インサイド

　劈頭、この連載が尻切れになったことの弁解をしておくと、先週金曜日の正午、突発的なアクシデント（私事）が持ち上がった。予定していた残りのショー取材を凡てキャンセルせざるを得ない状況に期せずして陥ってしまった。中途で投げ出すことは、エチケット至上主義に厚い私の性質が潔しとしない。だから、せめてあと一つは原稿を納品して今季の短期連載を終えたいと思い立ち、今日、「ユェチ・チ（YUEQI QI）」2026年春夏コレクションの展示会に足を運んだのだった。ユェチ・チの作品群は少しく奇妙である。ユェチ・チは、ここ数回、東京のファッションウイークにてショーを発表しており、以前より気になる取材対象の一つとして私の胸中の帳面に記録されているブランドである。確かに、奇妙な面白さ（今季のショーの映像を見て改めて感じたのだけれど）は脳髄を刺戟してくれる。番度のことだが、私は一つの突飛な術語を思い浮かべていた。　「アナグラム」は、既存の単語や文章のなかにある文字列を並び替えて、新たに、別の意味のある言葉やフレーズを作る言葉遊びの一種である。その一例を挙げてみよう。私が敬愛する純文学作家、福永武彦は、加田伶太郎と云うペンネームのもとに、『完全犯罪』（昭和三十一年）と云う短篇集を発表している。加田伶太郎（Kada Reitarō）は、即ち「誰ダロウカ」（Taredarōka？）のアナグラムである。福永は、推理小説（犯人は誰か？）の創作に限り、この筆名を使っていた。更に、アナグラムの手法を詩作に当て嵌めるなら、詩句のなかに主題となる語を分解し、散らして嵌め込み、テクストを重層化し、複雑化する技法となる。その伝で云うと、混じり気のある詩的なもの同士を繋ぐ糸が作品群に透いて見えるユェチ・チの今季の創作には、このアナグラムの手法が活かされているな、と私は勝手に想像してみたのである。　そうした視点でじっくり見直してみると、今季の創作の神秘はスッと腑に落ちるのだ。何故なら、彼女は、前以て選び出した服地やモチーフ、服飾資材や装身具（たとえば、奇っ怪な蝙蝠の羽根を広げた黒猫やハート柄、リベットやレース、男物のシャツやパジャマ、水兵服やバイカージャケットなど）を限定して使用し、それらを意図して（ときには恣意的に）様々に入れ替え、並べ替えることで別の新しいテクスチャーを作り出したのだから。それぞれがまったく違う表情の生地でありながら、限定された共通の構成要素が通奏低音のように流れていることで、作品群に不思議な統一感が生まれてくる。それは、誰もが眼にしたことのあるアイテム（クラシックで馴染みのあるカタチ）の、誰もが見たことのない新しいバランス。詩作に於ける換骨奪胎のDNAを我流で掘り下げた、この微妙な釣り合いが、奇妙な面白さに繋がっているように思う。作者（デザイナー）の意図と、読者（受け取る側）の解釈の均衡を探る彼女の創作は、慣れ親しんだ言語のルールを踏まえつつ、その文脈を変えながら、受け手にそれぞれの物語を想起することを促し、自分自身との繋がりとか、意味を見出だす自由（余白）を我々に提供してくれる。　ユェチ・チは種々のモチーフを限定的に使う、と先に述べたが、そのくだりの「限定的」の意味合いは、作者が周到に張り巡らした創作の「糸」と大いに関連がある。つまり、手の仕事と云う経糸と、無国籍な夜会服と云う緯糸によって織られたピースは、作者の自由な解釈のもとで更なる活力を味方に付け、懐古調の夜会服の古めかしい魂は見事に解き放たれるのである。因みに、東京は鶯谷に現存する社交ダンスの殿堂「ダンスホール新世紀」を会場に選んだのは、レトロな夜会服とか、フラメンコの衣裳のイメージが彼女のなかに渦巻いていたからである。一見、相互に無関係なもの同士が、互いに関連なく存在し合っているように思えるこの創作世界が、実は、いかにたくさんの糸で繋がっているか、と云うことを理解することが重要なのであって、詩的な創作が巧く成立するか否かは、その糸が、確かに目視出来るかどうかにかかっている。　淑女と悪女。成熟した女性とあどけなさが残る女性。ロマネスクとそれに次ぐゴシック様式。手仕事の器用さとストリートの粗雑さ。ダークサイドの黒猫（本人が飼っている猫は、きっと愛くるしいのだろうけれど）と「愛」に当たる中国語の簡体字「爱」のモチーフ（レーザーカットで造形したブレードなど、至るところに散見する）。繊細な手工芸（勿論マシンメードで生産された服が大半を占めるけれど）による装飾的な造形と脱構築のカタチ。血の通った抽象を探ったフォトコラージュ的な意匠とアップサイクルと云う時代性。大袈裟な喩えと承知の上で云うのだが、服地にのせられた立体的な構成は、キュビスムを想起させるものであり、理知的とは云い難いけれど、抽象表現を自己流で咀嚼した形跡がある。こうした私の理解は、的を射ているかどうか疑わしいものだが、これもまた物語を読み解く一つの解釈であると、私は信じて止まない。（文責/麥田俊一）

YUEQI QI

collection

モードノオト2025.09.10

複数ブランドが集まる合同展はバイヤー・デザイナー双方にメリット　コロナ以前は、アッシュ・ペー・フランス（H.P.FRANCE）による「ルームス（rooms）」を筆頭に、「ソレイユトーキョー（SOLEIL TOKYO）」や複数ブランドが有志で行うさまざまな合同展が存在した。特にルームスは最盛期には500ブランドが参加し、開催期間累計で2万5000人を動員するほどまで拡大し、ファッション業界の一大イベントになっていた。　膨大なブランドが一堂に会することで、バイヤーやプレスは個別の展示会を回るよりも、まとめてブランド情報を仕入れることができる。若手ブランドにとっては、単独で展示会を行うよりも、各社のバイヤーへの連絡や会場設備の手間などを省けるほか、認知拡大および商談の機会を得られるといったメリットがあった。デジタル化・“資料の充実”でリアル開催の意義が希薄に　盛り上がりを見せていた合同展だったが、コロナの到来でファッション業界でもリアルイベントの自粛が広まり、バイヤーを集客しやすい大型の合同展が減少。前述のルームス（2023年）やソレイユトーキョー（2021年）は終了し、ファッションPRのワンオーが手掛け、日本のデザイナーブランドが集積されていた「PR01.TRADESHOW」も2021年以降、リアルで開催されていない。　同時にデジタルリリースおよびコレクションルックの配信へと急速にシフト。シルエットや生地感を体験できないという窮地を補うべく、国内外のブランドを問わず、コレクションリリースの情報が充実されていった。3Dの着用画像の公開、テキスタイルに力をいれるブランドはスワッチ（生地見本）を送付するなどの工夫が見られた。　谷田氏はこうした「充実した資料」への慣れも合同展のニーズ減少につながったのではないかと分析する。「大規模な合同展が減るとともに、手厚いブランド資料で事足りるようになったことで、（展示会に）行かなくても回るサイクルができてしまった」（谷田氏）。加えて近藤氏は著名な合同展は出展ハードルが高くなっていったことも要因の一つと考える。「合同展自体の知名度の高さはブランドにとってメリットではあるが、出展料の高騰にもつながった。若手クリエイターから出展を迷う声も聞いていた」（近藤氏）。“空白期間”経て、ブランドからのニーズがじわり復活　ブランド・企業ともに徐々にデジタル化に慣れていった一方で、コロナを挟んだ“空白期間”にデビューした若手を中心に、合同展を希望する声が上がるようになっていると、近藤氏はいう。「最近ではブランドのSNSも活発で、発信の工夫は目を見張るものがあるが、業界コネクションが希薄だとバイヤーと接点を持つのは難しい。自力でブランドのファンを拡大するには限界があり、卸の存在は大きい」（近藤氏）。　こうした若手からの声を受けて、今年5月に本格的に開催に向けて始動。「自分のお店ではポップアップや合同展を継続的に行っているが、立地などの関係もあり制限がある。大型の合同展のノウハウは谷田氏など賛同してくれたブランドや運営の方々からの多大な協力を得た」と近藤氏。“ブランドを主役”に新たなプラットフォーム目指す　センターでは「ファッションの中心はパリだけじゃない。」をテーマに掲げ、ブランドを主役としたプラットフォームを目指す。近藤氏は「自分はあくまでも裏方」とし、参加者たちとフレキシブルに意見交流と行ったという。集客性を鑑みて、駅直結の渋谷ストリームを選定。これまでの合同展で課題に感じた出展料やブランドラインナップについては、関係者からの意見を取り入れながら試行錯誤した。　ブランドセレクションは若手の支援を主題とながらも、ストフや「ボディソング（BODYSONG.）」、「ルルムウ（rurumu:）」、「イェーライト（YEAH RIGHT!!）」といった中堅ブランドの参加協力も得て、全36ブランドの接点創出のフックとなるようなラインナップへと調整。共催している上海ファッションウィーク公式イベント「MODE PLUS・TOKYO」が厳選した13ブランドも招致し、グローバルでユニークなブランドに出会える場を目指した。　また、大阪・船場の生地卸が連携した独自ブランド「船場テキスタイル（SEMBA TEXTILE）」のブースも設置。to B要素の強いブースだが、常に産地や素材を探しているデザイナーと、ジャパンメイドの発信に力を入れる生地メーカーのマッチングは需要が高いという。関西ファッション連合理事で織物卸売 北高の高山茂也社長は「我々のような団体が、ブランドを中心とした合同展に出展するのは珍しい。日本から世界へと才能を輝かせるブランドの皆さんと繋がりができるのは、我々としても貴重だ」と参加の意義を語った。　加えて、レセプションパーティーや一般入場が可能なマーケットデーを設け、ZINEやドリンク、フードの販売といったイベントとしての機能を備えることで、to C向けにも開かれた場とし、「新たなファンとの接点創出」も狙った。　実際のバイヤー集客の成果は「まだ満足できるレベルではないが、次回開催への期待は持てた」と近藤氏。今後も継続開催の意向を示し、「2日間を終え、既にさまざまな意見が届いているが、それだけ参加者からの期待も感じる。まずは今回のフィードバックをもらい、ブランドの皆さんと共に改善していく。時代の変化と共に合同展の目指すべきところも変わっているので、良い形を模索したいきたい」と意気込む。日本の若手ブランドの新たなプラットフォームとなれるか、関心が寄せられる。

Fashion

コロナ経てファッション合同展の需要に変化？　若手ブランド中心に必要の声広がる

　「クリエイション」を羅列して、さも理解したような気になって書かれた記事こそ、我々の稼業に仕掛けられた落とし穴。理解した気にならない、と私は常々そう思っている。「モダンな」「可憐な」「ロマンチックな」、「ひとつに」「大胆に」、「協調」「調和」も然り、我々は言葉に明るいつもりでいるし、便利な言葉だから、ついと容易に使いがちだが、その言葉の持つ現代における微妙な意味合い、この業界に特有なニュアンスが暗示する核心を本当に突いているかは甚だ疑問の余地がある。　ここでの真の題目は、チカ キサダの服作りに「クリエイション」の言葉は本当に相応しいのか、である。これまで水掛け論が成されるがまま、「クリエイション」の言葉が蔓延る現在の東京という土俵で、他のブランドと共にチカ キサダも語られてきたが、これに対して、私は素手で反論するつもりはない。　過去の稿で彼女の服作りを「文体」として捉えてきたので、ここでも敢えて前述した「翻案」を「翻訳」と置き換えてみる。翻訳というのは外国作家の文章を自国語に直すことで、自ずから創作とは質が異なり、寧ろ批評の質に寄った仕事とも考えることができる。翻訳者は自国語を以って外国作家の思想の良回路となる。自国語を鍛えに鍛えれば、それだけ、思想の優れた良回路としての役割を果たすわけだ。思想に対する解釈と自国語（言葉）の鍛錬の度合いの差が、翻訳者の優劣に繋がるのである。的を得た隠喩かどうかはさて置き、チカ キサダの服作りに翻訳者の仕事を重ねてみるならば、怠惰な言葉には決して望み得ないような、鍛えられた言葉の力......バレエの歴史、文献やパンクの精神や動力の融合よりも、その前に様式を解釈する文脈の力強さには、まさに一流の翻訳者の資質が見て取れるのではないか。更に加えるならば、「きわどさ」を精製したものがやたらと幅を利かせている昨今の東京においても、その傾向に拍車が掛かっているようだが、そうしたモノを所謂「クリエイション」と語ってしまう時代ならば、却ってチカ キサダの服作りを「クリエイション」といわずにおく方が、一層のこと潔いのかもしれない。　「プロテクト」の機能は身体の身を包む服の形、首回り、肩回り、腰回りに量感を分散させた設計に置き換えられ、そこ（身体と空間）にある普遍性ではなく不滅性にして既に滅びた存在ともいえる褪せたテクスチャーを縦横無尽に、生命や時間を超越した何かをイメージとして捉えようとしている。有機的な曲線、左右の均衡を崩した造形、爛れた皮膚のような布地、細胞質や神経繊維の断面のように精緻に考え抜かれたスタイル、ヘアメーク、そしてサロンのように一体ずつと聴衆が対話できるよう、さりげなく仕掛けられた演出。歴史服や衣装を作る感覚ではない、かといってストリートの服とも違う自分たちの確たる居場所がある。この「ほどよさ」という審美的感覚、なかなかに重要ではないだろうか。自らの立脚点をわきまえた上で、チカ キサダは、殊更に人に媚びを売るような服作りの曖昧さに一線を引く。彼女特有の拡大鏡越しに覗いてみた異境の世界が、小々波のように潤いを与え、滲むように現実世界を染め上げていく。

Chika Kisada

「チカ キサダ」の"きわどさ"と"ほどよさ"がクリエイションに風穴を開ける

AI時代に問う「人の手仕事」の価値　制作の出発点となったのは、「ChatGPTをはじめとするAIが普及する現代社会において、人間にとって本当に大切なものは何か？」という本質的な問いだった。　「ファストファッションの服は安価で手軽に手に入るけれど、結局は長く残らない。最後に記憶に残るのは『人の手仕事』や『時間をかけたものづくり』。1920〜30年代のクチュールが今なお美しいように、自分もそうしたものを生み出したい」という強い意志が、緻密なディテールに込められている。　客席に置かれた扇子でさえ、ハンディファンが日常となった現代において、アナログならではの美しさを感じさせる演出になっていた。ランジェリーに宿る親密なエレガンス　コレクションのベースとなったのは、1920年代から60年代のクチュールや、アンティークの室内着だった。女性のネグリジェやルームウェアは、表に見せるものではないのに、驚くほど繊細なテクニックが詰まっているもの。レースや刺繍、ピンタックの細やかな表現で、プライベート空間に寄り添うランジェリーの親密な美しさを再現した。また、モアレやシフォン、サテンといったクチュール由来のエレガントな素材が、コレクション全体にロマンチックな質感を添えていた。 レトロスポーツがもたらす軽やかさ　一方で、1970年代から80年代のスポーツウェアやクラブチームのユニフォームからも着想を得ている。サテンで表現されたステッチラインや、レトロな軽やかさをまとったディテールが、クラシックとモダンが交差するムードを演出した。　ユニフォーム風のトップスは、ツイストした襟やパフスリーブ、バラの手刺繍で華やかさとカジュアルさを融合。胸元や背番号に施された「CIRCOLO 87」は、イタリア語で"クラブ（サークル）"を意味する言葉と、デザイナー自身の生まれ年（1987年）を重ねたもの。これらの要素がノスタルジックな親しみやすさとキャッチーな魅力を添えている。 無彩色で浮かび上がるディテール　色使いだけでなく、ブランドの代名詞とも言えるチュールの使用を大幅に減らしたことも特筆すべき変化。これまで強みにしてきた素材に頼ることなく、ブランドの世界観を表現できることを証明したかったという。　実際、色彩を削ぎ落としたことで、職人の手による刺繍や上品な素材使い、立体的なフォルムの造形がいっそう鮮明に際立っていた。 覆い隠したドレスの意図　ラストも印象深い演出だった。通常3〜4体制作するステートメントドレスを、今回は白と黒の2体のみに絞り込んだ。フィナーレを飾った黒のドレスは、全身にビジューやスパンコールを贅沢に施しながらも、あえて黒いベールで覆い隠している。　装飾を隠すことで生まれる神秘感は、まさに女性のランジェリーに通ずる「見せるための美しさではなく、隠された美しさ」を体現していた。 グローバル市場への布石　ヴィヴィアーノはこれまでユニセックスな提案を得意としてきたが、2025年春夏からメンズコレクションを独立させ、デザインをしっかりと差別化。これによりウィメンズでは、より女性に特化したデザインに集中できるようになり、ブランドにとって良い影響をもたらしている。　同時に海外PRも本格的に始動するため、今シーズンからロンドンのPRエージェンシーであるLobby PRと契約。現地のショールームにサンプルを常設し、貸出対応をスムーズに行っていく体制を整えた。これによって、海外のセレブリティの着用やエディトリアルなどでヴィヴィアーノを目にする機会が格段に増えるだろう。　今季のショーは、ブランドの確かな創造力を示すとともに、海外戦略の布石となり、次なるステージへの飛躍を予感させるものとなった。

VIVIANO

AI時代に問う「人の手仕事」の強み──ヴィヴィアーノが無彩色で見せた新たな一面

　縁あってブランドの歴史を振り返る取材を受けたことがある。短期間ではあるが、足繁く当時の事務所に通った記憶がある。勿論、津森千里本人の談話も取った。往時「ツモリチサト（TSUMORI CHISATO）」はパリでショーを続けていた。パリでも毎回取材をしてきた。服を作ること以上に、服のために絵を描くことが本当に好きなのだな、と云うことを、一連の取材を通して改めて実感した。服を彩る自作のイラストこそが、津森が感じ、考えることを表現した、ハッピーでガーリーな服と云うブランドコンセプトを体現する尤も有益なメディアなのである。身の回りにあるモチーフはドローイングやスケッチの題材となり、プリント図柄に組み込まれる。その流れは今も昔も変わってはいない。 　印象に残るイラストは、思い出の数だけある。なかでも私が一番ユニークだと思ったのは自画像のモチーフである。本人が一層確かに自身の姿を捉えているのか、その胸中の自画像は常に生き生きとしている。これまで幾度も、本人が描いた自画像は、プリントや刺繍で服に落とし込まれていて、確か、二十五周年を迎えた2015-16年秋冬コレクションにも本人の自画像が採用されていたように思う。ガーリーだけれど素朴、ポップだけれど人懐こい。素描のようなイラストそのものも魅力的だが、それらが服の設計に変換されてこそ、その命は一段と輝き出す。「縦縞や横縞、格子柄や水玉模様は、私のなかでは『無地』と同じ」と本人が豪語するだけあって、ここまで色柄で遊ぶブランドも珍しいのではないだろうか。シーズンを失念してしまったが、往時のアメコミ人気にあやかった「スーパー“ツモリ”ウーマン」（津森本人が「スーパーマン」に扮したイラスト）は極め付けだった。　また、ブランドのミューズをデザイナー本人が務めると云うあたりも、このブランドらしいユニークな一面である。そのことを自ら公言して憚らないのだ。本人が標準体型に近いと云うことから、仮縫いでも自ら袖を通し、着心地とシルエットを確認すると云う。年齢云々ではなく、津森と同じ感性、感覚を持った凡ての女性がターゲットだけに、自身がミューズと云うのも過言ではないのだろう。私は、津森の、子供のような天真爛漫を羨ましく思っている。 　2025年9月4日、ツモリチサトは、渋谷区神宮前のTC HOUSE（アトリエ兼直営店）にて2026年春夏コレクションを発表した。今回の東京でのショーは、ブランド設立三十五周年を記念して開催されたものだ。パリにて発表した2018-19年秋冬コレクション（パリデビューは2004年春夏シーズン）以来、七年半ぶりのショーとなった。パリデビューのシーズンは記憶に残っている。「アフロディテ」がそのときの主題で、ギリシャ神話の女神を彷彿させるドレープを効かせたマイクロミニがファーストルック。ピュアな白の潔さが、果敢に挑む当時の津森の熱い思いを代弁するかのようで、印象的なスタイルだった。花や植物、海洋生物、地球、虹と云った津森が愛して止まないモチーフをギュッと濃縮したようにちりばめた今季の作品群は、涼やかなパステルの色彩と煌めくスパングルで彩られている。ファンタジーは、彼女の内面で絶え間なく変化し、変化することで自らを創造し、自らを創造することによって生き続けてゆく。来たる四十周年に向けて、このファンタジーは止むことはないのである。（文責/麥田俊一）

TSUMORI CHISATO

モードノオト2025.09.04

　私は時間を見つけては、現代アートと意識的に触れるようにしている。作品を通して世界の見方を揺さぶられたり、アーティストの思考に浸ったりするのが好きだからだ。専門家ほど知識があるわけではなく、全くの素人であるが、一つの疑問を抱くことがある。それは、若いアーティストでデジタルアートや先端技術を使った作品ほど「人間の精神性」や「人間とは何か」という根源的な問いを投げかけてくる、ということだ。　最近の代表例をあげるならば、大阪万博で展示されている落合陽一氏がプロデュースした作品だ。テクノロジーと仏教哲学を掛け合わせ、人間の存在のあり方を探ろうとしている。根底にあるのは仏教の「色即是空（しきそくぜくう）」という思想で、「形あるものは実体を持たない」という意味だ。落合氏はこれをデジタルに置き換え、「肉体という“色”が、データという“空”に変換されていく世界」を描き出す。つまり、すべてが0と1に還元される近未来に「人間とは何か」を問うているのだ。　同じ問いにファッションで挑んだのが、「ヒュンメルオー（HUMMEL 00）」のデザイナー・森川マサノリ氏である。森川氏はスポーツの根幹にある「人体」を解剖学的に再解釈し、これまで服に隠されてきた筋繊維や骨格を、パターンやパイピングに組み込むことで可視化した。　会場に展示された二体の人形は、アスリートが「ゾーン」に入る瞬間を「身体と意識の融合」として示す一方、身体と意識の分離を暗示する「幽体離脱」として提示され、対極的な状態を描き出した。森川氏はこの二つの状態を対比させることで、スポーツウェアが人間の意識と身体を一致させパフォーマンスを高めるための装置であることを示しながら、同時に「可視化できない精神とは何か」という問いを投げかけている。　さらに映像演出では血液や細胞のイメージが差し込まれ、人間の原始的な「狩り」の記憶までも呼び覚ましていた。肉体を動かすという点で、スポーツと狩りは同じ行動原理に基づくものだと示唆しているのである。　HUMMELが掲げる「Change the World Through Sport」という理念は、肉体的なパフォーマンスの追求にとどまらず、心の変化や人々を奮い立たせる力を信じている。森川氏はその内面的な側面をコレクションに映し出し、テクノロジーを駆使しつつ、あえて「人間らしさ」を際立たせた。　この姿勢は、「クリスチャンダダ（CHRISTIAN DADA）」時代にも通じている。当時は装飾を反抗の象徴として用い、モードの美しさと、着る者の葛藤やアイデンティティの揺らぎを映し出していた。衣服を通じて形のあるものから形のない感情を伝えているのである。また〈Pilgrimage（巡礼）〉と題したコレクションでは、仏教の精神性をモチーフに据えており、森川氏の関心が一貫して人間の内面に向けられてきたことがわかる。　今期のコレクションは、スポーツブランドの理念と森川氏自身の創作哲学が響き合ったものだ。布という具体的な形を通じて、人の内面や背景を映し出しており、前ブランドを知る私の目からは、HUMMELと森川氏の序章が始まったような景色に映った。 　話は戻るが「空」とは、すべてのものごとに実体はなく、個々の関係性の中でしか存在しないという考えだ。テクノロジーが世界をデータ化し、あらゆる事象を数値に置き換えようとするとき、この「空」の感覚は、むしろ人間の側にしか残らないものとして浮かび上がる。　テクノロジー社会が「可視化」「数値化」を追い求める中で、不可視であり、数値化できない人間の精神を可視化しようとする表現は、現代において抵抗になる。ファッションの中で精神性を纏うことは、人間にしかできない「不完全さの価値」を取り戻す営みなのだ。　落合氏と森川氏が共通するのは、先端技術を駆使しつつも「情報化されていく肉体」を見つめながら、その先にある精神性を問うている点である。そして両者の表現は、純粋なアートにとどまらない。落合氏の作品は万博という国家的イベントに、森川氏のコレクションは商品として市場に流通する。つまり、制度や市場という枠組みを通じて、私たちの存在そのものを問い直しているのだ。　デジタル化がさらに加速し、人間を「情報化」し「商品化」する時代。私たちはいかに人間であり続けられるのか。ファッションもアートも、その切実な問いから逃れることはできないだろう。

HUMMEL 00

森川マサノリ氏、スポーツウェアで「人間とは何か」を問う

都会に生きる自然を愛する女性像　ハルノブムラタに加え、今年始動した新ブランド「アルノ（ARNO）」、そしてユニクロを擁するファーストリテーリング傘下「プラステ（PLST）」のウィメンズ クリエイティブディレクター就任と、多忙を極める村田。しかし、その日常の中で、料理のように創造する行為こそが彼の心を潤している。　こうした「本質的な豊かさ」への想いを込めて、2026年春夏コレクションで描いたのが、"自然を愛し、日常の豊かさを感じながら都市を軽やかに歩く女性像"だ。　会場は、近未来的なテレコムセンターのテレコムアリーナ。高さ37メートルの天井をもつ広大な空間に、人工の滝をイメージしたスモークが流れる。都会的な空間で光や水、霧といった自然の要素を用いたインスタレーションで知られる芸術家オラファー・エリアソンへのオマージュで、「自然の要素と都市の要素の融合」をテーマに、自然の壮大さに触れた時の感覚を再現している。　やわらかなスモークが漂う中、モデルたちがランウェイへと歩み出した。自然界の美しさを日常着に融合　ファーストルックに登場したシアードレスは、極薄のオーガンジーを50枚重ねて裾にかけて徐々に枚数を減らし、霧のようなグラデーションを描いたもの。谷崎潤一郎の「陰翳礼讃」で謳われた光と陰翳の調和が織りなす日本的な美学にヒントを得たという。　このように自然界の美しさを思わせるディテールが随所に散りばめられた。長いフリンジをあしらったトップスとテンセルカシミヤのスウェットパンツのレイヤードは、岩間を流れる水をイメージしたもの。上質な素材と日常的なアイテムの組み合わせが、「自然と都市の融合」を体現していた。デニムと西陣織での新たな挑戦　ブランド初となるデニムも、力強い存在感を放っていた。カジュアルな日常着の象徴ともいえる素材を、ハルノブムラタならではの美学でエレガントに仕上げている。ボリューミーなスモッキングが印象的なミニドレスは、1着につき20時間以上という膨大な時間をかけて手作業で施されたもの。丁寧な洗い加工によって柔らかく表情を変えた生地は、品よく心地よい風合いを見せている。　西陣織を使ったスカートは今季のスペシャルピース。京都で百年の歴史を持つ織元、職楽浅野との協力で制作され、帯の織りの裏面に隠れた偶然の美しさに着目したという。銀の裏糸が走る景色を水の流れに見立て、枯山水のような表現をモダンな印象を目指した。充実するアクセサリー 　ハルノブムラタにはすでにアイコンとなるバッグやシューズが揃っているが、今季も新作が加わり、ラインナップがさらに充実した。形を変えられるバケットバッグや、引き絞ることで表情を変えるトートバッグなど、機能性と美しさを両立させた新作が登場している。ヒールシューズやサンダルも新たに提案され、全身のトータルコーディネートによってブランドの世界観がより鮮明に表現されている。　氷柱のように透明なビーズを立体的にあしらったサングラスや、同様に大ぶりのビーズを用いたネックレスやイヤリングが、スタイリングの印象的なアクセントとなっていた。未来を見据えた確かな歩み　総じて、日常の中にある「本質的な豊かさ」がコレクションを通して巧みに体現されていた。一見エフォートレスな佇まいでありながらも、実際にはストイックで、美しさへのこだわりが色濃く表れた、村田らしさが際立っていた。　プラステではよりマス層に向けた洗練された通勤着を提案し、アルノではハルノブムラタよりも手に取りやすいエッセンシャルを届ける。そしてハルノブムラタでは、村田がかねてから追求する“日本発のラグジュアリーブランド”としての世界観を突き詰め、グローバル展開を見据える。　それぞれのブランドで彼のクリエイションは確かな方向性を示し、着実に理想へと歩みを進めている。

HARUNOBUMURATA

ハルノブムラタが見出す“本質的な豊かさ”　自然と都市の調和が生む日常の美

　2025年春夏コレクションでも「レースカーテンが揺れている光景」という「日常」に焦点をあてていたが、その目線が部屋の中から、部屋の外に向けられる変化があったことも心が揺さぶられた要因だろう。ぼさぼさヘアのモデルが早歩きで目の前を駆け抜けたのが最たる例だが、言葉を選ばずにいうなら、それはさながら家の中に数十年引きこもっていた人間が久方ぶりに外の世界に飛び出し、その世界の美しさを語り出しそうな雰囲気すらまとっていた。部屋の中に居続けた人にとって、私たちが見慣れてしまった日常の景色がどれだけ新鮮で美しいことか。 　お尻の部分がすすけた小花柄のパジャマのようなボトムスは、長い間彼女が座り続けていた歴史を感じさせる。肩口が歪んでいるカーディガンは、安いハンガーに長年かけっぱなしだったのだろうか。肩紐がねじれたワンピースやショルダーバッグを急いで掛けたのかめくり上がってしまったジャケット、極め付けはモデルの年齢にはそぐわない、幼児向け番組「にこにこぷん」のキャラクターがほどこされたカーディガン。そのどれもが、鑑賞者に「手入れが行き届いておらず、着飾ることにそれほど興味がなさそうな人」を思わせるのは意図的か、否か。今回のショーが小規模な会場で発表されたことも含め、あえてファッションの制度化されたスケールから距離を取る態度のようにも感じさせる。それは「スーパーに出かける程度の外出が、ある人にとっては大冒険になる」という村上の言葉の通り、些細な行動に宿る大きな意味を強調する行為でもあるように思う。　コレクションテーマの「my basket」は、「当たり前にあるもの」という意味でスーパーマーケットのまいばすけっとにも掛かっているのだろうが、「my basket」（私のカゴ）というモチーフは、知識、経験、感情を抱え込む「自分の器」の比喩として捉えることもできる。また、カゴの編み目はぐるぐると繰り返されることで出来上がる産物であり、その反復性は毎日を生きる我々の「日々の繰り返し」とも連動してくる。忘れてはならないのは、村上は「若い人にニッターはかっこいい仕事だと思って欲しい」と方々でコメントするような生粋のニットブランドデザイナー。ニットも基本的に、編み続けることで物が出来上がる反復の産物だ。反復性の営みは、すなわち「ピリングスの手仕事」「繰り返される日々」とニアイコールで結べるところでもある。　カゴ（basket）は器（bowl）とは異なり、基本的には編み目があるので、カゴが満たされる前に底からこぼれ落ちてしまうこともあるだろう。「バスケット＝自分の内面の入れ物」で、そこに入ったものとどう付き合うか、何を溜め込むか。それは世の中に何かを生み出すクリエイターにとってはほとんど命題に近いものだと思う。編み込まれたカゴに入れられたものは孤立せず、互いに響き合って増幅し、クリエイションとして日の目を浴びる。今回、村上が自身のバスケットの中で響き合わせ、増幅させたのは、私たちが無意識に蓄積してきた日常の視覚的記憶を掘り起こしながら、それを改めて“発見する”体験に変換させる装置（服）だった。私たちが日常的に目にしてきているすべてのものは、本来平凡なものにすぎない。しかし服というかたちで立ち上がると、それは見慣れたものではなく、未知の存在として立ち現れる。その二重性が観客を惹きつけたのではないだろうか。 　不思議なのは、これほどまでに服の背後にある物語を想像させながらも、全体に静けさが漂っている点だ。それはまるで、デザイナー自身が名乗ることを拒むような、村上の沈黙に似た静けさとも言えるだろう。「どこかで見たことがある」という既視感と「決して見たことがない」という未知性。その意図を理解しようとする時、私たちは村上の視線を追うのではなく、自らの中にある記憶や想像を手がかりとせざるをえない。　人間の記憶はビデオカメラのように音声もなければ長尺で保つこともままならない。数秒単位、あるいはカメラのようなワンシーンの連なりが人間の「記憶」の正体だろう。その限りある記憶を駆使しながら、何気ない日常を慈しむ心が我々には備わっている。記憶は曖昧なもので、数式や定規などでは描きようがない。おぼおろげな記憶が規則的ではなく、ピリングスのシグネチャーのように「歪んでいる」のは至極真っ当で納得感もある。　話は横道に逸れるが、仏教には「空」と言う概念があり、日本ではより強く「はかなさ」や「むなしさ」など元来あった日本人特有の気分と結びついたものとして「空」の概念が受け入れられたそうだ。ファッションにおいて「日本的なもの」を表現する時、多くのクリエイターは型や素材、文化的な背景を利用しようとするが、村上は「日本人らしい儚い記憶の保存方法」に着目し、カメラもでもなく、ビデオでもなく、服でそれを試みようとしている稀有な（そしてかなりチャレンジングな）デザイナーだ。それはいつの日か、新たな「日本発の日本らしさを表現するブランド」として世界に受け入れられるだろう。

pillings

見慣れすぎた「まいばすけっと」は都民の罰なんかじゃない──「ピリングス」2026年春夏

　「ちょっと痩せたので」と、男は弁解がましく笑っているが、きっと自覚の顕れだろう。確かに、眼前の男の風貌は、以前のネズミ男的な印象が消え去り、キリリと締まったデザイナーの顔になっている。　ここ数回、「ピリングス（pillings）」は含蓄に富んだショーを見せてくれた。大正時代の私小説作家が作品のモチーフとして描き続けた閉塞感のようなモヤモヤを、詩的で愛らしい掌篇へと昇華させる村上亮太の気骨がその作品群に見え隠れしている。私は、彼の意気地と、作家としての抜き差しならぬ生地を眼にする度に心が動かされてきた。そんな彼が、今回、ヘタウマ式の既製服の境界をひょいと跳び越え、オートクチュール的な仕事を彷彿させる創作を披露したのである。　お前は正気か？と揶揄されるのを覚悟で云うのだ。これでも売文稼業を活計とする身。誤解を招くといけないので註釈を入れておこう。なにも村上の腕前が格段に上がったわけでもないし、高級注文服の崇高なメゾンの格式とアトリエの盤石な体制と云う二種の神器を一挙に手にしたわけでもない。まして実際の服はと云うと、クチュールと呼ぶに相応しい気品（リッチ）もなければ、贅沢感（ゴージャス）もないと云う按配なのだけれど、私は、敢えてこれらの愛らしい「毛玉たち」を、クチュール的な実験の産物として評価したい。　こんな評価は、誰も想像し得なかっただろう。これほどまでに作家の身の丈に合った手仕事と創意工夫の結晶を眼前に突き付けられてしまっては、私のヤワな思考回路は、嬉しいことに、まったくの誤作動を繰り返してしまった。否、思考の誤作動などはどうでもいいことだし、実際、作品がクチュールに値するかしないかなどはどうでもいい。一つだけ確かなことがある。村上は、彼のアトリエの面々を鼓舞して、思考や情熱や感動を、触れることの出来るものへと変換したと云う事実である。元来、メゾンのクチュリエとアトリエとの関係はそう云うものだ。その伝で云えば、紛れもなく彼は、当たり前な日常を、手に触れることの出来る浪漫（ローマン）へと昇華させたのである。新しい技法かと問われれば、決してそうではないけれど、種々の加工を随所に施すことで、服についてしまった「たたみジワ」とか「座りジワ」とかを、意図的に眼に止まるアイコンとして服に定着させるあたりの、この設計上の、良い意味でのあざとさが愉快なのだ。　物語の面白さに慣れた我々は、より工夫された刺戟的な物語を好むように出来ている。だが、恰も評価を当て込んだ如く展開される、日常と非日常の押し付けがましい追い掛けっことか、脱構築のエスカレーションだけが刺戟的な物語なのではないと云う事実を、今回のショーは明確に提示している。村上が描く掌篇は、常に書く側の感覚に裏打ちされた情緒的文章で成り立っていて、しかも充分に計算の行き届いた知的構成を忘れない。否、寧ろ感覚的であるよりも知的であることの方に、重きを置く傾向がある。この場合の知的の意味は、頭脳の冴えと云うよりは、考えに考え抜かれた工夫とか、あざとさと解釈して欲しい。この外連味が、手際の悪さと愛らしさと表裏一体式のヘタウマ感覚を生み出すと云う図式である。まぁ、今回の作品群は、幾許かの稚拙さを味方に付けてはいるものの、少しく大人びて見えたのも確かなのだけれどね。　村上が築き上げた言語世界は、なんとも奇妙である。子供が玩具箱をひっくり返し、ガラクタを積み上げてわけの分からぬ奇妙なオブジェクトを作ったようなものだ。このオブジェクトには、隠されたなんの意味もない。ただ作者の無償の、無垢な想像力が組み上げただけのものである。但し、創作過程の蓄積と醗酵の時間の長さを想像すると、これは、ただの子供の悪戯では成立し得ない、緻密な観察眼と強い意志の賜物であると理解出来よう。題材は、箪笥に仕舞ってある普通の服。飾りは最小までに抑えられ、しかもこちらに媚びる演技もない。それがしかし、見た眼の普通と云う皮を剥いで現れる中身の普通が凄いのである。と云ってもまだ、何も云ったことにはならないが、しかし、そのチラリと露出した普通を見てドキッとするのは何故だろうか。またもや、彼が用意した絡繰りにまんまとハマってしまったらしい。（文責/麥田俊一）

モードノオト2025.09.03

　私はかつて、ファッションウィークの最中に「多様性はどこへ」という問いを投げかけたことがある。当然、業界全体を動かす力が自分にあるとは思っていなかった。ただ、誰も言葉にしないことを指摘することで、議論のきっかけになればと信じていた。マイノリティの身体を持つ一人として、その責任を引き受ける覚悟があったからだ。　だが年月を経てもなお、「多様な身体がモデルとして起用される社会」という願いは現実から遠い。むしろ、画一的な基準はさらに強まっているように見える。ファッションが時代を映すものだとするならば、この問題は単にモデルの選考基準だけの話ではない。社会全体に漂う空気の表れとして読むべきだろう。　結論を言えば、いまの社会には「違いを認める余裕」が欠けている。戦争や覇権争いが激化し、国は「自国を守る」という論理に回帰している。個人も同じだ。「自分を守る」ことで精一杯になり、他者や異なる価値観を受け入れる余白はどんどん縮んでいる。多様性は希望ではなく、ときに過剰な負担として受け止められるようになった。　だからこそ、ファッションウィーク初日の光景を見たとき、単なる演出以上のものを感じる。それは時代の不安が映し出された兆しだ。ファッションの華やかさの裏には、現代が抱える「余裕のなさ」という影が潜んでいる。　「現代人は余裕がない」──そうしたフィルターを通すことで、ファッションウィーク初日の風景もまた違った姿で浮かび上がってきた。ムッシャン：傷ついた心に寄り添う「第二の皮膚」 　2026年春夏コレクションで「JFW ネクスト ブランド アワード 2026」のグランプリを受賞し、楽天ファッションウィーク東京のトップバッターとして初のショーを行った「ムッシャン（mukcyen）」。ブランドの世界観は、見る人によって幻想的にも、儚げにも、強さを感じさせるものにも映った。　今回登場した「セカンドスキン」のアイテムは、肌に優しい素材で作られ、まるで傷ついた体を包むガーゼのように保護する役割を果たしていた。白、黒、グレーといった低トーンの色は、外界の喧騒から距離を置き、心の平穏を求める姿勢を象徴している。彼女は「今を生きるために必要な服」と答えていた。　また、今年話題になった「とある予言」にも触れ、将来への希望ではなく、不安を和らげることや、「いま」という瞬間を大切に守ることを意識しているようにも見えた。関係者に配られた「笛」も、危機意識から生まれた防御策だが、災害時だけでなく、ときに「孤独」を感じたときのSOSアイテムとして捉えることができる。ナゴンスタンス：日常からの解放を提案する「逃避」 　一方、ファッションウィークに初参加したナゴンスタンスは、「どこかへ」（日常からの離脱）をテーマに、疲れから解放される「逃避」の機会を提示した。自然の中での変化は身体的な解放を意味するが、時に危険も伴う。「ナゴンスタンス（någonstans）」の水着やセカンドスキンのように身体に密着したアイテムは、外的ストレスやケガから身を守る機能も備えている。　このブランドは、ファッションを「安らぎ」と「解放」の手段として位置づけ、日常のストレスから意識的に距離を置くための具体的かつ実用的なソリューションを提供している。こうしたアプローチは、内なる調和を促し、前向きな気持ちで外界に向き合うための方法とも言える。　「現代が求める多様性とは」 初日にショーを行ったムッシャンとナゴンスタンスは、困難な時代にあっても、ファッションがストレスからの解放を多様な形で示せると感じとった。両ブランドの共通点である「セカンドスキン」は、それぞれ「外の世界に向かうための保護」と「傷ついた内面を守るガーゼ」という異なる役割を持つ。　ポジティブな色で外界と向き合うナゴンスタンスと、モノトーンで内なる平穏を求めるムッシャンは、一見相反するようだが、どちらも現代の人々の「ストレスから解放されたい」という願いに応えている。これが、単一の正解を押し付けない現代の多様な表現だ。ファッションは、一人ひとりが自分なりの方法でストレスに向き合い、心の平穏を保つ手段となり得る。両ブランドが示すファッションは、現代人の内面に寄り添い、心を安定させる処方箋であることを示唆している。

någonstans

mukcyen

疲弊する時代への「解毒剤」──ムッシャン、ナゴンスタンスをレポート

　文字通り流れる如き展開。動きが生み出すワルツの律動。漸次移り変わる服地のしなやかな表情。こうした抒情的な設定は「ハルノブムラタ（HARUNOBUMURATA）」ワールドの定番。気品のある拵えと云う結構も、既に手の内に入れてある道具立てのせいか、終始、滑らかに流れる感じがする。たとい2000年代前半の欧州のラグジュアリーブランドの影響が見られたとて、既視感を追い払うだけの充分な咀嚼力がある。とりわけ今季の創作は涼やかだ。後述するけれど、彼の創作は、眼に見えないほどの一本の糸で繋がれている。　陰影のもたらすゆかしさを感じる。たとえば、透明感のある色彩が交叉する澄んだ空気の印象。浅瀬に流れる水の音のイメージ。陽の光に反射する水飛沫の煌めき。花弁に零れる朝露の儚さ。八重にかかる朝霧のおぼろな情景。鬼百合のグラマラスな造形。朝まだきの庭園のすがすがしい景色を創作イメージの遠景として、我々を育み、恵みを与える自然の豊かさと神秘を彷彿させるモチーフが服の設計と細部に織り込まれている。この場合、古来の日本庭園が望ましいが、特段その様式にこだわるよりは、噴水や花壇、池泉や東家などを設えた情趣のある架空の庭園の全景を想像して欲しい。　円熟した大人の語り口とまではいかないけれど、村田晴信の創作は瑞々しい抒情性を湛えている。と云ったとて、湿っぽさは微塵もない。女性たちは、自慢のボディーラインを見せるために、窮屈な仕立て服を我慢したり、逆に、慎み深く全身を覆い隠したりする必要などはない。村田の特有の優雅さを身に纏えばいいのだ。このことは以前も云ったけれど、軽やかで綺麗な服を演出するブランドの居場所がなくなってしまった今の東京のファッションウイークに於いて、村田の意志は貴重な存在だと思う。それほど引き出しが多くはないようだから、大胆なシーンチェンジは望めないが、何も、立ち合いで、すばしこく変わり身を打つことだけが目新しさではないのだから、そのあたりの土俵勝負の呼吸は、本人がいちばん承知しているだろうし、外野がとやかく口を挟むべきことではない。　これは私の勝手な想像なのだけれど、彼は縫い目を一本取るかどうかで、何時間も、或いは、何日も悩み続ける男なのだと思う。その仕事ぶりは、ファッション界の古典主義者さながらだ。彼の作品がミニマルならば、ミニマリズムには思想とアイデアがギッシリと詰まったものでなくてはならない。密度の濃い仕事をしているのだから、ミニマムなデザインを手掛ける他のデザイナーと一緒くたにすることは、一つ一つの作品に込められた労力を侮辱することになる。私が行司ならば、ミニマリストよりもマキシマリストとしての彼に軍配を上げる。珍しく今季はデニム素材を大胆に取り上げている。一着毎に手仕事によりスモッキングされた布の質量は、洗いを掛けることで肌馴染みの良い風合いに仕上げた。彼のスタイルが微妙に進化を遂げたとしても、驚くに値しない。流行にしがみつき、シーズン毎にトレードマークを変えるようなデザイナーとはわけが違うのだ。　得てして一つのショーには、創作の「魔」が立ち上がる瞬間がある。見逃すことの出来ない瞬間である。村田の創作は、ジャポニスムとかシノワズリーとかのステロタイプ化した異国趣味とは一線を画するものだ。だが、和的なファンタジーがちらりと覗く瞬間がある。服に擦り込まれた「和」とか、幻想的な「和」は、我々がそれと気が付かないほどの巧妙さでうっそりと立ち上がり続けている。「洋」の服を題材にしているが、村田は、豊かな奥行の精神と、極めて日本的な美の本質を自らの創作の拠りどころにしている。「和」と云う直接的な主題に共鳴することはなくて、もっと枝葉末節の、皮膚感覚に近い部分での共鳴である。しかし、思慮深き読者には、主題と枝葉末節は、実は等価であると云う事実を再認識するはずである。さて、一見、途切れているように思える糸をしっかりと見ることが出来るか。試してみる価値はある。（文責/麥田俊一）

モードノオト2025.09.02

　今日「ムッシャン（mukcyen）」のショーを取材して思った。ボンデージとかランジェリーの細部を見て思った。白状するが、私は、女性が作る女性の服に、あまり魅力を感じたことがない。勿論、例外はある。女性が作る女性の服に、感服することはある。意中の女性デザイナーの名前を一つ一つ数えると切りがない。ここで誰々と名前を挙げるのは相応しくない気がするから割愛するけれど、寧ろ、男のデザイナーの比ではないかも知れない。　世間に倣って、遅まきながら、「多様性」と云う題目がファッションの世界でも喧しくなって久しい。遅まきながらと云ったのは、多様性と云う概念こそ、そもそもファッションを、ファッションたらしめる、心理的衝動であった筈の動機に相違なく、それが、今更ながら大手を振って再登場してしまうのだから、さしずめデザイナー諸氏、よほどコレクションノートに書き付けるテクニカルターム（煽情的な用語）が欠乏しているのだなと、いや、関係者よりお叱りを受けるのは覚悟の上だけれど、もそっと気の利いた主題、楽曲の中心となる楽想を端的に表現する術語が使えないものかと、ここ数シーズンの間、心待ちにしている私の身にもなってみなさいな。でも、なんだなぁ、こんな傍観者ヅラした他力本願を懐にするのは卑怯と云うものだなぁと独り言つ愚者一人。　閑話休題。改めて多様性について語るつもりはない。男が作る女の服には、男のエゴがあるから面白い、と云いたいだけだ。炎上覚悟で云うとね、男の私から見ると、男自身のエゴが、彼らの作る服に滲み出るから、男の作る女性の服は面白いのだ、と云う得手勝手な論法である。理論発展の方式など微塵もないし、女性のデザイナーに対して、甚だ失礼なのは承知している。 　もう一つ白状しよう。私の、女性に抱く畏怖の念は、とてもシンプル（単純）なのである。それは、直立二足歩行を始めた僕（正確に云うと、我々の祖先であるアウストラロピテクス）が、「火」を発見したことで、鬱蒼とした原始林の恐怖に打ち勝ったとき、まさにその折に、僕のDNAに深く刻み込まれた根源的な記憶に通じるものなのだ。その畏怖の念は、未知なる不気味さに克つたときに味わうカタルシスと云うか、未知なる神秘の持つ威厳に畏まる気持ちと云ってもいい。眼に見えない一本の糸で、大自然と繋がっていると云う感じだろうか。こうした狭量で曖昧な視点を拠りどころにファッションを書いていていいのだろうか、と番度に思い悩むのだけれども、今更、転向することは出来ない。私にとっての「火」は、錬金術師が躍起になって追い求めた「賢者の石」のようなものなのかも知れない。　「ムッシャン」のデザイナーは、木村由佳と云う女性である。彼女は、セクシュアリティーの境界に挑戦する主題を掲げているわけではない。伝統的な下着やコルセットも、彼女の手に掛かると外出着になる。男のデザイナーであれば、女性の体型を強調することに重点を置く傾向が強くなるところだが、彼女には、常に女性のプロポーションを気にしない節がある。それに彼女は、シャープな仕立てと、ボリュームを持たせたカタチとを両立させることが出来るデザイナーで、寧ろそれを得意としているようだ。但し、今は完璧ではないけれどね。 　フラットにカットするが、悪戯に肉感的なカタチを嫌い、同時に不必要に身体に纏わりつくカタチを避けている。だから、彼女が考えるセクシュアリティーは、より概念的なレベルで、常に自立していて、叛骨的な意志を持つ知的に成熟した女性に訴えかける性質のものだ。要は、男のデザイナーのような変な媚びが立ち入るスキはない。男が理想とする体型とか、社会の性差別意識、或いは服そのものの機能、即ち、リアルクローズとプロテクションと云う概念の相関関係に敢えて挑もうとしている。多様性と云う陳腐なフレーズが声高に謳われようとも、自身が目指す女性の服と真摯に向き合い続けるならば、自身の創作のルーツに繋がる糸は決して断たれることはないだろう。デビューショーの今回がすべてを云い尽くしてはいないし、私にとっての「火」が眼前に迫りくるほどの激しさを伴っていたかと云うと、残念ながらそこまでの迫力はなかった。だがしかし、いつの日か、根源的で神聖な「火」を、私はしっかり享受してみたいと願っている。（文責/麥田俊一）

モードノオト2025.09.01

予言が導いた“限られた時間”への思索　デザイナー木村由佳が今季の着想源に挙げたのは、SNSを中心に広がった「2025年7月5日に日本で大災害が起きる」という噂だった。東日本大震災を的中させたという漫画家のたつき諒の作品に記された一文が発端となり、不安や憶測が世間を駆け巡った。　幸い、そのXデーは何事もなく過ぎ去ったが、木村は「未来への不安感から、“限られた時間をどう生きるか”ということを考えました。予測できない出来事にも対応できるような洋服をイメージして制作しました」と語る。肌を優しく包むセカンドスキン　ファーストルックに登場したのは、枕を抱え、包帯を巻きつけたようなセカンドスキントップスとレギンスに身を包んだモデル。避難の途上を思わせる姿だが、その素材は柔らかく、身体を優しく包み込む。　この象徴的なセカンドスキンシリーズは今季、キュプラを重ねて保湿加工を施し、長時間の着用にも耐える仕様に進化した。木村は「スキンケア効果のある素材を開発し、インナーウェアでケアできる服を目指した」と話す。快適さと実用性を兼ね備え、日常と非常時の両方に対応する"防護服"となった。災害への"備え"をファッションに昇華　コレクションには、災害時の"備え"を思わせるディテールが散りばめられていた。　バッグの造形を取り入れたというハーネスや、ジャケット、ビスチェ、ショートパンツとなる肩甲骨のような立体的なフォルムの“スキャプラハーネス”。ストレッチコットンのジャンプスーツは、大きなポケットや変形できるラペルを備え、シーンに応じて自在に姿を変える。 　さらにモデルたちが携えていたぬいぐるみやランプは、被災時の"持ち物"を想起させるアイテムだった。ギプスや防刃ウェアを彷彿とさせるメッシュやチェーンのアクセサリーは、身を守りながらも前に進む人間の強さを表現する小道具として機能。シャツのスリットに腕を通し、骨折時に使用するアームホルダーのように固定したり、長いスカーフで頭を覆ったりと、スタイリングにもその精神が落とし込まれていた。ムッシャンが描く死生観と退廃美　ムッシャンは2024年秋冬にデビューしたばかりの新たなブランド。今回、日本ファッション・ウィーク推進機構の「JFW NEXT BRAND AWARD 2026」でグランプリを受賞し、このショーで今季のファッションウィークは幕を開けた。　死生観を核に据えたダークで退廃的なムード、コルセットや包帯などボンテージディテールによる身体の誇張、中国と日本をルーツに持つ木村のオリエンタルな表現。4シーズンですでに独自のスタイルを確立しており、その世界観はこの初舞台でも鮮烈に表れていた。防災の日に示した“向き合うことの重要性”　奇しくもショーが行われた9月1日は「防災の日」だった。1923年の関東大震災の教訓を伝えるために制定された日である。　予測不可能な災害や事故が相次ぐ不確実な現実の中で、ムッシャンが示したのは、自分自身と向き合うことの重要性だ。木村はこうプレスノートに綴っている。「自分自身に問い質すことは、不確定な運命の気質の膿である不安や苦痛を和らげるセラピーといえるでしょう。 それは、ほんの 10 分足らずの時間かもしれません。 ただ実際は、その儚さや一貫性の無さからは程遠く、洋服を着脱することを通した思考は、 無を赤く染め上げるかのように、自己のアイデンティティーを炙り出す役割を果たすのです」　わずか10分というショーは、まさに「限られた時間」の象徴だった。しかし、その濃密な瞬間が観客に伝えたのは、不安や恐怖ではなく、どんな状況でも前を向いて生きることの尊さ、備えと心構えを持つことの大切さだった。そして、服をまとうという日常の行為さえ、私たちが自分自身を見つめ直すきっかけになり得るのだと気づかせてくれた。

ムッシャンの儚く美しい防護服──初舞台で問いかけた「限られた時間をどう生きるか」

 What is Pandora?「パンドラ（Pandora）」はデンマークのコペンハーゲンで1982年に金細工師のエネヴォルセン夫妻により設立。2000年代にパンドラの象徴とも言えるチャームブレスレットを発売し、さらに店舗を拡大。2016年にフランチェスコ・テルツォとA.フィリポ・フィカレッリのデュオがクリエイティブディレクターに着任し、毎シーズンコレクションを発表している。現在世界100以上の国と地域で販売、日本には表参道の旗艦店をはじめ、56店舗を構える。パンドラのジュエリーで彩るファッションウィーク　まず参加者はコペンハーゲンのショッピングエリア・ストロイエ地区にあるパンドラの旗艦店を来訪。ブランドカラーのピンクに染まったストア内でスタイリングイベントに参加しました。テーブルにたくさん並べられたチャームを自由にカスタマイズし、ファッションウィーク期間中に着用する“自分だけのジュエリー”を制作します。チェーンの長さや太さから、チャームの種類まで、何通りもの選択から一つずつ吟味。規則的に揃えたり、ランダムに繋げたりと試行錯誤していると時間があっという間に過ぎていきます。　石井さん、松井さん、美海さんの3人も最終的にはそれぞれ満足のいく仕上がりのジュエリーが完成。自分でセレクトして出来上がったジュエリーには愛着も湧くもの。身につけて目に入るなり、自然と笑みがこぼれます。 パメラ主催の一夜限りの晩餐会　この日の夜に行われたイベントの会場は、市内中心部にあるグリプトテク美術館。デンマークを代表するビールメーカー カールスバーグ社創業者の息子カール・ヤコブセンにより1882年に設立されたこの美術館では、印象派の作品をはじめとするプライベートコレクションが所蔵されています。ゲストはエントランス中央の「ウィンターガーデン」と呼ばれるドーム型の中庭でウェルカムドリンクと共に迎えられると、ミュージアムツアーを経てギリシャ、ローマ時代の彫刻作品群などが展示された大広間へと案内されます。 　彫刻作品に囲まれるように配置されたロングテーブルで晩餐会がスタート。2023年からブランドアンバサダーを務める女優のパメラ・アンダーソン（Pamela Anderson）がディナーのホストとしてゲストを迎え、デンマーク人シェフであるラッセ・アスコフ（Lasse Askov）が、昨年出版された彼女のレシピ本から着想を得て、ローカルの材料を使った特別メニューを考案。パンドラのジュエリーを思い思いに身につけドレスアップした約100名の招待客にスペシャルなヴィーガン料理が振舞われました。日が落ち薄暗くなった広間は、燃えるような赤い壁画に彫刻作品が浮かび上がりドラマチックな空間に。ローカルアーティストが奏でる生演奏の音がホールに響き渡り余韻を残しながら、特別な一夜が更けていきます。 運命を手繰り寄せる ”お守り”ジュエリーがお披露目　晩餐会はグローバルで8月28日に発売される新作「タリスマン」コレクションのお披露目を兼ねたもの。ギリシャ、ローマ時代を彷彿とさせる古代のコインから着想を得たメダリオンのデザインが特徴で、「時を超えたシンボルと言葉を現代の自己表現として身につける」というメッセージが込められた壮大でロマンチックなコレクションです。ハートや月、星、バラ、ライオン、矢などといったモチーフの裏にはそれぞれ力強いラテン語のメッセージが刻印されており、身につける人の意思を反映し、時には鼓舞してくれるようなステイトメントジュエリーとして12のデザインで登場します。モチーフはもちろん、言葉の意味を知った上で”お守り”チャームとして身につけるのも良さそう。コレクションをもっと見るパンドラが育むデンマークの若手デザイナーの芽　ファッションウィーク期間中、CPHFWとパンドラが共同でブレックファストイベントを開催。パンドラはグローバルに展開するデンマーク発のジュエリーブランドとして、若手ブランド支援プログラム「CPHFW NEWTALENT」に数シーズンにわたり参加し、今年はメインパートナーを務めました。プログラムは北欧の新進気鋭ブランドを支援・育成・プロモーションすることを目的にしており、ショーやプレゼンテーション開催に向けた経済的支援やメディアへの露出機会を創出するサポートなどを行っています。　ファッションウィークと同時開催の合同展示会 コペンハーゲン・インターナショナル・ファッション・フェア（CIFF）の会場一角で行われたイベントにはメディア関係者などが立ち寄り、デザイナーと交流する機会が設けられました。　CPHFWのCEOセシリー・ソルスマルク（Cecilie Thorsmark）と共にスピーチをしたパンドラのグローバルPRディレクターのレミ・モボラド（Remi Mobolade）は、パンドラのようなグローバル企業がプログラムに参加する意義をこのように話します。 パンドラはジュエリーを作っていますが、それは単なる装飾品ではありません。私たちはジュエリーを、深くパーソナリティに結びつく自己表現の形だと考えています。それぞれのピースが、その人らしさを表すものだからです。だからこそ私たちは、多様な自己表現を称え、後押しすることに全力を注ぎ、個人のスタイルに寄り添う存在として、若手デザイナーを支援する意義があると考えています。そして昨年に続き、若手デザイナー支援スキームのメインパートナーになれたことをとても誇りに思っています。そしてこれは単発ではなく継続的に行うことが重要だと考えています。経済的な支援はもちろん、それ以上に将来的に重要なのは、経験や学びを分かち合い、次世代に伝えていくことだと信じています。　今回サポートを受けたブランドの一つ、「ステム（STEM）」はテキスタイルデザイナーのサラ・ブルンフーバー（Sarah Brunnhuber）が考案した独自の織り・裁断・縫製技術で、生地の端材など“廃棄ゼロ”の服作りを行うサステナブルなブランドです。2度目のコレクションとなる2026年春夏シーズンでは、籠編み職人によるワークショップが中央のテーブルで行われる中、同じ技術を用いて編み上げられたコレクションにパンドラの新作ジュエリーを身につけたモデルが会場を練り歩くというユニークな形式で新作を披露。ブランドは過去には「ガニー」とのコラボレーションを発表したほか、今後デンマーク国内にファッション向けの織物工場を作る計画もあるといい、伝統的なクラフトをサステナブルな手法でファッションに昇華する野心的なブランドです。ファッショニスタに学ぶパンドラジュエリーの楽しみ方　ファッションウィーク期間中、パンドラのジュエリーをまとってイベントに参加した各国のゲストたち。シルバーやゴールドをミックスしたり、意外な組み合わせの重ね付けをそれぞれのスタイリングで楽しみました。Enchant of PANDORAーパンドラの魅力とは？ー 「色々なパーツやチェーンを自由に組み合わせることができるのが楽しいし、魅力的。たとえば旅先でチャームを選んで、身につけるたびに旅の思い出に浸って幸せな気持ちになったり、そんな楽しみ方も素敵だなと思いました」（松井愛莉） 「パンドラは自分好みに自由にカスタマイズできて、毎日身につけると自己肯定感をアップしてくれるようなジュエリーだと思います。自分らしさをまとえるのが一番の魅力です」（石井杏奈） 「クラシックでシンプルなジュエリーもあれば、チャームをたくさんつけて個性的にまとえるジュエリーもあって、気分やシーンに合わせて自分らしさを表現しながらさまざまなスタイルを楽しめるのが魅力だと思います」（美海）　コペンハーゲン・ファッションウィークをジュエリーとともに彩ったパンドラのすべての取り組みの根底には、自分らしさを肯定し、自己表現の可能性を広げるというジュエリーブランドとしての理念が一貫としてありました。身につける人のそれぞれのスタイルや生き方に寄り添い、新たな表現の可能性を広げていく——。コペンハーゲンでの発信は、そんな力強いパンドラのメッセージを改めて示す場となりました。

コペンハーゲンでのイベントをレポート

パンドラが提案するジュエリーを通じた“自己表現”のしかた

　会場となったのは、コペンハーゲンの造船所などが集まるポストインダストリアルなエリア「レフサレエン（Refshaleøen）」。普段はナイトクラブとして利用されている退廃的なコンテナ庫と丘越しに覗く風力発電機の羽を背景に、「HANA-BI（花火）」と題されたショーは、10年分のアーカイヴを再構築した一点物とそれらをコラージュした新作を組み合わせ、これまでの歩みをブランドの普遍的なアイデンティティとともに見せた。　デザイナーのセシリーは、「花」と「火」という繊細さと力強さが共存する二面性を併せ持つこの日本語に自身の美学に重ね、白く儚いドリーミーな世界観にシルバーを散りばめコレクションを作り上げた。オールホワイトで構成されたコレクションでは透け素材を巧みに重ね、繊細なレースやスパンコール、銀箔を使ったミニマルながらも贅沢な質感を生み出した。　シンプルなスリーブレスドレスはバルーンのようなペプラムへと変容し、繊細なレーススカートは雲のようなふくらみを帯びたフォルムを造形。レイヤードをよく見ると細身のハーネスやベストをドレスに重ね、編み上げやバックルのデザインを取り入れて、甘いムードを引き締めるエッジの効いたハイブリッドなデザインに。セシリー・バンセンらしい甘さの中に潜む"毒"がコレクションでも随所に垣間見れた。　スモークが焚かれたランウェイは幻想的なムードを演出し、フィナーレには数発の"HANA-BI"が白昼に舞い、霞がかったホワイトのキャンバスに火花が"スパーク"しているようなコレクションとの完璧な連動を見せた。足元は協業パートナーでもある「アシックス（ASICS）」の既存モデルで揃え、セシリー・バンセンの特徴的なスタイルを完成させた。　ファーストルックを歩いたのはビョーク（Björk）の娘でモデルのイサドラ。アシックスとのコラボレーション発売時のキャンペーンヴィジュアルでモデルを務めるなどブランドとのゆかりも深いモトーラ世理奈もランウェイを歩いた。　観客の中にはアーカイヴピースをまとったゲストも招待され、10周年というアニバーサリーショーを故郷への凱旋ショーという特別な形で祝った。コレクションの一部のアイテムはコペンハーゲンに新しくオープンした完全予約制のプライベートブティックで受注生産で展示・販売している。なお、2026年春夏コレクションは10月のパリファッションウィークで発表予定している。

北欧コペンハーゲンの空に舞う「HANA-BI」　セシリー バンセンが10周年記念ショーを母国で開催

「ギリギリまで突き詰める」師匠から学んだこと　1990年前後、すでにカリスマ的な影響力を放っていた藤原と顔が似ていることから、「2号＝NIGO®」と呼ばれるようになったのは有名な話だ。サンプリングとリミックスを日本に広めた藤原と、当時からよく遊んだり、藤原主催のイベントでDJのアシストをしていたとNIGO®は振り返る。　最近でも不定期に会っては、何か面白いことがあれば刺激を得る。そんな普段のやりとりの中で、藤原が作ったミックスをNIGO®にLINEで送ったことが、ショーのサウンドトラックに起用するきっかけになった。　「聴いたらグッときて。それをケンゾーのスタジオで見せたら『これいいね！』と皆が盛り上がって、ショーの音楽をお願いしたいとヒロシ君に頼んだんです。若い世代の人たちにも届くのはすごいなと」。　サウンドトラック制作のやり取りを通じて、NIGO®が改めて感銘を受けたのが「最後まで突き詰める」という藤原の姿勢だったという。「結構ギリギリまでミックスをアップデートしてくれて。普段自分もよくやることで、それって無意識に師匠を見て学んだんたんだな、と納得する部分がありました」。ミリ単位の違いまで真摯にこだわり続ける、NIGO®のスタイルのルーツを垣間見た。異なる個性が生むパラドックス　そんなNIGO®のことを、藤原はどう見ているのか。「僕とNIGO®は結構ジェネレーションが違います。僕の時代はアンダーグラウンドだったけれど、彼は最初からビッグスケールで物事を考える。30年以上前からそうでした」。今や世界中のキーパーソンやコミュニティとつながりを持ち、それぞれ活躍している2人について、共通点よりも違いや個性を強調する。　「彼は几帳面だしアーキビスト。僕はそこまで引き出しが多いわけではないから、彼がそれを大きく世界でやっているのはすごいことじゃないですか」。そんな2人がともに仕事をする姿は近年では見ることがなかったが、「NIGO®に頼まれたから」引き受けたとクールに話す。「昔よくNIGO®がかけていた曲とか、時代とジャンルを関係なく混ぜているので、面白いと思います」。サウンドトラックは、1990年から現代まで縦断する、古くて新しいパラドックス的なミックスに仕上がった。※実際にショーで流れた音楽と、アーカイヴのショー映像の音楽は別で制作された（ともに制作は藤原ヒロシ）。前者はショーの招待客だけが聴くことができる、一夜限りのミックスとなった。ケンゾーに吹くパンクな新風　2026年春夏コレクションにも、ジェネレーションミックスの精神が貫かれている。布石となったのは、前回3月に発表されたウィメンズ単独の2025年秋冬コレクションだ。イメージムービーとして1960〜70年代調のアニメーションが制作され、招待状はウサギのぬいぐるみ。コレクションにはマニッシュなタキシードブレザーとコケティッシュなランジェリーを合わせるなど、レトロなアイデアと遊び心がふんだんに取り入れられた。　新たなケンゾーについて「自分の中のひとつの箱を開けた」と表現したNIGO®。膨大なアーカイヴコレクションを所有しているNIGO®の言う「箱」とは、幅広い年代とさまざまな文化が詰め込まれた、いわば知識とアイデアの宝庫。その中から、あえてこれまでタッチしてこなかったという「パンク」の蓋が開いた。「みんな好きですよね。自分ではあえて表立っては触れてこなかったパンクカルチャーを取り入れて、そこに"楽しさ"を入れていきました」。　NIGO®の手掛けるケンゾーの初期は、ビジネスを意識しながら、畑を耕し種をまくようにクリエイションを高めてきた。ファーストコレクションから3年が経ちマンネリ化しがちな時期に、デザインスタジオのヘッドとして迎えたのがJoshua A. Bullen（以下、ジョシュア）。新体制を整えると同時に、より大胆で自由なクリエイションが可能になったという。　「いい感じに攻めていける状態になっています。デザインチームが変わって、考え方も違う感じになるのは嫌いじゃない。新しいことを掘っていって、また挑戦することができるので」。60〜70年代にミックスする"あの頃"　新生チームによる新たなアプローチのひとつが、カルチャーとジェネレーションのミックス。今シーズンは1960〜70年代のケンゾー初期のアトリエと、ニューヨークのアンディ・ウォーホルの伝説的なスタジオ「The Factory」のムードを、文化的につなげていったという。　NIGO®は「あの時代が熱いんです」と、壁にディスプレイされたウォーホル撮影によるカール・ラガーフェルドのポートレイトを指差した。1972年に撮影され、「インタビュー」マガジンの表紙になった一枚だ。（奇しくも、今シーズン「ディオール」でファーストコレクションを発表したジョナサン・アンダーソンも、1970年代にウォーホルが撮影したポートレートをムードボードに掲げている）　そこに、ジョシュアがふりかけるスパイスは、NIGO®にとって懐かしくもありながら「自分では否定している自分らしさかもしれない」とする、1990〜2000年代のテイスト。NIGO®が立ち上げた「ア ベイシング エイプ®（A BATHING APE®）」がストリートを席巻していた時代だが、「自分としては恥ずかしい」と笑う。「今の若い世代にとって、あの時代は強烈みたいですね。ムチャクチャやっていたあの頃があったおかげで、今があるとも言えるのかな」。「My Way」自分らしく　ショー会場となったのは、パリを象徴する社交場であり歴史ある名店「マキシム」。今にもパーティーが始まりそうな店内を、ストリートに精通した"Kenzo Guy"と、無邪気な"Kenzo Girl"たちが練り歩く。　アーカイヴのシルエットとモチーフを再解釈しながら、テーラードはパンクな色彩をまとい、カレッジとアイビースタイルをコラージュしたスタイルも。一部のアイテムはモデル自身がマーカーを使ってカスタマイズするなど、DIY要素を取り入れている。　創業者の髙田賢三が着用していたシャフシャツにはバラのプリントが施され、プラットフォームのボーリングシューズ、先シーズンから続くウサギの物語のキャラクターたち（新たにトラと、トラ柄のウサギが仲間入り）、そして「New Era」とのコラボレーションによる2シーズン目の「59FIFTY」キャップ──大胆なミックスと遊びの要素がふんだんに注入された。  　ショーのフィナーレで、客席に座る師匠と握手を交わしたNIGO®。会場に流れていたのは、フランク・シナトラの名曲「My Way」だった。「I did it my way（自分のやり方でやり遂げた）」という歌詞が、それぞれの道を貫いてきた2人の哲学と響き合う。「自分らしく生きる」ことの普遍的なメッセージがコレクションと重なり、拍手の中でショーの幕が降りた。

KENZO

2人のカリスマにインタビュー

NIGO®の師匠、藤原ヒロシを迎えた「ケンゾー」の時代を超えるミックス

中途半端なものは作れない── 「秋葉原」に着目した今シーズン。まずは、ショーの手応えからお聞かせください。　（取材時は）ショーの直後なのでまだ来場者と深く話せてはいませんが、特にアメリカのバイヤーさんなどからは「面白い」という評価をいただいています。アメリカではアニメやフィギュアなどが好きな、日本特有のいわゆる「オタク文化」の人気が高いそうで。今シーズンのムードはこれまでやってきたパンクとは少しずれるかもしれませんが、逆に新たな一面として新鮮に映っているようです。コレクション全体を通して「カワイイ」というムードは出したいと思っていたので、良い感じに伝わっているのかなと。── 前回から、より「日本らしさ」を意識的に打ち出しているように感じます。何かきっかけがあったのでしょうか？　前回は「原宿」をテーマに、ショーでは和楽器バンドによる演出を加えるなど、露骨なくらい“日本的な要素”を取り入れました。バックグラウンドや狙いを調べないとわからないような複雑な表現よりも、パッと見て「これだ」と伝わる方が海外でも分かってもらいやすいだろうなと。実際反応にも変化がある気がします。でも、一番の理由は、自分が日本人だからというシンプルなものかもしれません。パリで発表していると、改めて海外の方々が日本の文化を好きなんだなと感じる機会が多くて、キディルでも日本らしさを意識的に打ち出し始めました。今シーズンコラボしたタツノコプロさんも日本の老舗ですしね。 ── そもそも、発表の場をパリに移した経緯は何だったのでしょうか？　2017年に「Tokyo 新人デザイナーファッション大賞」と2021年に「TOKYO FASHION AWARD」を立て続けに受賞できたので、東京都の支援を受けて継続して海外で展示会やショーをすることができたことが具体的なきっかけですね。でもそうした支援を受けてパリで何回か発表ができても、取引先が決まらないブランドは脱落してくものだけど、幸いなことにそのタイミングで海外の取引先が順調に決まっていったので、サポート期間が終わった後も自力で継続できています。── パリでの展示会も賑わっているようですね。　既存店に加えて、今日は台湾やイタリアから新規のバイヤーさんのアポイントが入っていたり、回数を重ねる中で、最近ようやくブランドの名前が浸透してきたという手応えを感じています。昨日も「ドーバー ストリート マーケット パリ（DOVER STREET MARKET PARIS」で初対面の方に「キディルのデザイナー」だと伝えたら知っていてくれたり。　一方でショーは公式スケジュールの初日*という不利な立場なので、展示会だけいらっしゃるバイヤーさんがほとんどです。*パリファッションウィークの初日と最終日は客入りが少なくなる傾向にある。── 海外ではどのような地域で展開しているのでしょうか。　アメリカを中心に、韓国や香港、上海、ドイツ、オーストラリア、モスクワなど、結構あります。特にアメリカでは評判が良く、セレブリティの着用も増えていて、最近だとジャスティン・ビーバー（Justin Bieber）がプライベートで着てくれていた「アンブロ（umbro）」とのコラボの反響が大きかったですね。ようやく、ヨーロッパのクライアントも少しずつ増えているところで、比率で言えば日本が6割、海外が4割といった感じです。── 国や地域によって人気のあるアイテムの傾向に違いはありますか？　全然違います。まず第一に気候による違いが大きいですよね。当たり前ですが、暑い国はアウターをオーダーしませんし、逆に寒い国では半袖の動きが鈍い。でも共通しているのは、キディルに対しては、キディルらしいものや、少し変わったもの、派手なものが求められているということです。コレクション全体のバランスの都合から黒一色でシックに仕上げたアイテムも作っていますが、正直売れません（笑）。ブランドにはそれぞれ役目があって、キディルに求められているものもコレクションを重ねるごとに理解できるようになってきました。── 海外で壁にぶつかったことは？　ありがたいことに、これまでは割と順調です。年々お客さんも増えているし、売り上げがガクンと落ち込んだことは一度もありません。自分の中で毎回「パンクをやる」って決めているからブレることもないし、「キディルはパンクが好きな人が着るブランド」だとお客さんにも伝わっている。ある意味好き嫌いがはっきり分かれるからこそ、本当にキディルが好きな人が来てくれて、周囲から何かクリエイションに対しての意見を言われることもありません。── 東京でコレクションを発表していた頃との違いを教えてください。　パリで発表するからには、中途半端なものは出せない。正直「売れるかどうか」は二の次で、とにかく振り切ったものを発表する。それが、東京で発表していた頃との一番の違いです。海外で発表を始めた頃、コロナ禍が明けた頃くらいから、ブランドが大切にしている「衝撃」と「服を着る楽しさ」だけを追求するために「良い素材で肌触り良く」、みたいな考え方を捨てました。とにかく自分が作りたいデザインを実現することを第一に考えるようにしたんです。東京にいると、どうしても「店頭で売れる服」を目指してしまい、結果的にデザインが地味になりがちでした。でも、パリではそれは通用しない。そうすると、結果的にクリエイションは研ぎ澄まされていくんだと思います。── 表現を振り切ったことで、逆輸入的に東京での反応にも変化はありましたか？　店も取引先もかなり入れ替わりました。すごくこだわりを持った服を求めているお客さんが通うお店がどんどん増えています。── ヨーロッパの顧客たちからはどのような点が支持されていると思いますか？　ショーのモデルの約半数はストリートキャスティングで、現地のミュージシャンやアーティストを起用しています。そうしたローカルの“かっこいい子”たちを通じて、その周りのコミュニティにもブランドが自然に広がっていっている感覚があります。また、先シーズンから「ドーバー ストリート マーケット パリ」で取り扱いがスタートするなど、感度の高いお客さんが集まるお店で取り扱ってもらえていることも要因の一つだと感じます。コラボレーションの影響力も大きくて、先シーズンのブレット・ウエストフォール（Brett Westfall）や継続している「フィレオ（PHILEO）」など、お互いのファンがブランドを知るきっかけになっていて、良い循環が生まれていると感じます。──「ルルムウ（rurumu:）」とのコラボも双方のお客さんが相手のブランドの服を買うようになるなど、継続的な相乗効果が見られたとか。　そうですね。ルルムウとのコラボのようなシナジーを、海外のクリエイターとも実現できている手応えがあります。両者がお互いに共感し、リスペクトを持って手掛ける真の意味でのコラボだからこそ、ファン同士も共感してくれて、広がりが生まれているのかな。パンクを貫き、「新しいパンク」を作る── 改めて、キディルの根幹にある「パンク」とは何ですか？　僕の根幹にあるのは、1970年代のクラシックなパンクです。そして、そうしたカルチャーの歴史や文脈を深く知った上でデザインすることが重要だと考えています。僕はオタク気質なので、自分の好きなパンクには深い知識を持っている自負があります。一方で、知識のない人がただファスナーがたくさん付いた服を作っても、それは「パンク風」の何かに過ぎず、作り手にパンクの知識があるかどうかで、生まれる服には雲泥の差ができると思います。パンク文脈のアーティストとのコラボレーションにおいては、「バウハウス（BAUHAUS）」や「スージー・アンド・ザ・バンシーズ（Siouxsie And The Banshees）」、写真家のデニス・モリス（Dennis Morris）といったパンクの歴史に名を刻んでいる“本物”のアーティストたちと共にものづくりをすることを徹底しています。── 「パンク」を一貫する一方で、変化していることは？　「変えよう」と思っているのは、変わらずに続けていく「パンク」に「新しいもの」を加えていくこと。「毎回一緒だね」と言われないように、ということはめちゃくちゃ意識しています。そうした「新しさ」は新しいお客さんとの出会いに繋がるし、ずっと買ってくれているお客さんだって前と同じものは買わないじゃないですか。ずっと同じものを作り続けるデザイナーも悪くないですが、服を買う時ってやっぱり新しいものを着たい。だからこそ、前シーズンに拘らない、引きずられない、キディルらしさはありながら毎回新しいパンクを見せることを重視しています。── ビジネス面において、ブランドを成長させるために計画していることを教えてください。　現在渋谷と京都に直営店があるんですが、まずは渋谷店を移転して大きくしたいですね。今の店舗は少し手狭なので。大阪など他の都市への出店も考えたいのですが、すでにお世話になっている取引先があるので、なかなか難しいのが正直なところです。これは多くのブランドが抱える課題かもしれません。── 現在、パリではプレゼンテーション形式で発表されていますが、今後はランウェイショーも視野に？　「プレゼンテーション」から「ランウェイ」*の枠に上がると、モデル代金や会場代など、実際にかかる費用が現実的ではなくなるので、もう数シーズン様子をみたいと思っています。実際、ランウェイの枠にしないかという提案も受けてはいるんですが、今のところはこのプレゼンテーションという形式で、表現できるギリギリまで突き詰めていきたいと考えています。　*「パリファッションウィーク」を運営するのはオートクチュール・モード連盟。同連盟が定めた公式スケジュールの中には「ランウェイショー」と「プレゼンテーション」の2種類があり、ショーの方が規模や予算が大きく、“格が高い”とされている。── 最後に、ブランドとしての展望や、ヒロさん自身が挑戦したいことを教えてください。　最近、ありがたいことに外部からディレクターをやってほしい、といったお話をいただくようになりました。キディルの活動が認められて、新しい可能性が広がってきたのを感じます。今後はそういった外部での仕事にも挑戦してみたいと考えています。そこで得た経験や繋がりが、またキディルのクリエイションを豊かにし、もしかしたら、いつかはパリでのランウェイショーを実現するための力になるかもしれません。

KIDILL

【インタビュー】個性を磨くために必要なもの　「キディル」末安弘明が貫くパンク精神

　そんなリック・オウエンスの回顧展「Rick Owens, Temple of Love」が、フランス・パリのガリエラ宮（Palais Galliera）で開催中だ。会期は2026年1月4日まで。1990年代初頭のロサンゼルスでブランドを創設してから現在に至るまでの、30年以上にわたるキャリアを総覧する本展では、初期から最新作までの100点を超えるルックが展示されている。加えて、招待状や雑誌の切り抜き、デヴィッド・ボウイ、クラウス・ノミ、イギー・ポップのアルバムカバーといったエフェメラや、パートナーであるミシェル・ラミー、そしてギュスターヴ・モローやヨーゼフ・ボイスといった彼に影響を与えたアーティストたちの作品や映画資料も紹介され、リック・オウエンスの創造の源泉に多角的に迫る。　さらに、美術館としては初となる屋外展示では、3体の巨大な彫刻がスパンコールで覆われ、ある部屋には2006年にフィレンツェで初披露された"小便をする等身大のリック・オウエンス像"も設置されている。長年のクリエイションを通じて彼が提示し続けてきたのはオルタナティブな選択肢であり、決して攻撃的ではなく、むしろ優しさに満ちていることを、本展そのものが雄弁に物語っている。　2026年春夏メンズコレクションのショーと回顧展のオープニングの後、日本のメディアとしては今シーズン唯一となるインタビューが実現。撮影はパリの自宅で行われ、展示からブランド、そして創作の源まで、多角的にその思考を探った。愛と希望の表明──本展のタイトル「Rick Owens, Temple of Love」には、"愛"という言葉が使われています。そして、2026年春夏メンズコレクションのプレスリリースでは、「LOVE IS A WORD REALLY WORTH PROMOTING RIGHT NOW（いま愛という言葉を広めることに価値がある）」と書かれていました。なぜ今この時代に、あらためて"愛"という概念が必要だと感じたのでしょうか？　今、世界は非常にストレスに晒されています。そして、私の世界は、ある人々にとってディストピア的に映るかもしれない。だからこそ、私は温かさと善意、そして希望を表現していると表明しておきたかったのです。──あなたは長年、服の構造的な側面─カッティング、ドレーピング、構築─に深く関わってきました。展示では、トルソーに直接手を加えながらドレープを調整する姿も映し出されていました。自分の手で服を作ることのないクリエイティブ・ディレクターが隆盛するこの時代に、自身で手を動かして服を作る重要性について、改めてどう考えますか？　デザインチームに指示を出すクリエイティブディレクターは、より大きな筆で絵を描いているようなもので、その才能に敬意を抱きます。私はただ、自分の手で職人的に作業する方が心地いい。それだけのこと。どちらの方法もまったく正当なアプローチです。──あなたは、自身やブランドに関連する言葉をすべて大文字で表記しています。このタイポグラフィの選択の理由は何ですか？　大文字表記は、すべてを陽気な声明に変えます。少なくとも私はそう意図しています。それに、大文字と小文字を行き来するのは、慣習的で面倒に感じてしまうんです。──展示では、アール・ヌーヴォーのように、あなたの作品とは一見対極にあるようなスタイルにも関心を寄せていることがわかりました。なぜ、異なる視覚言語にも惹かれるのでしょうか？　アール・ヌーヴォーの自然体で気怠いムードに、とても惹かれます。自堕落な崩壊を完全に許容しているように感じられ、私もかつてそれと戯れたことがあります。でも、生き延びたいなら、それには近づかないと学びました。とはいえ、それを夢見るのは好きです。──コレクションに名前をつけるのは、創作過程の初期段階だとおっしゃっていました。タイトルはどんな創造的な効果をもたらしますか？　解放ではなく、制限し、枠組みを与えてくれるもの。つまり、ひとつのムードに集中するための課題を、自分自身に与える手段です。──あなたが好む、「Dust（ダスト）」や「Dark Shadow（ダーク・シャドウ）」のような、かすれたブラックやフェード感のある色は、かつてのパンクキッズが軍モノを安価な染料で染めていたことに由来すると聞きました。こうした色に対する思いを聞かせてください。　グレーには柔らかさがあり、謙虚で、寛容で、曖昧で、そしてエレガントに感じられます。私は、自分が「Dust」と名付けたこのグレーをずっと愛していくでしょう。同時に、ブラックが持つ句読点のような厳格さ、冷酷なまでの潔さにも、魅了されています。──展示に掲げられたあなたのタイムラインでは、「VOGUE FRANCE」でコリーヌ・デイが撮影したケイト・モスの写真に触れており、その写真は展示でも見かけました。ケイト・モスは、あなたにとってどのような存在ですか？　ケイト・モスは、当時主流だったグラマゾンな美学からの、やわらかな脱却を意味した存在です。それは、グラマゾンたちが体現していたギラギラした価値観から逃れる休息所のように感じられました。彼女にはもっと静かで詩的な、壊れそうな脆さがあり、より広い層に語りかけるようでもありました。私のような人間にとって、彼女の登場は、文化の美意識を解き放つ大きな転換だったのです。──展示の最初の部屋はフェルトで覆われていたことに、ヨーゼフ・ボイスへのオマージュがありました。あの空間は、外界と遮断されながらも、どこか"愛"に包まれているような、独特の感覚がありました。ボイスの方法論とのつながり、そしてそれを自身の作品にどう取り入れてきたかを教えてください。　彼の作品には、シャーマン的な社会意識があり、それに常に惹かれてきました。演出であれ、そうでなかろうと、彼が作品を通してそれに向き合っていたということ。倫理と美をつなぐ行為として、私の心に残ったのです。彼のおかげで、美しいふるまいに目を向けることが、肉体的な美しさを称えることに加えてできることなんだと感じられるようになりました。そして、彼の素材選びの慎ましさや、一貫したヴィジョンには、私が追いかけてみたいと感じる道標のようなものがありました。人生で最大の喜び──2016年以降、あなたのショーでは彫刻的なフォルムの服が目立つようになりました。展示のキャプションには、かつてあなたが「実用的でない服は絶対にショーに出さないと誓っていた」と述べていたこと、そして「でも時代は変わった。見た目がいい服を見せるだけではもう足りない」と心境が変化したことが引用されていました。何が変わったのでしょう？ なぜ"見た目の良さ"だけでは足りなくなったのでしょうか？　今も「販売しないものはショーに出さない」というルールは守っています。でも、世界が耳障りなほど断罪的になってきた今、私はその非難すべき態度に挑み、時にはからかうような服を作ることで、反応してきたのだと思います。──ここ数年、あなたはパレ・ド・トーキョーで、儀式のような演出のショーを何度も行ってきました。この空間に惹かれ続ける理由、そしてこの演劇的フォーマットを探求し続ける理由を教えてください。　アルフレッド・ジャニオによるレリーフを備えるこのアール・デコの要塞を背景にしたランウェイは、私の人生の中でも最大の喜びのひとつです。パリでいちばん好きな建築的スポットであり、毎シーズンそこで何かを発表する機会を与えられることは、常に気持ちを引き締めてくれます。──回顧展の最後の部屋には、ロサンゼルス時代のあなたのベッドが再現され、静かで力強い終幕でした。なぜ、こうして展示を締めくくろうと思ったのですか？　これは、私とミシェルが自分たちのために初めて作った家具なんです。私が作るすべての家具の原点であり、あらゆる活動のなかで大切にしてきた継続性を象徴しています。30年前と同じように、今の自分の生活とも強く結びついている。それは、巨大な企業ではなく、小さく個人的な創造的行為についての展示であることを、親密に思い出させてくれます。──ここ数年で、あなたが深く感動した作品や人物、出来事があれば教えてください。　ベラ・フロイドの「Fashion Neurosis（ファッション・ニューローシス）」というYouTube動画シリーズを楽しんでいます。ここしばらく見てきた中でもっとも優雅で気品のあるファッションへの貢献だと思う。優しくて、温かくて、丁寧に練られた対話と、美しいゲストのセレクションです。──ちなみに、今回の撮影が行われたパリのご自宅について。空間をどう構想したのですか？ 特に気に入っているディテールがあれば教えてください。　私たちはすべてをそぎ落とし、人や動きが自由に出入りできるインダストリアルな受け入れ空間として残しただけです。居間にはピアノがあり、キャンドルの灯るディナータイムに演奏されます。夏には窓を開けて演奏され、まるで天国のようです。──回顧展を通して自身の歩みを振り返ったいま、これからの人生で望むことは？　これまでにやってきたことの上に、学びを重ねて、さらに築き上げていきたい。ただ、それだけです。

Rick Owens

【インタビュー】リック・オウエンスが語る、愛について──パリで過去最大の回顧展

新解釈のテーラリング　ヨウジヤマモト プールオム2026年春夏コレクションの最初のパートで登場したのは、極薄のシルクジョーゼットを用いた半袖ジャケット。裏地や縫い代を極力排除しながら、テーラリングの立体を維持する建築的な仕立てが印象的だ。袖口から半袖シャツをのぞかせ、裾のボタンを一段外すことで、テーラードの規範も柔軟に解釈。ゆとりのあるシルエットが、心地よさとモダンな余白を両立させている。  自然との共生　解放的なパターン　続くパートは、テキスタイルが一気に華やかに。万華鏡のようなステンドグラス、そして深海から着想を得たというプリントが主役となった。光や海のモチーフは、自然の美しさを思い出させる。鮮やかなインクジェットプリントはシルク生地の裏面にも施され、繊細な柄合わせの技術によって裏側まで美しい仕上げとなっている。 　パターンの注目は、脇にマチや切れ込みを入れた変形ドルマンスリーブ。腕を下げた時のドレープの美しさと同時に、可動域を広げる。ショーツも7分丈からロングまでバリエーション豊富に揃い、街から海までシーンを問わない軽快さをまとう。 どこまでも軽やかで上質なスーツ　上質な絹紡羽二重で仕立てられた端正なブラックスーツは、極薄の肩パッドをはじめ全体的にソフトに仕上げられている。足元はホワイトレザーのビーチサンダルで、どこまでも軽やかなバランス。ラスト2体のジャンプスーツのルックには珍しくヘッドピースが合わせられた。波打つクラゲの触手を連想させ、自然との共生というメッセージを暗示する。   環境、社会、愛のスローガン　6月末のパリ・メンズファッションウィークは、猛暑や突発的な嵐といった厳しい気候の中で行われた。そんな環境下だからこそ、ヨウジヤマモト プールオムのコレクションピースに刻まれた「Ecosystem balance」「NANO PLASTICS」「NO MORE WARS」といったスローガンが突き刺さる。ラストルックの背中には、「Stand by me」「Kill me softly」といった愛を感じさせる言葉も。見る者の心をほどき、解放感をもたらした。

Yohji Yamamoto POUR HOMME

2026年春夏コレクションを紐解く

半袖ジャケットに透ける環境問題と解放──削ぎ落として核心に迫る「ヨウジヤマモト プールオム」

I had the feeling that we would really need to get someone powerful like a shaman to come back to lead us to peace, love and fraternity.（私たちを平和と愛と友愛に導くためには、シャーマンのような強い存在を呼び戻さなければならないと感じていた）──コレクションノートより　ファーストルックは前回の「TO HELL WITH WAR」コレクションと同様の重厚なムードを漂わせつつも、主役は軍服からスーツへ。シルエットはタイトになり、オリーブグリーンから鮮やかなオプティカルプリントにガラリと変化した。ジャケットは複数の細長いパーツを繋ぎ合わせた立体的な仕立てで、パンツは足首から膝上まで締め上げるようにジッパーが走っている。  　テールを膨らませたウエストコートや、ジッパーの間から吹き出るフリルの装飾は、18世紀ロココ時代の貴族衣装を彷彿とさせる。一方で、ミリタリーやボンテージのディテール、端切れを繋ぎ合わせたかのようなシャビーなニットも提案された。  　パターンは複雑性を極め、デフォルメを重ね、原型を解体して異質を融合。再構築というデザイン手法には、コム デ ギャルソンの哲学が息づいている。  　ヘッドウェアはキャスケットとキャップを掛け合わせたデザインで、ハットデザイナー日爪ノブキが手掛けた。レザーシューズは今シーズンも「キッズ ラブ ゲイト（KIDS LOVE GAITE）」とコラボレーション。履き口を紐で調整する、イージーなスリッポンタイプとなっている。 　ショーはトゥヴァ共和国出身のサインホ・ナムチラク（Sainkho Namtchyla）によるホーミー（喉歌）が響き、祈りの儀式のようだった。モデルの顔を隠すように覆う巨大な帽子と、非対称に編み込まれた極太の三つ編みヘア。スーツというメタファーに、川久保玲が求める真の強き存在が顕現した。

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