インサイド

大月壮士1990年千葉県生まれ。2011年文化服装学院アパレルデザイン科メンズデザインコース卒。在学中、プライベートスクール「ここのがっこう」に通い、山縣良和と坂部三樹郎に師事。2015年秋冬にメンズウェアレーベル「ソウシオオツキ（SOSHIOTSUKI）」を立ち上げる。LVMHプライズ2016のショートリストに日本人最年少でノミネート。2019年度 Tokyo新人デザイナーファッション大賞プロ部門入賞。TOKYO FASHION AWARD 2024を受賞。LVMHプライズ2025で日本人で3人目のグランプリを受賞した。村上亮太上田安子服飾専門学校卒業後、山縣良和による「ここのがっこう」でファッションを学ぶ。リトゥンアフターワーズのアシスタントを経て、2014年に「リョウタムラカミ（RYOTAMURAKAMI）」を立ち上げ。2020年にはブランド名を「ピリングス（pillings）」に改名。同年「K'sK」代表の岡本啓子と共に、ニットスクール「アミット（AMIt）」を開校した。2023年12月にリトルリーグと事業譲渡契約を締結。LVMHプライズ2025でセミファイナリストに初選出された。ローカルアーティスト（河原）日本大学芸術学部写真学科を中退後、2017年にセレクトショップ「エスメラルダ サービスド デパートメント（Esmeralda Serviced Department）をオープン。またフォトグラファーとして「ピリングス」や「ソウシオオツキ」のランウェイフォトやルック撮影を手掛ける。──大月さんと村上さんは名実共に「中堅デザイナー」になりました。二人の世代のブランドのクリエイションは二極化しつつあり、具体的には「着想源を明かす・明かさない」があるのかな、と。大月：プレス用にそういうのも用意しないといけないという現実問題もあるでしょうね。村上：その着想源が「引き出し」か「借りてきたもの」かは重要ですよね。大月くんの「バブル」とかは引き出しじゃないですか。河原：自分が大切に持っていたものを、どう外に見せるか、という話だ。村上：ある意味、表層的に見えちゃう人でも、めちゃくちゃ“素材”の料理がうまい人もいるから。それはそれで違う能力としてすごいな、って思う。大月：「軽さ」の話で言うと、今回の村上くんのコレクション（ピリングスの2026年春夏）は、それがフィットしている感じがした。「ミュウミュウ（MIU MIU）」ぽいな、というファッション的な軽さがある。村上：「ミュウミュウ」を参考にした部分はある。日本のいわゆる制服のベースになっているのが、オールドミュウミュウのシェイプだとも思っているから。大月：俺のブランドはやっぱり軽いから。「軽いのを重く感じさせるためには」を考える必要がある。──ピリングスは定期的にショーでコレクションを発表している一方で、ソウシオオツキはショーの開催をなかなかしませんよね。大月：やれるんなら、やりたいですけどね。村上：俺の場合はありがたいことにやれる環境がある。大月：今の規模だとどんなに頑張っても年に一回しかできないし、それでも借金しないと難しいみたいなのがリアルな話。どうしても費用対効果を考えちゃうし。村上：今の段階だと、ピリングスというブランドは「プロダクトをただ売っていくブランド」にはしたくなくて。そうではない付加価値をどう付けていけるか、を考えた時に「創造性を売っていく」という結論に今はなっています。そういう面ではショーが一番適切な発表方法かな、と。でも本当に正直なところは「ショーをやりたいから、やる」に終始するんですけどね。──大月さんはプライズの賞金でショーをやろうとは思わないんですか？大月：ないですね。やっぱり環境整えることに使う。まずは引っ越しかな……。村上：引っ越しが最初によぎるのいいね（笑）。河原：数百万円の話をしている（笑）。大月：アトリエだけ別のところにしたいんだよね。──勝手ながら、ソウシオオツキとピリングスはベクトルは違えど「日本らしさ」をクリエイションに落とし込んでいるブランドだと思っています。今、日本人が打ち出していくべき、国内外で評価される日本らしさとは何だと思いますか？村上：俺の日本らしさは分かりづらすぎるから「続けるしかないな」とは思っています。大月：ソウシオオツキの日本らしさも時間がかかるなと思っている。大月：やっぱり、「めちゃくちゃ語れる」みたいな「オタクらしさ」がメンズは大事で。一見伝わらないけど「語ってんな」というのが勝ちになる。もちろん、その前のパッケージングとかは大前提としてあるんだけどそこを補強する「語れる箇所」を俺じゃない誰かが語り始めることで、価値はさらに高まっていくな、と。村上：10年かけて語られていくことによって理解されていく、みたいなね。河原：「オーラリー（AURALEE）」が評価されているというのはひとつ「日本らしさ」のベンチマークとしてあって良いと思っていて。アニミズムというと言い過ぎかもしれないけど「公園にいる人が美しい」という事象をモチーフにするとか、そういう感覚は日本人が一番得意とするところ。大月：海外のブランドは良い意味でも悪い意味でも大味だからね。日本のブランドは、ディテールを詰めていく人が多いし。やっぱり「大味さ」がとても大事だから、分かりやすさと分かりにくさのバランスが上手に見えることが日本らしさに求められるところで、村上くんのクリエイションに「そつがない」のもそういうバランス感覚があるからだろうな、と思う。河原：島国だからそんなに政治色も強くないし、ある種「何もない」という中で「公園にいる人が美しい」というのが感覚としてフィットするのはあるのかもしれない。大月：それは村上くんの「my basket＝まいばすけっと」（ピリングスの2026年春夏コレクションのテーマ）もそうだと思う。村上：多分、西洋の考えで服を作ると「体をどう見せるか」というアプローチになるんだよね。大月：LVMHプライズの会場で感じたのは「モノ・プライズ」だったら日本のブランドはプロダクトとして敵無しだろうな、と。河原：村上さんのクリエイションに関して言えば、「どこまで説明するか」という話は毎回していて。例えば、前回のランウェイでは振付師の人を入れて、ピーキーなポージングを取ったり、自分が撮ったランウェイの写真もブランドにワークしたと思うんだけど、今回は自分の写真が「説明過多になっている」というのを大月さんに言われて「本当にそうだな」と。動線を作りすぎると人は冷めるので、その塩梅は難しい。大月：前は良かったんだけど今は実力が追いついてきていて、デジタルで撮影された「VOGUE RUNWAY」などのオフィシャルランウェイフォトにはすでにムードがあるから、フィルムである必要はないと思ったんだよね。河原：昔はフィルムしかなかったから「フィルムで撮っているランウェイフォト＝マスターピース」という構図で「当時、あったかもしれない」という文脈を連れてこれると考えたんだけど、今回のコレクションはそれがなくても説明できるものだったかもしれないな、と。大月：ヘアメイクもあそこまで作り込まなくても伝わったんじゃないかなと個人的には思ったんだよね。こんなこと言ったらダメかもしれないんだけど、モデルの顔が映っていない写真は本当にメゾンのそれだった。まあそれも重箱の隅をつついてるだけなんだけどね。村上：今回は「今後、こういうのをやっていきますよ」ということをベースにしたかったと言うのもあるんだけど、余剰を削ってフラットに見せてそこまで感じさせられたのか、と二人の話を聞いていて思いました。河原：正直に言えば「今回のピリングスのコレクションは批判的な声も多いかな」と個人的には思っていたんですよね。村上：うん、結構カジュアルな素材だったし、俺も叩かれると思っていたから（笑）。某メディアのInstagramリール動画で今回のコレクションを取り上げてくれたんだけど、そこでのコメント欄で「貧困層への差別だ」と議論が巻き起こっていて。大月：貧困の文化盗用だ。村上：貧困側から語っていたつもりが、ハイファッションの奴が馬鹿にしているという視点になっていて。そういう見え方もするんだ、と発見があった。大月：自分のクリエイションでレスバされるとアガがるよね。村上：自分がいないところで議論が行われているのはおもしろいし、いいことだなって。──パリに行くようになって、評価を受けた先に2人は何を目指しますか？村上：「ブランドを工房化したい」というのが最終目標。要するに、メゾンみたいにしたいんですよ。河原：ニッターさんがいて、村上さんが辞めて、誰かが入っても機能するようなものを残したいということですね。村上：うん。そこを目指すとなると「パリでショーをやって、評価を得る」というのは最低限必要なことだと思うんですよ。だから「パリでコレクションを」は夢とかじゃない。──パリで評価されてこそ、ブランドの工房化が近づく、と。村上：ファッションの文脈に載せてハンドニットを語っていくことが重要だと考えていて。そのためには、パリでショーをやることに意味はあるかなと。大月：いつパリでショーをやるとか決めているの？村上：社内で話しながら決めていきたいと思っている。「一発勝負」みたいなことでは意味がないとは思っているんで。河原：タイミングで言ったら、LVMHプライズのセミファイナリストまで残った「今だろうな」と思うけど。ショーじゃなくとも、パリで展示会をやるだけでも違うと思うし。大月：俺も目指す先は村上くんと一緒かな。今はまだ、権威から承認を得たという段階でしかないから。それがちゃんと、カスタマーに届いて現象になるみたいなところまで持っていかないと、歴史には残らないと思うから。──大月さんと村上さんは坂部三樹郎さんと、山縣良和さんがプロデュースする若手デザイナーを集めたプロジェクト「東京ニューエイジ」からキャリアをスタートさせています。お二人も当時の坂部さん山縣さんくらいの年齢になりましたが、次世代の育成に何が必要だと考えていますか？村上：ニットスクール「アミット（AMIt）」をやっていると考えるんだけど、すごく難しいんですよね。でも、結構変わらない部分もあると思っていて……。説教くさくなりそうだから嫌だな（笑）。大月：野心家がいたら「おっ」てなるじゃん。河原：ローカルでいいや、という人が多いからな。村上：あと思うのは、みんな同じ正解を持ちすぎている。「表現する」「デザイナーをやる」というのは「自分で新しい正解を作って提案する」という仕事だと思っているんですが、今の時代は調べるとなんでも出てきてしまうから「ファッションショーをやるのにはこれだけお金が掛かるんだ、じゃあ無理だ」となりがち。河原：諦めポイントが早いんだ。村上：個人的には「その先に自分だったらどうするか」「どうやったらできるのか」が「正解を提示する」につながると思っているから。……要は「なんとしてでもやりたい」という野心が必要、と言う話に帰結するね。大月：俺は村上君みたいな考えには全然至ってないなあ。ブランドにもスタッフがいないから育てるという感覚がないのかも。スポットで手伝ってもらっている子はいるけど、別に俺になんの相談もしてこないし。村上：相談できないのよ。相談の仕方がわからないんだと思う。大月：でも山縣さんも三樹郎さんも「自分の経験してきたことを伝える」ということは徹底的にやってくれていたんだな、と思う。フレキシブルな教育者で、悪い意味ではなくエゴでやってた感じもするし。村上：そのエゴにうちらは憧れていたよね。──自分たちのいまの「エゴ」は？村上：いやあ、めっちゃくちゃあると思うからアシスタントの子とかにも「申し訳ないな」と思う。もっとうまく教える方法があるんだろうな、と。でも、その人とちゃんと向き合うのがすごい大事だとは思っています。三樹郎さんたちも一人一人と向き合ってくれていたし。「デザイナーとはこういうものだ」という言われ方をされたことは一度もないし、人として、対等に話をしてくれていたから。大月：当時のここのがっこうには「イッツ（ITS＝INTERNATIONAL TALENT SUPPORT）」を目指すという目標が明確にあったから、「そこを目指すなら講評で言い合いやすい」というのもあった。明確な目標がない人に対して「ここがいい」「ここは考えた方がいい」は言えないから、千本ノックにならないんじゃないかな。──「デザイン」の正しい翻訳とは、なんだと思いますか？村上：自分がやっていることは屁理屈に近い。ダメなものをどうやって良いように言うか。それが気持ちのいいものだったら成立するかな。だから、デザインとは「いい感じの屁理屈」（笑）。大月：俺、思い浮かばないなあ。村上：でも一番デザイン的なデザインの仕方をしているじゃん。河原：「トラッド」というフレームがあることで、非常に説明しやすい。村上：「ルールの中でどう遊ぶか」というのが基本的な大月くんのデザイン。極めてメンズ的だし、学生の頃からそこは変わっていない。大月：村上くんとは「どこをルールとするか」という部分で違うけど、俺も屁理屈ではあるのかもね。河原：プロダクトデザインって「使いやすさ」という答えがあるじゃないですか。ファッションデザインとは「プロダクトデザインも含んだ上で、最適解を出す」というのは共通している気がする。大月：「最適解が広い」のがファッションかもね。「これって明らかにいいものじゃん」が最適解じゃない場合もあるのがファッションデザイン。河原：UIだけじゃない、みたいなね。大月：……UIってなに？河原：ユーザーインターフェイス。ユーザーがコンピューターやスマートフォンなどの製品やサービスを操作する際に人間と機械の接点となる「画面や操作方法」のこと。大月：それはなに、みんな知っているような当たり前な語句なの？村上：俺も「UI」わからないまま聞き進めちゃってたわ。一同：（笑）。河原：ファッションデザインは、UIじゃないから。「UIではないところでも最適解はある」と言うことでしかないんじゃないかな。自分はデザインをしている立場ではないかもしれないけど、村上さんと大月さんがやっていることを「最適な写真として出力する」という意味ではデザインときっと近い。大月：心のUIだ。河原：心のUIって何（笑）。村上：さっきまで「UI」を知らなかったのにみつけた！みたいに使っているけど（笑）。大月：「コム デ ギャルソン（COMME des GARÇONS）」だから許される物があるのはユーザーの心理あってこそ。ソウシオオツキで使ったら絶対にマッチしないであろうポリ生地でも「それがいい」となるのは、ギャルソンの烙印があるからだし、それはその人にとっての「ギャルソン」というブランドに対する心象があってこそ。「ギャルソンだからそれすらもパンクに見えちゃう」というのは単純なプロダクトデザインではないだろうから。村上：たしかにそれは心のUIか。河原：生まれたなあ（笑）。

pillings

SOSHIOTSUKI

Fashion

【ソウシオオツキ×ピリングス×ローカルアーティストの3杯目】日本らしいクリエイションって何だと思いますか？【居酒屋本音談義】

【ソウシオオツキ×ピリングス×ローカルアーティストの2杯目】どうしてLVMHプライズで受け入れられたと思いますか？【居酒屋本音談義】

【ソウシオオツキ×ピリングス×ローカルアーティストの1杯目】LVMHプライズのグランプリとセミファイナリストの立役者って誰ですか？【居酒屋本音談義】

　村上が今季のコレクションを通して表現することを目指したのは、「内向的な人が外に出ていく美しさ」だ。自分を守ってくれると同時に外とコンタクトを取る手助けをしてくれる「ファッション」と、光を完全には遮らない形で部屋の中と外の間に存在している「レースカーテン」の在り方に近しさを感じたという村上。「内向的な人が外との繋がりをどう持つか」が描かれた古井由吉の小説「杳子」の主人公の女性像や、日常の機微を丁寧に描写する古井の作風からも着想を得て、それらをリンクさせながらクリエイションに落とし込んだ。　しかし、全身を淡いピンクベージュカラーのハイゲージニットプルオーバーと、センタープレス入りの細身のパンツ、ポインテッドトゥのパンプス姿に身を包んだファーストルックを目にしたとき、そのあまりの“ピリングスらしさ”の不在に衝撃を受けたのは、おそらく筆者だけではないだろう。しかもそれは最初だけではなく、その後も同様のスタイルが続いた。　これまでのピリングスが代名詞として手掛けてきた、繭のように分厚く、心のわだかまりを可視化したような凹凸感からものづくりの愛おしさをダイレクトに感じるハンドニットアイテムは、中盤以降の一部ルックを除きほぼ見られない。ベージュトーンを基調とした機械編みのハイゲージのニットプルオーバーやカーディガン、布帛のボタンダウンのシャツ、細身のセンタープレス入りパンツ、シンプルなシルエットのドレスなどで構成されたスタイルは、そのなめらかで控えめな素材の表面感も相まって、一見とてもシンプルで、コンサバで、没個性的にすら思えた。　正直に言うと、ショーを見ている最中や見終えたばかりのとき、筆者は今回のコレクションに対してやや物足りなさやもったいなさを感じていた。ピリングスの個性であり良さでもあった“でこぼことした愛おしさや温もり”のようなものが、かなり削ぎ落とされ失われてしまったように思えたからだ。けれども、ショー終演後に語られた村上の言葉や背景にある思いを知った上で改めて一つひとつのピースやルックに目を凝らしてみると、その印象は少しずつ変化し始めた。　“何気ない日常の中の美しさを捉える視点”を失いつつある感覚を抱いていたという村上は、今回のコレクションについて「過剰な演出や装飾ではなく、日常で着るようなシンプルなアイテムに微妙にシワを入れたりタックを作ったりすることで表現ができないか、という思いが背景にあった」と語る。確かに、ニットには普通なら忌避されるような折じわが、布帛のシャツやドレスにはタックによる不自然な布の溜まりや歪みなどがあしらわれ、アイテムに自然な装飾性とピリングスらしい“わだかまり”を与えていることに気づく。　そして、コレクションの“新しさ”をひと際印象付けていたのが、「レースカーテンが揺れている光景」をそのまま閉じ込めたようなドレスに代表される、透け感のある素材をレイヤーさせたアイテムとスタイリングだ。　内側のマーベルトやポケットの袋布が透けて見えるオーガンジー素材のパンツや、サイドが縫われておらず、袖を通しても通さなくても着用できる透け感のあるニットカーディガンなどを他のアイテムとレイヤードした様子は、レースカーテンから透けて見える外や、柔らかな光が差し込み風に揺れるさまを連想させた。　同時に、素肌に近いような絶妙な違いのベージュを基調としたカラーパレットについても、誰かに見せるためのものというよりも、より着用者自身の素に近いような、自分自身と向き合いつつも、外の世界となんとか繋がりたいと思う純粋で繊細な心が透けて見えるような感覚を覚えた。「普段皆が目にしているものの解像度を下げたかった。あまり起伏がない中で、微妙な差のようなものを楽しんでもらう見方に慣れてもらいたいと思った」と語る村上の言葉には、自身が持つ視点を見直し、「美しさとは何か」について再考を促されるような気持ちにもなった。　従来のコレクションではどこか空想的だった世界観は一気にリアリティが強まり、ルックから連想される人物像は、現実の社会を前に脆く繊細で頼りなさげに見える。しかし、村上が今回表現しようとしたものが「内向的な人が外に出ていく美しさ」であることを改めて考えたとき、たとえ顔つきや佇まいに暗さや頼りなさがあったとしても、そこには一歩前に進もうとする前向きさや希望が込められていることがわかる。　引き続き、ピリングスが提示する「不器用で、社会との折り合いがなかなかつかず、生きづらさを感じている人」という人間像は変わらない。けれども、これまではずっと分厚い“繭”に守られ中に閉じこもったままだった彼女は、その分厚い繭を脱ぎ捨て、今度はレースカーテンのような“膜”で自身を守りながら、外をまなざし、自分を開き、社会と繋がろうと試みている。そのピュアで脆弱で懸命な姿を反映し肯定するような今シーズンのコレクションに、筆者は「ピリングス」というブランドの新たなフェーズへの前進や希望を見出した。言語化できないような閑かな感情を貴重なものに感じる。携帯電話の華やかな液晶画面ではなくアトリエの窓から見る、毎日変わり映えのない風景から何かを感じたいと思った。夏になるとレースカーテン越しの生ぬるい不快な風と、窓からの景色を思いだす。小さい頃からどこか窓に恐怖心を持っていた。外からの目が怖かったのかもしれない。オブラートのように内と外の曖昧な境界線を引くレースカーテンに守られているようだった。遮光カーテンを引かないでいたのは、外との関係も断ちたくなかったからだと思う。

心身を守る“繭”から“膜”へと変化を遂げた「ピリングス」が表現する、内向的な人が外に出て行く美しさ

　2024年秋冬コレクションの出発点には、「今の世の中には創造性が必要だ」と感じた村上の思いがあったという。そして、村上がイメージした“創造性”とは、農業指導者として農民生活の向上に努める傍ら、東北地方の自然や生活を題材に創作活動を行った、詩人・童話作家の宮沢賢治とその作品たちから連想されるもののことを指す。昔好んでよく読んでいたという宮沢の作品に、「どんな過酷な環境や不条理の中でも創造することは誰にでもある権利だと教えてもらった」と語る村上は、その作品内に通底する「○か×だけではない世界」や「分からないものは分からないまま大切にしまっておこう」といった心の有り様の重要性を感じ、見た人の創造のきっかけになるようなことができないかと考えて、今回のコレクションを製作したそうだ。　ファーストルックから3体続いた、どこか見覚えのある鮮やかな青にカラフルな柄が印象的なセーターは、かつて村上がニッターのいる関西に向かうために週に何度も乗っていたという「夜行バスのシートの柄」であることが明かされた。いつのまにか乗らなくなっていた夜行バスに久しぶりに乗ってみると、当時身体も痛く、眠く、ボロボロになりながらも、バスに乗りながらデザインやショーのことを考えている時間が何よりも好きだったことを思い出し、そういった気持ちをすっかり忘れてしまっていた最近の自分に気がついたという。“今は便利だし効率も良くなっているけど何か大切なものを失いつつあるなと思った時に、ふとバスの座席の柄が流れ星に見えたんです。そこから『銀河鉄道の夜』を思い出して、宮沢賢治に繋がりました”　今回のショーは、村上が創作の原点や初心に立ち返るような、そんな思い出深い場所からスタートした。　これまでピリングスは一貫して、「不器用で社会との折り合いがつかず、生きづらさを抱えている人」や「生活のどうしようもなさ」といった“ままならなさ”や“不恰好さ”を、その服作りを通して表現してきた。2023年秋冬コレクションに続き、今季も歪な形のジャケットやパンツをはじめ、縮絨がかかったゴワゴワとした風合いのウールと、そこから内面がまろび出てしまったかのようにはみ出る白い裏地、病葉（わくらば）のように空いた穴など、従来“美しい”あるいは“スタンダード”とされてきたアイテムのシルエットや素材、ディテールからは随分とかけ離れた印象のアイテムが多く登場した。今回特に象徴的だったウエスト部分に“嫌な布の溜まり”があるパンツも、「わだかまりを抱えて歩いているようなイメージで作った」という村上の言葉通り、やはり何かしらのもがきや葛藤といった生きづらさを抱える姿が、デザインとして落とし込まれている。　今回初登場したレザーのコートには、アーティストの長雪恵が手掛けたという、宮沢賢治の作品「よだかの星」の主人公「よだか」が描かれていた。よだかは醜い容姿のために他の鳥たちから忌み嫌われ、いじめられているという背景のあるキャラクターなのだが、よだかが抱える痛みや傷つきも、やはりピリングスが表現する人物像との繋がりを感じる。　では、村上はなぜ、不器用さや歪さ、ままならなさといったネガティブな要素や人物像を継続して提案し続けるのか。「見た人に創造（想像）してほしい」という言葉を受けて筆者が考えたのは、村上はピリングスというブランドとそのクリエイションを通して、必ずしも格好良くなくても、強くなくても、美しくなくても、洗練されていなくても、スマートじゃなくてもいい、“◯か×だけではない”オルタナティブな大人の在り方を提示しようとしているのではないか、ということだった。　そういった人物像を肯定し表現し続けることは、決して「逃げ」や「甘え」などではない。むしろ、自分の中の弱さや不恰好さを肯定して受け入れ、その中で必死にもがき続けることは、ひいては他者の弱さや痛みを想像し受け入れることにも繋がっていくのではないかという、可能性や希望のようなものを筆者は感じた。　先シーズン、モデルが自分の身体をセルフハグするようにしてランウェイを歩いた姿や、蛾のモチーフが多く登場した印象などから、ピリングスの服には「着用者の心と身体を守る繭」というイメージを持っていた。今季もその印象はやはり変わらず、弱さを認め受け入れているからこその強さや優しさといった包容力が、そこにはあると感じる。ハンドニットアイテムにこだわるブランドだからこそ、ニッターがひと編みひと編み作り上げた、時間と思いの込もった質量や強度がもたらす部分も間違いなく大きいだろう。　そして、「ものづくりの愛おしさ、背景を創造性を持って表現していくこと」をブランドコンセプトに掲げている通り、協業するニッターたちをイメージしたという、“ニットを編んだりお花を持ったりしている天使のモチーフ”をあしらったアランニットカーディガンなど、作り手であるニッターへの愛や敬意がものづくりにも反映されているところにも、好感と信頼を覚える。　さて、これまでピリングスの「変わらない部分」について話をしてきたが、今回のコレクションにはもちろん変わった部分も存在する。村上の原点とも言える「深夜バス」のセーターからスタートしたショーは、幼虫（もがいていたかつての村上）が繭に守られて蛹になり、最後に蛾として羽化するという、これまでのコレクションとは明らかに異なる、何か一つ突き抜けたような、新たなフェーズに足を踏み入れたような開放感や喜びを感じた。羽化したばかりの蛾は、今にも光に透けて消えそうな、神秘的で儚い美しさと繊細さを併せ持っていた。　今回のピリングスのショーには、生きづらさを抱える人の姿を表現し寄り添う姿勢は今後も変わらず、ものづくりの原点にあった気持ちや感覚、失ってはいけない大切なものは改めて胸に留めながら、それらを全て携えた上で、これからはより遠くへ、より広く明るい方へ進んでいく」という、ブランドの未来についての村上からのメッセージや態度が、はっきりと込められているような気がした。希望の光に透ける羽化したばかりの蛾は、これからどのように世界に羽ばたいていくのだろうか。村上とピリングスがまだ見ぬ光へと向かっていく道筋を、楽しみに見守っていたいと思う。“ひさしぶりに乗った夜行バス。名前の知らない座席の柄が懐かしかった。みんなが寝静まった後、腰やお尻をくたくたにしながら創作について考える時間が好きだった事を思い出した。今では時間が無いやら、効率的で無いやら、とんと乗ることもなくなった。歳を重ねるにつれて忘れてしまった事が増えたように思う。破れたフェンスの秘密の抜け道。アイスクリームみたいなお城の雲。アリさんの行列。味の薄いおかんの味噌汁。嫌いだったスイミングスクールの匂い。知らない街で迷子になる事。全て忘れてしまった。そんな事を考えていた大阪行きの車内で、宮澤賢治の事を思い出した。彼の残した作品達からは、どんな過酷な環境や不条理の中でも創造することは誰にでもある権利だと教えてもらったように思う。○か × だけでは無い世界。 分からないものを分からないまま大切にしまっておいたり不思議なものを不思議まま楽しんでみたり そんな心を今必要としているのではないかと思った。私たちはコレクションを通し、創造する事への入り口（きっかけ）を模索した。奇しくも名前を知らないバスの座席が天の川に見えてきたような気がする。”

繭から羽化した「ピリングス」が守り続ける、自他の弱さを受け止める想像力と包容力としてのファッション

　ショー会場は暗闇に包まれていた。誘導灯を頼りに着席すると、小説家フランツ・カフカ（Franz Kafka）の「城」が無機質な男性の声で朗読されていることに気が付く。本作は未完の長編小説で、城に雇われた測量師がいつまで経っても城の中に入ることができずに翻弄されるいわゆる不条理小説だ。ランウェイに目を向けると、橋桁の上に街灯が数頭設置され、その中の1灯だけが点灯していた。街灯の意味合いは、ショーが始まり蛾を模したアイテムが登場した時に明らかになった。村上は「街灯に集まる蛾が、希望に向かって飛んでいるように見えた」と説明し「答えはないかもしれないけど、何かを探そうとしている。その姿を見て、なんともいえないポジティブな気持ちになれた」と話してくれた。カフカの城に登場する測量士も、城があると思って探し続ける。あるかもしれないものを、「ある」と信じ、もがきながらも探し求める姿は村上にも通ずるものを感じる。　コレクションで数多く登場した縮絨をかけたパンツは、表地が縮むことで裏地が余り、股上の中にたまると不思議なシルエットを生み出す。裏地が意図せずウエストから露出すると、トップスのシャツなのか、はたまた別のアイテムなのかがわからず、パンツからアイテムが飛び出したナードなスタイリングになる。このパンツは、村上が作業時に着用している毛玉だらけのパンツからヒントを得たそうで、ボロボロのパンツを履き、あれこれ考えながらデザイン画を描き続ける村上の姿が眼に浮かぶ。希望や答えがあると信じてもがく過程で生まれた「産物」がアイテムとなって表現されていると言って良いだろう。また、一見普通に見えるカーディガンやシャツは、ポケット位置などがが少しずつズレた歪な形になっており、作業をする過程で身体の動きに応じて形がどんどん崩れていく服を彷彿とさせる。　今回のショーで最も目を引いたのはモデルだろう。というのも、モデルの多くが手でセルフハグをするような形でランウェイを歩いたからだ。上向きについたポケットに手を突っ込み、身体を丸めてランウェイを歩く姿は、寒さで冷えた体を温めているようにも、体を守っているようにも、緊張で強張っているようにも見える。村上は「ポケットに手を入れると安心する」とした上で「ニットというものも、自分を守り、安心するようなものであってほしい」と、その着想源が、ゴミ箱に丸めて捨てたデザイン画の山だったと明かした。　手の位置は、ずっとセルフハグをしていたわけではなく、ルックの合間合間で手を下ろしたモデルも散見された。フランク・シナトラの「My Way」が流れる中でフィナーレを迎えたモデルは、全員少しだけ微笑んでおり、自信なさげに縮こまるセルフハグと堂々とした態度を繰り返すモデルを見て「ものづくり、ひいては人生は、自信がなくなったり、自信を持ったりの繰り返しだ」と励まされたような気持ちになった。My Wayの「身の丈を越えた行動も、すべてやってのけた。迷いがある時はそれを食らいつくし、吐き出した。全てに立ち向かい、背筋を伸ばし、自分のやり方でやりきった（When I bit off more than I could chew.But through it all, when there was doubt.I ate it up and spit it out.I faced it all and I stood tall.And did it my way.）」というフレーズこそが、現在のピリングスを表現するには適切な言葉なのかもしれない。

「ピリングス」が内向的なまま前向きに歩む唯一無二のMy Way

　今回見させていただいたのは、デザイナーの村上亮太さんによるブランド「ピリングス（pillings）」。私にとってのブランドとのファーストコンタクトは、今は無き原宿のWALLで試着した赤と白の紐で構成されたトップスです。着こなせる自信がなく購入は断念しましたが、友人がブランドキャンペーンでモデルをしていたことなどもあり、目にする機会は多いブランドでした。　会場に入ると、真っ先に目に入ったのは天井からロープで逆さまに吊るされているピアノ。会場内にはピアノ音楽も流れていました。同じクラシック音楽でもUNDERCOVERのショーで使われていたような重々しい雰囲気はなく、バックグランドミュージック1つとってもブランドによって違うものだな、と。画面越しで感じることがなかった、いつ始まるのか予測できない緊張感が募ります。　暗くなった照明がランウェイへのスポットライトへ変わり、まるで祖母が編んだような、ショーにしては普遍的とも取れるグレーのアランセーターでショーは幕を開けました。その印象が変わったのは、3ルック目の穴を多く取り入れたロングスリーブのニット。ファーストルックと統一された編み方ながらも新たな要素を取り入れていくストーリー性を、実際に目にしているからこそ感じました。ほつれや穴など、崩れていることに美徳を見出す部分に日本人デザイナーらしさが現れているのではないでしょうか。　モチーフには昆虫が多く登場していました。最初はニットの柄として取り入れられていた蟻がモデルの顔に張りついていき、ラストルックには蟻の集合体で構成されたピアノ。花などが用いられていたこともあり、庭をイメージしたのかな、などと想像していましたが、まるで侵食されていくかのような後味の悪い感情が残りました。それもそのはずで、デザイナーの村上さん曰く、蟻は社会性のメタファーとして用いたとのこと。見ている私は全く気が付かなかったのですが、コレクションのテーマは「理想と現実の間にいる人間像」。天井のピアノは、村上さん自身が抱く合唱コンクールや音楽へのトラウマ、いわゆる現実のメタファーで、完成形を求められるランウェイは理想。その空間に挟まれて歩く人間たちを表現したそうです。　個人的に面白いなと感じたのは、太宰治を意識してスタイリングなどをしていたという点。言われてみれば、裾を引きずって歩くスタイルやヘアスタイルに表れているような気もします。上司とも話していたのですが、皆あまり口にしないだけで、太宰にはやはり惹きつけられるものがあるのだな、と。ちなみに、モデル全員が着用している眼鏡は、太宰というより、見なくてもいいものをわざわざ眼鏡を身に着けることで見られるようにする人間の象徴だそうです。　今回強く感じたのは、デザイナーが作品に込めたメッセージと観客の想像は大きく異なるということ。例えば、私にとって音楽は表現や自由の象徴ですが、村上さんはそれをミスの許されない社会性として表現していました。本来ファッションは、デザイナーが作りたいものを作る個人主義のものであり、それを理解したいと思うのは私たちのエゴなのではないかと思います。それでも観客を惹きつけ、想像させ、もっと知りたいと思わせるものを作り出してくるからこそデザイナーは偉大だし、ファッションは面白い。ショーのみならず、デジタルばかりフォーカスされる時代ですが、個人としては紙の雑誌は買い続けていきたいし、購入する服はネットではなく実際に着用して肌触りを確かめたい。そして、デジタルの配信ではなくショーで実際の作品を目にしたい。ファッションと「リアル」は切っても切り離せないものだと、再認識するきっかけになりました。　最後の囲み会見で、緊張していた私は質問すら思い浮かびませんでした。あの使い古されたようなブーツに何か意味はあったのか、聞けばよかったな。ファッションウィーク情報はこちら

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