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自分が着て欲しいと思った人にだけに販売する ――。より多くの人に商品を売りたいアパレルブランドが多い中、その流れに逆行して独自の道を歩み続けるデザイナーの奥嶋幸子さん。かつては大手アパレル会社で社内ブランドのディレクターとデザイナーを兼任。2012年に独立をして「manielle（マニエル）」を立ち上げ、今年でデザイナーとして21年目を迎えました。そんな奥嶋さんに、ファッションや自身のブランドについて伺いました。ファッションに目覚めたのは14歳―― テレビで見た、ひとりの女の子が、奥嶋さんを大きく変えたそうですね。実家は山口県の田舎で、当時持っていた洋服といえば学校の制服と普段着、パジャマくらい（笑）。ファッションとは縁遠い子供時代でした。でもある時、当時流行っていたバラエティ番組に宮沢りえさんが出ていて、初見でその可愛さに衝撃を受けました。セブンティーンという雑誌でモデルをしていると知ってすぐに買いに行ったけど、実家近くの書店では取扱いがなくて。それで毎月定期購読をするからと取り寄せてもらい、夢中で読みました。雑誌の中でモデルさんたちが纏う洋服がキラキラと見えて、それがファッションに興味を持つきっかけだったんです。その時に将来はファッションで生きていこうと決めたのですが、両親は大反対。両親にとってはわからない世界だから心配したのだと思います。以前、紅白歌合戦で某アーティストの衣装を担当させていただいた時、これで喜んでくれるかなぁと思ったけれど、まだまだ心配はあるみたいです（笑）。だから私、高校を出てすぐに専門学校に入学した訳ではないんですよ。―― 美術系の高校を卒業後は、大学に進学されたとか。そうですね、県内の大学を出てから大阪に移り、大阪モード学園に入学しました。反対を押し切って大阪に出てきたので、学費と生活費のことも考え、夜間コースを選択しました。高校卒業時に被服検定1級を取っていたこともあり、専門学校の先生の紹介で昼間は縫製工場で働いていたんです。大変でしたが、その工場はジバンシイなどの一流ブランドの縫製をメインにしていたので、縫製や工場、職人さんの仕事を、実体験として学ぶことができました。それが今に繋がっています。私の服作りで欠かせないことの中に、工場の職人さんたちへの想いがあるんです。それはやっぱり、工場で学んだ経験があったからこそですね。その後、専門学校を卒業してからインディーズブランドを立ち上げたのですが、まだ実力が伴っていないと感じたので、一度たたんで、大手アパレル会社に就職しました。当初は販売員として店に立っていました。独立の理由と譲れないこと―― 会社ではトップセールスを記録し、着こなしにファンが多かったことから異例の速さで社内ブランドを任されることになったそうですね。やりがいも楽しさもあり、デザイナー兼ディレクターとして各地を飛び回って、朝から夜まで働いていました。だけど本当に自分が作りたい服との乖離もありました。服ってデザインだけでなく、価格や品質も大切ですよね。個人的にはもっと品質を上げて価格を抑えたいと感じていたけれど、社内デザイナーではそこまで携われない。それもあって独立し、「manielle」を立ち上げたんです。―― 独立することで変わったこと、変わらないことはありますか？デザインする服のテイストは一貫してブレていませんが、品質は妥協せず、流行にとらわれることなく色褪せずに長く着られることを大切にしています。そのために生地は全てヨーロッパから、縫製は日本でと決めているんです。私が服作りで譲れないのは、まず顧客様への、そして職人さんたちへの想い。それに服が好きという気持ちです。実は「manielle」の顧客様の多くが前に社内ブランドをしていた時からのお客様で、私のデザインを本当に気に入ってくださっている方々なんです。そんな皆さんに、より良い品質のものを適正な価格で届けたいと思ったのも独立の理由のひとつ。また、工場で働いた経験があるので、デザイン先行の無理な縫製依頼に現場が困惑することも知っています。そのため職人さんたちが仕事しやすく、その結果良いものが作れるデザインと指示ができるのは強みですね。「manielle」の服はワンサイズ展開なので、着られる人も限られます。それに私が着てほしいと思った人にだけ販売するというわがままな方式なので（笑）、ブランド自体を大きくしたいという野望はありません。それよりも少ない数の人に愛してもらえる、所有することで幸せを感じてもらえる服作りをしたい。顧客様の数が限られているから、デザイン画を描くときにあの人をイメージしながら描く、という作業もできます。いわば小規模で手が届くオートクチュール。そんな感覚でこれからも服を生み出していきたいですね。好き、を突き動かす原動力―― アパレル会社で才能を買われ、独立後も顧客の方と良い関係を築かれていて順風満帆に見えますが、大変な時期はありましたか？子育てと仕事の両立です。アパレル業界の一線で活躍する女性って、未だに子供を持たない人が多数派。そんな時に子供を授かったので仕事との両立を先陣を切ってやろうという気持ちになりました。けれど独立と出産の時期が重なったこともあり、実際はとんでもなく大変。子育ての最中は何度も挫けそうに。インターナショナルスクールに離乳前の娘を預けて仕事をする日々でしたが、おおらかな教育をしてくれるスクールの先生にすごく助けられましたね。その娘も中学生になり、私を反面教師にしたのか（笑）すごくしっかりした子に育ってくれています。あの当時、何度も無理だと思いながらも頑張れたのは、周囲の人がいたこと、そして何より服が好きだからです。自分が好きなことをやっている、洋服を作る環境がある。そこへの感謝が原動力。体力と気力は西日本一だと自負していますが（笑）、そのパワーをくれたのも好きなことを仕事にしていたからこそかもしれません。―― 生地の仕入れからデザイン・発注・販売までご自身でこなされていますが、今後スタッフを雇い入れることも考えておられるとか？私のモットーに「揺り籠から墓場まで」というのがあって、これは服の目線での言葉なんです。糸一本の状態から服になって誰かを包み、ゴミになるまでを見届けたい。逆に言えば最後までしっかりと着られる服を作るという責任感です。これができるのは一人だからこそですが、その分、作業量は膨大。でも全て私のペースでできるのでノンストレスで楽しいんですよね。けれど最近はオンライン販売での対応なども含め仕事量が増え、年齢と共に自分のパフォーマンスが落ちてきたように感じます。そのため何人か既に面接しているのですが、来てほしいのは自分の話ではなくお客様の話をしっかりと聞ける人、そして誰でもできる仕事だとしても誰より一生懸命頑張ることができる人。服に携わる仕事ってオシャレが好きなだけじゃダメで。服はもちろんですが、お客さまが好きという気持ちがすごく大切だと思うんですよ。ブランドの立ち上げから現在まで走り続けてきた奥嶋さん。これからファッション業界を目指す人に向けてメッセージをお願いすると、「ミシンを踏んだ経験は必ず役に立つので専門学校で学んでほしい。そして良い先生と出会ってほしいことに加え、情報過多の時代だからこそ自分の核となる部分を無くさないよう、情報を取捨選択する目を持って欲しい」とのこと。服作りは自分の世界観を表現し、それに共感してくれる人と出会う仕事。今その環境に恵まれていることに感謝しつつ、長く愛せ、持っているだけで心ときめく一着を待つ人のため、彼女は今日も服を作り続けています。奥嶋 幸子　おくしま・さちこ大手アパレル会社で社内ブランドのディレクターとデザイナーを経験した後、独立して完全予約制のブランド「manielle（マニエル）」を立ち上げ。“揺り籠から墓場”をモットーに大好きな服作りに取り組んでいる。https://www.instagram.com/manielle_official/

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「マニエル」デザイナー奥嶋幸子にインタビュー　希少性とクオリティにこだわる服作りと原動力

2023年9月、株式会社ボーンデジタルから刊行された書籍『Fashion in Film』。ファッションデザイナーたちが手掛けた映画衣装に着目し、49のブランドが映画の世界で携わってきた歴史を貴重な資料と共に紹介されています。本記事では『Fashion in Film』の概要と見どころ、そして、紹介されているハイブランドの中から4つのビッグネームをピックアップし、映画の世界とどのような関わりを持ってきたかについて解説します。戦前から現代まで、映画衣装とファッションが紡いだ歴史をたどる『アニー・ホール』でダイアン・キートンが着用した「マスキュリンスタイル」、『ティファニーで朝食を』でのオードリー・ヘプバーンの「リトルブラックドレス」など、スクリーンを彩る華やかな映画衣装は、ファッション界の一流デザイナーたちによって制作され、それぞれの時代のトレンドにも影響を与えてきました。ファッション専門ライターであるクリストファー・ラヴァーティの著作『Fashion in Film』では、戦前から現代に至るまで、それぞれの時代のトレンドやカルチャーを楽しめる作品を取り上げ、衣装を手掛けた有名デザイナーたちのキャリア、バックグラウンド、功績などを紹介。デザインスケッチや映画スターの着用写真と併せてまとめられており、映画と俳優の魅力を引き立たせるためにデザイナーがこだわったポイントについても知ることができます。【掲載デザイナー】　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　アドーレ・フェンディ、アニエス・ベー、イヴ・サン＝ローラン、ヴィヴィアン・ウエストウッド、ヴェラ・ウォン、カール・ラガーフェルド、カルバン・クライン、グッチオ・グッチ、クリスチャン・ディオール、ココ・シャネル、サルヴァトーレ・フェラガモ、ジャン＝ポール・ゴルチエ、ジョルジオ・アルマーニ、トム・フォード、ピエール・バルマン、マーク・ジェイコブス、マリー・クヮント、ユベール・ド・ジバンシィ、ラルフ・ローレン、etc… 　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　【掲載映画タイトル】　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　『007 シリーズ』『アニー・ホール』『悲しみよこんにちは』『華麗なるギャツビー』『グランド・ブダペスト・ホテル』『シャレード』『セックス・アンド・ザ・シティ シリーズ』『ティファニーで朝食を』『パルプ・フィクション』『ブライダル・ウォーズ』『プラダを着た悪魔』『ポリー・マグーお前は誰だ』etc…　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　映画を彩るブランド　「クリスチャン・ディオール」担当作品：『舞台恐怖症』（1950年）、『アラベスク』（1966年）1947年に「コロールライン」でデビューしたクリスチャン・ディオールは、当時の質素で機能性のみを重視した制服やスーツへのアンチテーゼとしてボディラインを強調する「New Look」を発表。ファッション業界に大きなインパクトを与え、パリが再びファッションの中心地となることに寄与しました。マレーネ・ディートリッヒと友人関係にあったことから、ディオールは彼女の出演作品の衣装を担当するようになり、アルフレッド・ヒッチコックの『舞台恐怖症』では、ロングドレスをはじめとしたゴージャスな衣装に身を包む姿を見ることができます。ディオールの手掛けた衣装により、マニアックなスリラー映画に華やかな要素が加味され、配給会社はこの起用における成功を大いに喜んだといわれています。1957年にディオールが亡くなるとイブ・サン＝ローランがあとを継ぎ、1961年の『アラベスク』では、ソフィア・ローレン演じるスパイの衣装を現代的なモッズスタイルでコーディネートしました。映画を彩るブランド　「プラダ」担当作品：『007/慰めの報酬』（2008年）、『華麗なるギャツビー』（2013年）、『グランド・ブダペスト・ホテル』（2014年）プラダは1913年、マリオ・プラダによってイタリアで創業。彼女の死後は長い低迷期に陥りますが、1978年に孫のミッチャ・プラダがオーナー権デザイナーに就任すると、ノスタルジックと繊細さを併せ持ったスタイルでブランドを再興させます。プラダは、衣装協力だけでなく制作面でも映画との関わりが強く、ロマン・ポランスキーやウェス・アンダーソンといった監督たちとファッションミニムービーを制作したこともありました。近年の作品では2008年の『007/慰めの報酬』ではオルガ・キュレンコがバラの装飾やフリルのリボンで仕上げられたブラックドレス姿でアクションもこなす活躍ぶりを披露。2013年の『華麗なるギャツビー』では、ヒロインであるキャリー・マリガンのシャンデリアドレスとエキストラのドレス40着を提供。このシャンデリアドレスは1920年代の様式に影響を受けたミウッチャのテイストを反映し、映画にエレガントなエッセンスを加味しています。以後も2014年の『グランド・ブダペスト・ホテル』でウィレム・デフォーにモーターサイクルコートを提供するなど、プラダと映画界の密接な関係は現在も続いています。映画を彩るブランド　「マノロ・ブラニク」担当作品：『マリー・アントワネット』（2006年）、『セックス・アンド・ザ・シティ』（2008年）高級靴の代表的デザイナーとして知られるマノロ・ブラニクは、1968年にイギリス・ロンドンでファッション専門の写真家として活動を開始。その後、ニューヨークに進出し、ファッションデザイナー、オジー・クラークから靴製作の依頼を受けてコレクションデビューを飾ります。ブラニクは1980〜90年代にかけて数多くの作品を制作し、「靴の王様」「靴のロールスロイス」と呼ばれるなど靴デザイナーとしての高い地位を確立。2008年、映画版『セックス・アンド・ザ・シティ』では衣装デザイナーのパトリシア・フィールドが主人公・キャリーに履かせる靴としてブラニクのハイヒールを選び、鮮やかなブルーのウェディングパンプスが存在感を放っています。2006年のソフィア・コッポラ監督作品『マリー・アントワネット』では、作中に登場するすべての靴の制作を担当。キッチュでエレガントなデザインは、ファッション誌『VOGUE』で特集が組まれるなど大きな話題となりました。映画を彩るブランド　「フェンディ」担当作品：『家族の肖像』（1974年）、『エイジ・オブ・イノセンス/汚れなき情事』（1993年）、『悪いことしましョ！』（2000年）、『ザ・ロイヤルテネンバウムズ』（2001年）フェンディの歴史は1918年、アデーレ・カサグランデが比較と毛皮の工房を設立したことから始まります。1925年にオリジナル商品を販売するブティックを開業。その後、1965年にカール・ラガーフェルドがクリエイティブディレクターに就任し、プレタポルテレーベル「365」ラインを立ち上げたたことでラグジュアリーブランドとしての地位を確立します。1974年の『家族の肖像』で、衣装デザイナーのピエトロ・トージに指導を受けてオーダーメイドの毛皮を作り、主演を務めたシルヴァーナ・マンガ―ノの衣装デザインを手掛けたことも飛躍のきっかけとなりました。以後も映画への協力を積極的に行い、これまで30本以上もの作品でフェンディと衣装デザイナーのコラボレーションを見ることができます。フェンディの毛皮は映画の中で俳優たちの表情をさまざまに彩りますが、いずれの作品においても彼らの持つリッチな品格を可視化させるという共通項があり、ブランドの魅力を訴求しています。紹介した4つのハイブランド以外にも、映画を切り口にファッション界の一流デザイナーの功績を知ることができる書籍『Fashion in Film』。ファッション関連の仕事に従事している方はもちろん、映画ファンにとっても参考になる一冊です。TEXT：伊東孝晃

名作映画の衣装からファッションを読み解く書籍「Fashion in Film」を解説

販売職において店舗のコントロールを行うフロアマネージャー。店長の定めた方針のもと、スタッフへの指示出しや販売戦略を実践するなど、非常に重要な役職とされています。ファッションに関する豊富な知識が必要とされ、販売スタッフを経てのキャリアアップを目指すなら登竜門といえる役職でしょう。本記事ではフロアマネージャーの仕事内容や求められる資質について紹介します。フロアマネージャーとはフロアマネージャーは販売業からサービス業、飲食業まで、さまざまな業種に設けられている役職で、いずれの業種においても、サービスを展開する場（フロア）の責任者という点で仕事内容は共通しています。アパレル店舗におけるフロアマネージャーは、売り場全体の管理を任されており、売り上げの向上はもちろん、どのようにしてお客様の来店数を増やし、スタッフのモチベーションを向上させるかといった業務改善から、店舗の運営が円滑に行われているかまで細部に目を配り、コントロールする必要があります。店長との違いって？仕事の内容的に「フロアマネージャー＝店長」というイメージを持つ人もいるかも知れません。店長は店舗の責任者ですが、フロアマネージャーは売り場全体の責任者です。売り上げの管理、人材採用、運営会社や入居している商業施設とのやり取り、クレーム対応など、対外的な面において責任を負う立場になります。店長が抱えきれない仕事をフロアマネージャーが部分的に請け負うこともあり、人材登用後の育成などは一任されるケースがあります。目指す役職の一つ、エリアマネージャーとの比較エリアマネージャーは運営会社と店舗をつなぐ役職で、立ち位置としては店長の上長になります。フロアマネージャーが店舗で実践している営業スタイルをお客様目線で調査・分析し、そこで得た結果を運営会社に伝達、さらに現場にフィードバックさせて売り上げの向上を目指します。日々、トレンドの分析や業界の流れをチェックしているエリアマネージャーのアドバイスは、店舗スタッフにとって非常に心強いもの。ときには店頭で販売補助を兼ねて視察することもあり、エリアマネージャーには、スタッフやお客様、運営会社の社員など、さまざまな人とやり取りできるコミュニケーション能力が必要とされます。ブランドの展開をコントロールする立場になることから、エリアマネージャーはフロアマネージャーがキャリアアップで目指す役職の一つであるといえるでしょう。仕事内容フロアマネージャーは店舗全体を管理し、スタッフの稼働状況や在庫の把握、来店したお客様の状況にも配慮するなど、非常に作業内容が多い役職です。他のスタッフと同じく接客・販売も担当するため、店舗の状況変化に対して即座に反応できる態勢を取っておく必要があります。人材育成においても、ただ働きやすい、心地よい職場環境を作るだけでは務まりません。スタッフの動向を間近に見るから立場であるからこそ、勤務態度が売り上げに影響するような場合は厳しく律することも求められます。販売の最前線に立ち、店長やエリアマネージャーと連携を取りながら店舗の課題解決、ブラッシュアップをはかることがフロアマネージャーの最も重要な仕事となります。必要なスキル店舗における監督兼プレイヤーともいえるフロアマネージャーは、アパレル・ファッション業界に対する知識を豊富に備えていることは大前提。販売においても他のスタッフをカバーし、お客様に満足度の高いサービスを提供するための接客能力が必須となり、商品の売れ行き状況を分析するマーケティング能力を必要とする場面も多々あります。店長の不在時には、実質的に代理として業務を遂行できるよう、マネージメントの知識も身につけておく必要があり、採用したスタッフをトレーニングする教育係としての役割も請け負います。フロアマネージャーは、アパレル業界の管理職に必要な知識・経験を働きながら得られる役職です。後々、エリアマネージャーなどへのステップアップを目指すなら、早い段階から販売士検定、ファッション販売能力検定、ファッションビジネス能力検定など検定を受験し、実力の指標となる資格を取得することもおすすめです。TEXT：伊東孝晃

フロアマネージャーとは？仕事内容や店長との違いを解説

制服、つまりユニフォームは日本人にとって非常に身近な衣服。きっと大半の人が今までの人生の中で制服を着て過ごした期間があるといっても過言ではないでしょう。もちろん海外にも制服はあるものの、日本ほど制服が文化として根付いている国は稀。現在では日本の、特に女子学生の制服は「Kawaii」文化のひとつとして世界でも受け入れられています。制服は学校だけでなく多数の企業も取り入れていますが、最近注目を浴びているのがブランドや有名デザイナーが手がける制服。制服に関しては多様な意見があるものの、なぜ企業は制服のデザインをデザイナーやブランドに委ねるのか。今回はその理由について調べてみました。制服(ユニフォーム)の起源とは制服を辞書で調べると、「ある集団に属する人が着る色や形の定められた服装。ユニフォーム」と書かれています。コミュニティーを同じくする者たちが着るという性質上か、制服の歴史を紐解けばなんと聖徳太子の時代まで遡ることができるそう。聖徳太子の時代に冠位十二階という身分制度が生まれましたが、その際に身分によって異なる色の服を纏ったことが起源とされ、その後の武家社会においても身分に応じた服装をしていたようです。それだけ古くから制服の土壌ができていた日本だからこそ、現代に至るまでに制服文化がしっかりと根付いたと言えるのかもしれません。さて、聖徳太子時代から武家社会を経て、制服が現代のような位置づけになったきっかけは軍隊にあります。同じ制服を身につけることで結束意識や帰属意識が強まり、同時に耐久性や動きやすさといった機能をも兼ね備えていました。日本に軍隊があったのは1871年から1945年の期間ですが、この時代の日本は軍国主義。そのため思想統制という目的もあり、同じ目的で制服が教育現場にも普及するようになったのです。なぜ企業は制服を取り入れる？制服はそもそも帰属意識や仲間意識を高めるものであるために、現在も多くの企業が制服を取り入れています。制服のある職業を例に挙げると、航空会社や鉄道会社、医療関係者に警察官や消防士などいくつも思い浮かびますね。民間企業で制服の需要が急増したのは1970年の大阪万博での各企業ユニフォームが発端ですが、この際にコンパニオンが纏っていたのがデザイン性の高い制服。この時点で制服は、企業アイデンティティーの確立を目的とするものになっていきました。制服があることで組織のイメージの統一や識別性が高まるのはもちろん、制服に袖を通すことで仕事モードへと切り替わるという心理的なプラス面もあります。しかし一方で、没個性であったり多様性の時代に即していないという理由から制服廃止論もあり、制服を導入している企業や教育機関などはこれからの制服・ユニフォームの在り方を考えていく必要があるでしょう。制服(ユニフォーム)がもたらす効果制服にはいくつものメリットがありますが、それが企業の場合はコーポレートアイデンティティーの確立以外にも、仕事内容に見合った機能を備えていたり、制服があることで会社の一員としての責任感が芽生える、オンオフの切り替えがしやすい、私服と比較し経済的であるなどの利点が挙げられるでしょう。また、制服を着用していることで倫理意識の向上や組織内での識別性も上がります。一方で社外の人間から見た場合でも、企業の信用度向上や識別性によって生まれるセキュリティー効果があり、例えば配送会社などでは、制服を着て荷物を届けることで受取側の安心感が向上するといった効果も期待できます。このケースの場合、消費者やサービスの受け手にとって制服が信用度の一端を担っていることの証明とも言えますね。話題となった企業制服以前から学校や企業の制服をデザイナーに依頼する事例は数多く、1967年から1987年のJAL制服は森英恵氏が手掛けており、一般公募の時期を経て2013年には丸山敬太氏がデザインを担っています。また、全国に展開するドトールコーヒーはスタイリストの大久保篤志氏が、東京スカイツリーの制服はミナ・ペルホネンの皆川明氏によるもの。このように企業ユニフォームをデザイナーやブランドが手がけることは多々ありますが、その中でも特に話題を集めた制服を紹介していきましょう。Mame Kurogouchi「長野県立美術館」　2021年2021年の4月にフルリニューアルを遂げ「長野県立美術館」としてオープンした際に、女性用のスタッフユニフォームを手掛けたのが「Mame Kurogouchi」のデザイナーであり長野県出身の黒河内真衣子。ブランドを象徴するシャープかつ優美なカッティングのジャケットとワンピースのセットアップで、首元を彩るスカーフには長野県の県花であるリンドウの刺繍を施してあります。上品かつシック、軽やかな着心地であることに加え、美術館の美しい建築空間に溶け込むことも意識してデザインをしたそう。nexus×NANO universe「保育士コラボ制服」　2021年保育事業などを展開する株式会社nexusがユニフォームを依頼したのは、若い世代を中心に人気を集めるNANO universe。テーマは「仕事終わりのデートにもそのまま着ていける」ことだそうで、ノーカラーのフェミニンなブラウスとシンプルなパンツ、ワンピースのようにふわりと広がるシルエットのエプロンなど、秋冬と春夏でトップスが各2型、ギャザーとワイドのパンツが2型、エプロンの構成に。袖捲りをした際に落ちてこないようトップスの袖口にゴムを配したり、動きやすいようパンツのウエストをゴムにするなどの配慮も魅力です。篠原ともえ「タカラスタンダード」　2022年かつてデコラティブなファッションで一斉を風靡し、その後デザイナーへと転身を遂げた篠原ともえがデザインしたのは、住宅設備メーカーのタカラスタンダード。彼女が手掛けたショールームアドバイザーの制服は「水」をデザインコンセプトに据え、シャツやジャケット、パンツ、スカートにカットソーなど全6型がラインナップ。中でも注目を集めたのが、マタニティワンピースが6型の中に入っている点や、過去になかったパンツスタイルが導入された点。女性にとっての働きやすさを加味しただけでなく、素材に植物由来のポリエステルや再生ポリエステルを用い、環境への配慮もなされています。nico and…「Sui Savon首里石鹸」　2023年沖縄発のスキンケアブランド、Sui Savon首里石鹸の店頭スタッフのユニフォームを手掛けたのは、定番に程よくトレンドを落とし込む人気ブランドのnico and…。スタッフの声も取り入れながらデザインしたユニフォームはリラックス感のあるトップス2型とテーパードパンツで、ストレッチ性に富んで動きやすく、洗濯後にシワになりにくい素材を採用するなど機能面も優秀。男女共通のデザインも現代的で、ゆったりとしたシルエットを含めて今の空気感を隅々にまで取り入れた制服に仕上がっています。Andemiu「新静岡セノバ」　2023年フェミニンで上品なデザインを得意とするAndemiuとタッグを組んだのは、商業施設の新静岡セノバ。デザインしたのはインフォメーションスタッフの制服で、Andemiuの人気アイテムをベースにスタッフの意見を取り入れつつ完成に至ったそう。制服はワンピースとジャケット＆パンツの2型で、スカーフを取り入れることで着こなしに変化をつけられる工夫も。エレガントでありながらもお手入れが簡単で動きやすいなど、こちらも着る人の目線に立った機能性の高さを兼ね備えています。オンワード「ANA」　2023年ANAグループのエアージャパンが2024年2月就航予定の国際線新ブランド「Air Japan」のために用意したのが、オンワードが手掛けたユニフォーム。多様性の時代に沿ったボーダーレスなデザインが高評価で、ボトムスにはスカートとパンツを、足元はパンプスや革靴以外にスニーカーも選択できるように。この制服はジェンダーだけでなく体型を問わない工夫も盛り込まれており、ベルトにはベルト穴がないものを、ジャケットの袖やボトムスの裾にはアジャスターを配したほか、スカートは男性も履くことを想定したデザインになっているのが特徴的です。企業によって多彩な制服がありますが、デザイナーやブランドが手掛けた制服も企業にとってはPRポイントのひとつ。今後こういった制服を採用する企業が増えれば、就職先を探す際に「制服が魅力的だったから」という志望動機が増えるかもしれませんね。TEXT：横田愛子

ブランドやデザイナーが手がける企業制服の魅力

K-POP人気の影響もあってか、今や世界的にも注目される新たなトレンドを次々と生み出している韓国のファッション界。そんな韓国発のファッションムーブメントが「ニュートロ」です。ニュートロとは、「ニュー(New)」と「レトロ(Retro)」を組み合わせた造語で、現在流行っているオンタイムのトレンドに、90年代の要素をプラスしたファッションのこと。MZ世代と呼ばれる10代から20代を中心に人気を得ているスタイルで、それより上の世代にとってはどこか懐かしさを感じるかもしれません。今回はそんな「ニュートロ」ファッションをわかりやすく、徹底的に解剖していきます。ニュートロとは？NEWとRETOを組み合わせたファッション＝ニュートロですが、具体的にはどのようなスタイルを指すのでしょうか。ニュートロの「レトロ」は1990年〜2000年代のトレンドをオマージュしたものだけに、MZ世代以上にとってはむしろ懐かしさの方を強く感じるかもしれません。例えば、代表的なのが原色。鮮やかなピンクやグリーンといったカラーを取り入れたり、原色アイテムをチェックやアニマルプリントなどの柄物と合わせるのが定番。そしてもうひとつ、90年代を象徴するデニムもマスト。上下デニムでまとめるコーデやローライズデニム、オーバーサイズデニムが再注目を集めています。ただ、これらをそのまま90年代風に着こなすのはNGで、コツは今の気分をプラスすること。タイト＆ルーズなシルエットやヘルシーな肌見せ、ストリートの要素を添えるなど、どこかに現代の要素を組み合わせることでニュートロスタイルが完成します。韓国でのニュートロブームそもそもニュートロは韓国初のトレンドですが、その火付け役は5人組ガールズグループのNew Jeans。メンバーがハイブランドのアンバサダーを務めるなどファッション界からもラブコールが絶えない人気グループで、彼女らのスタイリングがまさにニュートロなのです。しかしファッションでのブーム以前に、K-POP界隈では2019年頃から過去のアイドルの名曲カバーが人気を博しており、その流れがファッションにも波及した模様。また、2022年には90年代のレトロな演出が評判になったドラマが話題になるなど、音楽と映像作品の両面からレトロブームを牽引したといえます。90年代に流行した淡いカラーのデニムや迷彩柄やドットといった柄物、スポーティーなアイテムなどは、現代のMZ世代にとってはとても新鮮。若い世代がそれらを取り入れることでニュートロブームが加速し、それがSNSを通じて広がりを見せています。日本でのニュートロブーム中高年の女性を中心に巻き起こったかつての韓国ブームとは異なり、現代の韓国ブームを牽引しているのは主に10〜20代の女性。トレンドマーケティングのFRIL labが発表したデータによれば、10代と20代女性がファッションで参考にしている国の1位が韓国だそう。確かに欧米人よりも顔立ちや骨格が似ている韓国人のスタイルは真似がしやすく、かつ価格面でも手が届きやすいのが若年層に人気の理由です。そしてもちろんこの世代の女性はニュートロブームも見逃していません。しかし日本でのニュートロは、本家韓国とのニュートロとは少し趣が異なります。韓国のニュートロが肌見せなどヘルシーなセクシーさが中心なのと比べ、日本の場合は90年代のストリートカルチャーがベースになっています。だぼっと着こなすアディダスのジャージやおもちゃのビーズアクセサリーなどかつての原宿系を思わせる小物使いも印象的で、全体的には韓国よりボーイッシュでポップなのが特徴です。ニュートロを知るにはかつてのトレンドを知るべきニュートロを語る上で欠かせないのが1990年代周辺のトレンド。ここからは1980年代、90年代、2000年代に分けて各時代のビッグトレンドを振り返ってみましょう。1980年代のトレンドリバイバル1980年代はとにかく女性がパワフルな時代。マドンナがランジェリールックで一世を風靡したこの時代は、今でいうところのバブルファッション最盛期。パワーショルダーにゴールドのアクセサリー、体のラインを強調するボディコンシャスな服など、女性らしさを全面に出しつつ強さも感じさせる装いが大人気でした。現在トレンドとなっている肩周りにボリュームを持たせた服やビスチェなどはここからのリバイバル。現代のニュートロスタイルが持つパワフルさは、80年代へのオマージュなのかもしれません。1990年代のトレンドリバイバル90年代に入り、ファッションアイコンに台頭したのはセーパーモデルやファッション界のセレブたち。雑誌には頻繁にモデルのオフショットが掲載され、80年代よりぐっと装いはシンプルかつカジュアルへと移行しました。90年代を代表するミューズといえばケイト・モスですが、彼女のボーホーシックなコーディネートやストリート色の強いスタイルが人気を博し、スポーティーなトラックパンツの流行もこの時代。日本のニュートロファッションは特に90年代の影響を色濃く受けているといえるでしょう。2000年代のトレンドリバイバル2000年代のファッションの中心は、時にお騒がせとも呼ばれるヤングセレブたち。ヒルトン姉妹やニコール・リッチーら、パーティーガールのファッションはもとより、ブリトニー・スピアーズにグウェン・ステファニー、ジェニファー・ロペスやビヨンセ、クリスティーナ・アギレラといった音楽界のディーバが主役。この時代はとにかくカラフルでポップ、かつブリンブリンと称された煌めくアクセサリーが大ヒット。ローライズデニムや大胆な肌見せは今のニュートロファッションにしっかりと引き継がれています。ニュートロファッションの特徴ニュートロファッションって、要は90年代から2000年代に流行ったアイテムを取り入れればいいだけでしょ、と思いがちですが、むやみに懐かしのトレンドをプラスしただけだと単に古臭いだけになってしまう可能性が。ニュートロファッションを成功させるコツはあくまでも現代のトレンドとの組み合わせなので、今のトレンドを知らなければ成立しません。例えば今季だと人気が復活したのがアニマル柄。それにニットジャケットやカーゴパンツ、ミニスカートもトレンドリストに入っています。これらのアイテムに原色のバッグや靴を足したり、迷彩柄のカーゴパンツを選ぶなど、今のトレンドをベースにスパイス的にレトロトレンドを効かせるのがポイント。ニュートロファッションを代表する特徴的なアイテムは、90年代のB-BOYの間で流行ったビーニーやゆるっとしたシルエットのパンツ、スポーツチームのユニフォームにダメージデニムなど。全部を盛り込むとトゥーマッチになるため、まずは特徴的アイテムのどれかひとつをアクセント的に投入してみてはいかがでしょう。大人のニュートロファッションの着こなし術若い世代には新鮮に映るニュートロファッションですが、リアルタイムでかつてのトレンドを体験している世代にとっては取り入れるのに少し抵抗があるかもしれません。しかし、レトロな要素を1点投入すれば一気に今っぽいスタイリングが叶うのもニュートロの魅力。大人の女性におすすめしたいのは、さりげなく小物でレトロ感を足す方法。鮮やかカラーのバッグやシューズは今シーズン多数のブランドからリリースされており、上質な素材のものを選べばトレンドでありつつもチープに見えず大人っぽく決まります。また、チェックやドットなどの柄物をスカーフなどで取り入れるほか、ゆるっとしたパンツは体型カバーにも役立ちます。大人のニュートロスタイルは、ハイエンドなストリートファッションをイメージして上質感を感じさせるのが素敵に着こなす鍵と言えるでしょう。

時代は繰り返す、韓国発のファッションムーブメント「ニュートロ」を大解剖

繊維の街・岐阜県岐阜市で生まれ育った高橋徹さん。アパレルブランドの販売員を経験後、株式会社GOOD VIBES ONLY（GVO）でチーフディレクターとしてアパレル業界におけるサプライチェーンの変革を目指されています。GVOが取り組むアパレルDXについて、そして高橋さんが考えるアパレル業界での働き方についてお話を伺いました。デジタルでアパレル業界をより良くしたい――株式会社 GOOD VIBES ONLY（GVO） について教えてください。弊社はアパレルDX事業を展開しており、CGとAIを活用する事により、アパレル業界におけるサプライチェーンの変革を目指すアパレルDXカンパニーです。「衣類破棄0%」をヴィジョンに、「デジタルファッションの世界を当たり前に」をミッションに掲げています。――GVOがリリースしているアパレル DX プラットフォーム「Prock」とは？従来のアパレルのサプライチェーンである、計画、デザイン、パターン、サンプル、製造、撮影、販売を1つのプラットフォーム上で管理できるサービスです。3Dデジタルサンプル依頼、計画から生産までの複雑なフローを一元化し、ブランド運営において最小リスクで運営が出来る仕組みを作っています。今後、機能追加や連携サービスを通じ、アパレルにおける各種サービスを当プラットフォーム上で提供していく予定です。その中で、現在会社として推進しているサービスは2種類。1つ目は、「3Dデータで完結する服作り」。3DCG×AIを組み合わせたサービスは生産リードタイムの短縮だけでなく、アパレル市場における在庫課題を解決させ、企画から生産、販売までの大部分をデジタル化させることを可能にします。MD-System※1での商品計画からデジタルファッションへのシームレスな制作が可能になります。2つ目は商品計画をDX※2化、新しい分析データを提供するSaas。商品の計画〜仕入れ分析まで、デジタル一元管理が可能なプラットフォームで、バラバラに管理されていた各種数値をProck内にまとめることで、新たな商品分析が行えるようになるサービスです。アパレル業界では在庫の大量廃棄が従来より社会問題となっており、サステナビリティへの対応が求められています。GVOは設立当初からアパレル業界における在庫課題を解決すべく、企画から販売までのデジタル化を促進してきました。※1…マーチャンダイジングシステム。マーチャンダイジングとは、消費者の欲求・要求を満たす商品を適切な価格と数量、タイミングで提供するための企業活動を指し、マーチャンダイジングシステムはそれらを支援するシステムのこと。※2…デジタルトランスフォーメーション。デジタル技術を活用し、業務、組織、プロセス、企業文化・風土を変革し、デジタル時代にも十分に勝ち残れるよう企業の競争力を高めること。繊維の街・岐阜に生まれて――前職もアパレル業界だったのでしょうか。元々、アパレルの販売員を3～4年ほどやっていました。地元の岐阜県岐阜市が繊維の街として栄えていて、アパレル業界が非常に身近にある環境で育ったこと、そして自分に関わる人を笑顔にしたいと考えていたことから、アパレル業界の中でも販売の仕事を選びました。岐阜県岐阜市はアパレルのブランドが多くあり、よく友人と洋服の買い物にでかけていたのですが、その時に友人のコーディネートを組んであげた結果、後日「◯◯ちゃんとのデートでコーディネート褒められた！」と喜ぶ友人の笑顔を忘れられなかったんです。町中にはおしゃれなファッショニスタがたくさんいて、雑誌のスナップに頻繁に取り上げられていました。彼らは当然モテていて、自分もそうなりたい！と憧れたというのもありますね（笑）。そもそも僕は高校生の時に生徒会長や応援団長をやっていて、人前に立って発信するということに興味があったんです。地元のファッショニスタの方たちはオピニオンリーダー的な存在でもあったので、作る側よりも発信する側の販売員になりたいと思ったんです。――それだけやりたかった販売員の仕事を辞め、今の会社に入社したきっかけを教えてください。弊社代表野田の「ファッション業界のサプライチェーンを変えるぞ」というビジョンと熱意に完全にやられました（笑）。そして、そのビジョンを自分だったら実現できる推進力があると思いジョインしました。さらに僕が入社をした頃はコロナ禍で色々な店舗が閉まっている中で、まだEC化率が高くないアパレルブランドがとても苦戦していた状態。そんな状況を打破するためにオンライン接客を普及させてほしいと言われ、自分の販売員としての経験を生かせると思ったんです。どういう風に伝えれば画面越しでも服の魅力が伝わるか、購入意欲を刺激できるかなど、オンライン接客による良質なユーザー体験を構築するプロジェクトを０からスタートさせました。本当の意味でのサステナブルとは――GVOの取り組みはサステナブルとしても注目度が高いですよね。僕たちはまず大前提として、サステナブルというものは「ブランドの売り上げを向上させていくものであるべきだ」という根本的な考えがあります。生地が土に還るとかそういったことだけではなく、サステナブルに取り組むことによって売り上げが上がる仕組みを作ることに重きを置いています。環境に良いことは素晴らしいことですが、やはり売り上げに直結させたい。そんな時にオンライン接客などが必要なんです。アパレル業界はまだまだ年功序列で、社内の他チームが何をやっているかを知らない縦割り社会の古い体制が残っています。だから僕たちは全メンバーが横断的に様々なプロジェクトに関わることでそれぞれがスキルアップし、会社全体の事業の理解度を深めている。点ではなくて、全部が線で戻ってくるというこの循環をデジタル完結させていく、効率化させることをDXだと考えています。――DXにはいわゆるマルチタスクが求められる？そうですね。マルチタスクが苦手だ、という方もいらっしゃると思うんですが、たとえば自分がマルチタスクとしては３０点しか成果を出せない、という場合でも、チームだから全員で１００点を出せばいいんです。全体の中では３０点しか出せていないけど、自分の中での８０点、ないしは１００点を出せたらいいよね、という。一人で抱え込むのではなく、良い意味で周囲を頼って動かしていくという考えを持っていれば一歩前に進めると思います。――前職での経験はどんな風に生きていますか？「Prock」などのシステムはIT系出身の方がやっているので、IT目線での改善策、経営者レイヤーの人に対してのソリューションになることが多いのですが、僕は販売員出身ということもあって、現場を体験しているからこそどういうところに不満があったのかなどを本部の営業の方たちが汲み取り切れないところを言語化して、サービスに反映できているのかなと思います。僕は今でも現場で売り上げを作っている販売員の方たちを一番尊敬していて、販売員の方の意見こそすごく大切にしていますね。――今はチーフディレクターとしてどんなお仕事を？統括ディレクターとして、現場体験者目線で意見を吸い上げ、意思決定していく立場にあります。ディレクターという肩書ではありますが、いちプレイヤーとしてサービスの改善やクライアント営業を行ったり、サプライチェーンの中の「販売して売り切る」部分のPRも行っています。ディレクターとして大きな絵を描きながら、その解像度を上げながら現場へ落としているイメージですね。やりがいは自分で決める――どんな時にやりがいを感じますか。アパレル業界の中でもとても特殊な立ち位置で、ある意味今後のアパレル業界の変革になりうるゲームチェンジャーとして、その事業を推進しているということがやりがいです。ただ、僕はやりがいはどこにいても自分で決めるので、これまでの仕事でもやりがいを感じなかったことがないんですよね。僕の座右の銘は「やるか、やるか」なので、やらないという選択肢はない。でもどうしても「できないこと」は出てきてしまう。できないことをできるようにするには努力の母数を上げるしかないと思っています。できるようになるために必要なものを洗い出して、リスト化して、やれないことを認識すること、１個ずつ潰していくことで進捗率がわかる。一歩一歩進んでいくことでやれることが増えていることを実感し、未来に近づいていけるんじゃないかなと。――今後の展望を教えてください。個人としてはやりたいことが２つあって、１つは地域創生。年に１回、地元の岐阜県に帰るのですが、どんどん衰退して、ファッションの街だったのに繊維の卸業者やショップも減ってきている状況。自分の原点の場所だからこそ、今後盛り上げていきたいなと思っています。もう１つがセカンドキャリアのサポートです。僕自身販売員からスタートして、今は人からＩＴ業界で働いているんですか？と聞かれるくらい色々なスキルセットを身に着けながら働いています。これって通常ではなかなかないキャリアアップのルートだと思うんですよね。「こういうこともできるんだよ」と自分が発信していくことで、販売員の人の未来の選択肢を広げていきたいと思っています。高橋　徹　たかはし・とおる岐阜県岐阜市出身。アパレルブランドの販売員を経験後、株式会社GOOD VIBES ONLYでチーフディレクターとしてアパレル業界におけるサプライチェーンの変革を目指す。株式会社GOOD VIBES ONLYの主なサービスとして従来のアパレルのサプライチェーンを1つのプラットフォーム上で管理できるサービス「Prock」がある。https://goodvibesonly.jp/

グッドバイブスオンリーのチーフディレクター高橋徹が語る、アパレル業界でのキャリアの築き方

世界中をどんよりと覆っていたコロナ禍による影響が少しずつ回復しつつある今、2023年以降のファッションには華やかさと彩りが戻ってきました。思えばコロナ禍で流行ったのは、ステイホームを快適に過ごせるリラクシーでシンプルな服。しかしトレンドは大きく変化し、この秋冬シーズンはお出かけを楽しみたくなるような“魅せる服”が主役に。その中でも注目なのが立体感、そして3D。ドレープや立体的な装飾、ボリューミーな素材など、纏うことで気持ちが華やぎ、見た目にもドラマティックなファッションが台頭しています。では早速、今季要マークのトレンドスタイルを探っていきましょう。立体感と3Dで魅せる秋冬スタイル2023年の春夏コレクションでランウェイを彩った数あるルックの中でも、際立って印象的だったのが立体感のあるデザインや3Dモチーフです。まるでギリシャ神話に登場する女神のような、たっぷりとドレープを寄せたエレガントなドレスを発表したサン・ローラン・パリや、J.W.アンダーソン。ブランドアイコンであるカメリアを全身にあしらったスーツが印象的だったシャネル。シアーなアサンサンブルにプラスティック製のフラワーを配したミュウミュウなど、プリントではなく3Dでモチーフを表現したデザインが続々と登場し、この流れは2023年の秋冬も継続中。特に3Dに関してはアイテムそのものを取り入れるのは難しくとも、例えばブローチなどを手持ちの服につけて楽しむこともできるので、ランウェイのみならずリアルウェイでも手軽に楽しめるスタイルだと言えるでしょう。「リボンモチーフ」は大胆にリボンといえば女性にとっては幼い頃から好きなモチーフのひとつに数えられますが、この秋冬フィーチャーされたのは大胆なリボンデザイン。バルマンやヴァレンティノ、ヴィヴィアン・ウエストウッドが発表したルックには大きなリボンや複数のリボンを大胆にあしらったデザインが豊富で、可憐で可愛いというよりもむしろ「強さ」を感じるリボンモチーフがずらり。首元やウエストに大きく立体的なリボンをあしらうことでコーデにメリハリがつき、ノーアクセサリーでもインパクトは十分。日常に取り入れるのならボウタイブラウスやリボン結びができる素材のサッシュベルトなどが初心者向けで、モードよりもエレガントに寄せた着こなしにまとめると品よく決まります。ドレンドに復活の「ペプラム」ぺプラムはウエストから裾にかけてをフリルのようにふわりと広げたデザインのこと。実はこのペプラム、過去にブームとなったもののすでに「過去のトレンド」と誰もが思っていたのですが、2023年の秋冬に見事復活。その仕掛け人はアライアやディオール、アレキサンダー・マックイーンなどで、これらのブランドがペプラムルックを発表したことでその復権が確実視されるように。ペプラムの魅力はまずその立体的な造形で、フィット＆フレアシルエットゆえに女性のボディラインをカーヴィーかつエレガントに見せてくれます。実はファッションリーダーとしても大人気の英国王室のキャサリン皇太子妃もコモンウェルスデーの礼拝の際にペプラムジャケットとスカートを着用し、このスタイルもかなり話題となりました。デイリーに取り入れるのなら、まずはブラウスなど主張しすぎないアイテムを選んではいかがでしょう。インパクト大の「3Dフラワー」フェミニンで華やかな3Dフラワーモチーフは、パッと人目を惹くインパクトが持ち味です。今まではプリントや刺繍で表現することが多かったフラワーモチーフを、まるでコサージュのように立体的な3Dにすることで、ベースの服の表情が一気に豊かに。とりわけ今季はそんな3Dモチーフを1箇所だけではなく複数箇所にあしらったデザインが多く、ベースとなる服そのものはシンプルですが、立体的モチーフの効果によって一気に目新しい存在に。ランウェイではセットアップの上下両方に3Dフラワーをあしらったデザインが登場していましたが、リアルに取り入れる場合はトップスのみがおすすめです。ボトムスで取り入れるのは難易度が高く、3Dゆえに見た目にボリュームが出ます。そのため薄手のハイゲージニットなど、着膨れしにくい素材のものが挑戦しやすいですよ。「フーディー」でファッションにアクセントもっとも身近な服で立体感のある衣類といえばフーディーです。トップスやアウターに同布のフードが付いたデザインは防寒などの機能面はもちろんですが、シルエットに変化がつくほか、フード部分が大きいほどに顔や頭をコンパクトに見せてくれる効果も。そもそもフーディーはスウェットにフードが付いたものを指すのですが、今シーズンはスウェットなどカジュアルな素材以外のフーディーに注目。マックスマーラの冬の代名詞であるティディベアコートにもフード付きが登場するなど、フードのボリューム感をアクセントにしたアウターが続々と発表され、そのデザインはモードな雰囲気のものが中心。今季フーディーを着るのなら少しモードを意識し、定番のスウェットフーディーでもボトムスをレザーのロングプリーツスカートにするなど、脱・カジュアルなスタイリングを意識してみてください。コーディネートに立体感をうまく取り入れるコツざっと今季のトレンドに浮上した立体感＆3Dアイテムを紹介しましたが、このトレンドをうまく取り入れるには多少のコツが必要です。というのも、立体感があるということはつまり、全体または一部にボリュームが出るということ。つまり想像以上にバランスがとりにくいのです。例えば肩幅の広い人が3Dフラワーが二の腕付近にあしらわれたニットを着ると非常に上半身が大きく見えてしまうし、身長の低い人がペプラムトップスを着ると重心がより下がって見えてしまいます。そのため、自分が強調したくないと思っている体のパーツがどこなのかを理解し、そこを強調しないアイテムを選ぶことがポイントになります。背が低いのであればボリュームに負けないよう高いヒールの靴を履く、華奢に見せたいのなら縦のラインを強調できる縦長のリボンを体の中心に持ってくるなど、鏡の前でバランスを見ながらしっかり調整を。同じボウタイブラウスでも、リボンを横に大きく結ぶのではなく、結んだ部分より下に垂れる布の分量を増やすことで縦長に見えます。こうしたちょっとしたコツを身につけるには、鏡の前での実践あるのみ。少しのバランスの違いが見た目を大きく左右するのが立体感＆3Dスタイルの特徴なので、購入時に試着は必須ですよ。消費者目線での着こなしのコツは以上ですが、ショップスタッフさん目線から見ると、このトレンドを扱うために必ず必要となるのはお手入れの知識かもしれません。立体的なデザインの服やプラスチックやレザー製のモチーフがついた衣類は型崩れや傷みを防ぐため、着用後のケアから保管方法、クリーニングの種類などを尋ねられることが多々あります。そんなシーンに備え、扱う商品のクリーニングタグは必ずチェックしておきましょう。

2023年の秋冬は立体感・3Dがキーワード　取り入れるコツや着こなしのポイントは？

他の誰とも被らない、今までに見たことのないデザイン。シューズブランドの「iCHiGEKiRiDATSU（一撃離脱）」をひと言で表すのならそんな言葉。このブランドを立ち上げたデザイナーのOikawaさんは、元々はファッションの街として知られる神戸市出身。当初は神戸で靴づくりをしていたものの、2020年に一念発起し祖母の居住地だった鳥取県若桜町に移住を決意。大都市から人口2309人の町へと移り住み、そこにアトリエを構えて活動を続けています。シューズデザイナーを目指したきっかけや靴との向き合い方、環境の違いによる変化についてお話を伺いました。医療と靴を結ぶ接点――子供の頃からバスケットボールに夢中で、いつかはバスケットシューズ（バッシュ）のデザインをしたいという夢を抱いていたOikawaさん。それを叶えるべく進んだのは、意外にも医療福祉の専門学校だったのだとか。医療福祉の専門学校で整形靴を学びました。解剖学や運動学などの医学的アプローチを用いて、患者さんが抱える歩行の障害に向き合うプロセスが、シューズデザインに必要だと思ったからです。それに日本でバッシュを作っていたメーカーへの就職率が高かったのもあり進学を決めました。学ぶうちにファッションやカルチャーに興味が移ったことで、よりクリエイティブなものづくりがしたいと思うようになり、卒業後は東京の浅草にある2年制の本格的な紳士靴靴作りの学校へ。しかし、卒業目前で退学しました。そこで学びたいことはもうなかったし、純粋に最後の授業料を払いたくなかったのが最たる理由ですが、その2年間で周囲との熱量に差を感じてもいたんです。この頃から自分なりの哲学も形成されつつあり、徐々に就職ではなく、ブランドを立ち上げる方向を意識し出していました。そこから神戸に戻って靴のリペア店でアルバイトをしながら、自分の作品を作り始めたのが最初です。――自身の作品づくりに取り組むというのは、いわば起業。迷いや葛藤もあったそうですが？当時は人生に安定など存在しないと考えていましたが、一般的な幸せにも憧れもあったので、先が読めない独立起業という道を進むにはかなりの覚悟を要しました。食えなくなったら最悪餓死してもいいと腹を括りましたが、一方で自分の中で湧き上がってくるアイデアに自信もありました。次々と浮かぶ、行き場のないアイデアをアウトプットしないと勿体ないという欲求に背中を押され、最初に立ち上げたのが“The rooms(to the other side)”というブランドです。このブランドの“HAND BAG”というモデルのショートブーツは2018年のジャパンレザーアワードで審査員賞を受賞したのですが、実はこれには裏話も。というのも、同じく靴デザイナーの友人がここに出品したものの当時審査員を務めていた有名デザイナーに酷評され、その仇討ち的感覚で僕が出品したんです。そしたらそのデザイナーが選ぶ審査員賞を受賞し、僕としては喧嘩を売るくらいの気持ちで出したのにとんだ肩透かしでしたね（笑）。ともあれ、今思えばこの頃はより個性を出そうとし、頭でっかちなデザインばかりをしていました。当時、大手百貨店でのグループ展に出店したのですが、この時店頭で僕の靴が一足も売れなかったんです。これは今も苦い思い出ですが、こんなことやプライベートでの出来事も重なり、環境を変えることを思いつきました。――そして鳥取へ移住を決めたのですね。どうして鳥取だったのでしょうか。もう他界していますが、祖父母の家が鳥取の若桜町にあったからです。子供の頃に帰省した思い出が詰まっている土地だし、修行のように雑念を追い払って制作に集中できる環境が必要でした。それに、もう神戸にいたくなかったのもあります。神戸って観光向きの綺麗な街並みがある反面、闇市の名残が色濃く残る雑多な場所もある。この光と影の二面性みたいな部分が好きだったのが、再開発でどんどん影の部分が消えていった時期でした。まるで自分も一緒に排除されている感覚でしたね。それなら神戸以外に自分のルーツがある場所へと、移住を決めました。環境を変えたことで靴との向き合い方にも変化が――鳥取に居を移したことで作品に何か変化はありましたか？肩の力が抜けました。今まで頭でっかちな理論で靴作りをしていたのが浄化されて、清々しい気持ちでクリエーションに向き合うようになりました。そこで“The rooms(to the other side)”とは別ラインの“iCHiGEKiRiDATSU”を立ち上げました。この背景には田舎の空気感と共に民藝に触れたことも大きく影響していて、僕自身がより身近にアートを感じるようになったから。自分が使うものももっと身近でありたいと思い、またこの頃ファッションブランドとコラボをしたのですが、その時のクリエイティブディレクターさんの考え方にも影響を受けました。いい意味でノリが軽く、一緒に作業を進めるうちに自分の足枷が外れる感覚を味わいました。今までは考えに考えて作っていたのが、即興で面白いものができることに気づき、それが今のデザインスタイルの土台となっています。――鳥取に移ったからこそできるデザインということでしょうか。この土地ならでは、というのは大いにあります。ここは山奥だから本当に何もなくて、でも視点を変えれば“ない、がある”んです。他に何もない分、余計な情報が削ぎ落されて細部にまで目がいくし、感覚が研ぎ澄まされる。駆除された動物の革をもらってそれで靴づくりをしたり、素材にもここにあるものを活かすようになりました。僕はモノに対する愛着が深くて、全てのモノには命があると思っています。だから本来は捨てられるはずのものが形を変えて新たなモノになるここでの暮らしは、とても性に合っているかもしれないですね。元々、祖父母がいたこともあって町の人にも快く受け入れてもらえ、田舎だからこそ受け手の視点に立てばその特異性が武器になる。環境を変えたことは僕にとって大きなメリットだったと思います。――若桜町の駅前に構えているアトリエ兼ショップは、外からは一体なんの店か全くわからないと噂になっていると聞きましたが、どうしてそのような店作りを？（＊アトリエは9月末で一旦クローズし、改めて移転リニューアルオープン予定）iCHiGEKiRiDATSUのロゴは点字なのですが、その暖簾のみがヒントです。あえて外から中が見えないようにし、むしろ外からの侵入を排除するような仕掛けにしてあるのは僕なりの戦略。ついこの先に進みたくなるような冒険心を掻き立てる仕掛けのつもりでしたが、残念なことに本当に誰も入ってきません（笑）。今はSNSで集客や購買につなげられる時代ですが、僕自身は対面派。不思議とこのややこしい仕掛けの先に進んでお話をしてくれた人は顧客になってくれる。時代と相反しているようですが、実際にお会いして言葉を交わして伝えることの大切さはこれからも大事にしていきたいですね。――iCHiGEKiRiDATSUという一度耳にしたら忘れられないブランド名。意味はヒットアンドアウェイという格闘技などで見られる戦法のひとつですが、なぜこのブランド名に？僕が好きな戦法なんです、というのも僕自身はチキンなので（笑）、こういう闘い方が性に合ってる。本来デザイナーをするなら都心でというのがセオリーですが、それこそ誰もが自由に発信できる今の時代において居場所はあまり関係ない。イメージは深い山中からファッションの中心地である都会に向けてスナイパーのように狙いをつけている感じで、ここから世界にも発信できるのは時代の良さ。SNSは名刺代わりにもなるし優れたコミュニケーションツールですが、直に会って会話することが何よりも大切だと思います。――生み出す靴はもちろん、ご自身が非常に個性的な装いをしています。Oikawaさんにとって個性とは何ですか？ジャンルにとらわれないこと。個性と個性的は別のもので、個性的には他者の視点が入りますよね。個性的はファッションでよく語られるような相対的な違いではないし、視覚的要素だけでは語れない。一方で個性は才能に近く、社会性を脱ぎ捨てた時に滲み出る誰もが持っている部分だと思うんです。何系とかカテゴライズされないもの。枠に収まらず○○っぽいという形容をされないものが個性。そういう意味では、唯一無二の靴を作っていきたいです。個性的という言葉が氾濫する時代に、あえて山奥での暮らしを選ぶ。「ない、ことがある」そんな日常の中でOikawaさんが見つめ直すもの。自分の「個」のセンスをとことんまでに突き詰めて作る靴だからこそ、彼が生み出す一足は唯一無二の輝きを放つのではないでしょうか。Kohki Oikawa　おいかわ・こうき兵庫県神戸市出身のシューズデザイナー。医療福祉の専門学校で義肢装具を学び、シューズブランド「iCHiGEKiRiDATSU」を立ち上げた。2020年から鳥取県若桜町に移住しアトリエを構え、自己と向き合いながら中性的で普遍的な唯一無二のモノづくりを行う。【取材場所】珈琲ん神戸市東灘区御影中町1-6-11中野ビル202

大都市から鳥取の山奥に移住、シューズブランド「iCHiGEKiRiDATSU」デザイナーが考える唯一無二のモノづくり

ファッションに関する仕事というと、ショップの販売員など各ブランドで働くスタッフをイメージする人が多いと思いますが、世の中には様々なファッションに関わる仕事が存在します。そんな中から、イラストとストーリーでファッションの魅力を伝えることができる「漫画家」にインタビューをする企画をスタート。漫画家から見たファッションや「好きを仕事にすること」についてお話をうかがいます。第6回は、2011年に『まんがタイムきららフォワード（芳文社）』掲載の『はぢがーる』で漫画家デビューを果たし、現在『モーニング・ツー（講談社）』で『靴の向くまま』を連載中のみやびあきの先生にお話しいただきました。靴を自分に合わせるということ――『靴の向くまま』は靴職人が主人公のお話。なぜ靴をテーマに？大学時代の友人が、佐賀で靴職人としてお店を構えているという話を編集担当さんにしたのがきっかけですね。元々靴を作ってもらいたいとは思っていて、久しぶりに連絡をしたら取材にも快くOKしてくれたので「じゃあちょっと佐賀に行ってきます」と。１カ月先の予約にして、その間に本を読んだり映画を観たりと、靴についての知識を可能な限り詰め込み、靴を作ってもらいにいきました。そしたら奥深くて面白くて…。友人はカジュアルシューズ専門の職人だったので、じゃあ次はパンプスを作ってもらおうと東京のパンプスをメインで受注している職人さんを尋ねました。そしてまた「奥が深すぎる！」と興奮し、今では自分で工房に通い、靴づくりを学ぶまでに（笑）。――ご自身で靴づくりを！どういったところに夢中になったのですか？私は足長が24.5cmで、スニーカーは25cm前後、パンプスは24～24.5cmのものを買っていたのですが、友人の工房でサンプルシューズを試着したところ、友人が首を傾げるんです。「ちょっとこれ履いてみて」と言われて差し出されたのは23.5cmと23.0cmの靴。「爪先はきついと思うけど、踵はいけると思う」と言われ履いてみると、踵がびっくりするくらい気持ち良かったんです。結局、踵は23cmのサイズで、足長は24.5cmで作ってもらうことに。自分の中にあった靴に対する常識が覆された瞬間でした。――部位によってサイズが違うというのは驚きです。世の中には私と同じような方が沢山いらっしゃるんですよね。市販の靴というのは7割の方が「履くことはできる」けど、「本当にサイズが合う」のはたった2~3割の人。というのも、足が入らない靴やきつい靴は誰も買わないので、市販の靴のほとんどは大きめに作られているそうです。大切なのは自分の足の形を知ること。例えばパンプスなどのヒールがある靴の場合、足幅の広さが原因で足先が痛くなると思っている方が多いんですが、ほとんどは靴のサイズが大きかったりつちふまずや足幅の位置・角度など、靴と足の形が違うことによる前滑りが原因なんです。東京の工房でパンプスを作ってもらった時、佐賀の友人にカジュアルシューズを作ってもらった時とは違う方法でも足を測定してもらいました。足にかかる荷重の分布をみたり、ヒールで歩いてみたり。測定したサイズにあわせて木型を調整するのですが、その時は「あなたのベースの木型は踵に合わせると22.5cmです」と言われたんです。それと、市販のパンプスは絶対に合わないことを知り、びっくりでした（笑）。――その驚きが『靴の向くまま』のストーリーの土台なのですね。根底にあるのは、「私でもこんなに快適に履ける靴があるんだ！」という感動と、「みんな自分の生き方で良いんだよ」という想いですね。でも最初からそういうことが描きたかったわけではなく、靴についてとにかく調べて調べて…を繰り返していくうちにまとまりが出て、描きながら私の中でストーリーが生まれたという感じです。描きたかったのは靴の種類の話ではなく、靴を履いた時の高揚感や、その靴を履くことで起きる些細な変化が、人生を左右する大きな変化に繋がっていく…そんな物語。今も「靴を自分に合わせて、自分を認めて歩いていくってどういうことだろう？」と常に考えながら描いています。「あなたの絵ではダメだ」と言われ続けて――絵を描き始めたきっかけは？幼い頃から絵を描くのが好きで、兄の影響でRPGゲームが好きだったこともあり、小学校の卒業文集には「将来はゲームクリエイターになりたい」と書いていました。その頃はファンタジー寄りの絵もたくさん描いていて、同人がきっかけでゲームのイラストやゲーム内漫画を描かせていただいたりしたこともあります。作家として独立する前はライトノベルの挿絵を描きたくて、色々な出版社へ持ち込みをしたのですが、全くうまくいきませんでした。「あなたの絵ではダメだ」と言われ続けて…。――具体的にどういったところが「ダメ」と言われたのでしょうか。私の絵は中性的なんだそうです。ライトノベルなどのコンテンツは、男性向けと女性向けでターゲットが明確に分かれていて、私の絵はそのどちらにも所属できない絵柄だと。だからどの編集部に持ち込んでも「うちじゃないね」と言われてしまう。ただ、漫画を描くようになってから、それまでの「可愛い」や「綺麗」だけではない感想をいただくようになりました。個性のない私のイラストでも、ストーリーの力を借りることで格別可愛く見えたり、特別悲しく見えたり、自分の絵が一番生き生きとする瞬間を自らの手で作り出せるということがとても面白くて。また、ある時モーニング編集部のパーティーで、上の方に「一般受けする絵だね。誰も不快感を持たない絵柄だよ」と言っていただけたんです。私の絵に価値があると思えて嬉しかったです。――いつから漫画をメインに描くように？大学生の時に、漫画コンテストで賞金1万円の奨励賞をいただいたんです。それまでは自分には漫画は描けないと思っていたんですが、そんなこともないのかも…と。その後も同人やアンソロジーで少しずつ描いてはいましたが、ネームを切るのがとにかく辛くて…自分は何かを伝えたいというよりも、絵が描きたいから漫画を描いているんだなと思っていました。でも、別の方の原作を元に漫画を描く機会をいただいた時に、もちろん自分じゃないところから生まれてきたお話に絵を入れる楽しさはあったのですが、「もっとこんな風に描きたいなあ…」というモヤモヤする気持ちも生まれたんです。それから「自分が本当に描きたいものってなんだろう？」と考えるようになりました。それは生きていく中で変わっていくものなんですが、自分が感じたものを言語化するためにずっと闘っているような感覚です。才能や適性は、「やる気」以外にあり得ない――仕事として漫画家の道を選んだきっかけは？漫画でしか成功しなかったからです（笑）。絵を描いて生きていきたいと子どもの頃から思っていましたが、同人イベントがきっかけで、作品を見てくださる方と交流した経験が本当に楽しくて、他の選択肢はありませんでした。ただ、大学在学中に漫画家・イラストレーターとして独立はできなかったので、一度就職をして働きながら持ち込みを続けました。新卒で入った会社では営業だったこともありとても忙しく、絵を描く時間は全く取れないし、夜中に描く生活をしていたら倒れてしまいました。7ヵ月で正社員を辞め、そのあとは派遣社員として勤務時間を一定に保ちながら絵を描く時間を確保することに。会社に所属して働くこと自体は苦痛ではなかったのですが、自分の中での最優先事項は絵を描くことだったので、営業として重要なお客様ファーストを頑張ることができなかったんです。――正社員でなくなることへの不安はなかったのでしょうか。不安はもちろんありました。でも本当に全く絵を描く時間がなかったあの時期を知っているからこそ、まず絵を描けるということ自体が私にとって幸せなことなんです。収入が減るのは怖いことだし、実際お金のために、絵の仕事ならなんでも受けて失敗したこともあります。それでも絵を全く描けなかった時期の方が苦しかったので、その経験を忘れないようにしています。実は辞めた会社では主席入社だったらしく、新入社員代表の挨拶までしていたので、周囲からは「よく辞めたね」と言われました。でも、逃げるために辞めたのではなく、進むために辞めたので、後悔はありませんでしたね。――漫画家としてデビューして、いかがですか？とにかく描き続けて、気付いたらデビューして13年目になっていました。私は就職活動の時に行う適性検査などで「クリエイターへの適性」の数値がとても低く、周りからも「本当に漫画家になれると思わなかった」と言われるほどで、おそらく「向いてなかった」んです。自分でも、本当に叶うとは思っていませんでしたし…。周りの作家さんと自分を比べたり、打ち切りがあったり、辛いことも沢山ありました。私は今でも、自分の才能は疑っています（笑）。――「適性」がなくても夢を叶えられたのは、なぜだと思いますか？デビュー作の『はぢがーる』がありがたいことに沢山の方に読んでいただけたようで、スタートは恵まれたと思います。作品を出す度に、読者の方から宝物みたいな温かな感想をいただけて、小さな成功体験の積み重ねに支えられてここまできました。才能は、「やる気」以外にあり得ないと思っています。本人がやりたいと思って続けられるかどうかだけ。もちろんその業界で上に上り詰めることができるかどうかはまた別ですし、適性と才能が噛み合っていたら強いと思いますが、この差に苦しむ人も多いと思います。私は「やめられなかった」ただそれだけだと思っています。みやびあきの 2011年に『まんがタイムきららフォワード（芳文社）』にて『はぢがーる』で漫画家デビュー。著書に『おにまん』、『なでしこドレミソラ』、『珈琲をしづかに』など。現在『モーニング・ツー（講談社）』で『靴の向くまま』を連載中。『靴の向くまま』（モーニングKC）「いい靴はいい場所に連れていってくれる」――靴職人だった亡き母に教わった言葉を胸に、工房を継いだ歩純結彩。“履き主がいい場所に行けるように”とおまじないをかけながら作られる結彩の靴は、今日も誰かの一歩をやさしく包んでいく――。まだ未熟、されどあたたかい靴職人の物語。

ファッションの魅力を描く漫画家たち　みやびあきの編

私たちが衣類を購入するとき、デザインやパターン以外に、どこの国で作られた服なのかをチェックする人も少なくありません。衣類の場合はどこの縫製工場で縫われた品なのかによって「Made in ITALY」や「Made in JAPAN」と表記されるわけですが、昨今改めて日本製の品質の高さに注目が集まっています。服が世に出るまでにはデザイナーやパタンナーも欠かせませんが、実際に服そのものを作るのは縫製工場。普段あまりスポットが当たらない仕事ながら、縫製工場があってこそ服が完成します。そこで今回は、縫製工場について多彩な角度からご紹介したいと思います。縫製工場とは縫製工場とはその名の通り縫製をして製品化することを担う工場のことで、衣類や鞄などの素材を型紙に沿って裁断し、ミシンで縫い合わせ製品を完成させる職種。工程としては、生地を裁断し縫製を行い、アイロンで仕上げて検品を経て出荷するまでが縫製工場の役割で、つまり衣類が商品として私たち消費者の手に届くまでの大部分を請け負っているといっても過言ではありません。「ものづくり」に対してあらゆる面で高評価を得ている日本の産業ですが、こと繊維産業においても高いレベルを維持しています。しかしこの30年弱の間に、日本国内の縫製工場の数は10分の1にまで減少しました。数字で見てみると、1990年には日本国内に500ほどあったのが2018年のデータでは50を切るまでに減っています。この背景には経済のグローバル化があり、縫製工場も利益を追求すべく様々なコストカットを行うために、韓国や台湾、インドネシアなど海外に工場を移転させたのが理由。ちなみに国内の縫製工場は愛知県に多く、ついで大阪、福井、岡山、滋賀と東海と近畿エリアが中心です。近年の縫製工場年々減少している日本の縫製工場ですが、その規模は5名程度の小規模なものから30名程度の中規模、50人以上のスタッフを抱える大規模な工場までと様々。しかし従業員の高齢化に伴い外国人技能実習生の存在に頼らざるをえない一面もあります。昨今は海外の縫製工場に仕事を取られ国内の工場は閑散期にありましたが、やや状況が変わったのはコロナ禍と急激な円安。コロナの影響で流通が止まり、マスクや医療用ガウンの生産などを機に国内工場への受注が戻りはじめました。受注の増加を受けて縫製加工賃も上昇傾向にあり、ものづくりの国内回帰ともいえるこの状況ですが、まだ若者がここで働きたいと思えるレベルまでは引き上げられてはいないのが実情です。そこを改善すべく、縫製工場の中にはラボを併設したりオリジナルブランドを立ち上げるという、新たな取り組みに活路を見出す工場もあります。縫製工場でできること、できないこと縫製工場であれば生地を服として完成させるまでの全ての工程ができる、と思いがちですが、実のところ縫製工場ではできない部分も多々あります。例えばパターンを引くパタンナーは基本的に縫製工場にはおらず、パタンナーは企画分野の仕事。また、プリントや刺繍といった二次加工と呼ばれる工程もほとんど行われず、これらは専門の工場に委託するのが一般的。それにはプリントや刺繍などに対応するには、それぞれの機械や専門知識を持つ人材が必要となるからで、分業した方がより効率的に工場を稼働させることができるからです。一方で縫製工場でできるのは、生地の裁断や縫製、アイロン仕上げと検品、出荷ですが、これらの作業も分業が基本。1枚のシャツを縫うにしても、襟元や袖口など、パーツごとに専門のチームや人材を置き、分業して縫うことが大半です。工場によって得意分野がある縫製工場とひと口にいっても、それぞれ得意分野やカラーがあり、どんな機械やミシンを導入しているかによっても得意分野が変わります。例えば特殊ミシンひとつをとっても得意分野によって選ぶミシンが異なり、例を挙げると、インナーなどを得意とする場合はオーバーロックや2本針、3本針のミシン、布帛の衣類をメインにしているのなら本縫いやボタンホール・ボタン付けミシンが主流。そのため発注側は事前に製品ごとに適した縫製工場見極め、製品によって発注先を変えることで仕上がりのクオリティを担保するのです。日本の縫製工場はハイクオリティMade in JAPANの衣類は縫製が良いので長く着られる。こういう思考を持つ人は昔から一定数いますが、現在は日本製の価値が以前よりも高まっています。それには日本の縫製工場が減少しそもそも日本製の衣類が少なくなったこともありますが、何より日本の老舗縫製工場の魅力はその品質の高さ。国内工場なのでやりとりがしやすく、納得のいく仕上がりを追求できるのです。日本の縫製技術の高さを象徴するのが、日本を代表するブランド、「COMME des GARÇONS」が発注している縫製工場。COMME des GARÇONSは世界規模のブランドですが、展示会やパリコレクションのサンプルは東京の世田谷にあるティー・アイ・プランニングという縫製工場に依頼しています。この縫製工場はCOMME des GARÇONSの他にも「mina perhonen」などを顧客に持つことから、生地や縫製にこだわるデザイナーの審美眼に叶うだけの技術を持っている証でもあります。下請けからファクトリーブランドへ縫製工場はアパレルメーカーやブランドの受注を受けて服を作る業務ですが、今や工場自らがブランドを立ち上げることも珍しくありません。これらは「ファクトリーブランド」と呼ばれ、工場自らがアイテムの企画やデザインを行い生産し、直営店やセレクトショップなどで販売する手法。デザインと生産が一括でできるので価格もリーズナブルに抑えられ、かつ高品質の商品を生産できるのが魅力です。ファクトリーブランドが顕著なジャンルといえばデニム。デニムの産地である岡山県には多数のファクトリーブランドがあり、ニット製品の工場が多い山形県では老舗ニットメーカーが立ち上げたファクトリーブランドが有名。これらは各工場が持つ強みを活かすため特色がわかりやすく、かつ培った知識や技術でハイクオリティな商品を提供できるので、ファッション業界からも注目を集めています。ファクトリーブランドとして成功している事例今や数多くのファクトリーブランドが国内に存在しますが、中でも成功を収めている代表的な2ブランドを紹介します。まずは「M&KYOTO」。こちらは山形県寒川市に本社を構える紡績・ニットメーカーの佐藤繊維株式会社のブランドで、2001にニューヨークで開催された展示会への出展を機にブランドをスタート。豊富なカラーや自社で紡ぐ糸から生まれる他にないテキスタイルが魅力で、12店舗ある直営店のほか海外にもショップを展開。有名百貨店での取り扱いを多数あります。そしてもうひとつは「HITOYOSHI」。熊本県人吉市に本社工場を持つ日本のシャツファクトリーで、その完成度の高さは世界基準といわれています。HITOYOSHIは2009年、工場の再建を目指すべく大量生産品から脱して高級シャツに的を絞り、後継者を育成するために舵を切りました。大量生産ではなく持続可能なものづくりを目指し立ち上げたファクトリーブランドは、有名百貨店をはじめセレクトショップなどでも高い評価を得ています。これらのブランドのように、培ってきた強みと圧倒的な技術力を持ち、他にはない製品を生み出すファクトリーブランドはきっとこれからも増えていくでしょう。

知っておきたい、縫製工場の仕事内容

2023年7月16日に76歳で亡くなったジェーン・バーキン。彼女のことはよく知らなくても、その名を聞いたことがないという人はほとんどいないでしょう。特にファッション界においては長らくファッションアイコンであり続け、それはきっと今後も変わることはありません。それほどジェーン・バーキンのスタイルがファッション界に与えた影響は大きく、とりわけ1960年代から70年代にかけては、その時代を代表するスタイルアイコンだと言えます。そこで今回はジェーン・バーキンへの追悼の意を込め、ファッションから自然体な生き方にまで、改めて彼女の魅力にフォーカスしていきましょう。フランスに愛された英国人、ジェーン・バーキンコケティッシュな表情にバングスありのロングヘア。若い頃のジェーン・バーキンの姿を見ると、フレンチ・シックという言葉はこの人のためにあるのではと思うほど。パリジェンヌとしての印象が強いものの、実はジェーンはロンドン出身の英国人です。17歳で舞台俳優として活動をスタートしたジェーンが渡仏したのは1968年のことで、18歳で結婚し長女であるケイト・バリーを授かるも3年で破局。離婚後にパリへとやって来ました。その後フランス人アーティストのセルジュ・ゲンズブールと事実婚の関係になるのですが、当時はまだフランス語を話せなかったそう。ゲンズブールからフランス語を学んだという彼女ですが、亡くなるまで英国訛りのアクセントが抜けることはなく、そのアクセントも含めて大きな魅力になっていたのです。なお、彼女の死を受けてフランスのマクロン大統領は自らのSNSで「彼女は自由を体現し、私たちの言語で最も美しい言葉を歌ったことから、ジェーン・バーキンはフランスの象徴だった」と追悼しています。ところでジェーン・バーキンの本業は？と気になる人もいると思いますが、俳優であり歌手、モデルなど、幅広い分野で活躍したアーティストである、というのが正確なところでしょう。ジェーンが愛したフレンチ・シック切りっぱなしのブルージーンズに白いTシャツ。ジェーンの自然体な生き方を体現したのが彼女のファッションです。時にフェミニンな要素をプラスしながらもエフォートレスで、今なお色褪せることのないフレンチ・シック。彼女が愛したのはいずれもベーシックなアイテムながら、時代を超えて愛される名品ばかり。特に好んで身につけていたのは、白いTシャツやボーダートップス、カットオフデニムにカゴバッグやバレエシューズなどで、時にレーストップスなども取り入れて甘さを加えるのもジェーン流でした。一方でドレスアップの際はシースルーのワンピースを纏ったり、年齢を重ねてからはマニッシュなジャケットを好むなど、ハンサムな装いもお手のもの。アイテムこそベーシックですが、彼女のリラクシーな着こなしと相まって唯一無二な雰囲気を醸し出していたのです。ジェーンの愛用品定番を素敵に組み合わせる天才だったジェーンが愛したアイテムは数あれど、代表的なのはカゴバッグでしょう。セルジュ・ゲンズブールが出会って間もない彼女にカゴバッグをプレゼントし、それ以来どこへ行くにも、季節や目的を問わずにそのカゴバッグを愛用し、ボロボロになるまで使っていたのだとか。カゴバッグは夏のイメージですが、お気に入りが見つかればルールやイメージにとらわれることなく常に愛用する。それだけ自分のスタイルが確立していたともいえます。なお、年齢を重ねるごとにジェーンのファッションも変化しますが、基本は無造作でシンプル。ファッションについて聞かれたジェーンが「夏はリネン、冬はカシミアを着るだけよ」と答えた逸話はとても有名です。エルメスとジェーンの素敵な関係ジェーン・バーキンの名を冠したエルメスのバッグ「バーキン」。バーキンが誕生したのは1981年ですが、きっかけはエールフランスの機内での会話でした。偶然客席でジェーンと隣り合わせたジャン=ルイ・デュマは、エルメスの5代目会長。その際にジェーンが持っていたバッグを見た彼が「もっと相応しいバッグがあるはずだ」と、彼女のためにバッグを作ることを提案します。当時子育て中だったジェーンは収納力があってなんでも詰め込めるバッグを探していたため、エルメスを代表するバッグ「ケリー」よりも大きく、ゲンズブールが持っていたスーツケースよりは小さいハンドバッグをと、機内にあったエチケット袋にスケッチを描いたそう。その後ジェーンは機内でオーダーしたバッグを購入するためにエルメスへ足を運んだところ、デュマはバッグ名をバーキンにする代わりにバッグを贈ることを提案。これがバーキン誕生の内幕なのです。送られた黒のバーキンはジェーンによって日本のお守り（！）を含む多くのチャームがつけられ、ステッカーが貼られ、世界にひとつのバッグとなりました。ところでバーキンは高価さとその入手困難さでバッグの最高峰的な印象がありますが、あくまでもカジュアルなバッグ。蓋は開けたまま持つのがお約束で、フォーマルな場で持つバッグではありません。これはバーキン誕生の由来を知っていると、なるほどと頷けますね。よりジェーンを知るための名作映画今私たちが目にするジェーン・バーキンは、雑誌などに掲載される写真が中心。ナチュラルなスタイルで微笑む彼女の魅力は静止画の写真からでもしっかりと伝わってきますが、動くジェーンを見るとその魅力の奥深さに圧倒されます。そこでジェーンの魅力をより知るための映画を3本ご紹介しましょう。「ジュ・テーム・モワ・ノンプリュ(1975年)」1969年に発表された同名の曲をモチーフに、パートナーのゲンズブールが脚本と監督を務めた作品。ベリーショートヘアでボーイッシュなファッションに身を包んだジェーンがジョニーという両性具有的な存在を好演し、フェミニンなジェーンとは異なる魅力に触れられます。「太陽が知っている（1969年）」主演はアラン・ドロンとロミー・シュナイダーながら、ジェーンの出演作としても有名な一作。アラン・ドロン演じるジャン・ポールを誘惑しようとする18歳のペネロペを演じたジェーンの小悪魔的な可愛さが印象的で、クレージュが手がけた衣装も相まってファッションの見どころも多数あります。「ジェーンとシャルロット（2023年）」ジェーンの娘であり、フランスの女優であるシャルロット・ゲンズブールが初監督を務めたジェーン・バーキンの真実に迫ったドキュメンタリー映画。ジェーンが家を出て行った後、父であるセルジュ・ゲンズブールの元で育ったシャルロットが、母であるジェーンにいくつかの質問を投げかけます。母であり女性であり公人であるジェーンの素顔に迫る、優しい時間が流れる映画です。ジェーン・バーキンと日本日本での知名度も人気も高いジェーンは、親日家としても知られています。愛用のバーキンに鶴岡八幡宮のお守りやこけしのキーホルダーがつけられていたのは有名で、40年にわたり何度も日本を訪れていました。なかでも印象深いのは、2011年の3月に起きた東日本大震災直後の来日。原発のこともあって反対する周囲を押し切り、自費で来日し東北でのチャリティーコンサートを敢行しました。その時彼女が手にしていたのは、お馴染みのバーキンではなく布製のバッグ。なんと愛用のバーキンはサインをしてオークションに出し、その売上を復興支援に充ててくれたのです。困難にある時に手を差し伸べる優しい心、そして勇気ある行動力。ファッションはもちろんですが、その生き方や人柄こそが、ジェーン・バーキンが国や人種を超えて人々から長く愛される理由なのだと思います。

永遠のファッションアイコン、ジェーン・バーキンの魅力に迫る

2023年9月20日(水)〜12月11日(月)に、国立新美術館で開催されるイヴ・サンローランの展覧会。モードの帝王と呼ばれたイヴ・サンローランの没後、日本で初となる大回顧展として開催される本展では、日本初公開となるドレスなど約300点が一挙公開されます。スモーキングジャケットにサファリ・ルックといった革新的なスタイルを発表し、マスキュリンな女性像を構築したイヴ・サンローランが残したスタイルは現在も脈々と受け継がれ、後進のデザイナーたちにも大きな影響を残しているのはご存じの通り。そんなイヴ・サンローランが生み出した豪華絢爛な美の世界を間近で体感できるまたとない機会となる本展について詳しくご紹介します。イヴ・サンローラン美術館パリの全面協力により実現2022年、パリの6美術館で同時開催されたイヴ・サンローランの展覧会の記憶も新しいなか、イヴ・サンローラン美術館パリの協力を得て日本でも大回顧展が実現します。1958年にクリスチャン・ディオールの急死を受け21歳の若さで衝撃的なデビューを果たし、デビューコレクションとなった「トラペーズ・ライン」は喝采の的に。以降、1962年からは自身のブランド「イヴ・サンローラン」を発表し、それ以来2002年の引退まで約半世紀にわたり世界のモードシーンを牽引してきました。“女性に力を与えた服”とも称されるイヴ・サンローランのクリエーションをオートクチュールのルック110体に加え、アクセサリーやドローイング、写真、映像といった貴重な資料を含む約300点により、12章構成で余すところなく紹介する今回の大回顧展。これらの作品や資料をもとに、イヴ・サンローランのデザイナーとしての人生と創造の全貌に迫る内容となっています。イヴ・サンローランがモードにもたらしたイノベーションイヴ・サンローランはファッション界に多くの革新的なアイデアをもたらしましたが、とりわけ印象深いのは1966年に発表された「ル・スモーキング(Le Smoking)」と呼ばれる女性のためのタキシードスタイルではないでしょうか。1960年代当時パンツは男性のアイテムであるという認識が根強かったなか、女性のパンツスタイルを積極的に取り入れ、衣服が持つジェンダーのイメージを軽やかに超越。これにより時代が求める新たな女性らしさやエレガンスを生み出しました。その後もピーコートやパンツスーツ、トレンチコートにタキシードなどの紳士服を女性向けに改良し、従来の女性らしさにマスキュリンという価値を付加することに成功。現代では女性のワードローブとして定着したサンローランの普遍的なスタイルを、多数のルックにより紹介しています。アートから着想を得たスタイルの確立色鮮やかな抽象画作品で知られるオランダ出身の画家、ピート・モンドリアン。縦横の直線と赤や黄、青の色使いが印象深いモンドリアンの代表作「コンポジション」をモチーフにしたカクテル・ドレスは、イヴ・サンローランの名を世界的に高めた1枚です。イヴ・サンローランは1965年に発表されたモンドリアン・ルックをはじめ、美術作品とファッションを融合することで伝統的なオートクチュールモードの世界に新風を吹き込みました。同時に演劇やバレエといった舞台芸術や映画の衣装制作など幅広い芸術分野との協働に意欲的に取り組み、アートとファッションを結びつけたのです。本展では前述したピート・モンドリアンへのオマージュであるカクテル・ドレスをはじめ、フィンセント・ファン・ゴッホへのオマージュであるイヴニング・アンサンブルのジャケット「アイリス」(1988年春夏オートクチュールコレクション)などの展示により、イヴ・サンローランがアートとモードを融合することで作り上げたスタイルを紐解いていきます。目で見て、耳で聴いて楽しめる展覧会日本初公開を含む圧倒的な数の作品はどれも、イヴ・サンローランの美学を隅々まで凝縮したエレガントかつ貴重なものばかり。それらの作品や貴重な資料を間近で堪能するのはもちろん、より作品についての知識が深まる音声ガイドを利用するのもおすすめです。本展の音声ガイド／ナビゲーターは俳優や声優としても活躍し、映画監督に作品プロデュースなど多彩な活動を行う津田健次郎氏。落ち着いた低音ボイスによるガイドを聴きながら作品を見ることで、いっそう作品を深く知ることができるでしょう。（音声ガイド当日貸出650円／1人1台）マスキュリンスタイルの確立にアートとファッションの融合と、イブ・サンローランが約半世紀の間にモード界に与えた影響の大きさは計り知ることができません。それらに加え、まだ人種やジェンダーに対して閉鎖的だった1980年代に有色人種のモデルをランウェイに起用したり、プレタポルテの普及に貢献したことも知られています。現代でこそ当たり前となったモード界のさまざまな第一歩を切り拓いたのもまた、イヴ・サンローランその人なのです。本展ではファッションのみならず、そのクリエイティビティーの真髄に迫れる絶好の機会。ぜひお見逃しなく。TEXT：横田愛子【INFORMATION】『イヴ・サンローラン展　時を超えるスタイル』会場：国立新美術館会期：2023年9月20日(水)〜12月11日(月)時間：10:00〜18:00、金土曜日は20:00まで。最終入場は閉館の30分前まで公式サイト：https://ysl2023.jp

イヴ・サンローランの展覧会が開催、日本初公開のドレス300点を展示

　青山学院大学を卒業後、三越伊勢丹の総合職に就職、販売業務を経験。その後独立し、古着ECサイト『from_antique』をオープンさせたゆーみんこと田中祐毅さん。相方のきうてぃさんと古着系YouTubeチャンネル『ゆーみん＆きうてぃ』を運営するなど、あらゆる形でファッションに関わる田中さんですが、今日に至るまでの道のりは決して穏やかなものではなかったそう。形を変えながらもファッションに関わり続けてきたキャリアについて、お話を伺いました。パリでコミュニケーションがとれず絶食――ファッションに興味を持ったきっかけは？高校2年生の時に、東京の大学を見てみようと今一緒にYouTubeをやっているきうてぃとオープンキャンパスに行くことになったんです。僕は群馬県の中でも30分くらい歩かないとコンビニがないような田舎出身で、ファッションに全く興味がなくて。でもきうてぃはその頃からおしゃれでモテモテだったんですよ。そんな彼と一緒に東京に行くなら、おしゃれをしよう！と思ったことがきっかけです。原宿のドクターマーチンで靴を買ったことでファッションの楽しさに目覚めました。――ファッション遍歴を教えてください。ファッションの楽しさに目覚めてからは、お金がなかったので、地元の商業施設に入っている古着屋さんで数百円の古着を買っていました。当時は古着の魅力というよりも、単純に安さで選んでいましたね。大学進学で上京してからも、渋谷や下北沢の古着屋さんによく行っていました。大学1年生の時にコム デ ギャルソンに出会った時は衝撃でしたね。ブランドに対する知識が全くなかったのでブランド名の読み方すらわからず、そのアバンギャルドなデザインに「なんだこの服は！」と驚きました。試着してみると、とにかく格好良くて。服を選ぶ基準が「安さ」から「デザイン」に変わった瞬間でした。それからはアルバイトを掛け持ちして、26連勤したりしながらバイト代すべてをデザイナーズブランドにつぎ込むようになりました。半年で100万円くらい使った時もあったんじゃないかな。――ファッションを仕事にしようと思ったのはなぜですか？20歳の頃、初めて1人でフランスに行ったことが人生の転機になりました。祖父が成人祝いにお金をくれて、「貯めるんじゃなくて何かに使ってみて」と言ってくれたんです。パリは「パリ・コレクション」が開催され、ヴィンテージアイテムが豊富ですから、せっかくならファッションの街に行こうと決めました。ところがいざ行ってみると英語もフランス語も話せず、現地の飲食店の店員さんとコミュニケーションをとるのが怖くて、約2日間何も食べられなくて…。いよいよふらふらになって、目の前のサンドウィッチ屋さんでなんとかメニュー表を指差しながら注文しようとしていると、隣にいたおじいさんが手伝ってくれたんです。仲良くなって近くのベンチで一緒にサンドウィッチを食べました。共通言語はありませんでしたが、身振り手振りで30分ほど話したことが僕にとってとても大きな経験になりましたね。その夜ホテルで日常会話に必要な英語を詰め込み、次の日からは蚤の市に行って拙い言葉で服を買うことができました。そこで、バイヤーになりたいなと思ったんです。――大学卒業後、すぐにバイヤーの道へ？バイヤーになるためにはどうしたらいいかを考えた時に、まずはアパレル企業でバイヤーの経験を積んだ方がいいなと思いました。デザイナーズブランドにハマっていた大学1年生の頃に新宿伊勢丹に通っていたので、三越伊勢丹の総合職を目指して就職活動をしました。三越伊勢丹では2年間販売員を経験した後、バイヤーへの道が拓けます。総合職は主にアシスタントバイヤーや商品部などのバイヤーチーム、フロアの区画ごとのシーズンテーマや什器を決めたりブランド担当者と交渉したりするマネージャーチームの2種類。その他にも海外で活躍する部署や総務部、お得意様営業のような特殊な部もあります。僕は最終的にはもちろんバイヤー志望でしたが、販売研修では自主編集の2階デザイナーズフロアにどうしても行きたくて。就職活動では三越伊勢丹一択、しかも販売員研修では「絶対にデザイナーズフロアに行きたいんです！」というくらいの熱意を持っていました。自分の可能性を信じて一歩踏み出すこと――就職活動ではどんなことを意識されましたか。とにかく企業研究と面接の練習をしました。どんな質問が来ても絶対に答えられるように、IR情報や社員数などの細かい数字データも覚えて、今年のシーズンテーマ、スローガンなども頭に叩き込みました。就職活動は大変でしたが、他の人と比べるとスムーズに進んだ方かもしれません。――他の人と比べた時のご自身の強みは？小さい頃から頭で考えたことをまとめて言葉にすることが得意で、就職活動中も面接を受けて落ちたことがなかったので、自分の強みなんだなと意識するようになりました。面接はもちろん面接官との相性もありますが、基本的にはコミュニケーション能力が重要視される場面だと思っています。僕はコミュニケーション能力というのは人に対して適切な距離を保てるか、だと思っていて。その力を養うためにおすすめなのが、飲み屋さんで知らない人に話しかけること！（笑）。飲み屋さんには色々な年齢や性別の人がいて、気軽に話しかけられる雰囲気があるので、お酒の席で本当にたくさんの人と話をしました。――知らない人に話しかけること自体がハードルが高いように感じます！（笑）実は僕もいまだに「恥ずかしいな」「怖いな」と思うこともあります。でも人間は本来、社会性を持つ群れを成す生き物なので、できないことはないはず。「人見知りや引っ込み思案を克服しよう！」というよりも、「自分にレッテルを貼って可能性を潰すのを一度やめてみませんか」ということなんです。まずは自分の可能性を信じて、一歩踏み出すことが大切だと思います。「“普通のこと”が僕にはできないけれど、他の人ができないことが僕にはできる」――それだけ熱意のあった三越伊勢丹を退社したのはなぜですか？入社して半年くらい経った頃、自分が組織に属するということが極めて苦手なことに気が付きました。会社員という働き方が向いていないなと。そもそも僕は入社式の日に絶対忘れてはいけない重要書類を忘れた男ですから…（笑）。運よく家が近かったので走って取りに行ったんですけど、今度はハンコを忘れたんですよね。多くの人ができることが僕にはできない。なのに自分が正しいと思うやり方で仕事をやりたい！なんていう新入社員、扱いにくいですよね（笑）。でも、「自分ってなんてダメなんだ…」という無力感よりも、「絶対に成功してやる！」というやる気が沸いてきました（笑）。人と違うというのは強みでもあるなと思ったんです。“普通のこと”が僕にはできないけれど、他の人ができないことが僕にはできるんだと。でも、社会人としてどういうことが求められるのか、という常識を教えてもらうことができたので、一度社会人として働けた経験は良かったなあと思っています。――退社後、どのようにしてバイヤーの道に？実は20歳で初めてパリに行ってから、学生の間にロンドンやイタリア、アメリカなど様々な国で服を買い付けていました。特に勉強をしたわけではないのですが、買い付けた服を売って、旅費を稼いで…とそれなりにうまく回っていたと思います。今のようにフリマアプリはないですから、ネットオークションで販売をしていました。大学3年生くらいからはアルバイトをしなくても良いくらいそのスモールビジネスが軌道に乗り始めていたので、三越伊勢丹を退社した後は自然とそっちの道に戻った感じでしたね。――販売員とバイヤー両方を経験してみていかがですか。販売員はやはりマナーがとても厳しいので覚えるのが大変でしたが、元々接客が好きだったので全く苦ではなかったですね。バイヤーとして独立して大変だったことは、圧倒的にお金です！（笑）。個人事業主になってからは常に不安ですね。ただ、経営者として成功している親戚が言っていた「経営者は孤独との闘いだ。でも、良いもんだぞ」という言葉がすごく印象的で。これだけ成功した人でもずっと不安なんだとわかって、とても気持ちが楽になりました。自分は孤独で不安で当たり前だと思えば怖くなくなる。――田中さんにとって『でも、良いもんだぞ』と思えることはなんですか？YouTube は自分に向いているかどうかは考えず、23歳の頃に友人・きうてぃと「やってみよう！」と挑戦的に始めたんですが、僕たちの動画がきっかけでヴィンテージを好きになりましたという感想をいただくことも増えました。ただただ楽しくて続けてきたことが、こんな風に誰かに届いているんだなと思う度、非常に嬉しく思います。不安なことはもちろんたくさんありますが、『でも、良いもんだぞ』と思える瞬間ですね。ゆーみん／田中 祐毅　たなか・ゆうき2017年に三越伊勢丹に入社し販売員を経験後、独立して古着EC「フロムアンティーク」（from_antique）を立ち上げ。2018年にスタートした古着を扱うYouTubeチャンネル「ゆーみん&きうてぃ」の登録者は4.94万人を超える。https://www.from-antique.online/https://www.instagram.com/from_antique/https://www.youtube.com/channel/UC5inJSxP6sLqm2aJs_ArqmATEXT：鷲野恭子(ヴエロ)PHOTO：坂野 則幸

伊勢丹の販売員を経てバイヤーの道へ、古着ECフロムアンティークの田中祐毅にインタビュー

性別にとらわれない、という意味を持つジェンダーレスというワードも今や当たり前になりました。昨今はメンズメイク市場の活況もあり、日常的にメイクをする男性も増えてきましたが、同様にファッションの世界でも年々ジェンダーレス化が進行中。しかし実はメンズファッションにおけるジェンダーレスの波は過去にも幾度かあり、昨今のようにある程度定着するまでにはカウンターカルチャー的に一部の男性の間で支持されたこともあったのです。そんなムーブメントを経てようやく今、メンズファッションのジェンダーレス化が本格的に定着したのかもしれません。そこで今回はジェンダーレスなメンズファッションが定着するまでの流れを追っていきましょう。最新メンズコレクションに見るジェンダーレスジェンダーレスファッションが注目されるようになったのはここ数年のこと。きっかけは世界最大級のモードの祭典として知られる「メットガラ」でした。このイベントでは毎回設定されたテーマに沿ったドレスアップを求められるのですが、2019年のテーマは芝居がかったものや人工的なものを意味する「キャンプ」。これに参加した多くの男性セレブたちがワンピースやスカートなどを身に纏ったことで、ファッションのジェンダーレス化が加速したと言っても過言ではありません。特にそれが顕著になったのが、ミラノとパリで開かれた2023-2024年のA/Wメンズコレクションでしょう。スエードのワンピースを発表したプラダにスズランモチーフの刺繍を施したジャケットを提案したディオールなど、繊細かつ優雅にジェンダーの枠を超越したデザインが目を惹き話題を呼びました。もちろん以前から服のシルエットによる男女差の垣根を超越するデザイナーはいましたが、大手メゾンまでがこぞってメンズファッションに女性的な要素を取り入れ出したことで、ついにジェンダーレスファッションが本格的に市民権を獲得し始めたのです。男性が纏うスカートの歴史近年メンズコレクションでも豊富に発表されるようになったボトムスにスカートがあります。スリットが入ったロング丈からショートパンツながらも一見するとスカートに見えるデザインのものまで、まるで男性たちが自らの脚を解放し始めたかのよう。しかし現代でこそスカートは女性的なアイテムの代表格ですが、スカートが初めて誕生した古代エジプト時代には男性用の衣服でした。その後中世になるとヨーロッパを中心に洋裁技術が発展したことで機能以上に装飾的要素が重視されるようになり、この辺りからスカートは女性が履くものという認識になっていったそう。ヨーロッパで一般男性がパンツを履くようになったのが16世紀からなので、男性がスカートを履いていた時代は古代エジプトからルネサンス期までと、実に長期にわたるのです。さて、ここで目を向けてほしいのが世界の民族衣装。フィジーやブータン、ミャンマー、ギリシャでは男性の民族衣装もスカートであり、日本の着物にしても、スカートそのものではなくともボトム部分を見ればスカート様のデザインであることに気づくはず。そう、伝統的な衣装から伝わるのは、スカートは古来から女性だけでなく男性の体も包んできた衣類だということです。スコットランドのキルトを紐解く民族衣装の中のスカートを語る際に、忘れてはいけないのがスコットランドの男性が纏うキルトでしょう。現在では正装ですが18世紀までは普段着としても使用されており、特徴的なタータンチェック柄のウール生地が印象的。このチェック柄は民族や地位、身分によって異なり、日本でいう家紋的な役割を果たしています。ちなみに形状は巻きスカートと同様ですが、スカートとは言わずにキルトと呼びます。ちなみにキルトは軍服でもあり、湿地帯が多いスコットランドの気候に適したもの。湿地を行軍する際に水分の吸収によって衣類が重くなることを避け、下半身の乾燥を保ち衛生的に保つという役割も持っていました。ところで日本男性の正装は紋付の羽織袴ですが、紋＝タータンの模様、袴も一見ロングスカートのように見えるところなど、スコットランドのキルトとの共通点が複数あるように感じますね。かつて日本でブームとなった「フェミ男」ファッション1990年代の日本で局地的にブームになったメンズファッションに「フェミ男」があります。フェミ男とはフェミニンな男の子のことで、華奢でどことなく女性的な雰囲気を持つ男性、および彼らが纏うファッションのこと。当時フェミ男ブームを牽引したのがいしだ壱成さんや武田真治さんで、その頃は共に中性的な雰囲気で多数の雑誌のカバーを飾っていました。この頃、彼らに憧れた男の子が手に取ったのがロングスカート。彼らは女子顔負けの華奢な身体でレディスの服を纏い、その中の選択肢にスカートがあったのです。基本はダークカラーのマキシ丈などで、ピタピタサイズのTシャツにキャスケットなどと合わせるのが定番。しかしブームといえども当時はまだ異端であったメンズスカートですが、この頃から日本では徐々にジェンダーレスファッションの土台ができ上がりつつありました。モード系ファッションとメンズスカート現代のメンズスカートがモードと切り離せない関係にあるのは、フランス人デザイナー、ジャンポール・ゴルチエの功績。1985年、ランウェイに初めて男性用スカートを登場させたのがゴルチエでした。そのデザインはワイドパンツの上にラップスカートを合わせたルックでしたが、以降モードを愛する男性の間でメンズスカートは「あり」となったのです。日本でもコムデギャルソンのスカートをパンツに重ねて履くスタイリングなどが人気を呼び、モード系と呼ばれるファッションを好む人の間ではメンズスカートやスカート風のワイドキュロットが浸透。モード系はコムデギャルソンやヨウジヤマモトが1980年代に提案した「黒の衝撃」と呼ばれる全身ブラックのスタイルがベースですが、これもアシンメトリーかつルーズなシルエットなど、フォルムで見せるデザイン。モード系にメンズスカートが広がったのは、スカートもモードなフォルムを構築する一つのピースだという感覚があったからかもしれませんね。ジェンダーレスなメンズファッション男性らしく、女性らしく、という言葉はもはや前時代的になりつつあります。そもそも女性のファッションにはマニッシュな装いという切り口が古くからあり、それこそイヴ・サンローランが生み出した「ル・スモーキング」と呼ばれるパンツスーツがそれにあたります。しかし長らく男性の女性的なファッションは、あるにはあったものの大きなムーブメントにまではなりませんでした。けれど性別を超えありのままの自分を発信する土壌が醸成しつつある今、いっそうメンズファッションのジェンダーレス化は進んでいくのではないでしょうか。

ジェンダーレスなメンズファッションはどのようにして定着したのか

夏の装いの代表格でもある浴衣。お祭りや花火大会の際に袖を通すおしゃれ着の印象が強いですが、夏に涼しく、また華やかさもある浴衣こそ、現代の日本人にとっては一番身近な和装ではないでしょうか。夏が近づくにつれさまざまな浴衣が登場し、昨今は人気ブランドやセレクトショップからも浴衣が登場するように。その柄もベーシックなものから個性的なものまで彩り豊かで、帯とのコーディネート次第で着こなしの幅は無限大。そこで今回は本格的な夏を前に、知っておきたい浴衣のアレコレをご紹介します。浴衣の歴史今でこそおしゃれ着としての地位を確立した浴衣ですが、浴衣が誕生した平安時代には外で着るものではありませんでした。平安の世、浴衣は「湯帷子（ゆかたびら）」と呼ばれ、貴族が入浴する際に身に着けたもの。当時のお風呂は蒸気を浴びる蒸し風呂だったため、裸体を隠す以外にも火傷を防いだり汗を吸う目的で着ていたのです。そこから時代は進み、江戸後期になってようやく浴衣を外で着る文化が庶民の間にも根づきます。その背景には銭湯の普及があり、風呂上がりにそのまま着られる手軽さが人気となったため。今も温泉旅館などでは浴衣が用意されていますが、本来浴衣は湯上がりにサラッと纏う和製バスローブ的なものなのです。とはいえ、この頃まだ浴衣はワンマイルウエア、現代の部屋着の延長といった感覚。しかし天保の改革で贅沢品を禁じられたことで、絹よりも安価な木綿の浴衣が広まり、外出着としても用いられるようになりました。現在のように夏のお出掛け着として定着したのは明治時代からなのです。浴衣を着る際の注意点浴衣ではNGな場所和服が一般的ではなくなった現代において、着付けが必要となる浴衣に特別感を持っている人もいるかもしれません。実際にイベントなどで着ることも多いため、普段のおしゃれよりもドレスアップした気分になるのも頷けます。しかしここで気をつけたいのが、浴衣はあくまでもカジュアルな装いだということ。着物といえ正装ではないため、ドレスコードがあるようなレストランや結婚式、クラシックコンサートや歌舞伎、各種式典などにはもちろんNG。Tシャツで結婚式に行かないように、やはりTPOを弁える必要があるのです。そういった場に和装で行く場合、夏ならば絽や紗の着物を選んでくださいね。なぜ襟合わせは「右前」なのか自由に和装をする時代とはいえ、浴衣をはじめ着物には鉄の掟があります。それが「右前」と呼ばれる襟の合わせ方。右前とは右の襟が体についている状態のことで、左襟が上になっていること。少し分かりづらいですが、つまりは左襟が上と覚えるのが簡単です。この右前ルールですが、そもそもは1300年前の奈良時代、着物を右前で着ることを要請する衣服令なるものが出されたそう。この背景には高貴な人のみ左前で庶民は右前で着るという中国の唐の思想があったと言われています。ちなみに左前で着物を着るとき、それは人生と別れを告げた時です。つまりは死装束を纏う際。なぜ死装束が左前なのかにも諸説あるものの、この世の世界と逆にすることで死後の世界と区別したり、死後は高貴な人も庶民も平等という理由もあるとのこと。なお、着物＝右前が当たり前なので、柄によっては右前がより華やかにデザインされているものもあるのです。浴衣の着付けに必要なもの浴衣はコツさえ覚えれば一人で簡単に着付けられます。浴衣に必要不可欠なアイテムを覚えておくと便利ですよ。まずは帯、そして下駄。この辺りはよく浴衣とセットで売られていますね。他にも着崩れを防ぐための腰紐や襟が浮くのを押さえる伊達締め、帯を締める際に胴の前部分に着用し、シワを防いできれいに見せる帯板（前板とも言う）、着付けの際に帯や襟の形を整える仮止めに使う着物クリップが必需品。これらはどれも外から見えないアイテムですが、着崩れせず美しく浴衣を着るには欠かせないものばかり。また、外出着に浴衣を着るのなら汗染みや透けを防ぐ下着もマスト。浴衣用のインナーも売られていますが、ワンピース用のスリップなどでも代用できます。もし誰かに着付けをお願いする場合、これら必需品も忘れず持参してくださいね。なお、浴衣に合わせるバッグですが、シンプルなカゴバッグに浴衣の色柄に合わせたチーフなどを巻くなど、アイデア次第では手持ちのバッグでも粋に決まります。レザーなどではなく自然素材の涼しげなバッグを選ぶと、季節感も出て良さそうです。自由になってきている浴衣の着こなし最近は着物を現代的な感覚で組み合わせるスタイリングを目にします。素材自体がデニムだったり半襟にフリルをあしらったりと、和洋折衷というのがひとつのキーワード。中には首元からデザイン性のあるハイネックのインナーを覗かせるなど、洋装文化が入ってきた大正ロマン的なコーデが若い女性の間では人気の様子。思えば坂本龍馬も着物の足元はブーツだったので、和洋折衷スタイルはかなり昔からあったのでしょう。ただ、浴衣をはじめ着物の着こなしの面白さのひとつに、奇抜な色合わせや柄合わせの妙があります。シックなグレーの着物の半襟には鮮やかなピンクなど、ハッとする配色でも様になるのが和装の魅力。浴衣なら帯の結び方や帯紐で遊ぶなど、あえて奇抜なコーデをしなくとも個性を際立たせながら素敵に着こなす方法は多種多様。浴衣姿は涼しげでたおやかに見えるのも魅力のひとつなので、正統派の着こなしの中で配色や小物使いでささやかにアレンジを加えるのもおすすめです。ファッションブランドの浴衣にも注目ジュンココシノにアニエスベー、メゾンドフルール、ツモリチサトなど、浴衣をリリースするブランドは多数あります。これらブランドが手掛ける浴衣の魅力は、やはりデザイナーの世界観が浴衣の柄に大きく反映されていること。モダンであったりラブリーだったりと、そのデザイナーのテイストが好きな人にとってはツボを抑えたデザインに仕上がっています。浴衣は元々は綿の布なので、どんなテキスタイルデザインの布を作るかがポイントとなるもの。形そのものは一般的に決まった形だけに、生地そのものにデザイナーの個性や嗜好が反映されるのです。また、浴衣には大きくプレタ浴衣と誂え浴衣があります。プレタ浴衣はすでに浴衣の形になって売られているもので、誂え浴衣は反物を選んで自分のサイズに仕立ててもらうもの。高級浴衣は誂えであることが大半で、かつ柄はプリントではなく手染め、仕立ては手縫いといったディテールに大きな差があります。安価な浴衣で気軽に夏のおしゃれを楽しむもよし、仕立ての良い高級浴衣の美しいシルエットを楽しむもよし、浴衣の楽しみ方は無限です。TEXT：横田愛子

浴衣を着る際の注意点や着付けに必要なものは？

近年、オンラインショッピングの普及や輸入衣料品を扱う店の増加により、海外の服を手軽に購入できるようになりました。しかし購入の際、ネックとなるのが日本とは異なるサイズの表記。国際基準としてS・M・L・XLといった表記は存在しますが、国によってサイズ感の違いが生じるため、欲しい服が日本サイズでは何になるのか把握しておく必要があります。本記事ではインポートブランドなどを購入する際に知っておきたい、日本と海外におけるサイズ表記の違いについて国際基準と比較して解説します。国際基準サイズとは日本では日本独自の国家規格としてJIS（日本工業規格）、S・M・L・LLなどを設けています。このように国ごとに定められたサイズ規格が異なるため、世界の基準サイズとして定められたのが国際基準サイズ。また、国際基準はS・M・L・XLなどで記され、例えばレディース（トップス）の国際基準「M」は日本のJIS規格の「L」とサイズ感がイコールです。同じ単位を使っていたとしても、国によって計測する際のスタート地点が異なることもあるため、国ごとにサイズの違いを比べるのは至難の業。そのため、国際基準と比較することで各国のサイズの違いをよりわかりやすく理解することができるのです。トップスのサイズ表記・日本サイズ日本の服のサイズ表記は、JIS規格のS・M・L…以外に、トップスの場合、メンズ・レディース共に「号」の単位が用いられます。国際基準のMサイズはメンズなら3号（L）、レディースなら11号（L）に相当します。号数は基本的に奇数が用いられていますが、これは日本で洋服のサイズを決める際、アメリカの規格を参考にしたため。アメリカでは成人サイズが偶数、ジュニアサイズが奇数とされていますが、日本の成人女性がアメリカのジュニアサイズにフィットしたので、その名残が現在まで受け継がれています。これにA・Y・AB・Bなどチェストとウエストの寸法差による体型の区分、R・P・Tなどの身長による区分が併記されることがあります。日本人女性の場合、身長158cmの「9AR」が最も標準的な体型とされています。・USAサイズとEUサイズ、UKサイズアメリカ（USAサイズ）やイギリス（UKサイズ）、ヨーロッパ（EUサイズ）のサイズ表記は基本的に「インチ」を採用しており、2桁の偶数で表記されます。1インチ＝2.54センチとなります。メンズの場合、アメリカとイギリスはほぼ同じサイズ感でMサイズは「38」ですが、ヨーロッパでは平均身長の高さから国ごとに独自の計算方法が用いられ、Mサイズはドイツとイタリアで「48」、フランスでは「42」となります。レディースの場合、アメリカとイギリスでは、日本でも使用されている「号」が用いられます。Mサイズはアメリカで「8」、イギリスで「12」とされています。ドイツのレディースの標準サイズは「38」ですが、フランスでは「40」、イタリアでは「44」となります。「サイズ38」という言葉もあるように38インチは洋服のサイズにおける基準値とされています。しかし、国ごとで標準サイズの捉え方に違いがあるため、自分が買おうとしている服がどの国の基準でサイズ表記しているかを把握しておきましょう。ボトムスのサイズ表記・日本サイズ日本におけるボトムのサイズは「センチ」が単位として使用されています。Mサイズはメンズの場合、「76〜84」とされ、レディースは「67〜70」となります。ただし、デニムやジーンズの場合は日本のメーカーでも海外表記の「インチ」を使用するケースが多く見られます。・USAサイズとEUサイズ、UKサイズアメリカ・イギリス・ヨーロッパでのボトムのサイズは主に「インチ」が使用されます。レディースでもボトムについてはインチ表記になります。トップスと同じく国ごとに表記の差があり、メンズのMサイズはアメリカ・イギリスで「30〜31」、ドイツで「48〜50」、フランスで「40〜44」、イタリアで「46〜48」となります。レディースのMサイズはアメリカ・イギリスで「26〜27」、ドイツで「36〜38」、フランスで「38〜40」、イタリアで「40〜42」となります。ボトムは日本と海外で体型の差がトップス以上に明確に現れるアイテムです。そのため購入する際は、できる限り試着することがおすすめです。【知っておきたい】Tシャツやパーカーの厚みに使われるのは「オンス」Tシャツを選ぶ際にサイズと共に表記されるのが、「オンス」という単位。これはアメリカやイギリスで使用されるヤード・ポンド法で示す重さの単位で、Tシャツの生地の厚さの基準になってきます。Tシャツにおけるオンスとは約90センチ四方に対する生地の重さで、1オンスは約28.35グラムになります。Tシャツを選ぶ際にサイズと共に表記されるのが、「オンス」という単位。これはアメリカやイギリスで使用されるヤード・ポンド法で示す重さの単位で、Tシャツの生地の厚さの基準になってきます。Tシャツにおけるオンスとは約90センチ四方に対する生地の重さで、1オンスは約28.35グラムになります。オンスの数字によってTシャツの着心地を判断することができます。ヘヴィーウェイトと呼ばれる5～6オンスであれば、適度な厚みがあることから白色でも透ける心配がなく、オールシーズンの着用に適しています。夏場にサラッとした着心地を求めるなら3～5オンスがおすすめ。ただし、生地が薄いため、透けやすさや洗濯の際の型崩れに注意する必要があります。6～7オンスになると冬場でも温かく着ることができますが生地が厚い分、固さやごわつきが気に可能性もあります。オンラインショッピングにおけるサイズ選びのコツオンラインショッピングでは実店舗のように試着できないケースが大半で、試着可能な場合でも商品を送り返す必要があるため時間と手間がかかってしまいます。そのため、国内外問わず、オンラインで服を購入する場合は自分の体のサイズを慎重に調べておく必要があります。基礎知識として知っておきたいのが、表記されているサイズは服の寸法ではなく、着る人の体のサイズを表しているということ。これはヌード寸法という採寸法に基づいて決められており、トップスであればバスト・ウエスト・肩巾・袖丈、背丈、ボトムであればウエスト・ヒップ・レングスなど、パーツごとに測定の仕方が細かく定められています。これを詳細に把握し、国ごとに定められた基準に当てはめれば、サイズ選びでの失敗を未然に防ぐことができるでしょう。

知っておきたい　日本と海外のサイズ表記の違いについて

現在、ECサイトが活発になっているアパレルの販売形態ですが、商品を手に取って確かめることができる実店舗は、やはり人気が高く、休日ともなれば、多くの人が人気ショップへと足を運んでいます。実店舗の運営スタイルもまた多様性に富んでおり、業態ごとに働き方や運営の方法も異なります。今回は、アパレルの実店舗におけるショップの違いについて紹介します。フラッグシップショップフラッグシップショップは、メーカーが展開するブランドの中で中心的な役割を担う店舗を指します。通常の店舗とは異なり、アパレル以外の要素も充実させているのが特徴。カフェ・レストランやアートの展示スペースを設けた店舗もあり、ブランドの世界観やコンセプトを広く訴求します。東京では銀座や青山、大阪では梅田や心斎橋など、大都市の一等地にあることが多く、有名建築家が設計を手掛けた建物が周辺のランドマーク的存在になることもあります。セレクトショップセレクトショップは、店舗が定めたコンセプトに沿って、さまざまなブランドの商品を仕入れて販売するショップです。日本ではUNITED ARROWS、BEAMSの他、JOURNAL STANDARDを展開しているBAYCREW’Sなどが有名です。トレンドアイテムを手頃な価格で購入でき、コーディネートも総合的にプロデュースすることから、ビギナーから上級者まで、幅広い層にファッションの楽しさをアピールします。近年ではセレクトショップのオリジナル商品も多数販売されるようになってきています。ショップ・イン・ショップショップ・イン・ショップとは、文字通り「店の中にある店」という意味で、デパートや商業施設に入居している店舗になります。集客力のある施設にあることで幅広い顧客を獲得でき、売り上げを立てやすいのがメリットです。一方で売り場のデザインや営業時間、定休日などを施設のルールに合わせなければいけないため、自由度が低いという側面も。大型の売り場の中、メーカーが独自性を打ち出すために作るコーナーもショップ・イン・ショップと呼ばれます。アウトレットストアメーカーがシーズンオフの過剰在庫やキズ物商品を処分するために設営する直営店舗をアウトレットストアと言います。日本では1990年代から出店数が増え、高級ブランド商品を安価で購入できることから人気を博しています。郊外では100軒以上ものアウトレット店が入居するモールもあり、ドライブコースの一つとして利用する人も多く見られます。小売店がメーカーと取り引きして在庫品を販売する形態を「リテール・アウトレット」と呼びます。オンリーショップオンリーショップは、一つのメーカー、一つのブランドなど、コンセプトに沿って商品を限定し、販売する店舗で、和製英語として用いられています。アパレル業界では、デザイナーズブランドのショップと同義語で使われることもあります。一つのブランドを深く掘り下げるため商品ラインナップが豊富で、コアな固定客を主なターゲットとしています。ブランドイメージを色濃く打ち出すので直営店のように思われますが、別会社が代理で運営する場合もあります。路面店路面店は、大きな通りなどに建つ店舗で、主に経営力のある大手ブランドやセレクトショップが利用しています。集客は立地条件に左右されますが、都心の一等地に構える店舗なら家賃が高額な分、人目に触れやすいので宣伝効果も抜群。商業施設のルールなど制約を受けないため、売り場のレイアウトや営業時間、取り扱う商品をオーナーが自由に設定できます。売り場面積が広く、集客力の高い店舗はキーテナントやアンカーストアとも呼ばれます。ポップアップショップ（ストア）ポップアップショップ（ストア）は、商業施設などの一角を借りて期間限定で開店する店舗です。メーカーが新たに展開する商品やブランドのプロモーション、認知度の拡大を狙って出店するケースが多く見られます。顧客とコミュニケーションを取りやすいことから、マーケティングの手法の一つとしても確立されています。短期間の出店で話題を作りやすく、SNSを利用したアピールと相性が良いことが特徴です。コスト面の負担が大きいため、利益目的ではなく、PRのための利用が一般的です。スペシャリティストア「専門店」を意味するスペシャリティストアですが、アパレル業界では、さらにその意味を絞り込み、「顧客に対して、より明確にブランドのコンセプトをアピールする店舗」というニュアンスで捉えられています。日本では、バーニーズニューヨークの進出により、広く知られるようになったスタイルです。内装やディスプレイなど、店舗に一歩足を踏み入れただけで、ブランドの世界観を即座に体感でき、クオリティの高いサービスを充実させているのが特徴です。テナント店商業施設に入居する店舗をテナントと呼ぶこともありますが、本項では、オフィスビルなどに入居している店舗として解説します。テナントは、自身がオーナーとなって物件を借りるため、営業時間や定休日の制約がないなど、自由度が高いのが魅力。開業して間もない小規模なブランドでも店を構えることができます。しかし、立地条件に問題があったり、外からの視認性が低いと店の存在に気づかれにくいのが難点。知名度を上げるには、SNSなどを使って積極的なプロモーションを展開する必要があります。TEXT：伊東孝晃

セレクトショップやフラッグシップショップなど、「〇〇ショップ」の違いを解説

墨で一気に描き上げたスタイル画を真骨頂とするファッション・イラストレーター、森本美由紀(1959～2013)。1980年代から2000年代にかけて活躍した彼女の回顧展となる『伝説のファッション・イラストレーター 森本美由紀展』が東京・文京区の弥生美術館で6月25日まで開催されています。岡山県津山市生まれの森本美由紀は、「コム デ ギャルソン」の川久保玲、「ヨウジヤマモト」の山本耀司、「ピンクハウス」の金子功、「ユキコハナイ」の花井幸子ら、日本を代表するデザイナーや芸術家を数多く輩出してきたセツ・モードセミナーに1979年に入学(2017年4月閉校)。日本のファッション・イラストレーターの草分け的な存在であるスタイル画の第一人者、長沢節のもとで学び、在学中にイラストレーターとしてデビュー。以後はフリーランスのイラストレーターとして、エディトリアル、広告を中心に幅広く活躍してきました。没後10年が経ちますが、モードな感覚を墨で描いたファッション・イラストレーションは今なお他の追随を許さず、デジタルでイラストを描くことが主流になった現代において、森本の筆と墨を用いた一発勝負のアートワークは注目を集めています。そのアートワークを楽しめる本展は、セツ・モードセミナーで学んだ画学生時代、1980年代のカラフルな作品から筆と墨を使ったドローイングへと移行する過程を原画193点と多数の資料で紹介。どのような変化を辿ったのかを知ることができる内容になっています。初期にあたる1980年代の作品は、カラフルな色彩で描かれたペン画が中心。伝説の少女雑誌『Olive』(1982年創刊／2003年休刊)やファッション誌『mc Sister』(1966年創刊／2002年休刊)、『an・an』などにイラストを描き、おしゃれな画風で人気を博しました。ここでは、代名詞である墨のアートワークとはまた違った、アメリカンテイストのキュートな作風を楽しむことができます。そして、1990年代からは画風が大きく変化。1950～60年代の『VOGUE』のスタイル画家のイラストに影響を受けた＜筆と墨を使ったドローイングスタイル＞を完成させました。彼女のファッション・イラストレーションは、ファッションの雰囲気やイメージを伝える服そのものを見せる絵ではなく、女の子のなりたいイメージを具現化したもので、その高いファッションセンス、確かなデッサン力が支えた無駄のないシンプルな線、引き算の美学で描かれたスタイリッシュな作品は他分野のクリエイターの感性を刺激。音楽グループ「ピチカート・ファイヴ」とのコラボレーションを皮切りに、“渋谷系“ミュージシャンのCDジャケットにも数多くの作品が起用されました。その他にも、パンフレット、映画のポスター、フライヤーなどの仕事を手掛けており、墨一色ではなく、墨とカラーによるアートワーク作品も見ることができます。2000年代には松屋ギンザなどの広告、ユニクロやマークス(ステーショナリー・雑貨メーカー)などの商品展開も盛んに手掛け、海外の雑誌でも活躍。その当時の作品である『コスモポリタン』フランス版によせたイラスト、ファッションブランド『スプンティーノ』のコレクション広告原画なども展示されています。また、本展ではこれらの作品以外にも、津山アトリエから発見された、作家の心の軌跡が窺える新資料も初公開。より深く彼女について知ることができるでしょう。学生時代から“森本ワールド”に至るまでの作家の軌跡、活動を知ることができる本展。今なお魅力的で、ファッションも楽しめるおしゃれなスタイル画の数々は一見の価値ありです。TEXT：金子裕希【INFOMATION】『伝説のファッション・イラストレーター　森本美由紀展』会場：弥生美術館会期：2023年4月1日(土)～2023年6月25日(日)　※休館日：月曜日　ただし5月1日(月・祝)は開館時間：10:00～17:00　※入館は閉館の30前まで　公式サイト：https://www.yayoi-yumeji-museum.jp/yayoi/exhibition/now.html

Yohji Yamamoto

YUKIKO HANAI

ファッション イラストレーター森本美由紀の回顧展が開催　作品は墨で製作

文化服装学院でパターンを学び、メンズブランドのデザイナーアシスタントを経験。デザイナーとして独立後、古着のリメイクとコレクションの2つを軸にブランドを立ち上げられた鈴木ゆうみさん。思わず一目惚れしてしまうようなデザインと高い機能性で多くのファンを魅了しています。パタンナーからデザイナーへ転身され、様々なハプニングをいつでも明るく乗り越えてきた鈴木さんにキャリアと服作りについてのお話を伺いました。経験したことは絶対に無駄ならない――ファッションに興味を持ったきっかけは？小さい頃に母が着せてくれていた服が少し個性的だったんです。私が映画の「アニー」が好きだと言ったら、80年代の黄色いニットを着せてくれて、髪型まであのクリクリヘアーにされたりして…（笑）。中学生になって友達と初めてお出かけした時に、皆が自分と違う格好をしていることにとても驚き、自分で服を選ぶようになりました。15歳の頃に友達の紹介で近所のショッピングセンターに入っている服屋さんでアルバイトを始たことで、将来スタイリストになりたいと思うように。それと同時に古着とも出会い、服作りに興味を持ち始めました。古着はデザインが好みでも、サイズが少し大きかったりすることも多いので、自分でお直しをして着ていたんです。理想のアイテムが見つからない時は古着をリメイクして自分で作ってしまうことが多かったですね。――服作りは独学で？知識は一切なかったので型紙も起こさず、ジャキジャキとハサミで切っちゃって…もちろん失敗もたくさんしました。でも、「切りすぎちゃったからこっちの布を足して…」という風に、アイディア次第で可愛いく仕上げることができるようになって、失敗を重ねる度にハサミの入れ方にためらいがなくなりましたね（笑）。一度しっかり服作りについて学びたいと思ったので、高校卒業後は文化服装学院へ進学しました。スタイリストになりたいという夢は変わらず持っていましたが、基礎を学んでからでも遅くはないと思い、スタイリスト科ではなく基礎科に進み、その後パタンナー科へ。スタイリストになる前に、服作りの全体を見渡せる規模のブランドで働いてみたかったので、とあるメンズブランドのコレクションラインにパタンナーとして就職しました。――お仕事としてファッションに携わる経験はいかがでしたか。大変でしたが、学校では学べなかったことを教えていただき、真っ新だった自分がどんどん埋まっていくような感覚でした。でも、2年ほどパタンナーを経験して、自分には決まったデザインを起こすパタンナーの仕事が向いていないと限界を感じて…。もちろん働く中で高度な技術を学ばせていただいたのですが、周囲に本当に素晴らしいパタンナーの同僚や先輩がいたので、近くで見ていたからこそ、これ以上は自分には難しいのかなと。ただ、経験したことは絶対に無駄ならないという確信があったので落ち込むことはありませんでした。技術だけでなく本当に沢山のことを学び、素晴らしい方々と出会えた2年間でしたから、卑屈な意味じゃなくて前向きな「私じゃない方がいい」。自分に向いていることと向いていないことを知る機会を与えていただきました。お客様からの一通の手紙に支えられて――そこからデザイナーに？転職活動を始めようとした時に、部署移動の内部辞令がありデザイナーアシスタントをすることになったんです。パタンナーの仕事をしているうちに、「基本的なデザインはこれだけど、いくつか違うバージョンも作ってくれる？」と言われることが多くなっていたんですよね。それが楽しくて楽しくて、もう1個と言わず６個くらい出したりして。恐らくそういうことがきっかけで「この子…パタンナーじゃないな…」となったのか（笑）、ありがたいタイミングで辞令をいただきました。この頃には、スタイリストになりたいという想いよりも、ファッションに関わる仕事をしていることへの喜びが大きくなっていました。デザイナーアシスタントになったのが22歳、デザイナーへの一歩を踏み出したのは24歳。当時アシスタントをしていたデザイナーに「僕は24歳で初めてデザインをしたから、君も24歳という若いうちからデザインをやるべきだ」と言っていただけたことがきっかけでした。勤めていたのはメンズブランドだったのですが、新しくレディースブランドの立ち上げを任せていただくことになったんです。――なぜ大好きだった会社を辞めることに？一番大きかったのは家庭の事情ですね。当時はほとんどの時間を仕事に費やしていたので、仕事の傍らで家庭に時間を割くということは無理だと思い、会社に退職の旨を伝えたところ、契約社員としてレディースブランドのデザインを任せていただけることになったんです。とにかく感謝の気持ちでいっぱいで、いただいた仕事を全力でやっていたのですが、半年経った頃にブランド自体が休止することに。もちろん不安もありましたが、働いている皆さんが人生のすべてを懸けて仕事に取り組んでいる中で、私だけが家庭の事情を考慮してもらっていたことにずっと罪悪感があったので、この機会に私も一旦リセットして一から頑張ることにしました。会社を辞めてからは友達のブランドのデザインや古着屋さんのお手伝いなど、色々な仕事を経験させていただきました。――鈴木さんは辛いことやハプニングにもいつもポジティブに向き合われていますね。周囲の皆さんに助けがあってこそですね。当然産みの苦しみはありますが、世の中に向けては明るい部分だけを見せたいという想いがあるので、ある程度のことはガッツで乗り越えてきました（笑）。それでも、デザインをしていた友達のブランドを離れることになった時は、自分が空っぽで何もなくなったような気持ちになって…初めて服作りを辞めようと思いました。そんな時、お客様から一通のお手紙をいただいたんです。「あなたの作る服がすごく好きだから、どんな形でも服を作り続けてくれたら嬉しいな」と。そういう方が一人でもいてくださるなら、作ろう、残そう、と腹を括り、28歳で自分のブランドを立ち上げるに至りました。私は今でもその手紙に支えられながら服作りをしています。子供たちとの時間も、仕事に向き合える時間も、永遠じゃない――リメイク服を選ばれたのはなぜですか？お手伝いしていた古着屋さんでは、店頭に並ばない大量の服を仕分けるという仕事もしていました。その時に「こんなに世に出てない古着があるんだ」と衝撃を受けたんです。その古着たちを世に出してあげたいという気持ちから一台のミシンと手縫いでリメイクを始めました。リメイクなので最初は一型からでしたが、同じデザインでも使う生地や素材が違うので1着として同じ服にはならないんですよね。バイヤーさんが、そこに面白さを感じて服を買ってくださって。3年くらいリメイク服一本でやっていましたが、既製服という新しい服があることで、それぞれに相乗効果があるんじゃないかと既製服のラインも始めることにしたんです。リメイク服も既製服も”ファーストインプレッションのときめき”と”機能性”の両立を大切にしています。大事なお金を払って買うものですから、「可愛い！」という高揚感は欠かせませんし、着てみたらこんなところにポケットがあって便利…という風に、着た人だけがわかる幸福感として機能性も大切だと思っています。メンズ服は機能性を兼ね備えた服が多いので、メンズブランドで働いていた経験が活きていますね。――ブランドコンセプトの「本当の意味でのリアルクローズ」ですね！アイディアが枯渇することはないのでしょうか。デザイナーとして映画やアートからインスピレーションを受けることももちろんありますが、待ちゆく人を見て「あの人はこういう服が似合うな」とか、「あの服はもっとこうしたら可愛くなるな」とか、そんな風に考えながら見ることでアイディアが生まれることが多いですね。自分自身も、“お買い物体験”を大切にしていて、今でも古着・既製服問わずショッピングをするようにしています。良いものを、お客様が納得いく価格で自信を持って販売したいので、自分が欲しいものが世にあるのか、その金額を払ってでも欲しいと思えるものかどうかを常に意識するようにしているんです。――今後の展望は？私は大切な人を亡くした経験から、人生は意外と長くないなと思っているんです。小さな子供が2人いるので、家庭と仕事の両立はもちろん大変…でも、子供たちとの時間も、仕事に向き合える時間も永遠じゃないんですよね。だから1日1日を全力でやるしかない。もちろん「今日は料理ができませんでした！はい、お茶漬けね！」なんて日もありますが（笑）。本当に苦しい時、家族や周囲の人はもちろん、人生をかけて没頭できる服作りが私を支えてくれました。だから、お客様が思う以上のもっと素晴らしいものを作ると心に決めているんです。これからも理想の服作りに向けて日々邁進していきたいと思います。鈴木 ゆうみ　すずき・ゆうみ文化服装学院でパターンを学び、メンズブランドのデザイナーアシスタントを経験。デザイナーとして独立後、古着のリメイクとコレクションの2つを軸にしたブランド「YuumiARIA」を展開。2008 S/Sから古着をベースとした１点物のリメイクラインをスタートし、2011 S/Sよりコレクションラインをスタート。UNUSUALをコンセプトに、ベーシックな女性らしさの中にメンズウェアにある機能性を取り入れた、デザイナーが日常必要だと考える、本当の意味でのリアルクローズを提案している。https://www.instagram.com/yuumiaria_official/http://yuumiaria.com/TEXT：鷲野恭子(ヴエロ)PHOTO：坂野 則幸

「ユウミアリア」を手掛ける鈴木ゆうみのファッションライフ、パタンナーからデザイナーへ

バッグを持つことでコーディネートを完成させる、これは多くの女性が意識している装いのポイントではないでしょうか。しかしバッグは身につける服飾品の中で唯一体から離れているもの。だからこそ選び方によってアクセントにも、逆にバランスを崩す要因にもなり得ます。そこでバッグについて深掘りする後編となる今回は、シーンに合わせてどのようにバッグを使い分けるか、さらには今季注目のバッグトレンド、スマートに決まるバッグの持ち方まで紹介します。活用シーンに合わせて素材を選ぶバッグは荷物を入れるという実用面以外に、コーデの完成度を左右するアクセサリー的な意味合いを持つアイテム。そのためその日の装いや目的に合わせたバッグ選びをするのが鉄則です。パーティードレスを着てキャンバス素材のトートバッグを持つ人はきっといないだろうけれど、バッグだけが浮いてしまうコーデは端から見るととても残念なもの。オケージョンによって洋服を着替えるように、バッグもシーンに合ったデザインや素材を選びましょう。例えば雨の日は水に強いPVC素材のものを、夏のリゾート地にはラフィア素材やカゴバッグが似合いますし、寒い時期は温かみのあるファーや起毛素材と、服装のみならず気候や季節に合わせることも大切。バッグの素材は本革にフェイクレザー、布やナイロンと多彩ですが、仮にデザインが同じでも素材を変えるだけで印象が一転します。本革のバッグなら上質感やきちんと感を演出でき、ナイロンや帆布素材だとカジュアルな印象に。プラスチックなど個性的な素材を選ぶとよりアクセサリー的な要素が濃くなるなど、素材が放つイメージはとても強力です。それほど素材の印象が強いアイテムなので、デザインはもちろん素材選びが大きな鍵となるのです。素材別のメリット・デメリット多数あるバッグの素材ですが、代表的なのは本革、エナメルレザー、スエード、キャンバス、ナイロン、PVCとPU（共に本革に似せた人工素材）でしょうか。いわゆる高級や上質といわれるバッグの多くは本革やエナメルレザーが多いですが、実は高級バッグで知られるルイ・ヴィトンのモノグラムやダミエはPVC素材。同じヴィトンでもエピやタイガはレザー、ヴェルニはカーフスキンにエナメル加工を施した素材なので、同一デザインでも価格差があります。好みや価格帯はあるものの、PVCやPUといった人工皮革は水濡れに強く、本革は水濡れに弱いのが特徴。本革は長年使うことができますが、そのためには定期的なお手入れが必須です。一方で布やナイロンは使い続けるうちに摩耗が目立ちやすい素材ながらも軽くて丈夫、さらに比較的低価格で手に入るのが魅力でしょう。最近はナイロンとレザーを組み合わせて上質感と軽さを両立したバッグも多く、ビジネスシーンで人気のフェリージやオロビアンコもナイロンレザーが定番品となっていますね。どの素材にもメリットとデメリットはありますが、バッグは基本的に手入れをしながら使うもの。そもそも洗うことを前提に作られていないものが大半ですが、床に置いたり洋服と擦れたりと、思っている以上に汚れています。そのため使用後はブラシをかけて埃を払う、帆布素材などの汚れは消しゴムで軽く擦り汚れを落とす、表革製品はクリームを塗るといったケアがマスト。どんな素材であれケア次第で長く愛用できるので、バッグを購入する際はお手入れ方法をスタッフに尋ねることをおすすめします。それゆえにバッグを扱うショップスタッフには、このバッグにはどんなケアが必要かを正しく伝えられる知識が求められるでしょう。シーン別バッグの選び方どのシーンでどんなバッグを持つか。これはファッションという枠を超え、マナーでもあります。シーンに相応しくないバッグを持つことは単に不恰好だと評される以前にマナー違反となるケースもあるため、TPOに応じたバッグ選びは大人の身だしなみ。そこでさまざまなシーン別のバッグ選びをまとめてみました。ビジネスビジネスバッグの基本、それはA4サイズが入ること。ペーパーレス化が進んだとはいえ書類を持ち歩く機会も多く、折り皺が入ることなく書類を収納できるサイズが必須です。最近はタブレットやノートPCを持ち歩くことも多いためバッグ自体が軽量なのはもちろん、営業職などの場合は床に置いた際に自立するタイプが便利。デザインや色はベーシックなものを選び、黒、ブラウン、グレーなど季節や装いに合わせられるよう3バリエーション程度持つのが理想的です。フォーマル一般的にフォーマルは冠婚葬祭や入学式といった各種式典を指しますが、どの場面でも間違いないのが黒のコンパクトなハンドバッグ。牛革か布製が定番で、なるべく装飾の少ないものがベストです。というのも、慶事では気にならなくともお葬式などの際はゴールドのチェーンや留め具などが悪目立ちすることに。地域によっては牛革もNGで黒の布製バッグがマナーという場合も多々あるため、フォーマルバッグでも冠婚＆式典用と葬儀用で持ち分けた方が無難です。この種のバッグは必要最低限のものが入るサイズなのでその際はサブバッグを併用しますが、サブバッグも黒や濃紺のシンプルなものを選ぶと失敗しません。パーティーパーティーバッグは華やかなシーンで持つため、バッグとしての機能以上にアクセサリーという役割が強め。大きいサイズだとフォーマル感に欠けるため、小ぶりなハンドバッグかクラッチバッグが適しています。よりアクセサリー的な役割を求める場合はシルクサテンなどの光沢のある素材やビジューをあしらったクラッチタイプがおすすめで、ドレスの色と合わせたり、あえて装いと反対色を選びアクセントにするのも素敵。普段使いしないバッグだからこそ、少し冒険して華やかなデザインを選んではいかがでしょうか。カジュアル日常的に使用する普段使いのバッグはカジュアルに分類されますが、カジュアルバッグの代表格がトートバッグ。帆布などの丈夫な布製や耐久性に優れたナイロン素材が中心で、秋冬ならスエード、夏ならカゴ素材など、多彩な素材が揃います。この手のバッグの定義はちょっとしたお出かけに気軽に持てるバッグですが、求めるサイズ感は人それぞれ。どのくらいの荷物を持ち歩くかでサイズを選び、どう持つかによってショルダー付きやバックパックなどのデザインを選びましょう。カジュアルバッグはバッグの中で一番自由度が高いので、選ぶ楽しみを満喫してください。2023/SSのトレンドバッグコーデをアップデートするには旬のバッグを持つのが一番手っ取り早いですが、今季のバッグトレンドのキーワードはふたつ。ひとつ目は「ミニサイズ」、ふたつ目は「ショルダー」です。ランウェイでもシャネルがミニショルダーを多数発表していたのに対し、バーバリーやロエベは比較的大きなサイズをローンチ。手持ちもできるショルダーバッグが中心ですが、注目すべきはそのデザイン。どのブランドもメゾンを象徴するモチーフを生かしたアイコニックなバッグが多く、今シーズンはメタリックカラーなど輝きを持つ色や素材がトレンドに浮上。また、小さめのハンドバッグはハンドルに手首を通し手で抱えるクラッチ風の持ち方がトレンドになるなど、持ち方にもひと工夫するのが今季流です。バッグの2個持ち、どうする？ミニバッグの流行以来バッグの2個持ちは定番となりましたが、難しいのがそのバランス。同じサイズのバッグを2個持ちするとバランスが悪いので、2個持ちの際はミニショルダー＆トートなどのように、異なるサイズを選ぶのが鍵。例えばブラウンのレザーハンドバッグに合わせるならブラウンレザーでトリミングされたトートを選ぶなど、色やテイスト、素材を合わせると統一感が出ます。両方の手にバッグを持つのも不恰好なので、2個持ちの際はひとつをショルダータイプにするといった工夫をお忘れなく。2回に渡りバッグにスポットを当てましたが、女性にとってバッグはやはり特別な存在。だからこそ基本のルールやマナーを知り、お気に入りに出会ったら手入れをしながら長く愛用してください。TEXT：横田愛子

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