インサイド

パリに来るまで：競技ダンス選手からフラワーアーティストに転身⎯⎯ フラワーアーティストになった理由から教えてください。　10代の頃からフランス映画やフランス文学に興味があったので大学では仏文科に進学しました。18歳の時に競技ダンスに出会い、アマチュア選手として全国大会で入賞するほど夢中になりました。大学卒業後は競技ダンスのアマチュア選手をしながら法律事務所の秘書として働いていたんです。　20代半ばで競技ダンスの引退を考えるようになった時、偶然インターネットで見つけたパリのお花屋さん「Rosebud fleuriste」の作品に衝撃を受け、その場ですぐにパリ行きの航空券を取り、実際にそのお花屋さんに会いにいきました。感動を伝えると、フランスには「スタージュ（研修）」制度があると教えていただき、私も学びたいと思いました。⎯⎯ すごい行動力です。　帰国してからは、そのお花屋さんで過去に修行した経験のある師匠に弟子入りしました。もともとお花が好きだったのもありますが、情熱を向けていたダンスの引退が見えていた時期に出会ったというタイミングも後押ししてさらにのめり込み…。平日は秘書の仕事を続けながら、週末は師匠のところでアシスタントをする日々を2年弱過ごし、貯金と語学の準備を整えて2014年にワーキングホリデーで渡仏しました。無事念願だったそのパリのお店でスタージュとして働くことができたんですが、実際に働いてみると小売店としてのお花屋さんではなく、空間の装飾に興味があるのだと気がついて。　なので、スタージュ期間を終えた後はインテリアショップでアルバイトをしつつ、2015年に独立してお花の仕事を、最初は知人の仕事から少しずつ始めました。ワーホリ期間が終わって一度帰国してからは、しばらく東京とパリを行き来しながら暮らして、結婚や出産を機に2020年ごろから拠点をパリに移しました。仕事：個人のクリエイティビティを尊重する文化⎯⎯ ファッションウィークに関わる仕事やファッション関連の仕事も多いかと思いますが、普段はどのように働いていますか？　まず定期装花と言って、大体週1回のペースでパリ市内のギャラリーやセレクトショップ、レストラン、カフェ、ファッションブランドのショップのショーウィンドウを飾るお仕事をしています。これに加えてイベント装花、撮影のスタイリングなどがあります。　ファッションウィークの期間には、これに加えてショールームの装花やショーのお仕事が加わるので忙しくなりますね。「ステラ マッカートニー（STELLA McCARTNEY）」のVIPイベントの装花や、2026年秋冬のウィメンズファッションウィークでは「オフ-ホワイト™（OFF-WHITE™）」、「ミュウミュウ（MIU MIU）」のショー会場のVIPスペースのお花を今回初めて任せてもらいました。また、「セリーヌ（CELINE）」の撮影のお花も担当しました。⎯⎯ ファッション関連の仕事するようになったきっかけは？　最初にファッションウィークに関わったのは2014〜2015年のワーホリ中でした。百貨店に勤めていた同年代の友人から島田順子さんへ贈る花束を依頼されたんです。ファッションウィーク期間中の「ジュンコ シマダ（JUNKO SHIMADA）」のプレゼンテーション会場に花を届けた際に初めてパリコレの空気に触れ、ファッション業界の方々のクリエイションに対する情熱や熱気に強く惹かれました。また、2015年の「ディオール（Dior）」のショーで40万本のデルフィニウムを使った丘がセットとして登場したことが印象的で、花とファッションのクリエイティブな関わりに興味を持つようになりました。　その後「オーラリー（AURALEE）」が初めてパリに来た時にもお花を担当させてもらうことになるなど、最初は日本のブランドの仕事から始まりました。営業メールを送ったりもしましたが、一度ご一緒した方々に口コミで紹介していただいて得た機会が一番多かったです。⎯⎯ 仕事の上で感じる、パリならではのカルチャーはありますか？　コミュニティ文化というか、小さな村みたいな世界です。移民がいきなり入っていくハードルはとても高いけど、ちょっとしたきっかけで壁を超えることができて、その輪に入るといろいろな人に紹介してもらえます。口コミが何よりも重要。そして一度しっかり作品を見てもらい、本当に認めてもらえたら、個人のクリエイターにも大きなチャンスをくれる人がいる。日本の方がイメージする「花屋＝業者」像より、クリエイターやアーティストとして、個人のクリエイティビティを尊重する文化が強いと感じます。⎯⎯ パリで支持される仕事をするために心がけていることはなんですか？　「外国人」であり、ネイティブと同様のコミュニケーションは難しいので、誰かと同じものを作っていたら私に声がかかることはないと思う。かといって特別に奇抜なものを作ろうという気もなくて、ミニマルでシンプルながら自分らしい、個性やスタイルが見えるものを作りたいと考えています。周囲の方からよく言われる作風の特徴としては、「ポエティック」、「ミニマム」、「スカルプチュアル」、「繊細」などでしょうか。競技ダンスからは音楽性や身体が持つ有機的なシルエットの美しさを、仏文学からは詩情を学んだと思っていて、そうしたものが現在の作風に活きていると感じます。守屋さんのインスタグラム（@maisonlouparis）より⎯⎯ 昨年からパリの11区にアトリエを構えています。2015年に独立してからの10年間はどのような環境で仕事をしていたんですか？　以前は自宅兼アトリエにしていたんですが、大人だけなら我慢できるけど、子どもが生まれてからは流石に手狭で困ったので本格的に探し始めました。何をするにしてもきっとフランス生まれのフランス人より時間がかかるし、大変なことも多いですが、少しずつでも昨日の自分よりも成長できるように頑張っています。いまだに車を持っていないのでカーシェアサービスを利用していますし、まだまだ理想に追いついていない部分も多いですが、そんな中でもアトリエを持てたことは成長を感じる大きな節目になりました。⎯⎯ 家に限らず、物件は紹介してもらわないとなかなか見つからないと聞きます。　自宅は、ずっと日本人にしか部屋を貸していないという日本人の大家さんから借りています。アトリエは、商業用物件を借りるのはさらに大変なので苦労しましたが、この物件は散歩中に偶然募集の貼り紙を見つけたんです。大家さんの電話番号しか書いていない貼り紙、つまりエージェントが仲介していない物件だったので、すぐに連絡したら、2日後には鍵を受け取ることができるほどスムーズに決まったのでラッキーでした。⎯⎯ 外国人という立場によって、花の仕入れなどで苦労することはありますか？ 　日本人だからとかパリだからとか関係なく、東京でも同じことで、業界で働く者として、仲卸さんと良い関係性を築くのは当然とても重要です。東京の市場では師匠に紹介していただいた仲卸さんによくしていただいていますが、パリではまず名前を覚えてもらうところから始まります。彼らにとっては聞き慣れず発音もしにくい名前なので、はじめの頃はなかなか覚えてもらえなかったけど、それはもう仕方がないこと。でも生花は仕入れがすごく重要なので、諦めずに何度も通ったり、毎回少しでも何かを買って信頼関係を築いたり、基本的なことですがどのスタッフさんにもきちんと挨拶をするなど、コミュニケーションを丁寧に取ることを心がけています。たまたまインスタグラムで仕事を見てもらったら態度が変わったことも。一度認めてもらえると、とてもスムーズだし親切です。　夫と仕事のスケジュールが合わず、子どもを頼めない時にはランジス市場（東京ドーム50個分の敷地を持つ世界最大級の卸売市場）に子どもを連れていくことも珍しくないんですが、みなさんお菓子をくれたり、いつも温かく接していただき感謝しています。⎯⎯ 安心しました。日本ではどんな仕事をしていますか？　年に2回は日本に帰るようにしていて、一時帰国した際にはNHK「あさイチ」の博多華丸・大吉さんと一緒に15分間のフラワーアレンジメントに挑戦するコーナーに出演させていただいています。何よりの親孝行だと思っています（笑）。ワーホリ中に働いていたインテリアショップが当時日本の雑誌でもよく取り上げられていて、雑誌をご覧になったNHKのプロデューサーさんがプライベートで来店された時に店にいた私に興味を持ってくださって。当時書いていたブログから現在のインスタグラムまで10年以上ずっとチェックしてくださっていたようで、声をかけていただきました。ちょっと恥ずかしくもありますがすごく嬉しかったです。帰国することをインスタに載せると、日本のフォトグラファーやブランドの方から撮影の依頼をいただいたりもします。⎯⎯ これから挑戦したいことは？　具体的な短期目標で言うと、今年は法人化するための準備を進めています。また、文章を書くことも好きで、エッセイの連載もいただいているので、そうした花とは異なる表現ももっと育てていきたいと思います。ファッションウィークでショー関係のお仕事ができるようになったのもつい最近なので、引き続き頑張って広げていきたいですね。　あとは、もうすぐ私も10年ビザ（5年以上フランスに合法的に居住した外国人が取得できるビザ。B1レベル以上のフランス語能力の証明義務が必要）が取れるようになるので、DELF（デルフ、フランス語学力資格試験）の勉強をしています。何年も暮らすと、仕事には困らない程度の語学力は身につきますが、生活に慣れる分成長が止まる気がして。生活：花が文化に根付いた街で⎯⎯ 生後半年で一緒に移住したお子さんが今年6歳。子育てしながらキャリアを築きやすい環境ですか？　子育てに関しては、メリットとデメリットがありますし、迷うことは常にありますが、子どもが多様な価値観の中で育つことには大きな意味があると感じています。フランスでは、希望すれば生後間もない子も保育園に預けて働くことができるんですが、私は個人的にもう少しゆっくりしたかったので、週5日預けられる公立ではなく日数が自由に選べる私立を選んで、保育園のうちは週3日だけ預けるスローペースで仕事を始めました。私立と言ってもこちらは結構安いんですよ。他にもベビーシッターさんをお願いするハードルも日本よりとても低く、私もよく知人にお願いしています。仕事の都合や教育方針、スケジュールなどに合わせた幅広い選択肢があるのが良いところだと思います。⎯⎯ 移住した直後からスローペースでキャリアをスタートすることに不安はありませんでしたか？　自分で選んだことなので。それに、フリーランスだからということもありますが、あまり仕事と家庭を切り離して考えていないんです。子どもを連れて仕事にも行くし、今ではファッションウィーク中で忙しい時は子どもを車に乗せて一軒配達してから学校に送り、その後また仕事して、子どもをお迎えに行って公園で遊んで、一度帰宅して夫に預けてもう一軒仕事に行く、みたいな。どちらも生活の中にあって地続きなんですよね。それが自分にとって心地が良くって。⎯⎯ 改めて、パリのどんなところが好きですか？　フランスには「アール・ド・ヴィーヴル（Art de vivre、暮らしの芸術）」という言葉があります。日常生活の中の美しさを大切にするというその考え方が、花が街の中の文化に根付いていることやお花に対する人々の感性にも表れているのを感じるところです。photography: Yujiro Saitotitle design: Chiaki Sato◾️連載：パリで暮らす、パリで働く #01 ヘアアーティスト Yui Ozaki #02 フラワーアーティスト 守屋百合香 #03 ジャーナリスト 冨田ユウリ #04 「H VEGAN BENTO」白石浩子 #05【番外編】在住者に聞いたパリのおすすめショップ＆お土産(マップ付き)◾️トップメゾンで働くデザイナーに聞く、パリでのキャリアの築き方

Lifestyle

フラワーアーティストという仕事　競技ダンス引退から弾丸パリ訪問で開いたセカンドキャリア

「身体に溶け込んだ花型が助けに」　華道における視覚的な美しさ⎯⎯花はそもそも美しいですが、華道における美しさはどのように成り立たせていますか？　華道では枝を線として捉えていて、その組み合わせによって生まれる空間が美しさに関わってきます。そのため線の間に広がる空間がどんな形であるかを常に意識していけています。⎯⎯その空間がいわゆる花型と呼ばれるものでしょうか？　そうですね。それぞれの線の角度や構図といった条件が各流派で定められていて、華道ではまずこれの習得を目指します。⎯⎯習得までにどれくらいの時間がかかるんでしょうか。　大体1年くらいかかります。この期間は自由な表現をする機会は殆どないですが、こうした伝統の花型を体の中に溶かすことがとても大切なんです。15度、45度、75度とそれに合わせて生け続けることで、教本を見なくても「どの角度で枝を生けるか」「枝と枝とをどれくらい離せばいいか」などが感覚的に分かるようなってきます。こうした知識の蓄積が、自由な表現をする中で美しさを担保する要素となるんです。ただ美しいだけでは足りない　“説明できない気配”の存在⎯⎯花の美しさにこだわる中で、「自分自身の美」へ目を向けることはありますか？　はい。自分が乱れていると、それはそのまま花にも表れます。だからこそ、美容というより、気”を整えることを大切にしています。⎯⎯具体的にどんなアイテムを使用していますか？　最近は、自分でディレクションしているブランド「オブバイフォー（OF BY FOR）」のヘアオイルや香水を愛用しています。これらは、花を生けているときに感じる「森の中で深呼吸しているような香り」をイメージして作ったものです。花に触れることで気持ちが整っていくように、香りにも人の感覚を整える力がある気がしていて。その部分にはこだわっています。⎯⎯華道の表現において「美しさ」は必要不可欠ですか？　　美しさは欠かせませんが、“整っていること”だけが美しさではないと思っています。少し傾いていたり、不穏さや違和感があったり、儚さが見えたり。人はそういうものに心を動かされることがあります。⎯⎯色々な美しさがあるんですね。美しいだけでは足りないと感じることはありますか？　そうですね。というのも見る人の記憶や感情に残るものには、少し危うさや、生々しさが必要なんです。ただ美しいだけだと、記号として消費されてしまう瞬間があります。作品に狂気やユーモア、生命力など、“説明できない気配”が宿った時に、それは急に人の心へ入り込む。私はその“何かが宿る瞬間”をずっと探しながら花を生けています。Netflix「サンクチュアリ」では「胡散臭さ」を⎯⎯華道には3代流派として「池坊」「小原」「草月流」があります。大谷さんの所属する草月流について教えてください。　草月流はいけばなをクリエイションとして捉えて、花型（美しさ）に留まらない表現を模索しているのが大きな特徴です。自由な表現を肯定する雰囲気があり、本当に何をやっても怒られないというか...。ただ、何を表現しようとしているのかという点はしっかりと見られます。　そういった特徴もあり、映画やドラマなどの現場でお仕事をすることもあります。⎯⎯例えばどのような？　　2018年に放送されたドラマ「高嶺の花」では、いけばな監修をさせていただき、全部で174作品をいけました。その中で、「抗えない運命」というテーマで花をいけた作品があります。少しネタバレになりますが、作中の後編では主人公の出生の秘密が明かされ、自分が両親の実の子ではないと判明します。そのシーンに適したものを手掛けて欲しいと頼まれたんです。⎯⎯それをどのように表現しましたか？　テーマが「憎しみ」など感情の時はそれを自分に憑依させて制作をするのですが、「抗えない運命」は特定の状況だったためそのやり方が出来ませんでした。そのため、テーマを分析し「自然の力」こそが抗えないものなんじゃないかと気が付きました。　そもそも人間は、白亜紀や氷河期といった壮大な地球の歴史のなかに、たまたま適応しているだけの頼りない存在です。自然の変化には決して抗えないし、仮に環境が安定していても、個体としての死はあらかじめ決まっている。ある種、どうしようもない大きな流れのなかに私たちはいます。　その「抗えない力」の象徴として選んだのが、沖縄のガジュマルの根でした。これは人間が形作ったものではなく、過酷な自然環境そのものが育て上げた造形です。複雑にうねり、分かれていく根の姿は、一本の幹から幾多の選択肢へと分岐し、翻弄されていく「運命」そのものに見えました。その上に勢いよく葉を加えることで、自然の一部をそのまま切り取ったような作品に仕上げました。⎯⎯Netflix「サンクチュアリ」では「胡散臭さ」をテーマに挑まれました。　はい。胡散臭さも自分に落とし込めるものではないので、その要素を考えることで具体化していきました。「本物に見えて、本物ではない状態」がその正体なんじゃないかと思って、半分本物というバランスにこだわりました。木蓮の立ち上るような大きな枝を使って“本物っぽさ”を見せながらも、花だけは造花を。全部が偽物だと、胡散臭いよりも単に偽物という印象になってしまうので、本気で偽物を作ることを目指しました。⎯⎯まずキーワードを分析して伝わる形に落としていくんですね。　そうですね。一番大切なのは、見ている人に伝わるかどうかです。なのでただ好き勝手に表現すればいいわけではなくて、独りよがりにならないように意識していています。見た人が心に何かを感じるものがないと意味がないと捉えています。「守破離」を通じて得た表現　いけばなの境界線⎯⎯華道の魅力は何だと思いますか？　「花を生ける」ことって、心がリフレッシュして楽しいものなんです。ただそれはやってみないと分かりません。だから、お花屋さんの花でもいいし、雑草でもいいので一度試してみてほしい。　生きていく上で、花を生けることは必ずしも必要ではないように見えますよね。けど人は昔からいけている。華道が生まれた室町以前でも竹や松を神の拠り所として立てていました。本能的に花をいけたいという気持ちが備わっているんだと思います。⎯⎯これをしたら華道ではなくなるという境界線はありますか？　境界線はないと思っています。極論を言えば、何もいけていなくても、そこに理由や妥当性があり、見る人が理解してくれるなら、それはいけばなの表現として成立する。　そうは言っても、やはりそれまで花と向き合ってきた時間が重要になります。芸道における修行の過程を指す言葉として守破離があります。守は基本的な型（花型）を身につける段階で、そこに自分なりの工夫や応用を加えるのが破、型（花型）にとらわれずに自分のスタイルを確立させるのが離。感覚的には同じですよね。守で培った土台があるからこそ、それを破り離れた時の表現に深みが生まれる。⎯⎯自分以外の人がいけたり、自身がパフォーマンスをしたりと、新しい試みを数多くされていますね。　2023年から北海道・函館の赤レンガ倉庫の35周年記念イベントに関わることなり、その中で1000本のアルストロメリアを1000人のお客さんにいけて貰ったんです。そうすると一人ひとり、ぐるぐると回りながら考え始めて。終わった後の嬉しそうな姿を見て、人はこんなにも花をいけたい生物なんだなって。こうした花をいけようと試行錯誤する姿やその状態そのものがいけばなの表現なのではないかと考えています。私の知らない私の花を求めて⎯⎯大谷さんが「美しい花型」に留まらない表現をし続けるのは何故ですか？　伝統を重視される方からすれば、こんなのいけばなじゃないと言われる方もいらっしゃるかもしれません。しかし、その伝統が新しく始める人にとって敷居になっていることも事実です。もともといけばなは床間ありきでしたが、現代において床間は一般的ではなくなっている。形式だけを守っていては人口は減る一方です。私は絶対に若い世代にもいけばなをつないでいきたい。そして、革新を取り入れることでそれができると考えているんです。⎯⎯いけばなにこだわる理由は？　海外でパフォーマンスをすると、「こういう花が見たかったんだ」と感動されます。アメリカ、中国、イタリア、インド…どこへ行っても反応は同じです。これってすごいことだと思うんです。日本人は自国の文化に対して謙虚すぎる気がしますが、実は世界が驚くような独自の「美意識」を、私たちは古くから持っている。その価値をもっと大切にしたいんです。⎯⎯独自の美意識とはどういうものだと思われますか？　例えば、色とりどりの花を隙間なく敷き詰める西洋のフラワーアレンジメントは、空間を「埋める」ことで美しさを構築します。それは人生の最も輝かしい一瞬だけを摘み取って、隙間なく押し込めるような、ある種のエゴイスティックさを感じる美しさです。　対して日本の美意識は、もっと「生命賛歌」に近いというか。花だけじゃなく、うねった根っこや、枯れた松の葉、ただの石にさえ美を見出す。なぜこれらが美しく成立するかといえば、その周囲にある「何もいけていない空間」に意味を持たせているからです。⎯⎯「足し算」ではなく「引き算」の文化？　そうです。アメリカの作曲家の方と対談した際、日本の音楽にある「間（ポーズ）」が素晴らしいと絶賛されました。何も音が鳴っていない時間に、意味を込める。この「間」や「空間」を大切にする考え方は、他に類を見ない豊かな文化です。そのことに、もっと誇りを持っていいはずです。⎯⎯最後に、これからの目標を教えてください。　教室を始めて15年になりますが、人によって表現が全く違うので、一日として飽きることがありません。私の師匠は90歳を超えても花をいけ続けていました。私も、生涯現役でいたいですね。華道は決して怖いものではありません。花とお話を楽しむくらいの気軽な気持ちで、扉を叩いてほしいです。　草月流は自由な流派だからこそ何かやるたびに自分の新しい扉が開ける。私は私の知らない私の花を見てみたい。だからこの先も表現を続けていきたいです。

Beauty

「抗えない運命を、花で表現してください」　華道家 大谷美香が語る“美しさを超えた表現”

彫刻的な黒の世界　ショーは黒を基調としたルックから始まる。身体を覆うようにパーツを組み上げた構築的なシルエットが続き、ブランドらしい立体的なフォルムがランウェイに現れた。　黒の立体装飾やボディピースなど、造形的で彫刻のようなアプローチが印象的。植物の棘を連想させる透明のアクリルのパーツを組み合わせたハーネスは身体の前面に突き出すように広がり、服とオブジェの境界を曖昧にする存在感を放っていた。差し込まれるベージュ　中盤にはベージュのルックが登場。ダークな世界観に柔らかな色調が差し込まれ、チュールや花の装飾を伴った軽やかな表情がコレクションに小さな変化をもたらす。　MA-1ジャケットをはじめ、ボリュームのある袖やジップ使いなど、実用的なアイテムとディテールがノワールらしい構築的な造形と融合する。印象的な赤とドクロ　やがて、その黒の世界の中に印象的な赤が現れる。装飾は徐々に増え、赤のモチーフが絡みつくようにあしらわれていく。巨大なウィッグをドクロのごとく刈り込んだ巨大なピースなど、ランウェイに強いコントラストが生まれた。花で満たされるラストシーン　終盤、赤はニット素材の可憐な花となり、ワイヤーフレームのドレスに咲き乱れるように配置。ホワイトシャツやフーディなどベーシックなインナーとのコントラストを描きながら、コレクションは徐々に華やかな表情へと変化していく。　花の装飾がさらに密度を増し、ワイヤーフレームに無数の花を配したボリュームのあるドレスが登場。黒の世界から花が咲き広がるイメージを視覚的に印象づけた。プーマとグレンソンとのコラボシューズ　足元では「プーマ（PUMA）」とのコラボレーションスニーカーが登場。アイコンモデル「スピードキャット」をベースに、アッパーを半透明のシリコンでコーティングし、花のモチーフを立体的にあしらったデザインに仕上げた。今年秋の発売を予定している。　さらに英国の老舗シューズメーカー「グレンソン（GRENSON）」とのブーツが登場。重厚なレザーシューズが構築的なシルエットを足元から支えていた。花が示すポジティブなエネルギー　暗い空気の中から花が芽吹くような今シーズンのコレクションは、不安や緊張を抱えた時代の中で創造のエネルギーを見いだそうとする試みとして読むこともできる。　ショーでは長谷川白紙と細井徳太郎による実験的なサウンドが流れ、静かな緊張感を帯びた空間を作り出していた。

noir kei ninomiya

Fashion

2026年秋冬コレクション

ノワール ケイ ニノミヤ　黒の構造から花が咲き広がる「DARK BLOOMING」

花アートの魅力は「手軽さ」「選ぶ楽しさ」そして「特別感」　枯れない、手間いらずの「花アート」でコロナ禍に特に注目を集めたのはレゴ®だった。「レゴ®ボタニカルコレクション」では、ドライフラワーやフラワーブーケ、胡蝶蘭、多肉植物などバリエーション豊富に展開。大人向けに、マインドフルネスとストレス解消のために開発された同コレクションは、手間をかけずに生花のようにインテリアを彩ることができるだけではなく、「作る」という過程も楽しまれている。今回紹介する花アートも同様に、花を選ぶ感覚で色や形を吟味し、パーツを組み合わせて自分らしくコーディネートを楽しむという購入体験に加えて、一点物という特別感が支持される一因となっているようだ。　ルミネエスト新宿店では若年層をメインターゲットに、若手作家を積極的に起用したポップアップを開催。花アートを制作する作家も取り上げており、担当者は「おうち需要の高まりの中でインテリアにこだわる顧客が増えている。コロナ禍が落ち着いた今も、生花を問わず“花”を飾るという楽しみ方は定着している」と話している。花の形のアートピースを作る3人の作家　1点ずつ手作りで花の形のインテリアを制作する作家3人を紹介する。Yuri Iwamoto - うにうにと動き出すような花を提案　富山を拠点にガラスの作品を制作しているYuri Iwamoto（以下、岩本）。同氏の作品は、意思を持った生き物のように、うにうにと動き出すようなシルエットが特徴だ。「ガラスの“意思”をなるべく留めるように形を作ることを意識し、素材自体が持っているエネルギーを発露させることを大切に制作をしている」（同氏）という。　花をモチーフにした作品を制作するようになったきっかけは、自身の趣味でもある登山。夏は北アルプスの花が有名な山の山小屋で働いているという岩本は、高山帯の厳しい環境でも風雨に耐えて咲く花の生命力に、ガラスの素材としての力強さと共通する魅力を感じたという。昨年からは「リトルサニーバイト（little sunny bite）」とコラボレーションし、ワインを注ぐと花弁に色がついたように見えるチューリップ型のゴブレットを販売しているほか、花の生命力を意識したオブジェなどを制作している。　作品の購入者は女性が多く、同氏の作品はカラーバリエーションが豊富な点も支持につながっていると分析。花を想起させる春によく売れるそうだ。特に人気の高いチューリップのゴブレットは、注ぐドリンク次第で花の部分の色を変化させられる点など、作品自体を気分によってアレンジできるような要素が人気の理由だと感じるという。soil - アソートの販売で自由自在なコーデを可能に　陶器で作られた花や花瓶を展開するsoil。花と葉、花瓶をそれぞれアソートで販売している。生花ではアレンジメントにコツやセンスが求められるが、同氏の作品はどんな組み合わせでも美しく彩ることができる。中には1時間ほど迷いながらも、組み合わせを楽しんで購入するユーザーもいるそうだ。　soil自身も花のある暮らしに憧れたが、余裕のない暮らしの中で花を枯らしてしまった体験があるという。「陶器の花なら枯れない」と初めて作った作品は周囲からも好評。これが現在のブランド活動につながっている。造形を極力抽象化することで「ハンドメイド」ではなく「アート性」を高めた作品作りを心がけているという。kosokoso - 「じょうぶなしょくぶつ」は海外からも人気　石膏粘土、樹脂、ビーズなど複数の素材を組み合わせて「じょうぶなしょくぶつ」というシリーズを幅広いバリエーションで展開するkosokoso。ブローチ、ピアス、イヤリング、リングなどさまざまに制作しているが、特に植物と花瓶がセットになった観賞用のプロダクトの人気が高い。購入者の年齢は10〜50代と幅広く、「他のかたちや色違いなどを集めたい」というリピーターも多い。年々ユーザーも増え、SNSへは海外からのアクセスも多いという。　リアルな造花ではなく、世話をしなくても常に元気で生き生きとしたカラフルなプロダクト作りを目指し、石粉を主原料とした石塑粘土を使用するなど、丈夫で壊れにくい構造になるように工夫がされている。小ぶりなアイテムは組み合わせることで花束のような表情も見せる。「痒い所に手が届く」インテリアアートはもっと身近なものに　紹介した3組の作家に共通するのは、実物以上にヴィヴィッドなカラーリングと抽象化された造形で、花という親しみのあるモチーフをアートピースに落とし込んでいる点。購入者からは「家にアートピースを飾りたいけれど、選ぶ基準が難しくハードルを感じていた。花のモチーフのアイテムは花を選ぶ感覚で自分の審美眼を信じて素直に選べて嬉しい」といった声も聞かれた。　soilの島谷によると「生花を持ち込めない病院への手土産に購入されるお客様もいる」という。また、kosokosoの加藤は「本物の植物ではないので、犬や猫が誤って食べてしまう心配がないことから、ペットと暮らしているお客様にも好評」だといい、意外なニーズも満たしているようだ。　いち早くsoilの単独ポップアップを企画し、今年2月に開催したルミネエスト新宿店の担当者によると、外出ニーズが高まってもインテリアは引き続き幅広い世代に需要の高いカテゴリーと捉えており、花アートのほかにはタフティングラグのワークショップや、ワインを片手に絵画を描けるアートショップバーなど、商品の販売だけではなく＋αの体験ができるショップに注目しているという。花に限らず「自分で選ぶ、作る、アレンジする、そして飾る」というインテリアアートの需要は今後さらに広がっていきそうだ。

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