インサイド

スタイリストだから提案できる、“着る人目線”の服──今回ご自身のブランドをスタートした理由を教えてください。　スタイリストとして仕事をする中で、これまでさまざまなブランドとのコラボレーションやブランド立ち上げにも携わってきました。ただ、そのたびにゼロから洋服を生み出す難しさを痛感していたんです。スタイリストは、すでにある「1」を「10」に見せる仕事。だからこそ、ものづくりにはずっと高いハードルを感じていました。　そんな考えが変わったのは、トークセッションやファッションセミナーで、洋服が好きだけれど服選びに悩む女性たちと直接話す機会が増えたことでした。会話の中で「小山田さんが思うシンプルやスタンダードって、どこのどんな服ですか」と聞かれることが多かったのですが、改めて考えてみると、答えられなくて。着やすく、手の届く価格帯で、機能的で着心地もいい。それでいて、見た目にはソリッドなモード感がある。そんな今の時代の「大人のおしゃれ」を体現する服が、どうしても見つからなかったんです。多くの女性に理想の服選びを提案してきたにもかかわらず、「これが私の答えです」と胸を張って勧められる服がないという現実になんだかショックを受けてしまって。そこで「ないなら、自分で作るしかない」と思ったことが、ブランドを始めるきっかけになりました。──ブランド名「MELT MODE STUDIO」にはどのような想いが込められていますか？　ブランドを立ち上げると決めたとき、最初に決めたテーマが「大人の女性の日常に寄り添う服」を作ることでした。そこでまず思い浮かんだのが、「日常」や「毎日のように手に取れる」というキーワードです。ただ、日常着であるだけでは物足りない。大人の女性が服を着る楽しさや高揚感も感じられる存在でありたいと思い、「モード」という要素を掛け合わせました。そうして生まれたのが、「日常にモードを溶かし込む」という思いを込めた「MELT MODE STUDIO」というブランド名です。　ファーストコレクションで目指したのは、毎日自然と手に取ってしまうような服。家で洗えて、ママチャリにも乗れて、一日中着ていてもストレスがない。それでいて、対面の仕事や学校行事など、きちんと見せたい場面でも自信を持って着られる。そんな実用性を備えながら、服を着ることで気分が上がったり、「今日の自分、いいかも」と思えたりする高揚感も大切にしています。シルエットやディテールにはさりげなくモードな要素を取り入れ、日常の中でもファッションを楽しめるデザインに仕上げました。──ファーストコレクションは計4型とコンパクトな構成です。　「稼働率100%クローゼットの作り方」という本を出版している以上、「着ない服をゼロにする」という考え方を実現できないとブランドを立ち上げる意味がないと思って。なので「これさえあれば大丈夫」と思える4型だけを作り、組み合わせ次第で何通りものコーディネートができるように設計しています。──各アイテムにはどのようなこだわりを込めていますか？　どのアイテムにも共通しているのは、「日常着だけれど、高揚感を与えられること」です。家で洗えて、気負わず着られる機能性はもちろんですが、それだけでは終わらせたくなかった。スタイリストとして多くの女性を見てきて、結局一番印象を左右するのは顔まわりやシルエットだと感じてきたので、どのアイテムも着た瞬間に「なんだか素敵に見える」と思えるバランスを徹底的に追求しました。　例えばジャケットは、夏でも軽やかに着られるボイル組織を使いながら、肩パッドや鎖骨を美しく見せる深めのVネックでシャープな印象に仕上げました。ブラウスは襟を取り外せる2way仕様にすることで、一枚でブラウスとしても、ミニマルなTシャツとしても着用できます。体型の変化に悩む女性も多いので、体のラインを拾いすぎず、インでもアウトでもきれいに決まるシルエットがポイントです。　パンツは取り外し可能なサスペンダーを付けることで、いつものTシャツに合わせるだけでも少しモードな雰囲気になるように設計。トップスをインしたときにもきれいに見えるように細部まで調整しました。セットアップも、デッドストックのペイズリー生地に洗い加工を施して、きれいすぎず日常に馴染む表情に仕上げています。キャミソールとスカートはそれぞれ単品でも使えるので、着回しの幅も広がるアイテムです。──ファーストコレクションの価格は1〜2万円台。ここにもこだわりを感じます。　業界へのアンチテーゼというと少し大袈裟ですが、「いい服＝高い服」という価値観には以前から違和感がありました。だからこそ、現実的に多くの方が無理なく手に取れる価格で、本当にいいものを届けたいと思って。価格を抑えるために品質を妥協するのではなく、適正な価格で納得できる、無理のない1着であることにこだわっています。「無理なく」というのは、経済的な意味だけではありません。「このブランドを着ていればこう見られる」という世間の価値観ではなく、「私はこれが好きだから着る」と、自分の意思で能動的に選び取れるポイントがいくつもある。そんなクローゼットの中にあるだけではなく、暮らしの中でちゃんと活躍する服であることも意識しています。 ──同じ価格帯のブランドも多い中で、メルト モード スタジオの強みはどこにあると考えていますか？　他ブランドさんとの一番の違いはやはり「スタイリストが作った服」であることだと思っています。私はこれまで、「服はたくさんあるのに着る服がない」「何を買えばいいかわからない」「年齢や体型の変化で似合う服がわからなくなった」といった、一般女性のリアルな悩みに長年向き合ってきました。その中で見えてきた"本当に必要とされる服"の要素を吸い上げて、ダイレクトに服づくりに落とし込んでいることがメルト モード スタジオならではの強みです。大切なのは“自分らしいおしゃれ”を取り戻すクローゼット習慣──「クローゼットを開けても着たい服がない状態」、私もよく陥ってしまいます。この現象はなぜ起きてしまうのでしょう？　私は、クローゼットの中が「ノイズ」であふれてしまっているからだと思っています。他人の目線を気にして買った服や、「誰かにどう見られるか」を基準に選んだ服が増えると、本当に着たい服を自分で選び取れなくなってしまうんです。背景には、SNSや広告によって常に物欲が刺激される今の時代の環境があると思っていて。次々と新しいものに触れる中で、自分が本当に好きなものよりも、「これを選んでおけば大丈夫」と無難なものを選んでしまいがちになってしまうんです。さらに30代、40代になると、仕事や子育て、学校行事などライフステージが変化し、「好きだから着る服」よりも、「この場にはこの服が必要」という選び方が増えていきます。出産による体型の変化も重なり、「何を着ればいいかわからない」という相談は、スタイリストとして本当に数え切れないほど受けてきました。──“ノイズ”を消すにはどうすれば良いのでしょう？　ブランドや価格だけで服を選ぶのではなく、自分にとって本当に必要か、自分らしくいられるかという視点で一度クローゼットの中身を見直してみることをおすすめしています。　私自身も、毎月新月の日にクローゼットを開けて、「この服は今の自分に必要だろうか」と一着ずつ向き合う時間をつくっています。絶対に手放せないと思っていた服でも、時間が経つと「もう役目を終えたかもしれない」と感じることがあるんです。そうやって自分にとって本当に必要なものだけを残していくと、クローゼットだけでなく心にも余白が生まれます。その余白があるからこそ、新しい出会いや今の自分らしいおしゃれを素直に楽しめるようになるんです。──小山田さんが買い物をするときに意識していることはありますか？　ベーシックな服を軸にしながら、心が動いた旬のアイテムを少しだけ取り入れるようにしています。必要だから買う、ではなく、「今の自分が本当に着たい」と思えるものを選ぶ。その積み重ねが、長く心地よく付き合えるワードローブ作りにつながるのではないでしょうか。　ただ、クローゼットをすっきりとさせることを意識するあまり、「本当に必要なものだけを買わなきゃ」と自分を縛りすぎる必要はないと思っています。街を歩いていて「かわいい！」と心が動く服に出会えたら、そのときめきは大切にしてほしいんです。大人になるほど、そういう純粋な出会いって意外と少なくなりますから。私自身も、何時間お店を見ても何も買わずに帰る日もあれば、「今日はこれも欲しい、あれも欲しい」と心が動く日もあります。そんな波があるのも自然なこと。大切なのは、情報や焦りに流されて買うのではなく、自分の気持ちで選べているかどうかだと思っています。──夏はシンプルな服装に落ち着いてしまいがちです。物足りない時におすすめのスタイリング術を教えてください。　夏服はシンプルなデザインのものが多い分、ジュエリーやバッグ、靴など、小物使いはすごく大事になってきます。例えば、Tシャツにデニムのようなシンプルな組み合わせなら、アクセサリーは少し存在感のあるものを選んだり、バッグや靴に異素材を取り入れたりすると、一気に奥行きが出ます。逆に、アクセサリーを重ねる日はバッグや靴をシンプルにするなど、どこか一つを主役にするとバランスよくまとまります。　あとは、服だけで完成させようとするのではなく、ヘアやメイクもコーディネートの一部として考えてほしいですね。リップの色を少し変えてみたり、髪を軽くまとめて首元に抜け感をつくったりするだけでも印象は変わります。夏は洋服で重ね着ができない分、ヘアやメイクまで含めてスタイリングする意識を持つと、簡単にこなれ感を生み出せます。──ちなみに、小山田さんが夏に向けて気になっている旬なアイテムはありますか？　牛柄のアイテムがちょっと気になっています。もともとレオパード柄が好きなんですが、今年は牛柄が新鮮に映っていて。あとは夏らしいラフィアやかごバッグも探しているんですけど、まだ「これだ！」と思えるものには出会えていないので、じっくり探しているところです。「自分らしさ」と「社会性」の交差点を目指して──今回服をスタイリングする側から作る側になったことで、新しく見えてきた視点はありますか？　スタイリストの仕事では、その瞬間、その人を素敵に見せることを意識してきました。でも服を作るようになってからは、一着の服をもっと長い時間軸で見るようになって。例えば、お客様はこの服をどんな日に着るんだろう、何度くらい袖を通すんだろう、洗濯を重ねてもまた手に取りたくなるだろうか、といったことまで考えるようになったんです。　実際にお客様から「気づいたら毎週着ています」「旅行にも持って行きました」といった声をいただくと、服の価値って見た目だけじゃないんだなと改めて実感します。服はクローゼットの中で素敵に見えることではなく、暮らしの中でちゃんと役に立って初めて意味がある。服づくりを始めてから、そんなふうに服を見る目そのものが変わった気がします。──今後も少ない型数での展開になるのでしょうか。　そうですね。たくさんの商品を次々に出すというより、「必要なときに、本当に必要なものを届ける」という考え方で続けていきたいと思っています。例えば、秋になれば長袖のブラウス、寒くなればコートというように、季節や暮らしに合わせて少しずつ提案していくイメージです。従来のアパレルのように何十型も展開するのではなく、本当に必要とされるものを丁寧に作りたいんです。　今はお客様から「小学校受験で着られるようなアイテムが欲しい」という声をたくさんいただいて、ネイビーのアイテムも企画しているところです。SNSを通じて直接ご要望を聞ける時代だからこそ、一方的に作るのではなく、お客様の暮らしや困りごとに寄り添いながら、一緒にブランドを育てていけたらと思っています。 ──最後に、今後の展望を教えてください。　目指しているのは、お客様と一緒に育っていけるブランドです。規模とかビジネス的なことを考えるのはすごく苦手なので、売り上げの数字みたいなことはあまり深く考えないようにしています（笑）。できる限り直接お会いしてお話ししたり、SNSで声を聞いたりしながら、対話のできる距離感を大切にしていきたいんです。その先に大きな広がりがあるならもちろんうれしいですが、まずは自分の手の届く範囲を大切にしたいと思っています。社会の中で生きている以上、自分の好きだけでは成り立たない場面もありますよね。だからこそ、自分らしさと社会性、その両方を心地よく行き来できるような服を届け続けたいです。　日本のスタイリストが持つ着こなしの技術や引き出しは、世界にも通用するものだと思うんです。このブランドを通して、日本ならではのスタイリングの考え方や、少ない服でもおしゃれを楽しむという価値観を、海外の女性たちにも届けていきたいですね。

MELT MODE STUDIO

Fashion

スタイリスト小山田早織が新ブランドで提案する、「服はあるのに着たい服がない」現象からの脱出術

Technology

キーワードは「テクノロジーと人間以外」　川崎和也が描く、持続可能なファッションの未来

日本のモノづくりを世界へ、ルミネの強みは“編集力”⎯⎯パリに出店しようと思ったきっかけを教えてください。　一番のきっかけは、フランスをはじめとする海外の方々と対話を重ねる中で、日本のものづくりの価値を再認識したことです。日本の技術や精神性にはプライスレスな価値がありますが、昨今後継者不足などでその伝統が失われつつあり、非常に由々しき事態だと危機感を持っていました。そんな中、現地の方々から「この素晴らしい文化を未来へ受け継いでいくべきだ」という熱い声を聞いたんです。　ただ、どれほど優れた伝統であっても、そのままの形では「重要文化財」のように飾られるだけで、実際の暮らしには溶け込めません。だからこそ、私たちが現代のライフスタイルに合わせて翻訳し、キュレーションし、デザインをアップデートして届ける必要がある。世界中で必要とされるプロダクトへと生まれ変わらせ、日本のものづくりを次世代へつなぐため、パリへの出店を決めました。⎯⎯展開ブランドは「エイトン（ATON）」「シュタイン（ssstein）」「ウカ（uka）」など。国内のルミネで取り扱いのないブランドがほとんどです。　パリのマーケットで通用するポテンシャルがあり、ルミネが大事にする精神性、いわゆる「ジャパンクオリティ」を持っているブランドであること。そして、今の時代に着られるもの、使えるものとしてアウトプットしていること。こうした基準で、グローバルパートナーのアンドレアス（ドイツ・ベルリンのセレクトショップ「ANDREAS MURKUDIS」のオーナーであるアンドレアス・ムルクディス）と一緒に全国を飛び回って買い付けました。　今回は「我々が責任を持って販売するから、一緒に挑戦してみよう」というメッセージを込め、ファッション、クラフト、本といったライフスタイルカテゴリー全般を横断してピックアップし、全ての商品を買い取って販売しています。資金力や物流、関税などの課題を抱える事業者の方々の背中を押したかったんです。30ものブランドが手を取り合って「日本のセンス」として発信するのは、これまでにない取り組みだと思っています。⎯⎯国内で培ってきたルミネの強みはどこにあると考えていますか？　ルミネには、売り場をニーズに合わせて編集する力があり、それが東京の10〜40代から圧倒的な支持を得ていますが、これは常に時代の半歩先、一歩先を提案し続けてきた証明です。このノウハウは世界でも通用するはず。パリではパリのやり方で、現地で受け入れられるものをきちんと編集して発信する。それが「tokyo sense」のミッションです。想定の3倍の人が来店、掴んだ確かな手応え⎯⎯現地での手応えはいかがですか？　初日は100人ほどの来場を想定していましたが、蓋を開けてみると300人近くの方がいらっしゃいました。売り上げも想定を大きく上回って進捗しています。目の肥えた現地の方々から高く評価され、しかも「なぜこんなに良いものが安いのか」とたくさん買ってくださる。今回は初めてということでテストマーケティング的な側面もありましたが、反応を見る限り、もう少し価格を上げてもいいかもしれません。⎯⎯今後の出店については。　明確な時期は決まっていませんが、パリファッションウィークの時期に合わせて定期的に出店する予定です。ファッションウィークの期間は、世界中からデザイナー、ジャーナリスト、クリエイターといった目の肥えたプロが集まります。日本のクリエイションを世界に評価してもらうためには、まずはそういった方々の目に止まることが重要。この時期がベストタイミングだと考えています。⎯⎯常設店の構想はありますか？　　いずれは実現させたいですね。そのときは、審美眼のある方が多く、世界中から人が集まるフランスは候補地の筆頭になります。名だたる名門ブランドを生み出してきたフランスで認められたものは世界で認められるという流れがあるうえに、歴史と文化が全く違うからこそ、フランスの方は日本の伝統の魅力を深く理解してくれています。日本のプロダクトを販売するのにこれ以上のマーケットはないでしょうね。　日本のモノづくりがビジネスとして成功するためには、国内マーケットだけでは不十分です。世界の市場で通用すると証明することが、結果的に日本の未来につながります。現に今回の反響を受けて、作り手の方も「こんなに評価されるんだ。高くても売れるんですね」と自信をつけています。これが続いていけば、若い人たちの中にもこうした道を志す人が必ず現れる。私は、日本の良いものが世界に通用することを証明したい。そして、真面目にものづくりをしている人たちの未来を創り、日本を元気にしたい。この挑戦はその第一歩です。

「ジャパンクオリティ」を次世代へ、ルミネがパリ初進出　社長に聞く手応え

■松崎善則（まつざき よしのり）／ユナイテッドアローズ社長執行役員CEO1974年2月22日生まれ。埼玉県出身。1998年4月にユナイテッドアローズに入社。ユナイテッドアローズ渋谷店からキャリアをスタートし、販売職や店長職、ビューティー＆ユース ユナイテッドアローズ本部長などを経て、2018年4月に上席執行役員に昇格し、同年6月に常務執行役員に着任。ユナイテッドアローズやビューティー＆ユースなどの複数の主力事業の統括責任者としてグループの成長に貢献した。2020年11月に副社長執行役員に就任。2021年4月から現職。前中計は次世代獲得に手応えも「総じて80点」⎯⎯まず、前中期経営計画の手応えについてお聞かせください。松崎社長の中で採点するなら、100点満点中何点ですか？　難しいですね（笑）。実績としてはおおむね計画通りに進み、中期を終えましたので100点です。ただ、取り組みの中身としては、次世代をターゲットにした施策もスタートし手応えはあるものの、まだ大きな成果にはなっておらず課題を残しています。そういう点でいうと、総じて80点ぐらいかなと。これから本格的に着手する異業種・非アパレル領域に関しても、前中計ではM＆Aについて織り込んでいなかったところもありますが、今中計の前にスタート前段としてもう少し準備をしておきたかったですね。とはいえ、ここは今後の伸びしろかなと思っています。⎯⎯次世代をターゲットにした施策では「アティセッション（ATTISESSION）」や「ナイスウェザー（NICE WEATHER）」「オソイ（OSOI）」といった新規ブランドを導入するなど積極姿勢だった印象ですが、どういった部分に課題感を感じているのでしょうか。　実績として、20代のお客さまの獲得に一定部分でつながったところがあるので、その点は評価しています。しかし、当社の次世代を捉えきれたと言える状態ではありません。出店店舗数もそうですし、もっと存在感のある広告宣伝も必要なので、ここは継続して課題感を持ってやっていくことだと思っています。標榜したいのは「唯一無二」　LVMHのような高付加価値グループへ■新中期経営計画 2026-2028の概要 　同社は前中期経営計画立案時からの内部環境および外部環境の変化を踏まえ、2023年5月に公表した「長期ヴィジョン2032」で掲げた売り上げ目標を、2026年5月に3000億円（前回発表から500億円増）、営業利益目標を300億円（同50億円増）に上方修正（営業利益率は10.0％で据え置き）。新中計はそのマイルストーンと位置付け、成長余地の高い中高価格帯マーケットに経営資源の集中を図るとともに、M&Aを含む非アパレル市場の取り込みを視野に、ホールディングス体制に移行する。 
定量目標

  ---   | 【新中計（2029年3月期）】 | 【長期ヴィジョン（2033年3月期）】
----------------- | ------------- | -----------------
【連結売上高】 | 1850億～1950億円 | 3000億円
【連結営業利益】 | 115億～125億円 | 300億円
【連結営業利益率】 | 6.1〜6.3% | 10.0%
【連結ROE（自己資本当期純利益率）】 | 14.3～15.7% | -⎯⎯2029年3月期を最終年度とした新中期経営計画では、中高価格帯マーケットに経営資源の集中を図るほか、M＆Aを含めた事業の多角化を計画しています。　これからは「日本が誇る、世界に向けた高感度・高付加価値グループになる」を目指していきます。⎯⎯それは、「脱セレクトショップ企業」を意図しているのでしょうか。　その方がキャッチーに聞こえるとは思うのですが、「脱する」というよりは「足していく」方向です。セレクトショップのみならずライフスタイルグループになるんだと。⎯⎯国内外の企業でベンチマークにされているようなところはありますか。　標榜したいのは「唯一無二」です。とはいえ素晴らしい会社はたくさんあるわけで、最たる事例でいうとLVMH（LVMH モエ ヘネシー・ルイ ヴィトン グループ）のポートフォリオはまさに高付加価値だなと思います。ただ、ラグジュアリー領域と我々の領域は、現時点で比較できるものではないので、「そこを目指します」ということではなく、あくまでもコングロマリット化の部分で意識しているところがあるということです。⎯⎯今年10月に持株会社体制に移行します。いつ頃から検討を始められたのでしょうか。　前中計が半分ほど進んだ頃ですね。従前から、会社名と事業店舗の名称が同じであることに対するジレンマが少しありました。前中計で掲げていた次世代の獲得も、これから着手する非アパレル領域の拡大も、会社として取り組むことが「ユナイテッドアローズ店舗」のイメージに直結するため、ユナイテッドアローズという単体屋号ではなかなか進めにくいという中で検討を始めました。もっとくわしく：　持株会社体制への移行に伴い、現ユナイテッドアローズの商号を10月1日付で「TABAYA ホールディングス」に変更。既存事業は今年4月に新設した分割準備会社「株式会社ユナイテッドアローズ」に承継させる。　商号に使用する「TABAYA」は、「ひとつの目的に向かって直進する矢（ARROW）を束ねた（UNITED）」を意味するユナイテッドアローズの和名に由来。昨年4月にユナイテッドアローズ 原宿本店からリニューアルし、“史上最上級のユナイテッドアローズ”をコンセプトに掲げている新店舗「タバヤ ユナイテッドアローズ（TABAYA United Arrows）」にもTABAYAの文字を採用している。⎯⎯持株会社の新しい商号は「TABAYA ホールディングス」。ユナイテッドアローズの名称に親しみがあっただけにさまざまな反響がありましたが、社内の反応はいかがでしたか。　社外では「ユナイテッドアローズがなくなる」と思われた方もいたかもしれません。しかし、社内は「ユナイテッドアローズの社名がなくなるわけじゃない」と認識していましたので、目立ったネガティブな声はなかったかなと思います。もともと「束矢」というのは社内で使われていたワードで、社内研修機関に「束矢大學」という名称を使っていたりと馴染みはありましたから、社外の方が感じる違和感よりは非常に小さいと思います。⎯⎯M＆Aではこれまでに靴磨き店「ブリフトアッシュ」運営会社のブーツブラックジャパン（BOOT BLACK JAPAN）、中島輝道による「テルマ（TELMA）」を買収。そして7月末には春髙未欧が手掛けるジュエリーブランド「ビジュードエム（Bijou de M）」を取得します。これらの共通項は？　いずれも日本の企業・ブランドというのがあります。ブリフトアッシュはシューシャインのエキスパートの会社ですが、日本人の技術や繊細さ、巧みな仕事にすごく共感しました。当社の優良顧客に対するサービス拡充というシナジーも期待できますし、海外に向けて日本の技術を提供していくという拡張性もあります。　テルマは日本の技術に注目し、金箔や漆を使うなど、産地を大事にした日本製にこだわっています。日本発で世界に向かっていくにあたって素晴らしいクリエイションをされていることに共感しました。　ビジュードエムも、日本語の「ひらがなシリーズ」に代表されるように日本ブランドとしてのプライドをお持ちですし、デザイナーの春髙さんは世界的にも著名な方です。もともとタバヤ ユナイテッドアローズ（旧原宿本店）やユナイテッドアローズ六本木ヒルズ店、麻布台ヒルズ ウィメンズストアといった、当社の中でも比較的高価格な店舗で取り扱っていましたが、グループとしてご一緒することでグローバル展開の可能性もありつつ、日本ブランドとしての拡張性を図れると考えました。⎯⎯今後ポートフォリオを拡充する上で、「日本」が軸になってくるのでしょうか。　今回、日本の企業やブランドのM＆Aがたまたま3件続きましたが、日本であることだけにこだわるわけはありません。既存のお客さまとのシナジーや、当社がサポートすることでスケールアップが図れそうかといった考察が第一です。そういった観点で捉えると、日本ブランドに限らずさまざまな企業との取り組みもあると思います。⎯⎯多角化をどんどん進められるということですが、ファッションだけではやはり限界なのでしょうか。　アパレルが限界かというと、決してそんなことはないと思います。ただ、ファッションというカテゴリーはアパレルに限りません。食べることも、音楽を聴くことも、心地よく生活するための方法はすべてファッションだと捉えています。そこに関わるものへと自然と拡張していかないと、お客さまの満足はこれ以上高められないという考えに基づいています。⎯⎯非アパレル領域で興味のある分野は？　ライフスタイルグループになると言っている以上、「食・住・美」をカバーしていくことが顧客満足につながると考えています。食の領域は非常に可能性があり提供できる価値があると思っていますが、自前だと難しいところもあるので、資本提携など様々な方法で積極的に考察したいです。⎯⎯ビューティ分野もM＆Aを視野に入れていますが、自社ですでに「ユナイテッドアローズ ビューティー（UNITED ARROWS BEAUTY）」を開発しています。　ユナイテッドアローズ ビューティーに関しては苦戦しており、見直さなくてはいけないなと思っています。“アパレル発のビューティ”となると、ファッションに振り切るべきか、それとも花王さんとのお取り組みのような消費財的な提案をするべきか、“ユナイテッドアローズではない形のビューティ”を目指すのか、今も模索しているところなので、方向性を整理して諦めずに取り組んでいきます。ビューティ・ヘルスゾーンはライフスタイルの中では欠かせない領域だと思っているので、機会を積極的にうかがっていきたいですね。海外は売上高2.3倍の70億円が目標　成功の鍵は中国市場⎯⎯海外市場の拡大も新中計の軸の一つに据えています。目標売上高は、2026年3月期から約2.3倍の70億円と、強気の設定ですね。そのうち4割強が中国の売り上げが占める見通しです。　2013年に進出した台湾はある程度、規模拡大が図れてきましたが、伸びしろで言ったらやはり2025年1月に本格進出した中国本土が非常に大きいと思っています。現在は上海、深圳、杭州に出店していますが、上海以外の1級都市ではまだ認知されていないという課題が明確になりました。まずは上海での多店舗化を図り、そこから郊外や他の1級都市へ広めていく方向に修正しています。いまはユナイテッドアローズの屋号のみを出店していますが、今後は日本国内と同様にさまざまな事業の店舗を展開していく計画です。今上海に出している1号店も“あくまで1号店”なので、より大きな旗艦店を出したいと思っています。※補足：2025年9月にグローバルECオープン⎯⎯どういった事業が出店候補に上がっているのでしょうか。　「ビューティー＆ユース（H BEAUTY＆YOUTH）」などですね。「ドゥロワー（DRAWER）」も単体出店の可能性がありそうです。⎯⎯ドゥロワーとビューティー＆ユースは現地でどの程度認知されているのでしょうか。　ドゥロワーはまだこれからですが、「エイチ ビューティー＆ユース（H BEAUTY＆YOUTH）」は認知度が高いですね。エイチの屋号を付けるのかは検討の途中です。⎯⎯現地ではオリジナル商品が支持されていると聞いています。　我々にとっては“オリジナル”ですが、中国の方にとっては“ブランド”なので、感覚の違いはありますね。セレクトをやらないわけではありませんが、現地に出店する店舗は基本的にはオリジナルがメインになってくると思います。⎯⎯台湾市場の進捗を教えてください。　「ユナイテッドアローズ グリーンレーベルリラクシング（UNITED ARROWS green label relaxing）」を中心とするミッド・トレンドマーケットを中心に拡大しています。台湾の気候は非常に暑いので、なかなかジャケットを着るような方が少なく、カジュアルにどうしても寄っているところがあります。ですが、（「ユナイテッドアローズ」「ビューティー＆ユース ユナイテッドアローズ」を中心とする）トレンドマーケットにまだ可能性がありそうだなと思っているので、現地のお客さまに合った表現をしていきたいと考えています。⎯⎯台湾現地におけるユナイテッドアローズの強みは？　服を買う際の「選択肢が少ない」というのが台湾の今のマーケット環境なので、そういう意味では我々のようなブランドは魅力的な提案に映るのではないかと思います。日本に頻繁に来られて買い物をされるファッション感度の高い方もいると聞いていますが、一方で、そうではない層に向けてどう訴求するかが今後の課題と感じています。⎯⎯その他の地域は欧米を含めて12億円を目標に掲げています。　今はタイに2店舗、シンガポールに1店舗を出店しているほか、香港でも卸やフランチャイズで展開しており、それなりの額になっています。卸は、欧米にも広げていきたいですね。⎯⎯アメリカにはこれまでにさまざまな日本企業が進出していますが、成功例が少ないのが現状です。　おっしゃる通り、アメリカはテイストや感度にフィットさせるのが課題かなと。まずは卸から拡大させていけたらと思っていますが、「アメリカに出店するのが夢」ということではなく、あくまでも世界にお客さまを広げたいという中の一つの市場として捉えています。⎯⎯国内でも引き続き出店を強化する方針で、3年間で55店舗程度の新規出店を計画しています。　出店もしますが、人口減少の中では既存店約40店舗の改装や格上げを行い、1店舗あたりのお客さま満足を高めることにも力を入れたいです。⎯⎯新中計では人的資本への投資にも力を入れます。想定人的投資額850億円は過去最大規模ですか。　3ヶ年の人件費としては過去最高額です。ベースアップも含め効率性は高まるので、人件費率自体は横ばいの設計です。⎯⎯販売職からキャリアを重ねてきた松崎社長の視点で、ユナイテッドアローズの販売職の最大の強みとは何でしょう。　願望になりますが、「接客力」が一番の強みでありたいと思っています。販売スタッフのみならず、社員みんなが「ユナイテッドアローズの強みは人なんだ、接客なんだ」と思って活動していることが、他社と違う強みかもしれません。誰が見ても「美しい」活動を⎯⎯長期ヴィジョン2032では「長期的にありたい姿」として、「美しい会社」を掲げています。どのように定義していますか。　明確な答えや定義は用意していないんですが、誰しもが美しいものを見たときに「美しいな」と思うじゃないですか。その状態を目指したいですね。誰か特定の人にとってではなく、誰が見ても美しいと感じる活動や行動をみんなでやっていこうという意思表示です。⎯⎯最後に、新体制のフェーズで社長CEOとして、今後3年間どのような気持ちを大切にしたいか改めて聞かせてください。　会社なので永続性がないとダメで、絶対に右肩下がりにしてはいけません。ただ、マネーゲームや資本競争に入るのではなく、「正しい行い、正しい商い」を通じて世の中にどう貢献していくかが一番大事だと思っています。　一方で、趣味の会社ではないので、お客さまを広げて拡張していく大きな転換期でもあります。プレッシャーはありますが、自分ひとりの活動ではなく社員みんなの活動の集合体です。皆が同じ方向に向かえるように整えるのが私の役割なので、その点についてのプレッシャーはあまりないですね。より高付加価値の方に向かって頑張っていこうと思います。

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Colbo

来日したコルボNYC創業者に聞く、オンライン時代における“人が集う場所”の可能性

肌と心をオフする、こだわりの香りとうるおい⎯⎯ まずは、MEGUMIさんがクレンジングにおいて、最も重視するポイントを教えてください。　1番は「乾燥させない」ことですね。洗い流した後に肌が突っ張ったり、乾燥してしまったりすると慌ててしまいますよね。スキンケアの時間は自分を慈しむ時間であるべきなので、ゆったりと心地よく使えることが大切です。肌が乾燥するとダメージにもつながりますから、安心して毎日使えるクレンジングが好きです。　新作クレンジングも、肌の温度と指圧に反応してオイルへと変化する処方にこだわりました。メイクや汚れをすっきりと落としながら、美容成分が肌にうるおいを届けます。⎯⎯ うるおいに加えて、新作クレンジングで特にこだわったポイントは？　香りには、かなりこだわりました。脳科学者の中野信子先生もおっしゃっていましたが、嗅覚は五感の中で唯一、脳にダイレクトに届く感覚だそうです。香りの分子が、鼻の奥にある器官に直接作用するんですね。　そこで今回採用したのも、脳をリラックスさせ、幸せホルモンとも呼ばれる「オキシトシン」の分泌を促すような香りです。グレープフルーツなど柑橘系のすっきりとした印象から、フランキンセンスやシダーウッドといった、こっくりと深みのある香りへと変化していきます。「クレンジングの時間をリラックスタイムにしたい」という私たちの願いが、科学的にも効果を期待できることは、本当に嬉しい限りです。⎯⎯ MEGUMIさんにとって、クレンジングの時間とはどのような時間ですか？　夜のスキンケアの最初のステップなので、「1日が終わった」というスイッチオフできる時間ですね。皆さんお忙しい毎日の中で、無意識に呼吸が浅くなったり止まったりしている瞬間が結構あると思うんです。でもメイクを落とす瞬間に良い香りが漂うと、自然と深呼吸をしてしまう。そのプロセスこそが、1日を終えた達成感や満足感、安心感につながるのではないでしょうか。部屋着に着替えるときのように、自分のマインドを心地よく切り替えてくれる時間ですね。美容への“ミーハー心”は欠かさない⎯⎯ ブランド誕生から2年が経ちました。この2年間で、自身の美容に関する考え方や価値観に変化はありましたか？　自分自身の「知識を増やし続けなければいけない」という責任感が、より強くなりました。こうして公の場でお伝えする機会も増えましたし、普段の現場でも、俳優仲間から「どういうものを使ったらいい？」と聞かれることが本当に増えたんです。だからこそ、責任を持って確かな情報を伝えなければいけないと感じています。　あとは、ブランドの顔として、自分自身が健康でいることの重要性を改めて実感しています。生活習慣に気を配ったり、自分の機嫌を取る工夫をしたりすることは以前から心がけていましたが、今はより一層、強い使命感を持って取り組むようになりました。⎯⎯ 新作クレンジングもユーザーの声を受けて誕生したとのことですが、そうした声を通して新たな気づきを得ることはありますか？　ブランドを運営する以上、お客さまの声に向き合い、真摯にお応えしていくのは当然の務めだと思っています。これは映画やドラマ作りにも通じることですが、お客さまという大切なコミュニティから届く反応は、何よりもかけがえのないものです。そうした声を実際の製品作りに反映させていけるのは、ブランドを立ち上げて継続してきたからこそできる。まだまだスタートしたばかりですが、これからもこのつながりを大切にしていきたいですね。⎯⎯ これまで1000を超える美容メソッドを試されてきたそうですね。今でも新しい発見はあるのでしょうか？　美容の成分や技術は日々進化しているので、毎日が発見の連続です。今回のセラムクレンジングにも、ビタミンCとペプチドを組み合わせた新成分を使用していますが、「掛け合わせることでこんな相乗効果が生まれるんだ」と開発段階でとても驚きました。美容においては、常にミーハーでいることが必要だと思っています。「今はこれがトレンドなんだ」と、著しく進化する新しい成分やアイテムを、誰よりも早く知り、試してみたい。以前よりも、新しい技術に触れたときの驚きや感動は増していますね。⎯⎯ 自身のブランド以外のアイテムも日常的に試されていると聞きました。　はい、SNSで見かけて気になったものはすぐに買いますし、口コミを参考にして手に取ることもよくあります。海外へ行くときも、現地のコスメショップのチェックは欠かせません。美容に対する「ミーハー心」は絶対に枯らしてはいけないと思っているので、ジャンルを問わずさまざまなアイテムに触れるようにしています。⎯⎯ 今、特に注目している美容トレンドはありますか？　ニードル系が気になっています。今はいろいろな種類が出ていますが、ニードルそのものが美容成分でできているような最先端の技術もあるそうです。オレリーでもいつか作りたいなと思っています。「一喜一憂しない」MEGUMI流セルフケアの極意⎯⎯ オレリーのプロデュースだけでなく、映画のプロデュースや俳優業など、多方面で活躍されています。その行動力の源を教えてください。　純粋に「興味」が尽きないんです。「あの景色を見てみたい」「海外の映画祭に行ってみたい」「このクリエイターと一緒に作品を作りたい」「この美容成分を商品化したい」といった好奇心が常に湧き出てきます。とにかく気になったら行動したくなってしまい、何もしないでいる方がかえって落ち着かない。これは小さい頃からなので、きっと変わらない性格なのでしょうね。　ただ、皆さんが同じように動くべきだとは思いません。人それぞれ強みは全く異なりますから。私はたまたま好奇心が旺盛で、「やりたい」と思ったら挑戦せずにはいられない、というだけなんです。⎯⎯ 先日のイタリアの映画祭への参加など、海外での経験は刺激になりますか？　私たちとは異なる文化的背景や価値観を持つ方々との出会いは、本当に新鮮で刺激的です。映画祭という場所には国境を越えた「共通言語」のようなものがあって、私が何者か知らなくても、純粋に「やっていることが面白そうだから一緒に組もう」と声をかけてくれる。そのフラットな関係性がとても嬉しいです。　また、現地では80代になっても現役で世界中を飛び回っているようなパワフルな女性たちにもお会いし、その生き方に強くインスパイアされました。やはり海外に身を置くと、視野が広がり、人生の選択肢が増える感覚がありますね。⎯⎯ 多忙な日々の中で心と体のバランスを崩さないために、日頃から心がけていることは？　まずは食事ですね。朝は温かいおにぎりを食べるなど、とにかく胃腸を冷やさないように。温かいハーブティーなども持ち歩いています。食べすぎは体に負担がかかって動きが重くなるので適量を意識して、日中もこまめにストレッチをして血流を促す。日常のちょっとした隙間時間でできる、自分を整えるためのアプローチは、習慣として常に実践しています。⎯⎯ マインドの安定を保つために、意識していることはありますか？　心理学の本をよく読むのですが、最近共感したのは「起きている出来事に一喜一憂するのは、その不測の事態に自分が飲み込まれてしまっているからだ」という考え方です。何か問題が生じたときは、一歩引いて「なぜこれが起きているのか」を冷静に、客観的な事実として捉えるようにしています。そうすると、この状況に至った背景や相手の目的が見えてくる。結果として、感情的にならず、最適な解決策を導き出せるようになります。　相手がなぜそのような発言をするのかに対しても、「認められたかったのかな」「寂しかったのかな」と背景を汲み取るようにすると、自分の心が波立つことが少なくなりました。　これは自分自身に対しても同じです。「つらいな」「疲れたな」と感じたときも、感情に流されず、「今はただ忙しくて体が疲れているだけだ」「認められたいと思っているんだな」と客観的に認識する。そうすれば、「じゃあ今日は早く寝よう」「ここまで頑張った自分を褒めてあげよう」と、次の具体的なセルフケアへスムーズにシフトできる。この健全な距離感を持つようになってから、感情の揺れが本当に少なくなりました。⎯⎯ 最後に、これから挑戦したいと思っていることを教えてください。　改めて「インプットのための勉強」をしたいですね。お仕事を少し整理して、映像や映画の歴史、英語、そして美容の成分について学ぶ時間をまとめて取りたいと考えています。この数年間、本当に全力で走り抜けてきたので、一度立ち止まって、自分の中に新しい知識や感性をしっかりと蓄える時間を作りたいです。MEGUMI：1981年生まれ、岡山県出身。2020年に映画「台風家族」「ひとよ」で第62回ブルーリボン賞助演女優賞を受賞。近年は映像のプロデューサーとしても活躍し、Netflix「ラヴ上等」、映画「FUJIKO」などで企画・プロデュースをしている。女性がより自信をもって輝くための美容情報も発信。2026年5月には「わたしはこれでやせました」を出版した。◾️オレリー：公式サイトphotography: Hikaru Nagumo (FASHIONSNAP)

Aurelie.

Beauty

MEGUMIが語る美と行動力の源　マイルールは「ミーハー心を枯らさないこと」

　パパスは、デザイナー 荒牧太郎が1964年に設立したウィメンズブランド「マドモアゼルノンノン（Mademoiselle NONNON）」の派生ブランドして1986年に誕生。パパスというブランド名は、「老人と海」や「誰がために鐘は鳴る」などの著作で知られるアメリカの小説家 アーネスト・ヘミングウェイ（Ernest Hemingway）の愛称「パパ・ヘミングウェイ」に由来しており、「ヘミングウェイが着たら似合いそうな服」をコンセプトに、大人の男性に向けてカジュアルウェアを提案してきた。　松浦は1965年東京生まれ。2002年に「マウンテンリサーチ（MOUNTAIN RESEARCH）」などを手掛けるデザイナー 小林節正と、東京・中目黒にブックストア「カウ ブックス（COW BOOKS）」をオープン。2006年から15年まで「暮しの手帖」で編集長を務め、2015年から17年までクックパッドのウェブメディア「くらしのきほん」を手掛けたのちに、2017年から19年まで「ユニクロ（UNIQLO）」との共同プロジェクト「LifeWear Story 100」の連載を担当した。現在は「ディーン＆デルーカ マガジン（DEAN & DELUCA MAGAZINE）」の編集長を務めている。　クリエイティブオフィサー就任以前からパパスのアイテムを愛用していたという松浦に、パパスの一番の魅力について尋ねると、「人間味が感じられる服」という答えが返ってきた。パパスは全商品を日本製とし、各地の縫製工場や職人と深く連携しながらものづくりを行っているが、そこから生まれるプロダクトについて「それぞれのアイテムのデザインはスタンダードだが、ディティールなどの細かい部分に人間味が隠されている」と表現する。　松浦は、パパスにおける自身の役割について「何かを変えるというよりも、パパスが元々持っている魅力を言語化する」ことだと説明する。40周年を機にブランドの世界観を改めて言語化し、「人生を楽しむための服」というテーマを掲げた。それは、「おしゃれをするための服というよりも、日々を心地よく楽しく過ごすための服」という考え方を凝縮したものだ。　2026年秋冬では、2つのシーズンコンセプトを設定している。1つ目の「カラーズ（COLORS）」は、原色ではなくグレイッシュなカラフルさを特徴とする大人向けの色使いを軸に据えたもので、このコンセプトのもと先行発売しているカラフルなトートバッグ（各1万3200円）は既に一部店舗で品切れし、追加生産するほどの人気商品となっている。　2つ目の「フォーグッドサンデー（FOR GOOD SUNDAY）」は、休日を存分に楽しむための服だ。ブランドの主要顧客層である50〜60代のシニア層に対し、松浦は「これまでずっと仕事に一生懸命で、普段何を着たらいいか分からない人たち対して、肩の力を抜いてどこにでも出かけられる服を作っていきたい」という方向性を示す。　松浦ならではの新しい取り組みとして、商品に松浦によるミニエッセイを記載した下げ札「パパス ヴォイス（PAPAS VOICES）」を付属する。商品説明にとどまらず、ブランドの思想や背景にあるストーリーを消費者に届けようとする試みだ。　今回のコレクションから、メンズブランド「モヒート（MOJITO）」のデザイナーである山下裕文がプロダクトディレクターに就任している。山下はパパスの全コレクションの監修に加え、一部アイテムのデザインも担当する。モヒートは、パパスと同じくアーネスト・ヘミングウェイをブランドアイコンに据えているが、山下はヘミングウェイの魅力について「ワイルドで知的なタフガイ。旅、ハンティング、酒、グルメ、恋愛、そしてノーベル文学賞受賞と、“男の夢”を全て叶えたような存在」だと語り、「ヘミングウェイから着想を得たブランドはこれまで数多くあったが、ビジネス的に大きく成功したのはパパスだけ」と、評価する。　パパスの販売チャネルは全国66店舗で、ほぼすべてが直営店だ。顧客との距離の近さを生かし、「デザインやトレンドを優先するのではなく、お客様とどれだけ深く関われるかを今後も重視したい」と、松浦は語る。パパスの服は親、子、孫と3代にわたって受け継がれて着用されているケースも多いといい、「時代を超越して着られる品質とデザインへのこだわり」を保ち続けていくことで、ブランドの持続性を支えていきたいと、今後の展望を述べた。

Papas

松浦弥太郎は40周年を迎えた「パパス」をどう変えるのか

──ファッショニスタとして知られるNICHOLASさんがファッションに興味を持ったきっかけは？　練習生時代に毎月受けていた事務所内の実力テスト「月末評価」がきっかけです。あるとき私服でパフォーマンスをする機会があったのですが、そのときに周りの練習生と比べると自分はすごくシンプルな服しか着ていないことに気付いて。同じパフォーマンスをしていても、服装によって伝わる印象やメッセージが大きく変わることを実感したんです。「服には人を表現する力があるんだ」と感じて、そこからファッションに興味を持つようになりました。それ以降は買い物をする機会も増えましたし、これを着たら、自分はどう見られるかなと意識するようになって。そうやって少しずつ、ファッションについて学んでいきました。──今ではかなりファッションへの造詣が深い印象です。どのように勉強してきたのでしょうか？　最初はSNSで調べたり、好きなアーティストや先輩方のスタイリングを参考に真似をして自分のスタイルを探していきました。でもだんだんとブランドの歴史に興味を持つようになって。ブランドやデザイナーの歴史について書かれた本を読んだりしながら、「なぜ100年以上続いているブランドがあるんだろう」と考えるようになりました。　ファッションは流行の世界なので、どんどん新しいものが出てきますよね。でもその中で何十年、何百年と愛され続けるブランドがある。その理由を知りたいと思ったんです。調べていくと、長く愛されるブランドには必ず一貫したコンセプトや哲学があって、ただ服を作っているわけではないことが分かりました。デザイナーが何を考えてその服を作ったのか、どんな価値観を世の中に伝えたかったのか。そういう背景に興味があるので、服そのものだけではなくその裏側にあるストーリーや考え方を調べるようにしています。アーティストは、長く愛されることが必要な職業です。どうしたらファンの皆さんに長く愛されることができるかの糸口を、ファッションの歴史の中から探そうとしている部分もあるかもしれません。──ファッションについて学んでいく中で、着る服に対する考え方も変わりましたか？　最初は「かっこよく見られたい」という気持ちだけで服を買っていました。でもファッションの歴史や背景について学ぶうちに、服を選ぶ基準が少しずつ変わっていったと思います。以前はトレンドや見た目を重視していたのですが、今はその服を着ることで自分が何を表現したいのかを考えるようになりました。その日の気分だったり、自分が伝えたいメッセージだったり、服は言葉を使わなくても表現できるものだと思うんです。だから今の僕にとってファッションは、自分を表現するための言語のような存在です。ファッションには正解がありません。人それぞれ違う価値観や個性を自由に表現できるところが魅力的ですし、だからこそずっと興味が尽きないんだと思います。──プロジェクト「WENO-ISM」はどのような経緯で始動しましたか？　デビューしてからずっと、いつか自分のアパレルブランドを持ちたいという夢を持っていました。ファッションについて学ぶようになってから、服を見るたびに「自分だったらどんなデザインにするだろう」と考えるようになって、いつか自分の手で何かを作ってみたいという気持ちが自然と生まれたんです。その夢については以前から会社やメンバーにも話していて、今回ご縁がつながり、ヌビアンさんとの協業という形で実現することになりました。　ヌビアンさんは、休日に必ずと言っていいほど買い物に行くお店の一つです。少し変わったデザインや一癖あるアイテムが好きなので、店内に揃うアイテムからいつも新しい刺激やインスピレーションをもらっています。&TEAMの衣装でもお世話になっていますし、ファンとして通っていたお店と一緒に、自分がずっとやりたかったことを形にできるのは本当に特別なことだと感じています。──「WENO-ISM」というプロジェクト名にはどのような意味が込められていますか？　「WENO」は、僕が大切にしている“WHY NOT？”という考え方から生まれた言葉で、韓国語で「なぜ」を意味する“WHY”と英語の“NOT”を組み合わせて作りました。そこに「主義」や「流儀」を意味する“ISM”を加えて、「新しいことへの挑戦を前向きに楽しむ」という考え方を反映しています。　“WHY NOT？”は英語で「なぜダメなの？」「やらない理由はある？」という意味の言葉です。新しいことに挑戦するとき、不安や迷いから先に「できない理由」を探してしまうこともあると思うのですが、僕は昔からこの言葉をおまじないのように心の中で唱えながら、「やりたいならやってみよう」「まずは挑戦してみよう」と一歩を踏み出してきました。今でも何か新しいことに挑戦するときは、この言葉に背中を押してもらっています。自分の活動の原動力になっている考え方だからこそ、今回のプロジェクトの核にすることを決めました。──今まで「WHY NOT？」のマインドでどのようなことに挑戦してきましたか？　本当に色々なことに挑戦してきました（笑）。子どもの頃はピアノやバイオリン、ギターをやっていましたし、テコンドーも習っていました。バドミントン選手として活動していた時期もありますし、その後はバスケットボールにも挑戦しました。もちろんアーティストを目指し始めたこともそうで、最近だとボクシングにハマっています。興味を持ったら、とりあえずやってみる。その考え方はずっと変わらないですね。 ──今回アパレルアイテムと小物の計6アイテムをデザインされました。どのようなことを意識して製作しましたか？　ブランドの歴史を学ぶ中で、「意味があるデザイン」と「意味がないデザイン」の違いを強く感じるようになりました。だから今回は、ただ見た目がかっこいいものではなく僕だからこそ生み出せるものを作りたかったんです。台湾で生まれ、親戚の影響でアメリカの文化に親しみ、韓国で練習生として過ごし、日本でデビューした僕の歩みやルーツも、デザインの大切な要素になっています。 　今回は“自由”という考えを、僕の好きな2つのカルチャーを通して表現しています。ひとつは、デニムやウエスタン、カウボーイカルチャーから着想を得た世界観。カウボーイには、自分の信じる道を進んでいくような自由さがあると思うんです。その力強さや開放感をチェックシャツとデニムのヘッドウェアに落とし込みました。もうひとつは、2000年代のロックやパンクカルチャーから影響を受けたダークな世界観です。ロックやパンクには、「こうあるべき」という既存の価値観やルールに縛られず、自分のスタイルを貫く精神がありますよね。その反骨的なエネルギーにすごく惹かれるので、そうした空気感を少し退廃的なデザインで表現しました。──特に気に入っているアイテムはありますか？　難しい質問ですね（笑）。どれも気に入っていますが、中でもヘッドウェアは特に思い入れがあります。ずっと「こんなものがあったらいいな」と考えていたデザインを形にできたアイテムなんです。　実は制作過程で一番苦労したのはデニムのヘッドウェア。ファーストサンプルがイメージとは全く違うものになってしまって、本当に焦ったのを覚えています。一時はどうなることかと思いましたが、スタッフの皆さんや友人にフィードバックをもらいながら何度も調整を重ねて、ようやく納得できる形に仕上げることができました。かなり自分の趣味全開のアイテムなのですが、だからこそ僕みたいに少し捻くれたデザインが好きな方には刺さるんじゃないかなと思っています。苦労した分、今回のコレクションの中でも特に愛着のあるアイテムですね。 ──いくつかのアイテムのディテールには&TEAMやLUNÉ（&TEAMのファンの呼称）をイメージしたデザインも隠されているそうですね。　そうなんです。今回は自分の好きなものや個性を表現するだけでなく、僕の大事な構成要素である&TEAMとLUNÉとのつながりもデザインの中に落とし込みました。このプロジェクトは僕一人で生まれたものではなくて、&TEAMとして活動してきた経験や、いつも応援してくださるLUNÉの皆さんの存在があって実現できたものだと思っています。だから、自分だけのものではなく、&TEAMらしさもどこかに入れたいと思ったんです。　例えばTシャツの3本線は、&TEAMのコンセプトでもある狼の爪痕をイメージしています。さらに横にして見ると、僕の本名の苗字「王」の字にも見えるようになっているんです。自分自身と&TEAM、その両方を表現できるモチーフにしたかったので、すごく気に入っています。ほかにも、バッグやキャップには&TEAMのロゴである「&」をさりげなく取り入れています。ファンの皆さんはこういう細かい意味や隠れたメッセージを見つけるのが好きだと思うので、ちょっとしたサプライズです。 ──もしメンバーに着てもらうなら誰に、どのアイテムを着せたいですか？　Kくんはキャップとチェックシャツ。普段も好んで着ているスタイルなので、絶対に似合うと思います。FUMAくんはデニムが好きなので、デニムのヘッドウェアに挑戦してほしいですね。実はさっきEJに宿舎でチェックシャツを着せてみたんです（笑）。すごく似合っていたので、次はデニムのヘッドウェアも合わせて着てほしいです。YUMAは普段あまりデザインの強い服を選ばないので、Tシャツが似合いそう。シンプルだけど、オシャレに決まるので気に入ってくれると思います。　JOはスタイルがいいので、正直なんでも似合いそうです。ずるいですね（笑）。HARUAにもさっき着せたのですが、黒いヘッドウェアのミステリアスな雰囲気がお気に入りみたいです。最近一緒に見ているアニメに出てくるキャラクターの魔女っぽいと言っていました（笑）。もう空港ファッションのコーディネートまで考えているらしいです。TAKIは、デニムのヘッドウェアが似合いそう。明るくてエネルギッシュな雰囲気が彼にぴったりだと思います。MAKIもTAKIと同じく、デニムのヘッドウェアが似合いそう。もともと今回のコレクションの世界観と彼の雰囲気には通じるものがあると思っていて、個人的にもすごくイメージが重なります。──今回のコレクションに合わせて個人のInstagramを開設されました。今後はどのようなことを更新していく予定ですか？　ずっと個人のInstagramをやってみたいと思っていたので、開設できて嬉しいです。今回こうしてプロジェクトを始めることができたので、まずはその発信を中心に、僕自身が好きなファッションについてもたくさん発信していきたいですね。普段の私服やコーディネート、日々インスピレーションを受けたものなども少しずつ共有できたらと思っています。ファッションが好きな方にも楽しんでもらえるようなアカウントにしていきたいです。──デビュー4年目を迎えた今、&TEAMのNICHOLASとして、そして一人の人間としての目標を教えてください。　&TEAMのNICHOLASとしては、これからもパフォーマンスを通して楽曲の世界観やメッセージをしっかり届けていきたい。歌やダンスだけではなく、その曲が持つ感情やストーリーまで伝えられる表現者になりたいです。　一人の人間としては、これからも好奇心を持っていろいろなことに挑戦し続けたいです。僕が「WHY NOT？」という言葉に背中を押されながらここまで来たように、今度は僕の姿を見た誰かの背中を押す「WHY NOT？」のような存在になりたいです。「やってみたいけど不安だな」と思ったときに、「NICHOLASも頑張っているし、自分もやってみようかな」と思ってもらえたら嬉しいですね。これからもLUNÉの皆さんと一緒に成長しながら、お互いに良い刺激を与え合える存在でいたいと思います。

「ファッションは自由な言語」　&TEAM NICHOLASが語る服づくりと“WHY NOT？”精神

デザイナーの頭の中を“言語化”して見える景色を求めて── そもそも、前回の「ファッションと文学」特集号はどのような経緯で企画されたのでしょうか？清水：我々が作っている「文學界」は、文芸誌の中でも特集に重点を置いている雑誌です。もちろん文学の特集もしますが、ジャズやアート、オカルト、AIなど、文学以外のジャンルも扱っています。どんなものでも言語化されていない領域はあると思っていて、特にファッションに携わっている方々は、ご自身のクリエイションを言葉にする機会が少ないのではないかと感じていました。あれだけ豊かなイメージを持っている方々なので、それを言語化する作業は絶対に面白くなるだろうと考えたのが、企画の始まりだったと記憶しています。── 清水さんご自身もファッションがお好きな中で、「言語化されていない」と感じることが多かったのでしょうか。清水：そうですね。展示会でデザイナーさんとお話ししたり、シーズンのステートメントを読んだりしても、短く、ふんわりとした、あまり具体的ではない言葉が多いと感じていました。ですから、その方々の頭の中に見えている景色は一体どのようなものなのだろうかと。小説家の中にも、映像として見えているものを記述することで小説を創り上げていく方が多くいらっしゃいます。それは、ファッションデザイナーも同じではないかと思ったんです。── 2021年に初のファッション特集号を出された際の反響はいかがでしたか？清水：正直なところ、文芸誌の読者からは「面白いことをやったね」といった良い反応をいただいたのですが、ファッション業界の方々にはあまり届かなかったという実感でした。服飾学生の方たちなど、普段文芸誌を読まない層に手に取ってもらえたら嬉しいと考えていたものの、そこまでの手応えはありませんでした。　作家の方々からは、「普段ファッションに興味はないけれど、読み物として面白かった」「あんな文章を書けるデザイナーがいるんだね」といった感想をいただきました。そもそも、私たちの雑誌はモノクロのざら紙で判型も小さいため、ヴィジュアルをほとんど載せられないという制約があります。そうしたハードルも、読者層を狭める一因になったのかもしれません。教科書的ではない、歪さや過剰さという“特異点”を── 第1弾の反響が予想したほどではなかった中で、今回「again」として第2弾を企画されたのはなぜですか？清水：私が一度別の編集部に異動し、デスクとして「文學界」に戻ってきたのが昨年でした。その間に浅井が編集長に就任して。前回の特集は自分たちにとって面白い試みだったという自負はありましたが、読者に届けきれなかった部分など反省点も多くありました。そこで、「もう一度やりませんか」と持ちかけたのが今回のきっかけです。浅井：前回は、朝吹真理子さんと村田沙耶香さんに「ユキ フジサワ（YUKI FUJISAWA）」の藤澤ゆきさんと一緒に服を作っていただく企画をやりました。そのときから何かグッズを作りたいとずっと考えていたのですが、予算の都合などで難しかったんです。今回はそのリベンジがしたいという思いもあり、「ストフ（STOF）」とのコラボレーションで文學界初のアパレルグッズを製作しました。清水：グッズを作ることで、私たちが一方的にファッションを取材するだけでなく、読者の方々にも参加して雑誌を楽しんでもらえるのではないかと考えました。そのあたりは前回の反省を踏まえています。── ストフとのコラボレーションはどのような経緯で実現したのでしょうか？浅井：元々、私がデザイナーの谷田浩さんと知り合いだったこともあって相談したところ、「面白いからぜひやってみよう」と言ってくださって。デザインはほぼ全てお任せし、受注生産という在庫の残らない形式で、Tシャツとキャップ、バッグ、靴下を作っていただきました。私自身がストフの服を普段から着ているというご縁もありました。── 特集に登場するデザイナーの人選も、編集部の皆さんが元々注目していた方が中心なのでしょうか？清水：直接存じ上げなくても、そのクリエイションに注目していた方が基本です。なので、専門家の方から見たら、かなり偏りのあるセレクションだと思います。── 確かに、「ペイデフェ（pays des fées）」の朝藤りむさんのような方から、アンケート企画では中堅デザイナーたちの中に服飾学校を卒業してまもない新人デザイナーが入っていたりと、人選が非常に興味深いと感じました。清水：例えば、アンケート企画「あなたにとって、ミューズとは？」への参加デザイナーはもう一人の編集部員を加えた3人で選んでいるので、それぞれの趣味性やマジョリティ志向、マイノリティ志向が反映されています。雑誌として一番つまらないのは、専門外だからといって教科書のようなバランスの取れたものを作ってしまうこと。歪（いびつ）さや過剰さといった“特異点”がないと面白くないと思っています。だからこそ、あえて偏りを強調したセレクションを意識しました。── 巻頭の朝藤りむさんと作家の小川洋子さんの対談は、どのようにして実現したのですか？清水：前回の反省として、デザイナーの方に執筆をお願いしたところ、アウトプットにかなり差が出てしまい、ご本人たちにも負担をかけてしまった部分がありました。そこで今回は、まず人選をした上で「何ならできそうですか？」とご本人に相談する形をとりました。そのお一人が朝藤さんでした。　朝藤さんにご相談したところ、一度「考えます」とおっしゃったのですが、別れて30秒後くらいに電話がかかってきて、「小川洋子さんに会いたいです。会えるなら何でもします」と。もちろん、小川さんが普段から特にファッションに興味があるわけではないので、どうしようかとは思いましたが、ご本人も「私がファッション特集に出る日が来るとは」と面白がって喜んでくださいました。実際にお会いすると、朝藤さんが本当に小川さんの作品を読み込んでいらして、作家にとっても熱心な読者と対面する機会は貴重なので、非常に盛り上がった対談になりました。1人の少年の人生を変えた、吉田圭佑のエッセイ── 文芸誌が「ファッション」を特集する上で、編集方針として重視していることを教えてください。浅井：ファッション誌との違いは、やはり作家の方々が中心になるという点です。作家の中にもファッションが好きな方は多く、何かを「作る」という点では共通部分があります。デザイナーの言葉を引き出すと同時に、ファッションというテーマを語ってもらうことで、作家の方々のこれまで語られなかった創作に関する新たな一面を引き出せたらいいなと考えています。　また、例えば対談であれば10ページといった長い紙幅を割くことができるのも、文芸誌という媒体の特徴です。ファッションというテーマを、普段私たちが使っている文芸誌のフォーマットに持ち込むこと自体が、他ではできない試みだと考えています。── ヴィジュアルが重要な要素を占めるファッションを、あえて「言葉」で表現することの意義とは？清水：これは私たちの仕事の信念ですが、ファッションに限らず、世の中のあらゆる事象は言語化する努力をすべきだと考えています。自分の言葉で考え、記述することで、世の中の暴力的なストーリーに絡め取られない「個」を確立することができる。言語化しない方が美しい場合もあるかもしれませんが、私たちの役割は、あらゆるものを言語化していくことだと理解しています。浅井：そして言語化したからこそ、そこからこぼれ落ちるものもまた見えてくる。ファッションの場合は特に、そこからまた「服」という実物に戻っていける楽しみ方があると思います。── その「言語化する」ことへの強い思いは、今回の誌面づくりや編集スタンスにどのように反映されているのでしょうか？清水：第1弾では、ヴィジュアルがないと読者に手に取ってもらえないのではないかという不安が捨てきれず、少しヴィジュアルに頼った部分がありました。それはそれで美しい企画にはなったのですが、一方でまだ踏み込めていないところがあると感じてもいて。ですから、今回は「言葉で構成するものにしたい」という思いがまずありました。　もう一つは、「ケイスケヨシダ（KEISUKEYOSHIDA）」デザイナーの吉田圭佑さんの存在です。前回、何人かのデザイナーにエッセイをお願いした中で、彼は異常な密度で、深く自身と向き合った文章を書いてくれました。そのエッセイを読んだ、不登校だった高校生の男の子が吉田さんのもとを訪ねてきたそうです。そして吉田さんは、その彼を次のシーズン（2023年秋冬）のランウェイモデルに起用しました。吉田さんが書いた言葉が、誰かの胸に届き、新たな物語が生まれた。言葉の力を目の当たりにした彼に、もう一度書いてもらいたいという強い動機があり、今回再びロングエッセイを執筆していただきました。浅井：前回の特集では、「ファッション雑誌の真似事になったら格好悪いから、文芸誌らしく作らなければ」と少し肩肘を張っていた部分があったかもしれません。今回は2回目ということもあり、もっと自由に、気楽にやってみようという気持ちで向き合いました。── 今回は作家だけでなく、魚豊さんやコナリミサトさんといった漫画家の方も登場されていますね。浅井：元々「文學界」に登場するのは作家に限りません。話すべき言葉を持っている方であれば、さまざまなジャンルの方にご登場いただいています。例えば、漫画家の魚豊さんは、FASHIONSNAPのベストバイのインタビューを拝見して、ご自身の言葉でファッションを語れる方だと感じ、デザイナーの方とお話しいただいたらどうだろうかと依頼しました。文芸誌だからという枠にこだわらず、「この特集でしかありえない組み合わせ」を意識しています。雑誌は、新たな出会いと創作が生まれる「場」── 2回のファッション特集を経て、何か新たな発見や気づきなどはありましたか？浅井：普段は作家の文章を読み、作家と会うことがほとんどです。そのため、文学以外の領域でものを考えて作っている方々の濃厚なお話を聞くこと自体が、私たち編集者にとっても刺激になりました。登場してくださった作家の方々や、文學界を読んでくださっている方にとってもそうであるといいなと思っています。雑誌というのは、普段出会わないものが出会う「場」であってほしい。今回はそれを自分たちも楽しみながら誌面にできたと感じています。清水：雑誌を作るとき、自分たちに何が還元されるかということはあまり意識しません。むしろ、登場してくださった方々に何か新しいことが起きてほしいと思っています。例えば、今回の小川さんと朝藤さんの対談をきっかけに、朝藤さんが「いずれ小川さんを巻き込んだコレクションを作りたい」と話していました。このように、登場してくださった方が新たなクリエイションのきっかけを得てくれることが、編集者として一番嬉しいことです。　実際に、吉田さんがブランドのタブロイド誌の発行を始められたり、前回執筆していただいた他のデザイナーの方々の中にも、その後のコレクションのステートメントの長さや書き方が明らかに変化した方をお見かけしたりもしました。そういったことはやはりすごく嬉しいですし、編集者冥利に尽きますね。 ── 今後、第3弾の可能性はありますか？清水：どうでしょうか（笑）。弊社は人事異動が多いので、そのときに「やりたい」というメンバーがいれば、あるかもしれません。この企画は、我々2人だからこそ実現したという側面が大きいので。── 最後に、今号に興味を持った読者に向けてメッセージをお願いします。浅井：ファッションも文学も難しく捉えられがちですが、この2つを掛け合わせることで生まれる新しい楽しみ方を見つけてもらえたら嬉しいです。誰もが毎日服を着るように、誰にとっても関係があるテーマだと思うので、新しい視点を発見するきっかけになればと思います。清水：ファッションが好きな人は、おのずとファッションのことは見ると思います。でも、面白いことは自分の専門外の領域にこそたくさんある。この特集が、文学に限らず映画でも何でも、他のジャンルへの入り口になってくれると嬉しいです。そうして刺激的なデザイナーがもっとたくさん生まれれば、私がまた新しい服を買えるという良い循環になると思います。浅井：それは文学好きや作家のみなさんにとっても同じですね。この特集をきっかけに、ファッションの世界にいる面白い作り手を知って、楽しんでほしいです。photography: Katsutoshi Morimoto (FASHIONSNAP)

なぜ文芸誌が再び“ファッション”を特集するのか？ 「文學界」編集長に聞く、言語化する意義

⎯⎯ まずは、森さんが今、大切にしていること、そしてそれに通じるSHISEIDOとフューチャーソリューション LXの魅力を教えてください。　便利で情報にあふれている現代だからこそ、人としての感性や繊細な感覚といったものが、意識しないと忘れがちになってしまいますよね。だからこそ、日々使うものから人間らしさや温かみを取り戻すことが、大切だと感じています。スキンケアは外見を整えるだけでなく、自分の内側とリンクする毎日の営みであり、自分自身を美しく整えること。これは、SHISEIDOがラグジュアリーブランドとして時代を超えて変わらず持ち続けている素晴らしい理念です。　日本の美意識をコンセプトに、サイエンスと伝統の融合を重んじるフューチャーソリューション LXは、先人たちから受け継いだバトンを次の世代へつなぐという、強い意志を感じます。茶道の道具や西陣織にインスピレーションを得た美しいパッケージも、手に取るだけで自然と所作が美しくなり、背筋が伸びるような特別な体験にしてくれますね。⎯⎯ 仕事でもプライベートでも世界中を飛び回っています。日本発のグローバルブランドであるSHISEIDOの「日本らしさ」とはどのように映っていますか？　世界中でその土地の自然や文化から多くのことを学んできましたし、また改めて実感するのは、日本が持つ自然の豊かさです。豊かな森林に囲まれ、地域ごとに異なる個性豊かな土壌があり、細やかな四季の移ろいがあります。こうした自然の繊細な表情を観察し、日常に投影してきた日本人の感性こそが、茶道や華道といった素晴らしい「道」の文化を育んできたのだと思います。自然に対する畏敬の念を持ち、その恵みを丁寧に暮らしへ取り入れる姿勢は、グローバルでも確かな魅力として輝くはずです。⎯⎯ フューチャーソリューション LX、そして新製品の「トータル Rクリーム ソフト」を使用してみていかがでしたか？　今年、南極に行った際にフューチャーソリューション LXのスキンケア一式を持っていきました。南極は特に乾燥していて、保湿がすごく大事なんです。過酷な環境でも肌をしっかりと守り抜いてくれる、最高の“バディ”でした。　トータル Rクリーム ソフトは肌にのせた瞬間にほどけるような優しい香りと、うっとりするほど心地よいテクスチャーが魅力的です。毎日肌に触れるものだからこそ、自分の五感を研ぎ澄ましながら、クリームの心地よさを肌全体で受け止めるようにしています。⎯⎯使い方で“裏技”があれば教えてください。　特にこれからの季節は、使う前に冷蔵庫で少し冷やしておくのがおすすめです。このクリームには寒天カプセルが配合されていて、ひんやりと冷やすことで、肌にのせたときの心地よさがさらに引き立ちます。夜寝る前のスキンケアはもちろん、朝のメイク前に使用するのもお気に入りです。⎯⎯ クリームは顔だけでなく首のマッサージに使えたり、洗顔を泡マスクとして使ったり、フューチャーソリューション LXは1つのアイテムを複数の用途で使える「一物多用」の精神を体現しています。森さんが日常の中で「一物多用」しているものはありますか？　日本には古くから、1枚の布でありながら包むものによって形を変える風呂敷のような、素晴らしい知恵が存在します。私も日々の生活において、固定観念を持って一つの用途に縛られることなく、クリエイティブな視点で身の回りのものや素材と接するように心がけています。　最近は自分が取り組んでいる古民家再生プロジェクトを通じて、自然の知恵の豊かさに触れる機会がより増えました。例えば、ある時は食として体を満たし、またある時は暮らしを彩る道具として形を変える植物のあり方は、まさに究極の「一物多用」だと感じます。器が割れても漆で直して長く愛用するような、日本の丁寧な手仕事や修復の精神にも、豊かな知恵が詰まっていると思います。⎯⎯ 古民家再生プロジェクトを始めたきっかけは？　私が29歳のとき、明治2年に建てられた歴史ある古民家と出合ったのがきっかけです。江戸時代の鎖国を経て、西洋の文化を取り入れながら日本が大きく変化していった時代に建てられた場所。かつて多様な人々が行き交っていた場所が持つ奥深いストーリーに心を惹かれ、再生させるプロジェクトをスタートさせました。　当時、私はモデルとしてキャリアを重ねる中で、外見的な美しさだけを追求するのではなく、自分の内面にある感性や感覚をより深く育んでいきたいと模索していた時期でもあったんです。日本の伝統建築は、室内と屋外の境界線が曖昧で、自然を排除するのではなく、自然に敬意を払いながら、調和していく先人たちの知恵が詰まっています。そうした空間に身を置き、自然の息吹を五感で体感することは、表現者としての引き出しを広げるために必要なプロセスでした。　また、フューチャーソリューション LXが掲げる“経年美化”という、時を重ねることでしか見られない美しさは、古民家での暮らしや植物の知恵から学ぶことと深くつながっています。2022年から取り組んできたこの活動の中で得た人との出会いや気づきは、すでに私にとって大きな財産です。このプロジェクトを通してめぐり合った日本の日常に息づく美意識を、一人でも多くの人に知ってもらいたいと思っています。⎯⎯ SHISEIDO グローバルアンバサダーに就任して3年、ご自身の美意識や日々のケアに変化はありましたか。　SHISEIDOは、日本の美意識をラグジュアリーな価値として世界へ発信し、長年にわたり大切に培ってきたブランドです。アンバサダー就任後はその姿勢に深く共鳴し、私自身も日本らしい季節の移ろいや、本物を追求する精神性といった素晴らしい文化を、より積極的に日々の暮らしへと取り入れるようになりました。　アンバサダーとしての活動を通じて、美しさは外見だけを作るものではなく、日々の丁寧な営みや心のあり方と深く結びついているのだと改めて実感しています。季節の移ろいや、日常の些細な変化を敏感に感じ取れるよう、常に五感を研ぎ澄ますことを意識するようになりましたね。　そのためにも、まずは自分自身の心と体の声を聞き、普段からしっかりと労わってあげるケアを心がけています。日々のスキンケアの時間は、ただ肌を整えるだけでなく、自分自身を慈しみ、内なる感性を呼び覚ますための大切な時間へと変化しました。⎯⎯ 美容を通じて、これからの自分自身に期待していることはありますか？　ビューティは、どんなときも私の心をときめかせ、人生に彩りを与えてくれるかけがえのない存在です。少し落ち込むようなことがあった日であっても、寝る前に丁寧なスキンケアのルーティンを行い、素晴らしい香りとテクスチャーに包まれることで、すっと気持ちが救われます。　「昨日の自分よりも、今日のほうがほんの少しだけ美しくなれたかもしれない」という小さくても前向きな変化の積み重ねが、確かな自信につながります。美容とは、単なる外見のケアにとどまらず、自分自身の心に豊かな栄養を与えてくれる、最も身近なセルフケアの儀式だと思います。私にとってビューティは、人生という長い旅の浮き沈みをいつでも一番近くで支えてくれる、頼もしい“バディ”。これからもスキンケアや美容の力を通じて、自分の内面をアップデートし続け、心豊かで凛とした美しい生き方を体現していきたいです。森星 | Hikari Mori1992年生まれ、東京都出身。モデルとして国内外の雑誌、広告、ファッションショーに出演。2020年に日本の伝統文化を世界へ発信するtefutefu, Inc.を立ち上げ、2022年から途上国の女子を支援する公益財団法人プラン・インターナショナル・ジャパンのアンバサダーを務めるなど、社会貢献活動にも注力。クリエイティブかつ多角的なアプローチで、自らのライフスタイルや美意識を発信し続けている。◾️SHISEIDO：オフィシャルサイト

SHISEIDO

森星がSHISEIDOと育むセルフケア　「美容は一番近くで支えてくれる、頼もしいバディ」

笑顔が一番美しい　アジアNo.1レストラン「傳」 長谷川在佑の仕事論

■八木佑樹　1993年11月5日、鳥取県生まれ。幼少期をニューヨークで過ごす。文化服装学院、アメリカのパーソンズ美術大学、ベルギーのアントワープ王立美術学院に通いファッションの基礎を学ぶ。ニューヨークのストリートブランドをはじめ、数々のメンズブランドで研鑽を積み、独立。2016年、ヘイリー・シャンポーと共に「モンマルトルニューヨーク（MONTMARTRE NEW YORK）」を立ち上げる。2024年にはアメリカ発のファッションブランド「バウルズ（vowels）」を設立。同年のパリメンズファッションウィークでコレクションを発表した。卒業証書で仕事ができるわけじゃない⎯⎯まずは、八木さんのファッションの原体験を教えてください。　「ステューシー（STÜSSY）」ですね。ニューヨークで暮らしていた子どもの頃、よく着ていたんです。当時のストリートブランドといえば、もちろん「ア ベイシング エイプ®（A BATHING APE®）」や「シュプリーム（Supreme）」も人気でしたが、子どもに手が出せる値段ではなかったんですよ。ステューシーはセールならTシャツが20ドルくらいだったので、母に買ってもらっていました。⎯⎯やはりストリートファッションがコアにあるんですね。　今振り返ると少しダサいというか、いなたいデザインなんですけどね。当時はこんなにイケている服があるのかと夢中になり、子どもながらにファッションに目覚めまして。いつかステューシーで働きたいと思うようになって、この道を志しました。その後、幼い頃に着ていたそのTシャツをデザインした方と出会い、一緒に仕事をさせてもらったり、モンマルトルニューヨークのロゴを作ってもらったりするようになって。あの原体験がそのまま今の自分に繋がっています。⎯⎯パーソンズ美術大学とアントワープ王立美術学院で学ばれていますが、この2校に通ったのはどういった経緯で？　パーソンズは、ファッションデザインをビジネスとして捉える教育を魅力的に感じたんです。売れるかどうかが重要な尺度で、職業訓練のような側面もありました。ただ、入学してすぐ「スティーブン アラン（Steven Alan）」でアシスタントを始めたので、授業などに関してはあまりよく覚えていなくて。卒業証書で仕事ができるわけじゃないですし、学校よりも社会に揉まれて学ぶことのほうが100億倍価値があったように思います。⎯⎯ただ途中でアントワープに留学したんですよね？　マルタン・マルジェラ（Martin Margiela）やドリス・ヴァン・ノッテン（Dries Van Noten）をリスペクトしているし、やはり世界一の学校だと思っていたので。コンセプトの組み立て方から始まる物作りのプロセスを丁寧に学べる、パーソンズとは真逆のスタイルが特徴で、どちらの視点も持っておくべきだと感じたんです。スティーブン アランの上司の後押しもあり、入学を決めました。⎯⎯どのような学びがありましたか？　とても厳しい環境で、毎日怒られてばかり。褒められることはめったにありませんでした。ただ、1年目の終わりに初めて褒められたことがあって。僕は絵心がなくてデザイン画が苦手だったのですが、無理にうまく描こうとせず、ラフ画を描いたんです。その絵を見た先生が「これこそあなたらしい作品だよ」と初めて認めてくれて。「大成した卒業生にも絵が下手なデザイナーはたくさんいたけど、彼らも下手なりに自分の世界観を表現していた」と話してくれました。つまり、大切なことは出来不出来ではなく、どれだけ自分の味を出せるか。自分の芯を持って、何を言われても曲げないことだと教わりました。まさに、クリエイティブディレクターの育成学校のような場所です。ただ、アントワープでの一番の収穫は仲間が出来たこと。彼らとは今も一緒に仕事もしていて、長い付き合いになっています。⎯⎯モンマルトル ニューヨーク立ち上げに至る経緯は？　まず、アントワープに留学して1年が経った頃、いつか働きたいと思っていたニューヨークのストリートブランドに学校を辞めて参加しました。実はそれ以前に、ニューヨークの中華屋でそのブランドのディレクターに偶然会ったことがあって、ファンだったので声を掛けて仲良くなっていたんです。連絡を取り合う中で「デザイナーを探している」と誘われて、学校で学ぶ自己満足のデザインではなく、商売として成り立つデザインをしたいという思いもあり、ニューヨークに戻りました。そのブランドをはじめ、ストリートファッションの世界で3本の指に入るブランドを渡り歩いて、ロサンゼルスに引っ越したりしながら10年近くアメリカで働いてきました。⎯⎯そして、ついに独立をされた。　学生時代に作ったストールが好評だったのでとりあえずインスタグラムを開設してみた、というのが始まりだったんです。2018年に、そのルックがアメリカの「ハイプビースト（HYPEBEAST）」に取り上げられて。当時はサッカーW杯の真っ只中で、サッカーマフラー風のアイテムがフィーチャーされました。その記事の反響はとても大きくて、ロンドンのセルフリッジズ（Selfridges）からオーダーが入ったりしましたね。自分たちだけでは回しきれなくなって、セールスチームに入ってもらうようになり、やっとビジネスになってきたという感じです。気づいたら独立していたという感じで、全く計画的ではありませんでした。色々な引き合いとご縁と成り行きがあって、流れに任せて今に至ります。「素っ裸の自分」を晒け出す服作り⎯⎯新作となる2026年秋冬コレクションの制作背景を教えてください。　深く考えずに、直感的にいいと思ったものを作りました。簡単なことで、それだけです。ブランドのコンセプトやシーズンテーマみたいなものは特になくて、それぞれのストールが独立したデザインになっています。グラフィックも、自分が好きな19世紀の絵画を抽象化したものや、最近ハマっている「グリとグラ」に着想を得た絵本風のカエルなど、単に好きなものや思い入れのあるものをストレートに描いているだけなんです。それぞれのモチーフに深い意図はありません。⎯⎯八木さんの個人的な記憶や感覚をデザインに落とし込んでいるということでしょうか？　今回の新作でいえば、風車は学生時代に生地の買い出しで訪れたオランダの風景、うさぎは生まれ故郷の鳥取の神話「因幡の白うさぎ」から着想を得たもので、そういった側面は確かにあります。僕が歩んできた人生、そこで得た経験や感性は二つとないもので、そうしたパーソナルな部分をデザインに取り入れることは、星の数ほどあるブランドの中で違いを生むための自然な方法ですから。ただ、そんなことはお客さんにとってはどうでもいいこと。絵を見るみたいにもっと直感的に、ただその色や柄が好きかどうかで選んでほしいです。⎯⎯デザインをする上で、これだけはしないと決めていることはありますか？　妥協です。例えば、柄の色の組み合わせを考えるとき、ああでもないこうでもないと何千通りも試します。自分はそれが苦しいとは思わないので、天職なんだと思います。好きなことで生計を立てられている分、その好きに嘘をついたら成り立たない。だから、マスに向けて手に取りやすいデザインを打ち出したり、分かりやすいコンセプトやストーリーをうたうようなことはしません。ただ自分がいいと思うものを、絵を描くようにアイテムに落とし込むだけ。モンマルトル ニューヨークは素っ裸の自分そのままなんです。好きなことを愚直に曲げずにいれば、共感してくれる人がだんだんと増えていきます。コミュニティはそうして生まれるんです。⎯⎯八木さんのどういった経験が、それほど自分を信じられる原動力になるのでしょうか？　孤独と失敗をたくさん経験しているからだと思います。日本に移住した15歳の頃から、古着屋で働いて買い付けのために海外を転々としたり、アントワープに留学した時もニューヨークに渡って仕事をもらった時も、頼れる人はいなくて自分の身一つ。人種差別にも何度もあったし、孤独でした。そのうえ、買い付けのフライトに遅刻しかけたり、コレクションのデータを誤って消去してしまったり、とんでもない失敗もしてきました。だからこそ、何とかここまで生きてこられたという自信になりましたし、自分が不完全であることを受け入れるようにもなりましたね。　パターンや縫製など服を構成する重要な要素はいくつかありますが、デザイナーに求められるのは全体のバランスを整える能力、結局はセンスです。自分が分からない専門的な部分は、知見のある職人さんをしっかり頼ればいい。そういう意味で、出来ないことは出来ないと素直に認めて、人を頼ることができないと務まらないと思います。何事においても大切なのはスキルではない。情熱と妥協しない粘り強さ、ネバーギブアップの精神。この3つがある人は、やっぱりかっこいいです。服を難しく考えすぎる日本人⎯⎯話は変わりますが、昨今はテーラードスーツを軸とするクラシックなスタイルが再びトレンドとなっています。ここ10数年支配的だったストリートファッションが下火になりつつある状況を、どう感じますか？　ストリートファッション由来のTシャツやフーディー、グラフィックを軸にしたデザインというのは、買いやすく売りやすい。その分飽和するのも早いですから、クラシックなスタイルへと大きく揺り戻すのは当然のことです。別の話ですが、景気が悪化して可処分所得が減り続けることで、ベーシックなものばかりが売れるという傾向もますます強まっています。かといって、そうした流れに自分のブランドを適合させようとは思いません。僕らが今更ベーシックやクラシックなスタイルを打ち出しても、それは二番煎じ三番煎じにしかならない。先発のブランドには完成度でも価格競争でも及ばないでしょう。誰でも簡単にブランドを始められる時代で、生き残っていくには他所と違うオリジナルであり続けることが必要。なので、トレンドに合わせることはしません。市場の99%を逃したとしても、1%のコアなファンを夢中にさせるデザインであればいいんです。⎯⎯長年海外でファッション業界に携わってきた立場から、日本のファッションをどう見ていますか？　コンセプト過剰というか、実際のプロダクトがそれに追いついていないように感じることがよくあります。同じような服ばかりが売られていて、それらを差別化するために過度に情報を付加している印象です。日本は起承転結を好むお国柄だと思います。なぜその結果に至ったのかということについて、筋の通った物語が求められる気がしていて。その結果、服も説明的になりすぎる。一方で、ニューヨークで学んだ服作りは全部バイブスなんです。例えば、あなたは今「アダム キメル（ADAM KIMMEL）」のスヌープ・ドッグ期のTシャツを着ていますが、車やヒップホップに詳しいですか？⎯⎯いえ、全くです。どちらもあまりよく知りません。　でも、そのTシャツを気に入って着ていますよね？それでいいんです、それがバイブスです。特に深い意味や文脈はないが、単にいいと思ったから選ぶということがあっていい。日本人は服を難しく考えすぎるきらいがあると思います。世界での服作りはもっとシンプルなんですよ。⎯⎯なるほど、国民病なのかもしれませんね。　今話したようなことを含め、もっと外の世界に目を向けるべきではないかと。日本はもはや、ファッションやカルチャーの中心地ではない。特にメンズファッションは、いまだに1990年代の残り物で食い繋いでいる状態だと感じるんです。僕たちはNIGO®さんや高橋盾さんに憧れて育つことができたけど、次の世代はどこに夢を見たらいいんだろうって。服飾学生が就職したいブランドランキングで1位が「ユニクロ（UNIQLO）」だったりしますよね。日本で食っていくことを考えたら真っ当な選択です。でも、ファッションデザインって安定を求める仕事になってきてしまったんだなと思うんです。　もっとチャレンジして、もっと失敗してほしい。そのためにも世界を見てほしい。坂本龍一さんはかつて「日本でCDを100万枚売るよりも、世界10ヶ国でそれぞれ10万枚ずつCDを売るほうが、作品のクオリティを落とさずに済む」と語っていましたが、僕もこれに同意します。広いマーケットを見て、セルアウトせずに自分の芯を守り続けていれば、だんだんと実績が積み上がって認知も広がっていく。大切なことは尖り続けることです。⎯⎯最後に八木さんの今後の展望について教えてください。　自分のブランドだけでなく、他所のブランドのコンサルティングやクリエイティブにも関わっているので、必要としてもらえる場所で頑張っていきたいですね。最近は3年間関わっていたプロジェクトでの契約も終えたので、新しい挑戦や出会いにもすごく興味があります。来年の秋頃のローンチを目指して、新たなプロジェクトも計画中です。僕は昔からシャツが大好きなので、シャツを軸にしたブランドを始めようと思っています。期待していただければ嬉しいです。

MONTMARTRE NEW YORK

「日本人は服を難しく考えすぎる」デザイナー八木佑樹が語るNY流“バイブス”な服作り

——昨年ローンチした「DSM Kei Ninomiya」ですが、プロジェクトが始まった経緯や、どんな目的のもとに立ち上がったブランドなのでしょう？　明確なゴールが定まっているわけではありません。スタートとしては、ドーバーストリートマーケットのインハウスブランドを作って行くという流れの中で、自分が一つのブランドを任されたと思っています。　ドーバー ストリート マーケットというプラットフォームの上で、いろいろなデザイナーやアーティスト、さまざまな感覚を持った人たちが参加できるようなプロジェクトとして捉えています。——それは川久保玲さんからのお話だったのでしょうか。　この企画のビジョンとしては川久保とエイドリアン・ジョフィがディスカッションを重ねた中から生まれたものだと認識しています。その上で、川久保から「こういうことに興味はないか」「やってみないか」という形で声をかけてもらいましたが、その時点で全体構想がどこまで決まっていたかは分かりませんし、今後ほかのブランドがどのように走るのかも未知です。——ドーバー ストリート マーケットの名前がついたプロジェクトです。二宮さんはドーバー ストリート マーケットの本質をどのように捉え、どのように服に落とし込んだのでしょうか。　一言では言い表せません。ドーバー ストリート マーケットには「Beautiful Chaos（美しい混沌）」というコンセプトがあり、ストリートからラグジュアリー、長い歴史を持つブランドからインディペンデントなブランドまで、様々なものが共存しているプラットフォームです。川久保やエイドリアンの目を通し編集された世界観があり、そうしたものづくりや商品、価値観の上に成り立っている場所だと思っています。——二宮さん自身にとってドーバー ストリート マーケットはどんな場所ですか。　コム デ ギャルソンという会社の中にもたくさんブランドがありますが、ドーバー ストリート マーケットではより多くのブランドを扱っています。国内外の有名無名問わず様々なクリエイターやブランドの商品と並ぶことで刺激を受けますし、自分自身も興味を持つきっかけになります。　インスピレーションという言葉は少し陳腐かもしれませんが、お互いに見たり感じたりすることで、新しい発見が生まれる場所です。お客様にとっても、それぞれ目的や感じ方は違うと思います。いろいろな価値観が共存しているからこそ、人によって違う面白さを発見できる、そんな場所なのではないでしょうか。——今回の「DSM Kei Ninomiya」は、ご自身の「noir kei
ninomiya」と比べると、より日常に近いデザインアプローチに見えます。意識的に変えた部分はありますか。　逆をやろうとか、あえて離れようという感覚はありません。ノワールの場合は抽象的なキーワードからコレクションの構想が始まることが多いです。そのためゴールも抽象的な表現に向かいます。　一方で「DSM Kei Ninomiya」は、ドーバー ストリート マーケットに集まるコミュニティからスタートしています。より人に近いところが起点になっているので、結果的にリアルクローズに近いアウトプットになっているのだと思います。——「DSM Kei Ninomiya」には、具体的な顧客像があるのでしょうか。　お客様そのものを見ているということではないです。むしろ、そこに集まる多様なカルチャーやバックグラウンドを見ています。そうしたカルチャーに対して新しい解釈を加えられないか。普通の服を作るだけではなく、その周辺にある意味や背景も含めてデザインすることで、新しい提案ができないかと考えています。——制作はどのように進めているのでしょうか。　「DSM Kei Ninomiya」は、海外での生産となるため、より細かいコミュニケーションが必要です。前シーズンのコレクションには、「フットボール」というキーワードがあります。ただユニフォームそのものを作るわけではなく、フーリガンカルチャーやフットボールを取り巻くカルチャー全体からアイデアを拾っています。今回は音楽からインスピレーションを得ています。パンク的な世界観の中で新しい表現ができないかと考えました。——そういったアイデアはご自身の興味から来るのでしょうか。　まだ3シーズン目ですが、自分の興味が中心です。もちろん今後はディスカッションを重ねながら進化していくと思いますが、現段階では自分が面白いと思うことからスタートしています。——今回ならではの新しい試みはありますか。　デザイン面ではメンズウェアのパターンワークです。それに加えて、グラフィックなどアーティストとのコラボレーションも行っています。*ジェイミー・リード（Jamie Reid）、ジュディ・ブレイム（Judy Blame）。シューズでは「ヴァンズ（Vans）」「ジョージコックス（GEORGE COX）」とのコラボレーション。ウェアでは「ショット（Schott）」がショーで登場した。——生産体制も普段と違うそうですね。　「DSM Kei Ninomiya」は、ドーバー ストリート マーケット パリのブランドデベロップメント部門*が主導しています。東京でデザインをして、パリのチームが生産をする形になります。時差も距離もありますし、生産のタイムラインも違います。すぐ変更がきくわけでもありません。まだ良し悪しは判断できませんが、日本とは違う面白さがあります。*これまで「イー アール エル（ERL）」や「ヴァケラ（Vaquera）」などの若手ブランドをサポートし、DSMの生産背景を提供している。「DSM Kei Ninomiya」はその部門による初の本格的なインハウスブランドとなる。——今回ピッティで発表することになった理由を教えてください。　ご招待いただいたというのが大きな理由ではあるんですが、せっかくブランドも始まったタイミングでしたし、新しいチャレンジをする良い機会だと思って参加を決めました。もう一つは、東京やパリではない場所で発表するということです。ドーバー ストリート マーケットの新しいプロジェクトを、ドーバーの店舗がない都市で発表するというのも面白い取り組みだと考えました。いつもと違う場所で発表することで新しい見え方があるのではないかと思っています。——ショーの作り方も普段とは違う？　今回はショーを行うスタッフもパリチームを中心に組んでおり、実際にヨーロッパへ行ってから最終の準備などを行いました。パリでのショー作りとはスタッフも環境も異なっていたので、苦労したところもありますが、最終的にうまくまとまったと思います。パリチームもこのブランドでショーをやるのは初めてなので、やってみないと分からない部分もありましたが、現地でやる以上、日本から人を連れて行くよりも現地の人たちとセッションした方が面白いと思っています。そこでしか生まれないものがあると思うので。——今回初めてショー形式で発表されますが、どんな期待をしていますか？　服は人が着ている姿が一番魅力的だと思っています。歩いている姿や動いている姿には写真とは違う強さがあります。そういう意味では、これまでとは違う角度でコレクションを見てもらえると思っています。——ご自身が考えるファッションにおける「新しさ」とは？　自分自身が見たことのないものを発見することでもあります。時代がどう変わっても、誰かがそういう挑戦をし続けなければ業界は前に進まないと思います。だから新しさは探し続けたいです。——一方で「変わらない価値」とは何でしょうか。　「自由さ」だと考えます。好きなものを選べること。好きな服を着られること。それは本当に幸せなことだと思います。いろいろな制約が増えていく時代ですが、作り手も着る人も自由に選択できること。それがファッションの本質的な価値だと思います。——新プロジェクトを担う立場として、社内外からのプレッシャーも大きいと思います。　プレッシャーはあります。ただ、周りにはもっと大きなプレッシャーの中で仕事をしている人たちがいます。川久保もそうですし、渡辺（淳弥）もそうです。そういう方たちを見ていると、自分はまだまだだなと思います。——先輩方から学ぶことはありますか。　ものづくりに対する真摯さです。「人生を懸けている」という言葉は大袈裟に聞こえるかもしれませんが、本当に100％ものづくりに向き合っています。川久保とは普段多く言葉を交わすわけではないですが、仕事の判断がとにかく速く、迷う時間がほとんどないというその決断力や、そのような姿勢を見ていると、自分ももっと頑張らなければと思います。——「DSM Kei Ninomiya」と「noir kei
ninomiya」の二足の草鞋を経験されてますが、今後どのように影響し合っていくと思いますか。　2つのブランドは全く違うものです。お互いに影響を与える可能性はあると思いますが、今の段階ではそれぞれ別の方向に面白く発展していけばいいと思っています。どちらかがどちらに寄るという感覚ではありません。制作スケジュール上はウィメンズとメンズがきれいに繋がったので、ずっと走り続けることになると思います。

コミュニティから服を考える　二宮啓が「DSM Kei Ninomiya」で挑む新たな表現

10周年に向け、「新章」へ──デビューから今まで、アワード受賞やパリコレ参加、グローバルブランドやマスファッションのコラボプロジェクトなどさまざまな動きがありました。外からは非常に順調に見えますが、困難に感じたことはなんでしょうか？　ほぼ毎日がチャレンジですよ（笑）。どのデザイナーにとっても、すべてのクリエイティビティが挑戦で、日々壁にぶつかっていると言えます。ただ、私たちは、ファッションクリエイティブを探究し続け、新しい意味を見つけることを「楽しいチャレンジ」だと感じています。──ファーストコレクションを発表してから、8年が経ちました。今ブランドはどのようなフェーズにあると考えていますか？　ファッション業界だけでなく世界も大きく変わりました。設立当初にやりたかったことは、自分たちのクリエイティビティをしっかりと示すことでしたが、同時に進化し続けたいという思いもあった。その過程を踏まえて、私たちは「第二フェーズ」へと向かっています。このフェーズでは顧客やオーディエンスと、ブランドが持つ価値観、体験をいかに共有できるかを模索する必要があります。　一方で、クリエイティブももちろん重要です。購入だけでなく、ロクの服を見て、感じる体験も含めたカスタマーエクスペリエンスと相互作用するような形で、よりブランドをコンセプチュアルなものへと進化させていきたいと考えています。──コミュニケーション方法も模索中。　それも挑戦の一つです。ファッション業界を取り巻く環境が変わったことの一つに、人々がどのようにファッションを楽しむかの概念も変化したと思う。私はというと、とてもクラシックな人間なので、ショーのような古典的でドラマチックな方法の力を信じています。ただ、世の中全体で見れば、特に新世代の子たちはファッションの見方や感じ方が違うのだろうなと。　だからこそ、そうした人たちにも届ける方法を探すことはチャレンジでもあり、クラシックな人間からすると少し葛藤もあります。今、新たに取り組んでいるのが、彼らと出会い、体験を提供することなんです。──2019年からパリファッションウィークの公式スケジュールに継続して参加していましたが、この2シーズンは休止していました。それも新しいフェーズに向けたものだったのでしょうか。　まさに、そのような理由からでした。ショーには瞬発的なエネルギーがあり、大きな経験になりますが、今のオーディエンスの集中力は数分、あるいはSNSで切り取られた数十秒しか続かないかもしれません。私は元々、タイムレスな衣服を届けたいと思っていて、それはじっくり、長く楽しんでもらうことなのですが、今のショーを取り巻く状況との乖離を感じたのです。自分たちに合う形で、オーディエンスと真に意味のある繋がりを見つけなければいけないと。　将来的にはまたショーを行いたいですが、クリエイティブの新章を描くような、意味のある移行にエネルギーを使いたい。それでショーを休んで、シーズンのヴィジュアルやECサイトのデザイン、ディスプレイの世界観など、よりオーディエンスに近い部分のディレクションに目を向けるようになりました。H&MやGUとのコラボがもたらしたもの──H&MやGUといったマスファッションのブランドとのコラボは、オーディエンスとの繋がり、より広いユーザーとの出会いという意味でも意義深かったのではないでしょうか。　かなり前向きな変化をもたらしてくれました。2つのプロジェクトを通じて、私たちのデザインは、これまでより遥かに大きなスケールで広がりのあるものだと知ることができましたから。今までは、特定の審美眼を持っていたり、ファッションを特別なものと考えている人たちのためにデザインしていました。それもまたブランドのあり方として正しいのだと思いますが、コラボの経験から、自分たちの可能性を大いに広げてもらったと思っています。普段のテリトリーを超えた「私たちの地図上」にはなかった国々の人々が、それを着たり、さまざまな形で自分たちのスタイルに落とし込んでいる姿を見て、たくさんの刺激を得ました。──ロクのクリエイティブにも影響しましたか。　自分たちの世界観を特定の層に向けて特化する必要はないのだという視点を与えてくれました。それはファッション性を落とすといったことではありません。そもそも持っているアイデンティティが、もっと広く受け入れられる可能性があり、だからこそ広い視野でデザインに挑戦してみたらいいんだと。　そしてデザインの幅広さは、プライスレンジの拡大にも繋がります。元々のロクらしいアーティスティックなピースは残しながら、楽しんでもらえるようなデザインと価格も考えるようになりました。ファッションを“作る喜び”──ファッション業界で二極化が進む中、独立したデザイナーズブランドが存続することは難しい時代でもあります。ロックさんがファッションを“作る喜び”はどこにありますか。　これはとても重要な問いですね。ただのひとりのファッション愛好家でオーディエンスでもある自分にとっても、ファッション業界はある意味飽和状態にあると感じています。そして私は、それほど若いデザイナーでもないので、こうした大きな流れに疲れてしまうこともあります。　それでも私が喜びと情熱を感じる源は、ただ作り続けることが好きだということに尽きます。制作で時々あまりにもコンセプチュアルになりすぎることがありますが、最終的に、私が好きなものや自分の審美眼をキュレーションするように整えていく。そのプロセスほど楽しいものはありません。そうやって私が生み出したものが知らない誰かの人生に溶け込んでいくことが、とても意義深く感じるのです。それが私にとってのファッションを通じたコミュニケーションなんだろうと思います。──ちなみに、ご自身がファッションに突き動かされた経験は覚えていますか？　私は昔、歴史的な衣服のコレクターで、それがファッションを始めた理由のひとつでした。あるとき、蚤の市のようなマーケットで古いタキシードを見つけたんです。手作業で縫製されていて、汚れや少しずれがあったりするのですが、でもその佇まいがとても美しかった。古くてもタイムレスな美しさを持った服がとてもかっこいいと思ったのを覚えています。特に、あまりファッション性が高くないような都市のガレージセールを漁ってみると、意外と面白いものが出てくるんです。──ブランドロゴの「0000-0000」は、まさに製造年を空白化したタイムレスな衣服を表すものですね。　このロゴは、ヴィンテージの服に製造年が書かれていたことを参考にしました。いつ作られたかは関係なく、いつでも、いつまでも着ていいというメッセージです。 コレクションではアイデンティティを広げるフェーズ──今回のポップアップでラインナップしている、2026年春夏コレクションはどのように作り上げましたか。　最近の制作方針は少し変わってきています。以前は、よりシネマティックなストーリーや世界観の構築に比重を置いていましたが、近年はもっとアーティザナルでクラフトを重視したものへと進化しています。いつも通り実験的なドレープや裁断、人体とファッションの試作としてのアプローチは変わりませんが、今自分が好きなさまざまなものをジャズのように、フリースタイルで組み合わせて作っていきました。それから、コンセプチュアルでありながら、着る人が自信を持ち快適さを感じるような仕立ても意識しました。──ロクらしい解体・再構築を落とし込んだアイテムの他に、ウェアラブルなカットソーやボトムスが目立ちます。　そこが重要なポイントです。ただし、元々のコンセプトが薄まるような見せ方は避けたいと思いました。構築的なシルエットでも、手触りが柔らかい素材を使ったり、一見すると着方が決まっているようなアイテムも変形して着用できたり、自分たちが持つアイデンティティの表現の幅を広げたという感じでしょうか。──エキシビション形式のポップアップはソウルで開催し、今回東京にやってきました。こうしたリアルなイベントが、ショーに代わる新しいコミュニケーションの形ということでしょうか。　現時点ではイエス、という感じでしょうか。まさに今、私たちは移行期なので、これから別の方法が見つかるかもしれません。ただ、今回のような形式は、ブランドの全体像、コンセプトを伝えながら、より多くの人が同時にハッピーになる方法の一つだと思っています。トルソーはショーピースのようなドラマティカルなルックを着せていますが、それだけではなく、日常使いしやすいジャージー素材のアイテムやスウェット、デニムアイテムもあります。また、従来よりも価格を抑えた商品も増やしました。──書籍やBGMもロクさんがディレクションしたと伺いました。　書籍は恵比寿にある大好きな書店「POST」さんに協力いただき、私が好きなものを集めていただきました。音楽も心地よいジャズで、服を選ぶ時間を映画のように演出してくれる素敵な曲を、「バング＆オルフセン（Bang & Olufsen）」のスピーカーから流しています。展示空間全体でロクの制作プロセスを伝えたかったので、アイコニックなトレンチコートはアーカイヴの型を新たな素材で再構築したものをディスプレイとして紹介し、型紙をインスタレーションのように展示しています。メゾンからディレクターのオファーが来たら？──ブランドの今後の目標や夢を聞かせてください。　ブランドが新しい意味を見つけていくという意味で、どんな個性を持ちうるか、改めて考えているところなので、それを形にするのが今の目標です。コミュニケーション面でも、方法を模索している最中ですが、「ロクのユニバース」——服だけではなく、どんな言語を持ち、どんな香り、ストーリーがあるかということを、リラックした気持ちで楽しめるような空間を作るのが夢です。単なるショップではなく、もっと芸術的で高揚感を与えられるようなものを考えています。──7年前のインタビューで「メゾンからのオファーがあれば、タイミングが合えば考えたい」とおっしゃっていました。ブランドの基盤が固まった今、同じようなオファーが来たらどうしますか？　今でもその気持ちは変わりません。ただ、やはり私が今最も集中し、責任を負うべきなのはロクなんです。スタッフだけでなく、ブランドを愛してくれる人たちに対する責任がありますから。この間にも素晴らしいオファーをいくつか断ってしまったのですが、それでも人生は一度きりですから、いつかは挑戦したいです。photography: Kazuki Ono

「ロク」が描く現在地　マスブランドとのコラボがもたらしたもの

　レノマは、メンズウェアの既成概念を覆したブランドとして知られている。創業者モーリス・レノマが提示したのは、クラシックで均質的だった当時の装いとは異なる、色や柄、素材、ジェンダーに捉われない自由なスタイルだった。　「当時のフランスのファッションは、グレーを基調としたクラシックで直線的な服が多かったのです。そこに父は、花柄や男女のミックスといった、当時としてはとても大胆な要素を持ち込みました。最初は周囲から"クレイジーだ"と言われていましたが、次第に音楽や映画業界のクールな人々が彼の服に惹かれていき、パリの若者たちが憧れるようになったのです」。　そう語るのは、モーリスの娘であり、現在ブランドのCEOを務めるステファニー・レノマだ。デヴィッド・ボウイ、ミック・ジャガー、エルトン・ジョン、セルジュ・ゲンスブール、ジェーン・バーキン、ジョン・レノン、アンディ・ウォーホル、パブロ・ピカソ、サルバドール・ダリ——。レノマの服は、時代を象徴する名だたるミュージシャンや俳優、アーティストたちに愛されてきた。　「父の周りには、映画スターやミュージシャン、アーティストが自然と集まっていました。ヘルムート・ニュートンやギイ・ブルダンのような写真家たちとも親交があり、ブランドはアートを共通言語に持つ、大きなファミリーのような存在でした」。　レノマの革新性は、シルエットや着こなしだけにとどまらない。モーリスは、服飾用ではない素材を服に持ち込んだ。カーテンやカウチなどのインテリアファブリック、軍用テントなどのテクニカルな素材などだ。父であるモーリスについて、ステファニーは「自由な精神の持ち主」と表現する。　「私にとって父は、友人のような存在でした。必要な自由をすべて与えてくれましたし、誰のことも、どんなこともジャッジしませんでした。人は皆それぞれ違う。だから境界線を設けるべきではない、ということを深く理解していた人です。その考え方が、彼の革新的なクリエイションにつながっていたのだと思います」。　ステファニー自身もまた、幼い頃からファッション、写真、アートに囲まれて育った。美術学校で美術史を学び、その後パリのエスモード（ESMOD）に進学。イタリアでは「イヴ・サンローラン（Yves Saint Laurent）」のニットウェアにも携わった。その後、日本におけるレノマのライセンスビジネスに関わり、キッズやウィメンズコレクションを担当。2000年には自身のブランド「ステファニー・レノマ（Stéphanie Renoma）」を立ち上げ、コレクションを展開。ブリジット・マクロン仏大統領夫人やフランスの著名人をクライアントに持つ。　近年はフォトグラファーとしての活動にも力を入れる。雑誌のエディトリアルやレノマのキャンペーン撮影を手掛け、ファッションデザインとは異なる角度からもブランドの世界を表現している。さまざまな分野への挑戦は、まさに父から受け継いだ自由の精神を体現している。　「人生において好奇心を持ち続けることが大切。ずっと同じことをしていると、感性を失ってしまうからです。変化にはリスクが伴いますが、人生も、生きること自体もリスクの連続ですから」。　レノマのアーカイヴには、服を超えた物語が宿る。ジョン・レノンが「イマジン」のミュージックビデオで着用したジャケットは、ロンドンのヴィクトリア＆アルバート博物館に収蔵され、ダリが愛用したジャケットは展覧会のために貸し出されるなど、現在も文化的価値を持つピースとして扱われている。　「ジミ・ヘンドリックスのジャケットや、ジム・モリソンが着るはずだったブルースカイジャケットなど、パリの地下のアトリエには膨大な数のアーカイヴがあります。これらは単なる物ではありません。まさに歴史であり、着る人の人生や愛情、感情の一部なのです。過去にはオノ・ヨーコから直接連絡がきたこともありました」。　最近では若い世代が、親や祖父から受け継いだレノマのジャケットを大切に着ている姿を見ることもあるという。　「20〜30代の人が、"家族から受け継いだレノマのジャケットを今も着ています"と言ってくれることがあります。まるで宝物のように大事そうにして。世界中の人々が、レノマのアーカイヴに宿る物語の一部を求めているのだと思います」。 　現在のレノマは、アーカイヴの復刻と新作コレクションの両軸でブランド展開をしている。年に2回のメインコレクションに加え、VIP顧客に向けた受注生産も行っている。日本では、1990年代から伊藤忠商事とパートナーシップを結んでおり、「renoma PARIS」や、スタイリストの熊谷隆志がディレクションするゴルフブランド「renoma GOLF」などが展開。いずれもブランド独自のフレンチのエスプリを効かせながら、日本の市場に合わせたコレクションを製作している。　ステファニーにとって、日本は特別なマーケットでもある。初来日は約25年前。父と共に、表参道のスパイラルホールで開催されたレノマの展覧会のために訪れた。　「その時に、"私のゴールは日本、東京だ"と感じました。日本はファッションだけでなく、ビューティやライフスタイルなど、あらゆる分野で最も興味深い国の一つです。多くのトレンドが日本からフランスに伝わってきましたし、日本人のライフスタイルには誰もが憧れています」。　ファッションや飲食、アートなどを融合させたプロジェクトにも関心を寄せている。すでに進出しているホテルビジネスでは、テルアビブでブティックホテルを運営、またブエノスアイレスでも新規開業を控え、ファッションに留まらないライフスタイルを提案している。　数多くのブランドが存在し、情報やトレンドが絶えず移り変わる現代において、レノマが提供できる価値とは。最後にそう尋ねると、同氏はこう答えた。　「レノマは、マーケティング主導の商業的なブランドとは違います。時代のアイコンに愛されてきたこそ、表面的なセレブリティマーケティングの手法にレノマにはそぐわない。ブランドを愛してくださる顧客の心の平穏であり続け、レノマを着るということは、歴史の一部を所有すること。もしあなたが、他とは違う何かを求めているのなら、そこにレノマがあります」。

レノマが受け継ぐ自由の精神　ステファニー・レノマが語る父のレガシー

 リチャード・クリスチャンセン（左）：オーストラリアで養蜂家の両親のもとに生まれる。アメリカに移住後、クリエイティブエージェンシー「Chandelier」を設立し、数多くのブランドの戦略立案やクリエイティブディレクション、キャンペーン企画を手掛ける。2020年にフラミンゴ・エステートを創業。アーロン・ハーヴェイ（右）：アメリカ・ロサンゼルス生まれ。NFTマーケットプレイスを展開するDapper Labsや「オフ-ホワイト™（OFF-WHITE™）」でディレクターを務めた経歴を持つ。フラミンゴ・エステート設立時から、ブランディング、キャンペーン、パッケージデザインを含む、全てのクリエイティブディレクションを指揮している。「私たちは、母なる自然のクリエイティブディレクター」⎯⎯ まずはフラミンゴ・エステートというブランドについて、教えてください。リチャード：フラミンゴ・エステートは、僕たちが実際に暮らしている家の名前なんだ。丘の上に建つピンク色の自宅が、フラミンゴのように見えることからそう呼んでいて、そこから名付けた。ブランドの核となるのは、この家に広がる庭と果樹園、そしてキッチン。マーケティングのための作り話ではなく、物理的に「本物の場所」があることがブランドの強みだと考えているよ。⎯⎯ ブランドを始めたきっかけは？リチャード：2020年ごろ、コロナ禍でレストランが次々と閉鎖されて、販路を一気に失ったロサンゼルスの女性農家と出会ったのがきっかけ。農場を手放す寸前まで追い詰められていた彼女の姿を見て、「助けなければ」と強く思って。私自身、子どもの頃に両親が農場を失っているので、他人事には思えなかった。　そこでアーロンが箱をデザインし、彼女の野菜を詰め合わせたボックスを販売することにしたんだ。最初は12箱ほど販売できれば十分と考えていたけど、初週に100箱、翌週には300箱、さらにその翌週には600箱と、想像をはるかに超えるペースで注文が入ったんだ。⎯⎯ 野菜からキャンドルやソープへ、それはどうして？リチャード：一般的なブランドは「キャンドルを作りたい、では何が必要か」という順序で考えるよね。僕たちは逆だった。農家の方々から「セージやラベンダーがたくさん採れたんだけど、何かつくれないか」と声をかけられるところから始まる。素材が先にあって、プロダクトが生まれる。今では125以上の農家と一緒に製品をつくっている。私たちは「マザーネイチャー（母なる自然）」のクリエイティブディレクターだと思っているよ。自然の恵みを引き出して、届ける役割だね。⎯⎯ 農家と組むことで、プロダクトの幅も変わりますよね。リチャード：農業は季節によって何が起きるか予測できないよね。だからプロダクトは常に変化しているよ。何かが花を咲かせれば「では新しいものをつくろう」となる。バニラ入りのオリーブオイル、ガーリックオリーブオイル、フェンネルのハチミツ...これほど絶えずプロダクトが生まれ続けるブランドは、なかなかないんじゃないかな。それがフラミンゴ・エステートの面白さでもあると思う。⎯⎯ キャンドルの香りも、庭への回帰がテーマになっていますね。リチャード：ブランド創業当時の市場は、甘くて可愛らしい香りのキャンドルであふれていた。僕たちがつくりたかったのは、もっと土に近いもの。庭に立ったとき、風に乗ってくるありのままの香り。トマト、セージ、ローズマリーなど庭で育てている植物の香りをそのままに、製品をつくっているんだ。アーロン：僕自身、ジャスミンもロサンゼルスを代表する香りとして、大好きな香りのひとつ。ロサンゼルスで活躍した映画監督のデヴィッド・リンチ（David Lynch）は、墓石に「Night Blooming Jasmine」という言葉を刻んでいて、ジャスミンの香りが死者を目覚めさせると信じていたほど。僕たちも香りを特定の場所や記憶と結びつけることに強く惹かれているんだ。理念は「この地球を、出合った時よりも美しく」⎯⎯ ブランドの理念や成分へのこだわりについて教えてください。リチャード：実は自宅の庭には、日本のお風呂文化に着想したバスハウスがあるんだ。そこで使用した水が庭に流れる仕組みになっているんだけど、以前使っていたボディウォッシュが原因で、大切に育てていたバラが枯れてしまって…。　そこで、「植物に使えないものを、なぜ自分の肌につけるのか？」と気づいたんだ。それ以来、この問いがすべての製品開発の出発点になっている。ボディケア、スキンケア、来年発売予定のフレグランスまで一貫して、私たちの信条は、「この地球を、出合った時よりも美しい状態にして残すべきだ」ということなんだ。⎯⎯ その他に、プロダクトをつくる際に大切にしていることはありますか？アーロン：香りが、ちゃんとその場所へ連れていってくれるかどうかだね。⎯⎯ というと？アーロン：トマトの香りを試した瞬間、庭に立っている感覚がなければいけないと思っているんだ。香りがひとつの物語として機能しているか、それを常に問い続けているよ。パッケージや細部へのこだわりも同じで、箱を開ける瞬間からフラミンゴ・エステートの世界に招かれるような体験が生まれるか、それを大切にしているんだ。リチャード：私は農家のみなさんの“物語”に惹かれる。その人の生き方や土地への向き合い方を聞いただけで、香りを試す前からその素材に恋をしてしまうことがある。だからその“物語”を、製品を通して伝えられるように意識しているよ。　僕自身は、食や味覚への関心が強く、香りの感性はアーロンのほうが鋭い。大切なのは、お互いの得意な領域を活かし、リスペクトし合うこと。それこそが、僕たちが2人でブランドを手掛けている意義だと思っているよ。⎯⎯ 2人の間で意見がぶつかることもある？アーロン：最も意見が割れるのはスピードの問題だね。リチャードはとにかく速く、たくさんのことを動かしたい。僕はひとつのことをじっくり丁寧に仕上げたい。大体僕が勝つので対立とは言えないけど（笑）、この違いがあるからこそ、量も質も両立できていると思っているよ。日本とフラミンゴ・エステートが共鳴する理由⎯⎯ 日本には何度も訪れているとか？リチャード：2人で何度も来ていて、本当に大好きな国。だから日本でフラミンゴ・エステートを販売することは、僕たちの長年の夢だったんだよ。アーロン：日本には、好きなブランドや物事のストーリーを深く掘り下げようとする文化があるよね。フラミンゴ・エステートには、プロダクトや協業する農家さんごとに多くの物語がある。きっと理解してもらえると確信しているよ。ロサンゼルスもハリウッドやディズニーに象徴される「物語の街」。物語に耳を傾けるこの国と、深いところで通じ合えると信じているんだ。⎯⎯ 最初に日本を訪れたときから、日本が変わったと思うこと、一方で変わらないと感じることはありますか？リチャード：変わらないのは、この国の人々の品格と親切さだね。初めて訪れたときから、誰もが持つ優しさと礼儀に驚かされたよ。それは今も変わっていないと思う。変わったのは、むしろ僕自身の見方かもしれないね。日本の人々がアメリカのブランドに向ける、深い好奇心と敬意に気づくようになった。アメリカでは少し雑然としているブランドも、日本では最も洗練された形で表現されている。それを目にするたびに、いつも新鮮に感じるよ。TOPICS：来日中にカメラに収められた写真たち 　2人が来日中に撮影した日本。日本人には当たり前の風景も彼ら2人には違った“景色”に見える。⎯⎯ 日本の文化から影響も受けますか？リチャード：日本のお風呂文化に深く共鳴して、毎日お風呂に入っているよ。お風呂はただ体を洗う個人的な行為ではなく、温泉などで共同体をつくる場所でもあって。その視点を知ったことで、ソープというプロダクトの持つ意味が広がったと思うよ。　もうひとつ、忘れられない気づきがあって。日本では果物を贈るとき、デリケートな皮の果物を丁寧に包んで届けるよね。今のアメリカでは、トランプ大統領の時代を反映するように、「タフであることが1番」という価値観が広がっている…。でも私は、傷つきやすさもまた、生きてきた証だと思っているんだ。輸送中に傷ついてしまった桃や梅は、販売されず廃棄されてしまうことがあるよね。でも細さや柔らかさを持つものを、私たちはもっと大切にすべきだよね。人間も同じだと思う。日本の食への向き合い方が、そのことを教えてくれたんだ。日本の農家の「小さく丁寧に」の考えに共感⎯⎯ 以前、日本の名産品を集めたコレクションボックスを販売していました。どのようにしてアイテムを見つけたのですか？リチャード：コレクションボックスは、特定の国や地域に赴き、農家の方々と直接出会い、一緒にプロダクトをつくり、そして3ヶ月間だけ販売するという取り組み。これまで日本、ハワイ、ブータン、メキシコで実施したよ。　日本では、最初に訪れた沖縄での経験が特に印象的だったんだ。世界中どこの農家でも「5000個つくりたい」と伝えると喜ばれる。ところが沖縄の農家さんは違った。「5000は無理。50個つくる。それ以上は興味がない」とはっきり言われたんだ。規模を大きくすることよりも、小さく丁寧であることを選ぶ。私たちのものづくりへの考え方を変えてくれた。「大きく派手に」ではなく「小さく誠実に」を大切にすべきだと。⎯⎯ 日本で好きな場所は？リチャード：麻布台ヒルズの地下にある「麻布台ヒルズ マーケット」。チーズやオリーブオイルとか、素晴らしいものをつくる人々が集まっていると思う。私にとって豊かさとは、「五感を最大限に働かせること」。あそこはすべてが美味しく、良い香りに満ちて、まさに理想の場所なんだ。長い歴史を持つ農産物と、現代的なパッケージやヴィジョンが交差する感覚も良い。古くからの農家と新しいやり方で協業するフラミンゴ・エステートと、どこか似ていると思う。日本に来るときは、いつも空のスーツケースを持参して、食べ物でいっぱいにして帰るんだよ（笑）。アーロン：僕は買い物が好きだから、ヴィンテージショップだね。空いた時間があると必ず行くよ。日本に来るたびに新しいショップに出合うから、行きたいショップリストが増えていく一方で…。いつか日本に住みたいくらいだね（笑）。⎯⎯ フラミンゴ・エステートに取り入れたい日本の植物はありますか？リチャード：何年も前に屋久杉のオイルを香ったことがあるんだけど、これまで体験した中で最高の香りだったんだ。落ちた枝からしかオイルを採れないから、入手が非常に難しい。あのオイルをもう一度手に入れることが夢で、ずっと探し続けているんだよ。いつかボディケアやフレグランスに使いたいね。⎯⎯ 日本の人たちに、フラミンゴ・エステートをどう届けたいですか？アーロン：フラミンゴ・エステートはパッケージのエンボス加工や箱の内側と、細部にまで強くこだわっているんだ。品質の違いは、常にディテールに宿る。それは時に、誰も気づかないような部分なんだけど。パッケージだけでなく、原材料も同じ。安価につくることはできるけど、私たちはそうしない。そういった見えないところにこそ、日本の人々は価値を見出してくれると信じているよ。リチャード：ブランドのすべてを一度に理解してもらおうとは思っていないよ。まずはオリーブオイルでも、ソープでも、キャンドルでもいい。何かひとつ好きなものを見つけてもらって、そこからゆっくりと、ブランドの魅力を探っていってほしい。100年先まで続くブランドへ、時間をかけ育てていきたい⎯⎯ グローバルでのさらなる展開は考えていますか。アーロン：今はアメリカ、オーストラリア、日本の3つの場所で十分だと思っているよ。2人の出身地と、私たちにいつもインスピレーションをくれる日本。リチャード：フラミンゴ・エステートは、100年先まで続くブランドでありたいと思っているんだ。歴史を積み上げる時間はまだまだこれから続く。今は焦らず、時間をかけて育てたい。日本は、その大切な一章なんだ。⎯⎯ 最後に、ブランドとして、そして個人としての夢を教えてください。リチャード：ブランドとしては、正しい方法でものづくりをしながら世界をより良くすることと、大きなビジネスを築くことは両立できるということを証明したいね。個人としては、私の好きな言葉でもある「熟す（ripen）」こと。歳を重ね、シワが増え、古いトマトのようになっていく。その過程を楽しみながら、すべてのものを味わい、感じ続けたいと思っているよ。アーロン：この6年間でのブランドの成長は、想像を超えるものだった。この成長を維持していきたい。個人としても、リチャードと同じように、人として成長しながら“熟していきたい”ね。

庭から生まれたソープやキャンドル　LA発「フラミンゴ・エステート」の哲学

追い求めたのはさらに自由な曲線のかたち──2020年から手掛けているバッグブランド「ノリ エノモト（nori enomoto）」とは切り離し、新たにジュエリーブランドを立ち上げた理由を教えてください。　ノリ エノモトでのバッグ作りでは、物を入れて運ぶという機能が前提にあり、その中で曲線美と実用性をどう共存させるかに焦点を当ててきました。その化学反応のようなものづくりに面白さを感じる一方で、いつしか機能を伴わない純粋な「形」そのものに向き合いたいと思うようになったんです。　さらに小さなスケールで曲線美を追求できる表現を考えたとき、行き着いたのがジュエリーでした。曲線だけにこだわったものづくりをするなら、それはバッグブランドのカテゴリー拡張ではなく、別の思想を持つブランドとして立ち上げるべきではないかと。そこで「実験的な膨らみと美しい曲線の追求」を掲げたブランド「ガルブ」をスタートしました。 ──そもそも強い「曲線」への関心はどのように生まれたのでしょうか。　原点は服作りを学んでいた文化服装学院での学生時代にあります。学校では、制作中に曲がってしまったまち針をそのまま捨てるのではなく、針供養のための回収箱に集める決まりがあったんです。私は提出用のまち針をガムテープに貼ってミシンにベタッと貼り付けていたのですが、その曲がった針の集合体が不思議と美しく見えて。本来であれば役目を終えた道具であり、捨てられるはずだったものの中に偶然生まれる曲線。その美しさとの出会いが、今の自分の造形感覚の出発点になっています。──ガルブはローンチまでに約2年の準備期間があったそうですね。　そうなんです。私はもともと服作りを学んできたので、ジュエリーの専門知識があったわけではありません。素材ごとの性質や耐久性、長く身につけてもらうための構造など、一から学びながら形にしていきました。自分が作りたい曲線を成立させるために、どの素材が適しているのかを探る時間が必要だったんです。──バッグからジュエリーへ。キャンパスのサイズが大きく変わることで、制作にも違いはありましたか？　バッグではミリ単位で調整していたものが、ジュエリーになると0.2ミリ単位の世界になったのが一番大きな変化です。ほとんどの人には気付かれないような差ですが、そのわずかな違いが造形の印象を大きく左右するんです。0.2ミリ削るか、0.2ミリ足すか。その違いを延々と検証しながら形を作り上げていく作業は、正直かなり狂気的だと思います（笑）。でも、そうやって細部を突き詰めていけるところに、ジュエリー作りの面白さを感じています。 ファインジュエリーの世界への扉を若い世代に開きたい──ローンチから半年ほどが経ちました。ガルブとノリ エノモトでは、顧客層に違いはありますか？　少し違いますね。ノリ エノモトは年齢層が幅広い一方、ガルブは現在30歳前後のお客様が中心になっています。　また、ガルブのポップアップには「ノリ エノモトを知っていたから来た」という方だけではなく、ジュエリーそのものに興味を持って来店される方も多いんです。最近は「デザイナーが榎本紀子さんなんですね」と後から知ってくださるケースも増えていて、ブランドとして少しずつ独立した広がり方をしているのを感じています。──実際に顧客と接する中で、どのような反響を感じていますか。　印象的なのは、「ジュエリーは自分とは少し遠い存在だと思っていた」という声を多くいただくことです。アクセサリーには親しみがあっても、ファインジュエリーとなると少しハードルが高く感じられるのかもしれません。だからこそガルブでは、ジュエリーを特別な日のためだけのものではなく、日常の中で楽しめるものとして提案したいと考えています。実際にポップアップでは、「初めてファインジュエリーを購入した」という方や、「ガルブのアイテムをつけるためにピアスを開けた」という方もいらっしゃいます。そうした声を聞くたびに、ジュエリーとの新しい出会いのきっかけになれていることを嬉しく感じます。　ただ同時に、もっと多くの方に素材そのものの面白さも知っていただけたらと思っています。例えばスターリングシルバーは経年変化によって表情が変わりますが、磨けば再び輝きを取り戻します。さらに金やプラチナを組み合わせることで、新たな魅力も生まれる。そうした素材との関係性を楽しみながら、自分なりの付き合い方を見つけてもらえたら嬉しいです。──素材との関係性を楽しんでほしいという思いは、異なる素材を組み合わせたデザインにも表れていますね。　そうですね。バッグでは色の組み合わせを考えることが好きだったのですが、ジュエリーを学ぶ中で、それと似た面白さを素材の組み合わせにも感じるようになりました。中でも気に入っているのが、シルバーと18金の組み合わせ。それぞれ単体でも十分に魅力的ですが、あえて一つのアイテムの中で共存させることで、お互いの色や質感が引き立つんです。シルバーが好きな方にも自然にゴールドを取り入れていただけますし、その逆もあります。素材同士の対話のような感覚があって、とても惹かれている表現の一つで、複数のコレクション内で展開しています。中でも、指輪の造形をピアスへと落とし込んだ「bague collection」の「complète solitaire pierce」（4万4000円）は特に人気が高く、ガルブらしい曲線美と素材の魅力を感じていただけるアイテムだと思います。──ガルブのジュエリーは、人生の節目や特別な記念日を彩る品として購入される方多いと伺っています。　もちろん日常的なお買い物として選んでいただくこともありますが、実際にお客様とお話ししていると、想像していた以上に人生の節目と結びついていることが多いんです。大学の卒業や就職、転職、誕生日、ボーナスが出たタイミング。誰かに贈るだけでなく、自分自身に贈るために選んでくださる方もたくさんいます。　ジュエリーは価格だけを見ると決して気軽な買い物ではありませんが、その分購入した日の気持ちや、そのときの自分の状況まで一緒に記憶してくれる存在でもあると思っています。数年後に見返したとき、「あのとき転職したんだよな」とか、「卒業祝いに選んだものだったな」と思い出せる。そういう時間の積み重ねとともに育っていくものだからこそ、流行として消費されるものではなく、その人の人生に長く寄り添うデザインをこれからも生み出していきたいです。“自分だけ"が意味を知る文字をリングに──6月4日に発売したアルファベットモチーフの新作リングコレクション「mignon alphabet collection」について教えてください。　第1弾となる今回は、「A、B、C、E、G、H、I、J、K、L、M、N、O、R、S、U、V、Y」の計18文字を発表しました。26文字すべてのデザイン構想はありますが、アルファベットごとに造形として成立させる難しさが異なるため、まずは納得できた文字からリリースしています。　アルファベットモチーフのジュエリー自体は世の中にたくさんあります。ただ、その多くは文字そのものを見せるためのデザインだと思うんです。一方で私が作りたかったのは、「自分だけが意味を知っている文字」。例えばイニシャルでもいいですし、大切な言葉でもいい。身につけている本人には意味があるけれど、他人から見たら抽象的な造形に見える。その曖昧さを表現することにこだわりました。　私はもともとパタンナーを目指して服作りを学んでいたので、平面を立体として捉える感覚が自然と身についているんです。なので今回もアルファベットも単なる文字としてではなく、「指に通したときにどんな造形になるか」という視点から考えていきました。文字をそのままジュエリーに置き換えるのではなく、一度立体として再構築し、身につけたときに美しく見える形へと翻訳しています。──翻訳する過程でのこだわりを教えてください。　重ね着けしたときに単調にならず、造形同士が会話するような状態をつくりたかったので、母音の「O」や「I」には膨らみや凹凸を加えました。子音の文字は、「E」のように文字の形をかなり残しているものから、「J」のようによく見ると文字が浮かび上がってくるようなデザインのものまで、幅広く揃えています。　リングのデザインに落とし込む作業で苦戦したのは、「L」や「V」のような直線的な文字。太さや長さ、重心の位置を細かく調整することで、文字としての認識と造形としての美しさの両方を成立させていきました。こうした微調整の積み重ねや、身につけたときの見え方を考えながら形を整えていく感覚は、バッグや服作りをしていた頃から変わらない部分かもしれません。 ──新作は価格帯が1万7600〜5万8300円と、今までのコレクションと比べ価格が抑えられています。　初めてサンプルを公開したときに、年齢や性別を問わず、多くの方が興味を示してくださったんです。ご自分のイニシャルや好きな言葉を考えながらお客様同士で会話をしている様子を見て、このシリーズは単なるイニシャルジュエリーではなく、その人らしさを表現するためのツールになり得ると感じました。　ただ、そのときに「もちろん複数個組み合わせたいけれど、そうなると価格が気になりますね」という声もいただいて。例えば「LOVE」を作るなら4つ必要ですし、もっと長い言葉ならさらに増えます。一点だけを身につけるのではなく、自分の好きな言葉やイニシャルを自由に組み合わせながら遊んでほしいので、価格が理由で選択肢を狭めてしまうのは違うと思ったんです。だからこそ今回は、複数本を組み合わせる楽しさを前提に、手に取りやすい価格設計にこだわりました。──最後に、今後の展望について教えてください。　まずは、ブランドが考えていることを国内外で継続的に発信していきたいです。私にとってジュエリーは装飾品というだけではなく、その人の記憶や節目に寄り添う存在です。今後は結婚指輪のような人生の節目に関わるアイテムにも挑戦していきたいですし、展示会やポップアップを通して、ブランドの思想そのものを伝える場も増やしていきたいと思っています。　また、いつかはガルブの世界観をより深く体験していただける空間も作れたらと考えています。ポップアップを開催するときも、単に商品を並べるのではなく、ブランドの考え方や空気感まで含めて伝えることを大切にしているので、そうした軸をぶらさずに表現できる場所があれば挑戦してみたいです。形の美しさを追求することと、その先で誰かの記憶に残るものを作ること。ガルブはこれからも、その両方を大切にしながら続けていきたいです。

galbe

バッグの次に見つけた表現　榎本紀子はなぜジュエリーブランド「ガルブ」を立ち上げたのか

KIJIMA TAKAYUKI

yoshiokubo

MIHARA YASUHIRO

50周年MIDWEST 座談会

“ダサい人がいなくてつまらない”　三原康裕、久保嘉男、木島隆幸が語る令和ファッションシーン

池田ハリス留美子（以下、池田）：こんばんは。ニューヨークは今、夜ですよね。遅い時間にありがとう！モイセス・ラミレス（以下、モイセス）：こちらこそ、今日はよろしくね。池田：早速だけど、モイセスはなぜ、メイクアップアーティストになったの？モイセス：実はメイクアップアーティストになりたいと思っていたわけじゃなかったんだよ。アリゾナのセドナでペインターとして働いていたんだけど、その職場が、M•A•Cのショップの隣でね。毎日女の子たちが、ショップに行っては素敵なメイク姿で出てくるのを見ていて、どうやってあんな色を出しているんだろうって興味津々だったんだよ。まるで自分の絵みたいだと感じていたんだ。　そしたら、僕の絵画を知っている友人たちが「メイクアップアーティストに向いていると思うよ」と言ってくれて。それで動いてみようと思ったんだ。 池田：そうだったんだ。ペインターだったことは知っているけど、そういう経緯だったんだね。モイセス：実際、メイクが職業になるとか、自分にできることだとは思っていなかったよ。ファッションはずっと好きだったけどね。でも、有名なメイクアップアーティストの存在や、実際に現場でそういった仕事をしている人がいることすら知らなかったんだ。池田：モイセスのファッションはいつもとても素敵だし、家もとってもおしゃれだよね。モイセス：ファッションは常に僕の中の一部だったけど、メイクアップはそうじゃなかった。メイクアップアーティストになろうという目標を持っていたわけではなく、ただ、そうなったということなんだよ。池田：それでその後、M•A•Cに入ったってこと？モイセス：そうだね。実は、M·A·Cに入るまでメイクをしたことは一度もなくて、採用面接でのメイク実技が、人生で初めてメイクをした瞬間だった。2006年頃だったけど、当時のM·A·Cはプロのメイクアップアーティストを採用していたから、周りからも「採用は難しいんじゃない」って言われたし、就職するのはとても難しかった。でも採用されて、フェニックスで約2年間働いた後、ニューヨークに移ったんだ。池田：そのニューヨーク時代に、我々は出会ったんだよね。モイセス：留美子は本当に元気で明るい。それが第一印象だったよ。フレンドリーでたくさんの人と話をしているイメージだったね。留美子は本当に親切で、すぐに意気投合したよね。池田：そうそう。ブルックリンで近所に住んでいたから仲良くなって。モイセスは人とは違ったメイク技術を持っていたし、なんといってもそのメイクの速さ。それがすごいって、みんなで話していたよ。その頃の思い出ってある？モイセス：M•A•Cプロで働いていた頃に、フェイスチャートを描くようになったんだけど、それがパット・マクグラスと仕事を始めるきっかけにもなったんだ。 池田：モイセスのフェイスチャートは本当に凄くて、業界内でも高く評価されているね。モイセスはいつM•A•Cプロを辞めたんだっけ？モイセス：2013年かな。退職後もM•A•Cの仕事も続けていたし、あとデジタルアートやコマーシャルアートとか。パット・マクグラスのショーもやってたね。2〜3年アシスタントを続けた後に、フリーランスとしてのキャリアをスタートさせ、人脈を広げながらエディトリアルの仕事をしていたよ。　エディトリアルは必ずしも報酬が高いわけじゃないんだけど、ECサイトやキャンペーンを通じて自分のクライアントを開拓できたので良かったかな。今もその延長線上で、アート活動を続けながら仕事をしているよ。池田：退職後のM·A·Cの仕事はどんなことをしていたの？モイセス：M·A·Cでは、たとえば中国に大型店舗がオープンした時は、ボディペインティングのデザインをすべて手掛けたよ。M·A·Cの本社でテストして、そのデザインを世界中の店舗に展開するというもの。2020年まで、M·A·Cのフェイスチャートやボディペインティング、イベントのデザインを数多くやったかな。池田：M·A·Cを内側と外側の両方から見てきた立場として、今のブランドについてどう思う？モイセス：変わったと思うよ。あるいは、僕が変わったのかもしれない。今はとても若い印象を持っているよ。　昔のキャンペーンは、シャーロット・ティルブリー（Charlotte Tilbury）やヴァル・ガーランド（Val Garland）といったアーティストが手掛けていて、制作に大きな力が注がれていたけど。でも、それは当時のメイクのスタイルによるものだったのかもしれないね。プロダクトは今も昔も本当に良いものが多いよね。今でもファンデーションなどフェイス＆ボディで、手放せないM·A·Cのプロダクトがたくさんあるよ。池田：2020年以降からM·A·Cとの関わり方に変化があった印象だけど、何が変わったの？モイセス：「セフォラ（Sephora）」やパット・マクグラスのためにデジタルでのフェイスチャートを制作するようになって。独学で習得したんだけど、もともとメイクの知識があったから、デジタルの要素とうまく組み合わせることができたと思う。デジタルフィルターやデジタルメイクの制作を始めて、今もブルックリンでメイクとアート活動を続けているんだ。池田：パット・マクグラスとの仕事はどうだったの？モイセス：メイクアップの仕事を始める前から、彼女の作品を見ていて、ずっと尊敬の念を抱いていたんだ。だから彼女のショーチームで働けたことは、僕にとって大きなチャンスだったし、彼女自身と彼女のブランドである「パット マクグラス ラボ（PAT McGRATH LABS）」のフェイスチャート作成を任せてもらえた時は、本当に感謝の気持ちだったよ。池田：これまでたくさんのバックステージに参加していると思うんだけど、1番印象に残っている経験ってある？モイセス：たくさんあるけど、特に印象深いのはメトロポリタン美術館（MET）でのパンク展かな。「メットガラ」のパンクをテーマにしていた展覧会で、ピアスをあしらったり、白塗りの顔に太い黒眉を描いたりと、ジョン・ガリアーノ（John Galliano）スタイルのクレイジーでクラシックなメイクを施したんだ。あれほどの規模のショーに携わったのは初めてだったし、普段は常に混雑しているメトロポリタン美術館に誰もいない状態でいられるのは、本当に特別な体験だったね。池田：それはすごいね！静かな美術館ってなかなか経験できないしね。モイセス：それでいうと、ホイットニー美術館（Whitney Museum）で行われた、「ヴァレンティノ（VALENTINO）」のショーも印象的だったよ。美術館全体を貸し切って、すべてが白く美しい空間だったんだ。僕自身、アートが大好きだから、誰もいない美術館にいられるというのは格別だった。　どっちのショーもメイクの量が多くて、ここのところのトレンドの「すっぴん風メイク」よりずっと面白かったな。自然で美しいメイクも高い技術が必要で、誰でもできるわけではないんだけど。でも僕は、メイクらしいメイク、思い切り描けるときが好きなんだ。池田：私も2017年9月に、MoMAで開催された「キャロリーナ ヘレラ（CAROLINA HERRERA）」の2018年SSは特に印象深いショーだったよ。MoMA初のNYFWランウェイであり、歴史的な瞬間に参加できたことは光栄だった。アートに囲まれた静かで特別な空間でのクリエイションは、今も忘れられない！SNSの普及で他者との比較に苦悩池田：これまでのキャリアの中で苦労したことは？それをどうやって乗り越えたの？モイセス：どんなアーティストも自己不信を抱えていると思うんだ。僕にとって一番つらかったのは、ここ数年のSNSと他者との比較だと思う。みんながたくさん投稿しているのを見て、「あんなにいろんな仕事をしているのに、自分は全然できていない」と思ってしまう…。インスタグラムが普及したこの新しい時代に適応するのが、一番難しかった。自分を疑い始めると、何もしたくなくなってしまう。本来は逆で、もっと創作意欲が湧くはずなのに。　だから、SNSから離れる時間を作ることが大切だと思うんだ。僕はインスタグラムのアプリを1ヶ月削除したり、投稿やシェアをするときだけ短時間使うようにしたり。SNSがメイクアップアーティストとしての活動の一部になっている今、それは簡単ではないんだけどね。池田：そうだよね。ただSNSは作品やトレンドの発信だけでなく、人と人をつなぐ大切なコミュニケーションツールでもあるから。私自身は最近、新たな挑戦としてYouTubeも始めて、現場で培った経験や知識を発信しながら、メイクを愛する人たちと共に学び、楽しめる場を作りたいと考えているよ。池田：今、仕事やプライベートで1番楽しんでいることは何？モイセス：プライベートだと、少し年を重ねてきたこともあって、家にいて庭の手入れをするのが好きになったかな。裏に庭があるんだけど、植物を植えたり世話をしたりするのが楽しい。ニューヨークに来たばかりの頃は、常に外に出てネットワーキングをしたり、ショーやアフターパーティーに行ったりしていたんだけどね。でも今は、穏やかに家で過ごすことが心地いいよ。 モイセス：仕事だと、ヘアもメイクもスタイリングも撮影もすべてがうまくいって、みんなが満足して、美しいものが生まれた、と感じられる時が1番好きかな。それが自分の仕事だということに喜びを感じながら家に帰れる、そういう瞬間が最高だよね。留美子は？池田：今、一番楽しいのは神社仏閣巡り（笑）。自然に触れ、その土地の美味しいものを味わい、家では愛猫と過ごす。そんな何気ない時間が、忙しい毎日の中で心を整え、新しいアイデアやインスピレーションの源になっているんだ。モイセスにとって、ニューヨークはどんな街？モイセス：大好きな街だよ。愛憎半ばする関係ではあるけどね（笑）。冬は寒いし、ウーバーは来ないし、吹雪の中でスーツケースを2つ抱えて立ち往生することもある。でも今みたいな季節になると、また恋に落ちてしまうんだ。　そしてエネルギーに満ちた街だと思う。ここで生き抜くことは厳しいし、みんな仕事をしに、何かを実現しにここへやってくる。僕自身、アリゾナからニューヨークに移っていなければ、今の自分はなかったと思う。ここに来て、働いて、人脈を作って、親切にして、夢を実現させる。でも時々、田舎でヤギと犬に囲まれて暮らしたいと思うこともあるけどね（笑）。アシスタントとして現場に入って学んでほしい池田：日本では、メイクアップアーティストを目指す多くの人が美容専門学校に通ってるんだけど、ペインターという異なるバックグラウンドを持つモイセスから、そういった人たちへのアドバイスはある？モイセス：僕が最も多くを学んだのは、アシスタントとしての経験からだと思う。美容専門学校に通うことも良いことだけど、学校にはたくさんのルールがあり、実際の現場や撮影、キャンペーンで活動はできないし、バックステージや撮影現場でのマナーは学校では教えてもらえない。実際にその場にいて初めて学べるもの。ビューティ業界は常に変化している。だから、学校に行くかどうかに関わらず、アシスタントとして現場に入ることに挑戦してほしい。　僕自身、ある撮影で唯一のアシスタントとして5〜6人のシニアアーティストのサポートをしたことがあるんだ。さまざまな人の仕事を見ることで、本当に多くのことを学んだよ。異なるアーティストのアシスタントをすれば、本当の意味で成長できる。彼らが何をしているか、どうやっているか、なぜそうするのかに注目してほしい。スマートフォンをしまって、常に学ぶ姿勢を持ち続けてほしい。　付け加えるとすると、まずはきれいで美しい素肌感のあるメイクを習得してほしい。クレイジーで抽象的なメイクに挑戦する前に、美しいベースを完璧に仕上げることをマスターすべきかな。池田：そしてメイクアップアーティストを目指している人、または若手アーティストに伝えたいことは？モイセス：小さな目標を持つこと。大きな目標も大切なんだけど、「この時期までにこのカメラマンと仕事をする」「この時期までにこの雑誌に載る」とか、達成可能な小さな目標を設定してみると良いと思うんだ。だから、自分にとっての「成功」とは何かを考えてみてほしい。池田：それはとても良いことだよね。目標を持つことはとても大切だから。モイセス：トップのメイクアップアーティストを見て「あれが成功だ」と思う人もいるかもしれない。ただ、それが自分に合っているとは限らない。僕もこの業界での成功が自分にとって何を意味するのかを学ぶ必要があったと思う。僕の場合は、トップアーティストになることではなく、幸せでいること、仕事があること、それが成功なんだと思う。自分なりの成功の定義を持たないと、迷子になってしまうからね。池田：私にとっての成功は、クライアントの皆さまに喜んでいただくこと。メイクを通じてその人の魅力を引き出し、笑顔や自信につながったと感じられた時が、一番大きな喜びを感じる瞬間かな。モイセス：それから、アドバイスとすれば、他人と比べるのをやめること。自分の仕事を続けて、新しいことに挑戦して、自分の作ったものが気に入らなくても恐れないでほしい。とにかく続けること。作れば作るほど上達するから。実際に手を動かさなければ、インスピレーションは生まれない。インスピレーションは、メイクをするという行為の中から、あるプロダクト、あるテクニック、あるいは途中で発見した何かから生まれるものだから。だから、メイクでも、リサーチでも、読書でも、美術館に行くことでも、常に何かをし続けてほしい。学び続けることが大切なんだよ。　あと、僕自身がやらないことで言えば、インスタグラムやピンタレストからインスピレーションを得ること。書籍やアート、歴史を観てほしい。メイクのアイデアはそこから生まれるべきだと僕は思っているんだ。池田：すごく共感！私自身、花や草木など自然からインスピレーションを得ることが多くて、特に夏から秋、秋から冬へと移り変わる色や質感のグラデーションに惹かれるね。自然が見せる繊細な変化は、私にとって重要なヒントの1つだから。モイセス：最後に、一貫性を持つこと。そして現場やバックステージで関わるすべての人に親切にすること。ヘアアシスタントからアートディレクター、ケータリングスタッフまで。そのアシスタントがいつかあなたの上司になるかもしれないしね。ここはニューヨークで、数年でアシスタントからショーのキーアーティストになった人を何人も見てきたよ。もし失礼な態度をとっていたら、必ず覚えられているからね（笑）。だから、常に親切に。