インサイド

Part1：＝LOVE 9周年コンサート衣装ができるまで　日々アイドルを応援しているファンでさえ、自分の推しが着ている衣装がどのように作られ、どんなこだわりや思いが詰まっているかは意外と知らないもの。そもそも、アイドル衣装の制作はどのようなプロセスで進んでいくのだろうか？ 　今回は、10月15日・16日にTOYOTA ARENA TOKYOで開催された＝LOVE 9周年コンサート「＝LOVE 9th ANNIVERSARY PREMIUM CONCERT」の衣装にフォーカス。3つ制作された新衣装のうち「チャイナモチーフ」の衣装を例に、その制作過程を茅野さんのコメントとともに紹介する。①オファー・コンセプト決定　新曲やミュージックビデオの場合は楽曲ありきのため、プロデューサーのイメージをもとにゼロからテーマを考案。一方、ライブ衣装の場合は「演出や意図、セットリスト」に合わせてコンセプトを決めていく。今回の9周年コンサートでは、本番の約1ヶ月前に開催されるセットリスト会議から参加し、指原莉乃プロデューサーと直接意見を交わしながら方向性を決定。「ファンに感謝を伝えたい」という思いを根底に、提示された予算と全体のバランスを考慮した上で、コンサートの構成に合わせて3つの新衣装を制作することになった。②デザイン画制作　コンセプトに基づいてデザイン画を作成。通常は10パターンほど全く違う方向性のデザインをプロデューサーに提案し、そこから選ばれたものをメンバーのキャラクターに合わせてバリエーション展開していく。今回は、セットリスト会議で事前に指原プロデューサーと「メンバーカラー」「花柄」「チャイナモチーフ」といった方向性をすり合わせていたため、3〜4パターンに絞って提案。デザイン画の段階でほぼ完成形と同じディテールまで詳細に描き込んでおり、縫製時には指示書の役割も果たす。これらを通常1〜2日という驚きのスピードで仕上げていく。③生地・装飾・仕様決め＆サンプル制作　デザイン画の制作と並行して、オリジナルの生地作りも進行。通常は生地のサンプルが刷り上がったタイミングで仮縫い*を1体分作り、実際の装飾を付けたり、全体のバランスを見ながらデザインや仕様の調整を行う。今回は、茅野さんが描いたデザイン画を元に社内の別のデザイナーがグラフィック化して生地データを作成し、メーカーにサンプル制作を依頼。微細な色の調整を経て、本番用のオリジナル生地が完成した。* 仮縫い：洋服を本縫いする前に、シルエットやサイズ、デザインを確認するためにしつけ糸などで仮に縫い合わせる工程のこと。④衣装本制作　仮縫いで全体の仕様が決まったら、いよいよ本制作へ。オサレカンパニーのアトリエ内にある多数のミシンが並ぶ作業場で、スタッフが縫製し形にしていく。5体以上など、数が多い場合は外部の協力工場にも依頼しつつ、細かな装飾などはすべて社内で制作・縫製している。⑤スタイリング・小物制作　衣装本体だけでなく、靴や靴下、アクセサリーといった小物も重要な要素のひとつ。これらはチーム内のスタイリスト業務を担当するスタッフが、茅野さんのデザインや方向性をもとに提案・制作・調達していく。今回は、衣装と同じ生地や装飾、タッセルを用いた髪飾りを全メンバー分制作した。⑥フィッティング　本番3〜5日前という直前のタイミングで、メンバーが実際に衣装を着用し最終調整を実施。サイズはもちろん、その衣装を着るときに一番可動域が広い振り付けをしてもらい、動きやすさも確認する。そのほか、装飾や小物など本人のテンションが上がるような調整を共に行っていく。⑦完成　ついに衣装が完成！動いたときにかわいく、後ろから見ても立体的で、装飾やパーツにもこだわり抜いた「360度どこから見てもかわいい」を体現した仕上がりに。⑧本番　本番当日は、リハーサルでアリーナやスタンドなどあらゆる客席からの衣装の見え方をチェック。舞台裏では、オサレカンパニーのスタッフが衣装を並べ、一人ひとりのメンバーに合わせた早着替えのセッティングやサポートを行う。⑨本番後　ライブやプロモーション期間が終わった衣装は特別なクリーニングを施し、温湿度管理が徹底された空間で、小物や付属品を含めて全てリスト化して大切に保管。綺麗な状態を保つことで、後々衣装展などを開催した際にも飾ることができる。Part2：完成した新衣装を大解剖　“かわいい”が宿る緻密な仕掛け　制作の裏側を知ったところで、続いては完成した9周年コンサート用衣装のディテールを徹底解剖。メンバーの個性を活かしたデザインの違いから、歌って踊るアイドル衣装ならではの特殊な仕様まで、至近距離から見えるこだわりの数々を紐解く。◆“ときめき”を宿す、妥協なきディテールへのこだわり　前パートで茅野さんが語った通り、ベースとなるのは昔のツアー衣装の花柄モチーフと、7thシングル「CAMEO」衣装のチャイナモチーフの融合。当時の衣装では全員同じカラーだったが、現在の10人だからこそ立てるステージを表現するため、メンバーカラーを基調としつつ、他のメンバーの色も織り交ぜた。　素材はプリント生地、オーガンジー、チュールなど4種類を使用。スカートの表面のプリント生地はプリーツ、その下に重ねたオーガンジーとチュールはギャザーフレアのデザインにすることで、“360度かわいい”を実現する立体感や重厚感を演出している。さらに、省略されがちなコードのエンドモチーフやチャイナボタン、生地のつなぎ目にあしらったピコレース、コードパイピングなど、10個以上の資材を用いて細部のディテールにも徹底的にこだわっている。◆各メンバーの骨格とチャームポイントを際立たせる、5型のデザイン　グループ全体としての統一感は保ちつつ、トップスはメンバーの骨格や個性に合わせて5つの型を用意。肩からデコルテのラインが美しい髙松瞳さんや野口衣織さんはアメリカンスリーブ、齋藤樹愛羅さんや瀧脇笙古さんは肩のラインが出ないパフスリーブに。大谷映美里さんや山本杏奈さんのような小柄で華奢なメンバーは、肩を見せて抜け感を作ることでキュートさを際立たせるなど、それぞれの骨格やチャームポイントを引き立てるデザインに仕上げている。◆2分半の早着替えを可能にする、アイドル衣装ならではの緻密な仕掛け　約2分半という超タイトな早着替えの時間に対応するため、ワンピースに見える上下セパレート仕様で制作。複数の生地が重なったスカートは、パニエまで全て一体化された「一度で着られる」構造を採用している。着脱しやすいよう、ファスナーは強度の強いオープンファスナー、スカートのウエストにはマジックテープを使用し、スカートは位置がずれないように内側からスナップボタンで固定。腕を動かしやすいように脇の下にはマチを入れるなど、普通の服にはない、歌って踊るアイドルの衣装ならではの仕様や工夫がいたるところに施されている。Part3：茅野しのぶに聞く、アイドル衣装デザイナーの仕事と哲学　最後に、茅野さんに「アイドル衣装デザイナー」の仕事とその哲学について尋ねた。20年以上にわたって日本の女性アイドルに深く寄り添い、衣装を通じて彼女たちの背中を押し続けてきた同氏だからこそ語ることができる、愛と熱量溢れる思いを一問一答形式でお届けする。── 茅野さんが定義する「かわいい」とその哲学を教えてください。　「ときめくもの」ですね。そして、ときめきは細部に宿ると思っているので、たとえ人数が多くても決して細かいところまで省略しない、丁寧なものづくりを心掛けています。そうすることで衣装自体に力が生まれ、それを着ることで彼女たちに自信がつき、その自信がオーラになる。衣装の力は間接的ではありますが、アイドルを輝かせる要因の一つになると思っています。── アイドルの衣装を手掛ける際に、マインドとして大切にしていることは何ですか？　特に女性アイドルに対しては、10代後半から20代後半という若くて一番いい時期を捧げてくれているので、その期間を「無駄な時間にしてほしくない」という思いがあります。たとえグループが売れなかったとしても、自分の魅力を知るきっかけになってほしいし、自分の良さを愛せる人間になってほしいし、せめて楽しい日々であってほしい。衣装を通じてその手助けができたらと常に考えています。　今のアイドルたちは、グループ内や業界はもちろん、SNSを通じて世界中に比べる対象がいる環境に身を置いているため、意外と自己肯定感が低い子も多いんです。だからこそ、衣装を着ているときは「自分は大切で特別な存在なんだ」と思ってほしい。たとえ予算が限られていても、決してそうは見えない工夫を心掛けています。　同じように、ファンの方たちにも「推していて楽しい」と思ってほしいんです。特にライブでは、もちろんアイドルたちの歌声やパフォーマンスに一番魅了されるのですが、そのときまとっている衣装も含めて「このグループ大好きだな」「このメンバーを推していて良かったな」「今日ここに来るために日々の生活を頑張ってきて良かったな」という気持ちになってもらいたい。それを視覚的に後押しするのが、私たちの衣装作りです。これは、アイドルの衣装を長年手掛けてきたからこそ、強く思うようになったことですね。── リアルクローズではなく、「衣装」をデザインし制作することの魅力ややりがいとは？　誰かの特別な思い出や瞬間に寄り添えることです。日常着がアパレルだとするなら、特別なのが衣装。長く愛されるのがアパレルの良い商品だとするなら、プロモーションという限られた期間の中で、いかに人の記憶に残り、琴線に触れるかというのが衣装の役割だと思っています。大変な面で言えば、スケジュールがすごくタイトなのでタフじゃないと続けられないし、判断力の速さが求められるところですね。── 「アイドル衣装デザイナー」の道を自ら切り拓いてきた茅野さんですが、始めた当初と現在ではどのような変化を感じていますか？　昔のアイドル衣装は「ペラペラだ」と言われることもあるくらい、予算の中でただできるものを作るだけという感じで、「戦略」の中に衣装が入っていないことが多かったんです。「アーティストにとって一番身近で重要なものなのに、なぜそこが最初に削られるんだろう」と、20代前半の頃の私はすごく疑問に思っていました。AKB48の衣装を担当するようになってから、秋元康さんに「おかしいと思います」と直談判したことがあるのですが、その時「しのぶの言うことは確かに正論だ。だけど、決定権のある立場にいる人には偉くなった理由がある。だからその考えを変えたいなら、自分が偉くなるしかない」と言われたんです。　その言葉を受けて、私は「衣装を戦略として考えてもらえるように、価値のある衣装作りをしていこう」と考えました。それが「360度どこから見てもかわいくて、立体的でときめきが宿るデザイン」という今の衣装作りにも繋がっています。「私たちの会社が入ることで企画も衣装もワンランク上になる」というサービスを提供し続けてきた結果、ありがたいことに、今では衣装業界を目指したいという学生さんもすごく増えました。かつては選択肢にすらなかった「アイドルの衣装デザイナー」が、目指すべき職業になれたことは本当に嬉しいです。 ── 衣装デザイナーには、どんな人が向いていると思いますか？　デザインのポイントをどこに見せたいか絞れる「切り取りがうまい人」でしょうか。学生はやりたいことをてんこ盛りにしてしまいがちですが、テーマを決めて足し算、引き算ができることが重要です。あとは探究心と好奇心、そして大前提として、真面目な人じゃないと続かないと思います。裏方として、輝く彼女たちのために真摯に衣装に向き合えること、そしてそれを続けられる実直さが必要です。■茅野しのぶ | Shinobu Kayano1982年生まれ、埼玉県出身。服飾専門学校で学び、在学中からスタイリストのアシスタントを経験。卒業後、「AKB48の1期生募集ポスター」を見て自ら運営に直談判し、グループ創設時から衣装担当に就任。現在はオサレカンパニーのクリエイティブディレクターを務める。メンバーの個性を引き出すデザインに定評があり、AKB48や＝LOVEといったアイドルをはじめ、これまでに手掛けた衣装は5万点以上。次世代の育成にも注力しており、2027年4月には代々木アニメーション学院とともに新学科「衣装デザイン科」を開講する。X：@shinobukayano

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