インサイド

　FASHION ASIA HONG KONGは、香港特別行政区政府によるファッション業界振興策の一環として、2016年に始動。アジアにおける、ファッション貿易やビジネス開発のハブとしての香港の地位強化を目的としている。　ファッション・チャレンジ・フォーラムでは、2016年の初開催以来、毎回ファッション・クリエイティブ業界のあらゆる分野からリーダーや影響力のある人物を招致。国内外からの参加者に、ビジネス・デジタル領域の革新や、ファッション・ナラティブの重要性、新進気鋭デザイナーの台頭、変化の激しい小売市場、変容し続ける消費者行動など、ファッション業界が直面するさまざまな課題を多角的に議論・考察するとともに、国を越えた交流の機会を提供してきた。世界で活躍するデザイナーらが登壇し対談、Fashion Challenges Forum　今年のファッション・チャレンジ・フォーラムは、12月5日にローズウッド香港のパビリオンホールで開催。イベントの冒頭では、11月26日に発生した香港北部・大埔（だいほ）の高層マンション群での大規模火災犠牲者を追悼し、会場に集まった参加者全員が黙祷を捧げる時間も設けられた。　フォーラムでは、「セッチュウ（SETCHU）」の桑田悟史や「ロク（rokh）」のロク・ファン（Rok Hwang）、「シュシュ／トング（SHUSHU/TONG）」リュウシュ・レイ（Liushu Lei）といったアジア出身ブランドのデザイナーをはじめ、アジア内外で活躍するファッション業界関係者 総勢22人が登壇。上海ファッションウィーク組織委員会事務局長兼SFDA（上海ファッションデザイナー協会）常務副会長のリュー・シャオレイ（Lv Xiaolei）や、中国のデザイナーズブランドプラットフォーム「レーベルフッド（LABELHOOD）」共同創設者のターシャ・リウ（Tasha Liu）、「ブシュロン（BOUCHERON）」元APACプレジデントのアンドレ・ホウ（Andre Hou）などを交えながら、多様なトピックについての対談を行った。　トークのテーマは、「The Next Chapter of Chinese Design（中国デザインの次なる章）」や「Thailand: Asia’s Luxury Retail Powerhouse（タイ：アジアのラグジュアリー・リテール大国）」、「Crafting Tomorrow: The Power of Story（明日を創る：ストーリーの力）」、「Building Your Own Brand Blueprint（独自のブランド設計図の構築）」など、アジアのファッション業界の「今」にまつわる全9つで構成。なかでも注目を集めたのは、独自の道を切り拓くデザイナーたちが語った「ブランドの生存戦略」だ。　「Crafting Tomorrow: The Power of Story」に登壇したセッチュウの桑田悟史は、ストーリーテリングの核心は「作為のなさ」にあると言及。「ストーリーを作ろうとすると偽物になってしまう。それはクリエイションから自然に湧き出るべきもの」と語る同氏は、自身が私的な情熱をもつ「釣り」をブランドの文脈に持ち込む。ラグジュアリーとは結びつきにくい「魚の匂い」さえも、自身のリアルな体験として香水に昇華させるなど、実体験に基づいた物語が顧客との深い繋がりに寄与することを示した。　また、工場の技術向上と品質維持を目的とした「キャリーオーバー（継続品番）」の重視や、無駄を削ぎ落とす「責任あるものづくり」の姿勢についても言及。ミラノを拠点に“Made in Italy”の職人技と向き合う彼ならではの、誠実なビジネスの在り方を提示した。　「Building Your Own Brand Blueprint」のセッションでは、対照的なビジネスモデルを持つ2人のデザイナーが、ブランドの純度を保つための異なるアプローチを語り合った。「シュシュ／トング」のリュウシュ・レイは、卸売主導の保守的な市場に左右されないため、単独（直営）店舗の重要性を強調。バイヤーが「売れない」と断じたカラーを自社店舗でヒットさせた実例を挙げながら、ブランドのクリエイティビティを守るための独自チャネルの必要性を語った。　対照的に、「KWK バイ カイ・クオーク（KWK by Kay Kwok）」デザイナーのカイ・クオーク（Kay Kwok）は、商業的な妥協を避けるため、既存の小売サイクルからあえて距離を置き、カスタムデザインやデジタル技術に特化する道を選んだと言及。ビヨンセ（Beyonce）からの衣装依頼に対し、デジタルブランドとしてのアイデンティティを貫き、現地へ赴く代わりに3Dデジタルフィギュアでの採寸を提案したという逸話を披露し、会場の関心を集めた。10 Asian Designers To Watch 2025の受賞者は？　「10 Asian Designers To Watch」は、アジアで最も優れた10人の気鋭ファッションデザイナーを世界的な審査員たちが厳選し紹介するコンテスト＆キュレーション展示。過去には、セッチュウの桑田悟史や「タナカダイスケ（tanakadaisuke）」の田中大資、「オーラリー（AURALEE）」の岩井良太、「ピリングス（pillings）」の村上亮太、「ユェチ・チ（YUEQI QI）」のユェチ・チ（Yueqi Qi）などが受賞している。　今年度の審査員は、OTBグループ ストラテジック・アドバイザーのアントネッラ・ヴィエロ（Antonella Viero）や、「DAZED KOREA」パブリッシャー兼編集長のギオム・リー（Guiom Lee）、「セルフリッジズ（Selfridges）」 バイイング＆ブランド担当エグゼクティブ・ディレクターのジャド・クレイン（Judd Crane）、日本ファッション・ウィーク推進機構（JFWO）ディレクターの今城薫、ファッションデザイナーのフィリップ・リム（Phillip Lim）、レーベルフッド共同創設者のターシャ・リウ（Tasha Liu）など12人が務めた。　9回目となる今回は、12月5日から7日までの3日間、香港のセントラル・ハーバーフロント（Central Harbourfront）で行われた「Clockenflap Music & Arts Festival」の会場内で、受賞デザイナーによるエキシビションを開催。世界各国のアーティストがステージでライブパフォーマンスを行う活気溢れる空間の中で、各ブランドの代表的なルックを披露した。　今年度は、「アクト・ヌメロウーノ（ACT N°1）」のルカ・リン（Luca Lin／中国）、コッキのKoki Abe、「キット ワン スタジオ（KIT WAN STUDIOS）」のキット・ワン（Kit Wan／香港）、「ルー・ダン（LỰU ĐẠN）」のフン・ラ（Hung La／ベトナム）、「オスカー オウヤン（Oscar Ouyang）」のオスカー・オウヤン（Oscar Ouyang／中国）、「ペナルティメイト（Penultimate）」のシャン・ガオ（Xiang Gao／中国）、「スウェイイング／ニット（swaying/knit）」のシャシャ・ウォン（ShaSha Wong／中国）、タムの玉田達也、「ヤング アン サン（young n sang）」のホン・ヨンシン（Youngshin Hong）＆イ・サンリム（Sanglim Lee／韓国）、「ジョン ズーシン（Zhong Zixin）」のジョン・ズーシン（Zhong Zixin／中国）の10組が受賞。12月6日には各ブランドのデザイナーたちが展示会場に在廊し、国内外のメディアや来場者との交流も行われた。　タム デザイナーの玉田は、今回の受賞と展示への参加について「実際に現地で展示会場に来て、アジアのファッション業界を盛り上げようしている場であることを感じた。その中で、タムを選んでもらえたことがとても嬉しい」とコメント。今後、海外展開の拡大を目指すためのリサーチも兼ねて香港を訪れたといい、「今回このイベントに参加して、他の受賞デザイナーの方々との交流や作品を通して、日本とは違う空気感を感じることができてよかった。今後は国内のベースを固めるのはもちろんだが、世界に向けて発信できるような実力を付けたいと改めて感じた」と意気込みを語った。受賞者からピックアップ、アジアの注目3ブランド　「10 Asian Designers To Watch」展の会場に集った受賞者たちの中から、FASHIONSNAP編集記者が特に気になった3ブランドのデザイナーをキャッチ。個性豊かなバックグラウンドやコンセプトが反映されたアジアの気鋭ブランドの魅力を、デザイナーのコメントともにお届けする。ファッションを”声を上げるためのプラットフォーム”に「ACT N°1」　デザイナーのルカ・リンは、1993年イタリア生まれ。マックスマーラ（Max Mara）・グループでパタンナーやデザインプロジェクトのコンサルタントとして経験を積んだ後、2016年にアクト・ヌメロウーノを設立。自身の多文化なバックグラウンドを背景に、多様性と包括性を象徴するクリエイションを展開している。　ブランドを代表する「ラッフルジャケット」には児童婚への抗議が込められるなど、ファッションを“ジェンダー平等”や”ステレオタイプとの戦い”といった社会問題に声を上げるためのプラットフォームとして活用。服づくりを通して声なきマイノリティの代弁者として活動し、変化の促進を目指している。また、イタリア製デッドストック生地の使用などサステナブルな生産体制も高く評価されている。「ヴァレンティノ（VALENTINO）」の支援や、数々のセレブリティへの衣装提供などを経て、2025年には「インターナショナル・ウールマーク・プライズ」のファイナリストに選出された。中国 × アメリカの文化を織り交ぜたウェアラブルアート「Penultimate」　ペナルティメイトを手掛けるシャン・ガオは、中国・温州出身。ニューヨークのパーソンズ美術大学で修士号を取得後、ラフ・シモンズ（Raf Simons）が率いる「カルバン クライン 205W39NYC（Calvin Klein 205W39NYC）」で2年間経験を積み、2018年にニューヨークでペナルティメイトを始動。自身のルーツである中国とアメリカでの生活の双方から着想を得た、1970年代の「ウェアラブル・アート（着る芸術）」運動を彷彿とさせるコレクションを展開している。多様な素材を組み合わせたアッサンブラージュ（寄せ集め）技法と、独創的な物語性のあるクリエイションが特徴。2025年には、LVMHプライズのセミファイナリストに選出された。　なお、日本では、原宿のセレクトショップ「グレイト（GR8）」と神戸の「ムクタ（Mukta）」の2店舗で取り扱っている。彫刻とアール・デコをファッションに融合した美学を体現「Zhong Zixin」　ジョン ズーシンは、衣服を起点に家具やインテリアなどのホームプロダクトまで展開するライフスタイル・ファッションブランドとして、2020年に上海で設立。デザイナーのジョン・ズーシンは、広州美術学院で彫刻を学んだ後、2018年にセントラル・セント・マーチンズ（Central Saint Martins）大学院のウィメンズウェアデザイン専攻を修了し、同年にロンドン・ファッションウィークに参加して注目を集めた。　ファインアートとファッションデザインという二つのバッググラウンドをもつ同氏のデザインは、芸術性とウェアラブルさのバランスが強み。レディ・トゥ・ウェアには、彫刻のような立体的な造形と女性らしいシルエットを再解釈した、独自の美学が反映されている。実家が家具事業を営んでいることから、家具やホームデコレーションからも多くの着想を得ており、現代的なアール・デコ（Art Deco）の要素をファッションに落とし込んでいる。現在はパリのショールームを拠点に活動し、日本国内では未展開。

Tamme

KHOKI

Fashion

日本からは「コッキ」「タム」が受賞

アジアの気鋭デザイナーを選出、「10 Asian Designers To Watch 2025」が香港で開催　今知るべき注目ブランドは？

トランクホテルをアトリエに、初の参加型プロジェクト　「アトリエビジット」と題し、TRUNK(HOTEL) CAT STREETのロビーを貸し切って行われた今回のイベント。その名の通り普段使っている棚やイメージボードなどを持ち込んでコッキのアトリエを再現し、関係者やブランドのファンを招いた一夜限りの催しとなりました。　普段展示会などで使われるTRUNK (HOTEL)のショールームスペースでは、2025年秋冬コレクションの世界観を表現したインスタレーションを公開。展示会でも一際目を引いた家のモニュメントとともに、ランウェイショーで披露された今季の新作が会場を彩りました。20年針を握っていない編集記者がクッション作りを体験　受付で参加費を支払うと、コーデュロイのクッションカバーが手渡されます。カラーはネイビーとブラウンから選択可能。この段階ではまだコッキの「K」の文字があしらわれているだけのシンプルなデザインです。ここから自由にデザインし、自分だけのクッションカバーを作り上げていきます。　アトリエから持ち込んだ棚には、ヴィンテージライクなテキスタイルのほか、人や星、ハートを模ったワッペン、アンティーク調のボタンなどクッションカバーを彩る装飾がズラリ。カラーバリエーションも豊かで、デコレーションの可能性は無限大です。　ネイビーのカバーを選んだ筆者は、ボディのカラーとの相性を考えてイエローの星とミックスカラーのハート、6色のポップなボタン、モノトーンの端切れをセレクト。本当はもう少しつけたい気持ちもありましたが、時間が限られており、更に裁縫にあまり自信がなかったためこれくらいにしておきました。　完成予想図。期待と一抹の不安を胸に、いざスタート！　......開始早々針で指を刺す幸先の悪すぎる滑り出し。何を隠そう最後に裁縫をまともにしたのは小学3年生の家庭科の授業。始まってしまえばフィーリングでなんとかなるだろうという希望的観測もありましたが、見通しが甘すぎました。学校の授業は将来役に立つ。約20年ぶりにそんな当たり前のことを実感しながら、亀の歩みのようなスピードで製作を進めていきます。　なんとか最初の縫い付けを終了。ステッチの幅が広すぎて我ながら不安になるレベルです。巡回しているコッキデザインチームの1人に進捗を聞かれ、正直に現状を報告すると、「コッキのモノづくりは手作業の温かみを大切にしています。そういう意味ではとても心のこもった良いクリエイションですよ」。思わず心がじんわり温かくなりました。周りを見渡すと、どうやら苦戦しているのは自分だけではない様子。コッキのメンバーは状況に目を光らせ、苦労していそうな参加者に声をかけ積極的にサポートを行っていました。　次はボタン付けにチャレンジ。さっきとはまた違った難しさがあり、会場に遊びに来ていた知り合いの業界関係者からは「めちゃめちゃ裁縫得意そうなルックスなのに全然できないんですね（笑）」などとイジられる始末。悪戦苦闘が続きます。　そうこうしているうちに、どんどん時間がなくなってきました。2時間の持ち時間があるため、始める前は心に余裕がありましたが、やっているうちにデザインを変えたくなったり、縫ってはいけないところを縫ってしまったりしてやり直すケースが頻発。何事も計画通りにはいかないものです。時間がなくなった終盤はデザインチームの力を存分にお借りして、なんとか完成に漕ぎ着けました......！　よく見ると（よく見なくても？）ツッコミどころが満載。当初6個つける予定だったボタンは時間の都合で4つに数を減らし、星のワッペンは途中までは縫ったものの最終的に間に合わず、スタッフさんによるミシン仕上げに変わっています。中央のグリーンは元々予定にはありませんでしたが、ブランドディレクターのKokiさんにお願いしたところ、最後に追加してくれました。　自分で手を動かしてモノづくりの一端に触れることで、「アメリカンキルト」をはじめとするコッキのアイテムがいかに高度な職人技によって作られているかを実感。この日は2025年秋冬コレクションのレザーショーツを履いていきましたが、このアイテムへの愛着もより一層深まりました。　また、家に帰ってクッションを取り出すと、自分で（文字通り）手を痛めて完成させたこともあり、えも言われぬ愛おしさが湧き上がってきました。あれから数日、家でくつろいでいる時間はほとんどこのクッションを抱えて過ごしています。やはりモノの魅力は思い出や体験とリンクするんだなと再確認。とても有意義なイベントでした。ワークショップを終えて　ブランドディレクター Kokiに聞く──ブランド初のワークショップ。すごい盛況でしたね。　ありがとうございます。想定していたよりも皆さんが楽しんでくれて良かったです。お客さんの楽しそうな顔を見ていたらこっちまで楽しい気持ちになりました。──私も楽しかったです。あまり上手くできずKokiさんの手を煩わせてしまいましたが。。　それで良いんです。ステッチは完璧でない方が味が出ますし、少し雑くらいが丁度良い。今回はお客さんとコッキが一緒に物を作るということをテーマにしたイベントだったので、お手伝いさせてもらえて僕らも嬉しかったです。──今回、参加型プロジェクト「TOUCH」を始動した理由は？　ショーとはまた違った形で、ブランドを支えてくれている方々と、より近い距離で何かをしたかったんです。また、自分たちの服は本当に手間暇をかけて製作しているものなので、買ってくれる人や仕事で関わってくれる人にも、それを伝えたいという思いもありました。──確かに、実際に自分の手を動かしてみるとコッキの服を作るのがいかに大変かを実感しました。　狙い通りです（笑）。工場の方を含め、コッキチームが一丸となって自分たちが良いと思う服を作っているので、このワークショップを通じてその魅力を再確認してもらえたら嬉しいですね。──今回のワークショップは参加型プロジェクト「TOUCH」の第1弾とのことですが、第2弾以降の計画は？　ワークショップという枠組みは継続したいと思います。ただ、次何をやるかは今のところ決まっていないですね。第1回をやってみて、初めて見えてきたものもあったので、今後についてはチームで再度話し合って決めていきたいです。

KHOKI初のワークショップに潜入　FASHIONSNAP編集記者がクッションカバー作りを体験

密着 1月25日：パリ・ヴァンヴ蚤の市とコッキのクリエイションの関係性　パリコレ（パリファッションウィーク）期間中の2025年1月25日、フランスはパリ左岸で開かれるヴァンヴ蚤の市の会場に「コッキ（KHOKI）」のブランドディレクター Kokiの姿はあった。名古屋のセレクトショップ「キンク（kink）」のオーナー安田茂と共に、毎シーズン足を運ぶという蚤の市には、コッキのクリエイションに通じるものがあるようだ。　パリ市内には主に3つの蚤の市（フリマ）がある。最大規模のクリニャンクール蚤の市（サン・トゥーアンの蚤の市）、日用品の多いモントルイユ蚤の市、そしてヴァンヴ蚤の市だ。「ピュス・ドゥ・ヴァンヴ（Porte de Vanves）」駅を降りたところにあるヴァンヴ蚤の市は3つの中では最も規模が小さいが、その分治安も良く、路上での宝探しにもってこいのフリマで、Kokiはパリで展示会をする際にはヴァンヴとクリニャンクールに訪れるという。実際に、蚤の市で撮影した写真をプリントしたアイテムを展開したりと、コッキのデザインに蚤の市での体験が反映されることもあった。　「用途不明な、自分の頭の中にないものがここにはある」。Kokiにとって今回で4回目となったヴァンヴ蚤の市は、あいにくの雨で古着の出品は少なかったが、カトラリーや絵画、人形、オブジェ、カセットテープ、仮面、カメラ、アクセサリーなど多種多様なものが販売されていた。「欧州だけでなく、アフリカやアジアのカルチャーが入り混じるこの空間に、温かみを感じ落ち着く感覚を覚えます」。そういうと、Kokiは見知らずの家族の姿がおさめられたネガフィルムを手に取り、「なんかいいですよね、この写真」と目を輝かせる。　蚤の市には実用性はないが、魅力的に映る品々が多い。トランプの絵柄が入ったサイコロは、出品者に聞くと、どうやら振って役を作り、ポーカーとして遊ぶものらしい。ポーカーをしないKokiだが、そのデザインの面白さから購入を決めた。　コッキのクリエイションは、アメリカンキルトの素材使いやインドの手刺繍など、クラフト感や温かみが特徴であるのと同時に、チームのパタンナーによるフォルムの追求やアブストラクトな表現でアバンギャルドな一面も持っている。モードともカントリーともコンテンポラリーともカテゴライズできないコッキの服は、さながら「美しいカオス」を体現するパリの蚤の市に通じるものがあり、クラフトマンシップに基づく細部へのこだわりを集積させることで、差別化を図っている。　ブランドデベロップメント・エージェンシーSeiya Nakamura 2.24のパリショールームに出展したコッキは、セールスも好調だった。いくつもの海外バイヤーとの商談を経て、時差ボケもあるなかそれでも蚤の市に出向くのはクリエイションを研ぎ澄ませたいという欲求からだろう。　「蚤の市を訪れることは、言葉をみつける作業でもあります」。　パリ滞在期間中も、日本のチームとオンラインミーティングを重ね、ショーピースの制作を進めるなど、1月25日時点で、東京でのファッションショー（2月12日開催）の構想はまだまだ決め切れていなかった。2度目の開催に向けて、少しでもファッションショーの完成度を高めたいと、アイデア収集の側面もあったのかもしれない。密着 1月29日：ヘアメイクの打ち合わせを通じて見えてくるイメージ　「（午前）2時に目が覚めて、始発でアトリエに来たんです」。1月29日、パリから帰国して数時間後、Kokiの姿はすでに新宿区のアトリエにあった。　舞台はパリから東京へ。パリで得た新鮮なインスピレーションが最後のピースとなってコレクション制作を加速させる。　パリではセールスに集中し、帰ってきた朝に滞っていた日本での仕事を終えた。パリでの展示会に合わせてショーピース以外のサンプルは揃っている。それでも、現時点でのショーの準備の進捗は「3割」だという。ショー開催まであと14日。コレクションはどのように「ショー」になっていくのか。　そのイメージを具体的な言葉にすることはあえて避けている。「制作を重ねる中で気がつくこともあるので、現時点ではクリアになっていない方が、“綺麗な言葉”になっていくのかなと」。　前回はショーピースに振り切った構成だったが、今回はリアルなコッキも表現したい。「来てくれたお客さんに忘れられない夜を届けたいという気持ちもあります、“それなり”のショーには絶対にしたくない」とKoKiは話す。　20時。前回のショーから継続してヘアメイクを担当しているヘアアーティストの河村慎也（mod's hair）が、1stサンプルを持ってアトリエにやってくる。事前にKokiから河村に伝えた抽象的なキーワードが河村の手によってどう咀嚼されるのか、1stサンプルを起点にすり合わせを行う。　河村がダンボールから取り出したサンプルは、ヴィンテージの黒いレースを組み合わせたスカーフのような形状で、ドゥーラグのように目深に頭部を覆い巻き付ける。吟味しながらコッキメンバーとの対話を通してアイデアを拡張していく。　安易に全ての要素を盛り込んだ華美さも、カジュアルさも、メタリックな素材感や覆面が記号的に与えるパンク的な要素も、求めるイメージとはズレる。　帽子のように頭に被さるものというよりは、ヘアと組み合わせた見せ方もできるのかもしれない。試着を経て、「立体的ではない＝マスク」に対する違和感をすり合わせる。マスク型になると複数ルックが並んだ際の造形のリズム感が崩れる。かといってレースで丸みをある造形を作ると既視感を抱かせそうだ。　iPadにラフを描きながらアイデアを作っていく。　当日は会場が薄暗くなる、ならばあまりにもおどろおどろしいものではなく、若干のポップさやキッチュさを取り入れたい。黒ではない色を検討するため、コッキのアトリエで保存しているヴィンテージレースを取り出す。以前パリのアンティークマーケットで購入したものだ。　やはり元々検討していたような、透け感や軽やかさのあるレースの方が良いかもしれない。方向性を定めつつ、ディスカッションを経てイメージを膨らませる河村。当日までにこの後数回のミーティングを重ね、本番に向けてデザインを完成させていく。密着 2月3日：モデルオーディション　2月3日。キャスティングディレクターのTaka（BABYLON）のアトリエでモデルオーディションが行われた。17時、Kokiたちはオーディションの合間に届いたデリバリーのサンドイッチに口をつける暇もなく、入れ替わり立ち替わり訪れる総勢100人以上のモデルたちを見続けていた。　コンポジを受け取り、正面、左右、背面の写真を撮る。この段階で今回のコレクションのイメージに合うモデルかどうかを決める。通過した候補者にだけブラックのジャケットを羽織らせ、2回のウォーキングをして終了。その時間わずか1分30秒。穏やかな物腰は変わらないが、Kokiの眼差しは鋭い。撮影した写真はその場で出力し、ボードに貼り付けていく。　静かな緊張感が漂うオーディション会場には、ショー音楽を担当した作曲家の中島夏樹によるデモ音源が小さな音で流れている。Kokiからの「怪しげな森のイメージ」というオーダーに対して中島が返したアンサーは、アコーディオンやテルミンの音色を中心としたどこかスペーシーで怪しげな、不思議な生き物や動物たちの演奏する「タンゴ」。このリズムをKokiは気に入ったようだった。　音楽を聴きながら、Kokiの手元にあるのはショールックのラフスケッチ。コレクションの中のストーリー性の強いルックに負けない個性的なモデルや、洋服を魅力的に着こなすプロポーションのモデル。前回同様多国籍なモデルを揃え、ノーボーダーで自由なイメージを表現していく。当初は個性を消したモデルを起用することでルックを際立たせるというアイデアもあったというが、帰国後に最終調整を重ねる中でその考えも変わっていったという。今回が初来日のフレッシュな面々も積極的に起用した。　翌日、翌々日も引き続きオーディションは続く。週末には本格的なスタイリング組みを予定している。逆算すると、この週中にモデルを固めたいところだ。オーディション終盤には今回のショーディレクターである酒井文章（VISIONS AND PARADOX）も合流し、モデル選定は夜まで続いた。密着 2月10日：フィッティング、ショーまであと2日　2月10日、ショー本番2日前のアトリエには意外にも静かで穏やかな時間が流れている。スタイリングのメモに沿って、モデルに衣装を着せ付け、四面図とウォーキングの様子を記録する。　ラストルックとなるコレクションピースの赤いコートは、裾のなびき方を計算するためにモデルの身長に対する裾のあまりを確認。ヘッドピースのフィッティングや歩く際にポケットに手を入れるかどうか、といった細かい点を確認していく。モデルの身のこなしがスタイリングのムードをより際立たせる。　この日に撮影したモデルの着画を元に、モデルの入れ替えや、着替えのあるモデルの出順の調整を行う。現時点での進捗は8割。細やかな調整はこれからだ。密着 2月12日：ショー本番 【9:00】　ショーの舞台となる五反田TOCビルに各種スタッフたちが集合。機材の搬入が行われ、照明の設営が始まる。【9:23】　2トントラック4台分、ダンボール600箱の枯葉が運び込まれる。枯葉はいずれもKokiの実家がある山梨県の山から採集されたもの。秋口の発色が美しい時期に拾い集めた枯葉を、ドライフラワーを製造する家業の乾燥機で乾燥させ、色褪せないように保管していたという。【9:38】　エレベーターいっぱいの紙袋を引きずってコッキチームの第一陣が会場IN。袋の中にはショーの座席として使用するために制作したオリジナルクッションが320個。学生と共に手作りで制作した。【10:00】　600箱の枯葉の搬入が終わり、次々とダンボールが開封されていく。封を開けるとたちまち、会場は森の中と錯覚するような深い緑の香りに包まれた。枯葉は床に積み上げられ、少しずつ客席を作っていく。音響テストを始めるチーム、照明を組み立て続けるチーム、大量の枯葉を地面に敷き詰めていくチーム、大勢が駆け回りながら準備を進める。無機質でがらんどうだった空間は活気を帯び、枯葉の山は、次第に”小さな森”に近づいていく。刹那的に終わっていくファッションショーができるまでに、どれだけの人の手とこだわりが詰まっているのだろうか、思いを馳せずにはいられない。【12:28】　概ね敷き詰め終わった枯葉の上に、客席であるクッションが配置されていく。ランウェイの幅は異例の40cm。クッションは、ブラウンのコーデュロイにコッキの「K」の文字が施されている。ランウェイに立ってみると、客席から眺めている以上に狭く、客席は脚が触れそうなほど近い。しかしこの観客とモデルの距離の近さはKokiきっての希望だ。鑑賞者と被鑑賞者としての関係ではなく、空間全体が「コミュニティに見える」ようにしたい、という思いがそこにはあった。【13:09】　控室にはヘアメイクの河村の姿があった。紆余曲折を経て、筒状に空洞が作られたレースを組み上げた造形にフリンジなどのパーツを載せた立体感のあるヘッドピースが完成していた。次第と控室にフィッター、キャスティング、演奏者たちが集まり始め間も無く皆が本格的に動き出す。【15:18】　微調整が重ねられた枯葉の山はより自然な稜線を描きリアリティを増していた。ランウェイから周辺一体に広がる森の風景を見渡すと、「ノスタルジック」の一言で片付けてしまうのはあまりにも惜しいほどの言い得ないに感情が押し寄せる。童心に返って枯葉の山に飛び込みたくなるようなふとした郷愁や心細さ、自然に対する恐怖と恍惚、そういったものに限りなく近い純粋な服。子どものような好奇心や、ファッションへのただひたむきな情熱で服を作り続けてきたコッキの、ピュアで生々しい衝動衝動がストイックな姿勢の下で形になる。コッキが追求する美しい景色に、そうしたものを重ねた。【15:26】　バックステージではスタイリングの仕上げに入る。コッキチームは前日からアドレナリンが出て眠れずに当日を迎えたという。ファーストルックのモデルは今回が初来日。やや緊張の面持ちだ。ヘッドピースの調整では、パーツをカットしたり、取り外したりと大胆な変更も続く。【17:31】　テクニカルリハーサルやウォーキングテストを終えて、リハーサルがはじまる。　「白樺の木の森」をショー空間で表現するため、当初は木のオブジェを持ち込むアイデアもあったが、白樺の木に見立てた棒状のライトを空間内に林立させるという演出に変化した。刺繍やアメリカンキルトといったクラフトワークが印象的なコッキは、表面的なエッセンスを抽出すると“牧歌的”なテイストに傾きすぎる。しかし、本質はものづくりに対する真摯な姿勢とユーモア。空間やライトで無機質さ、工業的な冷たさを加えることで人間味や温もりを際立たせる。【19:00】　ドアオープン。電気が消えた会場を誘導のかすかな光を頼りに恐る恐る歩く。暗い中で体育座りをして見回す周囲のクッションは岩肌のシルエットのようにも見える。席に案内され、柔らかい枯葉の上にはじめて足を踏み入れると、想像以上に柔らかく、踏み荒らされていない美しい山に入り込んだようである。踏んだ時のカサカサという音、踏んだことでいっそう香り立つ枯葉。クッションに腰を下ろすととても柔らかかった。【20:10】　ショーは40分押しでスタートした。会場には、思い思いにコッキの服を装うゲストが集まり、業界を代表する錚々たるメンバーも集結していた。【20:25】　無事ショーが終わりフィナーレを終えた客席では拍手喝采が起き、バックステージでも拍手が起こっていた。スリリングであり、他で体験することのないランウェイだったからこそ、バックステージに返ってきたモデルたちには安堵の表情が見える。　ショーが終わってからも森の中は熱気を帯びていた。観客たちはコッキからの贈り物となったクッションを大切に抱えながら、余韻に浸り感想を語り合う。各々が各々の想いや湧き上がる感情を噛み締めながら、名残惜しそうに帰路についていった。バックステージには大仕事を終え一息つくKokiの姿があった。　顔を明かさない、謎に包まれたコッキチーム。余計な“言葉”や“イメージ”を介さず、ただ純粋に「服が好き」という想いと情熱が純度を保ったまま、プロフェッショナリズムを貫き通して服になる。彼らのクリエイションが胸を打つのは、創る者だけでなく着る者にとっても「服が好き」という初期衝動が尊いものだということを思い出させるからかもしれない。

「コッキ（KHOKI）」ショーの舞台裏、カテゴライズできないクリエイションはどう生まれたのか

　コッキは東京を拠点に活動するデザインチームが2019年に立ち上げたブランド。アメリカンキルトや、インドの刺繍（カンタやスザニ）、伝統技法を取り入れながら、新しさとノスタルジアが共存するものづくりが特徴だ。また、コッキのアイテムだけでなく、チームメンバーの私物などを購入できるユニークなオンラインショップ「EYE」も展開。2023年の日本のファッションアワード「TOKYO FASHION AWARD」を受賞し、2024年には「LVMHプライズ」のセミファイナリストにも選出され、いま勢いに乗っている。　ディレクターのKokiはメディアに顔出しをせず、インタビューにもほとんど応じないため、ミステリアスなブランドとして知られてきた。個人の露出を控えるのは、セールスやPR、生産管理、パタンナーまで、顧客の元に商品が届くまでのすべてのプロセスがデザインの一部であり、ディレクターもその歯車の一つにすぎないという考えによるものだ。　これまでは積極的なPRを避けてきており、前回のショーもクローズドで開催した。しかし、Kokiは「もっと多くの人に自分たちのものづくりを知ってほしいと思うようになりました」と、考え方に変化があることを語った。今回ショーを開催する理由のひとつについて、「ブランドは少しずつ大きくなり、社内のメンバーも増え、コッキは変わりつつあります。その中で、ショーとものづくりを通して、自分達の指針を改めて確立したいと考えました」と説明。コレクション制作に着手する前からショーでの発表を決めており、コッキの個性をより可視化したものになるそうだ。　「同世代のものづくりのワールドカップ」とKokiが例えるLVMHプライズへの参加は、コッキとしても大きな転機になったようだ。「どのブランドもイメージ作りが上手で、驚くほどしっかりしたビジネスプランを持っている。まず作ってから振り返って考える僕らとは対局だったが、一方で、ものづくりの重要性を再認識することができました」。　それは、他には真似できないものづくりの強度とクオリティを追求するということだ。「表層だけなら誰でもコピーできる時代だからこそ、デザインの背景が重要です。例えば、コッキのアメリカンキルトはインドの職人が刺繍していますが、そもそもインドにはアメリカンキルトを刺繍する文化はないので、職人とともに時間をかけて技術を培っていく必要があります。地道に取り組まなければクオリティも上がらず、職人との関係も築けません。コミュニケーションが難しいこともありますが、それを乗り越えることで、他では不可能なプロダクトの強さが生まれるのです」。　そんな唯一無二のプロダクトは世界のマーケットでも際立ち、コッキのものづくりは海を越えて高く評価されている。LVMHプライズの選出は、「ドーバー ストリート マーケット パリ（DOVER STREET MARKET PARIS）」のバイイングにも繋がった。そんなコッキの躍進について、さまざまな立場の人の意見を聞いてみたい。ブランドにゆかりのある小木“Poggy”基史、Seiya Nakamura 2.24の中村聖哉、PROLETA RE ART デザイナーPROT、Vogue Runwayのジャーナリストであるアシュリー・オガワ・クラークの4人に、コッキの魅力を語ってもらった。小木“Poggy”基史ファッションキュレーター　前回の東京でのショーは、本当に衝撃的でした。会場には使い古された木箱が敷き詰められ、天井はドレープ感のあるシーチングで覆われており、シンプルでありながら明らかに異彩を放っていました。東京のデザイナーの強みとも言える歴史やアーカイヴを再解釈して丁寧に作られた服に、ヘッドピースや凝ったアクセサリーがモダンさを加えていました。ひとつひとつのルックからオーラが感じられ、人々の感覚を研ぎ澄まし、魂に訴えかけるような素晴らしいショーでした。　その後、コッキは展示会ベースで発表を続けていましたが、自分としてはやはりショーで見たいブランドです。それほどまでに、彼らのランウェイには他にはない強さと魅力があります。次のショーが待ち遠しいです。中村聖哉Seiya Nakamura 2.24 ファウンダー　僕はコッキの海外セールスを担当しています。このブランドは、いろいろな意味でのバランス感覚、素材感やディテール、空気感が際立っています。今の日本のブランドの中でも、海外でも通用するアイデンティティがあり、グローバルレベルで理解してもらえるような洋服や空間の作り方、ヴィジュアルコミュニケーションなどが絶妙です。　また、非常に理解力があり野心的で、僕が1を言うと10理解してくれるほどの知性が、服にも現れている。ポップだけどミステリアスという、ポップになりすぎないようなバランス感覚や、さまざまなものを理解し、すべてを見ているからこそ生まれる抜け感もいい。既に世界有数の店舗に取り扱われ始め、2025年秋冬シーズンはこちら側が取扱先を絞る程に引き合いもあるので、これから更に世界に認知されていくでしょう。PROTPROLETA RE ART デザイナー、代表　　コッキとは、4年ほど前からの付き合いです。得意な分野でお互いをサポートをしあい、持ちつ持たれつの関係で仲良くさせてもらっています。アンティークキルトの素材使いやインドの手刺繍など、絶妙なクラフト感や温かみが魅力的ですが、特にボトムスのシルエットの美しさや履き心地への配慮がとても気に入っています。歴史あるメゾンで経験を積まれたパタンナーの方々の技が光っています。以前のコレクションに登場したキルティングのサイドラインが入ったトラウザーは、素材、着心地、シルエットが最高で、全色購入して冬の間ずっと履いていました。アイテム一つ一つの良さはもちろんですが、チームの皆さんがとても親切で、人柄が良いこともコッキの大きな魅力の一つだと思います。Ashley Ogawa Clarke（アシュリー・オガワ・クラーク）Vogue Runwayのジャーナリスト、批評家　コッキを知ったのは、2023年3月に東京ファッションウィークでランウェイショーを見たのがきっかけでした。デザイナー自身の素性を公表せず、「服そのもの」で評価されたいと考えていると聞いたとき、その謙虚さにとても興味を惹かれました。ファッション界では珍しい姿勢ですから。それ以来、注目して追い続けています。　チーム内での連携や、どこか子どものような創造力溢れるアプローチは、卓越したデザインスキルと融合しており、私の意見では、この10年で日本から登場した最も興味深く魅力的なブランドのひとつです。特に気に入っているのは、すべてのアイテムにどこかファンタジーをまとわせながらも、着やすさをしっかり保っていること。それがコッキの魔法だと思います。

謎多きブランド「コッキ」とは？　識者が語る、過渡期を迎えたブランドの現在地

「素性を明かさないことが原動力」服好きが集まって密かに始めたプロジェクトー2019年にブランドをスタート。ブランドの成り立ちについて聞かせてください。　当時別々のファッションブランドだったり企業で働いていた友人同士が、本業とは違ったよりパーソナルなクリエイションを発表したいという想いで所属していたコミュニティに内緒で集まって物作りを始めたというのがプロジェクトの起こりですね。当初はブランドですらなく、2019年秋冬シーズンに開催した展示会の名前が「コッキ」だったんです。商業的な目標なども一切なく、仲の良い友人や関係者だけを呼んで、ひっそりとやっていました。ー本業をこなしつつ、空いた時間で服作りをするというのはかなり忙しそうです。　それぞれ忙しい会社に所属していたので、平日は夜遅くに仕事を終えてから終電で下北沢にあった当時の僕の家に集まり、3時くらいまでコッキをやって、始発で家に帰ってまた仕事に行く、みたいなルーティンを繰り返していました。今考えると相当タフでしたね（笑）。20代特有のパワーがあったんだと思います。ーKokiさんをはじめ、立ち上げメンバーの経歴は？　メンバーの略歴については公表していませんが、国内デザイナーズブランドなどファッション業界に身を置いてきた人間で構成されていました。そこから段々とコッキのファッションに対するアプローチに共感してくれる人が集まって、今のデザインチームになっています。ー2022年にはコッキデザイン事務所としてプロジェクトを法人化しました。　最初にお話しした通り、当初は商業的な目標は一切なく、プライベートの延長のような感覚でコレクションを発表していたんですが、プロジェクト自体の規模も大きくなってきたことで本格的にコッキを商業化させようと。一つの区切りとしてそれぞれが在籍していた会社を辞め、コッキデザイン事務所を立ち上げました。ー同年9月には「TOKYO FASHION AWARD」を受賞。すごいスピード感ですね。　「自分たちならこれくらい当然」みたいな傲りは全くなく、ここまで早かったなという感覚もないですね。2019年から継続して発表してきた成果物に対して、ようやく結果がついてきたといった感覚が近いのかもしれません。ーコッキは「中の人」であるデザインチームのプロフィールを公開していないアノニマスな雰囲気も特徴の1つですが、あえて隠している理由は？　特定の誰かの力だけではなく、チーム全員でコッキとしてモノづくりをしているので、イメージを固定化させたくないといった意味合いが強いです。これまでコッキとしてインタビューをお受けしてこなかったのも、誰か一人もしくは数人が代表して質問に答える形を避けたいといった意図がありました。ーそういった想いがある中で、今回初めてインタビューに対応してくれました。その心は？　もちろんイメージを固定させたくないという気持ちは今も変わっていないのですが、ブランドという消費者に服を届ける立場で、何もかも不透明すぎるのも無責任ではないかなと。僕がチームの顔という意味では決してなく、あくまでチームの総意を伝えるスピーカーとしてインタビューをお受けしようと思いました。顔や名前を出していないのは信念と社会的責任の折衷案ということで。ー自分の名前で服を発表することでやりがいを見出すデザイナーもいると思いますが、コッキの場合は真逆ですね。　逆に素性を明かさないことが原動力になっていると思いますね。元々コッキは友人同士で集まって、ワイワイ自由にモノづくりをしていたところが原点。僕個人としても、Kokiとして名前を売りたいとは全く思いません。コッキとしてクリエイションが評価してもらえたら、それで十分です。デザイナーの価値は特別高くない、コッキが持ち回り制でデザインを手掛けるワケーデザインは全てディレクターのKokiさんが担当している？　いえ、全くそんなことはないです。製作フローとしては、まずディレクターの僕が全体のアイテム数やカテゴリー割合など、ざっくりとしたコレクション構成を考えます。ここで用意するのは本当に大まかな方向性だけがイメージできるようなラフスケッチだけで、他のデザイナーさんが描くようなデザイン画は準備しません。考えた構成を基にチームでディスカッションしてメンバーの希望などをヒアリングしながら、僕が各メンバーに適切なアイテムを割り振り、それぞれが担当アイテムのデザインを手掛ける、といった流れですね。コッキのコレクションには、生産管理がデザインしているものもあれば、パタンナーが手掛けているものもある。もちろん僕が担当しているアイテムもあります。まさにチーム全員がデザイナーといった感じですね。ーチームでデザインを手掛けることのメリットは？　何ですかね。難しい質問です。複数人がデザインしたアイテムが混在していることでコレクションに幅が生まれるといったことはあるかもしれないですけど。逆にデザインを1人で完結させない分、製作がスムーズに進まない時があるといったデメリットはすぐに思い浮かびますね（笑）。ー明確にこれといったメリットがない中で、チームでデザインを続けている理由は？　多分コッキでは、デザイナーというポジションの価値を、特別高く考えていないんだと思います。生産やセールスなどと同じ、デザイナーもブランドを支える1つの役割。デザイナーを置くとどうしてもそこが主役として見られてしまうので、チーム全員でモノづくりをしているといった意味を込めて、持ち回り制でデザインしています。　あとは純粋に、チームメンバーみんなでモノづくりしている感覚がとても楽しいからです。コッキは、仲間同士で集まって和気藹々と服を作っていたのが原点ですから。今までチームでコレクションを作ることに対して損得勘定はしてこなかったですし、今後もあまり考えないと思います。ーメンバーそれぞれに個性があり、担当者によって服のデザインに幅が生まれるといった話もありましたが、逆にデザインチームメンバーの共通点を教えてください。　モノづくりに対しての“姿勢”ですね。趣味やライフスタイル、服作りのモチベーションなどはバラバラかもしれませんが、自分が作る服にどこまでのクオリティを求めるのか、そのためにどれだけ妥協せずにクリエイションに向き合えるかといった気持ちの部分は揃っていると思います。ここさえ同じ方向を向いていれば、ほかは違っていてもいいのかなと。ーチームワークはどうですか？　チームはいい雰囲気だと思います。共通の友人を交えてみんなで登山に行ったりもしますが、前提としてビジネスパートナーなので、仕事とプライベートの線引きはしっかりしているつもりです。　ちなみに、チームメンバーはバイクや釣り、登山などアウトドア系の趣味を持っている人間が多いです。僕だけインドア派なんですが（笑）。ーKokiさんの趣味は？　ゲームですかね。ポケモンにハマっていて。昨日もちょうどファッション関係の仕事をしている友人と集まってポケモン対戦をしました。　あとはインドアとは少し違いますが、走ることも好きです。特にルールを設けているわけではないですが、20分くらい家の近くを走って帰宅して冷水を浴びるというルーティンを冬以外は週に1〜2回のペースでずっと続けていますね。スター・ウォーズの本、70万円超えのハンガーラック...ECでメンバーゆかりの品を販売ー公式オンラインストア「Eye」では、コッキのアイテムのほかにデザインチームメンバーの私物などを「アーカイヴプロダクト」として販売しているのがユニークです。　オンラインストアを立ち上げるにあたり、ただコッキのアイテムを買えるだけのECサイトにしてもつまらないなと思って。ECが溢れかえっている世の中で、自分たちが消費者に提供できる価値とは何かを考えました。メンバーの私物やゆかりのあるアイテムを販売することで、コッキのモノづくりへの姿勢やリアルな目線が伝わるブランドのポートフォリオのようなサイトになればいいなと。ーこれまで出品してきたアイテムにはどんなものがありますか？　色々ありますが、例えば昔コッキチームで遊んでいたボードゲームや僕の実家で使っていなかったアンティークの扉とか。ー使っていない扉・・・（笑）。そんなものまで出品しているんですね。　実用性があるかどうかは別として、チームメンバーゆかりの品を値段をつけて販売することにはすごく意義があると考えています。作った服を買ってもらう以外の形でブランドとお客さんとの間にコミュニケーションの場を用意して、コッキをより近く感じてもらえたら嬉しいなと。数あるブランドの1つではなく、唯一無二のものとして認識してもらえたら嬉しいです。ー見ると、展示会で使用していたハンガーラックが70万円超えで売れていますね。　意外と皆さん色々なものを買ってくれますね。カメラやロバの置物、メンバーの1人が昔買ったスター・ウォーズの本など、ファッションとは関係のないものも売れるので面白いです。ー価格についてはどのように決めているんですか？　あまり深く考えてはいないですが、本当は売りたくないアイテムは高く設定しています（笑）。「アーカイヴプロダクト」でビジネスをしようとは一切考えていないので、本当に自由に値付けしていますね。本質的に新しい服はなかなか生まれない　コッキが見出した「誰にも真似できない」オリジナリティー2023年秋冬シーズンには、東コレで初のランウェイショーを開催。今後の発表形式について教えてください。　今後どうやって発表するかというところはあまり考えていないですね。チームの方針として「ショーがやりたいね」となったら実施するかもしれませんが、今のところ未定です。　ただ、他のブランドのショーを見ると刺激を受ける部分は確かにあります。2024年秋冬シーズンはご招待いただいていくつかショーを拝見しましたが、タイトなスケジュールの中でしっかりしたものを作り上げていて凄いな、とリスペクトすると同時に、自分たちも何か表現したいという気持ちがふつふつと湧いてきました。ーコッキはファッションプライズ「LVMHプライズ」のセミファイナリスト20組に選出されました。　セミファイナリストまで残していただいたのは有り難いですが、今の気持ちは完全にニュートラルですね。目の前の服作りに忙殺されていることもあり、プライズの結果に考えを巡らせる余裕がないというのが正直なところです。ーブランドとしての現在の課題は？　全てですね。課題がないポイントは一つもないと思います。先ほどオンラインストア「EYE」について話したように、いかにしてお客さんにブランドの価値を感じてもらうかというプロモーションの部分もそうですし、どうやって販路を広げていくかというセールスの部分もそう。これらを全て引っくるめて服のデザインだと思っているので、今後更に突き詰めて改善していきたいなと考えています。ープロダクト部分の課題はどのように考えていますか？　コッキではデザイナーズブランドの特徴を色濃く映したアイテムのほかに、世界各地の職人さんのクラフトマンシップを活かしたアイテムをブランド当初から継続して展開しているんですが、後者のアイテムのクオリティをどのブランドも追いつけないくらいのレベルまで引き上げたいと考えています。モードで革新的な服というのは2000年代前半までに先輩ブランドがやり尽くしてしまって、いわゆる本質的に新しい服というのはなかなか生まれづらいのかなと思っていて。ワンシーズンごとに新しいテーマを設けてコレクションの雰囲気をガラッと変えるという手法はある意味「アンチサステナブル」なのではないかという想いもあり、最近では職人さんたちの技術をいかにモダンかつファッショナブルに昇華できるかという部分に面白さを感じているんです。一度仕事をご一緒させていただいたら取り組みを継続することに意味があると考えているので、今お取り組みがある職人さんとは今後も末長くお付き合いしていきたいですね。ー2024年秋冬コレクションで登場した刺繍を全面に施したパンツはクオリティと遊び心を両立していて、非常に魅力的でした。　インドの職人さんにお願いして手刺繍で仕上げていただいたアイテムですね。チームメンバーそれぞれの好きなモチーフをごちゃ混ぜにして散りばめています。有難いことに展示会でも多くの方にご好評をいただきましたが、まだまだ満足はしていないです。トラディショナルなものをそのまま服にするのではなく、生地の使い方などを工夫することで見た人が新鮮な気持ちになれる服を本当に高いレベルで作れたら、誰にも真似できない。群雄割拠のファッション業界の中でも吹き飛ばされないオリジナリティを確立できると思っています。ーアジアを中心に海外アカウントも増えていると聞いています。ブランドの今後の展望を聞かせてください。　具体的な数字としてお話できることはないのですが、個人的に今のビジネス拡大のやり方は間違えていないと思っていて。2024年から「Seiya Nakamura 2.24」に海外セールスをお願いするようにしたことでグローバル展開もやりやすくなったと思いますし、事業拡大に伴いチームメンバーを増員することも考えています。このペースを維持しながらチームとして突き進んでいきたいですね。（聞き手：村田太一）■KHOKI公式インスタグラム公式オンラインストア「EYE」

「本質的に新しい服はなかなか生まれない」コッキ（KHOKI）が紡ぐ唯一無二のオリジナリティ

■24HOURS SHOP 第3弾販売期間：2021年11月26日（金）0:00〜11月28日（日）23:59販売スケジュール：11月26日（金）0:00〜23:59　コッキ（KHOKI）、シュガーヒル（SUGARHILL）11月27日（土）0:00〜23:59　クードス（kudos）、シューオム/フェム（SYU.HOMME/FEMM）11月28日（日）0:00〜23:59　エムエーエスユー（M A S U）、ケイスケヨシダ（KEISUKEYOSHIDA）特設ページあえて24時間限定で販売―「24HOURS SHOP」の始動のきっかけを教えてください。　24HOURS SHOPが立ち上がったのは2019年なのですが、ちょうどその頃は（ZOZO創業者の）前澤（友作）さんが代表を退任されて新体制がスタートした時期でした。企業としては大きくなったけれども、一方でマス化が進んでいると社員の間でも感じていたところがあり、創設当初のようにファッション感度の高いお客様にも買い物していただきたいという思いから始まりました。第1回は「ゾゾヴィラ（ZOZOVILLA）」を後に立ち上げた人間が発起人となり、第2回以降は僕が手掛けています。―何名のチームで動いているんですか？　最初は有志で集まったメンバーが手掛けていましたが、24HOURS SHOPを含むゾゾタウンにまつわる商品企画に特化したチームが昨年2月に発足してからは男性メンバー3人で運営してきました。今は女性メンバーも加わり4人体制になりましたが、24HOURS SHOPに関しては前回も今回も僕がメインでディレクションを組んでいます。―平岩さんは現在25歳と若いですよね。ZOZOとしても抜擢だったのでは？　うーん......そうなんですかね（笑）。運やタイミングがたまたま重なったのもありますが、自分のやりたいことを伝え続けてきたので、そこを汲み取っていただけたのはあると思います。―新卒からZOZOに在籍しているんですか？　実は前の会社を3ヶ月で辞めているんです。コンサルの会社だったのですが、もともとはファッションのコンサルをしたいと考えていて。やはりファッションを仕事にしたいと思い、ZOZOに転職しました。やりたいことを好きなようにやらせてもらえる環境に感謝しています。―24HOURS SHOPでは各アイテムを24時間限定販売するとのことですが、期間をより長く取った方が売り上げも伸びるのでは？　おっしゃる通り、期間を長くすればその分売れるし、いつでも買えることが通信販売のメリットの1つですが、逆に時間的な制約を設けることでお客様の心理を煽れたらと。あとは店頭での買い物のようにライブ感を楽しんで欲しいという思いもあります。―実際に、過去の販売では大きな反響があったそうですね。　前回販売した「ユースルーザー（youth loser）」と「ディッキーズ（Dickies）」のコラボ商品はかなり多くの在庫を積みましたが、0時の販売開始から50秒で全アイテムが売り切れました。あともう一つ、「シンヤ（SHINYA）」という規模としては大きくないコアなブランドがあるのですが、シャツを販売した時も2万5000円程度と決して価格の安くはなかったのに10分程度で完売しました。販売開始の0時を迎えるタイミングを楽しみにしてくださっているお客様がいるというのはすごく嬉しかったですし、企画をやる上で自信になったポイントです。―狙っていた顧客層にはリーチできたのでしょうか？　新規のお客様に加えて、昔ゾゾタウンを使っていて近年商品を購入していなかったお客様も戻ってきてくれたので、手応えはありましたね。ZOZOが“仲介役”に　別注商品の開発秘話―ブランドは平岩さんの独断で選んでいるんですか？　前回に関しては企画に参加したい社員が集まって、それぞれの社員の推したいブランドにお声がけしていました。ただ今回は性質が異なり、僕にすべて一任させてもらって、企画テーマに沿うブランドに参加していただきました。―テーマには「next generation」を選んでいます。　国内で勢いのある若手ブランドを集めたいという思いがありました。最近は若いブランドを中心に、独自のクリエイションをもつ面白いブランドが増えてきたと肌で感じていて。これからの日本のファッション業界を担っていく、いわゆる“ブレイク前夜”のデザイナーの方々をフォーカスするのは今回のタイミングしかないと思い、このコンセプトにしました。―販売に向けていつ頃から準備を進めてきたのでしょうか？　今年の2〜3月頃ですね。コロナの流行などが重なってファッションを楽しめない状況が続いていたので、こんな時代だからこそ、ブランドの皆さんにワクワクするようなクリエイションを提供していただくことで業界を盛り上げつつ、明るいニュースを届けたいと思っています。―今回は6ブランドが参加しています。　ゾゾタウンに出店いただいているセレクトショップを通じて商品が販売されたことがあるブランドが一部ありますが、ブランドとして公式に商品を出していただくのは全ブランド初めてになります。かなり個性があるブランドばかりで、ゾゾタウンが抱えている若年層のユーザーの心に響くラインナップにもなっていると思います。―数ある若手ブランドの中でも、なぜこのラインナップになったのでしょうか？　自分の主観だけで選んでしまうと、どうしてもブランドに偏りが出てしまうので、モード系のブランドからコッキのようにクラフト感の強いブランドまで、なるべく多くの方に楽しんでもらえるように幅広く選別することを意識しました。―マスなイメージのゾゾタウンに対し、ブランド側は「敢えて出店しない」という選択肢もあったかと思います。どのように口説いたのでしょうか？　すべてのブランドがこれまで取引がなかったので、まずアプローチにすごい時間がかかりました。ユーザー層やゾゾタウンの規模感を説明した上で、今回はファッションに特化した企画であること、そして販売の手法について賛同いただけたことでコラボの実現に至りました。本当はアタックしていたブランドがもう少しあったのですが、「企画が面白くない」という理由ではなくタイミングの問題でできなかったというお返事が多かったので、企画に対しては好意的な意見が多いように感じています。―12ブランドをラインナップした前回よりも規模は縮小しています。　前回は社員の好きなブランドを集めていたので、ある種の“ワイワイ感”は演出できましたが、企画を通して伝えたいメッセージがあまり明確にはなかったように感じます。今回は1つのテーマを設けることで参加ブランドにご理解いただけたというのがメリットとしてありますし、ブランドラインナップにも一貫性が出たと思っています。―エムエーエスユーはメンズブランドの中でも特に勢いがあり、業界でも注目度の高いブランドですよね。　僕自身も、今回企画する上で絶対に外せないブランドと考えていました。最初にリストアップさせていただきましたし、お声がけのタイミングもかなり慎重に選びました。―リブランディング後の1stコレクションである2018年秋冬コレクションのダウンブルゾンを復刻していますが、提案は平岩さんから？　実は最初、別の商品で進んでいたんですけど、諸事情があってそちらがストップになりまして。そのタイミングでブランド側から「ファーストコレクションで販売したダウンの復刻でどうか」と逆に提案をいただきました。ファンの方にとってはアツい話題になると思いますし、僕もこれは嬉しかったですね。 ―ブランド側も企画に積極的に参加されたんですね。他の5ブランドに関してどういった形で製品化が進んだのでしょうか？　各ブランドにとって今回の企画が多くのお客様との初めての接点になる可能性が非常に高いと思ったので、ブランドの色が出るアイテムにしてほしいとリクエストしました。　例えば、ケイスケヨシダではブランドの定番商品であるトレンチコートを入れてもらいつつ、スペシャルエディションとして学生服を作っている日本毛織の生地を使用してアレンジしました。ケイスケヨシダは「学生」という大きなブランドテーマがあるので、そこにフォーカスした形です。ローファーに関しても、学生時代に多くの人が履いたことがあるであろう靴のメーカー「ハルタ（HARUTA）」とコラボしたり。ケイスケヨシダはハルタとは直接のつながりがなかったので僕らがブランドのハブ役となって紹介することで今回のスペシャル商品が実現しました。　クードスと吉田カバン（新レーベル）、シュガーヒルと「マックレガー（McGREGOR ）」など、別のコラボ商品に関してもZOZOが仲介役として間に入っています。ブランド単体では実現できなかったコラボが今回の企画だからこそ実現するのもメリットの一つで、各ブランドのデザイナーさんにも喜んでもらえたので、ZOZOの存在意義を改めて感じることができましたね。　コッキなど一部アイテムは数量限定にはなりますがうちで買い取り、在庫を抱えます。ゾゾタウンの規模が大きいからこそロットをクリアできて商品化が実現したものもありますし、作れる枚数も売れる枚数も多くできるのが今回の企画の良いところだと思っています。―製造のフローでZOZOの生産拠点を提供するといった取り組みは？　基本的にはブランド側が持つ独自のサプライチェーンを活用して生産していただいています。なので製造の部分までは深く入っていないですが、デザインに関しては必ずチェックさせていただき、リクエストも積極的に出しました。25歳の目に映る今のファッション業界―今回は平岩さんお一人に決定権がほぼ委ねられたとのことですが、プレッシャーは？　プレッシャーはすごく感じています（笑）。けれど、ありがたいことに自分のファッションに対する熱量を会社から大事にしてもらっているなと実感できました。これを強みとして生かしつつ、責任をもって「ZOZOのファッションって面白いよね」「僕がやっている企画なら間違いないよね」と言われるようにはなりたいですね。―年1回販売のペースで24HOURS SHOPを展開していますが、今後もその方針ですか？　そうですね。まずは企画が続かないとやっていることがユーザーに伝わりづらいですし、ゾゾタウンを代表する看板企画にしたいという思いもあります。コラボしたいショップやブランドはたくさんありますし、今までメンズしかやっていなかったのでウィメンズの展開に向けても話を進めているところです。アートの企画もやりたいですね。―今回の企画を通じて業界を盛り上げたいというお話がありましたが、平岩さんの視点で現在のファッション業界をどのように捉えていますか？　昔は雑誌などの紙媒体でしか情報が得られなかったと思うんですけど、今はデジタルが発展して誰でも情報を得られるようになり、その分ファッションと触れ合える機会が増えたと思います。ただ、その発信されている情報はどちらかと言うと自分たちの若い世代からではなく、ノウハウを蓄積してきた経験のある方からの情報が多く、影響力も強いと個人的に感じるところがあります。経験という部分では絶対に敵いませんが、若い世代にしかわからないこともたくさんある。だからこそ、同年代のデザイナーが手掛けるブランドにもっと光を当てないと業界的に良くないのではないかと感じますね。ただそれは「若者のファッションは面白いだろう」と押し付けたいわけではなく、業界の先輩たちと向き合いながら独自の提案をしていくことで、新しいクリエイションや概念がどんどん生まれたらいいなと。個人的にはZOZOという“大きな器”を使ってこういった企画をどんどん増やしていって、微力ではありますがそういったところに貢献できればと思っています。―ZOZOは近年ラグジュアリーやデザイナーズブランドの取り扱いにすごく力を入れていますよね。　経営戦略の軸の一つに「MORE FASHION」を掲げていて、まさに今ファッションに力を入れているところです。ブランド側から「ZOZOと企画をやりたい」とお声がかかる状況になるのが一番いいですよね。そういったプラットフォーマーを目指していきたいです。（聞き手：伊藤真帆）

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