インサイド

「私が今まで見た中で最も美しい花」　舞台となったのは、パリのロダン美術館の敷地に建てられた特設会場。天井一面にシクラメンが植えられ、天地反転の世界に誘われる。シクラメンは、ジョナサンが昨年10月にディオールのウィメンズコレクションを発表する前、尊敬する人物の一人で「私のヒーロー」と称するジョン・ガリアーノから贈られたもの。「私が今まで見た中で最も美しい花だった」と回想する黒のシルクリボンで結ばれた花々が、今回の着想源になったという。それを再現した花束が、今回のショーの招待状として招待客に届けられた。本物と見紛うシルクの花々　「クチュールは、現在の検証とその再構築を通じて、新しいかたちで捉え直すためのレンズです」と語るジョナサン。熟練のクチュリエによる人工物と自然のままのフォルムが共存し、数千年の時を超えて形成された隕石や化石から18世紀の貴重な織物、革新的なマテリアルまで、進化と変容により新たな命を吹き込んだ。　コレクション全体を貫いていたモチーフは花。天然の美しさをクチュールで表現するという、詩的で繊細なアプローチが見てとれた。花そのもののフォルムを模したドレスをはじめ、アクセサリーや装飾として用いられたシルクの花々は、生花と見紛うほど緻密に再現されている。　「シクラメン」と名付けられたミニドレスは、歴代のデザイナーが再解釈してきた1949年春夏コレクションの「ミス ディオール」ドレスを彷彿とさせ、シルクの花びらを隙間なく刺繍。歩くたびにスカート部分が弾んでポジティブな華やかさを演出した。マグダレン・オドゥンドの陶磁器と杉本博司の写真　もうひとつの特徴は、有機的なシルエットだ。ショーの序盤に登場したシルクジョーゼットのドレスは、先に発表されたプレタポルテコレクションのミニドレスを進化させたデザインで、卓越したカッティングと縫製技術の結晶。彫刻家マグダレン・オドゥンドによる擬人化された陶磁器の構造的なフォルムと、流れるようなドレープが身体の曲線や動きを際立たせる。ファーストルックはその名をとり「MAGDALENE」と名付けられた。そして同じフォルムのセカンドルック「CYCLADIQUE」は、コレクションのティーザーとして杉本博司による写真作品にも用いられていた。　風合い豊かな糸を手織りしたネップツイード、鳥籠のようなボリュームのネット、温かみのあるハンドニットなど、革新的な構造とサヴォアフェールがクチュールの言語を拡張。多様なテクスチャーとボタニカルな装飾が調和し、オーガニックな魅力を湛えている。隕石や化石までもジュエリーに　バッグやシューズにも物語が宿る。アイコニックな「レディ ディオール」は陶器のようなフォルムで再解釈され、アーカイヴのクッション、小動物やてんとう虫といった愛らしいモチーフも。　ロザルバ・カッリエーラやジョン・スマートといった芸術家が描いた、18世紀のオーバル型ミニチュア芸術作品が、パールフレームのブローチに。シルクと真鍮で模った蘭の花のイヤージュエリー、そして時間の痕跡を刻む隕石の破片や化石にも輝きを与え、装飾として用いている。「クチュールを身にまとうことは、それを収集し、そしてそれを作り出した精神を、共感をもって引き継ぐこと」と話す、ジョナサンの頭の中の「驚異の部屋」が具現化した。ジョン・ガリアーノがショーに出席　ショーのドラマティックなハイライトは、会場に訪れたジョン・ガリアーノの姿だった。ジョナサンから贈られた花束を手に、招待客の一人としてアナ・ウィンター（Anna Wintour）とともに入場し、穏やかな表情でフロントローに着席。2011年の事件によりディオールを去ることになったジョンがこの場に立ち会ったことは、クリエイティブなバトンが受け継がれ、メゾンに新たな時代が到来したことを意味するだろう。ジョナサンの過去への深い敬意と未来への探求、森羅万象を包摂する視座が、歴史的メゾンの真髄を浮き彫りにした。

DIOR

Fashion

2026年春夏テーマは「驚異の部屋」

「ディオール」と花、ジョナサン・アンダーソン初のオートクチュールが探求する森羅万象の美

自然に出会った、日本という存在——アスティエ ド ヴィラットの成り立ちについて教えてください。ブノワ：30年ほど前に遡り、私たちがまだボザール（パリ国立高等美術学校）に通っていた頃に、家族や友人たちと始めたプロジェクトです。建築やオブジェ、陶器など、ジャンルを横断しながら、歴史的なものを手がかりに、新しい作品を作り上げるにはどうすればいいか。機械による大量生産ではなく、あくまで手仕事であることが重要でした。その思索の中で「エスタンパージュ（estampage）」と呼ばれる型押しの手法であったり、そこに宿る温かみや不完全さ、時間の痕跡のようなものに価値を見出していました。イヴァン：創業当時は古いものは消し去られ、現代的な新しいものに対する歓迎のムードが蔓延っていた時代で、美術学校でもそういった流れを感じていました。私たちはその潮流に抗って、むしろ温度を感じられるような古き良き手法や技術に焦点を当てて作品を創造する方法を選びました。「何を作るか」よりも、「どんな姿勢で作るか」を重視していたんです。——上陸からしばらく経ち、日本にもファンがたくさんいます。ブランドにとって、日本のマーケットをどのように見ていますか。ブノワ：当時は若く、市場戦略やビジネスとしての展開を意識する余裕もありませんでしたが、パリでお店を出した時に、実は最初に私たちの陶器に興味を示して買い付けてくれたのは日本人だったんです。その意味で、日本は「開拓した市場」というよりも、自然に出会った相手のような存在です。店舗は創作の延長線——今回、表参道エリアに旗艦店を構えた理由を教えてください。ブノワ：私たちにとって店舗は、単なる販売の場ではありません。キャンドルがなければ作る、ランプがなければ作る。そうした創作と同じ延長線上に「店」があります。表参道は変化のスピードが早く、インスピレーションに満ちた場所です。自由度が高く、都市のエネルギーを感じられる点が、私たちの創作の姿勢によくマッチしていると感じています。——屋上にカフェを併設したソウルの旗艦店も素敵でした。他の都市と東京の店作りは異なりますか？イヴァン：広さからすると同じくらいですが、ソウルの店舗は縦に高さがあるのでフロアを行き来する作りで、表参道店はワンフロアの空間が非常に広いのが特徴です。300平方メートルほどのスペースに、1階の半分はフレグランスや書籍やステーショナリー、ハンドソープなどのボディケア、クッションや家具などのホームウェアが小部屋で並び、あとの半分のこの陶器のフロアは、もともとあった天井を取り払うことで高さと開放感が生まれ、自然光が差し込むのがこの店舗ならではの設計になっています。　2階にはギャラリーを設け、商品とアートの境界を曖昧にしています。テラスもあるのでソウルのようにカフェも構想していましたが、今回は実現できませんでした。ただ、この近所にカフェを作らないと言っているわけではないので（笑）。建造物の特徴を活かして、街のランドスケープに馴染む形でアスティエ ド ヴィラットの世界観を再現しています。日仏で見る陶器の歴史——フランスの陶器産業の歴史を踏まえた上で、ブランドがここまで成長した要因はなんだったのでしょう？イヴァン：フランスでは17〜18世紀から陶磁器産業が盛んで、現在のパリ5区や郊外にも工房があったようです。ですが、19世紀の産業革命以降、多くの工房が姿を消しました。白磁器で有名なフランス中部のリモージュのような産地でさえ、衰退を免れなかったのです。オートクチュールのアトリエもパリからモントルイユといった外へと移っていきましたが、私たちがあえて市内に工房を構えたことが、パリの街と生活に密に結びついている特出すべき点として、追い風になったと思っています。ブノワ：その上でクリエイション面で私たちが成長できた理由は、陶器を「彫刻」として捉えてきた点にあると思います。美術学校在学時に教鞭をとっていた教授の教えで彫刻的なアプローチを学び、食器や家具に応用することで、従来の陶器とは異なる視点で作品を作ることができました。それが時代と共鳴したのではないでしょうか。——日本には食文化はもちろん、茶の湯や工芸という伝統的な側面を含む焼き物文化が根付いています。この文化をどのように見ていますか。イヴァン：日本の陶器や器は、フランスでは人気で古くから知られています。19世紀の印象派の時代には、陶器や浮世絵も大量にフランスへ渡り、美術や装飾文化に大きな影響を与えました。装飾的なものから楽焼のような素朴なものまで、その多様性も理解されています。　私自身、日本を訪れるたびに鎌倉や京都、奈良、東京で骨董品などの器を買い集めています。驚くのは、その古さや技術に対して価格が決して高くないことです。フランスでは考えられないほど、良質な器が日常の価格帯で手に入る。それは陶器が日本人にとって日常的で身近な物であるということの証でもあると思います。単に食べ物を盛り付けるための器という用途にとどまらず、愛でる、嗜むという作品性や芸術性を持っている。その捉え方は、西洋のそれとは異なり、精神性を伴う生活様式に深く根付いているのだと思います。それはとても特別で素敵な文化だと思いますし、私たちの美学に通じることでもあると思います。「白」に宿るアスティエ ド ヴィラットの美学——アスティエ ド ヴィラットの器は和食にも合いそうです。ブノワ：過去に晩酌セットを販売したこともありますし、実際に、日本料理のお店で私たちの器が使われています。和食との相性は、私たち自身も強く感じています。料理を「盛る」というより、余白や配置を大切にする日本の感覚と、私たちの器の彫刻的なフォルムが自然にマッチしているのかもしれませんね。　ヨーロッパでは家族との食事では大きいプレートが重宝されるんですが、日本を含めアジアなどではソースなどを入れる用に小さいお皿を使う習慣がありますよね。大きなお皿に小さい器を重ねる使い方もおすすめです。 ——汎用性のある白であるからこその可能性が広がりますが、ブランドを象徴する「白」に込めた想いを教えてください。ブノワ：白は私にとって「エネルギー」を象徴する色。創作活動をする上で古いモノと現代的なモノを融合させる時に、この「白」という色がエネルギーを持っているように感じます。イヴァン：私たちにとって白は世界観を一貫させるための基盤です。ただし、この白は単なる無彩色ではありません。 少しミルクのようで、どこか透明感を含んだ白なのです。
硬い素材でありながら、視覚的には柔らかく、食材の色や質感を引き立てるのです。　実際に私も他の白磁器と比べてみたことがあるんですが、私たちの器の方が料理や飲み物がよりフレッシュに、美味しそうに見えるんです（笑）。 私たちの「白」は手仕事による偶然によって生まれた色ですが、自己主張する色ではなく、受け止めるための色なのです。——最後に、店舗を通して伝えたいブランドの美学とは何でしょうか。ブノワ：ただ商品であるとか、便利であるとかではなく「美しくあること」。これに尽きると思います。
イヴァン：モノが溢れている時代に、これ以上必要なのか、と自問自答する人も多いでしょう。 そういった時代だからこそ「どんな生活を送りたいか」という問いが重要になっている気がします。　器やキャンドル、香りといったものは、人生を劇的に変えるわけではありません。
けれど、日常の中にほんの少しの喜びや、静かな幸福感をもたらすことができる。私たちが目指しているのは、まさにその部分です。
使うたび、触れるたびに生活が豊かになる。
その積み重ねこそが、私たちの考える「普遍的な美学」であり、このお店で伝えていきたいことなのです。

Lifestyle

日本初の路面店が表参道にオープン

白の美学と手仕事が導く「アスティエ ド ヴィラット」の真髄

新宿区・渋谷区・港区・目黒区・世田谷区　商業施設や美術館、カフェ、ブランドの旗艦店が多く並ぶ港区、渋谷区、新宿区にあるショップから紹介します。【渋谷】器まるかく　戸栗美術館や日本民藝館、松濤美術館といった施設が点在する京王井の頭線「神泉駅」から徒歩3分のエリアに店舗を構える「器まるかく」。味のある木製の扉を潜ると、見渡す限りに食器が並んでいる器好きにはたまらない空間です。日本の作家による現代の器と、江戸の終わりから昭和にかけて作られたヴィンテージの器など常時1000点以上を展開。外国人観光客が旅の目的地として訪れることも多いそう。◾️器まるかく所在地：東京都渋谷区神泉町20-4営業時間：11:00〜19:00定休日：水曜日問い合わせ：03-3463-3225公式サイト／公式オンラインストア／公式インスタグラム【恵比寿】THE HARVEST　業務用食器やキッチン道具の卸を行うローヤル物産が手掛ける同店。恵比寿から徒歩5分ほどの場所に店舗を構えており、店内には所狭しとお皿やキッチン用品が並んでいます。国内外のアイテムのほか、オリジナルも多く、特に人気があるのはバリエーションが豊富な「Kuro」シリーズだそう。リーズナブルなうえ、店内で取り扱いっている商品のほとんどが電子レンジでも使用可能なため、新生活に向けて食器を揃える際にもおすすめです。◾️THE HARVEST所在地：東京都渋谷区恵比寿南1-18-9タイムゾーンヒルトップビル1階営業時間：11:00〜19:00定休日：なし問い合わせ：03-6826-6086公式オンラインストア／公式インスタグラム【南青山】at Kiln AOYAMA　カルチャーの発信地である青山と陶磁器の生産地である岐阜県の多治見市にそれぞれ拠点を構える「アットキルン（at Kiln）」。青山店はギャラリーショップと陶芸教室の2フロア構成で、ギャラリーショップでは「大人のためのうつわ」として上品でシックなデザインのアイテムを取り扱っているほか、作家の個展やワークショップを定期開催しているため、様々な角度で器を楽むことができます。◾️at Kiln AOYAMA所在地：東京都港区南青山6-6-22営業時間：11:00〜19:00 ※陶芸教室は教室によって異なる定休日：水曜日問い合わせ：03-5778-3196公式サイト／公式オンラインストア／公式インスタグラム【新宿】器と工藝 コハルアン　東京メトロ東西線の「神楽坂駅」から徒歩2分に位置する「器と工藝 コハルアン」には、店主が日本各地を旅してセレクトした工芸品が並びます。日本工藝の「いま」を感じられるセレクトをコンセプトに、日本の繊細な手仕事を味わえる作品が季節の花や草木と共に並べられた店内は店主の器への愛が感じられます。◾️器と工藝 コハルアン所在地：東京都新宿区矢来町68 アーバンステージ矢来101営業時間：12:00〜18:00 ※日・祝・展示最終日は12:00〜17:00定休日：月・火・水（公式サイトのカレンダー参照）問い合わせ：03-3235-7758公式サイト／公式インスタグラム【新宿】ラ・ロンダジル　神楽坂から脇道に入った路地にひっそりと佇む同店は、楕円形の窓が目印。2004年にオープンした同店で取り扱う商品は全て手仕事による工芸品で、1階のギャラリースペースでは毎月1〜2回展覧会を催し、アクセサリーや茶道具、家具など食器以外のアイテムが並ぶことも。店主によるディスプレイのセンスが高く、日常使いとしての食器だけでなく、心を豊かにしてくれる道具を選べるような空間です。◾️ラ・ロンダジル（Lα Ronde d’ Argile）所在地：東京都新宿区若宮町11 麻耶ビル1階＜営業時間＞展示会時：12:00〜19:00（日祝・最終 12:00〜18:00）常設時：12:00〜17:00定休日：日・月曜日（展示会時は月曜日のみ）問い合わせ：03-3260-6801公式サイト／公式インスタグラム【赤坂】UTSUWA KESHIKI　赤坂や六本木、乃木坂からもほど近い位置にあるオフィス兼シェアハウスの1室にある食器店。日本の作家が手掛けた漆器や木工、銀細工、ガラスなどの食器やカトラリーなど種類豊富に取り扱っています。展示会時以外は完全予約制のため、手厚い接客を受けながらじっくりと選ぶことができます。◾️UTSUWA KESHIKI所在地：東京都港区赤坂9-2-13 ninety two 13-205号問い合わせ：03-6431-0047営業時間：12:00〜19:00来店予約方法：インスタグラムのDMにて※当日の希望は13:00まで公式サイト／公式インスタグラム【目黒】MIGRATORY　英語で「移動／移住する」という意味の形容詞を店舗名に冠した同店は、「日々の暮らしに彩りを添える」をコンセプトに2010年にオープン。手仕事ならではの温かみを感じ取れる食器を国内外でセレクトしており、個性豊かな柄物やグラスのほか、インテリアとしても活用できるトレイなども揃えています。◾️ミグラトリー（MIGRATORY）所在地：東京都目黒区上目黒2-44-10 1階営業時間：12:00〜19:00定休日：火曜日問い合わせ：03-6303-3272公式サイト／公式インスタグラム【中目黒】工藝 器と道具 SML　中目黒の住宅街に位置する「SML」も、日本の工芸品の魅力を感じることができる店舗の1つ。駅から少し離れていますが、ガラス張りの外観から見える店内の端正なディスプレイは思わず立ち寄りたくなります。食器のセレクトだけでなく、作家さんとコラボレーションしたオリジナルの商品も展開。企画展も定期的に開催しており、内容によって異なる店内の雰囲気が味わえます。◾️工藝 器と道具 SML（エスエムエル）所在地：東京都目黒区青葉台1-15-1 AK-1ビル1階営業時間：12:00〜19:00 ※土日祝は11:00〜19:00問い合わせ：e-shop@sm-l.jp公式サイト／公式オンラインストア／公式インスタグラム【田園調布】IN MY BASKET　「NO BORDER」をテーマに料理スタイリストの宮下肇子さんが2005年にオープンした同店には、彼女がセレクトした日本の作家の作品や、イギリスのオールドカトラリー、ベルギーのテーブルリネン類などが並んでいます。目玉はフランス系スイス人のクリスチャンヌ・ペロション（Christiane Perrochon）の器。移住先のイタリア・トスカーナの自然を表現した色彩豊かなデザインが人気で、日本では手に取って見れるお店は少ないのだそう。同店では常時50点ほどを取り扱っているので、一見の価値ありです。◾️イン マイ バスケット（IN MY BASKET）所在地：東京都世田谷区玉川田園調布2-7-18セトル田園調布106営業時間：11:00〜19:00定休日：水曜日、火曜日不定休問い合わせ：03-3722-9660公式サイト／公式オンラインストア／公式インスタグラム【二子玉川】KOHORO　ファミリー層や若者に人気な二子玉川で20年近く営業している同店は、玉川高島屋の裏道、飲食店や雑貨店が並ぶ静かな通りにあります。アットホームな雰囲気の店内では、「つくるをまもる」をモットーに普段使いしやすい現代作家の器や、コラボレーションによるオリジナルのアイテムを展開。定期的に展示会を開催しており、ホームページに掲載されている「読みもの」で作品や作家さんの情報だけでなく、産地の特徴、スタッフが使用した感想などが詳細に記載されているため、お店の情報収集におすすめです。◾️KOHORO所在地：東京都世田谷区玉川3-12-11 1階営業時間：11:00〜19:00定休日：ホームページを参照問い合わせ：03-5717-9401公式サイト・公式オンラインストア／公式インスタグラム台東区・江東区　東東京エリアで食器を探すには清澄白河と蔵前がおすすめ。東京のブルックリンと呼ばれ、工房が点在するもの作りが盛んな蔵前と、カフェやコーヒー専門店が数多く出店し、コーヒーの街として知られており、本格的なハンドドリップコーヒーの道具を取り扱っているお店が多い清澄白河は、それぞれ街散策にもぴったりです。【清澄白河】POTPURR　都営大江戸線と半蔵門線の「清澄白河」駅からそれぞれ徒歩3分ほどの立地にある同店は、深緑色のタイルが目印。店名の「ポトペリー」は、スウェーデン語で「混ぜ合わせ」の意味を持ち、日本の職人による作品のほか、オリジナルの食器やオブジェ、雑貨など生活用品も揃えています。北欧風のアイテムも多く、モダンでありながら温かな雰囲気の店内には立ち寄ったら思わず購入してしまうような魅力があります。◾️ポトペリー（POTPURR）所在地：東京都江東区白河2-1-2営業時間：平日 11:00〜12:30／13:30〜19:00、土日祝 11:00〜19:00定休日：月曜日（祝日の場合は火曜日に振替え）問い合わせ：03-5875-8935公式オンラインストア／公式インスタグラム【蔵前】proto 器とタカラモノ　「proto 器とタカラモノ」は、オリジナルホームフレグランスが作れることで人気を博したスキンケアブランド「オサジ（OSAJI）」による初の調香専門店「kako -家香-」と同じビルに入居。スタイリッシュな店内には、国内の気鋭作家の作品や海外から買い付けたアイテムが並びます。普段使いできるアイテムでありながら、見たことの無いようなデザイン性の高い食器を求める方におすすめしたい店舗です。◾️proto 器とタカラモノ所在地：東京都台東区蔵前4-20-12 精華ビル 2階営業時間：平日 12:00〜19:00、土日祝 11:00〜19:00定休日：年末年始公式オンラインストア／公式インスタグラム【蔵前】Made with Love 　2020年にリノベーションした築50年越えのビルの2階に出店する隠れ家のような食器店。ドレスデザインやブライダルを中心としたクリエイティブを手掛けるUNODESIGNが運営し、店主が訪れた際に感銘を受けたショップが多かったというニューヨークやパリを中心に、世界中で買い付けた食器を展開。店内には食器として使っても良し、インテリアとして飾っても良しな可愛らしいアイテムがところ狭しと並んでいます。営業日や営業時間は固定していないそうなので、訪れる際は事前にインスタグラムでチェックしておくと安心です。◾️メイド ウィズ ラブ（Made with Love）所在地：東京都台東区蔵前4-14-11 ウグイスビル 303号室公式オンラインストア／公式インスタグラム【蔵前】道具屋nobori　大江戸線の「蔵前」駅から徒歩1分の好立地に位置する「道具屋nobori」はグラスや陶磁器、カトラリーなど食器のセレクトに力を入れている店舗の1つです。「デザインが良いけどリーズナブルで日常に馴染みやすいもの」を生産国にこだわらずラインナップし、店主が実際に使って良かったものをベースにセレクトしているそう。美しい装飾が施されたプレートから個性的な造形のグラスまでカテゴリーもさまざま。食器のほかにも調理器具や茶器、コーヒー用品、衣料品も揃えている暮らしの道具全般を揃えています。◾️道具屋nobori所在地：東京都台東区寿3-7-1 寿町フラワーホーム1階営業時間：11:00〜18:00定休日：水曜日公式オンラインストア／公式インスタグラム武蔵野市（吉祥寺）　西東京エリアでは、吉祥寺から2店舗をご紹介。【吉祥寺】フリーデザイン　北欧のブランドを中心に暮らしの道具を販売。「マリメッコ（Marimekko）」や「イッタラ（Iittala）」「リサ・ラーソン（Lisa Larson）」「アルテック（artek）」などの定番ブランドと合わせ、スタッフが使い勝手の良さを基準にセレクトした商品をラインナップしています。北欧テイストが好きで新しいブランドを開拓したいという方に訪れてほしいお店です。◾️フリーデザイン（free design）所在地：東京都武蔵野市吉祥寺本町2-18-2 2階営業時間：11:00〜19:00定休日：不定休問い合わせ：0422-21-2070公式サイト／公式インスタグラム【吉祥寺】mist∞　「mist∞」は、テーブルウェアを中心に暮らしに関する道具を展示販売するギャラリーで、武蔵野八幡神社から徒歩1分ほどの場所にあります。コンクリートの壁とヴィンテージ感が漂う家具が並ぶシンプルでありながら、温かみを感じる空間で、陶磁器やガラス器といった食器類のほか、アクセサリーやバッグ、衣料品なども販売。作家さんが在廊していることも多く、作り手の人とコミニュケーションを通して商品を選ぶことができます。◾️mist∞所在地：東京都武蔵野市吉祥寺北町1-1-20 藤野ハウス3階※不定期営業（最新の営業日はブログを参照）問い合わせ：0422-27-5450公式サイト／公式オンラインストア／公式インスタグラム／ブログ

東京でハイセンスな食器を探すならここ！個性豊かな16店舗

伊藤博敏1958年長野県松本市生まれ。東京藝術大学工芸科金属工芸専攻を卒業。アトリエヌーボーコンペ審査員賞、第2回トリックアートコンペ優秀賞など数多くの賞を受賞。 ニューヨーク、ボストン、シカゴ、オーストラリアなど世界各地で個展を開催し、高く評価されている。公式サイト／公式インスタグラムー伊藤さんは彫刻家として作品を発表する傍ら、家業である伊藤石材店を営んでいます。　普段は墓石や、室内装飾を手掛けています。松本市は工芸が盛んで、石屋も多いです。組合に所属している石屋が25軒、組合に入っていない石屋も含めると30軒以上あります。ーなぜ、松本市には石屋が多いんでしょうか？　今から約500年前に築城された松本城が大きなきっかけです。当時は、現在の長野県伊那市高遠町から城を建てるために石屋が派遣されたそうです。でも、城を建て終わったから終わりというわけではなく、結局そこで暮らすようになったり、その土地の人と結婚したり、子どもができたり、まちづくりや河川工事に携わったりした。そうやって人々は定着し、今の松本が出来上がった。私の先祖も明治12年に伊那から松本に来て、私で5代目です。石屋だけではなく、大工や医者など、様々な業種の人がいろいろな土地で同じような過程を踏んできています。そういう時代だったんです。ー石屋の後を継ぐ以外の選択肢はありませんでしたか？　なかったですね。小さい頃から「石屋になるんだろうな」と。ただ、僕はどちらかと言えば平面作品を制作する方が好きだったから、「デザインの仕事もいいな」と学生の時にぼんやり考えたんですけど、自分の能力の中では限度があることを知ったんです。ー限度、というのは？　うまくは言えないけど、オリジナルのことがあまり浮かばなかったんですよね。ーやっぱり作品である以上はオリジナリティが大事だ、と。　そうですね、僕はそう思う。ー立体の方が、限度がない？　少し話は脱線しますが、魅力ある輸出品目育成を目的として政府主導で開催された「内国勧業博覧会」で、箪笥や清水焼が“絵画”として選出されました。絵画と聞くと、筆と絵の具を使った平面作品を思い浮かべますが、当時の人たちは「絵が焼き付けられているなら、工芸品でも『美術』『絵画』として取り扱っていいじゃん」と考えたそうです。日本人にはそういう感覚があり、僕もその考えが自然な感覚としてありました。ー工芸や彫刻、美術に明確なジャンル分けはない、と。　ジャンル分けというか、日本は土着的に「見立ての文化」が脈々と語り継がれているんですよね。枯山水などは最たる例です。石に線を描いて「水です」と言われると水に見える。そういうDNAが日本人には流れているんですよね。　僕の作品も、石ころだと誰が見てもわかるけどファスナーがついているだけでそれが袋に見える。そういうことをやっている彫刻家がまだ世の中にはいなさそうだったので、取り組んでみることにしました。ー何故石にファスナーを付けようと思ったんですか？　「ファスナーって現代人にしかわからないパーツだな」と思ったからです（笑）。石は古代からあるものだけど、古代人がファスナーを見ても金属が並んでいる線にしか見えず、柔らかいものを想起しないかもしれない、と。「現代美術ってこういうことかな」と勝手に思っただけです（笑）。ー大学では何を学んでいたんですか？　東京藝術大学の美術学部工藝科で、金属加工について学びました。ー石屋になることがわかっていながら、なぜ金属加工を学ぼうと思ったんですか？　石と金属ならどこかで組み合わせることができるかな、と。当時、自分の頭で考えられたのはその程度でした。最初の頃は石と金属をミックスした作品も作っていたんですけど、無理矢理感がどうしても拭えなくて止めたんです。そういうことよりも、石という素材が異素材に見える遊びの方が楽しくなっちゃった。ー「無理矢理感」というと？　石は曲がりませんが、金属は曲がります。溶けるといった面白さもあります。でも石は曲がらないですよね。もっと言えば、石は自然物だけど金属は人工物なのでもうそこで根本的に違うんですよね。ー石屋の家業を継ぐということは石に細工をする職人になることを意味すると思います。伊藤さんは、「職人」とはどういうものだと考えていますか？　職人という言葉は、江戸時代から使われている言葉ですね。逆に、「彫刻」「技術」「文化」「芸術」といった言葉は全て明治以降に生まれたものだそうです。　個人的な考えで言えば、職人には2種類あると思っています。一つは親方が言う通り働いて給料をもらう人。もう一つははクリエイションができるクリエイターとしての職人。これは蛇足だけど、江戸時代では陰陽師ですら「職人」と呼ばれていたらしい。陰陽師が職人と呼ばれていたなら、例え技術職じゃなくても職人じゃない人なんていないんじゃないか、とすら思いますよね。編集者も、デザイナーも、お父さんも、お母さんも、幼い子ども、もみんな職人なんじゃないかな。ー彫石は、日本よりもヨーロッパの方がその歴史は深く長いですよね。　そうですね。アーチを作る＝アーキテクト（建築）という言葉が生まれるくらい、一番大変だったのは石でアーチを作る技術。数千年前の石工の親方は、その技術を一番弟子にしか教えなかったと聞いたことがあります。つまり、親方の言われた通りに石を彫っていけば、立派な建物や教会ができていく。でも、一番弟子で職人たるものただ言われたことをやるのではなく「俺ならこれをどうやって建てるのか」という発想が重要視されるはずです。だから、僕にとって職人は「親方の言う通り働く人」と「自分で頭を働かせて何かを生み出せる人」の2種類だと思っている。　僕が、職人になってわかったことがひとつあります。それは「答えを早く出せ」ということです。どんな職人にも締め切りがある。締め切りは、言い換えれば「それまでに答えを出す」という意味だと思うんです。締め切りとお客さんからのオーダーの中で、それをどう裏切って、楽しく良い方にプラスしていけるのかを考えるべきなんだな、と。僕の師匠でもある親父からは「仕事というのは、早く、かつ相手が想像するよりも良いものを作ること」の癖を付けさせられましたね。ー相手も考えていることがあるだろうけど「それよりもこっちの方が面白いですよ」と提示できるのが、伊藤さんの考える理想の職人？　そうですね。職人の世界はそれの繰り返し。だから、僕は作品作りもものすごい早いんですよ。たまに「すごい技術ですね！」と言われることもあるんですけど、何年もやっていれば技術は自然と身に付きます。60歳を過ぎたおっさんに「技術がすごいですね！」って馬鹿にしてるのか！と思っちゃうよ（笑）。ー（笑）。制作期間はどれくらいなんですか？　掛かっても一週間かな。職人の仕事は、基本的に日当計算です。例えば、日当2万5000円もらえるのに、作品制作で二日間働けなかったらそれだけで、その作品は5万円の価値がないと元が取れないんです。二日間休んでまで、作品を作るのかという問いかけが常にある。ーそこまでして作品制作をするのはなぜなんでしょうか？　純粋に石の魅力を知ってほしいというのが一番かな。ー近年、石をコレクションしている人も多いですが、伊藤さんの思う石の魅力とは？　僕は、宝石には興味がありません。なぜなら、自分で加工ができないから。インスタグラムのフォロワーさんにも石が好きな人もいて、たまに彼らの投稿を見たりもするんですが、光や角度によっての変化が好きだと書いている人は多い。でも僕は、石ころに物語を見出せるところが最大の魅力だと思っています。ー「石ころに物語を見出す」とは？　簡単に言ってしまえば、この石は僕の手元に何故この形で辿り着いたかに興味があるんです。僕が作品に使う石は、梓川という上高地から松本市街地まで流れている川の河原から拾ってきたものが多いんですが、河原に並んでいる石は水圧で削れ、将棋倒しになっています。どのように石が倒れているかで、川そのもののストーリーも感じることができるんですよね。河川工事が行われれば、石の表情も全く異なります。　人と同じで、それぞれが違う人生を送っていることが石の形をみて知れることが楽しんです。「ほうほう、そうかい、そうかい」と勝手に石の話を聞いているんです。「ここをいじられるとあんたは嫌だよね」とかね（笑）。石の物語の話と、作品にファスナーをつけたことも少し関連があって、「石のファスナーを上げる」と言う動作で、中か違う物語を紡ごうかなと思ったんです。「作品になったらそれでおしまい」ではなく、石の物語をさらに蓄積させるイメージですね。ー作品を制作するときに一番意識していることは？　基本的には見てくれる人が少しでも笑顔になってくれればいいな、と。でも、ただ面白いのではなく、毒っ気を入れたい。「毒とユーモア」というのはずっとテーマとしてあります。ー「毒」というと？　石に歯や目を付けたものはその最たる例ですよね。一目見て「気持ち悪いな」と言われるようなことも所々で狙って入れるようにしています。あるいは、ジョークや皮肉と言い換えても良いです。　普通じゃないものを作るためには、普通でいなきゃならないんです。町内会や石材組合に所属する中で、人同士のお付き合いもあります。そういう少し面倒臭いことをしないと、普通じゃないことを感知しきれないと勝手に思っているんですよね。ー伊藤さんは硬質で質量のある石で、縛られた布、溶けるアイス、伸びるお餅といった、まったく相対する物質を表現していながらも、目視で「これは石だ」とぎりぎり認識できるような作品が多いと感じました。　それはすごく大事にしているところです。石で作っている以上は、石に見えるべきなのでね。石に見えるべきなのに「石には見えない！」と言われることが多く、それは狙い通りです。「触ったら石だった」という段階を踏んでもらうことが重要なんですよね。ー石の形を損ねるような過度な加工を施していないのもそのためでしょうか。　その通りです。石ころとして完結していることが大切だと思っています。例えば石が歪に割れていたら、石そのものが持っていた物語が途切れてしまい、石が持つ性格みたいなものが内包されていない感じがするんです。だから石を選ぶ時は、必ず一塊になっていて、どこを表面にしても良いようなものを選んでいます。ーでは、石を石たらしめている「石らしさ」とは何なんでしょうか？　不均一な色と、傷じゃないでしょうか。つまり、ある石が「その形になる前」を想像できたらそれは石らしい石だと思います。作品を発表し始めた当初インターネットに掲載されている私の作品を見て「これはCGですか？」と聞かれたことがあって。「それではダメだな」と。それで、できるだけ石らしい石というか、傷や模様が局部的に出ている石を積極的に使うようになりました。　これは余談ですが、趣味でガラスや粘土など他の素材を石に見立てた作品も少しずつ集めていて。柄が均一な、例えば花崗岩などの石はフェイクが作りやすいんだな、と勉強になりました。ー折り畳まれたTシャツを石で表現した作品が印象的でした。伊藤さんは、布というマテリアルをどのように捉えていますか？　布がもつ柔らかさは「途中」を表現するのに向いている素材だと思っています。大学に在籍していた頃、動画部に所属していてアニメーションを作っていたんです。アニメーションは動きを切り取ることと言い換えることもできると思うんですが、「ing形で作ると動きが出るよ」ということを教わって、妙に納得したんです。完結している良さもあるとは思うんですが、僕は、現在進行形で未完であることの面白さの方に共感した。ーだから伊藤さんの作品の多くはファスナーが途中まで開いているんですね。　その通りです。全部は開けない。見る人によっては「このファスナーを締めたい」という人もいるかもしれないし「開けたい」と思う人もいるかもしれない。起承転結の転で止めることで、ストーリーの結末を委ねることができるんです。なので僕にとって布が持つ柔らかさは、他のマテリアルでは得難い重要な要素だと感じています。ー石を石らしく見せないことで生まれる違和感は、どのような事象を生み出すと考えていますか？　例えば「美術館で作品を見た感想を述べろ」と言われると困っちゃう人ってとても多いと思うんです。何か、気の利いたことを言わなければならないと思ってしまうだろうし、そういうところから、美術離れが進んでいるような気もしています。以前、うちの工房は2階で常時作品の展示をしていたんですけど「よかったら、見て行きますか？」と声をかけると、やっぱりみんな「あー」と切れ味の悪い返事が返ってくる（笑）。でも、実際に見たら親父ギャグみたいなくだらない作品ばかりが並んでいるからなのか、みなさん結構感想を言ってくれるんですよ。僕自身もそういう空気感の方が楽しいし好きです。ー遊び心があれば、作品や美術、芸術も少しだけ身近なものに感じる？　元々「工芸」と呼ばれているものは遊びの要素が多く、漆や陶磁器、金属を扱った工芸品はユーモアをふんだんに取り入れています。例えば、お月様をテーマにした桂離宮などの建物は、襖ひとつをとってもお月様の格好にしつらえていたりします、遊び心というのは、江戸時代よりも前から日本人に染み付いているものなんだと思います。そして、その遊び心は、主人と顧客の暗黙の了解の中で出来上がっている。そういう作品の感性に憧れたんです。なぜなら、遊び心の共有は知識がないとできないから。だから僕は、食べ物や服などの身近なものを石で表現しているんです。現代における、遊び心の共有は「日常」という共通のテーマだと思うから。（聞き手：古堅明日香）（撮影：小澤広征）

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