ポスト

　去年の冬くらいから、どこかファッションウィークで見せる世界と全世界的に起きている現実との乖離が、自分の中で今までのように受け入れるには難しくなっていた。これまではその乖離が良い意味で、非日常的な世界観を通して、未来を想起できるポジティブな働きに変わっていたのだが、どうやら自分の中でそのチャンネルが変わってきているようなのだ。書き手としてこんなことを言うのは御法度だと思うが、この乖離について、ファッションウィークのスピード感に任せて簡単に言語化するのは、あまりにも乱暴になりそうで結構難しい。そうした自分の心境の変化から、楽天ファッション・ウィーク東京を通してリアリティがあるものをどこか探し求め続けていたように思う。　トップバッターを飾った「ハイドサイン」はリアリティという点では、一番近いところにいるブランドなのだろうと思っていた。ブランドのルーツとしてもともとは、私たちも一度は目にしたことのあるような企業の制服の数々を手掛けてきたデザイン会社から始まったこともあり、ショーのフィナーレにはデザイナーだけではなく、パターンメイカー、縫製士などチームスタッフみんなで一礼。 　社会的に「労働者」と言われる中でも、「ホワイトカラー」にも「ブルーカラー」にも分類されない全ての労働者に向けた「グレーカラー」をテーマに、今回含めて３シーズン発表してきたそうだ。2005年からあらゆる企業の環境調査を実施した上で、培ってきた実用的なデザインノウハウは、これだけ気候変動や人々のライフスタイルが変化する中で、新たなファッションのあり方を開拓しているように思う。　とはいえ、階級社会が存在するイギリスであれば、ファッションをはじめにアートや文化など「労働者」は、親しみのある題材のひとつ。特に労働者階級からは、セックス・ピストルズ​​やビートルズ、ヴィヴィアンウエストウッドをはじめとする数々のスターが生まれるほどにある意味、イギリスの代表的なカルチャーの発生源として語られてきた。しかし、見えない階級社会が広がる日本で「労働者」という言葉に対しての印象は、かなり曖昧だ。だからこそテクノロジーの発展以降、非中央集権化した社会でより多様化する仕事の種類に合わせて、「ハイドサイン」がそこにスポットライトを当てることは、社会的にも今後のファッションにとっても重要なことだと思う。　筆者は今回初めてコレクションを拝見する機会だったのだが、惜しくも彼らが描く労働者のイメージを掴むのは困難だった（そもそも今まで２シーズンにわたり発表されてきた展示会にいくこともセットの演出だったのであれば、情報をキャッチできていなかった私が悪いのだろう）。　環境音が流れる会場入りを経て、ショーのスタートとともに約３０体のモデルが一斉に舞台に登場。それぞれ四方に分かれるように並び、そこを掻い潜るように歩くモデルたちは、まるで都市の雑踏に生きる人々=都市の労働者たちのようだった。しかし、その一体一体が実際にどのような仕事をしているのか想像するのは、ランウェイ的なスピードの演出からなかなか汲み取れなかったように思う。ある意味、もっとディティールを知りたいというこちらの欲求をかり立たせるものでもあったかもしれないが、単なるスポーツウェア的な機能性ではない、労働者の声を反映させた「ワーククチュール」というブランドのアイデンティティをより自分ごととして受け取りたかった。　これまで実用的な機能性と素材開発に試みる大手のスポーツブランドが、ワークウェアからファッションまで展開してきた中で、彼らの見据えるビジョンは表層的ではないはずだ。だからこそ、私たちひとりひとりの労働者とともに形成していくブランドなのだと、主体性を感じさせる演出が必要だったように思う。　労働者含め、社会にいる我々ひとりひとりの主体性を認識できたのは、楽天ファッションウィークではなく、「第8回横浜トリエンナーレ『野草：いま、ここで生きてる』」に足を運んだ時だった。　3年に1度、横浜市で開催される現代アートの祭典として知られ、今回は​​横浜美術館をメイン会場に旧第⼀銀⾏横浜⽀店、BankART KAIKOなど横浜市内各所を使って開催されている。それぞれの会場のコンセプトや出展作家などの情報は、ここでは割愛させていただくが、ファッションでも馴染みがあるアーティストであれば、ラリー・クラークやスーザン・チャンチオロなどが参加している。　気候変動や戦争、経済格差など今日の複雑化した社会において、既存の価値観やシステムが揺らぐいま。そんな生きづらさや不安を感じる時代に、横浜トリエンナーレでは個人の力を改めて肯定している。個人個人が抱える感情をシェアし、時に連帯する会場の熱気は、未来への希望を見出すエネルギーとして働いているように感じた。　その中で旧第一銀行横浜支店では「すべての河」というテーマのもと、直近２０年ほどの間に東アジアで活発化したカフェや古着屋、低料金の宿泊所、印刷所やラジオ局を運営する人々の動きを紹介。既存の資本主義のシステムや支配的な社会秩序から逸脱し、日々の暮らしから独自の方法で社会に揺さぶりをかけるような活動が集まっていた。　建築物自体はシャンデリアもあり優雅なものの、参加者は皆すました顔をすることなく、社会が変わるのを待つこともなく、各々自らの実践方法を編み出しアクションしている。人間味のあるユーモアに溢れつつも実直でDIYな姿勢は、なんだか私たちが堅苦しく考えがちな思考をときほぐすような力があった。参加者のひとりには、「途中でやめる」の山下陽光氏が「山下陽光の思いつきSHOP」と題して出展（出店）。週末に開催された即売会には立ち会えなかったが、SNSで見る限り盛況な様子だった。「即売会」という実践方法自体は、いまに始まった新しいシステムではない。しかし、今年に入って大手のオンラインセレクトショップが、ドミノ倒しのように崩壊していっているいま。彼らがこの10年間ほどでもたらした影響力は、計り知れない。消費者に速くて返品可能で衝撃的な価格のセールも可能にしてしまったと同時に、まだ名も知れていない若手ブランドのビジネスを支えていた一面も持っていた。そうした再びファッションのビジネスモデルが見直され始めている中で、「山下陽光の思いつきSHOP」で行われている草の根的な販売方法と兎に角やってみるという姿勢は、改めてフレッシュな気づきを与えてくれるものだった。　ほかにも横浜トリエンナーレで刺激的に映ったのは、アジアやアフリカ、南米出身のアーティストが多く並んでいたこと。楽天ファッションウィークで発表されるショーでは、いまだに白人モデルもしくは華奢な体型のモデルが多く起用されている。世界中で、これだけボディポジティブや人種の多様性がファッションに限らず謳われている中で、あえてその選択に至るにはなんとなくの感覚ではなく、キャスティングにも意味性が問われているように思う。　ファッションは常に社会に生きる誰かひとりの心を救ったり、喜びや驚きをもたらしたり、装いでアイデンティティやアティチュードを示すことのできるものだと信じている。なにもすべてが社会を変えられる可能性を内包し、直接的なメッセージで語るべきと言っているわけではない。それがリアリティだと言いたいわけではない。しかし一見煌びやかに見えるファッションの世界は、経済的には贅沢なものとして排除される可能性だって否定できない。これからの時代、表面的な美しさ以上に言語を越えた力強さがますます問われていくように感じるのだ。

HIDESIGN

Yoshiko Kurata

ファッションウィークの煌びやかな世界と、今全世界的に起きている現実との乖離にどのように向き合っていくべきか

　もちろんファッションショーは、その機能も果たすものであることは承知。むしろ多くのインフルエンス力が集うことで産業としての盛り上がりをつくり、そこから興味を持った学生や他業種の人々がファッションの未来をより良いものにしていく可能性を信じたい。興味を持つ間口さえ作れば、コレクションやファッションには単なる華やかさだけではない、深層があるからだ。ファッションをファッションのものだけにして、ファッションをファッションで語るのはもう時代的にも経済的にも難しい。　一方で、少し前までの状況から揺り戻すように到来した「クワイエットラグジュアリー」に、彼らがフォローしていく流れは、少し恐ろしい状況なようにも感じていた。表面上の意味では、ロゴや過剰なデザインに価値を見出すのではなく、これからは分かりやすい価値ではなく、素材や仕立てで上質さを価値として引き立たせていきましょうというもの。上質な服を買って長く愛して着ることは同意するし、ロゴだけで特権感を演出するのはダサいと思うし、色々納得する部分はある。しかし結局のところ、それは着用者のベースのポテンシャルも同時に試されているようにも見えてしまうのだ。これだけ全世界中で多様性が謳われる中で、SNS上ではいまだに画一的な美意識に走る現実も多くある。どんなに他者と比べるな、自己を愛せと言ってもこれだけ四方八方から情報を浴びるいま、他者の存在をシャットアウトすることは困難なのだから。　だからこそ、表面だけをなぞるプロモーションではなく、しっかりとコレクションに込められた旨味をショーに留まらずいろいろな方法で継続的に味合わせていくブランドの方が安心感を覚える。発信するメディア側にもその責任はあると思う。インフルエンス力のある方々も、少しずつ「かわいい」「かっこいい」の言葉だけではない形で発信しようとしている。そうすることで結果的に、長くブランドを愛したり、一着を大切に着たり、トレンドに振り回されることなく服が持つ多面性をスタイリング次第で楽しめるという消費行動をエデュケーションできるのではないのだろうか（世界のどこかで毎日悲惨なことが起き、格差社会が進む中で、ただの理想論でしかないかもしれないとも本音では思ってしまう）。反対に、中身に大した強度がないのにショーのプロモーション次第で、どうとでも虚構的な盛り上がりを作れるカラクリに旨味を感じているケースも目撃する。なぜショーで開催するのだろうかとぼんやりとした疑問とともに、一般的なランウェイショーに抱かれる幻想だけがそこには浮かび上がってくる。　そんなモヤモヤした気持ちをKota Gushikenは、一気に笑いで吹き飛ばしてくれた。　TOKYO FASHION AWARDを受賞したことによる機会として、ヒカリエAホールでの初めてのファッションウィークへの参加。日程が近づくギリギリまでデザイナー本人は、Instagramで誰でも入場可能にできるようにインビテーション画像投稿し、スクショするように呼びかける光景は少し異例だった。当日を迎え、その画像は消されていたが、ランウェイがなく座席もないヒカリエホールには多くのファンが詰めかけていた。　観客から少し見上げた位置にセットされた舞台の背景には、「orgnaseid well」という注意深く見ないと分からない程度のスペルミスのコレクションタイトル。ラックにかかったニットウェアに囲まれながら、プレゼンテーション形式で左から右へとモデルが登場する中で、コレクションが徐々に整理されていくのだと思っていた。しかしそんな自分の想像をはるかに裏切るように登場したのはお笑い芸人の又吉直樹氏（ピース）と好井まさお氏のふたりだった。　共通の友人から聞いた話だが、去年の夏に又吉氏と好井氏と具志堅氏は呑みに行っていたらしい。きっとそこからの縁だったのだと帰路で納得いくほど、舞台上でのふたりのKota Gushikenへのボケとツッコミはナチュラルだった。　しかし、又吉氏が出てもなお後ろの方では「あの人だれ？」という会話が行き交うほど、ファッションの現場でショー以外のライブやパフォーマンスをするのは、かなりハードルが高い。ここ最近、月１回お笑いの劇場に通っている筆者にとっては、もはやランウェイよりも親しみを持てる光景だったが、内心本当にファッションの現場で笑いが起きるのか序盤の空気からやや不安ではあった。客観的に見ればツッコミしがいのある服ばかりが発表されているはずのファッションウィークの真面目さをそもそも覆すところから始まるからだ。　やや緊張気味のふたりが始めた、ショートコント「展示会」。Kota Gushikenの展示会に来た設定で、お互いのニットウェアを褒めあったり、ニットのスカジャンに驚きを感じたり、筒状になった赤色のニットワンピースでモノボケをしたり、Kota Gushikenがこれまでに向き合ってきたニットウェアの魅力を幾度となく彼らが伝えていくうちに、序盤の空気をみなが忘れるほどに会場の空気はどんどん軽くなっていくのを感じた。 　最後には、Kota Gushikenのルック画像を使ったスライドネタを披露し、Kota Gushikenではないニットウェアを映した写真もアイロニカルに、でも笑いにかわるほどの温かさがそこには漂う異様な光景がつくり出されていた。みんながKota Gushikenのブランドそのもの、ニットウェアに愛を感じていたのだと思う。　これからはパリと東京で継続的に展示会をやっていきたいという潔さのもと、一回切りのプレゼンテーションの場だったからこそ大胆にできた試みではあったのだと思う。それでも「みんなが楽しかったと思える時間にしたかった」という具志堅氏の純粋な想いは、TOKYO FASHION AWARDやランウェイ形式、ファッションにとらわれずに生きる全ての人を肩肘張らずにフラットに包みこみ、またショーとは異なる方法で、かつファッションとお笑いの共通点である、共感性と非日常性のはざまへの我々を誘ってくれた。

Kota Gushiken

ファッションとお笑いに通じる「共感性と非日常性のはざま」への招待　コウタグシケン2024年秋冬

　ウクライナ出身のOlya Kuryshchukが設立したメディア「1granary」は、3月初めにファッション業界に向けてロシア軍によるウクライナ侵攻に対してのオープンレターを公開。「1granary」は、セントラル・セント・マーチンズ出身のAya NoëlとOlya Kuryshchuが2013年に立ち上げたメディアで、若手デザイナーの紹介に積極的なだけではなく、ファッション業界の教育に対しての鋭い示唆を与えてきた。これからファッションデザイナーや業界を目指すZ世代のファンを多く抱えるメディアだからこそ、オープンレターに載せていた言葉は前向きで力強いものだった。　「ファッションは力を持っています。ファッションは1兆ドル規模の産業であり、文化的、経済的、そして政治的にも巨大な影響力を持っています。危機の時代には、その力を否定し、余計なもの、軽薄なもの、ナンセンスなもの、偽善者、必要ないものと呼ぶのは簡単なことです。しかし、私たちのサプライチェーンは世界中の国々を結び、私たちのメディアは世界中の多くのフォロワーに届き、私たちが共有するクリエイティブという言語は世界共通です。私たちは、才能、スキル、ネットワーク、そしてコネクションにあふれた業界です。これらのツールは、それが大規模なものであれ、親密なものであれ、常に周囲の人々の生活を向上させることができます。今日、あなたがどこにいようとも、背中を向けないで、目を閉じないでください。」― 引用元：https://1granary.com/designers-3/the-establishment/fashion-unites-against-war-an-open-letter-and-its-signatories/　アジア拠点の国際的なファッションコンペティション「big design award」にノミネートした若きデザイナーたちも、ファッションを通して現実社会へとメッセージを投げかけていた。　ファッションデザイナーやファッション産業の課題解決を目指す次世代のデザイナーを発掘、支援することを目的に2019年に誕生した「big design award」。2021年度は世界28ヶ国からファイナリスト13組を選出するものの、パンデミックの影響で最終審査会をキャンセルしたことから、今回は特別に「Essential Designers of big 2021」をファイナリスト全員に授与。その中から、一部ファイナリストの作品を紹介するべく、楽天ファッションウィーク中の3月17日にショーが開催された。　まずは、キティちゃんのように見えるバルーンドレスが印象的だった中国出身のデザイナーFey-Fey Yufei Liu。RCA卒業コレクションとして昨年夏に発表した同コレクションは、フォトグラファーHana Moonによるロンドン地下鉄やストリートでのルック写真ですでに話題を呼んでいた。一見、かわいらしさを感じるモチーフや奇妙なシルエットだが、実はそこにはユーモアに富んだ鋭い視点が込められている。　「このコレクションテーマは、社会一般的にかけられている女性の服装への圧力に対しての反発をあらわしています。現代の女性はさまざまな場面で『ふさわしい』服を着ることが期待されているのです。そういった理想像に、疲れてしまって。『きちんとした真面目な』服装をすることで、人は私に優しくしてくれる。でも、同時に私はなんだか小さくなった気がするんです。私は常に不真面目なことを真面目にやっていたいと思っています。他人からより多くのスペースを奪い、自分自身と『自分』を小さくしていたものに無礼であることで、いま『彼女』の存在が重要になってくるのです」。　過去のインタビューでは、彼女の出身地である中国でいまコンサバティブなスタイルが流行っている（求められている）こともコレクションのコンセプトに影響を与えていると話していた。それは言い換えれば、メジャーマーケットを知りながら、そこに相反する自身のブランドの立ち位置も確立していこうとする覚悟も持っているということ。自国を離れて活動するからこそ見えるアジアへのステレオタイプなイメージを更新したいという気持ちがその覚悟の原動力となっている。　「長い間、アジアはファッションの支配的な言説の中で盲点となっており、エキゾチックなテーマとして静かに空想されたり、欧米のブランドの工場地帯の役割を担ってきました。しかし近年、中華圏や東南アジアの多くの現代文化プロデューサー、デザイナー、アーティストがその役割を変え、『声高に』語り始め、世界から注目され、評価され始めています。私は、この潮流がさらに発展することを期待しています」。　同じく現代社会を生きる女性としての体験や心境を伝えるのは、RCA卒業のイスラエル出身のデザイナーNoga Karpel。六本木ヒルズに展示されているクモの彫刻作品「ママン」で有名なアーティスト、ルイーズ・ブルジョワからインスピレーションを得ているコレクションだという。　「ブルジョワの女性らしさの表現方法は、私の女性としての経験や芸術的な哲学と共鳴しています。私はファッションを芸術的な表現の手段として使っていて、ファッションこそこの世界に生きる女性としての経験を伝える素晴らしいツールだと思っています。制作のプロセスは、とてもテラピューティック（セラピー治療のようなもの）です。視覚的な選択とシンボルの背後にある文脈と意味を理解するために、精神分析に取り組んでいます」。　ルイーズ・ブルジョワも、同じく自身の幼少期の体験から女性の声を代弁するメッセージなどをただ単に悲観的ではなく、人々に安心感やゆるやかな連帯感を与える表現として作品を通して伝えてきた。　ルイーズの作品「Give or Take」からインスパイアされたという、550本ものミニチュアの手の彫刻が鎖のようにつながってできているドレスは、3Dプリンティングによるもの。「他の多くの現代的な現象とは対照的に、ファッションにおいては、クチュール、ハンドクラフト、ヒューマンタッチに対する評価が再び高まっているように感じます」と話すとおり、女性の身体をかたどったレザーコルセット、股の部分が見えるボリューミーなスカートなどクチュールのような手作業と、現代的な技術が組み合わさることで、過去から続く女性の声を現代へと繋げた。　「コルセットの細部にわたる特徴や、腹部の形状に注目したシルエットを採用し、快適でサポート力のある補助するようなコルセットを作ることを目指したのです」と語るのは、韓国出身のデザイナーGyouree Kim。　抑制的で不健康なものとして捉えられてきたコルセットを、デザインだけではなく、もちろん環境面も考慮したアイデアで現代社会へと更新している。　「私のデザインにおいて重要な要素は、美的感覚、持続可能性、そしてクラフトマンシップです。私は、人間がより自然に近づくために影響を与えられるような作品を作ることを目指しています。環境に対する共感、関心、配慮が、人間と環境を調和的に結びつける衣服のデザインに対する私の信念を築き上げました」。　「バイオ・コルセトリー」と自身のコルセットを呼ぶ背景には、廃棄になる古着のアップサイクルに加えて、実験的に再生可能な素材を使っていく試みも含まれている。　「よりよい世界、よりよい未来をつくるために、私たちはファッションや自分らしさを追求しながら、自然を安全に、ヘルシーにする方法を考えなければなりません。既存の素材、デッドストックの生地や使わなくなったものなどの廃棄物を利用することが重要です。また、サステナブルな素材を研究するにあたって、自分自身が何をしているかを知って、得た知識を他の人と情報を共有することも大切です。例えば、"My Favorite Enemies "では、衣服が完全に分解され、短時間で自然に溶解するバイオマテリアルを試すことにしました。古着、古布、古材をいつも買い集めていて、そこでの出会った人々やコミュニティも励ましていきたいと思っています」。　「トッズ（TOD’S）」とCSMの協業によるイタリアのクラフトマンシップを次世代へ引き継ぐプロジェクト「TOD’S ACADEMY」にも2020年にノミネートされたLucile Guilmard。　今回のコレクション「SHEER GOOD FORTUNE, Cheers, J’ai de la Fortune」を「A tale without a tail （終わりのない物語）」と説明するように、1枚の型紙から6種類の服へと展開するパターンメイキングを発表した。　「再生可能で自給自足」「創造性の鍵がその先の空間につながること」とポエティックなコレクションノートに記されたキーワードたちは、様々な日常的な素材―古布やサランラップなどーを金箔貼り、ガラス吹き、かぎ針編み、下駄、シーラーの５名の職人と協業する創造によってかたちとなった。クラフトマンシップを大切にする彼女は、いつか日本を訪れる際は伝統工芸や文化と出会い、それらを外部の視点から文化盗用するのではなく、今あるもので一緒に新たな発見を生み出していきたいと語った。　自分の出身地を「地球」と表記するデザイナーSAKIAは、多文化な家系に生まれ育ったことがブランドのコンセプトに大きな影響を与えていると話す。　「移動の自由や帰属意識といった社会的な課題が私のデザインの原動力になるんです。私にとって、ファッションとアクティビズムは密接な関係にあります。人々は偏見をなくして考えを受け入れていくために、ファッションは重要な役割を担っていると思うんです」。　「Dis-Armed」と題したコレクションは、直訳すれば「武装解除した」という意味になるが、SAKIAはメンズウェアの視点で軍服をアップサイクルすることで、もともとユニフォームが象徴する画一的なイメージにとらわれずに解きほぐそうとしている。　「デザイナーの使命は、常識にとらわれずに考えること」というポリシーを持った彼女だからこそ、自身の個人史的な体験をもとに社会に充満する既存の価値観をデザインの力で打ち壊し、新たな帰属意識を生み出そうとしているのだ。　「現実であれ想像であれ、社会的な隔たりや『逃亡者』を見つけなければいけないという根強い価値観に不快感を覚えます。その代わりに、場所や外見に関係なく、抽象的な概念である『ディスプレースメント（置き換え）』が私たちの具体的な故郷になるべきだと信じています。そのコンセプトのもと、わたしは芸術性とデザイン活動を通じて、代替的で永続的な哲学をつくりだしています。多文化な家系に生まれた私は、グローバル化した現代人を体現しているように感じています。ブランドを通して、どこにいても世界の誰であろうと、自分自身を見つけることができるようなコンセプトを多くの人と共有したいと思っています」。　ファッションやクリエイションには、社会へ直接的な効力がないにしても、彼らの言葉の通りゆたかな未来を想像して前進するためのメッセージを投げかけられることはできる。そしてそこから新たな対話が生まれることで、この先も個人個人が考え想像して行動することの大切さを忘れないでいられるのではないだろうか。

新進気鋭デザイナーが投げかける、現実社会へのメッセージ

　その美意識の変化は、フォトグラファーだけではなく、ランウェイでの表現にもあらわれている。本来ランウェイはその場に招かれたお客に向けてのエクスクルーシブで神聖な儀式の場として使われてきたが、コレクション誌の登場、そしてSNSでのライブ中継やSee Now Buy Nowにより徐々に開かれることで、（鶏が先か、卵が先かという話のように）オーディエンスの等身大としてストリートキャスティングのモデルも多く登場し、パンデミックの影響でついにパブリックへと変化を余儀なくされた。むしろ、ショー開催までのInstagramでのカウントダウンやセレブリティによるガイドツアー、開催後のバックステージイメージやInstagramでのタグ付けなど、ランウェイの裏側を公開していくことにデザイナーは積極的になってきている（もちろんそうではないデザイナーもいるのだが）。とはいえ、すべてがそのままリアリティなわけではなく、やはり24時間直視しようと思えば見れる現実に疲弊するいまだからこそ、嘘のない程度の少しのファンタジーに人々は魅了されているように感じる。　もうきらびやかで完璧な世界は必要はなく、現実感を内包した緊張感のある生っぽさこそがランウェイに求められているのではないだろうか。もっと言えば、ショーの映像のクオリティも格段に上がっているなかで、会場で体感したいと思わせるランウェイの独自性も問われているのだ。　まさに現代のランウェイならではの世界観を体現してみせたのが、「タナカ ダイスケ（tanakadaisuke）」と「ピリングス（pillings）」だった。　今回「浪漫」をテーマにデビューショーを発表したtanakadaisuke。これまでにアーティストなどの衣装を手掛け、コロナ禍に発売したさくらんぼの刺繍のマスクやトートバックで話題を集めてきたことから会場にも多くの根強いファンによって熱気を帯びていた。　「おまじないをかけたようなお洋服で、自分の中にいるまだ見ぬ自分と出会えますように」というブランドコンセプトのとおり、ランウェイに登場した21名のモデルがそれぞれ違った個性を持ちながら、スポットライトを浴びながら会場を交差していく。複雑に四方八方とテンポ速く歩くモデルと彼らを囲むように配置された観客席は、tanakadaisukeの服をあらゆる角度から立体的に感じるための仕掛けだったのだろうか。囲み取材でこれまで発表してきたルック写真で表現してきた「ファンタジー」とは違って、「生でコレクションを見てもらう『現実感』と自分が表現したいファンタジーがマッチした」と語っていた言葉を反芻する。　デザイナー・田中が描く浪漫は、きっと一般的にイメージされるような非現実的で美しい幻想なものではなく、誰しもが秘めている凛とした力強さを引き出すためのリアリスティックさを持ち合わせているのかもしれない。少なからずとも「刺繍」という言葉自体、トゲを持った繡しさ（うつくしさ）なのだから。　「TOKYO FASHION AWARD 2022」に受賞したpillingsのショーは、今まで発表してきたルック写真の和やかさとは打って変わって、どこかゾクゾクとする違和感があった。　会場に入るなり、目に飛び込んだのは、ランウェイに向かって逆さに緊縛されたグランドピアノだった。といっても、BGMでは軽やかなクラシックが流れ、重圧的な支配感 / 美しい音色を持ったピアノの二面性がどちらに転ぶのかまだショーが始まるまでは予想できなかった。　暗転を挟み始まったショーでは、依然として軽やかなピアノの音色が流れ、きっちりとしたヘアメイクやインナーのシャツから一見すると従来通りの「完璧な」ランウェイがつくられていたが、ニットは「不完全な完璧」だった。　pillingsは、もともと「RYOTA MURAKAMI」というブランド名で2018年にスタートしたのち、2021S/Sからニットデザイナーの岡本啓子が率いるアトリエ「K’sK」と手を組み、ニットウェアの新たな可能性を導き出している。そんな彼らだからこそできるニットウェアの「完璧」への打ち破り方は、大胆でありつつも計算されたテクニックが存分に詰まっていたものであった。　虫食いのような小さい穴からインナーが見えてしまうほどの大きな穴まで、そして緊縛されたピアノの糸と似た糸のほつれ。どれも不十分な編みのように見えるが、モデルがいつも通り整然とランウェイを歩くように、ニットも崩れることなく本来そのかたちであることを証明してみせる。かたちだけではなく、ニットに張り付く川や森の虫たち、モデルの顔にくっついている蟻たちが歩いたような痕跡や彼らの巣のようなモチーフ、そして最後のルックには天井から吊るしてあるピアノを形作る無数の蟻。一生懸命に協調性をもって集団行動する蟻たちは、皮肉にもわたしたち人間を見立てたものなのだろうか。　形式上はかわいらしく爽やかに感じるのにどこかで不協和音が鳴り続ける、そんな理想の完璧さと現実のズレを感じさせる印象的なショーとなった。　パンデミック後にわたしたちがファッションに求めたリラックスなムードは、すでに変化しつつあることに気がついていないブランドがいる中で、彼らのように非現実的に感じる現実すらも受け入れる強さをもってしてランウェイで鋭く示唆するブランドこそがいまの時代と呼応できているように感じた。ファッションウィーク情報はこちら

pillings

tanakadaisuke

現代のランウェイを体現したタナカ ダイスケ、ピリングス

　ブランド初期の頃に比べると、キディルのコアとなる「パンク」は、最近になって音やビジュアルよりも精神性としてデザイナー・ヒロさんの心の中で鳴り続けている。　それは、近年のコレクションで迎え入れているコラボレーターたちから感じられていた。2021年1月のショーではレジェンドである灰野敬二氏の音が会場に緊張感をもたらし、6月には草月会館のイサム・ノグチ氏作の「天国」に非常階段のJUNKO氏の清い叫びが響き、今年1月にsayaka botanicの演奏が広大な鳩山会館の静寂にノイズを走らせていた。　静かなだけではいられない蠢き。そのようにこれまで純粋にヒロさんの中にいき続けてきた「パンク」は、もう沈黙だけでは抑えきれないものに膨れ上がっていたのではないだろうか。それは前進するために自ら自分のほっぺを叩くような衝動的なものでもあり、ロックバンドと手を組む姿勢にはある種自ら原点に向き合う冷静さも同居してたように感じられた。どこか、いま言葉を轟かせないといけなかったような狂気的な憤りが、ショーの会場をあとにし、手元に届いたコレクションノートに書き殴られたヒロさんの言葉に宿っていた。初期衝動とか、パンクだとか、いつまで言ってんだ厨二病かよお前。だけど40歳超えてもやめられないんだわ。くだらないプライドなんて、捨て去れ。心地いい今を、捨てろ。 がむしゃらに登り詰めて、その先を見据えろ。 大声を出して。怒りを持って、解き放て。 少しずつでも前に進んでいれば、当然いき詰まる。 だから自分を破れ！決して断念するな。 世の中なんてわからないことだらけ。今を痛み、楽しめ。　2010年代に変革をもたらし、当時の形では終焉を迎えた「ストリート」の強さは、外部／アウトサイドから固定観念を時に真正面から打ち破り、時には同じルールに則りながらも内部から翻していくパラサイトのようなものがあった。そのフィールドで先陣を切るデザイナーたちの声・言葉に導かれた者たちが、次第にそこらじゅうで服作りだけにとどまらず、さまざまなアウトプットで表現し、コアに共感する者同士が親和性の高いコラボレーションを行っていくことで、最終的にトロイの木馬のような革命を起こしたのだ。　実際同時代を体感したわけではないので、事実が正しいか／正しくないかはさておき、きっとヒロさんが服作りを始めた90年代終わり〜2000年代初頭も同じような時代のムードが流れていたのかもしれない。それも、インターネットもいまほど24時間オンラインになっていない頃に、従来の価値観に退屈した強い声とシンパシー。タブーがタブーではなかったような時代。　勢いを増したムーブメントは、いつしか「過去」のものになってしまうが、キディルは「パンク」という言葉が内包する商業的／純粋なイメージどちらに対しても常に愛を持って更新しようと果敢に声を荒げることで、自ら逸脱者だと証明してみせた。ファッションウィーク特設サイトはこちら

KIDILL

「パンク」という言葉を愛を持って更新しようとするキディル

　人知を越える自然の偉大さ、身動きが取れない中で自己と向き合う時間、目まぐるしく変化する現実に目を背けずに立ち止まって考える覚悟、可視化されていない世界への想像、フィジカルもオンラインも現実となってしまったいま再定義される「虚構」などなど。　もし時間が不可逆的に一方向へと流れているものだとすれば、これまで未来に想いを馳せていた私たちは、同じ距離の矢印を過去の記憶へ向け、それらの複雑な感情や思考を頼りに過去をひもとくことで「現在」に輪郭をもたせていくのだろう。そうでなければ、混乱する「現在」に気が落ち着かないといったほうが正しいだろうか。　そんなことを感じ取り始めたのは、20A/W ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」が発表したコレクション「タイムクラッシュ（時間の衝突）」によって壮大なスケールで演出されたショーから。「もしもファッションを育んできた数え切れない時代のすべてが、現在のこの場所に集結したら？そしてこの瞬間に、ファッションの純粋な喜びを表現した舞台で、歴史が現代の自由と対峙したら？」というコンセプトのもと、あらゆる国の1400年代から1950年にわたる衣装をまとった総勢200名のコーラスがランウェイを見守り、過去・現在のすべての年代がひとつの空間で交差した。　今年に入ってから、ますます国内でも展示から書籍に渡りさまざまな表現で過去の記憶に向き合う姿勢は強まってきたが、そうして過去と自己に向き合う時間が深まれば深まるほど、わたしたちは自分たちのルーツを確かめたくなってくる。　一体、現在私たちが考える哲学のもとはどこにあるのか？なぜそれを信じたくなるのか？現実さえもあやふやになるいま、「信じられるもの」とは果たしてなんのか？　東京藝術大学大学院美術研究科デザイン専攻の卒業展示で「リュウノスケオカザキ（RYUNOSUKEOKAZAKI）」の作品を初めてみたときに感じた感触だった。　とはいえ、会場では実際 彼だけではなく、隣接するスペースで展示をしていた写真家・遠藤文香の作品やほか専攻の展示作品からも過去と自己への対峙の末行き着くルーツを感じ取れ、思わず一緒に展示を回っていた友人に「人間、最後はルーツを信じたくなるのかな」とぽろりと言葉を残した記憶がある。　いずれの作品においても表れていたのが、わたしたちのルーツから現在まで脈々と流れている「アニミズム」の思想。人間至上主義ではなく、あらゆる自然や動物に魂や造形を見いだし、その想像力はさまざまな神話や装飾、オブジェクト、生き物を生み出してきた。　その考え方は、日本にいれば当たり前のことだが、人間至上主義の思想が強い西洋や欧米では、今までと違って自然の偉大さと驚異を同時に感じることで、いま一度関心が向けられている。サステナブル、スローライフ、ガーデニングなど日常にまでその思想は影響しているのは話題だ。　それにファッションでは、ヨーロッパで特異的なポジションを誇る「イリス ヴァン ヘルペン（Iris Van Herpen）」の存在も無視できない。そのような大きな潮流のなかで、岡﨑のルーツへのピュアなまなざしは光り輝き、ショー発表前からすでにアジア圏の雑誌には頻繁に取り上げられていたのである。　だから、ここでは縄文や祈りに対して特別にスポットライトを当てるつもりはない。　では、大きな潮流を前提として岡﨑龍之介、もしくは近年同じく国外からも注目が集まる八木華やルーツを探り表現するデザイナーは、なぜ新しい風としてわたしたちの目をハッと覚ましてくれるのか？　もっと意地悪な言い方をすれば、これだけ多くのデザインが出てきた中で、これからわたしたちは何に感動を覚えるのか？覚えたいのか？　（これは単なる偶然だと思うけれど）岡﨑も八木も元々平面のデザインやペインティングからキャリアをスタートしている点が、身体に対する新たな視点になっている。　これまで制作してきた岡﨑の作品に関しては、正直まだクチュールとしての素材の扱い方には伸び代がまだまだあるように感じる。かといって、少し重ねて見え隠れする「クレイグ・グリーン（Craig Green）」の手つきとは違うのは、身体のフォルムへのアプローチだ。          　実はクレイグ・グリーンも同じくもともとは、ファッションデザイナーではなくアートを専攻しようとしていた。とあるインタビューでは「ファッションじゃなかったら、陶芸家を目指してたよ」と語ってる言葉から、すでに彼の手癖が読み解けるだろう。　陶芸のろくろを回すときの回転軸をもとに、こちら側が造形をきめていくようなプロセス。かためて焼いた後に自立するようなフォルムの立ち方。そのような陶芸のプロセスを体現するかのように、彼が服でつくりあげる造形美は、まるで展示台に設置したときのように自立し固定された瞬間に迫力を増す。　一方で岡﨑は、デザイン専攻だがファッションデザインにおいては、デザイン画を描かずに手を動かしていく。うねうねと縄文土器のような曲線が身体から逸脱しながらも、手足の動きをなぞるようなストロークを描く造形美が、クレイグ・グリーンの固定された造形美とは違うもののように感じた。モデルが歩くことで跳ねるそれらの曲線美は、まるでデジタル上でいかようにも痕跡（平面レイヤー）が重ねられるデザインのプロセスにも似ているし、平面のレイヤーをアニメーションのように動かすことで躍動感に溢れる。　八木も同じく、もともとグラフィックデザインから立体作品へ、そして服へとキャリアを進めてきた。彼女の場合は、以前TOKIONでインタビュー際に語っていた「今後もさまざまなルーツを持った素材を使って、服の上でコラージュしていくつくり方を続けていきます」という言葉のとおり、一見真正面から見ると大胆なフォルムに見えても、はり合わせているひとつずつのピースにデザインや想いを込めている。ズームアップしてそれらのピースひとつずつを見る繊細さと、つなぎ合わされた鱗のようなピースが身体の曲線に呼応して、残像を残しながら表情を変える。　そのような彼らの身体のフォルムを固定することなく、平面のつなぎ合わせだからこそ生まれる隙間 = 余白に、新しい造形美へのヒントが隠されているような気がするのだ。　それは2010年代のSNS普及後に過剰までに加工した画像から生まれたBALENCIAGAのジャケットやBOTTEGA VENETAのシューズ、そして自撮りにより上半身を撮る行為から生まれたロゴTシャツや大きめのサングラスなどとも違う平面から立体への造形美でもある。　それらの平面画像の中でもインパクトを持つ服は、自らの身体を重力関係なく誇張したり加工するような造形美に繋がり、そのありえないデザインが現実世界で平面から立体へと浮き彫りになった瞬間にハッと驚きを感じさせてくれていた。　しかし、そこからこの数年で自然の雄大さを改めて感じ、自らの身体や自己に向き合ったわたしたちは、原点に立ち戻り、平面でもインパクトがありつつも、やはり身体と服の間にうまれる可能性を確かめたいのだろう。ファッションウィーク情報はこちら

ポスト / 記事一覧倉田佳子