インサイド

猛暑の夏、おじさんが短パンをはくことは是か非か？　 残暑厳しき折、みなさまいかがお過ごしでしょうか。 　僕が住んでいる京都はよく暑いと言われます。が、これを読んでいる人⎯⎯人口比率的におそらく東京の人が多いでしょう⎯⎯には「日本の夏はどこも暑いでしょ？」と思われるに違いありません。僕も20代まではそう思っていました。けれども、ときどき泊まりで東京に行くようになって気がついたのですが、東京は夜涼しくなるんですよね。夏は昼も夜も暑いと思っていた僕にとって、その事実は結構衝撃でした。「京都は盆地だから暑い」というのは、「京都は日が暮れても気温が下がりにくく、暑さが続きやすい」ということなのでしょう。 　さて、そんな暑い土地に住んでいる47歳の僕は、当然のように夏は短パン（ハーフパンツ）をはきます。だって暑いんですもの。けれども、少し前にこんなニュースを目にしました。「おじさんが短パンをはくのはやめてほしい」という、SNS上で議論になった話題に端を発するものです。おそらく読者のみなさんも同種の議論をどこかで見たことがあるのではないでしょうか。　なぜいま「おじさんの短パン」が問題になっているのでしょうか。ざっと背景を整理すると、気候変動や温暖化などにより夏の暑さがますます耐えがたいものになっていること*¹、そして政府や行政による「クールビズ」の推進があるでしょう。およそ20年前から環境省がクールビズという言葉を用いて軽装化を推し進めていますが（そのさらに10年ほど前には当時の首相の羽田孜氏が半袖ジャケットを提案したりもしていました）、今年、とうとう東京都庁では短パンをはいての勤務さえ認められるようになりました。ノーネクタイやスーツ＋スニーカーなど、ビジネスウェアはカジュアル化の一途をたどっているため、こうした動きは必然とも言えるでしょう。短パン勤務の解禁は自然な流れとみることもできますが、慣習が変わるときにはつねに反対意見が出るのも世の常です。現代ではSNSにより個人が気軽に意見を言うことができるようになったため、何気なくつぶやいた一言がバズってしまうことも珍しくありません。*¹ 『気象庁』のウェブサイトには「東京都の気候変化」のデータを示したページがあるのですが、それによると東京の年間平均気温は右肩上がりのようです。　否定派の意見としては、男性のすね毛を否応なく見せられてしまうことへの不快感があるようです。一方で、そもそも行政が理由もなく短パンを認めるわけはないでしょう。環境にできるだけ負荷をかけないためにエアコンの温度設定を高めにするのであれば、男女問わず軽装化は必然の流れとも言えます。また法的にも、男性だけ短パンを認めないというのは「労働者に対する性別を理由とした差別」につながる可能性もあるようです*²。*² 「クールビズで“短パン解禁”、すね毛が『きもい』　『不快』との声もあるが… 就業規則で『男性のみNG』にすることは可能？」『弁護士JPニュース』　おじさんが短パンをはくことは是か非か。僕自身「おじさん」なので、ポジショントーク（自らの立場に有利な方向へ意見や情報を発信すること）になってしまいかねないのが少し気になりますが、これに対する答えは決まっています。「短パンをはこうが、長ズボンをはこうが、どちらも個人の自由だ」というものです。とはいえ、昨年「おじさんパーカ論争」が起こったことを考えると、どうやらこの手の話は繰り返し起こるようです。そこで、もう少しこの問題についてきちんと考えてみることにします。「おじさん短パン論争」の根底にあるもの　少し話を広げるならば、この問題はルッキズムとも関わるものです。ルッキズムという言葉は最近よく耳にしますが、「-ism」という言葉はちょっと意味がつかみにくいですよね。「モダニズム」や「フェミニズム」はネガティブなニュアンスを含みませんが、「レイシズム」や「セクシズム」は人種差別（主義）や性差別（主義）という意味になります。ルッキズムも後者の部類で、外見差別（主義）というような意味です。　ルッキズムに関する議論で、しばしば「人を外見でジャッジするのはよくない」というような言い方がされますが、この表現はなかなかトリッキーです。その理由は、「外見」という言葉が何を指しているのか不明瞭だからです。外見という言葉が指すものに何がありうるのかを考えてみると、たとえば肌の色もそうですし、服装もそうです。あるいは、笑顔や不機嫌そうな顔（最近はフキハラという言葉もありますよね）も外見に含まれるでしょう。　正直なところ、「外見」の定義については僕も目下考え中で、いまだ十分に整理できていません。ただ、整理する必要性だけは強く感じています。以前も「ファッション」の定義を整理しないといけないという話をしましたが、これは「外見」についてもまったく同様です。実際、最近のルッキズムの議論では、「選択できない外見」には言及してはならず、「選択できる外見」には言及してもよいという主張も見られます。したがって、まずは「外見」という言葉について考えなければなりません。「外見」を構成する3つのレイヤー：身体、服装、振る舞い　さて、「外見」という言葉が何を指しているのか考えてみると、少なくとも3つのレイヤーがあるように思われます。それは「身体」「服装」「振る舞い」です。　一つ目の「身体」は、身長や肌の色、あるいは体型などが含まれるでしょう。身体は、その大部分が私たちにとってどうにもならないものです。僕の身長はおよそ176cmなのですが、これを高くしたり低くしたりすることはできませんし、自分の顔を気に入っていなかったとしても、簡単にそれを変えることはできません（美容整形という手段もあるにはありますが、ひとまずそれはおいておきます）。先程述べたとおり、最近は「人種」や「国籍」といった、その人が変えたくても変えることのできない属性と同様、身体についても言及することはよくないという価値観が浸透してきているように思われます。　しかしながら、外見は身体とイコールではありません。外見が「外からの見た目」を意味するのであれば、ファッション、もっと言えば「服装」もそこに含まれます。実際、私たちが街中で人を見るときには、身体と同じくらい「服装」からさまざまな印象を受け取っています。パンクファッションに身を包んだ人を見たら、「あの人はパンクロックが好きなんだな」と思ったりもするでしょう。これが「外見」の二つ目の意味です。　三つ目は「振る舞い」と言えそうですが、それを構成する要素のなかでもっともわかりやすいのは先にも挙げた「表情」でしょう。「身体」と「服装」はルッキズムの議論でよく言及されるのですが、表情については看過されているように思います。そして、ルッキズムの議論をする上ではこれがきわめて重要になってくるのですが、今回はそこまで踏み込めませんのでひとまず置いておきます。服装は選べるから口出ししても良い？　さて、「身体」と「服装」を分ける意味があるのは、両者が選択可能なものか選択不可能なものか、という違いがあるからだとまずは考えられます。先にも述べたとおり、ルッキズムの議論では、「選択できる外見」と「選択できない外見」を分けることが重要だとされるからです。けれども、この「選択（不）可能性」という違いで両者を分けて議論するのはちょっと違うのではないかと思うのです。　僕は、こうした議論を整理するためには、「社会的身体」という概念が必要だと思っています。私たちが身体について話をするとき、そこで名指されているのは生物学的身体の場合がほとんどです。生物学的身体は脱衣の状態がデフォルトであるため、そこでファッションの問題は入ってきません。けれども、第6回で指摘したとおり、身体は「生物学的身体」と「社会的身体」の二通りに分けられると僕は考えています（そうでなければ、たとえば「人前で裸になることがなぜいけないのか」という問いについて答えることもできません）。社会的身体は着衣の状態がデフォルトなので、そこでは身体とファッション（衣服／服装）の二つの要素が入ってきます。　これまでに何度も述べたとおり、ファッションはアイデンティティと密接に関わるものです。私たちは着るものを通して自らのアイデンティティを表し（あるいは隠し）ます。アイデンティティを託したものについて、他人からどうこう言われる筋合いはないでしょう。私たちが自らが信仰する宗教について、他人からとやかく言われる筋合いがないのと同様に。もちろん、私たちはいつ何時でも好きな服装に身を包むことができる訳ではありません。仕事の場では暗黙の了解でスーツを着なければならないという人もいるでしょうし、葬儀の場でアロハシャツを着ることは避ける方が望ましいでしょう。ファッションは個人と社会のあいだのインターフェースであり、両者のあいだでせめぎあいが生じるものです。あるいはまた、個人の経済状況などによっても選択の余地はさらに狭まります。その意味では、そもそもファッションも完全に選択可能なものというわけではありません。　「（生物学的）身体は選択不可能であるがゆえに（たとえ褒めているつもりであっても）言及してはならないが、ファッションは選択可能なものであるがゆえに言及してよい」という考え方は、ファッションを軽んじている態度にほかなりません。これが反転されたものの例として、いわゆるブラック校則と呼ばれるものがあります。「下着の色は白でなければならない」「髪の毛は地毛であっても茶色は認めない」など、中学校や高校でファッションに関わる理不尽な校則があるという話をみなさんもしばしば耳にするでしょう。この種の校則を定めている学校であっても、おそらく身体に介入するような校則はないはずです。こうしたブラック校則の根底にあるのは、「ファッションは身体と異なり軽いものだから口出ししても構わない」という価値観です。　身体とファッションを選択（不）可能性によって分けることの弊害がここにあります。「身体とファッションはどちらも社会的身体を構成する不可欠な要素であり、どちらも同じように扱わなければならない」と考えなければ、こうしたブラック校則をなくすこともできないでしょう。他人の服装に口出しする前に必要なこと　このように考えるならば、身体についてもファッションについても、原則的に他人が不用意に言及するのは避けた方が望ましいという結論になります。けれども、そんな社会は息苦しい、「友達の服装がいつもより可愛かったら褒めて一緒にはしゃぎたいよ！」という人もいるはずです。僕もその考えには同意です。これはダブルスタンダードでもなんでもなく（僕はダブルスタンダードが悪いと思っていないのですが）、そこにあるのは別の論理です。すなわち、合意の形成が得られている（とみなせる）かどうか、です。　たとえば、あなたと友人のあいだで、「服装について触れてもよい」という合意が得られているのであれば、朝に会社や学校で会ったとき、開口一番で友人の服装を褒めてもまったく問題ないでしょう。逆に、その合意の形成が得られていないのであれば、どんなに「今日のあの人の服可愛いな」と思っても、不用意に触れることはしない方が賢明でしょう。　けれども、服装について言及してもよいかどうかの合意を取りつけるようなことは、私たちはふだんしません（僕もしません）。その場合、一切触れてはならないかというと、そういうわけでもないはずです。合意というのは契約書のようなものではなく、日常的なコミュニケーションの積み重ねのなかで、なんとなく形成されるものでもあります。それゆえ、自分と相手のあいだで齟齬が生じていることもあるはずです。合意が形成されていると思い込んで、相手の服装を褒めたら嫌そうな顔をされることもあるかもしれません。その場合は、自分の思い込みに修正をかける必要があるでしょう。場合によっては、（少しばかり）傷つけたり傷つけられたりしながら、合意を形成したり、合意の形成を諦めたりすることもあるでしょう。他者とコミュニケーションを取るという行為は、ひいては社会のなかで生きるというのはそういうものだと僕は思います（もちろん、決定的にとりかえしのつかないような傷つけ方は避けなければなりませんが）。　結論としては、冒頭に述べたとおり「中年男性が短パンをはこうがパーカを着ようが、中年女性がバンドTシャツを着ようがロマンティックな格好をしてようが、本人の好きなようにしたらいいじゃん」というあまりに単純なものです。他人の（生物学的）身体に口出しすべきではないという価値観と同じくらい、他人のファッションに口出しすべきではないという価値観が根づいたらいいのにな、と心から願っています。★今回のテーマをもっとよく知るための推薦図書・佐藤岳詩『心とからだの倫理学』筑摩書房、2021年今回のコラムでは取り上げられませんでしたが、ルッキズムの問題を考える上で避けては通れないテーマに「美容整形」があります。本書の一部は、美容整形は肯定できるのか否かについて、賛成派・反対派双方の主張を取り上げながら考えるものになっており、中立的な立場から考えることが可能です。それ以外にもドーピングやスマートドラッグなど、一般には否定的に捉えられがちなものについても正面から議論をしており、身体をめぐる倫理的問題について関心のある方はぜひ。・伊藤亜紗『身体の美学入門』中央公論新社、2026年ルッキズムを主要な研究対象としている書籍ではありませんが、身体に対する美的判断をどのように考えればよいか、そのきっかけとよってたつことのできる理論を紹介してくれる本です。・藤嶋陽子『「ありのまま」の身体——メディアが描く私の見た目 』青土社、2025年ファッションとルッキズム、双方に関心のある方におすすめの書籍です。最近は、「ありのままのあなたが美しい」というような表現を目にすることも少なくありませんが、「ありのまま」でいることの難しさについて、著者自身の経験をふまえながらさまざまな視座を提供してくれます。illustration: Riko Miyake（FASHIONSNAP）◾️ゆるふわファッション講義第1回：ファッション論ってなに？第2回：可視化の時代におけるファッションとは？第3回：美術展とは違う、ファッション展のみかた第4回：「黒の衝撃」から辿る、日本の90年代ファッション再考第5回：インターネット普及以後の日本ファッション⎯⎯平面性と物語性第6回：私たちは“二つの身体”を持っている──ヌード、義足、厚底シューズ第7回：不可視の装い「におい」がおびやかす、身体とファッション業界の未来第8回：「考察する若者たち」から考える現代ファッション第9回：ファッション論で紐解く 映画「プラダを着た悪魔２」第10回："ポケカブーム"から考える、服と「消費」の話第11回：“おじさん短パン論争”から考えるルッキズム

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【連載：ゆるふわファッション講義】第11回 “おじさん短パン論争”から考えるルッキズム

【連載：ゆるふわファッション講義】第10回 "ポケカブーム"から考える、服と「消費」の話

【連載：ゆるふわファッション講義】第9回 ファッション論で紐解く 映画「プラダを着た悪魔２」

　最近、三宅香帆さんの『考察する若者たち』という本を読みました。タイトル通り、「考察」というキーワードから現代の若者について論じるものです。この本はファッションについて書かれているというわけではないのですが、現代のファッションをとりまく状況についてもあてはまるように思われます。そこで、今回のテーマとして取り上げてみることにしました。　売れに売れている本なので読んだ人も結構いるのではないかと思いますが、まずは内容を簡単に紹介しておきましょう。三宅さんは現代（令和）を平成以前の時代と比較し、「批評から考察へ」「萌えから推しへ」など、この20年ほどのあいだ、文化にどのような変化が起きたかを見事に整理します。さまざまな概念が散りばめられており、読者（読み方）によって注目すべきものが変わってくると思いますが、僕が面白く感じたのはやっぱり「批評と考察の違い」についてです。（文：蘆田裕史）開かれた「批評」、唯一解の「考察」　批評と考察、どちらも同じようなものに聞こえる人もいるかもしれませんが、三宅さんの整理によると、考察は「作者が作品に仕掛けたものとして謎を解こうとする行為」（36頁）であり、批評は「作者すら思いついていない作品の謎に対して解釈を提示する」（36頁）ことだとされています。言い換えれば、批評は解釈の多様性に開かれている（正解は複数ある）けれども、考察は唯一の正解しかない、ということです。　作品の内容を分析して、その解釈を示すというプロセスは同じなのですが、目的というか理念がそもそも異なるということです。平成から令和にかけて、作品を読み解くことを楽しむという行為自体は行われ続けているけれども、その内実には大きな違いがあるというのが三宅さんの見立てです。現代の若者が求める「報われる」ファッション　では、なぜ若者が批評ではなく考察を求めるのか。それは本書で提示されている「報われ消費」という概念と関連します。詳細な議論は本書を読んでもらいたいのですが、三宅さんによれば、現代の若者たちは「報われる」ことを強く求めているといいます。　なぜ批評よりも考察が好まれるかと言えば、「作者の見解」という明確な正解があり、それを知ることで「報われる」からだと三宅さんは指摘します。平成以前は「萌え」と呼ばれていたキャラクターへの愛情が、現代では「推し」という行為に変化していることも同様です。たとえばアイドルは推せば推すほど、グループ内での人気番付の順位が上昇したり、売れて知名度が高くなったりと、報われるゴールが想定されています。　『考察する若者たち』は、アニメやマンガからアイドルまでさまざまな作品を事例として取り上げながら若者論が繰り広げられるものです。ファッションについて言及されているわけではないこの本の内容が、現代の若者のファッションとの付き合い方にもあてはまるのではないかと感じたのは、ファッション研究者の藤嶋陽子さんが「優勝」という概念に対して指摘していたことを思い出したからです。　藤嶋さんは、Z世代のファッションへの向き合い方の特徴を「失敗しないこと」と指摘しています。単に情報発信だけではなく、購買にも直接的に関与していく点に大きな特徴があるソーシャルメディアが、ファッション・メディアとしての重要性を高めるなかで、ファッション文化にも様々な変化が現れている。その変化の一例として考えられるのが、衣服選びにおける「失敗しないこと」への意識の高まりである。2020年代に入り、自分に似合う色味やシルエットを判断するためのパーソナルカラー診断や骨格診断が若年層の女性を中心に流行している。こういった診断に基づく情報は、三省堂による「今年の新語 2020」として選ばれた「優勝」という言葉と組み合わされることが多い。たとえば、「＃骨スト優勝服」といったような文言でSNS上に盛んに投稿されている。*¹　ぶっちゃけ、最初にこの話を聞いたときはピンときていなかったのですが（藤嶋さんごめんなさい！）、三宅さんの話とつなげるとよくわかるのではないでしょうか。*¹ 藤嶋陽子「ファッション·メディアとしてのSNS——買いものに組み込まれていくユーザー間の情報共有」『デザイン学研究 特集号』30巻1号、日本デザイン学会、2023年、66頁。「診断」はファッションの自由度を下げる？　パーソナルカラー診断と骨格診断は、ともに「診断」という言葉が使われている点でとても興味深く思われます。診断という言葉は、「医者が患者を診察して、健康状態、病気の種類や病状などを判断すること」（デジタル大辞泉／小学館）が第一義です。もちろん、ときに誤診があるのも事実ですが、原則として医者の診断は客観的な事実であり、正しさが求められるとされます。「あなたにはこの色がオススメ」という言い方であれば、それがオススメしている人の主観的な意見であることを意味していますが、「診断」という言葉には「客観的な事実にもとづいた正しい所見」というニュアンスが含まれます。　診断という言葉が使われるのは、ファッションに限りません。MBTIもそうですし、その人にぴったりな本や旅行先を「診断」してくれるようなサービスもあります。けれども、ファッションはやっぱり少し特殊なのです。これまでにも述べているとおり、ファッションはアイデンティティの可視化の装置です（解釈を広げると前回「におい」について言及したような不可視のものも含まれてくるのですが、一旦おいておきます）。食の話であれば、どんなものを食べていようが、つまり毎日揚げ物を食べていても、朝ご飯を抜いていても、誰かに知られることはありません。「正しくない」あるいは「好ましくない」とされる食生活をしていたとしても、（自分からばらさないかぎり）後ろ指を指されることはありません。けれどもファッションは否応なく可視化されるものです。それゆえ、「好ましくない」とされるファッションに身を包んだ人は非難を受けやすくなってしまいます。たとえば、もし誰かが服を着ないで外に出たとしたら、非難されるどころかすぐに警察に捕まってしまうでしょう。社会的に正しくないとされるファッションはすぐにばれてしまうからです。　私たちには服装の自由があります。服装の自由があるということは、単一の正解があるわけではない、ということでもあります。たとえば私たちには職業選択の自由が憲法で保証されていますが、これは同時に、誰かにとって正解となる職業というものがあるわけではないことも意味します。けれども、これが「＃骨スト優勝服」のように、誰かにとっての正解が存在するとされてしまうと、ファッションにおける自由度の低下にもつながりかねません。もちろん、「そういう可能性があるから良くない」と一足飛びに言うことはできませんが、そうした空気には注意を払った方がよいという感覚は十分理解できます。正解よりも「あなたの意見」が知りたい　また、診断ほど強い言葉ではありませんが、美容業界⎯⎯ここでは、とりわけ「美容院」を想定しています⎯⎯でも似たような傾向を感じます。近年、美容院のウェブサイトやSNSで「似合わせカット」という表現をしばしば目にします。これについては面白い表現だな、くらいに思っていたのですが、これも今回の議論に当てはまります。お客さんが「したい髪型」を実現させるのではなく、「似合う髪型」を提案するというのは、まさに髪型にも正解があること、そしてそれを選ぶことが望ましいという話です。　僕も美容師さんに髪型をどうしたいか聞かれたときに「お任せしたいです」と言ってしまうので、自分で自分の髪型を選べない／選びたくないという気持ちはよくわかります。そして、そういうお客さんがいる以上、「あなたにはこの髪型が似合います」と伝えたくなる美容師さんの気持ちもわかります。ですが、僕個人に関して言うと、正解を知りたいわけではないのです。　三宅さんは考察よりも批評の方が好きだと明言しながら、次のように語っています。私が批評を好きなのは、一人だけ他人と違うことを肯定してくれるからだと思います。周りと同じ小説を読んだり同じ映画を観たりしているのに、それでも違う感想が出てくる。違う解釈でものを観ている。それが肯定されるのが批評の世界だったから。共同体のなかで一人だけ感想が違ってもいいんだ。そう思わせてくれたのが、私にとっての批評というジャンルでした。そういう意味で、みんなで作者の正解を予想しにいく考察の流行は、少しだけ寂しい。みんなと感想が違ってもいいじゃないか！むしろ感想が違うほうが面白いじゃないか！あなたの感想を聞きたいのに！と思ってしまう。*²　僕は三宅さんと同世代ではありませんが、三宅さんの価値観に強く同意します。正解よりも「あなたの意見」が知りたい。自分の見た目を形づくることになる髪型について、美容師さんに「お任せします」と僕が言うのは、自分の顔立ちに「似合う」正解が知りたいわけではありません。髪を切ってくれるその美容師さんのセンスを信頼して、それに委ねたいからです。自分ですべてをコントロールすると、自分の想像の範疇におさまることになります。他者になにかを委ねるというのは、自分も想像できない、未知の世界に足を踏み込みたいという気持ちの表れなのです（個人の感想です）。　こうした「正解」を求めるユーザーの欲望についてはどのように考えるべきでしょうか。もちろん、私たちが何を望むかは（他者の権利を侵害しないかぎりにおいて）自由です。企業がそれにあわせた商品を提案することは売上にもつながりますし、win-winのようにも考えられるのですが、この話はデザインとマーケティングの違いに通じるものがあります。*² 三宅香帆『考察する若者たち』PHP研究所、2025年、235頁。「売れること」と「社会を良くすること」⎯⎯マーケティングとデザインのちがい　デザインを問題解決と捉えるのなら、それはユーザーの抱える悩みや困難に対して、リサーチをした上で解決のためのアイデアを提案するというプロセスになります。マーケティングは市場をリサーチして、消費者が求めているものが何かを突き止めて、それにあわせた商品を提案するものです。そう考えると、デザインとマーケティングってプロセスはほぼ同じようなものなんですよね。　けれども、両者には決定的な違いがあります。マーケティングは「売れることが正義」です。売れなければその商品や企画は失敗とされます。一方、デザインは売れるかどうかが重要なのではなく、その提案が社会をよりよいものにするかどうか、という視点が必要だと僕は思っています。つまり、デザイン的な視点に立てば、仮に売れなかったとしても長期的に社会をよりよい方向に変えるきっかけになるのであれば、その商品・企画には意義があると言えるのです。　たとえば、ゴレンジャー（例が古くてすみません）のような戦隊ものの5人組のヒーローに女性を1人だけ入れるのか、あるいは2人入れるのか。プリキュアを女の子だけにするのか、男の子を入れるのか。戦隊もののヒーローのなかの女性比率を増やすと、あるいはプリキュアに男の子を入れると、もしかしたら関連グッズの売上が落ちるかもしれません（戦隊ものやプリキュアというコンテンツにおいて、おもちゃの売上が重要なのは言わずもがなでしょう）。そうすると、マーケティング的には失敗となってしまいます。けれども、そうすることによって、「男の子がプリキュアを好きでもいいんだ」と思う人が増えたり、組織におけるジェンダーバランスを意識する人が増えたりするのであれば、デザイン的には成功だとも言えます。「効率化」の先にあるのは、ユートピアかディストピアか　三宅さんが強調しているように、正解や報われることを求める文化が悪いわけではありません。コスパに加えてタイパが求められるのは、社会が効率化を求めていることの反映でもあるでしょう。実際、ワークライフバランスを重視するのであれば、仕事を効率化するという意志はあらゆる局面で必要になってくるはずです。けれども、効率化に全振りをするというのも、デザイン的な視点だとあまりよくないように思います。極端な例に聞こえるかもしれませんが、効率化を求めるのであれば各家庭で食事を作るよりも、地域ごとに配膳センターのようなものを作って、給食さながら各家庭に配った方が社会としては効率がよいでしょう。服に関しても、多様なブランド／メーカーが思い思いに商品を作るのではなく、制服のように一元化されたものをみんなが着た方が効率的でもあるし、コーディネートに悩んだり失敗したりすることもないでしょう。　はたして、そのような社会が実現したとしたら、それはユートピアなのか、あるいはディストピアなのか。○○診断には、何を着るべきかで悩まなくなるというメリットがあることは理解できるのですが、三宅さんにならって「正解よりもあなたの着たいものを着たらいいのに！」と僕としては思ってしまいます。それではまた次回に。★今回のテーマをもっとよく知るための推薦図書・藤嶋陽子『ありのままの身体——メディアが描く私の見た目』青土社、2025年今回のコラムでも引用したファッション研究者の藤嶋さんが、ルッキズムや美容整形などの「見た目」に関わる問題について論じたものです。ファッションとの向き合い方に悩んでいる人にオススメです。・東浩紀『動物化するポストモダン』講談社、2001年個人的には『考察する若者たち』でもっとも感慨深かったことは、いわゆるゼロ年代（2000年代）の議論が下敷きになっている点でした（平成以前と令和の比較なので当然と言えば当然なのですが）。ゼロ年代の批評の盛り上がりは相当なものだったと思いますが、そのなかでもこの本の影響力はかなり大きいと思います。平成以前の批評に興味をもった人は是非読んでみてください。・『ゲンロンy』創刊号、ゲンロン、2026年東浩紀さんが創業した知の拠点「ゲンロン」から、若手の批評家·研究者を中心に創刊された批評誌です。正解が求められる「考察の時代」に創刊される批評誌が、今の若い人たちにとってどのように読まれるのかに、僕としては強い関心を持っています。edit: Erika Sasaki（FASHIONSNAP）illustration: Riko Miyake（FASHIONSNAP）◾️ゆるふわファッション講義第1回：ファッション論ってなに？第2回：可視化の時代におけるファッションとは？第3回：美術展とは違う、ファッション展のみかた第4回：「黒の衝撃」から辿る、日本の90年代ファッション再考第5回：インターネット普及以後の日本ファッション⎯⎯平面性と物語性第6回：私たちは“二つの身体”を持っている──ヌード、義足、厚底シューズ第7回：不可視の装い「におい」がおびやかす、身体とファッション業界の未来第8回：「考察する若者たち」から考える現代ファッション第9回：ファッション論で紐解く 映画「プラダを着た悪魔２」

パーソナルカラー診断、骨格診断、似合わせカット

【連載：ゆるふわファッション講義】第8回 「考察する若者たち」から考える現代ファッション

　今回は「ファッション論」というよりも、個人的に困っていることを少しお話したいと思います（大学で授業をするときは個人的な主張をできるだけ入れないようにしているのですが……）。そして、ひょっとしたら今回のコラムを読んで傷ついたり不快に思ったりする人も出てくるかもしれません。そのことを、あらかじめお詫びをしておきます。　言い訳めいた書き出しになりましたが、今回のテーマは「におい」です。僕は柔軟剤のにおい⎯⎯厳密に言えば柔軟剤だけでなく洗剤も含むのですが、より被害が大きいと思われる柔軟剤でくくります⎯⎯がめちゃくちゃ苦手です。大げさに言えばこの世からなくなってほしいもの第3位です（ちなみに1位は暴力、2位は貧困です）。というのも、柔軟剤のにおいによって、気持ち悪くなったり頭が痛くなったりするからです。ここ数年「香害」という言葉を目にする機会が増え、柔軟剤のにおいによる被害を訴える人も徐々に可視化されてきていますので、同じような話を耳にしたことのある人もいるでしょう。　「いいにおいが好き」⎯⎯この意見に反対する人はあまりいないはずです。ただし、ここで言う「いいにおい」はあくまで「自分にとって」、という条件つきです。逆に「くさいにおいは嫌い」ということについても同じことが言えるでしょう。納豆やブルーチーズのにおいを不快に感じる人もいれば、食欲をそそられるという人もいる。においの評価は、きわめて主観的なものだからです。（文：蘆田裕史）不可視の装いとしての「におい」：香水と柔軟剤　では、「ファッション」と「におい」はどのような関係があるのでしょうか。たとえば香水は、その関係を端的に示す存在です。身体ににおいをまとわせることは、不可視の装いを身につけることでもあります。香りをポータブルなものとする香水は、お気に入りの服を身につけているのと同じ高揚感をもたらします。香水はつけている人にとっては自分のQOL（Quality of Life、生活の質）を上げるものですが、他者にとっては必ずしもそうではありません。誰かがつけている香水に対して「このにおいはあまり好きではないな」とか「ちょっとにおいがきついな」とか思ったことは誰しもあるのではないでしょうか。　こうした「他人が発する、（自分にとっては）不快なにおい」という問題は新しいものではありませんが、においを取り巻く状況はいま変わりつつあるように思われます。それが柔軟剤のにおいによるトラブルです。消える香水、消えない柔軟剤⎯⎯においが残り続ける理由と弊害　柔軟剤はその名前からすると、もともと服やタオルを「柔らかく」するためのもののはずですが、いつからか「におい」をつけることが目的になってきています。僕が家で使っている洗濯機には「においをつけるために柔軟剤を二度投入する」という機能があるのですが、そのことからも「においづけ」を求めるユーザーが数多くいることが窺われます。一見、服ににおいをつける行為は、出かける前に自分の身体に香水をふりかける行為と同じであるように思われます。けれども、柔軟剤の特性をふまえると、事態はまったく異なるのです。それは、香水のにおいは消えるけれども、柔軟剤のにおいは消えない、ということに起因します。　柔軟剤による「においづけ」をしたいと思う人は、そのにおいが永く続くことを望んでいるようです。だとすると、メーカーはにおいが失われないような努力をすることになります。そうして使われるようになったのが、マイクロカプセルです。これは、微細なプラスチックのカプセルに香料を閉じ込め、摩擦や圧力によって破壊されると香りが放出されるという仕組みの物質です。つまり、香りが消えないよう設計されているのです。香水は時間とともに揮発しますが、マイクロカプセルは物質として繊維に残り続けます。ここに決定的な違いがあります。　マイクロカプセルは肉眼では見えませんが、実体を伴った物質です。その物質によって服についたにおいが長続きするということは何を意味するのでしょうか。それは、においが消えずに蓄積していくということです。これは僕の経験談なのですが、僕の息子が通う小学校では、給食当番が着るエプロンを、使った人が家で洗濯をして翌週に次の当番に渡すというシステムが取られています。そうすると、さまざまな家庭の柔軟剤のにおいが一枚のエプロンに蓄積し、（僕からすると）とんでもないにおいを発するようになるのです。もしこれが「汚れ」であれば目に見えるものなので、気になる人と気にならない人がいたとしても、「汚れがある」という共通認識を得ることはできます。けれどもにおいはそうはいきません。目に見えないものなので、気にならない人にとってはにおい自体に気がつかないのでしょう。　とはいえ、小学校の給食エプロンは特殊なケースですし、そんなに影響がある話ではないと考える人もいるでしょう。ところがそうは言っていられない状況が到来しているのです。座席や試着からにおいが移る？　「移香」がおびやかす社会的身体　先に述べた通り、柔軟剤のにおいはマイクロカプセルによって服に蓄えられ、摩擦や圧力によってにおいが放出されます。私たちの日常生活で、服との接触が起こるようなものとして、何が考えられるでしょうか。それは、公共空間に存在する「座席」です。僕も少し前まで気づいていなかったのですが、最近、カフェで座ったり電車で座ったりした日は、自分の服（とりわけボトムス）から使っていないはずの柔軟剤のにおいがするのです。歯医者に行った日もそうです。気にならない人からすると、「気のせい」とか「気にしすぎ」とか思われるにちがいありません。最初は僕もそう思いました。だって誰からもそんな話を聞いたことがありませんでしたから。*¹　誰かの着ている服に蓄積された柔軟剤が、座席という公共空間のモノを媒介して自分の服に移る。これは言ってみれば他者の社会的身体への干渉です。前回のコラムにおいて、私たちの身体には「生物学的身体」と「社会的身体」の二つがあると指摘しました。化学物質過敏症の人は、生物学的身体に被害を受けています。けれども、化学物質過敏症ではない、つまり生物学的身体には影響がないとしても、消えることのないにおいが服に移るというのは、社会的身体の侵害につながります。しかも、先ほど述べた通り、香水と違って柔軟剤のにおいは洗っても洗ってもなかなか消えないのです。体調不良を引き起こすまではいかなかったとしても、望まないにおいがつきまとってくるのを不快に思う人は少なくないでしょう。　また、僕にはこんな経験もあります。旅先のホテルでインナーや下着を洗おうとコインランドリーを使ったところ、自動投入される洗剤（か柔軟剤）のにおいがきつく、取れなくなってしまいました。旅先で、かつ次の日に着るために必要だから洗ったので、着ないという選択肢を取ることができず、その上に着たセーターにもにおいがついてしまいました。もちろん、確認を怠った僕が悪いといえば悪いのですが、無人のコインランドリーで自動投入される洗剤のにおいを確認することが難しいのは想像できると思います。ちなみに、そのセーターは帰宅後、がんばって洗っているうちに縮んでしまって着られなくなりました。　そしてこんなこともありました。フリマアプリで買った服に柔軟剤のにおいがついていて、何度洗っても取ることができず、結局捨てることになりました。「捨てるなんてもったいないし、環境に悪い！」と思われる人もいるかもしれませんが、柔軟剤のにおいがついた服を二次（三次）流通させるなんて、さらなる被害を生みかねないので僕にはできません。　さらにこんなこともありました。最近はお気に入りの服を着ることがこわいので、日常的に着る服を某量販店で買うことがあります。そのときは薄手のセーターを買いに行ったのですが、すでに似たものを持っており、サイズ感がわかっていたため試着をしませんでした。次の日、その服をいざ着ようとしたら、新品のはずなのに柔軟剤のにおいがするのです！ おそらくは誰かが試着をしたときに、その人が着ている服からにおいが移ったのでしょう。この服は着ることができず、けれども捨てるのももったいないので何度も洗って数週間ベランダに干し続けたところ、なんとか着られるくらいにはなりました。試着しただけの服でこうなのですから、何度も柔軟剤にさらされた服にどれだけのにおいが蓄積しているか想像してもらえるのではないでしょうか。*¹ 気になり始めてから調べてみると、やっぱりすでに問題視されていたことがわかりました。たとえば『週刊金曜日』ではしばしば香害についての特集が組まれているのですが、2024年（1459号）では、「その香り、うつしているかもしれません」というテーマで移香の問題が取り上げられていました。においで服が売れなくなる日⎯⎯ファッション業界に与えうる新たなリスク　こんなエピソードばかり書いていると、「こいつやべえやつだ……」と思われてしまうかもしれません。いや、実際もし僕が柔軟剤のにおいが気にならない人だとしたら、そう思ってしまうにちがいありません。けれども、こう感じているのは僕だけではありません。たとえば横浜にある「ユーフォニカ（Euphonica）」という服屋さんの店主さんが、香害について発信しているのですが、そこでも「試着による移香」について言及されています。*²　ほかにも、たとえばX（旧Twitter）で「メルカリ　柔軟剤　臭い」などで検索してみると、売り手が使っていた柔軟剤のにおいが取れずに困っているという話がいくらでも出てきます。あるいは、服ではありませんが、図書館の本に柔軟剤のにおいがしみついているというような話もあります。　さて、こうなってくると僕個人の話ですまなくなってくることが理解できるのではないでしょうか。「移香」と「取れないにおいの蓄積」は、これからのファッション業界にとって重要なイシューになってくるはずです。つまり、「新品の服が試着時の移香によって売れなくなる可能性」と、「二次流通の停滞」です。もしこれからも多くの家庭で柔軟剤が使われ続けると、公共空間に蓄積されるにおいは加速度的に増えていくと思われます。試着によって新品の服ににおいが移るのであれば、その商品が売れる可能性は低くなりますし、僕のように「お気に入りの服を着ることができないから、あまり服を買う気にならない」という人も増えてくると推測されます。　また、「柔軟剤のにおいが気になるからフリマアプリで服を買えない」という人が増えるのならば、おそらくは廃棄される服が増えることにもなります。どれだけ作り手がサステナブルな服作りをしたとしても、その先で思わぬトラブルが起きてしまうと、その苦労も水の泡になりかねません。　ここまで個人のQOL的な話をしてきましたが、もちろんマイクロカプセル（マイクロプラスチック）は環境破壊につながっているということもあります。ヨーロッパではその観点から、マイクロプラスチックの使用が制限されることがすでに決まっているようです。ファッション業界ではあまり香害が話題になっていないような印象を受けるのですが、環境保護の観点からも、人権や倫理の観点からも、柔軟剤のにおいはもっと議論をすべきイシューなのではないでしょうか。　おそらく読者のなかにも、合成香料の含まれる柔軟剤や洗剤を使っている人が少なからずいるでしょう。そうした方々は今回のコラムによって責められていると感じるかもしれませんが、そんなつもりはありません。僕も含め、世の中のすべての問題を把握することも、あらゆる人に対して配慮することもできないのは当然ですし、普通に売られているものを使っているだけで責められるいわれなんてないですよね。ですので、やっぱり問題はメーカーにあると思います。　けれども、もしこのコラムを読んで、「においで困っている人がいるんだ」と知ってもらえたら、マイクロカプセルが入ったような柔軟剤や洗剤の使用を控えてもらえると嬉しいです。*² 「薫香考」Euphonica blog – 高慢と偏見、2025年6月8日投稿★今回のテーマをもっとよく知るための推薦図書・渡井健太郎『化学物質過敏症とは何か』集英社筑摩書房、2024年「化学物質過敏症」について、必要以上に化学物質を糾弾するのではなく、医師の立場からきわめて理性的に論じられた良書です。アレルギーと同様、ある日突然発症する可能性があるされる化学物質過敏症は、誰しもがかかわる可能性のあるものです。・川崎和也『惑星のためのファッション——持続可能な社会を実現する、衣服と技術のデザイン戦略』ビー・エヌ・エヌ、2026年今回のコラムでは環境についての話はあまりしませんでしたが、そちらの観点に興味がある人にとっては今後必読書となるでしょう。その一方で、環境への視座⎯⎯つまりサステナブルファッション⎯⎯のみでは今回取り上げたような香害の問題はこぼれ落ちてしまうので、エシカルファッションという概念について改めて考える必要があるとも思わされました。・シャンタル・ジャケ『匂いの哲学——香りたつ美と芸術の世界』（岩崎陽子監訳・北村未央訳）、晃洋書房、2015年哲学史における嗅覚の問題、つまり五感のなかでの嗅覚の位置づけなども論じられたらよかったのですが、紙幅に余裕がありませんでした。タイトルそのままですが、においについての哲学的な議論に興味のある人はぜひ。edit: Erika Sasaki（FASHIONSNAP）illustration: Riko Miyake（FASHIONSNAP）◾️ゆるふわファッション講義第1回：ファッション論ってなに？第2回：可視化の時代におけるファッションとは？第3回：美術展とは違う、ファッション展のみかた第4回：「黒の衝撃」から辿る、日本の90年代ファッション再考第5回：インターネット普及以後の日本ファッション⎯⎯平面性と物語性第6回：私たちは“二つの身体”を持っている──ヌード、義足、厚底シューズ第7回：不可視の装い「におい」がおびやかす、身体とファッション業界の未来第8回：「考察する若者たち」から考える現代ファッション第9回：ファッション論で紐解く 映画「プラダを着た悪魔２」

【連載：ゆるふわファッション講義】第7回 不可視の装い「におい」がおびやかす、身体とファッション業界の未来

　僕は子どもの頃から運動が得意ではなく、そのせいもあってか、ふだんからスポーツをしたり観たりすることがあまりありません（なぜか『アオアシ』や『ジャイアントキリング』のような、スポーツをテーマにしたマンガはわりと好きなのですが）。けれども、スポーツは身体の問題にかかわるために⎯⎯言うまでもなく、ファッションも身体と切っても切り離すことができません⎯⎯、いくつかの点で興味を持っていたりもします。こんな話をしようと思ったのは、つい先日行われた箱根駅伝について、ちょっと面白い観点からの記事を見つけたからです。　この記事で書かれているような、「アスリートが何を着るか（履くか）」についての話は、まさにファッションと身体の問題にかかわるために、スポーツに縁のあまりない僕でも興味を持っていたりします。　たとえば、少し前に、陸上競技において「ナイキ（NIKE）」の「ヴェイパーフライ」（ナイキの厚底レーシングシューズ）が物議を醸したことがありました。ヴェイパーフライを履いた選手が軒並み良い記録を出したために、靴に関してある種の規制がされることになったのです。アスリートがさまざまなブランドの靴を履いているということは、みんな同じ靴を履いて競技しているわけではないということを意味します（あたりまえですね）。なぜ違う靴を履くことが許されるのに、履いてはいけない靴が出てくるのでしょうか。（文：蘆田裕史）義足の選手が勝つのは「ずるい」？　ところで、さきほど僕はスポーツをあまり観ないと言ったのですが、実は関心を持っているアスリートもいます。それは、ドイツのマルクス・レーム（Markus Rehm）という義足のアスリート⎯⎯走り幅跳びの選手⎯⎯です。レームは、2021年に東京オリンピック／パラリンピックが開催されたときに日本のマスメディアでも取り上げられていたので、記憶に残っている人もいるかもしれません。　そのときにレームが話題になったのは、端的に彼の記録がずば抜けているからです。どの程度の記録を出しているかというと、2014年のドイツ国内の陸上選手権で、健常者と一緒に競技に参加し、優勝したくらいです。通常であれば、この選手権で上位に入賞した選手がヨーロッパ選手権に出場するようなのですが、レームはそこへの出場が認められませんでした。理由としては、「義足が有利に働いている」とみなされたからです。　僕の素朴な素人意見で言えば、「健常者も靴を履いているんだから、義足をつけていても問題ないんじゃない？」と思ったりするのですが、どうもレームのような義足のアスリートが結果を出すのは「ずるい」と思う人も多いようです。僕はスポーツ研究者ではないので、この問題に対する結論を出すことまではできませんが、ここではファッション論の立場からひとつの視点を提供しようと思います。それは衣服と身体の関係についてです。なぜ人は公共の場で裸になってはいけないのか　少しスポーツから離れることになりますが、みなさんは「なぜ公共の場で裸になってはいけないのか」と考えたことはあるでしょうか（ちなみに僕はずっとこの問いについて考え続けているのですが、まだ明確な答えを出すことができません）。この問題を考えるにあたって、ヒントを与えてくれているのが、美術史家のケネス・クラーク（Kenneth Clark）という人です。クラークは『ザ・ヌード』という本のなかでこんなことを言っています。英国語は、巧みに幅広くその語彙を活用し、はだか（naked）と裸体像（nude） とを区別している。はだかであるとは着物が剥ぎ取られているということであり、そこにはたいていの者ならそんな状態になれば覚えるはずの、当惑の意が幾分か含まれている。*¹　西洋の古典的な絵画では、しばしば女性の裸体画が描かれてきました。こうした絵画は「ヌード」と呼ばれますが、それを観るときに恥ずかしさを覚える必要はないと考えられています。一方で、ある種の裸体画は観るのがためらわれたり、実際に物議を醸したりもします。美術史で言えば、マネの『草上の昼食』や『オランピア』などがわかりやすい例でしょうか。これらはクラークの言葉を借りれば「ネイキッド」であり、「着物が剥ぎ取られた状態」だと言うのです。つまり、同じ「裸体」であっても、その意味合いは二通りあるということです。*¹ ケネス・クラーク『ザ・ヌード』（高階 秀爾、佐々木 英也 訳）筑摩書房、2004年、18頁私たちが持つ“二つの身体”⎯⎯「社会的身体」と「生物学的身体」　私たちは、生まれた直後から⎯⎯本人の意志とは無関係に⎯⎯衣服を着せられます。物心がついてからも、自宅以外では基本的に服を着て生活し、それが死ぬまで続きます。つまり、私たちの身体はデフォルトとして着衣の状態で存在しているのです。そのため、裸でいることはけっして自然の状態ではなく、クラークが言うように「衣服が剥ぎ取られた」不自然な状態なのです。私たちが社会生活を送る上での前提がこの状態になるので、これは「社会的身体」と呼ぶことができるでしょう。　一方で、私たちの生活のなかで、着衣の状態がデフォルトとみなされない場合もあります。病院で患者としてふるまうときがそのわかりやすい例でしょうか。私たちは治療を受けるときに、必要であればお医者さんや看護士さんの前で服を脱ぐことを拒みません。通常の社会生活であれば、人前で服を脱ぐというのは恥ずかしさを覚える行為のはずなのに、です。このとき、私たちも医療従事者も、身体を生物学的なものとみなしていると言えるでしょう。衣服という社会生活を送るための道具は、医療行為にとっては不要であり、身体を社会的なものと見ることもしません。つまり、「生物学的身体」としては脱衣の状態がデフォルトなのです。　こうした「二つの身体を持つ」という考え方は突飛なものではありません。歴史家のE・H・カントーロヴィチ（Ernst Hartwig Kantorowicz）は『王と二つの身体』という著書のなかで、中世のイングランドでは王が「自然的身体」と「政治的身体」の二つの身体を持っているとされていたことについて、詳細に論じています。前者は人間としての身体で、王といえども年老いたらその身体は死を迎えます。けれども、政治的には王というものは不滅のものであり、肉体が滅びようともその身体は続くものだとみなされたわけです。言うまでもなく、私たちは王ではないので政治的身体を持っているわけではありませんが、身体を生物学的な（自然的な）ものとみるか、社会的なものとみるか、二つの場合がありうるというのは王の場合と類似していると言えるでしょう。　さきほどのクラークの話に戻ると、二種類の身体があるというのは「ヌード」と「ネイキッド」という二種類の裸があるということとパラレルです。私たちが身体を生物学的なものとみる場合には、そこに性的な含意をくみ取ったり恥ずかしさを覚える必要はありませんが、身体を社会的なものとみるのであればその逆になります。手術台の上では裸になっても罪にならないけれども、街中で裸になると罪になるというのは、前提とされる身体のあり方が異なっているからなのです。メガネはOKで、義足はNG？ スポーツと身体の境界線　さて、ここでスポーツの話に戻りましょう。スポーツを行うのは、生物学的身体と社会的身体のどちらなのでしょうか。もし前者であれば脱衣の状態、つまり衣服を身につけていない、まさに「裸」の状態がデフォルトのはずです。そうだとすると、服を着ることも、靴を履くこともしない、生身の身体で勝負をするべきだということになるでしょう。実際、古代ギリシャのオリンピックは裸で競っていたそうです。もし後者、つまり社会的な身体で勝負をするのであれば、生身の身体、つまり生物学的身体で争うという考え自体が不要なはずです。服を着るのも、靴を履くのも認められる⎯⎯というか、それがデフォルトです⎯⎯し、もっと言えば、義足をつけるのも問題ないはずです。　それでも、「やっぱり靴と義足はちょっと違うような気がする」と思う人もいるかもしれません。そういう人にはメガネ（あるいはコンタクトレンズ）のことを考えてもらうとよいように思われます。「義足をつけて好記録を出すのはずるい」と思う人はいても、「メガネをかけて好記録を出すのはずるい」と思う人はほとんどいないのではないでしょうか。　視力の悪い人はメガネをかけないと生活に支障が出てしまいますし、野球やサッカーをうまくプレイすることもできません。そして、おそらく走り幅跳びの記録にも影響が出るでしょう。メガネと義足はどちらも生活のための道具であって、どちらも社会的身体の一部です。違うことがあるとすれば、利用者数が圧倒的に違うことくらいでしょう。もし、義足がメガネのようにマジョリティのための道具だったとしたら、おそらく使用が認められていたにちがいありません。もしスポーツを行う身体が生物学的身体ではなく社会的身体なのであれば、衣服のように生活のために身につけるものはすべて認めるのが合理的な判断なのではないでしょうか。……と、身体についてさも色々わかっているように書いてきたのですが、実は、ここで書いた二つの身体の話はごくごく最近思いついたアイデアなのです（『王の二つの身体』のことはずっと頭の片隅にひっかかっていたし、クラークのヌードについての記述も前から授業で扱っていたことなのに！）。なので、まだまだ検討の余地がある話だと思いますし、議論のたたき台くらいに考えてもらえたらありがたいです。★今回のテーマをもっとよく知るための推薦図書・佐藤岳詩『心とからだの倫理学』筑摩書房、2021年「それでもやっぱり義足はなんかずるい気がする」という人は、この本のドーピングについての章を読んでみてください。ドーピングも一般的には「ずるい」とされますが、肯定する意見もあったりするのです。・菅俊一・田中みゆき・水野祐『ルール？本　創造的に生きるためのデザイン』フィルムアート社、2024年「ルール上、義足は問題がある」と考える人には、「そもそもルールって何のためにあるのか？」「どのようにルール作りをするべきか？」を考えてみてほしいです。・荻上チキ『社会的な身体 － 振る舞い・運動・お笑い・ゲーム』講談社、2009年「社会的身体」という概念は僕の独創ではなく、すでに色々な人がこれについて考えています。この本はファッション論的な観点とはまったく違いますが、生物学的身体と社会的身体の違いを考える上で参考になると思います。edit: Erika Sasaki（FASHIONSNAP）illustration: Riko Miyake（FASHIONSNAP）◾️ゆるふわファッション講義第1回：ファッション論ってなに？第2回：可視化の時代におけるファッションとは？第3回：美術展とは違う、ファッション展のみかた第4回：「黒の衝撃」から辿る、日本の90年代ファッション再考第5回：インターネット普及以後の日本ファッション⎯⎯平面性と物語性第6回：私たちは“二つの身体”を持っている──ヌード、義足、厚底シューズ第7回：不可視の装い「におい」がおびやかす、身体とファッション業界の未来第8回：「考察する若者たち」から考える現代ファッション第9回：ファッション論で紐解く 映画「プラダを着た悪魔２」

スポーツから考える「ファッションと身体」

【連載：ゆるふわファッション講義】第6回 私たちは“二つの身体”を持っている──ヌード、義足、厚底シューズ

2000年代⎯⎯造形的な服と平面的な服の時代　前回紹介したユトレヒト中央美術館での「Made in Japan」展をはじめ、日本のファッションデザイナーが出展する展覧会でしばしば取り上げられるのが、「ジュンヤ ワタナベ（JUNYA WATANABE）」の渡辺淳弥です。2000年代前後の日本のファッションデザイナーの中で、ジュンヤ ワタナベの特徴は、いわゆる「造形的な服」⎯⎯このことばはあまり好きではないのですが⎯⎯だと言えます。ワイヤーを駆使してさまざまなフォルムやラインを作り上げた1998年秋冬コレクションなどがそのわかりやすい例です。　その一方で、この時代は「平面的な服」が増えてきた時代でもあります。平面的な服とは、グラフィカルな要素をプリントしたTシャツや、テキスタイルデザインを特徴とする服などがそれにあたります。前者は裏原系のブランドの特徴のひとつと言え、後者の代表的なブランドは「ミナ ペルホネン（minä perhonen）」でしょう。裏原系とミナ ペルホネンは対極にあるように感じられると思いますが、「平面性」という点では共通しているのです。では、なぜ平面性が重要なのでしょうか。それはインターネットの普及と関係しているように思われます。「視覚優位」へ⎯⎯インターネットが変えた服の見方　Windows 95が発売され、一般家庭にインターネットが普及し始めたのが1995年と言われます。その後、さまざまなECサイトがあらわれ、2004年には「ゾゾタウン（ZOZOTOWN）」がスタート。一方、1999年に「Yahoo!オークション」（現 ヤフオク!）のサービスが開始され、インターネットを通じた個人間売買も行われ始めました。　インターネットが普及しても、私たちが現実世界で服を着るという生活は特に変わりませんが、どのように服を見るか（探すか）は少しずつ変わります。それは、ディスプレイを通して服を見るようになった、ということです。実店舗で服を探す場合は、生地を触って、試着して、自分に似合う服や自分がほしい服を選ぶことができます。しかし、ディスプレイを通して服を見た場合、手触りもわからなければ試着することもできません。そうすると、私たちが服に求める情報のうち、二次元的な、視覚を通じて認識できる要素の比重が高くなってきます。　こうして、グラフィカルな要素を特徴とする服がより求められやすくなります。その後、SNSが普及することによって、この流れに拍車がかかります。平面的なグラフィックを極限まで推し進めた（わかりやすくした）ものがブランドのロゴだと言えますが、SNS時代にロゴが大きくあしらわれたアイテムが人気になるのもこの流れだと言えるでしょう。「20471120」「ビューティビースト」の流れにあるミナ ペルホネン？　ところで、さきほどミナ ペルホネンについて少し触れましたが、ミナ ペルホネンの特徴は平面性だけではありません。「チョウチョ（choucho）」や「タンバリン（tambourine）」といったミナ ペルホネンの代表的なテキスタイルを見ると、「マリメッコ（Marimekko）」のような北欧的テキスタイルデザインの系譜にあるようにも思われますし、実際そう捉えることもできるでしょう。けれども、ミナ ペルホネンのテキスタイルには、北欧的な⎯⎯もっと言えば西洋的な⎯⎯テキスタイルデザインと大きく異なる部分もあります。　たとえば、2000年秋冬に発表されたテキスタイル「travel」。オオカミのような動物が野原を歩いている場面が描かれていますが、このシーンは絵本の一ページのようにも見えます。ミナ ペルホネンは発表したテキスタイルをウェブサイトにアーカイヴしているのですが、そこではこのような説明がなされています。スカートの中を旅する四つ足の動物。スカートの脇にプリントされて、履いた人が座って初めて、この生き物が地上を歩き出す。物語が始まる。ミナ ペルホネン 公式サイト「TEXTILE」ページ「travel」より　ミナ ペルホネンにとって、テキスタイルの柄は単なる模様ではありません。そこから私たちの想像を膨らませる、物語の起点なのです。まるで絵本の一ページのような。そのことは、現在開催中の展覧会「つぐ minä perhonen」からも見てとることができます。この展覧会では、テキスタイルが作られるまでの背景⎯⎯つまりは物語⎯⎯や、顧客がミナ ペルホネンの服とどのような物語をつむいできたかが語られており、ミナ ペルホネンがいかに物語を重視しているかがわかります。そして、この点において、ミナ ペルホネンが前回の「20471120（トゥー・オー・フォー・セブン・ワン・ワン・トゥー・オー）」や「ビューティビースト（beauty:beast）」からの流れに位置づけられることとなります。2010年代⎯⎯キャラクターから「物語」へ　アニメやマンガなどのサブカルチャーを取り入れたブランドと北欧的な雰囲気をもつミナ ペルホネンに関連があると言われると、驚く人もいるかもしれません。前回、20471120やビューティビーストはファッションにキャラクター性を持ち込んだと言いましたが、そもそも「キャラクター」とは何でしょうか。それはすなわち、物語の登場人物になりうる存在だと言えるでしょう。　現代の日本は、企業のキャラクターや自治体のキャラクターなど、キャラクターにあふれた社会です。こうしたキャラクターのなかには、一見すると物語と無関係に見えるものもあるかもしれません。けれども、たとえば「くまモン」にせよ「ひこにゃん」にせよ、キャラクターは現実社会と関わり、さまざまな場所で何がしかの行動をすることになります。広報誌で名産品を紹介したり、着ぐるみとなって観光地でイベントをしたり。二次元か三次元かを問わず、こうしてキャラクターが行動することによって、物語が生まれてきます。そう、キャラクター的なファッションのたどり着く先は、物語的なファッションなのです。それを先取りするかのように、20471120のキャラクターである“ヒョーマ君”を用いたアイテムでは、彼がマンガの登場人物であるかのような場面⎯⎯食事をしたり排泄をしたり⎯⎯が描かれた絵がプリントされてもいました。　第3回でも書いたように、衣服は他のジャンルの作品と比べると、情報量の少なさが特徴のひとつです。1990年代までに、服として成立するようなシルエットはほとんど出尽くしていたため、モノ自体で新しさを生み出すことがだんだんと難しくなります。それゆえ、前回お話ししたような「キャラクター」を取り入れ、服の情報量を増やすことの必要性が生まれたと言えるでしょう。しかし、キャラクターだけでは限界があります。キャラクターは物語の起点になるものではあるけれども、物語そのものではないからです。　こうして、2000年代後半以降、物語的なファッションを作るデザイナーが増えてきます。たとえば「リトゥンアフターワーズ（writtenafterwards）」の山縣良和、「アシードンクラウド（ASEEDONCLÖUD）」の玉井健太郎、「ユキ フジサワ（YUKI FUJISAWA）」の藤澤ゆきなどがそこに位置づけられると思います。はからずもミナ ペルホネンの話に紙幅を大きく割いてしまいましたので（ウェブの時代に「紙幅」という言葉は許されるのでしょうか……）、その後の流れについてここで詳細に論じることはやめ、またいずれどこかで別の機会があれば書こうと思います。ファッション業界に足りないのは「語ること」と「残すこと」　もともと前回と今回のコラムでやりたかったこととして、歴史に埋もれてしまったブランド／デザイナーを掘り起こすことがあったのですが、そこからだいぶ逸脱してしまいました。本当はもっと色々なブランド／デザイナーを取り上げるつもりでした。たとえば、「ナショナルスタンダード（national standard）」、「アツロウ タヤマ（ATSURO TAYAMA）」、「キョウイチ フジタ（Kyoichi Fujita）」、「ホンマ（HOMMA）」、「セイケ（SEIKE）」、「シンヤノモト（SHINYA NOMOTO）」、「1%」、「カルシウム（calcium）」、「ピエ ド ビッシュ（Pied de Biche）」、「ユージヤマダ（yuji yamada）」、「栄養失調の勃起」、「フェトウス（FÖTUS）」、「ディフェクティブ・プロダクト（defective product）」、「アンスタンラパリス（en ce temps-là Paris）」、「ナイーマ（NAiyMa）」、「T. クニトモ（T. KUNITOMO）」、「コージ クガ（KOJI KUGA）」、「アスキ カタスキ（ASKI KATASKI）」、「エス オーケストル（es orchestres）」などなど……。　おそらくこのコラムの読者の9割以上は、いま挙げたブランドの名前のほとんどを知らないと思います。個人的な感傷に浸るだけの行為に見えるかもしれませんが、せめてこのコラムがインターネットの海をさまよって、いつか誰かが検索をしたときに引っかかるといいな、そして誰かがそれを引き受けて何か書いてくれたらいいな、と思っています。　美術や音楽であれば、1990年代の作家についての記述を今でも探すことがそれほど難しくないような気がします（これまた伝わる人がほとんどいないでしょうけれども、ふと思い出したザ・コケッシーズとか、BLEACH03とか、シーラヴアールとかをググってみたら、インターネットでも情報がわりと見つかりました）。ファッションの場合は、おそらく過去の雑誌をあたらないと、情報を見つけることがなかなかできません。が、ファッション雑誌って図書館できちんとアーカイヴされにくいんですよね。数年経ったら廃棄されてしまったりして。　けれども、ファッションならではの特徴としてちょっと面白いなと思うのは、メルカリがかりそめのアーカイヴとして機能していることです。件数としては少ないのですが、さきほど僕が列挙したブランド名でググると、メルカリの商品ページが出てくるんです。ユーザーが個人間取引のために作ったページが、意図せず誰かの目に触れるというのはとても興味深いことだと思いました（おそらくそのうち消えてしまうので、厳密にはアーカイヴとして機能しないのですが）。　繰り返しになりますが、ここで描き出した歴史観はあくまで僕自身の体験にもとづく歴史観によるところが大きいです。この流れがメインストリームだと言うつもりもありませんし、この歴史観から外れたところで、衣服というモノ自体と向き合ってただひたすらに制作をしているようなブランド／デザイナーも少なくありません。もし自分のお気に入りのブランドがあれば、残るような形で文章化してほしいな、と思います。ファッション業界に足りないのは語ることと残すこと、つまり言説とアーカイヴです。いっとき話題になった「国立デザイン美術館」を作るようなことはなかなか実現が難しいかもしれませんが、個人が容易に発信できるこの時代、ノート（note）などで記事を残すこともできますので、みんなもっと語ってくれたら嬉しいです！★今回のテーマをもっとよく知るための推薦図書・深井晃子（監修）、キャサリン・インス＋新居理絵（編）『Future Beauty　日本ファッションの未来性』平凡社、2012年・高木陽子＋成実弘至＋西谷真理子＋堀元彰（編）『感じる服 考える服：東京ファッションの現在形』以文社、2011年・『つぐ minä perhonen』青幻舎、2025年・皆川明『ミナを着て旅に出よう』文藝春秋社、2014年（今回はどうしても展覧会カタログが多くなってしまいました。最後の『ミナを着て旅に出よう』はエッセイなのですが、デザイン論として読んでも面白いと思います！）edit: Erika Sasaki（FASHIONSNAP）illustration: Riko Miyake（FASHIONSNAP）◾️ゆるふわファッション講義第1回：ファッション論ってなに？第2回：可視化の時代におけるファッションとは？第3回：美術展とは違う、ファッション展のみかた第4回：「黒の衝撃」から辿る、日本の90年代ファッション再考第5回：インターネット普及以後の日本ファッション⎯⎯平面性と物語性第6回：私たちは“二つの身体”を持っている──ヌード、義足、厚底シューズ第7回：不可視の装い「におい」がおびやかす、身体とファッション業界の未来第8回：「考察する若者たち」から考える現代ファッション第9回：ファッション論で紐解く 映画「プラダを着た悪魔２」

ジュンヤ ワタナベ／ミナ ペルホネンから紐解く

【連載：ゆるふわファッション講義】第5回 インターネット普及以後の日本ファッション⎯⎯平面性と物語性

【連載：ゆるふわファッション講義】第4回 「黒の衝撃」から辿る、日本の90年代ファッション再考

衣服の固有性は「情報量の少なさ」　たとえば、ここに巨匠の手になる一枚の絵画があるとします。これを「鑑賞」するための最高の環境はどのようなものでしょうか。ルーブル美術館のように空間自体が独特の雰囲気を持つ歴史的建造物に置かれるか、あるいはニューヨーク近代美術館（MoMA）のようにホワイトキューブとよばれるニュートラルな白い空間に置かれるか、どちらを選ぶべきか。「ホワイトキューブ」という概念はMoMAに端を発しますが、これは作品以外の情報をノイズとみなし、作品だけに目を向けてもらうための空間と言えるでしょう。　どちらの空間が適切かは作家やキュレーターの目的にもよるので一概には言えませんが、美術作品の展示に関して言えば、20世紀は後者のホワイトキューブが理想とされてきました。作品を空間から引き剥がし、作品それ自体を見るのが望ましいという考えは十分理解ができますし、もしかしたら美術の場合はそれでもよいのかもしれません。けれども、ファッションにはファッションの固有性があります。　ファッションの固有性をどのようにとらえるかは観点によって変わると思います。たとえば美術館でのファッション展が批判されるとき、「ファッションはビジネス」だからと言われることもありますが、美術も実際に作品の売買がなされ、それによって作家やギャラリストが生計を立てていることをふまえれば、ビジネスであることは間違いありません。むしろ僕がつねに念頭に置いているのは、衣服の「情報量」の少なさです。　たとえば、あなたの好きな一本の映画と、あなたの好きな一枚の衣服の内容を言葉で説明しようとしてみてください。おそらく映画については色々と語れるはずですが、衣服について語るのが難しいことがわかるのではないでしょうか。映画には物語、演技、演出、音楽、編集などさまざまな要素があり、とりわけ物語はもともと言語によって作られているため、言葉で説明することが比較的容易です。また、作品が長時間にわたって展開されるため、それだけ情報量は多くなります。一方、衣服はそれ自体から物語を受け取ることもできず、時間性もはらんでいないため、そこから情報を読み取ることがきわめて難しいと言えるでしょう。　衣服の情報量が少ないことは、ファッション展において作品そのものだけを対象として鑑賞することがきわめて難しいことを意味します。ファッション展における「セノグラフィ」の重要性　さきほど言及したディオール展の出展作品は1500点以上もあったそうですが、仮に作品1点を1分間かけて鑑賞するとしたら、1500分（25時間！）かかることになります。つまり、展覧会自体が作品すべてをじっくり見てもらう設計になっていないのです。では、私たちは何を見るべきなのか。その鍵となるのが「セノグラフィ（scenography）」という概念です。　僕はまだセノグラフィのうまい訳語を見つけられていないのですが、文字通りに訳すなら「情景（scene）の描写法（graphy）」、つまり空間をどのように作り出すか、ということですので、ひとまず「空間演出」と訳すことができるでしょう。ディオール展では建築家の重松象平氏がセノグラフィを担当し、壁のみならず天井までも作品を散りばめる空間が作られていました。そうなると当然、近くで見ることのできない作品も出てきます。　ひょっとしたらこのような展示方法は、作品ひとつひとつを見たいと思う鑑賞者にとっては歓迎できないものなのではないか、という疑問を持つ人もいるかもしれません。その気持ちは理解できるのですが、ファッションのもうひとつの固有性を考えるとこれがむしろ正解とも言えるように思われます。それは、ファッションはモノ（＝衣服）だけで完結するわけではない、ということです。モノだけでは不十分、イメージを作ってはじめて完成する「服」　もし「20世紀前半を代表するデザイナーは誰ですか？」と尋ねられたら、おそらく多くの人がガブリエル・シャネル（Gabrielle Chanel）の名前を挙げるのではないでしょうか。シャネルは活動的な女性のための服を作り、女性が社会に進出する一助となった、としばしば言われますし、それは間違いではないのでしょう。けれども、服飾史家のヴァレリー・スティール（Valerie Steele）は、シャネルの服と同時代のデザイナーの服は、キャプションなしではわからないくらい似ていたと指摘しています*²。それなのになぜ、シャネルがこれほどまでの知名度を得ているのか。それは「イメージ」をうまく作り、それが伝播したからだと言えます。　ファッションブランドはなぜルックの撮影をするのでしょうか。なぜファッションは雑誌やSNSというメディアが強いのでしょうか。それはひとえにイメージがモノと同じくらい重要だからです。ファッションという領域では、服を作るだけでは不十分で、イメージまで作り上げてはじめて完成をみるといっても過言ではありません。これも衣服の情報量が少ないことに起因しています。　美術の場合、たとえばピカソの作品が展覧会のカタログに掲載されるとして、それを撮影する写真家によって作品の見え方がまったく異なるということになると、おそらく問題になるでしょう。それは作品それ自体で完結しているために、第三者の手でイメージが操作されることが望まれていないからです。けれどもファッションの場合は、誰がその服を着て、どんな場所で、誰が撮影するかによって見え方がまったく変わってきますし、それが肯定的に捉えられています。私たちは服からだけでは十分な情報を得ることができないのですから。　ひるがえって、ファッション展も同様です。美術作品において理想とされるような、ホワイトキューブに作品を置くような展示をしてしまうと、ファッション展は途端に「分からない」ものになってしまいます。私たちはファッションをモノだけで見ることには慣れていないので。そう考えると、服の見せ方／伝え方に長けたラグジュアリーブランドが展覧会を行うとき、なぜセノグラフィを重視して、服の背後にある情報を伝えようとするのかがよく理解できるのではないでしょうか。　ちなみに、国外に目を向けてみると、アントワープのモード美術館（MoMu）は明確に「セノグラフィ」という言葉をかかげて、それを重視しています。MoMuの展覧会は、没入観のあるセノグラフィを特徴としています。鑑賞者であるあなたは単に展示品を見るのではなく、デザイナーの世界やテーマに入り込むことができます。展示スペースは展覧会ごとに完全に姿を変え、訪れるたびにまったく異なる体験が味わえるのです。*³　日本の美術館では、セノグラフィという概念に触れられること自体があまりありません。近現代美術がホワイトキューブを理想としてきたので仕方ない側面があるのですが、今後もファッション展が増え続けるのであれば、セノグラフィはもっと重視されるべきだと思われます。　さらに言えば、昨今のラグジュアリーブランドによるファッション展では、どのブランドもイメージのみならず「物語」を提示しようとしています。ブランドの歴史、製品の素材や、それが作られる過程、品質の検査方法、あるいは職人が展示会場で実際に制作する場面を見せるパフォーマンスなどです。これらによって、そのブランドの製品がどれだけ豊かな物語をもっているのか、それを視覚的に補完しようとしているのです。良いファッション展の条件とは？　さらにさらに付け加えて言うならば、展覧会の固有性も考える必要があるでしょう。展覧会はショップと異なり、服を触ったり試着したりすることができません。それゆえ視覚を中心的な体験に据えざるをえません。近年、美術の展覧会では撮影を目的とした鑑賞態度が批判されることがしばしばありますが、視覚優位の展覧会においては仕方ない側面もあるでしょう。展覧会は本とも違うのですから。もし、展覧会においても頭で考えることがより重要で、視覚的な経験が重要でないのであれば、展覧会を企画するよりも本を書いた方がよいでしょう。　さきほど、ファッションではモノだけではなくイメージも重要だと言いましたが、それは「モノが重要ではない」という意味ではありません。その作品がそこにある「必然性」が欠けていては、やはり展覧会としての完成度が高いとは言いがたいように思われます。　ファッション展に関して知人と話をしているなかで、（その人の周りでは）今年東京で開催された「ロエベ クラフテッド・ワールド展 クラフトが紡ぐ世界」の満足度が高い一方で、同時期に開催された「LOVE ファッション─私を着がえるとき」の満足度があまり高くなかった、という話を聞いたのですが、おそらくその一因は、いま述べた「その作品が置かれることの必然性」にあるのではないでしょうか。　「LOVE ファッション」展は5年ほど前に開催された「ドレス・コード？─着る人たちのゲーム」展と同様、ファッションに関わる理論をベースに作られた展覧会です。つまり、僕がここで書いているような「ファッション論」を展覧会に落とし込んだものと言えます。文章の固有性は「読んで理解できること」なので、いまあなたが読んでいるこの文章に対して「視覚的に楽しめない！」と不満を持つ人はおそらくいないと思いますが、展覧会は違います。展覧会は読む（頭で考える）ことが第一にあるのではなく、まずもって見ることが重要です。となると、同じく「理論の提示」であっても、視覚的に理解できる仕組みを作る必要があります。また、理論が先行してしまうと、展示作品が「理論を説明するために適切なもの」になり、作品それ自体が鑑賞の対象となるのではなく、作品の背後にある理論が優位に立ってしまいます。　つまるところ、バランスが大事という陳腐な結論になってしまうのですが、モノとイメージのバランスがうまく取れなければ、良い展覧会にはならないでしょう。その一方で、セノグラフィにこだわるには予算が必要なので、日本の美術館や個人の企画ではなかなか難しいという実情もあるのは理解しています。良い展覧会を作るのにはお金がかかる、けれども文化にお金をかけることがますます難しくなってきている、という問題の解決策を提示することはここでは（というか僕には）できませんが、まずはセノグラフィに対する意識向上は目指したいところです。ということでまた来月に！*¹ 『2023年度 東京都現代美術館年報』より。*² ヴァレリー・スティール『ファッションセオリー——ヴァレリー・スティール著作選集』（平芳裕子・蘆田裕史監訳）アダチプレス、2025年*³ MoMu 公式サイトより。★今回のテーマをもっとよく知るための推薦図書・難波優輝『物語化批判の哲学——〈わたし〉の人生を遊びなおすために』講談社、2025年（物語について考えたい人のために）・平芳裕子『東大ファッション論集中講義』筑摩書房、2024年（第1回でも推薦図書に挙げたのですが、ファッション展についてきれいに整理されているので。）・メトロポリタン美術館で開催された「Dangerous Liaisons: Fashion and Furniture in the Eighteenth Century」展のカタログ（本文は読まなくていいので展示写真だけでも見てほしい！リンク先から無料でダウンロードできます。）edit: Erika Sasaki（FASHIONSNAP）illustration: Riko Miyake（FASHIONSNAP）◾️ゆるふわファッション講義第1回：ファッション論ってなに？第2回：可視化の時代におけるファッションとは？第3回：美術展とは違う、ファッション展のみかた第4回：「黒の衝撃」から辿る、日本の90年代ファッション再考第5回：インターネット普及以後の日本ファッション⎯⎯平面性と物語性第6回：私たちは“二つの身体”を持っている──ヌード、義足、厚底シューズ第7回：不可視の装い「におい」がおびやかす、身体とファッション業界の未来第8回：「考察する若者たち」から考える現代ファッション第9回：ファッション論で紐解く 映画「プラダを着た悪魔２」

【連載：ゆるふわファッション講義】第3回 美術展とは違う、ファッション展のみかた

「身につけたもの」が「可視化される」　前回触れたとおり、私たちは日々、衣服を身につけ、自分がどのような人間なのかを服装を通じて表現しています。「私はおしゃれに興味がないから何も表現していない！」と思う人もいるかもしれませんが、それはそれで「おしゃれに興味がない」とか「服装で目立ちたくない」という意図を表してしまっていることになります。いま「身につけたもので自分を表現する」という言い方をしましたが、このような言い方をすると、「アイデンティティを表す」ことが、いわゆるファッションにとどまる話ではないことが理解できるでしょう。というのも、私たちが「身につける」ものは衣服だけではないからです。　私たちはこの世に産み落とされた後、自分の生を生きるなかで、さまざまなものを身につけます。赤ちゃんのときは「あー」「うー」という声しか発することができないのに、成長するにつれて環境に応じた言語を身につけていきます。当然ながら、生まれたときから日本語や英語を話すことが運命づけられているわけではなく、周囲の人たちが話す言語によって身につける言語が決まってきます。　習慣もそうです。家で靴を脱ぐ、虹の色を7つに分けて認識する、食事を1日3回とる、といった習慣は、たとえ合理的な理由があったとしても、必然性があるわけではありません。それゆえ、こうした習慣は時代や地域によって変わります。　私たちはほかにも知識や技術、作法などを身につけますが、そうして身につけたものすべてが自分を（否が応でも）表現します。だからこそ、誰かが「そんなんあかん」と言っていたら「あの人は関西出身かな」と思うでしょうし、家のなかで靴をはいたまま生活している人を見たら「欧米出身の人なのかな」と想像したりします。それが当たっているかどうかは別として。　ファッションと言語はともに身につけるものであり、どちらも自分のアイデンティティを表します。その意味ではかなり共通点があるのですが、決定的な違いもあります。それは目に見えるか否か、です。私たちは街中ですれ違った人を見て、その人が何語を話すのか、どんな方言を話すのかを知ることはできません。言語だけでなく、その人がどんな習慣を持っているのか、どんな思想を持っているのか、どんな技術を持っているのかもわかりません。けれども、ファッションだけは違います。街中ですれ違った人がどんな服を着ているのかが分からない、ということはありません。社会のなかでは、私たちの身体は着衣の状態がデフォルトであり、私たちの身体はつねにファッションとともにあるのです。そう考えるならば、私たちが誰かと会話をすることなく（視覚だけで）自分のアイデンティティを伝えられるのは、ファッションだけだと言えるように思われます。　要するに、言語も、習慣も、ファッションも、そのいずれもが「身につけるもの」だけれども、それを「可視化する」のはファッションだけ、ということです。しかし、ファッションがもつこの特徴は、いま薄れつつあります。ファッションとSNS：可視化の時代へ　毎朝、会社や学校に行く電車で見かける人がいるとしましょう。その人がどんな服を着ているかは見ただけでわかりますが、その人がどんなものを食べているか、どんな車に乗っているか、どんな部屋に住んでいるかを知ることはできません。けれども、Instagramでフォローしている見知らぬ人が、その人の生活をたびたび投稿していたとしたら、どんなものを食べているか、どんな車に乗っているか、どんな部屋に住んでいるのかを知ることができます。つまり、SNSは私たちの生活や文化を可視化させるのです。　言い換えるならば、SNSの普及によって、私たちが視覚的にアイデンティティを表現する手段がファッションだけではなくなったということです。もっと言えば、場合によってはファッションよりもSNSの方が効果的になったとさえ言えるでしょう。ファッションは時間と空間を共有している人だけを対象とするのに対して、SNSは時間も空間も制限されないからです。こうして、「視覚的にアイデンティティを表現できる」というファッションの固有性が失われ、ファッションの役割がSNSに徐々に奪われつつあるのです。SNSはあらゆるものを可視化させますが、それによってこれまで（アイデンティティの視覚的な表出において）優位に置かれていたファッションが、食事やインテリアなどと同じく、SNSによるアイデンティティ表出のための一要素になってきたとも言えます。　ファッションを「身につけたものが可視化されたもの」と捉え、それが展開されたものがSNSだとするならば、ファッションについてきちんと考える／論じることを避けてきた社会が、SNS時代に対応できるはずがないだろう、とも思えてきます。可視化の時代におけるファッションの意味　歴史を振り返ると、ファッションは権力者による管理統制の対象になることがしばしばありました。歴史上、多くの国で発令された奢侈禁止令（贅沢禁止令）などはその最たるものです。分不相応に高価な服を着ることが許されないのは、それが目に見えるからでしょう。より身近な事例としては、学校の制服を挙げることもできます。学校制服のメリットとして、「格差が可視化されない」ということがしばしば言われます。これは、格差自体を問題とするのではなく、格差が見えてしまうことによる不都合を避けようとする態度です。つまり、これまでの社会は「身につけたものが可視化されること」に蓋をして、見えなくしさえすればよいと考えていたということです。　インターネットやSNSが普及する前は、私たちは他人の生活を目にすることがあまりありませんでした。せいぜい自分の身の回りの人か、新聞やテレビに登場する有名人くらいでしょう。けれども、いまや私たちはあらゆるものが可視化される社会を生きることになったのです。可視化されることの功罪をまじめに考えてこなかったにもかかわらず。　現在、多くの人がSNSで自分の習慣や価値観、政治に対するスタンスなどを表しています。かつては家庭内でも選挙で誰に投票したかを話さない方がいいと言われたりもしていましたが、いまはSNSで投票先を明示する人も少なくありません。けれども、ファッションについてまじめに考えてこなかった私たちの社会においては、他者の思想／文化／慣習が可視化される時代にどう振る舞えばよいかが分からなくなっているようにも思われます。背景を想像することの大切さ　服装を根拠として「この人とは趣味が合わなさそうだな」と思ったとしても、それは事実と断定できるわけではなく、あくまで推測でしかありません。たとえば僕はすり切れて穴があきかけている靴下をよくはいているのですが、ひょっとするとそれを見た誰かは「なんてだらしのない人だ」と思うかもしれません。けれども、僕にとってその靴下は、「息子がプレゼントしてくれたものだから、限界がくるまでははきたい」と思うものであり、社会に向けて自分のアイデンティティを表すものではなく、「もらった靴下気に入ってはいてるよ！ありがとうね！」という息子との閉じた世界のなかでコミュニケーションを取るものなのです。　物事にはかならず背景があり、それは可視化されている部分からだけではわからないものです。そこにファッションの難しさ（と面白さ）のひとつがあるように思われます。他者を見た目で推測しながらも断定することを避け、その背景を想像しながら相手の態度や行為、そしてアイデンティティの表明を尊重し、その上で相手と言葉を交わすことをしなければ、相手を理解できるはずもないでしょう。分断と対話　その結果として起きたのが、現代の特徴とされる「分断」なのではないでしょうか。昔は「野球と宗教と政治の話はするな」と言われていましたが、裏を返せば「話をしないと相手のアイデンティティ（趣味や思想信条も含みます）がわからない」ということです。けれども、いまはSNSによって私たちはあらゆる人のアイデンティティを目にすることになりました。たとえば仲のいい友人が、実は選挙で自分の嫌いな政党に投票していたことを知ってもやもやするということもあるでしょう。「支持政党の違い」という可視化された事実からだけでは、なぜその人がその政党に票を投じたのか、という背景まではわかりません（推測することはもちろんできますが）。もし理解したければ対話が必要なはずです。ファッションは重要だけれども、それがすべてを語るということはありませんので*¹。　ファッションを軽いものとして見るような価値観は、可視化されたものを短絡的に捉え、相手を自分の想像で決めつけてしまう態度につながります。僕の知り合いの編集者さんが雑談のなかで、「人類にSNSは早すぎたのかもしれない」となかば冗談で言っていたのですが、これはある意味で重要な指摘だと思います。ファッションという可視化を特徴とするものがこれまでずっと社会に存在し続けていたにもかかわらず、些末なものとして蓋をしてきた私たちが、同じく可視化を特徴とするSNSとうまくつきあうことは難しいと思うからです。　ファッションは重要です。それは間違いありません。それを前提としたうえで、ファッションはどのような特徴を持っているのか、ファッションにできることは何なのか、逆にファッションにできないことは何なのか、私たちはファッションとどう向き合うべきなのか、といったこと、つまりは「ファッションとは何か」という問いを考え続けることで、見えてくる社会の様相があるのではないでしょうか。*¹ 少し前に行われた参院選の結果を受けて思想家の東浩紀さんが開催した座談会（さまざまな政党の支持者（投票者）を集めたもの）があるのですが、現代に必要なのはこういう態度と場だと思うのです。「東浩紀が参院選の結果を見つつひとりクダを巻くだけの限界雑談特番　有識者の分析に飽きたらここだ！＋自民から参政・共産まで、視聴者大討論会」★今回のテーマをもっとよく知るための推薦図書・アーヴィング・ゴフマン『日常生活における自己呈示』（中河伸俊・小島奈名子訳）、筑摩書房、2023年・中村桃子『「自分らしさ」と日本語』筑摩書房、2021年・與那覇潤『過剰可視化社会——「見えすぎる」時代をどう生きるか』PHP研究所、2022年edit: Erika Sasaki（FASHIONSNAP）illustration: Riko Miyake（FASHIONSNAP）◾️ゆるふわファッション講義第1回：ファッション論ってなに？第2回：可視化の時代におけるファッションとは？第3回：美術展とは違う、ファッション展のみかた第4回：「黒の衝撃」から辿る、日本の90年代ファッション再考第5回：インターネット普及以後の日本ファッション⎯⎯平面性と物語性第6回：私たちは“二つの身体”を持っている──ヌード、義足、厚底シューズ第7回：不可視の装い「におい」がおびやかす、身体とファッション業界の未来第8回：「考察する若者たち」から考える現代ファッション第9回：ファッション論で紐解く 映画「プラダを着た悪魔２」

【連載：ゆるふわファッション講義】第2回 可視化の時代におけるファッションとは？

ファッション論は“子どもっぽい”学問？　「学問」ときいて、なんだか小難しそうと思った人もいるかもしれません。たしかにファッション論に関するさまざまな書籍は、そのすべてが簡単に理解できるものというわけではありません。けれども、もっとも重要なのは「当たり前」を疑う視点です。『ファッションと哲学』の編者であるアニェス・ロカモラ（Agnès Rocamora）とアネケ・スメリク（Anneke Smelik）はこんなことを言っています。　ファッションを理論化することは、その論理と現れの理解を進める命題と議論を展開することを意味する。理論が目指すのは、表象、生産、消費というファッションの生成にまつわる多くの実践の解説である。　概念的なレベルの理論は、現実の世界から乖離した抽象的なものであるという非難にさらされてきた。しかしながら、イーグルトンが述べるように、「理論の真のむずかしさが出てくるのはこの種の知的洗練ではなくて、まさにその正反対のものからである。つまり、理論がむずかしいのは、自然なものに見えるものを却下し、善意の大人から出されるずるい答えでごまかされるのを拒むことによって私たちが幼年期に戻ることをそれが要求するからである」。換言すれば、ファッションの研究者と学生は先入観や偏見を自身の心から取り除き、ファッションという領域を新鮮な目で見る必要がある。*¹　要するに、小さい子どもが「なんでなんで？」と疑問を抱くような仕方で、当たり前を疑うことが必要だということです。先ほど例に挙げた、食事の回数とか土地の所有についての疑問はまさにこういうことだと思います。「なぜそうなのか」を論理的に考えたり説明したりすることも大切かもしれませんが、なによりもまず疑問をもつこと、それが大切なのです。*¹ アニェス・ロカモラ＆アネケ・スメリク「ファッションを通して考える」『ファッションと哲学——16人の思想家から学ぶファッション論入門』（蘆田裕史監訳）、フィルムアート社、2018年、11頁ファッションが語る、私という存在　ところで、僕は自己紹介が得意ではありません。この連載を始めるにあたって、僕が何者なのか、何をしている人なのかを書いた方がいいことは理解しています。けれども、僕は自分の話をするのが好きではなく、自己紹介をしようと思うと気が重くなってしまうのです。　僕がファッションに関心をもっている理由のひとつがそこにあります。ファッションは視覚的にコミュニケーションを取ることができるものなので、僕が言葉を発しなくとも、着ている服が代わりに何かしら伝えてくれます。たとえば、僕が最近初めて髪を切ってもらった美容師さんに「会社員ではなく、何かお店をやっていそう」と言われたのですが、自分の職業について何も口にしなくても、このように相手が僕の服装から勝手に色々な推測をしてくれます。　とはいえ、そこがファッションの厄介なところでもあります。先ほど述べた通り、何かを伝えたり表したりしたいわけではない場合でも、服装は何らかの意味を帯びてしまうからです。その両義性がファッションの特徴でもあり、興味深いところです。こうしたファッションの面白さと複雑さについて真面目に考えること、それがファッション論の役割なのです。学問としての「ファッション論」はなぜ軽んじられてきたのか　と、もっともらしいことを言ってみましたが、実はファッション論というものはごく最近始まったばかりなのです。というのも、20世紀終わりまで、学問の世界ではファッションについて論じることはまっとうな試みだとは思われていなかったからです。　日本における哲学的なファッション論の嚆矢である鷲田清一さんは、ファッションについて論じ始めたときに、恩師から非難されたことをたびたび吐露しています。また、アメリカのファッション史家ヴァレリー・スティール（Valerie Steele）もファッション研究を始めたときには大学の教授たちに歓迎されていなかったようです。もっと若い世代でも事態は同じです。昨年出版され、大きな話題となった『東大ファッション論集中講義』の著者の平芳裕子さんも、大学院で「ファッションはやめた方がいい」と言われたことを同書で明らかにしています。そして僕自身もやはり同じ経験をしました。同じように、大学院の入学試験のときに「ファッションなんか研究してどうするの！」と面接官に言われたのです。いったいなぜファッションはそんなに嫌われているのでしょうか。　ヴァレリー・スティールは「なぜファッションは嫌われるのか」という論考のなかで、ファッションが嫌われるさまざまな理由に言及しています。それは「抑圧的だから」「資本主義の申し子だから」「色欲と傲慢の罪を連想させるから」「不道徳への誘惑だから」「時間と金銭の浪費だから」といった理由です。*²要するに、ファッションは軽くて些末で品がないものだとみなされているのでしょう。　たしかにファッションが「軽い」というのは事実です。毎日違う服を着ることは珍しくないですし、急に服装のテイストを変えるということもそれほど難しいことではありません。一方で、「昨日まで住んでいた家に飽きたから今日から別の家に住もう」と思ってもなかなか実現させるのは簡単ではありません。そう考えると、ファッションは建築に比べるとたしかに「軽い」と言えます。ただし、それは「身軽」というようなニュアンスであって、けっして「軽薄」ではないはずです。*² ヴァレリー・スティール「なぜファッションは嫌われるのか」『ファッションセオリー——ヴァレリー・スティール著作選集』（平芳裕子・蘆田裕史監訳）、アダチプレス、2025年ファッションとアイデンティティの切っても切れない関係　私たちは「おしゃれ」に興味がなかったとしても、「ファッション」と無関係でいることはできません。なによりもまず、私たちは服を着て生活しなければなりませんし（そうでなければおそらく警察に捕まります）、先にも述べたとおり、言葉を発しなくとも、服によって何かしらの意味が伝わります。先ほど書いたエピソードで、美容師さんが僕の職業を想像できたのは、僕の服装がアイデンティティを表示するからです。たとえ意識していなかったとしても、です。これはファッションの固有性とまではいかなくとも、大きな特徴のひとつでしょう。　もちろんファッション以外にもアイデンティティを表すものはいろいろあります。自分の部屋の家具、お気に入りの文房具、好きな音楽や食べ物……。ただし、それらはある特定のシチュエーションやタイミングでしか見ることができません。街中ですれ違った人がどんな家具や文房具を使っているか、どんな曲を聴いているか、どんなものを食べているかを知る術はありません。一方で、私たちの身体は、つねに衣服とともにあります。銭湯やプールの更衣室のような特殊な場でないかぎり、私たちが誰かをまなざすとき、その人はかならず服を着ています。たとえ、それがワードローブのなかの一着であり、その人のアイデンティティのすべてをあらわすわけではないとしても、私たちはそこからさまざまな情報を読み取ります（このあたりの話は次回もう少し詳しくします）。　私たちがこの世界で生きる上で、アイデンティティが重要なのは言わずもがなです。だとすれば、アイデンティティに密接にかかわるファッションも同じく重要なはずです。子どもっぽい問いが社会を変えるかもしれない　ファッションが重要なのはアイデンティティに関わるからというだけではありません。政治、経済、ジェンダー、身体など、ファッションが関係するものは色々あります。したがって、子どもっぽい視点を持てば、私たちの社会にはファッションに関する疑問や悩みに溢れているはずです。「クローゼットにはいっぱい服があるのに、なぜ『着る服がない』と思ってしまうんだろう」 「なぜリクルートスーツはあんなにも画一的なんだろう」 「男性がワンピースを着ていたら違和感を持ってしまうのに、着物だと何も思わないのはなぜだろう（構造は同じなのに！）」 「来年小学校に入学する息子が赤いランドセルをほしがったらどうすればいいだろう」 「なぜオンラインゲームで課金してまでスキンを買いたくなるんだろう」　こうした疑問について考えなくても、私たちの生活が行き詰まってしまうわけではありません。けれども、もし真剣に考えて、自分なりの答えを出せたならば、そしてこの社会に生きるみんながそれぞれの主張をもって議論をしていけば、私たちは今よりもちょっとだけ生きやすくなるのではないでしょうか。少なくとも僕はそう思ってファッション論を仕事にしています。「ファッション」の定義　次回以降、ファッションについて考えたり、ファッションを通してこの社会の諸々について考えたりしていくつもりです。が、それに先立ち、ここで「ファッション」という言葉について簡単に整理をしておきたいと思います。　私たちが「ファッション」という言葉を使うとき、それが意味するものは大きく3つあります。まずは「衣服」そのものです。たとえば「ファッションデザイン」という言葉は、一般的には「衣服のデザイン」を意味すると言えます。つまり、ここで言われている「ファッション」とは衣服そのもののことです。　次に、私たちが日々実践しているコーディネート、つまり「服装」を指す場合もあります。友人との日常会話で「今日のファッション、いい感じだね！」と言うとき、それは多くの場合、「コーディネイト」あるいは「服装」のことを意味しています。　3つ目は、「衣服」や「服装」が社会において現れたもの、つまり「流行」のような現象です。おそらく英和辞典を引くとこの意味がいちばん最初に出てくるので、説明は不要でしょう。　これらをまとめると、まずは「衣服」というモノが生産され、私たちが個々にそれを組み合わせて「服装」を作り、同じようなアイテムや着こなしをする人が社会のなかで集団を形成すると「流行」となる、という感じです。ここまで、何の前置きもなく「ファッション」という言葉を（曖昧なまま）使いましたが、本当はどれを意味しているのかをきちんと整理しなければ、何について論じているのかがわからなくなってしまいます。「ファッション論」と言っても、流行について論じるのと、服装のような個人の実践について論じるのではまったく異なる話だからです。　そのため、厳密な議論をするときには「ファッション」という言葉を使わない方がよいのですが、「ファッション」とか「ファッション論」という言葉がある以上、それを必要以上に避けてしまうと、まわりくどくなってかえってコミュニケーションが取りにくくなってしまうのも事実です。おそらく、「衣服と服装と流行について考えましょう」と言うよりも、「ファッションについて考えましょう」と言った方が、すっと頭に入ってくるのではないでしょうか。　この連載は論文のように細かい議論をするものではないので、言葉づかいを少し曖昧にしたまま、一般的な用語として「ファッション」という言葉を使うつもりです。そうして意味を広げることで、ファッションという概念がどのような射程を持ちうるのかを理解することもできるはずなので。　今回は前提を共有するためにファッション論の入門のような話をしましたが、次回以降は徐々に具体的な物事について考えていこうと思っています。私たちの身のまわりで起きる出来事を、ファッション（論）というレンズを通してみるとどんな風に見えるのか。それがこの連載の主題です。それではまた来月に。★今回のテーマをもっとよく知るための推薦図書・ヴァレリー・スティール『ファッションセオリー——ヴァレリー・スティール著作選集』（平芳裕子・蘆田裕史監訳）、アダチプレス、2025年・蘆田裕史『言葉と衣服』アダチプレス、2021年・蘆田裕史・藤嶋陽子・宮脇千絵（編著）『クリティカル・ワード ファッションスタディーズ——私と社会と衣服の関係』フィルムアート社、2022年・アニェス・ロカモラ＆アネケ・スメリク『ファッションと哲学——16人の思想家から学ぶファッション論入門』（蘆田裕史監訳）、フィルムアート社、2018年・平芳裕子『東大ファッション論集中講義』筑摩書房、2024年edit: Erika Sasaki（FASHIONSNAP）illustration: Riko Miyake（FASHIONSNAP）◾️ゆるふわファッション講義第1回：ファッション論ってなに？第2回：可視化の時代におけるファッションとは？第3回：美術展とは違う、ファッション展のみかた第4回：「黒の衝撃」から辿る、日本の90年代ファッション再考第5回：インターネット普及以後の日本ファッション⎯⎯平面性と物語性第6回：私たちは“二つの身体”を持っている──ヌード、義足、厚底シューズ第7回：不可視の装い「におい」がおびやかす、身体とファッション業界の未来第8回：「考察する若者たち」から考える現代ファッション第9回：ファッション論で紐解く 映画「プラダを着た悪魔２」