インサイド

　「ケイスケヨシダ」が立教大学の正門をショー会場に選んだと聞いた時、吉田が小学校から大学までの16年間をそのキャンパスで過ごしていたことを思い出し、正直「またそこに戻るのか」と思ってしまった。吉田にとってのグランドゼロを会場に指定し、自分の内面を抉り出したような“エモい”ショーが繰り広げられるのだろうと予想したのだ。何も悪いことではない。ただ、過去2シーズン、自分の個人史から始まったクリエイションを早めに手放すことで、新たな境地を迎えたように見えた吉田のクリエイションを、まだもう少しだけ見てみたいと思ってしまっただけだ。　ただ、その予想はあっけないほど簡単に裏切られた。吉田は、2019年秋冬コレクションでも立教小学校の制服をモチーフにしているし、2021年秋冬コレクションでも「思春期」をテーマに自分の冴えない中学時代の佇まいをルックに投影している。今回のショーでもファーストルックはランドセルを片手に、大きな制服を着崩したモデルが歩いてきた。今までと違うのは、モデルがトボトボ歩いたりすることもなく、続くルックや演出においてもコンプレックスを煮出したような暗い様相を感じられなかったことだ。吉田が、これまでに、学生時代からのコンプレックスを作風にしてきたことを考えると、このカラッとした溌剌さはブランドが新たな境地に着実に向かっていることを感じさせる。　立教大学を会場に選んだこのショーを、吉田はいくでらもエモくすることができたはずだ。それをしなかった吉田に好感を持った。もし、33歳の吉田圭佑が自分史だけを切り出し、全てを出し切って母校でショーをやったのなら、それはもうほとんど回顧展のような様相になってしまったと思う。30歳いくばくで分かったように語るのはみっともないし、いま語り切ってしまうのは勿体無い。もう少し年齢を重ね、クサいくらいの総括や物語が堂に入るまではもう少しだけ取っておいておきたい。そういった吉田の意思を勝手に感じ取ったし、その考えに強く同意した。　話題をさらった前回のフィジカルショー、そして初めてパリでのルック撮影に挑んだ前シーズンのコレクションを見て、勝手ながら吉田を日本の生物学者に今西錦司に重ね合わせることが多くなった。彼は登山家・探検家としての肩書も持ち、生涯をかけて多くの山を完登した。今西は、なぜ山に登るのかという問いに「山に登るとその頂上からしか見えない景色があって、そこに次の山が見える。山に登らなければ、次の山は見えない」という金言を残した。効率的に一本道を歩む方法もあるが、寄り道をしながら曲線的に歩みを進めることでしか得られない風景もある、と今西は言う。　吉田はここ2シーズンを「大きな変化があった」とし、その状態を「輪ゴムを引っ張り続けているような緊張感を保ち続け、2024年春夏コレクションの撮影で、引っ張り続けていた輪ゴムの手を離すようだった」と例えた。「ある意味、自分から遠ざかれたことが大きな収穫だった」と吉田は続ける。　自分から始まったものを早い段階で手放した吉田は、端的に言えば「力みすぎない」術を会得し始めている。半年間懸命に取り組んだアイテムを早い段階で他者に委ねること。「力みすぎない」という芸当はなかなかに高度な技術で、不安も伴うものだと予測する。「力を抜く」と「力を入れない」では同じようで全く意味合いは変わる。一度、山頂に到達した人にとっては「力を抜く」ことになり得ることも、山頂を知らぬ人が行えばそれは、ただ力を入れていない「不足」を意味しかねない。吉田が早い段階で、自分史から手放すことができるのは、吉田がこの9年間で何度も何度も、自分史を掘り下げることで“山頂”を知っているからこそ許される芸当だ。　輪ゴムが張り詰めれば張り詰めるほど弛緩の勢いは強くなるように、自分史から始まったものから意図的に遠ざかったクリエイションには圧倒的な強度がある。それほどまでに大袈裟ではなく、エモいわけでもなく、急に社会的な風景を感じさせるわけでもなく、ただの自分史で終わらせるほど野暮じゃないクリエイション。自己と普遍の間で、自己から離れようとしていくからこそ、そのクリエイションは胸を打つ。吉田の所作をみながら、自分史を通さずに、社会の一員として社会的事象をなぞるだけでは、それこそただ表層をなぞるばかりでしらけてしまうと確信した。30代という年齢ならなおのことだ。人生を振り返るほど成熟しているわけでも、がむしゃらに自分に向き合うほど青臭くもいられない。ある種、最も社会と強固に繋がれる、何者にでもなり得る年齢。そんな30代だからこそ、自分を立脚点にすることで、社会との強烈な接続を可能にするのではないだろうか。　立教大学の敷地内には、小学校から大学までの校舎が一つの大きな箱庭に集約されている。人間の人生の中でも最も濃い時間の、始まりから終わりまでが1ヶ所に集中しているというのはなかなかに強烈なことだ。そんな特殊な磁場を持つ一貫校における卒業式ほど、別れと程遠いものもない。学年が変わろうとも通う学舎が変わるわけではなく、しかもクラスに集まる面々も卒業したとてそう大きく変わらないのだから。経験則も踏まえると、一貫校における卒業式は、どちらかといえば親や教員など、大人のための祝祭といったほうがしっくりくる。それを思えば、ショーに出てきた一輪のバラを持った女の子（卒業式では大抵一輪の花が渡される）は、不思議と大人の女性に見えてくる。改めてルックを見ると、卒業式を迎えた女の子というよりは淑女の雰囲気を醸し出しており、それは先生や母親が持つ、頼り甲斐のあるキリッとした顔つきと上品な佇まいだけが印象に残る。なので、彼女に声をかけるとするならば「卒業おめでとう」ではなく「3年間、お疲れ様でした」なのかもしれない。 　そんな風に今回のショーで登場したモデルは、吉田が明確に打ち出した人間像ではなく、自分の記憶の中にある装いを追随するような印象を覚えた。ミッション系大学では見覚えのある牧師、ボーイスカウトの少年少女、授業参観に着てくれた母親、黒板の前に立つ先生など、学舎に通っていればいくらか見覚えのある人々がランウェイを歩く。話を聞けば、今回のモデルはルックに合わせてキャスティングされたそうで「今までで一番人間像がなかった」と吉田も認めた。　服そのものに目を向けてみる。学生時代からのコンプレックスを作風にしていた吉田が、コンプレックスではなく「学生時代に育まれたもの」に目線を向けていることがじんわりと伝わってくる。この学校で当たり前に過ごしてきた日々が、実は吉田の美意識を育んでくれていたことに気がついたのかもしれない。以前、吉田に「学校の指定カバンだった茶色いランドセルはとても味の出る革で、高学年になればなるほど、色味も落ち渋くなる。僕の周りではボロボロであればあるほど『カッコいい』とされていて、親に買い換えられないギリギリを攻めながら革のランドセルを育ていたんですよ」と、彼のファッションの原風景を教えてもらったことがある。ハンドルが取り付けられ、ショルダーベルトが取り払われたランドセルや、襟に収まっていないネクタイ、スカートの丈を短くするために折られたスカート、引きずるほどに長いベルトなどは、校則の中でなんとか自分のファッションを見出そうとし背伸びをしていたあの頃を思い返す。　中盤に登場した、手を後ろに拘束するように巻かれたマフラーは、校則の厳しい私立学校の生活か、はたまた「ファッションを真剣に学びたかったのに、親の反対を押しきれず大学に進学した」吉田の投影か。過去のコレクションの中でも多用されてきた紫色も、立教大学の正門を前にすると、立教のスクールカラーであることを思い出させ、吉田が無意識ながらも立教が掲げるエレガンスの象徴＝紫の影響を受けていることを浮き彫りにする。細い身頃と太い袖によって形成される前傾姿勢のシルエットはオーバーサイズながらどこか脆弱で、校舎を歩く猫背の青年を描き出す。こう書き出してみると、このコレクションはショーの演出に頼らずとも、十分に場所とルックだけで説明にたりうる強度を持っている。 　今回のランウェイは、長い一本道で吉田はそれを「人生のようだ」と思ったそうだ。人生ならば、何度も往復する必要がない、とフィジカルショーの定番であるフィナーレは行われなかった。代わりに、吉田が長い一本道を爆走した。今回のショーが立教大学で行われるとわかり、吉田が文学界に寄稿したコラムを読み直した。今から3年前に綴られたコラムは、最後、こう締めくくられている。「ショーの最後、ランウェイに駆け出すと、いつも思わずお辞儀をしてしまう。ひょいっと手を挙げて挨拶ができるようになる日が僕にもいつか来るのだろうか」（「文學界」2021年8月号）。　この日行われたショーで、吉田はいつものように高速でお辞儀をし、手を合わせた後、右手をひょいっと挙げたのだった。記憶にある限り、吉田がひょいっと手を挙げたのはおそらく今回が始めてだ。そんなところにも、ケイスケヨシダが新たなフェーズに入りつつあることを感じさせるのだ。　ファッションの強みは、自分が思ったことや、やりたいことを既存のルールやゲーム、しがらみなど関係なしに表現できる軽やかさにあるところだと思っている。周りに目配せをして、態度を変える必要もない。そこが、ほかの芸術文化（特に昨今の現代アートシーン）には無い強みだ。父親の死の影からクリエイションを始めた「ソウシ オオツキ」、コントの中で日常を切り取った「コウタグシケン」、自分自身の違う側面を女性性で提示した「カナコサカイ」、ラグジュアリーの憧れとギャップを吐露した「ヨウヘイ オオノ」、歳を重ね忘れてしまいそうなことを忘れないようにもがく「ピリングス」。今シーズン、東京でショーを披露した多くのブランドが冒頭の指摘の通り“自分史から何かを見出そう”としている。その中で、自分史の半径1mで作るクリエイションか、吉田のようにできるだけ遠くを目指すようなクリエイションかは千差万別。ただ、デザイナーには、自分の中で納得する必然性がそこにありさえすれば、それだけで完結しうるほどの熱量とパワーを持つことが許されている。なぜなら、ファッションには「最終的に、着たくなるようなイケてるものであればいい」という視覚芸術と市場が近いから。最後の物差しが「かっこよくて、ダサくなくて、イけていればいい」というわかりやすさは、途中のプロセスをどこまでも大胆に、アクロバティックにさせてくれる。私はそのやりすぎなくらい飛躍した表現を見ることが、毎シーズン楽しみで仕方ないのだ。

Fashion

“山頂”を知っているからこそ許される芸当　母校凱旋の「ケイスケヨシダ」24年秋冬コレクション

　話は横道に逸れるが、日本の生物学者に今西錦司という人物がいる。彼は登山家・探検家としての肩書も持ち、生涯をかけて多くの山を完登した。今西は、なぜ山に登るのかという問いに「山に登るとその頂上からしか見えない景色があって、そこに次の山が見える。山に登らなければ、次の山は見えない」という金言を残した。効率的に一本道を歩む方法もあるが、寄り道をしながら曲線的に歩みを進めることでしか得られない風景もある、と今西は我々に語りかける。　吉田圭佑は、2024年春夏コレクションを「自分から始まったものを、早い段階で手放し、遠くに投げることを大事に作った」と振り返る。端的に言えば「力みすぎない」という言葉に終始するが、「力を抜く」と「力を入れない」では同じようで全く意味合いは変わる。一度、山頂に到達した人にとっては「力を抜く」ことになり得ることも、山頂を知らぬ人が行えばそれは、ただ力を入れていない「不足」を意味しかねない。もちろんそこには、作り手のニュアンスの違いもあるし、見る側の意識も介入するだろう。今回のケイスケヨシダで言えば、あの昨シーズン（山頂）があるからこそ、早い段階で手放すことが成り立つと感じた。　実際に発表されたルックは、ブランドとして初めてパリで撮影されたものだった。昨シーズンから引き続き、スタイリストには「バレンシアガ（BALENCIAGA）」のキャンペーンを手掛けたことで知られるレオポルド・ドゥシェマン（Leopold Duchemin）を迎え、彼の周りにいるメンバーによって撮影が行われたという。つまり吉田は、ルック撮影の多くの要素をレオポルトらに委ねた。吉田は「今までは一から十まで自分が作ることに本質があると思っていたが、全てを自分で（それも海外で）ディレクションをすると『やってやった感』が出てしまうし、出したくなっちゃうから」と茶目っけたっぷりにその理由を話したが、半年間懸命に取り組んだアイテムが早い段階で解釈され、写真という新たな形で残っていくファッションデザイナーの心情は大きな不安が伴うものと推測する。しかし、その憂慮も取るに足らないもので、写真家 Christina Stolheの眼差しによって切り取られたルックは、せっかくの海外撮影だったのにもかかわらず、パリらしさは海外特有の硬質な自然光のみに留められており、無駄なものが完全に削ぎ落とされたことでブランドの普遍性だけ判然と残る。さながらグローバルブランドのような雰囲気さえ纏っているように感じた。ケイスケヨシダは、苦しみに眼差しを向け、そこにある毒のようなものに自分自身を見出したクリエイションを続けていたが、それらの毒をクリエイションをきっかけとした他者との関わりの中で減らそうと試みる。ケイスケヨシダというブランドの普遍性は「毒」ではなく、「吉田圭佑が作っている以上は『ケイスケヨシダ』である」と言わんばかりだ。　自分から始まったものを早い段階で手放すという感覚は、表現のアウトプットだけではなく、デザイン面でも見ることができる。　今シーズンのクリエイションは「幸せとはなんだろう」という漠然とした問いがきっかけだったそうだ。吉田はステイトメントの中で幸せを「何かを失う可能性を孕む『不安』と行き来することで初めて実感することができるもの」と結論づけている。単純に明るい側面だけを追わない、何とも吉田らしい解釈のように思う。「幸せ」と前述の「手放す」はいずれもアンコートロールで心許ない性質があり、その柔らかな生暖かさを、昨シーズンのミューズである少年Taikiが着ていたジャケットのブローチが外れ、胸元がはだけることで裏地が心細く露出したジャケットに見出すことから今シーズンの製作は始まったという。　今シーズン数多く登場する、ボディに着せつけたジャケットやコートの後ろ襟を立て、折り紙のように畳んだディテールや、内側に畳み込まれた前身頃は、首元やウエスト、肩周りの引き皺を生み出す。折り込まれたことで巾を失ったフロントを無理やり止めることで発現する皺は通常であれば美しくないとされているが、幸せと不安、厳格さとだらしなさ、冷たさと暖かさのように、装いの中で相反しながらも朧げでまろやかに混ざり合う要素として重要な役割を果たしている。一際目を引くベビーピンクも、単純な可愛らしさではなく、グレーがかったくすみを感じさせるのも意図的だろう。　吉田は「ウィメンズの服を作っているのに、ウィメンズへの苦手意識がとんでもなくあった」と明かし「自分と向き合ってものを作る中で、自分と切り離す瞬間が遅いと理想とする女性に近づけなかった」とその理由について語った。理解をしようと試みた結果、理解した時には既に自分自身や愛着に極めて近い存在になり、手放しがたくなることは日常的にも覚えのある感覚だ。今シーズン、「頭の中でぼんやりと思い浮かべた女性像と自分の距離感を少し遠ざける」ことができたのは、デザイナー自身が「吉田圭佑が作っている以上は『ケイスケヨシダ』である」という図太さを少しだけ手に入れたこと、そして、一度は山頂である「ぼんやりと思い浮かべていた女性」になったことがある吉田だから許される芸当だろう。ブランドとして初めてウェディングドレスのようなイブニングドレスを発表し、女性である筆者が純粋に「それを着てみたい」と思えたのは、作り手である吉田の成分が極めて少なく、着る人への余白が残されていたからに他ならない。　多くの作り手にとって、代表作となるようなパワーピースやコレクションの締めくくりになるようなアイテムは、「これさえあれば」と、納期が差し迫る中で安心材料として機能する。しかし現在の吉田の眼差しはもっと遠くにあるものと思わざるを得ない。他ならない自分で作り上げるコレクション全体を俯瞰しながら、時に不安に押しつぶされそうになりながら「大丈夫だ」と思いながら製作を続けているのだろう。　かつて、ケイスケヨシダのショーのステイトメントに「コレクションとはデザイナーによる半年間による日記」と書いてあったのをよく覚えている。ファッションショーは、半年間で経た様々な感情を最後に爆発させるもので、それはそれで素晴らしい瞬間が観客を包む。一方で、ルックのみでの発表はおそらく半年間で起こったことを細やかに表現できる方法なのだ。華やかさはなく、レスポンスに遅延が起こることで生まれる不安を孕みながらも、だからこそ得られる幸福がそこにあると信じて。

KEISUKEYOSHIDA

ファッションとの関わりの中でぼんやりした不安を減らそうと試みる「ケイスケヨシダ」の2024年春夏コレクション

　吉田の書く文章が好きだ。ファッションと文学をテーマにした2021年8月号の文學界に寄稿した吉田の文章は、時たまくすりと笑えるのに、自分の内面をこれでもかというほどに吐露した名文だ。そんな吉田は、東京クリエイティブサロン※の支援と、「バレンシアガ（BALENCIAGA）」のキャンペーンを手掛けたことで知られるレオポルド・ドゥシェマン（Leopold Duchemin）をスタイリストに迎えて開催した2023年秋冬コレクションのフィジカルショー終了後に、自らの文責によるコレクションノートを配布した。そこには「自分に向き合って、身を削り、装いに眼差しを向ける行為が僕にとってのファッションデザインだ」と綴られており、インタビューにおいても「自分の内面から発露したものがリサーチによって肥大化していって、それと社会との接点を見つけたときにやっと"ファッション"になるという考えがベースにある」と話している。コンセプトの段階で明確に言語化し「これを表現したい」という物作りの良さもあるが、ことファッションデザインにおいてはいささか疑問を感じざるを得ない。なぜなら、それであれば服を作りファッションショーをやらずとも、話したり書いたりする表現方法の方がはっきりと意思や態度伝えることができるはずだからだ。吉田の考えと同じように、言語化できないことを自分の中でなんとか捉えようとする行為が、筆者の思うファッションデザインで、ファッションショーのレポートとはその対極にある行為だと痛感している。レポートは、ある一定の例を基に既存の枠で推し計り「別の似た何か」と比較し、追い求める作業に他ならない。加減を間違えれば、作品を矮小化することにも繋がり、周囲の人間が描写をしてしまうことで、全てが等しく「別の似た何か」へと収斂されてしまうことは避けられない。吉田が2023年秋冬コレクションを「今回のコレクションは嘘でないことが大切である」と断言したことに敬意を表して、あらかじめ正直に、矛盾をはらみながら本稿の筆を取ることを断っておきたい。　ショーは、悲鳴ともとれるような音が流れた直後、早く鼓動する心臓音に似た音が会場に鳴り響きスタートした。その音を聞いて、直感的に「怖い」と思ったのは筆者だけではないだろう。束の間の静寂の後、ファーストルックを飾ったのは明らかにモデルではない1人の男の子だった。以降、すべてのモデルが女性であったことを考えても彼は特異な存在であり、その佇まいから強烈な意味合いを感じた。2ルック目からはビートニックな音楽が流れたこともあり、より一層、悲鳴のような音と心臓音は明らかにモデルではない彼が大舞台に立つ心の中の、あるいは「発表の1ヶ月くらい前になると、がくんと心が落ちてしまう」と話す吉田の心の叫びのようにも聞こえた。ショー終演後、ファーストルックを飾った男の子こそが、今シーズンのミューズだと吉田は明かした。　Taikiと名乗る彼は、精神を患って不登校になり、苦しかった時に同ブランドと出会い、救われたそうだ。この話を聞いた時、「イケけている奴」になりたくて、もがき苦しんだ学生時代を振り返った文學界での吉田の手記を思い出していた。「イケてるとか、イケてないとかではなく、あいつは変な奴…みたいになっていて、誰からも相手にされず、ただただ放っておかれた。それでも新しい髪型にしたり、新しい服を着ることは、いつも僕を新しい自分に生まれ変わったような気持ちにさせた。周りからは理解されなかったが、少しずつ自分に自信を持つことができるようになった。そうやってファッションに触れていくうちに、憧れのファッションデザイナーになりたいと思うようになっていた」（「文學界」2021年8月号）　この日、吉田への囲み取材を実施しようと疲れによる苛立った顔つきで粘り続ける記者を尻目に、キラキラとした目つきで吉田を一目見ようと待ち続ける若いファンたちに、ひっそりと胸を打たれていた。吉田はTaikiだけではなく、きっとショー会場にわざわざ足を運んだ彼らの心を既にファッションで救っている。自分の姿を変えようと「かっこよくなりたい」という態度を取る姿はそれだけでかっこいいのだ、と吉田は8年間伝え続け、それはしっかりと社会に浸透し、彼らを励ましている。　Taiki以外のモデルに目を向けると、多くのモデルは眼鏡を着用していた。眼鏡は大抵、見えないものを見ようとする時にかけられる。Taikiから始まった今回のコレクションの製作背景を加味すると、ここでの眼鏡の意味合いは、直視しなくてもいいことを、あえて直視し向き合う様、吉田の言葉を借りれば“見えるはずのない内側”を露わにすることにも繋がるだろう。見えるはずのない内側は、あるはずのない裏地が露出した首元をハサミで切り裂かれたニットカーディガンや、裏地が首元から噴き出し、スカーフやボウタイのように首に巻き付いたステンカラーコートのデザインからも見てとれる。吉田はステンカラーコートについて「いつもならこの裏地はパープルにするだろうが、今回は黒、ネイビー、グレーにした」と綴り「それらの服にとって当たり前の色と素材感をずらさないことが次第に大切に思えてきた」としている。「それらの服にとって当たり前の色と素材感」は、自分の弱さやコンプレックスにあえて目を向け、ありのままの自分を受け入れようともがく吉田やTaikiなりの「答え」のようにも思う。ひしゃげたカラトリーのアクセサリーも、用途にはそぐわないがそのままで美しいとでも言わんばかりだ。 　2020年秋冬コレクションに登場した首を覆うほどに襟が高くなったモーニングコートは若者向けのアイテムから一転、大人びた印象を帯び、吉田がもはやクリエイションの中に、剥き出しの若さを追い求めていないことを感じさせる。フィナーレにミュージカル「プレーン＆ファンシー（Plain and Fancy）」のヒット曲「Young And Foolish」が流れ「若くて愚かでいてはどうしていけないんだろう、僕たちはそのままではいられない」というフレーズは、吉田の心のつぶやきのようにも聞こえた。事実「THE LAST」というコレクションテーマ（その後、言葉にすると言霊になってしまいそうという理由で黒いサテンタグのみを今回のヴィジュアルとした）を掲げ、「抑制」と「厳格さ（strict）」をキーワードに挙げた。 　吉田が「刺激的なものを作るより、抑制されたものを生み出す方が苦しいということは大きな学びだった」と振り返るように、意識的な努力によって衝動やそれに伴う感情をコントロールする「抑制」は、クリエイションをする上では苦しさを伴うものであろう。その上で、眼鏡をかけ、あえて自分自身と真っ向から対峙し、はっきりと見えるが故に自己嫌悪に陥るほどの自己意識を抑制し、それがたとえ、襟が首元まで詰まって苦しくなろうとも、スプーンがひしゃげてしまうほどだとしても、その態度を取ることは成長における通過儀礼で、傷つきながらもその道を選ぶ姿はそれだけでかっこよく、美しいと私たちに訴えかける。ある種の狂気を感じるほどに「LOVE」「LONELY」と描き殴られた皮膜のような ラテックスのボディスーツが、抑制しても仕切れない生々しさが自己愛となって顕在化しているようにも見えた。 　孤独と愛は一見相反するものに思うかもしれないが、自らが愛されていると知りながらも、孤独を感じる瞬間は誰しもが一度は経験したことがあるはずだ。今シーズンのコレクションミューズになった少年が孤独を感じながらも、吉田が汲み取れてしまうほど、隣で見守る母親に愛情を注がれているように。未熟な少年性と同居しているのは、凛とした淑女のようなエレガンスさと、ひと匙の狂気、漠然とした不安と孤独、そして無数の愛だ。これまで、フィジカルショー形式でのコレクション発表が多かった吉田にとって、過剰さを削ぎ落とした今回のショーは覚悟と自信が必要不可欠だったと推測する。不安や恐怖、孤独で押しつぶされそうだった吉田を掬い上げたのも、愛なのだろう。吉田はコレクションノートの終盤「僕自身、
クリエイションを介して育まれてきた。愛によって、 生かされている」と断言した。このコレクションは吉田にとって、自らの少年性と訣別する最後の通過儀礼だったのだろうか。ブランドデビューから8年経った今、ブランドの根幹にある「等身大の装い」という言葉が心に響く。　抑制すること、そこから露わになる厳格な態度は、ただの苦しみの吐露ではなく、デザイナー自身がそれを乗り越えようと努めるからこそ成り立つ。スワイプでルックを見られる時代だからこそ「社会に届いているか」ではなく、社会にいる自分の意識さえあれば伝わるとケイスケヨシダはフィジカルショーを通して体現した。　それまでの春の陽気とは打って変わって、極寒の中行われた東京のファッションウィーク最終日。ケイスケヨシダのショーが始まる頃にはそれまでの大雨が嘘だったかのように、雨足はぴたりと止んだ。前回の2022年秋冬コレクションでも、同じような状況だった。雨降って地固まる、なんともケイスケヨシダらしいフィジカルショーで今期の東京ファッションウィークは幕を閉じた。

ファッションで人の心を本気で救おうとする「ケイスケヨシダ」　臆病者たちに向けた自己愛のバラード

コレクション

　デザイナー吉田圭佑が手掛ける「ケイスケヨシダ（KEISUKEYOSHIDA）」が「Rakuten Fashion Week TOKYO 2023 A/W」で発表した2023年秋冬コレクション。

2023 Autumn Winter

　パンデミックにより、国外での発表中止を余儀なくされる一方、前回シーズンに比べて徐々にショーを開催するブランド数が増え、ブランドを支援するプロジェクト「by R」によって国内への熱気を取り戻そうとする流れも漂っていた。　そして、その国内で熱気を熟成していく姿勢は他国でも起きている。　例えば、中国であれば昨年10月に若手ブランド支援のコンテスト「YU PRIZE」*を設立。スポンサーには、FarfetchやDidiなど業界外の企業も参加し、パートナーシップにはTHE METやBRITISH FASHION COUNCILなどが並ぶ。受賞者には、15万ドルの賞金とともにハロッズでの販売が約束されるそうだ。　一方、韓国はそのようなインスティチュートを中心とせず、やはりK-POPをはじめとするカルチャーが母国のファッションシーンを国外へ紹介する力を近年ますます発揮しているように感じる。VOGUE CHINAの編集長に27歳のマーガレット・チャン（Margaret Zhang）が就任したことをはじめ、20〜30代の感覚や価値観が未来への舵取りを担いはじめているのは確かだ。 KEISUKEYOSHIDA 2021年秋冬コレクション Image by: FASHIONSNAP.COM　珍しく爽やかな自然光に照らされながらショーを開催した「ケイスケヨシダ（KEISUKEYOSHIDA）」は、間違いなくそういった次の世代へファッションの希望を示していた。　パンデミック後、21S/Sコレクションよりグッとパーソナルな記憶に焦点を当て、未来へのまなざしを提示するブランドを散見するようになったが、デザイナー・吉田もまた21S/Sコレクションでは、生まれ故郷に由来した荒川河川敷での野外ショーで彼の心情をオーディエンスの心に投影させた。そのショーから、どことなくデザイナー自身がデビュー当時の雰囲気に再び向き合いはじめているようだった。　そうして今回のコレクションでは、より具体的なモチーフとして学生服、日本独特のじめじめとした儚さ、教室に差し込む光がショー会場に混在する。光があれば必ず影もある、影があるから光も感じることができる、そしていずれ光で導くこともできる、そういったブランドの原点に回帰しつつも、更新する姿がそこには映っていた。　俯きながら歩くモデルたち、彼らの首を重心として前に垂れ下がるカットソーやロングコート、外の明るさとは対照的に滴る雨の音。デザイナー自身の学生時代を反映したそれらの光景には、「冴えない姿こそ希望のメタファーになりうる」という逆説的な言葉が込められている。それは、葛藤を抱く学生のみ共感するものではなく、いま在る複雑な心情も受け止めながらも前向きに進む現代社会にも重なるようだった。　デザインプロセスの出発点にもなったという「俯く」人の姿は、単純に鬱々とした学生の姿にとどまらず、わたしたちの日常の光景に置き換えれば、携帯に没入する現代の人々のシルエットにも見える。この「俯き」の佇まいは、これまで90年代であれば「コム デ ギャルソン（COMME des GARÇONS）」　、近年であれば「バレンシアガ（BALENCIAGA）」が時代に沿って更新してきた新しい身体のかたちに延長する近未来の人間像さえも予兆したように感じた。　都心から少し外れた馬喰町でショーを開催した「バルムング（BALMUNG）」も、また然り原点を更新するようなインスタレーションを発表した。　会場に無造作に置かれるダンボールたち。静かに出てきたモデルたちの手により、たちまち本来のかたちや機能、力から逸脱し、歪なものとして浮かび上がる。　彫刻家・鈴木操によるソフト・スカルプチャが立ち上がるまでのその一連の行為は、ここ近年ヨーロッパのデザイナーたちが描いてきたクリーチャーやメタモルフォーゼとは異なり、「物事に垣根はなく、グラデーションが存在するのみ」というデザイナーの言葉のとおり、可逆性もありうる曖昧さを含んでいた。 BALMUNG 2021年秋冬コレクション Image by: FASHIONSNAP.COM（Ippei Saito）　いまでは当たり前となった、ファッションにおけるデザイナー専制的な時代からストリートが主体となった時代への変化は、デザイナーのハチが青春時代を過ごした原宿のストリート文化に根強く関係している。原宿のストリート文化で巻き起こった現象は　―ブランドの服が持つ記号を自らの手で取り外し、カスタマイズしていく― "そうであったもの"を"そうではないもの"へ変化させ続けることで違和感が強調・肯定されるようなものだった。　そういったデザイナー自身が身体的に体感してきた服の作用が、今までグラフィックデザインと服のフォルムで表現されていたが、今回はテキスト、音楽、インスタレーションによってより一層立体的に立ち上がる。　特にショーの後半に登場してきた、変形的でアルミやキルティングなどの様々なマテリアルを組み合わせた立体的なビッグウォーマーやトップスは、モデルの身体から動的に飛び出てきた一瞬を捉えたようなフォルムにも見える。それは、流動的に動き続けるものの一瞬を捉えていく"ファッション"そのものもあらわしているようだった。　そして東京ファッションウィークのトリを飾った「リコール（Re:quaL≡）」もまた、過去の蓄積から未来へのエネルギッシュなまなざしを提示する若手ブランドのひとつ。　前回のデビューショーでは、すでに存在するものを再びなぞり、その痕跡に想いを馳せるという意味で「retrace」をテーマに掲げた。「時間の単位に常に等しく」というブランドのコンセプトのとおり、そこにはあらゆる時代の背景を持っている人、シルエットやユニフォームのような記号がデザイナーの手によって、同じ時間の中に盛りだくさんに詰め込まれていた。　ロンドンのファッションショーを彷彿とさせるような演劇チックなショーは、今回も健在。"refrppie"というテーマのもと、幼少期に訪れたアメリカでの景色をきっかけに、モード史の都でもあるパリの伝統―フレンチスタイルーとヒッピーを掛け合わせ、未来の人間像を描くとコレクションノートに記してある。　資本主義が加速したいま、人々はつかの間の休息を求め、「消費」だけでは満たされない幸福感を「時間」「無駄なもの」を通して探し求めているように思う。パンデミック以前から始まっていたそのような人間が欲する価値観の変化は、往々にしてヒッピー文化と重ねあわされ、具体的にわたしたちの生活スタイルにも影響を与えつつある。　そうした現代の時代背景に直球で挑む姿は、果敢かつ清々しい。そして大きなストロークで壮大な装いの歴史をランウェイの一瞬にぎゅっと刻み込む技は、相当のファッションオタクではないとなし得ないことであると理解しつつも、同時に具体的な記号に対しての足し引きがあることも今後期待してしまう。　現代社会の人々の佇まいやよく使う身体の箇所の変化に伴って、2015年以降、身体と衣服の重心点、隠す/顕す部分もさまざまな解釈が更新されはじめた。それは90年代後半〜2000年代初頭に起きた衣服による身体の伸縮への問いかけに似ているようで異なり、デジタルネイティブな世代を中心に起こる加工文化や画面上に広大に映る世界などの複雑さも多重に交差している。　そう一辺倒にはいかない絡み合った新たな感覚や価値観。その中にあるいくつもの歴史、社会、人々、心情、現実とファンタジーをひとつずつ紐解き、再構築していくブランドが未来を担っていくのではないだろうか。（文責：Yoshiko Kurata）*YU PRIZE

BALMUNG

BALENCIAGA

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次の時代のデザイナーに求められるものは？ - 東コレ21AW -

■「思春期」や「若さ」に今の視点から向き合う　ショー全体を通して浮かび上がるのは「学生っぽさ」。教室のような会場に登場したのは、チェック柄のプリーツスカートやハイソックス、ローファー、パーカ、ベージュカーディガンなど学生服を彷彿とさせるアイテムの数々だ。 　デビュー時から掲げるブランドコンセプトは「明るいのか暗いのかわからない青春の空気と、そこにいる彼らの装い」だが、新荒川大橋下の河川敷で行った2021年春夏ショーで向き合い方に変化が生まれたという。「初期の頃にやっていた『半径5メートルの若さ』みたいなものから、シーズンを重ねるごとに表現として遠ざかっていた部分があった。しかし、河川敷でのショーをやったことで、今一度、自分の今の視点を持ってあの頃に立ち戻るのも良いのかも、と思うようになった」（吉田圭佑）。　紫に塗られた教室、ベートーヴェンのピアノソナタ「月光」のBGM、俯くような姿勢のモデル......と演出からは思春期の鬱々としたムードも感じられるが、根底にはデザイナーのポジティブな考えが潜んでいる。「いつも以上の過密なスケジュールによる追い込まれていく感じ、そして（社会全体的に）先が見えない現在の状況に、冴えなかった自分の学生時代に若干重なる部分があった。僕はファッションに興味を持ち明るくなっていった過去があるため、『冴えない姿』そのものが、これから前向きになっていく希望のメタファーとして使えるのではないか、と」。デビューから6年目にして、ブランド立ち上げ当初に強く打ち出していた「思春期」や「冴えない学生」っぽさを改めてフィーチャーしたコレクションとなっている。　また、今季表現したのは、思春期を生きる若者の「装い」ではなく「佇まい」だといい、2枚重ねのブルゾン、そして背中部分にカットが入り身体を通すことでドレスのように着られるロング丈のジャケット（普通のジャケットとして羽織ることも可能）といったアイテムが、「うつむく」シェイプを作り出す。 ■コレクションタイトル「死んだ鳩のように」の意味は？ 　吉田のコレクション製作において重要なプロセスの一つが、リサーチを詰め込んだ『脳』を持って日常を過ごすこと、そしてそこで得た『気づき』をどう落とし込むか。今回は21年春夏の展示会終了（12月）から約3ヶ月という短期間でのショー開催となったため、いつも以上にインプットに割く時間が短かったという。　コレクションタイトル「like a dead pigeon（＝死んだ鳩のように）」は、製作期間中のエピソードから。アトリエから帰宅した際、アパートの廊下で一羽の死んだ鳩を見かけ、翌日ドアを開けるとそこに鳩の姿はなく「猫か何かに持っていかれたのか」羽根だけが残っていた光景が、数日間頭から離れなかったという。限られた時間の中でそれが貴重な気づきだったことと、「Dead Pigeon」という言葉が「救いようのない人」をスラングで意味することも重なり、タイトルに決めた。鳩や羽根は、グラフィックとしてTシャツやジャケット、パーカ等に取り入れられている。■注目は、アウターの上に重ねられた「カットソー」　注目のアイテムは、首元が歪んだ線を描くカットソー。ファーストルックのように素肌の上に一枚で着るほか、テーラードアイテムのようなかっちりとしたスタイリングの上に重ねる「外しアイテム」としても提案された。

ケイスケヨシダ 21AW：思春期の若者の装いではなく「佇まい」を表現

　吉田圭佑が手掛ける「ケイスケヨシダ（KEISUKEYOSHIDA）」が「Rakuten Fashion Week TOKYO 2021 A/W」で発表した2021年秋冬コレクション。