インサイド

■林ひかり：デザイナー・クリエイター2002年、神奈川県生まれ。2023年の大学在学中に「ここのがっこう」を受講し、制作を始める。Tシャツやストッキングを“ほぐす”した破壊と創造が表裏一体となった作品が特徴。「チカ キサダ」の2026年春夏コレクションのショーピースとして、Tシャツやドレスなどを制作。2025年10月に自身初の個展を開催した。2025年度「ファッション・フロンティア・プログラム」でグランプリを受賞。ダブルスクールでここのがっこうにたどり着くまで──元々は一般的な四年制大学に進学したと伺いました。ファッションは子どもの頃から好きだったんですか？　私は四人姉妹の三女で、幼い頃から少し大人びた子どもでした。特に、服やアクセサリー、ネイルのような「身につけるもの」へのこだわりが強かったです。だから、高校の制服が本当に嫌いで（笑）。帰り道では、学校から離れるにつれて着崩していくのが日課でした。ただ、よく考えると具体的にどういう系統が好きとか、トレンドに敏感というより、自分が着たいもの・ダサいと思うものがはっきりしていたのかなと。なので、姉たちの影響を受けたこともあまりなくて。──服飾の道に進もうとは思わなかった？　高校生までは、水泳、バスケ、ラクロスとゴリゴリの体育会系で、大学進学もスポーツ推薦を検討していたほど。ファッションはあくまでも好きなものの一つで、まさか今のような道に進むとは考えたこともありませんでした。──スポーツ少女だったんですね。大学在学中に、服飾系の中でも個性的な「ここのがっこう」にはどうやって辿り着いたんですか？　最終的には4年生の大学でもファッションが学べる学科に進学したのですが、技術的なところを学んでいくうちに、もっと色んな側面が知りたい考えるようになりました。ただ、ダブルスクールができそうな教育機関を探しながら、自分はファッションとどう向き合いたいのか、まだ曖昧なことにも気がついて。リサーチした中から、人との対話や意見交換、制作が地続きで行われるここのがっこうに惹かれました。──ここのがっこうで特に印象的だった授業や出来事は？　個人的に合っていたなと思うのは、アイデアや考えをアウトプットする“受け皿”が常にあったことですね。電車の中でぼんやり考えていたことをポロッと話すと、山縣さん（ここのがっこう主宰：山縣良和）や講師の方々、受講者の皆がリアクションをくれるんです。ふとした瞬間に気になったことを取りこぼさずにいられるというか、思考を固めるプロセスを体感できました。　課題はいつも予想外のものが多くて、つい「なんだこれ」と思っても、取り組んでみると「考えあぐねる楽しさ」が見つかる。印象に残っているのは「100枚のドローイング」。私は長年の“スポーツ精神”が染み付いているので、「100枚やってやる！」と必死に仕上げたんです。ところが、講評では3枚だけ提出した人や数枚を合体させた人もいて、「自分はなんて分かりやすいレールを歩いてきたんだろう」と、いい意味でショックを受けました。それで、アイデアやアプローチはもっと自由でいいんだと、気が楽になったんです。──“自分の常識”を手放すことは簡単ではないと思うのですが、葛藤はありませんでしたか。　自分はノーマル過ぎるかもしれないと悩んだこともありました。でも、ここのがっこうで色んな人と話して、たとえネガティブに思える経験にも別の側面を見出せるようになりました。私の制作の大部分を占める「ほぐす」作業は地道で時間もかかりますが、辛いと感じたことはないんです。長年のスポーツ経験で忍耐が鍛えられていたお陰かなと思っています。Tシャツの“ほぐしレベル”によって変わるデザイン──林さんの作品は、ストッキングを伝線させたものや、Tシャツを極限までほつれさせた手法が特徴的です。　最初はストッキングの伝染のディテールが皮膚のたるみのように見えて興味が湧いたんです。同じ時期に、年配の方のシワやたるみのある肌に愛着を感じて、よくドローイングしていたのですが、どこか重なるニュアンスがあると思い、形にしてみようと。  ストッキングを細かく伝線させ、縫い合わせたカーディガン──どんなところがリンクすると感じましたか？　年を重ねたり、ふくよかになったりすると、皮膚がたるんだり、肉割れができたりしますが、それってとても人間的な「痕跡」だなと。それから、肉割れって、肌が裂けたような見た目だけではなく、人肌の温かさも感じる。それから、ストッキングの伝線の見た目は破壊的な印象もあるけれど、誰かが履いたものという「余熱」のようなものがあると思っていて。素材としても、ストッキングを伸ばすと自然とバイアスがかかり、柔らかいのに緊張感のあるシルエットが生まれる。そういう二面性がどことなく重なって見えたんです。──Tシャツをほつれさせる手法を見つけたきっかけは？　引き続き、人の痕跡や記憶が遺されたものに興味があったのですが、ボロボロにリメイクされたロックTシャツを見て、これを日本人の感性で作ったらどうなるのか試してみたのがきっかけでした。カットしたり破いたりするのではなく、Tシャツの編み地を解いてみたら、柔らかく繊細なテクスチャーや存在と不在のバランスが独特で面白かった。うまくほどけなかったり、破きすぎたりして納得がいくバランスになるまで時間がかかりました。反復的な“ほぐす”手法についても考えを深めていったら、ふと自分が作っているのは“ただ在る”瞬間なのかもと腑に落ちた瞬間があって、「これだ」という作品が完成しました。 ──“ただ在る”瞬間とは？　理路整然とした答えが求められる現代社会で、人に与えられた社会的な役割や評価を剥がした先にある、曖昧な瞬間や美しさを表現したいと思ったんです。Tシャツの輪郭をギリギリ保ちながら編み地を解いていくと、元の機能から解放された新しいものが生まれる。一着の中に、目が詰まっているところとほぐれているところで濃淡が出るのですが、そのグラデーションは制作時の自分の感覚に委ねらるので、ある意味“その時の状態”が表れているとも言えます。──編み地をほどくというシンプルな手法ですが、デザイン画や下書きなどは用意しますか？それとも即興でしょうか。　感情や思考のメモ、アイデアとしてドローイングはしますが、基本的に即興です。感覚的なので法則はありませんが、頭の中では“ほぐしレベル”が3段階くらいに分かれていて、ゆるめにほぐすと「1」、生地が詰まっている場合は「3」になります。一着の中でレベルのバランスを調整して、作品の佇まいを決めている感じです。──ちなみに、“ほどく”ではなく“ほぐす”と言うのは意図的なものなのでしょうか。　自然とそう言い始めたのですが、目の詰まった生地の緊張感を残しながら、抜け感を調整して糸をほどいているので、なんとなく“ほぐす”がいいのかなと感じています。硬いものを柔らかくしたり、緊張を安らげるニュアンスが合っているなと。情報消費への抵抗から個展を開催──「チカ キサダ（Chika Kisada）」の2026年春夏コレクションでは印象的なピースに林さんの作品が取り入れられていました。　千佳さん（チカ キサダのデザイナー幾左田千佳）がここのがっこうの修了展を見て、連絡をくれたんです。作品についてお話ししたら、次のコレクションで何か作ってみて欲しいと言ってくださって。──他者との協業は普段の制作とどんな違いがありましたか？　最初から千佳さんが「ブランドに寄せようとしなくていい」と伝えてくださったので、いつもの制作と大きく変えたところはありません。チカ キサダの世界観やテーマを私の視点で捉えたら何が生まれるか、自分にとっても新鮮で楽しかったですね。  チカ キサダとのコラボピース Image by: FASHIONSNAP（Ippei Saito）──去年は初の個展も開催し、活動を活発化させた印象があります。　ショーに参加させていただいて、知ってくださる方が増えました。それで急に、自分が何をしてるのか、しっかり見せないと流されてしまうと焦りを感じたんです。──流されてしまう？　急速な情報社会の中で、「林ひかりの作品はこう」と画一的に語られることへの不安と言いますか。自分が地に足をつけて制作を続けるためにも、早く次の作品を見せないといけない衝動に駆られていました。　そこで個展向けに作り始めたのが、15メートル程の布を使った作品でした。最初は少なからず、情報消費に対する抵抗感から始まったのですが、時間をかけて布をほぐしていくうちに、そうした他者評価も取り込みながら新たな作品を生み出すというポジティブな感情に変わっていきました。──制作の中で、気持ちにも変化が生まれたんですね。個展の概要では、「混沌とした感情」、「触れられず、言葉にできず、空白に沈むもの」、「曖昧で不確かな揺らぎ」といったキーワードが並んでいて、曖昧さを肯定的に捉えようというメッセージに感じました。　制作を始めた当初の気持ちに向き合いたかったんです。リメイクTシャツに着想して作った初めての作品は、「壊れているのに完成している」曖昧な状態が面白かった。そこから今の自分の思考を編み直したいと考えました。個展の概要テキスト（抜粋）車窓から流れていく風景、スクロールで押し流されていく情報、 無数のイメージと言葉が目の前を通り過ぎる。生まれて忘れ、浮かんで消える。掬い取った水が指の隙間から零れ落ちるように、見過ごされた断片は、再び水面を漂い 記憶の底に沈んでゆく。目まぐるしい社会の中で私たちは何を大切にし、どんな瞬間を心に残したいと思うのか。トンネルに入った車窓には、スマホの電源を落とした黒い画面には、そこに在るあなたの姿が浮かび上がる。──個展では、衣類を解体・再構築した作品以外に、空間作品にも挑戦していました。　日頃から平面的な衣類だけでなく、空間そのものがファッションだと考えていたので大きな作品に挑戦できたのはシンプルに楽しかったです。どこにテンションをかけて吊ったらどう見えるのか、光の入り方や布の重なり具合や透け具合のバランスを見て調整していきました。　服に近い構造の作品でも、トルソーを使うのか、ハンガーに掛けるのか、平置きにするか、あえて額縁に入れるのか多様な展示方法を試しています。展示空間で見せる方法を考えるのは、自分の作品が持つ立体性を意識するいい経験になりました。──昨年末には「ファッション・フロンティア・プログラム（FASHION FRONTIER PROGRAM、以下FFP*）」のグランプリを受賞しています。作品について教えてください。　「Reframing」というテーマで作ったのですが、制作期間中に亡くなった祖母に思いを馳せていました。祖母は私たちが幼い時に織物をよく作ってくれた人で、じっくり織物に向き合う時間はきっと彼女にとって生き生きとした時間だったんだと思います。そして子ども服はすぐに着られなくなってしまい、消費スピードが早い。この二つの時間軸を融合したいと思い制作しました。　そこで使われなくなった子ども服のTシャツに、祖母が手掛けた織物の柄をプリントしたものをほぐして、大人も着られるくらいのサイズに変形ました。撮影ではふくよかな体型のモデルに着用してもらっています。消費サイクルが早い子ども服に祖母の思い出の時間を重ね、子どもも大人も着られるサイズにすることで、「誰の身体にも属さない形」のドレスとして提案しました。※デザイナーの中里唯馬と一般社団法人「unisteps」が2021年に設立。ソーシャルレスポンシビリティ（社会的責任）とクリエイティビティ（創造性）を併せ持つ衣服のデザインを具現化できるファッションデザイナーを育成・支援するプログラム自分の作品を「思考され続けたい」──林さんの活動はデザイナーとも、アーティストとも言えると思います。ご自身がしっくりくる肩書きは何でしょうか？　「ファッション」は制作の根底にありますが、自分はいわゆるファッションデザイナーでは無いと思っていて、今はアーティストとデザイナーの中間を行き来している感覚です。活動を続けていく中で、しっくりくる言い方を見つけたいと思っています。──今後は作品の販売も予定しているのでしょうか。　個展の開催やアワードを受賞した後、販売について聞かれる機会が増えて嬉しく思っています。ただ、単純に物を作って売りたいわけではないので、制作背景やディテールの意図を伝えられる方法を模索している最中です。──林さんの今の夢は何ですか？　漠然とした理想として、自分の作品に対して「思考され続けたい」というのがあります。バズるとか、共感されるとか、そういう消費のされ方ではなく、存在し続けるような作品を作りたいと思っています。　ただ、今の自分の在り方や作風に対して固執したくないとも思っています。その時々の考えや感覚の曖昧さも肯定したい。衣類や布を“ほぐして”再構築する手法は大切にしながら、インテリアや雑貨、写真や空間作りなど、表現の幅、思考のプロセスについては自由に考え、挑戦したいです。

破壊すなわち再構築　24歳のここのがっこう出身デザイナー、林ひかりの現在地と未来像

　2022年に若手デザイナーの登竜門「LVMH
Young Fashion Designers Prize」でグランプリを受賞して瞬く間に業界で注目を集めたが、2024年も大きな進化を遂げる一年となった。今年1月にピッティ・イマージネ・ウオモ（Pitti Imagine Uomo）のゲストデザイナーとしてショーを開催し、直後に歌手のハリー・スタイルズが投資家になったことを発表。9月には「エリザベス2世女王 英国デザイン賞」を受賞し、初となるウィメンズコレクションの単独ショーをロンドンファッションウィークで披露した。 　デイリーは10月末、ドーバー ストリート マーケット ギンザ（DOVER STREET
MARKET GINZA）で開催されたイベント「オープンハウス（OPEN HOUSE）」に合わせて初来日。自身のルーツや投資家のハリー・スタイルズとの関係性、今後の目標について語ってもらった。 憧れのアレキサンダー・マックイーンでの経験―初来日とのことですが、東京の印象はいかがですか？　昨日着いたばかりですが、美しい街ですね。賑やかな都会でありながら、人々が礼儀正しくて、心地よく歓迎してもらっている感覚です。食べ物も本当に素晴らしい。早速ラーメンやとんかつを食べて、小さなパン屋さんで菓子パンを買いましたが、すごく美味して感動しました。あとヨーロッパと異なって、全てのデザインが垂直で整っているのが面白いと思います。―まず、あなたのファッションルーツについて聞かせてください。ファッションに目覚めたときに憧れていたブランドやデザイナーは？　月並みですが、アレキサンダー・マックイーン（Alexander McQueen）です。幼少期からロンドンで絶大な影響力を持っていたのを見てきたので、私の世代では最初に憧れを抱くデザイナーは、必然的にマックイーンであることがほとんど。また当時マーク・ジェイコブス（Marc
Jacobs）が手掛けていた「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」、ドリス・ヴァン・ノッテン（Dries Van Noten）のデザインにも刺激を受けました。ファッションを学ぶようになってからは、「コム  デ ギャルソン（COMME
des GARÇONS）」を知って、引き込まれていきました。 ―その憧れだったアレキサンダー・マックイーンとトム フォードでのインターン経験があるそうですね。それぞれのブランドでどんなことを学びましたか？　2つのブランドで全く異なる経験ができました。アレキサンダー・マックイーンでは、当時のクリエイティブ・ディレクターのサラ・バートンが素晴らしいチームを築いていました。サラは一緒に働く人たちを尊重しながら、その異なる才能を最大限に引き出せるように働きかけていました。一方トム フォードでは制約の中で、精密なモノ作りを学べたと思っています。コレクションを通して世界観を作り上げることや上質な素材に触れられたこともとても勉強になりました。ウェストミンスター大学の恩師に学んだこと―エス・エス・デイリーの根底にあるのは、労働者階級で育った経験を反映し、英国の伝統的な衣服を現代的に再解釈したコレクションを展開している点です。このアイデアにはどのように辿り着きましたか？　私はずっとイギリスの伝統的なパブリックスクール（イギリスの私立中高一貫校）の統一された美学に興味がありました。そういった歴史をリサーチする中で、自分のアイデンティティでもある労働者階級の視点を融合してみたいと思ったんです。難しいことではなかったですが、形にするまでには時間はかかりましたね。 ―出身校であるウェストミンスター大学では、業界で有名なアンドリュー・グローブス教授*の指導を受けたそうですが、彼による助言は大きかったのでしょうか？　はい、彼の影響は大きかったです。私がウェストミンスター大学に進学したのも、アンドリューの元でファッションを学びたかったからでした。常に挑戦させてくれる環境があり、今まで持っていた固定観念を覆すような発想を出すように後押ししてくれました。自分の進みたい道に導いてくださって、数々の貴重なアドバイスをもらいました。独特な教育方針を持っている教授だと思います。*アンドリュー・グローブス教授：ロンドンでデザイナーとして活動後、ウェストミンスター大学で長年ファッションデザイン科の教授を務める。メンズウェアの教育者として業界で影響力があり、教え子にはリアム・ホッジスやアシュリー・ウィリアムス、ロビン・リンチ、プリヤ・アルワリアのほか、ラグジュアリーブランドで活躍するデザイナーが名を連ねる。またアンドリュー本人はアレキサンダー・マックイーンの元パートナーとしても知られる。―ロンドンのファッションスクールといえば、セントラル・セント・マーチンズも有名ですが、卒業生としてファッションを学びたい学生たちにウェストミンスター大学をおすすめしますか？　そうですね。実はアンドリューが2年前にファッションデザイン科の主任教授を退任してしまったので、現在の教育方針は少し変わってしまったかもしれません。でも、ウェストミンスター大学にはアンドリューが収集した素晴らしいメンズウェアのアーカイヴコレクションがあります。特にメンズウェアを学びたい学生には役立つはず。ロンドンではセントラル・セント・マーチンズにスポットが当たりすぎていると思いますが、他にもいい学校があるんですよ。―イギリスのデザイナーたちは、よく自身のルーツを理解してデザインに落とし込み、独自のメッセージを発信できているように感じます。　そうですね。私の場合は、歴史的で伝統的な英国文化をいかにモダンに表現できるかということに挑戦し続けたいと思っています。英国デザインの特徴は、真面目な美的感覚がありながらも、ユーモアのセンスもあるところ。特に若い人たちには時代遅れで古びたものに感じられることもありますが、現代的な考えを融合することで未来に繋げていきたいと思います。―エス・エス・デイリーではアイコニックなアヒルをはじめ、羊や犬、猫、ウサギなどたくさんのアニマルモチーフが登場します。これらには何かメッセージが込められているのでしょうか？　英国らしいひねりの効いたユーモアを取り入れています。イギリスにはたくさんの自然があるので、都会から逃避して、自然に癒されることがあります。また伝統的な紋章には、動物たちが描かれていることが多いので、そのようなデザインからヒントを得ることもあります。 初のウィメンズはメンズと真逆のプロセス―ハリー・スタイルズやエマ・コリンといったセレブリティのスタイリストでも知られるハリー・ ランバートが深く携わっていますね。彼と仕事をすることで自身の視点が変わった部分、得られたこととはありますか？　ハリーは寛大な人です。忙しい中でも相談に乗ってくれたり、お互いにアイデアを語り合ったり、一緒にいることで学ぶことが非常に多いんです。私たちは同じ感覚を共有しながらも、全く異なるタイプの人間なので相乗効果があって、いい仕事を共にできるんだと感じます。ファッション業界では仕事仲間がいい友達になることがよくあって、ハリーもその一人。アトリエもずっと隣同士で、引っ越しするときも一緒に隣の部屋を借り続けてるんです。毎日連絡を取り合っていて、昨日はハリーに日本のお土産としてリクエストされた「ソニーエンジェル」を買いに行きましたよ（笑）。―2025年春夏からはウィメンズをスタートしましたね。メンズとウィメンズをデザインする上で異なる部分はありますか？　プロセスは似ていますが、異なりますね。これまでのメンズコレクションでは、典型的な制服や紳士服に少しフェミニンな要素を取り入れようと試みてきました。一方で初のウィメンズでは、典型的な婦人服にマスキュリンな要素を加えるようにして、真逆のことを行っている感覚です。嬉しいことに、これまでにもメンズコレクションを購入してくださる女性の顧客がたくさんいて、その方々の存在がきっかけになりました。メンズから派生したテーラリングやニットウェアがありながらも、ウッドビーズの刺繍スカートやエレガントなドレスもあったり。一目でエス・エス・デイリーだと分かるけれど、これまでと異なる新しいものにしたかったんです。 ―今後ショーは継続する予定ですか？　エス・エス・デイリーは4人体制の小さな会社で、現在の私たちの体力的に、年2回ショーを開催していきたいと思っています。例えば、1月のパリ・メンズ・ファッション・ウィークと、9月のロンドン・ファッション・ウィークで発表するようなイメージ。メンズとウィメンズの春夏と秋冬で全4コレクションですが、ショーはシーズンで分けて年2回に集約するという考えです。次は1月にロンドンでショーを開くより、パリのメンズファッションウィークで発表するかどうか検討中です。ハリー・スタイルズとの新たな関係性―ハリー・スタイルズがエス・エス・デイリーの投資家になったことがニュースになりました。彼とはどのようなビジョンを共有していますか？　ハリーは私たちが2020年にブランドを立ち上げたときから、エス・エス・デイリーを着用してサポートしてくれていました。それからお互いの活動に共鳴して、一緒に将来のビジョンについても話し合って、投資家になるという判断も自然な形で決まりました。公に発表することで、ハリーがブランドの可能性を信じていることを世の中に示してくれたと思います。セレブリティが若手ブランドを着用してデザイナーを応援することは多々ありますが、ブランドを長く継続することは簡単なことではありません。今後、セレブリティがブランドの投資家になるという一歩進んだ形での関係性が広がっていけばいいですね。―素敵な関係性ですね。今後はハリー・スタイルズの衣装を制作することもありそうですか？　直近のツアーでは「グッチ（GUCCI）」が衣装を制作していましたが、チャンスがあれば私たちも作ってみたいですね。ハリーは毎晩衣装が必要なので、そのペースに追いつけるように頑張らないといけませんが（笑）。―1月に開催したピッティ・イマージネ・ウオモでのショーに、デザイナーのポール・スミスが訪れていましたね。彼はあなたにとってどんな存在ですか？　尊敬しているデザイナーです。1年前にオフィスに招いてくれて話をする機会を得て、私たちのことを応援してくれています。ポールがイギリスの紳士服を中心に店舗から世界中でビジネスを成功させているように、いつか彼のようなレベルに到達できたら、どれほど素晴らしいことかと想像することがあります。―将来お店を開きたいと思いますか？　実は昨日、（パートナーでブランドのセールスを担当する）レオと初めてお店について話し合ったんです。これまでは自分たちで店舗を構えることに全く関心がありませんでしたが、東京を散策する中で「いつか東京にならエス・エス・デイリーの素敵な店舗が作れるかもしれない！」と想像ができたんです。ロンドンに実店舗を構えることは現実的に思えないですが、東京だったら温かくて、エネルギーのあるお店ができるかもしれない。日本人のファッションに対する熱意は他の都市とは異なります。デザインの理解度や細部へのこだわりはロンドンやニューヨークではなかなか感じられないもの。なので、いつか東京にお店を構えることが一つの目標になりました。―ぜひお願いします！今後、ブランドをどのように成長させていきたいですか？　まずはメンズとウィメンズのコレクションでそれぞれしっかりと世界観を打ち出して、ビジネスを軌道に乗せていきたいです。そこから、バッグやシューズなどのアクセサリーの制作にも取り組みたいですね。でも、急がずに妥協はしないで「これだ！」と思うものを世の中に出していきたいです。私たちが出すアクセサリーは確実に素晴らしいものになる自信があります。ぜひ楽しみにしていてくださいね。 Photography: Masahiro Muramatsu

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ハリー・スタイルズが投資する英国ブランド　エス・エス・デイリーの素顔に迫る

　今回評価されたのは、アクション・エンターテインメント映画「エブリシング・エブリウェア・オール・アット・ワンス」のエヴリン役。コインランドリーの赤字経営に頭を抱える一般市民だったはずの彼女が、マルチバースの世界でヒーローとして戦うというストーリーだ。　60歳のミシェルは「ありがとう。この授賞式を見ている、私のような見た目の少年少女たち。このオスカー像は希望の証。夢を大きく持てば、必ず叶うという証です。そして女性のみなさん、全盛期が過ぎたなんて誰にも言わせてはいけません。ネバー・ギブアップ！」と壇上でガッツポーズを見せ、会場から喝采を受けた。 　また自身の家族や故郷についても言及。「ダニエルズ監督、A24、素晴らしいキャストとクルー、『エブリシング・エブリウェア・オール・アット・ワンス』に関わった皆さんがいなければ、今日私はここに立っていません。この受賞を私の母に、そして世界中の母親に捧げます。なぜなら彼女たちこそが本物のスーパーヒーローだから。彼女たちがいなければ、今夜ここにいる皆さんもいなかったはず。私の母は84歳です。このオスカー像を母の元に持ち帰ります。今ごろ、家族や友人と一緒にマレーシアで中継を見ていることでしょう。（投げキッスをして）みんな愛してる。オスカー像をみんなのところに持って帰るからね。そして私がキャリアをスタートさせた香港の大家族にも感謝します。私が今日ここに立っているのは、あなたたちの支えがあってのこと。家族のみんなもありがとう。アカデミーの皆さん、これは歴史的瞬間です。ありがとうございました」。　この時ミシェルが着用していたのは、フェザーのウェーブがあしらわれたアイボリーシルクオーガンザのロングドレス。マリア・グラツィア・キウリ（Maria Grazia Chiuri）が手掛けたオートクチュールで、何層ものレイヤーが重なり合っている。このドレスの製作には200時間、さらに刺繍には450時間を費やしたという。繊細なフェザーが揺れる美しい一着で、オスカー像を持つミシェルのネイルはドレスと合わせたアイボリーに塗られていた。　なお、「エブリシング・エブリウェア・オール・アット・ワンス」は主演女優賞・作品賞・監督賞・助演男優賞・助演女優賞・脚本賞・編集賞の7部門を制覇。日本でも劇場公開がスタートしており、さらに注目が集まりそうだ。

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