インサイド

「オダカ（ODAKHA）」の魅力的なニットウェアの数々　ブランドの立ち上げからまもなく10年の節目を迎える「オダカ」は、メイド・イン・ジャパンの魅力を世界に伝える為に、今シーズンからブランド名を自身の名に変更。デザイナーの小高真理と、確かな技術を継承するニッターが手を取り、ひとつひとつ丁寧にニットアイテムを作り上げています。　「マラミュート」時代と変わらない熱意とこだわりが詰まった編地、1本の毛糸から織りなすデザインの構築。コンセプトには「強さと柔らかさを併せもつ現代女性のためのデイリーウェア」を掲げており、国内の職人と生み出す精緻なニットコレクションは必見です。見るほどに欲しくなる、細かなディテールや着用スナップなども商品ページで是非ご確認を。プレイフルでエレガントな23AWの新作5選アーガイルニット　鮮やかなアーガイル柄と、異素材のジッパーがきらりと光るプルオーバーニット。単品でのスタイリングはもちろん、後述のラップスカートとセットアップスタイルも楽しめるアイテムです。ユニセックスで着用しやすく、ゆとりあるシルエットも魅力的。アーガイルスカート　フロント部分にラップスカートの巻きを配置した、チェック柄のロングスカート。セーターにもスウェットにも合わせやすい、デイリーで頼れるアイテムです。ボタン留めを外し、しなやかに揺れ動く生地をアピールしても◎。プレイドドレス　上は華奢に、下はボリューミーに仕立てたメリハリのあるシルエットに惹かれるプレイドドレス。アウターやインナーと合わせても着ぶくれしない、新しいニットワンピの可能性を感じるデザインです。編み方を変えた、ブラウンのニットパネルがアクセント。ダブルジッパーガイノイドニット　優等生な枠に囚われない、伸縮性の高いスポーツ糸で仕立てたジッパーニット。羽織りとしてもトップスとしてもフォルムが崩れない、すっきりと身体に添うニットウェアです。ライトブルーの挿し色が際立つブラウンのカーディガンは、プレイドドレスとのセットアップ風の着こなしもおすすめ。デイリーに着用する際はワイドデニムと相性良し。コンビネーションフレアスカート　エレガントなミリタリースタイルが完成するコンビネーションフレアスカートは、秋冬シーズンの1軍として活躍すること間違いなし。たっぷりと贅沢に持たせたナイロンとニットのパネルには、落ち着きのあるブラウンとカーキを採用。どんなカラーアイテムとも相性抜群です。まだまだ活躍してくれる、セールアイテム4選クレイジーニットキャミソール　複雑な編み立ての技術で、アーティスティックな模様を描いたニットキャミソール。ニットの柄を地層のように重ね合わせた"クレイジー ニット"シリーズで、ブランド定番の編み柄となっています。鮮やかなトップスはそのまま1枚でも、トップスインナーを忍ばせてもおしゃれに決まります。タックカーディガン　冷房対策として、近付く秋の温度変化に備えて、セールで賢くゲットしておきたい羽織りもの。柔らかいニット地とのコントラストがアクセントになるデニム素材のパッチポケットと、ウエスト周りや袖口のギャザーによるエレガントな雰囲気がマッチするカーディガンは、オンオフ兼用でロングシーズン重宝しそうな予感。ブラックニットトラウザー　スラックス見えするニットトラウザーは、カジュアルにもフォーマルにも着こなせる万能選手。裾の折り返しとセンタープレスがトラディショナルなかっちり感を、ひざ下から切り替えたパネルはモダンなアクセントを加味。こだわりのディテールは、商品ページの着用写真からチェック可能です。ハナビフラワートラウザー　花火をイメージしたトラウザーは、楽し気に揺れるフリンジとトレンドのグリーンでスタイリングの主役にぴったり。ドライタッチで通気性の良い和紙の糸を使用しているので、蒸し暑い残暑にもぴったりなアイテムです。秋口にはブーツを合わせ、グランジ感のあるスタイリングを楽しんでみては。■F/STOREでは「オダカ（ODAKHA）」のその他商品も販売中。＞＞商品一覧ページ

ODAKHA

お買いモノ

「オダカ（ODAKHA）」として再出発、秋の新作ニットウェア＆魅力的な夏のセールアイテムを大公開

ーまずは、ブランド名を「オダカ」に変更した理由を教えてください。　「TOKYO FASHION AWARD」を受賞して、去年の9月にパリで展示会を行う機会をいただいたのがきっかけです。ブランドとして初めて海外で展示会を行ったのですが、ありがたいことにニットアイテムに対して非常に高い評価をいただきましたし、「取り組んでいることが面白い」とブランドそのものにも興味を持っていただきました。一方で「マラミュート」というブランド名に「日本発感がないよね」という意見もちらほら出たんです。海外の人からしたら、犬種としての“マラミュート”のイメージがあまりにも強いみたいで。だったら、自分の苗字を用いて打ち出した方が「日本発のブランド」としてより認知してもらえるのではないかと思いました。ー新しいブランドタグには「MADE IN JAPAN」とはっきり記されていますよね。　去年の2月にずっとお願いしていたニッターさんが2軒廃業しました。それが動機になったかもしれません。とてもクオリティの高いニットを作ってくれるところだったから……。日本発のブランドとして私たちが、日本のものづくりの水準の高さをうまく伝えていかないといけないんだなということを改めて痛感したんです。「曖昧なままだと、技術を継承できないんだ」と考えました。ーニッターさんとは小高さんが直接やりとりされている？　はい。私たちが買い取った機械を5台置いてもらっているニッターさんが千葉県八千代市にあるんですけど、ほぼ、毎日私とスタッフが交互に連絡をとっていますね。ーデザイナーの中には、どうやったら職人たちと深いコミュニケーションが取れるのかに悩んでいる人もいると聞きます。何かアドバイスはありますか？　わがままを言ってみてもいいんじゃないですかね。わがままというと少し語弊があるかもしれないんですけど、真剣に伝えたらみんなわかってくれると思います。私も「とても面倒くさいことを言ってくるな」と思われることの繰り返しです（笑）。「なんでその工夫をしないといけないの？」という問いかけに対して、熱量を持っていかに伝えられるかがデザイナーには必要なんじゃないでしょうか。「なぜそれが必要なのか」に答えられないなら、自分が本当にやりたいことではないのかもしれないですしね。　例えば、「ビキニバッグ」も最初は「キャミソールみたいなバッグを作りたい」という話をしていたんですが、ニッターさんが「こんなものができました」と時間をかけてあげてくれたのがこのバッグだったんです。私がそこからウエストをシェイプする提案をして「キャミソールバッグ」から「ビキニバッグ」に変更して展開することに決めました。こうやってやりとりを繰り返すことで、ユーモアのある楽しいクリエイションが生まれていきます。ーちなみに、今まで一番ニッターさんと深いコミュニケーションを取ったのは？　クレイジーニットはとても大変でしたね。ずっと同じ方に作ってもらっているんです。その方も私と同じように苦しいこともあると思うのですが、もがきながら楽しく作業を進めてくださいます。柄もそうですが、素材や色を変えるともっと複雑になり、編み立てにとても高度な技術を駆使しているんです。ー国外からも高い評価を受けている日本の繊維産業ですが、跡継ぎがいないことや、コロナもあり経営が苦しい状況が続いています。　八千代市以外にも、ブランドの2シーズン目からずっとお願いしているニッターさんが新潟県五泉市にあるんですが、五泉市はニットの一大産地で町の中で二次加工から仕上げまで完結できます。一方で、八千代市は有名な産地ではないので、家族経営のニッターさんがぽつぽつと存在していて、縫製は他の工場でお願いしていたりします。何が言いたいかというと、行政がしっかり介入している産地はやっぱり強度があるんですよね。八千代市のように県を跨いで製作できている事実があるから、関東なら関東で大きな組織や行政が介入して、なんとか産地を守る工夫ができないかな、と1人のデザイナーとして思いますね。やっぱり、無くなってしまうのは悲しいことだし、受け継がれてきたものは素晴らしいものばかりだから。ー「ODAKHA」という表記に「H」が入っていることも気になりました。　Hにはいくつかの意味を持たせています。一つは「Hand to Hand」で、様々な人が携わっているという意味を込めました。二つ目は、マラミュートのシグネチャーのガイノイドニットが、「H」のようなシルエットに見えるから。三つ目は、フランス語で服を着た状態を指す「アヴィエ（habillée）」という形容詞の存在を知った時に「そこにはあるけど、実態のないHが『服を着る』という言葉を成立させていること」がとても面白いと思ったのです。Hがブランドに解釈の幅をもたらしてくれるかもしれないと考え、採用しました。ー2023年秋冬コレクションは、画家のサイ・トゥオンブリーと、谷崎潤一郎の長編随筆「陰翳礼讃」がインスピレーション源になっています。近年、小高さんのクリエイションは現代アートや絵画からの着想が多い印象を受けます。　たまたまここ数シーズン続いているだけかもしれません。でも確かに、最近は現代アートを見ていると思考が巡りやすいです。その思考というのは、手法などの視覚的なことから連想することが大半で、トゥオンブリーに関して言えば、色味やざらつきなどのテクスチャーが参考になりました。コレクションの考え方は、文学作品など、日本発のものがヒントになることが多いです。とはいえ、全てにそこまで意識的なわけではないんですよね。ルック撮影が終わってプレスリリースを書いている時、このコレクションを作っているときによく見ていたものを横並びにして「あ！」と気づく時もあります。最後までいつもまとまらずに悩んでいる気がしますね。ーコレクションの核を探しているわけではなく、あくまで生活をしている中で気になったものだ、と。　そうですね。言葉が正しいかわからないですが「違和感」から考え始めることが多いです。ー「違和感」というと具体的に？　「なんだろう」とか、とにかく心に引っかかるものを集めていく作業ですね。例えば、2022年1月にスタートした、糸をほどき直して異なるアイテムに編み替える「リボーンプロジェクト（Re:born Project）」も、アンリ・マティスの切り紙絵「ブルー・ヌード」について気になり、その制作工程について調べたことがきっかけとなって、コロナ禍のコレクション制作に対して職人さんたちと話す中で「じゃあ、こういうことができるよね」と生まれたものです。恵まれたことに、チームが行動力がある人たちばかりで、「そのアイデアいい感じだからやってみようよ」とどんどん実現に向けて動き出していったのです。ー2023年秋冬コレクションのルックは小見山峻さんが撮影されています。どんなことを話しながらルックは完成しましたか？　マラミュートからオダカに変わる1シーズンということで、モデルを2名起用して「変わること」「変わらないこと」をどちらも表すために鏡を使ってみたいと小見山さんが提案してくれました。以前、「ブルー・ヌード」をテーマに小見山さんと撮影した時のことを思い出し、鏡というキーワードに対してとてもワクワクしたことを覚えています。ドキッとするものや、ユーモアのある構図、どれも強度のあるヴィジュアルが出来上がりました。ー6月17日、18日の2日間で2023年コレクションのイメージビジュアルを展示する写真展を開催されますね。　ブランドとして写真展を開催するのは初めてです。なによりも一般のお客さまに向けたイベントも初めてなんです。マラミュートのフィロソフィーを受け継ぎ、再び生まれ変わったオダカを小見山さんのヴィジュアルを通して多くの方に見届けていただけたらと思っています。ールックや24時間限定配信したムービーなどヴィジュアルでイメージを訴求する一方、「リアルな服の見せ方」として立ち上げ4年目の2019年春夏コレクションで初のフィジカルショーを開催。今までに4回のフィジカルショーを経験しています。　自分が学生の時からファッションショーを見てきて、「ブランドの世界観」という空間に物理的に入ることで、全身で感じ取れるものはとても大きいと思っていました。服のディテールもそうですが、音楽や照明など、360度でブランドの世界観を体感できることはやっぱりアプローチとして強いですよね。フィジカルショーをやると決めた当時は「ニットブランドでしょ？」という括りで見られてしまう部分がありました。たしかにニットに特化はしているけど、もっとファッションブランドとして見せていきたかった時期だったんです。それはフィジカルショーだったらより強く伝えることができるのではないかと考えました。ー2014年秋冬コレクションにデビュー。来年でデビュー10年目の節目を迎えます。　デビュー当初は、2軒のニット工場と自らのハンドニットで制作をしていました。シーズンを重ねるごとにそのネットワークを密に広げられて、結果的に「面白いニットを作っているブランドだ」とニッターさんから声をかけていただくことも増えました。とにかく、産地の方々と密に話しながらものづくりをしてきたことが、今までブランドを続けられた理由だと思っています。ーブランド名は大きな「変化」ですが、名前以外で変わったことを教えてください。　「店頭でお洋服を拝見しました」と声をかけてもらえるようになったのが大きな転換期だったと思います。そんな中で「日本のニット技術とブランドのフィロソフィーを組み合わせたら、どんなことができるだろう」と考えるようになりました。　例えば、今までは表現したいものに対してニットだけで完結していたのですが、ニットだけで完結しないようなものづくりにも最近は興味があります。先日も群馬県の桐生市に伺い、現場の職人さんたちと「産地のものを組み合わせて何ができるか」を話してきました。また、現在進行中の企画で、名古屋の有松絞りを施したニットアイテムを制作している最中です。ニットは他の素材と比べて自由度が高いと感じています。しかし、ニットと何かを組み合わせればもっと可能性を広げられるんじゃないかとワクワクしています。ー立ち上げ当初は、ニッターと力を合わせることにあまり比重を置いていなかった？　そうですね。最初は、もう少しニットそのもののテクスチャーに興味を持っていたと思います。「ニットでこういうことができるんだ」という可能性の追求とでも言えばいいんでしょうか。ニットで実験的なアイテムを作っていくというのは今も変わっていないですが、それを叶えるために協力してくれる人が増えたのが一番の変化かもしれないです。ー逆に変わらなかったこと、これからも変わらないであろうことは？　クリエイションの核となる「強さと柔らかさを併せもつ」という人間像は変わりません。それはブランド名が変わっても同じです。新しいブランドタグは、黄緑色なのですが、これはマラミュートの1シーズン目のテーマから引用しています。つまり、マラミュートのフィロソフィーの上にオダカもある、というのを表現したかったのです。 ーブランド名を変更し、10年目の節目で海外のセールスを強化していくとのことでしたが、具体的に取り組むことは？　継続的にパリで展示会をしたいなという想いがあります。というのも、やはりパリだと世界のバイヤーさんに出会えると実感したからです。今は、セールスを担当してくださっているS&Tの浅野貴宏さんと海外戦略を考えている最中です。ー最後に、ブランドを続けていく上でのモチベーションを教えてください。　一番は、マラミュートの服を着てくださる方々からのの問い合わせが増えてきたことです。力強いメッセージをもらえたり、卸先を通していろんなお客さまの声を聞けることがモチベーションです。そして何よりも生産の現場をとてもリスペクトしています。現場のニッターさんと会話をしながら、一緒に実験をするのが楽しくて仕方がないんですよね。

malamute

TOKYO FASHION AWARD

Fashion

「マラミュート」から「ODAKHA」へ　ブランドデビューから10年、変わらないもの変わるもの

　展示会やヴィジュアルだけではないリアルな服の見せ方の追求としてショーを開催した2019年のコレクションから3年。今回のコレクションでは、イメージソースとしてフランスのアーティスト イブ・クライン（Yves Klein）をあげ、青色を好んだ彼が独自に作り出した「インターナショナル・クライン・ブルー」をキーカラーにアイテムを展開したという。　今回のコレクションの大きなキーワードとして「光」がある。コレクションノートであげられたウォン・カーウァイ監督の映画「恋する惑星」は、香港の雑多な町並みと幻想的なネオンが、ジム・ジャームッシュ監督作品の「ナイト・オン・ザ・プラネット」はタクシーのハザードランプが印象的な作品で、いずれも光の明滅や大都市のネオンサインが記憶に残る。あわせて小高は今回のインスピレーション源に草間弥生やオノヨーコに並ぶ女性アーティストとして知られている田中敦子の代表作「電気服」をあげた。　田中の電気服は、塗料で彩色された蛍光灯や電球を組み合わせ明滅する光の服に見立てた作品。電球が不規則なタイミングで点滅することで、作品は静的なオブジェから動的な彫刻作品へと変化し、陰と陽の変換を繰り返す。小高はコレクションノートで電気服を初めてみた時のことを「消灯された電気服に対峙した。原色で塗り上げられた電球と蛍光灯が重なっており、これは服なのか？と思った」と回想し「気になりつつも会場を回遊しているとふいに遠くの方から明滅の気配を感じ、振り向くと、街のネオンをまとったようなドレスのオブジェに見えた」と続ける。そうして生み出されたコレクションは白や青、ピンク、緑、シルバーなどの明るい色彩のアイテムと、黒やブラウン、カーキなどの彩度が抑えられたものがほとんど交互に登場し、ショッキングピンクに黒い影のようなものがデザインされたジャカードニットは、カメラのフラッシュなどの強い光を直視した後に見える陽性残像を彷彿とさせる。残像を思わせるジャカードニットやラメ糸で編まれたニットは、繁華街の猥雑なネオンサインではなく、大都市の人工的でありながら洗練された美しいイルミネーションを思わせ、幻想的な光を連想させるアイテムを着用したモデルが、遮蔽物に見え隠れすることで「記憶の追体験」や「幻影」という言葉が頭をよぎるのも頷ける。 　一方で小高の知性と緻密な作業を通して作り出されたアイテムは、温かみがありながらも、恐怖心や孤独感も抱かせる。彩度の高い服から一変、ショー終盤で登場した黒いルック4体がその最たるものだろう。どんな色でも塗りつぶすことができる黒色のルックを、鮮やかな服が続いたショーの1番最後に配置した事実が、思い出したくても思い出せない記憶や漠然とした恐怖など、人が心の何処かで常に抱えている不安感を思わせる。小高は黒い服について「黒は強い色かつ、誰にでも似合う服」と説明した。 　小高は「コロナ禍により行動を制限された2年間を経て、人は行動制限を工夫したり応用したりすることで外に出るようになってきた」とし、その上で襟の変化でがらりと印象を変えることができるハーフジップのコットンシャツなど、様々なシーンを意識してスタイリングできるものを目指したという。行動制限の応用を行う世間に呼応するように、マラミュートが得意とするニットアイテムにもアップデートが見られた。ニットとジップを組み合わせたアプローチや、体勢の違いで印象が変わるウエストにタックの入ったニット地のコートなど、布帛でできることをニットで応用する姿勢は、あくまでもニットにこだわりる小高の頑固さを感じさせる。客入れBGMにベック（Beck）の「ルーザー」やザ・フー（The Who）の「マイ・ジェネレーション」など往年のロック音楽が流れていたことが更にそう思わせたのかも知れないが、テーマやインスピレーション源の表層をただなぞるだけではなく、真摯に服と向き合うことで生まれた小高のこだわりは服に適切な深度を与え、観客に更なるニットの可能性を感じさせた。 　コレクションノートで小高は田中の電気服を「時間の経過、場所と自分の関係性、変化する作品と観賞者。そのすべての調和にパフォーマンスアートの真髄があるように見えた」と記した。この日、マラミュートと同じくニットを得意とする村上亮太による「ピリングス（pillings）」も同じ会場でショーを開催。「理想と現実の間にいる人間像」をテーマに据え、蟻や昆虫をモチーフに用いることで社会における協調性を、昆虫におけるサナギや殻を彷彿とさせるような可動域が異様に狭いタイトなボトムスで社会での生き辛さを、登場するモデルが着用しているメガネで見なくてもいいことまで見てしまう人間の性を、会場天井に逆さまで吊り下げられたピアノで少しもズレることができない世間の目や規律などを表現した。現実という社会と理想の間で葛藤する人間をファッションショーを用いて見事に具現化したピリングスの村上と、アプローチは異なりながらもニットを通して自身のクリエイティビティを表現した小高は、ファッションショーを時間の経過や場所、自分の関係性、変化する作品と観賞者が調和したパファーマンスアートとして成立させていたように思う。　ファッションショーにおける服は、着る服ではなく「見る服」として機能し、15分間の舞台、つまり時間芸術としての側面も併せ持った総合芸術と分類することができる。絵画と比較すれば、1着の服から読み取ることができる情報は少ない。しかし、数秒間だけ自分の前を通り過ぎていくモデルからデザイナーの真意を読み取ろうとするファッションショーは、作り手と観客が共鳴し、デジタル空間では生み出すことのできない熱を生み出すものなのではないだろうか。ファッションウィーク情報はこちら

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