インサイド

──ファッショニスタとして知られるNICHOLASさんがファッションに興味を持ったきっかけは？　練習生時代に毎月受けていた事務所内の実力テスト「月末評価」がきっかけです。あるとき私服でパフォーマンスをする機会があったのですが、そのときに周りの練習生と比べると自分はすごくシンプルな服しか着ていないことに気付いて。同じパフォーマンスをしていても、服装によって伝わる印象やメッセージが大きく変わることを実感したんです。「服には人を表現する力があるんだ」と感じて、そこからファッションに興味を持つようになりました。それ以降は買い物をする機会も増えましたし、これを着たら、自分はどう見られるかなと意識するようになって。そうやって少しずつ、ファッションについて学んでいきました。──今ではかなりファッションへの造詣が深い印象です。どのように勉強してきたのでしょうか？　最初はSNSで調べたり、好きなアーティストや先輩方のスタイリングを参考に真似をして自分のスタイルを探していきました。でもだんだんとブランドの歴史に興味を持つようになって。ブランドやデザイナーの歴史について書かれた本を読んだりしながら、「なぜ100年以上続いているブランドがあるんだろう」と考えるようになりました。　ファッションは流行の世界なので、どんどん新しいものが出てきますよね。でもその中で何十年、何百年と愛され続けるブランドがある。その理由を知りたいと思ったんです。調べていくと、長く愛されるブランドには必ず一貫したコンセプトや哲学があって、ただ服を作っているわけではないことが分かりました。デザイナーが何を考えてその服を作ったのか、どんな価値観を世の中に伝えたかったのか。そういう背景に興味があるので、服そのものだけではなくその裏側にあるストーリーや考え方を調べるようにしています。アーティストは、長く愛されることが必要な職業です。どうしたらファンの皆さんに長く愛されることができるかの糸口を、ファッションの歴史の中から探そうとしている部分もあるかもしれません。──ファッションについて学んでいく中で、着る服に対する考え方も変わりましたか？　最初は「かっこよく見られたい」という気持ちだけで服を買っていました。でもファッションの歴史や背景について学ぶうちに、服を選ぶ基準が少しずつ変わっていったと思います。以前はトレンドや見た目を重視していたのですが、今はその服を着ることで自分が何を表現したいのかを考えるようになりました。その日の気分だったり、自分が伝えたいメッセージだったり、服は言葉を使わなくても表現できるものだと思うんです。だから今の僕にとってファッションは、自分を表現するための言語のような存在です。ファッションには正解がありません。人それぞれ違う価値観や個性を自由に表現できるところが魅力的ですし、だからこそずっと興味が尽きないんだと思います。──プロジェクト「WENO-ISM」はどのような経緯で始動しましたか？　デビューしてからずっと、いつか自分のアパレルブランドを持ちたいという夢を持っていました。ファッションについて学ぶようになってから、服を見るたびに「自分だったらどんなデザインにするだろう」と考えるようになって、いつか自分の手で何かを作ってみたいという気持ちが自然と生まれたんです。その夢については以前から会社やメンバーにも話していて、今回ご縁がつながり、ヌビアンさんとの協業という形で実現することになりました。　ヌビアンさんは、休日に必ずと言っていいほど買い物に行くお店の一つです。少し変わったデザインや一癖あるアイテムが好きなので、店内に揃うアイテムからいつも新しい刺激やインスピレーションをもらっています。&TEAMの衣装でもお世話になっていますし、ファンとして通っていたお店と一緒に、自分がずっとやりたかったことを形にできるのは本当に特別なことだと感じています。──「WENO-ISM」というプロジェクト名にはどのような意味が込められていますか？　「WENO」は、僕が大切にしている“WHY NOT？”という考え方から生まれた言葉で、韓国語で「なぜ」を意味する“WHY”と英語の“NOT”を組み合わせて作りました。そこに「主義」や「流儀」を意味する“ISM”を加えて、「新しいことへの挑戦を前向きに楽しむ」という考え方を反映しています。　“WHY NOT？”は英語で「なぜダメなの？」「やらない理由はある？」という意味の言葉です。新しいことに挑戦するとき、不安や迷いから先に「できない理由」を探してしまうこともあると思うのですが、僕は昔からこの言葉をおまじないのように心の中で唱えながら、「やりたいならやってみよう」「まずは挑戦してみよう」と一歩を踏み出してきました。今でも何か新しいことに挑戦するときは、この言葉に背中を押してもらっています。自分の活動の原動力になっている考え方だからこそ、今回のプロジェクトの核にすることを決めました。──今まで「WHY NOT？」のマインドでどのようなことに挑戦してきましたか？　本当に色々なことに挑戦してきました（笑）。子どもの頃はピアノやバイオリン、ギターをやっていましたし、テコンドーも習っていました。バドミントン選手として活動していた時期もありますし、その後はバスケットボールにも挑戦しました。もちろんアーティストを目指し始めたこともそうで、最近だとボクシングにハマっています。興味を持ったら、とりあえずやってみる。その考え方はずっと変わらないですね。 ──今回アパレルアイテムと小物の計6アイテムをデザインされました。どのようなことを意識して製作しましたか？　ブランドの歴史を学ぶ中で、「意味があるデザイン」と「意味がないデザイン」の違いを強く感じるようになりました。だから今回は、ただ見た目がかっこいいものではなく僕だからこそ生み出せるものを作りたかったんです。台湾で生まれ、親戚の影響でアメリカの文化に親しみ、韓国で練習生として過ごし、日本でデビューした僕の歩みやルーツも、デザインの大切な要素になっています。 　今回は“自由”という考えを、僕の好きな2つのカルチャーを通して表現しています。ひとつは、デニムやウエスタン、カウボーイカルチャーから着想を得た世界観。カウボーイには、自分の信じる道を進んでいくような自由さがあると思うんです。その力強さや開放感をチェックシャツとデニムのヘッドウェアに落とし込みました。もうひとつは、2000年代のロックやパンクカルチャーから影響を受けたダークな世界観です。ロックやパンクには、「こうあるべき」という既存の価値観やルールに縛られず、自分のスタイルを貫く精神がありますよね。その反骨的なエネルギーにすごく惹かれるので、そうした空気感を少し退廃的なデザインで表現しました。──特に気に入っているアイテムはありますか？　難しい質問ですね（笑）。どれも気に入っていますが、中でもヘッドウェアは特に思い入れがあります。ずっと「こんなものがあったらいいな」と考えていたデザインを形にできたアイテムなんです。　実は制作過程で一番苦労したのはデニムのヘッドウェア。ファーストサンプルがイメージとは全く違うものになってしまって、本当に焦ったのを覚えています。一時はどうなることかと思いましたが、スタッフの皆さんや友人にフィードバックをもらいながら何度も調整を重ねて、ようやく納得できる形に仕上げることができました。かなり自分の趣味全開のアイテムなのですが、だからこそ僕みたいに少し捻くれたデザインが好きな方には刺さるんじゃないかなと思っています。苦労した分、今回のコレクションの中でも特に愛着のあるアイテムですね。 ──いくつかのアイテムのディテールには&TEAMやLUNÉ（&TEAMのファンの呼称）をイメージしたデザインも隠されているそうですね。　そうなんです。今回は自分の好きなものや個性を表現するだけでなく、僕の大事な構成要素である&TEAMとLUNÉとのつながりもデザインの中に落とし込みました。このプロジェクトは僕一人で生まれたものではなくて、&TEAMとして活動してきた経験や、いつも応援してくださるLUNÉの皆さんの存在があって実現できたものだと思っています。だから、自分だけのものではなく、&TEAMらしさもどこかに入れたいと思ったんです。　例えばTシャツの3本線は、&TEAMのコンセプトでもある狼の爪痕をイメージしています。さらに横にして見ると、僕の本名の苗字「王」の字にも見えるようになっているんです。自分自身と&TEAM、その両方を表現できるモチーフにしたかったので、すごく気に入っています。ほかにも、バッグやキャップには&TEAMのロゴである「&」をさりげなく取り入れています。ファンの皆さんはこういう細かい意味や隠れたメッセージを見つけるのが好きだと思うので、ちょっとしたサプライズです。 ──もしメンバーに着てもらうなら誰に、どのアイテムを着せたいですか？　Kくんはキャップとチェックシャツ。普段も好んで着ているスタイルなので、絶対に似合うと思います。FUMAくんはデニムが好きなので、デニムのヘッドウェアに挑戦してほしいですね。実はさっきEJに宿舎でチェックシャツを着せてみたんです（笑）。すごく似合っていたので、次はデニムのヘッドウェアも合わせて着てほしいです。YUMAは普段あまりデザインの強い服を選ばないので、Tシャツが似合いそう。シンプルだけど、オシャレに決まるので気に入ってくれると思います。　JOはスタイルがいいので、正直なんでも似合いそうです。ずるいですね（笑）。HARUAにもさっき着せたのですが、黒いヘッドウェアのミステリアスな雰囲気がお気に入りみたいです。最近一緒に見ているアニメに出てくるキャラクターの魔女っぽいと言っていました（笑）。もう空港ファッションのコーディネートまで考えているらしいです。TAKIは、デニムのヘッドウェアが似合いそう。明るくてエネルギッシュな雰囲気が彼にぴったりだと思います。MAKIもTAKIと同じく、デニムのヘッドウェアが似合いそう。もともと今回のコレクションの世界観と彼の雰囲気には通じるものがあると思っていて、個人的にもすごくイメージが重なります。──今回のコレクションに合わせて個人のInstagramを開設されました。今後はどのようなことを更新していく予定ですか？　ずっと個人のInstagramをやってみたいと思っていたので、開設できて嬉しいです。今回こうしてプロジェクトを始めることができたので、まずはその発信を中心に、僕自身が好きなファッションについてもたくさん発信していきたいですね。普段の私服やコーディネート、日々インスピレーションを受けたものなども少しずつ共有できたらと思っています。ファッションが好きな方にも楽しんでもらえるようなアカウントにしていきたいです。──デビュー4年目を迎えた今、&TEAMのNICHOLASとして、そして一人の人間としての目標を教えてください。　&TEAMのNICHOLASとしては、これからもパフォーマンスを通して楽曲の世界観やメッセージをしっかり届けていきたい。歌やダンスだけではなく、その曲が持つ感情やストーリーまで伝えられる表現者になりたいです。　一人の人間としては、これからも好奇心を持っていろいろなことに挑戦し続けたいです。僕が「WHY NOT？」という言葉に背中を押されながらここまで来たように、今度は僕の姿を見た誰かの背中を押す「WHY NOT？」のような存在になりたいです。「やってみたいけど不安だな」と思ったときに、「NICHOLASも頑張っているし、自分もやってみようかな」と思ってもらえたら嬉しいですね。これからもLUNÉの皆さんと一緒に成長しながら、お互いに良い刺激を与え合える存在でいたいと思います。

Fashion

「ファッションは自由な言語」　&TEAM NICHOLASが語る服づくりと“WHY NOT？”精神

デザイナーの頭の中を“言語化”して見える景色を求めて── そもそも、前回の「ファッションと文学」特集号はどのような経緯で企画されたのでしょうか？清水：我々が作っている「文學界」は、文芸誌の中でも特集に重点を置いている雑誌です。もちろん文学の特集もしますが、ジャズやアート、オカルト、AIなど、文学以外のジャンルも扱っています。どんなものでも言語化されていない領域はあると思っていて、特にファッションに携わっている方々は、ご自身のクリエイションを言葉にする機会が少ないのではないかと感じていました。あれだけ豊かなイメージを持っている方々なので、それを言語化する作業は絶対に面白くなるだろうと考えたのが、企画の始まりだったと記憶しています。── 清水さんご自身もファッションがお好きな中で、「言語化されていない」と感じることが多かったのでしょうか。清水：そうですね。展示会でデザイナーさんとお話ししたり、シーズンのステートメントを読んだりしても、短く、ふんわりとした、あまり具体的ではない言葉が多いと感じていました。ですから、その方々の頭の中に見えている景色は一体どのようなものなのだろうかと。小説家の中にも、映像として見えているものを記述することで小説を創り上げていく方が多くいらっしゃいます。それは、ファッションデザイナーも同じではないかと思ったんです。── 2021年に初のファッション特集号を出された際の反響はいかがでしたか？清水：正直なところ、文芸誌の読者からは「面白いことをやったね」といった良い反応をいただいたのですが、ファッション業界の方々にはあまり届かなかったという実感でした。服飾学生の方たちなど、普段文芸誌を読まない層に手に取ってもらえたら嬉しいと考えていたものの、そこまでの手応えはありませんでした。　作家の方々からは、「普段ファッションに興味はないけれど、読み物として面白かった」「あんな文章を書けるデザイナーがいるんだね」といった感想をいただきました。そもそも、私たちの雑誌はモノクロのざら紙で判型も小さいため、ヴィジュアルをほとんど載せられないという制約があります。そうしたハードルも、読者層を狭める一因になったのかもしれません。教科書的ではない、歪さや過剰さという“特異点”を── 第1弾の反響が予想したほどではなかった中で、今回「again」として第2弾を企画されたのはなぜですか？清水：私が一度別の編集部に異動し、デスクとして「文學界」に戻ってきたのが昨年でした。その間に浅井が編集長に就任して。前回の特集は自分たちにとって面白い試みだったという自負はありましたが、読者に届けきれなかった部分など反省点も多くありました。そこで、「もう一度やりませんか」と持ちかけたのが今回のきっかけです。浅井：前回は、朝吹真理子さんと村田沙耶香さんに「ユキ フジサワ（YUKI FUJISAWA）」の藤澤ゆきさんと一緒に服を作っていただく企画をやりました。そのときから何かグッズを作りたいとずっと考えていたのですが、予算の都合などで難しかったんです。今回はそのリベンジがしたいという思いもあり、「ストフ（STOF）」とのコラボレーションで文學界初のアパレルグッズを製作しました。清水：グッズを作ることで、私たちが一方的にファッションを取材するだけでなく、読者の方々にも参加して雑誌を楽しんでもらえるのではないかと考えました。そのあたりは前回の反省を踏まえています。── ストフとのコラボレーションはどのような経緯で実現したのでしょうか？浅井：元々、私がデザイナーの谷田浩さんと知り合いだったこともあって相談したところ、「面白いからぜひやってみよう」と言ってくださって。デザインはほぼ全てお任せし、受注生産という在庫の残らない形式で、Tシャツとキャップ、バッグ、靴下を作っていただきました。私自身がストフの服を普段から着ているというご縁もありました。── 特集に登場するデザイナーの人選も、編集部の皆さんが元々注目していた方が中心なのでしょうか？清水：直接存じ上げなくても、そのクリエイションに注目していた方が基本です。なので、専門家の方から見たら、かなり偏りのあるセレクションだと思います。── 確かに、「ペイデフェ（pays des fées）」の朝藤りむさんのような方から、アンケート企画では中堅デザイナーたちの中に服飾学校を卒業してまもない新人デザイナーが入っていたりと、人選が非常に興味深いと感じました。清水：例えば、アンケート企画「あなたにとって、ミューズとは？」への参加デザイナーはもう一人の編集部員を加えた3人で選んでいるので、それぞれの趣味性やマジョリティ志向、マイノリティ志向が反映されています。雑誌として一番つまらないのは、専門外だからといって教科書のようなバランスの取れたものを作ってしまうこと。歪（いびつ）さや過剰さといった“特異点”がないと面白くないと思っています。だからこそ、あえて偏りを強調したセレクションを意識しました。── 巻頭の朝藤りむさんと作家の小川洋子さんの対談は、どのようにして実現したのですか？清水：前回の反省として、デザイナーの方に執筆をお願いしたところ、アウトプットにかなり差が出てしまい、ご本人たちにも負担をかけてしまった部分がありました。そこで今回は、まず人選をした上で「何ならできそうですか？」とご本人に相談する形をとりました。そのお一人が朝藤さんでした。　朝藤さんにご相談したところ、一度「考えます」とおっしゃったのですが、別れて30秒後くらいに電話がかかってきて、「小川洋子さんに会いたいです。会えるなら何でもします」と。もちろん、小川さんが普段から特にファッションに興味があるわけではないので、どうしようかとは思いましたが、ご本人も「私がファッション特集に出る日が来るとは」と面白がって喜んでくださいました。実際にお会いすると、朝藤さんが本当に小川さんの作品を読み込んでいらして、作家にとっても熱心な読者と対面する機会は貴重なので、非常に盛り上がった対談になりました。1人の少年の人生を変えた、吉田圭佑のエッセイ── 文芸誌が「ファッション」を特集する上で、編集方針として重視していることを教えてください。浅井：ファッション誌との違いは、やはり作家の方々が中心になるという点です。作家の中にもファッションが好きな方は多く、何かを「作る」という点では共通部分があります。デザイナーの言葉を引き出すと同時に、ファッションというテーマを語ってもらうことで、作家の方々のこれまで語られなかった創作に関する新たな一面を引き出せたらいいなと考えています。　また、例えば対談であれば10ページといった長い紙幅を割くことができるのも、文芸誌という媒体の特徴です。ファッションというテーマを、普段私たちが使っている文芸誌のフォーマットに持ち込むこと自体が、他ではできない試みだと考えています。── ヴィジュアルが重要な要素を占めるファッションを、あえて「言葉」で表現することの意義とは？清水：これは私たちの仕事の信念ですが、ファッションに限らず、世の中のあらゆる事象は言語化する努力をすべきだと考えています。自分の言葉で考え、記述することで、世の中の暴力的なストーリーに絡め取られない「個」を確立することができる。言語化しない方が美しい場合もあるかもしれませんが、私たちの役割は、あらゆるものを言語化していくことだと理解しています。浅井：そして言語化したからこそ、そこからこぼれ落ちるものもまた見えてくる。ファッションの場合は特に、そこからまた「服」という実物に戻っていける楽しみ方があると思います。── その「言語化する」ことへの強い思いは、今回の誌面づくりや編集スタンスにどのように反映されているのでしょうか？清水：第1弾では、ヴィジュアルがないと読者に手に取ってもらえないのではないかという不安が捨てきれず、少しヴィジュアルに頼った部分がありました。それはそれで美しい企画にはなったのですが、一方でまだ踏み込めていないところがあると感じてもいて。ですから、今回は「言葉で構成するものにしたい」という思いがまずありました。　もう一つは、「ケイスケヨシダ（KEISUKEYOSHIDA）」デザイナーの吉田圭佑さんの存在です。前回、何人かのデザイナーにエッセイをお願いした中で、彼は異常な密度で、深く自身と向き合った文章を書いてくれました。そのエッセイを読んだ、不登校だった高校生の男の子が吉田さんのもとを訪ねてきたそうです。そして吉田さんは、その彼を次のシーズン（2023年秋冬）のランウェイモデルに起用しました。吉田さんが書いた言葉が、誰かの胸に届き、新たな物語が生まれた。言葉の力を目の当たりにした彼に、もう一度書いてもらいたいという強い動機があり、今回再びロングエッセイを執筆していただきました。浅井：前回の特集では、「ファッション雑誌の真似事になったら格好悪いから、文芸誌らしく作らなければ」と少し肩肘を張っていた部分があったかもしれません。今回は2回目ということもあり、もっと自由に、気楽にやってみようという気持ちで向き合いました。── 今回は作家だけでなく、魚豊さんやコナリミサトさんといった漫画家の方も登場されていますね。浅井：元々「文學界」に登場するのは作家に限りません。話すべき言葉を持っている方であれば、さまざまなジャンルの方にご登場いただいています。例えば、漫画家の魚豊さんは、FASHIONSNAPのベストバイのインタビューを拝見して、ご自身の言葉でファッションを語れる方だと感じ、デザイナーの方とお話しいただいたらどうだろうかと依頼しました。文芸誌だからという枠にこだわらず、「この特集でしかありえない組み合わせ」を意識しています。雑誌は、新たな出会いと創作が生まれる「場」── 2回のファッション特集を経て、何か新たな発見や気づきなどはありましたか？浅井：普段は作家の文章を読み、作家と会うことがほとんどです。そのため、文学以外の領域でものを考えて作っている方々の濃厚なお話を聞くこと自体が、私たち編集者にとっても刺激になりました。登場してくださった作家の方々や、文學界を読んでくださっている方にとってもそうであるといいなと思っています。雑誌というのは、普段出会わないものが出会う「場」であってほしい。今回はそれを自分たちも楽しみながら誌面にできたと感じています。清水：雑誌を作るとき、自分たちに何が還元されるかということはあまり意識しません。むしろ、登場してくださった方々に何か新しいことが起きてほしいと思っています。例えば、今回の小川さんと朝藤さんの対談をきっかけに、朝藤さんが「いずれ小川さんを巻き込んだコレクションを作りたい」と話していました。このように、登場してくださった方が新たなクリエイションのきっかけを得てくれることが、編集者として一番嬉しいことです。　実際に、吉田さんがブランドのタブロイド誌の発行を始められたり、前回執筆していただいた他のデザイナーの方々の中にも、その後のコレクションのステートメントの長さや書き方が明らかに変化した方をお見かけしたりもしました。そういったことはやはりすごく嬉しいですし、編集者冥利に尽きますね。 ── 今後、第3弾の可能性はありますか？清水：どうでしょうか（笑）。弊社は人事異動が多いので、そのときに「やりたい」というメンバーがいれば、あるかもしれません。この企画は、我々2人だからこそ実現したという側面が大きいので。── 最後に、今号に興味を持った読者に向けてメッセージをお願いします。浅井：ファッションも文学も難しく捉えられがちですが、この2つを掛け合わせることで生まれる新しい楽しみ方を見つけてもらえたら嬉しいです。誰もが毎日服を着るように、誰にとっても関係があるテーマだと思うので、新しい視点を発見するきっかけになればと思います。清水：ファッションが好きな人は、おのずとファッションのことは見ると思います。でも、面白いことは自分の専門外の領域にこそたくさんある。この特集が、文学に限らず映画でも何でも、他のジャンルへの入り口になってくれると嬉しいです。そうして刺激的なデザイナーがもっとたくさん生まれれば、私がまた新しい服を買えるという良い循環になると思います。浅井：それは文学好きや作家のみなさんにとっても同じですね。この特集をきっかけに、ファッションの世界にいる面白い作り手を知って、楽しんでほしいです。photography: Katsutoshi Morimoto (FASHIONSNAP)

なぜ文芸誌が再び“ファッション”を特集するのか？ 「文學界」編集長に聞く、言語化する意義

⎯⎯ まずは、森さんが今、大切にしていること、そしてそれに通じるSHISEIDOとフューチャーソリューション LXの魅力を教えてください。　便利で情報にあふれている現代だからこそ、人としての感性や繊細な感覚といったものが、意識しないと忘れがちになってしまいますよね。だからこそ、日々使うものから人間らしさや温かみを取り戻すことが、大切だと感じています。スキンケアは外見を整えるだけでなく、自分の内側とリンクする毎日の営みであり、自分自身を美しく整えること。これは、SHISEIDOがラグジュアリーブランドとして時代を超えて変わらず持ち続けている素晴らしい理念です。　日本の美意識をコンセプトに、サイエンスと伝統の融合を重んじるフューチャーソリューション LXは、先人たちから受け継いだバトンを次の世代へつなぐという、強い意志を感じます。茶道の道具や西陣織にインスピレーションを得た美しいパッケージも、手に取るだけで自然と所作が美しくなり、背筋が伸びるような特別な体験にしてくれますね。⎯⎯ 仕事でもプライベートでも世界中を飛び回っています。日本発のグローバルブランドであるSHISEIDOの「日本らしさ」とはどのように映っていますか？　世界中でその土地の自然や文化から多くのことを学んできましたし、また改めて実感するのは、日本が持つ自然の豊かさです。豊かな森林に囲まれ、地域ごとに異なる個性豊かな土壌があり、細やかな四季の移ろいがあります。こうした自然の繊細な表情を観察し、日常に投影してきた日本人の感性こそが、茶道や華道といった素晴らしい「道」の文化を育んできたのだと思います。自然に対する畏敬の念を持ち、その恵みを丁寧に暮らしへ取り入れる姿勢は、グローバルでも確かな魅力として輝くはずです。⎯⎯ フューチャーソリューション LX、そして新製品の「トータル Rクリーム ソフト」を使用してみていかがでしたか？　今年、南極に行った際にフューチャーソリューション LXのスキンケア一式を持っていきました。南極は特に乾燥していて、保湿がすごく大事なんです。過酷な環境でも肌をしっかりと守り抜いてくれる、最高の“バディ”でした。　トータル Rクリーム ソフトは肌にのせた瞬間にほどけるような優しい香りと、うっとりするほど心地よいテクスチャーが魅力的です。毎日肌に触れるものだからこそ、自分の五感を研ぎ澄ましながら、クリームの心地よさを肌全体で受け止めるようにしています。⎯⎯使い方で“裏技”があれば教えてください。　特にこれからの季節は、使う前に冷蔵庫で少し冷やしておくのがおすすめです。このクリームには寒天カプセルが配合されていて、ひんやりと冷やすことで、肌にのせたときの心地よさがさらに引き立ちます。夜寝る前のスキンケアはもちろん、朝のメイク前に使用するのもお気に入りです。⎯⎯ クリームは顔だけでなく首のマッサージに使えたり、洗顔を泡マスクとして使ったり、フューチャーソリューション LXは1つのアイテムを複数の用途で使える「一物多用」の精神を体現しています。森さんが日常の中で「一物多用」しているものはありますか？　日本には古くから、1枚の布でありながら包むものによって形を変える風呂敷のような、素晴らしい知恵が存在します。私も日々の生活において、固定観念を持って一つの用途に縛られることなく、クリエイティブな視点で身の回りのものや素材と接するように心がけています。　最近は自分が取り組んでいる古民家再生プロジェクトを通じて、自然の知恵の豊かさに触れる機会がより増えました。例えば、ある時は食として体を満たし、またある時は暮らしを彩る道具として形を変える植物のあり方は、まさに究極の「一物多用」だと感じます。器が割れても漆で直して長く愛用するような、日本の丁寧な手仕事や修復の精神にも、豊かな知恵が詰まっていると思います。⎯⎯ 古民家再生プロジェクトを始めたきっかけは？　私が29歳のとき、明治2年に建てられた歴史ある古民家と出合ったのがきっかけです。江戸時代の鎖国を経て、西洋の文化を取り入れながら日本が大きく変化していった時代に建てられた場所。かつて多様な人々が行き交っていた場所が持つ奥深いストーリーに心を惹かれ、再生させるプロジェクトをスタートさせました。　当時、私はモデルとしてキャリアを重ねる中で、外見的な美しさだけを追求するのではなく、自分の内面にある感性や感覚をより深く育んでいきたいと模索していた時期でもあったんです。日本の伝統建築は、室内と屋外の境界線が曖昧で、自然を排除するのではなく、自然に敬意を払いながら、調和していく先人たちの知恵が詰まっています。そうした空間に身を置き、自然の息吹を五感で体感することは、表現者としての引き出しを広げるために必要なプロセスでした。　また、フューチャーソリューション LXが掲げる“経年美化”という、時を重ねることでしか見られない美しさは、古民家での暮らしや植物の知恵から学ぶことと深くつながっています。2022年から取り組んできたこの活動の中で得た人との出会いや気づきは、すでに私にとって大きな財産です。このプロジェクトを通してめぐり合った日本の日常に息づく美意識を、一人でも多くの人に知ってもらいたいと思っています。⎯⎯ SHISEIDO グローバルアンバサダーに就任して3年、ご自身の美意識や日々のケアに変化はありましたか。　SHISEIDOは、日本の美意識をラグジュアリーな価値として世界へ発信し、長年にわたり大切に培ってきたブランドです。アンバサダー就任後はその姿勢に深く共鳴し、私自身も日本らしい季節の移ろいや、本物を追求する精神性といった素晴らしい文化を、より積極的に日々の暮らしへと取り入れるようになりました。　アンバサダーとしての活動を通じて、美しさは外見だけを作るものではなく、日々の丁寧な営みや心のあり方と深く結びついているのだと改めて実感しています。季節の移ろいや、日常の些細な変化を敏感に感じ取れるよう、常に五感を研ぎ澄ますことを意識するようになりましたね。　そのためにも、まずは自分自身の心と体の声を聞き、普段からしっかりと労わってあげるケアを心がけています。日々のスキンケアの時間は、ただ肌を整えるだけでなく、自分自身を慈しみ、内なる感性を呼び覚ますための大切な時間へと変化しました。⎯⎯ 美容を通じて、これからの自分自身に期待していることはありますか？　ビューティは、どんなときも私の心をときめかせ、人生に彩りを与えてくれるかけがえのない存在です。少し落ち込むようなことがあった日であっても、寝る前に丁寧なスキンケアのルーティンを行い、素晴らしい香りとテクスチャーに包まれることで、すっと気持ちが救われます。　「昨日の自分よりも、今日のほうがほんの少しだけ美しくなれたかもしれない」という小さくても前向きな変化の積み重ねが、確かな自信につながります。美容とは、単なる外見のケアにとどまらず、自分自身の心に豊かな栄養を与えてくれる、最も身近なセルフケアの儀式だと思います。私にとってビューティは、人生という長い旅の浮き沈みをいつでも一番近くで支えてくれる、頼もしい“バディ”。これからもスキンケアや美容の力を通じて、自分の内面をアップデートし続け、心豊かで凛とした美しい生き方を体現していきたいです。森星 | Hikari Mori1992年生まれ、東京都出身。モデルとして国内外の雑誌、広告、ファッションショーに出演。2020年に日本の伝統文化を世界へ発信するtefutefu, Inc.を立ち上げ、2022年から途上国の女子を支援する公益財団法人プラン・インターナショナル・ジャパンのアンバサダーを務めるなど、社会貢献活動にも注力。クリエイティブかつ多角的なアプローチで、自らのライフスタイルや美意識を発信し続けている。◾️SHISEIDO：オフィシャルサイト

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森星がSHISEIDOと育むセルフケア　「美容は一番近くで支えてくれる、頼もしいバディ」

笑顔が一番美しい　アジアNo.1レストラン「傳」 長谷川在佑の仕事論

■八木佑樹　1993年11月5日、鳥取県生まれ。幼少期をニューヨークで過ごす。文化服装学院、アメリカのパーソンズ美術大学、ベルギーのアントワープ王立美術学院に通いファッションの基礎を学ぶ。ニューヨークのストリートブランドをはじめ、数々のメンズブランドで研鑽を積み、独立。2016年、ヘイリー・シャンポーと共に「モンマルトルニューヨーク（MONTMARTRE NEW YORK）」を立ち上げる。2024年にはアメリカ発のファッションブランド「バウルズ（vowels）」を設立。同年のパリメンズファッションウィークでコレクションを発表した。卒業証書で仕事ができるわけじゃない⎯⎯まずは、八木さんのファッションの原体験を教えてください。　「ステューシー（STÜSSY）」ですね。ニューヨークで暮らしていた子どもの頃、よく着ていたんです。当時のストリートブランドといえば、もちろん「ア ベイシング エイプ®（A BATHING APE®）」や「シュプリーム（Supreme）」も人気でしたが、子どもに手が出せる値段ではなかったんですよ。ステューシーはセールならTシャツが20ドルくらいだったので、母に買ってもらっていました。⎯⎯やはりストリートファッションがコアにあるんですね。　今振り返ると少しダサいというか、いなたいデザインなんですけどね。当時はこんなにイケている服があるのかと夢中になり、子どもながらにファッションに目覚めまして。いつかステューシーで働きたいと思うようになって、この道を志しました。その後、幼い頃に着ていたそのTシャツをデザインした方と出会い、一緒に仕事をさせてもらったり、モンマルトルニューヨークのロゴを作ってもらったりするようになって。あの原体験がそのまま今の自分に繋がっています。⎯⎯パーソンズ美術大学とアントワープ王立美術学院で学ばれていますが、この2校に通ったのはどういった経緯で？　パーソンズは、ファッションデザインをビジネスとして捉える教育を魅力的に感じたんです。売れるかどうかが重要な尺度で、職業訓練のような側面もありました。ただ、入学してすぐ「スティーブン アラン（Steven Alan）」でアシスタントを始めたので、授業などに関してはあまりよく覚えていなくて。卒業証書で仕事ができるわけじゃないですし、学校よりも社会に揉まれて学ぶことのほうが100億倍価値があったように思います。⎯⎯ただ途中でアントワープに留学したんですよね？　マルタン・マルジェラ（Martin Margiela）やドリス・ヴァン・ノッテン（Dries Van Noten）をリスペクトしているし、やはり世界一の学校だと思っていたので。コンセプトの組み立て方から始まる物作りのプロセスを丁寧に学べる、パーソンズとは真逆のスタイルが特徴で、どちらの視点も持っておくべきだと感じたんです。スティーブン アランの上司の後押しもあり、入学を決めました。⎯⎯どのような学びがありましたか？　とても厳しい環境で、毎日怒られてばかり。褒められることはめったにありませんでした。ただ、1年目の終わりに初めて褒められたことがあって。僕は絵心がなくてデザイン画が苦手だったのですが、無理にうまく描こうとせず、ラフ画を描いたんです。その絵を見た先生が「これこそあなたらしい作品だよ」と初めて認めてくれて。「大成した卒業生にも絵が下手なデザイナーはたくさんいたけど、彼らも下手なりに自分の世界観を表現していた」と話してくれました。つまり、大切なことは出来不出来ではなく、どれだけ自分の味を出せるか。自分の芯を持って、何を言われても曲げないことだと教わりました。まさに、クリエイティブディレクターの育成学校のような場所です。ただ、アントワープでの一番の収穫は仲間が出来たこと。彼らとは今も一緒に仕事もしていて、長い付き合いになっています。⎯⎯モンマルトル ニューヨーク立ち上げに至る経緯は？　まず、アントワープに留学して1年が経った頃、いつか働きたいと思っていたニューヨークのストリートブランドに学校を辞めて参加しました。実はそれ以前に、ニューヨークの中華屋でそのブランドのディレクターに偶然会ったことがあって、ファンだったので声を掛けて仲良くなっていたんです。連絡を取り合う中で「デザイナーを探している」と誘われて、学校で学ぶ自己満足のデザインではなく、商売として成り立つデザインをしたいという思いもあり、ニューヨークに戻りました。そのブランドをはじめ、ストリートファッションの世界で3本の指に入るブランドを渡り歩いて、ロサンゼルスに引っ越したりしながら10年近くアメリカで働いてきました。⎯⎯そして、ついに独立をされた。　学生時代に作ったストールが好評だったのでとりあえずインスタグラムを開設してみた、というのが始まりだったんです。2018年に、そのルックがアメリカの「ハイプビースト（HYPEBEAST）」に取り上げられて。当時はサッカーW杯の真っ只中で、サッカーマフラー風のアイテムがフィーチャーされました。その記事の反響はとても大きくて、ロンドンのセルフリッジズ（Selfridges）からオーダーが入ったりしましたね。自分たちだけでは回しきれなくなって、セールスチームに入ってもらうようになり、やっとビジネスになってきたという感じです。気づいたら独立していたという感じで、全く計画的ではありませんでした。色々な引き合いとご縁と成り行きがあって、流れに任せて今に至ります。「素っ裸の自分」を晒け出す服作り⎯⎯新作となる2026年秋冬コレクションの制作背景を教えてください。　深く考えずに、直感的にいいと思ったものを作りました。簡単なことで、それだけです。ブランドのコンセプトやシーズンテーマみたいなものは特になくて、それぞれのストールが独立したデザインになっています。グラフィックも、自分が好きな19世紀の絵画を抽象化したものや、最近ハマっている「グリとグラ」に着想を得た絵本風のカエルなど、単に好きなものや思い入れのあるものをストレートに描いているだけなんです。それぞれのモチーフに深い意図はありません。⎯⎯八木さんの個人的な記憶や感覚をデザインに落とし込んでいるということでしょうか？　今回の新作でいえば、風車は学生時代に生地の買い出しで訪れたオランダの風景、うさぎは生まれ故郷の鳥取の神話「因幡の白うさぎ」から着想を得たもので、そういった側面は確かにあります。僕が歩んできた人生、そこで得た経験や感性は二つとないもので、そうしたパーソナルな部分をデザインに取り入れることは、星の数ほどあるブランドの中で違いを生むための自然な方法ですから。ただ、そんなことはお客さんにとってはどうでもいいこと。絵を見るみたいにもっと直感的に、ただその色や柄が好きかどうかで選んでほしいです。⎯⎯デザインをする上で、これだけはしないと決めていることはありますか？　妥協です。例えば、柄の色の組み合わせを考えるとき、ああでもないこうでもないと何千通りも試します。自分はそれが苦しいとは思わないので、天職なんだと思います。好きなことで生計を立てられている分、その好きに嘘をついたら成り立たない。だから、マスに向けて手に取りやすいデザインを打ち出したり、分かりやすいコンセプトやストーリーをうたうようなことはしません。ただ自分がいいと思うものを、絵を描くようにアイテムに落とし込むだけ。モンマルトル ニューヨークは素っ裸の自分そのままなんです。好きなことを愚直に曲げずにいれば、共感してくれる人がだんだんと増えていきます。コミュニティはそうして生まれるんです。⎯⎯八木さんのどういった経験が、それほど自分を信じられる原動力になるのでしょうか？　孤独と失敗をたくさん経験しているからだと思います。日本に移住した15歳の頃から、古着屋で働いて買い付けのために海外を転々としたり、アントワープに留学した時もニューヨークに渡って仕事をもらった時も、頼れる人はいなくて自分の身一つ。人種差別にも何度もあったし、孤独でした。そのうえ、買い付けのフライトに遅刻しかけたり、コレクションのデータを誤って消去してしまったり、とんでもない失敗もしてきました。だからこそ、何とかここまで生きてこられたという自信になりましたし、自分が不完全であることを受け入れるようにもなりましたね。　パターンや縫製など服を構成する重要な要素はいくつかありますが、デザイナーに求められるのは全体のバランスを整える能力、結局はセンスです。自分が分からない専門的な部分は、知見のある職人さんをしっかり頼ればいい。そういう意味で、出来ないことは出来ないと素直に認めて、人を頼ることができないと務まらないと思います。何事においても大切なのはスキルではない。情熱と妥協しない粘り強さ、ネバーギブアップの精神。この3つがある人は、やっぱりかっこいいです。服を難しく考えすぎる日本人⎯⎯話は変わりますが、昨今はテーラードスーツを軸とするクラシックなスタイルが再びトレンドとなっています。ここ10数年支配的だったストリートファッションが下火になりつつある状況を、どう感じますか？　ストリートファッション由来のTシャツやフーディー、グラフィックを軸にしたデザインというのは、買いやすく売りやすい。その分飽和するのも早いですから、クラシックなスタイルへと大きく揺り戻すのは当然のことです。別の話ですが、景気が悪化して可処分所得が減り続けることで、ベーシックなものばかりが売れるという傾向もますます強まっています。かといって、そうした流れに自分のブランドを適合させようとは思いません。僕らが今更ベーシックやクラシックなスタイルを打ち出しても、それは二番煎じ三番煎じにしかならない。先発のブランドには完成度でも価格競争でも及ばないでしょう。誰でも簡単にブランドを始められる時代で、生き残っていくには他所と違うオリジナルであり続けることが必要。なので、トレンドに合わせることはしません。市場の99%を逃したとしても、1%のコアなファンを夢中にさせるデザインであればいいんです。⎯⎯長年海外でファッション業界に携わってきた立場から、日本のファッションをどう見ていますか？　コンセプト過剰というか、実際のプロダクトがそれに追いついていないように感じることがよくあります。同じような服ばかりが売られていて、それらを差別化するために過度に情報を付加している印象です。日本は起承転結を好むお国柄だと思います。なぜその結果に至ったのかということについて、筋の通った物語が求められる気がしていて。その結果、服も説明的になりすぎる。一方で、ニューヨークで学んだ服作りは全部バイブスなんです。例えば、あなたは今「アダム キメル（ADAM KIMMEL）」のスヌープ・ドッグ期のTシャツを着ていますが、車やヒップホップに詳しいですか？⎯⎯いえ、全くです。どちらもあまりよく知りません。　でも、そのTシャツを気に入って着ていますよね？それでいいんです、それがバイブスです。特に深い意味や文脈はないが、単にいいと思ったから選ぶということがあっていい。日本人は服を難しく考えすぎるきらいがあると思います。世界での服作りはもっとシンプルなんですよ。⎯⎯なるほど、国民病なのかもしれませんね。　今話したようなことを含め、もっと外の世界に目を向けるべきではないかと。日本はもはや、ファッションやカルチャーの中心地ではない。特にメンズファッションは、いまだに1990年代の残り物で食い繋いでいる状態だと感じるんです。僕たちはNIGO®さんや高橋盾さんに憧れて育つことができたけど、次の世代はどこに夢を見たらいいんだろうって。服飾学生が就職したいブランドランキングで1位が「ユニクロ（UNIQLO）」だったりしますよね。日本で食っていくことを考えたら真っ当な選択です。でも、ファッションデザインって安定を求める仕事になってきてしまったんだなと思うんです。　もっとチャレンジして、もっと失敗してほしい。そのためにも世界を見てほしい。坂本龍一さんはかつて「日本でCDを100万枚売るよりも、世界10ヶ国でそれぞれ10万枚ずつCDを売るほうが、作品のクオリティを落とさずに済む」と語っていましたが、僕もこれに同意します。広いマーケットを見て、セルアウトせずに自分の芯を守り続けていれば、だんだんと実績が積み上がって認知も広がっていく。大切なことは尖り続けることです。⎯⎯最後に八木さんの今後の展望について教えてください。　自分のブランドだけでなく、他所のブランドのコンサルティングやクリエイティブにも関わっているので、必要としてもらえる場所で頑張っていきたいですね。最近は3年間関わっていたプロジェクトでの契約も終えたので、新しい挑戦や出会いにもすごく興味があります。来年の秋頃のローンチを目指して、新たなプロジェクトも計画中です。僕は昔からシャツが大好きなので、シャツを軸にしたブランドを始めようと思っています。期待していただければ嬉しいです。

MONTMARTRE NEW YORK

「日本人は服を難しく考えすぎる」デザイナー八木佑樹が語るNY流“バイブス”な服作り

——昨年ローンチした「DSM Kei Ninomiya」ですが、プロジェクトが始まった経緯や、どんな目的のもとに立ち上がったブランドなのでしょう？　明確なゴールが定まっているわけではありません。スタートとしては、ドーバーストリートマーケットのインハウスブランドを作って行くという流れの中で、自分が一つのブランドを任されたと思っています。　ドーバー ストリート マーケットというプラットフォームの上で、いろいろなデザイナーやアーティスト、さまざまな感覚を持った人たちが参加できるようなプロジェクトとして捉えています。——それは川久保玲さんからのお話だったのでしょうか。　この企画のビジョンとしては川久保とエイドリアン・ジョフィがディスカッションを重ねた中から生まれたものだと認識しています。その上で、川久保から「こういうことに興味はないか」「やってみないか」という形で声をかけてもらいましたが、その時点で全体構想がどこまで決まっていたかは分かりませんし、今後ほかのブランドがどのように走るのかも未知です。——ドーバー ストリート マーケットの名前がついたプロジェクトです。二宮さんはドーバー ストリート マーケットの本質をどのように捉え、どのように服に落とし込んだのでしょうか。　一言では言い表せません。ドーバー ストリート マーケットには「Beautiful Chaos（美しい混沌）」というコンセプトがあり、ストリートからラグジュアリー、長い歴史を持つブランドからインディペンデントなブランドまで、様々なものが共存しているプラットフォームです。川久保やエイドリアンの目を通し編集された世界観があり、そうしたものづくりや商品、価値観の上に成り立っている場所だと思っています。——二宮さん自身にとってドーバー ストリート マーケットはどんな場所ですか。　コム デ ギャルソンという会社の中にもたくさんブランドがありますが、ドーバー ストリート マーケットではより多くのブランドを扱っています。国内外の有名無名問わず様々なクリエイターやブランドの商品と並ぶことで刺激を受けますし、自分自身も興味を持つきっかけになります。　インスピレーションという言葉は少し陳腐かもしれませんが、お互いに見たり感じたりすることで、新しい発見が生まれる場所です。お客様にとっても、それぞれ目的や感じ方は違うと思います。いろいろな価値観が共存しているからこそ、人によって違う面白さを発見できる、そんな場所なのではないでしょうか。——今回の「DSM Kei Ninomiya」は、ご自身の「noir kei
ninomiya」と比べると、より日常に近いデザインアプローチに見えます。意識的に変えた部分はありますか。　逆をやろうとか、あえて離れようという感覚はありません。ノワールの場合は抽象的なキーワードからコレクションの構想が始まることが多いです。そのためゴールも抽象的な表現に向かいます。　一方で「DSM Kei Ninomiya」は、ドーバー ストリート マーケットに集まるコミュニティからスタートしています。より人に近いところが起点になっているので、結果的にリアルクローズに近いアウトプットになっているのだと思います。——「DSM Kei Ninomiya」には、具体的な顧客像があるのでしょうか。　お客様そのものを見ているということではないです。むしろ、そこに集まる多様なカルチャーやバックグラウンドを見ています。そうしたカルチャーに対して新しい解釈を加えられないか。普通の服を作るだけではなく、その周辺にある意味や背景も含めてデザインすることで、新しい提案ができないかと考えています。——制作はどのように進めているのでしょうか。　「DSM Kei Ninomiya」は、海外での生産となるため、より細かいコミュニケーションが必要です。前シーズンのコレクションには、「フットボール」というキーワードがあります。ただユニフォームそのものを作るわけではなく、フーリガンカルチャーやフットボールを取り巻くカルチャー全体からアイデアを拾っています。今回は音楽からインスピレーションを得ています。パンク的な世界観の中で新しい表現ができないかと考えました。——そういったアイデアはご自身の興味から来るのでしょうか。　まだ3シーズン目ですが、自分の興味が中心です。もちろん今後はディスカッションを重ねながら進化していくと思いますが、現段階では自分が面白いと思うことからスタートしています。——今回ならではの新しい試みはありますか。　デザイン面ではメンズウェアのパターンワークです。それに加えて、グラフィックなどアーティストとのコラボレーションも行っています。*ジェイミー・リード（Jamie Reid）、ジュディ・ブレイム（Judy Blame）。シューズでは「ヴァンズ（VANS）」「ジョージコックス（GEORGE COX）」とのコラボレーション。ウェアでは「ショット（Schott）」がショーで登場した。——生産体制も普段と違うそうですね。　「DSM Kei Ninomiya」は、ドーバー ストリート マーケット パリのブランドデベロップメント部門*が主導しています。東京でデザインをして、パリのチームが生産をする形になります。時差も距離もありますし、生産のタイムラインも違います。すぐ変更がきくわけでもありません。まだ良し悪しは判断できませんが、日本とは違う面白さがあります。*これまで「イー アール エル（ERL）」や「ヴァケラ（Vaquera）」などの若手ブランドをサポートし、DSMの生産背景を提供している。「DSM Kei Ninomiya」はその部門による初の本格的なインハウスブランドとなる。——今回ピッティで発表することになった理由を教えてください。　ご招待いただいたというのが大きな理由ではあるんですが、せっかくブランドも始まったタイミングでしたし、新しいチャレンジをする良い機会だと思って参加を決めました。もう一つは、東京やパリではない場所で発表するということです。ドーバー ストリート マーケットの新しいプロジェクトを、ドーバーの店舗がない都市で発表するというのも面白い取り組みだと考えました。いつもと違う場所で発表することで新しい見え方があるのではないかと思っています。——ショーの作り方も普段とは違う？　今回はショーを行うスタッフもパリチームを中心に組んでおり、実際にヨーロッパへ行ってから最終の準備などを行いました。パリでのショー作りとはスタッフも環境も異なっていたので、苦労したところもありますが、最終的にうまくまとまったと思います。パリチームもこのブランドでショーをやるのは初めてなので、やってみないと分からない部分もありましたが、現地でやる以上、日本から人を連れて行くよりも現地の人たちとセッションした方が面白いと思っています。そこでしか生まれないものがあると思うので。——今回初めてショー形式で発表されますが、どんな期待をしていますか？　服は人が着ている姿が一番魅力的だと思っています。歩いている姿や動いている姿には写真とは違う強さがあります。そういう意味では、これまでとは違う角度でコレクションを見てもらえると思っています。——ご自身が考えるファッションにおける「新しさ」とは？　自分自身が見たことのないものを発見することでもあります。時代がどう変わっても、誰かがそういう挑戦をし続けなければ業界は前に進まないと思います。だから新しさは探し続けたいです。——一方で「変わらない価値」とは何でしょうか。　「自由さ」だと考えます。好きなものを選べること。好きな服を着られること。それは本当に幸せなことだと思います。いろいろな制約が増えていく時代ですが、作り手も着る人も自由に選択できること。それがファッションの本質的な価値だと思います。——新プロジェクトを担う立場として、社内外からのプレッシャーも大きいと思います。　プレッシャーはあります。ただ、周りにはもっと大きなプレッシャーの中で仕事をしている人たちがいます。川久保もそうですし、渡辺（淳弥）もそうです。そういう方たちを見ていると、自分はまだまだだなと思います。——先輩方から学ぶことはありますか。　ものづくりに対する真摯さです。「人生を懸けている」という言葉は大袈裟に聞こえるかもしれませんが、本当に100％ものづくりに向き合っています。川久保とは普段多く言葉を交わすわけではないですが、仕事の判断がとにかく速く、迷う時間がほとんどないというその決断力や、そのような姿勢を見ていると、自分ももっと頑張らなければと思います。——「DSM Kei Ninomiya」と「noir kei
ninomiya」の二足の草鞋を経験されてますが、今後どのように影響し合っていくと思いますか。　2つのブランドは全く違うものです。お互いに影響を与える可能性はあると思いますが、今の段階ではそれぞれ別の方向に面白く発展していけばいいと思っています。どちらかがどちらに寄るという感覚ではありません。制作スケジュール上はウィメンズとメンズがきれいに繋がったので、ずっと走り続けることになると思います。

コミュニティから服を考える　二宮啓が「DSM Kei Ninomiya」で挑む新たな表現

10周年に向け、「新章」へ──デビューから今まで、アワード受賞やパリコレ参加、グローバルブランドやマスファッションのコラボプロジェクトなどさまざまな動きがありました。外からは非常に順調に見えますが、困難に感じたことはなんでしょうか？　ほぼ毎日がチャレンジですよ（笑）。どのデザイナーにとっても、すべてのクリエイティビティが挑戦で、日々壁にぶつかっていると言えます。ただ、私たちは、ファッションクリエイティブを探究し続け、新しい意味を見つけることを「楽しいチャレンジ」だと感じています。──ファーストコレクションを発表してから、8年が経ちました。今ブランドはどのようなフェーズにあると考えていますか？　ファッション業界だけでなく世界も大きく変わりました。設立当初にやりたかったことは、自分たちのクリエイティビティをしっかりと示すことでしたが、同時に進化し続けたいという思いもあった。その過程を踏まえて、私たちは「第二フェーズ」へと向かっています。このフェーズでは顧客やオーディエンスと、ブランドが持つ価値観、体験をいかに共有できるかを模索する必要があります。　一方で、クリエイティブももちろん重要です。購入だけでなく、ロクの服を見て、感じる体験も含めたカスタマーエクスペリエンスと相互作用するような形で、よりブランドをコンセプチュアルなものへと進化させていきたいと考えています。──コミュニケーション方法も模索中。　それも挑戦の一つです。ファッション業界を取り巻く環境が変わったことの一つに、人々がどのようにファッションを楽しむかの概念も変化したと思う。私はというと、とてもクラシックな人間なので、ショーのような古典的でドラマチックな方法の力を信じています。ただ、世の中全体で見れば、特に新世代の子たちはファッションの見方や感じ方が違うのだろうなと。　だからこそ、そうした人たちにも届ける方法を探すことはチャレンジでもあり、クラシックな人間からすると少し葛藤もあります。今、新たに取り組んでいるのが、彼らと出会い、体験を提供することなんです。──2019年からパリファッションウィークの公式スケジュールに継続して参加していましたが、この2シーズンは休止していました。それも新しいフェーズに向けたものだったのでしょうか。　まさに、そのような理由からでした。ショーには瞬発的なエネルギーがあり、大きな経験になりますが、今のオーディエンスの集中力は数分、あるいはSNSで切り取られた数十秒しか続かないかもしれません。私は元々、タイムレスな衣服を届けたいと思っていて、それはじっくり、長く楽しんでもらうことなのですが、今のショーを取り巻く状況との乖離を感じたのです。自分たちに合う形で、オーディエンスと真に意味のある繋がりを見つけなければいけないと。　将来的にはまたショーを行いたいですが、クリエイティブの新章を描くような、意味のある移行にエネルギーを使いたい。それでショーを休んで、シーズンのヴィジュアルやECサイトのデザイン、ディスプレイの世界観など、よりオーディエンスに近い部分のディレクションに目を向けるようになりました。H&MやGUとのコラボがもたらしたもの──H&MやGUといったマスファッションのブランドとのコラボは、オーディエンスとの繋がり、より広いユーザーとの出会いという意味でも意義深かったのではないでしょうか。　かなり前向きな変化をもたらしてくれました。2つのプロジェクトを通じて、私たちのデザインは、これまでより遥かに大きなスケールで広がりのあるものだと知ることができましたから。今までは、特定の審美眼を持っていたり、ファッションを特別なものと考えている人たちのためにデザインしていました。それもまたブランドのあり方として正しいのだと思いますが、コラボの経験から、自分たちの可能性を大いに広げてもらったと思っています。普段のテリトリーを超えた「私たちの地図上」にはなかった国々の人々が、それを着たり、さまざまな形で自分たちのスタイルに落とし込んでいる姿を見て、たくさんの刺激を得ました。──ロクのクリエイティブにも影響しましたか。　自分たちの世界観を特定の層に向けて特化する必要はないのだという視点を与えてくれました。それはファッション性を落とすといったことではありません。そもそも持っているアイデンティティが、もっと広く受け入れられる可能性があり、だからこそ広い視野でデザインに挑戦してみたらいいんだと。　そしてデザインの幅広さは、プライスレンジの拡大にも繋がります。元々のロクらしいアーティスティックなピースは残しながら、楽しんでもらえるようなデザインと価格も考えるようになりました。ファッションを“作る喜び”──ファッション業界で二極化が進む中、独立したデザイナーズブランドが存続することは難しい時代でもあります。ロックさんがファッションを“作る喜び”はどこにありますか。　これはとても重要な問いですね。ただのひとりのファッション愛好家でオーディエンスでもある自分にとっても、ファッション業界はある意味飽和状態にあると感じています。そして私は、それほど若いデザイナーでもないので、こうした大きな流れに疲れてしまうこともあります。　それでも私が喜びと情熱を感じる源は、ただ作り続けることが好きだということに尽きます。制作で時々あまりにもコンセプチュアルになりすぎることがありますが、最終的に、私が好きなものや自分の審美眼をキュレーションするように整えていく。そのプロセスほど楽しいものはありません。そうやって私が生み出したものが知らない誰かの人生に溶け込んでいくことが、とても意義深く感じるのです。それが私にとってのファッションを通じたコミュニケーションなんだろうと思います。──ちなみに、ご自身がファッションに突き動かされた経験は覚えていますか？　私は昔、歴史的な衣服のコレクターで、それがファッションを始めた理由のひとつでした。あるとき、蚤の市のようなマーケットで古いタキシードを見つけたんです。手作業で縫製されていて、汚れや少しずれがあったりするのですが、でもその佇まいがとても美しかった。古くてもタイムレスな美しさを持った服がとてもかっこいいと思ったのを覚えています。特に、あまりファッション性が高くないような都市のガレージセールを漁ってみると、意外と面白いものが出てくるんです。──ブランドロゴの「0000-0000」は、まさに製造年を空白化したタイムレスな衣服を表すものですね。　このロゴは、ヴィンテージの服に製造年が書かれていたことを参考にしました。いつ作られたかは関係なく、いつでも、いつまでも着ていいというメッセージです。 コレクションではアイデンティティを広げるフェーズ──今回のポップアップでラインナップしている、2026年春夏コレクションはどのように作り上げましたか。　最近の制作方針は少し変わってきています。以前は、よりシネマティックなストーリーや世界観の構築に比重を置いていましたが、近年はもっとアーティザナルでクラフトを重視したものへと進化しています。いつも通り実験的なドレープや裁断、人体とファッションの試作としてのアプローチは変わりませんが、今自分が好きなさまざまなものをジャズのように、フリースタイルで組み合わせて作っていきました。それから、コンセプチュアルでありながら、着る人が自信を持ち快適さを感じるような仕立ても意識しました。──ロクらしい解体・再構築を落とし込んだアイテムの他に、ウェアラブルなカットソーやボトムスが目立ちます。　そこが重要なポイントです。ただし、元々のコンセプトが薄まるような見せ方は避けたいと思いました。構築的なシルエットでも、手触りが柔らかい素材を使ったり、一見すると着方が決まっているようなアイテムも変形して着用できたり、自分たちが持つアイデンティティの表現の幅を広げたという感じでしょうか。──エキシビション形式のポップアップはソウルで開催し、今回東京にやってきました。こうしたリアルなイベントが、ショーに代わる新しいコミュニケーションの形ということでしょうか。　現時点ではイエス、という感じでしょうか。まさに今、私たちは移行期なので、これから別の方法が見つかるかもしれません。ただ、今回のような形式は、ブランドの全体像、コンセプトを伝えながら、より多くの人が同時にハッピーになる方法の一つだと思っています。トルソーはショーピースのようなドラマティカルなルックを着せていますが、それだけではなく、日常使いしやすいジャージー素材のアイテムやスウェット、デニムアイテムもあります。また、従来よりも価格を抑えた商品も増やしました。──書籍やBGMもロクさんがディレクションしたと伺いました。　書籍は恵比寿にある大好きな書店「POST」さんに協力いただき、私が好きなものを集めていただきました。音楽も心地よいジャズで、服を選ぶ時間を映画のように演出してくれる素敵な曲を、「バング＆オルフセン（Bang & Olufsen）」のスピーカーから流しています。展示空間全体でロクの制作プロセスを伝えたかったので、アイコニックなトレンチコートはアーカイヴの型を新たな素材で再構築したものをディスプレイとして紹介し、型紙をインスタレーションのように展示しています。メゾンからディレクターのオファーが来たら？──ブランドの今後の目標や夢を聞かせてください。　ブランドが新しい意味を見つけていくという意味で、どんな個性を持ちうるか、改めて考えているところなので、それを形にするのが今の目標です。コミュニケーション面でも、方法を模索している最中ですが、「ロクのユニバース」——服だけではなく、どんな言語を持ち、どんな香り、ストーリーがあるかということを、リラックした気持ちで楽しめるような空間を作るのが夢です。単なるショップではなく、もっと芸術的で高揚感を与えられるようなものを考えています。──7年前のインタビューで「メゾンからのオファーがあれば、タイミングが合えば考えたい」とおっしゃっていました。ブランドの基盤が固まった今、同じようなオファーが来たらどうしますか？　今でもその気持ちは変わりません。ただ、やはり私が今最も集中し、責任を負うべきなのはロクなんです。スタッフだけでなく、ブランドを愛してくれる人たちに対する責任がありますから。この間にも素晴らしいオファーをいくつか断ってしまったのですが、それでも人生は一度きりですから、いつかは挑戦したいです。photography: Kazuki Ono

「ロク」が描く現在地　マスブランドとのコラボがもたらしたもの

　レノマは、メンズウェアの既成概念を覆したブランドとして知られている。創業者モーリス・レノマが提示したのは、クラシックで均質的だった当時の装いとは異なる、色や柄、素材、ジェンダーに捉われない自由なスタイルだった。　「当時のフランスのファッションは、グレーを基調としたクラシックで直線的な服が多かったのです。そこに父は、花柄や男女のミックスといった、当時としてはとても大胆な要素を持ち込みました。最初は周囲から"クレイジーだ"と言われていましたが、次第に音楽や映画業界のクールな人々が彼の服に惹かれていき、パリの若者たちが憧れるようになったのです」。　そう語るのは、モーリスの娘であり、現在ブランドのCEOを務めるステファニー・レノマだ。デヴィッド・ボウイ、ミック・ジャガー、エルトン・ジョン、セルジュ・ゲンスブール、ジェーン・バーキン、ジョン・レノン、アンディ・ウォーホル、パブロ・ピカソ、サルバドール・ダリ——。レノマの服は、時代を象徴する名だたるミュージシャンや俳優、アーティストたちに愛されてきた。　「父の周りには、映画スターやミュージシャン、アーティストが自然と集まっていました。ヘルムート・ニュートンやギイ・ブルダンのような写真家たちとも親交があり、ブランドはアートを共通言語に持つ、大きなファミリーのような存在でした」。　レノマの革新性は、シルエットや着こなしだけにとどまらない。モーリスは、服飾用ではない素材を服に持ち込んだ。カーテンやカウチなどのインテリアファブリック、軍用テントなどのテクニカルな素材などだ。父であるモーリスについて、ステファニーは「自由な精神の持ち主」と表現する。　「私にとって父は、友人のような存在でした。必要な自由をすべて与えてくれましたし、誰のことも、どんなこともジャッジしませんでした。人は皆それぞれ違う。だから境界線を設けるべきではない、ということを深く理解していた人です。その考え方が、彼の革新的なクリエイションにつながっていたのだと思います」。　ステファニー自身もまた、幼い頃からファッション、写真、アートに囲まれて育った。美術学校で美術史を学び、その後パリのエスモード（ESMOD）に進学。イタリアでは「イヴ・サンローラン（Yves Saint Laurent）」のニットウェアにも携わった。その後、日本におけるレノマのライセンスビジネスに関わり、キッズやウィメンズコレクションを担当。2000年には自身のブランド「ステファニー・レノマ（Stéphanie Renoma）」を立ち上げ、コレクションを展開。ブリジット・マクロン仏大統領夫人やフランスの著名人をクライアントに持つ。　近年はフォトグラファーとしての活動にも力を入れる。雑誌のエディトリアルやレノマのキャンペーン撮影を手掛け、ファッションデザインとは異なる角度からもブランドの世界を表現している。さまざまな分野への挑戦は、まさに父から受け継いだ自由の精神を体現している。　「人生において好奇心を持ち続けることが大切。ずっと同じことをしていると、感性を失ってしまうからです。変化にはリスクが伴いますが、人生も、生きること自体もリスクの連続ですから」。　レノマのアーカイヴには、服を超えた物語が宿る。ジョン・レノンが「イマジン」のミュージックビデオで着用したジャケットは、ロンドンのヴィクトリア＆アルバート博物館に収蔵され、ダリが愛用したジャケットは展覧会のために貸し出されるなど、現在も文化的価値を持つピースとして扱われている。　「ジミ・ヘンドリックスのジャケットや、ジム・モリソンが着るはずだったブルースカイジャケットなど、パリの地下のアトリエには膨大な数のアーカイヴがあります。これらは単なる物ではありません。まさに歴史であり、着る人の人生や愛情、感情の一部なのです。過去にはオノ・ヨーコから直接連絡がきたこともありました」。　最近では若い世代が、親や祖父から受け継いだレノマのジャケットを大切に着ている姿を見ることもあるという。　「20〜30代の人が、"家族から受け継いだレノマのジャケットを今も着ています"と言ってくれることがあります。まるで宝物のように大事そうにして。世界中の人々が、レノマのアーカイヴに宿る物語の一部を求めているのだと思います」。 　現在のレノマは、アーカイヴの復刻と新作コレクションの両軸でブランド展開をしている。年に2回のメインコレクションに加え、VIP顧客に向けた受注生産も行っている。日本では、1990年代から伊藤忠商事とパートナーシップを結んでおり、「renoma PARIS」や、スタイリストの熊谷隆志がディレクションするゴルフブランド「renoma GOLF」などが展開。いずれもブランド独自のフレンチのエスプリを効かせながら、日本の市場に合わせたコレクションを製作している。　ステファニーにとって、日本は特別なマーケットでもある。初来日は約25年前。父と共に、表参道のスパイラルホールで開催されたレノマの展覧会のために訪れた。　「その時に、"私のゴールは日本、東京だ"と感じました。日本はファッションだけでなく、ビューティやライフスタイルなど、あらゆる分野で最も興味深い国の一つです。多くのトレンドが日本からフランスに伝わってきましたし、日本人のライフスタイルには誰もが憧れています」。　ファッションや飲食、アートなどを融合させたプロジェクトにも関心を寄せている。すでに進出しているホテルビジネスでは、テルアビブでブティックホテルを運営、またブエノスアイレスでも新規開業を控え、ファッションに留まらないライフスタイルを提案している。　数多くのブランドが存在し、情報やトレンドが絶えず移り変わる現代において、レノマが提供できる価値とは。最後にそう尋ねると、同氏はこう答えた。　「レノマは、マーケティング主導の商業的なブランドとは違います。時代のアイコンに愛されてきたこそ、表面的なセレブリティマーケティングの手法にレノマにはそぐわない。ブランドを愛してくださる顧客の心の平穏であり続け、レノマを着るということは、歴史の一部を所有すること。もしあなたが、他とは違う何かを求めているのなら、そこにレノマがあります」。

レノマが受け継ぐ自由の精神　ステファニー・レノマが語る父のレガシー

 リチャード・クリスチャンセン（左）：オーストラリアで養蜂家の両親のもとに生まれる。アメリカに移住後、クリエイティブエージェンシー「Chandelier」を設立し、数多くのブランドの戦略立案やクリエイティブディレクション、キャンペーン企画を手掛ける。2020年にフラミンゴ・エステートを創業。アーロン・ハーヴェイ（右）：アメリカ・ロサンゼルス生まれ。NFTマーケットプレイスを展開するDapper Labsや「オフ-ホワイト™（OFF-WHITE™）」でディレクターを務めた経歴を持つ。フラミンゴ・エステート設立時から、ブランディング、キャンペーン、パッケージデザインを含む、全てのクリエイティブディレクションを指揮している。「私たちは、母なる自然のクリエイティブディレクター」⎯⎯ まずはフラミンゴ・エステートというブランドについて、教えてください。リチャード：フラミンゴ・エステートは、僕たちが実際に暮らしている家の名前なんだ。丘の上に建つピンク色の自宅が、フラミンゴのように見えることからそう呼んでいて、そこから名付けた。ブランドの核となるのは、この家に広がる庭と果樹園、そしてキッチン。マーケティングのための作り話ではなく、物理的に「本物の場所」があることがブランドの強みだと考えているよ。⎯⎯ ブランドを始めたきっかけは？リチャード：2020年ごろ、コロナ禍でレストランが次々と閉鎖されて、販路を一気に失ったロサンゼルスの女性農家と出会ったのがきっかけ。農場を手放す寸前まで追い詰められていた彼女の姿を見て、「助けなければ」と強く思って。私自身、子どもの頃に両親が農場を失っているので、他人事には思えなかった。　そこでアーロンが箱をデザインし、彼女の野菜を詰め合わせたボックスを販売することにしたんだ。最初は12箱ほど販売できれば十分と考えていたけど、初週に100箱、翌週には300箱、さらにその翌週には600箱と、想像をはるかに超えるペースで注文が入ったんだ。⎯⎯ 野菜からキャンドルやソープへ、それはどうして？リチャード：一般的なブランドは「キャンドルを作りたい、では何が必要か」という順序で考えるよね。僕たちは逆だった。農家の方々から「セージやラベンダーがたくさん採れたんだけど、何かつくれないか」と声をかけられるところから始まる。素材が先にあって、プロダクトが生まれる。今では125以上の農家と一緒に製品をつくっている。私たちは「マザーネイチャー（母なる自然）」のクリエイティブディレクターだと思っているよ。自然の恵みを引き出して、届ける役割だね。⎯⎯ 農家と組むことで、プロダクトの幅も変わりますよね。リチャード：農業は季節によって何が起きるか予測できないよね。だからプロダクトは常に変化しているよ。何かが花を咲かせれば「では新しいものをつくろう」となる。バニラ入りのオリーブオイル、ガーリックオリーブオイル、フェンネルのハチミツ...これほど絶えずプロダクトが生まれ続けるブランドは、なかなかないんじゃないかな。それがフラミンゴ・エステートの面白さでもあると思う。⎯⎯ キャンドルの香りも、庭への回帰がテーマになっていますね。リチャード：ブランド創業当時の市場は、甘くて可愛らしい香りのキャンドルであふれていた。僕たちがつくりたかったのは、もっと土に近いもの。庭に立ったとき、風に乗ってくるありのままの香り。トマト、セージ、ローズマリーなど庭で育てている植物の香りをそのままに、製品をつくっているんだ。アーロン：僕自身、ジャスミンもロサンゼルスを代表する香りとして、大好きな香りのひとつ。ロサンゼルスで活躍した映画監督のデヴィッド・リンチ（David Lynch）は、墓石に「Night Blooming Jasmine」という言葉を刻んでいて、ジャスミンの香りが死者を目覚めさせると信じていたほど。僕たちも香りを特定の場所や記憶と結びつけることに強く惹かれているんだ。理念は「この地球を、出合った時よりも美しく」⎯⎯ ブランドの理念や成分へのこだわりについて教えてください。リチャード：実は自宅の庭には、日本のお風呂文化に着想したバスハウスがあるんだ。そこで使用した水が庭に流れる仕組みになっているんだけど、以前使っていたボディウォッシュが原因で、大切に育てていたバラが枯れてしまって…。　そこで、「植物に使えないものを、なぜ自分の肌につけるのか？」と気づいたんだ。それ以来、この問いがすべての製品開発の出発点になっている。ボディケア、スキンケア、来年発売予定のフレグランスまで一貫して、私たちの信条は、「この地球を、出合った時よりも美しい状態にして残すべきだ」ということなんだ。⎯⎯ その他に、プロダクトをつくる際に大切にしていることはありますか？アーロン：香りが、ちゃんとその場所へ連れていってくれるかどうかだね。⎯⎯ というと？アーロン：トマトの香りを試した瞬間、庭に立っている感覚がなければいけないと思っているんだ。香りがひとつの物語として機能しているか、それを常に問い続けているよ。パッケージや細部へのこだわりも同じで、箱を開ける瞬間からフラミンゴ・エステートの世界に招かれるような体験が生まれるか、それを大切にしているんだ。リチャード：私は農家のみなさんの“物語”に惹かれる。その人の生き方や土地への向き合い方を聞いただけで、香りを試す前からその素材に恋をしてしまうことがある。だからその“物語”を、製品を通して伝えられるように意識しているよ。　僕自身は、食や味覚への関心が強く、香りの感性はアーロンのほうが鋭い。大切なのは、お互いの得意な領域を活かし、リスペクトし合うこと。それこそが、僕たちが2人でブランドを手掛けている意義だと思っているよ。⎯⎯ 2人の間で意見がぶつかることもある？アーロン：最も意見が割れるのはスピードの問題だね。リチャードはとにかく速く、たくさんのことを動かしたい。僕はひとつのことをじっくり丁寧に仕上げたい。大体僕が勝つので対立とは言えないけど（笑）、この違いがあるからこそ、量も質も両立できていると思っているよ。日本とフラミンゴ・エステートが共鳴する理由⎯⎯ 日本には何度も訪れているとか？リチャード：2人で何度も来ていて、本当に大好きな国。だから日本でフラミンゴ・エステートを販売することは、僕たちの長年の夢だったんだよ。アーロン：日本には、好きなブランドや物事のストーリーを深く掘り下げようとする文化があるよね。フラミンゴ・エステートには、プロダクトや協業する農家さんごとに多くの物語がある。きっと理解してもらえると確信しているよ。ロサンゼルスもハリウッドやディズニーに象徴される「物語の街」。物語に耳を傾けるこの国と、深いところで通じ合えると信じているんだ。⎯⎯ 最初に日本を訪れたときから、日本が変わったと思うこと、一方で変わらないと感じることはありますか？リチャード：変わらないのは、この国の人々の品格と親切さだね。初めて訪れたときから、誰もが持つ優しさと礼儀に驚かされたよ。それは今も変わっていないと思う。変わったのは、むしろ僕自身の見方かもしれないね。日本の人々がアメリカのブランドに向ける、深い好奇心と敬意に気づくようになった。アメリカでは少し雑然としているブランドも、日本では最も洗練された形で表現されている。それを目にするたびに、いつも新鮮に感じるよ。TOPICS：来日中にカメラに収められた写真たち 　2人が来日中に撮影した日本。日本人には当たり前の風景も彼ら2人には違った“景色”に見える。⎯⎯ 日本の文化から影響も受けますか？リチャード：日本のお風呂文化に深く共鳴して、毎日お風呂に入っているよ。お風呂はただ体を洗う個人的な行為ではなく、温泉などで共同体をつくる場所でもあって。その視点を知ったことで、ソープというプロダクトの持つ意味が広がったと思うよ。　もうひとつ、忘れられない気づきがあって。日本では果物を贈るとき、デリケートな皮の果物を丁寧に包んで届けるよね。今のアメリカでは、トランプ大統領の時代を反映するように、「タフであることが1番」という価値観が広がっている…。でも私は、傷つきやすさもまた、生きてきた証だと思っているんだ。輸送中に傷ついてしまった桃や梅は、販売されず廃棄されてしまうことがあるよね。でも細さや柔らかさを持つものを、私たちはもっと大切にすべきだよね。人間も同じだと思う。日本の食への向き合い方が、そのことを教えてくれたんだ。日本の農家の「小さく丁寧に」の考えに共感⎯⎯ 以前、日本の名産品を集めたコレクションボックスを販売していました。どのようにしてアイテムを見つけたのですか？リチャード：コレクションボックスは、特定の国や地域に赴き、農家の方々と直接出会い、一緒にプロダクトをつくり、そして3ヶ月間だけ販売するという取り組み。これまで日本、ハワイ、ブータン、メキシコで実施したよ。　日本では、最初に訪れた沖縄での経験が特に印象的だったんだ。世界中どこの農家でも「5000個つくりたい」と伝えると喜ばれる。ところが沖縄の農家さんは違った。「5000は無理。50個つくる。それ以上は興味がない」とはっきり言われたんだ。規模を大きくすることよりも、小さく丁寧であることを選ぶ。私たちのものづくりへの考え方を変えてくれた。「大きく派手に」ではなく「小さく誠実に」を大切にすべきだと。⎯⎯ 日本で好きな場所は？リチャード：麻布台ヒルズの地下にある「麻布台ヒルズ マーケット」。チーズやオリーブオイルとか、素晴らしいものをつくる人々が集まっていると思う。私にとって豊かさとは、「五感を最大限に働かせること」。あそこはすべてが美味しく、良い香りに満ちて、まさに理想の場所なんだ。長い歴史を持つ農産物と、現代的なパッケージやヴィジョンが交差する感覚も良い。古くからの農家と新しいやり方で協業するフラミンゴ・エステートと、どこか似ていると思う。日本に来るときは、いつも空のスーツケースを持参して、食べ物でいっぱいにして帰るんだよ（笑）。アーロン：僕は買い物が好きだから、ヴィンテージショップだね。空いた時間があると必ず行くよ。日本に来るたびに新しいショップに出合うから、行きたいショップリストが増えていく一方で…。いつか日本に住みたいくらいだね（笑）。⎯⎯ フラミンゴ・エステートに取り入れたい日本の植物はありますか？リチャード：何年も前に屋久杉のオイルを香ったことがあるんだけど、これまで体験した中で最高の香りだったんだ。落ちた枝からしかオイルを採れないから、入手が非常に難しい。あのオイルをもう一度手に入れることが夢で、ずっと探し続けているんだよ。いつかボディケアやフレグランスに使いたいね。⎯⎯ 日本の人たちに、フラミンゴ・エステートをどう届けたいですか？アーロン：フラミンゴ・エステートはパッケージのエンボス加工や箱の内側と、細部にまで強くこだわっているんだ。品質の違いは、常にディテールに宿る。それは時に、誰も気づかないような部分なんだけど。パッケージだけでなく、原材料も同じ。安価につくることはできるけど、私たちはそうしない。そういった見えないところにこそ、日本の人々は価値を見出してくれると信じているよ。リチャード：ブランドのすべてを一度に理解してもらおうとは思っていないよ。まずはオリーブオイルでも、ソープでも、キャンドルでもいい。何かひとつ好きなものを見つけてもらって、そこからゆっくりと、ブランドの魅力を探っていってほしい。100年先まで続くブランドへ、時間をかけ育てていきたい⎯⎯ グローバルでのさらなる展開は考えていますか。アーロン：今はアメリカ、オーストラリア、日本の3つの場所で十分だと思っているよ。2人の出身地と、私たちにいつもインスピレーションをくれる日本。リチャード：フラミンゴ・エステートは、100年先まで続くブランドでありたいと思っているんだ。歴史を積み上げる時間はまだまだこれから続く。今は焦らず、時間をかけて育てたい。日本は、その大切な一章なんだ。⎯⎯ 最後に、ブランドとして、そして個人としての夢を教えてください。リチャード：ブランドとしては、正しい方法でものづくりをしながら世界をより良くすることと、大きなビジネスを築くことは両立できるということを証明したいね。個人としては、私の好きな言葉でもある「熟す（ripen）」こと。歳を重ね、シワが増え、古いトマトのようになっていく。その過程を楽しみながら、すべてのものを味わい、感じ続けたいと思っているよ。アーロン：この6年間でのブランドの成長は、想像を超えるものだった。この成長を維持していきたい。個人としても、リチャードと同じように、人として成長しながら“熟していきたい”ね。

庭から生まれたソープやキャンドル　LA発「フラミンゴ・エステート」の哲学

追い求めたのはさらに自由な曲線のかたち──2020年から手掛けているバッグブランド「ノリ エノモト（nori enomoto）」とは切り離し、新たにジュエリーブランドを立ち上げた理由を教えてください。　ノリ エノモトでのバッグ作りでは、物を入れて運ぶという機能が前提にあり、その中で曲線美と実用性をどう共存させるかに焦点を当ててきました。その化学反応のようなものづくりに面白さを感じる一方で、いつしか機能を伴わない純粋な「形」そのものに向き合いたいと思うようになったんです。　さらに小さなスケールで曲線美を追求できる表現を考えたとき、行き着いたのがジュエリーでした。曲線だけにこだわったものづくりをするなら、それはバッグブランドのカテゴリー拡張ではなく、別の思想を持つブランドとして立ち上げるべきではないかと。そこで「実験的な膨らみと美しい曲線の追求」を掲げたブランド「ガルブ」をスタートしました。 ──そもそも強い「曲線」への関心はどのように生まれたのでしょうか。　原点は服作りを学んでいた文化服装学院での学生時代にあります。学校では、制作中に曲がってしまったまち針をそのまま捨てるのではなく、針供養のための回収箱に集める決まりがあったんです。私は提出用のまち針をガムテープに貼ってミシンにベタッと貼り付けていたのですが、その曲がった針の集合体が不思議と美しく見えて。本来であれば役目を終えた道具であり、捨てられるはずだったものの中に偶然生まれる曲線。その美しさとの出会いが、今の自分の造形感覚の出発点になっています。──ガルブはローンチまでに約2年の準備期間があったそうですね。　そうなんです。私はもともと服作りを学んできたので、ジュエリーの専門知識があったわけではありません。素材ごとの性質や耐久性、長く身につけてもらうための構造など、一から学びながら形にしていきました。自分が作りたい曲線を成立させるために、どの素材が適しているのかを探る時間が必要だったんです。──バッグからジュエリーへ。キャンパスのサイズが大きく変わることで、制作にも違いはありましたか？　バッグではミリ単位で調整していたものが、ジュエリーになると0.2ミリ単位の世界になったのが一番大きな変化です。ほとんどの人には気付かれないような差ですが、そのわずかな違いが造形の印象を大きく左右するんです。0.2ミリ削るか、0.2ミリ足すか。その違いを延々と検証しながら形を作り上げていく作業は、正直かなり狂気的だと思います（笑）。でも、そうやって細部を突き詰めていけるところに、ジュエリー作りの面白さを感じています。 ファインジュエリーの世界への扉を若い世代に開きたい──ローンチから半年ほどが経ちました。ガルブとノリ エノモトでは、顧客層に違いはありますか？　少し違いますね。ノリ エノモトは年齢層が幅広い一方、ガルブは現在30歳前後のお客様が中心になっています。　また、ガルブのポップアップには「ノリ エノモトを知っていたから来た」という方だけではなく、ジュエリーそのものに興味を持って来店される方も多いんです。最近は「デザイナーが榎本紀子さんなんですね」と後から知ってくださるケースも増えていて、ブランドとして少しずつ独立した広がり方をしているのを感じています。──実際に顧客と接する中で、どのような反響を感じていますか。　印象的なのは、「ジュエリーは自分とは少し遠い存在だと思っていた」という声を多くいただくことです。アクセサリーには親しみがあっても、ファインジュエリーとなると少しハードルが高く感じられるのかもしれません。だからこそガルブでは、ジュエリーを特別な日のためだけのものではなく、日常の中で楽しめるものとして提案したいと考えています。実際にポップアップでは、「初めてファインジュエリーを購入した」という方や、「ガルブのアイテムをつけるためにピアスを開けた」という方もいらっしゃいます。そうした声を聞くたびに、ジュエリーとの新しい出会いのきっかけになれていることを嬉しく感じます。　ただ同時に、もっと多くの方に素材そのものの面白さも知っていただけたらと思っています。例えばスターリングシルバーは経年変化によって表情が変わりますが、磨けば再び輝きを取り戻します。さらに金やプラチナを組み合わせることで、新たな魅力も生まれる。そうした素材との関係性を楽しみながら、自分なりの付き合い方を見つけてもらえたら嬉しいです。──素材との関係性を楽しんでほしいという思いは、異なる素材を組み合わせたデザインにも表れていますね。　そうですね。バッグでは色の組み合わせを考えることが好きだったのですが、ジュエリーを学ぶ中で、それと似た面白さを素材の組み合わせにも感じるようになりました。中でも気に入っているのが、シルバーと18金の組み合わせ。それぞれ単体でも十分に魅力的ですが、あえて一つのアイテムの中で共存させることで、お互いの色や質感が引き立つんです。シルバーが好きな方にも自然にゴールドを取り入れていただけますし、その逆もあります。素材同士の対話のような感覚があって、とても惹かれている表現の一つで、複数のコレクション内で展開しています。中でも、指輪の造形をピアスへと落とし込んだ「bague collection」の「complète solitaire pierce」（4万4000円）は特に人気が高く、ガルブらしい曲線美と素材の魅力を感じていただけるアイテムだと思います。──ガルブのジュエリーは、人生の節目や特別な記念日を彩る品として購入される方多いと伺っています。　もちろん日常的なお買い物として選んでいただくこともありますが、実際にお客様とお話ししていると、想像していた以上に人生の節目と結びついていることが多いんです。大学の卒業や就職、転職、誕生日、ボーナスが出たタイミング。誰かに贈るだけでなく、自分自身に贈るために選んでくださる方もたくさんいます。　ジュエリーは価格だけを見ると決して気軽な買い物ではありませんが、その分購入した日の気持ちや、そのときの自分の状況まで一緒に記憶してくれる存在でもあると思っています。数年後に見返したとき、「あのとき転職したんだよな」とか、「卒業祝いに選んだものだったな」と思い出せる。そういう時間の積み重ねとともに育っていくものだからこそ、流行として消費されるものではなく、その人の人生に長く寄り添うデザインをこれからも生み出していきたいです。“自分だけ"が意味を知る文字をリングに──6月4日に発売したアルファベットモチーフの新作リングコレクション「mignon alphabet collection」について教えてください。　第1弾となる今回は、「A、B、C、E、G、H、I、J、K、L、M、N、O、R、S、U、V、Y」の計18文字を発表しました。26文字すべてのデザイン構想はありますが、アルファベットごとに造形として成立させる難しさが異なるため、まずは納得できた文字からリリースしています。　アルファベットモチーフのジュエリー自体は世の中にたくさんあります。ただ、その多くは文字そのものを見せるためのデザインだと思うんです。一方で私が作りたかったのは、「自分だけが意味を知っている文字」。例えばイニシャルでもいいですし、大切な言葉でもいい。身につけている本人には意味があるけれど、他人から見たら抽象的な造形に見える。その曖昧さを表現することにこだわりました。　私はもともとパタンナーを目指して服作りを学んでいたので、平面を立体として捉える感覚が自然と身についているんです。なので今回もアルファベットも単なる文字としてではなく、「指に通したときにどんな造形になるか」という視点から考えていきました。文字をそのままジュエリーに置き換えるのではなく、一度立体として再構築し、身につけたときに美しく見える形へと翻訳しています。──翻訳する過程でのこだわりを教えてください。　重ね着けしたときに単調にならず、造形同士が会話するような状態をつくりたかったので、母音の「O」や「I」には膨らみや凹凸を加えました。子音の文字は、「E」のように文字の形をかなり残しているものから、「J」のようによく見ると文字が浮かび上がってくるようなデザインのものまで、幅広く揃えています。　リングのデザインに落とし込む作業で苦戦したのは、「L」や「V」のような直線的な文字。太さや長さ、重心の位置を細かく調整することで、文字としての認識と造形としての美しさの両方を成立させていきました。こうした微調整の積み重ねや、身につけたときの見え方を考えながら形を整えていく感覚は、バッグや服作りをしていた頃から変わらない部分かもしれません。 ──新作は価格帯が1万7600〜5万8300円と、今までのコレクションと比べ価格が抑えられています。　初めてサンプルを公開したときに、年齢や性別を問わず、多くの方が興味を示してくださったんです。ご自分のイニシャルや好きな言葉を考えながらお客様同士で会話をしている様子を見て、このシリーズは単なるイニシャルジュエリーではなく、その人らしさを表現するためのツールになり得ると感じました。　ただ、そのときに「もちろん複数個組み合わせたいけれど、そうなると価格が気になりますね」という声もいただいて。例えば「LOVE」を作るなら4つ必要ですし、もっと長い言葉ならさらに増えます。一点だけを身につけるのではなく、自分の好きな言葉やイニシャルを自由に組み合わせながら遊んでほしいので、価格が理由で選択肢を狭めてしまうのは違うと思ったんです。だからこそ今回は、複数本を組み合わせる楽しさを前提に、手に取りやすい価格設計にこだわりました。──最後に、今後の展望について教えてください。　まずは、ブランドが考えていることを国内外で継続的に発信していきたいです。私にとってジュエリーは装飾品というだけではなく、その人の記憶や節目に寄り添う存在です。今後は結婚指輪のような人生の節目に関わるアイテムにも挑戦していきたいですし、展示会やポップアップを通して、ブランドの思想そのものを伝える場も増やしていきたいと思っています。　また、いつかはガルブの世界観をより深く体験していただける空間も作れたらと考えています。ポップアップを開催するときも、単に商品を並べるのではなく、ブランドの考え方や空気感まで含めて伝えることを大切にしているので、そうした軸をぶらさずに表現できる場所があれば挑戦してみたいです。形の美しさを追求することと、その先で誰かの記憶に残るものを作ること。ガルブはこれからも、その両方を大切にしながら続けていきたいです。

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バッグの次に見つけた表現　榎本紀子はなぜジュエリーブランド「ガルブ」を立ち上げたのか

KIJIMA TAKAYUKI

yoshiokubo

MIHARA YASUHIRO

50周年MIDWEST 座談会

“ダサい人がいなくてつまらない”　三原康裕、久保嘉男、木島隆幸が語る令和ファッションシーン

池田ハリス留美子（以下、池田）：こんばんは。ニューヨークは今、夜ですよね。遅い時間にありがとう！モイセス・ラミレス（以下、モイセス）：こちらこそ、今日はよろしくね。池田：早速だけど、モイセスはなぜ、メイクアップアーティストになったの？モイセス：実はメイクアップアーティストになりたいと思っていたわけじゃなかったんだよ。アリゾナのセドナでペインターとして働いていたんだけど、その職場が、M•A•Cのショップの隣でね。毎日女の子たちが、ショップに行っては素敵なメイク姿で出てくるのを見ていて、どうやってあんな色を出しているんだろうって興味津々だったんだよ。まるで自分の絵みたいだと感じていたんだ。　そしたら、僕の絵画を知っている友人たちが「メイクアップアーティストに向いていると思うよ」と言ってくれて。それで動いてみようと思ったんだ。 池田：そうだったんだ。ペインターだったことは知っているけど、そういう経緯だったんだね。モイセス：実際、メイクが職業になるとか、自分にできることだとは思っていなかったよ。ファッションはずっと好きだったけどね。でも、有名なメイクアップアーティストの存在や、実際に現場でそういった仕事をしている人がいることすら知らなかったんだ。池田：モイセスのファッションはいつもとても素敵だし、家もとってもおしゃれだよね。モイセス：ファッションは常に僕の中の一部だったけど、メイクアップはそうじゃなかった。メイクアップアーティストになろうという目標を持っていたわけではなく、ただ、そうなったということなんだよ。池田：それでその後、M•A•Cに入ったってこと？モイセス：そうだね。実は、M·A·Cに入るまでメイクをしたことは一度もなくて、採用面接でのメイク実技が、人生で初めてメイクをした瞬間だった。2006年頃だったけど、当時のM·A·Cはプロのメイクアップアーティストを採用していたから、周りからも「採用は難しいんじゃない」って言われたし、就職するのはとても難しかった。でも採用されて、フェニックスで約2年間働いた後、ニューヨークに移ったんだ。池田：そのニューヨーク時代に、我々は出会ったんだよね。モイセス：留美子は本当に元気で明るい。それが第一印象だったよ。フレンドリーでたくさんの人と話をしているイメージだったね。留美子は本当に親切で、すぐに意気投合したよね。池田：そうそう。ブルックリンで近所に住んでいたから仲良くなって。モイセスは人とは違ったメイク技術を持っていたし、なんといってもそのメイクの速さ。それがすごいって、みんなで話していたよ。その頃の思い出ってある？モイセス：M•A•Cプロで働いていた頃に、フェイスチャートを描くようになったんだけど、それがパット・マクグラスと仕事を始めるきっかけにもなったんだ。 池田：モイセスのフェイスチャートは本当に凄くて、業界内でも高く評価されているね。モイセスはいつM•A•Cプロを辞めたんだっけ？モイセス：2013年かな。退職後もM•A•Cの仕事も続けていたし、あとデジタルアートやコマーシャルアートとか。パット・マクグラスのショーもやってたね。2〜3年アシスタントを続けた後に、フリーランスとしてのキャリアをスタートさせ、人脈を広げながらエディトリアルの仕事をしていたよ。　エディトリアルは必ずしも報酬が高いわけじゃないんだけど、ECサイトやキャンペーンを通じて自分のクライアントを開拓できたので良かったかな。今もその延長線上で、アート活動を続けながら仕事をしているよ。池田：退職後のM·A·Cの仕事はどんなことをしていたの？モイセス：M·A·Cでは、たとえば中国に大型店舗がオープンした時は、ボディペインティングのデザインをすべて手掛けたよ。M·A·Cの本社でテストして、そのデザインを世界中の店舗に展開するというもの。2020年まで、M·A·Cのフェイスチャートやボディペインティング、イベントのデザインを数多くやったかな。池田：M·A·Cを内側と外側の両方から見てきた立場として、今のブランドについてどう思う？モイセス：変わったと思うよ。あるいは、僕が変わったのかもしれない。今はとても若い印象を持っているよ。　昔のキャンペーンは、シャーロット・ティルブリー（Charlotte Tilbury）やヴァル・ガーランド（Val Garland）といったアーティストが手掛けていて、制作に大きな力が注がれていたけど。でも、それは当時のメイクのスタイルによるものだったのかもしれないね。プロダクトは今も昔も本当に良いものが多いよね。今でもファンデーションなどフェイス＆ボディで、手放せないM·A·Cのプロダクトがたくさんあるよ。池田：2020年以降からM·A·Cとの関わり方に変化があった印象だけど、何が変わったの？モイセス：「セフォラ（Sephora）」やパット・マクグラスのためにデジタルでのフェイスチャートを制作するようになって。独学で習得したんだけど、もともとメイクの知識があったから、デジタルの要素とうまく組み合わせることができたと思う。デジタルフィルターやデジタルメイクの制作を始めて、今もブルックリンでメイクとアート活動を続けているんだ。池田：パット・マクグラスとの仕事はどうだったの？モイセス：メイクアップの仕事を始める前から、彼女の作品を見ていて、ずっと尊敬の念を抱いていたんだ。だから彼女のショーチームで働けたことは、僕にとって大きなチャンスだったし、彼女自身と彼女のブランドである「パット マクグラス ラボ（PAT McGRATH LABS）」のフェイスチャート作成を任せてもらえた時は、本当に感謝の気持ちだったよ。池田：これまでたくさんのバックステージに参加していると思うんだけど、1番印象に残っている経験ってある？モイセス：たくさんあるけど、特に印象深いのはメトロポリタン美術館（MET）でのパンク展かな。「メットガラ」のパンクをテーマにしていた展覧会で、ピアスをあしらったり、白塗りの顔に太い黒眉を描いたりと、ジョン・ガリアーノ（John Galliano）スタイルのクレイジーでクラシックなメイクを施したんだ。あれほどの規模のショーに携わったのは初めてだったし、普段は常に混雑しているメトロポリタン美術館に誰もいない状態でいられるのは、本当に特別な体験だったね。池田：それはすごいね！静かな美術館ってなかなか経験できないしね。モイセス：それでいうと、ホイットニー美術館（Whitney Museum）で行われた、「ヴァレンティノ（VALENTINO）」のショーも印象的だったよ。美術館全体を貸し切って、すべてが白く美しい空間だったんだ。僕自身、アートが大好きだから、誰もいない美術館にいられるというのは格別だった。　どっちのショーもメイクの量が多くて、ここのところのトレンドの「すっぴん風メイク」よりずっと面白かったな。自然で美しいメイクも高い技術が必要で、誰でもできるわけではないんだけど。でも僕は、メイクらしいメイク、思い切り描けるときが好きなんだ。池田：私も2017年9月に、MoMAで開催された「キャロリーナ ヘレラ（CAROLINA HERRERA）」の2018年SSは特に印象深いショーだったよ。MoMA初のNYFWランウェイであり、歴史的な瞬間に参加できたことは光栄だった。アートに囲まれた静かで特別な空間でのクリエイションは、今も忘れられない！SNSの普及で他者との比較に苦悩池田：これまでのキャリアの中で苦労したことは？それをどうやって乗り越えたの？モイセス：どんなアーティストも自己不信を抱えていると思うんだ。僕にとって一番つらかったのは、ここ数年のSNSと他者との比較だと思う。みんながたくさん投稿しているのを見て、「あんなにいろんな仕事をしているのに、自分は全然できていない」と思ってしまう…。インスタグラムが普及したこの新しい時代に適応するのが、一番難しかった。自分を疑い始めると、何もしたくなくなってしまう。本来は逆で、もっと創作意欲が湧くはずなのに。　だから、SNSから離れる時間を作ることが大切だと思うんだ。僕はインスタグラムのアプリを1ヶ月削除したり、投稿やシェアをするときだけ短時間使うようにしたり。SNSがメイクアップアーティストとしての活動の一部になっている今、それは簡単ではないんだけどね。池田：そうだよね。ただSNSは作品やトレンドの発信だけでなく、人と人をつなぐ大切なコミュニケーションツールでもあるから。私自身は最近、新たな挑戦としてYouTubeも始めて、現場で培った経験や知識を発信しながら、メイクを愛する人たちと共に学び、楽しめる場を作りたいと考えているよ。池田：今、仕事やプライベートで1番楽しんでいることは何？モイセス：プライベートだと、少し年を重ねてきたこともあって、家にいて庭の手入れをするのが好きになったかな。裏に庭があるんだけど、植物を植えたり世話をしたりするのが楽しい。ニューヨークに来たばかりの頃は、常に外に出てネットワーキングをしたり、ショーやアフターパーティーに行ったりしていたんだけどね。でも今は、穏やかに家で過ごすことが心地いいよ。 モイセス：仕事だと、ヘアもメイクもスタイリングも撮影もすべてがうまくいって、みんなが満足して、美しいものが生まれた、と感じられる時が1番好きかな。それが自分の仕事だということに喜びを感じながら家に帰れる、そういう瞬間が最高だよね。留美子は？池田：今、一番楽しいのは神社仏閣巡り（笑）。自然に触れ、その土地の美味しいものを味わい、家では愛猫と過ごす。そんな何気ない時間が、忙しい毎日の中で心を整え、新しいアイデアやインスピレーションの源になっているんだ。モイセスにとって、ニューヨークはどんな街？モイセス：大好きな街だよ。愛憎半ばする関係ではあるけどね（笑）。冬は寒いし、ウーバーは来ないし、吹雪の中でスーツケースを2つ抱えて立ち往生することもある。でも今みたいな季節になると、また恋に落ちてしまうんだ。　そしてエネルギーに満ちた街だと思う。ここで生き抜くことは厳しいし、みんな仕事をしに、何かを実現しにここへやってくる。僕自身、アリゾナからニューヨークに移っていなければ、今の自分はなかったと思う。ここに来て、働いて、人脈を作って、親切にして、夢を実現させる。でも時々、田舎でヤギと犬に囲まれて暮らしたいと思うこともあるけどね（笑）。アシスタントとして現場に入って学んでほしい池田：日本では、メイクアップアーティストを目指す多くの人が美容専門学校に通ってるんだけど、ペインターという異なるバックグラウンドを持つモイセスから、そういった人たちへのアドバイスはある？モイセス：僕が最も多くを学んだのは、アシスタントとしての経験からだと思う。美容専門学校に通うことも良いことだけど、学校にはたくさんのルールがあり、実際の現場や撮影、キャンペーンで活動はできないし、バックステージや撮影現場でのマナーは学校では教えてもらえない。実際にその場にいて初めて学べるもの。ビューティ業界は常に変化している。だから、学校に行くかどうかに関わらず、アシスタントとして現場に入ることに挑戦してほしい。　僕自身、ある撮影で唯一のアシスタントとして5〜6人のシニアアーティストのサポートをしたことがあるんだ。さまざまな人の仕事を見ることで、本当に多くのことを学んだよ。異なるアーティストのアシスタントをすれば、本当の意味で成長できる。彼らが何をしているか、どうやっているか、なぜそうするのかに注目してほしい。スマートフォンをしまって、常に学ぶ姿勢を持ち続けてほしい。　付け加えるとすると、まずはきれいで美しい素肌感のあるメイクを習得してほしい。クレイジーで抽象的なメイクに挑戦する前に、美しいベースを完璧に仕上げることをマスターすべきかな。池田：そしてメイクアップアーティストを目指している人、または若手アーティストに伝えたいことは？モイセス：小さな目標を持つこと。大きな目標も大切なんだけど、「この時期までにこのカメラマンと仕事をする」「この時期までにこの雑誌に載る」とか、達成可能な小さな目標を設定してみると良いと思うんだ。だから、自分にとっての「成功」とは何かを考えてみてほしい。池田：それはとても良いことだよね。目標を持つことはとても大切だから。モイセス：トップのメイクアップアーティストを見て「あれが成功だ」と思う人もいるかもしれない。ただ、それが自分に合っているとは限らない。僕もこの業界での成功が自分にとって何を意味するのかを学ぶ必要があったと思う。僕の場合は、トップアーティストになることではなく、幸せでいること、仕事があること、それが成功なんだと思う。自分なりの成功の定義を持たないと、迷子になってしまうからね。池田：私にとっての成功は、クライアントの皆さまに喜んでいただくこと。メイクを通じてその人の魅力を引き出し、笑顔や自信につながったと感じられた時が、一番大きな喜びを感じる瞬間かな。モイセス：それから、アドバイスとすれば、他人と比べるのをやめること。自分の仕事を続けて、新しいことに挑戦して、自分の作ったものが気に入らなくても恐れないでほしい。とにかく続けること。作れば作るほど上達するから。実際に手を動かさなければ、インスピレーションは生まれない。インスピレーションは、メイクをするという行為の中から、あるプロダクト、あるテクニック、あるいは途中で発見した何かから生まれるものだから。だから、メイクでも、リサーチでも、読書でも、美術館に行くことでも、常に何かをし続けてほしい。学び続けることが大切なんだよ。　あと、僕自身がやらないことで言えば、インスタグラムやピンタレストからインスピレーションを得ること。書籍やアート、歴史を観てほしい。メイクのアイデアはそこから生まれるべきだと僕は思っているんだ。池田：すごく共感！私自身、花や草木など自然からインスピレーションを得ることが多くて、特に夏から秋、秋から冬へと移り変わる色や質感のグラデーションに惹かれるね。自然が見せる繊細な変化は、私にとって重要なヒントの1つだから。モイセス：最後に、一貫性を持つこと。そして現場やバックステージで関わるすべての人に親切にすること。ヘアアシスタントからアートディレクター、ケータリングスタッフまで。そのアシスタントがいつかあなたの上司になるかもしれないしね。ここはニューヨークで、数年でアシスタントからショーのキーアーティストになった人を何人も見てきたよ。もし失礼な態度をとっていたら、必ず覚えられているからね（笑）。だから、常に親切に。

M•A•C

メイクアップアーティスト対談

ペインターからメイクの世界へ、若いアーティストに伝えたい仕事の習得方法

美しさについて考える　「美しい」は誰が決めたのか

太陽の温かさと肌に溶け込む心地良さ⎯⎯ 新作のタオルミナ オレンジは、どんな印象ですか？　太陽の温もりのような、爽やかさと温かさを感じる香りですよね。例えばですが、夕暮れ時の木漏れ日が差すソファで横になって、ぼーっと窓の外を見ている時に、この香りがふわっと漂ってきたら、すごく癒やされそうです。⎯⎯ Travis Japanのメンバーの中で、タオルミナ オレンジを誰に勧めたいですか？　クラ（松倉海斗）ですね！この香りが持つ太陽のような明るさとか、すごく優しいイメージが、クラにぴったりだなって。彼のピュアな性格が、タオルミナ オレンジの透き通るような香りにすごく似合いそう。普段あまりフレグランスをつけているイメージがないので、プレゼントしたいですね。今年の誕プレ候補です。⎯⎯ ネロリ・ポルトフィーノの香りの印象も教えてください。　つけた瞬間はすごく爽やかで、グリーンな香りが印象的でした。時間が経つにつれて肌になじんでいく感覚があって、自分自身の体温や香りと混ざり合うことで、すごく良い化学反応が起きそうだなと感じました。誰かに見守られているような、そんな不思議な温かさもあります。みんなもこれをつけたら、僕に見守られているような感覚を味わえるかも？（笑）⎯⎯ ネロリ・ポルトフィーノに合う、Travis Japanの楽曲を挙げるとしたら？　「Okie Dokie!」です。MVをロサンゼルスの道路やハイスクールのグラウンドで撮影したので、開放的で自由な空気感がぴったりかなと思います。去年のワールドツアーで披露したアコースティックバージョンも、この香りのイメージにすごく近い気がします。クラがギターを弾いてくれて、僕たちの音楽と思いが自然な形でファンのみんなに届いていく感覚。その飾らない等身大の雰囲気が、肌になじんでいくネロリ・ポルトフィーノの親しみやすさと重なるんですよね。「常にダンスを身近に」　表現者としての野心⎯⎯ トム フォード ビューティが掲げるコンセプトの一つに「圧倒的なクオリティ」がありますが、中村さんがパフォーマンスにおいてクオリティを追求するために、続けていることは？　僕たちTravis Japanはダンスや歌、そして語学にも全力で向き合っているグループだという自負があります。アイドルとしての華やかさと、アーティストとしての実力。その両立は決して簡単ではありませんが、それを体現できるのがTravis Japanなんだと信じています。　ダンスも歌も、ちゃんと練習しないとすぐに下手になってしまうんですよね。だからこそ、自分で定期的にレッスンを受けるようにしています。ボイトレの先生がアメリカ人なので、歌のトレーニングが必然的に英語を使う場にもなっていて、そこでの学びもすごく大きいです。ダンスレッスンは、多い時には週に3回入れています。ダンスから少しでも離れると、体の動かし方を忘れてしまうので、常にダンスが身近にあるように心がけています。⎯⎯ 多忙なスケジュールの中で、週3回のレッスンは驚きです。具体的にはどのようなジャンルのダンスを学んでいますか？　特に取り組んでいるのは、ソウルダンスです。ストリートダンスのルーツとも言えるような、古き良き歴史のあるジャンルですね。僕たちの事務所でも、V6さんたちが大切にされてきたスタイルで、大人の色気があってかっこいいんです。もちろん、偉大な先輩方を超えたいという思いは常に持っていますし、「自分がこのジャンルで一番になってやる」という気持ちで練習に打ち込んでいます。ファンとの絆を糧に、有言実行の年へ⎯⎯ 前回、トム フォード ビューティのイベントに参加された際、ファンのみなさんからの反響はいかがでしたか？　本当にたくさんの方から反響をいただいて、ありがたかったです。僕のSNS投稿やメディアでの露出を見て、実際にフレグランスを手に取ってくださるというのは、決して当たり前のことではありません。みんなの大きな愛があるからこそだと思っています。僕自身が普段から愛用している香りを、みんなも気に入って試したいと思ってもらえることが、純粋にすごく嬉しかったですね。　普段からファンのみんなは、僕たちの活動一つひとつに反応を届けてくれて、その声に僕はいつも助けられていますし、たくさんの元気をもらっています。⎯⎯ 先日、誕生日を迎えられました。20代ラストイヤーとなるこの一年の抱負を教えてください。　まだ30代になった自分のイメージができていませんが、まずは心も体もヘルシーな状態をに保っていたいです。それから、こうしてトム フォード ビューティさんとお仕事をすることは僕の一つの夢だったので、この関係性がずっと続いたらいいなと思います。大好きなファッションに関するお仕事にも、もっと挑戦していきたいですね。　ただ、夢を語るだけじゃなくて、夢を叶えるための努力は必要です。体づくりとか根本的な部分から見つめ直さないといけないと思っています。自分が口にした言葉を一つひとつ形にできる、有言実行の人でありたい。この一年は、そのための努力を惜しまずに突き進んでいきます。 ◆タオルミナ オレンジ伊シチリアの高台に佇むリゾート・タオルミナをイメージ。オレンジ ビガラード オイルの醸す爽やかなほろ苦さに、オークモスのウッディな余韻が重なる。地中海を望む絶景と、洗練された大人の休日を想起させるシトラスウッディの香り。 ◆ネロリ・ポルトフィーノ伊リビエラ地方のポルトフィーノのクールなそよ風、 弾ける水しぶき、そして青々と茂るフレッシュな木々の緑に着想。どこか懐かしさも感じさせる 爽やかなネロリの香りのフレグランス。中村海人 | Kaito Nakamura1997年4月15日生まれ。2022年にアイドルグループ Travis Japanのメンバーとして「JUST DANCE!」で全世界メジャーデビュー。今年4月に2nd CD Single「陰ニモ日向ニモ」を発売した。個人ではドラマや映画などでも活躍し、近年の主な出演作として、映画「矢野くんの普通の日々」（2024年）、TVドラマ「ミッドナイト屋台〜ラ・ボンノォ」（2025年）、「夫に間違いありません」（2026年）などがある。現在、TVドラマ「夫婦別姓刑事」に出演中。◾️トム フォード ビューティ：楽天市場 公式ストア

TOM FORD BEAUTY

Travis Japan 中村海人が語るトム フォード ビューティ　「木漏れ日が差すソファで香りたい」

“本物の韓国コスメ”に出合える場所　オリーブヤング グローバルの強み⎯⎯ オリーブヤングのグローバル展開を支えている要因は？　Kビューティ自体が世界的に認知されてきたことが大きな要因です。トレンドを素早く反映する商品力、価格競争力、そして韓流ブームとのシナジー、この3つが効果的に作用していると思います。　その中でオリーブヤング グローバルは、Kビューティのトレンドを最前線で発掘し、検証するプラットフォームの役割を担っています。もちろん日本国内でも韓国コスメを購入できるチャネルは増えていますが、「韓国で“チンチャ”（本当に）愛されているコスメ」をいち早く、かつ信頼できる形でお届けするという点で、差別化できていると自負しています。“本物のKビューティに出合える場所”というポジションが、私たちの最大の強みです。⎯⎯ 日本で韓国コスメを買える越境ECとしては「Qoo10」もありますが、棲み分けについてはどのようにお考えですか？　オリーブヤング グローバルは、多様なKビューティブランドを一堂に集めたプラットフォームです。設立から26年培ってきたキュレーション力と企画力があり、「今、韓国で最も愛されているコスメ」に出合えるのはオリーブヤング グローバルならではだと思っています。さらに、メーカー直営・100%正規品保証という確かな安心感もあります。課題はオンライン購入の認知拡大　日本は可能性を測るコア市場⎯⎯ 成長を続ける一方で、現状の課題はありますか？　最大の課題は認知度です。韓国を訪れる日本のお客さまの多くはオリーブヤングの店舗をご存じですが、オリーブヤング グローバルを通じて、日本にいながらオンラインで商品を購入できることは、まだ十分に知られていません。　だからこそ、年4回のセールや、今回のようなイベントを通じて、日本のお客さまとの接点を増やしていきたいと思っています。Kビューティを最も手軽に、最も信頼できる形で購入できるチャネルとして、オリーブヤング グローバルの存在を広く知っていただくことが現在の最優先事項です。⎯⎯ グローバル展開において、日本市場をどのように位置づけていますか？　日本は韓国と地理的に近く、文化的な親和性も高い市場です。韓国文化への理解が深く、受け入れ方も他国に比べて寛容だと感じています。これまではK-POPやドラマなど韓流全般がブームでしたが、今ではKビューティが日本の消費者のライフスタイルの一部として定着しつつあります。　実際に、韓国国内のオリーブヤング店舗を訪れる外国人観光客の中で、日本のお客さまは必ず来店者数トップ3に入っています。他には中国、東南アジア、北米のお客さまが入れ替わりでランクインしますが、日本は常に上位を維持しています。　こうしたデータからも、日本市場の需要の高さは明らかです。オリーブヤング グローバル全体では、今年の上半期で売上高が前年同期比50%以上の成長を記録し、日本を含むアジア市場では3桁成長を達成しました。日本は単なる販売先ではなく、Kビューティのグローバル化の可能性を測る“コア市場”だと考えています。⎯⎯ 韓国と日本の消費者で、化粧品に対するニーズや消費者行動にはどのような違いがありますか？　両国に共通しているのは、美容への関心が非常に高く、成分や効果に敏感だという点です。化粧品ブランドそのものへの関心が高いというところも似ています。　ただ、アプローチの仕方には明確な違いがあります。韓国の消費者は新しいブランドやトレンドを非常に早く受け入れる一方、日本の消費者は使用感や成分、そのブランドの哲学や理念まで細かく見て、信頼できると判断してから購入する傾向があります。ランキングや口コミへの関心も非常に高いですよね。　だからこそ私たちは、まず日本のお客さまから信頼を得るために、オリーブヤングを直接体験していただく場を作ることから始めました。今回のオリーブヤング フェスタを、韓国以外で初めて日本で開催したのも、まさにその理由からです。「まずはオリーブヤング」　最も信頼されるプラットフォームへ⎯⎯ 今後、日本でのオフライン展開は予定していますか？　現時点では、日本での実店舗オープンよりも、オリーブヤング グローバルを通じていつでもどこでも韓国コスメを購入できる、という認知を広げることに注力しています。　今回のように「KCON JAPAN」にはほぼ毎年出展していますが、今後も日本のお客さまと直接お会いできる機会を継続的に作っていきたいと考えています。⎯⎯ 5年後、日本の消費者にとってオリーブヤングはどのような存在でありたいと思いますか？　「日本で韓国コスメを探すなら、まずはオリーブヤング」と言っていただける、最も信頼される代表的なプラットフォームになっていたいですね。単に韓国コスメを売るモールではなく、最新トレンドをいち早く発見できる場所としての認知を高めていきたいです。そのためにも、日本の消費者の感覚や期待に合わせて、サイトの使いやすさ（UI）やコンテンツを現地化し、より自然で信頼感のあるサービスへと進化させていきます。　日本におけるオリーブヤング グローバル会員数も、現在の水準から2〜3倍以上に増やすことを目指しています。日本はKビューティのグローバル展開を占う上でも、かけがえのない市場です。その期待に応えるべく、今後も積極的な取り組みを続けていきます。

日本でも「オリーブヤング」を定番に　韓国No.1ストアが描くグローバルEC戦略

「身体に溶け込んだ花型が助けに」　華道における視覚的な美しさ⎯⎯花はそもそも美しいですが、華道における美しさはどのように成り立たせていますか？　華道では枝を線として捉えていて、その組み合わせによって生まれる空間が美しさに関わってきます。そのため線の間に広がる空間がどんな形であるかを常に意識していけています。⎯⎯その空間がいわゆる花型と呼ばれるものでしょうか？　そうですね。それぞれの線の角度や構図といった条件が各流派で定められていて、華道ではまずこれの習得を目指します。⎯⎯習得までにどれくらいの時間がかかるんでしょうか。　大体1年くらいかかります。この期間は自由な表現をする機会は殆どないですが、こうした伝統の花型を体の中に溶かすことがとても大切なんです。15度、45度、75度とそれに合わせて生け続けることで、教本を見なくても「どの角度で枝を生けるか」「枝と枝とをどれくらい離せばいいか」などが感覚的に分かるようなってきます。こうした知識の蓄積が、自由な表現をする中で美しさを担保する要素となるんです。ただ美しいだけでは足りない　“説明できない気配”の存在⎯⎯花の美しさにこだわる中で、「自分自身の美」へ目を向けることはありますか？　はい。自分が乱れていると、それはそのまま花にも表れます。だからこそ、美容というより、気”を整えることを大切にしています。⎯⎯具体的にどんなアイテムを使用していますか？　最近は、自分でディレクションしているブランド「オブバイフォー（OF BY FOR）」のヘアオイルや香水を愛用しています。これらは、花を生けているときに感じる「森の中で深呼吸しているような香り」をイメージして作ったものです。花に触れることで気持ちが整っていくように、香りにも人の感覚を整える力がある気がしていて。その部分にはこだわっています。⎯⎯華道の表現において「美しさ」は必要不可欠ですか？　　美しさは欠かせませんが、“整っていること”だけが美しさではないと思っています。少し傾いていたり、不穏さや違和感があったり、儚さが見えたり。人はそういうものに心を動かされることがあります。⎯⎯色々な美しさがあるんですね。美しいだけでは足りないと感じることはありますか？　そうですね。というのも見る人の記憶や感情に残るものには、少し危うさや、生々しさが必要なんです。ただ美しいだけだと、記号として消費されてしまう瞬間があります。作品に狂気やユーモア、生命力など、“説明できない気配”が宿った時に、それは急に人の心へ入り込む。私はその“何かが宿る瞬間”をずっと探しながら花を生けています。Netflix「サンクチュアリ」では「胡散臭さ」を⎯⎯華道には3代流派として「池坊」「小原」「草月流」があります。大谷さんの所属する草月流について教えてください。　草月流はいけばなをクリエイションとして捉えて、花型（美しさ）に留まらない表現を模索しているのが大きな特徴です。自由な表現を肯定する雰囲気があり、本当に何をやっても怒られないというか...。ただ、何を表現しようとしているのかという点はしっかりと見られます。　そういった特徴もあり、映画やドラマなどの現場でお仕事をすることもあります。⎯⎯例えばどのような？　　2018年に放送されたドラマ「高嶺の花」では、いけばな監修をさせていただき、全部で174作品をいけました。その中で、「抗えない運命」というテーマで花をいけた作品があります。少しネタバレになりますが、作中の後編では主人公の出生の秘密が明かされ、自分が両親の実の子ではないと判明します。そのシーンに適したものを手掛けて欲しいと頼まれたんです。⎯⎯それをどのように表現しましたか？　テーマが「憎しみ」など感情の時はそれを自分に憑依させて制作をするのですが、「抗えない運命」は特定の状況だったためそのやり方が出来ませんでした。そのため、テーマを分析し「自然の力」こそが抗えないものなんじゃないかと気が付きました。　そもそも人間は、白亜紀や氷河期といった壮大な地球の歴史のなかに、たまたま適応しているだけの頼りない存在です。自然の変化には決して抗えないし、仮に環境が安定していても、個体としての死はあらかじめ決まっている。ある種、どうしようもない大きな流れのなかに私たちはいます。　その「抗えない力」の象徴として選んだのが、沖縄のガジュマルの根でした。これは人間が形作ったものではなく、過酷な自然環境そのものが育て上げた造形です。複雑にうねり、分かれていく根の姿は、一本の幹から幾多の選択肢へと分岐し、翻弄されていく「運命」そのものに見えました。その上に勢いよく葉を加えることで、自然の一部をそのまま切り取ったような作品に仕上げました。⎯⎯Netflix「サンクチュアリ」では「胡散臭さ」をテーマに挑まれました。　はい。胡散臭さも自分に落とし込めるものではないので、その要素を考えることで具体化していきました。「本物に見えて、本物ではない状態」がその正体なんじゃないかと思って、半分本物というバランスにこだわりました。木蓮の立ち上るような大きな枝を使って“本物っぽさ”を見せながらも、花だけは造花を。全部が偽物だと、胡散臭いよりも単に偽物という印象になってしまうので、本気で偽物を作ることを目指しました。⎯⎯まずキーワードを分析して伝わる形に落としていくんですね。　そうですね。一番大切なのは、見ている人に伝わるかどうかです。なのでただ好き勝手に表現すればいいわけではなくて、独りよがりにならないように意識していています。見た人が心に何かを感じるものがないと意味がないと捉えています。「守破離」を通じて得た表現　いけばなの境界線⎯⎯華道の魅力は何だと思いますか？　「花を生ける」ことって、心がリフレッシュして楽しいものなんです。ただそれはやってみないと分かりません。だから、お花屋さんの花でもいいし、雑草でもいいので一度試してみてほしい。　生きていく上で、花を生けることは必ずしも必要ではないように見えますよね。けど人は昔からいけている。華道が生まれた室町以前でも竹や松を神の拠り所として立てていました。本能的に花をいけたいという気持ちが備わっているんだと思います。⎯⎯これをしたら華道ではなくなるという境界線はありますか？　境界線はないと思っています。極論を言えば、何もいけていなくても、そこに理由や妥当性があり、見る人が理解してくれるなら、それはいけばなの表現として成立する。　そうは言っても、やはりそれまで花と向き合ってきた時間が重要になります。芸道における修行の過程を指す言葉として守破離があります。守は基本的な型（花型）を身につける段階で、そこに自分なりの工夫や応用を加えるのが破、型（花型）にとらわれずに自分のスタイルを確立させるのが離。感覚的には同じですよね。守で培った土台があるからこそ、それを破り離れた時の表現に深みが生まれる。⎯⎯自分以外の人がいけたり、自身がパフォーマンスをしたりと、新しい試みを数多くされていますね。　2023年から北海道・函館の赤レンガ倉庫の35周年記念イベントに関わることなり、その中で1000本のアルストロメリアを1000人のお客さんにいけて貰ったんです。そうすると一人ひとり、ぐるぐると回りながら考え始めて。終わった後の嬉しそうな姿を見て、人はこんなにも花をいけたい生物なんだなって。こうした花をいけようと試行錯誤する姿やその状態そのものがいけばなの表現なのではないかと考えています。私の知らない私の花を求めて⎯⎯大谷さんが「美しい花型」に留まらない表現をし続けるのは何故ですか？　伝統を重視される方からすれば、こんなのいけばなじゃないと言われる方もいらっしゃるかもしれません。しかし、その伝統が新しく始める人にとって敷居になっていることも事実です。もともといけばなは床間ありきでしたが、現代において床間は一般的ではなくなっている。形式だけを守っていては人口は減る一方です。私は絶対に若い世代にもいけばなをつないでいきたい。そして、革新を取り入れることでそれができると考えているんです。⎯⎯いけばなにこだわる理由は？　海外でパフォーマンスをすると、「こういう花が見たかったんだ」と感動されます。アメリカ、中国、イタリア、インド…どこへ行っても反応は同じです。これってすごいことだと思うんです。日本人は自国の文化に対して謙虚すぎる気がしますが、実は世界が驚くような独自の「美意識」を、私たちは古くから持っている。その価値をもっと大切にしたいんです。⎯⎯独自の美意識とはどういうものだと思われますか？　例えば、色とりどりの花を隙間なく敷き詰める西洋のフラワーアレンジメントは、空間を「埋める」ことで美しさを構築します。それは人生の最も輝かしい一瞬だけを摘み取って、隙間なく押し込めるような、ある種のエゴイスティックさを感じる美しさです。　対して日本の美意識は、もっと「生命賛歌」に近いというか。花だけじゃなく、うねった根っこや、枯れた松の葉、ただの石にさえ美を見出す。なぜこれらが美しく成立するかといえば、その周囲にある「何もいけていない空間」に意味を持たせているからです。⎯⎯「足し算」ではなく「引き算」の文化？　そうです。アメリカの作曲家の方と対談した際、日本の音楽にある「間（ポーズ）」が素晴らしいと絶賛されました。何も音が鳴っていない時間に、意味を込める。この「間」や「空間」を大切にする考え方は、他に類を見ない豊かな文化です。そのことに、もっと誇りを持っていいはずです。⎯⎯最後に、これからの目標を教えてください。　教室を始めて15年になりますが、人によって表現が全く違うので、一日として飽きることがありません。私の師匠は90歳を超えても花をいけ続けていました。私も、生涯現役でいたいですね。華道は決して怖いものではありません。花とお話を楽しむくらいの気軽な気持ちで、扉を叩いてほしいです。　草月流は自由な流派だからこそ何かやるたびに自分の新しい扉が開ける。私は私の知らない私の花を見てみたい。だからこの先も表現を続けていきたいです。

「抗えない運命を、花で表現してください」　華道家 大谷美香が語る“美しさを超えた表現”

■アダム・リペス「ラルフ ローレン（RALPH LAUREN）」でキャリアをスタート。「オスカー デ ラ レンタ（OSCAR DE LA RENTA）」では当時最年少の27歳でクリエイティブディレクターに就任。2004年に前身となる自身のブランド「アダム（ADAM）を立ち上げた。一時はファッション業界から離れるも、2014年から現行の「アダム・リペス（Adam Lippes）」を手掛けている。世界中の産地から厳選した素材を採用し、職人技による繊細な美しさを追求。建築やアートに着想を得たタイムレスなデザインで、グウィネス・パルトロー（Gwyneth Paltrow）やニコール・キッドマン（Nicole Kidman）、リアーナ（Rihanna）といったアメリカを代表する著名人、ファーストレディなどが着用。アメリカ国内に4店舗を構え、2025年から海外市場に力を入れ、日本ではユナイテッドアローズやエストネーションなどでのポップアップを皮切りに展開をスタートしている。銀行員からラルフ ローレンに転職しファッション業界へ──まずはアダムさんのご経歴について教えてください。　ファッションデザイナーになることは、子どもの頃からの夢でした。ですが、実際に学んだのが金融や経済のことだったので最初は投資銀行で銀行員として働きました。当時私は長髪だったのですが、ある時上司に「髪を切ってこい」と言われてしまって。そこで散髪に行く途中、ふとラルフ・ローレンのショップに立ち寄り、その場の勢いで求人に応募したら運よく採用されたんです。1年ほど働いて、オスカー デ ラ レンタに移籍しました。オスカーの元では、「見習い」から始めて、彼と当時の業界の空気から、今に通ずるファッションに関わるすべてを学びました。──2000年、27歳という若さでオスカー デ ラ レンタのクリエイティブディレクターに就任されましたね。　現在ではメゾンのクリエイティブディレクターに若手が抜擢されることも少なくないですが、当時はもっと厳粛な時代でした。だからこそ、声をかけてもらった時は本当に名誉なことだと思いましたし、貴重な経験をさせてもらいました。──そこから、自身のブランドを立ち上げようと思ったきっかけは何だったのでしょうか。　オスカーは私にって第二の父親のような存在でしたし、メゾンでの仕事に満足していたんです。その反面、常に「自分の声を持った、自分のブランドを作り上げたい」という想いがありました。起業家・実業家の家系に育ち、銀行での勤務経験もあったことも後押ししましたね。意を決してオスカーに独立の夢を打ち明けたら、「応援する」と言ってくれた。そして、最初のブランド「アダム（ADAM）」を2004年にスタートしました。“ロゴドン”時代から貫くクワイエットラグジュアリー──夢だったブランドを始めてみてどうでしたか。　どんなブランドを持ちたいか、答えが出るまでは時間がかかりました。最初はオスカー デ ラ レンタにパートタイムで在籍しながら、並行して自分のブランドを手掛けていたこともあり、オスカーが僕のクリエイティブをどう思うか気になってしまって.....。そこで、まずは高級なTシャツから始めました。半年ほど経った頃、アメリカの“レジェンド司会者”であるオプラ・ウィンフリー（Oprah Winfrey）が私の服を気に入ってくれて、番組で着用してくれたんです。そこから一気にブランドが成長して、自分のブランド一本で生活するようになりました。ただ、ブランドを8年ほど続けた頃、何か新しい挑戦をしてリフレッシュしたいという気持ちが強くなり、手放すことにしたんです。そして、ブラジルにホテルを開業する計画をスタートしました。──急転換ですね。ホテル業界からまたファッションに戻るわけですが、何がアダムさんを引き戻したのでしょう。　少しして、「やっぱり自分にはファッションなんだ」という考えが離れなくなったんです。その時は、自分の血に「ファッション」というものが流れているんだなと思いました。そして、2014年に現在も続く「アダム・リペス」を始めたんです。──アダムさんはコレクションをどういうプロセスで作りますか？　まずは全体のムードや女性像を思いついて、そこから世界中の産地から、どんな最高品質の素材を選んだら良いか考えます。カシミヤやメリノウール、シルク、レザー、デニムなど、世界各地にとびきり美しいテキスタイルがあり、高度な縫製技術や装飾の職人技がある。それらを使ってどう心地良いものを作り上げるかを熟考していくんです。このアプローチは初期から変わらずに一貫しています。──アダムやアダム・リペスを始めた当時、ファッション業界ではブランドロゴを目立たせたデザインや、カラフルでキャッチーなスタイルがトレンドでしたよね。「クワイエットラグジュアリー」という言葉がない時代から、素材の良さを軸にしたブランドを続けるのに迷いはありませんでしたか？　昔から、「まずは服から始めるべき」と考えていました。ブランドロゴも、大規模なマーケティングも、過度な宣伝も無しにして、純粋に最高の生地と縫製とフィット感からなる良い服を作りたかった。今思えば、自分にはそういうやり方しかできなかったから、というのもありますが。もちろん、続ける中で不安になることは多々ありました。私たちのブランドの売り場の隣には、誰もが知るブランドが並んでいて、それらと競合する必要がありましたから。ただ、今こうしてブランドを継続して、グローバルに拡大できたことを鑑みると、やってきたことが正解だったんだなと改めて思います。──素材選びの際は、ご自身で各地を訪れるのでしょうか。　良いものがあると聞いたら、どこにでも行って、優れたテキスタイルメーカーと一緒に素材を開発したい。世界中の約100の工場やメーカーと取引していますが、日本からも岡山産のデニムや、上質なコットン素材などを調達しています。 2年かけて初のバッグコレクションを発表──今回のフォールコレクションについて教えていただけますか。　このシーズンは、私が好きなヴィンテージカーやクラシックなレーシングカーの美しさ、スポーツウェアの機能性に着想を得ています。防水加工を施したシルクのコートや、シルクとウールの混紡素材のアイテム、シルクとメリノウールを組み合わせたパファージャケットなどがあります。鮮やかなブルーやレッドのカラーパレットは美しいヴィンテージカーを彷彿とさせるでしょう？　それから全面にスパンコール刺繍を施したトップスは、異なる色のスパンコールを一枚ずつ縫い付けていくことで、べっ甲のように立体的で絶妙な色合いを表現しました。通常はインテリアファブリックとして使用される名門スカラマンドレ（Scalamandré）社のアイコニックなファブリックを、敢えて薄く仕上げて、スカートやスーツセット、コートへと落とし込んだアイテムもあります。 ──今春には、初のレザーバッグコレクションを発売しました。デザインプロセスはウェアと異なるのでしょうか。　バッグのデザインは全然違いますね。非常に才能のあるバッグデザイナーとコラボレーションして約2年かけて完成しました。シルエットを決めてから、そのフォルムに完璧に合うレザーを探し出し、フランスで製造しています。──金具のパーツがアクセントになっていて印象的です。　金具は上品な艶にこだわり、18Kゴールドメッキを施しています。アール・デコ様式のライターやペン、「ダンヒル（dunhill）」のクラシックなライターのような小物からデザインを発想したんです。細かいですが、すべて手彫りで仕上げていて、私にとってはジュエリーのようなアイテム。今後は財布やベルトのようなスモールレザーグッズも拡充する予定です。海外初の常設店で大阪を選んだ理由──海外初の常設店で日本を選んだ理由は？　理由はシンプルで、私の審美眼と日本の皆さんが持つ美意識が非常に近いと感じているからです。それから、日本はファッションの中心地であり、アジアのハブでもあります。ここでビジネスを広げることは自然な選択でした。それに、私自身が日本に来るのが大好きなので、これから頻繁に訪れる理由ができて嬉しいです（笑）。──1号店を東京にオープンするブランドが多い中、大阪にした決め手は？　大阪は本当に素晴らしい街だと思いますし、私がアメリカでブランドを育ててきた方法と重なる点がありました。ブランドと顧客が非常に親密な関係性を築いていると感じたのです。だから、ここから始めるのが最適だと。──店舗のデザインコンセプトを教えてください。　私たちの店舗は、エレガントかつ穏やかな邸宅のようなムードを大切にしています。大阪店はフランスの有名なインテリアデザイナー兼建築家のフランソワ＝ジョセフ・グラフ（François-Joseph Graf）の協力を得て、作り上げました。──いずれは、東京にも出店するのでしょうか。　2030年までに、東京や京都、名古屋、福岡といった主要都市を中心に10店舗を構えるのが目標です。今年の8月にはロンドンにもオープンします。──最後に、アダム・リペスというブランドをこれからどのように育てていきたいですか？　現在の私の最大の課題は、「服のクオリティを上げること」ではなく、「私たちのストーリーをどのように伝えるか」なんです。世の中には、コミュニケーションやSNSでの発信が非常に上手でも、実際に店舗で服を見るとクオリティにギャップを感じるというブランドもあります。私たちはその真逆です。クオリティには絶対の自信があるからこそ、実際に触れて、着ていただく機会を増やしたい。そして、私たちのストーリーをメディアや皆さんの手を通じて広めていただくことが、何よりも大切だと考えています。

過熱するSNS偏重の中で「まずは服から始める」　NY発 アダム・リペスの美学

ファッション業界の「当たり前」に、小さな疑問が積み重なっていた──カンマの立ち上げに至った経緯を教えてください。Sakas PR長坂啓太郎（以下、長坂）：僕たちが初めて顔を合わせたのは2017年、東京で開催されたショーの現場でした。その後、それぞれ会社を立ち上げたのが2019年で、独立時期がほぼ一緒なんです。当時、僕のオフィスに複合機がなくて、TEN10のオフィスにコピーを取りに行ったりして。TEN10志賀光（以下、志賀）：そうそう、よく来てたよね（笑）。長坂：仕事の現場が重なることも多くて。経営やキャッシュフローのことなど、同業の中で率直に相談できる数少ない相手が志賀さんでした。TEN10志賀光（以下、志賀）：そうやって情報交換をしていくうちに、お互いPRという職種でありながら、得意な領域が微妙に違うことに気づいたんです。Sakas PRはリース貸し出しをして、メディア露出を増やすオーソドックスなショールームスタイル。一方、僕の会社は「TEN10」という自社スペースを持ち、サンプルを外部に貸し出さないブランドも担当するなど、アプローチが異なります。　協業を考え始めた根本には、「自分が提供しているサービスで、ブランドの未来を時代性を持って作れているのだろうか」という疑問があったからです。プレスリリースを送り、メディアに掲載され、次の仕事へと移っていく。日々の繰り返しの中で、その問いへの答えが見当たらなくなっていたんです。そうした状況を打破したいと考えている中で、約1年前、「じゃあ何か一緒にやってみますか」という話になりました。──PRという仕事に対して、具体的にどのような危機感を持たれているのでしょうか。志賀：PRという言葉一つとっても、今は求められる役割が多様化していて、一人の人間で全てをカバーするのが難しくなっています。だからこそ、キャスティングやプランニングなど、それぞれ得意分野を持つフリーランスが集まって一つの案件を回すことが増えているのですが、僕はこのスタイルにも難しさがあるなと感じていて。マンパワー不足を補う手段としては有効ですし、僕自身も経験してきましたが、どうしても拭えない懸念があったんです。長坂：たとえば、あるブランドのPRチームに、別の競合ブランドを手掛けているメンバーがスポットで混ざったとします。クライアントからすれば、それは決してポジティブには映りませんよね。デザイナーにとって、自身のブランドの裏側を知るPR担当が近い立ち位置のブランドにも携わっているという事実は、信頼関係を損なう要因になり得ます。だからこそ僕は、ここ2年ほどは基本的に「1社で1案件を責任を持ってやり切るスタイル」に切り替えました。　今はメディアだけでなく、ブランド自身が扱えるコンテンツも増えています。そうなると、僕たちPRは写真や映像など、たくさんの要素を作っていかなければならない。ブランドによっては、それを全てデザイナーがやるしかなく、時には僕たちPRにセールスの意見を求めることもあります。単にリースの貸し出しをしてプレスリリースをメールで送るだけ、というのはナンセンスになっていくでしょう。領域を少し広げてでも、ブランドにとって良い相談相手でいなければならないと思っています。志賀：定型のパッケージをこなしているだけのPRでは、提供するサービスの価値そのものが薄まってしまいます。ブランドのためにどこまで頭を絞り、戦略を組み立ててどう成長させていくことができるか。それが、今回のパートナーシップの大きな動機でもあります。情報伝達ではなく「関係構築」、カンマが描く5つの循環プロセス──カンマには決まったメニューがないそうですが、それはなぜですか？志賀：従来のPRが一時的な「情報伝達」や話題化を主軸に置いているとすれば、カンマは長く残り続ける「関係資産（Relational Assets）」の構築に重きを置いているからです。パブリックリレーションズ（PR）という言葉の本来の意味である「人、ブランド、社会の関係性設計」に、もっと忠実でありたい。だから、既存のフォーマットで「このプランはいくら」と最初から限界線を引くようなやり方はしません。　カンマでは「日常的な対話（DAILY MATTER）」からスタートし、「課題の共有（SHARING ISSUES）」「オリジナリティへの洞察（FINDING ORIGINALITY）」を徹底的に行います。対話の中からブランドの中核にある思想やヴィジョンを丁寧に汲み取り（MAKE A VISION））、どんなクリエイションを作り、「誰と繋ぐべきか（LINK AND CONNECT）」をオーダーメイドで設計・実装していく構造をとっています。そしてまた「日常的な対話（DAILY MATTER）」への循環を通じて、PRとクリエイションの境界を越え、“⼈とブランドの関係”を更新し続けられたらと考えています。長坂：そのため、「ここまでしかできません」という限界線をあらかじめ引かないようにしていて。その部分で、僕と長坂さんの感覚はとても合っていると思います。──お互いから見て、相手の「ここがすごい」と思う強みはどこでしょうか。長坂：志賀さんが以前の仕事で作った提案書を見せてもらった時、非常にロジカルでデータに基づいているのに、その中に「このブランドのことが本当に好きなんだろうな」という愛情がちゃんと感じられて驚きました。広告代理店が作る資料とは全く違うんですよ。「この人と一緒にやったらどんな未来が描けるだろう」と、ブランド側に期待させる力を感じました。志賀：いやいや（笑）。逆に僕には絶対にないと思うのは、長坂さんは人の良いところを見つけるのが本当に上手い。僕はどうしても「外部の専門家」として見られがちなんですが、長坂さんは向上心や競争心の高いデザイナーたちの懐に深く入り込み、ちゃんと「仲間」として認められている。「この人になら本音を話したい」と思わせる人間力が最大の強みだと思いますね。──今年3月の東コレでの「ユウショウコバヤシ（yushokobayashi）」のショーがカンマとしての最初の仕事と聞きました。2社で組んだからこその相乗効果はありましたか？志賀：3〜4ヶ月という短い準備期間の中で、長坂さんがショーの現場ディレクションをクラシックにまとめてくれたおかげで、僕はPR戦略に集中する時間を十分に確保できました。一人でやっていたら手が回らなかったであろう、海外メディアへのアプローチも実現できました。長坂：ショーの前にプレス向け、 バイヤー向け、 一般客向けと内容を変えたブランドのアイデンティティを伝えるメールを送るなど、 志賀さんの緻密な設計と実装力は流石でしたね。一人では思いつかなかったアイデアがいくつも生まれましたし、お互いの役割が明確だったことで、結果として多くの露出に繋がったと感じています。──カンマとして予定している取り組みがあれば教えてください。志賀：戦略を実践に循環させる仕組みとして、定期的に「カクテルパーティー」を開催します。これは、僕たちが持つファッション、アート、ビジネス、メディアのコミュニティに、毎回異なる共催パートナーそれぞれのコミュニティを重ね合わせることで、既存のネットワークだけでは生まれない新しい接点を作る試みです。例えばデザイナーが資金調達やファッションロー、あるいは生産管理やOEMといったビジネスの課題に直面したとき、業界内に知り合いが誰もいない状態からでも、安心して頼れる相手と繋がれる場所を作りたいんです。適切な人を紹介するだけでなく、紹介した後も伴走できる体制がカンマの目指す形です。長坂：クライアントであるブランドから「良いセールス、生産管理を紹介してほしい」と言われるんですが、ブランドにとって重要なことであるため気軽には紹介できなくて。でも、このカクテルパーティーという開かれた場であれば、起業家から弁護士、クリエイター、学生など、さまざまな立場の人がフラットに出会うことができる。紹介して終わりではなく、カンマが中長期のプロジェクトとして伴走することで、ブランドの持続的な成長にコミットしていきたいと考えています。──最後に、カンマの活動を通して、社会やファッション業界をどのように変えていきたいですか？志賀：「情報を出せばメディアに掲載され、認知が広がる」というアテンションのみの時代は終わりに向かっています。今はその情報に、腹落ちするような「信頼の文脈」と「共感」が伴っているかが重要です。そのために、カクテルパーティーのようなフィジカルな体験の場を作るなど、情報を広く届ける前の、関係性を深く耕す工程にもっと時間をかける必要があると考えています。長坂：あと、ファッション業界と他業界との間にある見えない壁は、昔から言われ続けている課題ですよね。日本のデザイナーズブランドが10年、20年と長く続いていくためには、その壁を越えてマーケットを広げていくことが絶対に必要だと、僕も現場でずっと思い続けてきました。志賀：まさに。2社が組んでいるこの「カンマ」という構造自体が、個社で囲い込まずに「業界全体に開いていく」という意思表示です。ファッションの領域で培ったクリエイティブの知見やストーリー分析の力は、他の業界の魅力を引き出すために絶対に活かせるはず。　たとえば地方の伝統工芸や観光振興など、「職人さんが話す思想を、ちゃんと翻訳して形にできる」という僕たちのPR・クリエイティブの感覚は、他業界にとっても大きな価値になるはずです。それが巡り巡って、デザイナーたちのマネタイズの多様化や、新しい文化の地層になっていく。ファッション以外の大手企業からも、すでに「新しい文脈を作ってほしい」と声がかかり始めています。業界の壁を越えるための「渡り船」のような存在になれるよう、ここから新しいPRの形を作り上げていきたいですね。

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ただの「情報拡散」はもう終わり？　2人のファッションPRが思索する新たなPRの形

パリの学校に通うも表現に飢えてセントマへ　入学準備は自力で──国内外さまざまなファッションスクールがある中で、Onoさんがセントマを目指した理由はなんだったのでしょうか？　僕は広島県出身で、東京への憧れが漠然とあったことから最初は文化服装学院を目指していました。でも、色々とリサーチする中で、技術とデザインの両方のスキルを磨きたいと思うようになり、海外にも目を向けたんです。そこで高校卒業後に、まず通ったのがパリの専門学校でした。留学制度や家賃補助を活用したら、東京で一人暮らしするよりも安く抑えられて。でも実際に通い始めたら、カリキュラムのメインは縫製の仕方やパターンの引き方で、望んでいたデザインを学ぶのは難しかった。むしろデザインに関しては保守的というか。それで思い切って中退したんです。そこから、セントマに挑戦することを決めました。──セントマは“学部準備”的な立ち位置のファウンデーションコースでまずは基礎を学び、その後にBAに入学するのが通例です。入学時の準備や、学部専攻はどのように進めましたか？　完全に独学でしたね。ファウンデーションコースもいくつか専攻が分かれているのですが、僕はファッションではなく、ファインアートを選びました。パリの学校でデザインを発表する場が少なく、表現に飢えていたんですよね。ただ、最終的にファッションデザインで大学に入学するなら、ファウンデーションコースでも同じ学科にするのが暗黙の了解だった。それを知らずにファインアートを選択したので、BAにファッションデザイン専攻で進学する際の受験勉強も自力でするしかなくて。友人や知人、進学した人のスケッチブックやポートフォリオを分析して、自分なりにポートフォリオを制作しました。──実際に入学してみて、デザインを学ぶという観点でセントマはどうでしたか？　僕の感覚で率直に言うと、教育面においては100％満足がいくものではなかったです。ファッションデザインに関するカリキュラムが充実しているというより、個人の努力に委ねられている部分が大きかった。ファウンデーションコースの時から、授業に通うよりもポートフォリオ制作に時間を充てたいと思うようになりました。BAは違うかもしれないと思い進学しましたが、そこでもやはり成果を出すために、個人プレーの比重が大きいなと感じました。──そうした実体験が、「ファッション教育」への興味に繋がったと。　そうですね。時系列が少し前後しますが、ファインアートのファウンデーションコースからファッションデザインのBAを受験して受かったものの、実は一度入学を辞退したんです。授業から「ファッションを学ぶ」ことが少ないなら、このままストレートで進学するよりも、別の形で土台を固めてから改めて入学したらいいんじゃないかと考えて。その方が、セントマのネームバリューを活かしながら、在学中から活動を始められるんじゃないかと思ったんです。そこから「ファッション教育ってなんだろう」と深く興味を持つようになり、他の教育スタイルも知りたくなって「ここのがっこう（coconogacco）」に入学しました。──「ここのがっこう」もセントマの教育方針を受け継いでいるところはありそうですが、Onoさんはどのように感じましたか？　大枠ではセントマと同じく、思考力や課題解決力を意識的に高めようという人が着実に成長していくように感じました。逆に言うと、打開策を自力で見つけられないと、入学時から思うようにレベルが上がらずにもどかしさが募ってしまう。実際にそう言って卒業する友人もいました。経験則からセントマ受験をサポートする活動を開始──それから、現在行っている私塾のような活動を始めるに至ったんですね。　自分自身もそうだし、学校を辞めてしまった友人たちの声を聞くうちに、おこがましいかもしれませんが、大きな学校という形ではなく僕個人でも、なにか日本のファッション教育に役に立てることがあるんじゃないかと考えるようになりました。　最初はセントマ志望の友人に対してトライアル的に教えてみたら、実際に受かる人が毎年増えていった。自力で学んだ方法でしたが、意外にも他の人に応用できるんだなと思い、2024年から本格的にセントマ受験生のサポートプログラムを行っています。──具体的には、どのようなポイントを重点的に教えているのでしょうか？　セントマは服飾の学校というより芸術大学なので、ファッションだけではなく美的感覚、つまりセンスを磨くことに注力しています。自分の体験に基づいたプロセスなのですが、ファインアートや芸術分野の表現方法を理解した上で、その視点やテクニックをファッションデザインに逆輸入する方法を伝えています。服飾の技術ベースではなく、「表現全般」においての高いレベルとは何かを基礎としてファッションデザインに取り組むと、格段にクリエイティブの質が変わってくるというのが、実体験としてあったからです。ドローイング、コラージュ、イラストレーション、マテリアルの扱い方など具体的に造形や余白にアプローチする方法は、美術においては基礎かもしれませんが、ファッションで学ぶ機会は驚くほど少ないんです。──個人的に、センスの醸成は生育環境や人生の経験も影響しているように思います。例えば、幼少期から親の影響で音楽やアート、ファッション雑誌に囲まれている環境で育ったら、必然的にセンスも磨かれるというか。だからこそ、ある程度の人格や素養が固まる思春期を過ぎてから、改めてセンスを高めるのは簡単なことではないと思うのですが。　おっしゃる通り、幼少期から芸術や教養に触れて成長した人はセンスを磨くという意味で有利だとは思います。でも、センスを磨くにも、ある程度のロジックがあるというのが僕の経験則です。受験勉強の1年ほどでセンスを一から習得しようとしても、時間が足りませんが、僕の経験談からセンスを磨くための道筋をサポートすれば、ショートカットして実践と習得が蓄積できる。自分の作品だけではなく、他者の作品の良し悪しを見分けられないと、自分のレベルがどこにいるかもわからない。そうした審美眼を養うことに重きを置いています。──韓国では、海外の大学受験に特化したファッションスクールのビジネスが徐々に成長していると聞きました。　韓国は私塾の規模を拡大していると聞きますね。ただ、話を聞いた限りでは、ポートフォリオ制作の方法を教えるのがメインだそうなので、入学後のスキルの下支えになっているかというと、充分ではないのかもしれません。資金に余裕のある人は大規模なスクールに、そうではない人は私塾を受けている印象です。現在、僕はセントマ受験に特化したマンツーマンのプログラムを主に行っていますが、今後はそのプログラムで培ったノウハウを生かして、ファッションデザインの実力を伸ばしたい方に向けたクラスもやっていきたいと考えています。試練はスキルアップのクエスト──BA在学時はどうでしたか？　実際に通ってみると、在学中に制作を辞めてしまう人が多くて驚きました。他の芸術大学でも似たような現象はあるのかもしれませんが、倍率が高い受験を乗り越えて、いざ入学してみると、上には上がいることに気がついて、自分の制作物にコンプレックスを感じてしまうことがあります。作品が完成しても、周りにもっとすごい人がいて圧倒されてしまうというか。そういう環境なので、授業の自由度が高い点は楽しくもあった反面、中途半端な作品に留まってしまう危険もありました。例えば、制作にコンプレックスを抱えたまま、1ヶ月で1着を作るという授業を受けると、結局、納得がいく作品が出来ずに終わってしまうような。　一方で、先ほど話したように個人プレーの資質が高くモチベーションを保てる人は、在学中から自主制作で名前をあげていく。そうした二極化が起きていると感じています。──各々の創造性に委ねられている分、自分が保てないと厳しい世界なんですね。　体感だと、高い熱量をキープしていたのは、クラスの1、2割くらい。徐々に授業に来なくなって、卒業だけする人もそこそこいたと思います。こうした実情を知らずに入学するとギャップを感じるでしょうし、自由度が高い授業内容に対し「思ったより教授が教えてくれない」とネガティブに捉えてしまう。セントマは入学する前も後も、結構スポ根だと思います（笑）。授業を受けて制作するだけでなく、個人で積極的にインプット・アウトプットし続ける必要があります。──ちなみに、セントマ生の皆さんの進路はどういったところが多いのでしょうか。　僕の周りは、自身のブランドを立ち上げるというより、ブランドに就職する人や、ファッションとは関係ない職を目指す人も多かったです。セントマは学内であまり技術的なことを習わないので、創造性を養う意味では強みでしたが、実は就職に不利な部分もあるんです。在学中にそれに気がついた人は、自主学習で技術面もカバーして、ファッションの仕事に就けている印象でした。──Onoさんは、どのようにそのモチベーションを保ったのでしょうか？　僕自身は、小中高とサッカーをしていてスポ根が染み付いていたから、自然となじめたんですよね。基本的に努力が楽しいと思える性格というか。それから、小さい頃からゲームが好きで、自分の人生をRPGのように捉えていることも、いい意味で役に立ったのかもしれません。試練もスキルアップのクエストみたいに思えたんです。もちろん、入学後は幻想が崩れた瞬間はありましたが（笑）。ここは個人プレーのフィールドなんだと分かってからは、Instagramでの発信に力を入れました。大学のネームバリューが使えるうちに、自分の認知度を高める方法として出来るだけ制作物をアップしました。徐々にフォロワーが増えて、ArcaやFKA Twigsとのコラボレーションにも繋がりましたね。Yudai OnoがArcaに提供した衣装（2024年）──今後のご自身の活動の予定は？　これからも活動の拠点はロンドンです。自分のブランドについては、シーズンに縛られずに制作を続けていきます。まずは卸ではなく、自社ECやインスタグラム上で販売する予定です。ただ、やはりファッションは体験も大事だと思うので、ポップアップも開催できたらなと。　教育面では、これまでは人伝にDMなどで連絡をいただいてマンツーマンのレッスンをしていましたが、近日中に新しいプログラムを募集予定です。セントマの入試期間は毎年1月末なのですが、6〜7月には受験勉強を始めないとギリギリではあるのですが。構想としては、入試で必要なポイントを一部YouTubeなどで公開しながら、より広く募集をかけるつもりです。　日本にもいずれ帰国したいなとは考えていますが、軌道にのるまではひとまずロンドンにいるつもりです。最終的には、ブランドと教育の双方の活動を通して、日本のファッション業界を盛り上げる一端を担いたいと思っています。海外からも、日本のファッションシーンが面白いと思ってもらえるよう、微力ではありますが努力し続けたいです。

セントマ受験向けの私塾を主催　ファッションデザイナーYudai Onoが語る学生生活のリアル

自分のための服から、誰かのための服へ⎯⎯服づくりを始めたきっかけを教えてください。 　気づいたら自然と、楽しく服づくりに向かっていった感じなんです。友人同士でお互いの服を見せ合ったり、Twitter（現X）で見かける人たちのスタイルを参考にしたりして刺激を受けて。「フルーツ（FRUiTS）」や「チューン（TUNE）」などの雑誌も食い入るように見ていましたが、それはあくまで感覚を広げてくれる存在という感じで、直接的なインスピレーションは身近な人から受けていました。⎯⎯専門学校卒業後、フジを設立しました。　在学中は二つの選択肢で迷っていました。一つは卒業してすぐ自分のブランドを始めること。もう一つは、どこかのコレクションブランドに入ること。実は当時、一社だけ受けていたんです。面接で「どういうものづくりをしたいの？」と聞かれて、僕は自分の考えとつくりたい服を率直に答えました。でも、話しているうちに「自分でやったほうがいいんじゃない？」と思い始めて。母親が「自分の好きなように生きてね」と背中を押してくれたこともあり選考を辞退し、卒業から1年後に「フジ」をスタートしました。⎯⎯ブランドを始めるまでの準備期間にはどんなことをしていましたか？　生地屋さんに連絡を取って実際に見に行ったり、縫製工場に問い合わせを始めたり。自分でパターンを引いたりもしていました。あとはリサーチです。どんなブランドをつくりたいのか、どういう方向性で展開していくのか、そういったことを考えながら、自分にできることをやっていました。⎯⎯専門学校を卒業したばかりの頃は、縫製工場や生地屋を探すのも大変だったと思います。　ご縁に助けられました。最初は本当に手探りで、自分でサンプルを縫っていたときにボタンホールを開けてくれるところを探していたら、そこが縫製工場だったりとか。生地屋さんはネットで検索して片っ端から連絡し、徐々に紹介などで繋がっていきました。⎯⎯フジを立ち上げた当初に描いていたブランド像と、現在の姿のギャップは？　最初に立ち上げたときは、「自分をそのまま受け入れる」ということをテーマにしていました。服を通して、自分の中にある不安や脆さみたいなものを肯定する、そんなイメージでした。でも今は、その考えがなくなったわけではないんですが、もう少し前向きな方向に変わってきたというか。自分を受け入れた上で、ほんの少しだけ気分を上げてくれるような服。そういうものづくりにシフトしてきました。だから今は、より「普遍的なものづくり」を意識しています。⎯⎯立ち上げ時は「自分を表現するブランド」という印象でしたが、今は「ものづくり」そのものに重心が移っているように映ります。　それもあると思います。噛み砕いて言うと、立ち上げ当初は自分自身に向いていた矢印が、今は社会に向くようになった、というイメージです。自分の内側を見つめるところから、他者や社会との関わりに目が向いてきたというか。⎯⎯社会に目を向けるようになったきっかけは？　2022年春夏シーズンに、一度ブランドを休止したことです。あのときはもう、率直に疲れてしまって。年に2回コレクションを発表するという流れに息が詰まってしまったんです。だから、一度立ち止まってみようと思いました。1シーズンをスキップしただけでしたが、休んでいる間も自然と「服をつくりたい」という気持ちが出てきて。街を歩いているときに目に入る生地や服を見ながら、「もし自分ならこうするだろうな」とか、「こう仕立てたらきっといいだろうな」と考えるようになっていきました。思えば、あの休止期間は、服づくりの純度を高めるために必要な期間だったと思います。⎯⎯目を向けるようになった「社会」とは具体的に？　世間一般で言われる「社会」とは、少し違うかもしれないです。以前は、完全に自分に向けて服をつくっていました。それが、休んでいるうちに少しずつ「周り」に目が向くようになってきて。誰かの顔を思い浮かべながら、「この服を着たら、この人はきっと喜ぶだろうな」と思えるようになっていったんです。「社会に向くようになった」と言うと大げさに聞こえますが、自分以外の誰かをちゃんと見るようになった、という感覚に近いです。　また、だんだん物事を深く考えられるようになってくると、ファッションとか音楽、アートって、生活に絶対必要なものではないなと思うようになりました。でも、それがあることで日常が少しだけ変わる瞬間ってありますよね。今はそういった、日常を少し変えてくれる服を作りたいと考えています。シンプル🟰退屈ではない⎯⎯ブランド名の「フジ」には、どのような思いや意味を込めましたか？　最初の由来は本当にシンプルで、自分の名字「藤本」からとったんです。ただ、「フジ」という言葉は日本の中にすごく多く存在していて、たとえば富士山は日常の中にありながらも、どこか特別な存在感を放っている。「フジ」という名前には、そうした日常と特別の間のようなニュアンスを込めています。服も同じで、着る人の日常に自然に馴染みながら、主張しない。ほんの少しだけ気分を変えてくれるような存在でいたい。そういう意味でも、今はこの名前がとても気に入っています。⎯⎯ 1人でブランドを立ち上げる中で苦労した点や、そこから得た学びを教えてください。　やっぱり孤独です。学校を卒業して1年後にはブランドを始めたんですが、完全に一人でやっていたので、最初は本当に誰にも相談できなかった。何を決めるにも自分一人で判断して、動かないといけない。誰に聞けばいいのかもわからない状態で、それがいちばん大変でした。⎯⎯精神的にもかなり大変そうですね。　メンタルの維持がすごく大事でした。最初の1～2シーズン目は、とにかく楽しかったんです。たとえセレクトショップへの卸が決まらなくても、服をつくって発表すること自体が純粋に楽しかった。でも続けていくうちに、コレクション撮影や展示会の流れにも慣れてきて、だんだん結果を求めるフェーズに入っていきます。数字を出せないと苦しくなる。現実がリアルに迫ってくる。年に2回コレクションを発表しますが、誰にも見られず、評価もされずに製作を続ける半年間は憂鬱でした。⎯⎯どんな方法で気分を切り替えていましたか？　今でこそあまり気分が沈むことはなくなりましたが、昔は落ち込んだときこそ服をつくっていたと思います。つくること自体が気分転換になっていたというか、気持ちを立て直す方法でもあった。作業を通してまた前に進めるようになる、そんな感覚でした。⎯⎯2026年春夏コレクションのテーマを教えてください。　このシーズンは、これまで話してきた「生活の中で感じること」と密接につながっています。日々の暮らしの中で、なんとなく心に残った言葉を拾っていくような感覚で、ひとつキーワードを選びます。それが今回は「土っぽさ」でした。ただ「気になる」というところから始まったのですが、どこか温度を感じるというか、生活の中で見落としそうな質感を表している言葉な気がして。だから今回は土っぽさを起点に、素材や色、形まで考えていきました。⎯⎯今季を象徴する生地は？ 　シルク70%、カシミヤ30%の生地です。ニットポロやクルーネックのニットなどに取り入れています。今、シルクがすごく気分で、プライベートでもよく着ています。カシミヤは肌触りが良い内モンゴル産。素材ごとにどんなアイテムを作るか決めているわけではなく、繰り返し考えて試行錯誤していくうちに、作りたい服が見えてきます。⎯⎯色使いは休止以前と変化しましたか？　だいぶ変わりました。明るいトーンも増えましたし、落ち着いた色を選ぶようになっています。以前はもう少しモードっぽくて、白や黒を多用していたんです。でも今はその割合が減って、ベージュや淡いイエローなど、柔らかいトーンが多くなりました。以前よりもエッジィな印象はなくなっていますね。⎯⎯フジの服について「シンプルで綺麗」という声がありますが、その言葉をどのように受け止めていますか？　すごく嬉しいです。言い方を変えれば、「無難」とか「面白くない」と捉えられるかもしれません。でも僕は、退屈でないシンプルな服もあると思っていて、そんな服を作りたいと思います。⎯⎯「退屈でないシンプルさ」とは、どんなところから生まれると思いますか？　素材やパターンはもちろん、細かなステッチ1本、たとえばコバからプラス3mmのステッチを入れるだけでも印象は変わります。感覚的な話にはなりますが、生地、色、重さ、デザイン、シルエットなどをひとつひとつ突き詰めながら、最終的に理想の空気に落ち着いたとき、「これだな」と思える。そこに「退屈でないシンプルさ」は宿ると思います。人から人へ、“ちゃんとした形で”広がっていくブランドを目指して⎯⎯ブランド開始時、初の展示会ではどのようにショップとコンタクトを取りましたか？　本当にシンプルに、直接メールを送りました。たしか30社くらいだったと思います。そのうち実際に来てくれたのは2社だけ。最初のシーズンは受注がつきませんでした。　今思えば、当時はパンツもフリーサイズしかなく、型数も少なかった。バイヤーの立場からすると、オーダーしづらいブランドだったと思います。⎯⎯2シーズン目では、どんな改善を？　サイズ、カラー展開を広げました。SKUを増やすことで、選びやすさを意識したんです。「お客さんが選びやすいか」「着たいと思ってもらえるか」ということを軸に考えました。その視点を持つことで、結果的にバイヤーにも伝わりやすくなったと思います。2シーズン目の展示会で、ようやく2社ほど受注がつきました。⎯⎯ブランドを始めた当初、意識していたことは？　とにかく毎シーズン、ものづくりの精度を上げることを考えていました。縫製以外はすべて自分でやっていたので、体力的にも大変でしたけど、回を重ねるごとに、自分の中で服の完成度の基準が少しずつ上がっていったと思います。同時に、価格設定や展示会での見せ方など、ビジネス的な部分も毎回少しずつ修正していました。大きな転機があったことはなくて、本当に小さな積み重ねの連続です。ブランドが一気に伸びたことはないけれど、その積み重ねが今につながっていると思います。⎯⎯現在のブランド運営で得た経験と知識を持ったまま、創業時にタイムリープできるとしたら、当時のやり方を変えますか？　多分、同じやり方でやると思います。結局のところ、あの頃のやり方があったから今がある。失敗も遠回りも、全部必要な時間だったと思うんです。ブランドって、一気に伸ばすものじゃない。着実に、少しずつ積み上げていくものなんじゃないかと。これはあくまで推測になりますけど、「エルメス（Hermès）」だって、最初のシーズンからいきなり爆発的に成功したわけではないと思うんです。　最初は小さくても、自分の手で土を耕すように、少しずつ形にしていくことが大事なんじゃないかって。だから、過去に戻ったとしても、何か新しいことをやるというよりは、きっと同じことを繰り返していると思います。それが、ブランドを“つくる”ということなんじゃないかなと。⎯⎯フジが選ばれる理由はどこにあると思いますか？　これは本当に難しいですね。加工が得意なブランドでもないし、分かりやすいデザインを打ち出しているわけでもありません。ひとつ強い特徴があるというよりも、デザイン性、生地、縫製、色といった色々な要素がうまく噛み合っている。その空気そのものなんだと思います。⎯⎯フジの顧客はどんな人ですか？　お店の方から聞いた話ですが、フジのお客さんって、目的を持ってその服を買いに来るというより、ふらっと立ち寄って買っていく人も多いそうなんです。「このブランドのこれが欲しい」と狙って来るのではなく、ただ「今日はちょっと服を見に来た」という人が、試着して気に入って買っていく。そうやって偶然出会ってくれた人たちに選ばれているのも特徴かもしれません。一方でブランドを愛してくれて、何着も買っている人も多くて。「同じアイテムを5着持っています」という声を聞いた時は驚いたと同時に嬉しかったですね。⎯⎯普段の暮らしの中で大切にしていることを教えてください。　家族との時間です。妻が料理を作るのが好きで、ご飯の時間がいつも楽しみです。あと、家ではワンちゃんと一緒に過ごしています。ビションフリーゼという白いモフモフのワンちゃんで、名前は「ヨモギ」。六月の新緑の季節に生まれたので、そう名づけました。ヨモギと遊んで、家族とゆっくり過ごす。それが今の僕にとって娯楽というか、人生を豊かにしてくれるものです。⎯⎯これからフジをどんなブランドに育てていきたいですか？　これも難しいですが、一気に大きく広げたいという感じではないんです。どちらかというと、人から人へ、「あのブランド、いいよね」と自然に伝わっていくような形で広がっていくのが理想です。ゆっくりでいいから、ちゃんとした形で。そういう流れの中で育っていくブランドでありたいと思っています。