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サステナブルの先へ——「CFCL」高橋悠介が語る、グローバルブランドを見据えた美意識

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「私はファッションが嫌いだった」──自由な異端児がニットウェアと出会うまで

GUとのタッグは“素晴らしい驚き”⎯⎯2022年春夏シーズンに、マルニとしてユニクロと初コラボ。一緒にもの作りをして、ファーストリテイリングという企業にどのような印象を抱きましたか？　ファーストリテイリングは、極めてミニマルかつコンテンポラリー、同時に非常に実直な服作りに対する哲学を持っています。一方で、私はクリエイティビティと色彩、服への情熱を追求してきたデザイナーです。全く異なるバックグラウンドを持つ私たちの協業は、素晴らしい驚きで満ちていました。⎯⎯そうした縁もあり、ジーユーのクリエイティブディレクターに就任しました。2026年秋冬シーズンからコレクションの舵取りを担っています。　ミスター・ヤナイ（ファーストリテイリング柳井正 会長兼社長）は、ジーユーの存在感を拡大させることを至上命題として捉えています。ジーユーが持つポテンシャルの大きさと、若者を中心とするマーケットに与える影響力を理解していたのです。この使命を引き受けることは、私にとって大変な名誉であると考え、オファーを受けました。ジーユーというブランドは、私たちが皆で力を合わせて形作る彫刻のようなものです。⎯⎯世の中にたくさんブランドがある中で、ファーストリテイリングやジーユーの強みは何だと思いますか？　非常に効率的に生産しながら、デザインは常にタイムレス。一貫して日常というレンズを通して考え抜かれています。また、素晴らしいデザインチーム、プロダクトマネージャー、そして業務システムを備えており、服作りをこれほどのバランスで美しく極めることができる企業はほとんどないでしょうね。　ジーユーは、手に取りやすいプライスレンジで、若者に大きな影響力を持っているのが強みです。近しい価格帯で展開しているブランドの中では、アイテムのクオリティも突出していると思います。⎯⎯コレクションを製作するにあたって意識したポイントは？　まず重要だったのは、私たちがどのような時代に生きているのか、人々がどのように服と関わっているのかを理解することでした。電車に乗ったり、街を歩いたりして周りを見渡すと、今は1つの大きなトレンドで括れる時代ではないことが分かります。異なるトレンドや出来事から生まれた「トレンドのポケット」のようなものがたくさんあるんです。この多様な現状を読み解くことが、ジーユーのコレクションをデザインする上では欠かせませんでした。⎯⎯ファーストコレクションは「ミニマル」「クラシック」「プレイフル」「ユーティリティ」「スポーツ」「コージー」という6つのセクションで構成しています。　簡単に説明すると、「ミニマル」はモノトーンのカラーパレットが中心。モダンなシルエットを重視しており、ストイックで洗練された印象のアイテムが多いです。　「クラシック」は「ミニマル」の対極にあるアイテム群で、その名の通りクラシックなデザインながらノスタルジックな雰囲気を少し加えています。映画監督のウディ・アレン（Woody Allen）がクラシックなテーラードジャケットにコーデュロイのパンツを合わせるようなイメージで製作しています。　「ユーティリティ」は、「都市と自然の生活の間のコミュニケーション」がテーマです。街を歩いていると、山から来たようでありながら洗練されたスタイルの人を見かけることがありますが、そういった2つの表情を持つウェアをラインナップしています。　「プレイフル」は、最も自由で表現豊かなセクション。ふわふわしたテクスチャー、ストライプ、花柄、チェックなど、さまざまな要素をミックスしています。　「スポーツ」はパフォーマンスを追い求めるのではなく、「デイリーファッションにスポーツをどう取り入れるか」というコンセプト。「コージー」は、寝室で着るパジャマやインナーウェアです。　コレクションは6つのセクションに分かれていますが、これはあくまで便宜的なカテゴライズで、コーディネートを制限するものではありません。私は犬を飼っているのですが、朝、パジャマの上にトレンチコートを羽織って散歩に出かけます。このようにファッションは分断されたものではなく、日常の中で地続きになっているので、心が動いたアイテムを選んで自由にスタイリングを楽しんでほしいですね。「ファッションを通じて人生を楽しんで」⎯⎯自身のデザインを言語化するとどのように表せますか？　私のクリエイションは常に「人」に突き動かされています。インスピレーションを受けるのは、街行く人々、友人、ミューズ、映画や本の登場人物などさまざま。鑑賞するためのアート作品ではなく、人が着て街を歩き、生活の中で息づく服を作りたいのです。⎯⎯今季のコレクションの中で、自身の哲学が最も反映されたアイテムを教えてください。　クラシックのコンセプトに登場する、タータンチェックをあしらったシャギーコートです。ブランケットのような温もりがあり、身につけると親しみやすく心地よい雰囲気をまとえます。どこか知的でありながら、不器用な愛らしさも秘めている——そんな人物像が目に浮かぶようで、お気に入りの一着です。⎯⎯生産背景において、驚きや新鮮さを感じる部分はありましたか？　これほど多くのアイデアを短期間で具現化したチームのスピード感と実行力には感銘を受けました。私はクリエイションに妥協をしない人間なので、チームに対して多くの要求や挑戦を投げかけてきましたが、東京でプロトタイプの製品がかかったラックを初めて目にした瞬間のことは今でも鮮明に覚えています。製品の美しさ、正確さに完全に魅了されました。これからもその感動が色褪せることはないと思います。⎯⎯リッソさんの手によってジーユーはどのように変わっていきますか？　具体的にどう変わるかを言葉にするのは難しいですが、基本的には今回発表したファーストコレクションとの一貫性を保つ方向で進めていきます。今回のコレクションを見てもらえればイメージは伝わるかと思います。　今後のジーユーにとって重要なのは、未来の街や人々の姿を先読みし、お客さまがどのような商品を求めているのかを見極めていくこと。今の若者たちの心に響く服を生み出すには、まず彼らの声に耳を傾け、深く理解することが欠かせません。ジーユー（ファーストリテイリング）では、お客さまの反応がダイレクトに伝わってくるので、得られる豊富なフィードバックをもとに、デザインを柔軟にアップデートさせていきたいと考えています。ブランドの進化というのは、我々クリエイティブ側が「これをして、あれをして」と一方的に指示を出して成し得るものではありません。お客さまを含め、ジーユーに関わる皆で成し遂げるべきものなのです。⎯⎯新たなジーユーに対し、内外から大きな期待と関心が寄せられています。どのようなメッセージを投げかけ、人々の生活にアプローチしていこうと考えていますか？　私たちは、さまざまな困難に直面しながら日々を生きています。だからこそ、特に若い人たちには、日常と切っても切り離せない“ファッション”というフィルターを通して人生を楽しんでほしいのです。　服には自分自身を表現するだけでなく、人と人とを結びつける力があります。テクノロジーに囲まれ、世界がどこか無機質で冷たくなりつつある今だからこそ、温もりを感じてほしい。ファッションを通じて人とつながり合える、そんなライフスタイルを提案するためにジーユーでデザインをしていきます。

新生GU始動　元「マルニ」フランチェスコ・リッソがファッションを通じて届ける幸福論

販売がメインではないショールーム　じっくり向き合ってもらう場に──まずは新しいショールームについて聞かせてください。ポップアップが毎回好調だと聞いていたので、実店舗のオープンを想像していました。　常設の場を作った一番の理由は、これまで支えてくださったお客さまの購買体験を充実させたいと思ったからです。ありがたいことにポップアップはいつも反響が大きいのですが、待機時間が長くなってしまうことが気がかりでした。　そこで、招待制のマンツーマン形式であれば、満足いくまで気になるものを見ていただけるんじゃないかと。そもそも販売機能がないショールームであれば、「何か買わないといけないかも」といったプレッシャーも無くせる。気になったアイテムはオンラインサイトから注文していただけます。まずはポップアップの常連やリピーターの方を中心にお声がけしています。──かなりクローズドに運営していくんですね。　どんな方がどんな服をどうやって楽しむのか、私たち自身も向き合いたかったんです。ポップアップは今後も続けていきますから、敢えて別の接客機会を設けた方が、ブランドの魅力を多角的に伝えられるだろうと考えました。ただ、現状は実験段階で、これからの反響と反省点を踏まえて、オープン頻度などいい形を模索したいと思っています。──ショールームの空間デザインは、ブランドだけでなくライフスタイルも支持を集めている小松さんのこだわりを詰め込んだのでしょうか。　私の好みというよりはブランドチームの総意というか、「ビビィならこうだよね」を追求しました。ジャン・プルーヴェ（Jean Prouvé）のソファーなどのインテリアはミニマルでモダンですが、ちょっとした違和感やデザイン性がある。可愛いだけではなく、少し癖のあるビビィらしさを表現するインテリアや空間デザインにこだわりました。　余談ですが、もう2年前くらいから、インスタグラムのフォロワー数は私個人のアカウントよりブランドアカウントの方が多いんです。実際にポップアップでも、私のブランドだと知らずに購入してくださる方が増えた印象があります。そういう意味でも、ビビィが私個人のブランドという枠を超えて愛されるよう、客観的な視点を交えながらディレクションするようになりました。SNSは量より質　情報は好きな時に持ち帰ってもらう──具体的に、どのような変化がありましたか？　一番はSNSの投稿ですね。以前は、自分のアカウントでは全てのアイテムを着用して説明したり、私起点での発信にも力を入れていましたが、今はむしろセーブしています。ブランドの世界観が確立されたと実感でき、私もひとりのビビィのファンとして考えられるようになり、オフィシャルコンテンツの質を高めているところです。──ブランドのアカウントでの発信で注力しているのは？　2026年春夏コレクションから、シーズンのキーヴィジュアルに加えて、新作発売に合わせたマンスリーヴィジュアルを投稿しています。コンテンツは多いですが、情報に疲れてしまわないように気をつけています。基本的にフィード投稿はヴィジュアルと入荷日を月初めにまとめて出したら、あとはお客さまが好きなタイミングで見ていただければ良いというスタンスです。　サブアカウントの「@Bibiy.GIRLs」では、スタッフやお客さまの着用画像を投稿しています。よりリアルな着こなしの参考として運用していますが、皆さんが色んなシーンでビビィを着てくださっているのを見るのはチームのモチベーションにもつながっています。 良いことも悪いことも自分の責任　一からブランドをスタート──そもそもビビィは、小松さんが大学在学中に現在の運営会社GURUGURUからオファーが受けてスタートしています。誘いを受けた当初、率直にどう感じましたか？　就職活動の時期だったこともあり、就職先の選択肢のひとつのように考えていました。他社からもブランドについて声をかけていただくことはあったのですが、今の会社は「全部あなたの責任で進めてください」と言ってくれたのが印象的で。お飾りになるのではなく、悪いことも含めてディレクターとして責任を持って本気で向き合えるところだと思い、引き受けることにしました。──ファッションの専門知識がない中でのスタートに、プレッシャーはありませんでしたか。　新しいことを始める緊張感はありましたが、不安はなかったですね。どんな業種であっても、新卒で働き始める時は初心者に変わりないので、専門的なことを知らなかったからこそ「一から頑張るぞ！」と、とにかく燃えていたんです。──実際にブランドを始めてみていかがでしたか？　トライアンドエラーの繰り返しで、それはもう大変でした（笑）。分かるところから進めてみるという感じで、服ができたら撮影して、ブランドサイトを作って、発送するための段ボールを注文して......みたいな。梱包する時になって、テープが無いことに気がついて急いで発注したこともありました。振り返ってみると、そういう雑務も含めて全部携わってきたからこそ、ブランドに対する責任と愛着が湧いたんだと思います。可愛いだけじゃない違和感がビビィらしさ──ビビィのコンセプト「フェミニンで華のある強い女性のための服」はすんなり決まりましたか？　私自身も母も可愛いものが好きなんですが、母がよく「可愛いけれど、もう着れない」と言っていたのが印象に残っていて。可愛さを肯定しながら、大人の女性が着られる余白や少しズレた可愛さのある服があったら良いなと思っていたので、世界観やイメージは比較的すぐに決まりました。──フェミニン、ガーリーなだけではない、ブランドらしさの秘訣は何でしょうか。　企画会議では「癖がある」という単語がよく出てきます。逆に、ストレートに可愛いだけだと企画段階で止まることが多いですね。表面的な可愛さだけではない、女性の多面的な部分を意識しているので、少し違和感があるくらいのデザインに挑戦しています。シグネチャーのペプラムトップスは、従来はコンサバなイメージが強いものが多かったところ、ホイップクリームのようなボリュームのある大胆なシルエットが意外な個性としてヒットしました。 ──実際に客層は20代から60代と幅広いそうですね。　今も昔もターゲット層は固定していなくて、「何歳になっても可愛い物が着たい」を叶えたいと作ってきた結果、予想以上に多くの方に手に取っていただけて自信がつきました。同時に、「自分たちが歳を重ねても楽しみたい」と思えるような商品構成を意識するようになりましたね。ロング丈のドレスや、スウェットやTシャツなど日常的に着やすいアイテムを増やしたり、フリルなどでフェミニンさを出しながらシルエットはエレガントにしたりと、バリエーションを増やしました。──アクセサリーやバッグ、シューズなど商品カテゴリーも増えています。　ポップアップで待機列ができているのを見て、試着無しでも楽しめるアイテムがあったらいいのではと思い、カテゴリーを拡充しました。大ぶりのリボンハンドルのボックスバッグは最近の人気アイテムのひとつになっています。──2026年秋冬コレクションのポイントを教えてください。　今回は意外性、ギャップ、多面性などがキーワード。ある意味ブランドの根本的なコンセプトに近い言葉で、ビビィにとっての意外性を考えました。取り外しできるペプラムパーツ付きのフェイクファーコートや、ストリートっぽいナイロン地にクラシカルなチェック柄をあしらったダウンジャケット、前身頃はショート丈で後ろにかけて長くなる裾のドレープ感がドラマチックなトレンチコート、シンプルなテーラードジャケットに遊び心のあるワッペンを縫い付けたものなどです。より良いチームになっている実感がある──ブランド設立から7年、スランプはありましたか？　うーん......無いですね。日々の業務上でちょっとしたエラーはもちろんありますが、止まってしまうようなことはありませんでした。でも、私の力ではなく、良いチームに恵まれているおかげです。自分で言うのも何ですが、私は結構ポンコツなんです（笑）。やりたいことやアイデアはたくさんあるし、気になることも多いのですが、うまく言語化できないことも多い。困ったら下手に寝かせずにすぐに相談することで、みんなの得意分野からフィードバックをくれて、結果的に良い形にアウトプットできるんです。──現在のチーム構成は。　社員は12人で、数年前から大きくメンバーは変わっていません。以前は掛け持ちでタスクを進行していたのですが、去年からデザイナー、MD兼生産管理、広報・プレス、営業、EC、カスタマーと担当部門を割り振りました。人員配置を明確にしたことで各業務の精度が上がり、より良いチームになっている実感があります。──ブランドディレクターとしてチームを率いる際、大切にしていることは。　常に尊敬と感謝を忘れないこと。先ほども話した通り、あらゆる面で助けてもらっていますし、多くのアイデアから良いものを生み出すために、コミュニケーションしやすい環境は本当に大事です。それから当たり前ですが、私自身が一番ブランドに費やす時間が多くなければいけないと思っています。ビビィを愛してくださるファンが増えることがメンバーへの恩返しになる。もっとワクワクするようなブランドになるために必要なこと、みんなが着たいと思う服のデザインなど、私が一番考え抜かないといけないなと。10周年を見据えて　「ブランドの大ファン」として動く──現在の課題や今後の計画は？　すぐに着手したいと思っているのはサイズの拡充。現状はフリーサイズが中心で、一部のボトムスが2サイズ展開なので、次のステップとして取り組みたいです。それから、イージーケア、ホームケア対応のラインナップも広げたい。お客さまから「特別な日だけではなく、日常的にもっと楽しみたいんです」という要望があり、ハッとしました。それから、全体的なクオリティアップも追求したいです。自分が関西出身で、デザイン性と価格には納得感がないと嫌なんです（笑）。素材や装飾性、耐久性など基本的なものづくりの質をあげていきたいですね。──10周年に向けたブランド像はありますか？　お客さまに還元していきたい気持ちが強いです。現状は毎シーズン30%前後で伸長していますが、成長率は維持しながらも素敵なブランドとして常にピークを保つ方が大事だなと。よし、やるぞという気持ちも込めて、ショールームのオープンと合わせて事務所も同じフロアに移転しました。良いチームにも恵まれているので、あとは私がブランドの大ファンとして動いて、考え続けるだけですね。

Bibiy.

一癖ある可愛さで好調のビビィ　「ブランドのファン」目線で顧客に還元していく

グリーンランドのアザラシの皮を用いた服から生まれた「機能美」⎯⎯南青山のセレクトショップ「イザ（I Z A）」では、セッチュウの2026年秋冬コレクションのローンチイベントを開催していますね。最新作だけでなく過去のアーカイヴまで、国内最大の品揃えで販売しています。　セッチュウの強みは、どのセレクトショップでもシーズンに関係なく定番アイテムを扱っていただいていること。そのため、基本的にセールも行っていません。過去のシーズンのものでも、最新のコレクションとミックスしてスタイリングでき、それがセッチュウの考える、新しいファッションのサステナブルなあり方でもあります。⎯⎯2026年秋冬コレクションは、装飾と機能のバランスが研ぎ澄まされていると感じました。　やはり日常で着る服である以上、「飽きないデザイン」であることが最も重要だと考えています。セッチュウのブランドDNAを構成する重要なキーワードの1つに「タイムレス」があります。
例えば、ストラップのように「体を縛る・固定する」という機能から生まれたディテールであれば、衣服のどこに配置されていても普遍性を保ちます。ボタンも元々は装飾ではなく「締める」という機能的なパーツですよね。昨今クワイエット・ラグジュアリーという概念もありますが、単にプレーンすぎるシャツでは新たに作る意味がない。その極めて繊細なバランスを常に探求しています。⎯⎯2026年秋冬では前身頃に偏ったアームホールのデザインが特徴的でしたが、機能的な視点から生まれたのでしょうか？
　グリーンランドのイヌイットの衣服からヒントを得ています。現地の国立美術館で目にしたのですが、過酷な環境下で生きる彼らが、早く的確に服を仕立てるための工夫として、生地を繰り抜いてアームホールにして着用していたんです。非常に理にかなっていますよね。パターンとしては、通常よりもアームホールを大きく設計しており、腕の可動域が非常に広く、動きが一切制約されません。グリーンランドの知恵に、イタリア・ナポリ特有のハンドステッチの技法を掛け合わせ、そこに日本のアイデアを同居させる。これぞまさにセッチュウならではのバランスだと言えると思います。釣り糸を選ぶように、最高級の生地と向き合う⎯⎯桑田さんのライフワークといえば「釣り」ですが、釣りでの体験と服作りに共通点はありますか？
　「道具と環境のバランス」ですね。私がサヴィル・ロウの老舗テーラー「H.ハンツマン・アンド・サンズ（H.Huntsman＆Sons）」に入った時、まず最初に5000種類もの生地を選定する仕事を任されました。フィッティングをして採寸し、もし生地選びを間違えれば、お客様がお支払いになった200万円が無駄になってしまう。最初の1ヶ月は極度の緊張感の中で、何度も採寸をやり直しました。
釣りも同じで、小さな魚を釣るために太い糸を使えば、魚に警戒されてしまいます。対象の生態や環境を深く洞察し、最適な道具（素材やディテール）を選び抜く。その知識を深めていくプロセスは、ファッションを探求する面白さと一致していると思います。⎯⎯セッチュウと言えば生地へのこだわりですが、特に直接手に取ってほしい素材はありますか？　毎シーズン定番として展開している「ウォッシャブルカシミヤ」と「和紙混のデニム」ですね。
デニムは、日本のシャトル織機で織り上げています。日本のシャトル織機は、世界のラグジュアリーメゾンから高く評価され、大量生産も難しいので生地数は限られていて、セッチュウではインディゴと白の生地はほぼ完売状態で、黒をわずかに残すのみです。セッチュウのデニムは11オンスとあえて少し薄く、軽く仕上げているのですが、そこに和紙の糸を交織しています。和紙の特性により、冬は暖かく夏は涼しい。抗菌性が高く、匂いがつきにくい上、速乾性にも優れているため、トラベルウェアとしては最高のパフォーマンスを発揮します。⎯⎯ウォッシャブルカシミヤのニットも毎シーズン人気が高いですね。　これも旅行先で水洗いできる実用的なアイテムです。開発の発端は、ヨットを嗜む富裕層の方々の悩みでした。彼らは1ヶ月ほど船上で過ごすのですが、100万円以上する最高級のカシミヤニットに赤ワインをこぼしてしまった際、船上ではドライクリーニングに出せないため破棄せざるを得なかったそうです。
そこで、カシミヤの糸を事前にお湯に3回通して縮ませた後、コットンと混紡して生地を編み上げました。どれほど汚れても船の洗濯機で水洗いが可能で、型崩れもねじれも起きません。高価格帯ではありますが、世界中のお客様から高い評価と信頼をいただいています。⎯⎯オリジナル生地の開発は、イタリアで行うことが多いのでしょうか？
　そうですね。イタリアを拠点にしている最大の理由の一つにスピード感があります。イタリアには「バーティカルミル」と呼ばれる、糸紡ぎから編み、仕上げまで全てを同一敷地内で行う工場が存在します。日本であれば小ロットでも1000メートルから、期間も3〜4ヶ月を要するところを、イタリアなら25メートルから、早ければ2週間で仕上げてくれます。その分コストはかかりますが、小ロットに対応してもらえ、機動力があるということは我々のような小さなブランドにとって大きな魅力です。 その一方で、日本のテキスタイルも非常に素晴らしいので、今後は国内のメーカーさんとも新たな取り組みをスタートさせる予定です。⎯⎯アクセサリー類などウェア以外のアイテムも豊富に展開されています。昨年登場した香水の反応はいかがですか？
　フレグランスを開発する前、ドーバー ストリート マーケット（DOVER STREET MARKET）のエイドリアン・ジョフィ（Adrian Joffe）CEOから、「パッケージを変えただけの似たような香りを出すのが大半のやり方だから、中身そのもので勝負しなさい」という助言をいただきました。そこで、調香師には言葉と単語だけで抽象的なコンセプトを伝え、これまでに存在しなかったユニークな5つの香りを完成させました。通年を通して最も支持されているのが玄米茶の香りの「Monday, 9 am」です。また、世界初のアプローチであろう魚を表現した鮎の香りの「Thursday, 1 pm」も夏季に人気を集めています。フランスでは、畳から着想を得た「Friday, 2 pm」の香りが好評ですね。⎯⎯シルバーアクセサリーにも、折り紙の要素など特有のデザインが落とし込まれています。
　アクセサリーラインのチェーンのデザインは、私がイギリス時代に壊れたブレスレットを知恵の輪のようにはめ込んで直した経験からインスピレーションを得ています。そこから、折り紙の鶴を折る際の「山折り・谷折り」の構造を表現したスタッズへと派生していきました。
一見シンプルですが、サイズごとに谷折りの幅や削りをミリ単位で手作業で調整しています。お客様の指のサイズに合わせてオーダーメイドで制作しています。⎯⎯バッグも独特のフォルムですね。
　クロスボディバッグは魚のフォルムから着想を得ています。釣りに行く際に使用するバッグの形状をベースにしていますが、折り紙のようにフラットに畳めば13インチのPCも収納可能です。ヨーロッパはスリなどのリスクも高いため、身体に密着するこの構造はセキュリティ面でも優れています。レザーに関しては、自分で素材を一つ一つ確認しクオリティを担保するようにしています。⎯⎯9月には「エーグル（AIGLE）」とのコラボも控えています。　「エーグルといえば？」と問われた際、ラバーブーツは思い浮かべても、どのようなウェアを作っているかまで即答できる方は少ないのではないでしょうか。今回、単なる表層的なデザインの提供ではなく、「ブランドのアイデンティティを再構築し、視覚的に定着させる」というブランディングの視点から携わらせていただきました。エントリーモデルの展開も、今後のビジネスプランは？⎯⎯クリエイションの評価が高まる一方で、円安という厳しい現実もあります。ビジネスとして今後どうスケールさせていく構想ですか？
　お客様に少しでも手に取っていただきけるよう、ブランドとして最大限の企業努力を重ねています。
具体的には、日本の生地メーカーと協業し、新たなエントリー層に向けたラインナップを準備中です。セッチュウならではの手仕事のニュアンスや高い品質は維持しつつ、例えばライニングの仕様を見直したり、生地の裁断効率を最適化したりすることでコストダウンを図ります。ジャケットであれば20万円以下、シャツで5〜6万円台、Tシャツで3万円台で提供できるものを、段階的に拡充していく計画です。⎯⎯ブランドの規模が大きくなっても、拠点やチームの体制は変わらないのでしょうか？
　当面はミラノを拠点とし、発表の場も変える予定はありません。私自身、ブランド設立からの6年間は自身の報酬を設定せず、利益をすべてクリエイションとチームへの投資に還元してきました。ミラノでの移動も、基本的には地下鉄や自転車です（笑）。　また、日本のディストリビューターである三喜商事の方々も、ブランドの成長を見据え、献身的にサポートしてくださっています。
ファッションビジネスの根幹はチームワークです。生産背景から最終的なお客様に至るまで、すべてのステークホルダーと綿密に意思疎通を図りながら、より良いものを作り上げていく。急激に価格帯やデザインを変節させるのではなく、地に足を着けたまま、セッチュウをより高い次元へとスケールさせていきたいと考えています。

SETCHU

釣りとファッションの共通点は？　「セッチュウ」が考える飽きないデザインの正体

Culture

【居酒屋鼎談】「ラランド」クリエイティブ談義　“かっこよくて面白い”はどう作る？

　ブランドを手掛けるのは、生粋のスケートボーダーであるバジル・ラプレイ（Basile Lapray）とブラム・デ・クリーン（Bram De Cleen）の二人。ラプレイは「サロモン（SALOMON）」やフットウェア開発会社「All Triangles」でアウトドアシューズの研究・開発に携わり、デ・クリーンはスケートパークの構造やデジタルクリエイティブの分野でキャリアを積んできた。それぞれの経験を持ち寄り、「自分たちが本当に履きたいスケートシューズを作る」というシンプルな思いからヴィレッジピーエムを立ち上げた。　ブランドを象徴するモデル「1PM」は、クライミングシューズから着想を得た左右非対称のレースシステムや独自構造「Rubber Glove Construction」を採用。木型からラバーコンパウンド、アウトソールに至るまでゼロから設計し、スケートシューズに求められる耐久性と繊細なボードフィールを高次元で両立している。現在は「1PM」を軸に、「1.30PM」「1PM Mid」、さらに新たなシルエット「2PM」までラインアップを広げている。　そのプロダクトと同様に話題を呼んでいるのが、毎シーズン展開している"トラックショールーム"だ。パリ・マレ地区の路上に停めたトラックをショールームに仕立て、世界中のバイヤーを迎え入れるというユニークなスタイルは、インディペンデントブランドらしい姿勢を体現する試みとして、多くの関係者の注目を集めている。　今回は2027年春夏パリ・メンズ・ファッションウィークに合わせて行われたトラックショールームを訪れ、デ・クリーンにインタビュー。ブランド誕生の背景から、スケートシューズに対する哲学、そしてファッションシーンから支持を集める理由まで話を聞いた。── まずブランドを立ち上げたきっかけを教えてください。　僕たちは二人ともスケートボーダーです。そして、長い間スケートシューズの世界では新しいことが何も起きていないと感じていました。市場全体が停滞していて、ラインアップにも物足りなさを感じていたんです。　僕たちだけでなく、友人たちもスケートをするときだけスケートシューズを履いて、終わったらすぐ別の靴に履き替える。まるでテニスラケットのように、スポーツをするときだけ使う道具になっていたんです。でも、昔のスケートボードはそうではありませんでした。スケートシューズは一日中履くものであり、カルチャーの一部だったんです。そこで、「今のスケートシューズには何かが欠けているんじゃないか」と思ったことがヴィレッジピーエムを始めた理由のひとつです。── 20年前のスケートシューズはファッションアイテムとしても存在感がありました。何が変わったと思いますか？　20年ほど前のスケートシューズ業界には、スケーター自身が手掛けるブランドが数多くありました。それぞれが独自の視点を持ち、毎シーズン新しいアイデアや機能、デザインを提案していたんです。　でも、その後「ナイキ（NIKE）」や「アディダス（adidas）」といった大手スポーツブランドが市場を席巻しました。参入当初は開発やイノベーションも積極的でしたが、市場を獲得すると、スケートシューズは数あるカテゴリーの一つになりました。もちろん今もランニングやサッカーでは革新を続けていますが、スケートシューズでは以前のような大胆な提案は少なくなり、市場全体が予測可能なものになっていったと思います。　僕自身が最後に「本当に新しい」と感じたのは、Nike SBの「ステファン・ジャノスキー（Stefan Janoski）」です。それ以降も細かな進化はありましたが、業界全体を変えるようなラディカルなイノベーションはなかった。だからこそヴィレッジピーエムでは、最初から根本的に違うものを目指しました。そのためには既存のものを流用するのではなく、自分たちですべてを開発する必要があると考えたんです。── ナイキやアディダスといった巨大ブランドが存在する中でヴィレッジピーエムを立ち上げました。当時、周囲の反応はどうでしたか？　思っていた以上にポジティブな反応でした。リテーラーや友人、スケーターなど、僕たちの周りにいる人たちは、「久しぶりにスケートボードから生まれたブランドが出てきた」と歓迎してくれたんです。スケートボードコミュニティには、自分たちのカルチャーから生まれる新しいブランドを受け入れる準備ができていたように感じました。── スケートシューズをデザインするうえで、重視するのはどういったポイントですか？　一番大切なのはフィット感です。足とスケートボードの間に余計なものを介在させず、できるだけダイレクトな感覚を得られることを重視しています。次に耐久性。そして、僕たちが大切にしているのが“ブレイクインタイム”です。スケートボードでは、新しいシューズを履き始めてから「ようやく気持ちよく滑れる」と感じるまでの期間をそう呼びます。その時間をできるだけ短くして、箱から出した瞬間から快適に滑れるシューズを目指しています。　そして最後に、見た目も欠かせません。スケートが終わった瞬間に履き替えたくなる靴ではなく、そのまま街でも履き続けたいと思えるデザインであること。パフォーマンスを追求した結果として生まれる美しさも、ヴィレッジピーエムにとって大切な要素です。── ヴィレッジピーエムはクライミングシューズやアウトドアフットウェアから着想を得ていますが、スケートシューズとしてのアイデンティティのバランスはどのように考えていますか？　クライミングシューズとスケートシューズには共通点があります。どちらも足との一体感が求められ、摩耗が激しい環境で使われるので、高い耐久性も必要です。そうした機能面には、スケートシューズに応用できる要素が多くありました。　一方で、僕たちがアウトドアから影響を受けたのは、カルチャーではありません。影響を受けたのは、プロダクトに対する向き合い方です。アウトドアシューズは、素材や構造、数ミリ単位のディテールまで徹底的に考え抜かれています。その細部へのこだわりや開発姿勢には大きな影響を受けました。　でも、ブランドとしてのルーツは100％スケートボードです。僕たちはクライマーではありませんし、スケートとクライミングを融合させたいわけでもない。あくまでもスケートボーダーとして、スケートシューズをより良くするために必要な要素だけを取り入れているんです。── 木型、ラバー配合、アウトソール、インソールまでゼロから開発されています。そうしたアイデアを実際のプロダクトに落とし込むうえで、最も難しかったことは何でしたか？　一番難しかったのは、ラスト（木型）を作ることです。ラスト作りは、とても専門性の高い仕事で、細かなディテールの積み重ねなんです。そして、一度ラストを作ると、その形をベースに作られるすべてのシューズが、その影響を受けることになります。　つまり、まだシューズのデザインが決まっていない段階で、まずボリュームを決めなければならない。上から見たときのシルエットや、遠くから見たときのプロポーションをどうするか。その判断が一番難しかったですね。── トラックショールームはすでにヴィレッジピーエムを象徴する一面になっています。振り返ってみて、従来のショールームよりもブランドらしさを表現できたと思いますか？　そう思います。最初は本当に予算の問題でした。パリファッションウィーク期間に発表するならマレ地区が一番いい。でも、あそこでショールームを借りるのは僕たちには到底無理だったんです。とはいえ、予算を理由に別の場所へ行くのも違うと思っていました。そこで、「この場所にいながら、自分たちにもできる方法はないか」と考えた結果が、このトラックでした。　正直、最初は「本当にうまくいくのかな？」という不安もありました。でも実際に設営してみると、僕たち自身が「これで十分じゃないか」と思えたんです。通りかかった人が気軽に立ち寄れるし、友人もふらっと遊びに来られる。従来のショールームのような堅苦しさがなくて、バイヤーもブランドを初めて知る人も自然に入ってこられる空間になりました。　最初のシーズンが終わった頃には、「これ、すごくいいね」と思うようになっていました。もちろん今でも豪華なショールームを借りられるわけではありません。でも、もうそれ以上に、このやり方が好きなんです。巨大ブランドが何百万ユーロもかけてショールームを作る世界の中で、僕たちは小さなブランドです。このトラックは、そんな僕たちらしさをそのまま表していると思います。── 現在はドーバー ストリート マーケットなどの有力店で展開されています。ファッション業界からの反応は予想していましたか？　予想していたかと言われると、そうではありません。でも、期待はしていました。僕たちはスケートボーダーですが、それだけに興味があるわけではありません。いろいろなプロダクトを見るのが好きですし、ジャンルで物事を分けて考えるタイプでもありません。　そして、機能やパフォーマンスを突き詰めたプロダクトには、その結果として独自のデザインが生まれると考えています。見た目のためのデザインではなく、機能に理由があるからこそ、その形になる。そういうプロダクトは、ファッションの文脈でも評価されることが多いと思うんです。だから、そうした価値観を持つ人たちに届いたらいいなという期待はありました。── なぜ日本を初期の海外展開先のひとつに選んだのでしょうか？　日本にはすでに素晴らしいスケートボードカルチャーがありますし、レベルの高いスケーターもたくさんいます。また、新しいものや新しい美意識に対してオープンで、機能や純粋さを感じられるプロダクトに興味を持ってくれる人が多いという印象がありました。　実際、ブランドを立ち上げた最初のシーズンから、日本のバイヤーから多くの問い合わせをいただきましたし、Instagramでも日本からの反応がとても多かったんです。その時点で、日本では何かしら共感してもらえていると感じました。だから、日本進出は戦略的に決めたというよりも、ごく自然な流れだったんです。ブランドの方が日本に引き寄せられていったような感覚でした。── 現在はヨーロッパ、日本へと展開を広げていますが、今後のヴィレッジピーエムにとって次のチャレンジは何になるのでしょうか？　まずは、ブランドとして存在し続けることです。成長し、しっかりとしたブランドになり、「始まったばかりのブランド」から「ちゃんと存在するブランド」へと少しずつ変わっていくことが、今の大きな課題です。　9月からはアメリカでの展開も始まります。スケートボード発祥の地であり、巨大なマーケットでもあるので、大きなチャレンジになると思います。同時に、チーム作りも新しいフェーズに入っています。昨年3月に日本を訪れたとき、ある人に「ヴィレッジピーエムは25〜50人くらいの会社だと思っていた」と言われたんです。でも実際には、当時ブランドを日々動かしていたコアメンバーは3〜4人だけでした。もちろん、周囲には手を貸してくれる才能ある人たちがたくさんいて、そこには本当に恵まれています。　でもこれからは新しいメンバーを迎え、ブランドらしさを保ちながら、人に任せることやチームとして働くことを学んでいかなければなりません。存在し続けること、そしてチームになっていくこと。それが今のヴィレッジピーエムにとっての次のチャレンジです。photography: Hiroyuki Ozawa

Village PM

スケートシューズをもう一度“毎日履きたい靴”に──パリ発「ヴィレッジピーエム」が貫く哲学

 【マーケティング】榊原萌々（左）：2016年大学卒業後、資生堂に入社。ブランドマーケティング職でキャリアをスタート。日本ローカルブランド・グローバルブランドおよびメイクアップ・スキンケアブランドのマーケティング職を経験し、2025年からマキアージュのブランドマネージャーを務める。【商品開発】三井希美（右）：1999年専門学校卒業後、美容部員としてキャリアをスタート。12年間、販売の第一線での接客や、美容部員教育に従事。その後、海外の現地美容部員教育やブランドマーケティング・商品開発を経験し、2022年から日本ローカルのメイクアップブランド（現在はマキアージュ）の商品開発を担当。研究者のポケットから生まれた？　若年層ニーズと重なった開発のこだわり⎯⎯ まず、“白玉ファンデ美容液”はどのような経緯でスタートしたのでしょうか？マーケティング 榊原萌々（以下、マーケティング 榊原）：ブランド全体として「若年層の獲得」という重要なミッションを掲げていました。マキアージュは2005年に誕生し、顧客も年齢を重ねていることから、購買層は40代以降が大きな割合を占めています。そのため20代後半～30代前半の新規層を取り込む戦略を推進しています。その中で、すでに強い支持を得ていた、ファンデ美容液のエッセンスリキッド EXを軸に、どうすれば若年層に響く商品を具現化できるかを模索していました。⎯⎯  大きな市場を作り出したエッセンスリキッド EXを超えるファンデーションを作るのは大変そうです。マーケティング 榊原：そうなんです。そこで着目したのが、やはり若年層の嗜好です。近年の若者層には「ファンデーションを自分の肌色に合わせるのではなく、なりたい肌色に合わせて選ぶ」「より明るく透明感のある仕上がりを求める」ニーズがあります。そこから、明るいトーンのカラー展開や、美容成分グルタチオンの配合といった具体的なアイデアが肉付けされていったんです。⎯⎯ 商品開発の視点では、どのように開発が進んでいったのでしょうか？商品開発 三井希美（以下、商品開発 三井）：実は、研究者のポケットに入っていた一つのサンプルが、すべての始まりでした。そもそもファンデ美容液は、美容液の中にファンデーション成分を内包するという、技術的に極めてハードルの高い処方です。従来は、色ムラやくすみのカバー力、そしてSPF50＋・PA＋＋＋＋という高いUVカット効果を優先するため、美容液のようなみずみずしい使用感については、どうしても多少の妥協をせざるを得ないというジレンマを抱えていました。　そんな中、研究員と「本当に作りたい、究極に心地よいファンデーションとは何か」について雑談をしていた時に、研究員が「一番作りたかったのは、実はこれなんだよね」と、ポケットから一つの試作サンプルを取り出して見せてくれました。それが、のちの白玉ファンデ美容液となる最初のサンプルだったんです。⎯⎯ 雑談の中から⁉︎商品開発 三井：そのサンプルは、まさに“最高の美容液感”を実現した素晴らしいテクスチャーでした。その段階では、カラーも具体的な仕様も未決定。しかし、「研究者の情熱が詰まった試作」「若年層のニーズ」「マキアージュが目指す理想」という3つの要素が奇跡的に重なり合い、開発が一気に動き出しました。⎯⎯ 最近は、各社からファンデ美容液が続々と登場しています。開発段階で、白玉ファンデ美容液が目指した独自の価値とは何でしょうか？商品開発 三井：美容液配合を謳うファンデーションは市場に数多くありますが、革新的な技術力を筆頭に、資生堂が市場をリードしているという自負があります。だからこそ今回は、お客さまが肌にのせた瞬間に「これこそが、まるで美容液そのものだ」と心から感動していただける使い心地を追求しました。⎯⎯ その直感はどこから来たのでしょうか？商品開発 三井：美容部員としてキャリアをスタートした私が今でも大切にしているのは、店頭でお客さまと向き合ってきた感覚です。日々、多様な価値観を持つたくさんのお客さまや、現場の美容部員たちと直接触れ合ってきたからこそ、良いものに出合うと「これを出したら絶対に喜んでもらえる」「現場の美容部員が自信を持っておすすめできる」という直感が働きます。この現場目線での感性に響くかどうかを、ものづくりにおける基準にしています。チームの垣根を越えた連携で、若年層に響く“攻め”のファンデが誕生⎯⎯ そもそもですが、商品開発チームとマーケティングチームは、どの段階で連携するのでしょうか？マーケティング 榊原：プロジェクトの初期段階は、商品開発チームがコンセプトや生活者分析をリードします。それをどう市場に届けるかという戦略は、私たちブランドデベロップメント（マーケティング）のチームが引き継ぎます。スムーズなバトンタッチのために、かなり早い段階からプロジェクトを共有しています。ちなみに、「白玉」というワードは、商品開発チームが初期段階でつけていたものです。商品開発 三井：私たちは商品の「産みの親」ですが、マーケティングチームは「育ての親」だと思っています。コンセプトや成分、ターゲットなど商品の個性を互いに深く共有できていなければ、自信を持って市場へ送り出せません。週次のミーティングはもちろん、普段からオンオフ問わずに気軽に相談できる、風通しの良い関係を築いています。⎯⎯ 開発を進める中で、チーム間で意見がぶつかることもあるのでしょうか？商品開発 三井：よくありますね（笑）。コンセプトや商品化の提案の前にディスカッションを重ねるのですが、初期段階でマーケティングチームから「これでは生活者に刺さらないのでは」と厳しい指摘を受けることもあります。　ただ、同じブランドを担当していて、同じ目標を追う仲間として、「マキアージュがブランドとしてどうあるべきか」という根底の課題感を共有できています。だからこそ、ぶつかり合っても常に建設的で未来志向の議論ができるのだと思います。⎯⎯ お互いのチームから影響を受けて生まれた視点はありましたか？マーケティング 榊原：カラー展開はまさにそうです。マキアージュのブランド規模からすると、トーンアップに振り切った「攻めた明るさ」は売上目標に対してリスクが高すぎるのではないか、という懸念が当初はありました。しかし、議論を重ねることで、ブランドとしての「攻めの姿勢」とビジネスとしてのバランスを高い次元で両立させることができたと思います。商品開発 三井：この商品のキモである、グルタチオンの配合も、チーム間での連携が生んだものです。各種規制のハードルから、開発初期は配合を見送る方針でした。しかしマーケティングチームから「『白玉』と銘打つ以上、グルタチオンは絶対に外せない」と熱い提案があり、量産直前のタイミングで配合を決定しました。結果として、この決断が大きな差別化ポイントとなり、商品の魅力を何倍にも高めてくれました。「日本のコスメがんばれ」　SNSの反響とカニバリを起こさない好循環⎯⎯ 実際に発売してからの反響はいかがでしたか？商品開発 三井：試作段階からヒットの確信はありましたが、情報解禁後のSNSでの波及スピードは想像以上でした。ファンデーションカテゴリであるものの、下地やハイライトとして部分使いするなど、開発側が想定していなかった新しいメイク方法をお客さまが発信してトレンドを作ってくださる様子を見るのは非常にうれしかったです。マーケティング 榊原：これまでは、マスマーケット向けに広く愛される商品を重視してきたため、少し“クセ”のある白玉ファンデ美容液がどう受け入れられるか、不安もありました。しかし、SNSで信頼感のあるインフルエンサーの方々が「なりたい肌色で選べるけれど、光の技術で白浮きしない」とロジカルに評価してくださったことを機に、驚くほどの熱量でバズが広がりました。オーガニック投稿でのSNSトレンド入りをはじめ、大きな手応えを実感しました。⎯⎯ SNSでの大きな広がりに対し、どのような分析をしていますか？マーケティング 榊原：メイクアップブランドにおいてSNS戦略は極めて重要であるため、緻密に設計していますが、今回は想定以上でした。ちょうどその時期、SNS上で「日本の化粧品、がんばれ」といった議論が活発に行われていたこともあり、その大きなトレンドと私たちの商品が奇跡的にシンクロしたのだと感じています。結果として、商品単体の枠を超え、「日本のコスメにがんばってほしい」「これこそが信頼できる日本の技術だ」といった、マキアージュや資生堂、そして日本発のコスメ全体に向けられた温かい応援や期待感へと昇華していくのを肌で感じました。⎯⎯ 販売施策についても教えてください。マーケティング 榊原：マキアージュはドラッグストアを主とした配荷店舗数の多さが強みですが、今回は若年層向けアプローチとして、ECでのノベルティキャンペーンを実施しました。美容部員の声を取り入れて開発したファンデーションブラシをセットにしたところ、ECの初速が飛躍的に伸び、約1ヶ月半の販売を想定していた限定セットが、発売翌日に完売するほど。近年、オンラインのみで購買行動を完結する層が増加傾向にあるなか、SNSにおけるスウォッチやチュートリアル動画の充実により、オンラインでの購入に安心感もプラスされていると感じます。⎯⎯ 若年層の間では韓国コスメの勢いもありますが、マキアージュとしての独自価値をどのように打ち出していますか？マーケティング 榊原：韓国コスメの優れたパッケージデザインや、トレンドを捉えたカラー展開など、学ぶべき点は大いにあると感じています。その一方で、マキアージュが一貫して守り抜いているのは「日本社会に生きる方々のためのブランド」というアイデンティティです。誕生から約20年間、私たちは日本社会に生きる生活者のメイク行動の変化やその背後にある意識の変化まで見つめ、商品開発やコミュニケーションを続けてきました。　他国の優れたカルチャーに刺激を受けつつも、私たちが目指すのは、マキアージュを使うことで自信を持て、日常で少し前向きに一歩踏み出すことをサポートする存在であり続けること。これからも、日本のビューティシーンを代表するブランドとして、社会にポジティブなメッセージを送り続けたいと考えています。⎯⎯ 新作の登場により、既存のエッセンスリキッド EXへの影響はありましたか？マーケティング 榊原：カニバリゼーションを懸念していましたが、結果としては既存品の売上を落とすことなく、ブランド全体の底上げに成功しました。白玉ファンデ美容液をきっかけに関心を持った若年層や美容感度の高い層が、「自分には少し明るすぎるかも」と感じた場合に、既存のエッセンスリキッド EXを手に取ってくださるという、理想的な買い分けの好循環が生まれたためです。⎯⎯ 白玉ファンデ美容液において、2人が最もこだわった点を教えてください。商品開発 三井：第一に、圧倒的に心地よい、美容液そのもののようなテクスチャーです。そして、「なりたい肌色に合わせて選ぶ」という新しい価値観に応える、トーンアップしながらも白浮きしない繊細なカラーバリエーション。色調は若年層の好みに合わせて限界まで明るく振り切りましたが、既存ユーザーにも愛される絶妙な塩梅を求めて、何度も調整を重ねました。資生堂のヘアメイクアップアーティストにも参画してもらい、リアルな使用感や使用方法の提案まで、一丸となってつくり上げました。マーケティング 榊原：コミュニケーションの観点では、これまでマキアージュが出合えていなかった層や、「お母さん世代のブランド」というイメージを持っていた若い世代に、どう“自分ごと”として捉えてもらうかにこだわりました。従来のコミュニケーション設計からは大きく舵を切る必要があったのです。　その象徴が、2月に表参道で開催したポップアップイベントです。「白玉」のネーミングを最大限に活かし、人気パティスリーとコラボレーションした特製の白玉デザートを提供しました。美容好きだけでなく、カフェやスイーツを好む層にも向けたアプローチが功を奏し、7日間で2200人以上が来場。ブランドの認知を大きく広げる起点となりました。日本のビューティを代表するブランドとして、100年先も愛される未来へ⎯⎯ ファンデ美容液というカテゴリーは、今後どのように進化していくのでしょうか？マーケティング 榊原：マキアージュの根幹にある、「スキニフィケーション（スキンケアを応用したメイクアップ）」の価値は、今後もより強化させていきます。セラムファースト技術を応用した下地やルースパウダーも展開していますが、ファンデーションという枠に留まらず、この体験価値を広げていきたいと考えています。商品開発 三井：資生堂が誇る圧倒的な研究・技術力があってこそ実現できるファンデ美容液の価値を、さらにアップデートしていきたいです。研究開発部門とこれまで以上に強固に協業し、発売後もお客さまの声を細かく分析しながら、常に品質を進化させ続けます。⎯⎯ 最後に、2人が今後マキアージュとして挑戦したいことを教えてください。商品開発 三井：資生堂が長年培ってきた安心・安全の高い品質を守りながら、手にしたときに心躍るようなときめきを届けるものづくりを強化していきたいです。約20年間日本の美容シーンを牽引してきたブランドとして、100年後も愛されるプロダクトを創造し続けたいと考えています。　また、私自身が男の子を育児中ということもあり、メンズメイクの開発にも興味があります。若い世代におけるメンズビューティの進化には目を見張るものがあります。初めての眉ケアや、自然に肌が整うベースメイクなど、男性も安心してときめきを得られるアイテムを資生堂の知見で開発し、いつか成長した息子とメイクについて語り合うことが、一つの夢ですね。マーケティング 榊原：白玉ファンデ美容液の発売をきっかけに、美容に関心の高いお客さまから「日本のビューティを牽引してほしい。その期待に応えてくれるのがマキアージュだ」という非常に熱い声をいただき、とても励まされました。先行きが見えにくい現代において、私たちはメイクの力を通じて、誰もが一歩を踏み出せるように背中を押したい。ブランド自らが挑戦する姿勢を示し続けること、その第一歩が今回の白玉ファンデ美容液でした。　昨年のリブランディング以降、ファンデ美容液を中心に築いてきたこのスキンケア発想の価値を、ベースメイクだけでなくリップなど他の分野にも拡張しています。例えば、荒れやすいという課題を持つリップティントに、リップケアの知見や成分を掛け合わせることで、「色が続くのに荒れにくい」という革新的な価値を生み出したのが「リップグロウボム」です。今後も、そうしたマキアージュにしかできないアプローチを通して、さまざまなカテゴリーでお客さまの毎日を鮮やかに彩っていきたいです。

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マキアージュ「白玉ファンデ美容液」をヒットに導いた商品開発×マーケティング

 ◾️木村光希納棺師。2013年6月、納棺師の育成施設を運営する株式会社おくりびと®アカデミーを設立。同年10月、納棺士の資格付けを行うための専門機関として、納棺士技能協会を設立。2015年12月、納棺士が葬儀をプロデュースする葬祭ブランド「おくりびと®のお葬式」を立ち上げ、全国で13店舗を展開。2026年2月に公開された映画「ほどなく、お別れです」では葬儀監修を務め、主演の目黒蓮などに指導を行った。納棺師の仕事について⎯⎯ まず、納棺師という仕事の内容を教えてください。　亡くなった方を火葬するまでの間、ご遺体をできる限り良い状態に保ち、故人さまの尊厳を維持することが主な仕事です。ご遺体の腐敗の進行を抑えるために冷却や処置といったアプローチを行うほか、着せ替えや死化粧を儀式として提供し、ご遺族にとって「お別れの時間」を穏やかに過ごしていただくための環境を整える役割も担っています。　明治時代初期の家事教科書には、死後の処置は家族が行うものとされていました。それが病院でお亡くなりになるケースが増え、看護師が担うようになった流れの中で、我々のような職種が生まれてきた。諸説ありますが1975年ごろから、葬儀会社から依頼を受けて納棺師が現場に出向くというパターンが定着してきたのではないかと思います。⎯⎯ 宗派によって納棺の作法に違いはあるのでしょうか。　着せ替えの内容や進め方に多少の違いはありますが、基本的には宗教的な儀式・儀礼とは位置づけていません。⎯⎯ なぜこの職業に就こうと？　納棺師であった父親の影響です。私の曽祖母が亡くなったとき、父が着せ替えやお化粧をしている姿を間近で見て、その所作や姿勢に「なんてかっこいいんだ」と子ども心に思ったんです。静かで、尊厳に満ちた姿でした。その後、大学生になってから父の仕事を手伝い始めました。授業が終わったら葬儀の現場へ行く、というような少し変わった大学生活でしたね。この頃には自然と、自分も納棺師として働いていくのだろうという気持ちが固まっていました。⎯⎯ この仕事に向いているのはどんな人でしょうか。　ご遺族の声をしっかり聞いて、自分の技術と美的感覚とのバランスをうまく取りながら仕上げていける人だと思います。自分のエゴが強すぎても、逆に主張がなさすぎても、うまくいかない。そして、さまざまなケースでご遺族と柔軟にコミュニケーションを取ることが必要なので、傾聴の姿勢や丁寧な言葉使いができる人だといいかもしれません。死後処置の工程と技法⎯⎯ 亡くなった方の顔を生前の状態に近づける死化粧について聞かせてください。この工程は美しくするためのメイクというより、「その人らしさ」を取り戻すためのものだと聞きました。始めて対面する遺体に対して、"らしさ"というのはどのように作っていくのでしょうか。　最後にどんな表情で送り出したいか、その答えはご遺族の心にしかありませんので、まず傾聴することから始めます。「生前はどんな方でしたか？」「どんな色お化粧をされてましたか？」といったご遺族との会話の中から、故人さまの人となりを想像していくんです。　生前のお写真を見たり、そのお話から「その人らしさ」の輪郭が見えてきますので、私たちの技術でできる限りそこに近づけていきます。ただ、情緒的なことだけでは不十分だとも思います。医学的な知識に基づいた処置と、自然に見せるための我々の主観。その融合によって、ご遺族が心から納得できるお顔立ちを作り上げていくことが大切です。⎯⎯ 生前と死後では、肌の状態はどのように変わるのでしょうか。　個人差はありますが、最も大きな変化は肌の乾燥と質感の変化です。死後は水分が失われ、乾燥が進みます。また、重力により血液就下が行われ、肌の色も変わります。また、血の気が引くことで肌の色も変わります。ご高齢の方が多いので、過度なシワやくぼみなど、生前とは異なる変化に対していかに自然なうるおいやハリを再現するかが重要になります。⎯⎯ では、死化粧に入る前にも土台を整える工程が必要なんですね。　まず口腔ケア、鼻腔ケア、肌の消毒を行い、お体をきれいにします。その後、口を閉じて差し上げたり、体液が漏れないよう脱脂綿を詰めたりと、造形を整えていきます。場合によっては注射器のような器具を使用し、こめかみや頬のへこみを膨らませることもあります。唇の重なり具合によってリップのノリが変わったりもします。とにかく生前とは状態が異なるので、ベースを作り上げてからメイクに入るという流れです。⎯⎯ エンバーミング（遺体衛生保全）と死化粧は別物？　エンバーミングは、専用の施設で行う処置です。血管から血液を抜き取り、代わりに防腐効果のある薬剤を注入して、ご遺体の状態を保ちます。長期間安置しなければならない場合や、感染症の観点で衛生的に管理したい場合、海外にいるご親族の到着を待ちたい場合などに行います。安全性の高い処置ですが、日本ではまだ限られたケースでしか行われていませんね。専用ツール・市販品・画材を使い分ける現場の知恵⎯⎯ 死化粧に使用する道具はどのようなものですか。　通常のコスメを使用する時もありますが、基本的には専用のものを使います。専用品は乾燥した肌にもなじみやすいよう油分が多めに配合されていたり、腐敗をわずかにでも遅らせるための防腐剤が含まれていたりします。おくりびと®アカデミーでは、専用の化粧品を使用したり、自社でそうしたコスメを製造しています。 　カラーについては、絵の具の三原色のように基本色を混ぜ合わせて使用します。たとえば黄疸で肌が黄色い方には、補色である赤や紫を薄くのせて黄みを打ち消し、その上から赤みを足して血色を作り、最後にファンデーションで肌の色を整えていく。色の知識も非常に重要です。⎯⎯ 映画「おくりびと」では、本人が生前に愛用していた化粧品を使うシーンがありました。　実際の現場でもございます。リップやファンデーション、アイシャドウなど、肌の状態が問題なければ使用させていただきます。愛用品があってもご遺体の状態により使用できないケースもあるので、その場合は、できるだけ近い仕上がりを専用コスメで再現しています。⎯⎯ 遺体の状態によっては、特殊な素材を使うこともあるようですね。　傷や縫合のあと、あるいは首を吊られた方のくびれなど、色補正だけで補えないところには、ファンデーションとワックスを混ぜて作ったものを使って凹みを埋めてから、さらにメイクでカバーします。　こういったときには筆や画材、場合によっては絵画用の絵の具を使うこともあります。使用する道具はルールとして決められているわけではないので、それぞれの納棺師が使いやすいアイテムを常備しています。 ⎯⎯ 特に、死化粧の工程で難しいと感じるのはどのような点ですか。　生前の面影をいかに自然に再現するか、という点に尽きます。闘病生活が長かった方ですと、お顔が痩せてしまったり、肌の色が変わってしまったりすることがあります。それをただ隠すのではなく、元気だったころのお写真などを拝見しながら、ご遺族の記憶にある「その人らしい表情」に近づけていく。そのさじ加減に最も神経を使いますね。それに、ご遺族の中でも故人さまの生前の見え方は人によって違う。近しい人のお話を伺って施したメイクでも、別のご遺族から「こんなのこの人らしくない！」というお声をいただいてやり直した経験もあります。⎯⎯ 通常のメイクとは大きく違う死化粧ですが、納棺師を目指す方はどこで学ばれるんですか？　納棺師は資格を必要とする職業ではないので、基本は葬儀会社などへの就職後、現場での実習で習得するパターンが多いです。私も父について学びましたが、よりしっかりと基礎を学べる場所が必要だと思っています。なので、私が運営している納棺師の育成施設「おくりびと®アカデミー」のカリキュラムに組み込んでいます。皮膚学や化粧品の基礎知識、道具の扱い方などを学んでいただく時間です。人にお化粧を施すこと自体が初めての生徒さんもいらっしゃいますし、もともとメイクが好きな方であっても、ご遺体の肌は生前の状態とは大きく異なりますので、皆さんに一貫して基礎からお伝えしています。 死化粧の変わらない美学⎯⎯ 死化粧には男性用・女性用があると聞きました。どのような違いがあるのでしょうか？　女性は生前のお写真などに基づいて、いわゆる"化粧"をさせていただきますが、男性の場合はいかに化粧をしている感じを出さないかが生命線です。粉っぽさが出ないようにクリーム系のファンデーションで質感を整え、血色を補いながらも、生前にあったほくろやシミはあえて再現します。ファンデーションで眉毛やまつ毛が白っぽく覆われると一気に化粧感が出てしまうので、スクリューブラシで整えたり、茶色や黒で1本1本描き足すように色みを乗せ直したりして、自然な仕上がりを目指します。　どちらもその人らしさを意識するものではありますが、女性の場合は"美しく仕上げていく"という方向性があるのに対して、男性は"素顔を崩さないこと"を優先することが多いですね。それは納棺師が死化粧を施すようになった当初と、大きく変わっていないと思います。⎯⎯ 昨今、ジェンダーの多様性が広がっていますが、死化粧においてもその影響はあるのでしょうか。　死化粧における男性用・女性用とは、死亡診断書に記載の性での判別です。それに、あくまでこれはお化粧を施す上でのベースであり、実際は男女関係なくご遺族のお話を聞きながら行うため、ジェンダーの波のようなものを改めて感じることはないですね。⎯⎯ 最近のメイクアップでは、過剰に盛りすぎず、素顔を生かした"スキンファースト"という仕上がりがトレンドに上がっています。このようなトレンドに影響を受けることはあるのでしょうか。　多くの場合、私たちが死化粧を施す故人さまはご高齢であることも多いので、いわゆるビューティトレンドに影響されることは少ないと思います。ただ、新しい機能を搭載したあらゆる新作コスメが発売される中で、死化粧においてもできることが増えたり、ご遺族のご希望にもっと応えられるといったメリットもあるんです。なのでデパートの化粧品フロアなどに出向き、常に新しいコスメを探す姿勢は持つようにしています。⎯⎯ 海外でも納棺を行うことがあるそうですが、やはり日本とは違いますか。　私が海外へ出向く時は、日本式で行いたいという依頼です。なので大きく変えることはありませんが、その土地の文化はすごく意識します。例えば中国の一部地域では死装束を5枚から7枚重ねて着せる風習があり、死化粧もチークを赤く強めに塗るという美的感覚があります。日本式の丁寧さや工程を踏襲しつつも、その地域の風習に深く敬意を払い、合わせることが特に重要です。⎯⎯ 遺族は死化粧の仕上がりを見て、どのような反応をされるのでしょうか。　ご遺体の状態によっては、ご遺族が「苦しい最後だったのかな」と思ってしまうようなケースがあります。そのような時は、例えば口角をほんの1〜2ミリ上げて、少し微笑んでいるような表情に整えて差し上げる。するとそのお顔を見たご遺族が「ああ、穏やかな顔になった」「眠っているみたい」と安堵の表情を浮かべてくださるんですね。自分たちの仕事が故人さまの最期の記憶を、そして残されたご遺族のこれからの人生を、少しでも良いものにするお手伝いができたのかなと、温かい気持ちになります。⎯⎯ 葬儀では必ず死化粧を施すのですか。　葬儀にはいろいろなプランやパターンがございますので、お化粧を施さない方もいらっしゃいます。ただ、私が現在担当させていただく葬儀ではほとんどのご遺族がお化粧が含まれるプランを希望されます。告別式に多くの参列者が訪れる場合も多いので、安らかな表情でお別れをしてもらいたい、という思いがあられるのだと思っています。⎯⎯ 納棺の儀に慣れることと、ご遺族に寄り添うことのバランスは、どう取っているのでしょうか。　業務・作業として行う部分を7割、感情を入れる部分を3割と意識しています。正直、私は涙もろいほうなので、感情を入れすぎると現場を引きずってしまうんです。1日に複数の葬儀を抱えていても、それぞれまったく別のものですから、自分が健康で精神的に安定した状態でいることが、最高のサポートにつながると思っています。⎯⎯ さまざまな死に接する中で、木村さんご自身の死生観に変化はありましたか。　死生観は変化するものだと感じています。以前はずっと死ぬのが怖くなかったのですが、子どもができて守るものが増えたときに、すごく怖くなりました。生きているときに徳を積んでおけば、娘がピンチのときに助けてあげられる存在になれるんじゃないか、なんて考えたりしますね。誰かを守りたいという気持ちが、今の死生観になっていると思います。⎯⎯ ご遺族との関わりの中で、難しさを感じることはありますか。　「死んだら人はどうなるのか」という質問を投げかけられたことが何度かあります。もちろん私にその答えは出せませんから、ご遺族との関係性や状況から、寄り添うようなお話をさせていただきます。「死後、どうあってほしいですか？」と聞き返すことで一緒に考えることもあれば、宗派によってはお坊さんから聞いた話をご紹介することもございます。⎯⎯ 最後に、死化粧に対する思いを教えてください。　私たちは病気を治せるわけでも、介護ができるわけでもありません。ですが、遺された人の人生が、故人さまと過ごす最後の時間で変えられると本気で思っています。お化粧ひとつとってもそうです。最後の区切りの時間をより良いものにできれば、残された方の人生はより良く変わっていき、社会もより良くなっていく。そう信じているからこそ、業界全体で技術と心をアップデートし続けていきたい。それが故人さまへの、そしてご遺族への最大の誠意だと考えています。　現在、納棺師になるための資格は特にありませんが、納棺師技能協会の設立など、資格化に向けても動いています。儀式を担当する会社や人により、当たり外れが生じてしまうことはあってはならないと思うので、技能審査の資格化という方向性に向けて、しっかりとしたベースを業界全体で作っていきたいというのが目標です。photography: Katsutoshi Morimoto(FASHIONSNAP)

おくりびとが施す人生最期のメイク　「その人らしさ」を演出する技術とは

「リライブ」の仕入れ販売で見えた市場の空白地帯　同社のPB商品の歴史は古く、伊藤氏が入社した2011年時点で今の情熱価格の前身にあたるPBが存在していた。当時は「ジーユー（GU）」の「990円ジーンズ」に代表される低価格ジーンズがトレンドとなっており、ドン・キホーテでも999円のジーンズを「サンキュージーンズ」と銘打って発売し、大きな話題となった。情熱価格は2021年にリブランディングを行い、「お客さまと一緒につくるピープルブランド」というテーマを設定し、より日常生活に寄り添ったブランドにシフト。近年は酷暑の常態化により、冷感アイテムやUV対策アイテムの売れ行きが好調だという。　ドン・キホーテは、2024年にりらいぶが展開する「リライブ（RELIVE）」のリカバリーウェアの仕入れ販売を始めた。リライブは、同年2月に出川哲朗氏を起用したテレビCMを開始して話題となっていたブランドだ。ドン・キホーテが同商品を販売するなかで、年齢層の偏りが顕著だったという。購入者の年齢が50代以上に偏っており、後に他社ブランドを取り扱ってもその年代構成は変化しなかったそうだ。伊藤氏は、その背景に価格があったと見ている。リライブの価格は上下セットで1万3000円程度で、2万円台が中心のバクネに対して割安だったものの、「若い世代はリカバリーウェアにそこまでお金を出せない」（伊藤氏）という実態があったという。同社はリカバリーウェア市場に低価格帯という空白地帯があると見て、PB企画を本格始動した。「働き盛りで最も疲れている年代」と考える30〜40代の共働き世代を明確なターゲットに定め、日常的に手の届く価格での商品化を進めた。ワークマンの低価格は「そこまで意識していない」　商品開発において最も力を入れたのは「価格と着心地の両立」だと、伊藤氏は語る。多くのリカバリーウェアは、鉱石が練り込まれた糸で遠赤外線を複写することで血流を促進し、体温を上げる効果を得ているが、鉱石入りの糸は生地にすると硬くなりやすいという特徴がある。それをどう柔らかくするか試行錯誤を繰り返し、繊維を作り上げる段階で空気を入れ込むことでふんわりとした触り心地を実現したという。　ドン・キホーテのリカバリーウェアの半袖インナーは1099円。ワークマンの990円をわずかに上回る価格だが、伊藤氏は「ワークマンの価格はそこまで意識していない」と語る。価格競争に主眼を置いて最安値を目指すのではなく「コンビニエンス・ディスカウント・アミューズメント」という自社のコンセプトと照らし合わせ、「買いやすい価格であるかどうか」という観点で設定したと説明する。半袖Tシャツを中心に、長袖Tシャツ（1429円）やスパッツ（1429円）などをラインナップする。着用シーンを限定しない「ながらリカバリー」を訴求　ドン・キホーテのリカバリーウェアを語るうえで伊藤氏が最も強調するのが「着用シーンを限定しない」という点だ。既存の主要ブランドは主にルームウェアやスリープウェアを販売しており、在宅時や就寝時を着用シーンに設定しているが、ドン・キホーテは「今、求められているのは利用シーンが限定されないもので、いつでもどこでも使えることが重要」（伊藤氏）という考えのもと、シャツやTシャツなどの下に着用するインナー用途のリカバリーウェアを発売する。現代の30〜40代は可処分所得の縮小に加え、自由に使える「可処分時間」も減少していると見立てており、「○○しながら」「○○するだけで」というキーワードが消費者に刺さる現状があるという。　また、同社はリカバリーウェアの重要なターゲットとして女性にも積極的にアプローチする。「ご飯の支度や洗濯、仕事など日常生活を送りながらリカバリーできるということが、まだ認知されていない」と伊藤氏は見ており、その認知度を広げることが大きな課題だと位置づける。ウィメンズではフレンチスリーブTシャツ（1099円）、長袖UネックTシャツ、レギンス（各1429円）を販売する。「悩みを解決することでシェアを拡大」　伊藤氏はリカバリーウェアの数値目標として、初年度で50万枚の販売と、2035年までに国内5%のシェア獲得を掲げた。「最初の3ヶ月が勝負だと思っているので、スタートダッシュでしっかり伸ばしていきたい」と伊藤氏は述べる。現在すでに、次シーズンの商品開発が進行中だという。今回のラインナップは通年使用を念頭に置いたものだが、夏場の着用を想定したメッシュ素材や冷感機能の搭載を検討しており、今後も「どれだけ悩みを解決したかが、最終的に会社の成長やシェアの拡大に繋がる」という姿勢を示した。

ドン・キホーテが「ド回復」リカバリーウェアを発売　空白市場だった30〜40代の「ながら」需要を喚起

Ruohan

流行に左右されず美学を貫く──新鋭「ルオハン」が実践する、魂を失わない服作りとビジネス

スタイリストだから提案できる、“着る人目線”の服──今回ご自身のブランドをスタートした理由を教えてください。　スタイリストとして仕事をする中で、これまでさまざまなブランドとのコラボレーションやブランド立ち上げにも携わってきました。ただ、そのたびにゼロから洋服を生み出す難しさを痛感していたんです。スタイリストは、すでにある「1」を「10」に見せる仕事。だからこそ、ものづくりにはずっと高いハードルを感じていました。　そんな考えが変わったのは、トークセッションやファッションセミナーで、洋服が好きだけれど服選びに悩む女性たちと直接話す機会が増えたことでした。会話の中で「小山田さんが思うシンプルやスタンダードって、どこのどんな服ですか」と聞かれることが多かったのですが、改めて考えてみると、答えられなくて。着やすく、手の届く価格帯で、機能的で着心地もいい。それでいて、見た目にはソリッドなモード感がある。そんな今の時代の「大人のおしゃれ」を体現する服が、どうしても見つからなかったんです。多くの女性に理想の服選びを提案してきたにもかかわらず、「これが私の答えです」と胸を張って勧められる服がないという現実になんだかショックを受けてしまって。そこで「ないなら、自分で作るしかない」と思ったことが、ブランドを始めるきっかけになりました。──ブランド名「MELT MODE STUDIO」にはどのような想いが込められていますか？　ブランドを立ち上げると決めたとき、最初に決めたテーマが「大人の女性の日常に寄り添う服」を作ることでした。そこでまず思い浮かんだのが、「日常」や「毎日のように手に取れる」というキーワードです。ただ、日常着であるだけでは物足りない。大人の女性が服を着る楽しさや高揚感も感じられる存在でありたいと思い、「モード」という要素を掛け合わせました。そうして生まれたのが、「日常にモードを溶かし込む」という思いを込めた「MELT MODE STUDIO」というブランド名です。　ファーストコレクションで目指したのは、毎日自然と手に取ってしまうような服。家で洗えて、ママチャリにも乗れて、一日中着ていてもストレスがない。それでいて、対面の仕事や学校行事など、きちんと見せたい場面でも自信を持って着られる。そんな実用性を備えながら、服を着ることで気分が上がったり、「今日の自分、いいかも」と思えたりする高揚感も大切にしています。シルエットやディテールにはさりげなくモードな要素を取り入れ、日常の中でもファッションを楽しめるデザインに仕上げました。──ファーストコレクションは計4型とコンパクトな構成です。　「稼働率100%クローゼットの作り方」という本を出版している以上、「着ない服をゼロにする」という考え方を実現できないとブランドを立ち上げる意味がないと思って。なので「これさえあれば大丈夫」と思える4型だけを作り、組み合わせ次第で何通りものコーディネートができるように設計しています。──各アイテムにはどのようなこだわりを込めていますか？　どのアイテムにも共通しているのは、「日常着だけれど、高揚感を与えられること」です。家で洗えて、気負わず着られる機能性はもちろんですが、それだけでは終わらせたくなかった。スタイリストとして多くの女性を見てきて、結局一番印象を左右するのは顔まわりやシルエットだと感じてきたので、どのアイテムも着た瞬間に「なんだか素敵に見える」と思えるバランスを徹底的に追求しました。　例えばジャケットは、夏でも軽やかに着られるボイル組織を使いながら、肩パッドや鎖骨を美しく見せる深めのVネックでシャープな印象に仕上げました。ブラウスは襟を取り外せる2way仕様にすることで、一枚でブラウスとしても、ミニマルなTシャツとしても着用できます。体型の変化に悩む女性も多いので、体のラインを拾いすぎず、インでもアウトでもきれいに決まるシルエットがポイントです。　パンツは取り外し可能なサスペンダーを付けることで、いつものTシャツに合わせるだけでも少しモードな雰囲気になるように設計。トップスをインしたときにもきれいに見えるように細部まで調整しました。セットアップも、デッドストックのペイズリー生地に洗い加工を施して、きれいすぎず日常に馴染む表情に仕上げています。キャミソールとスカートはそれぞれ単品でも使えるので、着回しの幅も広がるアイテムです。──ファーストコレクションの価格は1〜2万円台。ここにもこだわりを感じます。　業界へのアンチテーゼというと少し大袈裟ですが、「いい服＝高い服」という価値観には以前から違和感がありました。だからこそ、現実的に多くの方が無理なく手に取れる価格で、本当にいいものを届けたいと思って。価格を抑えるために品質を妥協するのではなく、適正な価格で納得できる、無理のない1着であることにこだわっています。「無理なく」というのは、経済的な意味だけではありません。「このブランドを着ていればこう見られる」という世間の価値観ではなく、「私はこれが好きだから着る」と、自分の意思で能動的に選び取れるポイントがいくつもある。そんなクローゼットの中にあるだけではなく、暮らしの中でちゃんと活躍する服であることも意識しています。 ──同じ価格帯のブランドも多い中で、メルト モード スタジオの強みはどこにあると考えていますか？　他ブランドさんとの一番の違いはやはり「スタイリストが作った服」であることだと思っています。私はこれまで、「服はたくさんあるのに着る服がない」「何を買えばいいかわからない」「年齢や体型の変化で似合う服がわからなくなった」といった、一般女性のリアルな悩みに長年向き合ってきました。その中で見えてきた"本当に必要とされる服"の要素を吸い上げて、ダイレクトに服づくりに落とし込んでいることがメルト モード スタジオならではの強みです。大切なのは“自分らしいおしゃれ”を取り戻すクローゼット習慣──「クローゼットを開けても着たい服がない状態」、私もよく陥ってしまいます。この現象はなぜ起きてしまうのでしょう？　私は、クローゼットの中が「ノイズ」であふれてしまっているからだと思っています。他人の目線を気にして買った服や、「誰かにどう見られるか」を基準に選んだ服が増えると、本当に着たい服を自分で選び取れなくなってしまうんです。背景には、SNSや広告によって常に物欲が刺激される今の時代の環境があると思っていて。次々と新しいものに触れる中で、自分が本当に好きなものよりも、「これを選んでおけば大丈夫」と無難なものを選んでしまいがちになってしまうんです。さらに30代、40代になると、仕事や子育て、学校行事などライフステージが変化し、「好きだから着る服」よりも、「この場にはこの服が必要」という選び方が増えていきます。出産による体型の変化も重なり、「何を着ればいいかわからない」という相談は、スタイリストとして本当に数え切れないほど受けてきました。──“ノイズ”を消すにはどうすれば良いのでしょう？　ブランドや価格だけで服を選ぶのではなく、自分にとって本当に必要か、自分らしくいられるかという視点で一度クローゼットの中身を見直してみることをおすすめしています。　私自身も、毎月新月の日にクローゼットを開けて、「この服は今の自分に必要だろうか」と一着ずつ向き合う時間をつくっています。絶対に手放せないと思っていた服でも、時間が経つと「もう役目を終えたかもしれない」と感じることがあるんです。そうやって自分にとって本当に必要なものだけを残していくと、クローゼットだけでなく心にも余白が生まれます。その余白があるからこそ、新しい出会いや今の自分らしいおしゃれを素直に楽しめるようになるんです。──小山田さんが買い物をするときに意識していることはありますか？　ベーシックな服を軸にしながら、心が動いた旬のアイテムを少しだけ取り入れるようにしています。必要だから買う、ではなく、「今の自分が本当に着たい」と思えるものを選ぶ。その積み重ねが、長く心地よく付き合えるワードローブ作りにつながるのではないでしょうか。　ただ、クローゼットをすっきりとさせることを意識するあまり、「本当に必要なものだけを買わなきゃ」と自分を縛りすぎる必要はないと思っています。街を歩いていて「かわいい！」と心が動く服に出会えたら、そのときめきは大切にしてほしいんです。大人になるほど、そういう純粋な出会いって意外と少なくなりますから。私自身も、何時間お店を見ても何も買わずに帰る日もあれば、「今日はこれも欲しい、あれも欲しい」と心が動く日もあります。そんな波があるのも自然なこと。大切なのは、情報や焦りに流されて買うのではなく、自分の気持ちで選べているかどうかだと思っています。──夏はシンプルな服装に落ち着いてしまいがちです。物足りない時におすすめのスタイリング術を教えてください。　夏服はシンプルなデザインのものが多い分、ジュエリーやバッグ、靴など、小物使いはすごく大事になってきます。例えば、Tシャツにデニムのようなシンプルな組み合わせなら、アクセサリーは少し存在感のあるものを選んだり、バッグや靴に異素材を取り入れたりすると、一気に奥行きが出ます。逆に、アクセサリーを重ねる日はバッグや靴をシンプルにするなど、どこか一つを主役にするとバランスよくまとまります。　あとは、服だけで完成させようとするのではなく、ヘアやメイクもコーディネートの一部として考えてほしいですね。リップの色を少し変えてみたり、髪を軽くまとめて首元に抜け感をつくったりするだけでも印象は変わります。夏は洋服で重ね着ができない分、ヘアやメイクまで含めてスタイリングする意識を持つと、簡単にこなれ感を生み出せます。──ちなみに、小山田さんが夏に向けて気になっている旬なアイテムはありますか？　牛柄のアイテムがちょっと気になっています。もともとレオパード柄が好きなんですが、今年は牛柄が新鮮に映っていて。あとは夏らしいラフィアやかごバッグも探しているんですけど、まだ「これだ！」と思えるものには出会えていないので、じっくり探しているところです。「自分らしさ」と「社会性」の交差点を目指して──今回服をスタイリングする側から作る側になったことで、新しく見えてきた視点はありますか？　スタイリストの仕事では、その瞬間、その人を素敵に見せることを意識してきました。でも服を作るようになってからは、一着の服をもっと長い時間軸で見るようになって。例えば、お客様はこの服をどんな日に着るんだろう、何度くらい袖を通すんだろう、洗濯を重ねてもまた手に取りたくなるだろうか、といったことまで考えるようになったんです。　実際にお客様から「気づいたら毎週着ています」「旅行にも持って行きました」といった声をいただくと、服の価値って見た目だけじゃないんだなと改めて実感します。服はクローゼットの中で素敵に見えることではなく、暮らしの中でちゃんと役に立って初めて意味がある。服づくりを始めてから、そんなふうに服を見る目そのものが変わった気がします。──今後も少ない型数での展開になるのでしょうか。　そうですね。たくさんの商品を次々に出すというより、「必要なときに、本当に必要なものを届ける」という考え方で続けていきたいと思っています。例えば、秋になれば長袖のブラウス、寒くなればコートというように、季節や暮らしに合わせて少しずつ提案していくイメージです。従来のアパレルのように何十型も展開するのではなく、本当に必要とされるものを丁寧に作りたいんです。　今はお客様から「小学校受験で着られるようなアイテムが欲しい」という声をたくさんいただいて、ネイビーのアイテムも企画しているところです。SNSを通じて直接ご要望を聞ける時代だからこそ、一方的に作るのではなく、お客様の暮らしや困りごとに寄り添いながら、一緒にブランドを育てていけたらと思っています。 ──最後に、今後の展望を教えてください。　目指しているのは、お客様と一緒に育っていけるブランドです。規模とかビジネス的なことを考えるのはすごく苦手なので、売り上げの数字みたいなことはあまり深く考えないようにしています（笑）。できる限り直接お会いしてお話ししたり、SNSで声を聞いたりしながら、対話のできる距離感を大切にしていきたいんです。その先に大きな広がりがあるならもちろんうれしいですが、まずは自分の手の届く範囲を大切にしたいと思っています。社会の中で生きている以上、自分の好きだけでは成り立たない場面もありますよね。だからこそ、自分らしさと社会性、その両方を心地よく行き来できるような服を届け続けたいです。　日本のスタイリストが持つ着こなしの技術や引き出しは、世界にも通用するものだと思うんです。このブランドを通して、日本ならではのスタイリングの考え方や、少ない服でもおしゃれを楽しむという価値観を、海外の女性たちにも届けていきたいですね。

MELT MODE STUDIO

スタイリスト小山田早織が新ブランドで提案する、「服はあるのに着たい服がない」現象からの脱出術

Technology

キーワードは「テクノロジーと人間以外」　川崎和也が描く、持続可能なファッションの未来

日本のモノづくりを世界へ、ルミネの強みは“編集力”⎯⎯パリに出店しようと思ったきっかけを教えてください。　一番のきっかけは、フランスをはじめとする海外の方々と対話を重ねる中で、日本のものづくりの価値を再認識したことです。日本の技術や精神性にはプライスレスな価値がありますが、昨今後継者不足などでその伝統が失われつつあり、非常に由々しき事態だと危機感を持っていました。そんな中、現地の方々から「この素晴らしい文化を未来へ受け継いでいくべきだ」という熱い声を聞いたんです。　ただ、どれほど優れた伝統であっても、そのままの形では「重要文化財」のように飾られるだけで、実際の暮らしには溶け込めません。だからこそ、私たちが現代のライフスタイルに合わせて翻訳し、キュレーションし、デザインをアップデートして届ける必要がある。世界中で必要とされるプロダクトへと生まれ変わらせ、日本のものづくりを次世代へつなぐため、パリへの出店を決めました。⎯⎯展開ブランドは「エイトン（ATON）」「シュタイン（ssstein）」「ウカ（uka）」など。国内のルミネで取り扱いのないブランドがほとんどです。　パリのマーケットで通用するポテンシャルがあり、ルミネが大事にする精神性、いわゆる「ジャパンクオリティ」を持っているブランドであること。そして、今の時代に着られるもの、使えるものとしてアウトプットしていること。こうした基準で、グローバルパートナーのアンドレアス（ドイツ・ベルリンのセレクトショップ「ANDREAS MURKUDIS」のオーナーであるアンドレアス・ムルクディス）と一緒に全国を飛び回って買い付けました。　今回は「我々が責任を持って販売するから、一緒に挑戦してみよう」というメッセージを込め、ファッション、クラフト、本といったライフスタイルカテゴリー全般を横断してピックアップし、全ての商品を買い取って販売しています。資金力や物流、関税などの課題を抱える事業者の方々の背中を押したかったんです。30ものブランドが手を取り合って「日本のセンス」として発信するのは、これまでにない取り組みだと思っています。⎯⎯国内で培ってきたルミネの強みはどこにあると考えていますか？　ルミネには、売り場をニーズに合わせて編集する力があり、それが東京の10〜40代から圧倒的な支持を得ていますが、これは常に時代の半歩先、一歩先を提案し続けてきた証明です。このノウハウは世界でも通用するはず。パリではパリのやり方で、現地で受け入れられるものをきちんと編集して発信する。それが「tokyo sense」のミッションです。想定の3倍の人が来店、掴んだ確かな手応え⎯⎯現地での手応えはいかがですか？　初日は100人ほどの来場を想定していましたが、蓋を開けてみると300人近くの方がいらっしゃいました。売り上げも想定を大きく上回って進捗しています。目の肥えた現地の方々から高く評価され、しかも「なぜこんなに良いものが安いのか」とたくさん買ってくださる。今回は初めてということでテストマーケティング的な側面もありましたが、反応を見る限り、もう少し価格を上げてもいいかもしれません。⎯⎯今後の出店については。　明確な時期は決まっていませんが、パリファッションウィークの時期に合わせて定期的に出店する予定です。ファッションウィークの期間は、世界中からデザイナー、ジャーナリスト、クリエイターといった目の肥えたプロが集まります。日本のクリエイションを世界に評価してもらうためには、まずはそういった方々の目に止まることが重要。この時期がベストタイミングだと考えています。⎯⎯常設店の構想はありますか？　　いずれは実現させたいですね。そのときは、審美眼のある方が多く、世界中から人が集まるフランスは候補地の筆頭になります。名だたる名門ブランドを生み出してきたフランスで認められたものは世界で認められるという流れがあるうえに、歴史と文化が全く違うからこそ、フランスの方は日本の伝統の魅力を深く理解してくれています。日本のプロダクトを販売するのにこれ以上のマーケットはないでしょうね。　日本のモノづくりがビジネスとして成功するためには、国内マーケットだけでは不十分です。世界の市場で通用すると証明することが、結果的に日本の未来につながります。現に今回の反響を受けて、作り手の方も「こんなに評価されるんだ。高くても売れるんですね」と自信をつけています。これが続いていけば、若い人たちの中にもこうした道を志す人が必ず現れる。私は、日本の良いものが世界に通用することを証明したい。そして、真面目にものづくりをしている人たちの未来を創り、日本を元気にしたい。この挑戦はその第一歩です。

「ジャパンクオリティ」を次世代へ、ルミネがパリ初進出　社長に聞く手応え

■松崎善則（まつざき よしのり）／ユナイテッドアローズ社長執行役員CEO1974年2月22日生まれ。埼玉県出身。1998年4月にユナイテッドアローズに入社。ユナイテッドアローズ渋谷店からキャリアをスタートし、販売職や店長職、ビューティー＆ユース ユナイテッドアローズ本部長などを経て、2018年4月に上席執行役員に昇格し、同年6月に常務執行役員に着任。ユナイテッドアローズやビューティー＆ユースなどの複数の主力事業の統括責任者としてグループの成長に貢献した。2020年11月に副社長執行役員に就任。2021年4月から現職。前中計は次世代獲得に手応えも「総じて80点」⎯⎯まず、前中期経営計画の手応えについてお聞かせください。松崎社長の中で採点するなら、100点満点中何点ですか？　難しいですね（笑）。実績としてはおおむね計画通りに進み、中期を終えましたので100点です。ただ、取り組みの中身としては、次世代をターゲットにした施策もスタートし手応えはあるものの、まだ大きな成果にはなっておらず課題を残しています。そういう点でいうと、総じて80点ぐらいかなと。これから本格的に着手する異業種・非アパレル領域に関しても、前中計ではM＆Aについて織り込んでいなかったところもありますが、今中計の前にスタート前段としてもう少し準備をしておきたかったですね。とはいえ、ここは今後の伸びしろかなと思っています。⎯⎯次世代をターゲットにした施策では「アティセッション（ATTISESSION）」や「ナイスウェザー（NICE WEATHER）」「オソイ（OSOI）」といった新規ブランドを導入するなど積極姿勢だった印象ですが、どういった部分に課題感を感じているのでしょうか。　実績として、20代のお客さまの獲得に一定部分でつながったところがあるので、その点は評価しています。しかし、当社の次世代を捉えきれたと言える状態ではありません。出店店舗数もそうですし、もっと存在感のある広告宣伝も必要なので、ここは継続して課題感を持ってやっていくことだと思っています。標榜したいのは「唯一無二」　LVMHのような高付加価値グループへ■新中期経営計画 2026-2028の概要 　同社は前中期経営計画立案時からの内部環境および外部環境の変化を踏まえ、2023年5月に公表した「長期ヴィジョン2032」で掲げた売り上げ目標を、2026年5月に3000億円（前回発表から500億円増）、営業利益目標を300億円（同50億円増）に上方修正（営業利益率は10.0％で据え置き）。新中計はそのマイルストーンと位置付け、成長余地の高い中高価格帯マーケットに経営資源の集中を図るとともに、M&Aを含む非アパレル市場の取り込みを視野に、ホールディングス体制に移行する。 
定量目標

  ---   | 【新中計（2029年3月期）】 | 【長期ヴィジョン（2033年3月期）】
----------------- | ------------- | -----------------
【連結売上高】 | 1850億～1950億円 | 3000億円
【連結営業利益】 | 115億～125億円 | 300億円
【連結営業利益率】 | 6.1〜6.3% | 10.0%
【連結ROE（自己資本当期純利益率）】 | 14.3～15.7% | -⎯⎯2029年3月期を最終年度とした新中期経営計画では、中高価格帯マーケットに経営資源の集中を図るほか、M＆Aを含めた事業の多角化を計画しています。　これからは「日本が誇る、世界に向けた高感度・高付加価値グループになる」を目指していきます。⎯⎯それは、「脱セレクトショップ企業」を意図しているのでしょうか。　その方がキャッチーに聞こえるとは思うのですが、「脱する」というよりは「足していく」方向です。セレクトショップのみならずライフスタイルグループになるんだと。⎯⎯国内外の企業でベンチマークにされているようなところはありますか。　標榜したいのは「唯一無二」です。とはいえ素晴らしい会社はたくさんあるわけで、最たる事例でいうとLVMH（LVMH モエ ヘネシー・ルイ ヴィトン グループ）のポートフォリオはまさに高付加価値だなと思います。ただ、ラグジュアリー領域と我々の領域は、現時点で比較できるものではないので、「そこを目指します」ということではなく、あくまでもコングロマリット化の部分で意識しているところがあるということです。⎯⎯今年10月に持株会社体制に移行します。いつ頃から検討を始められたのでしょうか。　前中計が半分ほど進んだ頃ですね。従前から、会社名と事業店舗の名称が同じであることに対するジレンマが少しありました。前中計で掲げていた次世代の獲得も、これから着手する非アパレル領域の拡大も、会社として取り組むことが「ユナイテッドアローズ店舗」のイメージに直結するため、ユナイテッドアローズという単体屋号ではなかなか進めにくいという中で検討を始めました。もっとくわしく：　持株会社体制への移行に伴い、現ユナイテッドアローズの商号を10月1日付で「TABAYA ホールディングス」に変更。既存事業は今年4月に新設した分割準備会社「株式会社ユナイテッドアローズ」に承継させる。　商号に使用する「TABAYA」は、「ひとつの目的に向かって直進する矢（ARROW）を束ねた（UNITED）」を意味するユナイテッドアローズの和名に由来。昨年4月にユナイテッドアローズ 原宿本店からリニューアルし、“史上最上級のユナイテッドアローズ”をコンセプトに掲げている新店舗「タバヤ ユナイテッドアローズ（TABAYA United Arrows）」にもTABAYAの文字を採用している。⎯⎯持株会社の新しい商号は「TABAYA ホールディングス」。ユナイテッドアローズの名称に親しみがあっただけにさまざまな反響がありましたが、社内の反応はいかがでしたか。　社外では「ユナイテッドアローズがなくなる」と思われた方もいたかもしれません。しかし、社内は「ユナイテッドアローズの社名がなくなるわけじゃない」と認識していましたので、目立ったネガティブな声はなかったかなと思います。もともと「束矢」というのは社内で使われていたワードで、社内研修機関に「束矢大學」という名称を使っていたりと馴染みはありましたから、社外の方が感じる違和感よりは非常に小さいと思います。⎯⎯M＆Aではこれまでに靴磨き店「ブリフトアッシュ」運営会社のブーツブラックジャパン（BOOT BLACK JAPAN）、中島輝道による「テルマ（TELMA）」を買収。そして7月末には春髙未欧が手掛けるジュエリーブランド「ビジュードエム（Bijou de M）」を取得します。これらの共通項は？　いずれも日本の企業・ブランドというのがあります。ブリフトアッシュはシューシャインのエキスパートの会社ですが、日本人の技術や繊細さ、巧みな仕事にすごく共感しました。当社の優良顧客に対するサービス拡充というシナジーも期待できますし、海外に向けて日本の技術を提供していくという拡張性もあります。　テルマは日本の技術に注目し、金箔や漆を使うなど、産地を大事にした日本製にこだわっています。日本発で世界に向かっていくにあたって素晴らしいクリエイションをされていることに共感しました。　ビジュードエムも、日本語の「ひらがなシリーズ」に代表されるように日本ブランドとしてのプライドをお持ちですし、デザイナーの春髙さんは世界的にも著名な方です。もともとタバヤ ユナイテッドアローズ（旧原宿本店）やユナイテッドアローズ六本木ヒルズ店、麻布台ヒルズ ウィメンズストアといった、当社の中でも比較的高価格な店舗で取り扱っていましたが、グループとしてご一緒することでグローバル展開の可能性もありつつ、日本ブランドとしての拡張性を図れると考えました。⎯⎯今後ポートフォリオを拡充する上で、「日本」が軸になってくるのでしょうか。　今回、日本の企業やブランドのM＆Aがたまたま3件続きましたが、日本であることだけにこだわるわけはありません。既存のお客さまとのシナジーや、当社がサポートすることでスケールアップが図れそうかといった考察が第一です。そういった観点で捉えると、日本ブランドに限らずさまざまな企業との取り組みもあると思います。⎯⎯多角化をどんどん進められるということですが、ファッションだけではやはり限界なのでしょうか。　アパレルが限界かというと、決してそんなことはないと思います。ただ、ファッションというカテゴリーはアパレルに限りません。食べることも、音楽を聴くことも、心地よく生活するための方法はすべてファッションだと捉えています。そこに関わるものへと自然と拡張していかないと、お客さまの満足はこれ以上高められないという考えに基づいています。⎯⎯非アパレル領域で興味のある分野は？　ライフスタイルグループになると言っている以上、「食・住・美」をカバーしていくことが顧客満足につながると考えています。食の領域は非常に可能性があり提供できる価値があると思っていますが、自前だと難しいところもあるので、資本提携など様々な方法で積極的に考察したいです。⎯⎯ビューティ分野もM＆Aを視野に入れていますが、自社ですでに「ユナイテッドアローズ ビューティー（UNITED ARROWS BEAUTY）」を開発しています。　ユナイテッドアローズ ビューティーに関しては苦戦しており、見直さなくてはいけないなと思っています。“アパレル発のビューティ”となると、ファッションに振り切るべきか、それとも花王さんとのお取り組みのような消費財的な提案をするべきか、“ユナイテッドアローズではない形のビューティ”を目指すのか、今も模索しているところなので、方向性を整理して諦めずに取り組んでいきます。ビューティ・ヘルスゾーンはライフスタイルの中では欠かせない領域だと思っているので、機会を積極的にうかがっていきたいですね。海外は売上高2.3倍の70億円が目標　成功の鍵は中国市場⎯⎯海外市場の拡大も新中計の軸の一つに据えています。目標売上高は、2026年3月期から約2.3倍の70億円と、強気の設定ですね。そのうち4割強が中国の売り上げが占める見通しです。　2013年に進出した台湾はある程度、規模拡大が図れてきましたが、伸びしろで言ったらやはり2025年1月に本格進出した中国本土が非常に大きいと思っています。現在は上海、深圳、杭州に出店していますが、上海以外の1級都市ではまだ認知されていないという課題が明確になりました。まずは上海での多店舗化を図り、そこから郊外や他の1級都市へ広めていく方向に修正しています。いまはユナイテッドアローズの屋号のみを出店していますが、今後は日本国内と同様にさまざまな事業の店舗を展開していく計画です。今上海に出している1号店も“あくまで1号店”なので、より大きな旗艦店を出したいと思っています。※補足：2025年9月にグローバルECオープン⎯⎯どういった事業が出店候補に上がっているのでしょうか。　「ビューティー＆ユース（H BEAUTY＆YOUTH）」などですね。「ドゥロワー（DRAWER）」も単体出店の可能性がありそうです。⎯⎯ドゥロワーとビューティー＆ユースは現地でどの程度認知されているのでしょうか。　ドゥロワーはまだこれからですが、「エイチ ビューティー＆ユース（H BEAUTY＆YOUTH）」は認知度が高いですね。エイチの屋号を付けるのかは検討の途中です。⎯⎯現地ではオリジナル商品が支持されていると聞いています。　我々にとっては“オリジナル”ですが、中国の方にとっては“ブランド”なので、感覚の違いはありますね。セレクトをやらないわけではありませんが、現地に出店する店舗は基本的にはオリジナルがメインになってくると思います。⎯⎯台湾市場の進捗を教えてください。　「ユナイテッドアローズ グリーンレーベルリラクシング（UNITED ARROWS green label relaxing）」を中心とするミッド・トレンドマーケットを中心に拡大しています。台湾の気候は非常に暑いので、なかなかジャケットを着るような方が少なく、カジュアルにどうしても寄っているところがあります。ですが、（「ユナイテッドアローズ」「ビューティー＆ユース ユナイテッドアローズ」を中心とする）トレンドマーケットにまだ可能性がありそうだなと思っているので、現地のお客さまに合った表現をしていきたいと考えています。⎯⎯台湾現地におけるユナイテッドアローズの強みは？　服を買う際の「選択肢が少ない」というのが台湾の今のマーケット環境なので、そういう意味では我々のようなブランドは魅力的な提案に映るのではないかと思います。日本に頻繁に来られて買い物をされるファッション感度の高い方もいると聞いていますが、一方で、そうではない層に向けてどう訴求するかが今後の課題と感じています。⎯⎯その他の地域は欧米を含めて12億円を目標に掲げています。　今はタイに2店舗、シンガポールに1店舗を出店しているほか、香港でも卸やフランチャイズで展開しており、それなりの額になっています。卸は、欧米にも広げていきたいですね。⎯⎯アメリカにはこれまでにさまざまな日本企業が進出していますが、成功例が少ないのが現状です。　おっしゃる通り、アメリカはテイストや感度にフィットさせるのが課題かなと。まずは卸から拡大させていけたらと思っていますが、「アメリカに出店するのが夢」ということではなく、あくまでも世界にお客さまを広げたいという中の一つの市場として捉えています。⎯⎯国内でも引き続き出店を強化する方針で、3年間で55店舗程度の新規出店を計画しています。　出店もしますが、人口減少の中では既存店約40店舗の改装や格上げを行い、1店舗あたりのお客さま満足を高めることにも力を入れたいです。⎯⎯新中計では人的資本への投資にも力を入れます。想定人的投資額850億円は過去最大規模ですか。　3ヶ年の人件費としては過去最高額です。ベースアップも含め効率性は高まるので、人件費率自体は横ばいの設計です。⎯⎯販売職からキャリアを重ねてきた松崎社長の視点で、ユナイテッドアローズの販売職の最大の強みとは何でしょう。　願望になりますが、「接客力」が一番の強みでありたいと思っています。販売スタッフのみならず、社員みんなが「ユナイテッドアローズの強みは人なんだ、接客なんだ」と思って活動していることが、他社と違う強みかもしれません。誰が見ても「美しい」活動を⎯⎯長期ヴィジョン2032では「長期的にありたい姿」として、「美しい会社」を掲げています。どのように定義していますか。　明確な答えや定義は用意していないんですが、誰しもが美しいものを見たときに「美しいな」と思うじゃないですか。その状態を目指したいですね。誰か特定の人にとってではなく、誰が見ても美しいと感じる活動や行動をみんなでやっていこうという意思表示です。⎯⎯最後に、新体制のフェーズで社長CEOとして、今後3年間どのような気持ちを大切にしたいか改めて聞かせてください。　会社なので永続性がないとダメで、絶対に右肩下がりにしてはいけません。ただ、マネーゲームや資本競争に入るのではなく、「正しい行い、正しい商い」を通じて世の中にどう貢献していくかが一番大事だと思っています。　一方で、趣味の会社ではないので、お客さまを広げて拡張していく大きな転換期でもあります。プレッシャーはありますが、自分ひとりの活動ではなく社員みんなの活動の集合体です。皆が同じ方向に向かえるように整えるのが私の役割なので、その点についてのプレッシャーはあまりないですね。より高付加価値の方に向かって頑張っていこうと思います。

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Colbo

来日したコルボNYC創業者に聞く、オンライン時代における“人が集う場所”の可能性

肌と心をオフする、こだわりの香りとうるおい⎯⎯ まずは、MEGUMIさんがクレンジングにおいて、最も重視するポイントを教えてください。　1番は「乾燥させない」ことですね。洗い流した後に肌が突っ張ったり、乾燥してしまったりすると慌ててしまいますよね。スキンケアの時間は自分を慈しむ時間であるべきなので、ゆったりと心地よく使えることが大切です。肌が乾燥するとダメージにもつながりますから、安心して毎日使えるクレンジングが好きです。　新作クレンジングも、肌の温度と指圧に反応してオイルへと変化する処方にこだわりました。メイクや汚れをすっきりと落としながら、美容成分が肌にうるおいを届けます。⎯⎯ うるおいに加えて、新作クレンジングで特にこだわったポイントは？　香りには、かなりこだわりました。脳科学者の中野信子先生もおっしゃっていましたが、嗅覚は五感の中で唯一、脳にダイレクトに届く感覚だそうです。香りの分子が、鼻の奥にある器官に直接作用するんですね。　そこで今回採用したのも、脳をリラックスさせ、幸せホルモンとも呼ばれる「オキシトシン」の分泌を促すような香りです。グレープフルーツなど柑橘系のすっきりとした印象から、フランキンセンスやシダーウッドといった、こっくりと深みのある香りへと変化していきます。「クレンジングの時間をリラックスタイムにしたい」という私たちの願いが、科学的にも効果を期待できることは、本当に嬉しい限りです。⎯⎯ MEGUMIさんにとって、クレンジングの時間とはどのような時間ですか？　夜のスキンケアの最初のステップなので、「1日が終わった」というスイッチオフできる時間ですね。皆さんお忙しい毎日の中で、無意識に呼吸が浅くなったり止まったりしている瞬間が結構あると思うんです。でもメイクを落とす瞬間に良い香りが漂うと、自然と深呼吸をしてしまう。そのプロセスこそが、1日を終えた達成感や満足感、安心感につながるのではないでしょうか。部屋着に着替えるときのように、自分のマインドを心地よく切り替えてくれる時間ですね。美容への“ミーハー心”は欠かさない⎯⎯ ブランド誕生から2年が経ちました。この2年間で、自身の美容に関する考え方や価値観に変化はありましたか？　自分自身の「知識を増やし続けなければいけない」という責任感が、より強くなりました。こうして公の場でお伝えする機会も増えましたし、普段の現場でも、俳優仲間から「どういうものを使ったらいい？」と聞かれることが本当に増えたんです。だからこそ、責任を持って確かな情報を伝えなければいけないと感じています。　あとは、ブランドの顔として、自分自身が健康でいることの重要性を改めて実感しています。生活習慣に気を配ったり、自分の機嫌を取る工夫をしたりすることは以前から心がけていましたが、今はより一層、強い使命感を持って取り組むようになりました。⎯⎯ 新作クレンジングもユーザーの声を受けて誕生したとのことですが、そうした声を通して新たな気づきを得ることはありますか？　ブランドを運営する以上、お客さまの声に向き合い、真摯にお応えしていくのは当然の務めだと思っています。これは映画やドラマ作りにも通じることですが、お客さまという大切なコミュニティから届く反応は、何よりもかけがえのないものです。そうした声を実際の製品作りに反映させていけるのは、ブランドを立ち上げて継続してきたからこそできる。まだまだスタートしたばかりですが、これからもこのつながりを大切にしていきたいですね。⎯⎯ これまで1000を超える美容メソッドを試されてきたそうですね。今でも新しい発見はあるのでしょうか？　美容の成分や技術は日々進化しているので、毎日が発見の連続です。今回のセラムクレンジングにも、ビタミンCとペプチドを組み合わせた新成分を使用していますが、「掛け合わせることでこんな相乗効果が生まれるんだ」と開発段階でとても驚きました。美容においては、常にミーハーでいることが必要だと思っています。「今はこれがトレンドなんだ」と、著しく進化する新しい成分やアイテムを、誰よりも早く知り、試してみたい。以前よりも、新しい技術に触れたときの驚きや感動は増していますね。⎯⎯ 自身のブランド以外のアイテムも日常的に試されていると聞きました。　はい、SNSで見かけて気になったものはすぐに買いますし、口コミを参考にして手に取ることもよくあります。海外へ行くときも、現地のコスメショップのチェックは欠かせません。美容に対する「ミーハー心」は絶対に枯らしてはいけないと思っているので、ジャンルを問わずさまざまなアイテムに触れるようにしています。⎯⎯ 今、特に注目している美容トレンドはありますか？　ニードル系が気になっています。今はいろいろな種類が出ていますが、ニードルそのものが美容成分でできているような最先端の技術もあるそうです。オレリーでもいつか作りたいなと思っています。「一喜一憂しない」MEGUMI流セルフケアの極意⎯⎯ オレリーのプロデュースだけでなく、映画のプロデュースや俳優業など、多方面で活躍されています。その行動力の源を教えてください。　純粋に「興味」が尽きないんです。「あの景色を見てみたい」「海外の映画祭に行ってみたい」「このクリエイターと一緒に作品を作りたい」「この美容成分を商品化したい」といった好奇心が常に湧き出てきます。とにかく気になったら行動したくなってしまい、何もしないでいる方がかえって落ち着かない。これは小さい頃からなので、きっと変わらない性格なのでしょうね。　ただ、皆さんが同じように動くべきだとは思いません。人それぞれ強みは全く異なりますから。私はたまたま好奇心が旺盛で、「やりたい」と思ったら挑戦せずにはいられない、というだけなんです。⎯⎯ 先日のイタリアの映画祭への参加など、海外での経験は刺激になりますか？　私たちとは異なる文化的背景や価値観を持つ方々との出会いは、本当に新鮮で刺激的です。映画祭という場所には国境を越えた「共通言語」のようなものがあって、私が何者か知らなくても、純粋に「やっていることが面白そうだから一緒に組もう」と声をかけてくれる。そのフラットな関係性がとても嬉しいです。　また、現地では80代になっても現役で世界中を飛び回っているようなパワフルな女性たちにもお会いし、その生き方に強くインスパイアされました。やはり海外に身を置くと、視野が広がり、人生の選択肢が増える感覚がありますね。⎯⎯ 多忙な日々の中で心と体のバランスを崩さないために、日頃から心がけていることは？　まずは食事ですね。朝は温かいおにぎりを食べるなど、とにかく胃腸を冷やさないように。温かいハーブティーなども持ち歩いています。食べすぎは体に負担がかかって動きが重くなるので適量を意識して、日中もこまめにストレッチをして血流を促す。日常のちょっとした隙間時間でできる、自分を整えるためのアプローチは、習慣として常に実践しています。⎯⎯ マインドの安定を保つために、意識していることはありますか？　心理学の本をよく読むのですが、最近共感したのは「起きている出来事に一喜一憂するのは、その不測の事態に自分が飲み込まれてしまっているからだ」という考え方です。何か問題が生じたときは、一歩引いて「なぜこれが起きているのか」を冷静に、客観的な事実として捉えるようにしています。そうすると、この状況に至った背景や相手の目的が見えてくる。結果として、感情的にならず、最適な解決策を導き出せるようになります。　相手がなぜそのような発言をするのかに対しても、「認められたかったのかな」「寂しかったのかな」と背景を汲み取るようにすると、自分の心が波立つことが少なくなりました。　これは自分自身に対しても同じです。「つらいな」「疲れたな」と感じたときも、感情に流されず、「今はただ忙しくて体が疲れているだけだ」「認められたいと思っているんだな」と客観的に認識する。そうすれば、「じゃあ今日は早く寝よう」「ここまで頑張った自分を褒めてあげよう」と、次の具体的なセルフケアへスムーズにシフトできる。この健全な距離感を持つようになってから、感情の揺れが本当に少なくなりました。⎯⎯ 最後に、これから挑戦したいと思っていることを教えてください。　改めて「インプットのための勉強」をしたいですね。お仕事を少し整理して、映像や映画の歴史、英語、そして美容の成分について学ぶ時間をまとめて取りたいと考えています。この数年間、本当に全力で走り抜けてきたので、一度立ち止まって、自分の中に新しい知識や感性をしっかりと蓄える時間を作りたいです。MEGUMI：1981年生まれ、岡山県出身。2020年に映画「台風家族」「ひとよ」で第62回ブルーリボン賞助演女優賞を受賞。近年は映像のプロデューサーとしても活躍し、Netflix「ラヴ上等」、映画「FUJIKO」などで企画・プロデュースをしている。女性がより自信をもって輝くための美容情報も発信。2026年5月には「わたしはこれでやせました」を出版した。◾️オレリー：公式サイトphotography: Hikaru Nagumo (FASHIONSNAP)

Aurelie.

MEGUMIが語る美と行動力の源　マイルールは「ミーハー心を枯らさないこと」

　パパスは、デザイナー 荒牧太郎が1964年に設立したウィメンズブランド「マドモアゼルノンノン（Mademoiselle NONNON）」の派生ブランドして1986年に誕生。パパスというブランド名は、「老人と海」や「誰がために鐘は鳴る」などの著作で知られるアメリカの小説家 アーネスト・ヘミングウェイ（Ernest Hemingway）の愛称「パパ・ヘミングウェイ」に由来しており、「ヘミングウェイが着たら似合いそうな服」をコンセプトに、大人の男性に向けてカジュアルウェアを提案してきた。　松浦は1965年東京生まれ。2002年に「マウンテンリサーチ（MOUNTAIN RESEARCH）」などを手掛けるデザイナー 小林節正と、東京・中目黒にブックストア「カウ ブックス（COW BOOKS）」をオープン。2006年から15年まで「暮しの手帖」で編集長を務め、2015年から17年までクックパッドのウェブメディア「くらしのきほん」を手掛けたのちに、2017年から19年まで「ユニクロ（UNIQLO）」との共同プロジェクト「LifeWear Story 100」の連載を担当した。現在は「ディーン＆デルーカ マガジン（DEAN & DELUCA MAGAZINE）」の編集長を務めている。　クリエイティブオフィサー就任以前からパパスのアイテムを愛用していたという松浦に、パパスの一番の魅力について尋ねると、「人間味が感じられる服」という答えが返ってきた。パパスは全商品を日本製とし、各地の縫製工場や職人と深く連携しながらものづくりを行っているが、そこから生まれるプロダクトについて「それぞれのアイテムのデザインはスタンダードだが、ディティールなどの細かい部分に人間味が隠されている」と表現する。　松浦は、パパスにおける自身の役割について「何かを変えるというよりも、パパスが元々持っている魅力を言語化する」ことだと説明する。40周年を機にブランドの世界観を改めて言語化し、「人生を楽しむための服」というテーマを掲げた。それは、「おしゃれをするための服というよりも、日々を心地よく楽しく過ごすための服」という考え方を凝縮したものだ。　2026年秋冬では、2つのシーズンコンセプトを設定している。1つ目の「カラーズ（COLORS）」は、原色ではなくグレイッシュなカラフルさを特徴とする大人向けの色使いを軸に据えたもので、このコンセプトのもと先行発売しているカラフルなトートバッグ（各1万3200円）は既に一部店舗で品切れし、追加生産するほどの人気商品となっている。　2つ目の「フォーグッドサンデー（FOR GOOD SUNDAY）」は、休日を存分に楽しむための服だ。ブランドの主要顧客層である50〜60代のシニア層に対し、松浦は「これまでずっと仕事に一生懸命で、普段何を着たらいいか分からない人たち対して、肩の力を抜いてどこにでも出かけられる服を作っていきたい」という方向性を示す。　松浦ならではの新しい取り組みとして、商品に松浦によるミニエッセイを記載した下げ札「パパス ヴォイス（PAPAS VOICES）」を付属する。商品説明にとどまらず、ブランドの思想や背景にあるストーリーを消費者に届けようとする試みだ。　今回のコレクションから、メンズブランド「モヒート（MOJITO）」のデザイナーである山下裕文がプロダクトディレクターに就任している。山下はパパスの全コレクションの監修に加え、一部アイテムのデザインも担当する。モヒートは、パパスと同じくアーネスト・ヘミングウェイをブランドアイコンに据えているが、山下はヘミングウェイの魅力について「ワイルドで知的なタフガイ。旅、ハンティング、酒、グルメ、恋愛、そしてノーベル文学賞受賞と、“男の夢”を全て叶えたような存在」だと語り、「ヘミングウェイから着想を得たブランドはこれまで数多くあったが、ビジネス的に大きく成功したのはパパスだけ」と、評価する。　パパスの販売チャネルは全国66店舗で、ほぼすべてが直営店だ。顧客との距離の近さを生かし、「デザインやトレンドを優先するのではなく、お客様とどれだけ深く関われるかを今後も重視したい」と、松浦は語る。パパスの服は親、子、孫と3代にわたって受け継がれて着用されているケースも多いといい、「時代を超越して着られる品質とデザインへのこだわり」を保ち続けていくことで、ブランドの持続性を支えていきたいと、今後の展望を述べた。

Papas

松浦弥太郎は40周年を迎えた「パパス」をどう変えるのか

──ファッショニスタとして知られるNICHOLASさんがファッションに興味を持ったきっかけは？　練習生時代に毎月受けていた事務所内の実力テスト「月末評価」がきっかけです。あるとき私服でパフォーマンスをする機会があったのですが、そのときに周りの練習生と比べると自分はすごくシンプルな服しか着ていないことに気付いて。同じパフォーマンスをしていても、服装によって伝わる印象やメッセージが大きく変わることを実感したんです。「服には人を表現する力があるんだ」と感じて、そこからファッションに興味を持つようになりました。それ以降は買い物をする機会も増えましたし、これを着たら、自分はどう見られるかなと意識するようになって。そうやって少しずつ、ファッションについて学んでいきました。──今ではかなりファッションへの造詣が深い印象です。どのように勉強してきたのでしょうか？　最初はSNSで調べたり、好きなアーティストや先輩方のスタイリングを参考に真似をして自分のスタイルを探していきました。でもだんだんとブランドの歴史に興味を持つようになって。ブランドやデザイナーの歴史について書かれた本を読んだりしながら、「なぜ100年以上続いているブランドがあるんだろう」と考えるようになりました。　ファッションは流行の世界なので、どんどん新しいものが出てきますよね。でもその中で何十年、何百年と愛され続けるブランドがある。その理由を知りたいと思ったんです。調べていくと、長く愛されるブランドには必ず一貫したコンセプトや哲学があって、ただ服を作っているわけではないことが分かりました。デザイナーが何を考えてその服を作ったのか、どんな価値観を世の中に伝えたかったのか。そういう背景に興味があるので、服そのものだけではなくその裏側にあるストーリーや考え方を調べるようにしています。アーティストは、長く愛されることが必要な職業です。どうしたらファンの皆さんに長く愛されることができるかの糸口を、ファッションの歴史の中から探そうとしている部分もあるかもしれません。──ファッションについて学んでいく中で、着る服に対する考え方も変わりましたか？　最初は「かっこよく見られたい」という気持ちだけで服を買っていました。でもファッションの歴史や背景について学ぶうちに、服を選ぶ基準が少しずつ変わっていったと思います。以前はトレンドや見た目を重視していたのですが、今はその服を着ることで自分が何を表現したいのかを考えるようになりました。その日の気分だったり、自分が伝えたいメッセージだったり、服は言葉を使わなくても表現できるものだと思うんです。だから今の僕にとってファッションは、自分を表現するための言語のような存在です。ファッションには正解がありません。人それぞれ違う価値観や個性を自由に表現できるところが魅力的ですし、だからこそずっと興味が尽きないんだと思います。──プロジェクト「WENO-ISM」はどのような経緯で始動しましたか？　デビューしてからずっと、いつか自分のアパレルブランドを持ちたいという夢を持っていました。ファッションについて学ぶようになってから、服を見るたびに「自分だったらどんなデザインにするだろう」と考えるようになって、いつか自分の手で何かを作ってみたいという気持ちが自然と生まれたんです。その夢については以前から会社やメンバーにも話していて、今回ご縁がつながり、ヌビアンさんとの協業という形で実現することになりました。　ヌビアンさんは、休日に必ずと言っていいほど買い物に行くお店の一つです。少し変わったデザインや一癖あるアイテムが好きなので、店内に揃うアイテムからいつも新しい刺激やインスピレーションをもらっています。&TEAMの衣装でもお世話になっていますし、ファンとして通っていたお店と一緒に、自分がずっとやりたかったことを形にできるのは本当に特別なことだと感じています。──「WENO-ISM」というプロジェクト名にはどのような意味が込められていますか？　「WENO」は、僕が大切にしている“WHY NOT？”という考え方から生まれた言葉で、韓国語で「なぜ」を意味する“WHY”と英語の“NOT”を組み合わせて作りました。そこに「主義」や「流儀」を意味する“ISM”を加えて、「新しいことへの挑戦を前向きに楽しむ」という考え方を反映しています。　“WHY NOT？”は英語で「なぜダメなの？」「やらない理由はある？」という意味の言葉です。新しいことに挑戦するとき、不安や迷いから先に「できない理由」を探してしまうこともあると思うのですが、僕は昔からこの言葉をおまじないのように心の中で唱えながら、「やりたいならやってみよう」「まずは挑戦してみよう」と一歩を踏み出してきました。今でも何か新しいことに挑戦するときは、この言葉に背中を押してもらっています。自分の活動の原動力になっている考え方だからこそ、今回のプロジェクトの核にすることを決めました。──今まで「WHY NOT？」のマインドでどのようなことに挑戦してきましたか？　本当に色々なことに挑戦してきました（笑）。子どもの頃はピアノやバイオリン、ギターをやっていましたし、テコンドーも習っていました。バドミントン選手として活動していた時期もありますし、その後はバスケットボールにも挑戦しました。もちろんアーティストを目指し始めたこともそうで、最近だとボクシングにハマっています。興味を持ったら、とりあえずやってみる。その考え方はずっと変わらないですね。 ──今回アパレルアイテムと小物の計6アイテムをデザインされました。どのようなことを意識して製作しましたか？　ブランドの歴史を学ぶ中で、「意味があるデザイン」と「意味がないデザイン」の違いを強く感じるようになりました。だから今回は、ただ見た目がかっこいいものではなく僕だからこそ生み出せるものを作りたかったんです。台湾で生まれ、親戚の影響でアメリカの文化に親しみ、韓国で練習生として過ごし、日本でデビューした僕の歩みやルーツも、デザインの大切な要素になっています。 　今回は“自由”という考えを、僕の好きな2つのカルチャーを通して表現しています。ひとつは、デニムやウエスタン、カウボーイカルチャーから着想を得た世界観。カウボーイには、自分の信じる道を進んでいくような自由さがあると思うんです。その力強さや開放感をチェックシャツとデニムのヘッドウェアに落とし込みました。もうひとつは、2000年代のロックやパンクカルチャーから影響を受けたダークな世界観です。ロックやパンクには、「こうあるべき」という既存の価値観やルールに縛られず、自分のスタイルを貫く精神がありますよね。その反骨的なエネルギーにすごく惹かれるので、そうした空気感を少し退廃的なデザインで表現しました。──特に気に入っているアイテムはありますか？　難しい質問ですね（笑）。どれも気に入っていますが、中でもヘッドウェアは特に思い入れがあります。ずっと「こんなものがあったらいいな」と考えていたデザインを形にできたアイテムなんです。　実は制作過程で一番苦労したのはデニムのヘッドウェア。ファーストサンプルがイメージとは全く違うものになってしまって、本当に焦ったのを覚えています。一時はどうなることかと思いましたが、スタッフの皆さんや友人にフィードバックをもらいながら何度も調整を重ねて、ようやく納得できる形に仕上げることができました。かなり自分の趣味全開のアイテムなのですが、だからこそ僕みたいに少し捻くれたデザインが好きな方には刺さるんじゃないかなと思っています。苦労した分、今回のコレクションの中でも特に愛着のあるアイテムですね。 ──いくつかのアイテムのディテールには&TEAMやLUNÉ（&TEAMのファンの呼称）をイメージしたデザインも隠されているそうですね。　そうなんです。今回は自分の好きなものや個性を表現するだけでなく、僕の大事な構成要素である&TEAMとLUNÉとのつながりもデザインの中に落とし込みました。このプロジェクトは僕一人で生まれたものではなくて、&TEAMとして活動してきた経験や、いつも応援してくださるLUNÉの皆さんの存在があって実現できたものだと思っています。だから、自分だけのものではなく、&TEAMらしさもどこかに入れたいと思ったんです。　例えばTシャツの3本線は、&TEAMのコンセプトでもある狼の爪痕をイメージしています。さらに横にして見ると、僕の本名の苗字「王」の字にも見えるようになっているんです。自分自身と&TEAM、その両方を表現できるモチーフにしたかったので、すごく気に入っています。ほかにも、バッグやキャップには&TEAMのロゴである「&」をさりげなく取り入れています。ファンの皆さんはこういう細かい意味や隠れたメッセージを見つけるのが好きだと思うので、ちょっとしたサプライズです。 ──もしメンバーに着てもらうなら誰に、どのアイテムを着せたいですか？　Kくんはキャップとチェックシャツ。普段も好んで着ているスタイルなので、絶対に似合うと思います。FUMAくんはデニムが好きなので、デニムのヘッドウェアに挑戦してほしいですね。実はさっきEJに宿舎でチェックシャツを着せてみたんです（笑）。すごく似合っていたので、次はデニムのヘッドウェアも合わせて着てほしいです。YUMAは普段あまりデザインの強い服を選ばないので、Tシャツが似合いそう。シンプルだけど、オシャレに決まるので気に入ってくれると思います。　JOはスタイルがいいので、正直なんでも似合いそうです。ずるいですね（笑）。HARUAにもさっき着せたのですが、黒いヘッドウェアのミステリアスな雰囲気がお気に入りみたいです。最近一緒に見ているアニメに出てくるキャラクターの魔女っぽいと言っていました（笑）。もう空港ファッションのコーディネートまで考えているらしいです。TAKIは、デニムのヘッドウェアが似合いそう。明るくてエネルギッシュな雰囲気が彼にぴったりだと思います。MAKIもTAKIと同じく、デニムのヘッドウェアが似合いそう。もともと今回のコレクションの世界観と彼の雰囲気には通じるものがあると思っていて、個人的にもすごくイメージが重なります。──今回のコレクションに合わせて個人のInstagramを開設されました。今後はどのようなことを更新していく予定ですか？　ずっと個人のInstagramをやってみたいと思っていたので、開設できて嬉しいです。今回こうしてプロジェクトを始めることができたので、まずはその発信を中心に、僕自身が好きなファッションについてもたくさん発信していきたいですね。普段の私服やコーディネート、日々インスピレーションを受けたものなども少しずつ共有できたらと思っています。ファッションが好きな方にも楽しんでもらえるようなアカウントにしていきたいです。──デビュー4年目を迎えた今、&TEAMのNICHOLASとして、そして一人の人間としての目標を教えてください。　&TEAMのNICHOLASとしては、これからもパフォーマンスを通して楽曲の世界観やメッセージをしっかり届けていきたい。歌やダンスだけではなく、その曲が持つ感情やストーリーまで伝えられる表現者になりたいです。　一人の人間としては、これからも好奇心を持っていろいろなことに挑戦し続けたいです。僕が「WHY NOT？」という言葉に背中を押されながらここまで来たように、今度は僕の姿を見た誰かの背中を押す「WHY NOT？」のような存在になりたいです。「やってみたいけど不安だな」と思ったときに、「NICHOLASも頑張っているし、自分もやってみようかな」と思ってもらえたら嬉しいですね。これからもLUNÉの皆さんと一緒に成長しながら、お互いに良い刺激を与え合える存在でいたいと思います。

「ファッションは自由な言語」　&TEAM NICHOLASが語る服づくりと“WHY NOT？”精神

デザイナーの頭の中を“言語化”して見える景色を求めて── そもそも、前回の「ファッションと文学」特集号はどのような経緯で企画されたのでしょうか？清水：我々が作っている「文學界」は、文芸誌の中でも特集に重点を置いている雑誌です。もちろん文学の特集もしますが、ジャズやアート、オカルト、AIなど、文学以外のジャンルも扱っています。どんなものでも言語化されていない領域はあると思っていて、特にファッションに携わっている方々は、ご自身のクリエイションを言葉にする機会が少ないのではないかと感じていました。あれだけ豊かなイメージを持っている方々なので、それを言語化する作業は絶対に面白くなるだろうと考えたのが、企画の始まりだったと記憶しています。── 清水さんご自身もファッションがお好きな中で、「言語化されていない」と感じることが多かったのでしょうか。清水：そうですね。展示会でデザイナーさんとお話ししたり、シーズンのステートメントを読んだりしても、短く、ふんわりとした、あまり具体的ではない言葉が多いと感じていました。ですから、その方々の頭の中に見えている景色は一体どのようなものなのだろうかと。小説家の中にも、映像として見えているものを記述することで小説を創り上げていく方が多くいらっしゃいます。それは、ファッションデザイナーも同じではないかと思ったんです。── 2021年に初のファッション特集号を出された際の反響はいかがでしたか？清水：正直なところ、文芸誌の読者からは「面白いことをやったね」といった良い反応をいただいたのですが、ファッション業界の方々にはあまり届かなかったという実感でした。服飾学生の方たちなど、普段文芸誌を読まない層に手に取ってもらえたら嬉しいと考えていたものの、そこまでの手応えはありませんでした。　作家の方々からは、「普段ファッションに興味はないけれど、読み物として面白かった」「あんな文章を書けるデザイナーがいるんだね」といった感想をいただきました。そもそも、私たちの雑誌はモノクロのざら紙で判型も小さいため、ヴィジュアルをほとんど載せられないという制約があります。そうしたハードルも、読者層を狭める一因になったのかもしれません。教科書的ではない、歪さや過剰さという“特異点”を── 第1弾の反響が予想したほどではなかった中で、今回「again」として第2弾を企画されたのはなぜですか？清水：私が一度別の編集部に異動し、デスクとして「文學界」に戻ってきたのが昨年でした。その間に浅井が編集長に就任して。前回の特集は自分たちにとって面白い試みだったという自負はありましたが、読者に届けきれなかった部分など反省点も多くありました。そこで、「もう一度やりませんか」と持ちかけたのが今回のきっかけです。浅井：前回は、朝吹真理子さんと村田沙耶香さんに「ユキ フジサワ（YUKI FUJISAWA）」の藤澤ゆきさんと一緒に服を作っていただく企画をやりました。そのときから何かグッズを作りたいとずっと考えていたのですが、予算の都合などで難しかったんです。今回はそのリベンジがしたいという思いもあり、「ストフ（STOF）」とのコラボレーションで文學界初のアパレルグッズを製作しました。清水：グッズを作ることで、私たちが一方的にファッションを取材するだけでなく、読者の方々にも参加して雑誌を楽しんでもらえるのではないかと考えました。そのあたりは前回の反省を踏まえています。── ストフとのコラボレーションはどのような経緯で実現したのでしょうか？浅井：元々、私がデザイナーの谷田浩さんと知り合いだったこともあって相談したところ、「面白いからぜひやってみよう」と言ってくださって。デザインはほぼ全てお任せし、受注生産という在庫の残らない形式で、Tシャツとキャップ、バッグ、靴下を作っていただきました。私自身がストフの服を普段から着ているというご縁もありました。── 特集に登場するデザイナーの人選も、編集部の皆さんが元々注目していた方が中心なのでしょうか？清水：直接存じ上げなくても、そのクリエイションに注目していた方が基本です。なので、専門家の方から見たら、かなり偏りのあるセレクションだと思います。── 確かに、「ペイデフェ（pays des fées）」の朝藤りむさんのような方から、アンケート企画では中堅デザイナーたちの中に服飾学校を卒業してまもない新人デザイナーが入っていたりと、人選が非常に興味深いと感じました。清水：例えば、アンケート企画「あなたにとって、ミューズとは？」への参加デザイナーはもう一人の編集部員を加えた3人で選んでいるので、それぞれの趣味性やマジョリティ志向、マイノリティ志向が反映されています。雑誌として一番つまらないのは、専門外だからといって教科書のようなバランスの取れたものを作ってしまうこと。歪（いびつ）さや過剰さといった“特異点”がないと面白くないと思っています。だからこそ、あえて偏りを強調したセレクションを意識しました。── 巻頭の朝藤りむさんと作家の小川洋子さんの対談は、どのようにして実現したのですか？清水：前回の反省として、デザイナーの方に執筆をお願いしたところ、アウトプットにかなり差が出てしまい、ご本人たちにも負担をかけてしまった部分がありました。そこで今回は、まず人選をした上で「何ならできそうですか？」とご本人に相談する形をとりました。そのお一人が朝藤さんでした。　朝藤さんにご相談したところ、一度「考えます」とおっしゃったのですが、別れて30秒後くらいに電話がかかってきて、「小川洋子さんに会いたいです。会えるなら何でもします」と。もちろん、小川さんが普段から特にファッションに興味があるわけではないので、どうしようかとは思いましたが、ご本人も「私がファッション特集に出る日が来るとは」と面白がって喜んでくださいました。実際にお会いすると、朝藤さんが本当に小川さんの作品を読み込んでいらして、作家にとっても熱心な読者と対面する機会は貴重なので、非常に盛り上がった対談になりました。1人の少年の人生を変えた、吉田圭佑のエッセイ── 文芸誌が「ファッション」を特集する上で、編集方針として重視していることを教えてください。浅井：ファッション誌との違いは、やはり作家の方々が中心になるという点です。作家の中にもファッションが好きな方は多く、何かを「作る」という点では共通部分があります。デザイナーの言葉を引き出すと同時に、ファッションというテーマを語ってもらうことで、作家の方々のこれまで語られなかった創作に関する新たな一面を引き出せたらいいなと考えています。　また、例えば対談であれば10ページといった長い紙幅を割くことができるのも、文芸誌という媒体の特徴です。ファッションというテーマを、普段私たちが使っている文芸誌のフォーマットに持ち込むこと自体が、他ではできない試みだと考えています。── ヴィジュアルが重要な要素を占めるファッションを、あえて「言葉」で表現することの意義とは？清水：これは私たちの仕事の信念ですが、ファッションに限らず、世の中のあらゆる事象は言語化する努力をすべきだと考えています。自分の言葉で考え、記述することで、世の中の暴力的なストーリーに絡め取られない「個」を確立することができる。言語化しない方が美しい場合もあるかもしれませんが、私たちの役割は、あらゆるものを言語化していくことだと理解しています。浅井：そして言語化したからこそ、そこからこぼれ落ちるものもまた見えてくる。ファッションの場合は特に、そこからまた「服」という実物に戻っていける楽しみ方があると思います。── その「言語化する」ことへの強い思いは、今回の誌面づくりや編集スタンスにどのように反映されているのでしょうか？清水：第1弾では、ヴィジュアルがないと読者に手に取ってもらえないのではないかという不安が捨てきれず、少しヴィジュアルに頼った部分がありました。それはそれで美しい企画にはなったのですが、一方でまだ踏み込めていないところがあると感じてもいて。ですから、今回は「言葉で構成するものにしたい」という思いがまずありました。　もう一つは、「ケイスケヨシダ（KEISUKEYOSHIDA）」デザイナーの吉田圭佑さんの存在です。前回、何人かのデザイナーにエッセイをお願いした中で、彼は異常な密度で、深く自身と向き合った文章を書いてくれました。そのエッセイを読んだ、不登校だった高校生の男の子が吉田さんのもとを訪ねてきたそうです。そして吉田さんは、その彼を次のシーズン（2023年秋冬）のランウェイモデルに起用しました。吉田さんが書いた言葉が、誰かの胸に届き、新たな物語が生まれた。言葉の力を目の当たりにした彼に、もう一度書いてもらいたいという強い動機があり、今回再びロングエッセイを執筆していただきました。浅井：前回の特集では、「ファッション雑誌の真似事になったら格好悪いから、文芸誌らしく作らなければ」と少し肩肘を張っていた部分があったかもしれません。今回は2回目ということもあり、もっと自由に、気楽にやってみようという気持ちで向き合いました。── 今回は作家だけでなく、魚豊さんやコナリミサトさんといった漫画家の方も登場されていますね。浅井：元々「文學界」に登場するのは作家に限りません。話すべき言葉を持っている方であれば、さまざまなジャンルの方にご登場いただいています。例えば、漫画家の魚豊さんは、FASHIONSNAPのベストバイのインタビューを拝見して、ご自身の言葉でファッションを語れる方だと感じ、デザイナーの方とお話しいただいたらどうだろうかと依頼しました。文芸誌だからという枠にこだわらず、「この特集でしかありえない組み合わせ」を意識しています。雑誌は、新たな出会いと創作が生まれる「場」── 2回のファッション特集を経て、何か新たな発見や気づきなどはありましたか？浅井：普段は作家の文章を読み、作家と会うことがほとんどです。そのため、文学以外の領域でものを考えて作っている方々の濃厚なお話を聞くこと自体が、私たち編集者にとっても刺激になりました。登場してくださった作家の方々や、文學界を読んでくださっている方にとってもそうであるといいなと思っています。雑誌というのは、普段出会わないものが出会う「場」であってほしい。今回はそれを自分たちも楽しみながら誌面にできたと感じています。清水：雑誌を作るとき、自分たちに何が還元されるかということはあまり意識しません。むしろ、登場してくださった方々に何か新しいことが起きてほしいと思っています。例えば、今回の小川さんと朝藤さんの対談をきっかけに、朝藤さんが「いずれ小川さんを巻き込んだコレクションを作りたい」と話していました。このように、登場してくださった方が新たなクリエイションのきっかけを得てくれることが、編集者として一番嬉しいことです。　実際に、吉田さんがブランドのタブロイド誌の発行を始められたり、前回執筆していただいた他のデザイナーの方々の中にも、その後のコレクションのステートメントの長さや書き方が明らかに変化した方をお見かけしたりもしました。そういったことはやはりすごく嬉しいですし、編集者冥利に尽きますね。 ── 今後、第3弾の可能性はありますか？清水：どうでしょうか（笑）。弊社は人事異動が多いので、そのときに「やりたい」というメンバーがいれば、あるかもしれません。この企画は、我々2人だからこそ実現したという側面が大きいので。── 最後に、今号に興味を持った読者に向けてメッセージをお願いします。浅井：ファッションも文学も難しく捉えられがちですが、この2つを掛け合わせることで生まれる新しい楽しみ方を見つけてもらえたら嬉しいです。誰もが毎日服を着るように、誰にとっても関係があるテーマだと思うので、新しい視点を発見するきっかけになればと思います。清水：ファッションが好きな人は、おのずとファッションのことは見ると思います。でも、面白いことは自分の専門外の領域にこそたくさんある。この特集が、文学に限らず映画でも何でも、他のジャンルへの入り口になってくれると嬉しいです。そうして刺激的なデザイナーがもっとたくさん生まれれば、私がまた新しい服を買えるという良い循環になると思います。浅井：それは文学好きや作家のみなさんにとっても同じですね。この特集をきっかけに、ファッションの世界にいる面白い作り手を知って、楽しんでほしいです。photography: Katsutoshi Morimoto (FASHIONSNAP)