インサイド

ミラノ：目覚めのシーズン　終わりと始まり　ミラノの2026年春夏ウィメンズコレクションは、まさに"終わり"と"始まり"を象徴するシーズンだった。「グッチ（GUCCI）」「ジル サンダー（JIL SANDER）」「ボッテガ・ヴェネタ（BOTTEGA VENETA）」「ヴェルサーチェ（VERSACE）」といったミラノを代表するメゾンが新たなスタートを切った一方で、「ジョルジオ・アルマーニ（GIORGIO ARMANI）」のショーでは、感傷的な気持ちに包まれながら、偉大な創業者の軌跡を静かに見送った。まるで歴史のページが目の前でめくられているような、感慨深いシーズンだったように思う。　全体のトーンは「目覚め」のように明るく、希望に満ちていた。ここ数年の"クワイエット・ラグジュアリー"の静けさから抜け出し、オプティミスティックなムードが戻ってきた印象だ。カラーブロッキングやヴィヴィッドな色彩が息を吹き返し、構築的なシルエットを軽やかな素材で仕立てることで、動きを感じさせるスタイルが多く見られた。　現地で感じたのは、各ブランドが「着たい！」と思わせる消費者のリアルな感情を取り戻そうとしていることだ。ミラノらしい陽気なムードとエネルギーがショーの随所に満ち、服が放つ"楽しさ"や"着飾ることへの喜び"を思い起こさせてくれた。　このポジティブなムードがどう日常の購買行動に結びつくか、そして新しいクリエイティブ体制が長期的にどのような価値をブランドにもたらすことができるのか。店頭にコレクションが並ぶ来年以降の動向にも注目したい。パリ：デザイナーたちの挑戦　「ディオール（Dior）」のショーがフィナーレを迎えた瞬間、舞台裏のモニターを見つめて涙を浮かべたジョナサン・アンダーソン（Jonathan Anderson）。「シャネル（CHANEL）」就任の報が世界を駆け巡ったとき、過剰な注目にパニックを起こし海外に身を隠したと振り返るマチュー・ブレイジー（Matthieu Blazy）。歴史的クチュールメゾンの創造を担うとは、栄光と重圧を同時に引き受ける行為にほかならない。 　ふたりのデザイナーは、ともに41歳。ムッシュ ディオールがメゾンを創業した年齢であり、その翌年に有名な"ニュールック"が世に放たれた。ガブリエル・シャネルが最初の"シャネル スーツ"を発表したのも41歳だ。　そんな偉大な創業者の人生をなぞり、敬意を払いながら、新たな解釈で歴史を書き換えたのがジョナサンとマチューである。ジョナサン流のニュールック、マチューによるドラマティックなシャネル。それぞれが鮮烈な一歩を刻む、ウィメンズのデビューコレクションだった。　2026年春夏のパリ・ウィメンズファッションウィークでは、そんなデザイナーたちの「挑戦」の数々を見ることができた。共通するのは、アーカイヴを単なる引用に矮小化することなく、臆せず更新する姿勢だ。　ピエールパオロ・ピッチョーリ（Pierpaolo Piccioli）が手掛ける「バレンシアガ（BALENCIAGA）」は、創設者クリストバルの曲線を極限まで研ぎ澄ましたミニマリズムで再提示しながら、ドレスにポケットを施して現代女性に寄り添う。「ロエベ（LOEWE）」はアトリエの伝統技術を一段と高め、現代アートのごとくプロポーションを大胆に再構築。「メゾン マルジェラ（Maison
Margiela）」はマルタンの精神を呼び起こすように断片を縫い合わせつつ、グレン・マーティンス（Glenn
Martens）ならではのアバンギャルドな手腕が冴え渡った。　「ファッションは移り変わるが、スタイルは永遠」——ガブリエルの有名な言葉のように、彼らが21世紀に何を残すのか。混沌とした世界に、確かな希望を灯す新章への期待が膨らむ。

Fashion

【コラム】目覚めのミラノ、挑戦のパリ——激動の2026年春夏ウィメンズコレクションを切り取る

「シャネルといえば愛。ファッションにおけるモダニティは、あるラブストーリーから誕生しました。私はそこにこそ、美しさを見出します。時間や空間が存在しない、自由の概念。それは、ガブリエル・シャネルが身にまとい、勝ち取った自由なのです 」 マチュー・ブレイジー「ありきたりで退屈な日常に、割く時間 などないのです 。仕事のための時間と、人を愛するための時間があるだけ。他の時間など必要ないのです 」 ガブリエル・シャネル　会場となったパリの歴史的建造物グラン・パレは、この日のために壮大な宇宙に変貌を遂げていた。巨大な惑星が空間に浮かび、床は銀河を描写。招待客は、幻想的な宇宙空間の中に迷い込んだ。パラドックス：フェミニンとマスキュリンの融合　注目のファーストルックは、メンズウェアの伝統的なシャツとパンツ。意外にもマスキュリンなスタイルでコレクションが幕を開けた。ガブリエルが最愛の人であるボーイ・カペルから借りて身に着けていたというメンズシャツとパンツに着想したもので、シャツは「シャルべ（Charvet）」製。そこにショート丈のスーツジャケットを合わせ、現代のシャネルのプロポーションを提示する。　シャネルにとって欠かせないツイードは、英国の精神を宿しながらしなやかに進化。代名詞のシャネルジャケットを、コクーンシルエットで仕立てる提案も。昼の控えめな装いから夜のドラマティックな雰囲気へと変化させ、フェミニンとマスキュリンのパラドックスを生み出している。昼：時を超越するデイウェア　シャネルのデイウェアを、時間を超越した存在として再解釈。クラシカルなアイテムは使い込まれた風合いを帯び、まるで代々受け継がれてきたかのような親しみやすさを感じさせる。ハンドバッグ「2.55」は使い古されたかのようにペタンコになり、伝統的なバーガンディのレザーライニングが露わになった。シワ加工が施されたカメリアはシルクニットのスーツに溶け込み、ほつれたツイードは縁取りや刺繍によって再構築され、過去から現在への時の経過が刻まれている。　構築的なアプローチがデザインの随所に見られ、黒と白のグラフィカルなラインはアールデコやシャネルのパッケージの精密さを表現。抽象的なフラワーモチーフは流れ落ちるように広がり、手描きのプリントは花びらそのものを彷彿とさせる。フリンジや立体的な刺繍のドレスやスカートがプレーンなシャツと組み合わされ、デイウェアをドラマティックに演出した。普遍性：過去から未来へ　自由の概念　シャネルの普遍性がセットアップやアンサンブルなどベーシックなアイテムに宿り、時代を超えて受け継がれるデザインを再定義。多彩なツイードや織物はシルクの裏地が施され、卓越したサヴォアフェールが衣服の内側から外側まで行き渡る。ツイードの格子柄は手編みのニットやシースルー素材へと姿を変え、シャネルのスーツの建築的構造が露わになった。　ジュエリーは、バロックパールやガラス製の惑星、エナメル加工が施されたチェーンなどを重ねてまとい、本物の価値と儚さをあわせ持つ。フットウェアは象徴的なバイカラーを受け継ぎ、実用的なヒールが施されている。　コレクション全体に通底するのは、揺るぎない「自由」の概念。マチューならではのクラシックへの視線が、シャネルの普遍性を進化させ、あらゆる境界を超越する。「シャネルを身に着けてきた女性たち」から受け継がれたものを讃えると同時に、新たなヴィジョンを鮮やかに映し出した。ショーのフィナーレはスタンディングオベーションに包まれ、1910年の創業から115年という歴史を引き継ぎ、新たな時代を築くマチューへの祝福の拍手が鳴り止まなかった。

CHANEL

マチュー・ブレイジーによる「シャネル」の新章　"愛と自由"の対話　2026年春夏プレタポルテコレクション

　トロッターはイギリス出身のデザイナーで、「カルバン・クライン（Calvin Klein）」、「ギャップ（GAP）」や「トミー ヒルフィガー（TOMMY HILFIGER）」といったアメリカブランドでキャリアをスタートさせ、ジョセフ（JOSEPH）でのミニマルかつ上質な服づくりや、ラコステ（LACOSTE）でのスポーツとエレガンスを結びつけるデザイン、前職のカルヴェン（CARVEN）でも業界から高い評価を受け、今年ボッテガ・ヴェネタに加入。複数のマーケットで異なるタイプのブランドを経験してきた彼女の抜擢は、トロッターが柔軟な理解力と適応力を備えたデザイナーであることを暗に示している。そんな経歴を背景に、ダニエル・リー（Daniel Lee）やマチュー・ブレイージーといったボッテガ・ヴェネタの若返りに成功し、人気を押し上げた歴代デザイナーからのクリエイションをトロッターがどう受け継ぎ、更新していくのかに大いに注目が集まった。"初期ボッテガ"への視線　意外にもトロッターの視点は、直近のディレクターではなくブランド設立後の初期時代（1966年～1977年）に向けられていた。この時期は、女性解放運動が盛んになり始めた時代であり、「女性たちの解放」というテーマが社会的に強く主張され始めた時代でもあった。ロゴのないバッグを持つこと＝自信を持つこと、という精神もこの時代背景に結びついている。実はトロッターはブランド初の女性ディレクターではない。1980年代から2000年代初頭にかけてボッテガ・ヴェネタのクリエイティブを統括したラウラ・ブラジオンの足跡も今回のコレクションには反映されているという。日常のラグジュアリー　コレクションは共同創業者のレンツォ・ゼンジアーロが生み出した「ソフト・ファンクショナリティ （柔らかな機能性）」という革新的な発想をベースに、過度な装飾やドラマチックな演出は抑えられた一方で、シルエットと素材の質感が前面に押し出された。テーラードジャケットやトレンチコートはメンズ・ウィメンズともに肩が強調されたボリューミーでストラクチャーのあるフォルムと、ゆるく身体に落ちるドレスやドレープとの対比が見て取れ、レザーアイテムは軽さを備え、しなやかで実用性が高い仕上がりに。　そこにフリンジやイントレチャートといったボッテガ・ヴェネタのDNAを踏襲する要素を織り込み、日々のワードローブに自然に溶け込む生活に根ざしたラグジュアリーを打ち出すことで、ブランドを次のフェーズへと推し進めようとしている。デザインに取り入れられたイントレチャートの9mm x 12mm というサイズは創業当初のオリジナルスケールだという。　素材はコレクションの中心を構成するイントレチャートに用いられているレザーのほか、動きのあるファイバーグラスなど実験的素材やテクスチャーを多用。コートやカフスボタンには、レザーやメタルパーツの「ノット」があしらわれ、遊び心も忘れない。カラーパレットはブラック、ベージュ、ホワイトといったニュートラルを基調に、ブランドのアイコニックなグリーンやレッドで変化をつけた。イントレチャートの多様な編み表現 　特にバッグはレザーやイントレチャートの質感がわかりやすく、「ローレン」が細長の新しいシェイプで登場したほか、カバのクラッチバッグ、フレームトート、緻密な職人技が光るクラフティ バスケット、フィッシングネットバッグなど歴代に登場したクラシカルな形をさまざまな編み方や大小異なるサイズのイントレチャートで表現。シューズはサボのようなデザインや、大きなシルエットながら小さめのヒールのサンダル、アクセサリーはムラーノガラスの大ぶりなイヤリング、アイウェアはキャットアイフレームのシェイプがスタイリングを引き締めた。　ルイーズ・トロッターは、ブランドの代名詞でもあるイントレチャートを次のように捉えている。「ボッテガ・ヴェネタの言語といえば、イントレチャートです。それはメタファーでもあります。2本の異なる紐を編み上げることで、強さを増します。2つの要素が結びつくことで、より強いものが完成するのです。協働とつながりは、創業期から現在にいたるまで、ボッテガ・ヴェネタとその歴史の根底に息づいています。異なる場所、異なる人々、男性と女性。個々の要素や物語が絡み合い、 一つの形を作り、より強固に結びつくのです」　それは創業当時からラウラ・ブラジオンをはじめ，トーマス・メイヤーやダニエル・リー、マチュー・ブレイジーといった歴代のデザイナーたちが繋ぎ、編み上げてきた物語の延長線上であり、これからも続いていく対話なのだろう。「編む」というブランドの核をなす行為は、単なる技法ではなく世代を超えて未来へと繋がっていく人の想いそのもの。イタリアの"工房"の職人たちとルイーズとのクリエーションの旅はまだ始まったばかりだ。

過去と未来を結ぶイントレチャート「ボッテガ・ヴェネタ」とルイーズ・トロッターの新たな対話

GUCCI9/23 19:00（日本時間 9/24 2:00）前任デザイナー：サバト・デ・サルノ親会社：ケリング　「バレンシアガ（BALENCIAGA）」を牽引し今年7月のクチュールコレクションを以て退任したデムナ（Demna）が、「グッチ（GUCCI）」のアーティスティックディレクターに就任し、初となるコレクションをミラノファッションウィーク初日に発表。ケリンググループきってのスターデザイナーの擁立で新たなチャプターを迎える。JIL SANDER9/24 10:30（日本時間 9/24 17:30）前任デザイナー：ルーシー&ルーク・メイヤー親会社：OTB　「ジル サンダー（JIL SANDER）」に8年間在籍したルーシー&ルーク・メイヤーの後任には「グッチ」に16年間在籍し、直近では「バリー（BALLY）」でクリエイティブディレクターを務めた地元ミラノ出身のシモーネ・ベロッティ（Simone Bellotti）が就任。BOTTEGA VENETA9/27 17:00 （日本時間 9/28 0:00）前任デザイナー：マチュー・ブレイジー親会社：ケリング　「ボッテガ・ヴェネタ（BOTTEGA VENETA）」在籍時に高い評価を得たマチュー・ブレイジー（Matthieu Blazy）は「シャネル（CHANEL）」へ移籍。後任は、「ラコステ（LACOSTE）」や「カルヴェン（CARVEN）」でクリエイティブディレクターを歴任したイギリス人デザイナーのルイーズ・トロッター（Louise Trotter）が務める。VERSACE前任デザイナー：ドナテラ・ヴェルサーチェ親会社：プラダグループ　プラダグループの傘下に入った「ヴェルサーチェ（VERSACE）」は、亡き兄であり創業デザイナー ジャンニ・ヴェルサーチェ（Gianni Versace）の意思を継ぎ1998年からクリエイティブディレクターを務めてきたドナテラ・ヴェルサーチェ（Donatella Versace）が前シーズンのショー後に退任を発表。チーフクリエイティブオフィサーに起用されたダリオ・ヴィターレ（Dario Vitale）は直近まで同傘下の「ミュウミュウ（MIU MIU）」のデザイン・ディレクターを務めていた人物。今シーズンはプレゼンテーション形式で新作コレクションを発表する。DIOR10/1 14:30（日本時間 10/1 21:30）前任デザイナー：マリア・グラツィア・キウリ親会社：LVMH　約9年にわたり「ディオール（DIOR）」のウィメンズ部門を率いたマリア・グラツィア・キウリ（Maria Grazia Chiuri）の後任となるのは、ジョナサン・アンダーソン（Jonathan Anderson）。メンズ兼任デザイナーとして6月のメンズに続き、ウィメンズのデビューコレクションを迎え、"ワン・ディオール"としてのヴィジョンが示される。LOEWE10/3 11:30（日本時間 10/3 18:30）前任デザイナー：ジョナサン・アンダーソン親会社：LVMH　2015年春夏シーズンから「ロエベ（LOEWE）」に加入し、売上・人気ともにブランド成長の立役者となったジョナサン・アンダーソンが「ディオール」へ移籍。後任のクリエイティブディレクターには「プロエンザ スクーラー（Proenza Schouler）」の創業デザイナー ジャック・マッコロー（Jack McCollough）とラザロ・ヘルナンデス（Lazaro Hernandez）によるデュオが就任。ブランドの全クリエイティブを統括し、ウィメンズシーズンで初のコレクションを披露する。Maison Margiela10/4 12:00（日本時間 10/4 19:00）前任デザイナー：ジョン・ガリアーノ親会社：OTB　創設者マルタン・マルジェラ（Martin Margiela）と同じくアントワープ王立芸術アカデミー出身のグレン・マーティンス（Glenn Martens）による新生「メゾン マルジェラ（Maison Margiela）」。7月のオートクチュールファッションウィークで先立って発表されたアーティザナルコレクションに続き、初となるプレタポルテコレクションを発表する。兼務する「ディーゼル（DIESEL）」や、今秋ローンチを控えるH&Mとのデザイナーズコラボレーションなど、今、最も多忙を極めるデザイナーの一人。BALENCIAGA10/4 20:00（日本時間 10/5 3:00）前任デザイナー：デムナ親会社：ケリング　「ヴァレンティノ（VALENTINO）」を去った後、動向が注目されていたピエールパオロ・ピッチョーリ（Pierpaolo Piccioli）は「バレンシアガ」に加入。約10年在籍したデムナの後任としてプレタポルテとオートクチュール部門を手掛け、2026年サマーコレクションのショーでカムバックする。JEAN PAUL GAULTIER10/5 16:30（日本時間 10/5 23:30）前任デザイナー：ゲストデザイナー形式で毎シーズン招聘　2020年に創業デザイナーが引退してからは毎シーズン、ゲストデザイナーを招聘しオートクチュールコレクションを発表してきた「ジャンポール・ゴルチエ（Jean Paul Gaultier）」。今シーズン、ANDAMやLVMHプライズなどで存在感を示してきたオランダ人デザイナーのデュラン・ランティンク（Duran Lantink）をクリエイティブディレクターに抜擢。ブランドにとって約10年ぶりのプレタポルテのショー開催となる。CHANEL10/6 20:00（日本時間 10/7 3:00）前任デザイナー：ヴィルジニー・ヴィアール　ヴィルジニー・ヴィアール（Virginie Viard）退任後、数シーズンはデザインチーム体制でコレクションを発表してきた「シャネル（CHANEL）」。ビッグメゾンのアーティスティックディレクターに起用されたマチュー・ブレイジー（Matthieu Blazy）は、「ボッテガ・ヴェネタ」での手腕を買われ、プレタポルテをはじめ、オートクチュール、アクセサリーの全コレクションを担当する。Others　そのほか、マーク・トーマス（Mark Thomas）による「カルヴェン（CARVEN）」やミゲル・カストロ・フレイタス（Miguel Castro Freitas）による「ミュグレー（MUGLER）」といった老舗のフレンチブランドが新デザイナーを迎えてのデビューコレクションを発表する。

＜ミラノ／パリ＞2026年春夏ウィメンズシーズンについて知っておくべき10のトピック

コンサバティズムの起源は“非常識”　「ウェストミンスター公爵の持ち船『フライング・クラウド』号が岸壁に横づけされると、デッキの上で『マイ・ロード』と叫ぶ水夫の声がきこえ、やがて、公爵が金ボタンのついた紺のジャケットに白い帽子をかぶってゆったりした歩調で降りてきた。そのあとに、男物の紺のカーディガンを羽織り、横縞の水兵シャツを着て、足早につづいたのは、今を時めくマドモアゼル・シャネルだった」　『シャネル 20世紀のスタイル』秦早穂子 著（文化出版局）より　この一文に登場するココ・シャネル（Coco Chanel）の服装を思い浮かべたとき、奇抜さを感じることはないはず。ネイビーのカーディガンとボーダーシャツを着た姿は、スタンダードなマリンスタイルであり、特別目新しいスタイルではない。　シャネルは、クリエイションスタジオ主導による2025-26年秋冬コレクションでパンツルックを発表していたが、女性がパンツを穿くスタイルに違和感を感じる人はきっといないだろう。　しかし、それは現代人の私たちだからこその感覚。現在の常識は、当時の非常識だった。　20世紀初頭と言えば、女性の服装は身体の自由を考慮することよりも、華やかに飾り立てることが優先された時代。ウエストを強烈に締め付けるコルセット、着丈が床にまで届き、快適な歩行が難しいロングドレス、それらはいずれも当時の価値観を物語る服だと言える。　しかし、ポール・ポワレ（Paul Poiret）、マドレーヌ・ヴィオネ（Madeleine Vionnet）という稀代のドレスメーカー2人の手によって、女性はコルセットから解放されていく。そして、1914年に第一次世界大戦が勃発したことで、女性たちの服装と価値観に革命が起きた。　その開拓者となったのがココ・シャネルだ。　戦場に赴くことになった男性たちの代わりに、働かなくてはならなくなった女性たちに必要な服は、外観の美を競うドレスではなく、身体を動かしやすいことにフォーカスした服。そのニーズをココ・シャネルは具現化した。　彼女は男性服の実用性に惹かれていた。とりわけ男性が穿くパンツは、ココ・シャネルにとって理想そのもの。だが、1910年代は女性がパンツを穿いて人前に現れたなら、非難の声が飛ぶほどの時代。それほどに女性がパンツを穿くことは非常識だった。　それでも、ココ・シャネルは自らメンズウェア伝統のボトムを穿き、自身のブランドを立ち上げて「自立する女性」という新しい女性像を確立した。女性が働き、パンツを穿いて街を歩く。今では当たり前となったこの姿こそ、彼女が作り出した未来だった。現在「クラシック」として語られるスタイルも、始まりは挑戦だった。つまり「クラシック」とは、時代を変えた過去の「アヴァンギャルド」が原点にある。ココ・シャネルの美学を受け継ぎ、現代に繋いだ二人のデザイナー　ココ・シャネル亡き後、彼女の美学を最もダイナミックに継承し、解釈し直したのがドイツ出身のデザイナー、カール・ラガーフェルド（Karl Lagerfeld）である。ラガーフェルドは、時に最先端の感覚に寄り添い、時に意図的に距離を置きながら、シャネルのスタイルに常に更新の余白を残した。　バブリーな1980年代の後に訪れたミニマリズムの1990年代。コンパクトシルエットのツイードジャケットとミニスカートを合わせたケイト・モス（Kate Moss）の姿は、ミニマルなコンサバウェアとも呼ぶべきクールさを孕んでいた。　ストリートウェアが世界を席巻した2010年代、ラガーフェルドがビッグシルエットを安易に取り入れることはなかった。優雅なシルエットでラグジュアリーの真髄を示し、ストリート全盛の空気にあえて逆らう。その姿勢そのものが、ひとつのオルタナティブだったと言えよう。　2019年にラガーフェルドは死去。その後を継いだヴィルジニー・ヴィアール（Virginie Viard）は、ラガーフェルドが築いたDNAを受け継ぎつつ、パンキッシュなエッセンスを注ぎ込み、ココ・シャネルの美学を発展させた。一見すると古典的エレガンスの探求にも見えるが、そこに宿るのは反骨的で、けれど成熟した精神を持つ女性のためのラグジュアリーなコンサバウェア。パンクマインドが、現代におけるクラシックを再定義する鍵となった。　シャネルというブランドにとって、「型」は非常に重要だ。ツイードジャケット、カメリア、リトルブラックドレス、シャネルNo.5など、数多くのアイコンがメゾンの象徴となっている。これらのデザインは、常に時代を超えて愛され、世代を超えて身につけられてきた。どれも記号化され、視覚的にはひと目でシャネルとわかるものだ。　シャネルの伝統は、過去のアーカイヴをただなぞるだけでは決して生まれなかった。メゾンが誇るアイコンを、現代にふさわしい形に更新し続けたからこそ誕生した新しい伝統。それこそがクラシックではないか。現に、ヴィアールは「パンクマインド」を注入することでクラシックを再定義した。　クラシックとは単なる記号でも、固定された美学でもない。時代の変化とともに、しなやかに姿を変えるエレガンスを指す。それを実践してきたシャネルが、コンサバティズムの総本山として愛されるのは必然だと言えよう。クラシックとの静かな格闘、「ボッテガ」で現れたブレイジーのデザイン言語　話をブレイジーに戻そう。パリ生まれのベルギー人であるブレイジーは、ベルギーの名門校 ラ・カンブルを卒業後、ニコラ・ジェスキエール（Nicolas Ghesquière）が指揮していたバレンシアガでインターンとして経験を積み、「ラフ・シモンズ（RAF SIMONS）」でデザイナーとして本格的にキャリアをスタート。その後、「メゾン マルジェラ（Maison Margiela）」を経て、フィービー・ファイロ（Phoebe Philo﻿）時代の「セリーヌ（CELINE）」でシニアデザイナーを務め、2016年から2019年までは再びシモンズのもとで「カルバン クライン（CALVIN KLEIN）」のウィメンズウェアおよびメンズウェアを担当した。　2020年からは当時ボッテガ ヴェネタのクリエイティブディレクターを務めていたダニエル・リー（Daniel Lee）のもとでデザインディレクターを担い、翌2021年からはリーの退任に伴いクリエイティブディレクターに昇格した。　メゾン マルジェラ在籍時、ブレイジーにはこんな逸話がある。匿名性がDNAの同メゾンでは、デザインチームに所属するスタッフの名が公になることはない。しかし、ブレイジーがメゾンに在籍していた2014年7月、イギリスのファッション批評家 スージー・メンケス（Suzy Menkes）は、メゾン マルジェラのアーティザナルラインのリーダーとしてブレイジーの名をリークした。舌鋒鋭いメンケスが名を明かすほど、彼の才能は突出していたのだ。　経営危機に陥っていたボッテガ ヴェネタを、トーマス・マイヤー（Tomas Maier）はクラシカルなスタイルを武器に売上高10億ドルを上回るブランドに復活させた。マイヤーの後任となったリーはマイヤーの路線を引き継ぎながらも、強いシェイプと構築的なプロポーション、濃密なカラーを加え、ダーク＆シャープなクラシックという解釈を打ち出した。　ムードが変化したとはいえ、20年以上に渡って継承されてきたボッテガ ヴェネタのクラシックの本質を、ブレイジーはどう料理したのか。その仕事はクラシックという“重力”との静かな格闘だった。スタイルは、トラディショナルな服飾要素を中心に据えながらも、重厚さではなく軽やかさに向かった。　ブレイジーのフォルムデザインには、アシンメトリーとワイドが度々登場する。ストライプ、グレー、テーラードといった伝統の構文を扱いながら、そこに張り付いた歴史の重みを、どこか涼しげにかわしてみせるかのように、その振る舞いはクラシックを否定するのでも、脱構築するのでもなく、着地をずらすことで今という時代における洗練された既視感へと導く。　たとえば、2023年サマーコレクションで発表されたTシャツやジーンズ。誰の目にもアメリカンカジュアルとして認識される服だが、実際の素材はプリント加工を施したレザー。視覚的には日常着だが、質感としては高級な異物。その落差が、私たちの身体感覚をかすかに混乱させる。これはマルタン・マルジェラ（Martin Margiela）が得意とする「騙し絵」的なアプローチだが、ブレイジーはこれをベーシックの造形から逸脱しないように行う。コレクションに登場するのは数点にすぎないが、「数」ではなく「質感」のノイズでコレクションの輪郭をずらしているのだ。　この「クラシック」と「ノイズ」の反復は、各シーズンに共通する構造でもある。ある時は民族的なフリンジ、ある時はアシンメトリーなドレス、またある時はヘリンボーンにもシマウマの模様にも見えるコート。どれも一見すると異質だが、スタイリングは常に整っていて、ルック全体としては都市的でエレガントなイメージに収まっている。　ノイズはあくまでノイズであり、全体を支配するには至らない。このさじ加減が、ブレイジーのコレクションの一つの特徴だ。　では、なぜそこまでしてブレイジーはクラシックにこだわるのか。なぜクラシックから逃れないのか。それはボッテガ ヴェネタというブランドの根幹にある「技巧性」との相性が要因であるように思える。同ブランドが得意とする緻密なクラフト、テクスチャーへの執着、素材に対する深い理解は、即興的なストリートウェアでは十全に発揮されない。丹念に作り上げることを前提とするクラシックというフォーマットこそが、ボッテガ ヴェネタの技術を最も美しく見せる土壌になっているとも言える。ブレイジーはそのことをよく理解しているからこそ、トレンチコートやシャツドレスの「型」を崩さず、その内側に意外性を忍ばせるのではないか。　意外性の現れとして顕著なのが「対比」だ。2024年秋冬コレクションでは、洋服であるステンカラーコートに、和服の要素であるキモノスリーブを与えたり、ドレスの左右で生地の色を変えてアシンメトリーに接続させたりと、文脈と構造の対比が随所に現れる。対比はただの装飾ではない。対比は、クラシックをベースにしながら、あくまで「過去の踏襲に留まらないこと」を選び続ける姿勢の表れだ。クラシックであることと自由であることは、両立できる。そう主張するかのように。　最後に述べておきたいのは、コレクションから感じられた「都会的であること」への強い意志だ。民族的なディテールやプリミティブな柄が登場しても、それがいわゆるエスニックに拡張されることは決してない。常にコントロールされ、編集され、都市のファッションとしての輪郭を保っている。そのアプローチは、異文化の扱いをめぐる現在のグローバルファッションの課題、すなわち「文化の盗用」とも関わってくるだろう。　ブレイジーの仕事は、正統をなぞることでも、反逆を試みることでもない。クラシックの内側から軽やかにその重力を解体し、いかに自由でいられるかを問うことにある。そこにあるのは、クラシックへの敬意と、クラシックの重さを超えていこうとする意思。その二つの狭間にこそ、未来のファッションが潜んでいる。なぜシャネルはブレイジーを欲したのか？　ボッテガ・ヴェネタでの仕事を振り返ると、ブレイジーは刷新ではなく、更新を最良のアプローチと考えるデザイナーだということが見えてくる。ならばシャネルにおいても、彼が選ぶのはきっと更新だろう。なぜなら、シャネルには確固たるスタイルが存在し、多くの顧客に支持されている。それを劇的に変えることに、必然性はない。　3月に発表された2025年秋冬コレクションが示すように、シャネルスーツといったアイコニックなアイテムは、シーズンごとにバランスが変化するものの、常に登場する。　ブレイジーのシャネルでは、メゾンの象徴であるシャネルツイードやリトルブラックドレスが、大胆に姿を変えることはないはずだ。ココ・シャネルが築いたメゾンのコードに敬意を払いながら、どれだけの「余白」を見出すか。まずは、継承。その先に、解釈。ブレイジーは、一本のまっすぐな道を、あえて蛇行しながら進むように、クラシックをなぞりながらも、そこに見たことのないズレやノイズを忍ばせていく。それこそが、ボッテガ ヴェネタで証明された彼の手つきだ。　たとえば、ツイードのシャネルジャケットをどう読み替えるのか。一見するとツイードに見えるが、実はウールとは異なる素材を用い、その表情を織りではない、まったく別の技術で作り上げるのかもしれない。あるいは、インナーやボトムにシャネルの文脈にないアイテムを組み合わせ、スタイリングの妙によって新たな解釈を生み出す可能性もある。　クラシックとは、本来重厚なもの。しかしブレイジーは、その重さを剥ぎ取り、軽やかに見せることができるデザイナーだ。明快な特徴をあえて薄める行為に、反発を覚える人もいるかもしれない。だが、特異な個性を強調するだけでは、新しさは生まれない。アプリやAIによって誰もが大胆なクリエイティブを簡単に生成できる時代だからこそ、ダイナミックな表現が逆に埋もれてしまうリスクがある。　求められるのは、これまでのファッションの延長線上にある静かな違和感だ。大きく変えることが、目新しさではなくなるかもしれない今、小さなノイズを作ることこそが最もクリエイティビティが輝く手法と言えるのかもしれない。　一つ考えたいことがある。シャネルがマチュー・ブレイジーを欲した理由についてだ。　ここではビジネス視点ではなく、デザイン視点のみで語りたい。個人的に前任のヴィアールには、ある種の物足りなさを感じることがあった。ヴィアールはパンクテイストを加えることで、シャネルのコンサバを新たに読み解いた。しかし、自身の創造性を注ぐボリュームが控えめなことが多く、よく言えばメゾンの伝統を活かしており、悪く言えばどこか伝統に囚われているようにも映った。　アーカイヴを参照するといった具合に、服から服を発想するだけでは、時代の変化に追いつけなくなっているのかもしれない。AI時代において、従来の方法論は、かえって個性を曖昧にしてしまう危険をはらんでいる。服という完成形だけを見ていては不十分だ。これからのファッションに必要なのは、デザインの手法そのものを、もう一度デザインしなおすこと。見えないものに、まなざしを向けること。　今は多くのものが可視化され、だからこそ目に見えない領域での誠実さが問われている。誰も見ていない場所で、どこまで真摯でいられるか。それは社会においても、ものづくりにおいても変わらない。そしてマチュー・ブレイジーの視線は、いつもそこに向けられている。静かに、しかし揺るぎなく。シャネルがブレイジーを求めた理由は、ここにあるのではないか。目を凝らすことでしか見えないディテールに、彼の創造性は宿っている。

BOTTEGA VENETA

シャネルが求めた才能、マチュー・ブレイジーが紡ぐ“クラシック”とは

注目のデビューコレクション　2025年秋冬シーズン、新ディレクターによって発表されたコレクションは、ブランド本来のクリエイティビティを明確に打ち出し好評。1月発表の「ランバン（LANVIN）」、2月発表の「カルバン・クライン コレクション（Calvin Klein Collection）」、そして3月発表の「ジバンシィ（GIVENCHY）」に共通するのは「原点回帰」だ。アーカイヴの参照は歴史あるブランドであれば必ず用いられる手法だが、創業デザイナーの精神やクリエイションの原点にまで立ち返ることで、ブランドのアイデンティティをより鮮明に描き出している。ランバン　ピーター・コッピング（Peter Copping）がアーティスティックディレクターに就任したランバンは、フランス最古のクチュールメゾンとしてのルーツを見つめ直した。創設者ジャンヌ・ランバンのコンセプト「le Chic Ultime（究極のシック）」をテーマに、エレガントで実用性を併せ持つウィメンズとメンズのコレクションを発表している。カルバン・クライン コレクション　ヴェロニカ・レオーニ（Veronica Leoni）が手掛けるカルバン・クライン コレクションは、ブランドのDNAに根ざしたミニマリズムを再定義。カッティングとテーラリングが際立つワードローブが提案された。ジバンシィ　ジバンシィのクリエイティブ・ディレクターに就任したサラ・バートンは、創設者ユベール・ド・ジバンシィ（Hubert de Givenchy）が最初に発表したコレクションを起点にデザイン。アトリエでの制作過程から美を見出しながら、バートンならではのテーラリングによって、クラシカルなシルエットや当時の素材を現代に甦らせている。ドリス ヴァン ノッテン　「ドリス ヴァン ノッテン（DRIES VAN NOTEN）」は創業デザイナーから次世代にバトンタッチ。ジュリアン・クロスナー（Julian Klausner）がクリエイティブ・ディレクターに就任し、華やかな色彩と素材、あらゆる美を織り交ぜた奥行きのあるスタイルを現代に引き継いだ。トム フォード　「トム フォード（TOM FORD）」は、クリエイティブディレクターにハイダー・アッカーマン（Haider Ackermann）が就任。デビューコレクションは、無駄を削ぎ落としたデザインでリュクスな素材を活かし、さらにラグジュアリーな世界観にアップグレードしている。トップデザイナーのラストコレクション　ディレクターとして長年務めたトップデザイナーによる最後のコレクションとなったブランドも多数。いずれのコレクションも集大成と捉えることのできる内容で、"買い"のラストシーズンとなりそうだ。ディオール、ロエベ、バレンシアガ、ジル サンダー　「ディオール（DIOR）」のメンズコレクションを手掛けたキム・ジョーンズ（Kim Jones、7年在籍）、「ロエベ（LOEWE）」のジョナサン・アンダーソン（Jonathan Anderson、11年在籍）、「バレンシアガ（BALENCIAGA）」のデムナ（Demna、10年在籍）、そして「ジル サンダー（JIL SANDER）」のルーシー・メイヤーとルーク・メイヤー（Lucie Meier & Luke Meier、8年在籍）は、2025年秋冬のショー開催後に退任発表。それぞれメゾンのクリエイティビティを高め、多大な功績を残しての交代となった。日本のブランドも世代交代　日本のブランドでは「カラー（kolor）」が1月に開催されたショーの当日、創業デザイナー阿部潤一の退任を発表。翌日には同職を堀内太郎が引き継ぐことが発表され、クリエイション体制のシームレスな移行を印象付けた。新生カラーは6月の発表が予定されている。次回2026年春夏コレクションの見所　「シャネル（CHANEL）」、「グッチ（GUCCI）」、「セリーヌ（CELINE）」、「ボッテガ・ヴェネタ（BOTTAGA VENETA）」、「メゾン マルジェラ（Maison Margiela）」、そして「フェンディ（FENDI）」は現在、ディレクター交代にともなう移行期。2025年秋冬シーズンはショーを休止、あるいはデザインチームによるコレクション発表となった。多くのブランドが次季の2026年春夏が新ディレクターによるデビューコレクションになると見られ、新たな方向性が見所となることは間違いない。　いまだディレクターのポストが空席のブランド（フェンディ、バレンシアガ）の動向にも注目だ。発表形式や体制も新たに　さらにグッチは今年、これまでセパレートで発表していたウィメンズとメンズのコレクションを統合する新体制となった。創業100周年を迎えたフェンディも、ウィメンズ・メンズの合同ショーを開催。次シーズンの2026年春夏コレクションもフェンディ家3代目のシルヴィア・フェンディ（Silvia Venturini Fendi）がウィメンズ・メンズを手掛け、合同ショーとして9月に開催が予定されている。　なお「Jean Paul Gaultier（ジャンポール・ゴルチエ）」は、デュラン・ランティンク（Duran Lantink）のクリエイティブディレクター就任にともない、2015年春夏をもって終了していたプレタポルテコレクションを本格的に復活させる。　ブランドのクリエイティブチームを率いるディレクターの交代は売上低迷によるものが大きいが、体制の刷新により時代に即した形にアジャストしていくポジティブなタイミングでもある。2025年が、モード界に活気をもたらし成長に導く進化の年になるよう期待したい。2025年秋冬シーズンの動向 　今年1月（メンズ）と、2月末から3月頭（ウィメンズ）に開催された2025年秋冬シーズンのファッションウィーク。新任ディレクターが手掛けた「デビューコレクション」と、退任が決まったディレクターによる「ラストコレクション」を発表した主要ブランドを、一覧でまとめた。 デビューコレクション ランバン前任：空席（ブルーノ・シアレッリ退任後、2年あまり不在）新任：ピーター・コッピング（2025年秋冬から） カルバン・クライン コレクション前任：空席（2018年にラフ・シモンズ退任後、6年あまり不在）新任：ヴェロニカ・レオーニ（2025年秋冬から） ジバンシィ前任：マシュー・M・ウィリアムズ（2024年プレフォールまで）新任：サラ・バートン（2025年秋冬から） トム フォード前任：ピーター・ホーキングス（2025年春夏まで）新任：ハイダー・アッカーマン（2025年秋冬から） ドリス ヴァン ノッテン前任：ドリス ヴァン ノッテン（2025年春夏まで）新任：ジュリアン・クロスナー（2025年秋冬から） ラストコレクション ディオール＜メンズ＞退任：キム・ジョーンズ（2025年秋冬まで）新任：ジョナサン・アンダーソン（2025年6月デビュー予定） ロエベ退任：ジョナサン・アンダーソン（2025年秋冬まで）新任：ジャック・マッコロー&ラザロ・ヘルナンデス バレンシアガ退任：デムナ（2025年秋冬まで）後任：空席 ジル サンダー退任：ルーシー・メイヤー&ルーク・メイヤー（2025年秋冬まで）新任：シモーネ・ベロッティ カラー退任：阿部潤一（2025年秋冬まで）新任：堀内太郎（2025年7月デビューの見込み） 次回2026年春夏シーズンの注目 　ディレクター交代にともない、次回2026年春夏シーズンが新ディレクターのデビューとなる注目ブランド、および新体制に移行しているブランドをまとめた。 シャネル前任：ヴィルジニー・ヴィアール（2024年秋冬まで）新任：マチュー・ブレイジー（2025年9月デビューの見込み） グッチ前任：サバト・デ・サルノ（2025年春夏まで）新任：デムナ（2025年9月デビューの見込み） セリーヌ前任：エディ・スリマン（2025年サマーコレクションまで）新任：マイケル・ライダー（2025年7月デビュー予定） ボッテガ・ヴェネタ前任：マチュー・ブレイジー（2025年春夏まで）新任：ルイーズ・トロッター（2025年9月デビューの見込み） メゾン マルジェラ前任：ジョン・ガリアーノ（2024年まで）新任：グレン・マーティンス（2025年9月デビューの見込み） ジャンポール・ゴルチエ前任：フローレンス・テティエ新任：デュラン・ランティンク（2025年9月にデビュー予定） フェンディ＜ウィメンズ＞前任：キム・ジョーンズ（2025年春夏まで）後任：空席（2025年秋冬/2026年春夏はシルヴィア・フェンディがウィメンズとメンズを手掛ける） ※2025年5月1日現在

2025年秋冬〜2026年春夏の注目ブランド

グッチ、シャネル、ロエベ...デザイナー交代で転換期を迎えたモード界の動向

クラフツマンシップの真髄を探して　ボッテガ・ヴェネタ 麻布台ヒルズは、日本とイタリアのデザインに敬意を払い、伝統技術と現代的な感性が調和した新店舗。ブランドが追求する"革新的なクラフツマンシップの真髄"が表れています。地中海のモダニズム建築をヒントにしたという、丸みを帯びた棚や手すりがやさしい雰囲気を醸し出しています。 　白いモザイク調のフロアは、ブランドのルーツであり、工房を構える北イタリアのヴェネト地方で広まったパッラーディオ様式の床材をアレンジしたもの。日本の左官職人によって仕上げられた漆喰の壁のオフホワイト、チーク材のキャビネットやラックの深みのあるブラウンが、空間に温かみをプラス。 　ブランドのルーツと日本との繋がりを表しているのが、ヴェネツィアを拠点とするガラス作家、三嶋りつ惠さんによる作品。750のガラスピースからなる花の意匠をあしらったミラーが存在感を放っています。 　植栽は"プラントハンター"として知られる園芸家の西畠清順さんが担当し、"幸せを呼ぶ木"と称されるガジュマルが大胆に枝を広げます。プライベートサロンには陶芸家の上田勇児さんによる花器が置かれ、オープン時には見事な紅葉が彩りを添えました。「入った瞬間に、まるでジャングルのようだと感じました。独特なインテリアやアイテムが並んでいて、新鮮な空間ですね」キム・ダミ 初のファインジュエリーや特別な逸品との出会い　取り扱いアイテムは、主力のバッグやレザーグッズをはじめ、レディ・トゥ・ウェア、シューズ、アイウェア、ジュエリー、ホームコレクションといった幅広いラインナップ。ブレイジーによる初のファインジュエリーが先行して取り扱われるほか、特別なメイド・トゥ・オーダーサービスも受けることができます。 　またオープンに合わせて、ここでしか手に入らない2025年プレスプリングコレクションの限定アイテムが店頭に並びます。ムラーノガラスのハンドルをあしらった「サーディン」や、繊細なフェットゥーチェのフリンジを施した「ミニ アンディアーモ」と「カバ」、キャッチャーミットから着想を得た「ミディアム ダッフル」。ファッションジュエリーの「エリプス」シリーズからは、グラデーションが特徴のガラス製ピアスやローズクォーツのリング、ホームコレクションからはミラーやウッドトレー、グラスセット、ピッチャーなどが用意されています。ボッテガ・ヴェネタの魅力を語る　この日のダミさんは、赤いチェックシャツにAラインスカート、 ブランドを代表するイントレチャートの編み込みが特徴的な「アンディアーモ」のピンクのバッグをコーディネート。大振りのゴールドのフィンピアスもアクセントになっています。 「ボッテガ・ヴェネタの魅力は、クラシックなデザインの中に趣が感じられるところ。素材の触り心地から上質で、ありふれたものに特別な価値を与えている部分に感動します」キム・ダミ

キム・ダミと巡る 「ボッテガ・ヴェネタ 麻布台ヒルズ」　曲線のラビリンス

#1 アレック・ソスを知るWHO IS ALEC SOTH？1969年生まれ、アメリカ出身のフォトグラファー。「旅の途中」を大型のフィルムカメラで切り取る作風で、2004年の「Sleeping by the Mississippi」でホイットニービエンナーレに選出され注目を浴びる。以降、個展や写真集など精力的に活動し、2022年には大規模巡回展「Gathered Leaves」を神奈川県立近代美術館 葉山で開催。国際的な写真家集団「マグナム・フォト」のメンバーの一人でもある。「（ボッテガ・ヴェネタ クリエイティブ・ディレクター）マチュー・ブレイジーのクリエイションにふれるとき、私は2つの世界を同時に体感しています。ひとつはあらゆる感覚と深く結びついたフィジカルな世界。もうひとつは幻想の世界です。このキャンペーンでは遊び心を意識しました。公園は、マチューの独創性にあふれたイマジネーションのメタファーのように感じました。私の写真にも多様なセレンディピティ（予期せぬ発見）を取り入れたかったのです」ーアレック・ソス　キャンペーン撮影のロケーションに選ばれたのは、タコやキノコ、ピジョンといったモチーフの遊具が設置された東京近郊の公園です。日本に住む人にとっては馴染み深い公園の風景×ハイファッションの掛け合わせがなんとも新鮮。1階とB1階の会場では、キャンペーンヴィジュアルだけでなく、アレック・ソスが日本で撮影した作品などがユニークな構成で展示されています。エキシビションは表参道ヒルズ裏のギャラリースペース「seeen」で4月14日まで開催しているので、この機会に是非足を運んでみて。◾️TOKYO PLAYTIME / An exhibition by Alec Soth and Bottega Veneta会期：3/29 (金)〜4/14(日)会場：seeen住所：東京都渋谷区神宮前4-13-12 1F/B1F営業時間11:00 –20:00入場無料（公式LINEアカウントより事前登録が必要）#2 「写真が好き」俳優・鈴木仁の楽しみ方　オープン前日の内覧会に訪れた多くのゲストの中に、メンズノンノ専属モデルで俳優の鈴木仁さんの姿がありました。自身で個展を開催するほど、写真が好きな鈴木さん。仕事の現場など日頃からカメラを持ち歩き、「今日もここに来る前にフィルムを現像に出してきたんです（笑）」と話すなど、鈴木さんにとって「写真」は日常的なものだそう。　「躍動感を表現する写真家が多い中で、動きの中に静かに空間が止まっているかのような、瞬間を切り取るのがうまいな、と思います。そのどれもが、みんなが共感できるような美しい瞬間なんですよね」と鈴木さん。好きな写真家の一人で、これまでにも写真集などを見てきたというアレック・ソスの作品を前に、次々と言葉が溢れてきます。　「今回のヴィジュアルの公園の使い方も面白いですよね。自分たちにとっては何気なく楽しく遊んでいた場所が、ファッションフォトという芸術に落とし込まれているのが新しい感覚ですし、自分たちの住んでいる街の見方が変わってくるという点で、新たな発見がありました。写真っていいな、と改めて思わせてくれる展覧会でした」と、写真好きならではの視点で感想を語ってくれました。会場では憧れのアレック・ソス本人にも対面し、サインと記念撮影も。#3 家でも楽しめる、ノベルティとFANZINE　エキシビションを見終わったら、会場から歩くこと5分ほどの大通りに面したボッテガ・ヴェネタ表参道フラッグシップへ。ここではキャンペーンにも登場する最新の2024年サマーコレクションを実際に手に取ることができます。ランウェイからインスパイアされた世界地図が球体のイントレチャート（革ひもを編み上げる技法）で表現された、地球儀のようなバッグ「マヴァ（MAVA）」（57万2000円）は表参道フラッグシップ限定の特別なアイテム。　そしてフォトエキシビションの来場者でストアにも来店した方には特別なギフトも。縦型のショッパーに入っているのは、帯状の一枚の紙。指示通りに組み立てると、多角形のオブジェが完成する、お家でも楽しめるノベルティがもらえます。　また、アレック・ソスが手掛けたキャンペーンヴィジュアルや、撮影の舞台裏、スケッチ、ステッカー、旅のノートなどを全4冊にまとめた見どころたっぷりのFANZINE（ファン雑誌）が発行。世界各国のボッテガ・ヴェネタのストアと一部の書店（国内では小宮山書店／ワタリウム美術館 オン・サンデーズ／代官山 蔦屋書店）で数量限定で配布されてます。ブランドならびにアレック・ソスのファンは是非持っていたい作品です。#4 マップ片手にロケ地を巡る　ボッテガ・ヴェネタのグローバルなキャンペーンヴィジュアルの舞台となった日本の公園。実際にどこで撮影が行われたのか、都内23区内を中心に、13ヶ所にも点在するロケ地のマップを大公開します。いずれの公園も、動物や魚などをモチーフにした遊具が目印。自分の住んでいるエリアの近くの公園をのぞいてみるもよし、マップを頼りにロケ地巡りをするもよし。童心に返ったかのような懐かしさとともに、春夏シーズンのボッテガ・ヴェネタのテーマ「オデッセイ（冒険、長旅）」の世界観に浸ってみては。（↓撮影＆イベントロケーション一覧は右上のアイコンをクリック。スマートフォンではGoogleマップに移動後に一覧が表示）

鈴木仁と巡る写真展からロケ地マップまで

「ボッテガ・ヴェネタ」のクリエイティブな旅へ　フォトエキシビションを楽しむ4つのこと

サボテンに見出したレジリエンスという希望　2024年ウィンターコレクションは、マチュー・ブレイジーがサボテンが多く見られるイタリア南部カラブリア州を訪れたことがきっかけで生み出された。「他の植物が育たないような環境でも育つサボテン。それがレジリエンス（困難をしなやかに乗り越え回復する力）のアイデアであり、フロアをこのような風景にしたいと考えました。ショーは内省的でありながら、そこにはレジリエンスと希望に満ち溢れたものでなくてはならないと思いました」とし、ショー会場には花をつけた大型のガラス製サボテンを配置。戦争が続く世情を思ってか、現世に希望をもたらすアプローチとして再生というアイデアに光を当てる。実用と時代の関係性　では再生を服でどう表現するか。マチュー・ブレイジーは、「LC14 カバノン スツール」にそのヒントを見出す。元々、ウィスキーのケースだったこのスツールは、ル・コルビュジエが晩年を過ごしたカップ・マルタンの休暇小屋用にリデザイン。コルビュジエよって別の目的が付与されたわけだが、実用的なものが歴史的作品として生まれ変わったことに、今という時代における「デザインをする意味」があるとし、マチュー・ブレイジーは現代における実用性を主題にボッテガ・ヴェネタの過去を掘り下げた。なお、日本の伝統的な技法にインスピレーションを得て施された特別な焼き目が特徴の「LC14 カバノン スツール」のスペシャルエディションはショー会場の座席として設置され、ミラノデザインウィークでの展示も予定。販売も行うという。現代における実用とは何か　「エレガンスは、シンプルさ 、誠実さ、そしてレジリエンスの中に宿るものなのです」とマチュー・ブレイジーが語るように、2024年ウィンターコレクションはイントレチャートがアイコンとなる以前のボッテガ・ヴェネタのルーツにインスピレーションを得て、プレーンさを生かしながら、装飾は最小限にとどめた。開襟シャツのように襟ぐりが開いたジャケットや後襟を立たせ、肩線からそのまま袖に向けて縫い合わせたコートなど、首元にデザインを入れたものが目立ち、メモリープリントは時の流れをレイヤーのように重ね合わせ、これまでのボッテガ・ヴェネタの軌跡を映し出した。また加工を施すことでウールブークレやカシミア、フィルクーペは実用的で弾力性のある素材へと変化している。繰り返し用いられたヘビ、炎、花のライトモチーフは、復活と再生の象徴として採用したという。　ここで改めてマチュー・ブレイジーが考える実用とは何か。「実際に用いること」「実地に使って役立つものであること」という実用の意において、同氏はとかく機能性が高いものを志向しているわけではないことはルックを見れば明らか。ガラケーからスマホに移行したように、実用がなければ時代遅れとなり、それはル・コルビュジエのように、時代の流れとともに新たな実用を付与できなければ需要されない。衣服を着るというアパレルとしての実用は前提として、おしゃれをするというファッションとしての実用は、機能ではなく、時代と共に変化する人々の情緒を捉え、満たす作業だとマチュー・ブレイジーの下記の言葉から紡ぐことができる。　「現実的かつ実用的で、目的をもったものが持つ魅力と自信。 この夜の世界で、デイリーウェアはどのように知覚されるでしょうか。シルエットは単純化され、暗闇の中にそびえる一枚岩のように認識されます。燃えさかる世界では、衣服をまとうというシンプルな行為の中にとても人間らしい何かがあります」（マチュー・ブレイジー）。

アパレルではなくファッションにおける実用とは何か　ボッテガ・ヴェネタ2024年ウィンターコレクション

　ダニエル・リー（Daniel Lee）が退任後、マチュー・ブレイジー体制となってスタートした「イタリア」三部作はイタリアの芸術家ウンベルト・ボッチョーニ（Umberto Boccioni）などから着想を得た2022年ウィンターコレクション、イタリアの建築家でありデザイナーであるガエタノ・ぺッシェ（Gaetano Pesce）によるセットデザインが印象的だった2023年サマーコレクション、そして「クラフト・イン・モーション（動きの中のクラフト）」を通じてイタリアの過去、現在、未来を融合させた2023年ウィンターコレクションで完結。1966年ヴィチェンツァで創業したメゾンのアイデンティティに向き合う時間ともなったイタリア旅を終え、次にブレイジーが向かうは広義の意味での"世界"だ。ショーのインビテーションで届いていたのも、腕時計の形をした羅針盤だった。　2024年サマーコレクションは旅にはじまり、喜びから苦しみといった感情に至るまでのあらゆることの「移動」に主題を置く。人間の細胞は5年～7年の間に全て新しいものに生まれ変わるが、そこから導き出される"動的"であるという生命の本質に、動的平衡にブレイジーは触れようと、変容を遂げながら変幻自在に動き回ることの重要性を本コレクションで説いた。　そうした想いを、プレイジーは表現としてどう服に落とし込んだのか。ショー会場のフロアに敷かれた、ペンギンや魚と共に描かれた大陸や海の上をモデルが闊歩する様はまさにそれを象徴するものであったが、デザインアイデアの核は様々な要素のブレンド。見たことありそうでない民族衣装風のフリンジドレスのルックや都会的なスーツスタイルとパレオのディテールで作るビーチスタイルを組み合わせモダナイズに昇華したルックなどがその最たる例だ。「動物、鉱物、植物といった原始的な世界と再びつながる必要があります。それは貝殻を拾い集めるようなもので、美しかったり、意味があったり、あるいはなかったりします。それは小さな奇跡や自然の驚異に宿る美しさと結びついているのです」と語るように、歴史学者の母とプリミティブアートの専門家の父を持つ同氏にとって、土着的なものに目を向けるのはある種自然なこと。サボテンやオウムガイをモチーフにしたドレス、花や花火、岩の造形など、プリミティブな自然の世界を取り込んだ境界のない装いと自由な造形は、なんとも形容し難い「コードのない衣服」として結実した。そして、要素と要素の「間」で起きる相互作用に生命の本質があるように、対極にあるものを組み合わせるという移動を軸にしたアプローチは、ボッテガ・ヴェネタの哲学である「クラフト・イン・モーション（動きの中のクラフト）」に帰結するのである。　アイコンであるイントレチャートは、ビッグサイズでバスケット型に編まれ、特に目を引いたフーラードバッグは、世界中の新間をレザーにプリントしてアップデート。またコレクションに華を添えたトロピカルリーフやラフィア、ロープのシューズやバッグは、いずれも精巧なレザーで製作。旅の小物の究極形として、アウトプットしたものだという。

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