インサイド

　発表されたコレクションのタイトルは「IN FLORENCE」で、その根底に流れるのは、「ノスタルジア（郷愁）」という不可思議な感覚への問いかけ。大月が着目したのは、自身が実体験として持たない1980年代から90年代、すなわち日本のバブル期における「アルマーニ・スーツ」への熱狂である。当時、日本に大量に流入したイタリアン・テーラリングは、極東の島国という閉じた環境の中で独自の進化──いわば「ガラパゴス化」を遂げた。大月は、その歪みと情熱を孕んだ日本のスーツ文化を、今回テーラリングの聖地であるイタリアへと持ち込んだのだ（この行為を彼は「逆輸入」と呼ぶ）。それは西洋の規範に対する単なる模倣でも反抗でもなく、日本というフィルターを通した「カウンターポイント」としての提示であった。　ランウェイに現れたのは、圧倒的な質量を伴うクラシックなメンズウェアの変奏である。その象徴は、威厳に満ちたダブルブレストのジャケットやコートだ。肩幅は広く強調され、対照的にパンツは細身に設計されている。この逆三角形のシルエットバランスは、往年のソフトスーツが持っていた権威的な男性像を想起させながらも、決して古臭いコスチュームには陥っていない。その理由は、大月が施した緻密な「操作」にある。巨大なピークドラペルやシャツの襟先には、パターンエンジニアリングと執拗なアイロンワークによって、人工的な「カール（捲れ）」が施されていた。通常、テーラリングにおいてラペルは胸に吸い付くように仕立てられるのが正解とされるが、大月はあえてその先端を宙に浮かせ、静的な構造の中に微細な「動き」を与えている。また、インナーに合わせられたオックスフォードシャツはバイアス（斜め）使いで仕立てられており、タックインした際に生まれるドレープが意図的に強調されている。さらに、前シーズンから継続する、見返しを多く取り返すことでタイとして機能させるアイデアも見逃せない。既存の構成要素を拡張し、全く新しい機能を付与するこのアプローチは、テーラリングにおける一種の「発明」と言えるほどの独創性を放っている。そしてこれらは、着用者の動作や風によって偶発的に生まれる「乱れ」を、あらかじめデザインとして定着させる試みであり、この動的なアプローチこそが、クラシックな装いに現代的な息吹を吹き込んでいるのだ。　素材使いにおいても、重厚さと軽やかさが巧みに交錯する。肉厚なレザーや、裏地にシアリングを配したジャケットが冬の厳しさと高級感を演出する一方で、スポーティなフランネル素材が軽快なリズムを生む。特筆すべきは、今回発表された複数のコラボレーションが、テーラリングの文脈を拡張する装置として機能している点だ。「アシックス スポーツスタイル（ASICS SportStyle）」との協業によるジャージートップスは、構築的なジャケットのインナーとして差し込まれることで、クラシックな装いを現代のストリートやスポーツの領域へと引き寄せている。また、1896年創業の「グンゼ（GUNZE）」との肌着や、スペインのシャツメーカー「カミサス マノロ（CAMISAS MANOLO）」、そして古布と刺し子をアートへと昇華させる「プロレタ リ アート（PROLETA RE ART）」との共作は、歴史への敬意とアヴァンギャルドな実験精神が同居する、ブランドの多層的な視座を物語る。これらの要素は単なる「外し」ではなく、身体構造や機能性を再考するための必然的な実験として配置されている。　ショーの中盤、ジョルジオ・アルマーニ（Giorgio Armani）氏への憧憬を隠さない「イブニング」のルックが登場する。しかし、そこで提示されたのは、立体的な身体を包み込む柔らかなドレープではなく、どこか平面的で強さを持つシルエットだった。過剰な装飾や露骨な感情を削ぎ落とし、静謐（ひつ）かつ厳格に仕立てられたその服は、大月が語る「姿勢、決断、そして態度の蓄積によって形成されるアイデンティティ」を体現しているかのようだ。かつて日本人が憧れ、模倣し、独自に変形させた「イタリアン・テーラリング」。その憧憬を携えてフィレンツェの地に降り立ったソウシオオツキのコレクションは、単なる原点回帰ではない。それは、過去の亡霊を現代の技術と解釈で蘇らせ、未来のテーラリングの在り方を問う、静かなる「攪拌（かくはん）」であった。　「LVMH Young Fashion Designers Prize（LVMHプライズ）」を受賞し、日本の宝としてスター街道を歩む大月だが「現実にまだ自分が追いついていない」と現状について語る。ただ、世界的デザイナーのファッションショー以上とさえ思わせたサンタ・マリア・ノヴェッラの回廊に響いた拍手は、彼が確実に歴史の1ページにその爪痕を残したことを証明していた。アリスター・マッキー（Alister Mackie）によってスタイリングされた、クラシックでありながら強烈にコンテンポラリーな男性像。それは、極東の島国で醸成された「ガラパゴス」な美学が、普遍的な価値を持って世界に接続された瞬間でもあった。

SOSHIOTSUKI

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ソウシオオツキの衝撃　テーラリングの地イタリアに刻んだガラパゴスな美学

ジョルジオ・アルマーニが死去ソウシオオツキがLVMHプライズ受賞で躍進アナ・ウィンター「ヴォーグ」編集長が退任高市早苗首相の総裁選ファッションが話題に

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アルマーニ死去、ソウシオオツキの躍進など

FASHIONSNAPが選ぶ2025年重大ニュース 〜人物トピックス編〜

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【ソウシオオツキ×ピリングス×ローカルアーティストの2杯目】どうしてLVMHプライズで受け入れられたと思いますか？【居酒屋本音談義】

【ソウシオオツキ×ピリングス×ローカルアーティストの1杯目】LVMHプライズのグランプリとセミファイナリストの立役者って誰ですか？【居酒屋本音談義】

　今や東京を代表するメンズブランドの一つになった同ブランドが、デビューの2015年から一貫して「日本人の精神性」を題材にしてきたことは言うまでもないが、2013年に発表した「FINAL HOMME」では、電車を待つサラリーマンの列に父親の面影を重ね、自堕落な父親のDNAと訣別する、ある種“父親殺し”ともいえるコレクションを製作。7年ぶりにフィジカルショーを開催した2023年秋冬コレクションでは、「FINAL HOMME2」と題して踏襲し話題をさらった。そんな中で突如訪れた、父の死の影。「父はだらしがなく、母にはあんたはお父さんにそっくりとよく言われていた」と大月が語るように、大月家での父親の立場は弱く、それ故、過去のコレクションに反映させるまでの父に対する嫌悪もあったのだろう。父と息子の確執を描いた文学、映画作品を挙げようとすれば枚挙に遑がないが、筆者も父親に対する同族嫌悪と侮蔑も持っていた人間であったこともあり、大月の、父の死を前にしても関係性を変えることができないどうしようもなさはとても理解できる。反抗期を未だ拗らせたような息子と死を意識した父のコミュニケーションは、家族のグループLINEでも行われることはなかったという。そんな"死"よりも"粋"を優先してしまう不器用な息子は、リサーチを続けていた神道に想いを馳せ、"神頼み"という感覚を強く持つようになった。「冥土の土産」と訳される「good memory」を2024年秋冬コレクションのタイトルに掲げた背景には、どう接していいのかわからないぶっきらぼうな息子のパーソナルでエモーショナルな父への想いがあった。　ショー会場の席に置かれた「水清」と書かれた一枚のおしぼりは、手水舎のことなのだろう、観覧者（参拝者）の身と心を清めてこれから行われる"神道の祭式"への準備を促す。ピアノと心音を重ねたようなター（TAAR）による楽曲が流れるとともに始まったファッションショーは、神道のディテールを服に入れ込み、神がかったオーラを持たせんとする意図が随所に見られた。祭祀の格衣から着想を得たであろうステンカラーコートは艶感ある尾州産のウール地で上質に仕上げ、祭礼などの際に用いられる幕にある幕房（揚巻房）をあしらった3つボタンジャケットなどはその最たるものとして和の要素を強めていく。また、前回「ディオール オム（DIOR HOMME）」にインスパイアされたというモデルを早く歩かせる演出は今シーズンも健在で、今回はその効果作用が最大限活かされるドレープテクニックが際立った。大月が持つパターンメイキングのノウハウがあってこそなせる技であろうが、ケープのようなポンチョや着物袖のパターン、滑らかなテキスタイルだからできるコートの落ち感と、いずれも玄人好みの静謐な佇まいがコレクションに奥行きを生み出している。　コレクション全体としての強度を高めたもう一つの視点はレイヤード。ショールカラーの羽織にテーラードジャケット、ステンカラーコートを重ねたものや、タートルにテーラード、ワークジャケットを同色でレイヤードしたルックは"無骨な男"をイメージさせ、それは"和製アルマーニ"と隠すことなく大月自身が形容するジョルジオ・アルマーニに対する敬意とその潔さにも表れている。また、「コウタ オクダ（KOTA OKUDA）」とコラボレーション製作したアクセサリーと、「ムーンスター（MOONSTAR）」のビジネスシューズライン「バランス ワークス（BALANCE WORKS）」のシューズをスタイリングしてルックにアクセントを加えた。　ショーが終わり、不器用な放蕩息子は、私が見る限りバックステージで父親と抱き合うわけでも、感謝の意を伝えるわけでもなく、変わらず簡素なコミュニケーションしかとっていなかった。今回、ソウシオオツキのランウェイショーをモデルとして歩いてもらった父親に対して、これまで育ててきてもらったことも含めもちろん感謝はしているのだろうが、それをうまく伝えられない大月の心情が、神頼みとしてこのファッションショーを作り上げたことは言うまでもない。回りくどく、それこそ観客からすれば利己的にも見えてしまうかもしれない。ただ、だからこそ武士道の"粋"に通じるソウシオオツキのアティテュードに、品性と誇りを感じずにはいられないのである。

父に捧げる不器用息子の冥土の土産、「ソウシオオツキ」に通底する日本の伝統精神

出身地を聞きがちはデザイナーあるある？大月：僕は千葉出身なんですけど、津村さんの地元はどこなんですか？津村：埼玉県。商業高校の応援団長をやっていました。当時は、応援団に入っていると髪型や学ランにちょっとだけ自由が許されていたから入団して。ちょっとヤンキーだったのかもしれないね（笑）。ーデザイナーの人って、どこで生まれ育ったかを尋ねる人が多い気がします。大月：やっぱりルーツが大事だからなのかな。それに、さっき言ったようにファッションには「みんなが白を着ているなら、俺は黒を着る」みたいな相対性があるから。特に、埼玉、千葉、茨城あたりの「東京にもアクセスできる半端な田舎」が一番その相対性が強く出る気がする。津村：俺はイオンモールでは服を買わないぞ！とかね（笑）。ベッドタウンとしての郊外は周辺へのコンプレックスが加速するのよ。大月：「俺もどうせなら島根とか鳥取出身って言いたかったな」と思っていました。津村：きちんと別のカルチャーがそこにはもうあるもんね。大月：コンプレックスでファッションをやっている節はありませんか？津村：大いにあるよ。常に何かしらのショックがあった時にコンプレックスが生まれて、それがファッションに昇華できたら最高だよ。ファッションはコミュニティの中からしか生まれない大月：コミュニティがファッションを生み出すんだなということを最近考えるんです。例えば、僕がカッコいいと思っていたのはアルバイト先のスーパーマーケットで働いていた上司で。正社員なのに剃り込みが入っていて、ちょっとヤンキーっぽい風体をしているのに「いらっしゃっせー、いらっしゃっせー」と店内放送を流す声や仕草がとてもイカしていて、憧れたんですよ。憧憬も含めて、「あれは確かにファッションであったよな」と。津村：そのスーパーマーケットのお兄ちゃんを違うコミュニティに置いても、同じようにはカッコよく映らないよね。大月：コミュニティ内でのみ成立するかっこよさや、憧れの図式化ってありますよね。津村：BAD HOPとかもそうだけど、彼らもやっぱり神奈川県川崎市という地域じゃない。大月：ラッパーは、レぺゼン地域ですからね。津村：そういう地域からカルチャーやファッションみたいなものは生まれるんじゃないかな。キャップの下にバンダナを巻くとか、スウェットパンツの左足だけをたくしあげるとか。大月：地域の中だけで生まれた一見どうでもいい着こなしルールは、おそらくコミュニティ内で醸造されたマジョリティに対するカウンターとして生まれたものだと思うんですよね。津村：小田舎のコンプレックスが、マジョリティのカウンターになって、トレンドになる、と。ファイナルホームがデビューした時を思い出すな。大月：最初は地域のコアなルールだったのに、インターナショナルなものになったというのは、ニューヨークファッションウィークに公式参加した北九州市の成人式を思い出します。憧れの図式化の象徴であったアイビールック津村：俺は、アイビールックがファッションの入り口だったんだけど「憧れの図式化」が最も大規模に行われた例が、俺はアイビールックだと思っていて。大月：津村さん、アイビーが好きだったんですか。すごい意外だ（笑）。津村：うん、もうマスターだった（笑）。男の子が鉄道模型にハマるのと同じで、オタクだったよ。当時は小学校6年生で、メンズクラブ（Men's Club）が全盛期だった。そこで彼らがアイビールック特集を組んで日本でも一大トレンドになったんだけど、誌面に「アイビー用語集」がまとめてあって。ボタンダウンシャツの着方や、パンツの裾丈なんかも細かく記されていたからそれでよく勉強した。大月：今でいう、インスタグラムやYouTubeで「ユニクロのこれを買っておけば間違いがない」みたいなものだ。津村：まさしくです。でもね、アイビールックはアメリカの名門私立大学に通う学生たちから命名されたんだけど、後から話を聞くと本家本元の学生たちは服装に何もこだわっていなかったらしいんですよ。バミューダパンツを着ていたのも本家は「暑い日に切っただけ」という理由で、単純に、日常の延長の装いをしていただけだった。大月：勝手に、形になるという意味ではある種、名門私立大学という小さなコミュニティから生まれたファッションといえますね。津村：では何故日本で一大ブームになったかというと、ヴァンヂャケット※の石津謙介や、くろすとしゆきがアイビーを日本向けに再解釈したんだよね。アイビーリーグは、日本に逆輸入されたものだった。今でも、アメリカでは日本のアイビールックの解釈をお手本にしているらしい。本来であれば優等生を象徴するアイビールックは、「ロック」や「モッズ」のスタイリングとは関係がないはずなのに、日本国内で独自のファッションとして消化されたから、地続きのファッショントレンドとして開花した、と。なんというか、島国の日本らしいトレンドカルチャーの醸造の仕方だなと思う。※ヴァンヂャケット：日本のアパレル企業。1950年代からアメリカンカルチャーを取り入れ、60年代には「アイビールック」や「みゆき族」など流行を作りあげた。ファイナルホームの復活はあるかー津村さんはもう一度自分のブランドを立ち上げようとは思わないんですか？津村：最近、学生からも「ファイナルホームの服が欲しいです」っていうのはよく言われるんです。復活させるためには、やっぱりそういう若者の声みたいなのが必要だね（笑）。　三原くん（Maison MIHARA YASUHIRO 三原康裕）にもこの間「ファイナルホームとコラボしたい」と言われて。「え、どうやるの？」と聞いたら冗談で「津村さん、死んだことにしてくれないか」って（笑）。別に死んでることにしてくれても構わないよという話もした。大月：復活したら激アツですけどね。津村：俺も復活させようとは常々思っているんですが、商標の権利はエイネットが保有しているので今は難しいし、商標管理も世界を見据えると大金がかかるんですよ。ー以前、プライベートで津村さんに「ファイナルホームは復活しないんですか？」と聞いた時「一生さんが生きているうちは無理だね」ということをおっしゃっていましたよね。津村：うん、思ってた。でも一生さんが存命だった時の方が実現しやすかったかもしれない。ー海外では、ブランド名はそのままにデザイナーが交代する世襲制が一般的ですが、イッセイミヤケのデザイナーとして津村さんに声は掛からなかったんですか？津村：かからなかったね。破壊しそうだったんじゃないかな。イッセイに限らず、東コレとかを見ていて思うのは、「あの時代のコレクションの、ディテールをアレンジしているね」というのがわかる。それはとても有効な取り組みなんだけど、あまり新しい気はしないよね。一生さんがよく言っていたのは「踏襲はダメだ、クリエイティブじゃなきゃダメだ」という教えだったんだけど、今、それはオマージュになりつつあるなと思って。大月：特にデムナ（Demna）以降、ファッションは大衆時代ですよね。津村：そうだね。開かれっぱなしだ。前面に立つのがデザイナーじゃなくてラッパーでもいいし、インフルエンサーでもいい時代になった。それではメディア的な状況でもある。なんだかんだ、ヨーロッパ圏におけるデザイナーの交代は話題になるしね。批評家不在のファッション業界大月：僕も完全に「あの人の、あの時の、“あれ”」でものを作るタイプなんですけど、僕の中ではそれもある種のインテリジェンスだと考えています。なぜならファッションデザインは、さっきも言ったように文脈を踏まえた上で「自分の表現として消化をする」ことだから。ただ、その引用元をメディアの人で突っ込んでくれる人ってあまりいないんですよ。津村：今、ファッション批評家で辛口な人はいないの？大月：辛口はいないかも。津村：俺らの時代は、平川武治※さんがいて助かったのかもね。多分、業界を熱くするにはそういう言説がないと活性しないと思う。例えば、いま格闘技が盛り上がるのは、試合を解説するYouTuberがいるから。その語り口が偏ってたとしても、それに対して反論も生まれやすい土壌にあり、言論が繰り返される。そうやって業界は熱を帯びる。※平川武治：ファッション批評家。桑沢デザイン研究所やアントワープ王立芸術アカデミーファッション学科などで講師を務めた。大月：話は少し脱線するかもしれないんですけど、同世代のデザイナーが飲みの場で集まったら、時たまお互いをディスりあったりするんですよ。それでたまに険悪になったりするんですけど、大抵指摘されることは本人が一番自覚しているところで、やっぱり言われたくないことが多い。でも僕的には、どんどん指摘しあって、語弊はあるけど「もう、バチバチに喧嘩しようぜ」みたいな気持ちはある。今必要なのは「場外乱闘」ーメディアに批評性を帯びなくなってきたから内輪で批評性を担保している？大月：でもどうだろう。辛口のファッション批評家に求められることって多分すごくハードルが高いから、簡単に批評されても「うざいな」としか思わないかもしれない（笑）。津村：今あるべきメディアの姿は、ジャッジメントというよりも、プラットホームを用意することなのかもしれないね。俺はファッションの一番のセールスポイントは、他ジャンルのコンテンツを持ち込むことだと思うし、どのジャンルよりも発信力があって大勢が食いつきやすいところだと思うの。大月：津村さんに田原総一郎役になってもらって、朝まで生テレビ形式で討論するしかないですね（笑）。津村：プロレス的なコンテンツがファッションには必要だよね。登壇するデザイナーも超おしゃれしてくる人もいれば、それを揶揄するようにパジャマでくる奴もいるみたいなさ（笑）。大月：実は2010年代に一度ファッションの批評性が盛り上がった時があったんですよ。トークショーも豊富だったし。平川さんがブログで京都精華大学の蘆田裕史さんをディスったら、蘆田さんがファッションメディアで言い返すとか、業界全体をバチバチ感が包んでいた。そういう芽が出た時はあったんだけど、ファッションとの食い合わせが悪かったのか、窄まってしまった。津村：ビジネスシーンとのリンクが難しかったんじゃないかな。批評文に対して「これって営業妨害だよね？」と言えてしまう脆さがあるというか。大月：時代的には、朝生的な討論は向いていないのかもしれないですね。仮にやったとしても、どちらかと言えば平和的で「相手の話を遮らずに、両方の意見を聞きました」ということが重要視される。もし、相手の話を遮ったらそこばかりがフォーカスされて批判されそう。津村：でもファッションには場外乱闘が必要だな。大月：僕は求めていますけど、時世的には多分求められていないですね。そういうフラストレーションが内輪の飲み会で爆発しているんですかね。津村：平和的なコミュニケーションにうんざりしてきた部分もあって。朝倉未来のブレイキングダウン（BreakingDown）の盛り上がりもそれが関係するのかもしれないね。やっぱり、喧嘩は本質的にみんな好きで、揉め事がないと、細胞が活性化しないんだろうな。大月：ファッションにおいてはそういう喧嘩のプラットフォームが圧倒的に無くなりましたね。プレイヤーとしての意見は置いといて、業界全体を考えたら由々しいなと思います。津村：何よりも後続デザイナーやブランドが育たないよね。いつまで経ってもLVMHに天下を獲られっぱなしだよ。大月：究極、ファッションは正解がないから、知らなくても自分が良ければ良いし、着れば終わりじゃないですか。それはファッションの強みでもあり、悩ましいところでもあって、だから「正解」を求めると、権威であるパリしかなくなっちゃうみたいなところがあるのかもしれない。やっぱり日本は、「たかが服」感が強いんですよね。津村：評論家がきちんとブランドの評価をしていって、それぞれのブランドが世界的な役割を目標に戦略を立てて独自の「価値」を生み出せれば、パリが全ての答えでもなくなるんだけどね。日本の場合だと、一生さんがその仕組みを作ろうとして、東京コレクションを作ったんだけど、その思想の理解者は少ない気がするし、フラットな状況になっているな、とは思うよ。三宅一生の功績と後続に見せるべき「背中」ー東コレも、国内の美大にファッションを学ぶ学科を創設するきっかけを作ったのも一生さんだと思うと、やはり一生さんが残した功績は大きいですね。津村：プロテスト的立ち位置を担っていたと思う。それは多分、学生運動が盛り上がっている時を生き抜いて、自分の意見で世の中が変わっていく成功体験を知っているからだとも思う。多摩美の学生時代の有名な話で、1960年に初めて開催された「世界デザイン会議」に、衣服の分野が無かったことに対して抗議文を出したらしいよ。大月：それって、純粋にファッションのことを思ってだったんですかね？昔のそういうプロテスト的な姿勢って現代では神格化されるけど、話を聞くと「安保闘争の学生運動も実は格好をつけてやっていた」と当時の人が証言されていたりするじゃないですか。もし、一生さんにもそういう側面があったらなら、めっちゃエモいなあと思って。津村：フランスの五月革命とか時代の変わり目に自分の人生を重ねるところはあったから、歴史に名を刻むというのを無意識でやっていた節はあったのかもしれない。ー一生さんに言われて覚えていることはありますか？津村：問われると特別思い出せないけど、お風呂に入っていたりするとたまに思い出すことがあるよ。大月：僕も山縣さん（writtenafterwards 山縣良和）に言われたことは、犬の散歩をしていると思い出すことがあるけど、こういう酒の席だと思い出せないですね（笑）。津村：今はどうかわからないけど、当時は職人気質が美化された時代でもあったと思うんだよね。だからあんまり語らず「背中を見て学べ」みたいなね。そういうことを今でも言う人はいるんだけど「背中を見ろ」って、要するに言語化できないだけだと思うんだよ。大月：今でもその論争はありますよね。津村：しっかりとロジックで伝えられるのが教育だと俺は思う。当時の現場は、分析や考える時間もなかっただろうし、なんとなくそれが美学になって無口の方が深いとなったんじゃないかな。今の時代は「コスパ」とか言い出す世代がいるわけだから、「教えてくれないなら辞めます」と言われて終わっちゃう。大月：津村さんの世代がそれを声を大にして言ってくれるのは、本当に心強いですよ。（聞き手：古堅明日香）＜目次＞デザイナー居酒屋本音談義、津村耕佑×大月壮士1杯目：三宅一生に言われた「教える立場になんかなるな」2杯目：バレンシアガとギャルソンを例に、ファッションにおける「リアルとフェイク」3杯目：ファッションには場外乱闘が必要、ファイナルホーム復活はあるか

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ファッションには場外乱闘が必要、ファイナルホーム復活はあるか【デザイナー居酒屋本音談義、津村耕佑×大月壮士の3杯目】

バレンシアガとギャルソンを例に、ファッションにおける「リアルとフェイク」【デザイナー居酒屋本音談義、津村耕佑×大月壮士の2杯目】

究極の「ファイナルホーム」とは墓であるーどうぞ、好きなものを頼んでください。タバコも吸えます。津村：そしたらホッピーの黒。それと、とり皮、砂肝、はつを2本ずつと、チーズ揚げをください。大月：生、お願いします。大月：津村さん、渋いタバコ吸っていますね。津村：「アルカポネ」というタバコなんだけど、10本で500円くらい。葉巻の一種で、長い間吸えるんですよ。本当は30歳の時に血尿が出て一度やめたんだけど、コロナ禍で外出禁止になって復活しちゃった。大月：30年以上禁煙できていたのに（笑）。津村：うん（笑）。武蔵美の喫煙所でも吸うんだけど、ああいうところはやっぱ学生も集まるから、自ずと授業以外の会話も生まれてさ。大月：喫煙所談義は愛煙家の免罪符ですからね。ー津村さんと大月さんは以前から交流がありましたか？津村：去年の5月に行われた「プラダ モード 東京」で少しだけかな。大月：津村さんのことを存じ上げていたので声をかけさせてもらいました。そのちょっと前にも、一度「レシス（LES SIX）」の展示会でお会いした気がします。ー津村さん、レシスの2023年秋冬コレクションでモデルとして歩いていましたね。津村：川西（レシス 川西遼平）が急に「出て」っていうから（笑）。着させられた服もちょっとホームレスぽくてね。「そういうことか」と思いましたよ。なりきるしかないなと。大月：川西さんとはどういったご関係なんですか？津村：「ランドロード ニューヨーク（LANDLORD NEW YORK）」のウェアデザインをしたのが最初かな。デザインは「ファイナルホーム※的な機能重視」なんだけど、その商標は使用出来ないから「コウスケ ツムラ」としてコラボしたの（笑）。※ファイナルホーム（FINAL HOME）：1994年に津村が発案したジャケットの名称、およびそのブランド名。「究極の家は服である」というコンセプトの元、表生地と裏生地の隙間を収納スペースとして活用でき、新聞紙を詰めれば防寒着に、あらかじめ非常食や医療キットを入れておけば災害時に対応できるサバイバルウェアなどを提案した。2015年に津村がエイ・ネットを独立したことをきっかけに、ビジネスを終了した。ーなぜ今回お二人に対談してもらおうと思ったのかというと、「ソウシオオツキ」がフィジカルショー形式で発表した2023年秋冬コレクションのテーマが「ファイナル オム 2（FINAL HOMME 2）」だったんです。大月：学生の時に3体だけ作ったコレクションタイトルが「FINAL HOMME」で。それは、ファイナルホームをちょっとパロったんですよね。津村：ファイナルには「決定的な」という意味もあるけど、ファイナル オムは「究極の男」ってこと？大月：「究極の」でもあるけど、僕の中では「最期の」でした。僕は、ファイナルホームを「生きるための服」だと思っていて。学生の時に作った最初のコレクションはお葬式をテーマにしていたんです。だから、最期の時の服という意味で「ファイナル オム（最期の男）」。ダジャレなんですけどね。津村：それはでも、ある種のダンディズムだよね。言ってみれば「ファイナルホーム」というのも、ネーミングを思えば所謂「墓場」みたいなもんなんですよ。「最後の家」と言わなきゃいけない時は、きっと「行き着く先」という意味もはらむから。それって、ネガティブなイメージがあるかもしれないけど、違う解釈をすれば「死」は「旅立ち」とも言い換えられているわけで。表裏一体だと思う。というか、墓場も家ですからね（笑）。大月：たしかに。“ファイナル”ファイナルホームはお墓ですね。津村：「よかったですね、現世の苦しみから救われましたね」というのが墓なわけでしょ（笑）。だから、究極のファイナルホームはお墓。プリーツ プリーズ イッセイ ミヤケは何が革新的だったのかー二人にはもう一つ共通点があります。それは、大月さんはここのがっこうで、津村さんは武蔵野美術大学で教育に携わっているという点です。津村：美大のファッションショーはオルタナティブでゲリラアート的な様相があるんだけど、ここのがっこうは美大のファッション教育と少し近しいものを感じます。大月：僕は、文化服装学院に在籍しながら、ここのがっこうにも通っていたんですけど、絶命展※とかはまさに、専門学校とはまた違う表現のアプローチだったなと。絶命展：デザイナー坂部三樹郎と山縣良和がプロデュース。2013年に初開催された。若手クリエイターらが参加し、展示ブースにモデルを立てて世界観を創り込むという実験的な発表形式が特徴。大月も参加していた。津村：美大の学生は、ファッションブランドを立ち上げることを個展と同様に考えている節があると思うんです。 量産背景などを知らずに作品を作って、発表して満足してしまう、みたいなね。俺はその辺を、大月さんと話したかった。大月：ブランドに入れば、産業の仕組みは否応に学びますけどね。美大で教えていて、工場や原価といった「学ばなきゃいけないこと」を知らないと社会でやっていけない、というジレンマみたいなのはあるんですか？津村：ありますね。でもそれを教える時間はないし、興味がないのも感じる。ファッションショーはやりたいけど「量産とは何か」「ブランドとはなにか」というのをあまり意識していない気がする。ー文化服装学院のような専門学校はそこまで教えるんですか？大月：触り程度ですけどね。でも最近は少し力を入れ始めているようです。津村：俺は、そっちの方が大事だと思うんだよな。「売る」ということも一種のエンターテインメントで、ある種の演劇と捉えることもできると思うんです。だから「ファッションビジネスを学ぶのはつまらない」という子もいるけど、「演劇だと思えばいいんじゃないの？」という言い方をするようにはしている。津村：「サプライチェーンは演劇である」ということを考えていた時に、イッセイで「プリーツ プリーズ イッセイ ミヤケ（PLEATS PLEASE ISSEY MIYAKE）」がデビューする時を思い出してさ。なぜ、思い出したのかというと、あれはつまり「作る工程」と「デザイン」が一体化してるんですよ。従来のプリーツアイテムは、プリーツのかかった生地をそれぞれ縫い合わせることで完成していたけど、プリーツ プリーズは、縫製まで完成した製品そのものにプリーツ加工を施している。だから「プリーツ生地を縫い合わせる」という工程を一個スキップしているし、その生産段階をデザインしている。一生さんは最初、疑問だったみたいだけどね（笑）。大月：システムに対する構造自体をデザインしている、と。津村：そこにクリエイティブの余地があるんです。あの考え方はかなり画期的ですよ。三宅一生に言われた「教える立場になんかなるな」ー教える立場として、何か意識をしていることはありますか？津村：「津村さんはこういう人で、こういうファッションが好きで、こういう考え方だ」というのを勘付かれないように「俺らしさ」を希薄化させている。忖度されないようにしているの。大月：例えばどうやって？津村：いつもスタイリングや身なりの雰囲気を変えている（笑）。確固たる考えとかも言わないし、絶えずそこをずらし続けている。だって、俺の好みがわかっちゃったら絶対に忖度してくれちゃうもん。大月：それを格好で表現するっていうのが面白いですね。津村：しかもその表現が「隠れるための」表現というね（笑）。大月：みんな、装いに対して言い訳を求めるじゃないですか。「機能的である」とか「貰い物だから」とか「朝起きて何も考えられなかったから」とか。津村：「考えることが多くてファッションに時間費やしたくないから」と毎日黒い服を着たりね。大月：それも僕は半分言い訳だと思っています（笑）。津村：みんな「下心で選んでないんだぞ」という言い訳をしたがるんだね。大月：何が言いたいかというと、本当は「これ、かっこいいから」でいいのになとずっと思っているんです。ただ一方で、スタイルはブランディングもあるよなと。津村：ほとんどの人、特にファッションデザイナーは自分のスタイルをベースにする。でも、学校に限らず教える立場なら、気をつけなきゃいけないと俺は思うよ。だって学生は、どのスタイルになるかは未定なんだから。大月：それは、ニュートラルでありたいという気持ちと近いですか？津村：その通りだね。“津村ナイズ”された課題を提出されても、俺は「つまらねえな」と思う。仮にそれで俺がいい成績をつけたとしても「自画自賛」という話。だったら、俺の嗜好ずらし捉えられなくしようかなって。それが一番、若者のクリエイティビティを伸ばせるはずだから。ーでもそれってとても疲れませんか？「本当の津村耕佑」はどこに行くんですか。津村：いや、そうなんだよね。最近、よく思い出すのが「教育に関わると自分のクリエイティビティが曇る。自分が最先端を走っているならば、教える立場になんかなるな」と一生さんに言われたこと。実際、俺自身はどの位置にいるのかわからなくなっているし（笑）。ーそれでも教壇に立つようになってからもう長いですよね。津村：人間、やり始めると「教育は必要だ」と思い込もうとするもんなんだよ。自分を納得させようと。だから「重要だ」とは思っているけど「本当かな？」という気持ちと半分半分くらいの気持ち。大月：僕はがっつり教えている立場ではないけど、「教育はすごく大事だ」と考えています。生徒のレベルも確実に上がっているのを感じますし。 教育というのは「真似の真似方を教えている」ー大月さんは、ここのがっこうで講評などを担当されていると思いますが、一番見ているところはどこですか？大月：最初は下心があるかないか。例えば「これは、あのデザイナーのここに憧れてパクっているんじゃないか」と思ったら、一度そこを突いてみて「いやー、憧れているんですよ」と返されたら「お、ええやん」と思う（笑）。否定、肯定どちらも正解かもしれないんですけど、なんにせよ潔いかどうかを気にするかも。　例えば、マルセル・デュシャンの「L.H.O.O.Q.」は、それがダ・ヴィンチによるモナリザであることを自覚しているし、なんなら、みんながモナリザを知らないと成立しない作品だと思うんですよ。今、この時代に0から何かを作り出すことの難しさに抗うためには、そういうインテリジェンスが重要になってくる気がするんです。津村：そこに、その人のパーソナリティが入っているかどうかってことだよね。先陣で道を切り開いてくれたAというブランドと、後続のBがとても似ているとするじゃないですか。Bが、Aよりも秀でている部分があればいいんだけど、そうじゃないとよくないよね。最近はそういう事例をよく見かける気がする。誰かが作ってきた路線上でビジネスしようという、あざとさが透けて見えるというかね。 ーインテリジェンスはどのように定義づけていますか？大月：ちょっと精神論になるけど、魂になっているか否かみたいなところはあると思う。あの時に見た“あの感情”は忘れられないなみたいな経験ってやっぱり残るし、強度がある。付け焼き刃の知識を蓄えているのとは訳が違うと思うし、面白いな、と。　一方で、ファッションやカルチャーが広まるのは真似からだと思うんですよ。やっぱりファッションは知識よりも好きの方が勝るものだから。ただ、それをビジネスにしようとした時は難しい。津村：そうだね。所詮、真似は真似事だし、この世の全ては真似事とも言える。さっき大月くんが言った、インテリジェンスというのは皮肉なもので、学べば学ぶほど真似にもなり得るからね。だから、教育というのは「真似の真似方を教えている」というのに近しいものがある。大月：僕も最初の頃は、例えば太郎さん（th products 堀内太郎）のインタビュー動画を目にして、その文言を自分に置き換えてみたらと書き出してみたり、いいなと思ったコレクションを全部ドローイングしてみて自分のブランドに置き換えたりしていました。津村：その過程を経て、知識が血肉になっているんだよね。大月：ファッションにはルールがあるじゃないですか。それは、どこの神社に行っても鳥居の形は同じみたいなことで、普遍的なルールがある。服という形は変わらずに何百年も同じだし、もっと言えばトレンチコートにチェック柄を用いていても誰も「バーバリーのパクリだ」とは言わないし、シャネルのツイードジャケットだって文脈になっている。津村：普遍的なルールの上に乗っかったデザインが、何年か立つとコンテンツフリーになることは、ファッションにおいてもたまにあるよね。それはつまり、一般化したらということなんだと思う。（聞き手：古堅明日香）＜目次＞デザイナー居酒屋本音談義、津村耕佑×大月壮士1杯目：三宅一生に言われた「教える立場になんかなるな」2杯目：バレンシアガとギャルソンを例に、ファッションにおける「リアルとフェイク」3杯目：ファッションには場外乱闘が必要、ファイナルホーム復活はあるか

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