インサイド

　その第一弾として、4月24日、「共鳴、そして共振」と題した企画が中目黒のギャラリーで発表された。本プロジェクトでは、ドイツの芸術家ゲルハルト・リヒター（Gerhard Richter）の作品に着想を得た2025年春夏コレクションを起点に、チェリストの河内ユイコが共鳴して音源を制作。さらに、その曲に触発された写真家の武田大典が共振して切り取った写真作品が発表された。リヒターから学んだ"等価性"と"シャイン"の思想　クリエイティブディレクターの中は、リヒターの芸術に対する思想、特に相反する要素を等しく扱うアプローチに強い関心を寄せてきた。「複製と表現、具象と抽象、韜晦（とうかい）と顕示。リヒターのそうしたアプローチが、コレクション制作におけるコンセプト立案からデザイン、造形、ビジュアル制作といった各工程を等しい価値で捉える上で、新たな視点を与えてくれました」と語る。　中は今季、リヒターの絵画に繰り返し現れる"等価性"と"シャイン（Schein）"という概念に着目した。等価性とは、異なるもの同士を"同じ価値"として扱う考え方。リヒターは、「物事をぼかし、すべてを等しく重要であり、また等しく重要でないように見せる」ことで、ヒエラルキーを排した独自の芸術観を示してきた。初期のフォトペインティングでは、写真の模写を通して「描く」と「写す」を等価に扱い、絵画を否定しつつ、その可能性も同時に肯定した。 　一方、"シャイン"は、ドイツ語で「見かけ」「仮象」「輝き」などを意味する語。リヒターは、ブラー（ぼかし）の手法を用いて鑑賞者と対象の間に不可視の"レイヤー"を挟み、現実との距離感や曖昧さを表現した。　アキラナカのコレクションにも、この2つの概念が色濃く反映されている。花のグラフィックでは「描いては消す」「消すことで描く」手法で具象と抽象の境界を曖昧にし、削られた花々は現実と私たちを隔てる“シャイン”を象徴する。また、花、女性、音楽といったモチーフを、それぞれの美しさを尊重し等価に扱っている。　イメージヴィジュアルでは、モデルとカメラの間にフィルムのレイヤーを挟み、視覚的にシャインを表現。フィルムの素材感やシワに焦点を合わせればモデルは背景となり、逆にモデルに意識を向けると、ブラーな人物像が浮かび上がり、ディテールの一部しか認識できないという、情報の受容に制限をかける視覚効果が生まれている。河内ユイコのチェロ曲による共鳴　中は、リヒターの等価性の概念から派生し、「創造的なプロセスを共有することは、完成した洋服を届けることと同じくらい価値がある」と考えた。その背景には、街中で自身の服を着ている人を見た際の感動があった。「思いがけないスタイリングや、意図通りに美しく着こなされている姿を見ると心から感動します。でも、これまではその先の『創造性がどう育っていくか』『誰かの力になっているか』まで深く考える機会が少なかった。そのプロセスをもっと見てみたいと思ったんです」と、作り手として作品が受容され広がる過程を見届けたいという思いを語る。　この思いが、コレクションの創造性を音楽や写真へと繋げる今回の試みに繋がった。中はチェリストの河内ユイコにコレクションの背景やインスピレーションを説明し、楽曲制作を依頼。リヒターに関する専門知識はなかった河内だが、中の熱意あるレクチャーから受けた感情を音で表現した。「言葉にするのは得意ではない」彼女は、当初の意見交換では感じたことを上手く伝えきれなかったという。その悔しさをバネに楽器と向き合う中で、「パラパラパラっとアイデアが浮かび、パズルのようにはまっていった」と、感覚的なプロセスでコレクションの印象を音へと昇華させたことを明かした。また、「音は言葉を介さず、すっと人の心に届く。だからこそ、発信するものには責任を持たないといけない」と、音の影響力と作り手の責任についても言及した。武田大典の写真作品による共振　河内のチェロの音源を受け取った写真家の武田大典は、3日間、様々な状況下で繰り返し曲を聴き続けた。音楽に没入しながら自身の膨大な写真アーカイヴを見返し、リヒターの心境や楽曲の持つ雰囲気・感情と「調和する」と感じる写真を直感的にセレクト。それらを再編集し、今回の展示作品を構成したという。　武田は自身の作品鑑賞の基準について、「"癒されるか" "ポジティブな感覚があるか"を個人的な基準とすることが多い」と語る。「以前リヒターの作品を見た際、正直、これらの基準にはあまりピンときませんでした。しかし今回、リヒターと河内さんの音楽に深く向き合う中で、当初感じた"苦しさ"のようなものを乗り越え、新たな視点が自分の中に生まれました。たとえ最初の基準に合わなくても、その視点を受け入れることで癒しや前向きさに繋がり、自身の理解や愛が深まる可能性に気づいた」と、プロジェクトを通じた自身の認識の変化を明かした。誰の中にも宿る創造性を育む　このように、アートからファッションへ、ファッションから音楽へ、音楽から写真へと、インスピレーションは静かに受け継がれ、それぞれの表現領域で新たな創造の連鎖が紡がれていった。　このプロジェクトを通して、中は「創造性はデザイナーやアーティストだけのものではなく、誰の中にも溢れている」と強調する。「美術館の絵を持ち帰ることはできませんが、そこで得た感情や知見は持ち帰ることができます。アートを見た後では、普段見ている桜の風景も違って見えるかもしれません。それは、皆さんの感度が高まっている証拠。創造性も筋肉のように、柔軟に動かせるようにしていくことで、日常の中にたくさんの気づきが生まれるはず。このプロジェクトを通して、日々の美意識や創造性を育んでいってもらえたら嬉しいです」と、受け手が自身の内なる創造性に目を向けることへの期待を述べた。　アキラナカの「共鳴、そして共振」プロジェクトは、ファッションが単なる衣服ではなく、多様な文化や芸術と響き合い、新たな価値を生み出す触媒となりうることを示した。今後も継続されるというこの取り組みが、どのような創造性の連鎖を見せてくれるのか、それをどのように自分自身が受け取るのかも含めて、楽しみにしていきたい。

AKIRANAKA

Fashion

「共鳴、そして共振」新プロジェクトが始動

アキラナカが試みる「創造性の連鎖」　アートからファッション、音楽、写真へ

文化服装学院卒のアーティスト 鈴木操による「ゲルハルト・リヒター展」1万字評：時間感覚についてのノート、《ビルケナウ》へ応答する

　リヒターは1932年、東ドイツ・ドレスデンに生まれ、1961年に難民として西ドイツ・デュッセルドルフへと移った。ベルリンの壁が建設され始めたのは彼が西ドイツに移住したすぐ後だった。1989年にベルリンの壁が崩壊するまでドイツは東西に分断され、東ドイツは社会主義経済を目指し、西ドイツは資本主義経済を再建した。この分断は文化にも影響を及ぼし、伝統的なものを重視する傾向が東ドイツにはあった一方で、西ドイツは国際化が進み「アメリカ化」とも表現された。　リヒターは劇場の舞台背景を描く仕事に携わった後、ドレスデンのアートアカデミーで壁画を学んだ。卒業後も壁画の仕事を請け負ったが、当時は今のようなスタイルのアーティストではなかった。しかし、1959年に西ドイツ・カッセルで5年に一度行われる展覧会「ドクメンタII」で抽象画の感銘を受けたことでリヒターは西ドイツに移ることを決意する。西ドイツに移った後はデュッセルドルフのアートアカデミーで再び絵画を学び、現地に流入していたポップアートやフルクサスなどのアメリカの美術にも影響を受けたという。　そして、まもなく彼の初期の代表作であるフォト・ペインティングが生まれる。この手法は精密に写真をそのまま描き写すのではなく、輪郭をややぼかしていくことで滲みやスピード感を与え、写真では写すことのできない質感が生まれる。写真とも絵画とも表現できないフォト・ペインティングは、リヒター独自の表現方法として注目を浴びることとなる。　そのスタイルを表している作品の例として、ルネサンス期のティツィアーノ・ヴェチェッリオにより描かれた《受胎告知》の絵はがきを模写した5枚組の絵画がある。1枚目は模写したものだと見て取れるが、枚数を重ねるごとに徐々に輪郭がぼやけていき、露光時間を長くした写真のようにブレていく。そして5枚目には何が描かれているか全く分からないような抽象画へと変化していく。5枚の作品を並べて展示すると、徐々に絵画の中のモチーフが崩れ、色彩のみが残るプロセスを見ることができる。　この後、リヒターはカラーパネルを敷き詰めたカラー・チャートや、何重にも絵の具を上塗りした抽象絵画、あらゆる色を混ぜた時に現れるグレーという色味に着目したグレー・ペインティング、写真の上に絵の具を重ねるオーバー・ペインテッド・フォトなどの作品を制作し、さらに抽象と色彩への関心を直接的に表現するようになる。　最高額を叩き出した抽象画シリーズは、大きな刷毛のようなもので絵の具を伸ばしていき、それを何度も繰り返すことによって作られた。刷毛に乗った絵の具がかすれる瞬間や色と色が重なる瞬間をそのまま観ることができるこのシリーズは、フォト・ペインティングと大きく異なるようにも見えるが、光や写真による関心を絵画にどのように落とし込めるかの実験を繰り返している点では共通しており、リヒターの関心はそこに一貫している。　絵画という表現方法のみにとどまらず、ガラスを用いた作品なども発表している。例えば、日本では香川県・豊島で見ることができる《14枚のガラス》のように巨大なガラス板を何枚も角度を微妙に変えながら立ててゆくシリーズが有名だ。　また、ドイツ・ケルン大聖堂南塔のステンドグラスの改修は、リヒターがアーティストとして成し遂げた偉業の一つに挙げられる。数年にわたる準備期間を経て、カラー・チャートの要領で色のついたガラスをモザイク状に10000枚以上敷き詰めた作品で、遠くから見たらモザイク状に見えるが、近くで見ると色数の多さが際立つ。絵画でのカラー・チャートシリーズとは異なりガラスで作られているため、床や壁にステンドグラスの色がそのまま反射し、淡い光のカラーチャートが転写される美しい仕上がりである。キリストや聖母マリアなどの物語を言葉がなくとも分かるように具象的な図像を用いるのが従来のカトリック聖堂のステンドグラスであるため、抽象的でありすぎることへの反発も招いたが、彼はその後もドイツで最も古い教会のステンドグラスの改修などを手掛け、いずれも概ね好意的な評価が集まった。　様々な手法を行うリヒターのアイデア集とも言えるのが《アトラス》シリーズである。1960年中頃から続けられているスクラップで、最新の2015年のものまで計802枚作られている。彼自身が興味を持った写真、新聞などの切り抜きが並べられているのだが、それは関心が赴くままというより、並べ方やそのもの自体にも意味を持つもので、アートのオリンピックとも称されるヴェネツィアビエンナーレドイツ館の個展（1972年）でのプランニングなどもシリーズの中に含まれる。　多作でありながらも、全ての作品が目に見えることやそれを芸術によって表現するという共通点を見せるリヒターは絵画をどのように考えているのだろうか。以下の彼自身の言葉が最も表しているように思う。「絵画になにができるかを試すこと。今日自分はどのように、なにを描けるのか。いいかえれば、今なにがおこっているのかについて、自分自身のために一つの映像をつくろうとしつづけることです」―『ゲルハルト・リヒター　写真論／絵画論』（訳・清水穰　ワコウ・ワークス・オブ・アート、1995）より■檜山真有（Twitter）同志社大学文学部美学芸術学科卒、東京藝術大学大学院国際芸術創造研究科修了。1960年代のコンセプチュアルアートを研究対象とする。現在は美術館に勤務する傍ら、キュレーターやライターとして活動中。「現代アートへの旅」バックナンバー・お金のはなし編―アンディ・ウォーホル作品から学ぶ価格の上がり方・まず知っておくこと編―作品鑑賞を楽しむための4つのポイント

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