インサイド

　ショー会場は暗闇に包まれていた。誘導灯を頼りに着席すると、小説家フランツ・カフカ（Franz Kafka）の「城」が無機質な男性の声で朗読されていることに気が付く。本作は未完の長編小説で、城に雇われた測量師がいつまで経っても城の中に入ることができずに翻弄されるいわゆる不条理小説だ。ランウェイに目を向けると、橋桁の上に街灯が数頭設置され、その中の1灯だけが点灯していた。街灯の意味合いは、ショーが始まり蛾を模したアイテムが登場した時に明らかになった。村上は「街灯に集まる蛾が、希望に向かって飛んでいるように見えた」と説明し「答えはないかもしれないけど、何かを探そうとしている。その姿を見て、なんともいえないポジティブな気持ちになれた」と話してくれた。カフカの城に登場する測量士も、城があると思って探し続ける。あるかもしれないものを、「ある」と信じ、もがきながらも探し求める姿は村上にも通ずるものを感じる。　コレクションで数多く登場した縮絨をかけたパンツは、表地が縮むことで裏地が余り、股上の中にたまると不思議なシルエットを生み出す。裏地が意図せずウエストから露出すると、トップスのシャツなのか、はたまた別のアイテムなのかがわからず、パンツからアイテムが飛び出したナードなスタイリングになる。このパンツは、村上が作業時に着用している毛玉だらけのパンツからヒントを得たそうで、ボロボロのパンツを履き、あれこれ考えながらデザイン画を描き続ける村上の姿が眼に浮かぶ。希望や答えがあると信じてもがく過程で生まれた「産物」がアイテムとなって表現されていると言って良いだろう。また、一見普通に見えるカーディガンやシャツは、ポケット位置などがが少しずつズレた歪な形になっており、作業をする過程で身体の動きに応じて形がどんどん崩れていく服を彷彿とさせる。　今回のショーで最も目を引いたのはモデルだろう。というのも、モデルの多くが手でセルフハグをするような形でランウェイを歩いたからだ。上向きについたポケットに手を突っ込み、身体を丸めてランウェイを歩く姿は、寒さで冷えた体を温めているようにも、体を守っているようにも、緊張で強張っているようにも見える。村上は「ポケットに手を入れると安心する」とした上で「ニットというものも、自分を守り、安心するようなものであってほしい」と、その着想源が、ゴミ箱に丸めて捨てたデザイン画の山だったと明かした。　手の位置は、ずっとセルフハグをしていたわけではなく、ルックの合間合間で手を下ろしたモデルも散見された。フランク・シナトラの「My Way」が流れる中でフィナーレを迎えたモデルは、全員少しだけ微笑んでおり、自信なさげに縮こまるセルフハグと堂々とした態度を繰り返すモデルを見て「ものづくり、ひいては人生は、自信がなくなったり、自信を持ったりの繰り返しだ」と励まされたような気持ちになった。My Wayの「身の丈を越えた行動も、すべてやってのけた。迷いがある時はそれを食らいつくし、吐き出した。全てに立ち向かい、背筋を伸ばし、自分のやり方でやりきった（When I bit off more than I could chew.But through it all, when there was doubt.I ate it up and spit it out.I faced it all and I stood tall.And did it my way.）」というフレーズこそが、現在のピリングスを表現するには適切な言葉なのかもしれない。

Fashion

「ピリングス」が内向的なまま前向きに歩む唯一無二のMy Way

　今回見させていただいたのは、デザイナーの村上亮太さんによるブランド「ピリングス（pillings）」。私にとってのブランドとのファーストコンタクトは、今は無き原宿のWALLで試着した赤と白の紐で構成されたトップスです。着こなせる自信がなく購入は断念しましたが、友人がブランドキャンペーンでモデルをしていたことなどもあり、目にする機会は多いブランドでした。　会場に入ると、真っ先に目に入ったのは天井からロープで逆さまに吊るされているピアノ。会場内にはピアノ音楽も流れていました。同じクラシック音楽でもUNDERCOVERのショーで使われていたような重々しい雰囲気はなく、バックグランドミュージック1つとってもブランドによって違うものだな、と。画面越しで感じることがなかった、いつ始まるのか予測できない緊張感が募ります。　暗くなった照明がランウェイへのスポットライトへ変わり、まるで祖母が編んだような、ショーにしては普遍的とも取れるグレーのアランセーターでショーは幕を開けました。その印象が変わったのは、3ルック目の穴を多く取り入れたロングスリーブのニット。ファーストルックと統一された編み方ながらも新たな要素を取り入れていくストーリー性を、実際に目にしているからこそ感じました。ほつれや穴など、崩れていることに美徳を見出す部分に日本人デザイナーらしさが現れているのではないでしょうか。　モチーフには昆虫が多く登場していました。最初はニットの柄として取り入れられていた蟻がモデルの顔に張りついていき、ラストルックには蟻の集合体で構成されたピアノ。花などが用いられていたこともあり、庭をイメージしたのかな、などと想像していましたが、まるで侵食されていくかのような後味の悪い感情が残りました。それもそのはずで、デザイナーの村上さん曰く、蟻は社会性のメタファーとして用いたとのこと。見ている私は全く気が付かなかったのですが、コレクションのテーマは「理想と現実の間にいる人間像」。天井のピアノは、村上さん自身が抱く合唱コンクールや音楽へのトラウマ、いわゆる現実のメタファーで、完成形を求められるランウェイは理想。その空間に挟まれて歩く人間たちを表現したそうです。　個人的に面白いなと感じたのは、太宰治を意識してスタイリングなどをしていたという点。言われてみれば、裾を引きずって歩くスタイルやヘアスタイルに表れているような気もします。上司とも話していたのですが、皆あまり口にしないだけで、太宰にはやはり惹きつけられるものがあるのだな、と。ちなみに、モデル全員が着用している眼鏡は、太宰というより、見なくてもいいものをわざわざ眼鏡を身に着けることで見られるようにする人間の象徴だそうです。　今回強く感じたのは、デザイナーが作品に込めたメッセージと観客の想像は大きく異なるということ。例えば、私にとって音楽は表現や自由の象徴ですが、村上さんはそれをミスの許されない社会性として表現していました。本来ファッションは、デザイナーが作りたいものを作る個人主義のものであり、それを理解したいと思うのは私たちのエゴなのではないかと思います。それでも観客を惹きつけ、想像させ、もっと知りたいと思わせるものを作り出してくるからこそデザイナーは偉大だし、ファッションは面白い。ショーのみならず、デジタルばかりフォーカスされる時代ですが、個人としては紙の雑誌は買い続けていきたいし、購入する服はネットではなく実際に着用して肌触りを確かめたい。そして、デジタルの配信ではなくショーで実際の作品を目にしたい。ファッションと「リアル」は切っても切り離せないものだと、再認識するきっかけになりました。　最後の囲み会見で、緊張していた私は質問すら思い浮かびませんでした。あの使い古されたようなブーツに何か意味はあったのか、聞けばよかったな。ファッションウィーク情報はこちら

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