インサイド

ーノインと提携し、コスメブランド「ソポ」を販売するに至った経緯は？新宅寛史（以下、新宅）：これまでも化粧品は取り扱っていましたが、出先で足りないものを買い足すようないわゆる「緊急需要」のための商品が大半でした。とはいえ、カネボウ化粧品の「メディア（media）」（2022年10月からメディア リュクスに順次リブランディング）はSNSで「値段以上のクオリティ」としてバズり注目いただくことも多かったため、コンビニでの化粧品販売にはもっと可能性があると感じていました。現状の「緊急需要」だけではなく、「目的買い」をしてもらえるような化粧品の導入を検討していたところ、ノインさんでソポがローンチするということで、実店舗でのスタートはファミリーマート限定で取り扱いさせていただくことになりました。芝恵莉子（以下、芝）：近年コスメの情報源はSNSで、バズっているものを気になって購入するお客さまも多い。そうしたカスタマージャーニーの中で日本全国どこにでもあるコンビニというのはポテンシャルがあるんです。また、ノインさんは若年層の利用者が多く、そうした人たちはまだクレジットカードを持っていないためコンビニ店頭での支払いをよく利用していると聞き、若年層とコンビニは元々接点があるというのも分かりました。ソポの販売はこれらの要素をつなぎ合わせてコスメに興味のある方の来店機会を促し、「目的買い」と「若年層の獲得」が期待できるとして協業が実現しました。ーコロナ禍でのローンチでしたが、初速はどうでしたか？新宅：発売から2ヶ月で20万点を売り上げ、好調な滑り出しでした。社会情勢を踏まえてデビューアイテムはカラーアイライナー、カラーマスカラ、3in1のアイブロウカラーといったマスクを着用してもメイクを楽しめるパーツに絞り、さらに自社SNSやECのデータから最新トレンドをキャッチするノインさんならではの視点で定番色ではなく、「今使ってみたい色」としてトレンドカラーのみを揃えたことでコスメが好きな方に興味を持っていただけました。そうしたトレンドコスメが「ファミマで買える」とSNSでも話題になり、価格も買いやすい設定にしたことで「ちょっと試してみたい」というニーズにうまく応えることができたんだと考えています。芝：全国約1万6600店舗で取り扱っているというのも大きいです。気になった方が気軽に購入できるアクセスの良さも好調を後押ししました。また、ポーチに入れやすく、使い切りやすいミニサイズにしたことで全色買いや複数買いしていただくお客さまも多く、そうした方々のレビュー投稿がさらに話題になるという良い循環が生まれています。ーSNSでの話題性が売り上げにつながったんですね。ファミリーマート側ではどんな発信をしましたか？新宅：プレスリリースを出したり、450万超えのフォロワーを抱えるTwitterで新作について紹介したり、ソポ製品に使えるクーポンを配信したりとプロモーションを発信しています。ただ、私たちからの発信よりも、圧倒的にインフルエンサーやコスメ好きの方々のレビュー投稿に助けられています。ー全国でトレンドカラーのコスメが買えるのが強みの一つですが、人気のアイテムの地域差はありますか？芝：私たちも意外な結果でしたが、売れているアイテムの地域差はほぼないんです。共通しているのはSNSで反響が高いアイテム・カラーが売れるということですね。ー目的買いに加えて期待していた若年層の獲得についてはいかがですか？新宅：ソポを販売してから化粧品カテゴリーにおいて10〜20代のお客さまの需要が増えたと実感しています。この点もSNSでの話題性が寄与しているのかなと。ー目的買いや若年層の獲得は達成したとのことですが、反対に元々販売していたブランドが落ち込むことはなかったのでしょうか？新宅：コロナ禍で化粧品市場全体が冷え込んだことによる影響はありましたが、実はソポを売り始めてからは既存アイテム含め好調に推移していて、2020年の売り上げは2019年よりも高かったんです。好調要因としては例えば、ソポを買った方がメディアにも興味を持ってくださって購入してくれたり。ソポはちょっと試してみたい旬なカラーコスメが揃っていて、メディアではベースメイクやベーシックなナチュラルカラーのカラーコスメを展開しているので、売り場内で差別化できている。だからこそソポを起点にファミリーマートの化粧品売り場に足を運んでくださった方が既存の取り扱い製品にも興味を持っていただくという相乗効果が生まれているのではないかと思います。ー2022年10月にはマッシュビューティーラボが、ファミリーマートとの協業でナチュラルオーガニック処方の新ブランド「ミティア オーガニック（Mitea ORGANIC）」をローンチしました。こちらの販売経緯についてはどうですか？新宅：コロナ禍で化粧品市場は厳しい状況でしたが、その中でもスキンケアの落ち込みは緩やかだったり、ブランドによってはむしろ好調な傾向にありました。さらにステイホームで自分自身や環境について見つめ直す流れもあり、オーガニックコスメにも再度注目が集まったタイミングでもありました。そんな中でマッシュビューティーラボさんが、オーガニックコスメをもっと気軽に試してもらいたいと新ブランドを構想中だと聞き、コスメキッチンとファミリーマートとのめざす方向が合致していたため、ぜひ当社で扱わせて欲しいと話を進めました。ー本格的なオーガニックスキンケアですが、価格は1000円台と手に取りやすいです。価格設定はマッシュビューティーラボと協議して決めたのですか？芝：既存の取扱商品の価格帯は参考として共有させていただきました。コンビニで気兼ねなく購入できる価格を考慮いただいた結果、1000円台に収まるようなラインナップになったという流れですね。ソポも同様ですが、私たちは気軽に購入できるコンビニコスメではありますが、「プチプラコスメ」を売ろうとは思っていません。皆さんのニーズに応えながら、信頼いただけるクオリティーでなければわざわざ買いに行こうと思っていただけないので。ースキンケアはメイクよりも「試してから買いたい」需要が大きいと思うのですが、コンビニでの販売は難しくないのでしょうか？新宅：もちろんタッチアップができない、という難しさはあります。ですが、オーガニックコスメのリーディングカンパニーでもあるマッシュビューティーラボさんが手がけるスキンケアという点で安心感を得られているのではないかと思います。本格的なオーガニックスキンケアがファミリーマートで挑戦しやすい価格で買えるという話題性から、興味を持って下さったお客さまが試しに買いに来てくださっている印象です。芝：タッチアップやカウンセリングの制限はありますが、ブランドオリジナルの店頭什器を使って限られた売り場でも世界観を演出していることも影響していると思います。什器に「コスメキッチン（Cosme Kitchen）」さんのロゴも目立つようにデザインしているので、それを見て興味を持ってくださる方もいらっしゃいます。ー特に人気の商品はありますか？新宅：まずは化粧水「ホワイトニングセラムローション」を購入いただいている方が多いです。化粧水を使ってみて良かったから他のアイテムも追加購入するというお客さまもいらっしゃるようで、スタートはとても好調です。芝：SNSを見ていると美容液「リンクルセラムオイル」の反響も高いですね。有効成分のナイアシンアミドを配合している点に注目してくださっているようで、使ってみたいというコメントが多いです。ーソポとミティア オーガニックを含め、化粧品カテゴリーは今後も強化していきますか？新宅：コンビニ業界に従事してきた者として、ここまで化粧品に力を入れるというのは革新的なことなんです。ただ、当社のコーポレートメッセージ「あなたと、コンビに、ファミリーマート」の考えからすると、2ブランドの登場によって、スキンケアからメイクまで「目的買い」をしていただける商品が揃い、よりお客さまの生活に寄り添えるラインナップになったと考えています。ですから、今後もこの2ブランドをファミリーマートで買えるコスメとして認知度を上げて、しっかり育てていきたいです。　ソポはありがたいことに新作・新色が出るたびに話題になっていて、非常に良いサイクルが出来ています。今後の製品についてはノインさんが市場の動向を踏まえて開発してくださるので、よりお客さまがメイクを楽しめるような売り場を展開していきたいと思っています。店頭では2022年秋冬の新作発売から、簡易的なブックレットを置いてメイクルックと使用アイテムの紹介を始めました。まだ店頭でしか見れないので、今後自宅でも見れるような方法も検討したいですね。他にも、ソポを楽しんでもらえるような施策を別途考えていけたらと思っています。芝：ミティア オーガニックはデビューしたばかりですが、年末のベストコスメに選出いただくなど業界でも注目いただいています。お客さまの認知度はもっと伸び代があると思いますが、ソポなどメイクと比べてスキンケアは焦らずに売っていく必要があるかなと。まずはコツコツと販売し、ファミリーマートで買えるオーガニックコスメとして知っていただきたい。ミティア オーガニックを含めたスキンケアカテゴリーは2025年までに従来の売り上げから1.5倍に成長させたいと思っています。

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”ファミリーマートで買えるコスメ”を強化する理由とは？

■川部将士1972年生まれ。1995年に一橋大学卒業後、同年に住友商事に入社。財務や経理部門などを経て、2008年にバーニーズ ジャパンに出向した。2012年に同社取締役、2014年には同社CFO取締役最高財務責任者に昇格。2016年2月に住商ブランドマネジメント取締役社長補佐を経て、同社代表取締役社長に就任。その後、2018年9月にドイツ・シュニール織のブランド「フェイラー（FEILER）」を日本で手掛けるフェイラージャパン代表取締役社長に着任。若年層の取り込みに成功するなど、約4年間にわたり事業に貢献した。2022年9月末にフェイラージャパン代表取締役社長を退任し住友商事に帰任したが、11月末に退社。同年12月からストライプインターナショナルの顧問として勤務している。2月1日より代表取締役社長兼CEOに着任。商社マンからストライプ社長に転職　新たな挑戦の裏側―ストライプインターナショナルの社長職を引き受けるに至った経緯は？　私は住友商事に新卒で入社しまして、28年在籍したうちの24年間、小売ビジネスをやってきました。そういう意味では商社らしくないキャリアを歩んできたと言えると思います。　昨年50歳を迎えたのですが、（住友商事100％子会社の）フェイラージャパンの社長から異動の辞令が出され、商社マンとして歩むのか、小売として歩むのか、キャリアを見つめ直した時に、バーニーズ ジャパンで共にした（当時元バーニーズ ジャパン代表取締役社長の）上田谷（真一）さんのことを思い出したんです。当時、僕はCFOとして、上田谷さんは社長としてバーニーズ ジャパンの経営に関わったのですが、上田谷さんが経営を仕事としてやられているのが僕の中での目標のようになったんですよね。その後、実際にフェイラージャパンで社長を経験しましたが、フェイラーでの仕事もとても楽しかったんです。引き続き小売企業のトップとして経営を仕事にしていきたいと思い、商社マンの道に戻らず、昨年11月に住友商事を退職しました。　その後就職活動を進めていく中で、ストライプインターナショナルへ出資したプライベートエクイティファンド運営会社ティーキャピタルパートナーズともすぐにコンタクトを取りました。ティーキャピタルパートナーズは住友商事とバーニーズに出資した実績があったので、様々に情報交換をしていくなかで、僕が今まで経験してきたことを生かせるのではないかと思うようになり、ストライプ側からも打診をしていただいたので、この度社長職を引き受けることにしました。―50歳の節目に新しい挑戦となったんですね。　住友商事の看板を背負わずに自分にもできるのではないかという思いはあったので、やはりそれを試してみたい。メジャーリーグに行くような、そんな気持ちかもしれません。ストライプとしても大きな変化ですから、その分責任も大きいと感じています。―ストライプのどんなところに強みや魅力を感じていますか？　まず一つは、「アース ミュージック＆エコロジー」の知名度の高さはすごく強みだと思っています。足元の商況は良いとは言えませんが、やはりみんな知っているというのはすごく大きい。トレンドを取り込みながら、手頃な価格で商品を供給できるという点も魅力です。そしてサステナブルなサプライチェーンも他にはない要素だと思っています。―逆に喫緊の課題はなんでしょう。　マーケティングの方は、以前は石川さんがリーダーシップを持って取り組んできた領域でしたが、石川さんが退かれて以降少し弱くなっている印象です。僕自身がマーケティングブランディングをずっとキャリアとしてやってきたことですし、OMO戦略にもつながってくる部分でもあるので、ぜひ強化していきたいですね。各ブランドでSNSはやっていますが、それをより体系化させていくことで本当の意味でのOMOになっていくはずなので、できるだけ早く効果を上げていきたいと思います。ブランドポートフォリオ見直し　アースはリブランディングも視野に―業績はコロナ禍で大きく落ち込んでいます。　コロナ禍以降はかなり苦戦していて、2022年度（2021年2月〜2022年1月）グループ連結売上は1000億円を割ってしまいましたが、今期（2022年2月〜2023年1月）は1004億円の着地を見込み、営業利益も黒字転換の見通しです。―現在好調なブランドは？　「アメリカンホリック」と「グリーン パークス」ですね。アメリカンホリックは年商200億円規模、グリーンパークスは240億円規模に成長しています。あとは子会社のキャン（※）も売り上げを支えてくれています。※キャンの展開ブランド：「サマンサモスモス（Samansa Mos2）」「エヘカソポ（ehka sopo）」「テチチ（Te chichi）」「べティーズブルー（BETTY'S BLUE）」など―一方で、アース ミュージック＆エコロジーは閉店が相次ぐなど低迷しています。　こちらは年商では百数十億円程度に縮小してしまっています。僕自身が入社してからまだ1ヶ月ほどなので解像度は上がりきっていませんが、何かリブランディングのようなことをやっていかないといけないのかなと現状思っています。これまで進めてきた閉店もブランドの見直しの一環です。まずは足元を固めつつ、今後については現場の人も含めて話しながら理解を深めて考えていこうと思います。―好調のグリーン パークスと、苦戦しているアース ミュージック＆エコロジー。それぞれ明確な違いはあるのでしょうか。　いずれも買いやすい価格帯ではありますが、アース ミュージック＆エコロジーは基本的に一つのテイストに絞った商品展開しているのに対し、グリーン パークスではいろいろなテイストを揃えているという点に違いがあると思います。―市場環境についてはどのように捉えていますか？　一般論として、低価格ビジネスは難しくなってきています。為替の問題もありますから。我々は比較的買いやすい価格帯のブランドが主力になっているのですが、その点はポートフォリオを見直し、バランスを取ることが必要だと思います。少し感度が高くて価格帯的にももう少し上げていけるようなブランドを新たに追加するのか、リポジショニングするのか。M＆Aという選択肢もあるとは思います。―中価格帯に関しても、厳しい市場環境と言われています。　そうですね。時代的にも多様化してきていますから。そういった意味で言うと、マス向けに大きな売り上げを狙っていくのはなかなか難しいと思っています。―ブランドの終了を予定しているものはありますか？　今のところないですね。―今後注力していくブランドは？　アメリカンホリック、グリーン パークスとキャンの展開ブランドは収益の柱になっているので、引き続きしっかりやっていきます。しかし先ほどの通り、ポートフォリオのバランスを良くしていきたいので、そういう意味では今までにないようなブランドや、まだ弊社の中では規模の小さい「メゾンドフルール（Maison de FLEUR）」や「イェッカヴェッカ（YECCA VECCA）」はさらに成長させていかなくてはいけないとも感じています。―メゾンドフルールやイェッカヴェッカにある共通項とは？　根強いファンがいるということに加えて、主要ブランドと比べるともう2回りほど価格が高いので、収益化しやすくなっています。―ファッションサブスク「メチャカリ」の進捗を教えてください。　メチャカリはすごく順調にきています。収益化してきていますし、直近1年間平均の顧客継続率は約93％と高水準で推移しています。―レンタルサービスは競合も沢山出てきています。　他社はコーディネートサービスが入っているので、お客様が自由にアイテムを選べないという風にも考えられますが、メチャカリでは選べる。それが定着率にもつながっていると考えています。さらに我々は自分たちで商品を作っているので、商品供給に制約がない。お客様が商品を選んで取り寄せることができる、というのが強みだと捉えています。「オーナー企業」から「社員一人ひとりが自立した会社」に―入社されて1ヶ月強が経ったとのことですが、社員の皆さんの印象は？　皆さん、すごく真摯に仕事に向き合っていて好印象ですよ。店舗の方も毎週末回ったりしましたが、販売スタッフの皆さんもとても頑張っている。人手不足の問題はやはりあるので、そこはなんとかしてあげたいという思いがあります。―販売職のキャリアパスは業界としても課題の一つになっています。　キャリアパスとしてどういったものが選択肢にあるのか、ちゃんと示してあげないといけないと思っています。OMOを進めながら新しいキャリアパスを明確にして、みんなが「ここを目指したい」と思える制度も取り入れていきたいですね。―川部社長はバックオフィスの経験も豊富です。これまでの経験をストライプでどのように活かせると考えていますか？　会社が変わろうとする時、次の成長ステージに進もうとする時に、バックオフィス系の基盤がしっかりしているということはすごく大切なことだと思うんですよね。仕事を頑張ったけれども、その成果がどう評価されているのかわからないような人事制度では、なかなか力を発揮しにくい。そこは僕が一通りわかるので、これまでのキャリアを活かしていけるかなと考えています。―ストライプの出資には創業者の石川康晴さんも深く関わっています。　そうですね。石川さんにはストライプインターナショナルの持ち株会社へ出資いただいております。。あくまでも投資家ですので、弊社の経営に石川さんが関わることはありません。―石川さんとはコミュニケーションを取られましたか？　入社前にお話ししました。どういう思いでブランドや企業を大きくしてきたのかという話は伺いたかったので、入社の際の心構えの参考になりました。―社長就任にあたり、石川さんからメッセージはありましたか？　僕自身が言うのも変な話ですが、「いい人にきていただいたと思います」といったようなことはおっしゃっていただき、ほっとしました（笑）。―ちなみに入社前のストライプにはどのような印象を持たれていたんですか？　2012〜13年くらいにバーニーズで初めて人事を担当したのですが、小売業の人事として色々な課題を感じるなかで、当時のストライプは女性の働き方にかなり力を入れて取り組まれていたのが印象に残っています。それこそメディアに石川さんやストライプの社員の方のインタビューが載っていると一生懸命読んでいましたね。―石川さんはかねてより上場を目指していました。　ファンドの方から上場を目指してほしいとは明確には言われていませんが、それは僕にあまりプレッシャーをかけないように配慮していただいているのかなと勝手に想像しています。僕としては、何か目的があるから上場するということだと思うので、その目的をクリアにしてからちゃんと見極めたいと思っています。ただ一方で、投資家から魅力的に映って、いつでも上場できるくらいの会社であるというのは大事なことです。企業価値を上げていくというのが僕の仕事なので、方向性としては同じだと思います。―川部社長が思う「魅力ある会社」とはなんでしょう。　「成長性」「収益性」「安定性」「社会性」、この4つを兼ね備えている会社が、魅力ある会社だと思います。―この先のファッションの小売業界についてはどのように見据えていますか？　どうでしょうね......世の中全体であらゆるモノが“コンテンツ化”しているような気がしていますよね。単にモノを売るのではなくて、エンターテインメント性みたいなもので売っている。どんなデザイナーがデザインした服なのか、ということだけでモノの価値をはかるのは正直難しくなってくると思っていて。その服を着て何をするのか、お客様の暮らしに寄り添った商品を提供できるかが、アパレルビジネスに今まで以上に求められるような気がしてます。もう一つは、日々忙しく過ごす方々に、服を通じて楽しむ瞬間や勇気を与えられるような作り手の思いも必要かなと思います。―川部さんにとって「ファッション」とはどんな言葉で表せますでしょうか。　大学では社会学部を選んだのですが、それは人や世の中が変化していく様にすごく興味があったからなんです。その変化に一番対応していかないといけないのがファッションビジネス。つまり、僕の興味がある、人や社会の変化の延長線上にあるのがアパレルということです。そういう意味ではファッションは興味が一番尽きないことでもあるし、いつまでも追いかけていたい対象としてファッションを捉えてます。―最後に改めて、ストライプインターナショナルの社長就任への意気込みをお聞かせください。　僕に課せられた一番大きな役割は、オーナー企業ではなくなったストライプを社員一人ひとりが自立した会社にしていくことが大きなテーマだと受け止めています。経営においては「長く続く会社になること」がすごく大事だと思っていて。100年続く会社になるために、従業員の皆さんが自立して自ら考えて行動する組織にしていくこと。それが働いている皆さんのキャリアアップにもなっていくはずです。　いまの世の中は変化が激しいですし、右肩上がりの時代ではないので、過去の成功体験はあまり役に立たないんですよね。みんなが何かにチャレンンジして、その中から正解を見つけていくことでしか、会社も答えが見つけられない時代になっています。そういった意味でも、一人ひとりが自立していろんなことにチャレンジして答えを探していく組織にもうならざるを得ないのかなと。ストライプも若い社員も含めて皆さん優秀なので、期待していきたいと思います。（聞き手：伊藤真帆）

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ストライプインターナショナルを改革　新社長の川部将士氏に聞く「アース復活」の道筋

バンジャマン・ヴォワザン　1996年12月24日、フランス・パリ生まれ。フランソワ・オゾン監督作品「Summer of 85」でのデヴィッド・ゴーマン役で、2021年のセザール賞とリュミエール賞にノミネートされた。続く主演映画「幻滅」では有望新人男優賞を受賞した。ー今日は私服で登場してもらっています。　靴は「ナイキ（NIKE）」、パンツは「アディダス（adidas）」、ニットは「アミ パリス（AMI PARIS）」のものです。ーファッションは好き？　もちろん！ブランドだと「セリーヌ（CELINE）」が好きで、エディ・スリマンになってからのセリーヌが特に好きです。ー好きなスタイリングは？　快適さとストリートが融合したようなスタイリングが好きです。やっぱり、カニエ・ウェスト（Kanye West／現在はYe）のスタイリングは気になってしまうね。逆に言うと、シルエットが綺麗でカッコよく着こなすことができるけど、2時間着ていたら疲れる服は苦手。一番美しいのは、その人が快適だと感じているか否かだと思っていますから。ー個性的な腕時計をしていますね。　これは、亡くなった祖母が付けていたものです。7年前に亡くなったんだけど、形見としてもらったんだ。ーバンジャマンさんは、今作「幻滅（原題：Illusions perdues）」で、2022年度の第47回セザール賞 有望新人男優賞を受賞されています。率直な感想は？　受賞されるまでの20分間はストレス負荷が掛かっていたけど、自分の名前が呼ばれてからは冷静だったよ。「よし、次に向けて準備を始めよう」ってね。ー主演を務めた前作「Summer of 85」で演じた爽やかな好青年ダヴィド役から一転、同作では、詩人を目指しながらも弱さ故に快楽に溺れ、徐々に文学の道から外れていく少しダーティーな役に挑戦されています。　実は、「Summer of 85」のクランクアップから、幻滅のクランクインまで5日間しか期間が空いていなかったんですよ。水曜日に「Summer of 85」の撮影が終わって、次の週の月曜日からはこの撮影に挑んでいました。髪を切って、役を切り替えるしかなかった（笑）。ー同作は19世紀のフランスが舞台。舞台セットはもちろん、衣装も当時を彷彿とさせるリアルなものに仕上がっています。　この時代の服は、見た目はとても美しいけど、快適ではないと身をもって実感しました。というのも、男性でもコルセットを着用していたそうなんです。撮影では、僕もコルセットをはめて演じましたが「こんなに身動きが取りづらく、快適ではないものを、何年も強要していたなんて」と思いましたね。ー最後に、今作の魅力を一言で教えてください。　まさに傑作です。コスチュームも含めて、歴史的なものを描く作品と思われるかもしれませんが、今の時代に通じる話が随所に散りばめられているところが一番の魅力でしょう。200年前の物語とは思えないほどに、現代のメディアや社会情勢と酷似しています。社会の中で翻弄される人間模様が描かれる本作は「現代の写鏡だ」と自信を持っておすすめすることができます。photographer：MURAMATSU MASAHIROtext & edit：ASUKA FURUKATA （FASHIONSNAP）location：ウェスティンホテル横浜  23階 「アイアン・ベイ」アイアン・ベイ / ウェスティンホテル横浜The Wesitn Yokohama, Iron Bay

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セザール賞最多7冠を獲得作品　主演俳優に聞く

バンジャマン・ヴォワザンとファッションの話

—AI modelがスタートしたきっかけを教えてください。　元々、私は三越伊勢丹や集英社、バーニーズ ニューヨーク（BARNEYS NEW YORK）などアパレル企業向けにECサイトの構築やクリエイティブ制作の支援をさせていただく事業を約17年やっています。そういった業務の中で、ブランドの世界観を表現する撮影において大変な部分が多く、もっと効率化できないか、クリエイティブの表現の幅が広がらないかと試行錯誤をしていく中で、AI技術に注目しました。—具体的にどのような課題があったのでしょうか？　「アパレル企業の課題」「モデルの課題」「制作に携わるクリエイティブ周りの課題」の3つに分けられると思っています。例えば、アパレル企業はイメージに合うモデルを起用して差別化を図りたくても、競合と同じモデルを使わざるを得なかったり、専属契約まではコストがかけられないという問題があります。コロナ禍は国を跨いだ移動が制限されていたので、一時期はどこもかしこも同じ日本に住んでいる外国人モデルを使っていましたね。　モデルに関して言うと、年齢を重ねていくに連れて仕事が減っていくという課題があります。モデルをしている友人の話を聞くと、例えばメンズは30歳くらいまではカジュアル系ファッションの案件や雑誌の仕事がありますが、30歳を超えた辺りから減っていき、40歳くらいでスーツが似合うようになってきてまた新しい需要を獲得するという流れが多いそうです。どうしても30代の空白の期間に生計を立てられなくなるため、キャスティングや俳優、ヨガのインストラクターなど別の仕事を始めなければならないという課題などです。　制作会社などクリエイティブ周りの課題では、オーディションで多いところだと約50人をアサインして、クライアントへ提案するための資料を作り、最終的に1〜2人に絞っていくという業務を行っています。そもそもの運用が大変ということに加え、最終的に決めたモデルよりもオーディションで落選した人の方が購買や認知拡大に繋がるヴィジュアルを作れたのではないかといった疑惑が残ったり、検証することができないという悩みがあります。—SNSで「AI modelが人間の仕事を奪う」といった声も散見されました。　そういったコメントはよく見かけますが、決して人間の仕事を奪って利益を得るために展開しているわけではありません。オンラインストアをはじめ、ライブコマースやメタバースなど業界全体で販売チャネルが増えているものの、現状で全網羅的に展開できているのは一部の資金力のあるブランドに限られています。AI modelsはリソース不足に頭を抱える企業がこれらの領域に挑戦する手助けができると考えています。生身のモデルに関しても同様で、年齢の問題から仕事の依頼が減ってしまう時期でもAIで顔のパーツを少し変えることで新たな需要を生み出すことができます。標準化できるところはAIに任せ、クリエイティブな部分で人間にしかできない仕事を増やすことができれば、業界の発展につながると思っています。　18世紀半ばの産業革命の時も、同じように機械が仕事を奪うとしてラッダイト運動などがありましたよね。ただ結果としては、例えば車の開発で話すと、車の組み立てなどが任せられるようになったことで、よりデザイン性に優れた車がたくさん生まれたり、よりコンフォータブルな車の開発に注力できました。豊かな未来へ向かうために、ファッション業界もAIを活用して次の発展に向けて進むべきタイミングがきているのかなと感じています。 —いつから開発を？　2018年に始めました。当初は実証実験として外部のリソースを活用しながら開発を進めていましたが、今は社内にも人材を置いて少しずつ改善を重ねている状況です。—2020年に元々のクリエイティブ制作などを行う株式会社インターグルーブから、AI model株式会社として分社化しました。2020年時点で手応えを感じていたんでしょうか？　そうですね。兼ねてからアパレル企業とお付き合いがあったので、2020年頃から少しずつAI modelのサービスを実際に使用したヴィジュアル制作をさせていただいています。やはり最初はなかなか理解されなかったんですが、個人的には確信に近い手応えを感じました。あと、AI modelというサービス名をもっと浸透させたいですし、スタートアップ的な形でIPOや資金調達をして国内外に発信していくような方向性をイメージしていたので、分社化を決断しました。—AI modelではどんなことができるのでしょうか？　「撮影用モデルの顔のパーツを変える」「商品の物撮りからAIでモデルの着用イメージを作り上げていく」「衣服の3Dデータから着用イメージを生成する」という3つのパターンを用意しています。最初は顔のパーツを変えていくパターンから始まりましたが、AIのクオリティが徐々に上がってきたことで、今では費用やスケジュールの関係でモデル撮影ができない企業が物撮りからヴィジュアルを作れるようになりましたし、SDGsの観点などからサンプルによるロスを無くす3Dデータで物作りを行っている企業にも対応できるようになりました。—物撮りや3Dデータから作るパターンでは、モデルの体型は自由にアレンジできるんですか？　そうですね。あらかじめ希望の体型を聞いてから作っています。モデルの顔のパーツを変えていくパターンでも、クライアント側でキャスティングが難しい場合はこちらで用意することも可能です。—低身長やぽっちゃり向けのブランドも増えているので、そういったブランドにも対応できると。　はい。一般的なモデルでは難しいかと思いますし、むしろ我々が得意とする領域ですね。モデルが見つからないので、撮影が難しいといった課題の解決に繋げることができます。—動画には対応していますか？　今、まさに開発中です。ムービーのヴィジュアルを作るブランドも増えていて、動画でも使いたいという要望は多くいただいています。2023年中には対応できるように開発を進めています。—料金設定は？　各社で撮影方法や要望が異なるので、それぞれの内容によって変わります。お話をお伺いして都度お見積もりをさせていただいております。—AI modelを導入した企業の一例ではECの売上が3割伸びたほか、ページ滞在時間やCTR（クリック率）が大幅に成長したそうですね。　とあるクライアント企業の事例をお話すると、店頭で40代後半から50代の人が多く購入していたことから、40代のモデルをヴィジュアルに起用していたブランドがあるんですが、AI modelを活用して20代、30代、40代のそれぞれをイメージしたモデルを生成して同じ服を着用したヴィジュアルを展開したところ、30代モデルのヴィジュアルが一番購買に繋がったというデータが取れました。そして、次のステップとして30代モデルの中でも、例えば日本人風や欧米人風といったいくつかのパターンを用意してデータ取得を繰り返します。そうすることでどんどん最適な専属モデルへと進化していくんです。他にもいくつかのデータが取得でき、実験を繰り返したことで、導入前に比べて平均的にクリック率240％などの結果に繋がり、効果が高いブランドは売上が4倍になったという記録もありました。—生成したAI modelが実在する人物に似てしまうこともあるんでしょうか？　今のところはないですが、今後もしかしたらソックリさんが出てくる可能性は無きにしもあらずですね。ただ、生成方法として人の写真を参考に顔を作っている訳ではないので、肖像権や著作権の問題はありません。ある程度は手動でも調整ができるので、危険だと感じた場合はリスク回避が行えます。—メイクも自由に調整できますか？　細かいメイクにはまだ対応できていませんが、髪型や簡単なメイクは調整できます。髪型はショート、ロング、ボブなどの長さをはじめ、前髪を少し梳いたり、パーマをかけるといったアレンジが可能です。—AI業界は今後様々な企業の参入が予想されますが、AI modelの強みは？　現状は他にはないサービスなので比較が難しいですが、元々ファッション業界のクリエイティブ業界に携わっていたことでしょうか。この業界は感性や感覚的な部分を求めるケースが多いので、良い技術があるからといって良いソリューションが生まれるわけではない。クリエイティブ周りの課題を肌で感じていたからこそ提案できることがあると思います。　また独自技術として、アクセスした人の属性や好みに合わせて、最適なヴィジュアルを表示するAI技術の開発を進めています。極端な話だと、トム・クルーズ（Thomas Cruise）好きの人にはハンサムな欧米モデルが表示され、別の人が同じ商品ページに飛ぶと20代の日本人モデルのヴィジュアルが登場するといった形式なども想定していて、企業側の提案の幅を広げるのに役立てると考えています。—現状の課題は？　先ほど話していた「AI modelが人間の仕事を奪う」といった声があるように、慎重に進めていかなければバランスが崩れるため、注意深く運営していく責任が私たちにはあると思っています。モデル事務所と提携して仕事の幅を広げる方法も試行していますし、モデルが稼げなくなるといった状況にはならないようにサービスを拡大しきたいです。—今後の目標を教えてください。　一度の撮影で国内向けと海外向けのヴィジュアル作成が行えるため、国内のアパレル企業が海外展開をしやすくなる環境にも繋がると思っています。このように、AI modelの技術を活用して自社の売り上げをあげていくというよりも、撮影業務の課題を解決して業界の発展に貢献することが目標です。

Technology

AIでファッションモデルを生成する「AI model」の実態、目指すのは業界の発展

—まずは、ビジョンをオープンした経緯から教えてください。　ビジョンは、2011年10月にオープンしました。2011年というと3月に東日本大震災があった年で、世間全体が先の見えない未来に不安を抱いている時期でしたよね。震災から3ヶ月が経った6月に、新大宗ビルのオーナーさんから時期が時期ということで良い条件で提案してもらったんです。その条件に加えて、これ以上みんなの顔が下を向くことなく、未来や夢に向かって上向きに元気になってもらえるような場所を作りたいと思い、“ビジョン”と名付けた新しいクラブのオープンを決めました。あとは、配信サービスが充実して多様な音楽を手軽に聴けるようになった反面、起源や歴史を知らない若い人たちが増えていると感じていたので、いろいろな音楽を身体で感じ、体感することでダンスミュージックをより理解してもらいたいという意味を込めて“サウンド ミュージアム”を頭に付けたんです。—前々から渋谷にクラブをオープンすることを計画していたわけではなかったんですか？　震災がきっかけですね。その頃はエアー（*2001～2015年末まで代官山にあったクラブ、キャパは約500人）を運営していて、より一般の方々にダンスミュージックの楽しさを伝えるためにエアーより大きい規模感のクラブが欲しいとは思っていました。—オープン当時は、渋谷最大級のキャパシティ（1000人）だったと記憶しています。　メッセージ性やインパクト、説得力を伴うには、ある程度の人を集める規模感が必要なんです。今はアトム（ATOM）さんやキャメロット（CAMELOT）さんもリニューアルして広くなりましたが、当時は一番大きい箱だったかもしれません。まだ風営法が変わっていない時期（2016年改正）ではありましたが、大きなクラブを道玄坂にオープンしたらインパクトがあると思いました。何より駅から歩いて10分かかったエアーやスペース ラボ イエロー（*1991～2008年まで西麻布にあったクラブ、キャパは約1000人）のように、人がいないところ、行きづらいところのアンダーグラウンドな立地でクラブを営業している時代から、オーバーグラウンドな立地に変化させることもクラブシーンやダンスミュージックを一般化させるためには必要な選択だったんです。　コンタクトは、改正された風営法が施行される直前の2016年4月にオープンしました。コンタクトをオープンした理由は2つです。風営法の改正には自分も関わっていたんですが、裏路地の地域までクラブをオープンできるように変えるべきではないと思い、そのため代官山のエアーは特定遊興飲食の営業が取れる地域では続けられず移動する必要がありました。そして、イエローやイレブン（*2010～2013年まで西麻布にあったクラブ、キャパは約1000人）から続くクラブの系譜を絶やさずに、続けていける音箱も必要だったんです。この2つの理由でコンタクトは生まれました。—噂では、コンタクトをオープンする時点で新大宗ビルの取り壊しが決まっていたと。　正式決定ではなかったです。ビジョンはもともと2011年から7年の定借（定期建物賃貸借契約）だったんですが、その頃から既に解体するかもしれないという話はありました。その後、解体が延長に次ぐ延長の末に2021年末に決定し、あとは発表をいつにしようかと。ただ、コロナ禍でみんなが外出できず営業もしていないタイミングは違うと思ったので、ある程度営業ができるようになった2022年3月に発表しました。本当はもっと前から告知をして、オリンピックとあわせて閉店に向かって盛り上げて行こうと思っていたんですけどね。—ビジョンとコンタクトは、それぞれどういった立ち位置でしたか？　ビジョンは、設備的にも規模的にもライブ空間に近く、音楽的には少し若くて分かりやすいライブ中心のパーティーが多かったかもしれません。コンタクトは新たな流れで始めたビジョンとは違い、私が携わってきたイエローやイレブンなどから代々続くアンダーグラウンドやダンスミュージックの音箱です。新しいお店を作る時、大抵は新しいスタッフを雇うことにしているんですが、コンタクトの場合はイエローやイレブンの者に手伝ってもらいましたし。—どちらもファッションイベントが頻繁に開催されていたことを例に、クラブとファッションという2つのカルチャーのハブのような場所だったと思います。このように、他のカルチャーとのミックスは意図的に狙っていましたか？　ファッションでいうと、考えるというよりも若い頃から遊んでいた仲間たちに著名なデザイナーが多いので、あまり区切りを意識したことはありませんね。私が21歳で立ち上げたピカソ（*1985～1989年まで西麻布にあったクラブ、キャパは約150人）では、ヒロシ君（藤原ヒロシ）も滝沢君（ネイバーフッド滝沢伸介）もジョニオ君（アンダーカバー高橋盾）もNIGO®︎君も、裏原系と呼ばれるデザイナーたちがDJしていましたから、今は自分たちが楽しみたいことをやって、私のクラブを使ってくれるという自然なことです。—12月にオープンしたエンターの構想はいつからありましたか？　2021年の早い段階でビル側からお誘いがあり、内容が最終的に決まったのはオープンの半年ほど前です。もっと早く開けようと思えばできたんですが、ビジョンもコンタクトも営業していたので、両クラブのスタッフにそのまま働いてもらうためにも閉店まで待つ必要がありました。エンターはクラブの基本に立ち返り、もう一度さまざまな点で見直しを行い足元を固めて、若い世代の才能を活かせる場にしたいと思っています。—名前の由来は？　「アーティストにとってやりたいことや行きたい世界の入り口になってくれれば良い」という思いを込めています。 エンターのオープニングパーティー—エンターが目指すクラブは？　いわゆる音箱と呼ばれるクラブです。小さいクラブだとそれに準じたサイズのサウンドシステムになるケースが多いんですが、それでは次の世代の人に大箱でプレイする感覚を教えてあげられないし、百戦錬磨のレジェンドたちも感覚を失ってしまう。だから、エンターではコンタクトのメインフロアにあったサウンドシステムをそのまま置いていて、クオリティーもコンタクト以上です。フロアの真ん中にDJブースを設置し、アーティストと来場者をサウンドシステムで囲うようにすることで、音の中にいるような錯覚に陥る空間に仕上げました。“訪れた人たちが元気になって帰っていく”、そんなクラブになってほしいです。　あとは、音楽の聴き方と受け取る情報量が膨大になったことで、音楽だけに集中して聴く時間は少なくなりましたよね。だからこそ、エンターでは音楽と向き合える側面を強くしたかったんです。若い人たちは、聴く耳も感性も持っているけれど、実際に素晴らしい音を体感できる場が無く、音楽に感動する経験が希薄だから、その機会を出来る限り与えたいと思っています。今の20代前半の世代は、特に優秀だし面白い子が多いんですよ。自分が若かった時に近いというか、バランスを取るのが下手だけど自由な感じがして、溜まっているものを吐き出したい、何かを表現したい子たちが増えているような気がします。しかも、私の世代はDJをやりたかったらDJ1本でしたが、今はDJもやるけど写真も撮るみたいな、ひとつに囚われない自分の活かし方の幅が広いですし。 コンタクトのメインフロアにあったスピーカー—パンデミックによる影響は？　何が本当に大事かを見抜けたと思います。良かったことだけを言うと、オリンピックに向けてとにかく走っていた中で強制的に足踏みしたことで、走っていると見えなかったことが見えた。例えば、2019年に新宿にDJバーを出したんですけど、急ぎ足で作ったから新宿という街をよく理解できていなかった。パンデミックを経たことによって街の知見が増え、それからの方が営業形態やコンセプトがはっきりと見えてきました。あとは、個人がバラバラにされたことで自分は何ができて何をしたいのかを見つめ直す時期にもなった気がします。—新宿と渋谷は、地理的には近いですがクラブシーンは全く違いますよね。　遊び方の価値観が少し違って、代々木辺りを境に渋谷が新宿を下に見ているような感じはありますよね（笑）。新宿の方が、格好付けずに単純に音楽とお酒を楽しみたいという気持ちが強いと思います。新宿にも才能がある人は多いですしタイプが少し違うだけなので、街単位で区切る感覚が無くなれば嬉しいですが、日本は職人気質なので自分の縄張りを作りがちなんです。海外では、DJにしてもアーティストにしても助け合わないと広い大陸で生きていけないから、連携と信頼し合うことを大切にしています。どんぐりの背比べをせず、本当の意味で助け合っていける場面を作っていきたいと思います。—最後に、最前線で渋谷のクラブカルチャーを見てきた村田さんにとって、この10年の変化をどのように総括していますか？　EDMやハウス、テクノ、ヒップホップなど旬なジャンルは時期によって入れ替わり、メジャーとアンダーグラウンドの均衡のバランスは変わり続けていると思いますが、ダンスミュージックの中心はそんなに変わっていないんじゃないですかね。それよりも、音楽の楽しみ方が変わっていると思います。音楽を聴くために数千円のレコードを買っていた時代は、“クラブに来ないと聴けない音楽と時間”がありました。海外から来たDJが流す音楽が初めての音楽との出会いの連続で、それに感動して集まる時代だったんです。でも今は、“皆とその時間を体感したい”、“好きなアーティストを実際に見て思い出に残したい”という思考がより強くなっていると感じます。実体験や共感を求めていて、実は生きていくうえで一番大事なのって思い出なんですよ。思い出が無くたって死にはしないけど、思い出があるからこそ人は生きていける。クラブは、そういった機会を作る場所になっていると思います。

Culture

VISIONとContactの閉店背景と新クラブにかける思いは？日本クラブシーンの重要人、村田大造に聞く

ーニコライを立ち上げたパトリシアさんはゲラン一族という香水業界の”サラブレッド”です。アクセルさんも幼い頃からブランドに携わるよう教育を受けたのでしょうか。　直接指導を受けるようなことはありませんでしたが、母のラボで学校の宿題をしたり、幼い頃からフレグランスは身近な存在でした。ニコライは父と母が創業したブランドで、家族経営で独立性を保ちながら運営していたので、子どもながらに大きくなったら自分もニコライをサポートするんだという気持ちはありました。母の調香師としての活躍を尊敬していたので、自分はビジネス面で支えようと大手メーカーで経験を積みました。ー家族経営による独立性はブランドにどんな影響を与えているのでしょうか。　才能のある調香師の挑戦に制限をかけないことだと思います。売り上げや会社の成長を第一にすると、どうしても年間の新作の数や細かいターゲティングで香りを作る必要がありますが、そうした環境では挑戦しにくく香りの面白みに欠けてしまう。自由な感性で生み出された香りが結果的にブランドの世界観を支えているので、独立性を保つことはブランドを強固にすることにつながります。さらに、原料の調達から調香、生産にいたるまで自社でまかなうことは母が大切にしている”透明性”を担保するために重要です。製造面でも昔ながらの製法を採用し、手作業でボトル詰めまで行うのは、おそらく外部資本が入った場合は難しいことだと思います。ーパトリシアさんはブランド創業当時から”透明性”を大切にしていますが、それはなぜでしょうか？　30年前、当時の香水業界はとても閉鎖的で、特に調香に関してはブラックボックス状態だったんですが、彼女はそれを嫌いました。隠されたことによる神秘性ではなく、香りそのものの魅力を感じて欲しかったんだと思います。ニコライが出来た時、店舗の隣には「調香師」と書かれたガラス張りのラボを設けて、香水ができる様子を公開したんです。そうした”透明性”を大切にする姿勢は、今のニコライでの自由な香水づくりにもつながっていると思います。ーパトリシアさんが新しい香水を作る時のインスピレーション源について教えてください。　旅先での記憶のような経験だったり、使いたい香料が起点になったり、香り作りのスタートはさまざまだと聞きました。彼女はニコライのスタッフとコミュニケーションを取るのがとても好きなので、スタッフのバケーションの話がインスピレーションになることもあるそうです。それでも一番多いのは、まず香料にフォーカスをあてて、そこからイメージを膨らませるという方法。彼女は「香水博物館（オスモテック：Osmothèque）」の館長をしていたこともあり、世界中の香水と香料に精通していますから。ーアクセルさんがお気に入りの香りは？　ブランド30周年を記念して作られた「バイカルレザー アンタンス」という香りです。母もこの香りが大好きで、自分の傑作のひとつだと言っていました。ロシアで一番深いバイカル湖と、その周辺の森林の雄大さ、そして植物のタンニンでなめした皮の深さが美しく表現されています。 ーレザーノートがしっかりとした重さがありますが、ペッパーのスパイシーさも香りますね。この香りをどんなシーンで付けますか？　母は毎朝これをつけるようです。香りをつける時のちょっとしたコツなんですが、好きな時に好きなものをまとうのは大前提ではあるのですが、数ヶ月をインターバルとしてつける香りを変えると、いつでも新鮮に楽しむことができるんです。ずっと同じ香りをつけていると鼻が慣れてしまうんです。ー現在、フランスやサウジアラビア、韓国、アラブ首長国連邦、中国など50ヶ国以上で展開しています。グローバルではどんな香りが人気でしょうか。　フランスと中東では「パチョリ アンタンス」が人気です。香水業界のセオリーとして、フランスと中東では人気の傾向が異なるのことが多いので、これは珍しいことなんですよ。パチョリという香料は1970〜80年代に人気で、さまざまなブランドが香水を発売しました。ただ、パチョリは少し甘さがあり重さが出るので、人気もあるけど苦手な人も一定数いるという難しさもあったので、だからこそパトリシアは挑戦したくなったようです。ゼラニウムやサンダルウッドを組み合わせることでオリエンタルなムードを添えて、それまでのパチョリの香水とは異なる香りに仕上げられています。ー日本には2018年に初上陸し、ノーズショップで展開しています。どの香りが人気でしょうか？　日本では「フィグティー」の香りが人気ですが、東欧とアメリカでも好評な香りなんです。フィグティーはロンドンに住んでいた時の生活がインスピレーションになっていて、母が紅茶のカルチャーに触発されて作ったもの。「マテ茶」を加えるなどひねりを効かせたフルーツティーな香りを表現したそうです。ー日本人におすすめしたい香りはありますか？　「オー ドゥ ユズ」や「ローシック」はどちらもまろやかな香り立ちなので使いやすいと思います。オーフレッシュというニコライのラインナップの中でも軽やかなものなので、心地よく香りをまといたい時におすすめです。オー ドゥ ユズはパトリシアがユズを使って「おいしい香り」を作りたいと考えて生まれたものなんですが、ユズは日本の方にとってもなじみが深いと思うので、ぜひ試してみていただきたいです。ーノーズショップで取り扱うようになったきっかけは？　「エクソンス（Esxence）」（世界的な香水の展示会）で中森社長（中森友喜：ノーズショップ代表取締役）に会ったのがきっかけです。日本の香水市場は大きくはないものの、伝統やカルチャーをふまえて私たちの香水を受け入れてくれる土壌があるのではないかと感じていたので、以前から興味がありました。もちろんどこでもよかったわけではなく、ノーズショップのお店を見せてもらったりして、それぞれのブランドに対するリスペクトを感じましたし、市場が成熟しきっていない日本でもっとカジュアルに香りを楽しんでもらいたいという姿勢にも共感したので、取引をすることに決めたんです。ーブランド創業当時よりも、競合となるようなニッチフレグランスは増えていると思います。ニコライで最も重要としていることは？　両親が築き上げたニコライの世界観を守り、より強固なものにすることが重要です。ニコライの核は母が生み出す素晴らしい香りなので、目先のトレンドに飛びついて新作を出すようなことはしません。私たちはニッチフレグランスや独立したブランドの中では歴史が長いと思いますが、そこに固執するわけではなく常に挑戦したいとも思っています。私の役目としては、母やアシスタントたちが自由に調香できる環境を整えること。外部の資本を入れず独立性を保つのはそういう意味合いもあるんです。ー近年のニッチフレグランス市場についてはどう思いますか？　両親がブランドを起こした時に比べて格段にブランド数は増えました。私たちとしてはこれは良いことだと思っています。香水やニッチフレグランス自体の認知度が高まり、消費者の選択肢が増え、皆さんが香水をより楽しんでくれているということですから。競争路線ばかり考えているとブランドがやりたいことがないがしろになってしまうので、私たちはこれまでの歩みを大切に、粛々と独自性を高めていこうと思っています。ブランドがどうあるべきかを第一に行動するということですね。ー今後の新作の予定は？　母は常に3、4個の香りを同時進行で考えているんです。実はほぼ完成しているものがいくつかあり、そのほかさらに3つくらいの新しい香りに取り掛かっているところ。私たちは年間で新作の個数を明確に決めているわけではないので、発売時期は未定なのですが...。まだまだ母の頭の中にはたくさんのアイデアがあるようなので、今後も楽しみにしていてください。

ゲラン一族出身で香水業界に革新をもたらしたブランド「ニコライ」の魅力とは？

ーアンドビーの一番のこだわりはなんでしょうか？　どんな人でも使えるように、肌に優しいというのが一番。あと僕は便利グッズが大好きなんですよ。だから簡単にプロのテクニックを再現できて、肌に優しいというのが商品化の基本的な方針。特にベースメイクアイテムは全て、崩れには強いけど石けんでオフできることにこだわっています。言葉を選ばずに言うなら、「嘘のない化粧品」を作りたいと思っているので、商品開発ではチームと何度も協議して、試作品を見て、納得したものを商品化しています。”開発泣かせ”だとは自覚しています（笑）。ー確かに河北さんのYouTubeでは「簡単」という言葉がよく出てきますね。　ヘアメイクの現場で女優さんと「こんなものが欲しい」って話をよくするんです。こう言う仕上がりが理想で、僕がそれをメイクで完成させるのは難しいことではないですが、自分でもやりたいとなった時に簡単に再現できたら嬉しいよねって。どんなに素敵なメイクでも、やりたいと思った時に簡単にできなかったらやりたいと思えないし、楽しくないじゃないですか。あとは、日本の女性はとっても忙しい。それは現場のスタッフさんやブランドで一緒に働くメンバーを見ていて実感するんです。だから、忙しくても好きなメイクをしてちょっとでも楽しい気持ちになれるように、「簡単にできる」っていうのはアンドビーにとって大切なことです。ーそういう思いが込められていたんですね。ラインナップはスキンケア、メイクアップ、ライフスタイルと幅を広げていますが、ブランドのどういった点が支持されていると感じていますか？　現場で得た知識をすべてつぎ込んだのがアンドビー。担当させていただいた女優さんやモデルさんからも、色んな悩みや要望を聞きます。プロ視点だけどある意味リアルなニーズも吸収しているので、それが反映できているのかなと思います。知識とリアルな声を落とし込むために開発力も欠かせません。これは本当にチームのみんなが頑張ってくれているお陰ですが、ある意味”利益度外視”な意識で作っていて、使って変化を実感できたり、納得できるものじゃないと発売しない。これを徹底していたら、ありがたいことに買ってくださった方たちから、「良かった」と言ってもらえるようになり…。それを蓄積していったという感じですね。ー新作の「&be マッサージクリーム」について教えてください。　僕も通っている代官山にある山口整骨院の山口良純院長と一緒に開発したもので、これもやっぱりプロのテクニックを自宅でも再現できるところがポイントです。僕自身顔の大きさやもたつきが気になっていたんですが、輪郭がシャープになると印象がもの凄く変わるんですよ。現場でもメイクする前にマッサージってしますから、ストレスなく使えて、さらにスキンケア効果もあるものだったら便利、と思って作りました。肌にハリを与えるペプチドや天然由来の美容エキス、ターンオーバーの乱れにアプローチするナツメ果実エキス、保湿成分も入っているからフェイスクリームとしても使える。”めぐり”って肌にも重要で、ケアすればするほど整うから、実は筋肉量が多い男性にもコリをケアするのにおすすめなんですよ。カップルとかご家族で使っていただくのもいいと思います。ー今後はどんな商品を出したいですか？　エイジングケアのアイテムを出したいと思っています。僕自身もう少しで50歳で、今は歳を重ねていくごとに視野が広がっていくのが楽しいなと感じているところですが、スキンケアやメイクの観点から言うと、どうしてもシミやくすみなど肌の悩みが出てくる時期。リアルな視点だからこそ納得がいくものを作れると思うので、エイジングによる肌悩みにアプローチするものを作りたいですね。メイクで晴れやかな気持ちになれると知っている分、「化粧が楽しいのって若い時だけじゃん」って思って欲しくないというか、何歳になっても楽しんで欲しい。自分が歳を重ねたからこそ、人生の中でアンドビーがその気持ちに寄り添っていきたいと思うようになったんです。あとは、僕は洗濯がすごく好きだから、洗濯グッズも作れたらいいなと考えています。ーYouTubeのチャンネル登録者数は30万人以上。メイクテクニックの紹介のほか、プライベートな内容も積極的に発信されていますね。　華やかな生活を見る楽しさもありますが、僕は普通の日常にも楽しいことってたくさんあるよね、と思ってるタイプ。ヘアメイクっていうプロフェッショナルな仕事をしている僕でも、抜くところは抜いて、それでも毎日楽しくやってますよというのをお見せできたらなと思うんです。だから、行きつけの焼肉店を紹介したり、アスレチックに行って遊んだり。かなり素の自分を出しているので、自分としてもただ楽しんでるところをお見せしているだけなんですが（笑）。メイクの紹介動画ほど再生回数は多くないけど、それでも地道に続けていきたいんですよね。ーご自身が出演者になる場合は、自然体を心がけているんですか？　そうですね。僕自身の仕事のベースはヘアメイクの現場で、要するに裏方。だからテレビに出た時に、イケメンに見せようとか、良い風に見せようと繕うことはなくて。だからこそ、演者になっても素の心のまま楽しんで仕事に取り組めるのかなと。ー「ラヴィット！」ではアインシュタインのお二人との掛け合いが話題ですが、あれも自然体でしょうか？　どんなコメントもアインシュタインの2人が面白くしてくれるので、僕は本当に自由にやらせてもらっているだけですね（笑）。現場も明るく、ロケがあるのが楽しみなんです。ーでは最後に、ヘアメイク、ブランドプロデュース、YouTube、テレビ出演を多岐にわたって活動されていますが、今後はどんなお仕事に挑戦したいですか？　ありがたいことに、色々と経験させていただいて、新しくこれがやりたい！って気持ちは落ち着いているんです。その中で、アンドビーを使って良かったと言っていただくことが大きな活力になっていて、商品の開発者目線が強くなっていると思います。常により良い商品が作りたい！と考えています。ヘアメイクの仕事ももちろんどの現場も刺激的ですが、まだご一緒したことがない方のヘアメイクはしてみたいなと思います。いずれにしても、僕自身が有名になるよりもヘアメイクを軸にいただいているお仕事をひとつずつ最高のクオリティで努める、を続けていきたいですね。

河北裕介「化粧が楽しいのは若い時だけと思って欲しくない」　アンドビーでこれから作りたいものは？

ージバンシイのメイクアップ クリエイティブ ディレクターのオファーが来たときの思いを教えてください。　大変光栄に思うと同時に、自分の仕事が認められたこと、また活躍していた前任の革新的なメイクアップ クリエイティブ ディレクターたちの力強い遺産の一部となれたことを、とても誇らしく感じました。ー約1年ですが、メイクアップ クリエイティブ ディレクターを務めてみていかがでしょうか？　まず、この1年はとても早く過ぎました。忙しい年でしたが、ようやく旅行をして他の国々を見ることができ、とてもすばらしい気分です。ブランドとその真のクチュールDNAについて、さらに多くのことを学びました。ーそういったクチュールDNAを神髄にコレクションを作り上げていますが、クリエーションのインスピレーション源はどういったところから得ていますか？　私のカラー クリエーションは、これまで多くのモノからインスピレーションを受けてきました。自然、海外旅行、食べ物、本、芸術作品など、あらゆるものから得ているので、何かひとつに絞るのはなかなか難しいですね…。中でも建築とインテリアがとても好きです。ーたとえば建築からのインスピレーションとは？　建築は、私たちを包み込み、安心感を与えてくれるものですが、その逆もまた可能で、その緊張感が好きです。ロンドンのロイズ・ビルディング（Lloyd’s of London）や、パリのポンピドゥー・センター（Centre Pompidou）を手がけた建築家リチャード・ロジャース（Richard George Rogers）は、建物が内側からひっくり返ったような、あるいはリップスティックのように見える建物を作った人です。そういった建物からインスピレーションを得て製品やパッケージに応用していると思います。ー一方でジバンシイ以前のキャリアとして、ファッションシーンで活躍されていましたが、ジバンシイでどう生かされていますか？　私の最初のキャリアは、美容部員です。ハーヴェイ・ニコルズ（Harvey Nichols）やセルフリッジズ（Selfridges）、ハロッズ（Harrods）といった高級百貨店で働いていたのですが、ファッションのキャリアを追求するために退職してショーのバックステージやファッション誌のアシスタントを経験して自分自身の作品を作り始めました。　当時から追及していた、ミニマルでシンプルな美へのアプローチは注目されていたのではないでしょうか（このアプローチは今でも変わりません）。 この2つの道のりが、今の私の仕事に役立っていると感じていますね。ーこれまでは感度の高いモード誌や、セレブリティのメイクアップを手がけてきました。ジバンシイに入り、消費者を対象にしたクリエーションを作る難しさはありますか？　私自身はそれほど大変だとは思っていませんが、コレクションの制作はかなり早い時期から始めているので、コレクションを発表する一方で、時には2年前から新しいコレクションを制作していることもあります。頭が混乱することもあるのですが、それも楽しみのひとつですし、私たちが取り組んできたことをお客さまにご覧いただけると思うと、いつもとてもワクワクしてます。ーたくさんのブランドがある中で、ジバンシイの強みは？　ジバンシイの最大の強みは、ファッションの伝統やクチュールに対する強い意識と、製品の革新性、そしていかに先進的なブランドであるかということだと思います。ジバンシイは、4つのハーモニーを持つフェイスパウダー、「プリズム・リーブル」を初めて世に送り出しました。プリズム・リーブルですが肌はマットでありながら、重さを感じさせない空気のような仕上がりで、顔に明るさをもたらしてくれます。こういった革新的な製品と、共に歩んでいきたいと考えます。ー今回初めての来日です。日本と日本人の印象を教えてください。　私にとってアジア自体が初めてでした。日本が大好きになって、なんでも欲しくなりました。この旅は私の心を圧倒しましたし、たくさんの歴史と文化、どこを見てもインスピレーションを受け、日本人の優しさ、細部への配慮に心から感動しました。私はそうした細部への配慮が大好きなのです。ー最後に、ジバンシイの未来をどう描きたいと思っているか教えてください。　私にとってのジバンシイの未来は、製品の革新性、顧客体験、パッケージや製品に込められたクチュール感など、あらゆる面で卓越したものです。近い将来、私のクリエイションを皆さまにお見せできることをとても楽しみにしています。

ジバンシイの新メイクアップ クリエイティブ ディレクターが初来日　「美容部員だったことも今に役立っている」

なぜリブランディングするのか、三井ガーデンホテルズの歴史—三井ガーデンホテルズは現在国内32施設、台湾1施設の計33施設のホテルを運営しています。まずはこれまでの沿革を教えてください。　1号店は1984年に開業した大阪淀屋橋（2022年12月21日に営業終了）です。当時は一般的なビジネスユースのホテルとして展開していましたが、2005年に銀座プレミアがオープンした頃から、企業の中で役職を持つような層の方が出張で利用できる“アッパーミドルクラスの宿泊主体型ホテル”といった立ち位置を目指しました。出張なのでラグジュアリーホテルまでは必要ないという層に向けて、客室のデザイン、機能性や朝食にこだわって運営してきました。—現在はレジャー需要にも対応するホテルを展開していますが、転機は？　2014年に開業した三井ガーデンホテル京都新町 別邸と三井ガーデンホテル大阪プレミアがターニングポイントです。三井不動産全体で「すまいとくらしのベストパートナー」を目指しており、ホテル事業の中で「ベストパートナー」として不足している部分を考えたときにレジャー空間でもあるホテルに行き着きました。それまではビジネスユースの取り込みを意識し、出張時の宿泊費用上限を意識した価格帯での展開を行っていましたが、京都新町 別邸と大阪プレミアからは2名利用を前提とした価格設定を行い、レジャー需要の取り組みを狙いました。大浴場の女性用更衣室に化粧台を設置したパウダースペースを設けたり、京町家の建て替え事業である京都新町 別邸は入口に暖簾を設けていたりと、それぞれの土地や地域の特色を活かしたホテル作りをより意識するようになりました。—近年、三井ガーデンホテルズは開業軒数が増えていますね。　2017年頃から、宿泊主体型施設の運営ノウハウが蓄積されたことや、ホテル業界全体のトレンドでもあった東京2020オリンピック・パラリンピックによるインバウンド客の増加見込みもあり、展開を拡大しました。2019年から2020年にかけて11施設を開業しました。—メインの客層は？　土地ごとにイチから商品企画を練り上げ一つとして同じホテルは作らない、というスタンスを取っています。立地的にビジネス層が多いホテルもあれば、大型テーマパークの近くに立地する三井ガーデンホテルプラナ東京ベイのようにファミリー層を意識したホテルもあります。ただ、認知度調査を行うと、アッパーミドルクラスの宿泊主体型ホテルとして展開していた時期の名残から50〜60代の男性の認知度が一番高く、20〜30代や女性の認知はまだまだ得られていないというのが実情です。—20〜30代や女性の認知度向上も兼ねて、今回リブランディングに至ったんですか？　そうですね。実は、2005年以降ビジネスをメインターゲットとしているホテルはないのです。新しく開業したホテルだけでなく、既存物件も順次リノベーションをしていて、シングルだった部屋をレジャーでも使っていただけるよう複数人向けに仕様を変更するなどの対応をしています。ただ、どうしても当初のイメージが抜けきれていないので、リブランディングしてロゴやアピアランスを変えることを決めました。「サステナブル」と「多様化」がキーワード、今ホテルに求められるモノ—リブランディングをこのタイミングで実施した理由は？　コロナによる影響でお客様がホテルへ求めるモノが確実に変わったことが大きな要因です。遠方へ行った際の宿としての役割だけでなく、家から近場での宿泊や、外出をせずにホテルステイ自体を楽しみたいといったニーズが増加しました。他にも推し活や、ワーケーション需要といった新しい目的も生まれました。三井ガーデンホテルズとしては、2014年頃から各地の特色を活かしたホテル作りを強化していたのですが、我々が目指している方向性と、ホテルステイ自体を楽しみたいというお客様が求めるニーズが一致していると考え、状況が落ち着いてきた今を選びました。—部屋にアメニティを置かずに必要な分だけ客室に持っていくアメニティバーを導入するホテルも多く、近年はサステナブルの観点からもホテルのあり方が変わっているように感じます。　「プラスチックにかかる資源循環の促進などに関する法律」が2022年の4月から施行されたこともあって、ホテル業界のサステナビリティへの意識はより高まっています。アメニティバー導入のような取り組みのほか、カーボンオフセットや一部資金を寄付するといった動きをしている企業もあります。—三井ガーデンホテルズはどんな取り組みを？　アメニティバーでアメニティを集約しているのと、今後予約の際にアメニティの持参を推奨してまいります。また、ヘアブラシなどの素材も元々環境に悪いものを使っているわけではないのですが、さらに環境に配慮したものにするために検討を重ねています。三井ガーデンホテルズは1万室規模ですから、例えば歯ブラシなら毎日数万個を用意しなければなりません。使用感やコスト面、安定供給といったさまざまな課題をクリアする製品が見つかり次第、順次切り替えていく予定です。「Stay in the Garden」、日常の延長線上にある上質なときめきと煌めきを—リブランディングではタグラインが「Stay in the Garden」に設定されました。どういった思いを込めているんですか？　改めて三井ガーデンホテルズとは何かと立ち返った時、目指すべき方向は庭園（ガーデン）で過ごすひと時のように、気負わず、日常の延長線上に上質なときめきと煌めきを感じられるホテル作りをしていくこと、という結論に至りました。ただ、単純に緑に囲まれれば良いというわけではありません。ディベロッパーである三井不動産の開発理念に則り、それぞれの土地の歴史をしっかりと踏まえて各地の特色を活かした上質な空間こそがガーデンだと考えています。例えば六本木のガーデンは何かというと、緑ではなく都会的なキラッとした街並みだと考え、最上階のレストランは六本木の素晴らしい夜景が望める内装デザインに仕上げました。豊洲は元々造船所があった場所なので、「航海」をテーマに設定していて、1階や地下1階のエレベーターホールを海底のような世界観にし、エレベーターが上昇することで航海が始まり、暗めに調整したエレベーターホールを抜け、扉が開くと東京湾が一望できる空間がロビーに広がります。—リブランディングに合わせて「リファ（ReFa）」のシャワーヘッドとドライヤーを導入しました。　滞在価値を高めることが狙いです。家電類は日常の延長線上で上質さを感じやすいものだと思っています。また、強化したいターゲットである若年層や女性からの支持を得られると考えました。シャワーヘッドの購入を検討している人が、試用も兼ねて宿泊施設に三井ガーデンホテルズを選んでいただくこともあるかもしれません。美顔器となると出張で利用するビジネスマンには必要ないことが多いと思いますが、シャワーヘッドとドライヤーは健康や美への関心が高くなくても使用するので、男女問わず多くのお客様に喜ばれ、新しいターゲットの獲得へ繋がるものとしてリファのシャワーヘッドとドライヤーに変更しました。—既存のホテルのリブランドを経て、2023年5月には横浜みなとみらいプレミアが開業しますね。どういったホテルに仕上げる予定でしょうか？　現在みなとみらいはロープウェイやコンサートホールなど様々な施設の開業が続き、エリアとしても注目しています。三井ガーデンホテル横浜みなとみらいプレミアでは「Yokohama SKY CRUISING」 をコンセプトに、20階にあるロビーをクルーザーのデッキに見立て、船が持つ柔らかい曲線をデザインに取り入れました。開放的な眺望を楽しむことのできるスカイプールやジェットバスでは、横浜の都心部にいながらリゾート気分を味わえます。客室は広々としていて、女子旅等複数人でも宿泊できるトリプル客室、プロジェクター付きのシアタールーム、連泊滞在に嬉しい電子レンジ・洗濯機付きの客室など、豊富なラインナップをご用意しています。—2024年秋には築地にも開業予定ですが、築地の特色は？　築地は、冷蔵庫や電子レンジだけでなく、洗濯機を全室に設置し、インバウンドを含めた中長期滞在のお客様にも満足していただけるホテルを目指します。 東銀座駅まで徒歩3分であり、ビジネスとレジャーの両面において利便性が高く、周辺では旧築地市場の開発も始まるなど今後さらに発展していくエリアだと考えております。—最後に今回のリブランディングでの目標は？　価格で比較されて選ばれるのではなく、三井ガーデンホテルズに泊まりたいと指名されることが目標です。そのためにも、20〜30代の認知度と、理解度を高めていきたい。これまでの課題は、ホテルごとの特色が違うということで全体の三井ガーデンホテルズ像が描きにくかったことだと思うのです。今回のリブランディングを通して、「Stay in the Garden」というブランドとしての共通言語を設けることで、内外ともに三井ガーデンホテルズの理解向上を目指すとともに、それぞれのホテルでの「Garden」を追求し、サービスに変換していく道標になれば。そうすることで、ときめきと煌めきを提供できるホテルブランドへと、さらに成長していきたいと考えています。

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2023年のホテルの在り方は？三井ガーデンホテルズのリブランディングの狙い

アマゾンのミッション「地球上で最もお客さまを大切にする企業であること」に沿って、これまでは「豊富な品揃え」「配送の便利さ」「価格」において、お客さまの購買体験をより良いものにするかに焦点を当てていました。ただ実際コスメが欲しいお客さまは、何が欲しいか分かっていない状況で買い物を始められて、どれが良いのか紹介して欲しいし、教えて欲しいというニーズが強いと思います。また自身が信頼しているところで購入したいという思いも強い。そういったビューティに特化したニーズを満たすため、数年前からグローバル全体で取り組みを始めました。❶機能強化　メイクアップアイテム：Eコマースで「試せない」というハードルを解消するため、ロレアルグループ傘下のモディフェイスのAI（人工知能）とAR（拡張現実）を活用したバーチャルメイク機能を2019年に導入。携帯のカメラを使って自分の顔にバーチャルでリップやアイシャドウを試すことができ、気に入った商品はそのままワンストップで購入できる。結果的に、「お店でテスターを試せなかった」や、「気になる色は全部試してみたい」といったリアルでの“試せない”も解消。これにより、お客さまが「自分に合うビューティアイテム」を探しやすくなったと思います。ローンチ以降、購入前に、より選びやすく、使い方が分かりやすくなるようにリニューアル。そして今年は具体的な数字は言えませんが、対象商品を前年に比べて3〜4倍と大幅に増やしました。　スキンケアアイテム：アマゾンの幅広いセレクション・価格帯の商品から、それぞれのお客に合ったスキンケア商品を提案するスキンケアアドバイザー機能を2022年に導入。肌質や肌に関する悩み、好みなどに関する簡単な質問（必須3、オプション2）に答え、自身のスキンケアプロフィールを作成。肌の状態、悩み、好みと、商品の情報を照らし合わせ関連性の高い商品をおすすめする。これまでは検索結果が多いほど良い、という思考だったと思いますが、この機能はお客さまの肌質やニーズ、興味に合うものを絞って提案するというのは新しい取り組みだと思います。またアルゴリズムに加えて、マシーンラーニングを導入していることで、同じ選択肢を選んだとしても、同じ結果になるとは限りません。それはお客さまのプロフィールに沿った提案がエッセンスとして入るからです。❷イベント開催　“納得感のあるお買い物”の提供のため、イベントを開催。春は「UV＆ベースメイクアップ特集」を、晩夏に「ベストバイ特集」としたイベントをインフルエンサーを活用して実施。集大成として10月28～31日に、アマゾン内でコスメを中心とする美容カテゴリー（コスメ、ヘアケア、美容家電）として初の大型オンラインイベント「Amazon Beauty Festival “キレイに出会う４日間”」を行なった。小田切ヒロさんのYouTubeチャネルで、「小田切ヒロが厳選！2022年夏にAmazonで買うべきおすすめコスメ5選を紹介！」を行い、アマゾンに飛んでもらい、その時に使えるクーポンを配布しました。また「夏のベストバイ」では、他者との差別化として、「子育て世代に売れているもの」「学生の間で売れているもの」など切り口を絞って展開しましたし、そのほかにも細かな施策を連打しました。ビューティは、先ほども言いましたが、お客さまはそれぞれに叶えたい自分の理想像があり、それに近づくためにどうしたら良いか悩んでいますが、多くある商品から何を選び、どう使用したら良いのか、分からないという思いがあります。そこでわれわれは、それらをブリッジする、インフルエンサーや、あるいはビューティアドバイザーの方々を起用し、その方々がお客さまの悩みに寄り添って丁寧に説明することで、「私がほしいものだ！」「私に合う！」と納得感を持ってお買い物をしてほしい。そういう想いでさまざまなイベントを開催しました。初の大型ビューティイベント「Amazon Beauty Festival “キレイに出会う４日間”」　美容感度の高いお客を中心に、アマゾン上でビューティ商品を購入する体験を提供することを目的に開催した。初日にライブショッピングを行い、美容のスペシャリストらの視点で商品を紹介するとともに、お客からもコミュニケーションが取れる場を提供し、ライブ中にクーポンコードを紹介するなど、飽きさせない施策を実施。商品では3000個限定の8ブランド14アイテムが入ったイベント記念ボックスを販売した。“あたなのキレイを探す“をコンセプトに、十人十色のような、それぞれに違うキレイがあり、買うべき商品も少しずつ違っているだろうと考え、「あなた自身の美しさに出合える場」を提供するこをチームでもこだわりました。特設サイトのデザインでは、さまざまな形の丸を使用したり、またライブ配信ではそれぞれ違った得意分野を持つビューティスペシャリストに出演していただいたりしました。イベントボックスには、ブランド側の「一度試してみると絶対に次も使ってもらえる」自信の一品を集めて販売し、即完売でした。新しいお客さまの購入も多く、ブランドと新客との出会いを創出できたと思います。今後はこれまで以上に取引先さまとの協業が必要で、お客さまがほしいと思った商品が必要なタイミングで手元に届けられるよう、特に品揃えの拡充を図りたいです。❸ターゲット拡充　国内外の百貨店やセレクトショップで取り扱われているラグジュアリーブランドを100以上取り揃える（2022年9月現在）「ラグジュアリービューティーストア」に加え、2022年8月に「プレミアムブランドストア」をローンチ。ブランドが持つストーリーや世界観ともに、商品のテクスチャーや使用方法など詳細な情報を発信し、お客にプレミアムなショッピング体験を提供するビューティストアを開設した。プレミアムブランドストアは、今年は「バウム（BAUM）」と「シセイドウ メン（SHISEIDO MEN）」でスタートしました。高級な商品は、理解した上で購入したい人が多いと思います。このページではブランドの想いはもちろん、たとえばマウスのカーソルを商品（クリーム）に合わせることで、テクスチャーがどんな形なのかなど、この中で表現できる特殊な機能を搭載しています。すでに多くのお客さまがページを観ていただいていて、購入にもつながっているような結果が出ています。

「アマゾン」が強化するビューティの3つの差別化とは　事業部長に聞く

「美しさを決めるのは読者」　資生堂の企業文化誌「花椿」に小説や詩を載せる理由

ーパリ装飾芸術美術館での「クリスチャン・ディオール、夢のクチュリエ」展はどのような経緯で開催に至ったのでしょうか？　ディオール（DIOR）の創設70周年を記念する形で企画され、パリ装飾芸術美術館の展示スペース全体を使って作品が展示、披露されました。展示作品はドレスや写真、文書、映像など300点以上です。パリではかつてないほど熱狂的に受け入れられ、約80万人が来場しました。中には数時間並んだ人もいたとか。ー同展はその後、ロンドンのヴィクトリア&アルバート美術館やニューヨークのブルックリン美術館のほか、上海やドーハーなど世界各国を巡回しています。キュレーションをする上で意識したことは？　ディオールには、1957年に亡くなった創設者クリスチャン・ディオール氏（以下、ディオール氏）だけではなく、その後60年間ブランドを牽引してきたクリエイティブディレクターたちがいます。彼らもまた、ディオール氏と同じように、喜びと快活さで人生を彩る信念を貫いてきた人物であり、普遍的でタイムレスなメッセージを発信してきました。この事実こそが「クリスチャン・ディオール、夢のクチュリエ」展の中核となるコンセプトであり、2017年の企画以来、来場者を魅了し続けている理由でもあります。ー同展では、ディオール氏だけではなく、彼の精神を受け継ぐデザイナーたちの系譜を俯瞰することができる、と。　その通りです。現在のメゾンとスタイルが、ディオール氏の精神を忠実に受け継ぐデザイナーたちのおかげで、現在まで続いていることを理解することができます。ーディオールの歴史を年表などの資料ではなく、ドレスや服、クリエイションと関連付けて展示されるオブジェや絵画などの芸術作品で説明するキュレーションが印象的でした。　展示される作品とその源泉を説明するような演出を意識しました。同展においての“源泉”とは、東京都現代美術館が所蔵する多彩な芸術作品です。絵画などを代表とする美術史を通すことで、インスピレーションをわかりやすく説明できているのでは、と思っています。来場者は、会場に足を踏み入れるだけで「ディオールが一時的なファッションストーリーではなく、ディオール氏の考えをそのまま反映したものである」ということを理解するはずです。ー貴重な作品も数多く展示されているのではないでしょうか。　そうですね。今回の展示がまたとない体験になるもう一つの理由は、展示アイテムの多くは生地が傷みやすいため、再び展示されることがないということです。会期終了後、展示アイテムは光を避けるために、アーカイヴとして“避難”することが決まっています。ー東京都現代美術館で開催されている同展はどのように構想しましたか？　今回の展覧会は、ディオール氏と日本を結ぶ固い絆に敬意を表し、特別に再考されたものです。ー具体的に、ディオール氏と日本はどのように密接な関係性を築いていたのでしょうか？　幼少期のディオール氏は、自宅の天井に描かれた浮世絵のようなフレスコ画をみて、はじめて芸術作品に感動を覚えたそうです。その後、ディオール氏はパリのロワイヤル通りに構えた最初の住まいの居間を、日本的な生地で飾っていますし、鐘紡や大丸、龍村など、日本の一流繊維企業と提携する契約を結んだファッション史上初のクチュリエでもあります。これらのエピソードから、ディオール氏が生涯を通して日本文化に魅了されていたことが見てとれると思います。　何よりもメゾンにとって最高の栄誉は、1959年の皇太子殿下と美智子様の結婚式で、美智子様がディオールのドレスを着用したことでしょう。ディオール氏以降のクリエイティブ・ディレクターたちも、創設者にインスピレーションを与えた日本文化への憧れを維持し、日本の装飾芸術、 庭園、演劇、織物、染物技術に敬意を表したコレクションを生み出し続けています。ーディオールと日本の密接な関係は、展覧会の中でどのように表現されていますか？　鐘紡や大丸、 龍村のアーカイブから文書や布地、写真、デッサン、パターン、 オブジェなど、特別に貸し出されたアイテムが初めて披露されています。これらの品々から、ディオールと日本の有名企業とのコラボレーションの歴史における知られざる側面が明らかになるでしょう。　また、注目すべきは最初の展示室で紹介される「ニュールック」です。オートクチュールや展示ケース、ディオールと日本の関係を探るドキュメンタリーフィルムを通し、1部屋全体を使い「ニュールック」についてをより具体的に取り上げています。ー同展の空間演出には、OMAのパートナー及びニューヨーク事務所代表を務める建築家 重松象平氏が参加しています。　「ディオールと日本の関係性」というコンセプトは、展示作品はもちろん、重松象平さんによる空間演出で、展覧会の中に繰り返し現れます。日本以外で開催された2つのディオール展でも、重松さんとコラボレーションをする機会に恵まれました。彼はオートクチュールを深く理解し、日本に生まれ育っているからこそ、ディオールの日本に対する情熱を繊細に表現する方法を知っています。会場の中で多く登場する、曲がりくねった有機的なボリュームは彼が手掛けたものです。曲線的な建築は、ディオールのスタイルや、日本の建築、装飾美術の現代的な表現との対話を作りあげていますよね。ー日本で開催するにあたり、展示内容やキュレーションに変化を加えましたか？　諸外国で出展されなかったアイテムや文書を展示しています。特に文書資料は、ディオールと企業のコラボレーションを詳細に知ることができ、歴史的観点からもこれほど包括的な方法で提示される初めての機会になります。ーディオール氏が、世界中の人を魅了する理由はどこにあると考えていますか？　ディオール氏が「世界を変えられる現象としての芸術」と「ファッションの力」をよく理解していたことが一番の大きな理由でしょう。伝説的な「ニュールック」の美しさとスタイルによって、第二次世界大戦で荒廃した世界に幸福と繁栄を取り戻す明るい見通しをもたらしました。それは彼が「女性をさらに美しくするだけでなく、さらに幸せにすること」を望んでいたからにほかなりません。　彼の生涯は、その生き様も仕事も見事です。起伏に富んだその軌跡は驚きに満ちています。裕福な家庭に生まれ、1929年に始まった大恐慌で貧しくなったディオール氏には、自己を革新する能力がありました。才能あるクチュリエになったばかりか、世界で最も有名なフランス人になったのです。ーディオール氏を語る上では、第二次世界大戦とその後の世界を語るのは避けては通れない、と。　そうですね。フランスと同じく日本も戦争で壊滅的な被害を受け、新しい強固な地盤に国を再建するためには、よりよい未来を楽観し、信じる必要がありました。ディオール氏の功績は、再建を特徴とする当時の特異性の中で、大胆にも戦後ファッションの基準を見直したことにあります。彼は勇気をもってよりよい世界を信じ、そのスタイルによって、美しく輝かしい女性らしさの再建、幸せとジョワ ドゥ ヴィーヴル（生きる喜び）への回帰を提案しました。事実、ディオール氏がブランドを創設した1946年は、まだ多くの人々が家もなく食料配給手帳に頼って貧しい暮らしをしていたそうです。そのような中でディオールのスタイルは「優雅な装いは着る人が誇りを持ち、未来を信じる助けになる」ということを教えました。ー最後に、展覧会を楽しみにしている人に一言お願いします。　「どのように装うか」は「自分がどのような人間か」「自分を取り巻く世界でどのように生きるのか」を明らかにする展覧会だと考えています。また、装飾品が芸術の真の形であることを理解するまたとない機会を提供するでしょう。ディオール氏のクリエイションを通して、美しく装うことへの志向を改めてかき立て、ファッションに新たな弾みを与えられればと思っています。（聞き手：古堅明日香）

【インタビュー】モードを復活させたクチュリエ、クリスチャン・ディオールという伝説

　1961年生まれで現在61歳のエリックは、ニューヨーク生まれニューヨーク育ちという生い立ちから10代前半の頃よりグラフィティ・ライターとしての活動をスタート。初期の頃は「SE 3」と名乗り、バスキアやキース、フューチュラ（Futura）らとニューヨークでの“ボム（街中にグラフィティを描くこと）”に明け暮れた。その後、活動領域を広げグラフィックも手掛けるようになると、そのストリートマインド溢れるレタリングと共にヒップホップシーンを中心に支持を集め、ビースティ・ボーイズ（Beastie Boys）、パブリック・エナミー（Public Enemy）らアーティストのロゴやジャケットなどを数多く制作。さらに、1993年にはアパレルブランド「ヘイズ（HAZE）」を立ち上げファッションシーンに参画し、「ナイキ（NIKE）」や「カシオ（CASIO）」「ステューシー（STUSSY）」とコラボを成功させた、まさにリビングレジェンドだ。　そんなエリックは、12月25日まで日本初の大規模個展「INSIDE OUT」をレイヤード ミヤシタパーク（RAYARD MIYASHITA PARK）3階のギャラリー「SAI」で開催している。同展では、限定アイテムとして藤原ヒロシが手掛ける「フラグメント（fragment design）」とのコラボアイテムを販売しているのだが、これは30年以上前に紡がれたエリックと藤原ヒロシの友好関係から実現したという。四半世紀以上ぶりに対面した二人に、出会いの経緯や藤原ヒロシがモチーフのペインティング作品などについて話を聞いた。―まずは、2人の出会いから教えていただけますか？エリック・ヘイズ（以下、エリック）：30年ほど前に、ロンドンのマイケル（ステューシー UKの中心人物で、ロンドンのストリートカルチャーのキーパーソンとして知られるマイケル・コッペルマン）を通じて知り合いました。私が初めて来日した際、ヒロシにウェルカムパーティーを開いてもらったんです。藤原ヒロシ（以下、HF）：1980年代にキース・ヘリングが自らのアイテムを中心に取り扱う「ポップショップ（POP SHOP）」というお店をニューヨークで開いていて、そこで発見したTシャツがエリックのデザインしたものでした。Tシャツから彼の存在を知り、当時はインターネットがないので全然素性を調べられなかったものの、どうやら音楽レーベル「トミー・ボーイ・レコード（Tommy Boy Records）」や「デフ・ジャム（Def Jam）」所属のアーティストのロゴなどを作っている人物だと判明し、「すごい人なんだな」と。マイケルに紹介してもらったタイミングで「グッドイナフ（GOODENOUGH）」のTシャツのデザインをお願いしました。―人伝ではなく作品先行の出会いだったんですね。HF：キースのお店でTシャツを買ったのが最初のきっかけで、今回展示されているペインティング作品で僕が着ている“HAZE”のグラフィックTシャツが当時購入したものです。―このペインティング作品は、何かのエディトリアルフォトがベースなのでしょうか？エリック：1991年に雑誌「キューティー（CUTiE）」のために撮影されたもので、ヒロシがポップショップで発見した僕のTシャツを着てくれているというストーリーもあって、当時からずっとフォトコピーを持っています。―藤原ヒロシさんにとっても思い出深い写真ですか？HF：それが、あまり覚えていないんですよね（笑）。ー改めて、今回の個展について説明していただけますか？エリック：タイトルが「INSIDE OUT」であるように、今回展示されている作品では私の心や頭の中、感情といった“INSIDE”を表現しました。というのも、5年ほど前から他人の人生に凄く興味を持つようになったんですが、私たち一人一人の人生は互いに影響し合いながら全て繋がっているんです。私はこれを“集合意識（Collective consciousness）”と呼んでいます。　この考え方が、アーティストとしての仕事への向き合い方と人生観そのものを大きく変えました。入り口からすぐの部屋に展示している作品は全てパンデミック期間中に描いたもので、あの頃はこれまで経験したことのない不思議な時間でしたが、私たちの人生において何が本当に大切なのか、考えさせられるきっかけになりました。ヒロシも共感してくれると思いますが、歳を重ねるごとに「時間は限られたものだ」と感じることが多くなったんです。若い時はずっと生きていられるような、世界は自分たちを中心にまわっているような、そんな感覚でした。でも年を重ねると友人のことを思いながら……ね。HF：友人が亡くなることも多くなるし、本当に今日こうして生きて好きなことができるのはありがたいことだと思えます。エリック：毎日そういったことを考えているような気がします。だから今回展示しているペインティング作品は友人や一緒に仕事をしてきた人たちなど、今までの“自分史”に対するラブレターのようなつもりで描きました。私はアートとして作品を作りますが、私がこの世からいなくなっても地球が存在している限り遺したアートは生き続ける。アートの本質的な部分ですよね。私がいつかいなくなった時に、アートとして何を遺すことができるのか。　キースやバスキア、彼らがいたニューヨークの日々が昨日のことのように思えますが、亡くなった友人を思うと時間の尊さと限られた時間で何ができるか、彼らの分まで「今の自分に出来ることを全うしなければ」と考えさせられます。ヒロシとのコラボも同じ考え方で、私たちは長い間会えていませんでしたが、良い友人関係にあると思っています。特に、共通の友人であるキースが亡くなった時、“キースの思い出と魂を繋いでいく”という共通の信念が生まれ、ヒロシとの絆が深まったような気がしました。そういった観点から、過去のグッドイナフでのコラボや、今回のフラグメントとのコラボは、“キースの魂を遺す”という意味合いも強いと思っています。HF：ありがとう。エリックが東京で個展を開くと耳にし、僕の友人たちが何人もサポートに携わっていたので、「僕も一緒に何かできることがあれば喜んで」という思いからフラグメントとのコラボアイテムを製作しました。エリック：私にとって今回の個展は、フルサークル（原点回帰）のようなもの。久しぶりに来日し、日本で友人たちとまた一緒に仕事ができたこと、そして、ヒロシとまた一緒にコラボできたことは何よりも感慨深いですね。―今回のコラボは、冒頭で話していたグッドイナフ以来、約30年ぶりになるんでしょうか？HF：そうだと思います。彼がカリフォルニアに移住した際に連絡先を失ってしまって、しばらく連絡が取れなかったんですよ。全然会えておらず、こうして対面するのも久しぶりですが、彼がナイキとコラボした「ダンク（DUNK）」などはチェックしていましたし、活動はずっと追いかけていました。―既に次なる再タッグの計画を練っていたりしますか？HF：何かあればしたいですが、30年ぶりに会ったばかりなので（笑）。エリック：一緒に何かやりたいとは思っています。2023年は初来日から30周年なので、スペシャルなことが実現できればうれしいですね。―最後に、エリック・ヘイズさんにとってHFさんとは？また、HFさんにとってエリック・ヘイズさんとは？エリック：物事全体の捉え方だったり、感性が素晴らしい人という印象です。ヒロシは、周知の通りインフルエンシャルな存在として、何十年にもわたってカルチャーに携わり続けている。これは本当に凄いことなんですよ。例えば、素晴らしい作品を作るのと、素晴らしい作品を常に作り続けることは全然違いますよね？そういうことです。HF：エリックはマスターマインド的な存在というイメージがあり、「これもそうだったのか」と僕が若い頃に見ていた格好良いロゴを、彼が手掛けていたと後々知ることが多々ありました。当時（1980年代）は、アップル（Apple）のPC「マッキントッシュ（Macintosh／Mac）」でグラフィックを作るよりも前の時代なので、大先輩ですね。というか、僕がグッドイナフを始めた時（1980年代後半）ですらマッキントッシュはまだ無かったくらいなので。エリック：今のようにコンピューターが発達する前の、“全くコンピューターを使わずに手作業で作品を作っていた最後のアナログ・アーティスト世代”ですからね。私はアーカイビスト（Archivist）なので、スケッチからドローイングまで今まで作った全作品のアーカイヴを保管しているのですが、実は2023年にアーカイヴ本を出そうと企んでいます。今の世代のアーティストたちからすれば考えられないような、興味深い内容になるはずです。楽しみにしていてください！

藤原ヒロシとエリック・ヘイズが対談　30年以上続く友好関係を紐解く

ジャン＝クロード・エレナ氏1947年フランス・グラース生まれ。50年以上にわたってフランスのフレグランス界で活躍。ル クヴォン メゾン ド パルファムとコラボレーションした理由を「誰もが手に取れる価格ながら、ユニークで高級なフレグランスを希少な植物原料と高貴なエッセンスを使用して仕上げている点に、魅力を感じた」と語る。ルクヴォンには４つのコレクションのうち、”ボタニカルコロン””シンギュラー オーデパルファム””リマーカブルパルファム”は香りを監修、”シグネチャー”コレクションは、エレナ氏自ら香料を厳選し、調香する。オートクチュールの高みにへ、“シグネチャー”コレクションが誕生ー11月に最新作として「シグネチャー ベチバー」を発売しました。“シグネチャー”コレクションについて教えてください。　シグネチャーは、私自身が手がける香りのコレクションだ。数年前にスタッフと話していて、これからは1つの香りをテーマに、単一の香りを作りたいと直感が働いた。ル クヴォン メゾン ド パルファムは、そもそもクオリティの高いブランドではあるが、更にオートクチュールの高みへ昇華させたい、そういう想いから誕生させたのが、このコレクションだ。　われわれが出した後に、「ゲラン（GUERLAIN）」や「ディオール（DIOR）」などのメゾンが追随したことからも、私の直感は当たっていたと思うよ。ル クヴォン メゾン ド パルファムとはルーツは1614年南仏プロヴァンスに建設されたミニム修道院。後に太陽王ルイ14世に植物学者として任命され、当時知られざる植物を探求して大陸を渡り歩いたルイ・フュイエが若き日を過ごした場所だ。ル クヴォン メゾン ド パルファムは、フュイエの世界各地への冒険あふれる旅と植物学における功績を称え、ミニム修道院の伝統と歴史を継承すべく誕生した。処方はすべて、植物エッセンスとナチュラルな素材を優先し、すべての製品がイギリスのヴィーガン協会に認定されている100%ヴィーガン。動物実験も行っていない。すべてのフレグランスは仏・グラースで生産し、ガラス瓶もフランスで製造。外箱はFSC認証紙を使用する。愛を交わすときに女性から香るベチバーの香りを調香ーでは最新作、シグネチャー ベチバーはどのように誕生したのでしょうか？　マーケティング的なアプローチを施さずに、職人的で自由に生まれた香りだよ。従来はベチバーは男性的な香りとして使用され作られることが多い香りだけど、女性的な香りを作りたいと思ったんだ。ベチバーはベチベルとも呼ばれる、インドネシアやハイチなど、比較的温暖な土地に自生するイネ化の植物。実は女性が男性と愛を交わす前に、ベチベルの根っこを噛んでお湯につけて煮出して飲むことで、愛を交わしたときに出る汗からベチベルの香りが体から漂い、男性が喜ぶという風習があるんだ。ーそんな風習があるんですか!?そういった風習を反映した香りを作りたかった？　そうなんだよ。女性の肌から香り立つベチベルの香りを作りたいと思ったんだよ。ーなぜ今、その香りを作ろうと思ったのでしょうか？　きっかけになったのは、シェフの友人が12mもある大きな木造船を持っていて。その船でクルーズをしたときに、船に使われていたロープと大西洋の塩で湿ったにおいが混ざり合ってベチベルの香りがしたような気がしたんだ。そして女性の風習を思い出し、それらが混ざり合う香りを作りたいと思ったんだ。ー男性と女性の官能的な話を聞くと、もっと甘い香りかと思っていましたが、落ち着いた自然を感じる香りですね。　使用しているのはハイチ産の最高品質のベチベルで、特徴として土の香りがする。今回は、その土の香りを取り除いて、よりウッディで温かみのある香りを生み出したんだよ。香水のアプローチは「自然の中で本物の香りを嗅ぐ」ー香水を作るインスピレーション源は？ベチバーと同様に男女の関係や、もしくは旅からというのもありますか？　私の香水の属性・アプローチは自然派と言ってよいと思う。たとえば「シグネチャー チュべローザ」をあげよう。チュべローザ自体は香水の原料として有名だと思うが、原料を取り寄せて作ったのではなく、実際に自宅の庭に植えて、8月の花が咲くときにどんな風に香るか。それをどう感じるか。違うアプローチができるのかを考えながら作ったんだ。　「シグネチャー ミモザ」も同じ。自宅の前に丘があって、2月になると満開のミモザの香りを風を通して感じることができる。そのセンセーショナルな想いを香水に落とし込んだんだ。私は自然の中で本物の香りを嗅ぐというアプローチをしている。歳を重ねて気づいた本当に香りに込めたい思いー50年あまり、調香師として第一線で活躍しています。歳を重ねることで感覚面の変化はありましたか？　もちろんあったよ。若いころと今では香りの感じ方が異なっている。同じ原料を使っていても自分の中の捉え方や香りに対する感じ方が違うと思っている。　あと香りづくりを始めたころは、市場というものをものすごく意識していて、市場に合いそうな香りを考え作っていた。だがあるとき自分が本当に香りに込めたい思いとはなんだろう…と。そう考えたことをきっかけに市場を頭から外して香りを作れるようになった。ーそれは何歳ぐらいのことですか？　45歳のころだと思う。賢くなるには歳を重ねなければならないよね（笑）。　技術的な話をすると、それまでは1000種類ほどの香料を使っていたが、今は200種類へと自然に絞り込まれるようになった。選び抜いた、クオリティのある原料のみを使えるようになった。それも歳を重ねたからだろうね。愛や恋が何千年も存在するがストーリーの語り方は変わる、香りも同じーその「選び抜く」ということは長い間使い続けるということだと思いますが、新しい原料が見つかることもよくあるのでしょうか？　愛や恋は何千年も前から変わらずあるが、その愛や恋のストーリーの語り方は常に変わっていると思う。香り（原料）も同じ。とてつもない変化はあまりないが、少しずつ変わっていくことはあるだろう。ー最後に、ずっと作りたい香りがあって、今でも作れない香りは存在しますか？　香りを作るとき、3日で完成する香りもあれば、10年かかる香りもある。それから未完成の香りもたくさんある。頭の中でどういう香りなのか、はっきり分かっていれば作ることができるけど、そうでなければ時間がかかる。だから死ぬときも完成していない香りがたくさんあると思う。（聞き手：福崎明子、平原麻菜実）

「きっと死ぬときにも完成していない香りがある」　香水界の巨匠、ジャン＝クロード・エレナ氏

　音楽活動の傍ら、ヴィンテージ収集家としても知られ、自身で修復した世界でも希少なクラシックカーを自宅に何台も所有し、趣味が高じてカーマガジンを創刊するほど熱心なコレクターでもある。その収集対象は車だけにとどまらず、時計や服にも及ぶ。今回、ベリーマンはファッションレーベル「アプライド
アート フォームズ（APPLIED ART FORMS）」（以下A/A/F）のクリエティブディレクターとしてドーバー ストリート マーケット ギンザ（DOVER STREET MARKET GINZA）のローンチイベントのため来日。ブランドの成り立ちや、ヴィンテージへの偏愛、日本製の素材も多く使ったアイテムのこだわりなど話を聞いた。―日本はいつぶりですか？印象は？　ジャパンツアーで来日した2017年ぶりだよ。デビュー前の18歳のころにバックパッカーで、日本各地を訪れたことがあるから思い入れがあるんだ。いつもカルチャーはもちろん、ファッションにも魅せられてきた。ブランドにも日本製の素材をたくさん使ってるしね。今回の滞在でもヴィンテージショップ巡りを楽しんだよ。―今回はブランドのプロモーションで来日とのことですが、「A/A/F」を立ち上げた経緯は？ 　大学では工学や建築を専攻していて、当時はプロダクトデザインや手を使ってモノを作ることを仕事にしようと思っていた。コールドプレイとしてデビューしてからは、アルバム制作やツアーで忙しくて、その時の情熱を忘れかけていた時期もあった。少しずつ自分の時間を持てるようになってから車の収集や修復をするようになって、ヴィンテージのミリタリーウェアも集めていたから自分の着たい服を作ろうと思い2年前にレーベルをスタートしたんだ。僕は音楽も独学だし、ファッションに関しても独学だけど、関心のあることや情熱を傾けていることに関しては、割とすぐ習得できるタイプの人間なんだよ。―ブランドのコンセプトは？　僕が好きで集めてきた米軍や英国軍の1940年代〜60年代のヴィンテージのミリタリーウェアがデザインソースになっている。オランダのデザインスタジオで、それらのアーカイヴピースを研究し、自分たちなりに解釈してモノ作りをしているんだ。ヴィンテージのミリタリーウェアは何十年も前のデザインなのに、機能的に設計されていながら実用的かつ美しいシルエットで、既に完成されているのが素晴らしいよね。―車をはじめ、沢山のヴィンテージアイテムを収集されています。魅力は？　コンピューターがない時代に、人の手でオーガニックに生み出されたデザインに魅力を感じる。手で描いたデッサンを、その時代に持ち得る技術を結集させて完成させていくという工程にロマンを感じるんだ。現代に生み出されたデザインの中にも素晴らしいものはたくさんあるけど、僕はそういった全てコンピューターで算出するモノづくりにはあまり面白味を感じないんだよね。―ブランドで提案しているものは？　ブランドのシグネチャーアイテムとして、パーカ/ライナーコート/ライナーベスト/フードといった単体でもレイヤードしても使えるマルチスタイルのアウターの組み合わせ方を提案している。これを「モジュラーパーカシステム」と呼んでいるんだけど、用途や天候に応じて、レイヤーを足したり差し引いたり調節できるんだ。個々での販売だけど、全部揃えてもいいし、買い足すこともできる。　あとこのシェルパーカ「AM2-1A」の素材は、空軍パイロットのために開発された耐久性のあるベンタイルを使っている。着れば着るほどに味わいが出て、特有のくたり感と美しい光沢が出てくるんだ。　ボタンは全てパラシュートボタンで作りも頑丈に仕上げている。フードや襟を取り外しできたり、裾を折り返してボタンで留めることで丈を調整できたり、ストラップを肩にかけたり...計算したんだけど、ライナーやベストと合わせるとフルで50通りの着方ができるんだよ。色はエクリュとブラックの2色があるよ。―15通りでなく50通り！その他に思い入れのあるアイテムを選ぶとしたら？　このフード付きジャケット「CM1-4」は、イングランド製の高級シルクにウォッシュをかけたジャケットで素材感が気に入ってる。シルクをウォッシュにかけると生地が縮むんだけど、それを計算してデザインしないといけないからすごく作るのが大変で。だけどウォッシュをかけると、鈍い光沢感が出て柔らかく絶妙な風合いに仕上がるんだ。　オーバーサイズのビックフードで、裏地は日本製の柔らかいコットンとウールのパイル地。着てみるとわかるんだけど、本当に包まれているような着心地なんだ。肌触りも良くてこのまま寝ちゃいそうなくらいな気持ち良さだよ。―一つ一つのアイテムのこだわりを感じます。作り手にしか知り得ない隠れたディテールを教えてもらえますか？　例えばこのパンツのバックタグのジグザグの縫い目は、ニール・アームストロングがアポロ11号で月面に立った時の宇宙服のスティッチから着想している。宇宙服って最も頑丈に作らないといけない特殊服の一つだけど、そういったディテールやストーリーが好きなんだ。飾り縫いではあるけど、隠れたディテールかな。作り手としてはアイテムの細かいところを伝えたいからテキストで説明するんだけど、すごく長くなっちゃって「誰が読むの？」って突っ込まれるんだよね。聞いてくれてありがとう（笑）。―ベーシックでタイムレスなデザインのコレクションですが、シーズンはどのように展開していく？　成り立ちからも、既存のファッションスケジュールに沿って新作を次々に出していくようなブランドではないんだ。今はオランダのスタジオを拠点に少人数でブランドを運営していて、作れる数量も限られている。一度買ったら何十年も着られるように丁寧に仕立てているからね。まだスタートしたばかりだから、僕の目の見える範囲で調達から、デザイン、製造、卸、マーケティング、販売までの全ての工程を見渡したいと思っているんだ。　ベースとなるアイテムはどれもタイムレスなスタイルだから、定番としてずっと展開していく。色展開や新作のアイテムを加えていくけど、基本的にはここに並んでいるラインナップがコアになっているよ。―ミュージシャンとクリエイティブディレクター。2つの活動をどう両立しているのでしょう？　どんなに忙しくても、情熱のあることへの時間はいつでも作れる。もちろん今年も、来年もツアーで世界の都市をあちこち移動するスケジュールだけど、コンサートの本番でも夜の公演だったら午前中に時間を見つけてヴィンテージストアに行ったりもできるし。音楽と音楽以外のクリエイティブも互いに良いように相互作用しながら、バランス良くできているかな。―ステージでもブランドの服を着用するんですか？メンバーのブランドへの反応は？　ボトムスはよくステージでも履いたりしている。メンバーも気に入ってくれていて、ジョニーはTシャツを着てくれたりしている。勝手に変なスローガンを入れてて、問い合わせがあった時に困ったんだけど（笑）。―今回、ドーバーストリートマーケットでのローンチイベントでしたが、出会いのきっかけは？　パリの展示会で声をかけてもらったんだ。ドーバーはもちろん知っていたし、扱っているブランドもクールだから、このような機会を作ってくれてとても感謝している。ドーバーで扱っているブランドはチェックしているし、日本にも素晴らしいブランドがたくさんあるよね。「ビズビム（visvim）」とかは、ブランドの成り立ちや考え方が近いように感じている。―今後のブランドの展望は？　コレクションを見てもらってわかるように、素材やデザイン、製造までこだわりを持って一つ一つオランダで作っているから大量生産向けの服ではないし、それゆえに価格も手頃とはいえない。僕たちが提案しているのは“一生モノ“として着られるデザインと品質の服。ビジネスの規模をすぐに大きくしようとは考えていなくて、僕らのモノ作りの哲学に共感してくれて、「コールドプレイ」というフィルターなしに純粋に服の価値を理解してくれる人に袖を通してもらえる機会が増えると嬉しいな。Interview & text by Yuui Imai

ヴィンテージ収集家 コールドプレイのガイ・ベリーマンが服作りにかける情熱

「私がいなくなった未来にも残る面白い本を作ってみたい」ー前回取材をしてからちょうど一年ですね。　お久しぶりです。「2021年ベストバイ」の記事は、友達も新しく会う人からも、たくさん「読んだよ」とコメントをいただきました。ーどんな感想がありましたか？　一番多かったのは「あんなに服オタクなんだ」というコメントでした。服は現在進行形で好きですし、今年は他のジャンルでも今年も好きなものが増えました。いつもこれ以上増えたら大変だなと思うんですけど、世の中に面白いものがまだまだたくさんあるので......。ー今回は初の書籍ということですが、展示から形式を変えた理由は？　2020年にパルコで2回目の展示（「HOMESICK」）が終わって、興奮が収まらないうちにパルコの方々と「次は何をしますか」と話していて、ふと「本ですかね」と言ったのがスタートです。今までの展示は、場所と期間、時間が限定されていて、「今ここでしか体験できない」特別なものという、足を運んだ人にしか分からない面白さがあり好きでした。でも本は極端な話、永遠に残るので。自分が本を作るとしたら、私がいなくなった未来にも残る面白い本を作ってみたいと思ったんです。　そこから1年の間に同世代の面白い人たちにもたくさん出会い、自分たちから今しか生まれない熱量と衝動的な思いを形に残したかったので、2021年に企画書を作り具体的に動き始めました。ー書籍に参加したクリエイターは、ベテランからアップカミングな方まで幅広いのが特徴です。皆さんとは元々知り合いですか？　TEPPEIさん（スタイリスト）とはいつか一緒に何か作りたいと思っていました。根本さん（劇作家・演劇家 根本宗子）とはこれまで何度か作品でご一緒していますが、いつも体と記憶に残るような体験をさせてくださるので、今回の企画でも絶対お願いしたいと考えていました。皆さん私のオタク気質なところというか「好き」を突き詰めるところを理解してくださって、本を作り始めた当時は本当にワクワクしました。完全燃焼した”ファッションシューティングドキュメンタリー”の撮影舞台裏ー本を作り始めた「当時」だけワクワクしていた？　もちろん、ずっとワクワクはしていて今も展示が始まるのが楽しみです（笑）。一番最初に動き出したファッションシューティングでの2日間が自分にとって衝撃が大きすぎて、単純にこの書籍を「ただの本にはできない」という気持ちになってきたんです。もっともっとこの本がずっと残るようなものにしなくてはいけない使命感みたいなものが強くなっていったというか。本を出したいと思い始めた時の感情を、極限まで突き詰めて作らないといけないなと。ー撮影が相当刺激的だったんですね。　TEPPEIさんのチームとシューティングできるだけで私としては楽しみで仕方がなかったです。でも本として残すなら限界突破して新しいものを生み出さないと意味がないなと。元々何かが生まれる過程が好きで「どうやって作るんだろう？」と疑問に思うことが多いので、今回のシューティングはスタイリングもヘアメイクも即興で作って、その様子を全部見せることにしました。ーどうやって撮影したのでしょうか？　パルコ本社の会議室を貸し切ってフォトスポットを4つ作り、衣装ラックやヘアメイクのスペース、試着室、全て一つの部屋にまとめてそれぞれの過程をずっと撮影しました。だからほぼ48時間ずっと撮られている状態ですし、誰もこの後の展開が分からないからどの会話も創作の一部であるような、脳みそフル回転で走り抜けた感覚です。最中はアドレナリンのお陰なのか、自分も含めて想像以上のものがポンポン出てきたんですけど、反動で終わった後は放心状態で自然と涙が出るくらい燃え尽きました（笑）。だから、この企画は「ファッションシューティングドキュメンタリー」と呼んでいます。 ー確かに、スタイリングが出来上がってく様子をリアルに感じられるのは新鮮ですね。　即興で制作している最中の会話をずっと録音していて。何気ない日常的な会話から始まったのに、最終的にスタイリングのアイデアになっていることがあり、「今何が起きたの？」と、私自身が一番楽しんでいました。現場の即興感をできるだけ本でも感じてもらいたかったので、テキストも現場の言葉をできるだけそのまま載せました。ーファッションシューティングドキュメンタリーは40ルック150枚以上とかなりのボリュームです。　最初は20ルックの予定だったのですが、撮り始めたら生き物みたいにあちこちでいろんなことが起こって「このスタイリングいいじゃん」とか「こうしちゃえ」とか、自然と派生していくことばかりでした。蓋を開けてみれば40ルックになっていました（笑）。数だけ見ると多いなとも思うのですが、ページをめくりながらあの時起こっていたことを体感してもらうためには全部が欠かせないルックです。「デビュー作を絶対私の本に載せたい」　無名の漫画家 CO¥OTEとは？ー参加クリエイターの中で、漫画家のCO¥OTEさんは検索しても全くヒットしなかったのですが...。　気になりますよね（笑）。CO¥OTEさんはここ数年で出会ったお友達ですが、当時は漫画家さんのアシスタントをしていて、自分ではこんなのを描いてるんだと見せてもらった作品がめちゃくちゃ面白かったんです。いち読者として早くこの人の作品をちゃんと読みたい、デビュー作を絶対私の本に載せたいとお願いしました。ーストーリーも伊藤さんと一緒に考えたのでしょうか？　制作に介入することはしていません。本人が考えていること、今だけの感覚、純度の高い衝動というか、それを自由に出してほしいと思ったので、とにかく今描きたいものを出して下さいとお願いしました。そしたらやっぱり面白くて最高でした！漫画が唐突に写真の合間に挟まっている構成もお気に入りです。いびつな感じというか、急に漫画家の作品が現れるのが良いアクセントになったと思います。実は漫画の最後の方に、よく見ると分かるちょっとしたネタがあるので是非読んで欲しいです。ー今回の書籍は、これまでクリエイターと制作してきた伊藤さんのキュレーターの側面がより現れていると感じます。　クリエイターやキュレーターだと意識したことはないんです。それよりも、好きなもの・面白いものを作る人たちと関わって何か生まれる現象が好きというか。いつも自分の「好き」からスタートしているのですが、理由を突き詰めていくとどうしたら面白いものを見せられるか分かってくる感覚もあります。本の”裏テーマ”と将来の夢ー書籍と連動した展覧会「MARIKA ITO LIKE A EXHIBITION LIKEA」は、「パルコでの展覧会の三部作最終章」とのことですが、元から三部作と決めていたのでしょうか。　全然そんなことはなくて、むしろ毎回「これが最後でいい」と思えるくらいの気持ちで挑んでいるので、3回も開催させていただいたことが自分でも驚きです。ありがたいことに、毎回いろんなクリエイターさんが参加してくださって刺激的な分、関わる人が多いとどの人にも同じ熱量でぶつかっていくので終わった後は本当に燃え尽きちゃうんです（笑）。今回は書籍が10年の集大成として深くて濃い内容になったから、パルコさんでの展覧会も一区切りという形です。ー展覧会は書籍を展示に再構築したものですが、どうやって作り上げていったのでしょうか。　空間設計に、クリエイティブチームCEKAIの福田哲丸さんに入っていただきました。本を読んでいただいて、私の考えやアイデアをお伝えしそれをどう立体物に落とし込むか考えていきました。本の巻頭企画であるファッションシューティングドキュメンタリーの写真を軸に展示していますが、ただ写真が並んでいるだけではつまらないので私の幼少期の動画を投影したり、本の最後にもある「プレイリスト 実家」で紹介している音楽を使ったり、生花アーティストのアレキサンダー・ジュリアンさんの作品など立体作品を織り交ぜながら本の内容を体感できるような空間を目指しました。根本さんには本に収録した脚本をラジオドラマに再編集していただいて。本の内容でありながらここでしかできない体験なので、ぜひご来場していただきたいですー展示にも再構築している本の企画「プレイリスト実家」では、実のお兄さんと対談しています。　この企画は自分の中で本の裏テーマ「古い記憶の中で一番好きなものは？」の軸になるもので実は結構重要というか。私は好きで集めたものについて「そもそもなんで好きなんだっけ？」と考えるのが癖なのですが、大体が「昔からこういうの好きだったな」と軸が変わってないことが多いんです。それは実家でよく聞いていた音楽とか、母が着ていたブランドとか、お兄ちゃんから教えてもらった漫画とかが起源になっているんだろうなと。だから一番身近なお兄ちゃんと実家でどんな音楽聞いてたっけって話をしてみました。話してみると「ああそうだった」と思うこともたくさんあり、私自身も今の自分がどうやってできたのか立ち返ることができて思い出深い企画になりました。あと、単純に自分で企画した雑誌だからこそ一般人のお兄ちゃんも自由に出てもらえるなと思って（笑）。ー伊藤さんの制作の根底にある「好き」のルーツを探れる企画だと思いました。　そうかもしれません。いろんな人や物が好きな私自身のルーツって何だっけと深掘りするような企画なので。私自身、昔好きだったものを今反芻することもめちゃくちゃあるんですけど、感じ方が変化しているのも面白いところだなと。最初にこの本を未来にも残したいとお話ししましたが、先の未来でこの本を読んだ人の感想を聞いてみたいです。きっとずっと先のことですけど。ー最近はデジタル社会で断片的にいろいろなものに触れるものの、それぞれのルーツまでは知らないことも多いと思いますが、この本はルーツを探る面白さのヒントになるような気がします。　そうなったらめちゃくちゃ嬉しいです。私は好きなものが出来上がる過程や引用元を探っていくのが癖で、考えることが作るモチベーションでもあるんですけど、好きの理由を突き詰めていくことと制作ってセットになっているところもあって。「なんで好きなんだろう？」を限界まで考えると同時に、じゃあどうやって伝えたら面白くなるんだ？と疑問が自然に湧いてくる。今回も単純な伊藤万理華の本ではなくて、それ以上のものを作るには自分を曝け出して剥いでいくしかないと思ったんです。剥いで剥いで、最後に残った面白さの核に何があるのか私が知らないことには始まらない。楽なことではないですけど、そういう核を大切にすればするほど、生み出したものが自分にとってただの物ではなくなるというか。それこそ生きていく糧になっています。ー気が早いですが、次に何か作るとしたら？　10年分の思いを詰め込んだので、「LIKEA」をじっくり、いろんな人の手に届けたいなと思っています。　次かどうかはわかりませんが、将来の夢としてギャラリーを作りたいと考えています。ギャラリーはアーティストの作品を披露する場でもあるし、作品を見に面白い人たちが集う場所でもあります。そういう意味では今回も「伊藤万理華のギャラリー本」のようなところもあるなと思いました。ジャンルとか立場とか関係なく共鳴した人たちが集まるギャラリーのような場所をいつか実現できたらと考えています。

伊藤万理華はなぜ作るのか？　初の書籍「LIKEA」の制作舞台裏と将来の夢

—ジャスティンと出会う前のことを教えてください。　2007年頃からアッシャー（Usher）のアシスタントをしていました。家事をしたり、空港に迎えに行ったり、彼の犬の世話をしたりしていましたね。—当時の夢は？　ラッパーを目指していました。あとは役者として成功できたら、とも考えていましたよ。—ファッションへの興味はいつから？　子どもの頃から服は好きでしたが、職業にできるとは思っていませんでした。スケートボードと、釣り、スポーツが好きなのでその3つの要素を組み合わせたスタイリングを個人的に楽しんでいたような感じです。—ジャスティンとはどのように知り合ったんですか？　アッシャーからの紹介です。2008年にジャスティンがアッシャーの「RBMG Records」にサインした際に「新しいアーティストだよ」と紹介されました。アッシャーから「ジャスティンのスタイリストを任せる」と言われたんです。当時はスタイリストが何なのかもわかっていないような状況だったので、何をしたら良いのかという感じでしたよ。—ドリューハウスの立ち上げは2018年。約10年はスタイリストとして活動していた？　ジャスティンのスタイリングをしながら、役者の仕事をしたり、アニメーション作ったり。粛々と自分のプロジェクトを進めていました。—そこからどういった経緯でブランドの立ち上げに？　最初に立ち上げのアイデアを出したのはジャスティンだったんですが、ファッションの話で共感し合うことが多く、話しているうちにブランドへと繋がった感じです。そもそも僕とジャスティンの関係が始まったのはスタイリングなのでファッションがベースにありますし、好きなものが似ているんです。—ドリューハウスはジャスティンのミドルネームのドリューとハウスを組み合わせた造語ですが、実際に同名の家がロサンゼルスのサンフェルナンド・バレーにあるそうですね。　ポップアップ会場の2階はドリューハウスのリビングルームを再現しました。ドリューハウスでは、喜びと愛と平和を大事にしていて、誰もが自分らしくいれて、愛され、励まされ、大切にされる場所を目指しています。ウェアでも同じように“誰もがハッピーになれるもの”に重きをおいてモノ作りをしています。—ブランドを象徴するスマイリーフェイスの意味は？　最初はノートに何気なく書いたスケッチだったんですが、スマイリーフェイスは世界共通で誰とでも喜びを共感できるので、ブランドの象徴的なロゴとして使用しています。—ジャスティンとの役割分担は？　クリエイティブディレクターなので、クリエイティブ面は私が基本的に担っていますが、ジャスティンとの話し合いから生まれるものがほとんどです。シルエットやグラフィック、カラーなどアイテムについても細かく話し合いますし、ブランドの方向性についてや、どうすれば皆んなにメッセージが届けられるかもよく議題にあがります。—実店舗を持たずにポップアップとオンラインストアだけで展開しています。　今は世界中にドリューハウスの世界観を共有することが目的なので、1ヶ所に店舗を構えるよりも色々な場所でポップアップを出店することが大事だと考えています。—ポップアップは今回が4回目ですが、出店先に日本を選んだ理由は？　日本は凄く影響力のある場所だと思っています。街は綺麗だし、文化も素敵。ストリートのファッションからインスピレーションを受けますし、ご飯も美味しい。ずっとポップアップをやりたいと思っていた場所で、日本にいるだけでもアイデアがどんどん湧いてきます。—本国のドリューハウスをイメージしたというスペースには、「NINTENDO64」が置いてありますが、これは日本用に用意したものですか？　いえ、実際にロサンゼルスの家にある物を持ってきました。普段から遊んでいるんですよ。ソファだったり、テーブルもロサンゼルスから用意しました。ドリューハウスの居心地の良さを皆さんに感じて欲しかったので。—普段はドリューハウスのどこで過ごしているんですか？　だいたいソファで作業しているか暖炉の前にいますね。あとは自転車で近所をブラブラしたり。外のプールの掃除をしながら、鳥を眺めたり、プールで溺れちゃっている蜂が多いので助けてあげたりしています。そういった日々がデザインのインスピレーションになっています。　このウサギ、コヨーテ、クマのクッションは実際にドリューハウスの近くに生息している動物たちなんです。そして、クッションと同じ素材でパファージャケットを作ったりもしました。—今回のポップアップでは連日行列で、盛況でした。　日本でも多くの人がドリューハウスのアイテムを着てくれていて、ドリューハウスのコミュニティがどんどん大きくなっているのだと実感でき感動しました。「誰もが特別で愛や喜びを大事に」という私たちのメッセージが伝わっていれば嬉しいです。

誰もがハッピーに、ジャスティン・ビーバーとライアン・グッドによる「ドリューハウス」が伝えたいメッセージ

■ヴィッキー・ツァイ創始者&CEO。ウェルズリー大学で経済学の学士号、ハーバード ビジネス スクールでMBAを取得。メリルリンチ、 スターバックスなどでキャリアを積んだ後、2009年にタッチャを設立。コスメティックエクゼクティブウーマンファウンダーアワード（2019年）など数々の賞を受賞。世界の教育機会に恵まれない地域の女子教育をサポートするルーム・トゥ・リードのグローバルボードディレクター。SEOスカラーズ、アジアアメリカ ファンデーション、セフォラのアクセレレイトプログラムのメンターも務める。一児の母。ーまず初めに、タッチャの魅力について教えてください。　13年前、初めて日本に来た時はとてもひどい肌荒れに悩んでいました。その主な原因はストレスで、日々のモチベーションも下がっていて…。日本で出会った人やモノを通じて、結果として肌の状態が良くなり、その経験からタッチャを立ち上げました。タッチャは、日本でのそういった経験を伝えることに注力しているのですが、みなさん自身の美しさの再発見や健康につながっていけば嬉しいと思っています。ー商品においても、日本の素材にこだわったモノ作りが印象的です。　日本の女性が世界で最も長寿と言われていますが、長寿と肌の関係性は非常に深く、3年以上を掛けリサーチし、その秘密は日本人が伝統的に食べてきた健康食（質の良い米やお茶など）が、体にも肌にも良い影響を与えると考えました。その素材が素晴らしいと理解した上で、現在ではタッチャのチーフ サイエンティストとして活動する、田川正人氏と出会いました。科学的な根拠を得るためにより深い調査、200回以上のテストを実施している、業界をリードしている原材料会社とパートナーシップを結びました。
秋田こまち、宇治の緑茶、沖縄の海藻を主成分に、100年以上の歴史を誇る秋田の発酵スペシャリストと、約300種類から厳選した酵母とともに、二度の発酵プロセスを経て完成させたのが発酵コンプレックス「HADASEI-3」です。この成分はほとんどの製品に配合しています。ー沖縄の海藻とは？　もずくです。もずくはとっても面白い海藻で、もずく水によりヒアルロン酸を肌細胞で作り出す機能の高まりが期待できるんです。米や茶においてもたくさんのテストを繰り返し、この3つが、最も適したコンビネーションだったんです。そのほか、タッチャが採用する主な日本の素材・カメリアオイル（ツバキ種子油）：ビタミンA、B、D、Eにオメガ３、６、９を豊富に含む椿油はオレイン酸を豊富に含み、高い保湿力で知られている。伊豆大島産の椿油を配合。・アコヤ真珠由来エキス（加水分解コンキオリン）：乾燥を防ぎ、ふっくらなめらかな肌へと導く。・紫黒米ヌカエキス（コメヌカエキス）：ポリフェノールの一種であるアントシアニンを豊富に含み、生き生きとした印象の肌をサポートする。・シャクヤクエキス：新潟産のシャクヤクの花から抽出したエキスを採用。気になる目元の乾燥を防ぎ、潤いを保つ。・野イバラエキス（ノイバラ果実エキス）：バラの中でも生命力が強く、環境に左右しにくい丈夫な種類の野イバラ。ノイバラの果実から抽出されたエキスは、肌の引き締めが期待できる。ー今後の新製品について教えてください。　日本には「森林浴」という言葉があると思いますが、医師で日本森林医学会代表世話人を務める李卿博士とパートナーシップを結びました。 李卿博士の調
査によると、森を一回歩くだけで、気持ちが穏やかになるのはもちろん、価値のある測定可能なポジティブな変化を身体と心にもたらすことも期待できると言います。そこでわれわれが李卿博士と一緒に選んだのが、彼の研究でさまざまな健康効果をもたらす強力なフィトンチッドを生成する二つの木、日本のヒノキとスギ。これらに独自のHADASEI-3を配合したボディケアアイテムで、アメリカではすでに発売していますが、日本では2023年初夏の発売を予定しています。ー次に使いたい日本の素材はありますか？　私たちがやろうとしていることは、日本に今まで伝わってきた伝統的な美容法を変えようとするのではなく、それが「なぜ効果的なのか」ということを追求していきたい、と思っているんです。日本でヒーリングという言葉を使いますが、“癒やされる”素材に一番惹かれますね。　われわれは、「スキンケアを売る」ブランドではなく、スキンケアを通じて「肌と心をケアする」ブランドなんです。ータッチャは、日本ブランド？アメリカブランド？どちらなのでしょうか？　われわれは日本のブランドのふりをしたことはありません。私自身は日本人でもありませんし、日本語もできません。ただ日本にも、サンフランシスコにもチームがあります。素材やフォーミュラ、生産は日本で、企画やアイデア、マーケティングはサンフランシスコでというように、両方のチームが共同することでブランドが成立しています。　そういった「良さを合わせる」という考え方は、日本から学んだことでもあります。日本の文化は面白く、たとえば、日本で食べるパスタやクロワッサンには、イタリアやフランスに負けない美味しいものがあります。海外から入ってきたものでも、日本特有の視点、日本独自のこだわりを加えることで、全く違うもの、さらに価値のあるものに変化さてしまうのが日本です。そこが日本の素晴らしいところだと思います。　われわれは、ある素材をそのまま使おうと思っているのではなく、そこにエッセンスを加え、さらにリサーチをして新たな価値を加え、新しいものを生み出す。それがタッチャなのです。 ー今の日本市場をどう見ていますか？　コロナ禍を経て毎日ストレスを感じていると思いますが、外に目を向けることが難しかった時代だったからこそ、日本人特有の作法といった伝統など、日本の魅力に気づき癒やしについても考える良い機会になったのではないでしょうか。変化やチャンスがあり、非常に楽しみな時代ですよね。日本には「肌は心の鏡」という素晴らしい言葉があります。日本文化には昔からたくさんの叡智が込められていると思います。ーそんな日本にタッチャは受け入れられると思いますか？　以前は、百貨店の化粧品売り場に行き、肌荒れなど今感じている悩みを伝えて購入することが多かったと思いますが、今は「自分をより高めるためには」ということに直結するクリエイティブな回答を欲していると思います。求めているのは、健康的で、強く、美しく、幸せになれる商品。タッチャはまさにぴったりだと思います。ー日本展開2年目、今後の目標を教えてください。　お客さまに対しブランドを正直に説明し、そのお声にしっかり耳を傾け、長く続いていくブランドにしていきたいと思っています。現在日本では、デジタルのみの販売ですが、毎月、前月比2ケタ成長を続けています。その中で、お客さまから気軽に触れられる場所がほしいという声も多く頂戴し、11月からフォーシーズンズホテル京都 THE SPA限定のアイテムを発売し、期間限定トリートメントメニューもスタートさせました。2023年には新たに“触れられる”場所を作る予定です。多くの人にタッチャを知っていただけるような形にしていきたいですね。（聞き手：福崎明子、平原麻菜実）

上陸1周年のサンフランシスコ発スキンケア「タッチャ」創業者が語る日本愛とブランドの魅力

■計良宏文（けら・ひろふみ）資生堂トップヘアメイクアップアーティスト/SABFA校長。1992年資生堂入社。パリコレなどのファッションショーや広告のヘアメイクを多く手掛ける。2019年に公立美術館において日本初のヘアメイクアーティストによる個展を開催。東京2020パラリンピック開会式ヘアメイクも担当。SABFA：公式HP SABFA：Instagram 計良宏文 ：Instagram感性を養える10代に「美しさ」を考えるー学校を運営しながら、なぜGAKUの講師を引き受けたのでしょうか？　SABFAは、将来の美容業界をリードするプロのヘアメイクアップアーティストを育成することを目的としています。ですが、SABFAで学ぶ以前の10代の多感な、感性を養える時期に、メイクアップを通して「美しさ」について考える、そういう時間を作ってあげられたらと思っていました。そんな時に、武田さん（GAKUを運営するログズ代表取締役CEOの武田悠太氏）からお声がけいただき、GAKUの「10代の若者と本物のクリエイターがともに考え、試行錯誤しながらクリエーションに向き合う授業を提供する」といった考えにとても共感しました。ー先ほど少し授業を見学させていただきました。ヘアメイクアップアーティストである計良さんが講義するというと、メイクアップを教えるのかと思いましたが違いましたね。　観ていただいた授業は全11回の1回目。「美しさの個人史」をテーマに、そもそも「美しさとは何か？」「美しさはどのような時に感じるものか？」を講義しました。各人が好きなモノ、美しいと思うモノを披露して説明することで、美の原点を探るというものです。ーなぜ第1回目で、自分が感じる「美しさ」を発表するのでしょうか？　ヘアやメイクを学ぶことは、美容学校から始まり、その後のアシスタント時代など長い期間を費やして習得していく“修行”でもあります。ただメイクは多くの人が毎日するもので、10代の若い人たちの中には興味はあるけど、まだしたことがないという人も大勢いると思います。そういったある種の“修行”以前の入口で、メイクアップの技術的な基礎から教えると、もしかしたら拒否反応が出てしまうかもしれません。だから、興味がある、もっと自由な発想、「自分らしさ」「自己表現」から始めることで、自然とメイクにも興味が沸くのではと考えています。今後も、自由な発想で「自分の顔にメイクしてみましょう」といったスタイルで進めていくつもりです。自分を表現することは恥ずかしい、でもとっても大切ー授業では、生徒たちが芸術を分かっているような発言をしていましたね。大人になるにつれ、そういった発言は恥ずかしいと思ってしまいます。　自分を表現することは、自分を曝け出すことなので、恥ずかしいですよね。自分の美意識や価値観、あるいは自己表現とか…。しかし、クリエーションにはそれがとっても大切なんです。メイクアップでも、作品を表現する、オリジナリティを出すことは、自分の考えを出すことなので実は結構恥ずかしい。でもそこに向き合うことが、オリジナリティに発展することなので、この時期（10代）にそれを表現しておくことは大事なことだと思います。ーこのGAKUのプログラムは、10代の子たちが持っている感性と、さまざまな業界のプロが向き合います。そういった環境はこれまでになかった体験ですね。　業界のプロが、自分たちの専門分野を10代の子どもたちに真剣に教え、取り組む。こういうところは本当に面白いですよね。ーでも残念ながら、ここで講義を受けられるのはほんのひと握りです。資生堂SABFAとして、10代へのコミットは考えますか？　われわれも10代の感性に刺激を与えることはとても大切だと考えています。実は先日、SABFAとして特別セミナー「creative SHOWER～美と、感性を、あびる時間～」を開催しました。セミナーはさまざまなゲストをお呼びしてトークセッションを行うのですが、第1回目はアートディレクター/ グラフィックデザイナーの吉田ユニ氏を迎え、吉田氏の発想の源をひも解きました。吉田さんの技術的なことではなく、美意識や美的感覚をお聞きしながら、自分の感覚との共感性を持って、新しい感覚を拡張していくというものです。ー10代も参加できるのですか？　10代〜大人まで、美容関係者だけでなく、一般の方も参加できます。セミナーは今後も継続していく予定ですので、ゲストの人の感覚的なところを、「それってどうなんだろう？」「なんなんだろう？」と思ってくれる人たちが集まってくれたらと思います。葛藤しながら自分らしく表現することーGAKUの「我美と作美」プログラムは、今年1〜3月に開催し、今回で2回目です。こういった講義から、計良さんが気づいたことは？　10代後半はもう子どもではありません。彼ら、彼女たちが、さまざまなことに興味を持ち、素敵な価値観や感受性を持っている。そのことを改めて分かったことが嬉しかったですね。ここに来る子たちは、もしかしたらとっても純粋なのかもしれませんが、単純に外見じゃない美しさにしっかりと気づいている。一方で、世の中のギャップというか、生きづらさを感じている子たちもいます。世の中は、こういった美しさが求められているけれど、自分の価値観とは違う…。マイノリティな存在であることに葛藤し、どうやったら自分らしく表現できるのか、発信できるのか、と悩んでいる子たちもいるのだと。 ー今回の授業を重ねていくことで、そういった葛藤などが作品に現れたり、心で感じる変化が現れたりするのでしょうか？　初回の授業で、自分の好きなもの、美しいと思うものを発表する過程において、自己を見つめ直すことになり、自分の好きなことを再確認します。そこから講義を重ねていくことで、最後には一つ作品を作ることになるのですが、この初回で出してくれたアイデアが、授業を進めた先に「ああ、だからこういう作品になったんだね」と分かるようになる。この子はやっぱりこういうのが好きだった、または知らなかった好きを発見したんだなと思う。それはとても面白いですよ。ーここで学ぶ子たちがどうなってほしいですか？　ここに来る子たちは、何かしらクリエーターになりたいという人たちが多いと思います。美容に限らずですが、クリエイティブな世界に進む人たちが出てきたら嬉しいですね。さらにクリエーターとして有名になれたらいいですね。たとえそうじゃなくても、自分の発信する表現方法を見つけられたと感じてもらえたらいいと思います。

10代のクリエーションに向き合う理由　資生堂SABFA・計良校長が学び舎「GAKU」で講義

　二人のキーパーソンが動き出した。齋藤氏は「六本木アートナイト」や「MEDIA AMBITION TOKYO」のメディアアートディレクターおよび大阪・関西万博のPLLクリエイターを務めており、市民を巻き込んだ都市イベントを成功させる手腕を持つ。松井氏はファッションから行政まで幅広いクライアントのブランディングやコンサルティングを担当。TCS期間内に開催される渋谷原宿ファッションフェスティバル（シブハラフェス）のプロデューサーも務めている。そんな二人から見た、今の東京とは？■人の集まりも建築の一つ？ー齋藤さんは多くの都市イベントに関わっておられますね。齋藤精一氏（以下、齋藤）：僕はもともと建築の出身で、コロンビア大学で学んでいたのがモルフォロジーという建築の形態学でした。その時の学科長が、パリのラ・ヴィレット公園を設計したベルナール・チュミという有名な建築家。彼が「人の動きから生まれるムーブメントは、建築に等しい」という考え方をしていたんです。要は、あまりハードウェアに依存するようなデザインではなく、人の集まりをデザインするというか。今、僕は行政のイベントや芸術祭を作ることもしていますけど、それは全てモルフォロジーから繋がっているんです。ー都市の計画をする上で、どうやって街を分析しているんですか？齋藤：最初はリサーチです。これまでの歴史と現在と、都市開発になると少し先の情報もあるじゃないですか。そういうデータも全部見ているんですけど、よくやっているのはフィールドワーク。つまり歩くことです。とはいえ今日、原宿には超久しぶりに来たんですけど、とんでもなく変わってますね（笑）。松井智則氏（以下、松井）：すごく変わりましたよ。キャットストリートとか歩いてみてください、テナントもだいぶ空いてるし。齋藤：コロナの影響でだいぶ様相も変わちゃったんですよね。こういうのはたぶん店舗の稼働率を見ているだけじゃ分からない。「昔こうだったのに……」とか「ここ、古かったのにリノベーションされてる」というような情報は歩いて見て回らないと。■「金太郎飴化」して、魅力を失った東京ー松井さんは今の東京をどんなふうにご覧になっていますか？松井：僕はもう20年住んでいるから飽きちゃっているだけかもしれないんですけど、今の東京に昔ほどのパワーは感じないんですよ。上京してきた時は、ファッションとかクリエイティブが東京の地場産業だと思っていました。でも今はパリもニューヨークも東京も、どこを切っても金太郎飴化していて……。齋藤：僕も本当にそう思っています。松井：先進国って建物も似ていますよね。だからさっきの建築の話とも繋がるんですが、大事なのは「誰が集まるか」ということ。「どういうエコシステムで、街のクリエイティブな人たちの中で新陳代謝が起こるか」を正常化していかないと、新しいものを生み出せないと思います。齋藤：昔の東京って、ファッションの人たちはどういうところにいて、音楽の人はどういうところにいて、というのがけっこう分かりやすかったじゃないですか。今はどこもかしこも同じ施設を作って、街が同質化・均質化され、インテリア化しています。松井：例えば大手セレクトショップに行きたいと思ったら丸の内にもあるし、渋谷にもある。街が均一化されてしまったら、やっぱりそういうカルチャーって各所から生まれづらいんですよね。業界の人からすると、丸の内で売っているものと渋谷で売っているものは、MD（商品開発や販売戦略）が違うというのはあるんですけど、一般の人は分からない。ーTCSはそんな現状をどうやって変えていくのでしょうか？齋藤：去年、TCSにお声がけいただいた時に「イベントをやることで、各エリアの役割分担がもう一度できるんじゃないか」と思ったんです。こんな東京全部を使ったイベントを民間団体で協力しあって実現するなんて本来あり得ないことですし、東京都も助成してくれているので、街の再定義はちゃんとしたいですね。でもそれってルールじゃなくて、そのエリアのノーム（規範）だと思っています。松井：例えば渋谷だったらイノベーションブランドのデビューの場にしようとか、丸の内はインキュベーションにしようとか、今そういう割り振りを計画・実施しているところですね。今の時代感にあったBtoC（企業と消費者間の取引）のモデルで、ビジネスに貢献できる舞台を考えています。齋藤：あと松井さんがよく言う「ニッパチ（全顧客の上位20％の顧客が売上げの80％を占める、2対8の法則）の2を今回はちゃんと狙っていこう」というところが僕はすごく大事かなと思っています。だから「たくさん来てください」というよりは、ちゃんと哲学が合う人に集まってもらうということが大事。僕が他でやっている芸術祭でも「モチベーションがない人は来ないでください」と思っているんです、濁ってしまうと思うので。松井：ビジネスだけではなく、感性の2も大切にしたいです。消費するだけではなく何かを生み出すようなモチベーションや、何かトライしてみようという人たちが加わることで、足し算ではなく掛け算で物事が進化すると思いますし。■これがラストチャンス、東京は沈みかけた船TCSの開催エリアは丸の内、日本橋、銀座、渋谷、原宿。エリアイベントは三井不動産、三菱地所、全銀座会、東急が主催して行う。目指すのは「ミラノサローネ国際家具見本市」のようなデザインの祭典。ファッションを中心とした展示からスタートさせ、アートや建築、音楽や食文化に至るクリエイティブな活動へと成長させていくという。ーTCSの舞台はどのような視点で選ばれたのでしょうか？齋藤：まずTCSのコアエリアは、開催時期の3月に各エリアでアクションを起こしている人たちが賛同してくれたのがきっかけで決まりました。例えば渋谷は東急さんもあるし、Rakuten Fashion Week TOKYOも渋谷ファッションウィークもあります。何かアクションを起こすんだったら東急さんに話すと、渋谷をある程度は把握できるんですよ。ー今後、開催場所が増える可能性も？齋藤：増えていきます。今年も実際、その動きはあります。松井：羽田空港は本決定ですね。齋藤：TCSのエリアが広がると「クリエイティブにおいて多数者が関わると相乗効果と同時に相殺効果も生まれるのではないか」という議論も出てくると思いますけど、僕としては、塗れるものは一旦塗ってみる方がいいような気がしています。とにかく一度集まって、何ができるのかということをまず考えなきゃいけないと思うので。松井：やっぱり広げ続けて、模索しなきゃいけないですね。ーTCSでは2週間の期間、街全体がマーケットになることを目指しています。経済効果は？齋藤：文化と経済の直接の相乗効果って、実はほとんどないんです。文化の経済効果なんてGDP（国内総生産）的に言うと、0コンマくらいのパーセンテージしかないんですが、それが周りまわって観光産業や文化の継承に繋がったりするんですよね。松井：「イッセイ ミヤケ（ISSEY MIYAKE）」さんも山形の地場産業を助けたりしていましたもんね。結果が出て初めて回顧的に理解できるわけですが。齋藤：TCSでもエリアを広げて、どれだけの経済効果ができるのかを後々検証してみたいです。これだけ良いデザイナーがいるのに「別に東京でやっても話題にならないし」ということで、みんなまずは海外から発表していく。それってもう「沈没する船」のほか何物でもない状況だと思うんです。業界もリミットが迫ってる危機感があります。松井：業界団体同士が手を組めばギリギリ回避できる瀬戸際です。なので同業種以外でも絶対に手を組むべき。そもそも共同体なわけですし、そこは話し合っていきたいですね。齋藤：ファッションを専門外とする僕のような人間からすると、業界的におかしなことがすごくたくさんあって。「なんでこれとこれは別でやってるんですか？ なんで時期を合わせないんですか？」とか。普段はみんなバラバラでいいと思うんですよ、ただ一年に一回くらいは合わせてもいいんじゃないのかな、と思っています。松井：ちゃんとみんなの哲学が合えば、サクッと東京のスタイルが見つかって同じ方向を向けるような気がしますし。齋藤：よく街作りで「（地域活性化に必要なのは）よそ者、若者、ばか者」と言うじゃないですか。それを特に「よそ者」の目で、東京内でも気づかせてあげるのがTCSの役割かな、と僕は思っています。■戦争が始まった日に考えたことーTCSで実現したいことは？松井：究極的には「クリエイティブで日本国民の美意識を上げて世界平和に繋げる」ですかね。齋藤：今回、「世界平和っていうのは、北極星としては絶対あるよね」みたいな話はしていましたね。もしかしたらコピーにも大きく「PEACE」というのが入るかもしれない。松井：やっぱり僕は、デザイナーが何か自分たちの思いを訴えたいと思って作るものには未来とかパワーがあると思っているんです。それが何十年、この仕事をやってきた理由でもあり、今回のTCSでもそれを世の中に伝えたいという気持ちが強いです。幸せなことに今の日本は平和で、ファッションやクリエイティブ産業を楽しめる状態です。そうあり続けるために、一般の人も業界の人も未来に向けて努力しなくちゃいけないと思うんです。齋藤：僕、ティム・インゴルドという人類学者が大好きで。半年前くらいに彼にインタビューさせてもらったのが、ちょうどウクライナにロシアが攻め入った日だったんです。朝、起きてテレビをつけたら戦争が始まっていた、そんな日に「今、世界に何が必要か？」と尋ねたら「カンバセーション」って言われたんです。松井：会話が途絶えると、全部マイナスの方向にいきますよね。ただ、会話ができるような起点が、視覚的に存在するといいなと思います。齋藤：なるほど。例えば今日、松井さんの付けているワッペンを「この人になら話しかけても大丈夫」という目印にするとかね。松井：これに書いたらいいんですもんね、「ファッションが好き」とか「戦争反対」とか。「あいつ俺と同じだ」っていう人が分かったら、まず何を話せばいいか分かりやすいですよね。そういう人を捕まえて話をすればいいんです（笑）。■ダフトパンクが和解のきっかけに齋藤：そういえば僕、軽い自動車事故を起こしたことがあったんです。急ブレーキでフライドポテトが落ちて「うわっ」と思ったら前の車にコツンと当たってしまって。そうしたら、お兄さんが車から降りてきたんです。本来ならすぐ謝らなきゃいけないんですが、彼がダフトパンクのTシャツを着ていて、「ダフトパンク好きなんですか？」って思わずそれを突っ込んだんですよね（笑）。松井：それは（笑）。齋藤：そうしたら「大好きです」って答えてくれて。僕が製作した「au 4G LTE」のCMで彼らの曲「ワン・モア・タイム」を使っていたのもあって「へえ！」、「じゃあ、とりあえずお互いダフトパンクが好きだってことで…...」みたいな。許してもらいました（笑）。松井：めちゃくちゃいい話じゃないですか（笑）。齋藤：今、そんなアイコンがなくなった気がしているんです。それがないとやっぱりカンバセーションは生まれないじゃないですか。そういうきっかけをTCSでも作りたいなと思います。■やる気スイッチで消費側から生産側へーファッションやデザインに携わりたい若者は、どういう意識で動くべきでしょうか？齋藤：オードリー・タンもよく言っているんですけど、今は「コンピテンシー」の時代。コンピテンシーって能力という意味なんですけど、つまり「やる気スイッチを押すか否か」ということですね。もし何かに関わりたいんだったら能動的に一歩踏み出せばどうにでもなるんです。例えばイベントに呼ばれていなくても、自分の作品を纏って行っちゃうとか（笑）。松井：そういう人たちが参加できる場は作りたいですね。齋藤：いつか公募もやりたいです。今はメディアも多いし、TCSみたいな機会も多いから、すぐ関われると思うんですよ。松井：シブハラフェスのテーマは「ファッションウィークが街へ飛び出した」なので「めっちゃおしゃれして、東京という街のランウェイを楽しんでください！」って言いたいんですけど、なんか齋藤さんの後に話すと安っぽいな（笑）。齋藤：いや、でもそういうことですよね。やっぱりみんなに消費側だけじゃなくて生産側にも回ってほしいなと思います。でもおしゃれって言われても、僕にはオプションがないかも......。みんなはそういう服を持っているのかもしれないけど。松井：「今日はシャツのボタンを2個外してみよう」とかそういうのでいいんじゃないですか？ ちょっとワル系で。齋藤：どうしたんですか？ってみんなに言われそう（笑）。でもそれくらいのチャレンジが今の日本に必要なのかもですね。

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