インサイド

　堀内將平は、日本のバレエ界をリードしてきた熊川哲也率いるKバレエ トウキョウ（今年9月よりKバレエ カンパニーから名称変更）のプリンシパルだ。プリンシパルとは最高位のダンサーのこと。バレエ団の顔として主役を演じ、その繊細かつエレガントな踊りで観客を魅了している。まさに生粋の「王子様」という印象だが、素顔はいたってフレンドリー。根っからの国際人でもあり、この日も「インド旅行から帰ってきたばかり」と屈託のない笑顔を見せた。型にはまらない自由な発想と行動力が、彼の表現の礎を支えている。「バレエって、イケてるかも」　バレエを始めたのは10歳で、決して早いわけではない。もともとは親が共働きで「放課後、子どもを一人にするわけにはいかない」という理由で、7歳から体操教室に通うことになった。その後、引っ越しで体操をやめることになり「男の子でそんなに身体が柔らかいんだったら、バレエをやったら？」という周囲からのアドバイスをきっかけにバレエ教室の門を叩いた。「そこのロシア人の先生が僕のことをすごく気に入ってくださって、2回目のレッスンで『あなたはプロになれるから、毎日来なさい』って。そんなふうに認めてもらったのが子ども心に嬉しくて、何も分からないまま『バレエ、イケてるかも』と始めちゃった感じです」。　恵まれた体格はもちろん、柔軟性や音楽性、筋肉の記憶力など、あらゆる素質を持ち合わせていた堀内はすぐに頭角を現した。14歳になると「あなたは海外でちゃんと勉強した方がいい」と恩師から告げられ、留学することに。「その頃、僕はバレエをやっていることを周囲に隠していたんですよ、ずっと。男の子がやるものじゃないと思っていたので、やっぱり恥ずかしかったんですね。だから中学校では突然『堀内くんが留学します』と発表されて、みんな『えー！』みたいな感じ」と、当時を振り返る。少年は人知れずバレエへの情熱を育み、単身世界へと飛び出した。　その後、堀内はウズベキスタン、モナコ、ドイツ、ルーマニアなど様々な国で学び、活躍することとなる。しかし海外のレベルの高い環境で踊ることは、喜びばかりではない。「ドイツのバレエ団はモデル体型のダンサーしか入れないところだったので、男性も身長180cm以上の人ばかり。僕も若い頃は"物理的な美しさ"を目指していたところもあって、コンプレックスには悩まされました。今はそれよりもっと表現や踊りなど集中すべきことがあるので、それだけじゃないと思えるようになりましたけど」。美の基準は変わってもいい　「バレエダンサーに求められる身体とは何か？」は今でも堀内を悩ませるテーマだという。「バレエって"美しい型"が細かく決まっているんですよ。手足が長くてスタイルが良くて、足の形も膝が入っていて甲が出ていて......みたいな。そういうストイックな削ぎ落とされた美しさはもちろん綺麗ですが、肉体に対する厳しい基準にこだわるのは今っぽくないな、と思っています。美の基準って時代によって変わってきているから」。　その鍛え抜かれた身体で雑誌「ターザン（Tarzan）」のカバーモデルも務めた堀内だが、本人は「もうちょっと内面的なもの」を目指していると語る。「バレエは本来、何かを表現するものであるべきだから。"綺麗だから好き"ばかりじゃなく、"表現が好き"っていう部分を大事にしたいんです」。TikTokも"感動を得られるツール"　2015年に帰国し、Kバレエ カンパニーにアーティストとして入団。Kバレエの持つ、高いエンターテインメント性に共感したのが理由の一つだという。「熊川（哲也）芸術監督はエンタメがお好きなんです。僕も大好き。以前、B’zのライブ演出を手掛けている方にこんな話を聞きました。友人に仕方なく連れてこられた人、それも何万人規模のホールの一番後ろの席に座っている人に『今日、楽しかったね』と言ってもらえることを毎回目標にしている、って。Kバレエも同じなんですよ。バレエを分からない人が見ても『よかった、感動した』と言ってもらえるような舞台を作っているんです」。　堀内自身は本業の傍ら、TikTokやインスタグラムで日々バレエを発信し、人気YouTuberとのコラボにも応じる。「SNSも言ってみれば、ほんの一瞬だけど感動が得られるツールなわけじゃないですか。誰かそれを見て『バレエダンサーってすごい！』と引っかかって、繋がってくれたらいいなと思いますね」。この日も撮影の合間にセルフィーを撮影。今の時代感覚を活かしたアプローチが、幅広いファン層を獲得している。バレエに新たな角度からアプローチ　しかし海外で活躍したダンサーだからこそ、日本におけるバレエ文化の立ち位置に葛藤を抱くことも。「パリ・オペラ座のエトワールになれば、『ディオール（DIOR）』がスポンサーについて、衣裳は『シャネル（CHANEL）』が作ってくれて......というような世界。40歳で年金が出て、日本でいう人間国宝みたいなものに認定されるんですよ。日本にも素晴らしいダンサーは沢山いるのになぜ評価されないんだろう？ってずっと考えていて、もっと多様な見せ方があったらいいのかも、と気づいたんです」。　例えば「白鳥の湖」は「眠れる森の美女」「くるみ割り人形」とともに3大バレエと呼ばれる古典だが、イギリスの演出・振付家のマシュー・ボーン（Matthew Bourne）は、男性が演じるスワンと王子の悲恋物語としてストーリーを再構築。その斬新な改訂版は90年代にセンセーションを巻き起こし、ロングランを記録した。「ああいうのも、とても面白いと思います。それで僕もバレエの演出や照明、衣裳、ヘアメイクを変えてみようとパンデミック中に企画したのが『BALLET TheNewClassic（バレエザニュークラシック）』です」。バレエとハイファッションの類似性　「バレエザニュークラシック」は、堀内が写真家の井上ユミコと共に立ち上げたプロジェクト。バレエファンならば誰もが知る古典作品を再解釈し、"新しい定番"の形を提案した。舞台と客席の距離はたった2.26mで、「チカキサダ（CHIKA KISADA）」による衣裳やプロジェクションマッピングなど、現代的な要素を融合させた。現役のプリンシパルダンサーが舞踊監修するダンス公演ということもあり、チケットはあっという間にソールドアウト。「次回はもうちょっと自分たちが届けたい層に届けられたらいいなとは思っています。一番振り向いてほしいのは、やっぱりファッションの人とか、クリエイターの人たちかな」。　バレエとハイファッションの類似性を堀内は指摘する。「バレエは元々ハイカルチャーと呼ばれるもので、王族などが楽しんでいました。今はもっと広がってきているけど、どこか届かない存在・憧れであり続けてほしいとも思います。ファッションにしても、憧れのオートクチュールやランウェイルックがあって、それが市場に広がっていくという形ですよね。あとバレエはやっぱり小さい頃からやっていないとできないものなので、そういう意味でのストイックさや厳しさも似通っているかなと思います」。敷居の高さは保ったまま、裾野を広げていく。それが文化を継承していくための大事なポイントなのかもしれない。こだわるのは踊りだけじゃない　踊り手だけでなく、公演をプロデュースする側になって学んだ点も多い。「ダンサーって『踊れればいい』と思っているところがあります。衣裳や音楽は自分では変えられないし、メイクもある程度決まった型があるので。でもその中で『どこまでそれをいいものにできるか？』というところが本当の仕事。やっぱり細かいところまでこだわらないといけないんだな、とあらためて気付きました」。中でも特に力を入れているのは、舞台メイク。劇場には専属メイクがいるが、基本的には全部自分でこなす。役柄ごとに全く違う表情を引き出し、踊りのニュアンスを増幅させている。　また、衣裳も踊りを引き立てる大きな要素だ。「ある意味、その役柄を一番視覚的に表現するものなので、音楽よりも何よりも視覚的な影響は大きいのかな。スタジオで踊るときは稽古着なので、舞台で照明が入って衣裳を着た時に『あ、こういう世界観なんだ！』と実感して、一気に次のレベルにいく感じがします」。ちなみに堀内が今まで着用した中で気に入っている衣裳は「ロミオとジュリエット」のものだそう。「ロミオはずーっと踊りたい役だったので、その分思い入れが強いです」。やはり根底には、クラシックバレエへの深い愛とリスペクトがある。「眠れる森の美女」の新たな王子像　現在は、創立25周年記念として上演される「眠れる森の美女」のリハーサル中だ。熊川芸術監督による新たな解釈で、ストーリーもアレンジされている。「今までの『眠れる森の美女』の王子は、終盤に突然出てきてお姫様にキスして結婚！みたいな強引な展開でしたが（笑）今回はもっと掘り下げられています。呪いにかけられて間違ってお姫様を死に導いてしまったり、そういう苦悩もあって、もう少し人間らしさのある王子像なのかなと思います」。　衣裳を担当するのは、世界の名だたる劇場で演劇やオペラのデザインを手掛けるアンゲリーナ・アトラギッチ（Angelina Atlagic）。豪華さと繊細さ、古典と現代的センスを併せ持つ彼女の衣裳が、作品にさらなる深みを与えそうだ。　かつてはバレエへの情熱を周囲に明かせなかった堀内少年だが、今はバレエ界を率いるトップダンサーの一人。「バレエは自分の存在価値、意義みたいなものになりましたね。僕にとって身体とは、自分を表現するための手段です。舞台では、お客様に感動してもらうのが一番。その役に共感してもらえるような舞台にしたいです」。バレエ以外では、ミュージカル「ロミオ＆ジュリエット」（2021年）に"死のダンサー"役で出演し、新境地を切り開いた。「もしお話があれば、俳優にも挑戦してみたいですね。僕は基本、なんでもやってみたいので」と貪欲さも垣間見せる。バレエは日常に溢れている　一般的に、バレエと聞くと「敷居の高いもの」と身構えてしまう人も多い。だが、「バレエに関するものって、意外と日常に溢れているんですよ」と堀内は語る。「例えばソフトバンクのCMに使われている音楽も『ロミオとジュリエット』。街中でみんなが穿いているチュールのスカートもバレエのチュチュから発展したものだったりします。バレエを見たり習ったりすると、思った以上にいろんな繋がりがあることを感じられるはず。それこそTikTokを通してでもいいので、肩肘張らずに楽しんでほしいですね。そこから理解を深めていただけたら、それも嬉しいです」。　「眠れる森の美女」に続き、今冬は「くるみ割り人形」で王子役を演じる。先人へのリスペクトを守りつつ、自らの美意識を活かしながら挑戦する堀内。バレエはもちろん、日本のエンタメや社会通念にも変化をもたらしてくれそうだ。

Culture

Kバレエのプリンシパル・堀内將平　バレエの「今」を体現する王子【連載：BODY MAGIC】

　撮影のために訪れた「N.ハリウッド TPES（N.HOOLYWOOD TPES）」のトレーニングジム、タクティカル ガレージ（TACTICAL GARAGE）。インタビューが行われた別室で「こういうものを見つけると、どう使うかをとっさに考えてしまうんです」と伊澤が指差したのは、アンティークの武器のディスプレイだ。「モーニングスターっていう、頭をかち割ったりする打撃用の武器です」と興味を示す姿に、真のスタント魂を垣間見ることができた。クリエイティブな両親の影響　伊澤の趣味はピアノと写真。学生時代に手がけたクレイアニメで受賞歴もある。日本では数少ない女性スタントパフォーマーだが、いわゆる"体育会系"のステレオタイプからはかけ離れている。　「父はテレビのカメラマンだったんです。ドラマ『ロング・ラブレター～漂流教室～（2002年）』を撮ったり、スポーツ中継を担当したりしていて、子どもの頃にテレビ局のセットに遊びに行かせてもらったこともあります。海外や地方へ出張する姿を見て、旅人のような撮影業に憧れを抱きました。父の一眼レフで遊びはじめてから、写真や映像にハマっていったんです」　さらに、美術や物作りを愛する母親からも大きな影響を受けたという。「家にはクラフトアートやビーズ、絵や刺繍などの道具がたくさんありました。自然と創作に惹かれていく環境でしたね。母は『できるようになりたい』と思うことに対して、とにかく勉強し続ける人。最近も、ぬいぐるみ作家になるという目標を叶えていて驚かされました」。両極端なものを持ち合わせていたい　日本大学芸術学で映画を学んでいた頃、映画の現場を体験したくて「アクション部」に入った。アクション部は現場でのワイヤーのセッティングやマット補助などを含め、安全に撮影を行うための仕事全般を担当する部署だ。「スタントを始めたのは、アクションと映画の関わり方に興味を持ったから。でも当時は、まさか自分がここまでプレイヤーにのめり込むとは思っていませんでした」。　「対極のものを考えるのが好き」と伊澤は語る。「例えば男性らしさ、女性らしさみたいな両極端なものを持ち合わせていたい。高校生の時から、ハイヒールを履いて踊るウクライナの男性ダンスグループ『カザキー（KAZAKY）』が好きでした」。自分は何をすればギャップになるんだろう？と考えているうちに、それがいつの間にかアクションになっていったのだという。「ひょんなことでこの世界に迷い込んで、色々な人が『こういう道があるよ』って繋いでくれました」。バレエの経験をアクションに活かして　刀を使う殺陣や男性相手のボディファイト、銃やナイフを使った軍事格闘技など、伊澤が見せるアクションは多岐にわたる。「武器や武道の使い方は物語やキャラクターによって変わるので、その作品ごとに必要なものを勉強します」と本人は語る。「個人が経験してきたことを活かせるのがアクションの良いところ。スタントパーソンは体操や格闘技、ダンスなどの経験者が多いです。私はバレエの経験があったので、四肢の先への意識やリズムの作り方、呼吸法などに活かせる部分がありました。言葉なしで感情を伝えることや、舞台上の役割などにも共通点が多いと感じます」。　アクションをやっていくうちに身につけたのは「度胸」。「はじめは先輩たちの激しい立ち回りやスタントを間近で見て、なんで怖くないんだろう？と不思議でした。でもプレイヤーとしてカメラの前に立つと、『目の前のことに集中するしかない』とスイッチが入るんです。撮影本番は、自分の練習量や技量が試される時間。怖いと思ったらできない。だから物事を恐れない心、気おくれしない精神力が大事なんです」。　今はプレイヤーとしての仕事の方がメインになっている。「コンプレックスはたくさんあります。仕事上、ルッキズムの厳しい世界に身を置かなきゃならないし、体型を誰かと比べられるのは当たり前。でも、今は自分のコンディションが良い状態でいることが一番大事だと思っています。自分の身体は一つしかなくて、服みたいに簡単に脱げるものじゃないから。今ここにいるだけの心身があるだけで十分だと思い込むようにしてます」。戦いの時でしか表現できない色気　「アクションは総合芸術」だと伊澤は語る。基本的に現場ではアクションコーディネーターのもと、動きながら立ち回りを作っていく。現場の必須アイテムはパッド。この日の撮影でも膝や肘のパッドが活躍した。「人と接触する部分にパッドを入れて『当て感』を出したり、『壊しもの』や壁にぶつかる際には脊髄や腰に巻いて身体を守ります。万が一のために服の中に仕込むんです」。　今年は指の靭帯損傷も経験した。「スタントがうまいのは身体能力があって、コントロールが効く人。あと、けがをしない人」と伊澤は笑う。「アクションには攻め手と受け手があって、攻め手には『止める力』が必要。殴るパワーを相手にそのままぶつけてしまわないための技術が要るんです。その攻撃を受けた人のリアクションによって、ようやく一手分の会話が成立します。攻め手より、受け手の方が100倍難しいです」。　「アクションシーンをリアルに見せるのは殺気かなと思います。どれだけ技術的に動けても、そこに殺気がないと緊張感のあるものは生まれない。やっぱりかっこいい戦いの時でしか、表現できない色気みたいなものがあると思っています」　近年は女優としての活動も増えてきており、セリフでも動きでも演技力が求められるようになった。「演技はスタントの世界でもすごく大事。アクションと芝居を分離させず、感情の揺れ動きを細かく体現できるようにどちらも勉強していきたいです」。衣装は世界に入り込むためのスイッチ　映画で「スタントダブル」を演じる時は、役者と同じ衣装や髪形にして分身を演じる。女性だけではなく、少年のスタントダブルを演じることもあるという。「男性よりもスタントを求められる機会は少ないので、スタントダブルの役をもらえた時はすごく嬉しいんです。衣装は、その世界に入り込むためのスイッチになります」。　現場では、衣装や小道具の担当者と相談して「なるべくアクションのやりやすいものに」と工夫されたものを身につけている。「地面の状態によっても靴の相性の良し悪しが出てくるので、滑らないようにしてもらったり。ヒールの高さや材質が異なるアクション用のシューズが3種類くらい用意されていることもあります」。日本のアクションチームのクオリティは世界からも注目されているが、それを支えるスタッフ陣の工夫とアイデアもどんどんアップデートされているようだ。女性たちの心を掴んだ「ベビわる」　伊澤はスタントを続ける中で、「海外に行く」「尊敬する先輩と一緒に立ち回りをする」といった目標を立てていたという。「それを一つずつ叶えていく中で『女性が主役のアクション映画でスタントダブルをするまでスタントを続けていこう』と考えていたんです。日本ではあまり女性が主役のアクション映画がないので」。　しかしそれを実現する前に「ベイビーわるきゅーれ（以下、ベビわる）」で女優としての主演が決まった。初の主演作は異例のロングランとなり、続編も作られるほどの人気に。「『ベビわる』は自分にとって"名刺がわり"の作品になりました。金髪の深川まひろという役のイメージが、私の知らないところまでどんどん広がっていっています」。　「ベビわる」以前は「女子高生が戦うシーン」を求められることが多かった。制服での立ち回りはキャッチーさはあるが、どこか男性目線のセクシーな演出であることは否めない。「ベビわる」が画期的なのは、あくまでアクションに重きが置かれた作品になっていることだ。「主人公二人は『よく街で見かけるような女の子』。若い年齢層や女性層に刺さったのは、露出がなくても印象に残る衣装だったことが大きかったと思います。まひろの戦闘服であるバンドTシャツを真似してくれるお客さんもとても多かったです」。アクションで人を感動させろ　伊澤のアクションの師匠は故・田中清一。倉田アクションクラブ出身で、香港映画にも参加したベテランだ。「先生がずっと言っていたことは『たった一手でもお金が取れるようなパンチ・蹴りを目指せ』ということ。あと『アクションで人を感動させろ』という一言は、自分がアクションを続ける指針になりました。『ベビわる』では多くの人から『アクションシーンに感動した』というお手紙をいただいて、やっと自分も何かを残せたのかな、と心が救われましたね」。　「アクションをやっていること自体がまだ冒険の途中」と伊澤は語る。「いつか演出側に回るのも楽しそうだな、と思います。今、友だちと一緒に映画のお話を書いているんです。何年かかるか分からないですけど、いつかそれを撮影できたら嬉しいです」。

スタントパフォーマー・伊澤彩織　アンビバレントな冒険者【連載：BODY MAGIC】

　小源寺亮太がオーナーを務める南青山のスタジオは、まるで都会のオアシスだ。あらゆるところに植物が置かれ、パウダールームの中でも鳥や虫の鳴き声が流れている。ここには老若男女の生徒が通っており、最高齢は70代だという。ポールダンスに対する”官能的な女性たちのショーダンス”というステレオタイプに囚われていると、あらゆる意味で裏切られる。　小源寺の言葉や身のこなしからは、ポールダンス界を牽引するパフォーマーならではの美意識とプロ意識が伝わってくる。「ストイックなわけではなく、ただ変態的にオタク気質なんですよ（笑）」と本人は謙遜するが、鍛え上げられた身体はギリシャ彫刻のよう。どの瞬間、どのポーズを切り取っても美しい。「男性がやってもいいんだ」という衝撃　ステージで見せる神話のような世界観とダイナミックな技術。その超絶技巧からは想像できないが「昔から運動が嫌い」と本人は明かす。「球技とかも全然ダメで『体育の授業があるから早退します』というような子どもだったんです（笑）ただ身体測定とか、自分の記録を伸ばすのは好きだったんですよね」。　歌手を目指し、17歳で福岡から上京。ダンスを本格的に始めたのはその頃だ。「自分に何が合うのか分からなくて、様々なダンスレッスンを受けていました。ある時、クラブイベントで偶然出会ったのがポールダンス。男性ダンサーの演技を見て『男性がやっていいものなんだ！』と衝撃を受けて。その方が楽屋に戻るところを引き止めて『僕もやりたいです。どこに行ったらできますか？』って聞いたのがきっかけです」。　それから11年。「スポーツジムで身体を鍛えるのは苦手だけど、ポールダンスはやっていくうちに筋肉も育っていく。レッスン毎にできることが増えていって『自分でもこんなことができるんだ！』という感動の積み重ねが自信をもたらしてくれたんですよね」。オリンピック種目になるかもしれない　ポールダンスは、スポーツともアートとも言われている。「僕は表現する方が好きなのでそういう大会に出場しているんですけど、"ポールスポーツ"としてオリンピックの種目入りを目指している団体もあって。それはポールをもっと認知してもらうためにはいい活動だと思っています。2028年ロサンゼルス五輪には——という噂も耳にしているので近い将来、実現するかもしれないですね」。　日本での選手人口も徐々に増え、競技としてどんどん広がりを見せている。「国によってトリックそのものや表現方法が違うから、見ていて面白いですよ。今はSNSで情報を共有できるから、ますます技術が進化しています。もともとバレエや体操をやっていた方たちが参入してくると、ものすごい動きが生まれるんですよね」。 世界一になるために必要だったもの　小源寺が出場する試合では身体表現だけではなく、曲に対しての動き、衣装やメイクを含め、いかにトータルの世界観を作り上げられるかが評価される。パワー系のトリックや、柔軟性を見せる動き、フロアでのパフォーマンス、会場がどれだけ魅了されたかという”エックスファクター”も採点対象になるという。　彼の独特の世界観を一言で表すならば「ファンタジー」。小源寺の妖精のようなキャラクターとパフォーマンスは、ステージ上に束の間の"異世界"を作り上げる。「正直なところ、始めた頃はやっぱり『優勝したい』という願望が強くて空振りしていたところがありました。でも挑戦する過程で、自分の身体や魂をもっと進化させていきたいという気持ちに変わっていって。『結果がどうこうではなく、色々な経験をしにいく』という意識に変わったタイミングで、賞をいただけたという感じです」。ファッションという魔法を操って　ポールダンスの選曲も振り付けも衣装も、基本的には全て自分で手掛けているという。この日まとっていたビジュー付きのショーツも、本人のお手製だ。「ファッションって『魔法』みたいですよね。僕は衣装で自分のキャラ設定ができるというか、『今度はこういうイメージで踊ってみたいな』と想像することも表現につながります。今日の撮影みたいに『誰かにかけてもらう魔法』もいいですね。新たな自分を発見できるし、色々な自分に変身できて楽しいです」。　そのファッションセンスは子供の頃から抜きん出ていた。「小学校に厚底のスニーカーを履いていって、休み時間にファッション雑誌を見たり、眉毛のお手入れをしてみたりとか（笑）雑誌で見るようなものは田舎ではなかなか手に入らないので、自分で作ったりリメイクしたりもしていました。周りの子たちからは変わった目で見られたりしていましたけど、ファッションへの強い憧れがあったんですよね」。 天と繋がり、自己を解放する瞬間　重力を感じさせない浮遊感と、ダイナミックな大技。筋力なくては成し得ないパフォーマンスにもかかわらず、小源寺のパフォーマンスはどこまでも軽やかだ。「僕にとってポールダンスは瞑想のようなもの。ポールという軸をコントロールすることで、自分自身にフォーカスできるように感じます。踊っているときや空中にいるときは、本当に天と繋がっているような感覚があるんです。無心になれるというか、心地良いんですよね」。　「逆に、空中に上りたいと思えない時はポールを触らないようにしています。身体の素直な反応を大事にしたいので、そういう時は身体をケアしたり整えたりしますね。やっぱり自分が苦しいと思っている時の演技って、見ている側も苦しいと感じるんです。だからまず自分が解放できていないと」誰もが可能性を持っていると信じて　自身の身体を「魂の入った器」と小源寺は表現する。「僕は普段、ストレッチや身体のケアをする柔軟のクラスを受け持っているんですが、いつも言っているのは『まずは器を整えましょうね』ということです。水の通りが悪いと植物も育たなかったりするじゃないですか。身体と魂（心）って直結しているので、身体が循環していくと思考や選択そのものが変わってくるんです」。　その変化を、実際に生徒からも感じたこともあるという。「ずっと自分自身をブロックをしていた方がいたんです。『こんな服を私は着るべきじゃない』とか言っていたり。でも身体の変化と共に思考そのものが変わっていって、最近ミセス・コンテストにエントリーしたそうです。それを聞いた時は嬉しかったですね。『誰もが可能性を持っているから自分自身を信じてほしい』と、僕はいつもみんなに伝えています。どんなふうにもなれるし、そう信じた瞬間から変わっていけるので、その手前で塞ぎ込まないでほしいな」。美しい伝統文化を引き継ぎたい　今後の目標を尋ねると「日本の伝統文化を、自分のフィルターを通して伝えていきたい」という意外な答えが返ってきた。「例えば、僕が習っている生け花との融合とか。伝統をちゃんと引き継いで、それを守りつつも自分のエッセンスを加えてやっていけたらいいな、と思います。アートも生け花もそうですが間（ま）が美しいんですよね、特に日本はそういうものを大切にしているので」。茶道や寺社仏閣巡りも好きだという小源寺。誰も見たことのない新たな表現とファンタジーが、また彼の身体から生まれていきそうだ。

ポールダンサー・小源寺亮太　空中で魅せるファンタジー【連載：BODY MAGIC】

インテリ一家に生まれ、絵でしか勝てなかった　台風のような女——と周囲からは評されているらしい。29歳のチョーヒカルは、そのチャーミングな外見からは想像できないほどバイタリティに溢れ、同時に冷静で繊細な面も持ち合わせている。それは彼女のユニークな作品性とも重なり合う部分だ。　東京生まれのチョーは、幼い頃から絵を描くことが好きな子どもだったという。「少しでも放っておくと木に登っちゃうような子どもで、絵を描かせる時だけ大人しく座ったので、母が絵画教室に放り込んだそうです」と語る。「私以外の家族が全員、頭いいんですよ。みんな東大の院とかまで行っているインテリ一家で。自分が唯一、抜きん出ていたのが絵。いつの間にかそれしか選択肢は残っていなかった」。カサカサの作品なんて面白くない　チョーの家族はアートにまったく興味がなかった。「まだ実家に住んでいた大学生の頃、家族共有のパソコンにボディペイントの作品を保存していたんです。私がデスクトップにぐちゃぐちゃに配置していたのを、ある日父がまとめてくれていて。そのフォルダ名が『グロテスクな絵』——そういう感じです、うちの家族の反応って」と笑う。　とはいえ、グロテスクな要素はチョーの作品にとって大切な要素でもある。「ちょっとグロい感じの生々しさがあるヴィジュアルが好きですね。ツブツブしているとか、内臓っぽいとか。カサカサの作品を見ても別に面白くないから（笑）やっぱりシズル感が大切」。物覚えが悪いから、いつも手にメモしていた　ボディペイントを始めたのは、日常の延長線上だった。「私、ものすごく物覚えが悪いんです。メモしてもその紙をなくしちゃうから、ずっと手にメモしていて。だから身体に絵を描き始めるのも自然な流れでした。絵の具を使って描いたのは19歳の時。一番最初に描いたのは目でした」。　あまりにもリアルなクオリティに、CGや特殊メイクと見間違う人も多い。「私は絵を描く行為が好きなので、シンプルな技術で作った方が意味がある気がしています。CGはかっこいい技術だと思うんですけど、何でもできちゃうじゃないですか。私は、絵の技術だけで質感や立体感などを表現するのもいいかなと思っています」。思いがけずSNS上でバズってしまう　武蔵野美術大学では視覚伝達デザインを専攻した。「グラフィックや広告といったデザイン分野の、視覚を使ったコミュニケーション全てを学ぶんですけど、絵を描く生徒はいませんでした」。ボディペイントが注目されたのは、本人がSNSに投稿した写真がバズったのがきっかけだった。「現役美大生のボディアートがすごい」「メイクが創造的すぎる女子大生」とあらゆるメディアで取り上げられ、一躍時の人となる。「知らないうちに人気が出ちゃって、どうしたらいいか分からない。いっそのこと全部やめてしまおうかな、と悩んだ時期はありましたね」。　それでも続けたのは、身近な人からのアドバイスだった。「教授に『やめるのはいつでもできるから、世間が求めるものを学ぶためにも続けた方がいいよ』って言われて『じゃあ、できる限り続けようか』と思ったんです」。「君の作ったものはゴミ」と言われて奮起　その後、展覧会が開催され、作品集も出版。多くの仕事が舞い込んだ。しかし、求められることに応えるのに必死で、チョーはだんだん閉塞感を覚えるようになっていく。「同じようなクオリティで作品を作り続けることはできる状態だったけれど、それ以上に“仕事”になってしまっていて。自分が『これはいいじゃん』と思える作品なんて二度と生まれないかもって悩んでいました」。　そんなある時、作品制作のために滞在したニューヨークで、ある美術評論家に酷評されてしまう。「君の作ったものはゴミだから、辞めたほうがいい」——その言葉に一度は憤慨したチョーだったが、それを転機にニューヨーク留学を決意した。もう一度、芸術を学び直そうと思ったのだ。「自分を批判してくれない所では成長できないじゃないですか。当時、どこかでレベルアップのきっかけを掴まなきゃいけなきゃいけなかったんです。周りからは『今じゃない』と言われましたけど」。　翌年渡米し、ニューヨークのプラット・インスティテュート（Pratt Institute）で専攻したのはコミュニケーションデザインだ。「伝えたいことをちゃんと伝えられて、人を動かせるような作品を作りたいという気持ちがあって。メッセージ性の強いものを作れるようになりたいって思ったんです」とその理由を説明する。宇宙人のアバターで会話する空間　「今は『すごいな』とか『面白いな』よりも、一歩踏み込んだところを伝えられる作品が作れたらな、と思っています。それに関しては正直、ボディペイントじゃなくてもいいと思うので、最近関わった『プロジェクトエイリアン』はそういう作品の一つですね」。　「プロジェクトエイリアン」は、顔出ししづらい事情を抱えた若者がエイリアンのアバターに身を包んでVR空間に飛び込むという、NHKのドキュメンタリー番組（2022年9月放映、12月再放送）。トランスジェンダーや在日韓国人、無職、ホストといった一般の参加者が“現代社会の分断”を乗り越えるために交流を重ねていく。チョーは番組チームと共に企画・デザインを担当した。「元々は個人でひっそりとやっていたプロジェクトだったんですが、テレビ局の知り合いに企画書を持ち込んだんです」。顔の見えない相手だからこそ話せることも　それまで肉体そのものをベースに作品を作り上げることが多かったが、新しいプロジェクトでは逆の発想で同じコンセプトを踏襲している。「ボディペイントは皮膚の上に何かを描くことで『今まで見ていたもの』の意識を変えるじゃないですか。アバターも同じで、それを人に被せることで『今まで見ていたもの』への偏見が取り払われる装置なんです」。　その背景にあるのは、チョーのオンラインゲーム体験だ。「私、ゲーム内のボイスチャットも好きなので、アバター上でするコミュニケーションに可能性を感じます。深夜の2時に、一緒にゲームをしている見知らぬ相手とすごく深い話をしたりする時があって。匿名で、相手の正体が分からない状態でするコミュニケーションには不思議な自由さがあるというか」。オンラインゲーム上でアンチと直接対決　実際、日本生まれだが中国籍であることで、チョー自身が長年「エイリアン」のように感じながら生きてきた。「一人ひとりが違う人間であること」はチョーにとって重要な価値観。だが、そのことに理解が及ばない人間も多く存在する。　新型コロナウイルスの新規感染者数が急増していた2020年、留学中だったチョーは「日本の永住権を持っていても、海外国籍保持者は入国を禁止される」と聞いて一時的に帰国した。その時の心情を綴ったツイートに大量のヘイトコメントが書き込まれたのだ。　「『帰化しないなら黙ってろ』『中国人はどうせスパイだろ』みたいな言葉が投げつけられて、地獄のようでした。人間の未知のものへの恐怖と自己防衛心から来ているのもあると思うんですけど。『本当にお前の言ってることが正しいんだったら、説明してみろよ』みたいなDMまで届いたので、『説明します』と返信したんです」。　その後の彼女の行動には驚かされる。相手をオンラインゲーム上に誘い、プレイしながら帰化問題について語ったのだ。日本国籍を取得するには様々な条件や調査があること、日本に暮らす中で国籍を意識する場面があらゆるところに存在すること、そしてそれはアイデンティティに強く関わる問題であること——。すると相手は態度を改め、彼女に謝罪したという。相互理解へのアプローチも、非常にユニークだ。見た目をキュレーションする楽しさ　また、個人のアイデンティティを語る上で、外見の問題も重要だ。著作の中では赤裸々にルッキズムに対する思いを明かしている。「以前は、自分が持っていた『女はこうであるべき像』に必死に当てはまろうとしていたんです。自分はブスだから目立っちゃいけないし、社会の規範に合わせないと受容してもらえないんだと思っていました」。　だがニューヨークに引っ越してからは、肉体に対する意識の変化を感じたという。「多様なレプレゼンテーション（概念・イメージ）を目にして、自分の身体や顔の造形に対しても許せるようになりました。日本だと『脚が細くないのにミニスカートなんて穿いたら、みっともないって思われる』といった気持ちに左右されることが多いけど、アメリカだと明らかに誰も気にしていない。挑戦してみて『あ、意外と自分のミニスカート姿を醜いと思わないな』と思ったり」。　アートとファッションは近しい関係にあるようにも思えるが、チョーにとって後者を楽しめるようになったのはごく最近のことだという。「ファッションの方が、より自分と外の世界を繋げる部分なのかもしれないですね。今は『自分がやりたいこと』と、『外から見て良いと思われるだろうもの』をうまくキュレーションして服を選んでいるので、パズルみたいで本当に楽しいです」。身体は、自由なキャンバス　取材当日、チョーは4時間かけて作品を完成させた。ボディペイントを制作する際、まずネットでモチーフをリサーチし、それらをiPadで確認しながら筆を進める。「描いたことのない物を描くときは、できるだけたくさん画像を集めます。本物を見ながら描くのが一番ですけど、なかなか叶わないので」。最初は軽く輪郭を取り、様々な距離や角度から確認しながら描き進めていく。　「今回のテーマは、二面性を表す作品シリーズの中で思いついたものです。花って美しいものだけど、美しいものほど毒があったりする。それで毒のある花を調べて、体内で繁殖しているイメージを作りました」。骸骨の内側から覗くイヌサフランという花は、アルカロイド系の有毒植物。誤って摂取すると下痢、嘔吐、皮膚の知覚麻痺、呼吸困難などを発症し、重症の場合は死亡することもあるという。　チョーにとって身体は「自分の好きなように表現できる場所」だという。「陳腐に聞こえるかもしれないけど、自分にとって身体はキャンバス。ボディペイントをする上でもそうだし、『身体にはもっともっと可能性がある』とも信じているので。この世には、みんなが『こういうふうに着飾るのが正解』と思うような美しさもあれば、それ以外の美しさもあると思うんですよね」。　今後の目標を尋ねると「2023年に発表したい本が3冊あるんです。あと、日本とニューヨークで作品を展示できる機会を作れたら。それに合わせて新作もいっぱい作りたいな。“楽しく絵を描いて死んでいく人生”の基盤を作りたいと思っています」と笑顔で語った。彼女のクリエイションは、これからも世界の様々な偏見や分断をポジティブなものに変えていくに違いない。

AKNVAS

アーティスト・チョーヒカル　エイリアンな私たちを繋げる世界【連載：BODY MAGIC】

田舎にダンス教室なんてなかった　湧き上がる衝動とエモーション。彼女が踊り始めると、スタジオにいた誰もがその動きに釘付けになった。人間はこんな自由に動けるものなのか——。　柿崎麻莉子は香川県出身。自然豊かな田舎で生まれ育ったという。「幼稚園の頃から自分で音楽をかけて踊っていましたね。母親が新体操の先生だったので、家に色々なCDがあったんです」。小学4年生から新体操クラブ「エンジェルRGカガワ日中」に通い始め、6年生の時には全国大会に3人1組で出場して優勝。身体能力の高さは幼い頃から抜きん出ていた。　「自分が踊ることが好きだっていうのは、もう早い段階で分かっていたんです。でも田舎だからダンス教室なんてないし、どうやって始めていいか分からなくて」。その後、進路を決める際に「大学　ダンス　一番」とネットで検索。検索結果の一番上に出てきたダンスの名門・筑波大学に入学し、そこでコンテンポラリーダンスと出会った。「それまで新体操しかやってなかったので、身体性の違いには苦労しましたね。新体操は技で点数を取る競技なので」。“ラッキーなことに”膝の前十字靭帯を断裂　大学1年の秋、膝の前十字靭帯を断裂し入院。病室では「こんな身体じゃジャンプもできないし、もうダンスをやめるのかな」と落ち込んでいたという。その時、手を差し伸べてくれたのは大学の先輩だった。「今は振付家として活躍している黒田なつ子さんが、座ったまま踊る機会をくれて。10分弱の作品で、長いドレスを着て脚立の上に座り、手だけをゆっくり動かす役でした。それはきっと新体操をしていた時の感覚では絶対に踊れなかったダンス。その時『そうか、足を上げなくても踊ることはできるんだな』ということに気づいたんです」。怪我をしたからこそ、新たな身体性を学ぶことができた。柿崎にとってそれは大きな転機になったという。イスラエルのダンスに衝撃を受ける　「自分が一生やっていきたいダンス」を見つけるため、大学の夏休みにはヨーロッパやニューヨークのダンスシーンを見て回る。一番衝撃を受けたのは、バットシェバ舞踊団（Batsheva Dance Company）の来日公演だった。バットシェバはイスラエルを拠点とする世界的なダンスカンパニー。美の既成概念に捉われず、振付家のオハッド・ナハリン（Ohad Naharin）が編み出した「ガガ（Gaga）」というダンスメソッドを使って、独自の身体性を育てていく。　「『ガガ』は枠組みのないアプローチで、人によってまったくバラバラな動きが出てきます。それが私がバットシェバを初めて見たときにすごく惹かれた部分。ゴツゴツした筋肉質の人もいれば、華奢なバレリーナみたいな人もいて、それぞれが全然違うリズムで同じ舞台に立っていました。色々な動物が踊っているようなワイルドさを感じて『これならやってみたい！』ってゾクゾクしたんです」「特異な身体性」でオーディションに合格　「自分がここに所属する未来が見えた」という柿崎は翌年イスラエルまで出向き、「ここで働きたい」とオハッドに直談判。大学を卒業する2012年にオーディションを受けて、念願のバットシェバに入団した。「オーディションに参加していたのは幼少期からずっとダンスを頑張っていた人ばかりでした。私は全然ダンス技術もなかったけど、新体操の経験はあったから特異な身体性に見えたんだと思います」と分析する。　バットシェバのメンバーは半分がイスラエル人で、もう半分がインターナショナル。そんな中で、体型の違いにも気づかされた。「身長が高いプロダンサーたちの中で、私は背が一番低くて、足の長さだってみんなの半分くらい（笑）でもそれをネガティブなことにはまったく感じなかったんです。だって私は“ここにいる”んだから」。　自分の身体性をほかの誰かと比較して落ち込んだことはないという。「国が違えば、美の基準も変わります。もし今、身体に対する社会の呪縛を感じているとしたら、別の場所やコミュニティに行けばいいと思います。呪縛と戦うのはすごいことだけど、それは戦える力がある人に任せたらいい。身体に正解はないから、周りと比較する必要はないと思います」。「ディオール」のランウェイで踊った経験　バットシェバに入るきっかけとなった作品「MAX マックス」には、その後ダンサーとして出演。夢が叶った瞬間だった。「でもカンパニーに憧れすぎていて、ダンサーとして色々な経験をできたことに満足してしまったのかもしれません」。その後バットシェバを離れ、2015年にシャロン・エイアール（Sharon Eyal）率いるL-E-Vダンスカンパニー（L-E-V Dance Company）に移る。「シャロンはもともとバットシェバのダンサーとしてキャリアを積み、独立した振付家。一緒にお仕事をしたこともあって、彼女の世界観をもっと体験したいと思ったんです」。　その後、L-E-Vの一員として「ディオール（DIOR）」の2019年春夏コレクションのショーにも出演。テーマは「身体の解放」。花弁が舞い落ちる中、躍動感あふれるパフォーマンスを披露した。「あれはディオールのマリア・グラツィア・キウリ（Maria Grazia Chiuri）とシャロンという、自分を突き詰めていった二人によるコラボレーション。一過性のものではなく、その後のL-E-Vの作品もディオールが衣装を作ったりと、良い関係性が続いていますね」。衣装は作品の意図をよりクリアにする仕掛け　普段の柿崎はいたってピュアで自然体。あまり着飾ることを好まない。だが、創作における衣装選びは重要だと語る。「衣装を着るといつも、リハーサルの時よりも作品の狙いがクリアになると感じます。衣装や音楽が加わることでヴィジョンの幅が狭まり、その作品の世界観が徐々に構築されていくんですね。だから自分の作品で衣装を決める時は毎回すごく悩みます」。　「私はダンサーの体がすごく好きだから、あまりヒラヒラがついていない衣装が一番！ やっぱり面白いのは体だから。だけどその設定をズラすのも面白いと思っています。あえて大きめのシャツを着たり。今は色々なブランドの服を着せてもらう機会があって、強いこだわりを持って作られた服には特に影響を受けます。作り手の意志が、服と一緒に自分の体についてくるような気がするから」。出産は私が今までした何よりもダンスだった　2021年に出産を経験。その時の感動を柿崎はこう語る。「この身体の中に命を運ぶことができるなんて『人間ってやっぱり魔法を使えるんだ！』って思いましたね。体の動きも、骨の軋みも、声も、内部で起こる痛みの感覚でさえ、同じ目的のために限界を超えていく。意外と思考は冷静で、それもすごくダンス的。『こんなに自分が動物だと思える瞬間がまだ残っているんだ！』と思ったし、あれは私が今までした何よりもダンスでした」。　1歳の子どもと暮らしながら今、彼女が新しく学んでいるのは「バカなダンス」。「パンツを見せたり、お尻を振ったり、毎日子どもと踊っているんです（笑）これまで真剣にダンサーとして仕事してきて、人前で踊る時の緊張もあったから、そういうバカな踊りをできるとは思っていなかった。子どもは私が何をやっても一緒に楽しんでくれるし『私、こんな踊りができたんだ！』って嬉しくて（笑）だから今後の作品でそれを生かしていこうと思っています」。芸術や文化を気取らず楽しめるように　「私の身体は魔法が生まれる場所」と柿崎は語る。それを実感するのは、出産の時だけではない。「もともと身体は宇宙や自然のように、人間よりもずっと大きく豊かな存在。まだ解明されていない、奥深い存在というイメージがあります。実際、身体を動かすことで感情が生まれたり、その人の世界が変わったりすることってあるんですよね。私たちの生きている世界なんて、自分がどういうふうに世界を感じているか次第だから。身体を動かすことで世界を変えることができるんだったら、それは魔法だと思います」。　2021年にはパートナーの地元である熊本に、カルチャーセンター「beq.Inc」をローンチ。「熊本には、素晴らしい自然があります。自分も田舎育ちだし『こういう場所で生きたいな』と思ったから、そこに『場』を作ることにしました。劇場やライブハウスに対して、敷居が高く感じる人も多いので、みんなが自然体で楽しめる場を作りたくて。もう『東京に来なきゃ何もできない』という時代じゃないし、ダンスに限らず面白いものを作って、若いアーティストがどんどん誕生するような場所になったらいいな」。柿崎麻莉子（Mariko Kakizaki）香川県生まれ。幼少期は新体操に励む。筑波大学入学後コンテンポラリーダンスと出会う。 2011年、韓国国際ダンスフェスティバル（KIMDC）にて金賞受賞。2012年、イスラエルのダンスカンパニー「Batsheva Dance Company ensemble」に入団。2013年、香川県文化芸術新人賞受賞。KAGAWAアンバサダー。2014年、Jerusalem Dance week competitonにて振付作品が受賞。2015年、「L-E-V Sharon Eyal | Gai Behar」に入団。2020年、第14回日本ダンスフォーラム賞受賞。2021年、第15回日本ダンスフォーラム賞受賞。2022年、熊本にカルチャーセンター”beq.Inc"をオープン。＜今後の公演スケジュール＞ 【出演作品】「パフォーミングアーツ・セレクション 2022」9月8日 高知県立美術館ホール 10月7日 まつもと市民芸術館 実験劇場 10月15日 いわき芸術文化交流館アリオス 中劇場 10月30日 りゅーとぴあ 新潟市民芸術文化会館 劇場 11月1～2日 吉祥寺シアター 11月27日 熊本県立劇場 演劇ホール 12月11日 山口情報芸術センター スタジオA  【振付作品】 10月15～16日 アステールプラザコンテンポラリーダンス公演   TRY A DANCE vol.17 @JMSアステールプラザ 多目的スタジオ11月5～6日 神楽坂 ダンスブリッジ2022 3つの未来 @神楽坂セッションハウス12月2日 宮内麻衣子との共同創作 @beq.Inc（詳細は公式インスタグラムで後日発表）

DIOR

BODY MAGIC

ダンサー・柿崎麻莉子「出産はダンス、身体は魔法」【連載：BODY MAGIC】

カニを描いた義足とヴィヴィアン　「大人になってからハマった」という「ヴィヴィアン・ウエストウッド（Vivienne Westwood）」のジャケットを羽織り、個展会場に現れた片山。義足にペイントされたカニは、自身が「蟹座」であり、蟹のハサミが自身の左手に似ていることから気に入っているモチーフだという。彼女はこのユニークな義足で国内外を飛び回っている。　この夏は、リトアニアで個展を開催。現在、イタリアのシューズブランド「セルジオ ロッシ（Sergio Rossi）」のサポートを受けた「ハイヒール・プロジェクト」も進行中だ。デザインチームや義肢装具士と相談しながら作り上げた、義足用ハイヒールを披露する日も近いという。身体と装い、そしてアートが密接に関わりあい、彼女にしか表現できない世界がさらに広がろうとしている。匿名性を持つアイコニックな自己像　「絵を描いていた高校生の頃から、イラストの中に私に似せたキャラクターを登場させていました。何かを表現する時に等身大の自分をその中に据えると伝えやすく、自然とそういう絵になっていったんだと思います」。後に「セルフポートレイト」として評価を得た写真作品についても、元々は手縫いのオブジェを自室で撮影するために、自身の身体を「マネキン」として利用したものだったという。やがて、主役ではなかったはずの彼女のアイコニックなスタイルが世間から注目されるようになっていった。　片山のイメージといえば、黒髪ボブに切れ長のアイメイク、そして真っ赤な口紅。これは彼女が大学院生の頃、ジャズバーで歌う仕事をしていた時に「必要にかられて」作り上げたスタイルだったという。義足も隠していた当時の片山は「毎日ロングドレスを着てウィッグも被って、すごくビクビクしながら歌っていたんです。その化粧や装いは、ある意味、外に向けられた武器。自分を守る手段でもあったし、外へ出ていく手段でもありました」と振り返る。やっと自分の体を取り戻せた　他人の目線は長い間、片山を苦しめた。学生時代にはいじめも経験。世間から「若いから」「女だから」「障がい者だから」というレッテルを貼られることも多く、だんだんと葛藤や疑問を感じるようになったという。「きっと相手に気を遣っていたんですよね。『あ、この人、足が変』とか思われないようにズボンやロングスカートを穿いていました。でも、なんでそんな関係ない人に気を遣わなきゃいけないの？って」。　そして、新型コロナウイルスの感染拡大による不自由な数年間も一つの転機になった。「誰にでも会えるわけじゃなくなって、すごく辛くて苦しくて。それで『ああもう私、好きなことしかやりたくないし、好きな人としか会いたくない』って感じたんです。やっと主体を自分に持ってこれるようになってきました。今は『自分が好きだから』という理由で服を選んでいます」。あえて人としての「痕跡」を残す　新作「possession」では、白い衣装を纏った片山と、レースやビーズ、貝殻などで装飾された手縫いのオブジェが神秘的なムードを放つ。装飾は全て自身の手によるものだ。9歳まで内反足だった片山は、既製の子ども服が着られなかった。自分の服をリメイクして子ども服を作ってくれた母親の影響で、「針と糸」は幼い頃から身近な道具だったという。　また、オブジェの中に埋め込まれた黒い髪の毛も独特。これについては「人がそこにいた形跡とか残り香みたいなのが一番苦手。その痕跡こそ、その人の等身大以上の存在を表現してしまっていると思うんです。髪の毛1本落ちているだけでも、そこに当人がいるよりも生々しい。ゾッとするものと、愛しいって思うものは表裏一体だから」と説明する。アートを武器にして、愛を守りたい　「possession」シリーズに登場するオブジェ「Thus I Exist」は、『日本書紀』の保食神（うけもちのかみ）から着想を得た作品だ。食べ物の神様である保食神は、美味しい料理で月夜見尊（つくよみのみこと）をもてなすが、それが自らの排泄物から作ったものだったことを理由に殺される。その彼女の遺体から、人間の生活を豊かにする五穀、牛馬、蚕が生まれたという不条理なストーリーだ。　「作品の中の自分は、自分とイコールではないって今まで思っていました。でも今作では、自分自身が保食神のストーリーをオブジェとして背負いました。これまでは、自分の中の怒りや諦めの気持ちをどうしても放置しちゃっていたんです。でも理不尽なことに対して我慢する人生はもうやめようって。もう私はアートという武器を手に入れたから、培ってきた愛を守るために、今後はそういう気持ちも背負っていこうって思ったんです」。ハイヒール・プロジェクトで伝えたいこと　義足用のハイヒールを制作する「ハイヒール・プロジェクト」は、ジャズバーで酔っ払った男性客に「ハイヒールを履かない女は女じゃない」と言われた悔しさをきっかけに2011年にスタートした。セルジオ ロッシのパートナーシップは、創設者の「シューズは女性の脚の延長である」という理念に片山が共鳴したことから実現。　このプロジェクトが画期的なのは、義足のデザイン性と機能性の両方に目を向けていることだ。「義肢装具士さんにハイヒールの相談に行った時に、電子制御の義足を試してみたんです。この義足だったらハイヒールでも恐れずに歩けるし、日常生活もグッと良くなるだろうなって思えました」。「ただ残念ながら、この義足は車一台くらい買えちゃう値段で、まだ保険適用が認められた事例がないんです。なのでそういったテクノロジーが生活向上や社会進出に必要なものとして認識してもらえるように、『こんな人たちが世の中にいて、こんな可能性があるんだよ』と広めることで、ベースを底上げできたらと思っています」。「私の身体はブロークンハート」　アーティストとして、また一人の女性として、道なき道を歩んでいる。しかしいつだって片山は「やっぱりラブがないと、幸せじゃないとダメだから」と、人との繋がりや愛情を信じて、この理不尽な世界と向き合ってきた。「傷一つないハートは美しいと思います。だけどやっぱり人生いろいろで傷もできるじゃないですか。そのおかげで見えなかったものも見えてくる。だから私の作品に登場するハートは、全てがブロークンハートなんですね」。　彼女の義足に描かれたカニもまた、美しくも歪なハートの持ち主だった。「傷ついてボロボロになって割れてるハートは、きっとミラーボールみたいに光を乱反射すると思うんですよ。どんなことでも、光をキラキラさせる要素の一つになる。その光がどういうふうに、どこに届くかは分からないけど、自分のハートの部分だけはこれからもしっかり持っていたいなって思います」。片山真理（かたやままり） 1987年、埼玉県生まれ、群馬県育ち。2012年東京藝術大学大学院美術研究科先端芸術表現専攻修士課程修了。自らの身体を模した手縫いのオブジェ、ペインティング、コラージュのほか、それらの作品を用いて細部まで演出を施したセルフポートレイトなど、多彩な作品を制作。  作品制作以外の主なプロジェクトとして、2011年より「ハイヒールプロジェクト」を展開。「選択の自由」を掲げ、2022年から第2弾を再始動。協力企業とともにハイヒールとハイヒールを履ける義足を制作し、ステージに立つ。アーティストとしての活動に留まらず、歌手、モデル、講演、執筆など、幅広く活動している。今後の展覧会スケジュール【個展】MARI KATAYAMA 会期：2022年7月28日（木）～9月18日（日）場所：Kaunas Photography Gallery（カウナス、リトアニア）https://kaunasgallery.lt/en/news/mari-katayama-kaunas-photography-gallery/【グループ展】岡山芸術交流2022会期：2022年9月30日（金）～11月27日（日）（休館日：月曜日、10 月10日（月·祝）は、翌日の火曜日休館）https://www.okayamaartsummit.jp/2022/バンコク・ビエンナーレ2022会期：2022年10月22日（土）～2023年2月23日（木）https://www.bkkartbiennale.com