛り上げているんですね。「あの頃」のトレンドカラー好景気だとミニスカートが流行ると言われますが、時代を取り巻く空気感によって流行する色も様々。トレンドカラーを見ればその時代の雰囲気が分かるという事例を年代を追って紹介しましょう。1960年代　東京オリンピックが開催され日本は高度成長期真っ只中。上り調子の経済を象徴するかのようなビビッドカラーやビタミンカラーが流行色に選ばれています。1970年代オイルショックやGNPが初めてマイナスに転じ、世間に浸透した節約思考、円高不況などが影響したこともあってナチュラルカラーやアースカラー、カーキ、オリーブなど暗めの色が流行色に。1980年代DCブランド全盛期でモノトーンブームが到来。景気が回復の兆しを見せ、空前のバブル景気にわいた時代。これを象徴するように明るいパステルカラーやビビッドカラーがトレンドとなりました。1990年代湾岸戦争やソビエト連邦の崩壊、バブルの崩壊に加え、阪神大震災などが世界状況だけでなく国内の世相にも暗い影を落としました。その影響か自然回帰のアースカラーやグレー、黒、白、紺といった落ち着いた色が流行しています。2000年代リーマンショックに東日本大震災、平成から令和への改元。コロナウイルスの蔓延や2度目の東京オリンピック開催。また、スマホやSNSの普及によって「映える」ことが重視されるようになり、目を惹くネオンカラーがトレンドに。2022AWのトレンドカラーインターカラーが1963年、JAFCAが1953年に設立されたことを考えると、かなり古くからシーズンごとのトレンドカラーが設定・発表されてきたことがわかります。ここで現代に戻り、2022年AWのトレンドカラーを見ていきましょう。「ベリーペリ」、「バービーピンク」、「ファイアーレッド」、「ロイヤルブルー」、「サンシャインイエロー」、「リラックスグリーン」の6色がこの秋冬のトレンドカラー。全体的な傾向としては明るく鮮やかなトーンが多い印象で、今季のランウェイでも上記のカラーを取り入れたファッションが続々と登場しています。では早速、各色の特徴と着こなしのコツを紹介します。「ベリーペリ」クールかつ女性的なエレガントさを併せ持つ青みがかったパープル。・上品さを活かすならワンピースやスカートで大胆に取り入れ、クールにまとめたい場合はシャツやスカーフなどの上半身に投入を。ベージュや白との相性も抜群。「バービーピンク」マテル社が発売しているバービー人形の衣装を彷彿とさせるポップで鮮やかなピンク。・華やかさを全面に押し出したいなら洋服で、アイキャッチなポイントを作りたいならバッグやシューズで取り入れるほか、ヘアカラーのインナーカラーにも最適。「ファイアーレッド」その名の通り燃え盛る炎のようなオレンジみのあるレッドで、和名では緋色。・インパクトあるレッドは差し色にもってこいで、派手色に抵抗がある場合はソックスなど面積が小さなもので挑戦を。また、リップカラーなら手軽に取り入れられます。「ロイヤルブルー」イギリス王室のオフィシャルカラーにも使用されている濃くて鮮やかなブルー。・端正でトラディショナルなカラーだけに、面積が広いジャケットやコートのアウターにもぴったり。インナーにはライトグレーや白など明るい色で抜け感をプラスし、軽さを演出するのが今年流。「サンシャインイエロー」陽だまりのような温かみのあるパステルトーンに近いイエロー。ベージュ要素もあるため合わせやすく、6色のトレンドカラーの中でも挑戦しやすい色。柔らかな色の印象を活かすニット製品を選べば優しい印象に、アクセントカラーにするならベルトやシューズで取り入れると軽やかに見えます。「リラックスグリーン」パステルトーンで軽やかかつ抜け感のある淡いグリーン。先シーズンから人気のグリーンが濃くはっきりとした緑だったのに対し、今季は薄くライトなグリーンが主役に。色の持つ軽やかさを活かし、シアーなブラウスや薄手のニットなどだとコーデに取り入れやすいです。ちなみに、2023年のトレンドカラーも既に発表されており、来季はチェリーレッドやマドンナブルー、グラスグリーンといったビビッドな色味がラインナップ。トレンドカラーを着るか着ないかはさておき、メイクの一部などスタイリングの一部に取り入れるだけでトレンド感のある装いになるのかもしれません。TEXT：横田愛子

トレンドカラーの歴史とは？

アパレルのショップの業態には、大きなカテゴリとして「ブランド」と「セレクトショップ」の2種類があり、それぞれ顧客のニーズに合わせた販売方法を展開しています。では実際に、何が違うのでしょうか？今回は、販売員を志望するなら知っておきたい、両者の違いや特性、働き方の違いについて紹介します。セレクトショップとは自社のブランド商品を販売するブランド直営のショップに対し、バイヤーが店の方向性に沿って複数のブランドから商品を仕入れる店舗をセレクトショップと言います。大手企業が全国的に展開しているのものから個人経営のものまで、その規模はさまざま。品揃えは大手量販店のようなオールラウンダーではなく、ファッションの方向性や年齢層によってターゲットを絞っているのが大きな特徴です。カジュアルなものからデザイン性の強いモード系の商品を取り扱うものまで、店のバリエーションも豊富で、国内外から幅広い商品を取り揃えています。例えばBEAMS（ビームス）はアメカジ、NANO universe（ナノ・ユニバース）はきれいめカジュアルなどの特徴があるため、ファッションの好みなどを語る際に店舗名を指して「○○系」という言い方もよくされています。ブランドとの違いセレクトショップとブランドの決定的な違いは、1つの店で複数のブランドを取り扱っていることにあります。そのため自身の好みに合った服を見つけやすく、いくつも店を巡らずとも自分好みのコーディネートが可能。また、トレンドを常に意識して商品を揃えていることからスタッフの知識量も豊富で、直営店を持たない新進ブランドがバイヤーの目にとまってセレクトショップから飛躍するという流れも多く見られます。大手のショップではファッションだけにとどまらず、ライフスタイル全般に関わる商品を取り扱っており、商品選びにおいても多面的な楽しみ方ができます。また、セレクトショップが自社で企画・生産を行ったオリジナル商品を販売する「プライベートブランド」＝ “セレオリ”と呼ばれる業態も見られ、タグなどにショップ名の付いているものがそれに該当します。近年では大手セレクトショップの大半がオリジナル商品を手掛けており、商品ラインナップの中に占める比率が高まっています。インポートの定義セレクトショップの中には海外ブランド商品を販売している店舗も多くあります。ここでは、海外ブランドにインポートとライセンスブランドの2種類があることについて解説します。まず、ライセンスブランドとは、販売を展開する国（この項では日本とします）の会社と契約を交わしている海外ブランドのことを指します。これは、ブランドの商標権＝ライセンスに対して日本の会社がロイヤリティを支払い、サイズやテイストを日本人向けにアレンジして製造・販売するというアパレル業界のビジネスモデルの一つで、バーバリーやカルバンクライン、ポール・スミスなどは、日本の企業が手掛けるライセンスブランドとして広く浸透しています。一方、インポートとは、海外ブランドの中でもライセンスブランド以外のものを指します。シャネルやグッチ、ルイ・ヴィトンなどの高級ブランドは日本で法人を設立し、原産国で製造された商品を輸入して直営ショップやセレクトショップで販売。一般的に高価なイメージがあり、ブランドのイメージをダイレクトに表現した先鋭的なデザインの商品なども積極的にリリースされています。働き方に違いはあるの？アパレルの販売という点においてセレクトショップとブランドで仕事内容に大きな差はありません。しかし、セレクトショップの場合、店作りのベースとなっているコンセプトへの深い理解や取り扱うブランドに対する幅広い知識が求められます。インポートなどラグジュアリー系のブランドは購入する側も博識である場合が多いため、表面的な情報だけでは顧客と台東のコミュニケーションを取ることができません。取り扱いブランドの歴史をある程度把握し、シーズンごとのトレンドを常にチェックすることを心がけておきましょう。営業戦略でも、ファストファッションなど価格帯が抑えめな店舗では、接客をほぼ行わない「PULL型」が中心であるのに対し、価格帯が中程度から高価なものにまで及ぶセレクトショップでは、「PUSH型（店側が顧客に積極的に提案）」が主に実践されています。PUSH型の営業では担当制度を設けるなど、接客においても顧客との密なコミュニケーションが重視されます。特にハイブランドではその傾向が顕著であり、将来、独立してセレクトショップの開業を計画している人であれば、ハイブランドでの勤務経験は大いに役立つことでしょう。代表的なセレクトショップ最後に、代表的なセレクトショップをいくつか紹介していきます。それぞれのショップのカラーを覚えておくと良いかもしれません。SHIPS（シップス）創業はビームスよりも1年早い1975年で、日本のセレクトショップでは最古参の部類にあたります。イタリア製のスーツを中心としたトラッドカジュアルが得意で、ターゲットの年齢層は若干高め。オリジナルブランドは「シップス MEN」「シップス WOMEN」のほか、着心地の良さを重視した「リラフティ シップス」など7つのラインを展開。アクセサリーの品揃えも豊富です。BAYCREW’S（ベイクルーズ）ファッションだけでなく食やインテリア、美容などライフスタイル全般にかかわる96ものブランドを展開。アパレルの主力となる「ジャーナルスタンダード」は、アメリカンカジュアルをベースに20代〜30代をメインにした商品を揃えています。フレンチテイストを打ち出した「エディフィス」は、スーツなども取り扱い、スタイリッシュなコーディネートにうってつけです。BEAMS（ビームス）1976年にアメリカンカジュアルの専門店として創業。現在もデニム系からアウトドアまで、カジュアルをメインに据えた商品を取り揃えています。オリジナルブランドも幅広い年齢層に向けて展開。「ビームスF」や「エッフェビームス」など、大人向けのラインでも遊び心を取り入れたスタイルを提案し、アートギャラリーやレコードストアなどカルチャー方面の業務にも注力しています。NANO universe（ナノ・ユニバース）1999年の創業以来、急成長を遂げているセレクトショップ。ヨーロピアントラッドをベースにしながらモードからカジュアルまでと守備範囲は広く、ビジネスの場面でも違和感なく着ることができます。オリジナルブランドは、タイトですっきりしたシルエットや素材・仕立ての良さに定評があり、メイン購買層である20代を中心に長く着続けられるアイテムとして好まれています。URBAN RESEARCH（アーバンリサーチ）関西発のセレクトショップとして1997年に1号店をオープン。ショップ名が示すように都会的で洗練されたカジュアルを指針とし、30代以上にマッチするような大人向けのテイストが特徴です。オリジナルブランドでは、スタイリッシュに比重を寄せた「アーバンリサーチ ロッソ」や、ワーク・ミリタリーのテイストを強調した「アーバンリサーチアイディ」など、15のラインで細かなニーズに対応しています。TEXT：伊東孝晃

セレクトショップとブランドの違い

ファッションには「小物」というジャンルがあり、中でも日差しが強い季節になると俄然存在感を発揮するのがサングラスです。近年では目に入る強い紫外線が眼病を誘発するだけでなく、肌の日焼けの一因となることが周知され、ファッションのみならず日焼け対策としてサングラスを愛用する人が増えました。しかし日本人はサングラスを夏の習慣として取り入れる人口が欧米と比べ少なく、折りしもコロナ禍でマスクが必須。マスクとサングラスを同時装着するのはハードルが高く感じますが、健康のためにも欠かせないアイテムです。そこで今回はサングラスの歴史からマスク時代の選び方まで掘り下げて紹介したいと思います。日本人とサングラス最近は紫外線対策やファッションの一部として取り入れる方が増えたものの、未だサングラスに抵抗がある人も。そんな話を裏付けるアイウェアメーカーの調査があります。その調査によればサングラスに抵抗を感じる人は約30%いるとの結果で、これはサングラス＝気取っている、怖そうに見える、といった理由からのよう。確かにサングラスは目元をカバーするアイテムゆえ、顔や表情を隠すために身につけるケースもあります。代表的なのがセレブリティで、変装アイテムとしてサングラスを用いたことで一般の人にとってはサングラス＝気取っている、という認識が植え付けられたのかもしれませんね。しかし時代は変化し、今や男女問わず紫外線対策の意識が高まっています。メガネ専門店ではなく、アパレルショップでも見かけることが多くなり、日常の必需品として手に取る方が増えてきている傾向にあります。サングラスの歴史1920年代　遮光を目的として誕生サングラスが生まれたのは1929年。アメリカ人実業家のサム・フォスターが手頃な価格の大量生産品を売り出し、色素が薄く紫外線に弱い白色人種の間で人気を呼びました。しかし実はもっと以前、古代ローマ皇帝が煤を塗ったエメラルドのレンズが入ったメガネを掛けていたという説もあり、古の時代からサングラスの原型は存在した様子。しかし今のようなサングラスが本格的に普及したのは第二次世界大戦後で、その源流はパイロット用サングラスにあります。今なおサングラスの人気ブランドであるアメリカのRayBanは1937年に、イタリアのPersolは1938年に設立され、当時はいずれのブランドも空軍のパイロットのためにサングラスを開発・納入していました。しかしその後、パイロットサングラスを映画スターや文化人が掛けはじめ、これを機に一般に広く浸透。しかしこの時代のサングラスはあくまでも遮光性がメインでした。1980年代　スポーツサングラスの普及1980年代になるとスポーツ用サングラスが登場し、車・バイクなどの運転時やスポーツシーンで活躍。90年代以降は大胆で近未来を思わせるデザインのスポーツサングラスが主流となりました。実用性を兼ねたデザインは顔へのフィット感や軽さ、タフさを重視し、光の反射や紫外線、風、砂埃といったスポーツ時におけるマイナス要素を軽減する工夫が凝縮されるように。スポーツサングラス最大の特徴は高機能レンズとフレームが一体化したデザインにあり、レンズの種類によって見え方が異なるため、求めるパフォーマンスによって使い分けるのが一般的です。1990年代　ファッションと機能を求める時代へ1990年代になり、アイウェアブランドやラグジュアリーブランドがリリースする多彩なカラーと造形を持つファッションサングラスが注目を集めました。この時点でサングラスは紫外線からの目の保護という基本スペックに加え、さらに高いファッション性やより高度な機能を持つアイテムとして進化。８0年代にはエレガントなトレンドに合ったグラマラスなデザインが人気を博しましたが、ストリートファッションがブームを巻き起こした90年代にはより個々のスタイルにマッチしたサイズや色が好まれるようになりました。フレームとフォルムに見るトレンドアイウェアを選ぶ際に一番のポイントは、フレームの素材やフォルムでしょう。フレームにはメタルやプラスチック、セルロイド、中には東洋人の骨格に合わせた「アジアンフィットフレーム」などがあり、それぞれ見た目の印象が異なります。そしてフォルムや素材にはその時代時代のトレンドがあり、過去に流行ったフォルムがリバイバルで人気が再燃することも。2021年にはレトロ＆クラシック回帰でメタルフレームが流行したことも記憶に新しいですよね。メタルフレームとプラスチックフレームサングラス登場時、アイウェアのフレームは金属製が大半を占めていました。しかし60年代にプラスチックの加工技術が向上したことをきっかけに、カラーの幅が広く大量生産に向いているプラスチックフレームが一斉を風靡します。その当時から今なお高い人気を誇るプラスチックフレームの代表作はRayBanのウェイファーラーですが、こちらは現在も色褪せない名品として時代を超え愛されています。なお、メタルフレームは品格や知的さを、プラスチックフレームはモダンさや遊び心を感じさせ、メタルとプラスチックを合わせたコンビフレームも多数登場しています。アジアンフィットフレームサングラスがファッションやスポーツ界において欠かせないアイテムとなって以降、サングラス人口が増えたと同時に東洋人ゆえの悩みが生まれます。それは多くのサングラスブランドが欧米発であるため、白色人種にフィットするように設計されていること。西洋人と東洋人では顔の立体感や鼻筋の高さに差があり、掛けてはみたもののフィットしない、掛け心地が悪いという問題がありました。しかしアジアでの人気を受け、各ブランドが「アジアンフィットフレーム」を発売。これはフレームのフロントカーブが緩やかで、ノーズパッドを長めに、かつ傾斜をなだらかにした設計で、彫りの浅い東洋人の骨格にもフィットするように作られたアジア圏限定の設計です。ボストン・ウェリントンのブーム昨今は「ボストン」や「ウェリントン」と呼ばれるフォルムが人気ですが、これらはいずれも丸みのある形が持ち味。しかしこの名称、実は日本独自の呼び名だと知っていましたか？　実はボストンやウェリントンの名付け親は鯖江発の世界的メガネブランド「EYEVAN」の山本哲司氏。当時日本では視力矯正道具として捉えられていたメガネをファッションアイテムとして認知させるため、当時のアイビーブームにあやかり名付けました。ボストンはヴィンテージ感が持ち味で、アンダーリムを絞った逆三角形よりの丸メガネ。一歩のウェリントンは台形を逆さにしてやや丸みをつけたシェイプが特徴で、知的な印象を与えてくれます。また、これらの良いとこ取りをした「ボスリントン」と呼ばれるフォルムもあり、幅広い層の人に似合うことから近年こちらも人気となっています。マスク時代のサングラス選びマスクを外しにくい今の時代、サングラスはよりハードルが高く感じるかもしれません。それはマスクとサングラスを両方着けることで顔の大部分が隠れ、マイナスな印象を与えるかもと危惧するからです。しかしサングラスの選び方次第では、軽やかにサングラススタイルを楽しむことも可能。そのコツは、レンズの色が薄いタイプを選ぶことにあります。サングラスといえば真っ黒なレンズを想像しますが、レンズカラーの濃さは紫外線カットの性能に関係ありません。UVカットのサングラスには紫外線透過率が数字で表示されているので、レンズカラーが薄くともこの数字が高ければそれだけ紫外線を遮蔽できます。また、フレームが大きいものほど存在感が際立つため、なるべく小さめのフレームを選ぶのもポイント。最近はマスクもカラフルになっているので、普段よく使うマスクのトーンと合わせたフレームカラーで揃えたり、肌に馴染みやすいベージュや柔らかなペールトーンのフレームもおすすめです。フレームを選ぶ際は、自分の眉毛のラインとフレームの上リムのラインが似たタイプを選ぶと似合いやすいので覚えておいてくださいね。サングラスは今や夏の必需品。顔や肌の日焼け対策は万全でも、目から紫外線が入ることで紫外線を察知した脳が反応し、体内でメラニン色素を生成してしまいます。そのため目もしっかりサングラスでカバーするのが大切ですが、どうせ掛けるならファッションやマスクとのコーデを楽しみ、より素敵に見えるタイプを選びたいですね。TEXT：横田愛子

紫外線対策からファッションへ　サングラスの歴史

アパレル業界で活躍するデザイナーたちは、その多くが服飾系の専門学校、もしくは大学・短大の服飾コースを卒業し、キャリアをスタートさせています。今回は、日本各地にある服飾系専門学校や大学のなかから、数多くの有名デザイナーを輩出してきた名門校を紹介します。文化服装学院1919年、町の小さな裁縫学校として始まった文化服装学院は、1923年に東京府（現在の東京都）から認可を受け、日本初の服装教育を行う学校として創立。これまでに約30万人の学生が日本や世界のファッション業界へと巣立っていきました。西新宿の広大な敷地には、同校の象徴ともいえる地上20階、地下1階建ての立派な校舎が建ち、教室や実習室のほか、貴重な資料を揃えたファッションリソースセンターも備えています。教育環境は、服飾、ファッション工科、ファッション流通などの専門課程があり、さらにそのなかで専門的なコースが細分化。合計30もの学科でファッション業界に関する専門知識を学ぶことができます。また、就職対策にも力を入れており、入学後すぐにキャリア開発授業で企業研究やインターンシップなどに取り組むことができるのも大きなポイント。長い歴史を持つことからファッション業界とのかかわりも深く、在学中に大規模なコンテストやプロジェクトに参加するチャンスも数多く設けられています。津森千里（TSUMORI CHISATO）1976年にデザイン科を卒業した津森千里さんは「イッセイミヤケ インターナショナル」「I.S. chisato tsumori design」のデザイナーを経て1990年に自身のブランド「TSUMORI CHISATO(ツモリチサト)」を創業。当初は服飾の基本を学ぶぐらいの気持ちで入学したそうですが、在学中に新人デザイナーの登竜門である装苑賞に4回入賞し、審査員を務めていた高田賢三さんや三宅一生さんに見いだされたことで頭角を現していきました。皆川明（ミナペルホネン）「ミナ ペルホネン」を主宰する皆川明さんは、1989年にII部服装科を卒業。入学当時は授業についていけず、縫い物の課題にも苦労したとか。しかし文化祭でのショーの統括を務めたことでプロデュースの才能が開花。卒業後も縫製工場やアトリエなどで経験を積み、27歳で自身のブランドを立ち上げました。現在は多摩美術大学の美術学部生産デザイン学科で客員教授を務めています。山本耀司（Yohji Yamamoto）山本耀司さんは慶應義塾大学を卒業後、洋装店を営んでいた母の影響で服飾の道を志し、文化服装学院に入学。在学中から装苑賞や遠藤賞（文化服装学院生の優秀なデザインに贈られる賞）のデザイン大賞を受賞するなど、めざましい活躍を見せ、1972年に株式会社ワイズ（Y’s）を設立します。1981年には「ヨウジヤマモト」でパリコレクションに参加。黒を基調とした斬新なコレクションが大きな話題となりました。現在も学内で特別講義を行うなど後進の育成に注力しています。コシノヒロコ（HIROKO KOSHINO）コシノ3姉妹の長女であるコシノヒロコさんは、当初、美術大学への進学を考えていましたが、母親の反対により断念。その後、中原淳一さんの作品を通してファッションにおけるアートの重要性を知り、1956年、文化服装学院ファッションデザイン科に入学。1961年には自身のブランドを設立し、国内外での活動を展開。日本ならではの“粋”と西洋のモダンなテイストを絶妙なバランスでマッチさせたスタイルが特徴です。黒河内麻衣子（Mame Kurogouchi）精巧な刺繍やシルエットの曲線美が特徴的なブランド「Mame Kurogouchi」を主催する黒河内麻衣子さんは、新聞で見た「イッセイ・ミヤケ」のショーの写真に衝撃を受け、ファッションデザイナーになることを決意。文化服装学院を卒業後、三宅デザイン事務所で腕を磨き、2010年に独立を果たします。伝統から最新まで、さまざまな技術を用いた妥協のない服作りが女性からの厚い支持を獲得しています。高田賢三、コシノジュンコ、松田光弘（ニコル）、金子功（PINK HOUSE）ら“花の9期生”については、過去記事「文化服装学院　花の9期生」をご参照ください。エスモード1840年にパリで創設された世界初のファッション専門教育機関・エスモードフランスの日本校。1984年に原宿で開校し、現在は恵比寿にキャンパスが置かれています。ファッション業界の即戦力となる人材の育成をモットーにしており、パリ校と日本校独自の教育プログラムをミックスしたカリキュラムを実施。総合コースでは、1年次にデザイン画の描き方や平面製図、立体裁断などの基礎を徹底的に学び、2年次でフォーマルウェアの制作や、ファッション業界の運営について学ぶ産学協働プロジェクト（O.P.É）実習など、より難易度の高い課題に挑戦します。3年次では学生自身がブランドを制作してプロの審査を受け、商業的な展開についても計画を立案。ファッション業界の流れを肌で感じながら卒業・就職に向けた準備を進めていきます。海外での活動を視野に入れている学生には、1・2年次の授業を英語で行うイングリッシュコースやパリ留学コースも設けられており、国際的な規模を誇る同校ならではの教育環境が大きな魅力となっています。横澤琴葉（kotohayokozawa）高校時代からファッションを学んでいた横澤琴葉さんは、エスモードジャポンのオープンデーを訪れ、そのレベルの高さから進学を決意。総合学科のレディス専攻を卒業後、企業でのデザイナー経験を経て2014年にエスモードAMIに入学します。卒業後、2015年に自身のブランド「コトハヨコザワ」を設立。現在は夫である日高俊さんと共同で、部屋着と外出着の間のような、気負わないユニセックスのデイリーウエア「シンク コトハヨコザワ」での活動も展開しています。吉田康子（TOGA）幼少期からファッションデザイナーを志していた古田泰子さんは、エスモードジャポンに入学後、3年次にパリ校に編入。現地で見たコムデギャルソンのショーに衝撃を受け、帰国後、1997年に自身のブランド「TOGA」を設立し、2006年にはパリコレクションへの進出も果たしています。先進的かつ官能的なデザインが人気を博し、現在は、同ブランドで「トーガ プルラ」や「トーガ ビリリース」など、テイストの異なるラインを展開中。今年、東京で約5年ぶりにショーを開催し、話題となりました。武内昭 & 森田美和（THEATRE PRODUCTS）1998年に総合科を卒業した武内昭さんは、コム デ ギャルソンでパタンナーとして勤務した後、2001年に劇場的なデザインや運営をコンセプトにしたブランド「THEATRE PRODUCTS」を設立。現在は同じく総合科を卒業した森田美和さんをパートナーに迎え、アクセサリーを中心としたライン「ensemble THEATRE PRODUCTS」も展開しています。また、武内さんは京都造形芸術大学の空間演出デザイン学科でも教鞭をとっています。多摩美術大学ファッションに特化した学校ではありませんが、多摩美術大学では生産デザイン学科にテキスタイルデザイン専攻が設けられており、芸術性の高い表現とともに伝統的な染色技術と先進的なテキスタイル技術を学ぶことができます。カリキュラムは、1年次で繊維素材の取り扱いや色彩、テクスチュアなど造形の基本を学び、2年次では基礎技術の追求しながらコンセプトに基づいた表現を行うことで創造力を育成。3年次で技術習得を「織」または「染」のいずれかから選択し、4年次の卒業制作へと進みます。技術だけでなく理論も重点的に学び、廃材を再利用する産学官共同プロジェクトへの参加実習も行われるなど、美術大学ならではのカリキュラムが充実。校舎には着尺機やコンピュータジャガードなどを設置した織実習室、さまざまな技法を実践できる染実習室、大型シルクスクリーンやインクジェットのある共同ラボなど、豊富な設備が備わっています。卒業後の進路は、アパレル業界を中心にインテリアや車両内装、IT関連など多岐にわたり、アーティストや染色作家の道を選ぶ学生が多いのも特徴です。三宅一生（ISSEY MIYAKE）丹下健三やイサム・ノグチに多大な影響を受け、多摩美術大学の図案科で学んだ三宅一生さんは、1961年から2年連続で装苑賞を受賞するなど在学中から才能を発揮。1965年からパリやニューヨークで修業を重ね、1970年に帰国します。自身のデザイン事務所を設立し、ブランド「イッセイ・ミヤケ」を展開し、1999年までパリコレクションのトップデザイナーとして活躍。2010年には文化勲章を受勲しています。80年代に大ブームとなった「DCブランド」の御三家と呼ばれるブランドのひとつです。三原康裕（MIHARAYASUHIRO）画家の母親のもと、幼い頃からアートに触れていた三原康裕さんは、1993年、多摩美術大学のデザイン学科テキスタイル専攻に入学。「身につける芸術」を追求し、在学中から独学で靴の制作を開始します。1996年にオリジナルブランド「archi doom（現：MIHARAYASUHIRO）」を設立し、2000年代からは海外でも積極的に活動を展開。2020年には天然素材を使用した新しいスニーカーライン「General Scale」をスタートしました。また、アパレルやアクセサリーの制作・販売も行っています。TEXT：伊東孝晃

有名ファッションデザイナーの出身校

ブランドの魅力を伝えるため店頭に立ち、アパレル業界を支えている販売員。来店客の要望をヒアリングし、最前線で顧客情報を把握している彼らの存在は、ブランドやメーカーの看板とも言えるほど重要な役割を担っています。今回は、アパレル業界における販売員のスタンスやステップアップについて紹介します。年齢に制限はある？世間では、なぜか昔から「アパレル販売は若い人がやるもの」という固定概念のようなものが浸透しており、販売員として就職しても、将来を考えて数年でアパレル業界から離れてしまうといった事例が少なくありません。しかし、一般的にアパレル業界全体で年齢を理由に販売員として働けなくなるといったことはありません。ただ、ティーン向けのブランドでは、若い販売員の方が来店客も安心できるなど、客層に応じた人材登用を行う必要性はあり、そのブランドの需要が最も高い客層＝コアターゲットの10歳前後が販売員の適正年齢と考えられています。同じブランドでも年齢に応じた多角的な接客が求められ、熟練者が下の世代を育成する必要もあることから、メーカー内で定年がない限り、年齢によって販売職を諦める必要はないといって良いでしょう。事実、ここ数年「Fashion HR」でも、30～40代の経験豊かな層の「募集・採用」が多くなっている傾向があります。年齢にネックを感じる理由ではなぜ「アパレル販売は若い人がやるもの」というイメージがあるのでしょうか。まず最初に考えられるのは、自分の年齢とブランドのターゲット層とのイメージが合わなくなってきたタイミング。さらに、長い立ち時間や商品・什器の持ち運びでの体力の消耗など、若い時と同じように仕事がこなせなくなることも働き方を変える要因となってきます。そしてもうひとつ、同じ店舗で長く働いていると、人によっては結婚や育児などで生活環境が大きく変わり、フルタイムの勤務が難しくなることが上げられます。また、キャリアアップへの悩みも考えられるでしょう。■ブランドのターゲット層とのイメージの相違　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　■働き方による体力の問題　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　■生活環境の変化　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　■キャリアアップの悩み将来的にアパレル販売を続ける場合は、年齢層を上に定め、自分自身がどのように経験を重ねていきたいのかを想像します。例としては、同じ環境でのキャリアアップ、年齢層にあった社内外の別ブランドへの異動、もしくは独立して実店舗、EC問わず自身の店を開業するといった選択肢が浮上してくるでしょう。また「生活環境の変化」についてですが、現在では比較的多くのメーカーが産休や時短シフトなどを導入しており、職場を変えることなく、長く働くことが可能となってきています。自分に合ったキャリアプランを考えてみることで、年齢へのネックは少し和らぐかもしれません。年代別、働き方の違いアパレルの販売では年齢に応じた働き方を意識することで長く働き続けることが可能になってきます。ここでは年代別の違いをまとめます。＜10〜20代＞まず、多くの人にとってキャリアのスタート地点となる10〜20代の場合、接客のノウハウや社会人としてのマナー、効率的な販売方法などを学ぶことが目下の仕事となってきます。また、趣味嗜好が多様に変化する年代であることから、経験を積みながら自身の方向性を定めていくことが後のキャリアチェンジやステップアップに役立つでしょう。＜30〜40代＞30〜40代は、管理職に登用される人が出てくるほか、先の項でも述べたようにライフスタイルが変化する人も多くなってきます。フォーマル系など落ち着いたブランドにも無理なく対応できることで守備範囲も拡大。また、異業種からの転身も多く見られます。店舗運営を任されて独立心も芽生える人もいると思われ、働き方が多様になった分、将来を考える上で分岐点となる年代と言えるでしょう。＜50〜60代＞20代から販売員としてのキャリアを築いてきた人であれば、約30年の職歴を持つ大ベテランに。この年代では、大人の雰囲気漂うハイファッションやラグジュアリー系ブランド、もしくは百貨店などの勤務が多くなり、顧客の幅も富裕層にまで広がってきます。30〜40代で独立し、自身の店を持つ人もいますが、専門知識を豊富に蓄え長年の経験をフル活用できることを考えれば、50代以降の起業もまったく遅くはありません。キャリアの積み方アパレル販売員のキャリアアップには、さまざまな選択肢があります。まず一般的なところでは、店長就任という目標。配属された店舗で売り上げを立てていき、シフト管理や商品発注などをまかされるようになれば、3〜4年で店長職に抜擢されることも珍しくありません。ここからさらに実績を積み上げることで、エリアマネージャーやブランドマネージャーといった新たな目標も見えてくるでしょう。営業やマーケティング、プレスなど、専門職として社内勤務にシフトチェンジする場合も店頭で培ったコミュニケーション能力や商品分析の経験が大いに役立ちます。販売員としてのキャリアを追求するなら、スキルを活かせる職場を求めてブランドを渡り歩くようになると思われます。その場合、アパレル販売員専門の派遣会社に登録しておけば自分のスタイルに合った働き方をスムーズに探すことができます。いずれの道に進むにせよ、上長や面接官にアピールできるよう店頭での販売実績を積み上げ、自身のポートフォリオをしっかり作り上げておきましょう。TEXT：伊東孝晃

何歳まで？アパレル販売員として長く働くには

アパレル販売員からバイヤー、企業デザイナーを経て自身のブランド「YUTASETOGAWA」を立ち上げた瀬戸川裕太さん。アパレル業界を様々な視点で見て、体験してきた瀬戸川さんが見据えるアパレル業界に関わる人々のこれからとは？服作り以外にも様々な活動をされているご自身の展望と併せてお話を伺いました。ムカついたので営業成績トップになってやりました（笑）――高校は美容系に行かれていたんですよね。なぜ美容師ではなくデザイナーに？卒業後、友達が音楽の道に進むと聞いて、僕も何かを形に残したいと思うようになりました。美容師の場合、例えばコムデギャルソンのヘアを担当されていた加茂克也さんのようにアーティスティックな作品を生み出すことができれば別ですが、通常のサロンワークであれば形に残すことは難しい。僕は加茂さんのようにはなれない、でも何かを残したい…と思った時に浮かんだのが、大好きなファッションでした。あ、でも卒業してすぐに営業の仕事をしましたね。3ヵ月でしたけど、売り上げのトップ成績を収めたんですよ。――3ヵ月でトップ成績ですか！？当時、若かったのでスーツを着て働くことへの憧れや、親を安心させたいという気持ちもあり、中古車販売店の営業マンになりました。ファッションの道に進む前に、一度サラリーマンを経験しておこうかな、なんて思いもあって。でも入社してすぐの頃に上司に「お前みたいなもんに何ができんねん。営業成績トップになれたら辞めてもええで」って言われたんです。めちゃめちゃムカついたので営業成績トップになってやりました（笑）。底辺にいたんじゃ、その業界のことも何もわからないままだし、どうせ辞めるならその前に頂きからの景色を見たくて。デザイナー経験後に服飾学校へ――そこからファッションの道に進まれるわけですが、どうしてデザイナーに？最初はアパレルショップで販売員をしていました。販売員って、成績を上げれば上げるほど注目されて、色々なお店から引き抜きがあるんですよ。僕も百貨店から路面店、古着屋、ファストファッションまで色々と経験しました。引き抜きの度にポジションもどんどん良くなっていくので、20歳の頃には2店舗のマネジメントをしながらバイヤーも任されるまでになりましたね。そんな時にデザイナーさんたちに「君は服を作る方が向いてるんじゃないか」と言ってもらえたんです。最初は企業デザイナーを経験しました。トレンドにはかなり敏感だったんですが、服の構造などの知識がなくて…パタンナーさんに「服のこと何も知らんやん」とバカにされる日々。このままではいけないと服作りについて学ぶために服飾学校に行こうと決めたんです。――デザイナーになった後に学校に行かれたんですね。最初は1年制コースのある学校に通いました。元々学校という環境が嫌いだったので、1年で学べるなら良いなって（笑）。でもその学校は、卒業後に企業デザイナーやバイヤーを目指す人が多くて、僕は既に経験していたので少し違和感を感じていました。いっそ留学しようかなと思ったんですが、お金もないし…と悩んでいた時に勧められたのがエスモード※の京都校でした。※エスモード：パリにある世界最古のファッション専門教育機関。パリ校の教育システムやメソッドと日本校独自のプログラムを活用する教育方針を掲げている。――東京にはどのタイミングで？エスモードは卒業審査会があって、合格点に達したら卒業できるというシステム。審査員としてエスモード出身の有名デザイナーたちが集まるんですが、講評の際に色々な人に「絶対東京に行った方がいいよ」とアドバイスをもらい、上京しました。東京でやっていくことを考えていないわけではなかったんですが、どこかで「勝てるかな、生き残れるかな」って逃げていた部分があって。でも、せっかくなら東京でバーンっと何かやってもいいかなと。YUTASETOGAWAとしては2年生の頃から衣装のリースなど仕事として成り立ちはじめていましたが、上京後に本格的になっていきました。どこまでを“デザイン”するか――東京で自分のブランドを持ってみていかがですか？服って、見せ方によって全く違うものように見えるんですよ。僕はそれこそがファッションの本質だと思うので、すごく大切にしています。ただ服を作っているだけだとそういう視野が狭くなっていくような気がして、最近は衣装制作からパッケージデザインまで、気になることはとにかく挑戦してみています。ゆくゆくは家具も作りたいなあ。そういう色々なことの中心に軸としてぶれずにファッションがあるんだと思います。「着ることのできる服」を前提として、その外側にある空気感みたいなものをデザインしたいですね。人からは「それはファッションデザイナーの域を超えている」と言われますが（笑）、僕はそれができないとファッションデザイナーは務まらないんじゃないかなと思っています。――その一着を着てどんな1日を過ごすのか、どんな人生を歩むのか、そこまで考えたいと。お金と交換できるもの、できないもののどちらも作れるようになりたいです。長い時間が必要だとは思うんですが、まずは小さくからでも始めていきたいですね。少し前まで、とにかく「新しいもの」を作らなきゃと思っていたんですけど、自分が本当に好きなものはちゃんと作り続けて行かないと、ファンの方や応援して下さっている方にYUTASETOGAWAとは何かが伝わりにくくなるなって気付いたんです。新しいものづくりに挑戦しながら、これまで大切にしてきた服作りも大切にしていきたいですね。――読者の方にアドバイスをお願いします！若い販売員の方とお話する機会があるんですけど、「取り扱っているブランドはデザイナーが凄い経歴を持っているから売りやすいんですよね」みたいに言う人もいるんです。でも、販売員というのは例えばそれが服じゃなくて、野菜だったりネジみたいな部品だとしても売らないとダメだと思うんですよね。良いものを良いと伝えることは大切ですが、本当に強い人は何を売らせても売れる人だから。僕の展示会にはバイヤーやプレスなど関係者だけでなく、服飾学生も自由に来れるようにしているんですが、そういう子って色々なブランドに遊びに行って試着して拡散して…そうしてその子たち自身のファンを作っている。これからは人自体がブランドの時代ですから、ブランドや人を想像した時に「このブランド（人）といえばこんなイメージ」と思い浮かべてもらえるようなブランディングが大切だと思います。瀬戸川　裕太　せとがわ・ゆうたデザイナー。1994年兵庫県生まれ。18歳でアパレルの販売員からキャリアをスタートし、バイヤー、企業デザイナーを経て、ESMOD JAPON卒業。在学中からメッセージ性の強いサスティナブルな作品づくりを得意とし、卒業コレクションがきっかけとなり自身の名を冠したブランドYUTASETOGAWAを2021年よりスタート。https://yutasetogawa.official.ec/https://www.instagram.com/yutasetogawa/TEXT：鷲野恭子（ヴエロ）PHOTO：須藤しぐま

デザイナー 瀬戸川裕太が見据える、アパレルに関わる人々の"これから"

インターネット上で数多くのECサイトが売上げを伸ばす中、アパレル業界ではオンラインの特性を活かした接客が盛んになり、導入するメーカーやブランドが増加しています。今回は、実店舗での接客とは大きく異なるオンライン接客のあり方やメリット、現状などについて紹介します。オンライン接客とは？アパレル商品を購入する際、多くの人が店舗スタッフに商品のポイントを聞いてコーディネートの参考にします。しかし、コロナ禍以降、感染防止の観点から店先でスタッフの意見を聞きながら、じっくり商品を選ぶ来店客は大幅に減少。売り上げにも大きく影響が出る中、ZOOMやチャットツールなどを使って顧客とコミュニケーションを取るオンライン接客が盛んになり、現在、ECサイトに注力するメーカーやブランドが積極的に導入を進めています。ITコンサルティングを専門とする株式会社アイ・ティ・アールが2018年に実施した調査でも、2016〜2021年にかけてのオンライン接客のマーケットは、年平均で34.6%の成長が見込まれると予測。巣ごもり需要の拡大などもあったため、実際にはこれよりもさらに大きな伸びを示しているかと思われます。対面販売がいまだ根強いアパレル業界ですが、今後は、実店舗がショールーム、購入はオンラインという役割分担がさらに強まると予想され、DXへの移行が必須事項となってくるでしょう。デジタル接客との違いオンライン接客とほぼ同義語で語られるのがデジタル接客という言葉。オンライン接客が1対1のコミュニケーションを指すことが多いのに対し、デジタル接客は、SNSのライブ機能を使ったライブコマースの手法など、1対N（多数）のPRが中心とされ、こちらはテレビショッピングなどに近いものと考えられています。明確な区分がないこの２つの接客システムは、メーカーやブランドによって捉え方が異なり、それぞれのマーケティングに沿った形で顧客とのコミュニケーションツールとして活用されています。また、顧客のデータをAIが解析し、チャットボットなどで自動対応するシステムもデジタル接客の一つとして浸透しています。メリット・デメリット社会のニーズに呼応するように進化を遂げてきたオンライン接客。アパレル業界で導入する上で最大のメリットと言われているのが、集客率と成約率の増加です。ロケーションにより来店客が限られる実店舗とは違い、オンライン接客では全国各地の顧客との手軽なコミュニケーションが可能。子育て中の母親やベテラン・シニアなど幅広いスタッフを揃えることでニーズに沿ったアドバイスを送ることができ、客層の拡大にも繋がります。実例として、売り上げに伸び悩んでいた地方の販売員が、オンライン接客で都市部に匹敵する成長を見せたという事例も聞かれます。一方、デメリットに目を向けると、コストや手間がかかることが第一に指摘されます。しかし、近年ではECへの参入もハードルが下がっており、増えすぎた実店舗を減らすなど、コスト削減の効果を考えれば大きな問題ではないと思われます。もう一点は、やはり対面販売のように商品を手にとって特徴を知ってもらうことができない、スタッフがネット越しのコミュニケーションに順応するための時間がかかるというところにあります。この点については、マニュアルなどを作成してオンライン接客のシステムを確立することが第一の課題となるでしょう。オンラインでの接客ポイントオンライン接客で成約率を上げるには、対面販売の要素に加え、インターネットならではの特性が重要となってきます。まず、オンライン接客を行う場合、スタッフは顧客のニーズをある程度把握した状態が前提となってきます。対面販売のように趣味嗜好を探りながら距離を詰めるコミュニケーションではないため、本題から話を始められるのは合理的ですが、ともすればスタッフ側が一方的に話してしまうという状態になりがちです。プレゼンテーションだけにこだわるのではなく、顧客が質問したがっている気配を察知し、対応するという、おもてなしの精神は対面販売と変わらず求められるところです。画面を共有してコーディネートの参考資料などを提示する際も、スムーズな操作をこころがけ、ストレスを与えないようにしましょう。また、スマートフォンやパソコンのモニターを見続けていると著しく体力や集中力を消耗するので、限られた時間で要点を伝え、顧客の要望も聞くための段取りをしっかり組んでおく必要があります。取り入れているブランド例ベイクルーズベイクルーズストアが展開している「Online Styling Service」は、接客を希望するスタッフのスケジュールから都合の良い時間を選択し、顧客情報を入力すると予約が完了。直後にZOOMミーティング用のアクセスURLが送られ、当日にアクセスするだけでファッションアドバイザーに相談することができます。手順が簡単でスマートフォンやパソコンなど端末を問わず利用できることから利用者数、顧客満足度ともに上昇しています。23区オンワードのブランド・23区では、ビデオ通話の機能を利用したオンライン接客システム「#StayStylish STORE」を提供。事前予約を行うことで、実店舗と遜色のないスタイリングのアドバイスを受けることができます。担当するスタッフは、いずれもInstagramやブログで自身のファッションについて発信しているので、信頼度は抜群。また、このシステムでは、23区以外のオンワードブランドの商品も購入することができます。それぞれの店舗を見て回るよりも効率的で、大手の利点を活かしたサービスが利用者の増加に繋がっています。ボッテガ・ヴェネタイタリアのラグジュアリーブランド、ボッテガ・ヴェネタでは、ブラウザ上で高品質なビデオ通話を行えるシステム・ライブコールを使用し、オンライン接客を実施。事前に要望を伝えておくことで知識豊富なスタッフがニーズに沿った商品や新たなコーディネートを提案してくれます。サイズや素材の質感など、細かいニュアンスについてもじっくり説明してくれるので、実際に店頭に行っているかのようなショッピング時間を楽しむことができます。アダストリアアパレルだけでなく飲食事業も展開しているアダストリアでは、グループの公式WEBストア内の「STAFF BOARD」で、店頭スタッフが自身のスタイリングやライフスタイルを発信。約1500人ものメンバーによる投稿は膨大なデータベースとなっており、性別・ブランド・身長などを選択することで、ニーズに沿ったスタッフのスタイリングを見ることができます。また、Instagramのライブ配信による商品紹介が好評だったことを受け、2020年には動画コンテンツ「.st CHANNEL」を開設。Webストアとも連動し、視聴者の購買意欲を高めています。TEXT：伊東孝晃

アパレル業界におけるオンライン接客とは？

古着を分解、再構築し現代のファッションに落とし込んだアイテムを展開するリメイクブランド『remakebyk』。ヴィンテージの古き良き魅力はそのままに着心地やシルエットなどは常に「今」っぽく、「再構築」はサステナビリティを感じさせるブランドです。確固たる芯を持ちながら変わることを厭わないブランド作りはどのように行われているのでしょうか。生地買い付けから、デザイン、型紙、分解、縫製まで全てひとりで行う古着再生師・下松賢太さんにお話しを伺いました。偽善にならないために心から好きなことを――ファッションへの目覚めはいつ頃ですか？中学生の頃、近所に古着屋がたくさんあって、いつも部活終わりに皆で自転車で古着屋を巡っていました。通っていたショップにすごく格好良いスタッフさんがいて、「何がこんなに魅力的なんだろう」、「格好良さって何で決まるんだろう」と考えるうちに、僕もファッション関係の仕事をしたいなあと思うようになりました。小さな町で育ち、親や先生の言うことも限られていて、それが正しいかどうかの判断材料が少なかったので、文化の違うところで色々と体験してから自分の将来を決めることにしました。1年だけ工場で正社員として働き、貯めたお金で世界一周旅へ。ファッション系のマーケットや世界遺産を巡りました。マザー・テレサの家にも行き、ボランティアみたいなこともやってみましたが、自分が本当に心から好きだと思うことをやらないと偽善になってしまうんじゃないかと感じたんですよね。好きなことをやりながら、自分のできることで何か周りを幸せにしていけたらいいなと思った時に、やっぱりファッションだなと。「作ったことないけどやってみます！」と（笑）――海外で将来のビジョンを固められたんですね。迷ってはいましたが、海外に行く前からファッションの道に進むだろうなとは思っていたので、海外で色々な人や文化に出会いながら確かめていった感じですね。帰国してから元々お客さんとして通っていた熊本の古着屋に「働かせて下さい！」とお願いをしに行きました。普通だったら服飾系の学校に通うんでしょうけど、元々学校という環境が好きではなかったので…（笑）。オープンしてまだ1年目くらいのお店で、人を雇うことは難しいと言われたんですが、「無給でいいです」と猛アプローチ。段々お給料をもらえるようになりましたが、バイトというよりも修行でしたね。――すごい行動力！ ご自身のブランドを立ち上げられたのもその頃ですか？そのお店がオリジナルのリメイク商品も置いていたんです。働いているうちにお客さんに「着ない服があるからバッグにしてほしい」など、リメイクの相談を受けることが多くなって、「作ったことないけどやってみます！」と（笑）。デザイン画も自分で描きながら、閉店後20時から24時まで制作していたんですが、食事休憩の時間などを入れると制作時間としては実質3時間弱。お店もそもそも制作スペースではないので環境が整っているわけでもなかったので、「お金を頂く以上は素人でも作れるものを作っていてはいけない」と独立しました。――リメイクにたどり着いたのはお店での経験だったんですね。高校生の頃からブーツカットのデニムにボロボロのロックTシャツを着て、ヒッピーみたいなファッションをしていたので元々古い服が好きだったんです。ボロボロのものに格好良さを感じるというか。服以外にも、何に使うでもなくアンティークショールやカーテンを集めたりしていました。リメイクって分解して、地直しして…普通の服を作る3倍の時間がかかるんです。普通より時間コストがかかるからこそ、他の部分ではコストをかけないように考えないといけなくて。お菓子食べてゴロゴロするような無駄な時間を究極まで削ぐことで、「ここにポケット増やしてみようかな？」という風に制作に関する“無駄な時間”を増やしています。ファッションは『人と繋がるツール』――『remakebyk』のテーマは「再構築」ですが、今のファッション業界の「サステナブル」への取り組みについてはどのように感じられていますか？流行で終わらせないというのが理想ですが、流行だとしてもそれで皆の意識が変わって何かのきっかけになるなら良いんじゃないかなと思います。僕は特にサステナブルを意識したモノづくりをしているわけではないんですよね。10代や20代の頃は着ていて疲れるような重たい服も、「テンション上がるし格好良いっしょ！」みたいな感じで楽しんでいましたが、年齢を重ねるときつくなって…（笑）。着心地が良い服やケアが楽な服というのはそれだけ長く愛されるということに気付きました。『remakebyk』では壊れたらリペアも行っていますし、これまでもこれからも自分が良いと思うことを続けていこうと思っています。――ブランド運営にあたって心がけていることは？時代によって善し悪しは変わっていくので、色々な人と関わることで自分というものを持ちつつも価値観や感性が凝り固まらないように心がけていますね。アトリエに籠って一人で制作していると偏ってしまうので、ポップアップなどでお客さんやショップの方と話す時間も大切にしています。常連のお客さんと一緒にアトリエで藍染をすることもありますよ。20歳くらいの若い子もいて、刺激をもらっています。仕事というよりは遊びに近い感覚ですね。僕にとってファッションは『人と繋がるツール』なんです。話すのが苦手な人も自分の好きな服を着ることで会話のきっかけができたり、褒められて嬉しかったり…単純に格好良いものを着ていたら嬉しいですしね。子供の頃、おもちゃの変身ベルトを付けることで自分がヒーローになれたような気がしたじゃないですか。日本は周囲に合わせることが善しとされる風潮がありますが、「ただ自分が格好良いと思うから、着る」という感覚を思い出すのも大切だと思うんです。色々な人のライフスタイルに合わせて、ドキドキしたりワクワクしたりする感覚を呼び覚ませるようなものづくりができたら良いですね。――今後の展望をお聞かせください。ニューヨークなど海外の大きな都市で展示をしたいですね。売ることを目的としないアート作品を作りたいです。人と繋がったり、技術を磨いたり、今はその夢のために土台を作っている段階かもしれません。夢への具体的な道筋は全然見えていませんが、そこに道が存在していることは確かなので、辿り着くために今できることをやろうと思います。全然違うところにたどり着くかもしれないですけど（笑）、それはそれできっと楽しいですよね。下松 賢太　しもまつ・けんた古着再生師。熊本出身、熊本在住。生地の買付からデザイン、裁断、パターン、縫製まで全てをひとりで行う。古着屋での下積みを経て、2013年にブランド『remakebyk』を立ち上げ。セレクトショップや百貨店への卸、Popupや個展をギャラリーで開催中。https://www.instagram.com/remakebykhttps://remakebyk.fashionstore.jp/TEXT：鷲野恭子（ヴエロ）PHOTO：大久保啓二

古着再生師・下松賢太（remakebyk）に聞く　「進化し続けるブランド作り」

インターネットによるオンラインショッピングが日常化している現在。顧客と店との商品のやりとりも多様性に富み、新たな局面を迎えています。今回は、Web注文の商品を店舗で受け取る「ボピス（BOPIS）」に注目し、国内外で台頭してきた背景や、導入のメリットについて紹介します。「ボピス（BOPIS）」とは？ボピスは、オンラインとオフラインを融合させたマーケティング戦略、OMO（Online Merges with Offline）の一環で、「Buy Online Pick-up In Store」の頭文字を取った言葉（BOPIS）になります。文字通りECサイトなどオンラインで購入した商品を店頭で受け取るシステムを指し、現在、海外の小売業ではハイブリッドなショッピング方法として利用が急増。アメリカでは世界最大級のスーパーマーケットグループ・ウォルマートが、Amazonへの対抗策として導入したことで認知度が拡大し、日本のアパレル業界でも大手企業を中心に導入が進められています。なお、インターネット上で購入した商品を店頭で返品する「Buy Online Return In Store」という仕組みはボリス（BORIS）と言い、こちらもECにおける重要な戦略の一つとなっています。「クリック・アンド・コレクトとの違い」ボピスの同義語として「クリック・アンド・コレクト（Click & Collect）」という言葉もよく知られるようになってきました。これは、オンラインで購入した商品を自宅以外の場所で受け取るシステム全般を指しており、実店舗だけでなく、コンビニエンスストアやロッカー、ドライブスルーなども受け取り場所として活用されています。ボピスと同様、日本でも活用が期待されていますが、店舗での対面販売が優先されている現状からか、現在の導入率は小売業全体の2%程度に留まっています。注目されている背景（理由）ボピスが大きな注目を集めている背景には、2020年から続く新型コロナウイルスの感染拡大が大きく影響しています。厳粛なロックダウンなどで巣ごもり需要が加速していた時期から、徐々に日常が取り戻され、外出やショッピングを楽しみたい、しかし感染防止の観点から店舗内の滞在時間は短縮したいという店と顧客のニーズが合致。アメリカではブラックフライデー、サイバーマンデーなどのオンライン売上が年々増加の一途をたどっており、その中におけるボピスの利用率も右肩上がりとなっています。ボピスの運用にはECサイトとの両立が必須で、システムの確立にある程度の時間と労力を要しますが、店舗に足を運ぶ大きなきっかけとなるため、導入を検討する企業が増えつつあります。「ボピス（BOPIS）」のメリット消費者通常のオンラインショッピングでは、商品が手元に届くまでに梱包や発送といった作業が生じるため、どうしてもタイムラグが生じてしまいます。しかし、ボピスの場合、お目当ての商品をWebで注文し、店舗に在庫があれば購入が可能。仕事の休憩時間などに決済を完了させておけば、帰宅途中に店舗に立ち寄って商品を受け取ることができます。店側で抱えている在庫から商品を確保するため送料が不要となり、経済的にもお得。店内滞在の時間を短縮できるので、新型コロナウイルスの感染リスクを下げることができます。■送料の負担がない　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　■購入時の時間短縮　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　■好きな時間に受け取れる（すぐに手に入る）　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　■在庫の確保ができる　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　■受取時に実物の確認ができる事業者ボピスがもたらしたショッピングスタイルでもっとも大きいのが、ついで買いや衝動買いと言われる行動です。アメリカでは、ボピスを利用した来店客の約8割が、目的以外の商品も購入しているという統計も。これまで商品選びにかかっていた時間を試着や裾直しなどに充てることができるので顧客満足度も向上し、売れ筋商品の分析、情報の蓄積など、マーケティングにおいても重要な役割を担っています。また、スタッフによるレジ打ちや接客を省くことで人手不足が緩和され、発送用の梱包材も不要となるため、コスト削減やエコの促進にも繋がります。■物流コストを抑えられる　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　■人件費の削減　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　■「ついで買い」「衝動買い」を期待できる　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　■EC事業者との差別化　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　導入しているブランドの例日本のアパレル業界でいちはやくボピスを導入したのが、作業着の専門店であるワークマン。2020年3月から大手ECを離脱し、自社サイトのみの販売に転換、注文から最短3時間で商品の受け取りを可能にするという画期的な改革は、大きな話題となりました。現在、ボピスの利用がオンライン注文の約7割に達している同社では、2027年3月までに宅配での商品発送を終了させる予定です。「有明プロジェクト」と銘打った経営改革に取り組んでいるユニクロもボピスを導入し、明細書と返品カードを持参することで全国の店舗で返品を受け付けています。しまむらも自社ECサイトでの販売のうち、店頭受取が9割を超えるなど、当事者も予測していなかったほどの効果を上げ、ボピス導入の成功事案として注目を集めています。TEXT：伊東孝晃

店舗受取サービス「ボピス」とは？

温かみのあるノスタルジックなイメージのスラッシュキルト※1を、カラフルでポップな唯一無二のアート作品として制作されている児玉晃野さん。作品の魅力はもちろんのこと、多くのファンを惹きつけてやまないのが、クリエイターが文章や画像などを自由に投稿できるメディアプラットホーム『note』に綴られる凄まじい熱量の言葉たち。クリエイターとしての葛藤や苦悩、そしてそれを凌駕する情熱を綴る言葉の力に圧倒されます。児玉さんのモノづくりの根冠にあるのは「悔しさ」。人よりできないことが多かったからこそ、自分にしかできないことと真摯に向き合う児玉さんに、クリエイターとしての生き方についてお話を伺いました。きっかけは「口からでまかせ」？――児玉さんは中学校を卒業してすぐに服飾系の道に進まれたそうですね。中高一貫の学校に通っていたんですが校風に馴染めず、中学校の時点で高校もまた同じ学校に通うのは辛いなと感じていました。不良というわけではないのですがとにかく学校が嫌で、成績も悪く無断欠席ばかりしていたので、学校側も「エスカレーター式とはいえこのままだと高校進学は難しい」と。両親と担任の先生と学年主任と…色々な人が集まって七者面談になりました（笑）。私が「心を入れ替えて頑張ります！」と言えば進学させてもらえる雰囲気でしたが「心にもないことを言ってしまったら、本当に高校に行くことになってしまう！」と思い、「服飾系の勉強をしたいので高校には行きません」と口からでまかせを…（笑）。高校卒業資格を取得できる服飾系専門学校の付属高校に進学し、高校卒業後は一芸入試でファッションデザインコースのある大学に入学しました。――ファッションの仕事を生涯の仕事として選んだきっかけは？大学で技術というよりも『ファッション技法を使った表現方法』を学べたことが大きかったですね。あと徹夜が得意だったのでクラスの中で私だけが課題に間に合うことが多くて（笑）、自分はこれが得意なんだと気付き、より楽しいと感じるようになったのかもしれません。その頃からぼんやりと将来は衣装制作の仕事がしたいと思うようになり、大学卒業後に衣装制作会社に就職しました。でも徹夜は日常茶飯事のブラックな労働環境で、身も心も疲れ果てしまって…。人への優しさはゼロ。皆頑張って働いているのにこっそりトイレで寝ることも(笑)。ある時、同僚たちも精神的にも体力的にも限界がきてしまい退社ラッシュが起こり、「残されたらやばい！」と28歳で退社しました。自分の作品に対する自信と覚悟――スラッシュキルト作家になられたのはその頃ですか？元々は縫製の仕事を個人で請け負って、生計を立てられたらいいなあなんて甘い考えでいたんです。でも実際にやってみるとモチベーションが上がらず、もちろん収入も上がらず…「この人生ヤバイな」と焦りました。お金を十分に稼ぐことができないなら、稼げないなりに好きなことを生涯をかけてやってみようと思ったのがきっかけでした。私は子どもの頃から勉強も運動もできなくて、注意力散漫でミスも多いタイプ。皆と同じことをやっても成果が出ないという経験が染みついていたので、誰もやっていないことをしようと思いました。スラッシュキルト自体は技法なので珍しいものではないのですが、専門的に取り扱っている作家がほとんどいないようだったのでスラッシュキルトでいこう！と。――クリエイターとしての原動力はやはり「周囲よりもできないことが多かった」という悔しさなのでしょうか。そうだと思います。もしも学生時代や会社員時代に活躍して皆に感謝されたり人の役に立てたりしていたら、フリーランスという選択はしなかったかもしれません。スラッシュキルトは布を洗濯して起毛させるという工程があり、どんな仕上がりになるかが最後までわからないので、とにかく飽きっぽい自分にぴったりでした。さらに絵柄を上手に表現するにはどういう風に手を加えたら良いのかなど、模索していくうちにその奥深さに夢中になっていきましたね。――以前noteに書かれていた「自分で自分の作品を謙遜してしまったら厭味になってしまうくらい私の作品は可愛い」という言葉が印象的です。好きなものだから、好きなことをやっているからこそ「なんかちょっと可愛くないな」って違和感には敏感ですね。例えば誰かに言われたことを腹落ちしないまま作ってしまうと、きっと可愛くないものができてしまう。でも判断基準が100％自分だったら絶対可愛いものができると思うんです。ちょっと無茶苦茶な理論かもしれませんが、受け入れて着いて来てくださるお客様がいるので、今は自分を信じてやっています。私自身はしょうもない人間なんですけど（笑）、絶対に良い作品を作っているという自信と覚悟があるので。私の作品を好きでいてくださる方にはきっと、私の言葉は届いていると思っています。自分のブランドを好きでいるために――前回の個展で商品ではなくアート作品として作られていた、天井まで届くくらいの大きなぬいぐるみからも「クリエイターとしての覚悟」が伝わってきました。住居とは別にアトリエを構えたりスタッフを雇ったり、今の私にとってお金というのはすごく大切なものですが、収入にならなくても自分のテンションが上がることを大切にしたいと思っています。自分のモチベーションやテンションの低下が結果的に一番の経済的な危機に繋がるんじゃないかなって。私自身が『NAKED QUILT』を愛せなくなったら、多分制作も手につかなくなる。ブランドを続けていくためにも、自分自身が自分のブランドを好きでいられるように一本の筋を通していきたいんです。ありがたいことに支えて下さるお客様がいるので、やろうと思えば貧乏をせずに平穏に暮らすこともできるんですが、どんどん新しいことに挑戦してブランドを大きくしていきたいですね。上を目指す以上は悔しい想いもするだろうし、経済的に圧迫されることもあると思います。場所によっては「売れていてすごいね」なんて言って頂くこともあるんですが、そのままそこにいたら満足しちゃうじゃないですか。だから上を目指すことで自分に負荷をかけ続けています。――最近は制作の一部を委託することでの分業もスタートされましたね。一点物を扱う作家の中では「100％自分で作らないと自分の作品じゃない」という考えを持つ人も多くいらっしゃいます。私もぬいぐるみの顔みたいに作品の肝となる部分は必ず自分で作りますが、誰がやっても変わらない作業ってあるんですよ。美学を貫くのと、生涯生まれる作品数が減るということを天秤にかけた時に、どこかで人の手を借りて時間を増やさないと自分の夢に対して回り道になってしまう。もちろん作家は必ず一人の時間が必要だと思うんです。一人で制作に没頭して、世界からきり離されたような感覚になって…そういう不安定な時こそふつふつと制作意欲が湧いてきたりするんですよね。でも、本当に落ち込んだ時に一緒に頑張ってくれる仲間がいることに今はすごく支えられています。そういう意味でも分業をしたことは良かったですね。――今後の展望は？ハンドメイド作家からスタートしましたが、アート作家にもなりたいので、これからも大きい作品は継続的に出していきたいです。でもアートの世界では評論家などの有識者の方に見つけてもらわないと中々作家としての価値を付けるのが難しいらしくて…。私はハンドメイド作家からスタートしているので、アート作家としてスタートした人よりも人を集めることができます。著名な人に評価されなくても、アート作品の発表の場が『NAKED QUILT』という独立国家だとしても、集客できるようになりたいんです。それが実現できる新しい手法を見つけるために模索しています。※1 【スラッシュキルト】 ――数枚の生地を重ねて斜めに縫い目を入れ、一番下の生地だけ残してカットし、洗いをかけることで切り口を起毛させる技法のこと。児玉 晃野　こだま・あきのスラッシュキルト作家。高校で縫製の基礎を学び、大学ではファッションデザインコースに進学。卒業後は衣装制作会社に就職。退職後ブランド「NAKED QUILT」を立ち上げ。鮮やかでポップな1点ものの作品で多くのファンを魅了。メディアプラットホーム『note』ではクリエイターや独立志望の人に向けて自身の経験や想いを発信している。https://www.instagram.com/naked_quilt/https://note.com/naked_quiltTEXT：鷲野恭子（ヴエロ）PHOTO：須藤しぐま

スラッシュキルト作家 児玉 晃野（NAKED QUILT）が発信する「クリエイターとして食べていくということ」

「モード」と「モード系」、普段なんとなく耳にする言葉ですが、どのようなファションを思い浮かべますか？実はこのふたつ、意味合いが異なります。モード系ファッションという言葉は日本でしか使われておらず、そこには、あの出来事が関連しています。今回は、モードとモード系の違い、起源などを解説していきたいと思います。モード（MODE）とはフランス語で“流行”や“ファッション”という意味を持つ「モード（MODE）」。ラテン語で“測定”や“サイズ”を意味する「モデュス（modus）」を語源とする「アラモード（à la mode）」と同じく、ファッション業界では最新ファッション＝流行の最先端という意味合いになり、モードは1600年代から英語圏でも同じ意味で使われているようです。伝統的で正統派なイメージのある、時代の変化にとらわれない普遍的なスタイルのことをクラシック（クラシカル）ファッションと表現しますが、現時点でのモードはクラシックの対義語と捉えて良いのではないでしょうか。「モード系ファッション」との違いモードが最新のファッションを差すと説明しましたが、モード系とはどのように違うのでしょうか。実はこのモード系という言葉は、日本でしか使われていないそう。簡単に説明すると、ファッションの1系統（ジャンル）です。フェミニン系、カジュアル系、アメカジ系、渋谷系、スポーツミックス系……など、テイスト毎にカテゴライズしたものに当てはまります。モード系の特徴としては、黒や白などのモノトーンアイテムを、個性的にコーディネートしたファッション、というイメージが強いようです。アシンメトリー（左右非対称）なアイテムやオーバーサイズ、ハイブランドを取り入れたスタイルも、ひとつの要素と言えるでしょう。モード系ファッションの特徴例　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　■一見シンプルだが、シルエットが不規則になっていたり変形していたりと、ディテールにこだわりのある印象的なデザイン　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　■モノトーンで統一されたシックな雰囲気（近年ではカラーを取り入れるケースもあり）　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　■ハイブランドのファッションアイテムを取り入れている　　etc黒の衝撃が「モード系ファッション」の起源モード系という言葉が、いつ頃から使われるようになったのかというと、1980年代の「黒の衝撃」が上げられます。「Yohji Yamamoto」と「COMME des GARCONS」が当時のパリコレで反抗や反逆を意味する色としてタブーとされていた「黒」を全面に押し出した作品を発表。全身黒の穴があいたボロボロに見える服は衝撃的で、ファッション業界の既成概念を覆したとまで言われています。そして当時のファッショニスタがこぞって身にまとい、「カラス族」と呼ばれるなど一大ムーブを巻き起こしました。この出来事があまりにも印象強く、「モード」本来の意味と、黒を基調としたモード系ファッションを強く結び付ける結果になったと言われています。チェックすべき代表的なブランド最後に、モード系ファッションとして取り入れたいブランドをいくつか紹介します。Yohji Yamamotoデザイナーの山本耀司が設立したファッションブランド。1981年にパリコレクションにてデビュー。黒を基調とし、アシンメトリックなカッティングや複雑なパターンメイキング、体線を強調するボディコンシャスの逆をいく、独特の分量感などを特徴としています。COMME des GARCONSデザイナーの川久保玲が1969年に設立し、1975年には青山に店舗をオープン。ブランド名は、フランス語で「少年のように」という意味で、アーティスティックで革新的なデザインが特徴。素材から縫製に至るまで全て日本製であることにこだわりを持っています。Maison Margiela創業者はマルタン・マルジェラ。1988年にパリで「メゾン マルタン マルジェラ」を立ち上げ、2015年に「メゾン マルジェラ」に改名。無機質なデザインに反して上質な着心地が特徴で、トレンドに左右されずに長く使い続けられるアイテムが多く揃います。白無地か数字を羅列した通称“カレンダータグ”の4つ糸は、ブランドの象徴となっています。LIMI feuデザイナー・山本里美が手がけるウィメンズファッションブランド。文化服装学院を卒業後、父である山本耀司のヨウジヤマモト社で2年間パタンナーを務めました。2000年秋冬シーズンから手掛けていた「Y’s bis LIMI」リニューアルする形で、2002年に自身のブランドとして「LIMI feu」をスタートしました。

「モード」と「モード系ファッション」の違いとは？

アパレル業界で働く上で、最新ファッションに注視するのは業務上、必要不可欠なこと。そして、それと同等に、現在までの歴史について知識を蓄えておくことは、自分が携わっている商品が、なぜその形や機能を携えるに至ったのかという、ルーツを知る上で重要な意味を持っています。今回は、近代ファッションの潮流を学ぶことができる書籍を紹介。時代や文化の移り変わりがファッションにどのような影響を与えてきたのか、その変遷を知る資料として、ぜひ読んでおきたい4冊をセレクトしています。ストリートファッション 1980-2020―定点観測40年の記録パルコが設立したシンクタンク部門が1977年から運営するメディア「ACROSS」。1980年8月から定点観測により東京のストリートファッション・マーケティングの分析を行っており、2000年以降はWebに移行。40年にわたり蓄積されてきた膨大な記録が本書に集約されています。約3万人のデータから約180人分を抜粋したインタビューのローデータでは、愛読雑誌や来ている服について聞き出すなど、東京の若者たちのファッション、ライフスタイルを追体験できる内容に。時代の波を詳細に捉えたデータは資料価値も高く、国内外の企業や学術機関との共同研究に活用されています。パルコのベストセラーである『東京の若者』『ストリートファッション 1945-1995』の続編という位置づけで、令和に至るまでのファッションを網羅。豊富なスナップはリアルな街の息吹を切り取り、ファッションドキュメンタリーとしても楽しめる１冊です。メンズウェア100年史タバコを咥えたデヴィッド・ボウイが妖艶な眼差しを向ける本書。ファッション史の研究家、キャリー・ブラックマンが、20世紀の100年間におけるメンズファッションの変遷を写真とともに解説します。時代や文化の流れに合わせてさまざまな要素を取り入れるようになったスーツの歴史、アレクサンドル・ロトチェンコをはじめとするロシア構成主義の芸術家たちが生み出した作業着やスポーツウェア、メンズウェアに華やかさをもたらした1960年代のピーコック革命など、膨大なピンナップからは、メンズウェアの革命がファッションの歴史の中でいかに大きな役割を果たしてきたかが伺えます。斬新な衣装を着こなし観客を魅了したハリウッドスター、音楽と融合することで新たな価値観を生み出したパンクやクラブシーンなど、カルチャーの側面からファッションに与えた影響についても考察。特に1930年代に活躍した芸術家たちの個性的な服装が数多く収められている点は、資料的価値が高く、ファッション史の教材としても活用できるでしょう。ファッション イン ジャパン 1945-2020ー流行と社会青幻舎から2021年に発売された本書は、島根県立石見美術館、国立新美術館で開催された同名の展覧会の公式図録として販売されたもの。タイトルの通り、第二次世界大戦のさなかから現在に至るまでの日本のファッションの変遷を、その時代に活躍したデザイナーの作品や理念、西洋式の暮らしが取り入れられるようになった明治以降の社会の動きと併せて紹介しています。戦中・戦後のもんぺをスタートラインとし、モードやカジュアルといった選択肢の獲得、さらにはイッセイミヤケやKENZO、KANSAI YAMAMOTOなど、日本人デザイナーの台頭によりオリジナリティーを確立してゆく進化の過程が非常にドラマチック。映画の台頭、『an・an』『装苑』といった雑誌メディア、東京オリンピックや大阪万博などのビッグイベントが、日本のファッションにどれだけ影響を与えてきたかも知ることができ、ビジュアルはもちろんのこと、豊富なテキスト量で、読み物としても存分に楽しめます。ウィメンズウェア100年史『メンズウェア100年史』の女性版として、同じく20世紀のレディースファッションの変遷を紹介。こちらは、ピンクのドレスをまとったオードリー・ヘップバーンの表紙が、思わず見とれてしまうほどの美しさ。1901〜1959年、1960年以降と時代を大きく二つに分けた構成で、前半ではハイソサエティー、ボヘミアン、ニュー・ルック、後半はデニムやスポーツウェア、アウトサイダーなどカテゴリーの解説、そして、歴史やコンセプトといったさまざまな側面からデザイナーたちの横顔を紹介します。ピンナップと共に綴るヒストリーでトップを飾るのは、貴族階級の女性たち。日本からも1922年に撮影されたという島津家の姫が登場し、2010年に撮影された純白ドレス姿のレディガガまで続くレディスファッションの歴史からは、社会進出や自由の獲得など、女性たちのライフスタイルがどのように変化を遂げてきたかを知ることができます。TEXT：伊東孝晃

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