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Fashion

アパレルのメイドインジャパンを守るために──縫製工場が本気で作るブランド「GGG」

Special movie featuring 3 artists　ラルチザン パフューマーは、1976年に植物学者のジャン・ラポルトがフランス・パリで創業。「香りの職人」を意味するブランド名のもと、香りそのものに語らせ、調香師の創造性を自由に表現する「創造の自由」を一貫して追求してきたブランドだ。科学的な精密さと詩的な感性を併せ持つラポルトの哲学は、流行や商業主義に左右されない独創的な香りの数々に受け継がれている。　そんなラルチザン パフューマーの匠の技の琴線に、歌舞伎俳優の中村隼人、小説家の朝吹真理子、バレエダンサーの栗山廉が触れた。豊かな感性と卓越した技術を備えた3人の表現者が、最新作のアビサエ エクストレ ド パルファンをはじめ、ブランドを象徴する「ミュール エ ムスク オードトワレ」などを通して、奥深い香りの物語や創造の世界を感性で受け取る。スペシャルムービーには、3人のラルチザン パフューマーへの共感に加え、ブランドの50年の歩みや、日本で唯一の旗艦店の魅力も映し出す。Special Interview with a Perfumer創造の自由から生まれた、深海の新たな香り　新たに登場するアビサエ エクストレ ド パルファムは、既存のアビサエが描いてきた深海の世界を、さらに濃密に、深く掘り下げた香りだ。冷たさを帯びたユーカリ樹脂や神秘的なインセンス、深みのあるアンバーグリスが重なり、光の届かない深淵へと静かに誘う。オリジナルに続いて調香を手掛けたダフネ・ブジェは、香りの本質を受け継ぎながら、新たなニュアンスを加えることで新たな表情を引き出したという。再解釈に込めた意図や「創造の自由」への思い、旅や自然から得たインスピレーションとは⎯⎯ 。光の届かない海の底へ　「アビサエ エクストレ」が描く深淵⎯⎯ 既存のアビサエ オードパルファムと新作のアビサエ エクストレ ド パルファンでは、表現した世界にどのような違いがありますか？　オリジナルのアビサエは、現実と想像のはざまに広がる深海の神秘へと誘う香りとして創作しました。未知の世界へ足を踏み入れるような感覚を表現したかったのです。アロマティックな爽やかさ、繊細なフローラルのニュアンス、奥行きのあるウッディノートが、意外性をもって共存しています。ユーカリ、ローズ、ベチバーは、その世界観を形づくる上で欠かせない要素でした。　新作のアビサエ エクストレ ド パルファンでは、その世界をさらに深く掘り下げたいと考えました。単に海の深みを探るだけでなく、より豊かな感覚の広がりを表現したかったのです。深淵が持つ、よりダークで豊か、そして神秘的な側面を描くため、樹脂を思わせるリッチなニュアンスやバルサミックなアクセントを加えました。インセンスが神秘的な奥行きを添え、ローズはより贅沢で包み込むような表情を見せます。さらに、シプリオールとアンバーグリスがウッディなベースの存在感を際立たせています。こうして生まれたのは、単に濃度を高めた香りではなく、同じ物語における新たな一章なのです。⎯⎯ 多くの人に愛されているアビサエを再解釈する上で、どのような挑戦がありましたか？　最大の課題は、継承と進化のあいだに理想的なバランスを見出すことでした。アビサエを愛する方々には、その個性を瞬時に感じていただきながらも、同時に新たな発見ももたらしたかったのです。　私にとってフレグランスの再解釈とは、単に香りをより力強く表現することではありません。オリジナルの作品に秘められていた新たな側面を見出し、そこに光を当てることです。だからこそ今回の挑戦は、アビサエの本質を守りながら新たな道を拓き、物語をさらに先へ進めることでした。そのアプローチは、まるで誰も足を踏み入れたことのない深淵を探検するようなものでした。⎯⎯ オリジナルのアビサエと新作のアビサエ エクストレは、どのように使い分けるのがおすすめですか？　私にとって、この2つは異なる表情を持つフレグランスです。アビサエは、明るさと奥行きをあわせ持ち、肩の力を抜いてまとえる魅力があります。アロマティックな爽やかさが際立つため、日中の装いや、さりげないエレガンスと意外性を求めるシーンにふさわしい香りです。　一方のアビサエ エクストレは、より親密で、深く引き込まれるような魅力を備えています。豊かで包み込むような存在感があり、特に夕方から夜にかけての時間や、香りを第二の肌のように自然にまといたいときに惹かれますね。創造の自由が広げる、自然と旅のインスピレーション⎯⎯ アビサエをはじめ、ラルチザン パフューマーのフレグランスを複数手掛けられています。メゾンが掲げる「創造の自由」を、どのように捉えていますか？　私にとって「創造の自由」は、調香における最も大切な価値の一つです。ラルチザン パフューマーは、調香師一人ひとりが自身のビジョンを表現し、自分らしい方法で物語を紡ぐことを認めています。その信頼関係は、私にとって大きなインスピレーションの源です。不必要な制約にとらわれることなく、直感や感性、想像力に導かれながら香りを生み出せるからです。思いがけない発想や意外なコントラスト、自然を見つめる新たな視点にもつながっていきます。　ラルチザン パフューマーは、独創性とクラフトマンシップを称えるブランド。その哲学があるからこそ、自分らしさと個性に満ちた、印象深いフレグランスを生み出すことができるのだと感じています。⎯⎯ 世界中を旅することがお好きだそうですが、旅先での経験は調香にどのように活かしていますか？　旅は、最も大切なインスピレーションの源です。旅に出るたびに、新鮮な視点で世界を見つめ直すことができます。風景や人々との出会い、土地に根づく習慣や食文化、思いがけない発見まで、あらゆる体験が香りの記憶を豊かにしてくれるのです。スウェーデンの世界遺産ラポニアを訪れた時の投稿　中でも日本は、私に大きな影響を与えた国の一つです。過去に3ヶ月間、日本各地を一人で旅したことがあります。それは人生の中でも特に印象深く、創作の糧となった経験でした。日本人の自然との関わり方や、桜の季節に人々が儚い美しさを讃える光景に、深い感銘を受けました。⎯⎯ 日本での体験の中で、特に心に残っているものはありますか？　香道や茶道、和菓子づくりに息づく緻密な職人技など、日本に受け継がれる伝統文化にも心を動かされました。オーガニック農場で働き、高野山の仏教寺院を訪れ、屋久島では樹齢1000年を超える杉の森にも足を運びました。　そうした経験を通じて、私は日本の「わび・さび」の美意識に関心を抱きました。不完全さや儚さ、簡素さのなかに美を見出す考え方ですよね。調香においても、わび・さびは一見すると欠点のように思える要素が、作品ならではの個性を生む源になり得ることを教えてくれます。やや際立ちすぎる香料や意外性のあるアクセントが、香りの個性や本質を形づくることがあるのです。　アビサエにおけるユーカリの印象的な存在感は、その良い例です。ユーカリがもたらす緊張感によって、この香りならではの個性と記憶に残る魅力が生まれています。美しさは、ときに完璧な調和から外れる要素によってもたらされるのです。⎯⎯ 最後に、ご自身が香りまとう時のルールを教えてください。　調香師になってからは、香りをまとうことそのものが創作プロセスの一部となりました。新たなテーマに取り組むときには、試作した香りを日常生活の中で実際にまとい、その美しさや香り立ち、時間の経過による変化を確かめています。　香りがラボを離れ、現実の環境の中でどのような表情を見せるのかを観察することは欠かせません。自らの作品をまとうときには、周囲の反応や感想にも注意深く耳を傾けています。そうした率直な反応の中に、香りの本質を理解する手がかりが隠されていることがあるからです。　ただ、休暇中はまったく香水をつけません。旅先では、その土地や環境が持つ香りを、できるだけありのままに感じていたいのです。街角の香り、雨上がりの空気、市場の賑わい、その土地ならではの食文化。周囲の世界を存分に感じ取るために、肌はできるだけニュートラルな状態にしておきます。　私にとって香りとの関係は、香りを観察する時間と、世界の香りに耳を傾ける時間とのあいだを行き来するものなのです。 アビサエ エクストレ ド パルファンは、トップノートで、ユーカリレジン（樹脂）が霜をまとったような冷たさを帯び、インセンスがそのフレッシュさを引き立てながら、濃密なミネラル感を加える。ハートノートでは、樹脂のようなローズを、シスタスラブダナムや松によって官能的かつ包み込むような印象に仕上げた。そしてベースノートは、サンダルウッド、シプリオール、アンバーグリスが、温かみと奥行きのある、力強い印象をもたらす。時間の経過とともに、香りの深みが静かに増していくアロマティック ウッディ香調だ。ラルチザン パフューマー 公式サイトvideo direction & editing: NENE, director of photography: Shunsuke Nakamura, camera operators: Akinori Kasai & Takaya Shimizu, assistant camera: Takumi Kawabe, sound: Masaya Tamura, styling for Ren Kuriyama: Kodai Suehiro, hair & makeup for Ren Kuriyama: Takae Kamikawa (mod's hair) | creative direction: Mina Jokoji, interview & text: Mayu Kamitamari, casting: Sookyung Kim, project management: Takako Toboku (FASHIONSNAP)

L'ARTISAN PARFUMEUR

Beauty

50周年のラルチザン パフューマー　“創造の自由”から生まれる未知の香り

古代ギリシャへの興味から始まったジュエリー作り　プラウニスのジュエリーデザインは、家族の歴史に深く根差している。幼い頃から絵を描いたり、手を動かして何かを作ったりすることが好きだった同氏は、ギリシャ系の祖父からは古代ギリシャの文化や歴史について教わって育った。祖父の家にはギリシャの歴史や美術に関する本が数多く並び、訪れるたびに一緒に本を開きながら話を聞いたという。そうした時間を重ねるなかで、古代ギリシャのジュエリーをはじめ、建築や美術、長い年月を経て残るものに自然と惹かれていった。　もう一つ、ブランドの背景にあるのが曽祖父がニューヨークで営んでいたナイトクラブ「ヴェルサイユ」だ。ギリシャからニューヨークへ渡った曽祖父が1930年代に開いた店で、エディット・ピアフをはじめとする著名人が出演し、当時のニューヨークの華やかな社交文化を象徴する場所の一つだった。彼女にとって古代ギリシャの文化と同様に、曽祖父が生きた時代のニューヨークやそこに残された装飾品や記録も、自身のルーツを辿る手掛かりとなっている。　初めてジュエリー製作を学んだのは高校時代。その後、2011年に米ニューヨーク州のスキッドモア大学（Skidmore College）に進学した。当初は生物学を専攻していたが次第にものづくりへの関心が強まり、ジュエリーと金工（Metal and Jewelry Arts）専攻に転向。チェーンメイキングやレプセ、グラニュレーションといった古代から伝わる金細工の技法を習得した。なかでも同氏を惹きつけたのが、小さな金の粒を一つひとつ接合して装飾を生み出すグラニュレーションだった。地金やワイヤーから手作業でジュエリーを組み上げていく古代の技法との出会いによって、幼い頃から親しんできた古代ギリシャの世界と、自身が好きだった「手でものを作ること」が結びついていく。大学時代に培った技術と古代美術への関心は、やがてプラウニスのものづくりの土台となった。 　卒業後はジュエリーブランドで経験を積み、2017年に自身のブランド「プラウニス」を設立。学生時代に習得した古代の金細工の技法をベースに、古代ギリシャやローマのジュエリーを現代へと置き換えたコレクションを手掛けている。22Kゴールドと手仕事でつなぐ、数千年前の技術　ブランドがジュエリーに用いるのは、温かみのある深い色合いを持つ22Kゴールド。一般的なファインジュエリーに用いられる金と比べて純度が高い同素材だが、ジーンが惹かれたのはその色合いだけでなく、古代から受け継がれてきた歴史だった。「歴史上もっとも長く使われてきた金合金の一つ」と話すように、古代美術を所蔵する美術館でも目にすることができ、特に古代ギリシャやローマのジュエリーに多く用いられてきた。学生時代から古代の金細工技法を学んできたジーンにとって、22Kはそのものづくりを現代へとつなぐ素材でもある。　純度が高い分、柔らかさを持つことも22Kの特徴だ。手作業で加工を重ねることで硬度が増す一方、長く身につければ、わずかに形が変わることもある。同氏は、そうした変化も「素材の個性」と捉える。仕上げたばかりの表面はマットだが、肌や衣服との摩擦によって次第に磨かれ、艶を帯びていく。「身につけることで形や表情が変わっていくことも、22Kの美しさの一部」とジーン。完成した瞬間だけではなく、その後の時間までを含めてジュエリーとして考えている。 　また、プラウニスでは何度でも新たなジュエリーへと生まれ変わる金の循環性に魅力を感じ、リサイクルゴールドを使用している。金は溶かして形を変えても失われることがなく、何千年も前から存在するものの多くが現在まで受け継がれてきた。ジーンは「私たちが使っている金も、かつて歴史的なジュエリーの一部だったかもしれない」と、素材がたどってきた長い時間に思いを巡らせる。　古代とのつながりは、素材だけにとどまらない。製作には、小さな金の粒を表面に施すグラニュレーションや、一つひとつの輪をつなぐチェーンメイキングなど、古くから受け継がれてきた技法を取り入れている。一方で、必要に応じて鋳造やCADといった現代的な技術も併用。ジーンがこうしたものづくりを表すのが、「made today, but as yesterday（今に生まれ、かつてと同じ手仕事で）」という言葉だ。「ブランドにとって大切なのは、クラフトを守ること」。その考えから、すべてのジュエリーをニューヨークで製作し、チェーンメイキングや石留め、金属加工など、何千年にもわたってジュエリー製作に用いられてきた技術を受け継ぐ。テクノロジーによって手仕事が置き換えられていくなか、職人を育てることに加え、ニューヨークの47丁目を中心とする宝飾産業地区「ジュエリーディストリクト」で活動する職人たちと仕事を続けることも、技術を次世代へ残すために欠かせないと考えている。日本の伝統工芸と交わるブランドの美学　ジーンが日本を訪れるなかで目を向けたのが、今も各地に残る工芸の技術だった。「日本の文化や工芸をとても尊敬している。古くからの技術が今も生き続け、一つひとつの工芸に誇りと細やかな配慮がある。過去のものが現在まで大切に受け継がれていることに、とても刺激を受けている」とジーン。長い時間をかけて培われた技術が、現在のものづくりにも息づいていることに惹かれたという。　その関心は、今回の来日に合わせて製作した限定アイテム「Silk Cord Discus Necklace」にもつながった。9月4日から7日までシハラ ラボで開催されたトランクショーで披露したもので、日本伝統の撚り紐で作られたシルクコードに、22Kゴールドのモチーフと天然石を組み合わせている。100％シルクという素材に加え、丁寧な作りや色彩にも魅力を感じたといい、「自然を思わせる色が多く、素材から色まで一つひとつがよく考えられていると感じた」と振り返る。 　今回の来日は19歳の頃以来2度目で、自身のジュエリーとともに日本を訪れたのは初めて。滞在中には京都にも足を運び、現地の工芸に触れる時間を設けたという。古代ギリシャやローマのジュエリーを起点に、過去の技術を現代へとつないできたジーンは、伝統的な技術が現在の暮らしにも息づく日本のものづくりに、自らの姿勢と通じるものを感じたそうだ。今回の滞在から得た着想は、今後の作品にも生かしていきたいという。1920〜30年代のニューヨークを着想源に10周年へ　2017年の設立から、今年9月で9周年を迎えたプラウニス。「9」はブランドを象徴する数字の一つでもある。代表的なモチーフ「Nona」は、9つの金の粒を菱形に配したデザインで、名前もラテン語で「9」を意味する「Nona」に由来する。これを記念して今年10月には、ブランドのルーツを振り返る新コレクション「Modern」の発表を予定している。着想源となったのは、1920〜30年代のニューヨーク。曽祖父がナイトクラブ「ヴェルサイユ」を営んでいた時代に改めて目を向け、当時の人々が身につけていたものや、その時代に至るまでの装飾文化を掘り下げながら製作を進めた。 　10周年以降を見据え、ジュエリーの枠を越えた構想も膨らんでいる。「アーティストとのコラボレーションや雑誌の制作など、ブランドについてたくさんのアイデアがある。シグネチャーコレクションも続けていきたいし、いつか香りにも取り組みたい」とジーン。ジュエリーを軸にしながら、異なる分野のクリエイターとの協業や出版、香りなど、プラウニスの世界観を表現する方法を広げていく考えだ。古代ギリシャやローマから、家族の記憶が残る20世紀のニューヨーク、そしてこれから取り組む新たな表現へ。過去の技術や記憶を参照しながら、それらを現代のジュエリーへとつないできたプラウニス。10周年を目前に、そのものづくりはジュエリーという枠を越え、さらに広がろうとしている。シハラ ラボのオーナー石原勇太に聞く、プラウニスの魅力  プラウニスと出会ったのは、2019年にラスベガスで開催されたジュエリーフェア「COUTURE」でした。最初に見た時からすごくユニークだと思いましたね。一見するとダイナミックなデザインなんですが、フォルムや細部を見るとすごく繊細に作られている。ジュエリーには長い歴史があって、古代ギリシャをはじめ、昔のジュエリーを思わせるものもたくさんあります。ただ、そうした要素を取り入れながら、現代のジュエリーとして成立させるのはすごく難しい。プラウニスには昔ながらの要素がありつつ、そこにジーン自身のテイストやモダンな感覚がしっかり入っている。そのバランスがすごくいいと思っています。ブランドの今後については、「こういうことをしてほしい」という期待は特にありません。ジーン自身が好きなように作り続けてくれることが一番です。（石原勇太）

Prounis

古代ギリシャの記憶をジュエリーに　NYで生まれる素朴でエレガントな「プラウニス」の美学

香水が「他人のため」から「自分のため」へ　日本市場が成長した理由⎯⎯ まず最初に、成田CCOの視点から、日本のフレグランス市場の変化を教えてください。　私が2011年にビューティ業界に入ったとき、百貨店ブランドにおける香水の売上比率は約2％ほどだったと記憶しています。当時ランコムでアイメイクとフレグランスのマーケティングを担当していましたが、本国からは「なぜ日本では香水が売れないのか」と繰り返し問われていたぐらいです。　その根本には、日本独自の文化的背景があったと考えています。香りを他者に押しつけることへの抵抗感、いわゆる「スメルハラスメント」の概念が市場の拡大を阻んでいた。フレグランスを楽しむ土壌自体が、まだ十分に育っていなかったのです。⎯⎯ 転換点はいつ頃だったのでしょうか？　よく「コロナがきっかけ」と言われますが、その直前の2018年から2019年頃にはすでに市場が少しずつ伸び始めていました。自己表現やウェルビーイングを大切にする風潮が高まり、特に若い男女を中心に、フレグランスを通じた自己表現の土壌が整いつつありました。　そしてコロナがその動きを一気に幅広い世代へと浸透させました。家に閉じ込められたとき、香りが生活を豊かにする選択肢の一つになり、キャンドルやディフューザーも含め香りが生活のあらゆる場所に入り込みました。今や百貨店のラグジュアリーコスメ市場では約20％まで香水のウェイトが高まっています。「ニッチがメインストリームに」　SNSが変えた香水の選び方⎯⎯ 直近2〜3年の傾向としては、どのような変化を感じていますか？　「ニッチがメインストリームになってしまった」というのが率直な意見です。もともとニッチフレグランスは「自分だけが知っている」という限定的な意味合いを持っていたので、文字通りニッチだった。ところが今、そのニッチフレグランスが日本のラグジュアリー香水市場において最も大きなカテゴリーになっていて、もはやニッチという言葉自体が矛盾を抱え始めているのではないでしょうか。⎯⎯確かにニッチフレグランスは急激に広がった印象があります。　背景にはSNSとの親和性があると思います。フレグランスを楽しみたいけれど、どれを試せばいいのかわからない若年層がたくさんいる中で、特にInstagramやTikTokで、言葉で形容しがたい香りをヴィジュアルと文字、音を組み合わせたコンテンツが約4〜5年前から目立つようになりました。SNS上では、新しいものを発信する傾向があり、ニッチフレグランスが流れやすい。それを見た人たちが、知らなかったブランドや香りに興味を持ち、購入するフローを生み出しました。⎯⎯ フレグランス市場は、まだ広がりの余地があるのでしょうか？　今まさに問われているのは、「その次」です。フレグランスに入門した人が次の1本、2本目を選ぶとき、メインストリーム化したニッチに向かうのか、それともさらに“別の”ニッチを追い求めるのか。消費者がどちらに向かうのか、まだ明確ではありませんが、ここが最も注力すべきポイントだと考えています。　フレグランスの市場シェアは、百貨店のラグジュアリーコスメ市場だけを見れば約20％ですが、ドラッグストア・バラエティショップ、専門店、ホームセンターなど全チャネルを合算するとまだ6〜7％程度※で、まだまだ小さいと言えます。　ただ、私はこの流行が一過性のものだとは思っていません。今20〜30代でフレグランスを使い始めた層が、10年後には30〜40代になる。その間に新しい顧客が入ってきて、また積み重なっていく。市場全体が時間とともに成熟していく構造が、ゆっくりと、しかし確実に形成されていくでしょう。次のトレンドは「機能」と「アジア」⎯⎯ これから日本市場で成長するカテゴリーは何だと思いますか？　一つは、フレグランスの「ファンクショナル化（機能化）」です。アジア市場全体として、メイクもスキンケアも、あらゆるカテゴリーが機能的になってきています。フレグランスも例外ではありません。「読書に集中したいときの香り」「熟睡するための香り」「仕事終わりの心を落ち着かせる香り」　「スポーツの前にモチベーションを上げる香り」といった細かなニーズへの対応が、次のトレンドになると考えています。　もう一つが、アジアフレグランスの台頭です。欧米ブランドが引き続き力を持ち続ける一方で、日本人やアジア人の感性にぴったり合う香り、例えばアロマティックで落ち着く香りを作る上では、アジアフレグランスのほうが圧倒的に強い。この流れはすでに始まっており、今後ひとつの大きな市場になっていくでしょう。　ブルーベルでも、シンガポール発のニッチフレグランスブランド「メゾン ド ラズィ（MAISON DE L'ASIE）」の取り扱いを昨年開始しました。今後は日本・韓国・中国など、さまざまなアジアフレグランスをブランドラインナップに加えていく予定です。「ブルーベル 2.0」で描く新たな成長戦略⎯⎯ブルーベルでは、新しいブランドの取り扱いを増やしている一方で、大きなブランドがブランドホルダーに移行するケースが増えています。現状をどのように捉えていますか？　ブルーベルの本質的な役割は、無名だったブランドを時間をかけて日本に根付かせ、消費者から愛されるブランドに育て、そして独立させることです。なので現状は、正しいビジネスモデルの結果だと思っています。　直近ではコティのブランド群がブランドホルダーに移行し、いくつかのニッチブランドも独立していきました。もちろん短期的に売り上げが下がる厳しさはありますが、これはビジネスモデルが機能した証拠でもあります。ブランドが巣立っていくことを嘆くのではなく、次の才能ある芽を見つけ出し、根付かせ、また送り出す。世界には次々と新しいブランドが生まれています。そのサイクルを早く回し続けることが、ブルーベルの存在意義そのものだと考えています。⎯⎯ 具体的にはどのような取り組みを進めているのでしょうか？　まず社内体制をスリムアップして「ブルーベル 2.0」と呼んでいる新体制に移行しています。より動きやすい組織のもと、新しいブランドをハンティングし、これまで試していなかった日本への導入手法を検討しています。　リテール環境の刷新も急務です。約2年をかけてリノベーションを進め、百貨店以外の商業施設にも新しいリテールデザインを広げていく計画です。⎯⎯ ブルーベルで新ブランドを導入する際、アジアブランドをという話もありましたが、選定の基準を教えてください。　最も重視しているのは、香りとブランドの想いです。そのブランドにちゃんとした骨のあるストーリーがあるかどうか。マーケティング寄りで「売るためのブランド」だと感じた瞬間に、導入の話はストップします。日本のお客さまに自信を持って紹介できるブランドのストーリーとユニークネスがなければ、成功は難しいからです。なるべく創業者本人と直接会って、ブランドの理念や各香りの特徴、他ブランドとの違いを突っ込んで聞くようにしています。⎯⎯ 現在の好調ブランドは？　売上でいうと、「ドルチェ＆ガッバーナ（DOLCE&GABBANA）」「ランバン（LANVIN）」「コーチ（COACH）」といったファッションフレグランスがボリュームとしては非常に大きいです。　また、ニッチフレグランス全般が非常に好調ですね。「ペンハリガン（PENHALIGON’S）」をはじめ、多くのニッチフレグランスが堅調に成長をしています。⎯⎯ ブルーベルとして、今後注力していくフレグランスブランドを教えてください。　アジア発ブランドもそうですが、今後の柱として育てていきたいのが、フランス発「マティエール プルミエール（MATIERE PREMIERE）」やその他のニッチフレグランスブランドです。創業者のオーレリアン・ギシャール（Aurélien Guichard）は世界的な調香師で、高砂香料工業（日本有数の香料会社）のパフューマーとしても知られる著名な方です。彼はグラースにある自身の畑でバラ、チュベローズ、ラベンダーを栽培し、それらを原料として香り作りをしています。この原料主軸のストーリーは、成分や背景をきちんと理解した上で商品を選びたいという日本の消費者の感性にとても合っていると感じています。　SNSへの反応を見ていても、これまではヴィジュアルがきれいなものやおしゃれなものが目立っていましたが、最近はノートをしっかり説明しているものや、香りの成分がきちんとわかるものへの反応が高くなっています。消費者の香りに対する知識の高まりを感じますし、香りの成分や構成を詳しく知りたがるのは、日本の消費者の特徴でもあるように思います。　他にもフランス発「メゾン クリヴェリ（Maison Crivelli）」にも注目しています。調香師が今までにない香りの組み合わせを独創的なマインドで作り上げたブランドで、海外ではニッチフレグランスのトップ3に入るほど人気があり、日本でももっと挑戦できると信じています。「パルル モア ドゥ パルファム（PARLE MOI DE PARFUM）」も、マーケティング次第でより日本人に受け入れられると期待しています。⎯⎯ 今、世界中で新しいフレグランスブランドが誕生し日本にも上陸しています。それに伴い、ディストリビューターも増えている印象です。競合が増える中で、ブルーベルの強みは？　一番の強みは顧客体験（カスタマーエクスペリエンス）の総合提案力です。ブルーベルではオフラインとオンライン双方に高い専門性を持っています。我々の販売員の香水に対する知識と理解の深さは、日本の香水市場においてトップクラスであると自負しています。これは長く日本のフレグランス市場を牽引してきたその接客技術は、何物にも変え難い価値であり、脈々と受け継がれている強みだと思います。技術力は簡単に取得できるものではありません。販売員を通じた香りの提案力と、ブランドのキュレーション力は、他社と明確に差別化できる点だと考えています。それに加えて、主要オンラインプラットフォームにおけるブランドに合わせた提案力を兼ね備えています。CCOミッションは、フレグランス、ファッション、フード事業の三位一体ビジネスの推進⎯⎯ 4月に現ポジションに就任しました。成田CCOとしてのミッションは？　ブルーベルはフレグランス・化粧品のほか、ファッション・アクセサリー、フード＆ビバレッジの事業を展開しています。私のミッションは、この3つの事業にバランスよく力を注ぐことですね。フレグランス・化粧品は立て直しを、ファッション・アクセサリー、フード＆ビバレッジは活性化する必要があります。　ファッション・アクセサリーは「マノロ ブラニク（Manolo Blahnik）」が主力となっていますが、2年以内に4〜5ブランドを擁する事業に育てることを目標に、アップカミングブランドの導入を交渉中です。　フード＆ビバレッジでは、「クスミティー（KUSMI TEA）」がアフタヌーンティー需要の高まりを背景に順調です。今後はオンラインでのギフト需要の獲得と、単独カフェのオープンを目指しています。また、ブルーベルグループとして海外で展開しているショコラティエなど、コネクションを活かした日本導入も検討しています。“ネクストニッチ”を提示　香り探しを変える新業態⎯⎯ 最後に、フレグランス市場において、これからのブルーベルが目指す未来について教えてください。　ニッチがメインストリームになりすぎた今の市場が次に何を求めているか、その答えをブルーベルが出さなければいけないと思っています。メガブランド化したニッチの、さらにその次に来る「ネクストニッチ」をきちんと見つけ、お客さまにユニークな形で届ける。これをただただやり続けることです。日本のフレグランス市場はまだまだ伸びしろしかなく、一過性のトレンドではないと確信しています。⎯⎯ ユニークな形とは？　実店舗については、有楽町マルイに今年オープンしたコンセプトショップ「セントリウム」での学びを活かした新業態「セントリアル」を、来年上半期にオープンする予定です。セントリウムではブランドの垣根を越えて、香調別にさまざまな香りを体験できることが特徴です。セントリアルの詳細はまだお話しできませんが、フレグランスの新しい選び方を提案できると思っています。また、勢いのあるブランドについては、独立店舗としての出店も視野に入れています。　そしてオンラインも強化していきます。ブルーベルのECサイト「ラトリエ デ パルファム」を「セントリアル ドットコム」に切り替えていく準備を進めていて、来年上半期の導入を予定しています。ブランドと商品をただ並べる形ではなく、「自分はどんな香りを試せばいいのか」をガイドできるような体験設計を目指しています。⎯⎯ オンラインでのフレグランス購入は難しいと感じる消費者も多いと思います。どのようにアプローチしていきますか？　おっしゃるとおりで、目に見えない香りをオンラインで買うのはまだハードルが高い。だからこそ、私たちが目指しているのは購入サイトではなく、「ディスカバリーサイト」です。　ブルーベルは約20年分の購買データを保有しています。年代別、性別、そして「この香りを買った人が次に何を買ったか」といったクロスブランドのデータをAIと組み合わせながら、他にはないレコメンデーション機能を作り上げていきます。⎯⎯ ビジネスの具体的な数値の目標を教えてください。　私自身の個人目標として、2028年までに全3事業部で2桁成長を達成し、会社全体で2桁億円規模の利益を出すことを目指します。■ブルーベル・ジャパン 公式オンラインストア：ラトリエ デ パルファム（聞き手：福崎明子、上玉利茉佑）

Bluebell Japan

香水市場はどこへ向かう？　新体制のブルーベル成田浩明CCOが語る現在と未来

25歳のモデルデビュー、30代で香水作りを開始—— モデルとしてのキャリアを経て、フレグランスブランドを立ち上げられました。もともと香りが好きだったのでしょうか？　香りが好きだったかと聞かれると、必ずしもそうではありませんでした（笑）。ブランドを立ち上げる前は、5年に一度、フレグランスを買うかどうかという程度でした。興味を持ち始めたのは、自分の個展を準備したことがきっかけです。そこから一気に香りの世界に引き込まれていきました。—— 個展というのは？　アメリカで約3年間モデルとして活動していたのですが、現地で過ごす時間を無駄にしたくなくて、モデルの仕事がない時は、友人たちと映像を制作していたんです。——そもそも、モデルの仕事を始めたのはいつですか？　25歳の頃です。田舎で育ったので、周りにはファッションに興味がある人や、芸能界を目指している人はいませんでした。そんな中で、兵役中に出会った後輩がデザインを専攻していて、彼が持っていたファッション誌を見たことが大きなきっかけです。「こんな世界があるのか」と衝撃を受けたんです。兵役を終える頃で、これからの人生について悩んでいた時期でもあり、せっかくならファッションの世界に飛び込んでみようと、除隊後、モデルエージェンシーを訪ねて、そこからモデルとしての活動が始まりました。——兵役中の出会いがきっかけだったんですね。そこからアメリカに？　渡米したのは29歳ですね。モデルを始めるのも、アメリカに進出するのも遅いタイミングだったと思います。だからこそ、限られた時間を大切にしたいという気持ちが強くありました。現地で出会った友人には、アートの分野で活動している人も多く、彼らと作品作りのために映像を撮影していたんです。——どんな映像を撮影していたのですか？　例えば、夜中の3時に地下鉄に乗り、逆立ちをしながら2時間にわたって動画を撮ったり……。かなり冒険的なこともしました。今振り返ると、アメリカだったからこそできた経験だと思います。——その映像制作が、どのように香りへとつながったのでしょうか？　撮影した映像の展示会を開くにあたり、「匂い」をテーマにすることになり、その香りを自分で制作することにしたんです。そこから、香りについて深く掘り下げるようになりました。過去の記憶と結びつく香りの原点⎯⎯ その展示会では、どのような香りを作ったのですか？　幼い頃に人生で初めて嗅いだ、衝撃的な香りを記憶の中からたどってみました。そこで思い出したのが、夏に母と歩いていたときに嗅いだ、母の脇の匂いでした。4歳頃の記憶なので、その匂いが良いのか悪いのかも分からなかったと思います。ただ、そうした曖昧な記憶だからこそ、香りが過去の記憶と結びつくことの重要性に気づきました。⎯⎯ その香りをどのように再現したのでしょうか？　実は、形にすることはできなかったのです。韓国内のさまざまなメーカーや調香師に相談したのですが、「あまりにも変わっている」という理由で断られてしまったんです（笑）。　それで、自分で香りを作ろうと決心しました。当時は、ブランドを立ち上げることになるとは考えてもいなかった……。でも、自分が計画的な人間ではなかったからこそ、ここまで来られたのかもしれませんね。⎯⎯その後、その香りは完成したのですか？　いいえ、現在も、母の脇の匂いはまだ完成していません。でもいつかスペシャルエディションとして形にしたいと思っています。——もともと香りに詳しくない状態から、どのようにフレグランス作りを学んだのですか？　ブランドのディレクターとして、調香師に作りたい香りを伝える必要がありますよね。でも、最初は何も分からなかったので、まず有名なフレグランスを150〜200種類ほど集めました。当時はお金がなかったため、中古品もたくさん活用しましたね。　それぞれの香りが何を表現しているのかを調べながら、少しずつ学んでいって。そこで得た知識は、調香師とコミュニケーションを取る上でとても役立っています。——その中で、特に影響を受けた香りはありますか？　私が一番尊敬している先輩の家を訪ねたとき、「トム フォード（TOM FORD）」のフレグランスがあったんですが、試してみると、自分にとって最もセクシーに感じる香りだったんです。その香りはすでに廃盤になっていたのですが、韓国中の中古マーケットを調べ尽くして探すほど、特別な存在でした。　トム フォードは1番好きなブランドでしたが、ラグジュアリーなイメージが強かったので、ナフでは、そのセクシーをもう少し生々しく、ありのままの魅力を表現したい、そう思うようになったんです。セクシーとは、その人の生き方がにじみ出るもの——ナフのインスピレーション源は？　私自身、旅の経験や、そのときに感じたことをメモする習慣があり、それが香りの起点になることが多いんです。例えば、ナフのコレクションで「プア バット セクシー（POOR BUT SEXY）」というのがありますが、これは仕事でベルリンを訪れたときの経験から生まれました。街の人たちがとにかくかっこよくて。ベルリンという都市についてもっと知りたいと思い、調べていたら、2000年代初頭のベルリンのアーティストたちを象徴する言葉として、「プア バット セクシー」という表現が使われていたことを知りました。「貧しいけれどセクシー」という自虐的でありながらポジティブなニュアンスが面白くて、メモしておいたんです。　香りは、当時ベルリンで出会った人たちが着ていた、ヴィンテージのレザージャケットから着想を得て、レザーが主役のフレグランスに仕上げました。——「セクシー」という概念をとても大切にされている印象を受けます。ナフが考えるセクシーとは？　セクシーさは、人間であれば誰もが持っているものだと思います。一人ひとりが歩んできた人生や、その人のスタイルが、それぞれのセクシーさを形づくるのではないでしょうか。仕事をしているときや、誰かと話しているときに、ふとした瞬間ににじみ出るものだと思います。セクシーさが表れるポイントは人それぞれですが、ナフは、その人が持つ魅力を少し引き立てる存在でありたいと考えています。モデルの経験が育んだ、細部へのこだわり——香り作りで最もこだわっていること、譲れないポイントを教えてください。　香水について学ぶ中で、「これと似た香りを知っている」と感じたものは、まず候補から外します。もちろん、他の人が香ったときに別のブランドを連想する可能性はありますが、自分が知る限り、まだ嗅いだことのない香りをラインナップしたいと考えています。——香りを製品化するまでのプロセスを教えてください。　まず、自分がどのような香りを作りたいのかを、できるだけ具体的にします。メモやイメージ、時には映像など、調香師に「こういう香りを作りたい」と伝えられる資料を集めて送ります。　すると、調香師が5種類ほどのサンプルを作ってくれます。その中から良いと思った2種類を選び、加えたい要素や取り除きたい要素を伝えて、サンプルを作り直してもらいます。その作業を何度も繰り返すんです。スムーズに完成することもあれば、一つ前の段階に戻ってやり直すこともあります。一つの香りが完成するまでには、通常6ヶ月から1年ほどかかります。——モデルとしての経験が香り作りに活かされていることはありますか？　ファッションの仕事を通じて築いたネットワークのおかげで、さまざまな調香師を紹介していただきました。その中でも、現在の調香師の方とはコミュニケーションが取りやすく、直感的に相性が良いと感じています。　また、香りだけでなく、服の生地やヴィジュアル、映像、表現方法など、さまざまな分野で活躍する人たちと仕事をすることで、質の高いものに触れる機会が多くあると思います。そこで培った感性を、ナフのフレグランスを通して表現したいと考えています。——ボトルのデザインもとても洗練されていると思います。　ボトルは、専用の型を作って製造しています。例えば、キャップの内側の見えない部分や、スプレー部分上部のロゴ、キャップを閉めたときのマグネットの感触、ガラスの研磨など、気づかれにくい細部にまでこだわりました。そうした細部が全体のクオリティを高めることを、モデルの仕事を通じて学んだことですね。 ファッションとフレグランスの境界を越えるブランドへ—— ナフの「夢」を教えてください。　「ディプティック（DIPTYQUE）」「バイレード（BYREDO）」「ル ラボ（Le Labo）」といったブランドに肩を並べる、唯一無二の世界観を持ったグローバルブランドとして育てていきたいです。ニッチになりすぎず、手に取りやすい価格帯を意識しながら、かっこいいブランドを目指したいですね。　私が常に話しているのは、「ファッションフレグランス」を作りたいということです。香りそのものに集中しているブランドも多いですが、ナフでは、香りとファッションを融合させた魅力を表現したいですね。——ヴィジュアルもとても独特です。フレグランスが写っていないものもありますね。　香りをまとったときのイメージを、ヴィジュアルや映像で表現しようと思うと、商品をほとんど見せないということになりますね。自分の香りとの関わりが映像の展示会から始まったように、一見すると何の動画なのか分からない映像から、自然に香りへとつながっていく。そんな表現を目指しています。——日本での展開についても教えてください。　実は、韓国のショップを訪れる外国人のお客さまの半分以上が、日本人です。それほど多くの日本の方がナフを愛してくださっているからこそ、日本への展開を決めました。ファッションフレグランスとして、セレクトショップを中心に展開していく予定です。——今後発売予定の製品は？　現在展開しているオードパルファムに加えて、パフュームオイルやハンドクリーム、リップバーム、オードパルファムのミニサイズも発売する予定です。また、世界的に著名な調香師たちと新たな香りの開発も進めています。ぜひ楽しみにしていてください。photography: Katsutoshi Morimoto (FASHIONSNAP)

香り作りの原点で思い描いた香りはいまだ未完成　韓国発「ナフ」ディレクターの思考

ファッションは「わかってもらえなくていい」もの── 正直な意見で構いませんので、みなさんが最近のファッションメディアについて感じていることを教えてください。藤原ヒロシ（以下、藤原）：今回のBAD PHARMACYのツアータイトルの通り、ファッションそのものが「ほっといてよ（GIVE US SOME PRIVACY）」というものだと思います。「私たちはこれが好きだけど、他の人に理解されないのはもちろん分かっていますから、ほっといてください」というのがファッションのあり方。でも今って、もうそれではやっていけない。権威のある雑誌も、表紙には広告主であるラグジュアリーブランドが契約しているタレントを起用しなくてはいけなかったり。しかし、ファッションインダストリーの本質に立ち返ると、そうした流れにこれからもずっとイエスを言い続けていていいものなのかと、疑問に思います。上出遼平（以下、上出）：もう少し詳しく聞かせてください。藤原：純粋にファッションを表現することが目的なら、その世界観を追求した表紙にすべきだと感じてしまうけど、今はその時人気のあるタレントを起用した方が広告枠が売れるからタレントを起用するんでしょ。それってベストジーニスト賞と同じ構図。ファッションメディアが、表紙でやるべきことではないんじゃないかと感じてしまいます。上出：新しい提案ではなく、すでに広く認められた価値をなぞって拡散することを目的にしている。すでに存在するものの再生産でしかないという点では、今あらゆるものが同じ道を辿っている感じがします。藤原：多分、「ファッション」が始まったときはそうじゃなかったと思います。ビジネス的な視点を介さない、新しく純粋なものに魅力を感じてた人が多いはずだから。上出：ちなみに「ファッション」って何のことなんでしたっけ。藤原：流行。TaiTan：その意味で、シンプルな「アパレル」とは違うニュアンスがありますね。上出：ヒロシさんが言っていることは、逆に言うと、有名なタレントを起用することそのものも一種の“流行”でもある？藤原：それでいうと、大衆的なファッションではなくて、もっと“排他的ファッション”のようなものを望んでいる節はありますね。上出：ヒロシさんっぽいですね。常に、マスじゃないものを求めているというか。藤原：日本で盛り上がったファッションって、マスに入れない人の集まりであったり、拠り所であったりしたと思うんですよ。例えばイタリアなら、背が高くてスタイルが良い人が白Tシャツを一枚着るだけで当然かっこいい。でも、僕らがそれをやってもそんなにかっこよくなれないから、いびつなファッションというものが生まれたはずなんです。そういう土俵に、かっこいいスーパースターが一律に並んだって面白くない。上出：なるほど。僕らの居場所までが、資本に吸収されちゃっているんだ。── ファッションメディアが提案する、どういったコンテンツのことを面白いと思いますか？藤原：明らかなのは、「新しい情報」を求めてるわけではなく、「おもしろい情報」を求めているということ。FASHIONSNAPは媒体の特性上新しいものをたくさん出していくことも仕事かもしれませんが、情報メディアとファッションメディアでは、求められるものが少し違うかもしれないですよね。偶然、今日ここに来るまでに上出くんが出ていた「POPEYE」を読んできたけど、あれにも別に新しい情報が載っているわけではない。ただ面白い人を特集していることがコンテンツの面白さにつながっている。FASHIONSNAPでも、たまには編集部全員で90年代で1番面白かったと思うものを特集するとか、新しいものを完全にシャットアウトしてみると新鮮かもしれないですよ。上出：新しさを意図的に避けることと、新しいものを最速で出すっていうことを同時にできたら、バランスが取れそうですよね。藤原：出版社でもウェブメディアでも、いずれにせよ記者と編集者は別物ですからね。皆さんも、例えば「おしゃれな人」を取材するんじゃなくて、自分が思うものをどんどん発信したほうが本当は良いと思うんです。雑誌に名物編集長のような存在がいるように、いろんな場所で名物編集者が現れて「世の中ではこれが流行っているけど、私はこっちが好きなんだよ」っていうことを発信できたほうが面白いと思う。どこかの誰かを上に見る必要はなく、編集部の方々が自分自身の立場から発信をなさったらいいじゃないですか。PV数を内面化すると、媒体の判断が歪んでいく藤原：XやInstagramで誰でもコメントができる機能が、すごく良く作用することもあれば、そうではないこともあるじゃないですか。それが個人メディアの良さであり悪さだと思うんだけど、僕は嫌なコメントがつかないようにインスタのコメント欄を閉じていて、発信は完全に僕の一方通行です。僕が思っているものを発信するだけで、それについて、あなたの意見は何も聞きたくありません、というのが僕のスタンス。 上出：ヒロシさんのインスタってコメントできないんですか。藤原：できないですよ。でも子どもの頃から読んでいた雑誌だって本来そういうものだったじゃないですか。「ダサい」と思っても声に出して文句を言う相手もいないし、そういうものだと思って受け入れれば良い。FASHIONSNAPみたいな企業アカウントは、コメント機能を無くした方がいいと思いますよ。TaiTan：うん。すごく分かります。僕はウェブメディアの「アクセスランキング」がそもそも良くないんじゃないかって思うんですよ。もちろん、人は「これが読まれています」という情報自体に欲望するから、媒体の都合的には必要なんだろうと思うんですが、ランキングばかり追っていたら媒体側の判断が歪みますよね。きっとその繰り返しの中で、例えば最初は1割だった“デカ盛りパフェ”の話が1.5割になり、3割になり……。そういう中で、いつの間にかファッション誌が“アイドルのオウンドメディア化する”ということが起きていく。僕も自分のメディアをやっていますが、絶対にランキングは作らないようにしています。藤原：数字がいかに下品かと言う話ですね。TaiTan：はい。そして気づかないうちに数字が作り手に内面化されていくんだと思います。上出：内面化してしまうって怖いですね。それにネット上で数字を追うだけなら、究極「ポルノ」をやれば勝者になれてしまう。それで良いわけないことはわかっているのにね。 TaiTan：SNSでコメントをしてくるような熱心なフォロワーにも、伝えたいことが全く伝わっていないことも度々ある。上出さんはSNSのコメント欄を開放していますが、嫌な思いはしませんか？上出：以前から、そう上手くはいかないと痛感していて、もうあまり何も思わなくなった。たくさんの人が作ったものを面白いと言ってくれて、直接感想を言ってくれる人もいますが、その時俺が伝えたかったことの真逆の受け取られ方をしていたり。藤原：そういう人は、例えば「ハイパーハードボイルドグルメリポート」で上出くんが「リベリアに行った」という出来事しか見えていないのかも知れない。その奥にある本来伝えたいものは、目に見えないものは、正確に伝わらない。なんていうか、常にパブリックイメージとの戦いみたいなところがありますね。TaiTan：すごく分かります。僕は、自分がつくるポッドキャストのようなメディアは「自分の声が届く範囲の人たち」だけを対象にしたい。一方で、「ギガマート*」のような僕の存在感をできる限り消した企画に関しては、できるだけ多くの人に届くようにコミュニケーションするように設計してバランスを取っています。とにかく「声が届かない範囲」の相手に自分の“地声”が届くことが嫌ですね。*ギガマート展：TaiTanと玉置周啓（MONO NO AWARE）がパーソナリティを務めるTBSラジオ「脳盗」が、プロデュースする音を立てなければ全商品“盗める”体験型イベント。第1弾「盗-TOH-」では最大4時間待ちの行列を記録。イベントの体験動画は、SNSで累計5000万回以上再生されるなど、日本のみならず世界中で大きな話題を集め、今年は規模を拡大して麻布台ヒルズギャラリーを会場に1ヶ月間開催された。 上出：分かるな。いろいろな領域の人たちが自分の世界を「閉じていく」という方向性は、今後5年間くらいある気がするよね。TaiTan：はい。そうして「閉じる」ことで、逆に視野が狭くなっていくのを避けるために、どこかでまた「開く」回路を用意する必要がある。でもそれを同一の人間がやるのは難しいから、何かしらのシステムやフォーマットを介してオーディエンスのフィードバックを受け取ることになると思います。でも、とにかく一人の人間として矢面に立って大勢に向かって喋りたいことなんて別にない、という感覚を数字に惑わされて忘れたくないですね。ヒロシさんの感覚と似ていると思いますが、メディアと作る時はある程度の一方通行性があった方が長期的に見てうまくいく気がします。シンプルに、嫌なコメントとか、ちゃんと不快ですし。上出：慣れてしまったとはいえ、ノーダメージではないし、無視できない量のコメントが届くと、気付かないうちに蓄積されてしまう可能性もあるね。藤原：今の若者は打たれ強いですよね。嫌なコメントをいちいち気にしていたら生きていけない、というスタンスでしょ。僕だったら絶対無理だと思う。言いたいことは言いたいけれども、1つ何かを言ったことに対してネガティブなコメントが5つもついたら、シュンとしてしまうだろうな。TaiTan：そもそも、なんで慣れているんですかね。上出：ネット空間っていうものにどっぷりと浸かったことによって、他者との距離感が俺たちとは違い基本的に遠いのでしょうか。藤原：言っても言われても、結局届かないという感覚なのかな。TaiTan：ゲーム化してますよね。でもそれが蓄積して、うっかり人は死んでしまったりするわけで。平気だと思っていても、知らないうちに蓄積されたものによってうっかり、死へと誘われてしまう場合だってある。 ── SNSが登場した時は、その双方向性に多くの人が期待を寄せましたが、結果的に人間同士の距離感を狂わせる元凶にもなっている。上出：技術の進歩に伴って、「これからは雑誌じゃなくてウェブの時代だ」、「双方向性だ」と、もてはやされた時代が確かにありましたね。誰しも孤独が怖いから、誰かとのつながりを求めた結果、繋がりすぎたのかな。藤原：オンラインは一方通行で、繋がりを求めるならオフラインで良いと思います。それがmixiのような、「何かのファンの集い」のようなコミュニティで、オフラインのようなオンラインの使い方をする環境であれば良いけど。メディアは別に双方向である必要はないんじゃないかと思います。「発信者」側はもう、オーディエンスにへりくだってわざわざ声を拾わずに、どんどん自分が思うことを発信していけば良いと思います。── 今回のツアーの目的はオフラインでリスナーと繋がることなんでしょうか？藤原：そういうわけでもありません。ツアータイトルの通り、ただただ僕らの秘密の話をみんなも聞いてくださいというだけ。でも、そこに集まるのが100人であれば、その空間を一緒に共有できるから、会話が成立するかも知れませんね。TaiTan：音楽と違い、自然言語で繋がれる人数の限界は、せいぜい100人、多くて500人程度だと思います。スケールとノリは基本的には相反する。だから音声メディアのイベントづくりは繊細なバランスが必要だなといつも思います。ファッションの担い手を育む場所を作りたい上出：好きなことを発信して良いとなったら、橋本さん（FASHIONSNAP）が考える今1番ホットなファッショントピックってなんですか。── 先日、名門ファッションスクールであるベルギーのアントワープ王立芸術アカデミーの学費が急激に値上がりしていて学費が払えなくなるかも知れないと日本人留学生の方から連絡をもらいました。高等教育を受けることも富裕層の特権になっていくのか、と思うと、これからのファッション業界を動かす才能がどういった場所から生まれて来るのかは気になっています。上出：きっと、二極化しているんですよね。サラブレッドもいれば、野良から逆転する人もいる。藤原：比較的学費が安かったアントワープは、いわば“野良”が人生を逆転させるための学校に近い存在でした。でも、今は変わってしまったんでしょうね。おしゃれで面白そうな人が集まる場所には、できればお金の壁を気にせず飛び込みたいものですが、学校自体がひとつのブランドになってしまったんでしょうね。とはいえ、道はそこだけではないし、他にもチャンスはたくさんあると思いますよ。TaiTan：そもそも、基本的にファッションやファインアートはお金がかかりすぎますよね。音楽くらいじゃないですか、原資をかけずとも逆転が効くのって。上出：音楽は、専門的な素養がない人が聴いても、感覚的に良いと思える強さがありますよね。でも、ファッションやアートは文脈の理解がないと、新しいものに対して喜びを見出しにくい。そういう意味でも音楽は一発逆転しやすいのか。藤原：しかも音楽は世に出してしまえば、ほぼパブリックドメインのように無料で広げることができるけど、ファッションは買ってもらうところまで到達しないといけないから難しい。製造業でもあるし、パトロンがいないとなかなかスタートラインに立てないのが現実なのかも知れません。上出：そういえば、この前、ちょうどヒロシさんの家でそういう話をしましたよね。「次の世代のファッションの担い手を育める場所を作りたいね」って。藤原：カフェとかでもいいと思うんですけど。SNS以上の、生のコネクションというか、そういうものはきっと必要ですよね。そんな場所があったら良いと思いませんか。TaiTan：大人は有料で、ファッション学生は無料で参加できるようなコミュニティ。大学の次は、ビル・ゲイツ財団のように、フラグメント財団ですね。

Culture

藤原ヒロシ、上出遼平、TaiTanが“ファッションメディアのバッド”を考える

日髙良太郎1980年宮崎県生まれ。渋谷のレコード店「VIEWレコード」に勤務したのち、2007年に独立。音楽制作やアグリゲーションを手掛ける「onepeace」を設立し、NujabesやJustin Bieber、BTSをはじめとするトップアーティストの楽曲制作に携わる。2017年には「onepeace」からエンターテインメント事業を分社化し、「STARBASE」を始動。菅田将暉やディズニー、パラリンピック開会式などの音楽企画・制作に加え、クリエイティブディレクターとして、TOYOTAやNTTドコモなどの企業のブランディング等、様々なエンタメプロジェクトを手掛けてきた。現在は、The Weekndやパク・ソジュンらとのコンテンツIPや事業開発等、グローバルマーケットに向けて、エンターテインメント領域を横断したプロジェクトを多数展開している。STARBASEエンターテインメントを活用した企業ブランディングやライブイベント制作、音楽・映像コンテンツの制作・配信を手がけるエンタメ総合商社。「オープンイノベーション型共創」により、国内外の企業やパートナーと共に、「楽しい」を価値に変える新規事業やブランド戦略を創出している。エンタメ総合商社スターベースとは？──スターベースは事業が多岐にわたり、「結局、何屋さんなのだろう？」と思う人も多いと思います。まずは、スターベースとは何者なのか教えてください。　元々、インディーの音楽制作から始まりました。インディーはメジャーレーベルとは違い、ドラマの主題歌といったタイアップで曲を売るチャンスがなかなか巡ってきません。そのような環境下で「どうやって音楽を届けるか」を考え抜いた結果、ファッションやアートと組み合わせるアプローチを取るようになりました。インディーだからこそ生まれたこの工夫が、現在の弊社の基盤である「ミックスカルチャー」へと繋がっています。  ──そこから現在の「エンタメ総合商社」という立ち位置には、どのように行き着いたのでしょうか？　エンタメは、本質的には「人が楽しむ」ことだと考えています。そうすると自然と人が集まってきて、そこにタッチポイントが生まれる。僕らは音楽を作って音楽マーケットの中だけでマネタイズするのではなく、そのエンタメが持つ人が集まるという特性を、広告や商品開発、ファンダム作りといった別のジャンルで使えば、新しいビジネスになるんじゃないかと考えたんです。　既存の広告代理店や大手レコード会社にはない独自の立ち位置で、エンターテインメントを扱うプロフェッショナルとして、エンタメを活用したビジネスを創出する際の「ハブ」でありたい。私たちのそのヴィジョンと事業領域を体現する言葉として、「エンタメ総合商社」という概念に行き着きました。──既存の広告代理店とは、決定的に何が違うと考えていますか？　 広告代理店がやっていることを「広告マーケティング」、自分たちがやっていることを「エンタメマーケティング」と定義づけています。代理店はクライアントから予算を預かり、タダで配るものや無料で来てもらうイベントを作ってきましたよね。でも僕らは元々、自分たちで手金を出してライブを作ったり、音楽に課金してもらったりと、常にお客さんにお金を払っていただくマネタイズを前提にコンテンツを作ってきました。そこが根本的な違いだと考えています。エンターテインメントとは、対価を払ってでも手に入れたいと思われる価値がなければ、無償で提供したところで誰からも求められませんから。──作るコンテンツの定義が根底から違うんですね。　 そうですね。だから我々は、クライアントの担当者が喜ぶものを作るのではなく、クライアントが届けたい先の人たちが喜ぶものを狙って作ります。クライアントのメディア枠を売るためではなく、本当にファンが熱狂するものを作れるかが大きな違いだと思います。KPIについても、従来の広告的なKPIに沿ってコンテンツを作ろうとすると、どうしても中身が歪んでしまうことがあります。だから僕らは事前に決まりきったKPIを設定しないことが多い。写真家の小浪次郎さんにお願いした、リニア中央新幹線の開業に向けて始動したプロモーション「LINEAN PROJECT」のように、SNSの数字などを一つの指標として定めることはありますが、それも、鉄道ファンを巻き込んだファンコミュニティを作り上げるため、という本質的な目的に沿うことを大前提としています。──トップアーティストとのリレーションは、どのように築いているのですか？　無理にコネクションを作りにいくことはほとんどなく、自然な流れでオーガニックに繋がっていくことが多いですね。例えば、ザ・ウィークエンド（The Weeknd）がファイナルファンタジーでおなじみの世界的アーティスト天野喜孝さんのファンでもあったことから、ザ・ウィークエンドの物語性と、天野喜孝の幻想的な世界観が融合したら面白いんじゃないかと思い、かねてより親交のあった天野さんに相談しました。そして生まれたのが、9月11日に発売した日本独自企画盤「AFTER HOURS TIL DAWN COLLECTION」の4作品。すべての特別アートワークを天野さんに手掛けてもらいました。クリエイティブの源泉は「感受性」と「一次情報」──人々が本当に面白いと思う“ゼロイチ”を生み出すために、組織として大切にしていることはありますか？　現在、子会社も入れて60人ほどのスタッフがいますが、プロジェクトは基本的にセッションで作ります。クリエイティブディレクターから出ることもあれば、マーケティングの担当からアイデアが出ることもある。みんなでガヤガヤと話し合いながらパッケージにしていくスキームは、昔、洋楽制作でライターやプロデューサーが集まってセッションで作っていたスタイルがベースになっています。　また、インプットの質も重視していて、最近はクリエイティブチームに1週間ほどヨーロッパ（コペンハーゲンやアムステルダムなど）に行ってもらいました。それと言うのも、今韓国で流行っているものにも、必ず元ネタがあるんです。例えば、韓国で大流行して数百億円でバイアウトされたベーカリーショップも、実はロンドンの街中にあったお店のデコレーションが元ネタだったりします。表面的な流行をチェイスするのではなく、元ネタである一次情報に触れる方がクリエイティブのアイデアは格段に上がります。それに、日本はマーケットも人口も大きい。我々が東京から直接仕掛けるべきだと考えています。　あと、ものづくりにおいて僕がよく言うのは「感性より感受性を大事にしてほしい」ということです。自分が何を感じるかではなく、人が何を感じているかを感じ取れるか。誰かが喜ぶものを狙って作れなければ、ビジネスにはなりません。──地方創生や、日本のローカルな資産を活かしたプロジェクトも手掛けられていますね。　大前提として、我々は「エンタメを使って外貨を稼ぐ」というミッションを掲げています。国内でお金を回しているだけでは、国は豊かになりませんからね。日本各地には、グローバル基準で見ても非常にクオリティが高いのに、まだまだ過小評価されているものがたくさんあります。その代表例が、宮崎県の「百年の孤独」で知られる黒木本店の尾鈴山蒸留所と、韓国俳優 パク・ソジュンさんを掛け合わせたウイスキープロジェクトです。世界的スターである彼ですが、元々日本のウイスキーが好きで、尾鈴山蒸留所のクオリティに惚れ込んでくれました。この組み合わせなら絶対に世界で戦えるし、地方に産業や雇用も生み出せると確信して仕掛けた結果、シリアルナンバー入りの1万本限定クラフトブレンデッドウイスキー「26 Twenty-Six」は即時完売という大きな反響を呼びました。　ゆくゆくは、47都道府県すべてでこうしたビジネスを作れたらいいなと思っています。最近では、岐阜県の木曽檜の廃材を活用したサステナブルライフスタイルブランド「ミートツリー（meet tree）」のビジネスも始めています。補助金をもらうような形ではなく、エンタメの力で本当の地方創生ができればと考えています。──日髙さん自身温泉好きだと聞きましたが、そういった観光資源も武器になると。　そうですね。例えば大分県の別府温泉は、世界に存在する温泉の泉質11種類のうち、10種類が揃っている世界的にも特別な場所なんです。今、腸内環境と温泉の泉質のリンクに着目していて、個人に最適化されたパーソナライズ型の湯治宿を作ろうと考えています。結局、富裕層が行き着くのは健康ですから、そこに世界のVIPを呼んで、外貨を落としてもらう仕組みが作れるのではないかなと。　この間、ザ・ウィークエンドと話していて「結局、日本が最後のユートピアだよね」という話になりました。安全で、食事が美味しく、文化も深い。だからこそ、海外の真似をするのではなく、日本特有の文化やローカルな資産をエンタメの力で磨き上げること。それが結果的に、最強のグローバル戦略になると思っています。カルチャーと結びついたアイドル輩出を──IP事業として、新たに「アンニュイ・ボーイズ・プロジェクト（ENNUI BOYS PROJECT）」というボーイズグループのプロデュースも進められています。  　弊社には、過去に多くのボーイズグループやアーティストの音楽制作、プロデュースを手掛けてきた知見があります。現在、アイドル市場はレッドオーシャンと言われていますが、見渡してみても、我々が本当にやりたいミックスカルチャーを体現するようなグループが見当たらないんです。だったら、自分たちでゼロから作ってしまおうと。　かつてのSMAPやOne Directionのように、王道のポップスでありながらカルチャーと深く結びついた存在を目指しています。ファッションや広告のトップクリエイターともタッグを組み、ただK-POPを追従するのとは違う、僕らだからこそできる新しいボーイズグループのコングロマリットを作りたいですね。──最後に、中長期的なヴィジョンを教えてください。　今後は、東京をベースにしたグローバルエンターテイメントカンパニーとしてのポジションを確立し、まずは最初の目標として企業価値1000億円をクリアしていきたい。ただ、それはスターベースという箱単体の価値というより、ウイスキーやボーイズグループなど、僕らが創り出したIPやプロジェクトの価値の総和として目指していければいいなと。　そして何より推し進めたいことは「楽しいか、楽しくないか」という独自のKPIで社会を動かすことです。エンタメを使って何か面白いことをやりたいなら、まずはスターベースに相談しよう。そう言ってもらえるような、オープンな共創のハブであり続けたいですね。

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「エンタメで外貨を稼ぐ」エンタメ総合商社スターベース社長が説く感性より大事なもの

1980年代にDCブランドブームが到来した理由　まず、DCブランドブーム到来までの日本のファッションの流れについて簡単に整理する。1970年代の東京・原宿では、若手デザイナーによる新しいブランドが次々と誕生。菊池武夫と稲葉賀恵による「ビギ（BIGI）」や、松田光弘の「ニコル（NICOLE）」、大川ひとみの「ミルク（MILK）」などがその代表で、多くのブランドがマンションの一室で運営されていたために「マンションメーカー」と呼ばれていた。同じ頃、森英恵や高田賢三、三宅一生らがパリやニューヨークを舞台に活動を始め、1980年代初頭には山本耀司による「ヨウジヤマモト（Yohji Yamamoto）」と、川久保玲による「コム デ ギャルソン（COMME des GARÇONS）」がパリに進出し、「黒の衝撃」として世界的な脚光を浴びる。つまり、1980年代は日本の新世代ファッションデザイナーに大きな注目が集まっていた時代だったと言える。　また、日本経済の繁栄もDCブランドブーム到来に欠かせない要素だ。1950年代中盤から70年代前半にかけての高度経済成長期は終わりを迎えていたものの、その後もまだ日本経済は右肩上がりの成長を続けていた。1979年には日本型経営を称賛する「ジャパン・アズ・ナンバーワン」という書籍がアメリカでベストセラーとなり、1980年には日本の自動車生産台数が世界一を達成。国内では企業の給与水準が高まり、若者たちの可処分所得も増大していた。つまり、ファッションにかけられるお金が潤沢にあったのだ。　こういった背景から1983年頃に到来したのが、DCブランドブームだ。多くのブランドが大幅に売り上げを伸ばし、二匹目のドジョウを狙う新ブランドも数多く誕生。マルイなどのファッションビルで行われる半年に一度のセールには、若者たちが長蛇の列を作った。その後、1985年頃にバブル経済が到来。DCブランドブームは日本経済とともに絶頂を迎えるが、1980年代後半から徐々に勢いを失い始め、バブル経済が収束した1990年代初頭には新たなファッションのムーブメントとして「渋カジ」が台頭した。ファッションの目覚めはデザイナーズアーカイヴ　ではなぜ、2002年生まれの市村がDCブランドに惹かれたのか。その理由を彼のファッションの原体験から紐解いていこう。兵庫県芦屋市で生まれ育った市村がファッションに興味を持ち始めたのは、中学3年生の頃。当時はデザイナーズアーカイヴの人気が高く、なかでも「マルタン マルジェラ（Martin Margiela）」や「ヘルムート ラング（HELMUT LANG）」が支持されていたが、これらのブランドは既に価格が高騰しており、「値段が高くて買えなかった」そうだ。市村は、神戸・栄町にあった古着屋で、まだ比較的手頃な価格だった「クリスヴァンアッシュ（KRISVANASSCHE）」や「ヴィクター＆ロルフ（VIKTOR＆ROLF）」、「ヴェロニク　ブランキーノ（Veronique Branquinho）」といった、アーカイヴブランドブームのなかでも、それほど注目されていなかったブランドのアイテムを購入していた。　また、市村は「ゼム マガジン（Them Magazine）」や「ファッジ（FUDGE）」、「メンズノンノ（MEN'S NON-NO）」といったファッション誌を毎号熟読するなど、ファッション一色の高校時代を送った。高校卒業後、ファッションを専門的に学びたいと考えていた市村は、文化服装学院や英国のセントラル・セント・マーチンズへの進学を夢見ていた。だが、コロナ禍や実家の事情により、彼が進学したのが信州大学繊維学部だ。ファッションの勉強もある程度できるのではと考えていたものの、「実際に学んだのは、思いっきり理系の学問でした」と、苦笑する。長野で出合ったメンズビギのスタジャン　そんな長野での大学生活のなかで、特別な出合いがあった。DCブランドブーム時に絶大な人気を誇った「メンズビギ（MEN'S BIGI）」系列店でアルバイトを始めた彼は、過去のカタログに掲載されていた当時の復刻版スタジャン*に心を奪われたという。その出合いをきっかけに、市村は1980年代のDCブランドに没頭してアイテムを収集するとともに、当時のファッション誌も集め始めた。そして大学在学中の2022年9月に、知人の古着屋の一角を間借りする形で、DCブランドアイテムを専門的に扱う古着屋 スノッブをオープンした。*DCブランドブーム時に多くの有力ブランドがブランドロゴを背面にあしらったスタジャンを販売していた。　市村が最も苦心していると語るのが、商品の仕入れだ。80年代当時のDCブランドアイテムは、これまで付加価値が見出されていなかったために、二次流通市場にほとんど出回っていない。一般的な古着屋ではまず扱っておらず、リユースショップやフリーマーケットなどで見つけるのも至難の業だ。市村は、自身で着用するDCブランドアイテムは、メルカリやヤフオクなどを使って手に入れていたが、それだけでは古着屋を運営できるだけの量が集まらなかったので、買い付けのために日本全国を飛び回った。現在の主な仕入先は日本国内の倉庫に出入りする卸業者だが、それでもなかなか数が集まらないため、最近は個人からの買い取りも行っている。“コテコテ”なデザインがDCブランドの魅力　市村にとっての80年代DCブランドの魅力とは何か。彼が挙げたのが、「トゥーマッチ感」だ。その例として見せてくれたのが、デザイナー 佐藤孝信が1975年に設立したブランド「アーストンボラージュ（arrston volaju）」の1988年秋冬コレクションのアウターだ。「力技で押し切ったような“コテコテ”なデザインが新鮮で楽しい。景気が良かったために、素材や付属品のクオリティが贅沢な点も魅力ですね」と語る。　アームホールのデザインとパターンが独特で、市村が「スペシャルなアイテム」だと称賛するロング丈アウターは「テットオム（TÊTE HOMME）」のアイテムだ。市村は「ヨーロッパのブランドではありえない仕様」もDCブランドの魅力だと言う。熟練の職人による手仕事を尊ぶイタリアのデザイナーズブランドに対し、DCブランドは基本的にミシン縫製を主とする。しかし、本来は必要のない箇所にさえ手間のかかる折伏せ縫いを採用するなど、コストを度外視した仕様にこそ、心を掴む独自の美学があるという。　今回のポップアップでは、市村の私物を含むDCブランドブーム当時のファッション誌や、カタログなども展示・販売している。「ミスターハイファッション（MR.HIGH FASHION）」や「流行通信」といった知名度が高い雑誌も並ぶなかで、市村が特に好きだと挙げた雑誌が「エックスメン（X-MEN）」だ。同誌は毎号テーマを設定しており、市村が挙げた号のテーマは「ピンク」。ファッションページはインドで撮影を行っており、現地の一般人を全身ピンクのアイテムでスタイリングした写真が特に気に入っているという。　雑誌のほかに、当時出版された書籍も揃える。イチオシは、破竹の勢いで成長していたメンズビギの売り上げ推移をグラフで掲載しているなど、ビジネス的な視点でDCブランドブームを分析した「ワールドVSメンズビギ」。1989年に出版された「ファッション狂想曲」は、当時衰退局面にあったDCブランドを批判的に扱っている点が面白いと語る。菊池武夫と栗野宏文に憧れて　市村は今年の3月に大学を卒業し、現在の活動は古着屋一本。「東京に進出するつもりはないのか」という質問に対し、「今、とても迷っている」と打ち明けた。「上田市の人口は15万人。うちのようなニッチな提案は受け入れられにくい。多くの方から東京進出を勧められているんですが、実は僕は人混みがとても苦手でして（笑）。実家の芦屋にいるときも、人の多い大阪の梅田や心斎橋は苦手でした。ですので、今は東京で知り合った方に『東京で落ち着ける場所ってどこですか？』って聞いているんです」。また、今後は古着を扱うだけでなく、日本のテキスタイル業界を盛り上げるために、ものづくりにも挑戦したいと語る。　今後の展望について市村は「古着屋という枠を超えて、コンセプトショップのようにしていきたい」と語る。その理想像として彼が挙げたのが、敬愛する菊池武夫が「タケオキクチ（TAKEO KIKUCHI）」の旗艦店として作った「TKビルディング」だ。FASHIONSNAPが2025年に行ったインタビューで、菊池武夫は同店についてこう語っている。設計を安藤忠雄さんにお願いして、1986年に完成したのが西麻布の「TKビルディング」です。インテリアデザインは英国のナイジェル・コーツで、売り場にはオリジナルのほかに海外からの買付商品も並べて、靴下や肌着、喫煙具や時計といった小物まで揃う。バーバー、ミュージックカフェ、スヌーカーバーを作り、今で言うセレクトショップやライフスタイルショップの先駆けのような構成かと思います。バブルの時期だったのもあって、とんでもない規模のお金が動いていましたね。（菊池武夫）　市村は、菊池武夫に並ぶ憧れの人物として、ユナイテッドアローズ 上級顧問 栗野宏文を挙げた。「栗野さんは、デザイナーズブランドの服に『ニューバランス（New Balance）』のスニーカーを合わせるような、アイコニックなスタイルをお持ちですよね。僕も、DCブランドの服を軸とした自分らしいスタイルを打ち出すことで、DCブランドの良さを伝えていきたいと考えています」。

80年代DCブランドの魅力　2002年生まれ24歳に刺さった「トゥーマッチ感」

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アンダーカバー プロダクション苦悩の1年──初の映画『UNDERGIRL』制作秘話を語り合う

変わるファッション、その先に広がる表現——以前、「写真は死んだ」と発言されていました。今でもそう考えていますか？　はい。今でもそう思っています。ただ、「写真は死んだ」という言葉は、「写真」という言葉が今もかつてと同じ意味を持つのか、改めて考えてもらうための、ある種の“警鐘”として発したものであって、文字通りの意味ではありません。「写真は死んだ」と言えば、「死んでなんかいない」と反論する人が出てくる。でも、そう反論するには、まず「写真は本当に死んでいないのか？」と考えるでしょう。それが重要なのです。　20世紀に「写真」と呼んでいたものと、今私たちが作っているイメージは、もはや同じものではありません。今ではiPhoneやデジタルカメラで撮影した後に、光やフォーカス、背景まで変えることができる。3Dスキャンしたデータから彫刻を作ることもできるし、その場から世界中へ直接発信することもできます。かつて写真は雑誌や本、ギャラリーを介して人々に届けられていましたが、今は誰の許可も必要ありません。そう考えると、かつて明確に定義されていた「写真」というメディアはある意味死んだと思っています。大切なのはそのことを嘆くのではなく、私たちがすでに新しい時代を生きていると認識すること。それと同時に、イメージの作り方そのものも変わっていると理解することなのです。——では、ファッションは死んだと思いますか？　いいえ。なぜならファッションは常に変化するものだからです。変わらなければ、それはファッション（流行）ではないでしょう。——今のファッション業界をどのように見ていますか？　業界全体となると、正直なところ分かりません。すべてを俯瞰して追っているわけではないですから。ただ、ファッションの世界には今も素晴らしい才能がたくさんいます。例えば、ロンドン発の「シネイド・オドワイヤー（SINÉAD O'DWYER）」やファッションデザイナーでありアーティストの ミカエラ・スターク（Michaela Stark）、インフルエンサーデュオのフィーカル・マター（Fecal Matter）など。彼らは本当に美しく、面白いものを作っています。それに川久保玲や山本耀司のように長く活動しているデザイナーも、今なお素晴らしい仕事を続けています。　一方で、業界の人たちと話していると、昔と比べて業界全体が「保守的」になっているようには感じます。ものを売るためのマーケティングが強くなって、業界全体で新たなことに挑戦しようという気概が感じられないのが正直なところ。とはいえ、今はファッション業界が新しい時代に向けて再調整している最中なのだと思います。そもそもファッションとは、変化し続けるものです。今はまさに大きな変化の途中にいて、人々はさまざまなことを試しながら、21世紀のファッションがどうあるべきかを模索している。まだその先に何があるのかは分かりません。だからこそ、面白い時代だと感じています。——東京ファッションウィーク「Rakuten Fashion Week TOKYO 2027 S/S」が8月31日から9月5日までの期間開催されました。ファッションショーは今でも面白いものだと思いますか？　今も変わらず刺激的だと思います。ただ、今はランウェイショー以外にも、コレクションを発表する方法がありますよね。　1980年代や90年代、新しいコレクションを発表する場といえば、ほぼファッションショーに限られていました。しかし、インターネットの登場によってオンラインでの発信が可能になり、コロナ禍をきっかけにその動きはさらに加速した。今では、映像やSNSなどコレクションを発表する手段はいくつもあり、必ずしもファッションショーを行う必要はありません。——ランウェイショーそのものが時代遅れになった、ということでしょうか？　ランウェイショー形式での発表自体が悪いと言っているわけではありません。ただ、今はほかにも良い選択肢があるということです。　ショーを開催するには、いつだって多くのお金と労力がかかります。でも今は、若いデザイナーが全財産をつぎ込んでまでショーを開く必要はありません。友人に自分の服を着てもらって撮影し、それをInstagramに投稿すれば、世界中の人に見てもらえる。今、ファッションにはこれまでとは異なる経済のあり方や、仕事の仕方が生まれています。そしてそれは、20年前や50年前のやり方よりも、ずっと「今」という時代に合っている。長く業界にいる私たちが認識しなければならないのは、これまでのやり方にとらわれず、新しい方法を模索していく時代だということです。——2000年に立ち上げたSHOWstudioは、短尺動画がSNSの主流になる以前から映像やリアルタイムでの発信に取り組んできました。なぜ、これほど早く映像の可能性に着目したのでしょう？　答えはとてもシンプル。ファッションは、静止画よりも映像で見せる方が理にかなっていると考えたからです。　デザイナーが服を作るとき、その服は静止した状態ではなく、人が着て動くことを前提に作られています。川久保玲であれ山本耀司であれ、それは誰であっても同じです。服は動いている状態で見られることを想定して作られている。だから、ファッションフィルムという発想は私にとってごく自然なものでした。——ファッションショーライブ「La WATCHPARTY」など、現在さまざまなバックグラウンドを持つSNSアカウントがコレクションの感想や批評をリアルタイムで発信しています。この変化をどう捉えていますか？　良いことだと思います。今起きているのは「ファッションの民主化」であり、同時に「イメージの民主化」です。　私がまだ10代だった1970年代、家にはカメラが1台しかなく、それは父のものでした。使うには父の許可を取らなければならなかったし、当時はカメラを持っていない人の方が多かった。でも今は、誰もがカメラを持ち、ヴィジュアルや写真を通じて自分自身を表現できるようになりました。文章も同じです。かつて文字を書くことができたのは限られた人だけでしたが、今では誰もが書くことができる。ソーシャルメディアによって、写真でも同じことが起きています。より多くの人が自分を表現できるようになったことは、文化の発展においてとても良いことだと思っています。——ナイトさんもSNSで新しい情報を探されていますか？　もちろん。いつも見ています。特にInstagramは新しいものを発見するためのとても良いプラットフォームです。以前なら知ることのなかった画家や彫刻家を偶然発見することもあれば、アートや絵画、写真などで、今まで見たことのないことをやっている人たちにも出会える。もちろん面白いデザイナーやモデルもたくさんいます。　実は、私が一緒に仕事をしている人たちの多くもInstagramで見つけています。向こうから私に連絡してくる場合もあれば、私が作品を見つけてフォローし始めることもある。もちろんInstagramにいない人の中にも、面白い人はたくさんいるでしょう。ただ、そういう人たちは見つけるのは少し難しいですよね。——こうした変化の先に、ファッションはどこへ向かっていくと思いますか？　それはまだ分かりません。今は業界全体でさまざまなことを試しながら、21世紀にふさわしい新しい表現や仕事の仕方を模索している最中だと感じます。ただ、向かう先が分からないからこそとても興味深い時代だと思いますし、期待もしています。——最後に、ナイトさんご自身はこれから何を追いかけていきたいですか？　私が今興味を持っているのは、写真やファッションそのものではなく、それらを通じたコミュニケーションです。写真でも、ファッションでも、絵画でも、音楽でも、彫刻でも、ダンスでもいい。どんな表現手段を使うかではなく、それを通じて人とどう繋がるかを追っていきたいです。iPhoneで撮影し、AIで加工　制作過程を動画で解説　 　個展では、iPhoneで撮影し、AIを用いて鮮明化した作品全26点を展示。自身の庭で育てた薔薇を被写体とした代表作に加え、2023年に「ディオール（DIOR）」の代表的なフレグランスのキャンペーンヴィジュアルとして制作した5点を初めて販売している。自宅の庭に咲く薔薇を摘み、自然光の中でiPhoneを構えるというシンプルな手法から、ダイナミックな作品はいかにして生まれたのか。その制作プロセスを聞いた。

「写真は死んだがファッションは死んでいない」ニック・ナイトが見据える表現の未来

── 今回が初来日とのことですが、東京の印象はいかがですか？　ずっと身近に感じてはいましたが、おそらく世界で一番見た目が好きな街ですね。建築が素晴らしいです。私は人々の往来と調和しているような「インダストリアル」で「ブルータリズム」的な空間に惹かれるのですが、東京にはそういった場所がたくさんありますね。── 「バックルームズ」は、英語圏のネット掲示板「4chan」に投稿された画像を発端とするインターネット上の都市伝説「The Backrooms」をきっかけに制作されました。作中に登場するどこまでも広がる空間からは、パーソンズさんの建築への関心と同時に、誰かがいるはずなのに孤独を感じる「インターネット空間」を想起しました。　まさにその通りで、この映画のアイデアの発端にもなっているのですが、人々が感じている「文化的な不安」の多くは、極端なつながり（インターコネクテッドネス）からきていると思います。すべてがオープンエンドで、何事にも終わり（クロージャー）がない。ある意味で、情報過多に陥っている状態です。あまりにも色々な情報がありすぎて、この先どう進めばいいのか、明確な道筋が見えなくなっている。1人の人間が1000回人生をやり直しても把握しきれないほどの情報があふれている場所だと思います。── 日本では最近「ドーパミン中毒」という言葉が流行しています。ファッション業界などでもアテンション（関心）を惹きつける刺激的なコンテンツがマーケティングで多用されており、クリエイションの本質とずれるのではないかと賛否両論がありますが、こうした刺激的なコンテンツについてはどう思われますか？　ファッション業界のことはよくわかりませんが、ネット上でそうした考え方やコンテンツが蔓延しているのはよく知っていますし、ドーパミン中毒というのは、その延長線上にある現象ですよね。現代は、社会として「情報伝達の摩擦」を極限まで減らすツールを手に入れました。その結果、コミュニケーションのスピードが上がり、最小限の努力で素早く報酬（刺激）を得られるサイクルが極端に短くなり、超高速で繰り返されるようになりました。個人的には、そうした罠に陥ってしまった人にとっては刺激的なだけのコンテンツは化学的な意味で有害であると考えます。もちろん私は神経科学者ではありませんが、ドーパミン中毒が問題視されているのは日本に限った話ではないと思います。抗うことは非常に難しいですが、こうした手軽なドーパミンの罠を意識的に避ける努力は重要だと思います。── ケインさんご自身は、SNSとどのように向き合い、距離を置いていますか？　私自身も他の人と同じように「ドゥームスクローリング（ネガティブな情報を延々と読み漁ってしまうこと）」の罠に陥ることが度々あります。できる限り自分を律しようとはしていますが、克服するのは難しいし、良いアドバイスもできません。ただ私の場合は、幸いにも今仕事がとても忙しく、強制的にオフラインになって作業しなければならない時間が多いので、それがSNSから引き離してくれています。それでも、インターネットと共に育ってきた世代にとって、インターネットやSNSを完全に生活から排除するのは難しいことだと思います。 ── お忙しい中で、今一番興味を惹かれている現象やコンテンツは何ですか？　仕事としては、引き続き“IPとしての「バックルームズ（The Backrooms）」”の開発に取り組んでいます。同時に、今はまだ詳細を明かせないのですが、いくつか特別なプロジェクトも進行中です。広い意味で説明すると、私たちが文化的・社会的に構築してきたシステムと、「現代と古代の心理学」との関係を探求することに興味があります。現代のテクノロジーそのものというより、現代のネット中心の生活を送る人と、5000年前に生きていた人との間にある「不変の要素」は何か、人類の進化の歴史全体を貫くより大きなテーマは何なのかということに興味があるんです。少し大袈裟に聞こえるかもしれませんが、単なる空想の物語やファンタジーのシナリオを作るのではなく、私たちが今生きている現代の状況を形作る、より「根本的な要素」を見つけ出したいんです。ノンフィクションが好きなんですよ。── そうした人間の進化や心理、社会システムに興味を持ったきっかけは何だったのでしょうか？　 元々SF作品に惹かれる傾向があったのですが、大人になり社会に関わる時間が増えるにつれて、世界中の人々の生活の中にある極度のストレスや痛み、不安に気づくようになりました。私にとって重要なのは、根拠のない楽観主義でも、単なる批判で終わってしまう悲観主義に陥るのでもなく、結論や「正しい前進の仕方」を見つけ出すことです。もしこの世界のシステムが壊れているのなら、人間の心における「不変の要素」は何なのか、そしてどんなシステムが脳のどの部分を利用して、現在の経済や統治の形を文化として定着させているのかを理解することが不可欠です。そうした思考がどのように進化してきたかを理解しない限り、現在のカオス（混沌）やノイズを理解することは不可能です。だからこそ、私は歴史、特に「心の生物学的な歴史」に深い関心を持っています。世界を批判するからには、なぜそうなのかを理解し、最後に何か意味のあるものを提示したいと考えているからです。── 不安定な時代の中で、ファッション業界では「プラダ（PRADA）」のようにクリエイションに、過激さではなく「穏やかさ」を求める傾向もあります。「バックルームズ」が現代社会に対して提示するのはどういったスタンスですか？　「バックルームズ」というコンセプト、特に映画版には、その両方の側面が含まれています。極度に複雑で多様性に満ちた、私たちに苦痛を与える「ノイズ」のすべてを含みつつも、ノスタルジックで親しみやすい穏やかなヴィジュアルという「衣装」の裏に隠されているのです。戦争や経済不安などがあると、文化として巨大な「自己鎮静（心を落ち着かせること）」の期間が生まれます。それは特定の悪徳企業が企んだ陰謀などではなく、無意識の文化的な現象です。しかし、これも結局は企業が商品を売るためのマーケティング・サイクルの一部であり、経済を回すための手段だったりします。ある意味で、それは巨大なシステムが身にまとった「偽物の衣装」のようなものですね。「バックルームズ」は、こうした非常に控えめで、日常的で、穏やかとも言える見せ方をすることで、その背後にある構造や商業的な側面を指摘しているのです。photography: monami◾️バックルームズ  【STORY】ある日、自らが営む家具屋の地下から異次元へと迷い込んでしまったクラークは、不条理な世界で怪異に直面する。セラピストのメアリーもまた、彼の行方を追ってバックルームズへと足を踏み入れる。この空間はなぜ存在するのか。ここで一体何が起きているのか。 監督：ケイン・パーソンズ 出演：キウェテル・イジョフォー、レナーテ・レインスヴェ、マーク・デュプラス、フィン・ベネット他 9月4日（金） TOHOシネマズ 日比谷ほか全国公開公式サイト

【インタビュー】21歳の鬼才、映画「バックルームズ」ケイン・パーソンズが語るSNS社会

「機能性の高い製品から挑戦すべき」⎯⎯ゴアテックスのハードシェルは異素材を貼り合わせた多層構造で、単一素材の製品に比べて再資源化のハードルが高いです。なぜ、あえてそこから循環型のものづくりに踏み切ったのでしょうか。高木賢アークテリクス カントリーディレクター（以下、高木）： 本国のスチュアート・ハセルデンCEOには、「アークテリクスである以上、まず機能性の高いものから循環型にチャレンジするべき」という考えがあったようです。アークテリクスを代表するアパレルアイテムで、かつ機能性の高い製品となるとゴアテックスのシェルジャケット。だからこそ、まずここからやってみよう、となりました。 　われわれは継続品番を含め、春夏・秋冬の各シーズンで300〜400型ほどのアパレルを作っています。この中で、循環型の製品を可能な限り広げていきたいと考えていますが、今回発表した循環型の第1弾製品「スペーロ SV ジャケット（Sperro SV Jacket、以下スペーロ）」の価格は19万8000円。この価格設定をすべての循環型製品に採用するのは現実的ではないと思っています。もう少し、通常の製品ラインナップに近い価格帯で循環型製品を拡大していく手法を、今グローバルで考えているところです。⎯⎯サステナブルな製品であっても、価格が高すぎては消費者にとって現実的な選択肢になりにくいですね。高木：その通りです。 お客さまはまだ、「サステナブルだから買う」というよりも、機能性や価格を理由に製品を選ぶケースが多い。「サステナブルだから価格が1.3倍でも買ってください」というのでは、なかなか理解を得るのが難しいと思っています。　ただ、あくまでスペーロはチャレンジの第一歩。2027年春夏にこなれた価格の循環型製品を販売するのは難しいと思いますが、将来的には、通常の価格帯から大きく外れない製品をシステム・ゼロで考えていきます。「買い替えを促して成長するブランドではない」⎯⎯日本独自のサステナビリティへの取り組みとしては、2026年2月から、ゴアテックスのシェルジャケットを中心に保証期間を10年間に延長しました。修理コストを負担しても、保証期間の延長に踏み切った理由は何ですか。高木： ブランドとして、現状で修理にどのくらいのコストをかけているかをしっかり検討して判断しましたが、基本的な考え方として、修理を有償にしてしまうと「そんなに料金がかかるならもういいや」と諦めてしまうお客さまがいます。それであれば、正規店で買ってもらって、日頃からメンテナンスをしていただき、まだ使える状態の製品については10年間修理保証をする。安い製品ではないため、「これだけ長く保証してもらえるなら」と安心して買っていただけている部分はあると思います。　保証システムは、会員制度の「BIRD CLUB」の中に組み込んでいます。直営店ではすでに保証期間を記した紙の保証書を渡すことをやめていて、BIRD CLUBアプリの中で購入情報、修理情報を管理するようにしています。今後はこの仕組みを、少しずつホールセールの取引先にも広げようとしています。⎯⎯その仕組みはデジタル製品パスポート（DPP）に近いものなのでしょうか。高木： 少し違いますが、スペーロにはDPPを搭載しています。ジャケットの内側にQRコードが付いていて、それを読み込むとグローバルのDPPのサイトに遷移する仕組みです。欧州では今後、アパレルにもDPPの導入が進んでいきます。アークテリクスはもちろん欧州でも販売しているので、それを見越してスペーロにDPPの仕組みを取り入れました。⎯⎯長く使ってもらうために10年保証をすることと、ブランドが売り上げを伸ばして成長していくことは、相反するようにも思えます。高木： それについては、ホールセールの取引先からも何度も聞かれました。これは理想形ですが、例えばハードシェルジャケットを買ったお客さまがその製品や保証を気に入れば、次はフリースを買ってみよう、ハードシェルのパンツを買ってみよう、となっていく。一つの製品を短期間で何度も買い替えていただくのではなく、冬にスキーやスノーボードをする時もアークテリクス、トレッキングもアークテリクス、トレイルランニングもアークテリクス、なんなら街で使うバックパックもアークテリクスというように、一人のお客さまの中でブランドが横に広がっていけばいいなと考えています。買い替えを促して需要を生んでいく、という考え方ではないんです。⎯⎯実際に、「いいものを長く使う」という消費行動は広がっていますか。高木： インターネットで多くの情報を得られる中で、刹那的な消費よりも「いいものを長く」と考えるお客さまが増えている肌感があります。特にアウトドアアクティビティを好む方は、自分たちが自然に対してどんな影響を与えているかを、否応なく意識していると思うんです。氷河が溶けている、山小屋の水が枯渇して出ない⎯⎯。そういう話を聞けば、自分一人ができることは小さくても、少しでも環境への負荷を抑えたいという気持ちになるんじゃないでしょうか。日本でも買い取り・再販を開始予定⎯⎯アパレル製品の環境負荷低減を考える上で素材選びは大きな要素ですが、使った後の出口の設計も重要ですね。高木： そうです。スペーロを長年使っていただき、製品としてのライフサイクルが完全に終わっていれば、それは回収し、ケミカルリサイクルにまわします。でも、まだ製品として使える状態であれば、買い取りして再販する選択肢もある。北米では買い取り・再販を既に行っています。　日本でも、近い将来に買い取り・再販をスタートしたいと考えています。全品番が対象になるかは未定ですが、少なくとも機能としてまだ使える状態の製品は買い取り、お客さまに何らかのバウチャーをお渡しする。買い取った製品は、洗濯や撥水加工などのケアをして、再販します。⎯⎯日本ではまだ買い取り・再販を始められていない理由は何でしょうか。高木： 一般的な古着店で売られているアウトドアウェアは、基本的にはファッションアイテムとして販売されています。撥水性、防水性などの機能までは保証されていません。しかし、アークテリクスが自社製品を再販する以上は、機能性を担保した状態で売りたい。そのための仕組みを今考えています。　買い取る際に、機能性のあるなしをどう評価するのか、買い取った製品をどのような物流で集めるのかといったことを含め、裏側の仕組みが必要です。北米では、Troveというリセールのプラットフォーム企業と組んでこれを実現しています。⎯⎯日本の店頭の状況も伺います。引き続き、中国人訪日客の減少がさまざまな分野で指摘されていますが、アークテリクスにも影響は出ていますか。高木： 2026年1〜6月は前年同期の売り上げ実績をしっかり上回っていましたが、7月以降はやや軟調になっています。中国人のお客さまは昨秋以降減っていて、その影響がじわじわ出てきた感触です。⎯⎯「オン（On）」や「ザ・ノース・フェイス（THE NORTH FACE）」など、並びのスポーツやアウトドアのブランドの状況を見ても、ここに来てやや成長スピードの鈍化が指摘されています。高木： 2023年以降の3年間は、われわれだけでなく、アウトドアマーケット全体が少し異常とも言えるくらい成長した時期だったと思います。中国市場でアウトドアブランドのニーズが急拡大していることが寄与しましたが、世の中全体として服装のトレンドが変わったことも大きい。コロナ禍前に比べると、日常生活やオフィスシーンでアウトドアウェアを着用する人が明らかに増えました。過去3年間は確かに急成長でしたが、アウトドアウエアを日常的に着る人が増えていることで、われわれのマーケットは今後も確実に広がっていくと思います。

ARC'TERYX

10年保証、リセール、循環型　アークテリクス高木賢ディレクターが語る“長く使う”ビジネス

“アパレル非専門家”の新社長に求められること──これまではファッション業界外を中心にキャリアを歩まれてきたかと思いますが、社長に就任された現在の率直な心境をお聞かせください。　厳密に言えば、完全に外という訳ではありません。三井物産での最後の4年間は人事関係でしたが、その前は流通事業本部の本部長をやっていまして、その本部の中にファッション部隊がありました。三陽商会とは「ポール・スチュアート（Paul Stuart）」のライセンサーという立場で取引もしていたんです。　もちろん私はアパレルの専門家ではないので、今回の社長職が新たな領域の仕事というのは間違いありません。ただ、私はこれまでも結構変わったキャリアを歩んできまして、例えば流通事業本部長から人事総務部長への転身など、4年おきくらいで仕事内容がガラッと変わってきました。そういう意味で「また新しい仕事にチャレンジだな」と冷静に受け止めている自分がいます。──大江前社長からのバトンタッチ。社長交代の経緯を聞かせてください。　交代の経緯について私は打診された側なのでお話できることは限られてしまいますが、後任選びは取締役会の諮問委員会である指名・報酬委員会で、しばらく議論されていたんだと思います。同委員会で複数名候補者が挙げられていて、重要課題であるサクセッションプランについて話し合いを重ねた末、私に白羽の矢が立ったと聞きました。──社長交代に伴い、大江前社長は会長に就任。2026年2月期通期の決算説明会では平林社長と大江会長の「ツートップ体制」になると話していました。お二人の役割分担は？　役割を明確に切り分けるのではなく、互いの知見を持ち寄り、対話を通して意思決定を進める体制をとっています。正しい判断を下すには過去の経緯や現場の文脈を深く理解することが不可欠なので、疑問があった場合に実績のある大江会長にアドバイスを仰ぐやり方です。「ツートップ体制」とは、そうした関係性のことだと考えています。──このタイミングでの社長就任にどのような意図を感じますか？　大江会長は会社の業績が落ち込んでいた2020年に三陽商会に入社し、徹底した構造改革で2023年2月期に7期ぶりの営業黒字化を達成しました。これは本当にすごいことで、会長が構造改革を成し遂げた背景には、長くアパレル業界で仕事してきた経験があると思います。一方で後任の私は、先ほどお話ししたようにアパレルの専門家ではありません。ただ、その分消費者に近い他の領域の仕事をしてきたという強みもあります。　中期経営計画では、既存領域の強化だけでなく、新たな領域への挑戦も掲げています。その点では、間口を広くアパレル以外のことも見てきた私だからこそできることもあると思いますし、それこそが求められていることなのかなと。──大江会長とは三井物産のOB同士ですが、共に仕事をするのは初と聞いています。どのような印象を抱きましたか？　構造改革をやり抜いたことからも分かる通り、意思の強さには傑出したものがあると思います。またそれだけではなく、人に対する洞察力が鋭く、細かいことに気づいたり、気配りしたりもできる。人間として奥行きがある方だなと感じました。──ご自身の中で「経営トップを目指す」というキャリアプランはお持ちでしたか？　実はそんなことはなく、私はこれまでのキャリアで一度も仕事を選んだり、希望したりしたことがほとんどありません。「自分で選択しても、提示されたお話を受けても、結局やるべきことや結果は大きく変わらない」と考えているからです。唯一、三井物産の駆け出し時代に研修制度でスペイン語圏への派遣を希望したことがありました。当時、学生時代から続けていたハンドボールで身体を徹底的に鍛え上げていたのですが、その面接で「君、いい体してるな。そういうやつにはソ連（現ロシア）に行ってほしいんだよ」と言われて（笑）。「会社に入った以上、言われた場所ならどこへでも行きます」と即答し、翌日にはソ連行きが決まりました。今回の社長就任も同様です。目標としていたわけではありませんが、お話をいただいた以上は与えられた役割を全力で全うするだけだと考えています。──新体制へ移行し、平林社長が経営において「受け継いでいくこと」「変えていくこと」をそれぞれ教えてください。　この会社が大事にしてきた価値観、例えば「真・善・美」*といった、良いものを作るという根っこの部分は変えるべきではないと思います。ただ、時代は移り変わっていくので、その価値観すらも進化させていく必要があるかもしれない。過去にうまくいったことも、いかなかったことも全て改めてレビューして、時代背景に合わせて適切に判断していくことが大事です。商品価値と価格のバランスや、ブランドの個性の問題など、このビジネスにはゴールがありませんから。*実用性と美しさを兼ね備えた服作りを追求する経営理念およびものづくりの姿勢であり、三陽商会の社是百貨店販路が苦戦、ブランド複合店を強化──夏商戦の商況を聞かせてください。　6月は台風が来たり例年より雨量が多かったりで、商売環境としては惨憺たるものでしたが、7月に入って気温が上がってからは少しずつ回復してきました。当社では夏の長期化に伴い、五季カレンダー*を導入しています。まだまだ夏物の実売期は続くので、しっかり売り上げを確保していきます。*三陽商会では2024年から、春・夏・秋・冬のほか、夏と秋の間（8〜9月）に「猛暑」という季節を追加した“五季”という独自カレンダーを採用している。──販路別に見ると、2026年2月期ではEC・通販が全四半期で前年超えを達成している一方で、百貨店販路は前年割れが続いています。　全国的に、地方百貨店の閉鎖が相次いでいるのが要因の一つです。また、百貨店がラグジュアリー売場を増やす一方でアパレル売場を縮小する傾向もあり、そのあおりを受けて当社も店舗数を減らしています。　ただ、我々にとって百貨店は非常に重要な販路ですし、やれることはまだたくさんあります。例えばブランド複合型ショップ「サンヨー・スタイルストア（SANYO Style STORE）」の出店拡大。お客さまからすると1つの店舗で幅広い選択肢の中から買い物できるというメリットがありますし、館側の視点では坪効率が高まります。当社にとっても販売員1人あたりの売り上げ改善が期待できます。今は全国で15店舗を展開していますが、今後もっともっと増やしていきたいですね。　また、好調な外商販路にアプローチするための商品提案でも改善余地は大きいです。特に「三陽山長」や「サンヨーコート（SANYOCOAT）」といった「三陽」の名前を冠したブランドは“ジャパニーズラグジュアリー”としてアプローチできる商材だと見ているので、これらについては今後展開を強化していきます。──百貨店販路の強化と、ショッピングセンター向けの新業態をはじめとする新しい販路の開拓、今後はどちらに比重を置いていきますか？　どちらか一方ではなく、両方です。とはいえ、どんな会社にも得手不得手というものがありますから現実的にできること、できないことを見極めながら事業を進めていきます。次なる一手はECのモール化？ M＆Aも視野に──次に成長が見込める販路はどこだとお考えでしょうか？　「もったいない」という意味ではECです。現状、三陽商会のオンラインストアでは当社の商品しか取り扱っていないので、お客さまからすると魅力が薄いかもしれません。もっとにぎわいがあってもいいですよね。──外部ブランドを誘致してモール化を進めていく、ということでしょうか？　そういったことは起こりうると思います。ただ、やはり当社商品との親和性は必要ですし、お互いにメリットがあるというのは前提になってくるでしょうね。現状の顧客さまのボリュームゾーンを考えると、若年層の方にご来店いただけるブランドが加わってくれると面白いかもしれません。──2026年秋冬シーズンに新ブランド「オーレム（AUREME）」が加わり、三陽商会のブランド数は22になりました。　ブランド数が多いというのは、リスクが集中しないということなので経営にとっては非常に大事なポイントです。ただ、それぞれのサイズ感には満足しておらず、まだまだ大きくできる余地があると思っています。各ブランドがそれぞれの個性を持ってポジションを確立することが重要ですが、どうしても保守的になり、少しずつ角が取れて無難な方向に行ってしまうことはブランドを手掛ける上で常に起こりうることです。常に個性を磨きながらブランドスケールも大きくしていくという、大変難しいことをやっていかなければいけません。──今後のブランド戦略において、既存ブランドの成長と新規ブランドの開拓、どちらに優先順位を置かれますか。　まずは既存の強化ですが、新しいチャレンジをしないわけではありません。ファッションビル・商業施設を主販路とするオーレムのように、現状のポートフォリオでリーチできていないマーケットを開拓する試みは続けていきます。──アパレル以外の領域での新ブランド開発もあり得ますか？　可能性はあります。その場合は一からブランドを自力で立ち上げる、もしくはM＆Aするといった2通りの選択肢がありますが、前者は相当な時間と労力がかかるので後者の方が望ましいかもしれません。具体的に希望の領域というのは現時点ではありませんが、「用の美」という美の定義に基づいて物事を編集してきた当社の能力とシナジーがあるブランドが良いですね。ブランドでなくとも、例えばM＆Aを通して三陽商会の美意識で空間を編集するサービスを打ち出すなど、いろいろとできることはあると思います。「アパレルにも将来性はある」──アクティビスト勢だけで20%超の株式*を保有されておりプレッシャーもあるかと思いますが、今後どのようにコミュニケーションをとっていきますか？　当社側で特に意識していることはありません。上場会社なので株主は選べませんし、全ての株主の方としっかりコミュニケーションを取っていくということです。株主には、リターンについてさまざまな考え方の方がいらっしゃいますが、我々のスタンスは中期経営計画にも書いている通り、「長期的に安定したリターンを持続的に生み出していく」ということ。今後もみなさまにご理解いただきながら、この方針に則って経営を行っていきます。もちろん、アクティビストを含め株主の方からは大変建設的なご意見を頂戴することも多いので、それらについてはしっかりと精査し、役立てさせていただいています。*アセット・バリュー・インベスターズ・リミテッドが4月30日に三陽商会株式の13.07％を、サファイアテラ・キャピタルが6月29日に同株式の8.12％を保有したと報告。──現在のファッションマーケットをどのように見ていますか？　やはり良いとは言えないですね。中東情勢に代表される地政学リスクの顕在化、約40年ぶりとなる163円という円安（7月21日深夜から22日にかけて記録）、それによる物価高など、非常に不確実性が高い。報酬水準が同じように上がるわけではないので、購買行動はコンサバティブになっていくでしょう。安くても本当に必要でないものは買わない、ということが実際に起こっていると思います。──アパレルへの購買意欲が湧きにくい状況かもしれませんね。　（バブル崩壊後からの）「失われた30年」では食品マーケットは僅かに拡大したのに対し、アパレルマーケットは半減しました。これは販売枚数が減ったわけではなく、単価が下がったことに起因しています。報酬が上がらない中で、消費者は衣料品で節約してきたという側面もあるのでしょう。アパレルには大きく分けて「無難なもの」と、自己表現のための「個性的なもの」という2つのニーズがありますが、「無難なもの」は量産でコストカットする余地が比較的あった分、全体的に安価な方へと流れ、市場で大きな割合を占めていったのです。我々が主戦場としているのは「個性的なもの」なので逆風ですが、長く着ていただける良いものを提供するという方向で頑張っています。消費者はそれぞれ比率が違うだけで「無難なもの」と「個性的なもの」の両方を必要とするので、こうした状況下でもチャンスは十分にあると思いますね。──アパレル市場の将来性についてはどのように捉えていますか。　まだ可能性はあると思ってます。今、三陽商会は国内を中心にビジネスを展開していますが、市場はグローバルに存在しており、成長の余地はあります。若い日本人デザイナーたちの活躍を見ても、世界で認知を得るだけの地力がついてきているのは明らかでしょう。　国内にも可能性は大いにありますね。ラグジュアリーブランドは結構日本で素材の調達をしていますが、日本人からすると意外なものだったりします。案外、日本人は日本の良さを見つけるのが得意ではないのかもしれません。シティポップのように海外で人気が高まってから逆輸入的に日本人がその魅力に気づく、といったことがファッションの分野でもありうると思っています。──5年後、もしくは10年後を中長期的に見据え、三陽商会をどのような会社に成長させていきたいですか？　現時点でヴィジョンを示すのは難しいですが、会社は社員が形作っていくもの。働いている社員がいかに本気になって会社を良くしていくかにかかっています。そういう意味では、社員全員がやりがいのある仕事に取り組める会社にしていくことが、まず大事なことじゃないかなと思いますね。──社長としてコミュニケーションをとってみて、三陽商会はどのような会社だと感じていますか？　一言で言えば、明朗で穏やかな会社です。商品にも表れているかもしれませんが、朗らかな社員がとても多いと思います。ただ、もちろん競争に勝っていかないとその朗らかさは維持できません。徹底したものづくりをはじめ、顧客にとっての我々の価値を上げていく努力を継続していくこと。秘策があるわけではなく、地道に続けることが大事だと思っています。──より一層責任と重圧のある立場になられたと思いますが、趣味やリフレッシュ方法を教えてください。　　ずっと変わらずハンドボールです。大学生の頃は関東学生リーグというところでプレーしており、今は当時の仲間とチームを作ってマスターズリーグ（生涯スポーツとしてプレーし続ける40歳以上のシニア世代を対象とした競技および大会のカテゴリー）に所属し、年に3回ほど活動しています。本気で勝利を目指すというよりはゆるくプレーしている感じなのですが、気分転換になってすごく楽しいです。

SANYOCOAT

Paul Stuart

AUREME

三陽商会 平林義規新社長に聞く　“アパレル非専門家”が手掛ける継承と変革

「ランニングの社会からの見られ方を変えていく」⎯⎯8月下旬に、WeWork アイスバーグで「New Balance Run Office」を実施しました。「仕事」とランニングを掛け合わせた理由を改めて教えてください。鈴木健ニューバランスジャパン マーケティング本部ディレクター（以下、鈴木）：ランニングについて考える時、メーカー側はどうしても走ることを起点にしがちです。それで、ソリューションとしてランニングステーションを作ったり、シャワーや着替えの場所を用意したりする。しかし、本当に生活者の文脈で考えるのであれば、その人の生活全体の中でランニングがどう位置付けられているのかを見ていく必要があると思っています。　ランニングは、他のスポーツに比べて自由度が高い。その一方で、いつ走るのか、どう時間を作るのかを自分自身でマネジメントしなければいけません。社会人の場合、生活の中で大きな割合を占めるのが仕事。コロナ禍以降、リモートワークなどの働き方の自由も一定広がりました。その分、自分の時間をどう使うのかも重要になりました。　そこで、「働く」という時間の中に、ランニングや自身を整える時間をどう組み込めるのかを考えてみたかった。それがRun Officeの出発点です。Run Officeのような提案が生活者にとっての新しいウェルビーイングの形になるのであれば、都市圏が前提にはなりますが、東京以外でも同様の取り組みを横展開できるかもしれないとも考えました。⎯⎯Run Officeは、ランナーの生活を知るための実験場という位置付けでした。鈴木：そうですね。例えば、「こういう環境なら仕事の合間でも走りやすい」「こういうサービスがあれば運動を取り入れやすい」といったことを、参加した方たち自身に考えてもらいたかったんです。それを通して、われわれメーカー側もランナーに対する理解が深まります。代々木のランハブで精力的に実施しているコミュニティイベントも、われわれにとってはある意味では調査なんです。なぜ人はランニングを楽しいと思うのか。ランニングという共通点で集まった人たちは、そこで何を話し、何に価値を感じているのか。そういうことには常に興味のアンテナを張っています。⎯⎯現在はシューズの試し履きやグループランなどのイベントを多くのブランドが実施しており、ランニングイベントそのものは飽和しているようにも感じます。仕事という切り口を設けることは、他社のイベントとの差別化にもつながりますね。鈴木：メーカーとして他社との差別化は当然考えますが、ランニングイベントが一般的になること自体は世の中にとって非常に良いことです。その上で、われわれの役割はランニングが社会からどう見られるかを変えていくこと。例えば、仕事中に走っている人を見ると、「仕事をサボって遊んでいる」と思う人もいるかもしれません。でも、走ることで自分自身を整え、それが仕事にもフィードバックされ、生産性が上がるのであれば、それも働き方の一つとして認められていい。　そういう思いから、Run Officeではあえてワークスペースの中にトレッドミルを置いて、働いている人からよく見えるようにしました。普段走っていない人にも、そうした働き方を知ってもらい、驚きはありながらも文脈として受け入れてもらう。スポーツメーカーとして、スポーツを単なる個人の楽しみにとどめるのではなく、社会にとってプラスになるものにしていきたいという思いがあります。現代人が好むのは、「短時間✖️高強度の運動」⎯⎯近頃はHYROXのような競技も人気です。生活者のスポーツとの関わり方に変化を感じますか。鈴木：興味深いと思っています。以前であれば、運動のハードルは低い方が初心者も含めて参加しやすいという考え方が一般的だったと思います。でもHYROXのように、短時間でかなり強い負荷をかけるスポーツが支持されるようになっている。　忙しい現代人にとっては、短い時間で強度の高い運動をした方が達成感を感じられるのかもしれない。それを一人ではなくグループで行うことにも楽しさがあるのだと思います。スポーツ業界では、アスリートやシリアスに競技に取り組んでいる人を三角形の頂点に置いて、その下に初心者がいるという捉え方をしがち。でも、初心者の方が、その競技のカルチャーに深く浸かっていない分、新しい楽しみ方のアイデアを持っている可能性もあるんですよね。ランニングのことをあまり知らないからこそ、「こういう楽しみ方もあるんじゃないか」と考えられる。そこを固定観念で見ないことが、ランニング全体を活性化する上でも重要だと思っています。⎯⎯2025年3月にオープンしたランハブでも、そうした新しい楽しみ方が生まれていますか。鈴木：ランハブで一番面白いと感じているのは、ニューバランス側が仕掛けるイベントではなく、コミュニティ側が主催しているイベントです。例えば、年に一度ニューバランスを象徴するカラーであるグレーにフォーカスする「Grey Days」の期間には、みんなでグレーのTシャツを着てランニングをした後、ランハブの店舗中央の什器をすべて動かし、空間をレストランのようにしてディナー会をしました。参加者の中に飲食関係者がいて、そのつながりから実現した企画です。ほかにも、クリエイターが写真展を開いたり、海外のレースで撮影した写真を共有したりしています。　ランニング領域だけを見ていては、こうしたアイデアは出てきません。コミュニティにいる人たちがもともと持っている文化や背景をランニングと組み合わせることで、ランニングそのものが豊かになる。それがランハブで実際に起きていることだと思います。⎯⎯ランハブの今後の強化ポイントを教えてください。鈴木：店舗ですから、当然ながら売り上げを作ることも大切です。その意味では、ランハブがビジネスとしてすでに大きな成功を収めているかというと、まだそこまでではありません。ただ、コミュニティとのつながり、そこから生まれるクリエイティビティはランハブの大きな魅力。コミュニティからエネルギーをもらい、ニューバランスが彼らのやりたいことを実現できる環境を整えていけば、ビジネスは後からついてくると思っています。　ランハブに新しい人が入ってくる入り口となるイベントは、もっと増やしていきたいですね。既に集まっているコミュニティだけではなく、これまでランニングとつながりのなかった人にも、「こういう場所がある」「こんな楽しみ方がある」と知ってもらえる入り口を作る必要があります。「生活の中にランニングを定着させる」⎯⎯2025年12月には、原宿のフラッグシップストアもリニューアルしました。リニューアル以降の進捗は。鈴木：かなり思い切ってリニューアルしましたが、中国からの訪日客がマーケット全体で減っている中でも、売り上げは悪くありません。特に1階の「ステージ」と呼ぶ売り場は、時期に合わせて野球、サッカー、バスケットボールなど打ち出しを大きく変えていて、かなりポジティブな反応が出ています。新しいお客さまとの接点です。⎯⎯ランニングはいま、国内外でブーム化しています。ブームが過ぎ去ってしまうリスクはないのでしょうか。鈴木：ランニングは、これまでにも何度かブームと言われたタイミングがありました。例えば2005年前後には、女性誌がランニングをファッションや美容の文脈でも盛んに取り上げた時期がありました。ただ、その後は盛り上がりは落ち着き、本当に走ることが好きな人だけが残った。特にコロナ禍直後には、各地のマラソン大会が集客に苦労するケースも見られました。そうした中で、ここ数年でランニングコミュニティが改めて活発になっていることは、メーカーとしてとてもうれしいことです。　これを単なるブームで終わらせないためには、「ランコミュニティが格好いいから」「流行っているから」だけではなく、自分の生活を有意義にしたり、ウェルビーイングを高めたりする手段としてランニングを定着させることが重要。そのためにも、Run Officeのように生活の中にランニングを置く取り組みが有効だと考えています。⎯⎯ランニングが盛り上がっている要因として、“ソーシャルスポーツ”（スポーツを通したコミュニティ形成）の側面にも光が当たっています。鈴木：少し極端な言い方かもしれませんが、「みんな孤独なんじゃないか」と思うことがあります。スポーツを通じて友達を作ること自体は昔からありましたが、以前はサッカーや野球のようなチームスポーツが中心でした。ランニングは個人スポーツなのに、人とつながることができる。しかも、チームスポーツのような強い連携はいらない。ものすごく仲が良いわけではなくても、「走る」という共通項だけで緩くつながることができます。そこが今の時代に合っているのではないでしょうか。　HYROXもそうですし、ピックルボールもそうですが、都市生活の中で取り組みやすく、それを介して人と緩くつながれるスポーツは、これからもいろいろな形で出てくると思います。特に夏の暑さの問題を考えると、時間や環境に左右されにくいスポーツや、室内で楽しめるスポーツへの需要も高まると思います。

New Balance

Sports

ランニングをブームで終わらせないために　ニューバランスが仕掛ける「走る」の拡張

強迫観念では人は動かない──古島さんの活動コンセプトである、「十人十色のカラフル防災」という言葉に込めた考えを教えてください。古島真子（以下、古島）：防災の活動を始めて、すぐにぶち当たったのが「みんな、あまり防災に興味がない」ということでした。大きな災害が起きた直後には防災意識が高まりますが、徐々に薄れていく。なぜ普段から意識してもらえないんだろうと考えると、防災って地味で、難しくて、堅苦しい。さらに「これをやらないと命が危ない」というような強迫観念で迫ってくるところがある。それが人を遠ざけているんじゃないかと思ったんです。　例えばファッションのように、防災も普段から「やりたい」「楽しい」と思ってもらうにはどうしたらいいんだろう。そう考えて思い至ったのが、防災を強迫観念としてではなく、楽しく、明るく伝えることです。私はそれを「ハッピーに防災を伝える」と表現しています。　防災についての活動を続けている中で、「防災リュックは何がおすすめですか」「おすすめの避難セットを教えてください」とよく聞かれます。真剣に考えた末に行き着いたのが、「分からない」ということ。なぜなら、人によって求めることや必要なものは千差万別で、誰にでも当てはまる“最強セット”のようなものは実際にはないんですよね。一人ひとりにぴったり合った防災があるはず。それを私は「十人十色のカラフル防災」として伝えています。──古島さん自身も、最初から防災意識が高かったわけではないんですよね。古島：その通りです。東日本大震災の後は私も準備しましたが、保存食としてエナジーバーを買っても、気付いたら賞味期限が切れている。そんなことを繰り返していました。私は大学時代から東日本大震災の被災地である岩手の陸前高田に通っていて、ボランティアなどの活動の中で震災を経験した方たちとも親しくなりました。ある時、「この人たちがこんなに震災について伝えてくれているのに、自分は何も実行できていない。このまま災害が起こってケガをしたり、最悪亡くなったりしたら、顔向けできない」と心から思ったんです。　でも、そうは言っても私は根っからの三日坊主。自分がやらざるを得ない環境を作らなきゃと思って、その解決策として防災士の資格を取ることにしました。資格を取ったのが2020年。その後は企業向けに防災コンサルを行うスタートアップ企業などでも経験を積み、2024年に防災を専門に起業しました。 「どんな食べ物ならテンションが上がりますか？」──「十人十色のカラフル防災」といっても、自分には何が必要かを考えるのはなかなか難しそうです。どうやって見つければいいのでしょうか。古島：私が行っている「カラフル防災ワークショップ」では、最初にその人自身のことを聞きます。家族構成、住んでいる場所、家は戸建てか集合住宅か、車を持っているかといった基本的なことに加えて、「どんな食べ物を食べたらテンションが上がりますか」「自分の弱点は何ですか」などと質問します。　弱点というのは、例えば私は目が悪いのでコンタクトレンズが必要ですし、お腹が痛くなりやすい人もいれば、日頃から薬を飲んでいる人もいる。アウトドアが好きか嫌いか、潔癖症か、といったことも聞きます。10個ほど質問をして、まず「あなたはどんな人ですか」ということを一緒に棚卸しするんです。──「どんな食べ物ならテンションが上がりますか」という聞き方が面白いですね。古島：そこが「カラフル防災」のキモなんです。私は「防災は何のためにやるんですか」と聞かれたら、「人生を丸ごとハッピーにするため」と答えています。もちろん日常生活は犠牲にしたくないし、楽しんでいたい。さらに、人生の中で起こるかもしれない「もしも」の災害の時だって、できるだけハッピー度を下げたくない。そういう時こそおいしいご飯を食べたいし、「薬がない」「生理用品がない」といった辛い思いもしたくない。だったら、自分がハッピーでい続けるためには何を準備すればいいんだろう、と考える。その一つとして「テンションが上がるご飯」を聞いています。──非常食も「これを買わなければいけない」というものではない？古島：非常食については、今は本当に多くの選択肢があります。生姜焼きだってありますし、おしゃれな缶詰にパウチ食品と、おいしいものがたくさんある。長期間保存ができるパンと聞くとカンパンをイメージするかもしれませんが、今はふわふわで5年間も保存できるパンもあります。ヴィーガン食品もさまざまなものが揃います。　それから「ポリ袋クッキング」という方法もあります。耐熱性のあるポリ袋にお米と水を入れて、袋を縛って鍋で湯煎すれば、ご飯を炊くことができる。これを知っていれば、自宅避難の場合は必ずしも特別な非常食を大量に用意する必要はなく、ある程度日持ちがする普段の食材を使うことが可能です。非常食をたくさん買えば、お金もかかるし場所も取ります。「ちょっとした工夫で普段の食材が使えるんだ」と知ってもらう方がコスパもいい。それはすごく伝えたいです。防災グッズは「持ってもいいと思える重さ」でいい──皆さんのカラフル防災の参考になるように、古島さん自身が普段持ち歩いている防災グッズも教えてもらえますか。古島：本当に最小限です。コンタクトレンズ、携帯トイレ、おりものシート、絆創膏などを小さなポーチにまとめて、バッグを替える時もそのポーチだけは入れ替えています。避難時に持っていく防災リュックには旅行用の洗顔用品や生理用品なども入れていますが、毎日持ち歩くポーチにあまりたくさん入れると、日常が辛くなっちゃう。持ち歩くのが嫌になって置いていった日に災害が起きたら意味がないので、私の最小限は今、このくらいです。──ネックレスとして、小さな笛も身につけていますね。古島：これが一番持ち歩いているものです。例えば家が倒壊して生き埋めになった時、「助けて」と声を出し続けても意外と声は届かないし、体力も使うので、HPを削られちゃうんですね。笛なら少しの息で遠くまで音を届けられるので、気付いてもらえる可能性が高くなります。　この笛は福井県鯖江市の眼鏡屋さんが作っているもので、カラーバリエーションもあってかわいい。それだけではなく、人間や救助犬の耳に聞こえやすい周波数まで計算されています。好きすぎて、委託販売もさせてもらっています。──モバイルバッテリーは「最低○mAh」といった基準はありますか。古島：容量は大きい方がもちろんいいし、スマートフォンを1回分くらい充電できるといいと思います。でもスマートフォンによって電池容量も違いますし、これも一概には言えません。それよりもどれくらいの重さかも大事です。「このバッテリーは重くて持てない」という友達も結構いるので、自分が「これなら持ってもいい」と思える重さでいいと思います。とにかく自分が持てる範囲で。あとは、普段から家やオフィスにいる時に充電しておくようにするのもいいですね。──FASHIONSNAPの読者に身近なところでは、普段の服装やシューズも防災を意識して選んだ方がいいのでしょうか。古島：私は普段の服装は気にしすぎないようにしています。防災のために毎日がハッピーではなくなってしまったら、本末転倒ですから。ただ、避難時に持ち出す防災リュックには羽織りや露出が少なくて動きやすい着替えを入れています。シューズは歩きやすいものがいいですが、今は歩きやすさとおしゃれを両立できるデザインのシューズも多いですし、歩きやすさのためにデザインの選択肢が狭まってしまうことも少なくなっている。ピンヒールを履く時は、ペタンコ靴も持ち歩くようにしています。アパレル店舗は、まず「空間」を見直す──個人として防災にどう向き合うかを聞いてきましたが、企業としてはどんな準備が必要でしょうか。特に、販売員が多数働くアパレル企業や店舗では、どのような考え方で防災に取り組めばいいですか。古島：お客さまがいる店舗の防災は、オフィスで求められる防災とは異なります。アパレルショップの場合、洋服や什器など、たくさんの物が置かれていますよね。普段の利便性から商品をたくさん積んだり、おしゃれなライトを置いていたりすると思いますが、地震で揺れた時にケガにつながるものはないでしょうか。VMDとのバランスもありますが、まずは空間を見直すことを一番に考えてほしいです。　その上で、店頭のスタッフさんには災害が起こったら自分の身を第一優先にしてほしい。「お客さまを守らなければ」と考えると思いますが、まずは自分です。その上で、どれだけお客さまを適切に誘導できるか。そこでうまく誘導できずに混乱してしまうと、「あの店舗の誘導は良くなかった」という印象が残り、後々のレピュテーションにも影響します。どこに避難するのか、災害時にどう対応するのかを、アルバイトやパートを含めた全スタッフにしっかり伝えておくことが基本です。──大雨などの災害時に、店を避難者に開放するか否かといった判断も企業によって分かれます。古島：もちろんさまざまな事情はありますが、いざという時にどうしようもない状況にいる人たちに手を差し伸べてくれる店だったかどうかは、後々まで印象に残ることも多いです。それは「どういう企業でありたいか」という部分にも大いにつながると思います。　しかし、いざ災害が起こってから、その場で避難者を受け入れるかどうか最適な判断をするのは難しいですし、店頭スタッフにはそれを決める権限がないかもしれません。だからこそ、あらかじめ会社や店として話し合って、「うちはこういう方針です」と決めておく。そうすれば、災害が起こった際に店頭スタッフも「ここにいていただいて大丈夫です」とお客さまに案内しやすくなります。経営層も含めて、災害時にどういう会社でありたいのかを、日頃から考えておくことが重要です。──古島さんが立ち上げたColorfulBosaiCreationでは、企業向けの防災支援にも力を入れていますね。古島：今、特に力を入れているのが企業の防災マニュアル作りの支援です。BCP（Business Continuity Plan。緊急事態が発生した際に被害を最小限に抑え、災害後も事業を止めない・早期復旧を目指すための事業継続計画）を作っている大企業は多いですが、東日本大震災の直後に作った、細かい文字がずらりと並んだ分厚いBCPがあっても、誰も読んでいない、社員に伝わっていないという会社は実際に多いんです。それでは、いざという時にちゃんと動けません。　ColorfulBosaiCreationでは、内容はもちろん、ヴィジュアル表現も含めてちゃんと社員に伝わる防災マニュアルを作り、研修まで行っています。個人向けに行う防災ワークショップももちろん大切ですが、それだけでは防災に興味を持ってくれたり、実行に移してくれたりする人の数はどうしても限られる。会社という「箱」で防災に取り組めば、その中にいる何十人、何百人、何千人という人たちの防災レベルを一度に上げることができます。それで、企業向けの取り組みをいま強化しています。個人事業主だったころから、個人向けの防災ワークショップや学校や自治体向けの防災セミナーには取り組んでいましたが、対企業で防災事業を広げていくために、2024年に法人化しました。「防災で稼ぐ」ことで、防災を広げる──今後、どのように防災の活動を広げていきますか。古島：私の中では二軸あります。一つは、防災の実業家としてビジネスでちゃんともうかるようにすること。「仕事として防災に携わりたいけど、お金にならないから違う業界に行きます」と話す学生に、これまで何人も会ってきました。これは社会にとって非常に大きな損失だと思います。そういう思いを持った優秀な人たちをちゃんと雇って、「十人十色のカラフル防災」というコンセプトで企業や地域、一人ひとりの防災レベルを上げていきたいです。　「防災事業で稼ぐな」という声ももちろんあります。防災事業は無料であるべき、というイメージがある。でも、サステナビリティや環境の分野もそうですが、社会的にいいことをしている人がお金がなくて疲弊して、辞めてしまうのは非常にもったいないことだし、誰にとっても良くないと思うんです。だから、ちゃんと稼ぐ。私がその背中を示すことで人材が入ってきて、防災という分野そのものが発展していけばいいなと思っています。「稼ぐぞ」という気持ちも込めて、ColorfulBosaiCreationはNPOではなく株式会社にしました。古島さんのインスタグラム（@makopi_to_bosai）から──もう一つの軸についても教えてください。古島：防災インフルエンサーになりたいです。 まだSNSのフォロワー数などはそれほど多くないんですけど、もっと発信力を高めたい。SNSならお金を払わなくても誰でも情報を見ることができるので、「楽しんで見ていたら、すごく学びがあった」「防災って意外と楽しい。やった方がいい」という空気を社会の中に作っていきやすいと思うんです。　防災の専門家というと学者や行政の方などが中心で、私のようなキャラクターは結構珍しい。だからこそ、私はあえてそっちの方向には行かず、このままでいるのがいいなと思っています。専門家からたくさん学んで、それをより多くの人たちに届きやすい形で発信する。今、防災の情報が届いていない人たちと、専門家をつなぐ架け橋みたいな役割になれたらいいなと思っています。

Lifestyle

「防災は人生を丸ごとハッピーにするため」　防災士・古島真子が説く“十人十色”の備え

　今シーズンのテーマはブドワール。フランス語で、女性が他者の目を気にすることなく、自分のために身支度を整える私的な空間を意味する。同氏はムードボードを受け取った際の印象について、「官能的でありながら落ち着きがあり、自信に満ちた、とてもパーソナルで映画的な世界観を感じた。ブドワールとは、女性が自分自身や感性とつながることができる親密な空間であり、それが今回の創作の出発点になった」と振り返る。　この世界観を表現するために目指したのは、誰かに見せるためではなく、自分自身の内側にある静かな強さを感じさせるメイク。今回のルックの核はスモーキーアイだ。「完璧な輪郭よりも感情や雰囲気を大切にしている。神秘や官能、静かな自信を感じさせる『記憶のようなメイク』を目指し、色を置くのではなく溶かし込むような感覚で仕上げた」。　アイペンシルをラッシュラインにのせ、ブラシでぼかしながら少しずつ色を重ねていく。「始めからたくさん付けずに、少量を何層にも重ねてコントロールしていく。ショーでは足すことはできても引くことは難しい…。チームには『small amaunt, many layer（少量ずつ、層を重ねて）』と伝えている」と話す。コレクションカラーのブルーのマスカラをさりげなくイン。「主張するのではなく、繊細なニュアンスとして取り入れた。目頭のアイティントも、モデルがランウェイで美しく光を拾うためのテクニック。これは、多くのショーで取り入れている」と明かした。　肌そのものを美しく見せるベースメイクでも、アルマーニ ビューティが大切にする考え方は一貫している。「本物の自然な肌がアルマーニの哲学。当日は暑く、マットとルミナス、それぞれのプライマーを部位によって使い分け、ファンデーションの内側から光がにじむような仕上がりを目指した」。　さらに、「リバース・スカルプティング」というテクニックも紹介。「顔の外側には自然な色、前に出したい部分には少し明るいファンデーションを使うことで、厚塗りせず磁器のような肌を表現した。異なるテクスチャーのファンデーションを組み合わせることで、持続力と輝きを両立させている」と解説する。着想源は1960年代からの膨大なアーカイブやカルチャーから　上田のクリエイションを支えているのは、長年蓄積してきた膨大なアーカイブだ。オフィスには「ヴォーグ（Vogue）」や「（ハーパーズ バザー）Harper’s Bazaar」をはじめ、1960年代から現代までの雑誌や写真集が並び、音楽や映画、建築、美術など幅広いカルチャーから着想を得ているという。　インスピレーションは、「源は無限。音楽や映画、アート、文化など、あらゆるものから着想を得ている。休日には必ず美術館やギャラリーを訪れ、絵画から色や質感、構図、光、感情を学び、そのアイデアをメイクのデザインへ落とし込んでいる」と語った。  今回のジョルジオ・アルマーニ プリヴェ オートクチュール 2026-27年秋冬コレクションは、画家ジェームズ・ディクソン・イネス（James Dickson Innes）の色彩表現に加え、写真家サラ・マン（Sally Mann）、デボラ・ターバヴィル（Deborah Turbeville）、パオロ・ロヴェルシ（Paolo Roversi）らの作品を参考にしたという。「イネスの作品には、色が生み出す深みや空気感があり。サラ・マンやロヴェルシ、ターバヴィルの作品に共通する親密さや神秘性、時を超えた感覚も、ブドワールというテーマに重なった」と上田。 ジェームズ・ディクソン・イネス：1887年イギリス生まれ。画家。主に山岳風景を描いたが、人物画も描いた。フランスの「ポスト印象派」やドイツの「表現主義」のスタイルに近い作品を描き、後のイギリスの画家に影響を与えた。サリー・マン：1951年アメリカ生まれ。フォトグラファー。19世紀の古典的な写真技法を用い、家族、南部アメリカの風景、生と死などの重厚なテーマをモノクロ写真で表現。大型カメラを使用し自身の子どもたちの成長を美しくも、どこか不穏にはらんだ世界観で捉えた写真集「Immediate Family（親密な家族）」で世界的な論争と注目を集めた。デボラ・ターバヴィル：1932年アメリカ生まれ。ファッションフォトグラファー。ハーパーズ バザー誌のファッション・エディターとしてキャリアをスタートし、1970年代に写真家に転身した。パオロ・ロヴェルシ：1947年イタリア生まれ。ファッションフォトグラファー。20歳のときに写真家としてデビューし、1980年よりポラロイドフィルムを使用するようになり、実験的なライティングを駆使した幻想的でポエティックな作風を確立する。　クリエイションの過程では、感覚だけに頼ることはしない。コレクションの色彩を整理し、客観的に捉え直す工程も欠かせないという。制作プロセスについては、「コレクションのキーカラーをパントーン・カラーチャートで1枚の紙に整理する。そうすることで全体を客観的に見ることができ、メイクに取り入れる色もイメージしやすくなる」。整理した色彩に自身のアーカイブから共鳴するイメージを重ね、1つのムードボードへと仕上げていくそのプロセスは、感性と論理を行き来する作業でもある。　アルマーニ ビューティが表現する美しさは、「エレガントで、ミニマルで、タイムレス。それがアルマーニのルック。アルマーニ ビューティは重たいメイクではなく、シアーでモダン、そしてさまざまな表現に対応できることが本質」とブランドの魅力を語り、締め括った。

ARMANI

ARMANI beauty

「アルマーニ ビューティ」グローバル メイクアップアーティスト　秋冬コレクションの裏側とインスピレーションを語る

新パウダーは肌に"溶け込む"粒子⎯⎯ まずは7月に発売したルース パウダー「ディオール フォーエヴァー オン セット パウダー」から、アイテムの魅力やこだわりを教えてください。　パウダーは柔らかな肌触りの球状粒子と透明感をもたらす板状粒子が組み合わさっているのが特徴です。肌にのせると溶け込むように密着し、シルクのようなベルベットの感触とともに美しいブラー効果をもたらします。ウォータープルーフ処方と皮脂吸着効果で、ファンデーションのロングラスティング効果をさらに高める役割も担っています。　日本では4種のシェードを展開します。「00」が最も白いトランスルーセント、「01」がフェア、「02」がライト。そしてアジア限定のルミナスシェード、クリスタルピンクの「05」が加わります。この05には、グリーン、ブルー、ピンクといった色とりどりのパール剤を配合していて、くすみを払いながら肌を華やかに輝かせる唯一のグロウ フィニッシュです。全シェードにヒアルロン酸を配合しているので、重ねるたびに肌への栄養補給にもなります。⎯⎯  5月に発売したメイクキープミスト「バックステージ エアーフラッシュミスト」との併用もおすすめとのことですが。　メイクアップの合間や仕上げに使えるのが、このミストです。微細なミストで使い心地もよく、昼間にメイクがくたびれてきた時にも、ひと吹きでメイクを復活させてくれます。撮影やショーの現場だけでなく、日常のポーチにも入れていただきたいアイテムです。「ファンデの仕上がりを格上げする」　プライマーの新展開⎯⎯  パウダーと同日にメイクアップ ベース「ディオール フォーエヴァー スキン ヴェール／ベルベット ヴェール」も発売されました。　グロウ質感のスキン ヴェールは真珠のような輝きのパール剤が配合された、セラムに近い質感です。SPF50・PA+++で、UVケアとメイクアップをシームレスにつなぐ存在として位置づけています。下地として塗布したスキンケアとの橋渡しをしながら、その上にのせるファンデーションの仕上がりも引き上げる。そういった「格上げ効果」を狙いました。　一方、マット仕上げのベルベット ヴェールはSPF15・PA++ですが、ノントランスファー性能（マスクや衣類に色移りしにくい性能）があり、毛穴の目立ちを抑える効果もあります。共通して言えるのは、どちらのメイクアップ ベースも1日を通してシェードを安定させ、乾燥肌などムラになりやすい肌質でも美しい仕上がりを持続させるということです。⎯⎯ 仕上がりの質感によってSPFの値が異なるのには、どんな理由があるのでしょうか。　質感によってフォーミュラの設計が異なるためです。SPFを高めようとすると、フォーミュラの構成上、仕上がりの色合いにも影響が出てしまいます。また、マット質感ではノントランスファー性能を実現できる一方、グロウ質感の「スキン ヴェール」は、その質感の特性上、同じ設計にはできませんでした。　そのため、SPFの値を極端に高めるのではなく、マットとグロウ、それぞれの質感の魅力を活かしながら、仕上がりとのバランスを取ることを重視して設計しています。「フォーミュラに恋してほしかった」　ルージュ ディオール オン ステージの新作⎯⎯  来る9月4日、「ルージュ ディオール オン ステージ」にマット フィニッシュが登場します。昨年発売した同シリーズの「シャイン」に続き、待望の第2弾ですが、今回はより鮮やかなカラーラインナップです。　2025年にローンチしたグロウ仕上げの「シャイン」では、ヌードやウォームベージュ、ローズウッドといった使いやすい色を選びました。この時にあえて派手な色をはずしたのは、インパクトのある色を出してしまうと、人はその色に目が行ってしまい、フォーミュラの革新性に気づいてもらえないから。まずはとろけるように柔らかいこのフォーミュラに恋してほしかったからこそ、誰もが手に取りやすいシェードからスタートしたのです。　その戦略は奏功し、シャインは大きな成功を収めました。第2弾となる今回は、リップスティック「ルージュ ディオール オン ステージ」のマット フィニッシュと、リキッドルージュ「ルージュ ディオール オン ステージ インク」の2種のフォーミュラを発売します。よりカラフルなシェードを展開したのは、フォーミュラの良さが広く知られた今だからこそ、色でも存在感を示せると判断したからなんです。スティックタイプ、リキッドタイプそれぞれのフォーミュラ⎯⎯ 新作リップ2種は、フォーミュラによって設計が異なるとのこと。まずはスティックタイプのルージュ ディオール オン ステージのマット フィニッシュから、その特徴を教えてください。　「二相式（ダブルフェーズ）」という概念はシャインと同じです。フォーミュラは非常になめらかで、ドライな感覚がまったくありません。日本では6色を展開します。特に「358 ピンク ショウ マット」が日本チームから高い支持を受けています。⎯⎯ リキッドタイプのルージュ ディオール オン ステージ インクはどうでしょう。　特筆すべきは花びらをかたどったアプリケーターを専用に開発したこと。中央にわずかなくぼみがあり、そこに1回分のリキッドが溜まる構造です。　仕上がりのイメージは、水の中に落としたインクが自然に広がっていく様子に似ています。ソフトな輝きを持ちながら、コントロールされた端正さも兼ね備えている。一度の塗布ではナチュラルなリップステインに、そして重ねるごとに深みと存在感が増していく。例えばスターシェードのレッド「999」であれば、透明感のあるフレッシュなレッドから、深みのあるドラマティックなレッドまで、同じ1本で表情を変えられます。⎯⎯ スティックタイプはダブルフェーズによってドライな質感を抑えたとのことでした。リキッドタイプにおいても乾きやすさを改善するアイデアはありましたか？　従来のマットリップが「乾く」という弱点を持っていたのは、色素（ピグメント）の配合によるところが大きい。今回リキッドタイプに採用したのは「ブラーリングジェル」という発想です。ピグメントではなくジェルがなめらかさを生み出すので、つけていることを忘れるほどの軽さと快適さが実現しました。誰もが1日中気持ちよく過ごせる質感を作りたかったのです。トレンドは「使う人が作るもの」　ピーター・フィリップスの美学⎯⎯ 今回のリップコレクションは、2026年のビューティトレンドにも関与しているのでしょうか。　正直に言うと、コレクションを作るとき、私はトレンドをあまり考えません。流行は常に変わり続けるものですから。私が向き合うのは、トレンドを追いかける人たちだけでなく、ただ美しくありたいという願いを持つ、もっと広い層の人々です。　そして私の責任は、質が高く、魅力的な商品を生み出すことです。どれほど話題性のある色でも、誰も使わなければ意味がない。エンターテインメントにはなっても、生活には根付かない。だからこそ、2025年の「ルージュ ディオール オン ステージ シャイン」開発時には、幅広い人が手に取れる使いやすいシェードでスタートすることにこだわりました。トレンドは、使う人たちが作るものなんです。⎯⎯ 日本での展開においてコレクションの色数を絞ったのも、その考えからですか。　そうです。カウンターで何十色もの中から選ぼうとして途方に暮れた、という声をよく聞きます。だから、温色と寒色、深いトーンと淡いトーン、ローズウッドにコーラル、ピンクとバランスよく揃えながら、シェード数は絞りました。⎯⎯ 最後に、ルージュ ディオール オン ステージの今後の展開について教えてください。　コレクションはここで終わりではありません。次はより大胆なシェードや、より繊細なシェードも加わっていく予定です。　そして私の基本的な考えは、先ほども話したように、トレンドは商品を手に取った人たちが作るものだということ。メイクを愛し、遊び、発信する人たちがこのフォーミュラを使いこなしながら、自分たちのトレンドを生み出してくれる。私はただ、そのための道具を誠実に作り続けるだけです。ピーター・フィリップスの"オフ"に密着  　数々のヒット作を生み出し今のトレンドを牽引するメイクアップアーティストが来日。取材や発表会が立て続く中での束の間のオフに、美容インフルエンサーのgrapeと密着した。シール交換や茶道体験を通して、東京の文化と今を知る。

DIOR

「ディオール」のピーター・フィリップスに聞く　新作ベース&リップの魅力

高校には進学せず15歳で古着屋アルバイトに　1978年生まれの鈴木社長の出身地は、東京・恵比寿。ファッションの目覚めは早く、初めての古着は中学生のときに上野の古着屋で買った「リーバイス（Levi’s）」の「501」だったという。その後、渋谷や原宿の古着屋を頻繁に巡るようになったほか、当時古着の売買が盛んだった代々木公園のフリーマーケットにも出入りするようになり、自分が買い集めたものを売る経験を積みながら、古着屋スタッフや愛好家らとの交流を深めていった。古着熱が高まった結果、中学卒業という節目に鈴木社長は大きな決断を下す。中高一貫の私立校に通っていたものの、高校には進学せず、埼玉県の古着屋「フラフープ（HULAHOOP）」でアルバイトとして働き始めたのだ。　そこで鈴木社長は、フリーマーケット時代からの知り合いで、フラフープでバイヤーとして働いていた越芳宏氏と親交を深める。18歳のときに、越氏から一緒に古着屋を始めないかという誘いを受け、ふたりが神奈川・小田原に出店したのがデザートスノーの1号店だ。同店を運営するなかで、鈴木社長は次の一手を考え始める。休日によく足を運んでいた東京・町田の人出の多さと、古着屋の価格水準を見て「町田に出店したら勝てる」という確信を持ったのだ。ただ、越氏に町田への出店を提案したものの、賛同が得られなかったために、鈴木社長は「絶対に売れるから、自分にやらせてもらえないか」と持ちかけ、1998年に若干20歳で町田にデザートスノーを出店した。その後、越氏は2000年に千葉にデザートスノーを出店し、今も同地で鈴木の会社とは別会社として運営を続けている。「古着はビジネス」独立時から多店舗化を目指す　古着屋オーナーは、自身のファッション観を追求して個性的な品揃えや凝った店構えにこだわることが多いが、鈴木社長は「最初からビジネスとして割り切っていたので、多店舗化を目標にしていました。10店舗くらいはできるかなと思っていましたね」と、独立当初からビジネスに徹した姿勢で将来を見据えていた。　鈴木社長はその頃から「価格では絶対に負けない」という信念を持っていた。デザートスノーが業界内で独自性を持てた要因のひとつが、パキスタンでの仕入れルートをいち早く確立したことだ。そのきっかけになったのは、偶発的な出来事だ。タイで仕入れを行っていた従業員が、とある要件でアフガニスタンに赴いた際、途中で寄ったパキスタンの街に古着が大量に溢れていることを目にしたのだ。当時パキスタンは、欧米から支援物資として送られてきた古着の集積地となっていた。取り引きされていた古着の価格は非常に安かったものの、「質はめちゃくちゃだった」と鈴木社長は明かす。その混沌とした状況から、鈴木社長はクオリティの高いアイテムが仕入れられる独自のルートを構築した。現在はタイに常駐する3人のバイヤーが、パキスタンの現地パートナーと連携しながら仕入れを行っている。コロナ禍下北沢で出店を加速した理由　30年近く古着業界を見てきた鈴木社長には、市場の浮き沈みを読む独自の感覚がある。「古着の人気の波って7〜8年周期になっている印象があるんです。2003年頃に、小さいサイズしか売れなくなってしまい、古着屋が得意とする大きめのサイズ感では対応できなくなりました。その後、2010年頃に復調しましたが、2012〜13年頃にまた落ちて。2017年頃にまた良くなってきそうな雰囲気を感じていたところ、2020年にコロナ禍が訪れました」。東京に最初の緊急事態宣言が発令されたのは、デザートスノー下北沢3号店のオープンを翌日に控えていたタイミングだったという。　鈴木社長は下北沢の新店舗で、海外に買い付けに行けなくなった同業者に向けて卸売を始めただけでなく、コロナ禍が長引くなかで下北沢という街にチャンスを見出した。「渋谷や原宿は、街の様子が定点カメラで見られるようになり、人が集まりにくい雰囲気になっていたんです。ですが、下北沢には定点カメラがなかったので、若者を中心にたくさんの人が集まっていました」。そこで鈴木は、下北沢にさらに3店舗を出店したのだ。そしてコロナ禍と時を同じくして、若者を中心とした古着ブームも到来。下北沢には古着を求める若者たちが大挙して押し寄せ、デザートスノーは売り上げを大きく伸ばした。「安さ」は古着の大切な魅力　2020年のブーム以降、古着の相場は大きく上昇した。一部の希少なヴィンテージアイテムに数百万円、数千万円という高値が付けられているだけでなく、少し前までワゴンセールで売られていたようなアイテムに数万円の価格が付けられていることも少なくない。それに対して鈴木社長は「本当に価値があるものは高くてもいいと思うんですが、手に入れやすい値段であることも古着らしさだと思います」と、安さが古着の大切な魅力のひとつだというこだわりを見せる。　鈴木社長は、2026年現在の古着市場をどう見ているのだろうか。「古着人気は少し落ち着いたと感じています。ですが、2000年代のように古着人気が大きく崩れることは、今後はないと考えています。当時、古着はニッチな存在でしたが、今はファッションの中のひとつのジャンルとして認知されている。ですので、全身を古着で揃える人が減ったとしても、コーディネートのなかで一点だけ古着を取り入れる、というような需要は続くのではないでしょうか」。古着ビジネスのネクストカミングは「倉庫型」　市場の成熟を分析しつつ、鈴木社長は今後のトレンドについてもはっきりとした見方を示す。「ファッション業界を俯瞰すると、デフレ傾向にあるのではと感じており、そこに敏感に反応したお店が人気になると思います。原宿や渋谷のような一等地のお店は、観光客がお土産目的で買い物をするところ。感度が高い人たちは、郊外に出て安い古着を求める時代が到来する気がします。最近は、30代の若手古着屋オーナーたちが郊外に倉庫型の古着屋をどんどんオープンさせており、今後はそういった業態が激戦区になると見ています」と話し、倉庫型業態への参入については、すでに社内で検討が進んでいるという。　日本有数の観光地である原宿には、近年チェーン系古着屋の出店が増えている。福岡発の「古着屋 西海岸」は2018年に原宿に進出。大阪を本拠地とする「古着屋JAM」は2021年に原宿に進出し、現在は同エリアで2店舗を運営している。そんな中、デザートスノーは2024年に渋谷店をオープンしたものの、原宿店をオープンしたはそれから2年後の2026年だった。　原宿店のオープンが遅れた背景には、原宿の老舗古着屋「ベルベルジン（BerBerJin）」との関係性があった。鈴木社長はベルベルジンの山田和俊代表と旧知の仲であることに加え、鈴木社長の妻が以前ベルベルジンで働いていたという縁もある。デザートスノーの出店を進めていた鈴木社長は、原宿でも物件を探し続けていたが、あるとき山田代表から冗談交じりで「ミッチー（鈴木の愛称）、原宿には来ないでね（笑）」と言われたという。だが、ベルベルジンが2025年にデザートスノーの根城と言える下北沢に系列店を出店し、その店舗の契約前に山田代表から鈴木社長に「下北沢に出店する」という連絡があったため、「じゃあうちも原宿にお店を出してもいいかな」と考え、原宿出店に至ったという。イチオシは「遊び心があるデザイン」が多い韓国古着　デザートスノーの最新店舗である原宿店の品揃えは、3つの軸で構成されている。1つ目はオーソドックスなアメリカ古着。2つ目は、ラグジュアリーブランドのバッグやアパレル。そして3つ目は韓国で買い付けた古着だ。ラグジュアリーアイテムは、ブランドアイテムの買い取りを行うグループ企業を活用して仕入れており、世界中から観光客が集まる原宿という土地柄もあり、インバウンドからの需要が非常に高いという。　デザートスノー社内では「トレンド古着」と呼んでいる韓国古着は、これまで渋谷109やビブレ、マルイなどでポップアップを開催し、若い女性からの反応が強くあったという。「ディスイズネバーザット（thisisneverthat）」や「マルディメクルディ（Mardi Mercredi）」といった韓国ブランドに加えて数多く揃えるのが、「ナイキ（NIKE）」などのスポーツブランドのアイテムだ。「韓国のライセンスアイテムは、日本では許可が下りなさそうな遊び心のあるデザインが多いので面白い」と鈴木社長は言う。　今後のデザートスノーについて、鈴木社長が描いているヴィジョンは単なる店舗数の拡大ではない。「お客さまに楽しんでいただける、コンセプトがしっかりとしたお店を作りたいですね。例えば原宿店は店舗が大きいこともあって、お客さまの滞在時間がとても長いんです。ですので、カフェを併設してくつろいでもらったり、エンターテインメントとして楽しんでもらえる空間にしていきたいですね」。　最後に、現在の鈴木自身の古着との付き合い方について聞いた。古着ビジネスの当事者として、今どんな古着に興味を持っているのか。