インサイド

下着の次に肌に近い、その人自身を隠さない服杉田聖司（以下、杉田）：まずはじめに2024年秋冬シーズン「MODERN LIBERTY（現代の自由）」について聞かせてください。ニットウェアでありながら洗練された素材感とカラーリング、繊細でフェティッシュなディティール、それをまとった一人の女性のシーズンヴィジュアル。そして「私たちは何から自由になりたいのか」という一文から始まるステートメントが印象的でした。RUKA KAWAI（以下、KAWAI）：今回のステートメントの一部はジョン・スチュアート・ミルの「自由論」から引用しています。その箇所を参考に、私たちは現代の都市における「自由」を様々な「抑圧」からはみ出るものだと定義づけました。例えば、整然と整理された街路樹の中からはみ出した一本の枝に心を動かされたり、それが現代における自由の感覚だなと思ったんです。　「すべての言語と文学は、人生とは何か、人生においてどのように行動すべきかといった、人生に関する一般的な見解に満ちている。誰もが知っている見解であり、真理として受け止められているものであるが、ほとんどの人がその意味を初めて真に知るのは、一般につらい種類の経験が、それを現実のものとしたときである。」引用：自由論（1859）by John Stuart Mill杉田：抑圧の中にあるからこそ自由を感じることができる。ニットという素材の特性上、肌への密着感はありつつも、自分の身体に沿って服の形が自由に変化していくなと、私も実際に今シーズンのアイテムを着させていただくことで実感しました。KAWAI：私たちの服は身体を隠すための服ではなく、誰にとってもその人なりの表現ができる服なのかなと思っています。 杉田：「隠してない」という印象は特に強かったです。例えばVネックのニットは170cm弱の僕が着てもお尻がすっぽり隠れるくらいの丈感。一般的にこの丈感はお尻のシルエットを隠す機能もあると思いますが、これは大胆なシースールで全然隠れないですね。KAWAI：ニットだからこそ着ているその人にしかない形が表れますし、それが美しいと思っています。なのでモデルさんも私たちにとって親しみを感じられるシルエットの方にお願いしています。JOOMI HA（以下、HA）：ジューキフが作っているのは、下着の次に肌に近いアイテム。合わせる服次第でスタイルは様々に変化させることができます。「買わなくてもいい」という表現は変かもしれませんが、一アイテムでも十分楽しんでもらえると思います。杉田：すでにFASHIONSNAPで公開されている別記事でも「クローゼットの中身を減らすことにつながればそれもまたサステナブル」という表現がありました。消費を扇動しそれに呼応してきたこれまでの私たちを顧みた姿勢は現代的だなと感じています。KAWAI：さらにサステナビリティの点で言うと、今シーズンはほとんどの商品の素材を100％ウールにしています。そうすることでリサイクルの効率は格段に上がる。さらにウールは匂いの原因を吸収して排出してくれます。実際に登山用の靴下やパンツなどのアンダーウェア、さらには手袋もウール100%のものが多いんです。杉田：肌に直接触れるアイテムも多くありますね。アンダーウェアは機能性が優先される「日用品」的な印象で、「おしゃれアイテム」的なニットウェアとの距離を感じていたのですが、そもそもニットウェアは漁師のワークウェアとして重宝されていたという歴史を思い出しました。KAWAI：そうなんです。それと同時に、今アンダーウェアに求められているのも機能性だけではありません。日常的にブラをトップスの上に重ねるスタイルを見かけたり、そういう風景が当たり前になってきていますよね。「ニットアンダーウェア」ができるまで杉田：ジュミさんがアンダーウェアブランドとしてジューキフを立ち上げたのにも、アンダーウェアに求められるものの変化を感じたという背景があるのでしょうか？HA： そうですね。セントマのニット科を卒業して韓国に戻った時、自分が着たいアンダーウェアはどこにもありませんでした。それがジューキフを始めた理由のひとつです。杉田：ブランド設立の翌年、2022年からKAWAIさんが共同ディレクターとして参画されました。お二人ともセントマのニット科卒ですが、KAWAIさんが加入された経緯は？KAWAI：ジュミは私の2つ上の先輩でした。彼女の卒業制作を手伝っていたのが私の友達で、私もその近くのテーブルで他の先輩の卒業制作を手伝っていて、休憩時間に一緒にタバコを吸いに行く程度の仲。でも、卒業後すぐに大きなアパレル会社に就職したという共通点があり、境遇が近かったんです。HA：そこから会う機会が増えたよね。例えば「何歳になったら結婚しなきゃいけない」とか、社会人になって初めて感じた抑圧について話が弾みました。その後、それぞれ近い時期に会社を辞めました。杉田：近い時期というのは偶然ですか？HA：偶然です。もちろん会社そのものが悪いのではなくて、私達にそのシステムがたまたま合っていなかっただけの話です。仕事も生活も、常に新しい要素を取り入れたい二人なので次の道を決めました。KAWAI：私はその後、友人でもあった「タイガ タカハシ（TAIGA TAKAHASHI）」を手伝っていたんですが、そこを離れて1週間もしないうちにジュミから「ジューキフに入らない？」というメッセージが来たんです。独立したことは誰にも言っていなかったので、そのタイミングに運命的なものを感じました。HA：それもたまたまでしたね。KAWAI：そのときに話したのが「自分たちが一番得意なものに戻ろう」ということ。お互いに様々な経験を重ねてきたからこその原点回帰ということで、それまでのアンダーウェアブランドとしての要素も活かしつつ、ニットに改めて取り組むようになりました。環境問題に対する素直で切実な関心KAWAI：ジュミから送られてきた「ジューキフに入らない？」に続くメッセージには、明確に環境に対する問題意識がありました。お互いに以前から関心はあったんですけど、ジュミから「ルカは今どんなことに興味がある？」と聞かれて、私も環境問題に関してさらにリサーチをして色々な情報を送り合うようになりました。杉田：具体的にはどんなトピックについてだったんでしょう？KAWAI：例えば「B corp（Benefit Corporation）*」について。その当時はまだ「シーエフシーエル（CFCL）」さんも認証を受けていなかったので「ファッションブランドで認証されることって可能なのかな？」とか「ファッション以外の企業だとどこが認証されてるんだろう？」とか、お互いにリサーチをして定期的に情報を交換していました。韓国と日本、それぞれの拠点でリサーチできる情報も違ったので新鮮でした。*米国の非営利団体「B Lab」による国際認証制度。独自の厳格な評価のもと、環境や社会に配慮した公益性の高い企業にのみ認証する。2022年7月にCFCLが日本のアパレルブランドとして初めて認証を獲得した。HA：そもそもセントマは環境問題への意識が強く、今ファッションコースのトップを務めるサラ・グレスティ（Sarah Gresty）をはじめとしたチューターも私たち学生もそういう意識を持っていました。廃材や余剰生地を素材として扱うプロジェクトもたくさんありましたしね。環境問題と向き合うことが当たり前というか、何かを作る時の前提条件の一つになっていました。消費者≠Citezen（市民）杉田：このインタビュー連載を通じても、多くのブランドが環境に対する責任を全うしようとされている姿勢を感じます。一方で、その責任をデザイナーだけが担うことは現実的ではないんじゃないかなとも感じています。HA：ブランドの規模がさらに大きくなったら、専門家の手助けは必要になってくると思います。例えば、ジューキフにとってのベストなリサイクル方法を見つけたり、なければ開発もしたいけど、私たちだけの力ではまだできません。お客さまに「Citezen（市民）」としてこれからもジューキフと関わってもらうために、私たちのチームとしてのあり方も検討しています。杉田：「Citizen」というと？HA：少し大袈裟な表現かもしれませんが、街が政策や予算、成果を市民に報告するように、私たちは素材や縫製についての情報を毎回オープンにしています。一方で市民が街で暮らし、街の行政の進退を決定づけるように、ジューキフを買ってくださる方々もそれらの情報を参考に私たちとどう向き合うかの選択をしてほしい。そういった相互的なより良い関係を築いていきたいんです。杉田：「ブランドがつくってお客さんが買う」という一方向の流れだけではなくて、お客さんからもブランドに対して何かしらのアクションが起こせる。そういうフラットな関係性を作っていくイメージなんでしょうか？KAWAI：そうですね。「このブランドはこういう取り組みをやってるんだ。じゃあ大事に着よう」くらいでもいいんです。少しずつでもファッションとの向き合い方の選択肢を増やしていきたい。私がブランドに参加することが決まって半年ほどは、「何を作りたいか」ではなく「どんなブランドでありたいか」という価値観をちゃんと言語化して共有するために、お互いだけに向けた資料を作ってプレゼンしていました。杉田：「Citizen」との関係はどのように築いていけると思いますか？KAWAI：第一に、まずブランドに興味を持ってもらうことが必要です。でも、ただ「サステナビリティ」を謳っても興味は持ってもらえない。だからヴィジュアルメイキングに力を入れています。そこは韓国を拠点としている私たちの強みだとも思っていますしね。そこから関係を築いていくために、私たちの想いを発信し続ける。「なんでこんなに言ってるんだろう？」と思われるくらいに（笑）。HA：具体的な取り組みでいうと、2024年春夏シーズンではシルクを使ったので、シルクが土に還る理論を研究した資料を公式サイトで公開しました。これからはもっとそういった、自分たちが学んだことをシェアできるコンテンツを増やしていきたいと考えています。KAWAI：これからは自分たちのアイテムをリペアするワークショップもやりたいです。できるだけ長く楽しく着てもらえるような環境を整えたい。私たちの責任は納品してからも、その先にも必ずあるものなので。杉田：今後やっていきたいことは？HA：まずはリサイクル効率をより上げていきたいです。そう遠くない未来、着古された私たちの服がただのゴミではなく次のマテリアルになるようにしたいです。例えばウール100％のアイテムを増やして、もう一度再生できるようにしたり。あとはホールガーメントの割合を増やしたり。KAWAI：私たちを支えてくれている工場さんたちや周りの人たちとも持続可能な関係性を保って、バランスの取れた生産ができるようにしたいです。多くの人に手に取ってもらえることはもちろん嬉しいですが、私たちがコミュニケーションできない範囲までその輪が広がっていくことは今は必要ないかなと思っています。自分の言葉が伝えられる範囲で綺麗に消費して、綺麗に循環していく状態が理想です。目の前のストレスに、正直に向き合う杉田：話は変わりますが、お二人がコレクション製作中に1番テンションが上がる瞬間ってどんな時ですか？KAWAI：例えば選択肢がいくつもある中から選ばなきゃいけないとき、ジュミと私は95％くらいの確率で同じのものを選ぶんです。普段は、それぞれ韓国と日本でリモートで作業をしていますがリサーチの画像も全く一緒だったり。その瞬間はテンションが上がりますね。一緒につくっていく上で安心できますし、同じ熱量で製作に取り組めます。HA：今回はコレクションを発表するまでに5ヶ月しかなかったのでなかなか大変でした。でも色々な人に支えてもらって上がってきた撮影のデータを見た時は二人で、「良すぎて選びきれない！早くお披露目したい！」と盛り上がりました。すごく幸せな瞬間でした。KAWAI：そうだね。私たちが選ぶ写真ってぶれていたり、モデルが目をつぶっていたり、一般的にはボツになる写真も多いんです。それでも、私たちはそこに美しさを感じる。今回はモデルさんに「日常生活の動きをしてください」とお願いして撮影しました。日常生活の動きってかっこいいものばかりじゃないけれど、その中の一瞬の美しさを切り取ってもらえたかなと思います。 杉田：つくりたい服をただつくるのではなく、つくり手としての責任を持ちながら、それでもお二人が「最高！」と思える世界観を表現されている、クリエイションにもヴィジョンの体現にも妥協のないバランス感覚が大きな強みのひとつだなと感じました。KAWAI：私たちはファッションブランドなので、そこを蔑ろにすることはできないんです。杉田：「しがらみは無視しちゃおう」という自分自身の感覚に正直なブランド立ち上げの背景や、自分自身の身体そのものを表現するようなものづくりの姿勢そのものにも、共感したり勇気づけられる人は多いと思います。HA：私たち自身は、今シーズンの製作を通じて「自分を自由じゃなくさせているもの」というストレスと向き合うことで、その解決の糸口が少し見えたような気がします。ジューキフの服が、着てくださる方にとってもそうしたきっかけになったら嬉しいです。（編集：橋本知佳子）

JUUKIFF

Fashion

designer’s dialogue 004

“ニットアンダーウェア”で環境問題と向き合う「JUUKIFF」、ブランドと消費者との循環する関係性

前提条件としてのサステナビリティー「アヤヤマナカ」ではキッチンタオルをベストやパンツに、毛布をジャケットやプルオーバーに、と日用品を服に作り変えるスタイルが特徴です。このような服づくりを始めたきっかけを教えてください。　まず第一にサステナビリティという前提があります。ファッション産業が環境に及ぼす悪影響に加担したくない。でも、服を作るのは好きだし続けていきたい。だから、一番身近なものを生地として扱い、自分の目の届く範囲で、循環する流れの中で服を作ろうと思ったことがきっかけです。これならまだ「自分を許せる」というか。ー服作りの前提にサステナビリティがあるのですね。　「サステナビリティ」という言葉は日本に帰ってきてからより意識するようになりました。ベルリンに住んでいた頃は、友人が立ち上げた郊外のカフェで働いていて、そこでの体験がブランドを立ち上げるインスピレーションになっています。ー具体的にはどんな体験だったんでしょうか？　カフェのキッチンでは、お皿や手を拭いたり、商品を包んだり、様々な場面で色々なタオルを使っていました。そういったタオルを着られたら可愛いし便利だなと思い、既製品の新品のキッチンタオルを使ってユニフォームを作ったのが始まりです。ここで思いついた「もともと存在する布製品を使う」というアイデアは今のスタイルにも影響を与えていると思います。ーベルリンで学んだサステナビリティという考え方を、改めて日本に帰ってきたことで特に意識するようになったのはなぜですか？　毎日のベルリンの生活で普通になっていたこと、例えば「なるべくプラスチック製ものは買わない」「紙製のものを使う」「壊れたら修理して使う」「過剰包装しない」といったことが、日本では頑張っても同じようにはできず、改めてドイツの環境や人々のマインドに感謝するようになりました。日本でも気にされている方は増えていると思いますが、もっと多くの人がそれを普通だと思えるように、ブランドの表現の中にも取り入れていきたいと思っています。はじまりはテレビの中の「物語」ー山中さんご自身の生まれは京都、育ちは滋賀ですが、幼少期を過ごした2つの街からは何か影響を受けていますか？　当時から京都にも滋賀にもセレクトショップや古着屋は東京と比べると少なく、街から得たインスピレーションは特にないかもしれません。流行っているテレビを見て、流行っている音楽を聴く、普通の幼少期を過ごしていて、ファッションが身近にある環境ではありませんでしたが、幼稚園か小学生の頃に流行っていたアニメ「ご近所物語」を観て「服を作るのって楽しそうだな」と思いファッションデザイナーに興味を持ち始めました。ーメディアを通じた体験の影響が大きいのですね。幼少からデザイナーに興味があったとのことですが、初めて自分で服を作ったのはいつですか？　小学生の頃かな。服ではないんですが、祖母に家庭用ミシンを買ってもらって、いらなくなったジーンズを切ってくっつけてバッグを作ったりしていました。ー服から日用品へ、今のスタイルとプロセスは反対ですが、身近にあるものを素材にするという点では重なりますね。そこから服作りに発展していったのでしょうか？　のめり込むと言うよりは、思い立ったら作る程度でしたが、中学校の制服のリボンを結んだ形のまま縫い合わせ、結ぶ手間を省けるリボンを友人と作った思い出があります。ー現実的で効率的なものづくりという点では現在に通じているかもしれません。高校卒業後は美術系の大学に通われたんですよね。　京都造形大学（現：京都芸術大学）の空間演出デザイン学科ファッションデザインコースに通っていました。「ご近所物語」を観て感じた気持ちはずっと変わらず、やっぱりファッションを学びたいと思って。でも入学するとずっと課題に追われる毎日で、実果子（同作の主人公）たちみたいにキャピキャピはしていられないんだと気付きました（笑）。ー学校は「ファッションで表現する」というより「技術を教える」スタンスだったんですか？　そういうスタンスの授業もありました。でも学科は空間演出デザイン学科なのでファッション以外の授業もあって面白かったですよ。公園で段ボールのオブジェクトを作ったり、一見ファッションとは全然関係ない授業も受けていました。ー大学時代はどのような作品を作られていたのでしょうか？　卒業制作では友人3人と架空のブランドを立ち上げて服を作りました。木の破片を型に取って、樹脂で透明のピースを作って、それを繋ぎ合わせてベストを作ったり。他にも、服ではなく「不安定も楽しむ」ためのダイニングテーブルというものを作りました。食事の際に食器を置く場所の統計を取って導き出された、テーブルの上の「多くの人が食器を無意識に置きやすい場所」をあえてくり抜いて柔らかい素材に差し替えたテーブルです。何気なく食器を置くとテーブルが柔らかくて食器が安定しないんです。 憧れ、だけではないファッションへの葛藤ー学生時代はどのような人やものに影響を受けていたんでしょうか？　今まさに話題になっていますが、フィービー・ファイロ（Phoebe Philo）です。彼女が「セリーヌ（CELINE）」を手掛け始めた頃、街中に張り出された広告ヴィジュアルを偶然旅行先の韓国で見かけて衝撃を受けました。ーフィービーが率いた時代のセリーヌのどんなところに惹かれたと思いますか？　それまでメンズシルエットのウィメンズの服はまだ多くはなかったので、彼女の服は魅力的に感じました。あと影響を受けたのは、マルタン・マルジェラ（Martin Margiela）時代の「メゾン・マルジェラ（Maison Margiela）」ですね。ーアーティザナル（古着を解体再構築したライン）など、山中さんの服作りにはマルジェラとの親和性を感じます。　ベルリンに住んでいた頃はブレスで3ヶ月インターンをした後、フリーランスのアシスタントとして働いていました。ブレスが作ったファーウィッグがマルジェラの1997年秋冬コレクションのショーで使われていたりと繋がりを感じる機会があり、さらにリサーチするようになりました。ー大学卒業後すぐにベルリンに移られた訳ではない？　大学卒業後は滋賀に戻ってアパレルショップの販売員をしていました。元々はデザイナー職に就こうと思っていたんですが、いわゆる就職氷河期の真っ只中だったので簡単には行かず。やっと入ることができた会社は、ショップ店員をしながら将来的にはデザインもできる会社だったのですが、気がついたらデザイン部門が閉業していて（笑）。それをきっかけに、特に目的は決めずにベルリン行きのワーキングホリデービザを取ってみたんです。ーブレスでのインターンやデザインの勉強を目的にしていたわけではなかったのですね。　日本でデザインの仕事に就けなかった時点で、もうデザインすることはないだろうなと思っていたので。なので、ベルリンに住み始めた時はやることもなくて、ドイツ語を勉強してみたり、日本系飲食店でアルバイトしたりしていました。ーその状態からもう一度ファッションデザインに挑戦したきっかけは？　ベルリンには“自称”アーティストが沢山いて、学生でも、どんな人でも、胸を張って「私はアーティストです」って言うんです。それが大きなカルチャーショックでした。日本だと、売れていないとアーティストだと名乗れない風潮がある印象ですが、ベルリンでの生活では立て続けにアーティストに出会うことができて「もしかしたら私もできるかも」という気持ちになりました。ーベルリンに移住されたことで、ご自身の制作への意識にも変化が見えるようになるんですね。　もう一つベルリンで受けたカルチャーショックは、誰もが様々な社会問題についてよく話すこと。自然と日本にいた時よりもそういうトピックに触れる機会が増えました。特に印象的だったのが、私がベルリンに行った2013年にバングラデシュで起きた「ラナ・プラザ崩落事故」。周りでもこの話題が飛び交っていましたし、個人的にも大きな出来事でした。「私はこんなに服が好きだけど、見えないところでこんなに被害にあっている人がいる」ということにやっと気がつくことができて、自分の中でファッションに対する意識が変わっていきました。自由、そしてストイックなベルリンのクリエイションーどのような経緯でブレスで働くようになったのですか？　ベルリンでたくさんの「アーティスト」に出会って、もう一度挑戦を志したことでビザを更新して、ダメもとでブレスに履歴書とポートフォリオを送ってみたんです。彼女たちは自分たちの手で服づくりを続ける数少ないブランドのうちの一つでもありましたし、個人的にも彼女たちのファンだったので。でも一向に返事がなかったのでスタジオに直撃したら、ちょうど忙しい時期だったようでマネージャーにひどく怒られて、「絶対落ちたな」とその時は落ち込んで帰ったのを覚えています。でもその後「面接しよう」と改めて先方からメールが来て、最終的には採用してもらえました。ー実際にブレスで働いて、デザイナーのデジレーさんとイネスさんをはじめチームからはどのような影響を受けましたか？　数えきれないほどの影響を受けました。自分の認識の中ではタブーだと思っていたような様々なことが目の前で、しかも憧れのブレスのスタジオで行われていて、大学で学んだ服作りの全てが打ち砕かれるような驚きの連続でした。「もっと自由でいいんだ」と気付かされましたね。ーそれまでしてきた服づくりにはどこか窮屈さを感じていたんでしょうか。　窮屈さすらも感じることができていなかったと思います。それまではそれが私の普通だったので。ブレスは突き抜けて自由だからこそかっこいいんだなと思うことが理解できました。ーファブリックなどを扱う現代アーティストのレオノール・アントゥネス（Leonor Antunes）のアトリエでもアシスタントをされていましたよね。　レオノールのことは、イネスに紹介してもらいました。彼女からは「かっこいい作品は手がかかる」ということを学びました。例えば、すごく長いレザーをひたすら手縫いするとか、真鍮の針金をつなぎ合わせ続けるとか。単純ですが身をもって経験できてよかったです。 ーそこから帰国されて2021年に「AYA YAMANAKA」をスタート。ベルリンではなく日本を拠点に活動を始められたんですね。　キッチンタオルのコレクション「Towel series」は、ベルリン郊外（友人のカフェがあった場所）での展示会では面白がってはもらえたもののオーダーも少なく、正直あまり手応えを感じられませんでした。ですが、奈良で開催した展示会の反応はとても良くて、「日本の人たちには届くんだ」という発見がありました。そのあとの大阪での展示会でもたくさんオーダーをいただき、日本から始めるのもいいかな？と思ったんです。ードイツと日本の反応の違いはどこから来ていると感じられますか？　ドイツの人は服にあまりお金を使う習慣がないですし、とにかくものを大事にするので基本みんな古着を着ています。破れたら自分で直すDIY精神もある。それは良くも悪くもドイツと日本の違いかもしれません。ー山中さんのものを大事にする感覚やDIYの感覚はドイツで培われてきたんですね。　そうですね。一時期ドイツ人の女性2人とシェアハウスで共同生活をしていたんですが、彼女たちは2段ベッドを1から作っていました（笑）。“物語”が重なり巡る一着をー最新コレクション「Blanket series」は毛布を素材に使っていますね。　ベルリンにあるベトナム系スーパーで毛布を見つけたときに思いつきました。懐かしさを感じましたし、ベルリンの冬は寒いのでちょうどいいと思って。日本に帰った際に早速実家の毛布で試作を始めました。ー近年、ファッションデザインの前提にサステナビリティを置くことで、クリエイションが制限されてしまうという意見もあると思います。ご自身はそのような不自由さを感じられることはありますか？　私は制限の中でデザインする方が好きなんです。だから今のやり方が自分に合っていると思っています。身の回りにあるものの中でできることは本当はまだまだあるはずなんですよね。ー毛布という、子どもの頃から親しみがあり個人的な記憶と結びつきやすいアイテムを採用されていますが、マテリアル自体にはどのような背景があるのでしょうか？　ジモティーで譲ってもらったり、フリマサイトで買ったり、誰かにとって「もういらなくなったもの」を使っています。（熊柄の毛布を使ったプルオーバーを指しながら）この毛布を譲ってくれた人は普段は京都の「平安蚤の市」で古物を出品されている方だったりと、時には過去の持ち主と直接会って受け取ることもあります。 ーリアルな人物像が浮かび上がってきますね。でも山中さんのフィルターを通すと元の持ち主の生活を感じる“生々しさ”が軽やかに、ファッショナブルなものとして昇華されている気がします。　シルエットが全部同じだからでしょうか。もっと有機的な形だと生々しくなるのかな。ー無機的な側面もあるからこそ、これからの自分の物語を重ねられる。それはこのコレクションならではの強さかもしれませんね。　この服が色々な人の元を巡って物語が重なっていき、「循環する流れ」を生み出せたら嬉しいですね。 ーこれからのファッションデザインは「作ったあと」まで考えていく必要があるかと思います。その点も踏まえつつ、今後ファッションデザイナーが胸を張って服を作り続けるためにどういう意識が必要だと考えますか？　まずは「自分が一番良いと思うものをつくる」という意識だと思います。私が欲しいと思う服を絶対に欲しいと思ってくれる誰かがいる。その誰かは作ったあとのその服を長く愛してくれるはず。単純だけど一番大事。ー山中さんは東京、大阪、京都、奈良、島根、ソウルなど、さまざまな土地に実際に足を運んで展示会や即売会を開催されています。その時間は山中さんにとって「誰か」の存在を確かめる大切な時間なのかもしれないですね。　展示会に来てくれる人や実際に服を買ってくれる人には「なんでこんな変な生地を使っているんだろう？」って不思議に感じて欲しいんです。そこからもう役目を終えたものを素材に使っている理由を考えたり、日頃から買うものを意識してみたり、様々な服がつくられている背景を調べてみたり。その人の内側にも新たな変化が生まれればいいなと思っています。（編集：橋本知佳子）

aya yamanaka

interview

designer’s dialogue 003

サステナビリティは当たり前、「アヤヤマナカ」の“自分を許せる”服づくり

GURTWEIN

designer’s dialogue 002

全員が主人公であるために　リカルド・ティッシに師事「ガーウィン」が目指す日本での服づくり

「着たい」よりも「作りたい」、デザイナーとしての原体験ーまずは幼少期の児玉さんについて教えてください。過去のインタビューでは、ご自身のおじいさんをキーパーソンとして挙げられていました。　アイロンビーズや手芸にはまったり、祖父と一緒にシルバニアファミリーの家も自作していました。ベニヤ板を切ることからはじめて、家の周りには芝を敷いて、ソファのカバーを手縫いして、あとは食べ物も紙粘土で作ったり。楽しかったですね。ー服よりもさらに大きなスケールで世界観を作り上げていたんですね。では、服を作ろうと思ったきっかけは？　母が読んでいた婦人誌に載っていた服を見て作りたいと思いました。ものづくりそのものが好きだったから、ファッションへの興味も「着たい」よりもまず「作りたい」だったんです。ー初めて作った服はどんな服ですか？　その雑誌に載っていたブラウスだったと思います。アームホールが吊れちゃったり、辻褄が合わなかったり、着れたようなモノじゃないですが…。ー服を作ることが楽しかった。一方でご自身が服を着ること、装うことに興味はあったんですか？　もちろんありました。だけど自分が着たい服を作りたいとは思っていなかった。「装いたい」という気持ちが「作りたい」という気持ちの原点にあるわけではないんです。僕がファッションに興味を持ったのは、コレクション誌「gap PRESS」の存在も大きくて。非現実的と言ってもいいほどの、過剰な演出やドラマティックな世界観のクリエーション、ファッション業界の最後のバブルみたいな時代を見て、それを面白いと思っていました。2000年代の初め、ジョン・ガリアーノ（John Galliano）が「ディオール（DIOR）」、アルベール・エルバス（Alber Elbaz）が「ランバン（LANVIN）」、ニコラ・ ゲスキエール（Nicolas Ghesquière）が「バレンシアガ（BALENCIAGA）」のディレクターをしていた時期ですね。ー児玉さん自身が装うためではなく、ある世界観をつくりあげることへの手がかりとして服を作っていたのかなと想像しました。当時、服作りは独学でやっていた？　独学で続けていました。着ていくわけでもない服がどんどん家に溜まっていって。でもあるとき「見せたいな」って急に思って。大学のサークルで服をつくりながら、ここのがっこう（coconogacco）にも通って、ファッションを学びはじめました。ー大学卒業後にはロンドンにあるセントラル・セント・マーチンズ（以下セントマ）に進学されます。セントマではどのような服作りをされていたんですか？　セントマでは「スターティングポイント」と呼ばれるキーワードをまず決めて、それについてリサーチして、さらにキーワードを増やしたり削ったり、その変遷のなかで服づくりをしていました。ブレてもいい、右往左往できるのが心地よかったです。フルスでの服作りもそんな感じかもしれない。 言葉よりも伝わる服づくりをー2022年は学生時代を過ごしたロンドンでの思い出をベースにしたコレクションを発表するなど、ロンドンという街への想いが強い印象でした。1年経って今はいかがでしょうか？　今はロンドンに限らず言葉のわからない場所に行きたいですね。ー言葉のわからない場所というのは？　僕は自分で自分について言葉で語るのがあまり得意ではなくて。それはきっと全部を言葉に換えることはできないのに、（語ることで）ひとまず全部が言葉に換えられてしまうのは辛くないですか？その点、ファッションはヴィジュアルや空気感でのコミュニケーションだと思うから自分にフィットしている。ーファッションが第一言語になっている場所、というような感覚なんですかね。では、語る前の児玉さんは自分について自分の中では理解しているという感覚なんでしょうか？敢えてお聞きすると、例えば「一番好きな食べ物」は自分で理解していますか？　好きなもの、、、。ビール。でも「食べ物」じゃないですよね（笑）。逆に嫌いな食べ物が出てきちゃう。納豆とキノコ。キノコは最近食べれるようになってきたんですけど、納豆は物心ついてから「なんでこんな臭いもの食べてるんだろう」って白けちゃった。ー嫌いな食べ物はハッキリしている感じ、とても共感します。逆に自分がどこにポジティブを感じるかって、見極めが難しいなと思っていて。児玉さんはコレクションをつくる時は、見極めにくいポジティブなところか、見極めやすいネガティヴなところか、どちらを着想源にスタートされることが多いですか？　服を作る時は自分のポジティブな好きなものからスタートさせますね。2023年秋冬など時折例外もありますが、基本的には自分の好きなものを発見して製作しています。（2023年秋冬は児玉が苦手意識を持つ「スポーツ」をテーマにしたコレクションを発表した） 「結論の出ることのない世界」を映した最新コレクションー最新コレクションの2024年春夏について。今回はどのような着想から製作されたんでしょうか？　抽象的ですが「透け感」「エレガント」「モード」「キラキラ」など、自分の中にあったキーワードからです。フルスは一応メンズの文脈に載せたくて、例えばスパンコールをモヘアのトップスに編み込んだりして、キーワードを反映させていきました。ー試着させてもらったブルーの半袖シャツも、ボックスシルエットに透け感のある生地のコントラストが面白かったです。ステイトメントには「結論の出ることのないグレーゾーンの世界を映し出したい」とあるように、カジュアルな要素は引き継がれつつ、キーワードに挙がった対照的な要素が生地やディテールから感じられるシーズンでした。　基本飽き性なので、シーズンを終えたら一旦全てに区切りをつけたくなっちゃう。だから毎シーズンの雰囲気も結構バラバラになってしまいます。  ーたしかに毎シーズンの印象は違いますが、共通するムードはあるなと。例えば、このマッスルニットはどのようなインスピレーションからですか？ざっくりした編みはこれまでのフルスらしさを感じましたが、体に沿ったシルエットが新鮮で、いまイメージボードに貼ってあるハリー・スタイルズ（Harry Styles）も似合いそうだなと思いました。　思いつきです、、、。（ハリーは）特別好きというわけではないんですけど、「今」の男性像の象徴だなと思っていて。彼が今年のグラミーでシルバーのジャンプスーツを着ていて、単純に楽しそうなもの、ハッピーなものっていいなって。今のメンズのレッドカーペットシーンはタキシードの文脈で進んできたものから大きく揺れ動いている。それがフェミニンな装いに振り切るわけでもなく。そこが面白いなと思って、その影響はあるかもしれません。ルックから生まれる新しい男性像ー今回のルックは児玉さんがスタイリングされているんですか？白タイツにストライプのハーフパンツを合わせたルックが新鮮でした。　毎シーズン僕がスタイリングを組んでいます。スタイリングを組んでいる時が一番楽しいんです。ー僕自身、フルスのスタイリングの提案に毎シーズンワクワクしています。デザイナーの仕事が服を作るだけじゃないようにも思える昨今ですが、スタイリングやルックにはどんなこだわりがありますか？　僕は「服」と「ファッション」は近いけど近くない存在だと思っていて。服はファッションをデザインする上での一つの欠かせない要素であって、スタイリングも同様に欠かせない要素。だからこそ、服があって、それをスタイリングしたルックを通して、態度みたいなものを表したいんです。今の自分はそういう非物質的な表現に惹かれています。普段から（コレクションの）アイテムが出来上がっただけでは何も掴めてない感じがする。ルックを撮影して「あー楽しかった」「やり切った」ってやっと思えます。ー今シーズンのフルスのアティテュードやスタイルとして、新しい男性像を提案しているなと感じました。児玉さん自身にそのような意識はあったんですか？　特に意識している点ではないです。でも自分が作ったら自然とそうなると思います。シーズンごとにコンセプトも目指す人物像も毎回変わるけど、僕が作っていることに変わりはないからそういうものに見えるんじゃないかな。ー男性像の提案という点で影響を受けたデザイナーを挙げるとしたら？　ジョナサン・アンダーソン（Jonathan Anderson）は衝撃的でした。彼のコレクションを見て「これまでこういう人はどうしていなかったんだろう？」と、新たな人間像がスッと（自分の世界に）入ってきた瞬間があって。そこからメンズは開拓しがいがあるなと興味が湧きましたね。ーフルスはメンズブランドという認識をご自身では持っていますか？これまでの5シーズンのうち、4シーズンはメンズモデル1名で発表されています。　そんなつもりは全然なくて、もちろん女性が着ることも想像しています。どっちに向けてというわけではなく、どちらにもはまればいいかなと。今回のモデルの彼はある意味マネキンのようで、性的な突出を感じない独特な世界観を持っていた。だから彼にお願いしました。あと、今回はこれまでで自分が一番着たいもの、というかそのちょっと先というか。「着れたら着たいかも」って感じ。今シーズンだったら、さっきも話題に挙がったこのスパンコールのシルバーのトップスを着たいですね。そういう世界線で作りました。  人としての出で立ちを提案したいーエレガントなディテールや「JFW NEXT BRAND AWARD」への挑戦など、ブランドとして新たなステップを踏み出されていると感じています。そんなフルスの今後の展望を教えてください。　これまでのフルスは「かわいい」と言われることが多いし、自分でもものとして強いものができたと思うけど、これからは単純な「かわいい」ではない、もっと厚みのある提案をしていきたいです。ー2024年春夏はまさにその一歩のようにも感じますね。「かわいい」ではない次の提案を敢えて言葉に例えるとしたらなんでしょうか？　うーん。「素敵」になりたい、、、かも。ー安直ですが、いま「素敵なおばさま」「素敵なおじさま」という言葉が頭に思い浮かんで。僕の主観だとそれらは「若さ」とか「女性性」「男性性」みたいなところだけではない、もっと「人間としていいな」みたいな感覚です。　一つステージが上がった感じというか（笑）。人としての出で立ちが魅力的な人。そういう人間像を提案できるようにしたいです。

fluss

designer’s dialogue 001

「人」としての出で立ちを提案する、「フルス」児玉耀が服を作り続ける訳