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アンダーカバー プロダクション苦悩の1年──初の映画『UNDERGIRL』制作秘話を語り合う

光の届かない海の底へ　「アビサエ エクストレ」が描く深淵⎯⎯ 既存のアビサエ オードパルファムと新作のアビサエ エクストレ ド パルファンでは、表現した世界にどのような違いがありますか？　オリジナルのアビサエは、現実と想像のはざまに広がる深海の神秘へと誘う香りとして創作しました。未知の世界へ足を踏み入れるような感覚を表現したかったのです。アロマティックな爽やかさ、繊細なフローラルのニュアンス、奥行きのあるウッディノートが、意外性をもって共存しています。ユーカリ、ローズ、ベチバーは、その世界観を形づくる上で欠かせない要素でした。　新作のアビサエ エクストレ ド パルファンでは、その世界をさらに深く掘り下げたいと考えました。単に海の深みを探るだけでなく、より豊かな感覚の広がりを表現したかったのです。深淵が持つ、よりダークで豊か、そして神秘的な側面を描くため、樹脂を思わせるリッチなニュアンスやバルサミックなアクセントを加えました。インセンスが神秘的な奥行きを添え、ローズはより贅沢で包み込むような表情を見せます。さらに、シプリオールとアンバーグリスがウッディなベースの存在感を際立たせています。こうして生まれたのは、単に濃度を高めた香りではなく、同じ物語における新たな一章なのです。⎯⎯ 多くの人に愛されているアビサエを再解釈する上で、どのような挑戦がありましたか？　最大の課題は、継承と進化のあいだに理想的なバランスを見出すことでした。アビサエを愛する方々には、その個性を瞬時に感じていただきながらも、同時に新たな発見ももたらしたかったのです。　私にとってフレグランスの再解釈とは、単に香りをより力強く表現することではありません。オリジナルの作品に秘められていた新たな側面を見出し、そこに光を当てることです。だからこそ今回の挑戦は、アビサエの本質を守りながら新たな道を拓き、物語をさらに先へ進めることでした。そのアプローチは、まるで誰も足を踏み入れたことのない深淵を探検するようなものでした。⎯⎯ オリジナルのアビサエと新作のアビサエ エクストレは、どのように使い分けるのがおすすめですか？　私にとって、この2つは異なる表情を持つフレグランスです。アビサエは、明るさと奥行きをあわせ持ち、肩の力を抜いてまとえる魅力があります。アロマティックな爽やかさが際立つため、日中の装いや、さりげないエレガンスと意外性を求めるシーンにふさわしい香りです。　一方のアビサエ エクストレは、より親密で、深く引き込まれるような魅力を備えています。豊かで包み込むような存在感があり、特に夕方から夜にかけての時間や、香りを第二の肌のように自然にまといたいときに惹かれますね。創造の自由が広げる、自然と旅のインスピレーション⎯⎯ アビサエをはじめ、ラルチザン パフューマーのフレグランスを複数手掛けられています。メゾンが掲げる「創造の自由」を、どのように捉えていますか？　私にとって「創造の自由」は、調香における最も大切な価値の一つです。ラルチザン パフューマーは、調香師一人ひとりが自身のビジョンを表現し、自分らしい方法で物語を紡ぐことを認めています。その信頼関係は、私にとって大きなインスピレーションの源です。不必要な制約にとらわれることなく、直感や感性、想像力に導かれながら香りを生み出せるからです。思いがけない発想や意外なコントラスト、自然を見つめる新たな視点にもつながっていきます。　ラルチザン パフューマーは、独創性とクラフトマンシップを称えるブランド。その哲学があるからこそ、自分らしさと個性に満ちた、印象深いフレグランスを生み出すことができるのだと感じています。⎯⎯ 世界中を旅することがお好きだそうですが、旅先での経験は調香にどのように活かしていますか？　旅は、最も大切なインスピレーションの源です。旅に出るたびに、新鮮な視点で世界を見つめ直すことができます。風景や人々との出会い、土地に根づく習慣や食文化、思いがけない発見まで、あらゆる体験が香りの記憶を豊かにしてくれるのです。スウェーデンの世界遺産ラポニアを訪れた時の投稿　中でも日本は、私に大きな影響を与えた国の一つです。過去に3ヶ月間、日本各地を一人で旅したことがあります。それは人生の中でも特に印象深く、創作の糧となった経験でした。日本人の自然との関わり方や、桜の季節に人々が儚い美しさを讃える光景に、深い感銘を受けました。⎯⎯ 日本での体験の中で、特に心に残っているものはありますか？　香道や茶道、和菓子づくりに息づく緻密な職人技など、日本に受け継がれる伝統文化にも心を動かされました。オーガニック農場で働き、高野山の仏教寺院を訪れ、屋久島では樹齢1000年を超える杉の森にも足を運びました。　そうした経験を通じて、私は日本の「わび・さび」の美意識に関心を抱きました。不完全さや儚さ、簡素さのなかに美を見出す考え方ですよね。調香においても、わび・さびは一見すると欠点のように思える要素が、作品ならではの個性を生む源になり得ることを教えてくれます。やや際立ちすぎる香料や意外性のあるアクセントが、香りの個性や本質を形づくることがあるのです。　アビサエにおけるユーカリの印象的な存在感は、その良い例です。ユーカリがもたらす緊張感によって、この香りならではの個性と記憶に残る魅力が生まれています。美しさは、ときに完璧な調和から外れる要素によってもたらされるのです。⎯⎯ 最後に、ご自身が香りまとう時のルールを教えてください。　調香師になってからは、香りをまとうことそのものが創作プロセスの一部となりました。新たなテーマに取り組むときには、試作した香りを日常生活の中で実際にまとい、その美しさや香り立ち、時間の経過による変化を確かめています。　香りがラボを離れ、現実の環境の中でどのような表情を見せるのかを観察することは欠かせません。自らの作品をまとうときには、周囲の反応や感想にも注意深く耳を傾けています。そうした率直な反応の中に、香りの本質を理解する手がかりが隠されていることがあるからです。　ただ、休暇中はまったく香水をつけません。旅先では、その土地や環境が持つ香りを、できるだけありのままに感じていたいのです。街角の香り、雨上がりの空気、市場の賑わい、その土地ならではの食文化。周囲の世界を存分に感じ取るために、肌はできるだけニュートラルな状態にしておきます。　私にとって香りとの関係は、香りを観察する時間と、世界の香りに耳を傾ける時間とのあいだを行き来するものなのです。 アビサエ エクストレ ド パルファンは、トップノートで、ユーカリレジン（樹脂）が霜をまとったような冷たさを帯び、インセンスがそのフレッシュさを引き立てながら、濃密なミネラル感を加える。ハートノートでは、樹脂のようなローズを、シスタスラブダナムや松によって官能的かつ包み込むような印象に仕上げた。そしてベースノートは、サンダルウッド、シプリオール、アンバーグリスが、温かみと奥行きのある、力強い印象をもたらす。時間の経過とともに、香りの深みが静かに増していくアロマティック ウッディ香調だ。ラルチザン パフューマー 公式サイト

L'ARTISAN PARFUMEUR

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深海の神秘を香りに　ラルチザン パフューマー調香師に聞く“創造の自由”

変わるファッション、その先に広がる表現——以前、「写真は死んだ」と発言されていました。今でもそう考えていますか？　はい。今でもそう思っています。ただ、「写真は死んだ」という言葉は、「写真」という言葉が今もかつてと同じ意味を持つのか、改めて考えてもらうための、ある種の“警鐘”として発したものであって、文字通りの意味ではありません。「写真は死んだ」と言えば、「死んでなんかいない」と反論する人が出てくる。でも、そう反論するには、まず「写真は本当に死んでいないのか？」と考えるでしょう。それが重要なのです。　20世紀に「写真」と呼んでいたものと、今私たちが作っているイメージは、もはや同じものではありません。今ではiPhoneやデジタルカメラで撮影した後に、光やフォーカス、背景まで変えることができる。3Dスキャンしたデータから彫刻を作ることもできるし、その場から世界中へ直接発信することもできます。かつて写真は雑誌や本、ギャラリーを介して人々に届けられていましたが、今は誰の許可も必要ありません。そう考えると、かつて明確に定義されていた「写真」というメディアはある意味死んだと思っています。大切なのはそのことを嘆くのではなく、私たちがすでに新しい時代を生きていると認識すること。それと同時に、イメージの作り方そのものも変わっていると理解することなのです。——では、ファッションは死んだと思いますか？　いいえ。なぜならファッションは常に変化するものだからです。変わらなければ、それはファッション（流行）ではないでしょう。——今のファッション業界をどのように見ていますか？　業界全体となると、正直なところ分かりません。すべてを俯瞰して追っているわけではないですから。ただ、ファッションの世界には今も素晴らしい才能がたくさんいます。例えば、ロンドン発の「シネイド・オドワイヤー（SINÉAD O'DWYER）」やファッションデザイナーでありアーティストの ミカエラ・スターク（Michaela Stark）、インフルエンサーデュオのフィーカル・マター（Fecal Matter）など。彼らは本当に美しく、面白いものを作っています。それに川久保玲や山本耀司のように長く活動しているデザイナーも、今なお素晴らしい仕事を続けています。　一方で、業界の人たちと話していると、昔と比べて業界全体が「保守的」になっているようには感じます。ものを売るためのマーケティングが強くなって、業界全体で新たなことに挑戦しようという気概が感じられないのが正直なところ。とはいえ、今はファッション業界が新しい時代に向けて再調整している最中なのだと思います。そもそもファッションとは、変化し続けるものです。今はまさに大きな変化の途中にいて、人々はさまざまなことを試しながら、21世紀のファッションがどうあるべきかを模索している。まだその先に何があるのかは分かりません。だからこそ、面白い時代だと感じています。——東京ファッションウィーク「Rakuten Fashion Week TOKYO 2027 S/S」が8月31日から9月5日までの期間開催されました。ファッションショーは今でも面白いものだと思いますか？　今も変わらず刺激的だと思います。ただ、今はランウェイショー以外にも、コレクションを発表する方法がありますよね。　1980年代や90年代、新しいコレクションを発表する場といえば、ほぼファッションショーに限られていました。しかし、インターネットの登場によってオンラインでの発信が可能になり、コロナ禍をきっかけにその動きはさらに加速した。今では、映像やSNSなどコレクションを発表する手段はいくつもあり、必ずしもファッションショーを行う必要はありません。——ランウェイショーそのものが時代遅れになった、ということでしょうか？　ランウェイショー形式での発表自体が悪いと言っているわけではありません。ただ、今はほかにも良い選択肢があるということです。　ショーを開催するには、いつだって多くのお金と労力がかかります。でも今は、若いデザイナーが全財産をつぎ込んでまでショーを開く必要はありません。友人に自分の服を着てもらって撮影し、それをInstagramに投稿すれば、世界中の人に見てもらえる。今、ファッションにはこれまでとは異なる経済のあり方や、仕事の仕方が生まれています。そしてそれは、20年前や50年前のやり方よりも、ずっと「今」という時代に合っている。長く業界にいる私たちが認識しなければならないのは、これまでのやり方にとらわれず、新しい方法を模索していく時代だということです。——2000年に立ち上げたSHOWstudioは、短尺動画がSNSの主流になる以前から映像やリアルタイムでの発信に取り組んできました。なぜ、これほど早く映像の可能性に着目したのでしょう？　答えはとてもシンプル。ファッションは、静止画よりも映像で見せる方が理にかなっていると考えたからです。　デザイナーが服を作るとき、その服は静止した状態ではなく、人が着て動くことを前提に作られています。川久保玲であれ山本耀司であれ、それは誰であっても同じです。服は動いている状態で見られることを想定して作られている。だから、ファッションフィルムという発想は私にとってごく自然なものでした。——ファッションショーライブ「La WATCHPARTY」など、現在さまざまなバックグラウンドを持つSNSアカウントがコレクションの感想や批評をリアルタイムで発信しています。この変化をどう捉えていますか？　良いことだと思います。今起きているのは「ファッションの民主化」であり、同時に「イメージの民主化」です。　私がまだ10代だった1970年代、家にはカメラが1台しかなく、それは父のものでした。使うには父の許可を取らなければならなかったし、当時はカメラを持っていない人の方が多かった。でも今は、誰もがカメラを持ち、ヴィジュアルや写真を通じて自分自身を表現できるようになりました。文章も同じです。かつて文字を書くことができたのは限られた人だけでしたが、今では誰もが書くことができる。ソーシャルメディアによって、写真でも同じことが起きています。より多くの人が自分を表現できるようになったことは、文化の発展においてとても良いことだと思っています。——ナイトさんもSNSで新しい情報を探されていますか？　もちろん。いつも見ています。特にInstagramは新しいものを発見するためのとても良いプラットフォームです。以前なら知ることのなかった画家や彫刻家を偶然発見することもあれば、アートや絵画、写真などで、今まで見たことのないことをやっている人たちにも出会える。もちろん面白いデザイナーやモデルもたくさんいます。　実は、私が一緒に仕事をしている人たちの多くもInstagramで見つけています。向こうから私に連絡してくる場合もあれば、私が作品を見つけてフォローし始めることもある。もちろんInstagramにいない人の中にも、面白い人はたくさんいるでしょう。ただ、そういう人たちは見つけるのは少し難しいですよね。——こうした変化の先に、ファッションはどこへ向かっていくと思いますか？　それはまだ分かりません。今は業界全体でさまざまなことを試しながら、21世紀にふさわしい新しい表現や仕事の仕方を模索している最中だと感じます。ただ、向かう先が分からないからこそとても興味深い時代だと思いますし、期待もしています。——最後に、ナイトさんご自身はこれから何を追いかけていきたいですか？　私が今興味を持っているのは、写真やファッションそのものではなく、それらを通じたコミュニケーションです。写真でも、ファッションでも、絵画でも、音楽でも、彫刻でも、ダンスでもいい。どんな表現手段を使うかではなく、それを通じて人とどう繋がるかを追っていきたいです。iPhoneで撮影し、AIで加工　制作過程を動画で解説　 　個展では、iPhoneで撮影し、AIを用いて鮮明化した作品全26点を展示。自身の庭で育てた薔薇を被写体とした代表作に加え、2023年に「ディオール（DIOR）」の代表的なフレグランスのキャンペーンヴィジュアルとして制作した5点を初めて販売している。自宅の庭に咲く薔薇を摘み、自然光の中でiPhoneを構えるというシンプルな手法から、ダイナミックな作品はいかにして生まれたのか。その制作プロセスを聞いた。

「写真は死んだがファッションは死んでいない」ニック・ナイトが見据える表現の未来

── 今回が初来日とのことですが、東京の印象はいかがですか？　ずっと身近に感じてはいましたが、おそらく世界で一番見た目が好きな街ですね。建築が素晴らしいです。私は人々の往来と調和しているような「インダストリアル」で「ブルータリズム」的な空間に惹かれるのですが、東京にはそういった場所がたくさんありますね。── 「バックルームズ」は、英語圏のネット掲示板「4chan」に投稿された画像を発端とするインターネット上の都市伝説「The Backrooms」をきっかけに制作されました。作中に登場するどこまでも広がる空間からは、パーソンズさんの建築への関心と同時に、誰かがいるはずなのに孤独を感じる「インターネット空間」を想起しました。　まさにその通りで、この映画のアイデアの発端にもなっているのですが、人々が感じている「文化的な不安」の多くは、極端なつながり（インターコネクテッドネス）からきていると思います。すべてがオープンエンドで、何事にも終わり（クロージャー）がない。ある意味で、情報過多に陥っている状態です。あまりにも色々な情報がありすぎて、この先どう進めばいいのか、明確な道筋が見えなくなっている。1人の人間が1000回人生をやり直しても把握しきれないほどの情報があふれている場所だと思います。── 日本では最近「ドーパミン中毒」という言葉が流行しています。ファッション業界などでもアテンション（関心）を惹きつける刺激的なコンテンツがマーケティングで多用されており、クリエイションの本質とずれるのではないかと賛否両論がありますが、こうした刺激的なコンテンツについてはどう思われますか？　ファッション業界のことはよくわかりませんが、ネット上でそうした考え方やコンテンツが蔓延しているのはよく知っていますし、ドーパミン中毒というのは、その延長線上にある現象ですよね。現代は、社会として「情報伝達の摩擦」を極限まで減らすツールを手に入れました。その結果、コミュニケーションのスピードが上がり、最小限の努力で素早く報酬（刺激）を得られるサイクルが極端に短くなり、超高速で繰り返されるようになりました。個人的には、そうした罠に陥ってしまった人にとっては刺激的なだけのコンテンツは化学的な意味で有害であると考えます。もちろん私は神経科学者ではありませんが、ドーパミン中毒が問題視されているのは日本に限った話ではないと思います。抗うことは非常に難しいですが、こうした手軽なドーパミンの罠を意識的に避ける努力は重要だと思います。── ケインさんご自身は、SNSとどのように向き合い、距離を置いていますか？　私自身も他の人と同じように「ドゥームスクローリング（ネガティブな情報を延々と読み漁ってしまうこと）」の罠に陥ることが度々あります。できる限り自分を律しようとはしていますが、克服するのは難しいし、良いアドバイスもできません。ただ私の場合は、幸いにも今仕事がとても忙しく、強制的にオフラインになって作業しなければならない時間が多いので、それがSNSから引き離してくれています。それでも、インターネットと共に育ってきた世代にとって、インターネットやSNSを完全に生活から排除するのは難しいことだと思います。 ── お忙しい中で、今一番興味を惹かれている現象やコンテンツは何ですか？　仕事としては、引き続き“IPとしての「バックルームズ（The Backrooms）」”の開発に取り組んでいます。同時に、今はまだ詳細を明かせないのですが、いくつか特別なプロジェクトも進行中です。広い意味で説明すると、私たちが文化的・社会的に構築してきたシステムと、「現代と古代の心理学」との関係を探求することに興味があります。現代のテクノロジーそのものというより、現代のネット中心の生活を送る人と、5000年前に生きていた人との間にある「不変の要素」は何か、人類の進化の歴史全体を貫くより大きなテーマは何なのかということに興味があるんです。少し大袈裟に聞こえるかもしれませんが、単なる空想の物語やファンタジーのシナリオを作るのではなく、私たちが今生きている現代の状況を形作る、より「根本的な要素」を見つけ出したいんです。ノンフィクションが好きなんですよ。── そうした人間の進化や心理、社会システムに興味を持ったきっかけは何だったのでしょうか？　 元々SF作品に惹かれる傾向があったのですが、大人になり社会に関わる時間が増えるにつれて、世界中の人々の生活の中にある極度のストレスや痛み、不安に気づくようになりました。私にとって重要なのは、根拠のない楽観主義でも、単なる批判で終わってしまう悲観主義に陥るのでもなく、結論や「正しい前進の仕方」を見つけ出すことです。もしこの世界のシステムが壊れているのなら、人間の心における「不変の要素」は何なのか、そしてどんなシステムが脳のどの部分を利用して、現在の経済や統治の形を文化として定着させているのかを理解することが不可欠です。そうした思考がどのように進化してきたかを理解しない限り、現在のカオス（混沌）やノイズを理解することは不可能です。だからこそ、私は歴史、特に「心の生物学的な歴史」に深い関心を持っています。世界を批判するからには、なぜそうなのかを理解し、最後に何か意味のあるものを提示したいと考えているからです。── 不安定な時代の中で、ファッション業界では「プラダ（PRADA）」のようにクリエイションに、過激さではなく「穏やかさ」を求める傾向もあります。「バックルームズ」が現代社会に対して提示するのはどういったスタンスですか？　「バックルームズ」というコンセプト、特に映画版には、その両方の側面が含まれています。極度に複雑で多様性に満ちた、私たちに苦痛を与える「ノイズ」のすべてを含みつつも、ノスタルジックで親しみやすい穏やかなヴィジュアルという「衣装」の裏に隠されているのです。戦争や経済不安などがあると、文化として巨大な「自己鎮静（心を落ち着かせること）」の期間が生まれます。それは特定の悪徳企業が企んだ陰謀などではなく、無意識の文化的な現象です。しかし、これも結局は企業が商品を売るためのマーケティング・サイクルの一部であり、経済を回すための手段だったりします。ある意味で、それは巨大なシステムが身にまとった「偽物の衣装」のようなものですね。「バックルームズ」は、こうした非常に控えめで、日常的で、穏やかとも言える見せ方をすることで、その背後にある構造や商業的な側面を指摘しているのです。photography: monami◾️バックルームズ  【STORY】ある日、自らが営む家具屋の地下から異次元へと迷い込んでしまったクラークは、不条理な世界で怪異に直面する。セラピストのメアリーもまた、彼の行方を追ってバックルームズへと足を踏み入れる。この空間はなぜ存在するのか。ここで一体何が起きているのか。 監督：ケイン・パーソンズ 出演：キウェテル・イジョフォー、レナーテ・レインスヴェ、マーク・デュプラス、フィン・ベネット他 9月4日（金） TOHOシネマズ 日比谷ほか全国公開公式サイト

Culture

【インタビュー】21歳の鬼才、映画「バックルームズ」ケイン・パーソンズが語るSNS社会

「機能性の高い製品から挑戦すべき」⎯⎯ゴアテックスのハードシェルは異素材を貼り合わせた多層構造で、単一素材の製品に比べて再資源化のハードルが高いです。なぜ、あえてそこから循環型のものづくりに踏み切ったのでしょうか。高木賢アークテリクス カントリーディレクター（以下、高木）： 本国のスチュアート・ハセルデンCEOには、「アークテリクスである以上、まず機能性の高いものから循環型にチャレンジするべき」という考えがあったようです。アークテリクスを代表するアパレルアイテムで、かつ機能性の高い製品となるとゴアテックスのシェルジャケット。だからこそ、まずここからやってみよう、となりました。 　われわれは継続品番を含め、春夏・秋冬の各シーズンで300〜400型ほどのアパレルを作っています。この中で、循環型の製品を可能な限り広げていきたいと考えていますが、今回発表した循環型の第1弾製品「スペーロ SV ジャケット（Sperro SV Jacket、以下スペーロ）」の価格は19万8000円。この価格設定をすべての循環型製品に採用するのは現実的ではないと思っています。もう少し、通常の製品ラインナップに近い価格帯で循環型製品を拡大していく手法を、今グローバルで考えているところです。⎯⎯サステナブルな製品であっても、価格が高すぎては消費者にとって現実的な選択肢になりにくいですね。高木：その通りです。 お客さまはまだ、「サステナブルだから買う」というよりも、機能性や価格を理由に製品を選ぶケースが多い。「サステナブルだから価格が1.3倍でも買ってください」というのでは、なかなか理解を得るのが難しいと思っています。　ただ、あくまでスペーロはチャレンジの第一歩。2027年春夏にこなれた価格の循環型製品を販売するのは難しいと思いますが、将来的には、通常の価格帯から大きく外れない製品をシステム・ゼロで考えていきます。「買い替えを促して成長するブランドではない」⎯⎯日本独自のサステナビリティへの取り組みとしては、2026年2月から、ゴアテックスのシェルジャケットを中心に保証期間を10年間に延長しました。修理コストを負担しても、保証期間の延長に踏み切った理由は何ですか。高木： ブランドとして、現状で修理にどのくらいのコストをかけているかをしっかり検討して判断しましたが、基本的な考え方として、修理を有償にしてしまうと「そんなに料金がかかるならもういいや」と諦めてしまうお客さまがいます。それであれば、正規店で買ってもらって、日頃からメンテナンスをしていただき、まだ使える状態の製品については10年間修理保証をする。安い製品ではないため、「これだけ長く保証してもらえるなら」と安心して買っていただけている部分はあると思います。　保証システムは、会員制度の「BIRD CLUB」の中に組み込んでいます。直営店ではすでに保証期間を記した紙の保証書を渡すことをやめていて、BIRD CLUBアプリの中で購入情報、修理情報を管理するようにしています。今後はこの仕組みを、少しずつホールセールの取引先にも広げようとしています。⎯⎯その仕組みはデジタル製品パスポート（DPP）に近いものなのでしょうか。高木： 少し違いますが、スペーロにはDPPを搭載しています。ジャケットの内側にQRコードが付いていて、それを読み込むとグローバルのDPPのサイトに遷移する仕組みです。欧州では今後、アパレルにもDPPの導入が進んでいきます。アークテリクスはもちろん欧州でも販売しているので、それを見越してスペーロにDPPの仕組みを取り入れました。⎯⎯長く使ってもらうために10年保証をすることと、ブランドが売り上げを伸ばして成長していくことは、相反するようにも思えます。高木： それについては、ホールセールの取引先からも何度も聞かれました。これは理想形ですが、例えばハードシェルジャケットを買ったお客さまがその製品や保証を気に入れば、次はフリースを買ってみよう、ハードシェルのパンツを買ってみよう、となっていく。一つの製品を短期間で何度も買い替えていただくのではなく、冬にスキーやスノーボードをする時もアークテリクス、トレッキングもアークテリクス、トレイルランニングもアークテリクス、なんなら街で使うバックパックもアークテリクスというように、一人のお客さまの中でブランドが横に広がっていけばいいなと考えています。買い替えを促して需要を生んでいく、という考え方ではないんです。⎯⎯実際に、「いいものを長く使う」という消費行動は広がっていますか。高木： インターネットで多くの情報を得られる中で、刹那的な消費よりも「いいものを長く」と考えるお客さまが増えている肌感があります。特にアウトドアアクティビティを好む方は、自分たちが自然に対してどんな影響を与えているかを、否応なく意識していると思うんです。氷河が溶けている、山小屋の水が枯渇して出ない⎯⎯。そういう話を聞けば、自分一人ができることは小さくても、少しでも環境への負荷を抑えたいという気持ちになるんじゃないでしょうか。日本でも買い取り・再販を開始予定⎯⎯アパレル製品の環境負荷低減を考える上で素材選びは大きな要素ですが、使った後の出口の設計も重要ですね。高木： そうです。スペーロを長年使っていただき、製品としてのライフサイクルが完全に終わっていれば、それは回収し、ケミカルリサイクルにまわします。でも、まだ製品として使える状態であれば、買い取りして再販する選択肢もある。北米では買い取り・再販を既に行っています。　日本でも、近い将来に買い取り・再販をスタートしたいと考えています。全品番が対象になるかは未定ですが、少なくとも機能としてまだ使える状態の製品は買い取り、お客さまに何らかのバウチャーをお渡しする。買い取った製品は、洗濯や撥水加工などのケアをして、再販します。⎯⎯日本ではまだ買い取り・再販を始められていない理由は何でしょうか。高木： 一般的な古着店で売られているアウトドアウェアは、基本的にはファッションアイテムとして販売されています。撥水性、防水性などの機能までは保証されていません。しかし、アークテリクスが自社製品を再販する以上は、機能性を担保した状態で売りたい。そのための仕組みを今考えています。　買い取る際に、機能性のあるなしをどう評価するのか、買い取った製品をどのような物流で集めるのかといったことを含め、裏側の仕組みが必要です。北米では、Troveというリセールのプラットフォーム企業と組んでこれを実現しています。⎯⎯日本の店頭の状況も伺います。引き続き、中国人訪日客の減少がさまざまな分野で指摘されていますが、アークテリクスにも影響は出ていますか。高木： 2026年1〜6月は前年同期の売り上げ実績をしっかり上回っていましたが、7月以降はやや軟調になっています。中国人のお客さまは昨秋以降減っていて、その影響がじわじわ出てきた感触です。⎯⎯「オン（On）」や「ザ・ノース・フェイス（THE NORTH FACE）」など、並びのスポーツやアウトドアのブランドの状況を見ても、ここに来てやや成長スピードの鈍化が指摘されています。高木： 2023年以降の3年間は、われわれだけでなく、アウトドアマーケット全体が少し異常とも言えるくらい成長した時期だったと思います。中国市場でアウトドアブランドのニーズが急拡大していることが寄与しましたが、世の中全体として服装のトレンドが変わったことも大きい。コロナ禍前に比べると、日常生活やオフィスシーンでアウトドアウェアを着用する人が明らかに増えました。過去3年間は確かに急成長でしたが、アウトドアウエアを日常的に着る人が増えていることで、われわれのマーケットは今後も確実に広がっていくと思います。

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10年保証、リセール、循環型　アークテリクス高木賢ディレクターが語る“長く使う”ビジネス

“アパレル非専門家”の新社長に求められること──これまではファッション業界外を中心にキャリアを歩まれてきたかと思いますが、社長に就任された現在の率直な心境をお聞かせください。　厳密に言えば、完全に外という訳ではありません。三井物産での最後の4年間は人事関係でしたが、その前は流通事業本部の本部長をやっていまして、その本部の中にファッション部隊がありました。三陽商会とは「ポール・スチュアート（Paul Stuart）」のライセンサーという立場で取引もしていたんです。　もちろん私はアパレルの専門家ではないので、今回の社長職が新たな領域の仕事というのは間違いありません。ただ、私はこれまでも結構変わったキャリアを歩んできまして、例えば流通事業本部長から人事総務部長への転身など、4年おきくらいで仕事内容がガラッと変わってきました。そういう意味で「また新しい仕事にチャレンジだな」と冷静に受け止めている自分がいます。──大江前社長からのバトンタッチ。社長交代の経緯を聞かせてください。　交代の経緯について私は打診された側なのでお話できることは限られてしまいますが、後任選びは取締役会の諮問委員会である指名・報酬委員会で、しばらく議論されていたんだと思います。同委員会で複数名候補者が挙げられていて、重要課題であるサクセッションプランについて話し合いを重ねた末、私に白羽の矢が立ったと聞きました。──社長交代に伴い、大江前社長は会長に就任。2026年2月期通期の決算説明会では平林社長と大江会長の「ツートップ体制」になると話していました。お二人の役割分担は？　役割を明確に切り分けるのではなく、互いの知見を持ち寄り、対話を通して意思決定を進める体制をとっています。正しい判断を下すには過去の経緯や現場の文脈を深く理解することが不可欠なので、疑問があった場合に実績のある大江会長にアドバイスを仰ぐやり方です。「ツートップ体制」とは、そうした関係性のことだと考えています。──このタイミングでの社長就任にどのような意図を感じますか？　大江会長は会社の業績が落ち込んでいた2020年に三陽商会に入社し、徹底した構造改革で2023年2月期に7期ぶりの営業黒字化を達成しました。これは本当にすごいことで、会長が構造改革を成し遂げた背景には、長くアパレル業界で仕事してきた経験があると思います。一方で後任の私は、先ほどお話ししたようにアパレルの専門家ではありません。ただ、その分消費者に近い他の領域の仕事をしてきたという強みもあります。　中期経営計画では、既存領域の強化だけでなく、新たな領域への挑戦も掲げています。その点では、間口を広くアパレル以外のことも見てきた私だからこそできることもあると思いますし、それこそが求められていることなのかなと。──大江会長とは三井物産のOB同士ですが、共に仕事をするのは初と聞いています。どのような印象を抱きましたか？　構造改革をやり抜いたことからも分かる通り、意思の強さには傑出したものがあると思います。またそれだけではなく、人に対する洞察力が鋭く、細かいことに気づいたり、気配りしたりもできる。人間として奥行きがある方だなと感じました。──ご自身の中で「経営トップを目指す」というキャリアプランはお持ちでしたか？　実はそんなことはなく、私はこれまでのキャリアで一度も仕事を選んだり、希望したりしたことがほとんどありません。「自分で選択しても、提示されたお話を受けても、結局やるべきことや結果は大きく変わらない」と考えているからです。唯一、三井物産の駆け出し時代に研修制度でスペイン語圏への派遣を希望したことがありました。当時、学生時代から続けていたハンドボールで身体を徹底的に鍛え上げていたのですが、その面接で「君、いい体してるな。そういうやつにはソ連（現ロシア）に行ってほしいんだよ」と言われて（笑）。「会社に入った以上、言われた場所ならどこへでも行きます」と即答し、翌日にはソ連行きが決まりました。今回の社長就任も同様です。目標としていたわけではありませんが、お話をいただいた以上は与えられた役割を全力で全うするだけだと考えています。──新体制へ移行し、平林社長が経営において「受け継いでいくこと」「変えていくこと」をそれぞれ教えてください。　この会社が大事にしてきた価値観、例えば「真・善・美」*といった、良いものを作るという根っこの部分は変えるべきではないと思います。ただ、時代は移り変わっていくので、その価値観すらも進化させていく必要があるかもしれない。過去にうまくいったことも、いかなかったことも全て改めてレビューして、時代背景に合わせて適切に判断していくことが大事です。商品価値と価格のバランスや、ブランドの個性の問題など、このビジネスにはゴールがありませんから。*実用性と美しさを兼ね備えた服作りを追求する経営理念およびものづくりの姿勢であり、三陽商会の社是百貨店販路が苦戦、ブランド複合店を強化──夏商戦の商況を聞かせてください。　6月は台風が来たり例年より雨量が多かったりで、商売環境としては惨憺たるものでしたが、7月に入って気温が上がってからは少しずつ回復してきました。当社では夏の長期化に伴い、五季カレンダー*を導入しています。まだまだ夏物の実売期は続くので、しっかり売り上げを確保していきます。*三陽商会では2024年から、春・夏・秋・冬のほか、夏と秋の間（8〜9月）に「猛暑」という季節を追加した“五季”という独自カレンダーを採用している。──販路別に見ると、2026年2月期ではEC・通販が全四半期で前年超えを達成している一方で、百貨店販路は前年割れが続いています。　全国的に、地方百貨店の閉鎖が相次いでいるのが要因の一つです。また、百貨店がラグジュアリー売場を増やす一方でアパレル売場を縮小する傾向もあり、そのあおりを受けて当社も店舗数を減らしています。　ただ、我々にとって百貨店は非常に重要な販路ですし、やれることはまだたくさんあります。例えばブランド複合型ショップ「サンヨー・スタイルストア（SANYO Style STORE）」の出店拡大。お客さまからすると1つの店舗で幅広い選択肢の中から買い物できるというメリットがありますし、館側の視点では坪効率が高まります。当社にとっても販売員1人あたりの売り上げ改善が期待できます。今は全国で15店舗を展開していますが、今後もっともっと増やしていきたいですね。　また、好調な外商販路にアプローチするための商品提案でも改善余地は大きいです。特に「三陽山長」や「サンヨーコート（SANYOCOAT）」といった「三陽」の名前を冠したブランドは“ジャパニーズラグジュアリー”としてアプローチできる商材だと見ているので、これらについては今後展開を強化していきます。──百貨店販路の強化と、ショッピングセンター向けの新業態をはじめとする新しい販路の開拓、今後はどちらに比重を置いていきますか？　どちらか一方ではなく、両方です。とはいえ、どんな会社にも得手不得手というものがありますから現実的にできること、できないことを見極めながら事業を進めていきます。次なる一手はECのモール化？ M＆Aも視野に──次に成長が見込める販路はどこだとお考えでしょうか？　「もったいない」という意味ではECです。現状、三陽商会のオンラインストアでは当社の商品しか取り扱っていないので、お客さまからすると魅力が薄いかもしれません。もっとにぎわいがあってもいいですよね。──外部ブランドを誘致してモール化を進めていく、ということでしょうか？　そういったことは起こりうると思います。ただ、やはり当社商品との親和性は必要ですし、お互いにメリットがあるというのは前提になってくるでしょうね。現状の顧客さまのボリュームゾーンを考えると、若年層の方にご来店いただけるブランドが加わってくれると面白いかもしれません。──2026年秋冬シーズンに新ブランド「オーレム（AUREME）」が加わり、三陽商会のブランド数は22になりました。　ブランド数が多いというのは、リスクが集中しないということなので経営にとっては非常に大事なポイントです。ただ、それぞれのサイズ感には満足しておらず、まだまだ大きくできる余地があると思っています。各ブランドがそれぞれの個性を持ってポジションを確立することが重要ですが、どうしても保守的になり、少しずつ角が取れて無難な方向に行ってしまうことはブランドを手掛ける上で常に起こりうることです。常に個性を磨きながらブランドスケールも大きくしていくという、大変難しいことをやっていかなければいけません。──今後のブランド戦略において、既存ブランドの成長と新規ブランドの開拓、どちらに優先順位を置かれますか。　まずは既存の強化ですが、新しいチャレンジをしないわけではありません。ファッションビル・商業施設を主販路とするオーレムのように、現状のポートフォリオでリーチできていないマーケットを開拓する試みは続けていきます。──アパレル以外の領域での新ブランド開発もあり得ますか？　可能性はあります。その場合は一からブランドを自力で立ち上げる、もしくはM＆Aするといった2通りの選択肢がありますが、前者は相当な時間と労力がかかるので後者の方が望ましいかもしれません。具体的に希望の領域というのは現時点ではありませんが、「用の美」という美の定義に基づいて物事を編集してきた当社の能力とシナジーがあるブランドが良いですね。ブランドでなくとも、例えばM＆Aを通して三陽商会の美意識で空間を編集するサービスを打ち出すなど、いろいろとできることはあると思います。「アパレルにも将来性はある」──アクティビスト勢だけで20%超の株式*を保有されておりプレッシャーもあるかと思いますが、今後どのようにコミュニケーションをとっていきますか？　当社側で特に意識していることはありません。上場会社なので株主は選べませんし、全ての株主の方としっかりコミュニケーションを取っていくということです。株主には、リターンについてさまざまな考え方の方がいらっしゃいますが、我々のスタンスは中期経営計画にも書いている通り、「長期的に安定したリターンを持続的に生み出していく」ということ。今後もみなさまにご理解いただきながら、この方針に則って経営を行っていきます。もちろん、アクティビストを含め株主の方からは大変建設的なご意見を頂戴することも多いので、それらについてはしっかりと精査し、役立てさせていただいています。*アセット・バリュー・インベスターズ・リミテッドが4月30日に三陽商会株式の13.07％を、サファイアテラ・キャピタルが6月29日に同株式の8.12％を保有したと報告。──現在のファッションマーケットをどのように見ていますか？　やはり良いとは言えないですね。中東情勢に代表される地政学リスクの顕在化、約40年ぶりとなる163円という円安（7月21日深夜から22日にかけて記録）、それによる物価高など、非常に不確実性が高い。報酬水準が同じように上がるわけではないので、購買行動はコンサバティブになっていくでしょう。安くても本当に必要でないものは買わない、ということが実際に起こっていると思います。──アパレルへの購買意欲が湧きにくい状況かもしれませんね。　（バブル崩壊後からの）「失われた30年」では食品マーケットは僅かに拡大したのに対し、アパレルマーケットは半減しました。これは販売枚数が減ったわけではなく、単価が下がったことに起因しています。報酬が上がらない中で、消費者は衣料品で節約してきたという側面もあるのでしょう。アパレルには大きく分けて「無難なもの」と、自己表現のための「個性的なもの」という2つのニーズがありますが、「無難なもの」は量産でコストカットする余地が比較的あった分、全体的に安価な方へと流れ、市場で大きな割合を占めていったのです。我々が主戦場としているのは「個性的なもの」なので逆風ですが、長く着ていただける良いものを提供するという方向で頑張っています。消費者はそれぞれ比率が違うだけで「無難なもの」と「個性的なもの」の両方を必要とするので、こうした状況下でもチャンスは十分にあると思いますね。──アパレル市場の将来性についてはどのように捉えていますか。　まだ可能性はあると思ってます。今、三陽商会は国内を中心にビジネスを展開していますが、市場はグローバルに存在しており、成長の余地はあります。若い日本人デザイナーたちの活躍を見ても、世界で認知を得るだけの地力がついてきているのは明らかでしょう。　国内にも可能性は大いにありますね。ラグジュアリーブランドは結構日本で素材の調達をしていますが、日本人からすると意外なものだったりします。案外、日本人は日本の良さを見つけるのが得意ではないのかもしれません。シティポップのように海外で人気が高まってから逆輸入的に日本人がその魅力に気づく、といったことがファッションの分野でもありうると思っています。──5年後、もしくは10年後を中長期的に見据え、三陽商会をどのような会社に成長させていきたいですか？　現時点でヴィジョンを示すのは難しいですが、会社は社員が形作っていくもの。働いている社員がいかに本気になって会社を良くしていくかにかかっています。そういう意味では、社員全員がやりがいのある仕事に取り組める会社にしていくことが、まず大事なことじゃないかなと思いますね。──社長としてコミュニケーションをとってみて、三陽商会はどのような会社だと感じていますか？　一言で言えば、明朗で穏やかな会社です。商品にも表れているかもしれませんが、朗らかな社員がとても多いと思います。ただ、もちろん競争に勝っていかないとその朗らかさは維持できません。徹底したものづくりをはじめ、顧客にとっての我々の価値を上げていく努力を継続していくこと。秘策があるわけではなく、地道に続けることが大事だと思っています。──より一層責任と重圧のある立場になられたと思いますが、趣味やリフレッシュ方法を教えてください。　　ずっと変わらずハンドボールです。大学生の頃は関東学生リーグというところでプレーしており、今は当時の仲間とチームを作ってマスターズリーグ（生涯スポーツとしてプレーし続ける40歳以上のシニア世代を対象とした競技および大会のカテゴリー）に所属し、年に3回ほど活動しています。本気で勝利を目指すというよりはゆるくプレーしている感じなのですが、気分転換になってすごく楽しいです。

SANYOCOAT

Paul Stuart

AUREME

三陽商会 平林義規新社長に聞く　“アパレル非専門家”が手掛ける継承と変革

「ランニングの社会からの見られ方を変えていく」⎯⎯8月下旬に、WeWork アイスバーグで「New Balance Run Office」を実施しました。「仕事」とランニングを掛け合わせた理由を改めて教えてください。鈴木健ニューバランスジャパン マーケティング本部ディレクター（以下、鈴木）：ランニングについて考える時、メーカー側はどうしても走ることを起点にしがちです。それで、ソリューションとしてランニングステーションを作ったり、シャワーや着替えの場所を用意したりする。しかし、本当に生活者の文脈で考えるのであれば、その人の生活全体の中でランニングがどう位置付けられているのかを見ていく必要があると思っています。　ランニングは、他のスポーツに比べて自由度が高い。その一方で、いつ走るのか、どう時間を作るのかを自分自身でマネジメントしなければいけません。社会人の場合、生活の中で大きな割合を占めるのが仕事。コロナ禍以降、リモートワークなどの働き方の自由も一定広がりました。その分、自分の時間をどう使うのかも重要になりました。　そこで、「働く」という時間の中に、ランニングや自身を整える時間をどう組み込めるのかを考えてみたかった。それがRun Officeの出発点です。Run Officeのような提案が生活者にとっての新しいウェルビーイングの形になるのであれば、都市圏が前提にはなりますが、東京以外でも同様の取り組みを横展開できるかもしれないとも考えました。⎯⎯Run Officeは、ランナーの生活を知るための実験場という位置付けでした。鈴木：そうですね。例えば、「こういう環境なら仕事の合間でも走りやすい」「こういうサービスがあれば運動を取り入れやすい」といったことを、参加した方たち自身に考えてもらいたかったんです。それを通して、われわれメーカー側もランナーに対する理解が深まります。代々木のランハブで精力的に実施しているコミュニティイベントも、われわれにとってはある意味では調査なんです。なぜ人はランニングを楽しいと思うのか。ランニングという共通点で集まった人たちは、そこで何を話し、何に価値を感じているのか。そういうことには常に興味のアンテナを張っています。⎯⎯現在はシューズの試し履きやグループランなどのイベントを多くのブランドが実施しており、ランニングイベントそのものは飽和しているようにも感じます。仕事という切り口を設けることは、他社のイベントとの差別化にもつながりますね。鈴木：メーカーとして他社との差別化は当然考えますが、ランニングイベントが一般的になること自体は世の中にとって非常に良いことです。その上で、われわれの役割はランニングが社会からどう見られるかを変えていくこと。例えば、仕事中に走っている人を見ると、「仕事をサボって遊んでいる」と思う人もいるかもしれません。でも、走ることで自分自身を整え、それが仕事にもフィードバックされ、生産性が上がるのであれば、それも働き方の一つとして認められていい。　そういう思いから、Run Officeではあえてワークスペースの中にトレッドミルを置いて、働いている人からよく見えるようにしました。普段走っていない人にも、そうした働き方を知ってもらい、驚きはありながらも文脈として受け入れてもらう。スポーツメーカーとして、スポーツを単なる個人の楽しみにとどめるのではなく、社会にとってプラスになるものにしていきたいという思いがあります。現代人が好むのは、「短時間✖️高強度の運動」⎯⎯近頃はHYROXのような競技も人気です。生活者のスポーツとの関わり方に変化を感じますか。鈴木：興味深いと思っています。以前であれば、運動のハードルは低い方が初心者も含めて参加しやすいという考え方が一般的だったと思います。でもHYROXのように、短時間でかなり強い負荷をかけるスポーツが支持されるようになっている。　忙しい現代人にとっては、短い時間で強度の高い運動をした方が達成感を感じられるのかもしれない。それを一人ではなくグループで行うことにも楽しさがあるのだと思います。スポーツ業界では、アスリートやシリアスに競技に取り組んでいる人を三角形の頂点に置いて、その下に初心者がいるという捉え方をしがち。でも、初心者の方が、その競技のカルチャーに深く浸かっていない分、新しい楽しみ方のアイデアを持っている可能性もあるんですよね。ランニングのことをあまり知らないからこそ、「こういう楽しみ方もあるんじゃないか」と考えられる。そこを固定観念で見ないことが、ランニング全体を活性化する上でも重要だと思っています。⎯⎯2025年3月にオープンしたランハブでも、そうした新しい楽しみ方が生まれていますか。鈴木：ランハブで一番面白いと感じているのは、ニューバランス側が仕掛けるイベントではなく、コミュニティ側が主催しているイベントです。例えば、年に一度ニューバランスを象徴するカラーであるグレーにフォーカスする「Grey Days」の期間には、みんなでグレーのTシャツを着てランニングをした後、ランハブの店舗中央の什器をすべて動かし、空間をレストランのようにしてディナー会をしました。参加者の中に飲食関係者がいて、そのつながりから実現した企画です。ほかにも、クリエイターが写真展を開いたり、海外のレースで撮影した写真を共有したりしています。　ランニング領域だけを見ていては、こうしたアイデアは出てきません。コミュニティにいる人たちがもともと持っている文化や背景をランニングと組み合わせることで、ランニングそのものが豊かになる。それがランハブで実際に起きていることだと思います。⎯⎯ランハブの今後の強化ポイントを教えてください。鈴木：店舗ですから、当然ながら売り上げを作ることも大切です。その意味では、ランハブがビジネスとしてすでに大きな成功を収めているかというと、まだそこまでではありません。ただ、コミュニティとのつながり、そこから生まれるクリエイティビティはランハブの大きな魅力。コミュニティからエネルギーをもらい、ニューバランスが彼らのやりたいことを実現できる環境を整えていけば、ビジネスは後からついてくると思っています。　ランハブに新しい人が入ってくる入り口となるイベントは、もっと増やしていきたいですね。既に集まっているコミュニティだけではなく、これまでランニングとつながりのなかった人にも、「こういう場所がある」「こんな楽しみ方がある」と知ってもらえる入り口を作る必要があります。「生活の中にランニングを定着させる」⎯⎯2025年12月には、原宿のフラッグシップストアもリニューアルしました。リニューアル以降の進捗は。鈴木：かなり思い切ってリニューアルしましたが、中国からの訪日客がマーケット全体で減っている中でも、売り上げは悪くありません。特に1階の「ステージ」と呼ぶ売り場は、時期に合わせて野球、サッカー、バスケットボールなど打ち出しを大きく変えていて、かなりポジティブな反応が出ています。新しいお客さまとの接点です。⎯⎯ランニングはいま、国内外でブーム化しています。ブームが過ぎ去ってしまうリスクはないのでしょうか。鈴木：ランニングは、これまでにも何度かブームと言われたタイミングがありました。例えば2005年前後には、女性誌がランニングをファッションや美容の文脈でも盛んに取り上げた時期がありました。ただ、その後は盛り上がりは落ち着き、本当に走ることが好きな人だけが残った。特にコロナ禍直後には、各地のマラソン大会が集客に苦労するケースも見られました。そうした中で、ここ数年でランニングコミュニティが改めて活発になっていることは、メーカーとしてとてもうれしいことです。　これを単なるブームで終わらせないためには、「ランコミュニティが格好いいから」「流行っているから」だけではなく、自分の生活を有意義にしたり、ウェルビーイングを高めたりする手段としてランニングを定着させることが重要。そのためにも、Run Officeのように生活の中にランニングを置く取り組みが有効だと考えています。⎯⎯ランニングが盛り上がっている要因として、“ソーシャルスポーツ”（スポーツを通したコミュニティ形成）の側面にも光が当たっています。鈴木：少し極端な言い方かもしれませんが、「みんな孤独なんじゃないか」と思うことがあります。スポーツを通じて友達を作ること自体は昔からありましたが、以前はサッカーや野球のようなチームスポーツが中心でした。ランニングは個人スポーツなのに、人とつながることができる。しかも、チームスポーツのような強い連携はいらない。ものすごく仲が良いわけではなくても、「走る」という共通項だけで緩くつながることができます。そこが今の時代に合っているのではないでしょうか。　HYROXもそうですし、ピックルボールもそうですが、都市生活の中で取り組みやすく、それを介して人と緩くつながれるスポーツは、これからもいろいろな形で出てくると思います。特に夏の暑さの問題を考えると、時間や環境に左右されにくいスポーツや、室内で楽しめるスポーツへの需要も高まると思います。

New Balance

Sports

ランニングをブームで終わらせないために　ニューバランスが仕掛ける「走る」の拡張

強迫観念では人は動かない──古島さんの活動コンセプトである、「十人十色のカラフル防災」という言葉に込めた考えを教えてください。古島真子（以下、古島）：防災の活動を始めて、すぐにぶち当たったのが「みんな、あまり防災に興味がない」ということでした。大きな災害が起きた直後には防災意識が高まりますが、徐々に薄れていく。なぜ普段から意識してもらえないんだろうと考えると、防災って地味で、難しくて、堅苦しい。さらに「これをやらないと命が危ない」というような強迫観念で迫ってくるところがある。それが人を遠ざけているんじゃないかと思ったんです。　例えばファッションのように、防災も普段から「やりたい」「楽しい」と思ってもらうにはどうしたらいいんだろう。そう考えて思い至ったのが、防災を強迫観念としてではなく、楽しく、明るく伝えることです。私はそれを「ハッピーに防災を伝える」と表現しています。　防災についての活動を続けている中で、「防災リュックは何がおすすめですか」「おすすめの避難セットを教えてください」とよく聞かれます。真剣に考えた末に行き着いたのが、「分からない」ということ。なぜなら、人によって求めることや必要なものは千差万別で、誰にでも当てはまる“最強セット”のようなものは実際にはないんですよね。一人ひとりにぴったり合った防災があるはず。それを私は「十人十色のカラフル防災」として伝えています。──古島さん自身も、最初から防災意識が高かったわけではないんですよね。古島：その通りです。東日本大震災の後は私も準備しましたが、保存食としてエナジーバーを買っても、気付いたら賞味期限が切れている。そんなことを繰り返していました。私は大学時代から東日本大震災の被災地である岩手の陸前高田に通っていて、ボランティアなどの活動の中で震災を経験した方たちとも親しくなりました。ある時、「この人たちがこんなに震災について伝えてくれているのに、自分は何も実行できていない。このまま災害が起こってケガをしたり、最悪亡くなったりしたら、顔向けできない」と心から思ったんです。　でも、そうは言っても私は根っからの三日坊主。自分がやらざるを得ない環境を作らなきゃと思って、その解決策として防災士の資格を取ることにしました。資格を取ったのが2020年。その後は企業向けに防災コンサルを行うスタートアップ企業などでも経験を積み、2024年に防災を専門に起業しました。 「どんな食べ物ならテンションが上がりますか？」──「十人十色のカラフル防災」といっても、自分には何が必要かを考えるのはなかなか難しそうです。どうやって見つければいいのでしょうか。古島：私が行っている「カラフル防災ワークショップ」では、最初にその人自身のことを聞きます。家族構成、住んでいる場所、家は戸建てか集合住宅か、車を持っているかといった基本的なことに加えて、「どんな食べ物を食べたらテンションが上がりますか」「自分の弱点は何ですか」などと質問します。　弱点というのは、例えば私は目が悪いのでコンタクトレンズが必要ですし、お腹が痛くなりやすい人もいれば、日頃から薬を飲んでいる人もいる。アウトドアが好きか嫌いか、潔癖症か、といったことも聞きます。10個ほど質問をして、まず「あなたはどんな人ですか」ということを一緒に棚卸しするんです。──「どんな食べ物ならテンションが上がりますか」という聞き方が面白いですね。古島：そこが「カラフル防災」のキモなんです。私は「防災は何のためにやるんですか」と聞かれたら、「人生を丸ごとハッピーにするため」と答えています。もちろん日常生活は犠牲にしたくないし、楽しんでいたい。さらに、人生の中で起こるかもしれない「もしも」の災害の時だって、できるだけハッピー度を下げたくない。そういう時こそおいしいご飯を食べたいし、「薬がない」「生理用品がない」といった辛い思いもしたくない。だったら、自分がハッピーでい続けるためには何を準備すればいいんだろう、と考える。その一つとして「テンションが上がるご飯」を聞いています。──非常食も「これを買わなければいけない」というものではない？古島：非常食については、今は本当に多くの選択肢があります。生姜焼きだってありますし、おしゃれな缶詰にパウチ食品と、おいしいものがたくさんある。長期間保存ができるパンと聞くとカンパンをイメージするかもしれませんが、今はふわふわで5年間も保存できるパンもあります。ヴィーガン食品もさまざまなものが揃います。　それから「ポリ袋クッキング」という方法もあります。耐熱性のあるポリ袋にお米と水を入れて、袋を縛って鍋で湯煎すれば、ご飯を炊くことができる。これを知っていれば、自宅避難の場合は必ずしも特別な非常食を大量に用意する必要はなく、ある程度日持ちがする普段の食材を使うことが可能です。非常食をたくさん買えば、お金もかかるし場所も取ります。「ちょっとした工夫で普段の食材が使えるんだ」と知ってもらう方がコスパもいい。それはすごく伝えたいです。防災グッズは「持ってもいいと思える重さ」でいい──皆さんのカラフル防災の参考になるように、古島さん自身が普段持ち歩いている防災グッズも教えてもらえますか。古島：本当に最小限です。コンタクトレンズ、携帯トイレ、おりものシート、絆創膏などを小さなポーチにまとめて、バッグを替える時もそのポーチだけは入れ替えています。避難時に持っていく防災リュックには旅行用の洗顔用品や生理用品なども入れていますが、毎日持ち歩くポーチにあまりたくさん入れると、日常が辛くなっちゃう。持ち歩くのが嫌になって置いていった日に災害が起きたら意味がないので、私の最小限は今、このくらいです。──ネックレスとして、小さな笛も身につけていますね。古島：これが一番持ち歩いているものです。例えば家が倒壊して生き埋めになった時、「助けて」と声を出し続けても意外と声は届かないし、体力も使うので、HPを削られちゃうんですね。笛なら少しの息で遠くまで音を届けられるので、気付いてもらえる可能性が高くなります。　この笛は福井県鯖江市の眼鏡屋さんが作っているもので、カラーバリエーションもあってかわいい。それだけではなく、人間や救助犬の耳に聞こえやすい周波数まで計算されています。好きすぎて、委託販売もさせてもらっています。──モバイルバッテリーは「最低○mAh」といった基準はありますか。古島：容量は大きい方がもちろんいいし、スマートフォンを1回分くらい充電できるといいと思います。でもスマートフォンによって電池容量も違いますし、これも一概には言えません。それよりもどれくらいの重さかも大事です。「このバッテリーは重くて持てない」という友達も結構いるので、自分が「これなら持ってもいい」と思える重さでいいと思います。とにかく自分が持てる範囲で。あとは、普段から家やオフィスにいる時に充電しておくようにするのもいいですね。──FASHIONSNAPの読者に身近なところでは、普段の服装やシューズも防災を意識して選んだ方がいいのでしょうか。古島：私は普段の服装は気にしすぎないようにしています。防災のために毎日がハッピーではなくなってしまったら、本末転倒ですから。ただ、避難時に持ち出す防災リュックには羽織りや露出が少なくて動きやすい着替えを入れています。シューズは歩きやすいものがいいですが、今は歩きやすさとおしゃれを両立できるデザインのシューズも多いですし、歩きやすさのためにデザインの選択肢が狭まってしまうことも少なくなっている。ピンヒールを履く時は、ペタンコ靴も持ち歩くようにしています。アパレル店舗は、まず「空間」を見直す──個人として防災にどう向き合うかを聞いてきましたが、企業としてはどんな準備が必要でしょうか。特に、販売員が多数働くアパレル企業や店舗では、どのような考え方で防災に取り組めばいいですか。古島：お客さまがいる店舗の防災は、オフィスで求められる防災とは異なります。アパレルショップの場合、洋服や什器など、たくさんの物が置かれていますよね。普段の利便性から商品をたくさん積んだり、おしゃれなライトを置いていたりすると思いますが、地震で揺れた時にケガにつながるものはないでしょうか。VMDとのバランスもありますが、まずは空間を見直すことを一番に考えてほしいです。　その上で、店頭のスタッフさんには災害が起こったら自分の身を第一優先にしてほしい。「お客さまを守らなければ」と考えると思いますが、まずは自分です。その上で、どれだけお客さまを適切に誘導できるか。そこでうまく誘導できずに混乱してしまうと、「あの店舗の誘導は良くなかった」という印象が残り、後々のレピュテーションにも影響します。どこに避難するのか、災害時にどう対応するのかを、アルバイトやパートを含めた全スタッフにしっかり伝えておくことが基本です。──大雨などの災害時に、店を避難者に開放するか否かといった判断も企業によって分かれます。古島：もちろんさまざまな事情はありますが、いざという時にどうしようもない状況にいる人たちに手を差し伸べてくれる店だったかどうかは、後々まで印象に残ることも多いです。それは「どういう企業でありたいか」という部分にも大いにつながると思います。　しかし、いざ災害が起こってから、その場で避難者を受け入れるかどうか最適な判断をするのは難しいですし、店頭スタッフにはそれを決める権限がないかもしれません。だからこそ、あらかじめ会社や店として話し合って、「うちはこういう方針です」と決めておく。そうすれば、災害が起こった際に店頭スタッフも「ここにいていただいて大丈夫です」とお客さまに案内しやすくなります。経営層も含めて、災害時にどういう会社でありたいのかを、日頃から考えておくことが重要です。──古島さんが立ち上げたColorfulBosaiCreationでは、企業向けの防災支援にも力を入れていますね。古島：今、特に力を入れているのが企業の防災マニュアル作りの支援です。BCP（Business Continuity Plan。緊急事態が発生した際に被害を最小限に抑え、災害後も事業を止めない・早期復旧を目指すための事業継続計画）を作っている大企業は多いですが、東日本大震災の直後に作った、細かい文字がずらりと並んだ分厚いBCPがあっても、誰も読んでいない、社員に伝わっていないという会社は実際に多いんです。それでは、いざという時にちゃんと動けません。　ColorfulBosaiCreationでは、内容はもちろん、ヴィジュアル表現も含めてちゃんと社員に伝わる防災マニュアルを作り、研修まで行っています。個人向けに行う防災ワークショップももちろん大切ですが、それだけでは防災に興味を持ってくれたり、実行に移してくれたりする人の数はどうしても限られる。会社という「箱」で防災に取り組めば、その中にいる何十人、何百人、何千人という人たちの防災レベルを一度に上げることができます。それで、企業向けの取り組みをいま強化しています。個人事業主だったころから、個人向けの防災ワークショップや学校や自治体向けの防災セミナーには取り組んでいましたが、対企業で防災事業を広げていくために、2024年に法人化しました。「防災で稼ぐ」ことで、防災を広げる──今後、どのように防災の活動を広げていきますか。古島：私の中では二軸あります。一つは、防災の実業家としてビジネスでちゃんともうかるようにすること。「仕事として防災に携わりたいけど、お金にならないから違う業界に行きます」と話す学生に、これまで何人も会ってきました。これは社会にとって非常に大きな損失だと思います。そういう思いを持った優秀な人たちをちゃんと雇って、「十人十色のカラフル防災」というコンセプトで企業や地域、一人ひとりの防災レベルを上げていきたいです。　「防災事業で稼ぐな」という声ももちろんあります。防災事業は無料であるべき、というイメージがある。でも、サステナビリティや環境の分野もそうですが、社会的にいいことをしている人がお金がなくて疲弊して、辞めてしまうのは非常にもったいないことだし、誰にとっても良くないと思うんです。だから、ちゃんと稼ぐ。私がその背中を示すことで人材が入ってきて、防災という分野そのものが発展していけばいいなと思っています。「稼ぐぞ」という気持ちも込めて、ColorfulBosaiCreationはNPOではなく株式会社にしました。古島さんのインスタグラム（@makopi_to_bosai）から──もう一つの軸についても教えてください。古島：防災インフルエンサーになりたいです。 まだSNSのフォロワー数などはそれほど多くないんですけど、もっと発信力を高めたい。SNSならお金を払わなくても誰でも情報を見ることができるので、「楽しんで見ていたら、すごく学びがあった」「防災って意外と楽しい。やった方がいい」という空気を社会の中に作っていきやすいと思うんです。　防災の専門家というと学者や行政の方などが中心で、私のようなキャラクターは結構珍しい。だからこそ、私はあえてそっちの方向には行かず、このままでいるのがいいなと思っています。専門家からたくさん学んで、それをより多くの人たちに届きやすい形で発信する。今、防災の情報が届いていない人たちと、専門家をつなぐ架け橋みたいな役割になれたらいいなと思っています。

Lifestyle

「防災は人生を丸ごとハッピーにするため」　防災士・古島真子が説く“十人十色”の備え

　今シーズンのテーマはブドワール。フランス語で、女性が他者の目を気にすることなく、自分のために身支度を整える私的な空間を意味する。同氏はムードボードを受け取った際の印象について、「官能的でありながら落ち着きがあり、自信に満ちた、とてもパーソナルで映画的な世界観を感じた。ブドワールとは、女性が自分自身や感性とつながることができる親密な空間であり、それが今回の創作の出発点になった」と振り返る。　この世界観を表現するために目指したのは、誰かに見せるためではなく、自分自身の内側にある静かな強さを感じさせるメイク。今回のルックの核はスモーキーアイだ。「完璧な輪郭よりも感情や雰囲気を大切にしている。神秘や官能、静かな自信を感じさせる『記憶のようなメイク』を目指し、色を置くのではなく溶かし込むような感覚で仕上げた」。　アイペンシルをラッシュラインにのせ、ブラシでぼかしながら少しずつ色を重ねていく。「始めからたくさん付けずに、少量を何層にも重ねてコントロールしていく。ショーでは足すことはできても引くことは難しい…。チームには『small amaunt, many layer（少量ずつ、層を重ねて）』と伝えている」と話す。コレクションカラーのブルーのマスカラをさりげなくイン。「主張するのではなく、繊細なニュアンスとして取り入れた。目頭のアイティントも、モデルがランウェイで美しく光を拾うためのテクニック。これは、多くのショーで取り入れている」と明かした。　肌そのものを美しく見せるベースメイクでも、アルマーニ ビューティが大切にする考え方は一貫している。「本物の自然な肌がアルマーニの哲学。当日は暑く、マットとルミナス、それぞれのプライマーを部位によって使い分け、ファンデーションの内側から光がにじむような仕上がりを目指した」。　さらに、「リバース・スカルプティング」というテクニックも紹介。「顔の外側には自然な色、前に出したい部分には少し明るいファンデーションを使うことで、厚塗りせず磁器のような肌を表現した。異なるテクスチャーのファンデーションを組み合わせることで、持続力と輝きを両立させている」と解説する。着想源は1960年代からの膨大なアーカイブやカルチャーから　上田のクリエイションを支えているのは、長年蓄積してきた膨大なアーカイブだ。オフィスには「ヴォーグ（Vogue）」や「（ハーパーズ バザー）Harper’s Bazaar」をはじめ、1960年代から現代までの雑誌や写真集が並び、音楽や映画、建築、美術など幅広いカルチャーから着想を得ているという。　インスピレーションは、「源は無限。音楽や映画、アート、文化など、あらゆるものから着想を得ている。休日には必ず美術館やギャラリーを訪れ、絵画から色や質感、構図、光、感情を学び、そのアイデアをメイクのデザインへ落とし込んでいる」と語った。  今回のジョルジオ・アルマーニ プリヴェ オートクチュール 2026-27年秋冬コレクションは、画家ジェームズ・ディクソン・イネス（James Dickson Innes）の色彩表現に加え、写真家サラ・マン（Sally Mann）、デボラ・ターバヴィル（Deborah Turbeville）、パオロ・ロヴェルシ（Paolo Roversi）らの作品を参考にしたという。「イネスの作品には、色が生み出す深みや空気感があり。サラ・マンやロヴェルシ、ターバヴィルの作品に共通する親密さや神秘性、時を超えた感覚も、ブドワールというテーマに重なった」と上田。 ジェームズ・ディクソン・イネス：1887年イギリス生まれ。画家。主に山岳風景を描いたが、人物画も描いた。フランスの「ポスト印象派」やドイツの「表現主義」のスタイルに近い作品を描き、後のイギリスの画家に影響を与えた。サリー・マン：1951年アメリカ生まれ。フォトグラファー。19世紀の古典的な写真技法を用い、家族、南部アメリカの風景、生と死などの重厚なテーマをモノクロ写真で表現。大型カメラを使用し自身の子どもたちの成長を美しくも、どこか不穏にはらんだ世界観で捉えた写真集「Immediate Family（親密な家族）」で世界的な論争と注目を集めた。デボラ・ターバヴィル：1932年アメリカ生まれ。ファッションフォトグラファー。ハーパーズ バザー誌のファッション・エディターとしてキャリアをスタートし、1970年代に写真家に転身した。パオロ・ロヴェルシ：1947年イタリア生まれ。ファッションフォトグラファー。20歳のときに写真家としてデビューし、1980年よりポラロイドフィルムを使用するようになり、実験的なライティングを駆使した幻想的でポエティックな作風を確立する。　クリエイションの過程では、感覚だけに頼ることはしない。コレクションの色彩を整理し、客観的に捉え直す工程も欠かせないという。制作プロセスについては、「コレクションのキーカラーをパントーン・カラーチャートで1枚の紙に整理する。そうすることで全体を客観的に見ることができ、メイクに取り入れる色もイメージしやすくなる」。整理した色彩に自身のアーカイブから共鳴するイメージを重ね、1つのムードボードへと仕上げていくそのプロセスは、感性と論理を行き来する作業でもある。　アルマーニ ビューティが表現する美しさは、「エレガントで、ミニマルで、タイムレス。それがアルマーニのルック。アルマーニ ビューティは重たいメイクではなく、シアーでモダン、そしてさまざまな表現に対応できることが本質」とブランドの魅力を語り、締め括った。

ARMANI

ARMANI beauty

「アルマーニ ビューティ」グローバル メイクアップアーティスト　秋冬コレクションの裏側とインスピレーションを語る

新パウダーは肌に"溶け込む"粒子⎯⎯ まずは7月に発売したルース パウダー「ディオール フォーエヴァー オン セット パウダー」から、アイテムの魅力やこだわりを教えてください。　パウダーは柔らかな肌触りの球状粒子と透明感をもたらす板状粒子が組み合わさっているのが特徴です。肌にのせると溶け込むように密着し、シルクのようなベルベットの感触とともに美しいブラー効果をもたらします。ウォータープルーフ処方と皮脂吸着効果で、ファンデーションのロングラスティング効果をさらに高める役割も担っています。　日本では4種のシェードを展開します。「00」が最も白いトランスルーセント、「01」がフェア、「02」がライト。そしてアジア限定のルミナスシェード、クリスタルピンクの「05」が加わります。この05には、グリーン、ブルー、ピンクといった色とりどりのパール剤を配合していて、くすみを払いながら肌を華やかに輝かせる唯一のグロウ フィニッシュです。全シェードにヒアルロン酸を配合しているので、重ねるたびに肌への栄養補給にもなります。⎯⎯  5月に発売したメイクキープミスト「バックステージ エアーフラッシュミスト」との併用もおすすめとのことですが。　メイクアップの合間や仕上げに使えるのが、このミストです。微細なミストで使い心地もよく、昼間にメイクがくたびれてきた時にも、ひと吹きでメイクを復活させてくれます。撮影やショーの現場だけでなく、日常のポーチにも入れていただきたいアイテムです。「ファンデの仕上がりを格上げする」　プライマーの新展開⎯⎯  パウダーと同日にメイクアップ ベース「ディオール フォーエヴァー スキン ヴェール／ベルベット ヴェール」も発売されました。　グロウ質感のスキン ヴェールは真珠のような輝きのパール剤が配合された、セラムに近い質感です。SPF50・PA+++で、UVケアとメイクアップをシームレスにつなぐ存在として位置づけています。下地として塗布したスキンケアとの橋渡しをしながら、その上にのせるファンデーションの仕上がりも引き上げる。そういった「格上げ効果」を狙いました。　一方、マット仕上げのベルベット ヴェールはSPF15・PA++ですが、ノントランスファー性能（マスクや衣類に色移りしにくい性能）があり、毛穴の目立ちを抑える効果もあります。共通して言えるのは、どちらのメイクアップ ベースも1日を通してシェードを安定させ、乾燥肌などムラになりやすい肌質でも美しい仕上がりを持続させるということです。⎯⎯ 仕上がりの質感によってSPFの値が異なるのには、どんな理由があるのでしょうか。　質感によってフォーミュラの設計が異なるためです。SPFを高めようとすると、フォーミュラの構成上、仕上がりの色合いにも影響が出てしまいます。また、マット質感ではノントランスファー性能を実現できる一方、グロウ質感の「スキン ヴェール」は、その質感の特性上、同じ設計にはできませんでした。　そのため、SPFの値を極端に高めるのではなく、マットとグロウ、それぞれの質感の魅力を活かしながら、仕上がりとのバランスを取ることを重視して設計しています。「フォーミュラに恋してほしかった」　ルージュ ディオール オン ステージの新作⎯⎯  来る9月4日、「ルージュ ディオール オン ステージ」にマット フィニッシュが登場します。昨年発売した同シリーズの「シャイン」に続き、待望の第2弾ですが、今回はより鮮やかなカラーラインナップです。　2025年にローンチしたグロウ仕上げの「シャイン」では、ヌードやウォームベージュ、ローズウッドといった使いやすい色を選びました。この時にあえて派手な色をはずしたのは、インパクトのある色を出してしまうと、人はその色に目が行ってしまい、フォーミュラの革新性に気づいてもらえないから。まずはとろけるように柔らかいこのフォーミュラに恋してほしかったからこそ、誰もが手に取りやすいシェードからスタートしたのです。　その戦略は奏功し、シャインは大きな成功を収めました。第2弾となる今回は、リップスティック「ルージュ ディオール オン ステージ」のマット フィニッシュと、リキッドルージュ「ルージュ ディオール オン ステージ インク」の2種のフォーミュラを発売します。よりカラフルなシェードを展開したのは、フォーミュラの良さが広く知られた今だからこそ、色でも存在感を示せると判断したからなんです。スティックタイプ、リキッドタイプそれぞれのフォーミュラ⎯⎯ 新作リップ2種は、フォーミュラによって設計が異なるとのこと。まずはスティックタイプのルージュ ディオール オン ステージのマット フィニッシュから、その特徴を教えてください。　「二相式（ダブルフェーズ）」という概念はシャインと同じです。フォーミュラは非常になめらかで、ドライな感覚がまったくありません。日本では6色を展開します。特に「358 ピンク ショウ マット」が日本チームから高い支持を受けています。⎯⎯ リキッドタイプのルージュ ディオール オン ステージ インクはどうでしょう。　特筆すべきは花びらをかたどったアプリケーターを専用に開発したこと。中央にわずかなくぼみがあり、そこに1回分のリキッドが溜まる構造です。　仕上がりのイメージは、水の中に落としたインクが自然に広がっていく様子に似ています。ソフトな輝きを持ちながら、コントロールされた端正さも兼ね備えている。一度の塗布ではナチュラルなリップステインに、そして重ねるごとに深みと存在感が増していく。例えばスターシェードのレッド「999」であれば、透明感のあるフレッシュなレッドから、深みのあるドラマティックなレッドまで、同じ1本で表情を変えられます。⎯⎯ スティックタイプはダブルフェーズによってドライな質感を抑えたとのことでした。リキッドタイプにおいても乾きやすさを改善するアイデアはありましたか？　従来のマットリップが「乾く」という弱点を持っていたのは、色素（ピグメント）の配合によるところが大きい。今回リキッドタイプに採用したのは「ブラーリングジェル」という発想です。ピグメントではなくジェルがなめらかさを生み出すので、つけていることを忘れるほどの軽さと快適さが実現しました。誰もが1日中気持ちよく過ごせる質感を作りたかったのです。トレンドは「使う人が作るもの」　ピーター・フィリップスの美学⎯⎯ 今回のリップコレクションは、2026年のビューティトレンドにも関与しているのでしょうか。　正直に言うと、コレクションを作るとき、私はトレンドをあまり考えません。流行は常に変わり続けるものですから。私が向き合うのは、トレンドを追いかける人たちだけでなく、ただ美しくありたいという願いを持つ、もっと広い層の人々です。　そして私の責任は、質が高く、魅力的な商品を生み出すことです。どれほど話題性のある色でも、誰も使わなければ意味がない。エンターテインメントにはなっても、生活には根付かない。だからこそ、2025年の「ルージュ ディオール オン ステージ シャイン」開発時には、幅広い人が手に取れる使いやすいシェードでスタートすることにこだわりました。トレンドは、使う人たちが作るものなんです。⎯⎯ 日本での展開においてコレクションの色数を絞ったのも、その考えからですか。　そうです。カウンターで何十色もの中から選ぼうとして途方に暮れた、という声をよく聞きます。だから、温色と寒色、深いトーンと淡いトーン、ローズウッドにコーラル、ピンクとバランスよく揃えながら、シェード数は絞りました。⎯⎯ 最後に、ルージュ ディオール オン ステージの今後の展開について教えてください。　コレクションはここで終わりではありません。次はより大胆なシェードや、より繊細なシェードも加わっていく予定です。　そして私の基本的な考えは、先ほども話したように、トレンドは商品を手に取った人たちが作るものだということ。メイクを愛し、遊び、発信する人たちがこのフォーミュラを使いこなしながら、自分たちのトレンドを生み出してくれる。私はただ、そのための道具を誠実に作り続けるだけです。ピーター・フィリップスの"オフ"に密着  　数々のヒット作を生み出し今のトレンドを牽引するメイクアップアーティストが来日。取材や発表会が立て続く中での束の間のオフに、美容インフルエンサーのgrapeと密着した。シール交換や茶道体験を通して、東京の文化と今を知る。

DIOR

「ディオール」のピーター・フィリップスに聞く　新作ベース&リップの魅力

高校には進学せず15歳で古着屋アルバイトに　1978年生まれの鈴木社長の出身地は、東京・恵比寿。ファッションの目覚めは早く、初めての古着は中学生のときに上野の古着屋で買った「リーバイス（Levi’s）」の「501」だったという。その後、渋谷や原宿の古着屋を頻繁に巡るようになったほか、当時古着の売買が盛んだった代々木公園のフリーマーケットにも出入りするようになり、自分が買い集めたものを売る経験を積みながら、古着屋スタッフや愛好家らとの交流を深めていった。古着熱が高まった結果、中学卒業という節目に鈴木社長は大きな決断を下す。中高一貫の私立校に通っていたものの、高校には進学せず、埼玉県の古着屋「フラフープ（HULAHOOP）」でアルバイトとして働き始めたのだ。　そこで鈴木社長は、フリーマーケット時代からの知り合いで、フラフープでバイヤーとして働いていた越芳宏氏と親交を深める。18歳のときに、越氏から一緒に古着屋を始めないかという誘いを受け、ふたりが神奈川・小田原に出店したのがデザートスノーの1号店だ。同店を運営するなかで、鈴木社長は次の一手を考え始める。休日によく足を運んでいた東京・町田の人出の多さと、古着屋の価格水準を見て「町田に出店したら勝てる」という確信を持ったのだ。ただ、越氏に町田への出店を提案したものの、賛同が得られなかったために、鈴木社長は「絶対に売れるから、自分にやらせてもらえないか」と持ちかけ、1998年に若干20歳で町田にデザートスノーを出店した。その後、越氏は2000年に千葉にデザートスノーを出店し、今も同地で鈴木の会社とは別会社として運営を続けている。「古着はビジネス」独立時から多店舗化を目指す　古着屋オーナーは、自身のファッション観を追求して個性的な品揃えや凝った店構えにこだわることが多いが、鈴木社長は「最初からビジネスとして割り切っていたので、多店舗化を目標にしていました。10店舗くらいはできるかなと思っていましたね」と、独立当初からビジネスに徹した姿勢で将来を見据えていた。　鈴木社長はその頃から「価格では絶対に負けない」という信念を持っていた。デザートスノーが業界内で独自性を持てた要因のひとつが、パキスタンでの仕入れルートをいち早く確立したことだ。そのきっかけになったのは、偶発的な出来事だ。タイで仕入れを行っていた従業員が、とある要件でアフガニスタンに赴いた際、途中で寄ったパキスタンの街に古着が大量に溢れていることを目にしたのだ。当時パキスタンは、欧米から支援物資として送られてきた古着の集積地となっていた。取り引きされていた古着の価格は非常に安かったものの、「質はめちゃくちゃだった」と鈴木社長は明かす。その混沌とした状況から、鈴木社長はクオリティの高いアイテムが仕入れられる独自のルートを構築した。現在はタイに常駐する3人のバイヤーが、パキスタンの現地パートナーと連携しながら仕入れを行っている。コロナ禍下北沢で出店を加速した理由　30年近く古着業界を見てきた鈴木社長には、市場の浮き沈みを読む独自の感覚がある。「古着の人気の波って7〜8年周期になっている印象があるんです。2003年頃に、小さいサイズしか売れなくなってしまい、古着屋が得意とする大きめのサイズ感では対応できなくなりました。その後、2010年頃に復調しましたが、2012〜13年頃にまた落ちて。2017年頃にまた良くなってきそうな雰囲気を感じていたところ、2020年にコロナ禍が訪れました」。東京に最初の緊急事態宣言が発令されたのは、デザートスノー下北沢3号店のオープンを翌日に控えていたタイミングだったという。　鈴木社長は下北沢の新店舗で、海外に買い付けに行けなくなった同業者に向けて卸売を始めただけでなく、コロナ禍が長引くなかで下北沢という街にチャンスを見出した。「渋谷や原宿は、街の様子が定点カメラで見られるようになり、人が集まりにくい雰囲気になっていたんです。ですが、下北沢には定点カメラがなかったので、若者を中心にたくさんの人が集まっていました」。そこで鈴木は、下北沢にさらに3店舗を出店したのだ。そしてコロナ禍と時を同じくして、若者を中心とした古着ブームも到来。下北沢には古着を求める若者たちが大挙して押し寄せ、デザートスノーは売り上げを大きく伸ばした。「安さ」は古着の大切な魅力　2020年のブーム以降、古着の相場は大きく上昇した。一部の希少なヴィンテージアイテムに数百万円、数千万円という高値が付けられているだけでなく、少し前までワゴンセールで売られていたようなアイテムに数万円の価格が付けられていることも少なくない。それに対して鈴木社長は「本当に価値があるものは高くてもいいと思うんですが、手に入れやすい値段であることも古着らしさだと思います」と、安さが古着の大切な魅力のひとつだというこだわりを見せる。　鈴木社長は、2026年現在の古着市場をどう見ているのだろうか。「古着人気は少し落ち着いたと感じています。ですが、2000年代のように古着人気が大きく崩れることは、今後はないと考えています。当時、古着はニッチな存在でしたが、今はファッションの中のひとつのジャンルとして認知されている。ですので、全身を古着で揃える人が減ったとしても、コーディネートのなかで一点だけ古着を取り入れる、というような需要は続くのではないでしょうか」。古着ビジネスのネクストカミングは「倉庫型」　市場の成熟を分析しつつ、鈴木社長は今後のトレンドについてもはっきりとした見方を示す。「ファッション業界を俯瞰すると、デフレ傾向にあるのではと感じており、そこに敏感に反応したお店が人気になると思います。原宿や渋谷のような一等地のお店は、観光客がお土産目的で買い物をするところ。感度が高い人たちは、郊外に出て安い古着を求める時代が到来する気がします。最近は、30代の若手古着屋オーナーたちが郊外に倉庫型の古着屋をどんどんオープンさせており、今後はそういった業態が激戦区になると見ています」と話し、倉庫型業態への参入については、すでに社内で検討が進んでいるという。　日本有数の観光地である原宿には、近年チェーン系古着屋の出店が増えている。福岡発の「古着屋 西海岸」は2018年に原宿に進出。大阪を本拠地とする「古着屋JAM」は2021年に原宿に進出し、現在は同エリアで2店舗を運営している。そんな中、デザートスノーは2024年に渋谷店をオープンしたものの、原宿店をオープンしたはそれから2年後の2026年だった。　原宿店のオープンが遅れた背景には、原宿の老舗古着屋「ベルベルジン（BerBerJin）」との関係性があった。鈴木社長はベルベルジンの山田和俊代表と旧知の仲であることに加え、鈴木社長の妻が以前ベルベルジンで働いていたという縁もある。デザートスノーの出店を進めていた鈴木社長は、原宿でも物件を探し続けていたが、あるとき山田代表から冗談交じりで「ミッチー（鈴木の愛称）、原宿には来ないでね（笑）」と言われたという。だが、ベルベルジンが2025年にデザートスノーの根城と言える下北沢に系列店を出店し、その店舗の契約前に山田代表から鈴木社長に「下北沢に出店する」という連絡があったため、「じゃあうちも原宿にお店を出してもいいかな」と考え、原宿出店に至ったという。イチオシは「遊び心があるデザイン」が多い韓国古着　デザートスノーの最新店舗である原宿店の品揃えは、3つの軸で構成されている。1つ目はオーソドックスなアメリカ古着。2つ目は、ラグジュアリーブランドのバッグやアパレル。そして3つ目は韓国で買い付けた古着だ。ラグジュアリーアイテムは、ブランドアイテムの買い取りを行うグループ企業を活用して仕入れており、世界中から観光客が集まる原宿という土地柄もあり、インバウンドからの需要が非常に高いという。　デザートスノー社内では「トレンド古着」と呼んでいる韓国古着は、これまで渋谷109やビブレ、マルイなどでポップアップを開催し、若い女性からの反応が強くあったという。「ディスイズネバーザット（thisisneverthat）」や「マルディメクルディ（Mardi Mercredi）」といった韓国ブランドに加えて数多く揃えるのが、「ナイキ（NIKE）」などのスポーツブランドのアイテムだ。「韓国のライセンスアイテムは、日本では許可が下りなさそうな遊び心のあるデザインが多いので面白い」と鈴木社長は言う。　今後のデザートスノーについて、鈴木社長が描いているヴィジョンは単なる店舗数の拡大ではない。「お客さまに楽しんでいただける、コンセプトがしっかりとしたお店を作りたいですね。例えば原宿店は店舗が大きいこともあって、お客さまの滞在時間がとても長いんです。ですので、カフェを併設してくつろいでもらったり、エンターテインメントとして楽しんでもらえる空間にしていきたいですね」。　最後に、現在の鈴木自身の古着との付き合い方について聞いた。古着ビジネスの当事者として、今どんな古着に興味を持っているのか。

年商32億円「デザートスノー」が日本有数の古着屋チェーンに成長した理由　鈴木社長に聞く

CFCL

サステナブルの先へ——「CFCL」高橋悠介が語る、グローバルブランドを見据えた美意識

GIU GIU

「私はファッションが嫌いだった」──自由な異端児がニットウェアと出会うまで

パンクロッカーのDIY精神から生まれる人間味⎯⎯ 鋲ジャンを作り始めたのは30年以上前だそうですね。最初の1着を作ったときのことを覚えていますか？　高校生の時にパンクブームの影響でパンクにハマって、だんだん古い時代に遡るようにのめり込んでいきました。自分で鋲ジャンを作ったのは、海外のパンクバンドはみんな自分で鋲ジャンを作っていたから、その真似事でした。背面に絵を描いて、襟にちょっとだけ鋲を打って。当時は鋲がパンクショップでしか手に入らなくて、値段も高かった。あまりたくさんは買えなかったので、ちょっとしか打てなかった。それが最初でしたね。　ただ、作るものまで真似をしては周りと同じものを着ているだけになってしまう。なので自分なりに、「他人と被らないようにしよう」という意識は当時からありました。鋲を打つ場所は基本的には襟なので、背中に自分で絵を描くことで個性を出していました。⎯⎯ YouTubeでも鋲ジャン作りの様子を度々配信されています。デザインの構成や鋲の配置はどのように決めていますか？　個人的なクセがありますね。感覚的なものなんですが、左右対称が好きじゃないんですよ。どこかずらしたいというか、機械的になるのが嫌で。だから片方をびちびちに埋めたら、逆側は縁取るだけとか、そういうバランスにするようにしています。人間の顔にも左右差があるので、左右対称にするとAIみたいな人間味のない顔になるそうです。鋲ジャンも同じで、均一だと機械で作られたみたいになってしまう。それはつまらないと思うんです。⎯⎯ ベースになるジャケットにはこだわりがありますか。　型はアメジャン（アメリカ型）より、ロンジャン（ロンドン型）のほうがシルエットやジッパーの入り方が好きですね。でもジャケット自体は安物の中古で十分ですよ。*アメジャンは身幅や腕幅が広く、着丈が短めなのに対して、ロンジャンは全体的にタイトで体にフィットするスリムなシルエットが特徴で、着丈はやや長め。アメジャンは、裾にバックル付きの大きなベルトや背面のアクションプリーツが見られるが、ロンジャンは前側のバックルベルトがなく、サイズ調整はサイドのアジャスターベルトで行う。⎯⎯ ヴィンテージバイクやデニムなどはお好きだと思いますが、ヴィンテージレザーには興味はないんですか？　自分が着るために買うレザーアイテムは新品が多くて、中古で買うのは鋲ジャン用だけです。基本的にヴィンテージの洋服で興味があるのは「リーバイス（Levi’s®）」のパンツとカバーオールくらいで、革ジャンのヴィンテージはあまり興味がないですね。全部ヴィンテージにすると、なんか小汚い感じになるじゃないですか。若い子がきれいな顔と髪型で上下ヴィンテージを合わせるならいいと思いますけど、このツラだとちょっとね（笑）。⎯⎯ 制作スタイルについても教えてください。　制作中はほぼ無心ですよ。1つの鋲を打ちながら、次の鋲を打つ位置を探しているんです。だから別のことを考える時間がない。なんの感覚もないまま、気づいたら時間が経っていて、面が埋まっています。⎯⎯ ストレス発散になりますか。　いや、正直ツラいです。指も痛いし、時間はあっという間に過ぎていって勿体無いなと思うし。でもやり出したら止まらなくなってしまう。始めたら、自分が納得できる状態まで持っていかないと気が済まないんです。ヤバイですよね。 ⎯⎯ それでも作り続ける原動力はどこに？　作りたいと思うからですね。鋲ジャンは基本的に好きなバンドや人物をテーマに作るので、まだ作ったことのないバンドで作りたいとか、おもろいものを作りたいという欲求や直感でしょうか。⎯⎯ 作り始める時、完成形のイメージは頭の中にあるんですか？　全然ないですよ。なんとなく思いつきで、「今日はここを全部鋲で埋めよう」と思ったら埋め始めて、そうしたら「次はこっちに缶バッジをつけよう」「ここの色は赤にしよう」って、思いつきの連続です。⎯⎯ 完成する瞬間はいつ訪れるんですか？　指の限界じゃないですかね（笑）。鋲を打つ時って両手を使って鉄を曲げて打っていくので、両手が痛くなるんです。何時間も作業していると感覚が麻痺して指が動かなくなる。そうなったらもう終わりです。1着の制作日数は、簡単なものなら1日、全面にギチギチに打つ場合は3日くらいです。⎯⎯ 2024年に出演いただいたベストバイ企画では3Mの両面テープで作ったギター用のクッションが登場しました。鋲ジャン作りでも、3Mの両面テープやポスカなど、身の周りにある材料を使用しているのは、パンクの「DIY精神」からですか？　そうですね。鋲ジャンも元々鞄の底鋲が使われていたし、使えるものを使う、身近なものを工夫してこうしたらかっこいいんじゃないかという発想ですよね。そのうち切ってきた竹とかも使えたら面白いですよね。竹ジャン、バンブージャンパー、作りたいですよ。若いパンクスが増えてほしい、おすすめの曲も紹介⎯⎯ 自身で制作した鋲ジャンの展覧会「鋲じゃん展」を今年3月に表参道で開催。8月8日から大阪に巡回します。大阪展のために作った新作の注目ポイントを教えてください。　ベースにしてるのは安い革ジャンなんですけど、赤のレザーの襟を青く塗ったところ。大阪なので、背中には上沼恵美子さんの若い頃の絵を描きました。勝手に「えみじゃん」と呼んでいます。⎯⎯ ちょっと羽織ってみてもらえますか？　羽織ると背中見えなくなりますよ？⎯⎯ 青が効いていて、正面からもとてもかっこいいですね。お似合いです。　今やこんな格好のやつあんまいないですけどね。昔はおったんですけどね。寂しい時代になりましたよ。1976年にパンクが始まった*として、50年が経って、徐々にパンク人口も減っていっています。プライベートでパンクバンドをやっているんですが、僕らでもパンク業界では結構若手扱いされます。若いパンクスが生まれていないというのは肌で感じていますが、僕らが生まれた頃に始まり、僕らが第二、第三世代くらいで、そこで止まっている感じがする。流れを止めたの俺らやんってね。*1976年に発表されたイングランドのパンクバンド「ザ・ダムド（The Damned）」のデビューシングル「ニュー・ローズ（New Rose）」がパンクの始まりとされる説がある。⎯⎯ 若い世代にパンクが届きにくい理由は何だと思いますか。　まず汚い。ゴリゴリのパンクの人ってボロボロの服を着るので、綺麗ではないですよね。あと、女子が憧れないジャンルとして扱われているんじゃないかな。女子が憧れないから男子にもモテないジャンルとして定着してしまっている部分があると思うんです。今の16〜18歳の子からしたら、パンクの人を見るのは侍を見るような感覚なんじゃないですかね。もっと若いパンクスが増えてほしいですが、若い子はもう聴く音楽がちゃうでしょう。STARTO ENTERTAINMENTさんでパンクバンドを作ってほしいくらいです。⎯⎯ パンクバンドはサブスクに配信しているイメージがあまりなく、新しい接点が持ちにくい印象です。　でもね、最近ちょこちょこ昔のパンクの人がサブスクを解禁し始めている気がしますよ。カラオケにも配信されている曲があって驚きました。⎯⎯ パンクを通っていない若い世代にも聞いてほしい3曲を教えてください。　ザ・スター・クラブ（THE STAR CLUB）の「ブラック・ガード・エンジェル（BLACKGUARD ANGEL）」、ライダーズ（THE RYDERS）の「アイブ・ゴット・ザ・エナジー（I'VE GOT THE ENERGY）」、ラフィン・ノーズ（LAUGHIN' NOSE）の「ゲット・ザ・グローリー（GET THE GLORY.）」じゃないですかね。⎯⎯ 好きなファッションのルーツに音楽がある人は多いと思いますが、くっきー！さんはずっとパンク一筋ですか？　音楽はそうですね。服装は、だいぶ落ち着きましたけど、「大人なパンク」という感じですかね。50歳にもなってこんな鋲ジャンを着て街を歩いていたら、さすがに奇人扱いされますよ。タイトなブラックジーンズやパラシュートパンツをスラックスに変えたりと、大人になりました。⎯⎯ くっきー！さんにとって、そもそも「パンク」とはどんな存在ですか？　なんやろ。難しいですね。「お知り合いにならしてもろてありがとうございます」って感じじゃないですか。パンクを知らなかったら、今の自分の方向性もなかったと思うんです。仕事をもらえている要素の中に、パンクは確実に入ってきますね。「キン肉マン」とか「北斗の拳」とか「（疾風伝説）特攻の拓」とか、いろんな要素があるんですが、パンクもそのうちのひとつです。　かといって、わざわざ「パンクっぽくしよう」と思って何かをしているわけではないですけどね。「人と違うことがしたい」とか「破壊的である」とか反骨の精神とか、そういうパンクの精神のようなものは自然と出ているのかも知れませんね。何にしたって、ツレ周りが誰もやっていないことをやりたいという衝動がまず最初にあるというか。プラモデルのように飾る鋲ジャン　最高傑作は？⎯⎯ ご自身の最高傑作と思う一着を教えてください。　最高傑作は今一番手前にかけているこれかなあ。一番前に置いてるし。あとは時東ぁみさんを背中に描いた「ぁみジャン」も気に入っています。見ますか？⎯⎯ ぜひお願いします！　打ち立てはまだ鋲がパキパキすぎるんですが、時間が経つと色がくすんでいってかっこよさが増すんです。⎯⎯ 完成した作品を実際に着て外出することはありますか？　なかなかないですよ（笑）。プラモデルと一緒で、作って置いておきたいという感覚なんです。着て歩くことより、作りたいという意欲のほうが強い。プラモデルを持って歩かないのと同じです。⎯⎯ 鋲ジャンは形としては服ですが、ファッションよりもアートに近い感覚なのでしょうか。普段のアーティスト活動で制作する絵画作品と制作時の感覚の違いはありますか？　工程は違えど、感覚は同じですね。 ⎯⎯ ファッションとアートはどのような差があると思いますか？　ファッションもアートなんじゃないですか？「着るアート」とか言ったらカッコ悪すぎるし恥ずいけど。気に入っている服は家でも飾っていますし、あまり境界を意識したことはないです。⎯⎯ 鋲ジャン作りに興味を持った読者にアドバイスをするとしたら？　作りたがる奴なんているんですかね。でも確かに、先日アイドルグループのINIの池﨑（理人）くんがYouTubeを見て「自分も作りたい」と言ってましたね。ごく稀にいますね、そういう変わり者も（笑）。　でも、想像以上に苦痛を伴うので本当におすすめしないですけどね。途中でやめたくなっても革ジャンに穴が空いてしまうので後戻りもできないし。通気性は良くなりますけど。そもそも、おしゃれだからやろうという感覚にはならないんじゃないですかね。作っていてもわけわからんですもん。⎯⎯ 自分で鋲ジャン作りに挑戦する時、「ダサくないか」という不安が発生しそうです。くっきー！さんは、かっこいいとダサいの違いはどこにあると思いますか？　あまり考えたことないけど、これまで他人が作った鋲ジャンをみて「かっこわる」と思ったことはないです。「えみじゃん」はある種「ハズし」ですが、基本的には鋲ジャンは好きなバンドをモチーフに作るものです。なので、例えパンクバンドでも鋲ジャンを着なそうなバンドを選んでいるとちょっと違うのかな。いっそのこと「えみじゃん」くらい飛ばしてたら面白いと思うんですけど……。でも基本的に鋲ジャンを作ろうなんて思う人は、みんなこだわっているからそんなことしないですけどね。逆に俺の鋲ジャンを見て「ダッセー」と思うやつもいっぱいいると思うんで、人それぞれです。だから気にする必要ないですし、人に見せる前提で作らなくていいと思いますよ。photography: Kiyo

「プラモデルのように」革ジャンにスタッズを打ち続ける　野性爆弾 くっきー！の創作の原点

GUとのタッグは“素晴らしい驚き”⎯⎯2022年春夏シーズンに、マルニとしてユニクロと初コラボ。一緒にもの作りをして、ファーストリテイリングという企業にどのような印象を抱きましたか？　ファーストリテイリングは、極めてミニマルかつコンテンポラリー、同時に非常に実直な服作りに対する哲学を持っています。一方で、私はクリエイティビティと色彩、服への情熱を追求してきたデザイナーです。全く異なるバックグラウンドを持つ私たちの協業は、素晴らしい驚きで満ちていました。⎯⎯そうした縁もあり、ジーユーのクリエイティブディレクターに就任しました。2026年秋冬シーズンからコレクションの舵取りを担っています。　ミスター・ヤナイ（ファーストリテイリング柳井正 会長兼社長）は、ジーユーの存在感を拡大させることを至上命題として捉えています。ジーユーが持つポテンシャルの大きさと、若者を中心とするマーケットに与える影響力を理解していたのです。この使命を引き受けることは、私にとって大変な名誉であると考え、オファーを受けました。ジーユーというブランドは、私たちが皆で力を合わせて形作る彫刻のようなものです。⎯⎯世の中にたくさんブランドがある中で、ファーストリテイリングやジーユーの強みは何だと思いますか？　非常に効率的に生産しながら、デザインは常にタイムレス。一貫して日常というレンズを通して考え抜かれています。また、素晴らしいデザインチーム、プロダクトマネージャー、そして業務システムを備えており、服作りをこれほどのバランスで美しく極めることができる企業はほとんどないでしょうね。　ジーユーは、手に取りやすいプライスレンジで、若者に大きな影響力を持っているのが強みです。近しい価格帯で展開しているブランドの中では、アイテムのクオリティも突出していると思います。⎯⎯コレクションを製作するにあたって意識したポイントは？　まず重要だったのは、私たちがどのような時代に生きているのか、人々がどのように服と関わっているのかを理解することでした。電車に乗ったり、街を歩いたりして周りを見渡すと、今は1つの大きなトレンドで括れる時代ではないことが分かります。異なるトレンドや出来事から生まれた「トレンドのポケット」のようなものがたくさんあるんです。この多様な現状を読み解くことが、ジーユーのコレクションをデザインする上では欠かせませんでした。⎯⎯ファーストコレクションは「ミニマル」「クラシック」「プレイフル」「ユーティリティ」「スポーツ」「コージー」という6つのセクションで構成しています。　簡単に説明すると、「ミニマル」はモノトーンのカラーパレットが中心。モダンなシルエットを重視しており、ストイックで洗練された印象のアイテムが多いです。　「クラシック」は「ミニマル」の対極にあるアイテム群で、その名の通りクラシックなデザインながらノスタルジックな雰囲気を少し加えています。映画監督のウディ・アレン（Woody Allen）がクラシックなテーラードジャケットにコーデュロイのパンツを合わせるようなイメージで製作しています。　「ユーティリティ」は、「都市と自然の生活の間のコミュニケーション」がテーマです。街を歩いていると、山から来たようでありながら洗練されたスタイルの人を見かけることがありますが、そういった2つの表情を持つウェアをラインナップしています。　「プレイフル」は、最も自由で表現豊かなセクション。ふわふわしたテクスチャー、ストライプ、花柄、チェックなど、さまざまな要素をミックスしています。　「スポーツ」はパフォーマンスを追い求めるのではなく、「デイリーファッションにスポーツをどう取り入れるか」というコンセプト。「コージー」は、寝室で着るパジャマやインナーウェアです。　コレクションは6つのセクションに分かれていますが、これはあくまで便宜的なカテゴライズで、コーディネートを制限するものではありません。私は犬を飼っているのですが、朝、パジャマの上にトレンチコートを羽織って散歩に出かけます。このようにファッションは分断されたものではなく、日常の中で地続きになっているので、心が動いたアイテムを選んで自由にスタイリングを楽しんでほしいですね。「ファッションを通じて人生を楽しんで」⎯⎯自身のデザインを言語化するとどのように表せますか？　私のクリエイションは常に「人」に突き動かされています。インスピレーションを受けるのは、街行く人々、友人、ミューズ、映画や本の登場人物などさまざま。鑑賞するためのアート作品ではなく、人が着て街を歩き、生活の中で息づく服を作りたいのです。⎯⎯今季のコレクションの中で、自身の哲学が最も反映されたアイテムを教えてください。　クラシックのコンセプトに登場する、タータンチェックをあしらったシャギーコートです。ブランケットのような温もりがあり、身につけると親しみやすく心地よい雰囲気をまとえます。どこか知的でありながら、不器用な愛らしさも秘めている——そんな人物像が目に浮かぶようで、お気に入りの一着です。⎯⎯生産背景において、驚きや新鮮さを感じる部分はありましたか？　これほど多くのアイデアを短期間で具現化したチームのスピード感と実行力には感銘を受けました。私はクリエイションに妥協をしない人間なので、チームに対して多くの要求や挑戦を投げかけてきましたが、東京でプロトタイプの製品がかかったラックを初めて目にした瞬間のことは今でも鮮明に覚えています。製品の美しさ、正確さに完全に魅了されました。これからもその感動が色褪せることはないと思います。⎯⎯リッソさんの手によってジーユーはどのように変わっていきますか？　具体的にどう変わるかを言葉にするのは難しいですが、基本的には今回発表したファーストコレクションとの一貫性を保つ方向で進めていきます。今回のコレクションを見てもらえればイメージは伝わるかと思います。　今後のジーユーにとって重要なのは、未来の街や人々の姿を先読みし、お客さまがどのような商品を求めているのかを見極めていくこと。今の若者たちの心に響く服を生み出すには、まず彼らの声に耳を傾け、深く理解することが欠かせません。ジーユー（ファーストリテイリング）では、お客さまの反応がダイレクトに伝わってくるので、得られる豊富なフィードバックをもとに、デザインを柔軟にアップデートさせていきたいと考えています。ブランドの進化というのは、我々クリエイティブ側が「これをして、あれをして」と一方的に指示を出して成し得るものではありません。お客さまを含め、ジーユーに関わる皆で成し遂げるべきものなのです。⎯⎯新たなジーユーに対し、内外から大きな期待と関心が寄せられています。どのようなメッセージを投げかけ、人々の生活にアプローチしていこうと考えていますか？　私たちは、さまざまな困難に直面しながら日々を生きています。だからこそ、特に若い人たちには、日常と切っても切り離せない“ファッション”というフィルターを通して人生を楽しんでほしいのです。　服には自分自身を表現するだけでなく、人と人とを結びつける力があります。テクノロジーに囲まれ、世界がどこか無機質で冷たくなりつつある今だからこそ、温もりを感じてほしい。ファッションを通じて人とつながり合える、そんなライフスタイルを提案するためにジーユーでデザインをしていきます。

新生GU始動　元「マルニ」フランチェスコ・リッソがファッションを通じて届ける幸福論

販売がメインではないショールーム　じっくり向き合ってもらう場に──まずは新しいショールームについて聞かせてください。ポップアップが毎回好調だと聞いていたので、実店舗のオープンを想像していました。　常設の場を作った一番の理由は、これまで支えてくださったお客さまの購買体験を充実させたいと思ったからです。ありがたいことにポップアップはいつも反響が大きいのですが、待機時間が長くなってしまうことが気がかりでした。　そこで、招待制のマンツーマン形式であれば、満足いくまで気になるものを見ていただけるんじゃないかと。そもそも販売機能がないショールームであれば、「何か買わないといけないかも」といったプレッシャーも無くせる。気になったアイテムはオンラインサイトから注文していただけます。まずはポップアップの常連やリピーターの方を中心にお声がけしています。──かなりクローズドに運営していくんですね。　どんな方がどんな服をどうやって楽しむのか、私たち自身も向き合いたかったんです。ポップアップは今後も続けていきますから、敢えて別の接客機会を設けた方が、ブランドの魅力を多角的に伝えられるだろうと考えました。ただ、現状は実験段階で、これからの反響と反省点を踏まえて、オープン頻度などいい形を模索したいと思っています。──ショールームの空間デザインは、ブランドだけでなくライフスタイルも支持を集めている小松さんのこだわりを詰め込んだのでしょうか。　私の好みというよりはブランドチームの総意というか、「ビビィならこうだよね」を追求しました。ジャン・プルーヴェ（Jean Prouvé）のソファーなどのインテリアはミニマルでモダンですが、ちょっとした違和感やデザイン性がある。可愛いだけではなく、少し癖のあるビビィらしさを表現するインテリアや空間デザインにこだわりました。　余談ですが、もう2年前くらいから、インスタグラムのフォロワー数は私個人のアカウントよりブランドアカウントの方が多いんです。実際にポップアップでも、私のブランドだと知らずに購入してくださる方が増えた印象があります。そういう意味でも、ビビィが私個人のブランドという枠を超えて愛されるよう、客観的な視点を交えながらディレクションするようになりました。SNSは量より質　情報は好きな時に持ち帰ってもらう──具体的に、どのような変化がありましたか？　一番はSNSの投稿ですね。以前は、自分のアカウントでは全てのアイテムを着用して説明したり、私起点での発信にも力を入れていましたが、今はむしろセーブしています。ブランドの世界観が確立されたと実感でき、私もひとりのビビィのファンとして考えられるようになり、オフィシャルコンテンツの質を高めているところです。──ブランドのアカウントでの発信で注力しているのは？　2026年春夏コレクションから、シーズンのキーヴィジュアルに加えて、新作発売に合わせたマンスリーヴィジュアルを投稿しています。コンテンツは多いですが、情報に疲れてしまわないように気をつけています。基本的にフィード投稿はヴィジュアルと入荷日を月初めにまとめて出したら、あとはお客さまが好きなタイミングで見ていただければ良いというスタンスです。　サブアカウントの「@Bibiy.GIRLs」では、スタッフやお客さまの着用画像を投稿しています。よりリアルな着こなしの参考として運用していますが、皆さんが色んなシーンでビビィを着てくださっているのを見るのはチームのモチベーションにもつながっています。 良いことも悪いことも自分の責任　一からブランドをスタート──そもそもビビィは、小松さんが大学在学中に現在の運営会社GURUGURUからオファーが受けてスタートしています。誘いを受けた当初、率直にどう感じましたか？　就職活動の時期だったこともあり、就職先の選択肢のひとつのように考えていました。他社からもブランドについて声をかけていただくことはあったのですが、今の会社は「全部あなたの責任で進めてください」と言ってくれたのが印象的で。お飾りになるのではなく、悪いことも含めてディレクターとして責任を持って本気で向き合えるところだと思い、引き受けることにしました。──ファッションの専門知識がない中でのスタートに、プレッシャーはありませんでしたか。　新しいことを始める緊張感はありましたが、不安はなかったですね。どんな業種であっても、新卒で働き始める時は初心者に変わりないので、専門的なことを知らなかったからこそ「一から頑張るぞ！」と、とにかく燃えていたんです。──実際にブランドを始めてみていかがでしたか？　トライアンドエラーの繰り返しで、それはもう大変でした（笑）。分かるところから進めてみるという感じで、服ができたら撮影して、ブランドサイトを作って、発送するための段ボールを注文して......みたいな。梱包する時になって、テープが無いことに気がついて急いで発注したこともありました。振り返ってみると、そういう雑務も含めて全部携わってきたからこそ、ブランドに対する責任と愛着が湧いたんだと思います。可愛いだけじゃない違和感がビビィらしさ──ビビィのコンセプト「フェミニンで華のある強い女性のための服」はすんなり決まりましたか？　私自身も母も可愛いものが好きなんですが、母がよく「可愛いけれど、もう着れない」と言っていたのが印象に残っていて。可愛さを肯定しながら、大人の女性が着られる余白や少しズレた可愛さのある服があったら良いなと思っていたので、世界観やイメージは比較的すぐに決まりました。──フェミニン、ガーリーなだけではない、ブランドらしさの秘訣は何でしょうか。　企画会議では「癖がある」という単語がよく出てきます。逆に、ストレートに可愛いだけだと企画段階で止まることが多いですね。表面的な可愛さだけではない、女性の多面的な部分を意識しているので、少し違和感があるくらいのデザインに挑戦しています。シグネチャーのペプラムトップスは、従来はコンサバなイメージが強いものが多かったところ、ホイップクリームのようなボリュームのある大胆なシルエットが意外な個性としてヒットしました。 ──実際に客層は20代から60代と幅広いそうですね。　今も昔もターゲット層は固定していなくて、「何歳になっても可愛い物が着たい」を叶えたいと作ってきた結果、予想以上に多くの方に手に取っていただけて自信がつきました。同時に、「自分たちが歳を重ねても楽しみたい」と思えるような商品構成を意識するようになりましたね。ロング丈のドレスや、スウェットやTシャツなど日常的に着やすいアイテムを増やしたり、フリルなどでフェミニンさを出しながらシルエットはエレガントにしたりと、バリエーションを増やしました。──アクセサリーやバッグ、シューズなど商品カテゴリーも増えています。　ポップアップで待機列ができているのを見て、試着無しでも楽しめるアイテムがあったらいいのではと思い、カテゴリーを拡充しました。大ぶりのリボンハンドルのボックスバッグは最近の人気アイテムのひとつになっています。──2026年秋冬コレクションのポイントを教えてください。　今回は意外性、ギャップ、多面性などがキーワード。ある意味ブランドの根本的なコンセプトに近い言葉で、ビビィにとっての意外性を考えました。取り外しできるペプラムパーツ付きのフェイクファーコートや、ストリートっぽいナイロン地にクラシカルなチェック柄をあしらったダウンジャケット、前身頃はショート丈で後ろにかけて長くなる裾のドレープ感がドラマチックなトレンチコート、シンプルなテーラードジャケットに遊び心のあるワッペンを縫い付けたものなどです。より良いチームになっている実感がある──ブランド設立から7年、スランプはありましたか？　うーん......無いですね。日々の業務上でちょっとしたエラーはもちろんありますが、止まってしまうようなことはありませんでした。でも、私の力ではなく、良いチームに恵まれているおかげです。自分で言うのも何ですが、私は結構ポンコツなんです（笑）。やりたいことやアイデアはたくさんあるし、気になることも多いのですが、うまく言語化できないことも多い。困ったら下手に寝かせずにすぐに相談することで、みんなの得意分野からフィードバックをくれて、結果的に良い形にアウトプットできるんです。──現在のチーム構成は。　社員は12人で、数年前から大きくメンバーは変わっていません。以前は掛け持ちでタスクを進行していたのですが、去年からデザイナー、MD兼生産管理、広報・プレス、営業、EC、カスタマーと担当部門を割り振りました。人員配置を明確にしたことで各業務の精度が上がり、より良いチームになっている実感があります。──ブランドディレクターとしてチームを率いる際、大切にしていることは。　常に尊敬と感謝を忘れないこと。先ほども話した通り、あらゆる面で助けてもらっていますし、多くのアイデアから良いものを生み出すために、コミュニケーションしやすい環境は本当に大事です。それから当たり前ですが、私自身が一番ブランドに費やす時間が多くなければいけないと思っています。ビビィを愛してくださるファンが増えることがメンバーへの恩返しになる。もっとワクワクするようなブランドになるために必要なこと、みんなが着たいと思う服のデザインなど、私が一番考え抜かないといけないなと。10周年を見据えて　「ブランドの大ファン」として動く──現在の課題や今後の計画は？　すぐに着手したいと思っているのはサイズの拡充。現状はフリーサイズが中心で、一部のボトムスが2サイズ展開なので、次のステップとして取り組みたいです。それから、イージーケア、ホームケア対応のラインナップも広げたい。お客さまから「特別な日だけではなく、日常的にもっと楽しみたいんです」という要望があり、ハッとしました。それから、全体的なクオリティアップも追求したいです。自分が関西出身で、デザイン性と価格には納得感がないと嫌なんです（笑）。素材や装飾性、耐久性など基本的なものづくりの質をあげていきたいですね。──10周年に向けたブランド像はありますか？　お客さまに還元していきたい気持ちが強いです。現状は毎シーズン30%前後で伸長していますが、成長率は維持しながらも素敵なブランドとして常にピークを保つ方が大事だなと。よし、やるぞという気持ちも込めて、ショールームのオープンと合わせて事務所も同じフロアに移転しました。良いチームにも恵まれているので、あとは私がブランドの大ファンとして動いて、考え続けるだけですね。

Bibiy.

一癖ある可愛さで好調のビビィ　「ブランドのファン」目線で顧客に還元していく

グリーンランドのアザラシの皮を用いた服から生まれた「機能美」⎯⎯南青山のセレクトショップ「イザ（I Z A）」では、セッチュウの2026年秋冬コレクションのローンチイベントを開催していますね。最新作だけでなく過去のアーカイヴまで、国内最大の品揃えで販売しています。　セッチュウの強みは、どのセレクトショップでもシーズンに関係なく定番アイテムを扱っていただいていること。そのため、基本的にセールも行っていません。過去のシーズンのものでも、最新のコレクションとミックスしてスタイリングでき、それがセッチュウの考える、新しいファッションのサステナブルなあり方でもあります。⎯⎯2026年秋冬コレクションは、装飾と機能のバランスが研ぎ澄まされていると感じました。　やはり日常で着る服である以上、「飽きないデザイン」であることが最も重要だと考えています。セッチュウのブランドDNAを構成する重要なキーワードの1つに「タイムレス」があります。
例えば、ストラップのように「体を縛る・固定する」という機能から生まれたディテールであれば、衣服のどこに配置されていても普遍性を保ちます。ボタンも元々は装飾ではなく「締める」という機能的なパーツですよね。昨今クワイエット・ラグジュアリーという概念もありますが、単にプレーンすぎるシャツでは新たに作る意味がない。その極めて繊細なバランスを常に探求しています。⎯⎯2026年秋冬では前身頃に偏ったアームホールのデザインが特徴的でしたが、機能的な視点から生まれたのでしょうか？
　グリーンランドのイヌイットの衣服からヒントを得ています。現地の国立美術館で目にしたのですが、過酷な環境下で生きる彼らが、早く的確に服を仕立てるための工夫として、生地を繰り抜いてアームホールにして着用していたんです。非常に理にかなっていますよね。パターンとしては、通常よりもアームホールを大きく設計しており、腕の可動域が非常に広く、動きが一切制約されません。グリーンランドの知恵に、イタリア・ナポリ特有のハンドステッチの技法を掛け合わせ、そこに日本のアイデアを同居させる。これぞまさにセッチュウならではのバランスだと言えると思います。釣り糸を選ぶように、最高級の生地と向き合う⎯⎯桑田さんのライフワークといえば「釣り」ですが、釣りでの体験と服作りに共通点はありますか？
　「道具と環境のバランス」ですね。私がサヴィル・ロウの老舗テーラー「H.ハンツマン・アンド・サンズ（H.Huntsman＆Sons）」に入った時、まず最初に5000種類もの生地を選定する仕事を任されました。フィッティングをして採寸し、もし生地選びを間違えれば、お客様がお支払いになった200万円が無駄になってしまう。最初の1ヶ月は極度の緊張感の中で、何度も採寸をやり直しました。
釣りも同じで、小さな魚を釣るために太い糸を使えば、魚に警戒されてしまいます。対象の生態や環境を深く洞察し、最適な道具（素材やディテール）を選び抜く。その知識を深めていくプロセスは、ファッションを探求する面白さと一致していると思います。⎯⎯セッチュウと言えば生地へのこだわりですが、特に直接手に取ってほしい素材はありますか？　毎シーズン定番として展開している「ウォッシャブルカシミヤ」と「和紙混のデニム」ですね。
デニムは、日本のシャトル織機で織り上げています。日本のシャトル織機は、世界のラグジュアリーメゾンから高く評価され、大量生産も難しいので生地数は限られていて、セッチュウではインディゴと白の生地はほぼ完売状態で、黒をわずかに残すのみです。セッチュウのデニムは11オンスとあえて少し薄く、軽く仕上げているのですが、そこに和紙の糸を交織しています。和紙の特性により、冬は暖かく夏は涼しい。抗菌性が高く、匂いがつきにくい上、速乾性にも優れているため、トラベルウェアとしては最高のパフォーマンスを発揮します。⎯⎯ウォッシャブルカシミヤのニットも毎シーズン人気が高いですね。　これも旅行先で水洗いできる実用的なアイテムです。開発の発端は、ヨットを嗜む富裕層の方々の悩みでした。彼らは1ヶ月ほど船上で過ごすのですが、100万円以上する最高級のカシミヤニットに赤ワインをこぼしてしまった際、船上ではドライクリーニングに出せないため破棄せざるを得なかったそうです。
そこで、カシミヤの糸を事前にお湯に3回通して縮ませた後、コットンと混紡して生地を編み上げました。どれほど汚れても船の洗濯機で水洗いが可能で、型崩れもねじれも起きません。高価格帯ではありますが、世界中のお客様から高い評価と信頼をいただいています。⎯⎯オリジナル生地の開発は、イタリアで行うことが多いのでしょうか？
　そうですね。イタリアを拠点にしている最大の理由の一つにスピード感があります。イタリアには「バーティカルミル」と呼ばれる、糸紡ぎから編み、仕上げまで全てを同一敷地内で行う工場が存在します。日本であれば小ロットでも1000メートルから、期間も3〜4ヶ月を要するところを、イタリアなら25メートルから、早ければ2週間で仕上げてくれます。その分コストはかかりますが、小ロットに対応してもらえ、機動力があるということは我々のような小さなブランドにとって大きな魅力です。 その一方で、日本のテキスタイルも非常に素晴らしいので、今後は国内のメーカーさんとも新たな取り組みをスタートさせる予定です。⎯⎯アクセサリー類などウェア以外のアイテムも豊富に展開されています。昨年登場した香水の反応はいかがですか？
　フレグランスを開発する前、ドーバー ストリート マーケット（DOVER STREET MARKET）のエイドリアン・ジョフィ（Adrian Joffe）CEOから、「パッケージを変えただけの似たような香りを出すのが大半のやり方だから、中身そのもので勝負しなさい」という助言をいただきました。そこで、調香師には言葉と単語だけで抽象的なコンセプトを伝え、これまでに存在しなかったユニークな5つの香りを完成させました。通年を通して最も支持されているのが玄米茶の香りの「Monday, 9 am」です。また、世界初のアプローチであろう魚を表現した鮎の香りの「Thursday, 1 pm」も夏季に人気を集めています。フランスでは、畳から着想を得た「Friday, 2 pm」の香りが好評ですね。⎯⎯シルバーアクセサリーにも、折り紙の要素など特有のデザインが落とし込まれています。
　アクセサリーラインのチェーンのデザインは、私がイギリス時代に壊れたブレスレットを知恵の輪のようにはめ込んで直した経験からインスピレーションを得ています。そこから、折り紙の鶴を折る際の「山折り・谷折り」の構造を表現したスタッズへと派生していきました。
一見シンプルですが、サイズごとに谷折りの幅や削りをミリ単位で手作業で調整しています。お客様の指のサイズに合わせてオーダーメイドで制作しています。⎯⎯バッグも独特のフォルムですね。
　クロスボディバッグは魚のフォルムから着想を得ています。釣りに行く際に使用するバッグの形状をベースにしていますが、折り紙のようにフラットに畳めば13インチのPCも収納可能です。ヨーロッパはスリなどのリスクも高いため、身体に密着するこの構造はセキュリティ面でも優れています。レザーに関しては、自分で素材を一つ一つ確認しクオリティを担保するようにしています。⎯⎯9月には「エーグル（AIGLE）」とのコラボも控えています。　「エーグルといえば？」と問われた際、ラバーブーツは思い浮かべても、どのようなウェアを作っているかまで即答できる方は少ないのではないでしょうか。今回、単なる表層的なデザインの提供ではなく、「ブランドのアイデンティティを再構築し、視覚的に定着させる」というブランディングの視点から携わらせていただきました。エントリーモデルの展開も、今後のビジネスプランは？⎯⎯クリエイションの評価が高まる一方で、円安という厳しい現実もあります。ビジネスとして今後どうスケールさせていく構想ですか？
　お客様に少しでも手に取っていただきけるよう、ブランドとして最大限の企業努力を重ねています。
具体的には、日本の生地メーカーと協業し、新たなエントリー層に向けたラインナップを準備中です。セッチュウならではの手仕事のニュアンスや高い品質は維持しつつ、例えばライニングの仕様を見直したり、生地の裁断効率を最適化したりすることでコストダウンを図ります。ジャケットであれば20万円以下、シャツで5〜6万円台、Tシャツで3万円台で提供できるものを、段階的に拡充していく計画です。⎯⎯ブランドの規模が大きくなっても、拠点やチームの体制は変わらないのでしょうか？
　当面はミラノを拠点とし、発表の場も変える予定はありません。私自身、ブランド設立からの6年間は自身の報酬を設定せず、利益をすべてクリエイションとチームへの投資に還元してきました。ミラノでの移動も、基本的には地下鉄や自転車です（笑）。　また、日本のディストリビューターである三喜商事の方々も、ブランドの成長を見据え、献身的にサポートしてくださっています。
ファッションビジネスの根幹はチームワークです。生産背景から最終的なお客様に至るまで、すべてのステークホルダーと綿密に意思疎通を図りながら、より良いものを作り上げていく。急激に価格帯やデザインを変節させるのではなく、地に足を着けたまま、セッチュウをより高い次元へとスケールさせていきたいと考えています。

SETCHU

釣りとファッションの共通点は？　「セッチュウ」が考える飽きないデザインの正体

【居酒屋鼎談】「ラランド」クリエイティブ談義　“かっこよくて面白い”はどう作る？

　ブランドを手掛けるのは、生粋のスケートボーダーであるバジル・ラプレイ（Basile Lapray）とブラム・デ・クリーン（Bram De Cleen）の二人。ラプレイは「サロモン（SALOMON）」やフットウェア開発会社「All Triangles」でアウトドアシューズの研究・開発に携わり、デ・クリーンはスケートパークの構造やデジタルクリエイティブの分野でキャリアを積んできた。それぞれの経験を持ち寄り、「自分たちが本当に履きたいスケートシューズを作る」というシンプルな思いからヴィレッジピーエムを立ち上げた。　ブランドを象徴するモデル「1PM」は、クライミングシューズから着想を得た左右非対称のレースシステムや独自構造「Rubber Glove Construction」を採用。木型からラバーコンパウンド、アウトソールに至るまでゼロから設計し、スケートシューズに求められる耐久性と繊細なボードフィールを高次元で両立している。現在は「1PM」を軸に、「1.30PM」「1PM Mid」、さらに新たなシルエット「2PM」までラインアップを広げている。　そのプロダクトと同様に話題を呼んでいるのが、毎シーズン展開している"トラックショールーム"だ。パリ・マレ地区の路上に停めたトラックをショールームに仕立て、世界中のバイヤーを迎え入れるというユニークなスタイルは、インディペンデントブランドらしい姿勢を体現する試みとして、多くの関係者の注目を集めている。　今回は2027年春夏パリ・メンズ・ファッションウィークに合わせて行われたトラックショールームを訪れ、デ・クリーンにインタビュー。ブランド誕生の背景から、スケートシューズに対する哲学、そしてファッションシーンから支持を集める理由まで話を聞いた。── まずブランドを立ち上げたきっかけを教えてください。　僕たちは二人ともスケートボーダーです。そして、長い間スケートシューズの世界では新しいことが何も起きていないと感じていました。市場全体が停滞していて、ラインアップにも物足りなさを感じていたんです。　僕たちだけでなく、友人たちもスケートをするときだけスケートシューズを履いて、終わったらすぐ別の靴に履き替える。まるでテニスラケットのように、スポーツをするときだけ使う道具になっていたんです。でも、昔のスケートボードはそうではありませんでした。スケートシューズは一日中履くものであり、カルチャーの一部だったんです。そこで、「今のスケートシューズには何かが欠けているんじゃないか」と思ったことがヴィレッジピーエムを始めた理由のひとつです。── 20年前のスケートシューズはファッションアイテムとしても存在感がありました。何が変わったと思いますか？　20年ほど前のスケートシューズ業界には、スケーター自身が手掛けるブランドが数多くありました。それぞれが独自の視点を持ち、毎シーズン新しいアイデアや機能、デザインを提案していたんです。　でも、その後「ナイキ（NIKE）」や「アディダス（adidas）」といった大手スポーツブランドが市場を席巻しました。参入当初は開発やイノベーションも積極的でしたが、市場を獲得すると、スケートシューズは数あるカテゴリーの一つになりました。もちろん今もランニングやサッカーでは革新を続けていますが、スケートシューズでは以前のような大胆な提案は少なくなり、市場全体が予測可能なものになっていったと思います。　僕自身が最後に「本当に新しい」と感じたのは、Nike SBの「ステファン・ジャノスキー（Stefan Janoski）」です。それ以降も細かな進化はありましたが、業界全体を変えるようなラディカルなイノベーションはなかった。だからこそヴィレッジピーエムでは、最初から根本的に違うものを目指しました。そのためには既存のものを流用するのではなく、自分たちですべてを開発する必要があると考えたんです。── ナイキやアディダスといった巨大ブランドが存在する中でヴィレッジピーエムを立ち上げました。当時、周囲の反応はどうでしたか？　思っていた以上にポジティブな反応でした。リテーラーや友人、スケーターなど、僕たちの周りにいる人たちは、「久しぶりにスケートボードから生まれたブランドが出てきた」と歓迎してくれたんです。スケートボードコミュニティには、自分たちのカルチャーから生まれる新しいブランドを受け入れる準備ができていたように感じました。── スケートシューズをデザインするうえで、重視するのはどういったポイントですか？　一番大切なのはフィット感です。足とスケートボードの間に余計なものを介在させず、できるだけダイレクトな感覚を得られることを重視しています。次に耐久性。そして、僕たちが大切にしているのが“ブレイクインタイム”です。スケートボードでは、新しいシューズを履き始めてから「ようやく気持ちよく滑れる」と感じるまでの期間をそう呼びます。その時間をできるだけ短くして、箱から出した瞬間から快適に滑れるシューズを目指しています。　そして最後に、見た目も欠かせません。スケートが終わった瞬間に履き替えたくなる靴ではなく、そのまま街でも履き続けたいと思えるデザインであること。パフォーマンスを追求した結果として生まれる美しさも、ヴィレッジピーエムにとって大切な要素です。── ヴィレッジピーエムはクライミングシューズやアウトドアフットウェアから着想を得ていますが、スケートシューズとしてのアイデンティティのバランスはどのように考えていますか？　クライミングシューズとスケートシューズには共通点があります。どちらも足との一体感が求められ、摩耗が激しい環境で使われるので、高い耐久性も必要です。そうした機能面には、スケートシューズに応用できる要素が多くありました。　一方で、僕たちがアウトドアから影響を受けたのは、カルチャーではありません。影響を受けたのは、プロダクトに対する向き合い方です。アウトドアシューズは、素材や構造、数ミリ単位のディテールまで徹底的に考え抜かれています。その細部へのこだわりや開発姿勢には大きな影響を受けました。　でも、ブランドとしてのルーツは100％スケートボードです。僕たちはクライマーではありませんし、スケートとクライミングを融合させたいわけでもない。あくまでもスケートボーダーとして、スケートシューズをより良くするために必要な要素だけを取り入れているんです。── 木型、ラバー配合、アウトソール、インソールまでゼロから開発されています。そうしたアイデアを実際のプロダクトに落とし込むうえで、最も難しかったことは何でしたか？　一番難しかったのは、ラスト（木型）を作ることです。ラスト作りは、とても専門性の高い仕事で、細かなディテールの積み重ねなんです。そして、一度ラストを作ると、その形をベースに作られるすべてのシューズが、その影響を受けることになります。　つまり、まだシューズのデザインが決まっていない段階で、まずボリュームを決めなければならない。上から見たときのシルエットや、遠くから見たときのプロポーションをどうするか。その判断が一番難しかったですね。── トラックショールームはすでにヴィレッジピーエムを象徴する一面になっています。振り返ってみて、従来のショールームよりもブランドらしさを表現できたと思いますか？　そう思います。最初は本当に予算の問題でした。パリファッションウィーク期間に発表するならマレ地区が一番いい。でも、あそこでショールームを借りるのは僕たちには到底無理だったんです。とはいえ、予算を理由に別の場所へ行くのも違うと思っていました。そこで、「この場所にいながら、自分たちにもできる方法はないか」と考えた結果が、このトラックでした。　正直、最初は「本当にうまくいくのかな？」という不安もありました。でも実際に設営してみると、僕たち自身が「これで十分じゃないか」と思えたんです。通りかかった人が気軽に立ち寄れるし、友人もふらっと遊びに来られる。従来のショールームのような堅苦しさがなくて、バイヤーもブランドを初めて知る人も自然に入ってこられる空間になりました。　最初のシーズンが終わった頃には、「これ、すごくいいね」と思うようになっていました。もちろん今でも豪華なショールームを借りられるわけではありません。でも、もうそれ以上に、このやり方が好きなんです。巨大ブランドが何百万ユーロもかけてショールームを作る世界の中で、僕たちは小さなブランドです。このトラックは、そんな僕たちらしさをそのまま表していると思います。── 現在はドーバー ストリート マーケットなどの有力店で展開されています。ファッション業界からの反応は予想していましたか？　予想していたかと言われると、そうではありません。でも、期待はしていました。僕たちはスケートボーダーですが、それだけに興味があるわけではありません。いろいろなプロダクトを見るのが好きですし、ジャンルで物事を分けて考えるタイプでもありません。　そして、機能やパフォーマンスを突き詰めたプロダクトには、その結果として独自のデザインが生まれると考えています。見た目のためのデザインではなく、機能に理由があるからこそ、その形になる。そういうプロダクトは、ファッションの文脈でも評価されることが多いと思うんです。だから、そうした価値観を持つ人たちに届いたらいいなという期待はありました。── なぜ日本を初期の海外展開先のひとつに選んだのでしょうか？　日本にはすでに素晴らしいスケートボードカルチャーがありますし、レベルの高いスケーターもたくさんいます。また、新しいものや新しい美意識に対してオープンで、機能や純粋さを感じられるプロダクトに興味を持ってくれる人が多いという印象がありました。　実際、ブランドを立ち上げた最初のシーズンから、日本のバイヤーから多くの問い合わせをいただきましたし、Instagramでも日本からの反応がとても多かったんです。その時点で、日本では何かしら共感してもらえていると感じました。だから、日本進出は戦略的に決めたというよりも、ごく自然な流れだったんです。ブランドの方が日本に引き寄せられていったような感覚でした。── 現在はヨーロッパ、日本へと展開を広げていますが、今後のヴィレッジピーエムにとって次のチャレンジは何になるのでしょうか？　まずは、ブランドとして存在し続けることです。成長し、しっかりとしたブランドになり、「始まったばかりのブランド」から「ちゃんと存在するブランド」へと少しずつ変わっていくことが、今の大きな課題です。　9月からはアメリカでの展開も始まります。スケートボード発祥の地であり、巨大なマーケットでもあるので、大きなチャレンジになると思います。同時に、チーム作りも新しいフェーズに入っています。昨年3月に日本を訪れたとき、ある人に「ヴィレッジピーエムは25〜50人くらいの会社だと思っていた」と言われたんです。でも実際には、当時ブランドを日々動かしていたコアメンバーは3〜4人だけでした。もちろん、周囲には手を貸してくれる才能ある人たちがたくさんいて、そこには本当に恵まれています。　でもこれからは新しいメンバーを迎え、ブランドらしさを保ちながら、人に任せることやチームとして働くことを学んでいかなければなりません。存在し続けること、そしてチームになっていくこと。それが今のヴィレッジピーエムにとっての次のチャレンジです。photography: Hiroyuki Ozawa

Village PM

スケートシューズをもう一度“毎日履きたい靴”に──パリ発「ヴィレッジピーエム」が貫く哲学

 【マーケティング】榊原萌々（左）：2016年大学卒業後、資生堂に入社。ブランドマーケティング職でキャリアをスタート。日本ローカルブランド・グローバルブランドおよびメイクアップ・スキンケアブランドのマーケティング職を経験し、2025年からマキアージュのブランドマネージャーを務める。【商品開発】三井希美（右）：1999年専門学校卒業後、美容部員としてキャリアをスタート。12年間、販売の第一線での接客や、美容部員教育に従事。その後、海外の現地美容部員教育やブランドマーケティング・商品開発を経験し、2022年から日本ローカルのメイクアップブランド（現在はマキアージュ）の商品開発を担当。研究者のポケットから生まれた？　若年層ニーズと重なった開発のこだわり⎯⎯ まず、“白玉ファンデ美容液”はどのような経緯でスタートしたのでしょうか？マーケティング 榊原萌々（以下、マーケティング 榊原）：ブランド全体として「若年層の獲得」という重要なミッションを掲げていました。マキアージュは2005年に誕生し、顧客も年齢を重ねていることから、購買層は40代以降が大きな割合を占めています。そのため20代後半～30代前半の新規層を取り込む戦略を推進しています。その中で、すでに強い支持を得ていた、ファンデ美容液のエッセンスリキッド EXを軸に、どうすれば若年層に響く商品を具現化できるかを模索していました。⎯⎯  大きな市場を作り出したエッセンスリキッド EXを超えるファンデーションを作るのは大変そうです。マーケティング 榊原：そうなんです。そこで着目したのが、やはり若年層の嗜好です。近年の若者層には「ファンデーションを自分の肌色に合わせるのではなく、なりたい肌色に合わせて選ぶ」「より明るく透明感のある仕上がりを求める」ニーズがあります。そこから、明るいトーンのカラー展開や、美容成分グルタチオンの配合といった具体的なアイデアが肉付けされていったんです。⎯⎯ 商品開発の視点では、どのように開発が進んでいったのでしょうか？商品開発 三井希美（以下、商品開発 三井）：実は、研究者のポケットに入っていた一つのサンプルが、すべての始まりでした。そもそもファンデ美容液は、美容液の中にファンデーション成分を内包するという、技術的に極めてハードルの高い処方です。従来は、色ムラやくすみのカバー力、そしてSPF50＋・PA＋＋＋＋という高いUVカット効果を優先するため、美容液のようなみずみずしい使用感については、どうしても多少の妥協をせざるを得ないというジレンマを抱えていました。　そんな中、研究員と「本当に作りたい、究極に心地よいファンデーションとは何か」について雑談をしていた時に、研究員が「一番作りたかったのは、実はこれなんだよね」と、ポケットから一つの試作サンプルを取り出して見せてくれました。それが、のちの白玉ファンデ美容液となる最初のサンプルだったんです。⎯⎯ 雑談の中から⁉︎商品開発 三井：そのサンプルは、まさに“最高の美容液感”を実現した素晴らしいテクスチャーでした。その段階では、カラーも具体的な仕様も未決定。しかし、「研究者の情熱が詰まった試作」「若年層のニーズ」「マキアージュが目指す理想」という3つの要素が奇跡的に重なり合い、開発が一気に動き出しました。⎯⎯ 最近は、各社からファンデ美容液が続々と登場しています。開発段階で、白玉ファンデ美容液が目指した独自の価値とは何でしょうか？商品開発 三井：美容液配合を謳うファンデーションは市場に数多くありますが、革新的な技術力を筆頭に、資生堂が市場をリードしているという自負があります。だからこそ今回は、お客さまが肌にのせた瞬間に「これこそが、まるで美容液そのものだ」と心から感動していただける使い心地を追求しました。⎯⎯ その直感はどこから来たのでしょうか？商品開発 三井：美容部員としてキャリアをスタートした私が今でも大切にしているのは、店頭でお客さまと向き合ってきた感覚です。日々、多様な価値観を持つたくさんのお客さまや、現場の美容部員たちと直接触れ合ってきたからこそ、良いものに出合うと「これを出したら絶対に喜んでもらえる」「現場の美容部員が自信を持っておすすめできる」という直感が働きます。この現場目線での感性に響くかどうかを、ものづくりにおける基準にしています。チームの垣根を越えた連携で、若年層に響く“攻め”のファンデが誕生⎯⎯ そもそもですが、商品開発チームとマーケティングチームは、どの段階で連携するのでしょうか？マーケティング 榊原：プロジェクトの初期段階は、商品開発チームがコンセプトや生活者分析をリードします。それをどう市場に届けるかという戦略は、私たちブランドデベロップメント（マーケティング）のチームが引き継ぎます。スムーズなバトンタッチのために、かなり早い段階からプロジェクトを共有しています。ちなみに、「白玉」というワードは、商品開発チームが初期段階でつけていたものです。商品開発 三井：私たちは商品の「産みの親」ですが、マーケティングチームは「育ての親」だと思っています。コンセプトや成分、ターゲットなど商品の個性を互いに深く共有できていなければ、自信を持って市場へ送り出せません。週次のミーティングはもちろん、普段からオンオフ問わずに気軽に相談できる、風通しの良い関係を築いています。⎯⎯ 開発を進める中で、チーム間で意見がぶつかることもあるのでしょうか？商品開発 三井：よくありますね（笑）。コンセプトや商品化の提案の前にディスカッションを重ねるのですが、初期段階でマーケティングチームから「これでは生活者に刺さらないのでは」と厳しい指摘を受けることもあります。　ただ、同じブランドを担当していて、同じ目標を追う仲間として、「マキアージュがブランドとしてどうあるべきか」という根底の課題感を共有できています。だからこそ、ぶつかり合っても常に建設的で未来志向の議論ができるのだと思います。⎯⎯ お互いのチームから影響を受けて生まれた視点はありましたか？マーケティング 榊原：カラー展開はまさにそうです。マキアージュのブランド規模からすると、トーンアップに振り切った「攻めた明るさ」は売上目標に対してリスクが高すぎるのではないか、という懸念が当初はありました。しかし、議論を重ねることで、ブランドとしての「攻めの姿勢」とビジネスとしてのバランスを高い次元で両立させることができたと思います。商品開発 三井：この商品のキモである、グルタチオンの配合も、チーム間での連携が生んだものです。各種規制のハードルから、開発初期は配合を見送る方針でした。しかしマーケティングチームから「『白玉』と銘打つ以上、グルタチオンは絶対に外せない」と熱い提案があり、量産直前のタイミングで配合を決定しました。結果として、この決断が大きな差別化ポイントとなり、商品の魅力を何倍にも高めてくれました。「日本のコスメがんばれ」　SNSの反響とカニバリを起こさない好循環⎯⎯ 実際に発売してからの反響はいかがでしたか？商品開発 三井：試作段階からヒットの確信はありましたが、情報解禁後のSNSでの波及スピードは想像以上でした。ファンデーションカテゴリであるものの、下地やハイライトとして部分使いするなど、開発側が想定していなかった新しいメイク方法をお客さまが発信してトレンドを作ってくださる様子を見るのは非常にうれしかったです。マーケティング 榊原：これまでは、マスマーケット向けに広く愛される商品を重視してきたため、少し“クセ”のある白玉ファンデ美容液がどう受け入れられるか、不安もありました。しかし、SNSで信頼感のあるインフルエンサーの方々が「なりたい肌色で選べるけれど、光の技術で白浮きしない」とロジカルに評価してくださったことを機に、驚くほどの熱量でバズが広がりました。オーガニック投稿でのSNSトレンド入りをはじめ、大きな手応えを実感しました。⎯⎯ SNSでの大きな広がりに対し、どのような分析をしていますか？マーケティング 榊原：メイクアップブランドにおいてSNS戦略は極めて重要であるため、緻密に設計していますが、今回は想定以上でした。ちょうどその時期、SNS上で「日本の化粧品、がんばれ」といった議論が活発に行われていたこともあり、その大きなトレンドと私たちの商品が奇跡的にシンクロしたのだと感じています。結果として、商品単体の枠を超え、「日本のコスメにがんばってほしい」「これこそが信頼できる日本の技術だ」といった、マキアージュや資生堂、そして日本発のコスメ全体に向けられた温かい応援や期待感へと昇華していくのを肌で感じました。⎯⎯ 販売施策についても教えてください。マーケティング 榊原：マキアージュはドラッグストアを主とした配荷店舗数の多さが強みですが、今回は若年層向けアプローチとして、ECでのノベルティキャンペーンを実施しました。美容部員の声を取り入れて開発したファンデーションブラシをセットにしたところ、ECの初速が飛躍的に伸び、約1ヶ月半の販売を想定していた限定セットが、発売翌日に完売するほど。近年、オンラインのみで購買行動を完結する層が増加傾向にあるなか、SNSにおけるスウォッチやチュートリアル動画の充実により、オンラインでの購入に安心感もプラスされていると感じます。⎯⎯ 若年層の間では韓国コスメの勢いもありますが、マキアージュとしての独自価値をどのように打ち出していますか？マーケティング 榊原：韓国コスメの優れたパッケージデザインや、トレンドを捉えたカラー展開など、学ぶべき点は大いにあると感じています。その一方で、マキアージュが一貫して守り抜いているのは「日本社会に生きる方々のためのブランド」というアイデンティティです。誕生から約20年間、私たちは日本社会に生きる生活者のメイク行動の変化やその背後にある意識の変化まで見つめ、商品開発やコミュニケーションを続けてきました。　他国の優れたカルチャーに刺激を受けつつも、私たちが目指すのは、マキアージュを使うことで自信を持て、日常で少し前向きに一歩踏み出すことをサポートする存在であり続けること。これからも、日本のビューティシーンを代表するブランドとして、社会にポジティブなメッセージを送り続けたいと考えています。⎯⎯ 新作の登場により、既存のエッセンスリキッド EXへの影響はありましたか？マーケティング 榊原：カニバリゼーションを懸念していましたが、結果としては既存品の売上を落とすことなく、ブランド全体の底上げに成功しました。白玉ファンデ美容液をきっかけに関心を持った若年層や美容感度の高い層が、「自分には少し明るすぎるかも」と感じた場合に、既存のエッセンスリキッド EXを手に取ってくださるという、理想的な買い分けの好循環が生まれたためです。⎯⎯ 白玉ファンデ美容液において、2人が最もこだわった点を教えてください。商品開発 三井：第一に、圧倒的に心地よい、美容液そのもののようなテクスチャーです。そして、「なりたい肌色に合わせて選ぶ」という新しい価値観に応える、トーンアップしながらも白浮きしない繊細なカラーバリエーション。色調は若年層の好みに合わせて限界まで明るく振り切りましたが、既存ユーザーにも愛される絶妙な塩梅を求めて、何度も調整を重ねました。資生堂のヘアメイクアップアーティストにも参画してもらい、リアルな使用感や使用方法の提案まで、一丸となってつくり上げました。マーケティング 榊原：コミュニケーションの観点では、これまでマキアージュが出合えていなかった層や、「お母さん世代のブランド」というイメージを持っていた若い世代に、どう“自分ごと”として捉えてもらうかにこだわりました。従来のコミュニケーション設計からは大きく舵を切る必要があったのです。　その象徴が、2月に表参道で開催したポップアップイベントです。「白玉」のネーミングを最大限に活かし、人気パティスリーとコラボレーションした特製の白玉デザートを提供しました。美容好きだけでなく、カフェやスイーツを好む層にも向けたアプローチが功を奏し、7日間で2200人以上が来場。ブランドの認知を大きく広げる起点となりました。日本のビューティを代表するブランドとして、100年先も愛される未来へ⎯⎯ ファンデ美容液というカテゴリーは、今後どのように進化していくのでしょうか？マーケティング 榊原：マキアージュの根幹にある、「スキニフィケーション（スキンケアを応用したメイクアップ）」の価値は、今後もより強化させていきます。セラムファースト技術を応用した下地やルースパウダーも展開していますが、ファンデーションという枠に留まらず、この体験価値を広げていきたいと考えています。商品開発 三井：資生堂が誇る圧倒的な研究・技術力があってこそ実現できるファンデ美容液の価値を、さらにアップデートしていきたいです。研究開発部門とこれまで以上に強固に協業し、発売後もお客さまの声を細かく分析しながら、常に品質を進化させ続けます。⎯⎯ 最後に、2人が今後マキアージュとして挑戦したいことを教えてください。商品開発 三井：資生堂が長年培ってきた安心・安全の高い品質を守りながら、手にしたときに心躍るようなときめきを届けるものづくりを強化していきたいです。約20年間日本の美容シーンを牽引してきたブランドとして、100年後も愛されるプロダクトを創造し続けたいと考えています。　また、私自身が男の子を育児中ということもあり、メンズメイクの開発にも興味があります。若い世代におけるメンズビューティの進化には目を見張るものがあります。初めての眉ケアや、自然に肌が整うベースメイクなど、男性も安心してときめきを得られるアイテムを資生堂の知見で開発し、いつか成長した息子とメイクについて語り合うことが、一つの夢ですね。マーケティング 榊原：白玉ファンデ美容液の発売をきっかけに、美容に関心の高いお客さまから「日本のビューティを牽引してほしい。その期待に応えてくれるのがマキアージュだ」という非常に熱い声をいただき、とても励まされました。先行きが見えにくい現代において、私たちはメイクの力を通じて、誰もが一歩を踏み出せるように背中を押したい。ブランド自らが挑戦する姿勢を示し続けること、その第一歩が今回の白玉ファンデ美容液でした。　昨年のリブランディング以降、ファンデ美容液を中心に築いてきたこのスキンケア発想の価値を、ベースメイクだけでなくリップなど他の分野にも拡張しています。例えば、荒れやすいという課題を持つリップティントに、リップケアの知見や成分を掛け合わせることで、「色が続くのに荒れにくい」という革新的な価値を生み出したのが「リップグロウボム」です。今後も、そうしたマキアージュにしかできないアプローチを通して、さまざまなカテゴリーでお客さまの毎日を鮮やかに彩っていきたいです。