インサイド

デザイナーを夢見たサッカー少年がブランドを立ち上げるまで　スボルメは、渡邉代表が大学卒業後に文化服装学院へ進み、ギャル向けファッションアイテムの生産を手掛けるOEM企業で生産管理などを学んだ後の2006年に設立した。幼稚園から大学までサッカー漬けの日々を送りながらも、ファッションに夢中だったという渡邉代表。「専門学校に入学してからも趣味でサッカーを続けていたため、機能的なウェアに興味がありました。動きやすくて自分が『着たい』と思える、ファッション性の高いものを作りたいという思いが当時からあったんです。学校の製作物でも、周囲がウールのロングコートなどを作る中、私はウール素材でスタジャンを作っていました（笑）」と当時を振り返る。　2000年代初頭のフットサルブームも追い風となった。女性を中心に「可愛いウェアが欲しい」という需要が生まれた好機を捉え、ファッション性を取り入れたフットボールアパレルを製作。「それまで、フットサルやサッカーのウェアといえば白や黒、赤、青といったベーシックなカラーがほとんどでした。我々は『スポーツファッション』という領域の中で、よりカジュアルに着やすいデザインやカラーリングを意識しました」。前職の経験を活かし、女性目線を取り入れたデザインやウィメンズサイズを展開したことも奏功した。　現在もカラーリングには強いこだわりを持つ。市場の動向から次シーズンのトレンドカラーを予測してパレットを組み立て、それをベースにデザインを設計。最新トレンドを意識しつつも、プレーヤーが抵抗なく着用できるよう、ベーシックなスポーツウェアへと落とし込んでいる。　ブランド設立後、仕事に専念するため一度サッカーから離れた渡邉代表。しかし、それが原因で運動不足となりランニングを始めた。そこで「もっと走るのが楽しくなるデザインのウェアがあればいいのに」と感じたことを起点に、2016年にランニングカテゴリーをスタート。現在に至るまで、サッカーとランニングの二軸で商品展開を行っている。シューズ事業への参入から15年、悲願のW杯へ　アパレル主軸でスタートした同ブランドだが、2011年にシューズ事業へ本格参入を果たす。スポーツブランドとしての認知向上のため、創業当時から「ギア（シューズ）の開発は必須」と考えていた渡邉代表だが、アパレルとは比にならないほどの初期投資やコストがかさみ「最初はとにかく苦労した」と振り返る。そうした試行錯誤の末に生まれたのが、鈴木選手の活躍によって業界内から熱視線を浴びているスパイク「デルサルマ（DELSALMA）」シリーズだ。　鈴木選手とスボルメの出会いは、同ブランドが鈴木選手の母校である帝京大可児高校のウェアをサポートしていたことがきっかけだった。すでにプロ入りが決まっていた高校3年生の時にデルサルマシリーズの着用を開始。以来、現在に至るまで約5年にわたり、鈴木選手の足元を支え続けている。　「履き続けてくれている一番の理由は、何より『足に合っている』と実感してもらえているからだと思います。人の足の形は千差万別。特にサッカーのように走る、止まる、切り返すといった複雑な動きが激しく求められるスポーツでは、自分の足にフィットするシューズを選ぶことが選手生命をも左右します。大手ブランドでは、新モデルが出ると契約上それを履かなければならないという制約があると聞きますが、それが必ずしも選手の足に合うとは限りません。本当に気に入った一足を長く使い続けられることは、選手にとって最大のメリット。私たちのスパイクも、そうした深い信頼関係のなかで愛用してもらえているのだと感じています」。　デルサルマシリーズは、ブランドの主力アイテムとして約2年おきにアップデートを行っている。「私たちが展開するサッカースパイクは2型のみと非常に少数です。新モデルの開発には巨額の投資が必要な上、ラインナップが多すぎると発信も分散してしまい、現在の私たちの規模ではマンパワーが追いつきません。ターゲットを絞り込んでしまうリスクはありますが、まずは限られたモデルにすべてのリソースを注ぎ、開発を続けています」。　シューズ事業は、未だ軌道に乗った手応えはないという。「今回こうして取材が入るのも、裏を返せば『そんなブランドは聞いたことがなかった』という新鮮な驚きがあるから。私たちは以前から実直に発信を続けていますが、全国どこのショップにも並んでいるわけではありませんし、ピッチで履いている選手を見かけることもまだ稀です」。引き続き、関わりのあるチームや選手一人ひとりと密にコミュニケーションを取り、愚直に製品を届けていく。次なる日本代表選手の輩出へ、20年の節目でもブレない精神　今年でブランド設立20周年の節目を迎え、W杯という大舞台で脚光を浴びる今も、「私たちの基本姿勢は変わらない」と渡邉代表は言い切る。主なターゲット層である部活生や、ジュニアユースのクラブチームに所属する10〜15歳の若い選手たちへのアプローチを地道に続けながら、アスリートの声に徹底して寄り添う商品開発をブレずに推進していく構えだ。　渡邉代表は、自社の強みを「小規模ならではのフットワークの軽さ」と分析。「資本力や認知度に限って言えば、世界的なブランドと同じ土俵で戦うことは到底できませんが、我々は日本のユーザーのニーズを直接現場で聞き、対話しながらものづくりができる環境にあります。育成年代の選手やチームに寄り添うアプローチは、すぐに結果が出るものではなく、気の遠くなるような長期の『種まき』です。鈴木選手のような存在が再び私たちのシューズから現れるまでには、ここからさらに7年、あるいは10年以上かかるかもしれない」としつつも、「それでも私たちは選手ファーストの姿勢を愚直に貫き、日本の選手たちに最も近い距離で寄り添える存在であり続けたいと思っています」と展望を語った。

SVOLME

Sports

W杯で話題の日本発スパイク　サッカーとファッションを愛する「スボルメ」社長を直撃

──ファッショニスタとして知られるNICHOLASさんがファッションに興味を持ったきっかけは？　練習生時代に毎月受けていた事務所内の実力テスト「月末評価」がきっかけです。あるとき私服でパフォーマンスをする機会があったのですが、そのときに周りの練習生と比べると自分はすごくシンプルな服しか着ていないことに気付いて。同じパフォーマンスをしていても、服装によって伝わる印象やメッセージが大きく変わることを実感したんです。「服には人を表現する力があるんだ」と感じて、そこからファッションに興味を持つようになりました。それ以降は買い物をする機会も増えましたし、これを着たら、自分はどう見られるかなと意識するようになって。そうやって少しずつ、ファッションについて学んでいきました。──今ではかなりファッションへの造詣が深い印象です。どのように勉強してきたのでしょうか？　最初はSNSで調べたり、好きなアーティストや先輩方のスタイリングを参考に真似をして自分のスタイルを探していきました。でもだんだんとブランドの歴史に興味を持つようになって。ブランドやデザイナーの歴史について書かれた本を読んだりしながら、「なぜ100年以上続いているブランドがあるんだろう」と考えるようになりました。　ファッションは流行の世界なので、どんどん新しいものが出てきますよね。でもその中で何十年、何百年と愛され続けるブランドがある。その理由を知りたいと思ったんです。調べていくと、長く愛されるブランドには必ず一貫したコンセプトや哲学があって、ただ服を作っているわけではないことが分かりました。デザイナーが何を考えてその服を作ったのか、どんな価値観を世の中に伝えたかったのか。そういう背景に興味があるので、服そのものだけではなくその裏側にあるストーリーや考え方を調べるようにしています。アーティストは、長く愛されることが必要な職業です。どうしたらファンの皆さんに長く愛されることができるかの糸口を、ファッションの歴史の中から探そうとしている部分もあるかもしれません。──ファッションについて学んでいく中で、着る服に対する考え方も変わりましたか？　最初は「かっこよく見られたい」という気持ちだけで服を買っていました。でもファッションの歴史や背景について学ぶうちに、服を選ぶ基準が少しずつ変わっていったと思います。以前はトレンドや見た目を重視していたのですが、今はその服を着ることで自分が何を表現したいのかを考えるようになりました。その日の気分だったり、自分が伝えたいメッセージだったり、服は言葉を使わなくても表現できるものだと思うんです。だから今の僕にとってファッションは、自分を表現するための言語のような存在です。ファッションには正解がありません。人それぞれ違う価値観や個性を自由に表現できるところが魅力的ですし、だからこそずっと興味が尽きないんだと思います。──プロジェクト「WENO-ISM」はどのような経緯で始動しましたか？　デビューしてからずっと、いつか自分のアパレルブランドを持ちたいという夢を持っていました。ファッションについて学ぶようになってから、服を見るたびに「自分だったらどんなデザインにするだろう」と考えるようになって、いつか自分の手で何かを作ってみたいという気持ちが自然と生まれたんです。その夢については以前から会社やメンバーにも話していて、今回ご縁がつながり、ヌビアンさんとの協業という形で実現することになりました。　ヌビアンさんは、休日に必ずと言っていいほど買い物に行くお店の一つです。少し変わったデザインや一癖あるアイテムが好きなので、店内に揃うアイテムからいつも新しい刺激やインスピレーションをもらっています。&TEAMの衣装でもお世話になっていますし、ファンとして通っていたお店と一緒に、自分がずっとやりたかったことを形にできるのは本当に特別なことだと感じています。──「WENO-ISM」というプロジェクト名にはどのような意味が込められていますか？　「WENO」は、僕が大切にしている“WHY NOT？”という考え方から生まれた言葉で、韓国語で「なぜ」を意味する“WHY”と英語の“NOT”を組み合わせて作りました。そこに「主義」や「流儀」を意味する“ISM”を加えて、「新しいことへの挑戦を前向きに楽しむ」という考え方を反映しています。　“WHY NOT？”は英語で「なぜダメなの？」「やらない理由はある？」という意味の言葉です。新しいことに挑戦するとき、不安や迷いから先に「できない理由」を探してしまうこともあると思うのですが、僕は昔からこの言葉をおまじないのように心の中で唱えながら、「やりたいならやってみよう」「まずは挑戦してみよう」と一歩を踏み出してきました。今でも何か新しいことに挑戦するときは、この言葉に背中を押してもらっています。自分の活動の原動力になっている考え方だからこそ、今回のプロジェクトの核にすることを決めました。──今まで「WHY NOT？」のマインドでどのようなことに挑戦してきましたか？　本当に色々なことに挑戦してきました（笑）。子どもの頃はピアノやバイオリン、ギターをやっていましたし、テコンドーも習っていました。バドミントン選手として活動していた時期もありますし、その後はバスケットボールにも挑戦しました。もちろんアーティストを目指し始めたこともそうで、最近だとボクシングにハマっています。興味を持ったら、とりあえずやってみる。その考え方はずっと変わらないですね。 ──今回アパレルアイテムと小物の計6アイテムをデザインされました。どのようなことを意識して製作しましたか？　ブランドの歴史を学ぶ中で、「意味があるデザイン」と「意味がないデザイン」の違いを強く感じるようになりました。だから今回は、ただ見た目がかっこいいものではなく僕だからこそ生み出せるものを作りたかったんです。台湾で生まれ、親戚の影響でアメリカの文化に親しみ、韓国で練習生として過ごし、日本でデビューした僕の歩みやルーツも、デザインの大切な要素になっています。 　今回は“自由”という考えを、僕の好きな2つのカルチャーを通して表現しています。ひとつは、デニムやウエスタン、カウボーイカルチャーから着想を得た世界観。カウボーイには、自分の信じる道を進んでいくような自由さがあると思うんです。その力強さや開放感をチェックシャツとデニムのヘッドウェアに落とし込みました。もうひとつは、2000年代のロックやパンクカルチャーから影響を受けたダークな世界観です。ロックやパンクには、「こうあるべき」という既存の価値観やルールに縛られず、自分のスタイルを貫く精神がありますよね。その反骨的なエネルギーにすごく惹かれるので、そうした空気感を少し退廃的なデザインで表現しました。──特に気に入っているアイテムはありますか？　難しい質問ですね（笑）。どれも気に入っていますが、中でもヘッドウェアは特に思い入れがあります。ずっと「こんなものがあったらいいな」と考えていたデザインを形にできたアイテムなんです。　実は制作過程で一番苦労したのはデニムのヘッドウェア。ファーストサンプルがイメージとは全く違うものになってしまって、本当に焦ったのを覚えています。一時はどうなることかと思いましたが、スタッフの皆さんや友人にフィードバックをもらいながら何度も調整を重ねて、ようやく納得できる形に仕上げることができました。かなり自分の趣味全開のアイテムなのですが、だからこそ僕みたいに少し捻くれたデザインが好きな方には刺さるんじゃないかなと思っています。苦労した分、今回のコレクションの中でも特に愛着のあるアイテムですね。 ──いくつかのアイテムのディテールには&TEAMやLUNÉ（&TEAMのファンの呼称）をイメージしたデザインも隠されているそうですね。　そうなんです。今回は自分の好きなものや個性を表現するだけでなく、僕の大事な構成要素である&TEAMとLUNÉとのつながりもデザインの中に落とし込みました。このプロジェクトは僕一人で生まれたものではなくて、&TEAMとして活動してきた経験や、いつも応援してくださるLUNÉの皆さんの存在があって実現できたものだと思っています。だから、自分だけのものではなく、&TEAMらしさもどこかに入れたいと思ったんです。　例えばTシャツの3本線は、&TEAMのコンセプトでもある狼の爪痕をイメージしています。さらに横にして見ると、僕の本名の苗字「王」の字にも見えるようになっているんです。自分自身と&TEAM、その両方を表現できるモチーフにしたかったので、すごく気に入っています。ほかにも、バッグやキャップには&TEAMのロゴである「&」をさりげなく取り入れています。ファンの皆さんはこういう細かい意味や隠れたメッセージを見つけるのが好きだと思うので、ちょっとしたサプライズです。 ──もしメンバーに着てもらうなら誰に、どのアイテムを着せたいですか？　Kくんはキャップとチェックシャツ。普段も好んで着ているスタイルなので、絶対に似合うと思います。FUMAくんはデニムが好きなので、デニムのヘッドウェアに挑戦してほしいですね。実はさっきEJに宿舎でチェックシャツを着せてみたんです（笑）。すごく似合っていたので、次はデニムのヘッドウェアも合わせて着てほしいです。YUMAは普段あまりデザインの強い服を選ばないので、Tシャツが似合いそう。シンプルだけど、オシャレに決まるので気に入ってくれると思います。　JOはスタイルがいいので、正直なんでも似合いそうです。ずるいですね（笑）。HARUAにもさっき着せたのですが、黒いヘッドウェアのミステリアスな雰囲気がお気に入りみたいです。最近一緒に見ているアニメに出てくるキャラクターの魔女っぽいと言っていました（笑）。もう空港ファッションのコーディネートまで考えているらしいです。TAKIは、デニムのヘッドウェアが似合いそう。明るくてエネルギッシュな雰囲気が彼にぴったりだと思います。MAKIもTAKIと同じく、デニムのヘッドウェアが似合いそう。もともと今回のコレクションの世界観と彼の雰囲気には通じるものがあると思っていて、個人的にもすごくイメージが重なります。──今回のコレクションに合わせて個人のInstagramを開設されました。今後はどのようなことを更新していく予定ですか？　ずっと個人のInstagramをやってみたいと思っていたので、開設できて嬉しいです。今回こうしてプロジェクトを始めることができたので、まずはその発信を中心に、僕自身が好きなファッションについてもたくさん発信していきたいですね。普段の私服やコーディネート、日々インスピレーションを受けたものなども少しずつ共有できたらと思っています。ファッションが好きな方にも楽しんでもらえるようなアカウントにしていきたいです。──デビュー4年目を迎えた今、&TEAMのNICHOLASとして、そして一人の人間としての目標を教えてください。　&TEAMのNICHOLASとしては、これからもパフォーマンスを通して楽曲の世界観やメッセージをしっかり届けていきたい。歌やダンスだけではなく、その曲が持つ感情やストーリーまで伝えられる表現者になりたいです。　一人の人間としては、これからも好奇心を持っていろいろなことに挑戦し続けたいです。僕が「WHY NOT？」という言葉に背中を押されながらここまで来たように、今度は僕の姿を見た誰かの背中を押す「WHY NOT？」のような存在になりたいです。「やってみたいけど不安だな」と思ったときに、「NICHOLASも頑張っているし、自分もやってみようかな」と思ってもらえたら嬉しいですね。これからもLUNÉの皆さんと一緒に成長しながら、お互いに良い刺激を与え合える存在でいたいと思います。

Fashion

「ファッションは自由な言語」　&TEAM NICHOLASが語る服づくりと“WHY NOT？”精神

累計販売個数1250万個、「口金バッグ」により急拡大したアネロ　アネロが誕生したのは2005年。当時の日本は「クールビズ」という言葉が浸透し始め、人々のライフスタイルが変化するとともに、よりシンプルで機能的なデザインが求められるようになっていた時代。そんな時期に、問屋業として始まったキャロットカンパニーがブランドメーカーとなるべく立ち上げたのが自社ブランド事業であるアネロだった。小ロットから生産できるポーチやペンケースなどの小物からスタートし、2014年に発売した上部が「がま口型」になったリュック、通称「口金バッグ」が大ヒット商品へと成長した。　「あらゆる人が使いやすいように」という思いから、荷物の出し入れのしやすさを徹底的に追求して生まれた口金バッグは、発売直後国内の女性客を中心にマザーズバッグとして注目を集めた。当時は珍しかったがま口型の開け口は、その利便性から世界でも注目を集め、香港のタレントがSNSで紹介したことを機にグローバルでの認知が急拡大。ピーク時の年間売上は約120億円で、取り扱い地域は約35ヶ国にまで広がった。　現在もタイとフィリピン、マレーシアを中心に東南アジアでの人気は根強く、旗艦店も積極的に出店をするなど海外進出に注力してきた。一方、国内の販路は大阪に構える2つの直営店以外、すべて卸売による展開。2020年の東京五輪に合わせて観光客の集客を狙い、神宮前交差点の一角に旗艦店を出店したが、コロナ禍による観光客数の激減及びテナントの契約満了により2023年に閉店した。現在の直営店舗での売上構成比は海外が約8割、国内が約2割だが、取り扱い店舗が多いタイでは販売価格を日本の約1.3倍に設定している背景もあり、国内売上においても訪日外国人観光客による消費が大部分を占める構造となっている。なぜアネロはマイナスのイメージがついてしまったのか　リブランディングの理由　累計販売個数が1250万個を超えるアネロの代名詞「口金バッグ」。しかし、メガヒットを記録した一方で、いつしかそのアイコン商品にはマイナスイメージがつきまとうようになってしまった。「一度“流行り切った”ブランドが再度受け入れてもらうためには何が必要か、多方面から深く見つめ直す必要はあった」と角谷氏は振り返る。「ブランディングがそもそも無かった」　そもそもアネロの急成長は、口金バッグという単一商品の大ヒットによってもたらされたものだった。さらに言えば、その人気はブランド側が緻密に仕掛けた結果ではなく、思いがけず起きた自然発生的な“バズ”に過ぎなかった。　「意図せずに広まっていってしまったので、そもそもこれまで“ブランディング”という概念すら存在しないブランドでした。売れるから在庫と型数を増やしていく。そんなスタンスのアネロのバッグに対しては『よく見かけるから流行っているんだろうな』という印象しか持たれていなかったと思います」と角谷氏。元問屋業としての営業力の強さによって流通・販売に強みを持っていたからこそ、当初は問屋を介して雑貨屋やバラエティショップなど幅広い販路に商品を卸していた。しかし強みは同時に諸刃の剣。問屋を介した販売は売り先や販売価格、イメージをブランド側でコントロールできず、「直営店の近隣のディスカウントショップで直営店より安く正規品が売られている、という事態にまでなっていた」という。鮨詰めに商品が並ぶバラエティショップで乱雑に安売りされている商品そのものが、ブランドイメージを毀損していた。どんなにマイナスイメージがついても「使いやすいから使い続けている」というファンは一定数いるものの、SNSでは年々「アネロを持っているのは恥ずかしい」という声が増えていった。マイナスなイメージが増すと、卸先での売上も下がっていった。　これらのイメージを払拭するべくリブランディングプロジェクトが始動した2年前、大々的なブランド調査を行ったところ、卸先で商品を見た人は購入意欲が低く、直営店や公式オンラインを見た人は購入意欲が高いというデータが明確になった。これを受け、リブランディングを機に事業方針を変更。現在も全国に卸先を抱えているものの、今年から来年にかけて段階的に既存のBtoB事業から、BtoC事業を強化していく。「リブランディングの一番の目的は、自分たちでブランドをコントロールすることができる直営店や直販体制の強化です」。マイナスイメージを持っているのは30代以上　年齢別に消費者の意識を見ていくと、ブランドに対してよくないイメージを持っているのは30代以降という統計が取れた。「20代の方々はそもそもアネロが流行っていた時代のことを知らない。良くも悪くもニュートラルな状態で新しいアネロを受け入れていただけると思っています。感度の高い若年層が新しいアネロに注目してくれたら、次第と上の世代の認識も変わっていくのではないでしょうか」。（角谷氏）「安価なバッグ」の選択肢が増える中、アネロに求められるものは　アネロのバッグが人気を博した理由の一つに、1万円以下という手に取りやすい価格設定がある。「当時はアネロの競合と呼べる存在がいなかった。アウトドアブランドのバッグは1万円、2万円を超えている中で、1万円以下で幅広い商品数やカラー展開を揃えているブランドは日本にはなかったんです」と角谷氏は振り返る。　しかし近年は「ユニクロ（UNIQLO）」や「無印良品」から2000〜4000円台のバッグが多数登場し若年層の支持を集めている。変化する市場の中で、決して“高価格帯ブランド”になりたいわけではない、そんなアネロが次なる価値として提案するのは利用者の生活に寄り添う「SCENE ASSIST」という考え方だ。新たに誕生した5つの新ライン　リブランディングでは、ブランドコンセプトと商品ラインを新たに設定。バッグを使う“人”を深く見つめ直した。背景にあったのは、国内のブランド認知は50％と高水準だが、認知はされていても比較検討の際に選ばれるブランドになれていないという課題。”偶然売れた”バッグではなく、ユーザーのために存在し、選ばれるブランドへ。リブランディングを経て、店頭には今年2月から新コンセプトのもと開発された商品が並んでいる。　新コンセプト「SCENE ASSIST」では、使用者の利用シーンに合わせた5つのラインを新設。ラインごとにバッグを使うシーンを掘り下げ、使う人をアシストするバッグをラインナップしている。ブランドコミュニケーションにおいても、各ラインが別のブランドに見えるように世界観を分けた。各ラインが豊富なシリーズとカラーバリエーションを揃え、今後も順次商品を追加していく。１.トラベル向け「EXPAND」  　トラベルシーンを軸にした提案を行う「EXPAND」には、大容量、撥水・防水、軽量、ポケットの数などを重視したアイテムをラインナップする。ジェンダーレスな雰囲気も特徴。（5000〜1万2000円） 2.子育て世代に向けた「MATE」  　子育て世代のニーズを叶えるアイテムが揃う「MATE」では、ポケットの中に防水と保冷機能のある素材を採用。ベビーカーの下に入れたままでも横からものが取り出せるサイドファスナーをあしらうなど痒いところに手が届く設計がポイント。ペット向けの商品も揃える。（3000〜1万円） 3.ビジネス、スクール向け「CONVERT」  　通勤通学シーンを意識した「CONVERT」は、洗練性やガジェット感をプラスしたクールなデザイン。（7000〜1万5000円） 4.日常使いしやすい「FIT」  　既存の定番商品を中心にまとめた「FIT」には、幅広い日常の移動をサポートするアイテムが揃う。（3000〜8000円） 5.口金リュックなどを展開する「NATIVE」  　アネロの象徴である「口金」を中心に構成した「NATIVE」。口金バッグからはロゴのワッペンがなくなったことでよりスマートな印象を与える。生地はシワのできにくいリサイクル生地にアップデートされている。（4000〜1万2000円）3年以内に全盛期の売り上げに戻したい　インバウンド需要への依存度が高く、国内消費者との接点が疎かになっていたことでブランドイメージが低下していたことへの反省から、国内では直販を強化することでイメージ刷新を図りつつ、強みを持つ海外マーケットでの展開も加速させることで「ジャパンブランドとしてもう一度世界で勝負がしたい」と角谷氏。　直近の目標は、国内のネガティブなイメージの刷新。そして、売り上げを3年以内に最盛期と同様の120億円規模まで復活させることだ。出店計画としては、一度は撤退した東京への直営店再出店のほか、インバウンド需要の高い国内主要都市への出店を目指す。また、現在旗艦店ではアネロだけでなく姉妹ブランドの商品も取り扱っているが、今後はブランドごとに独立した店舗を持つことでよりそれぞれの世界観を明確にしていくことでブランド価値向上を狙う。海外市場に対しては、主力の東南アジア市場の深耕に加え、ヨーロッパや中国、そして未進出である韓国への新規参入も視野に入れ、グローバルブランドとしての再起を懸けた挑戦を続けていく。アネロ公式サイトphotography: Katsutoshi Morimoto, text & edit: Chikako Hashimoto, project management : Erika Kawahara (FASHIONSNAP)

Business

マイナスイメージ脱却へ　大ヒットした“口金バッグ”を反面教師にアネロはどう再起する？

ブランド名に込められた"幸運をもたらす"という想い　フォンタナの歴史は1915年、フィレンツェに遡る。芸術家や画家、ジャーナリストとしても活動した創業者のグイド・ピエラッチ（Guido Pieracci）が、工房と店舗と住まいを一体にしたカーサ・エ・ボッテガ（Casa e bottega）を立ち上げた。ブランド名のフォンタナはイタリア語で「泉」を意味し、"幸運をもたらすもの"として古くから親しまれてきた言葉だという。工房の庭には泉があり、その水面に浮かぶ葉をイメージしたモチーフが誕生した。今もバッグの内ポケットにひっそりと刻まれている。　1945年にミラノへ拠点を移し、中心部のポルタ・ロマーナ地区に工房を構え、ブランドとしての本格的な成長を遂げた。1981年には芸術家で彫刻家のジョ・ポモドーロ（Giò Pomodoro）がデザインした「F」ロゴがブランドのアイコンとして認知されるようになった。　フォンタナのものづくりを語る上で欠かせないのが、「職人的工業（artisan industrial）」という独自の哲学だ。ミラノ本店は工房と一体となっており、日々職人たちがバッグを制作している。「職人が育つ最高の環境は、若い世代とベテランが共に働くこと。かつてはどの店に行っても、その裏で職人が作っていて、お客さまはそれを目の前で見ることができました。今、それができる場所はほとんどありません」とパオロ。　ミラノを拠点にしながらも、ミラノ・ファッションウィークに合わせたコレクション発表は行わない。「私たちはしっかりとスタイルを持っているので、トレンドを追うことはありません。ファッションは時代によって変わりますが、スタイルは永遠に残ります」。　その言葉通り、フォンタナのバッグはシーズンによって大きく変化することがない。アイコンバッグ「A」はアルファベットの最初の文字であり、フォンタナを代表するモデルだ。「Atypical（型にはまらない）」「Authentic（本物）」「Attractive（魅力的）」の意味も込められており、大きなフロントポケットと馬具由来のブライドルストラップが特徴。男女問わず持てる都会的なブリーフケースのような佇まいで、世界中の顧客から長年愛され続けている。　スタイルが変わらないということは、ずっと使い続けられるということでもある。普遍的なデザインと高い耐久性は、次の世代へと受け継ぐことができるサステナブルな形。それもまた、長年ブランドが支持されてきた理由のひとつだろう。ファッションの玄人たちがフォンタナを選ぶ理由　セレブリティをはじめ、ファッション業界のプロたちにも長年選ばれてきたブランドでもある。特に印象深いのが、イタリア版「ヴォーグ（VOGUE Italia）」元編集長のフランカ・ソッツァーニ（Franca Sozzani）の逸話だ。普段ハンドバッグをほとんど持たない人物として知られていた彼女が、愛用し続けたのがフォンタナの「Mini A」バッグだったという。色や素材違いで所有し、あらゆるイベントにこのバッグを携えて来場する姿が多くの写真に残っている。　「Mini A」はスマートフォンやカード、お金、鍵、口紅など必要最低限のものが収まるサイズ感で、ストラップを付けてクロスボディに、外せばクラッチとしても使用できるミニバッグ。シンプルに見えるが、内側もすべてレザーで仕上げている。「小さいバッグほど難しく、より高い技術が求められます。熟練した職人たちが細部まで丁寧に仕上げています」とミケーレは話す。　長年「シャネル（CHANEL）」や「フェンディ（FENDI）」を手掛けてきたファッションデザイナーのカール・ラガーフェルド（Karl Lagerfeld）も愛用者の一人だったという。「本当のクオリティを理解している人たちが選んでくれていることが、何より誇らしい」とミケーレ。円安や物価高の逆境でも　再上陸に向ける期待　フォンタナと日本の縁は深い。まだヨーロッパのブランドがほとんど日本に進出していなかった1960年代に、父・カルロ・マッサがいち早く日本市場に参入した。「日本人はクオリティに対して非常に敏感です。イタリアと日本の美意識には、共通するものが多いと感じます」とパオロ。その後一度退くも、バーニーズ ニューヨーク（BARNEYS NEW YORK）などのセレクトショップでも扱われてきた。　フォンタナは現在、ミラノに構える自社ブティックでの販売を中心とした限定的な販路に留めているが、日本だけは例外だという。円安や物価高といった逆風の中で再上陸を決めた理由を問うと、「大手ブランドでさえ、今は戦略に迷っています。だからこそ、私たちは今がチャンスだと思っています。日本はクオリティーの高いものを見極める人がたくさんいる国。私たちはそうした方々に、本物のラグジュアリーバッグを届けたいと思っています」とパオロは語った。モノの価格が上がり続ける今、安さではなく、価値のあるものに投資したいと考える消費者も増えている。ブランドの知名度やロゴではなく、上質でタイムレスなバッグの価値はさらに見直されていくだろう。

Fontana Milano 1915

ファッション玄人が愛用するバッグ「フォンタナ ミラノ 1915」　創業111年の哲学

思い出の日韓大会、“富士山”モデル⎯⎯前回の座談会に続き、今回は日本代表のユニフォームに焦点を当てた内容で進めさせていただければと思います。そもそも、皆さんはいつからW杯を観始めましたか？Genshi Yamasaki（以下、Genshi）：僕らの世代は、年齢的に2002年日韓大会じゃないですか？ 俺は当時小学5年生でしたね。ヌマタユウト（以下、ユウト）：俺は中2やな。Genshi：チュニジア戦が平日の15時半キックオフで、小学校から「W杯を観なさい」って言われて早く帰らされた記憶があって、どうでした？ユウト：うちの中学もそうやったわ！RIKU OSHIMA（以下、RIKU）：確か、決勝トーナメントのトルコ戦も平日の同時間帯だったんだよね。Genshi：それで、オカンが普段マクドナルドとか買うてくれへんのに、「買って観ようか」って言ってくれて、「ええの！？」ってなった思い出（笑）。ウツミタクト（以下、ウツミ）：可愛い思い出だね。ユウト：でも分かるよ、それくらい特別な日で全員が沸いてたよな。⎯⎯ありがとうございます！その2002年日韓大会で着用されていたのが、この“富士山”（2002〜2003年）です。RIKU：俺が歴代で一番好きなモデルだ。アウェイもめちゃくちゃ良いんだよ。Genshi：このユニフォームが、「世界と戦える」って日本人のサッカーに対する概念を変えたし、モデル名もめっちゃ日本っぽくてええよな。当時のブカブカ感で、半袖が6部袖くらいになるのもいい。ヌマタ：これはオーセンティックモデル（注：選手が試合で着用する素材・仕様で作られたモノ）だよね？ 今と違って生地が分厚いわ。ウツミ：しかもメッシュを使った二重構造だったんだね。Genshi：こうやって見てると欲しくなってまうな。JFA（日本サッカー協会）のエンブレムも、今と違うのが懐かしいわ。ウツミ：この黄色がスタイリッシュな感じで、僕はめっちゃ好き。背番号「10」のイメージは、やっぱりあの人⎯⎯お次は、2006年ドイツ大会の“刃文”（2006〜2007年）です。Genshi：初めて買ったユニフォームで、今見てもデザインが圧倒的にカッコよすぎる。ユウト：襟のデザインが当時の「アディダス」っぽくて良いわ。ウツミ：デザインはカッコいいけど、2006年ドイツ大会は惨敗だったね（注：グループステージを3戦1分2敗の最下位で敗退）。Genshi：サッカー少年たちが、2002年日韓大会で世界ともわたりあえると知るも、2006年ドイツ大会で「あれ、無理かも......？」ってなったよな（笑）。⎯⎯ちなみに、このユニフォームは中村俊輔の背番号「10」ですが、皆さんが思う“日本の背番号「10」”といえば？Genshi：やっぱりシュンスケじゃない？ 2006年ドイツ大会と2010年南アフリカ大会で背負ってたよね。ウツミ：2014年ブラジル大会と2018年ロシア大会で背負っていた香川真司は、本当に素晴らしい選手だけど背番号「10」って感じではなくて。世代的にシュンスケの印象が強いよね。Genshi：せやんな。俺らはシュンスケ以上の「10」が思い浮かびづらいかも。彼のようにプレースキッカーが「10」を背負うイメージがあるから、今とは少し意味合いも変わってくる。ユウト：2026年北中米大会は堂安律が「10」だけど、「プーマ（PUMA）」契約選手が背負うのは珍しくない？ウツミ：そうかも。“「アディダス」契約選手じゃないと「10」は背負えない”って都市伝説を聞いたことがあるから、2022年カタール大会に引き続き南野拓実か、もしくは久保建英かと思っていたけど、まさかだったね。RIKU：俺は、過去を美化するわけじゃないけど、ラモス瑠偉の背番号「10」は衝撃的だったよ。当時のJリーグの看板選手が背番号「10」を背負ってたんだから。まさしくこの時で（写真を指差す）、パンツの短さといい、この時のラモスはマジでカッコいい。ユウト：確かに、この時のラモスはイケてるわ。Genshi：そういえば、この頃は同世代の知り合いが代表のアンダーに選出され始めたこともあって、俺はユニフォームを着られんかったわ。RIKU：それはなんで？Genshi：俺は大阪府トレセンの最終で落ちるタイプやったから（注：地区＜都道府県＜地域＜ナショナルで選考）、着たい気持ちはあったけど選出外の身で日本代表のユニフォームは背負えなかった......（笑）。ウツミ：そんなこと気にせず着たっていいのに！Genshi：まだサポーターになりきれず、プレーヤーだったんやろな。日の丸はどこに入れるのがベスト？⎯⎯続いては、2010年南アフリカ大会の“革命に導く羽”（2010〜2011年）です。ユウト：シルエットが結構タイトだった時のユニフォームやな。ウツミ：2タイプあったんだよね。長谷部誠と長友佑都が着てたピタッとしてるコンプレッションウェア“テックフィット”と、遠藤保仁が着てた快適さを重視した少しゆとりのある“フォーモーション”。デザイン的にめちゃくちゃカッコいいわけでも突飛でもないけど、僕らの世代で覚えている人は多いんじゃないかな。ユウト：AFCアジアカップ2011の優勝時もこれ着てたしな。RIKU：それもあって、国内で日本代表のサッカー熱がグンっと上がったのは、明確にこのユニフォームの時期だと思うね。Genshi：日の丸が左胸上に付いてるのがいいね。⎯⎯これ以降、しばらく日の丸が左胸上にデザインされていました。ただ先日、自分がプライベートでチュニジアを訪れた際に最新ユニフォーム“HORIZON”を着ていたのですが、日の丸が分かりやすくデザインされていないこともあって（注：襟後ろにアリ）、話しかけられることは多かったのに誰にも日本代表のユニフォームだと認識されなかったんですよ。なので、個人的には分かりやすい位置に日の丸があった方が、代表感があって良いと思います。Genshi：間違いないね。いろいろな思想や意見はあると思うけど、俺も日の丸がデザインされている方が好きやわ。ウツミ：どんな思想であれ、日本人なら日の丸を好きでありたいよね。⎯⎯次なるは、2014年ブラジル大会の“円陣”（2014〜2015年）です。ユウト：円陣を組んだ時、上から見ると大きな輪ができるやつやな。ネオンピンクの差し色が俺はいいと思ったわ。ウツミ：最強メンバーとアルベルト・ザッケローニ（Alberto Zaccheroni）監督で挑んだけど、グループステージで1勝もできずに大会を去った苦い思い出のやつ......。RIKU：コートジボワール戦でディディエ・ドログバ（Didier Drogba）が登場するや否や、数分で試合をひっくり返した時だね。ウツミ：コロンビア戦でもハメス・ロドリゲス（James Rodríguez）に散々に攻められたし......。Genshi：あのループシュートは上手かったな〜。あの時、俺ハメスと同い年やってん。ユウト：今も同い年やろ！一同：爆笑ウツミ：Genshiくんだけ先に年取るとかないから（笑）。RIKU：覚えてはいるけど、いい思い出がないW杯の時のユニフォームって、びっくりするくらい記憶から消えてるね。「Y-3」コラボも登場、進化するデザイン＆機能性⎯⎯続きましては、2018年ロシア大会の“勝色”（2018〜2019年）です。ウツミ：僕は歴代で一番これが好きなんだけど、ベスト16でベルギーにまくられた時のユニフォームなんだよな〜。Genshi：あの時は見える世界が変わると思ったわ。ユウト：69分まで2-0リードしてたけど、立て続けに失点してな。Genshi：アディショナルタイムの3失点目で、戦車のようなロメロ・ルカク（Romelu Lukaku）が華麗にスルーして、そこに飛び込んできたナセル・シャドリ（Nacer Chadli）に対してスライディングするけど追い付かない昌子源をめっちゃ覚えてる。ウツミ：この大会は乾貴士が活躍してたから（2ゴール1アシスト）、彼のイメージが強いかも。ユウト：ボディ全体にデザインがあるけど、腕の部分と背面は無地のシンプルで良いんよな。RIKU：今だったら、刺し子柄の部分をサシコギャルズ（SASHIKO GALS）にハンドメイドしてもらったらおもしろそうだよね。⎯⎯変わって、こちらはW杯では着用がなかったのですが、東京2020オリンピック・パラリンピックの“日本晴れ”（2020〜2021年）です。RIKU：これはデザインが強かったから鮮明に覚えてるね。Genshi：賛否あったみたいだけど、俺はめっちゃ好きやったわ。RIKU：“スカイコラージュ”柄は、コンセプトも良いし「アディダス」の定番柄として残しても良いと思ったんだけどね。ユウト：あ、これ襟の内側に“日本晴れ”の漢字がデザインされてたんや。知らんかったわ。ウツミ：東京2020オリンピックはベスト4まで勝ち進めたんだけどね〜。RIKU：埼玉スタジアム2002で、115分にマルコ・アセンシオ（Marco Asensio）に決められて決勝を逃したのは悔しすぎたな。⎯⎯お次は、2022年カタール大会の“ORIGAMI”（2022〜2023年）です。ユウト：俺が一番好きなユニフォームや！Genshi：俺も、唯一自分の名前を入れたことがあるユニフォームだわ。ネームと背番号が黄色なのがええんよな。RIKU：脇とか裾にあしらわれてる赤色のシームテープも良い具合の差し色だよね。ウツミ：え、このシームテープに“JAPAN”と“日本”の文字が入ってるの初めて知った！ヌマタ：ほんまや！全然気付かなかったわ。ウツミ：ベンチレーションも設けられているし、こうやって過去のユニフォームと比べると機能性がどんどん高まっているのが分かっていいね。Genshi：最近すぎて実感がないけど、ドイツとスペインに勝った伝説のユニフォームだから、時間が経てば後世に語り継がれているんじゃない？ 俺らの世代が2002年日韓大会の“富士山”に思い入れがあるように、今の若い子たちにとっては特別な1着やろな。⎯⎯こちらも“日本晴れ”と同じくW杯でこそ着用はありませんでしたが、ファッション業界でも大きな話題となった「Y-3」とのコラボモデルの“FIRE”（2024〜2025年）です。Genshi：いや〜やっぱりカッコいいね！ウツミ：丸首仕様の後ろ側だけリブになっているのは知らなかった。「アディダス」のユニフォームは、いつからか襟の内側に首回りのフィット感や耐久性をアップするパッドみたいなのがあるよね。ユウト：「Y-3」のロゴに目が行きがちやけど、炎のグラフィックもカッコええんよな。RIKU：「もう一回『Y-3』とのコラボモデルが出る」って噂を聞いたことがあったけど、日本が誇るブランドとのコラボはもっと進めていいと思うんだよね。「マーティン ローズ（MARTINE ROSE）」はイングランド代表と、「ウェールズ ボナー（Wales Bonner）」はジャマイカ代表とやっていたし、ファッションとスポーツの親和性が高くなっている今、こういった動きはすごく良い。それこそ、スパイクまで作るべきだと思う。Genshi：選手が試合中に履くスパイクが、もっとファッション的にカッコよくなるのを見てみたいね。「かっこいいユニフォームは自信になる、いいプレーを生む」⎯⎯以上、最新の“HORIZON”（2026年〜）を除く「アディダス」が手掛けてきた歴代のW杯モデルを中心に振り返っていただきましたが、ユニフォームといえば半袖か長袖で好みが分かれます。皆さんはいかがですか？ウツミ：やっぱり長袖だな〜。Genshi：長袖がおしゃれに見えちゃうんよな。RIKU：長袖の場合って腕をまくることもできるし、袖を掴んでのプレーに謎のロマンがある。ヌマタ：そのロマンは確かにあるわ（笑）。Genshi：なんか長袖は“許された選手”しか着れない感覚ない？RIKU：分かる分かる！下手な選手の長袖ってダサく見えるよね。ウツミ：めちゃめちゃ体を張る選手の長袖も、ちょっと違うよね（笑）。ヌマタ：長袖といえば、デビッド・ベッカム（David Beckham）、アントワーヌ・グリーズマン（Antoine Griezmann）、鎌田大地。モハメド・サラー（Mohamed Salah）も袖を掴みながらプレーしている印象があるわ。力が入るからかな？Genshi：“うまいやつ、袖掴みながらプレーしがち”。⎯⎯歴代モデルから少し話が逸れるのですが、カッコいいユニフォームを着ていると勝率アップに繋がると言われており、これは髪型にも通じるとされています。ユウト：それで言うと、ブラジル代表には専門のヘアスタイリストが帯同しているんですよ。今大会、彼らの髪型に注目してほしいんですけど、常にフェードとかめちゃくちゃ整っているはず。トップの選手は、“見られている意識”がしっかりとあって、自分を良い状態に保つことは必ずプレーにも作用する。だから、僕は高校生のサッカー選手の髪を無料で切ったりしているんですよ。カッコいいユニフォームを着て、整えた髪型でピッチに立てば、自然と自信も生まれるし、その自信はきっとプレーにも表れると思っています。ウツミ：そんな素敵なことをしているんですね！Genshi：小野伸二の五厘とか、めっちゃカッコよくないですか？ 決め切ってる坊主って、最高なんすよ。ユウト：五厘の小野はカッコええけど、ちょっと話がややこしくなるわ！（笑）。⎯⎯最後に、理想の日本代表ユニフォームがあれば教えてください。RIKU：今回、ノルウェー代表のアウェイユニフォームが真っ黒で、それが本当に超カッコいいんだよね。だから、日本代表でも真っ黒のユニフォームとか見てみたくない？ウツミ：それは絶対にカッコいい！RIKU：日本サッカー協会のシンボルも八咫烏（ヤタガラス）だしね。Genshi：もう、それでええやん！RIKU：もし実現した場合、「Y-3」じゃなくて「ヨウジヤマモト（Yohji Yamamoto）」とコラボしてほしいな。2014年にレアル・マドリードと「ヨウジヤマモト」がコラボしたとき、伝説上の動物が落とし込まれていたように、八咫烏をコンセプトにするのが良さそう。Genshi：首回りには絶対に襟を付けてほしいな。RIKU：襟を羽みたいにデザインしちゃってね。Genshi：ビジュアル系バンドみたいに襟をフワフワにするってこと！？ウツミ：なんで一気に台無しにするの？ 今までめっちゃいいコンセプトで完璧だったのに（笑）。RIKU：違う違う！襟のデザインをカラスの羽っぽくするってだけ！（笑）。Genshi：......でも、中村敬斗とか伊東純也とか似合いそうやな。ウツミ：いやいや、名前を挙げづらいから言わないけど、他の選手たちのことを考えてみて？ 絶対にダメだから（笑）。

adidas

サッカー日本代表歴代ユニフォーム談義　4人のファッション業界人が語り尽くし

■八木佑樹　1993年11月5日、鳥取県生まれ。幼少期をニューヨークで過ごす。文化服装学院、アメリカのパーソンズ美術大学、ベルギーのアントワープ王立美術学院に通いファッションの基礎を学ぶ。ニューヨークのストリートブランドをはじめ、数々のメンズブランドで研鑽を積み、独立。2016年、ヘイリー・シャンポーと共に「モンマルトルニューヨーク（MONTMARTRE NEW YORK）」を立ち上げる。2024年にはアメリカ発のファッションブランド「バウルズ（vowels）」を設立。同年のパリメンズファッションウィークでコレクションを発表した。卒業証書で仕事ができるわけじゃない⎯⎯まずは、八木さんのファッションの原体験を教えてください。　「ステューシー（STÜSSY）」ですね。ニューヨークで暮らしていた子どもの頃、よく着ていたんです。当時のストリートブランドといえば、もちろん「ア ベイシング エイプ®（A BATHING APE®）」や「シュプリーム（Supreme）」も人気でしたが、子どもに手が出せる値段ではなかったんですよ。ステューシーはセールならTシャツが20ドルくらいだったので、母に買ってもらっていました。⎯⎯やはりストリートファッションがコアにあるんですね。　今振り返ると少しダサいというか、いなたいデザインなんですけどね。当時はこんなにイケている服があるのかと夢中になり、子どもながらにファッションに目覚めまして。いつかステューシーで働きたいと思うようになって、この道を志しました。その後、幼い頃に着ていたそのTシャツをデザインした方と出会い、一緒に仕事をさせてもらったり、モンマルトルニューヨークのロゴを作ってもらったりするようになって。あの原体験がそのまま今の自分に繋がっています。⎯⎯パーソンズ美術大学とアントワープ王立美術学院で学ばれていますが、この2校に通ったのはどういった経緯で？　パーソンズは、ファッションデザインをビジネスとして捉える教育を魅力的に感じたんです。売れるかどうかが重要な尺度で、職業訓練のような側面もありました。ただ、入学してすぐ「スティーブン アラン（Steven Alan）」でアシスタントを始めたので、授業などに関してはあまりよく覚えていなくて。卒業証書で仕事ができるわけじゃないですし、学校よりも社会に揉まれて学ぶことのほうが100億倍価値があったように思います。⎯⎯ただ途中でアントワープに留学したんですよね？　マルタン・マルジェラ（Martin Margiela）やドリス・ヴァン・ノッテン（Dries Van Noten）をリスペクトしているし、やはり世界一の学校だと思っていたので。コンセプトの組み立て方から始まる物作りのプロセスを丁寧に学べる、パーソンズとは真逆のスタイルが特徴で、どちらの視点も持っておくべきだと感じたんです。スティーブン アランの上司の後押しもあり、入学を決めました。⎯⎯どのような学びがありましたか？　とても厳しい環境で、毎日怒られてばかり。褒められることはめったにありませんでした。ただ、1年目の終わりに初めて褒められたことがあって。僕は絵心がなくてデザイン画が苦手だったのですが、無理にうまく描こうとせず、ラフ画を描いたんです。その絵を見た先生が「これこそあなたらしい作品だよ」と初めて認めてくれて。「大成した卒業生にも絵が下手なデザイナーはたくさんいたけど、彼らも下手なりに自分の世界観を表現していた」と話してくれました。つまり、大切なことは出来不出来ではなく、どれだけ自分の味を出せるか。自分の芯を持って、何を言われても曲げないことだと教わりました。まさに、クリエイティブディレクターの育成学校のような場所です。ただ、アントワープでの一番の収穫は仲間が出来たこと。彼らとは今も一緒に仕事もしていて、長い付き合いになっています。⎯⎯モンマルトル ニューヨーク立ち上げに至る経緯は？　まず、アントワープに留学して1年が経った頃、いつか働きたいと思っていたニューヨークのストリートブランドに学校を辞めて参加しました。実はそれ以前に、ニューヨークの中華屋でそのブランドのディレクターに偶然会ったことがあって、ファンだったので声を掛けて仲良くなっていたんです。連絡を取り合う中で「デザイナーを探している」と誘われて、学校で学ぶ自己満足のデザインではなく、商売として成り立つデザインをしたいという思いもあり、ニューヨークに戻りました。そのブランドをはじめ、ストリートファッションの世界で3本の指に入るブランドを渡り歩いて、ロサンゼルスに引っ越したりしながら10年近くアメリカで働いてきました。⎯⎯そして、ついに独立をされた。　学生時代に作ったストールが好評だったのでとりあえずインスタグラムを開設してみた、というのが始まりだったんです。2018年に、そのルックがアメリカの「ハイプビースト（HYPEBEAST）」に取り上げられて。当時はサッカーW杯の真っ只中で、サッカーマフラー風のアイテムがフィーチャーされました。その記事の反響はとても大きくて、ロンドンのセルフリッジズ（Selfridges）からオーダーが入ったりしましたね。自分たちだけでは回しきれなくなって、セールスチームに入ってもらうようになり、やっとビジネスになってきたという感じです。気づいたら独立していたという感じで、全く計画的ではありませんでした。色々な引き合いとご縁と成り行きがあって、流れに任せて今に至ります。「素っ裸の自分」を晒け出す服作り⎯⎯新作となる2026年秋冬コレクションの制作背景を教えてください。　深く考えずに、直感的にいいと思ったものを作りました。簡単なことで、それだけです。ブランドのコンセプトやシーズンテーマみたいなものは特になくて、それぞれのストールが独立したデザインになっています。グラフィックも、自分が好きな19世紀の絵画を抽象化したものや、最近ハマっている「グリとグラ」に着想を得た絵本風のカエルなど、単に好きなものや思い入れのあるものをストレートに描いているだけなんです。それぞれのモチーフに深い意図はありません。⎯⎯八木さんの個人的な記憶や感覚をデザインに落とし込んでいるということでしょうか？　今回の新作でいえば、風車は学生時代に生地の買い出しで訪れたオランダの風景、うさぎは生まれ故郷の鳥取の神話「因幡の白うさぎ」から着想を得たもので、そういった側面は確かにあります。僕が歩んできた人生、そこで得た経験や感性は二つとないもので、そうしたパーソナルな部分をデザインに取り入れることは、星の数ほどあるブランドの中で違いを生むための自然な方法ですから。ただ、そんなことはお客さんにとってはどうでもいいこと。絵を見るみたいにもっと直感的に、ただその色や柄が好きかどうかで選んでほしいです。⎯⎯デザインをする上で、これだけはしないと決めていることはありますか？　妥協です。例えば、柄の色の組み合わせを考えるとき、ああでもないこうでもないと何千通りも試します。自分はそれが苦しいとは思わないので、天職なんだと思います。好きなことで生計を立てられている分、その好きに嘘をついたら成り立たない。だから、マスに向けて手に取りやすいデザインを打ち出したり、分かりやすいコンセプトやストーリーをうたうようなことはしません。ただ自分がいいと思うものを、絵を描くようにアイテムに落とし込むだけ。モンマルトル ニューヨークは素っ裸の自分そのままなんです。好きなことを愚直に曲げずにいれば、共感してくれる人がだんだんと増えていきます。コミュニティはそうして生まれるんです。⎯⎯八木さんのどういった経験が、それほど自分を信じられる原動力になるのでしょうか？　孤独と失敗をたくさん経験しているからだと思います。日本に移住した15歳の頃から、古着屋で働いて買い付けのために海外を転々としたり、アントワープに留学した時もニューヨークに渡って仕事をもらった時も、頼れる人はいなくて自分の身一つ。人種差別にも何度もあったし、孤独でした。そのうえ、買い付けのフライトに遅刻しかけたり、コレクションのデータを誤って消去してしまったり、とんでもない失敗もしてきました。だからこそ、何とかここまで生きてこられたという自信になりましたし、自分が不完全であることを受け入れるようにもなりましたね。　パターンや縫製など服を構成する重要な要素はいくつかありますが、デザイナーに求められるのは全体のバランスを整える能力、結局はセンスです。自分が分からない専門的な部分は、知見のある職人さんをしっかり頼ればいい。そういう意味で、出来ないことは出来ないと素直に認めて、人を頼ることができないと務まらないと思います。何事においても大切なのはスキルではない。情熱と妥協しない粘り強さ、ネバーギブアップの精神。この3つがある人は、やっぱりかっこいいです。服を難しく考えすぎる日本人⎯⎯話は変わりますが、昨今はテーラードスーツを軸とするクラシックなスタイルが再びトレンドとなっています。ここ10数年支配的だったストリートファッションが下火になりつつある状況を、どう感じますか？　ストリートファッション由来のTシャツやフーディー、グラフィックを軸にしたデザインというのは、買いやすく売りやすい。その分飽和するのも早いですから、クラシックなスタイルへと大きく揺り戻すのは当然のことです。別の話ですが、景気が悪化して可処分所得が減り続けることで、ベーシックなものばかりが売れるという傾向もますます強まっています。かといって、そうした流れに自分のブランドを適合させようとは思いません。僕らが今更ベーシックやクラシックなスタイルを打ち出しても、それは二番煎じ三番煎じにしかならない。先発のブランドには完成度でも価格競争でも及ばないでしょう。誰でも簡単にブランドを始められる時代で、生き残っていくには他所と違うオリジナルであり続けることが必要。なので、トレンドに合わせることはしません。市場の99%を逃したとしても、1%のコアなファンを夢中にさせるデザインであればいいんです。⎯⎯長年海外でファッション業界に携わってきた立場から、日本のファッションをどう見ていますか？　コンセプト過剰というか、実際のプロダクトがそれに追いついていないように感じることがよくあります。同じような服ばかりが売られていて、それらを差別化するために過度に情報を付加している印象です。日本は起承転結を好むお国柄だと思います。なぜその結果に至ったのかということについて、筋の通った物語が求められる気がしていて。その結果、服も説明的になりすぎる。一方で、ニューヨークで学んだ服作りは全部バイブスなんです。例えば、あなたは今「アダム キメル（ADAM KIMMEL）」のスヌープ・ドッグ期のTシャツを着ていますが、車やヒップホップに詳しいですか？⎯⎯いえ、全くです。どちらもあまりよく知りません。　でも、そのTシャツを気に入って着ていますよね？それでいいんです、それがバイブスです。特に深い意味や文脈はないが、単にいいと思ったから選ぶということがあっていい。日本人は服を難しく考えすぎるきらいがあると思います。世界での服作りはもっとシンプルなんですよ。⎯⎯なるほど、国民病なのかもしれませんね。　今話したようなことを含め、もっと外の世界に目を向けるべきではないかと。日本はもはや、ファッションやカルチャーの中心地ではない。特にメンズファッションは、いまだに1990年代の残り物で食い繋いでいる状態だと感じるんです。僕たちはNIGO®さんや高橋盾さんに憧れて育つことができたけど、次の世代はどこに夢を見たらいいんだろうって。服飾学生が就職したいブランドランキングで1位が「ユニクロ（UNIQLO）」だったりしますよね。日本で食っていくことを考えたら真っ当な選択です。でも、ファッションデザインって安定を求める仕事になってきてしまったんだなと思うんです。　もっとチャレンジして、もっと失敗してほしい。そのためにも世界を見てほしい。坂本龍一さんはかつて「日本でCDを100万枚売るよりも、世界10ヶ国でそれぞれ10万枚ずつCDを売るほうが、作品のクオリティを落とさずに済む」と語っていましたが、僕もこれに同意します。広いマーケットを見て、セルアウトせずに自分の芯を守り続けていれば、だんだんと実績が積み上がって認知も広がっていく。大切なことは尖り続けることです。⎯⎯最後に八木さんの今後の展望について教えてください。　自分のブランドだけでなく、他所のブランドのコンサルティングやクリエイティブにも関わっているので、必要としてもらえる場所で頑張っていきたいですね。最近は3年間関わっていたプロジェクトでの契約も終えたので、新しい挑戦や出会いにもすごく興味があります。来年の秋頃のローンチを目指して、新たなプロジェクトも計画中です。僕は昔からシャツが大好きなので、シャツを軸にしたブランドを始めようと思っています。期待していただければ嬉しいです。

MONTMARTRE NEW YORK

「日本人は服を難しく考えすぎる」デザイナー八木佑樹が語るNY流“バイブス”な服作り

ビール片手に語るW杯論　サッカーを愛する4人の業界人によるパブ座談会

#1 パリコレの「ヘア」の仕事とは　20代でグローバルキャリアを築くためにすべきこと　1人目はヘアスタイリストのYui Ozakiさん。ニューヨーク、東京、ロンドンを経て、今年からパリへ移住した29歳。世界的なトップヘアスタイリストであるホリー・スミスが率いるコアチームメンバーとして、2026年秋冬シーズンはロンドン、ミラノ、パリのファッションウィークに参加した。昨年には、ブリティッシュ・ファッション・カウンシルが次世代の重要な役割を担う存在として選出する、若手クリエイター50名「2025 NEW WAVE：Creatives」の一人に選ばれるなど、注目を集めている。知人のいない環境でどのように仕事を作るのか、そして意外と知らないパリコレのヘアの仕事までを聞く。…記事を読む#2 フラワーアーティストという仕事　競技ダンス引退から弾丸パリ訪問で開いたセカンドキャリア　2人目はフラワーアーティストの守屋百合香さん39歳。生後半年の息子と共に2020年にパリに移住し、パティシエの夫と3人で暮らす。2025年に自身のアトリエを構えた。2026年秋冬シーズンは「ミュウミュウ」「オフホワイト」などのショーやイベントの装花を手掛けるなど、ファッション関係の仕事も多い。「madame FIGARO」や「MilK JAPON」などでコラム連載を持つライターとしての一面も持ち、日本に帰国した際にはNHK「あさイチ」にも出演するなどマルチに活躍する。競技ダンス選手を引退後にゼロから積み上げた、新たなキャリアと子育ての「地続き」な日々についてを聞いた。…記事を読む#3 京大→NHK→フリーランス　パリ在住、31歳ジャーナリストの履歴書　3人目はジャーナリストの冨田ユウリさん31歳。京都大学法学部卒業後、NHK勤務を経てフリーランスになり、2024年にパリに移住した。留学経験も海外在住経験もゼロのまま飛び込んだ新しい環境。単価の安いライター業だけで生計を立てるには厳しい為替や物価、言語の壁。そんな中で、どのように働き、サバイブしているのか。言語は60歳の友人から学び、家具は街中で拾って調達するなどリアルな日々の奮闘から、ライフスタイル、カルチャー、フードまで幅広く取材し、執筆から動画撮影まで請け負う、パワフルで軽やかな働き方の原点までを聞いた。…記事を読む#4 元「ナンバーナイン」プレス担当が、パリで人気のヴィーガン弁当屋さんになるまで　4人目はパリで人気のヴィーガンケータリング「H VEGAN BENTO」を主宰する白石浩子さん。ファッション業界のプレスとして東京で約7年間キャリアを積んだのち、30歳を過ぎてから単身パリへ渡った。フランス人との結婚や2児の子育ての中、大病をきっかけにヴィーガンの道へ。パリのファッションウィークで感じた「ヴィーガン弁当がない」という小さな気づきは、世界のラグジュアリーメゾンからオーダーが届くケータリングビジネスへと発展。今年5月にフランス語の料理本を出版した。日々の仕事から、現在も続くデザイナー宮下貴裕さんとの交流、白石さん直伝のヴィーガンマヨネーズのレシピまでを紹介。…記事を読む#5 【保存版マップ付き】パリ在住者に聞いた、お気に入りのショップ＆お土産を紹介　本連載のスピンオフ企画として、パリ在住のクリエイターたちに教えてもらったパリのおすすめの「場所」と「お土産」を一挙紹介。記事末にはダウンロード可能なマップも掲載。…記事を読む◾️連載：パリで暮らす、パリで働く #01 ヘアアーティスト Yui Ozaki #02 フラワーアーティスト 守屋百合香 #03 ジャーナリスト 冨田ユウリ #04 「H VEGAN BENTO」白石浩子 【番外編】パリでお気に入りのショップ＆お土産を紹介（保存版マップ付き）

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パリで暮らすクリエイターたちのリアル　「パリで暮らす、パリで働く」全5記事まとめ

追い求めたのはさらに自由な曲線のかたち──2020年から手掛けているバッグブランド「ノリ エノモト（nori enomoto）」とは切り離し、新たにジュエリーブランドを立ち上げた理由を教えてください。　ノリ エノモトでのバッグ作りでは、物を入れて運ぶという機能が前提にあり、その中で曲線美と実用性をどう共存させるかに焦点を当ててきました。その化学反応のようなものづくりに面白さを感じる一方で、いつしか機能を伴わない純粋な「形」そのものに向き合いたいと思うようになったんです。　さらに小さなスケールで曲線美を追求できる表現を考えたとき、行き着いたのがジュエリーでした。曲線だけにこだわったものづくりをするなら、それはバッグブランドのカテゴリー拡張ではなく、別の思想を持つブランドとして立ち上げるべきではないかと。そこで「実験的な膨らみと美しい曲線の追求」を掲げたブランド「ガルブ」をスタートしました。 ──そもそも強い「曲線」への関心はどのように生まれたのでしょうか。　原点は服作りを学んでいた文化服装学院での学生時代にあります。学校では、制作中に曲がってしまったまち針をそのまま捨てるのではなく、針供養のための回収箱に集める決まりがあったんです。私は提出用のまち針をガムテープに貼ってミシンにベタッと貼り付けていたのですが、その曲がった針の集合体が不思議と美しく見えて。本来であれば役目を終えた道具であり、捨てられるはずだったものの中に偶然生まれる曲線。その美しさとの出会いが、今の自分の造形感覚の出発点になっています。──ガルブはローンチまでに約2年の準備期間があったそうですね。　そうなんです。私はもともと服作りを学んできたので、ジュエリーの専門知識があったわけではありません。素材ごとの性質や耐久性、長く身につけてもらうための構造など、一から学びながら形にしていきました。自分が作りたい曲線を成立させるために、どの素材が適しているのかを探る時間が必要だったんです。──バッグからジュエリーへ。キャンパスのサイズが大きく変わることで、制作にも違いはありましたか？　バッグではミリ単位で調整していたものが、ジュエリーになると0.2ミリ単位の世界になったのが一番大きな変化です。ほとんどの人には気付かれないような差ですが、そのわずかな違いが造形の印象を大きく左右するんです。0.2ミリ削るか、0.2ミリ足すか。その違いを延々と検証しながら形を作り上げていく作業は、正直かなり狂気的だと思います（笑）。でも、そうやって細部を突き詰めていけるところに、ジュエリー作りの面白さを感じています。 ファインジュエリーの世界への扉を若い世代に開きたい──ローンチから半年ほどが経ちました。ガルブとノリ エノモトでは、顧客層に違いはありますか？　少し違いますね。ノリ エノモトは年齢層が幅広い一方、ガルブは現在30歳前後のお客様が中心になっています。　また、ガルブのポップアップには「ノリ エノモトを知っていたから来た」という方だけではなく、ジュエリーそのものに興味を持って来店される方も多いんです。最近は「デザイナーが榎本紀子さんなんですね」と後から知ってくださるケースも増えていて、ブランドとして少しずつ独立した広がり方をしているのを感じています。──実際に顧客と接する中で、どのような反響を感じていますか。　印象的なのは、「ジュエリーは自分とは少し遠い存在だと思っていた」という声を多くいただくことです。アクセサリーには親しみがあっても、ファインジュエリーとなると少しハードルが高く感じられるのかもしれません。だからこそガルブでは、ジュエリーを特別な日のためだけのものではなく、日常の中で楽しめるものとして提案したいと考えています。実際にポップアップでは、「初めてファインジュエリーを購入した」という方や、「ガルブのアイテムをつけるためにピアスを開けた」という方もいらっしゃいます。そうした声を聞くたびに、ジュエリーとの新しい出会いのきっかけになれていることを嬉しく感じます。　ただ同時に、もっと多くの方に素材そのものの面白さも知っていただけたらと思っています。例えばスターリングシルバーは経年変化によって表情が変わりますが、磨けば再び輝きを取り戻します。さらに金やプラチナを組み合わせることで、新たな魅力も生まれる。そうした素材との関係性を楽しみながら、自分なりの付き合い方を見つけてもらえたら嬉しいです。──素材との関係性を楽しんでほしいという思いは、異なる素材を組み合わせたデザインにも表れていますね。　そうですね。バッグでは色の組み合わせを考えることが好きだったのですが、ジュエリーを学ぶ中で、それと似た面白さを素材の組み合わせにも感じるようになりました。中でも気に入っているのが、シルバーと18金の組み合わせ。それぞれ単体でも十分に魅力的ですが、あえて一つのアイテムの中で共存させることで、お互いの色や質感が引き立つんです。シルバーが好きな方にも自然にゴールドを取り入れていただけますし、その逆もあります。素材同士の対話のような感覚があって、とても惹かれている表現の一つで、複数のコレクション内で展開しています。中でも、指輪の造形をピアスへと落とし込んだ「bague collection」の「complète solitaire pierce」（4万4000円）は特に人気が高く、ガルブらしい曲線美と素材の魅力を感じていただけるアイテムだと思います。──ガルブのジュエリーは、人生の節目や特別な記念日を彩る品として購入される方多いと伺っています。　もちろん日常的なお買い物として選んでいただくこともありますが、実際にお客様とお話ししていると、想像していた以上に人生の節目と結びついていることが多いんです。大学の卒業や就職、転職、誕生日、ボーナスが出たタイミング。誰かに贈るだけでなく、自分自身に贈るために選んでくださる方もたくさんいます。　ジュエリーは価格だけを見ると決して気軽な買い物ではありませんが、その分購入した日の気持ちや、そのときの自分の状況まで一緒に記憶してくれる存在でもあると思っています。数年後に見返したとき、「あのとき転職したんだよな」とか、「卒業祝いに選んだものだったな」と思い出せる。そういう時間の積み重ねとともに育っていくものだからこそ、流行として消費されるものではなく、その人の人生に長く寄り添うデザインをこれからも生み出していきたいです。“自分だけ"が意味を知る文字をリングに──6月4日に発売したアルファベットモチーフの新作リングコレクション「mignon alphabet collection」について教えてください。　第1弾となる今回は、「A、B、C、E、G、H、I、J、K、L、M、N、O、R、S、U、V、Y」の計18文字を発表しました。26文字すべてのデザイン構想はありますが、アルファベットごとに造形として成立させる難しさが異なるため、まずは納得できた文字からリリースしています。　アルファベットモチーフのジュエリー自体は世の中にたくさんあります。ただ、その多くは文字そのものを見せるためのデザインだと思うんです。一方で私が作りたかったのは、「自分だけが意味を知っている文字」。例えばイニシャルでもいいですし、大切な言葉でもいい。身につけている本人には意味があるけれど、他人から見たら抽象的な造形に見える。その曖昧さを表現することにこだわりました。　私はもともとパタンナーを目指して服作りを学んでいたので、平面を立体として捉える感覚が自然と身についているんです。なので今回もアルファベットも単なる文字としてではなく、「指に通したときにどんな造形になるか」という視点から考えていきました。文字をそのままジュエリーに置き換えるのではなく、一度立体として再構築し、身につけたときに美しく見える形へと翻訳しています。──翻訳する過程でのこだわりを教えてください。　重ね着けしたときに単調にならず、造形同士が会話するような状態をつくりたかったので、母音の「O」や「I」には膨らみや凹凸を加えました。子音の文字は、「E」のように文字の形をかなり残しているものから、「J」のようによく見ると文字が浮かび上がってくるようなデザインのものまで、幅広く揃えています。　リングのデザインに落とし込む作業で苦戦したのは、「L」や「V」のような直線的な文字。太さや長さ、重心の位置を細かく調整することで、文字としての認識と造形としての美しさの両方を成立させていきました。こうした微調整の積み重ねや、身につけたときの見え方を考えながら形を整えていく感覚は、バッグや服作りをしていた頃から変わらない部分かもしれません。 ──新作は価格帯が1万7600〜5万8300円と、今までのコレクションと比べ価格が抑えられています。　初めてサンプルを公開したときに、年齢や性別を問わず、多くの方が興味を示してくださったんです。ご自分のイニシャルや好きな言葉を考えながらお客様同士で会話をしている様子を見て、このシリーズは単なるイニシャルジュエリーではなく、その人らしさを表現するためのツールになり得ると感じました。　ただ、そのときに「もちろん複数個組み合わせたいけれど、そうなると価格が気になりますね」という声もいただいて。例えば「LOVE」を作るなら4つ必要ですし、もっと長い言葉ならさらに増えます。一点だけを身につけるのではなく、自分の好きな言葉やイニシャルを自由に組み合わせながら遊んでほしいので、価格が理由で選択肢を狭めてしまうのは違うと思ったんです。だからこそ今回は、複数本を組み合わせる楽しさを前提に、手に取りやすい価格設計にこだわりました。──最後に、今後の展望について教えてください。　まずは、ブランドが考えていることを国内外で継続的に発信していきたいです。私にとってジュエリーは装飾品というだけではなく、その人の記憶や節目に寄り添う存在です。今後は結婚指輪のような人生の節目に関わるアイテムにも挑戦していきたいですし、展示会やポップアップを通して、ブランドの思想そのものを伝える場も増やしていきたいと思っています。　また、いつかはガルブの世界観をより深く体験していただける空間も作れたらと考えています。ポップアップを開催するときも、単に商品を並べるのではなく、ブランドの考え方や空気感まで含めて伝えることを大切にしているので、そうした軸をぶらさずに表現できる場所があれば挑戦してみたいです。形の美しさを追求することと、その先で誰かの記憶に残るものを作ること。ガルブはこれからも、その両方を大切にしながら続けていきたいです。

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バッグの次に見つけた表現　榎本紀子はなぜジュエリーブランド「ガルブ」を立ち上げたのか

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美しさについて考える　「美しい」は誰が決めたのか

パリに来るまで：ナンバーナインの立ち上げメンバーとして過ごした東京⎯⎯ 元々、東京ではどういったお仕事をされていたんですか？ 　新潟出身なのですが、東京への憧れが強く、洋服も大好きだったので、東京の洋服屋さんで働くために上京しました。東京に来てからは古着屋の「デプト（DEPT）」などでアルバイトをしたり、スタイリストのアシスタントをしたりして。その後、知人だった宮下貴裕さんが「ナンバーナイン（NUMBER (N)INE）」を立ち上げると聞いて、お手伝いのような形で、立ち上げ当初から販売員やプレス担当として原宿の同潤会アパートの裏にあったショップで働きました。ナンバーナインでは約7年間働いたんですが、東京での生活に少し疲れてしまって。漠然と「海外に行きたいな」と思い立ち、なぜ行き先にパリを選んだのかは覚えていません。　その時にはすでに30歳を過ぎていたので、学生ビザでパリに来て語学学校に通いました。ファッションウィークの度に友人たちがたくさん日本からくるので、ショールームやコーディネートの手伝いをしていました。元々は1年間で帰るつもりだったんですが、1年は本当にあっという間だったのと、語学学校にいるのは皆外国人だからフランス人の友達はできないし、結局みんな英語で話してしまってフランス語をあまり習得できなかったので、学生を延長することにしたんです。⎯⎯ 語学はパリでイチから学んだのですか？　渡仏前に数ヶ月間だけお茶の水のアテネ・フランセに通ったんですが、日常生活で使う言葉とは全然違っていて正直あまり役には立ちませんでした。結局パリのレストランでアルバイトをして現地のお客さんと会話をしたのが一番学びになった気がします。学生を延長し、パリで暮らし始めて2年目に、フランス人の現夫に出会って結婚し、10年ビザがおりました。⎯⎯ ヴィーガン弁当を作り始める以前はパリでどのような仕事をしていましたか？　パリに来てから子どもを産む前まで、「H COUTURE」という名前でリメイクドレスを作っていました。蚤の市で見つけた何世紀も前のレースやベロアの端切れやアンティークのビーズなどが大好きで、それらをハンドメイドで繋ぎ合わせて一点物のドレスを作っていたんです。はじめは友人たちが買ってくれていたんですが、バイヤーさんの目に留まり東京のセレクトショップにも置いてもらえました。古いボロボロの素材なので着るたびにどこかが破けて（笑）。それがコンセプトでもあるので“味”としてあえて修理せず、審査の厳しい百貨店には置けませんでした。　ナンバーナイン時代も、仕事の傍らでそのシーズンのモチーフで小さなぬいぐるみ作っていました、昔から手を動かして何か作るのが好きで、それが今料理になっているんだと思います。仕事：「無い」から作った　自宅のキッチンで生まれるお弁当⎯⎯ ヴィーガン弁当屋「H VEGAN BENTO」を始めた経緯を教えてください。　ファッションウィークに合わせて日本から来る友人たちが、みんなとにかくケータリングやお弁当を探していたんです。私もコーディネートの手伝いをする中でいろいろな店にオーダーをしていたんですが、どこもラインナップは同じようなものばかり。特に、ヴィーガンの選択肢がとても限られていたんです。　私はパリに来てから大きな病気をしたことをきっかけにヴィーガンになったのですが、世間のヴィーガンのイメージってすごく「寂しい」じゃないですか。当時のパリには、玄米ときんぴらとひじきの煮物、といった彩りのないものか、キヌアやシリアルの上にひよこ豆と紫キャベツを乗せた「ブッダボウル」のようなものしかありませんでした。そこで、ヴィーガンのお弁当がないなら自分で作ってみようと思い立ち、試作をしてみました。最初は本当に趣味のような感覚で作ったものを知り合いのコーディネーターさんにお出ししたところ評判になり、次第に口コミで広まって、日本からくる方々のためにお弁当を作るようになったのが始まりです。　それが2019年の秋ごろ。その後すぐにコロナ禍になり、日本から誰も来なくなってしまいました。でもその時にはすでに口コミでパリを拠点にするメゾンの方々にも知られていたので、コロナ禍でもたくさんオーダーをいただいて。パリのお客さんが増えてきたので、2020年に個人事業主としてのビザ登録をし、正式に事業として立ち上げることになりました。正直まさか自分がヴィーガン弁当屋さんになるとは思っていなかったので今でも驚いています（笑）。⎯⎯ クライアントはファッション関連が多いですか？　そうですね。ファッションウィークのタイミングでは、ショーやショールーム用のお弁当を作っていて、ファッションウィーク期間外は基本的にファッション誌やブランドのカタログなどの撮影用ケータリングが中心です。稀に結婚式のケータリングや、個人の誕生日のホームパーティ用のケータリングをオーダーいただくこともありますよ。⎯⎯ 2026年秋冬シーズンはどのブランドのケータリングを担当しましたか？　ショーのバックステージでいうと、「グラウンズ（grounds）」と「ヴィクトリア・ベッカム（Victoria Beckham）」ですね。あとは「シャネル（CHANEL）」のショー後のイベント用のケータリング、「エルメス（HERMÈS）」と「ザ・ロウ（The Row）」のショー運営スタッフ用のお弁当も担当しました。1月のメンズウィークでは、「カラー（kolor）」、「オーラリー（AURALEE）」、「メゾン ミハラヤスヒロ（Maison MIHARA YASUHIRO）」です。「アンダーカバー（UNDECOVER）」も、パリでショーを行う時は毎回作らせていただいてます。　あと、先日シャーロット・ランプリング（Charlotte Rampling）の撮影でのお弁当オーダーがあり、私は作っただけで会っていませんが、気分が爆上がりでした（笑）⎯⎯ 毎日のようにオーダーが入っているそうですが、1日のスケジュールを教えてください。　前日の夜に翌日の仕込みをして、当日は早朝からご飯を炊いて、焼いて、揚げて、詰めて……。お弁当を留める紐を切ったり、献立を印刷してカットしたりといった作業も基本的に全て自分一人でやっているので、本当に慌ただしいです。ブランドにもよりますが、一件あたり30〜40食を自宅の家庭用キッチンで用意しているので、仕事は早朝から深夜までかかります。でも、本当に料理が好きだから、気力でなんとかできている、という感じ。あとは、食べた人が「美味しかった」と言ってくれることがエネルギーになっています。生活：息子の絵がソロイストのTシャツに⎯⎯ 移住のきっかけが「東京での暮らしに疲れた」からとのことでしたが、パリではそういったストレスはないですか？　ないですね。プレス業務は特に毎日たくさんの人に会ったり連絡を取る必要がありますが、田舎育ちなので都会でたくさんの人と毎日コミュニケーションを取らなくてはいけない環境が得意じゃなかったんだと思います。「誰もいないところに行きたい」みたいな感覚でした。　あとは、東京は街に情報が溢れていて、求めていない情報まで視界に入ってくるのが苦手でした。一方でフランスでは誰からも干渉されないし、自分からアクションを取らなければ情報も入ってこない。そういう空気感がなんだかすごく楽なんです。きっとこのお弁当の事業だって、日本だったら実現するのはもっと難しかったんじゃないかと思います。私は料理学校に通ったこともなく、特別な資格を持っているわけでもない。パリでは特に資格が必要ないですが、日本では開業までに超えなくてはいけないハードルがもっと多かったと思います。⎯⎯ H VEGAN BENTOを始めてからは、子育てと仕事はどのようなバランスで両立してきましたか？　子どもは今17歳と13歳で、もう大きくなったので手がかからなくなりました。お腹が空いたら勝手にUber Eatsも頼んでくれます（笑）。パリには働いているお母さんが多いので、シッターさんに送り迎えをお願いしたり、公園で遊んできていただいたりがしやすいです。私も子どもたちが小さい頃はよくお願いしていました。⎯⎯ お子さんの絵が「タカヒロミヤシタザソロイスト. （TAKAHIROMIYASHITATheSoloist.／以下、ソロイスト）」のコレクションに使用されています。そもそも、宮下さんと出会ったきっかけは何だったんですか？　宮下さんとの出会いは、21歳か22歳の頃、知り合いに連れて行ってもらった原宿のレコード屋さんの事務所で会ったのが最初だったと思います。すぐに仲良くなり、よく飲みに行っていました。　イラストを使用してもらったのは2016-17年秋冬コレクション「YOUTH」が最初です。オスカー（息子）は絵が大好きでしょっちゅう描いており、それを見た宮下さんが気に入って「コレクションに使いたい」と言ってくれて。パリから原画を送りました。　ニットやシャツ、アウター、スカーフ、スニーカーなど、たくさんのアイテムに使ってもらって私は感激しましたが、息子は当時まだ7歳でことの重大さをわかっていたかどうか…（笑）。　その後も2019年春夏コレクションでもコラボのような形で参加させていただきました。ソロイストが「ステューシー（STÜSSY）」40周年のためのチャリティTシャツを作った時には広告にモデルとして参加させてもらったり、とても可愛がっていただいています。⎯⎯ 今でも宮下さんとの交流は続いていますか？　東京に行くたびに毎回会っていて、LINEもほぼ毎日（笑）。内容は、相談事から「今何を食べているか」などたわいのない話までさまざまです。　最近はタイミングが合わず家族で会う事は少なくなりましたが、宮下さんは子どもと同じ目線で本気で遊んでくれるので子ども達も大好きで。私が会話に入れないくらい話が盛り上がっていますよ。　以前夏休みに会った時、オスカーが漫画の「NARUTO」にはまっていることを話したら、その年のクリスマスにサプライズでNARUTOの漫画本全72巻がパリに届いたんです！。重い段ボールが届き何かと思ったらびっくり！感激でした。⎯⎯ 美味しいヴィーガン弁当を作るために大切にしていることは？　まず、お弁当の蓋を開けたときに喜んでいただけるような彩りや美しさがあること。なるべく季節の野菜を入れるようにしていて、植物性タンパク質も入れて。あとは甘味と酸味、塩味のバランスでしょうか。味付けは味噌や醤油、塩麹などを使用した日本の味にしていて、野菜は基本的にこちらで手に入るできる限りオーガニックのものを選びます。⎯⎯ 味付けは日本風なんですね。パリでは「おむすび権米衛」に行列ができていたり抹茶ブームが起きていたりと、日本食の人気を感じます。　そうですね。多くの人が「お弁当」や「おにぎり」という言葉を知っていて、ここ数年は日本人が手掛けるおにぎり屋さんやお弁当屋さんがすごく増えています。でもベジタリアン向けはあっても、ヴィーガンだけを専門にしているところは私の知る限りないんです。卵焼きが入ってしまうとヴィーガンにならないですし、日本の味付けのベースにある「出汁」が鰹節から取られているのでヴィーガンにするのが難しいんですよね。⎯⎯ 自身で考案したレシピで、特にお気に入りのものを教えてください。　「カラナマック（Kala Namak）」という種類のブラックソルト（ミネラルを含む黒い岩塩）は硫黄のような香りが特徴で、食材と混ぜると本物の卵のような味になります。豆腐ベースのサラダにヴィーガンマヨネーズとブラックソルト、胡椒だけを入れて、カボチャのマッシュで色付けをした「卵を使わない卵サンド」はとても人気です。H VEGAN BENTO公式インスタグラム（@hveganbento）より　自家製のベジミートボールは、ソイミートから自分で作ります。木綿豆腐を手で潰して、酒と醤油を混ぜ、250度程度の高温のオーブンに入れて10分おきに裏返しながらカリカリになるまで焼き、マッシュルームと生姜、玉ねぎ、玄米、黒米、黒豆を潰して混ぜて丸めます。⎯⎯ 美味しそうです…！5月にレシピ本も発売しました。白石さんのインスタグラム（@hirokoshiraishi）より　インスタを見てくれた出版社の方から連絡をいただいて。普段から作っているレシピから、本のために開発したものまで、全部で約60のレシピを掲載しています。フランスの出版社から発行されるので全てフランス語なんですが、Amazonでも取扱いがあります。　いつもは目分量で入れている調味料を全て1g単位で測らないといけなかったので、本当に時間がかかりました。疲れすぎて、本の中に写っている私の顔がめちゃくちゃ疲れてます（笑）。そういう意味では心残りもありつつ、現時点で出来る範囲での“完璧なもの”ができたと思います。通常のケータリング業務と並行しての制作だったので大変でしたが、無事に最終チェックが終わったときはホッとしました。⎯⎯ 「ヴィーガンレシピ」への需要も高まっているんですね。　最近は卵や乳製品のアレルギーを持っている方も多いですし、ヴィーガンは肉や魚、乳製品が食べられない方も誰もが食べることができます。動物愛護の観点から選択する人も増えていて、以前よりもヴィーガンのニーズが高まっているのを日々感じています。⎯⎯ これから挑戦したいことについて教えてください。　自分のお店を構えるのが夢です。理想は「深夜食堂」*のような、コの字型のカウンター席のある「ヴィーガン居酒屋」。ケータリングは今後も続けていきたいので、まずは週に2日くらいから始められたら嬉しいです。お弁当だとどうしても食べてもらう時には冷めてしまうので、コの字型のキッチンの中で作った料理を温かいうちにすぐ食べてもらえる場所が作りたいです。*深夜食堂：安倍夜郎による同名漫画を原作としたテレビドラマ。第4部、第5部はNetflixオリジナルシリーズとして世界に配信されている。おまけ：白石さん流ヴィーガンマヨネーズのレシピ💡 ＜材料＞ 植物油：（オリーブオイルは香りが強いのでクセのない米油などがおすすめ）120g 豆乳：70g マスタード：大さじ1 梅酢：大さじ1（または酢 大さじ1と塩小さじ2/3） 砂糖：小さじ2 →ブレンダーで混ぜれば完成✨photography: Yujiro Saitotitle design: Chiaki Sato◾️連載：パリで暮らす、パリで働く #01 ヘアアーティスト Yui Ozaki #02 フラワーアーティスト 守屋百合香 #03 ジャーナリスト 冨田ユウリ #04 「H VEGAN BENTO」白石浩子 #05【番外編】在住者に聞いたパリのおすすめショップ＆お土産(マップ付き)◾️トップメゾンで働くデザイナーに聞く、パリでのキャリアの築き方

元「ナンバーナイン」プレス担当が、パリで人気のヴィーガン弁当屋さんになるまで

──出身は？　埼玉県の三郷市です。「物事について常に問いを持つように」という父の教えのもとで育ち、絵描きの教室、ピアノ、サッカーなど、とにかく気になることはなんでもやりました。──大学は文化学園大学の服装学部。　ファッションクリエイション学科でした。大学2年生で「ここのがっこう（coconogacco）」に、大学3年生で東京文化財団主催のコミュニケーションツールについて模索する「東京プロジェクトスタディ」に、卒業年度にもう一度「ここのがっこう」に入り直しました。──「ここのがっこう」では何を作っていたんですか？　男性に対してコンプレックスを感じることが多くて、その記憶や体験を残すために男性の下着や衣服をずっと作っていました。「あの子が着ていたパンツを作ろう」とボクサーパンツを皮膚感のあるシリコンで作ったり、文も書いていました。──写真を始めるきっかけは？　もっと解像度高く記憶を残したいと考え、写真をやってみようと。あと、「ここのがっこう」のプレゼンテーションで「写真がいいね」と言われたことも大きかったです。──フロットサムブックス（flotsam books）*¹のポートフォリオレビューにも参加されていますね。　「ここのがっこう」の勧めで応募したのですが、当時はちゃんとした作品集を持っていなかったため、インスタグラムのアカウントだけを送りました。幸いにも目を通していただけることになり、ポートフォリオレビューへ進むことになったんです。私は当時から「大きく、厚みがあるものこそ格好いい」という美学を持っていたので、当日はA1サイズのポスターと厚紙で自作したポートフォリオを持参し、そこに男の子たちのヌード写真を大きく大胆に構成して臨みました。それを見たオーナーの小林孝行さん、スタイリストの小山田孝司さん、「スタディ（STUDY）」編集長の長畑宏明さんが「気持ちいい」「ストーリーがいいね」と言ってくださって。　「ここのがっこう」という身内の環境とは違う場所で、自分の写真に対して「写真でやっていけるよ」と言っていただけたことは、大きな転機になりました。それなら一歩踏み出してみてもいいかもしれないと思い、写真を本格的に始めるきっかけになりました。*¹ 東京を拠点とするブックストア。ファッション、写真、アート、デザインなどのヴィジュアルブックを、海外からの輸入書を含め、多様な視点や表現を反映したセレクションで紹介している。──「ボーイズハンター」と名乗られていますが、どういったきっかけで名乗るようになったんですか？　「写真家」や「アーティスト」という既存の肩書きに違和感を覚えたというか。当初は「男性の漂いを捉える人」と名乗っていたのですが、小林さんにもっとふさわしい肩書きがないか相談したところ、「『ボーイズハンター』はどう？」とアドバイスをいただいたんです。それが非常にしっくりときたため、それ以来「ボーイズハンター」という肩書きで活動しています。──被写体は基本的に男性ですが、選定基準は？　背が高く、どこか一人では生きていけないような、儚げで頼りない体つきの男性に強く惹かれます。いわゆる「塩顔」と呼ばれるような、あっさりとしたニュアンスを持った方が多いですね。──作品集「boy's soul」のコンセプトや、制作過程で大切にしたことは？　「boy's soul」は、私よりも年下の、これから未来へ向かって進んでいく若者たちを集めて2024年に制作した作品集です。もともと私は夏が苦手で、その季節をどう乗り切るかを考えた際、あえて自分の中で一番熱い夏にしたいと思い立ち、制作をスタートしました。制作はオルタ（OLTA）*²でアシスタントをしている哲平くんと一緒に進めました。彼も私と同じようにボーイズへの強い情熱を持っていますが、私とは異なる独自の視点を持っている点が非常に興味深かったんです。彼もまた、被写体となる彼らに深く心を寄せている。その異なる2人の感覚を掛け合わせたらどんな化学反応が起きるのだろう、という好奇心が制作のきっかけでした。　全員でロケハンを重ねながら撮影を進めていくプロセスは、まるで冒険をしているかのようでした。こちらが一方的にストーリーを用意するのではなく、作品に深みをもたらすために、モデルとなった彼らと密にコミュニケーションを重ねながら、共に作り上げていくという感覚が強かったですね。*² ヘアスタイリストの後藤泰が手掛ける明治神宮前のヘアサロン。男女問わずトレンドに敏感なユーザーが多く、モデルや俳優からも支持されている。boy's soul── ボーイズをハントするとき、おしゃれかどうか気にしますか？　気にしないですね。いつも彼らには「好きな服を着てきてほしい」と伝えています。ただ、写真を撮り始めた初期の頃は、少年たちのために自分で服を制作して持参し、それを着てもらっていました。白シャツなどをすべてミシンで自作し、着用してもらったパーカを「持って帰っていいよ」とプレゼントしたこともあります。しかし現在は、彼らが自身で誇りを持っているスタイルで来てほしいと考えています。それが奇抜な色合いであっても、極めてナーディな服装であっても構いません。彼らのその瞬間の“気分”を、ありのままレンズに収めたいと思っています。── スタイリストと撮影するときと、ボーイズに服を着てきてもらう時の違いは？　スタイリストさんにお願いするときは、その方が持つ独自のムードや世界観を何よりも大切にしたいと考えています。異なるアプローチの情熱が交わることで生まれる化学反応が見たいという思いが強く、撮影は心から信頼できる方々とだけ行うようにしています。でも、スタイリストさんには「骨格が透ける服がいい」というのは言っているかもしれないですね。── 骨格が透ける服ということは、オーバーサイズや重ね着は基本的に避けるということでしょうか。　物理的な意味で「肌が透ける服」ということではないです。たとえ体を完全に覆い隠すような服であっても、そのシルエットや生地の落ち感から、スタイリストの方が「これなら骨格の気配が伝わる」と解釈してくださるのなら、それで構わないと考えています。私が投げかけた言葉を相手がどのように受け止めるのかを知りたいですし、そうした大きなテーマを他者とともに紐解き、共有していくプロセス自体に、何よりの魅力を感じているんだと思います。── 普段使用しているカメラは？　「ソニー（SONY）」のサイバーショットシリーズの「DSC-F505K」と、デジタル一眼レフ「α100」を使用しています。写真を始めた当初は母が薬局の景品で手に入れたサイバーショットシリーズのコンパクトモデル「DSC-WX200」を使用していました。皮膚の色の写りが気に入っていたのですが、サイバーショットがコンパクトになる前のモデルが欲しいと思い、「DSC-F505K」に切り替えました。暗視機能が付いていてとても気に入っています。「α100」を購入したのは、ソニーに勤めている方がスナックにいらしたことがきっかけでした。企業努力や過去発売されていた商品の話を聞いたことでソニーに対する愛着が湧き、ソニー初のデジタル一眼レフである「α100」を使用したいと思ったことで購入に至りました。── ご自身の写真は、写真史の中でどのような文脈に位置付けられると思いますか？　誤解を恐れずに言えば、実は写真というメディアそのものに対して、それほど強い興味があるわけではないんです。私がカメラを手にしたのは、自身の表現活動を進める上での必然的な延長線上にすぎません。そのため、「何派」に属するのか、あるいは「誰の系譜に連なるのか」といった写真史的な枠組みを意識したことはありません。　ただ、「ここのがっこう」に在籍していた当時、私の作品のスタンスがソフィ・カル（Sophie Calle）に近いと指摘されたことがあって。実際に彼女の作品に触れた際、複合的な視点から一つの対象へと迫るアプローチや、それをインスタレーションへと昇華させる手法には、非常に深い感銘を受けました。── 写真家やクリエイターで気になる人は？　写真家の中野道さんが撮影する作品が好きです。撮影する時の心情が写真にそのまま現れているところに魅力を感じます。また、同じようにボーイズを被写体にしている写真家の方々の作品にも惹かれますね。ただ、彼らの作品を見て純粋に感嘆するというよりは、「これほど魅力的な男の子を見つけ出すなんて最高すぎる」と、どこか嫉妬に似た悔しさを覚えてしまうことの方が多いです（笑）。　他には、ウィンター・ヴァンデンブリンク（Winter Vandenbrink）のように、遠方から身を隠すようにして少年を捉えるような、ある種の執着や狂気を感じさせるアプローチが非常に刺さります。そこには彼なりの明確な距離感があるのだと思います。私は被写体と密にコミュニケーションを重ねて撮影したいタイプですが、彼の場合は、言葉を交わす必要すらなく、遠くの定点から覗き見るようなスタンスを貫いている。そうした、被写体との距離感がクリアな作家に惹かれます。「自分はこの距離で対峙する」という意志がはっきりしていると、作品に確固たる一貫性が生まれる気がするんです。── 進行中のプロジェクトは？　韓国での撮影・制作を計画中です。韓国に私のことをずっと見守ってくれているボーイズのファンがいて、彼だけを被写体にした作品集を制作したいと考えています。あと、あえて言語の通じない海外という環境に身を置き、もどかしさを抱えながら必死にコミュニケーションをとってみたい、という動機もあります。私は現在、昼の仕事に加えて夜はスナックでも働いているのですが、そこでの会話は簡単に結論が導き出されがちで、最近の自分自身のコミュニケーションに「余白」がなくなっていると感じていました。断定的ではない、言葉が足りないからこそ生まれる豊かな余白を表現に落とし込みたい。そのためには、一度日本語という慣れ親しんだ言語の枠組みから離れてみる必要があると思ったのです。韓国のプロジェクトを経て、来年はヨーロッパへ渡り、同様の試みに挑戦してみたいと考えています。── 今後の目標は？　コンペへの応募などはあまり意識しておらず、とにかく作品を精力的に制作し、グローバルに展開していくことが現在の目標です。自分の残した記録が、世界へ届いてほしいという強い思いがあります。　もちろん日本でも見てくださる方が増えたら嬉しいんですが、それ以上に「日本語が通じない国の人々がこの作品を見たときにどう感じるのか」ということが非常に気になっていて。そのため、現地の書店へ直接売り込みに足を運ぼうと計画しています。Ayami Hatano（波多野彩姫）2000年11月15日生まれ、埼玉県三郷市出身。文化学園大学服装学部ファッションクリエイション学科卒業。2022年　合同展　東京プロジェクトスタディ1「happening」inTokyo  Bababa2023年　合同展　coconogacco exhibition in Fujiyoshida　2024年　合同展「Boys Don't Talk」in Berlin2024年　個展「For Boys」in Tokyo  Flotsam books2024年　Zine「boy's soul」発刊2024年　「boy's soul」発売記念展　in Tokyo SPWN公式インスタグラム= Self-Portrait For FASHIONSNAP =

【連載】若き写真家の肖像 -波多野彩姫-

パリに来るまで：オペラ歌手の母の仕事場、舞台裏に憧れた幼少期⎯⎯ これまでの経歴から教えてください。　元々、母親がオペラ歌手で、幼い頃からその舞台を間近で見ていました。でも、その姿を見て憧れたのは母親より、舞台の裏でTシャツ1枚で駆けずり回っている裏方の人たちでした。そこから漠然と、テレビ局などの裏方の仕事に就きたいという気持ちがあり、新卒でNHKに入社しました。全国放送の局なので、広報やイベント周りを中心に、番組制作や取材なども担当しながら5年ほど働きました。⎯⎯ NHKを退社した理由は？　会社の居心地は良かったし、仕事自体もすごく面白かったですが、会社の名前で仕事をしている感覚がずっとありました。守ってもらっている分、自分という個人が薄くなっていくような感覚というか。取材でも、聞きたいことを好き放題には聞けない場面もありましたし、もっと自分の興味に従って動けるほうが自分らしくいられるんじゃないかと思うようになったんです。⎯⎯ ライティングはどこで学んだのでしょうか。　NHKを辞めるときに、特にツテもコネもなかったので、まず編集の仕事をちゃんと学ばなければと思い、雑誌の裏に載っている連絡先に片っ端から連絡をしました。そのなかで返事をいただけたのが、ビジネス誌の「プレジデント」編集部でした。　プレジデント社の編集部はワンフロアだったので、プレジデントで編集の仕事をしながら、グルメ誌の「dancyu」や着物雑誌の「七緒」でも働かせてもらい、現場に飛び込んで仕事を覚えました。生活：家具は拾って、語学は60歳の友だちに学ぶ⎯⎯ 国内で数年間フリーランスを経験し、2024年に拠点をパリに移しました。　母の仕事について海外に行くことはありましたが、私自身は留学も海外に住んだ経験もありませんでした。いつかは海外で暮らしたいなという思いがあり、ワーキングホリデーがまだ余っているし、一度どこかに行ってみようと思いました。どうせ行くならなるべくサバイバルな環境がいいと思ったので、英語圏ではない国で、街並みがきれいで、言葉も美しそう、という理由からフランスを選びました。　当時はファッションエディターの白澤貴子さんのアシスタントもしていて、白澤さんが昔フランスにお住まいだったという話を聞いていたので興味を持っていたのもあります。でも、最初は1年で帰るつもりでした。⎯⎯ 今でもパリで暮らしている理由は？　すごく居心地が良いのと、サバイバルな環境が毎日新鮮で楽しい。“過ごしにくいけど、生きやすい”という感じです。⎯⎯ というと？　フランスの人って基本的に大らかというか、適当な部分もあって、気分によって言うこともコロコロ変わるので、役所に行っても「今日は気分じゃないから受け付けたくない」と帰らされたことがあります。仕事でも、レストランの取材を申し込んでアポイントを入れたのに当日行ってみたら「今日はシェフがいない」と言われたり、ちょうどこの後取材でイタリアに行くんですが、お願いしていたフォトグラファーが「気分が乗らないから」という理由で急遽キャンセルになり、飛行機まで取り直すことになりました…（笑）。デモが起きてメトロが止まることもしょっちゅうですし、そう言う意味での不便さはあります。　でも一方で、自分も自由に過ごしていたって誰にも咎められないし、ちゃんと説明すれば理解してもらえるところは生きやすいと感じます。ルールに縛られていないからこそ、融通が効く場面も多々あります。これまで「ちゃんとしなきゃ」と思いすぎていたことから解放されたような感覚です。⎯⎯ この家はどのようにして見つけたんですか？　もともと知人が住んでいた部屋を紹介してもらいました。大家さんが隣に住んでいるのですが、日本のことがとても好きな方で、お部屋に畳があったりするんです。完全にご縁と運でした。良い物件は知人にだけ紹介している大家さんも多く普通に探しても簡単には借りられないので、周囲にとにかく相談するのが大事だと思います。⎯⎯ インテリアもかわいいですね。　家にあるものは大体頂き物か、蚤の市で手に入れたものです。仕事机は道端に落ちていたものを拾ってきました。結構よく机とか椅子が落ちてるので、見かけたら、よほど汚くない限りは一回検討します（笑）。メトロに乗っていても、時々大きな家具を抱えている人を見かけますよ。⎯⎯ 掘り出し物ですね！確かに、物を受け継ぎながら長く使う人が多いイメージがあります。　物を大切にするという価値観が作品に表れていると感じます。新品を買ってばかりではなく、いただいたものや拾ったものを大切にするという考え方が私もとても好きなので、取材していてもとても楽しいです。⎯⎯ フランス語はどのように勉強しましたか？　基本独学です。フランスって日本人に興味がある人が多いので、レストランやカフェで偶然会った人にナンパされることもよくあり、私がパリで一番仲が良い60歳のフランス人女性ともレストランで偶然出会いました。元々「シャネル（CHANEL）」でデザイナーをしていたそうですが退職して、今は悠々自適に暮らしている方で、「パリを教えてあげる」っていろいろ連れ回してくれるんです。車の運転も好きな方なので、よくドライブにも連れ出してもらっていて、その方と会うときに「今日はこの話がしたいから、そのためにはなんて言ったらいいんだろう」って調べて覚えたフランス語を披露しています。大家さんや同じマンションに住むおじいさん、おばあさんともよくお話をします。実際に会話をしてみることが一番勉強になるアウトプットですね。　若い人は会話のスピードが速いのでついていけないこともありますが、年配の方はゆっくり話してくれるし、聞き返すと何度も親切に教えてくれます。このほかにも、アプリの「デュオリンゴ」で勉強した簡単な会話は街中で立ち話などに役立てています。⎯⎯ パリでの生活が向いている人ってどんな人だと思いますか？　適当なところがないとやっていけないと思う。思い通りにならないことを受け止められる感じの人が多い気がします。ゆるっとしてるけど、ちゃんとこだわりがある人というか。仕事：人と出会って仕事が生まれる⎯⎯ お仕事についても教えてください。パリでの仕事はどのようなきっかけから生まれていますか？　偶然の出会いからが多いです。この職業の方はみなさんそうだと思いますが、仕事とプライベートの境目があまりはっきりしていないので、プライベートで素敵な人に出会ったら、「どういった媒体にならこの人を紹介できるか」と考えて自分から企画提案することもありますし、「こういう企画があるので、いい人を知りませんか」と媒体から声をかけてもらうこともあります。冨田さんが担当した記事が載った「FIGARO」2026年5月号冨田さんのインスタグラム（@tomiyuuu_）より⎯⎯ 「人」とはどのように出会っていますか？　お散歩中などに偶然見つけたお店に入ってみて店主の方のお話を聞いたり、ホームパーティの多い文化なので、そうした場所に足を運ぶと、素敵な人の周りには素敵な人が集まっているので自然と出会えたりします。パリはフランクに新しい出会いのある街だと思います。　私はもともと人がたくさんいる場所があまり得意な方ではないんですが、パーティに行くとパーティが得意じゃなさそうな人や社交的じゃない人もいて、意外と気楽に参加できています。個性的な人たちともたくさん出会えるのが楽しいんです。⎯⎯ 取材対象や媒体の幅も広いです。執筆に限らず、シトウレイさんのYouTubeのアシスタントもされているとか。　フリーになることで専門性を高めていくライターさんが多い中で、ジャンルレスすぎることが一時期はコンプレックスでもあったのですが、私が一番興味があるのは「人」であり、その生き方やライフスタイルなので、どうしても幅が広くなってしまいます。飲食店の人にも話を聞きたいし、ファッション系の方にも興味があります。　現在は8割がライティングや編集の仕事ですが、NHKでは映像を作ることもあったので、ライティングの取材に付随してYouTube撮影や写真の撮影を依頼いただくこともあります。媒体以外にも、アパレルブランドのルックのコンテンツを作る際に、テキストに加えて写真も担当したり。⎯⎯ 日本からの仕事と現地での仕事のバランスを教えてください。　ワーホリ中から色々なお仕事をいただいていますが、日本のクライアントさんの、特に雑誌が多いです。いつかフランス語でも記事を書けたらと思いますが、取材はフランス語でなんとかできても、書くのは全然難しく勉強中です。でも徐々に、フランスでの仕事も本格的に増やしていきたいと思っています。⎯⎯ ライター業は1本あたりの単価が動画などと比べて安価な中で、日本価格の案件が中心だと物価高や円安など環境も厳しいかと思いますが、実際のところはどうですか？　すごくギリギリなサバイブをしている感覚はありますが、先が見えないのは日本にいても同じですしね。でももともとあまり仕事を選んでいないというか、縁があれば経験としてなんでもやっていきたいと考えているので、あまり悲観的には考えていません。自分で考えて日々生活していく力がつくし、もし本当に困ったら「その辺でバイトするのもいいな」くらいの感覚で生きています。⎯⎯ フランスはカルチャー面でも日本と違う点が多そうですが、働き方や求められる仕事の違いはありますか？　専門職へのリスペクトがとても高い国だと感じます。日本では指示されたことをする、という働き方が多いと思いますが、こちらにも意見を求められるし、意見を主張しやすい。取材の際にもリスペクトを持って接してくれる方が多いと感じますし、クライアントとのやりとりもフラットかなと思います。⎯⎯ これから挑戦したいことは？　まずは言語をもっと上達させたい。フランス語ってすごく美しい表現がたくさんあるので、そういう言葉で自分も何か書けるようになりたいです。　「旅をする木」という本が好きで、旅も好きなので、フランスやヨーロッパに限らず、もっといろいろな場所を旅しながら、出会った素敵な人たちを紹介していけたら素敵だなと思っています。photography: Yujiro Saitotitle design: Chiaki Sato◾️連載：パリで暮らす、パリで働く #01 ヘアアーティスト Yui Ozaki #02 フラワーアーティスト 守屋百合香 #03 ジャーナリスト 冨田ユウリ #04 「H VEGAN BENTO」白石浩子 #05 【番外編】在住者に聞いたパリのおすすめショップ＆お土産(マップ付き)◾️トップメゾンで働くデザイナーに聞く、パリでのキャリアの築き方

京大→NHK→フリーランス　パリ在住、31歳ジャーナリストの履歴書

パリに来るまで：競技ダンス選手からフラワーアーティストに転身⎯⎯ フラワーアーティストになった理由から教えてください。　10代の頃からフランス映画やフランス文学に興味があったので大学では仏文科に進学しました。18歳の時に競技ダンスに出会い、アマチュア選手として全国大会で入賞するほど夢中になりました。大学卒業後は競技ダンスのアマチュア選手をしながら法律事務所の秘書として働いていたんです。　20代半ばで競技ダンスの引退を考えるようになった時、偶然インターネットで見つけたパリのお花屋さん「Rosebud fleuriste」の作品に衝撃を受け、その場ですぐにパリ行きの航空券を取り、実際にそのお花屋さんに会いにいきました。感動を伝えると、フランスには「スタージュ（研修）」制度があると教えていただき、私も学びたいと思いました。⎯⎯ すごい行動力です。　帰国してからは、そのお花屋さんで過去に修行した経験のある師匠に弟子入りしました。もともとお花が好きだったのもありますが、情熱を向けていたダンスの引退が見えていた時期に出会ったというタイミングも後押ししてさらにのめり込み…。平日は秘書の仕事を続けながら、週末は師匠のところでアシスタントをする日々を2年弱過ごし、貯金と語学の準備を整えて2014年にワーキングホリデーで渡仏しました。無事念願だったそのパリのお店でスタージュとして働くことができたんですが、実際に働いてみると小売店としてのお花屋さんではなく、空間の装飾に興味があるのだと気がついて。　なので、スタージュ期間を終えた後はインテリアショップでアルバイトをしつつ、2015年に独立してお花の仕事を、最初は知人の仕事から少しずつ始めました。ワーホリ期間が終わって一度帰国してからは、しばらく東京とパリを行き来しながら暮らして、結婚や出産を機に2020年ごろから拠点をパリに移しました。仕事：個人のクリエイティビティを尊重する文化⎯⎯ ファッションウィークに関わる仕事やファッション関連の仕事も多いかと思いますが、普段はどのように働いていますか？　まず定期装花と言って、大体週1回のペースでパリ市内のギャラリーやセレクトショップ、レストラン、カフェ、ファッションブランドのショップのショーウィンドウを飾るお仕事をしています。これに加えてイベント装花、撮影のスタイリングなどがあります。　ファッションウィークの期間には、これに加えてショールームの装花やショーのお仕事が加わるので忙しくなりますね。「ステラ マッカートニー（STELLA McCARTNEY）」のVIPイベントの装花や、2026年秋冬のウィメンズファッションウィークでは「オフ-ホワイト™（OFF-WHITE™）」、「ミュウミュウ（MIU MIU）」のショー会場のVIPスペースのお花を今回初めて任せてもらいました。また、「セリーヌ（CELINE）」の撮影のお花も担当しました。⎯⎯ ファッション関連の仕事するようになったきっかけは？　最初にファッションウィークに関わったのは2014〜2015年のワーホリ中でした。百貨店に勤めていた同年代の友人から島田順子さんへ贈る花束を依頼されたんです。ファッションウィーク期間中の「ジュンコ シマダ（JUNKO SHIMADA）」のプレゼンテーション会場に花を届けた際に初めてパリコレの空気に触れ、ファッション業界の方々のクリエイションに対する情熱や熱気に強く惹かれました。また、2015年の「ディオール（Dior）」のショーで40万本のデルフィニウムを使った丘がセットとして登場したことが印象的で、花とファッションのクリエイティブな関わりに興味を持つようになりました。　その後「オーラリー（AURALEE）」が初めてパリに来た時にもお花を担当させてもらうことになるなど、最初は日本のブランドの仕事から始まりました。営業メールを送ったりもしましたが、一度ご一緒した方々に口コミで紹介していただいて得た機会が一番多かったです。⎯⎯ 仕事の上で感じる、パリならではのカルチャーはありますか？　コミュニティ文化というか、小さな村みたいな世界です。移民がいきなり入っていくハードルはとても高いけど、ちょっとしたきっかけで壁を超えることができて、その輪に入るといろいろな人に紹介してもらえます。口コミが何よりも重要。そして一度しっかり作品を見てもらい、本当に認めてもらえたら、個人のクリエイターにも大きなチャンスをくれる人がいる。日本の方がイメージする「花屋＝業者」像より、クリエイターやアーティストとして、個人のクリエイティビティを尊重する文化が強いと感じます。⎯⎯ パリで支持される仕事をするために心がけていることはなんですか？　「外国人」であり、ネイティブと同様のコミュニケーションは難しいので、誰かと同じものを作っていたら私に声がかかることはないと思う。かといって特別に奇抜なものを作ろうという気もなくて、ミニマルでシンプルながら自分らしい、個性やスタイルが見えるものを作りたいと考えています。周囲の方からよく言われる作風の特徴としては、「ポエティック」、「ミニマム」、「スカルプチュアル」、「繊細」などでしょうか。競技ダンスからは音楽性や身体が持つ有機的なシルエットの美しさを、仏文学からは詩情を学んだと思っていて、そうしたものが現在の作風に活きていると感じます。守屋さんのインスタグラム（@maisonlouparis）より⎯⎯ 昨年からパリの11区にアトリエを構えています。2015年に独立してからの10年間はどのような環境で仕事をしていたんですか？　以前は自宅兼アトリエにしていたんですが、大人だけなら我慢できるけど、子どもが生まれてからは流石に手狭で困ったので本格的に探し始めました。何をするにしてもきっとフランス生まれのフランス人より時間がかかるし、大変なことも多いですが、少しずつでも昨日の自分よりも成長できるように頑張っています。いまだに車を持っていないのでカーシェアサービスを利用していますし、まだまだ理想に追いついていない部分も多いですが、そんな中でもアトリエを持てたことは成長を感じる大きな節目になりました。⎯⎯ 家に限らず、物件は紹介してもらわないとなかなか見つからないと聞きます。　自宅は、ずっと日本人にしか部屋を貸していないという日本人の大家さんから借りています。アトリエは、商業用物件を借りるのはさらに大変なので苦労しましたが、この物件は散歩中に偶然募集の貼り紙を見つけたんです。大家さんの電話番号しか書いていない貼り紙、つまりエージェントが仲介していない物件だったので、すぐに連絡したら、2日後には鍵を受け取ることができるほどスムーズに決まったのでラッキーでした。⎯⎯ 外国人という立場によって、花の仕入れなどで苦労することはありますか？ 　日本人だからとかパリだからとか関係なく、東京でも同じことで、業界で働く者として、仲卸さんと良い関係性を築くのは当然とても重要です。東京の市場では師匠に紹介していただいた仲卸さんによくしていただいていますが、パリではまず名前を覚えてもらうところから始まります。彼らにとっては聞き慣れず発音もしにくい名前なので、はじめの頃はなかなか覚えてもらえなかったけど、それはもう仕方がないこと。でも生花は仕入れがすごく重要なので、諦めずに何度も通ったり、毎回少しでも何かを買って信頼関係を築いたり、基本的なことですがどのスタッフさんにもきちんと挨拶をするなど、コミュニケーションを丁寧に取ることを心がけています。たまたまインスタグラムで仕事を見てもらったら態度が変わったことも。一度認めてもらえると、とてもスムーズだし親切です。　夫と仕事のスケジュールが合わず、子どもを頼めない時にはランジス市場（東京ドーム50個分の敷地を持つ世界最大級の卸売市場）に子どもを連れていくことも珍しくないんですが、みなさんお菓子をくれたり、いつも温かく接していただき感謝しています。⎯⎯ 安心しました。日本ではどんな仕事をしていますか？　年に2回は日本に帰るようにしていて、一時帰国した際にはNHK「あさイチ」の博多華丸・大吉さんと一緒に15分間のフラワーアレンジメントに挑戦するコーナーに出演させていただいています。何よりの親孝行だと思っています（笑）。ワーホリ中に働いていたインテリアショップが当時日本の雑誌でもよく取り上げられていて、雑誌をご覧になったNHKのプロデューサーさんがプライベートで来店された時に店にいた私に興味を持ってくださって。当時書いていたブログから現在のインスタグラムまで10年以上ずっとチェックしてくださっていたようで、声をかけていただきました。ちょっと恥ずかしくもありますがすごく嬉しかったです。帰国することをインスタに載せると、日本のフォトグラファーやブランドの方から撮影の依頼をいただいたりもします。⎯⎯ これから挑戦したいことは？　具体的な短期目標で言うと、今年は法人化するための準備を進めています。また、文章を書くことも好きで、エッセイの連載もいただいているので、そうした花とは異なる表現ももっと育てていきたいと思います。ファッションウィークでショー関係のお仕事ができるようになったのもつい最近なので、引き続き頑張って広げていきたいですね。　あとは、もうすぐ私も10年ビザ（5年以上フランスに合法的に居住した外国人が取得できるビザ。B1レベル以上のフランス語能力の証明義務が必要）が取れるようになるので、DELF（デルフ、フランス語学力資格試験）の勉強をしています。何年も暮らすと、仕事には困らない程度の語学力は身につきますが、生活に慣れる分成長が止まる気がして。生活：花が文化に根付いた街で⎯⎯ 生後半年で一緒に移住したお子さんが今年6歳。子育てしながらキャリアを築きやすい環境ですか？　子育てに関しては、メリットとデメリットがありますし、迷うことは常にありますが、子どもが多様な価値観の中で育つことには大きな意味があると感じています。フランスでは、希望すれば生後間もない子も保育園に預けて働くことができるんですが、私は個人的にもう少しゆっくりしたかったので、週5日預けられる公立ではなく日数が自由に選べる私立を選んで、保育園のうちは週3日だけ預けるスローペースで仕事を始めました。私立と言ってもこちらは結構安いんですよ。他にもベビーシッターさんをお願いするハードルも日本よりとても低く、私もよく知人にお願いしています。仕事の都合や教育方針、スケジュールなどに合わせた幅広い選択肢があるのが良いところだと思います。⎯⎯ 移住した直後からスローペースでキャリアをスタートすることに不安はありませんでしたか？　自分で選んだことなので。それに、フリーランスだからということもありますが、あまり仕事と家庭を切り離して考えていないんです。子どもを連れて仕事にも行くし、今ではファッションウィーク中で忙しい時は子どもを車に乗せて一軒配達してから学校に送り、その後また仕事して、子どもをお迎えに行って公園で遊んで、一度帰宅して夫に預けてもう一軒仕事に行く、みたいな。どちらも生活の中にあって地続きなんですよね。それが自分にとって心地が良くって。⎯⎯ 改めて、パリのどんなところが好きですか？　フランスには「アール・ド・ヴィーヴル（Art de vivre、暮らしの芸術）」という言葉があります。日常生活の中の美しさを大切にするというその考え方が、花が街の中の文化に根付いていることやお花に対する人々の感性にも表れているのを感じるところです。photography: Yujiro Saitotitle design: Chiaki Sato◾️連載：パリで暮らす、パリで働く #01 ヘアアーティスト Yui Ozaki #02 フラワーアーティスト 守屋百合香 #03 ジャーナリスト 冨田ユウリ #04 「H VEGAN BENTO」白石浩子 #05【番外編】在住者に聞いたパリのおすすめショップ＆お土産(マップ付き)◾️トップメゾンで働くデザイナーに聞く、パリでのキャリアの築き方

フラワーアーティストという仕事　競技ダンス引退から弾丸パリ訪問で開いたセカンドキャリア

「身体に溶け込んだ花型が助けに」　華道における視覚的な美しさ⎯⎯花はそもそも美しいですが、華道における美しさはどのように成り立たせていますか？　華道では枝を線として捉えていて、その組み合わせによって生まれる空間が美しさに関わってきます。そのため線の間に広がる空間がどんな形であるかを常に意識していけています。⎯⎯その空間がいわゆる花型と呼ばれるものでしょうか？　そうですね。それぞれの線の角度や構図といった条件が各流派で定められていて、華道ではまずこれの習得を目指します。⎯⎯習得までにどれくらいの時間がかかるんでしょうか。　大体1年くらいかかります。この期間は自由な表現をする機会は殆どないですが、こうした伝統の花型を体の中に溶かすことがとても大切なんです。15度、45度、75度とそれに合わせて生け続けることで、教本を見なくても「どの角度で枝を生けるか」「枝と枝とをどれくらい離せばいいか」などが感覚的に分かるようなってきます。こうした知識の蓄積が、自由な表現をする中で美しさを担保する要素となるんです。ただ美しいだけでは足りない　“説明できない気配”の存在⎯⎯花の美しさにこだわる中で、「自分自身の美」へ目を向けることはありますか？　はい。自分が乱れていると、それはそのまま花にも表れます。だからこそ、美容というより、気”を整えることを大切にしています。⎯⎯具体的にどんなアイテムを使用していますか？　最近は、自分でディレクションしているブランド「オブバイフォー（OF BY FOR）」のヘアオイルや香水を愛用しています。これらは、花を生けているときに感じる「森の中で深呼吸しているような香り」をイメージして作ったものです。花に触れることで気持ちが整っていくように、香りにも人の感覚を整える力がある気がしていて。その部分にはこだわっています。⎯⎯華道の表現において「美しさ」は必要不可欠ですか？　　美しさは欠かせませんが、“整っていること”だけが美しさではないと思っています。少し傾いていたり、不穏さや違和感があったり、儚さが見えたり。人はそういうものに心を動かされることがあります。⎯⎯色々な美しさがあるんですね。美しいだけでは足りないと感じることはありますか？　そうですね。というのも見る人の記憶や感情に残るものには、少し危うさや、生々しさが必要なんです。ただ美しいだけだと、記号として消費されてしまう瞬間があります。作品に狂気やユーモア、生命力など、“説明できない気配”が宿った時に、それは急に人の心へ入り込む。私はその“何かが宿る瞬間”をずっと探しながら花を生けています。Netflix「サンクチュアリ」では「胡散臭さ」を⎯⎯華道には3代流派として「池坊」「小原」「草月流」があります。大谷さんの所属する草月流について教えてください。　草月流はいけばなをクリエイションとして捉えて、花型（美しさ）に留まらない表現を模索しているのが大きな特徴です。自由な表現を肯定する雰囲気があり、本当に何をやっても怒られないというか...。ただ、何を表現しようとしているのかという点はしっかりと見られます。　そういった特徴もあり、映画やドラマなどの現場でお仕事をすることもあります。⎯⎯例えばどのような？　　2018年に放送されたドラマ「高嶺の花」では、いけばな監修をさせていただき、全部で174作品をいけました。その中で、「抗えない運命」というテーマで花をいけた作品があります。少しネタバレになりますが、作中の後編では主人公の出生の秘密が明かされ、自分が両親の実の子ではないと判明します。そのシーンに適したものを手掛けて欲しいと頼まれたんです。⎯⎯それをどのように表現しましたか？　テーマが「憎しみ」など感情の時はそれを自分に憑依させて制作をするのですが、「抗えない運命」は特定の状況だったためそのやり方が出来ませんでした。そのため、テーマを分析し「自然の力」こそが抗えないものなんじゃないかと気が付きました。　そもそも人間は、白亜紀や氷河期といった壮大な地球の歴史のなかに、たまたま適応しているだけの頼りない存在です。自然の変化には決して抗えないし、仮に環境が安定していても、個体としての死はあらかじめ決まっている。ある種、どうしようもない大きな流れのなかに私たちはいます。　その「抗えない力」の象徴として選んだのが、沖縄のガジュマルの根でした。これは人間が形作ったものではなく、過酷な自然環境そのものが育て上げた造形です。複雑にうねり、分かれていく根の姿は、一本の幹から幾多の選択肢へと分岐し、翻弄されていく「運命」そのものに見えました。その上に勢いよく葉を加えることで、自然の一部をそのまま切り取ったような作品に仕上げました。⎯⎯Netflix「サンクチュアリ」では「胡散臭さ」をテーマに挑まれました。　はい。胡散臭さも自分に落とし込めるものではないので、その要素を考えることで具体化していきました。「本物に見えて、本物ではない状態」がその正体なんじゃないかと思って、半分本物というバランスにこだわりました。木蓮の立ち上るような大きな枝を使って“本物っぽさ”を見せながらも、花だけは造花を。全部が偽物だと、胡散臭いよりも単に偽物という印象になってしまうので、本気で偽物を作ることを目指しました。⎯⎯まずキーワードを分析して伝わる形に落としていくんですね。　そうですね。一番大切なのは、見ている人に伝わるかどうかです。なのでただ好き勝手に表現すればいいわけではなくて、独りよがりにならないように意識していています。見た人が心に何かを感じるものがないと意味がないと捉えています。「守破離」を通じて得た表現　いけばなの境界線⎯⎯華道の魅力は何だと思いますか？　「花を生ける」ことって、心がリフレッシュして楽しいものなんです。ただそれはやってみないと分かりません。だから、お花屋さんの花でもいいし、雑草でもいいので一度試してみてほしい。　生きていく上で、花を生けることは必ずしも必要ではないように見えますよね。けど人は昔からいけている。華道が生まれた室町以前でも竹や松を神の拠り所として立てていました。本能的に花をいけたいという気持ちが備わっているんだと思います。⎯⎯これをしたら華道ではなくなるという境界線はありますか？　境界線はないと思っています。極論を言えば、何もいけていなくても、そこに理由や妥当性があり、見る人が理解してくれるなら、それはいけばなの表現として成立する。　そうは言っても、やはりそれまで花と向き合ってきた時間が重要になります。芸道における修行の過程を指す言葉として守破離があります。守は基本的な型（花型）を身につける段階で、そこに自分なりの工夫や応用を加えるのが破、型（花型）にとらわれずに自分のスタイルを確立させるのが離。感覚的には同じですよね。守で培った土台があるからこそ、それを破り離れた時の表現に深みが生まれる。⎯⎯自分以外の人がいけたり、自身がパフォーマンスをしたりと、新しい試みを数多くされていますね。　2023年から北海道・函館の赤レンガ倉庫の35周年記念イベントに関わることなり、その中で1000本のアルストロメリアを1000人のお客さんにいけて貰ったんです。そうすると一人ひとり、ぐるぐると回りながら考え始めて。終わった後の嬉しそうな姿を見て、人はこんなにも花をいけたい生物なんだなって。こうした花をいけようと試行錯誤する姿やその状態そのものがいけばなの表現なのではないかと考えています。私の知らない私の花を求めて⎯⎯大谷さんが「美しい花型」に留まらない表現をし続けるのは何故ですか？　伝統を重視される方からすれば、こんなのいけばなじゃないと言われる方もいらっしゃるかもしれません。しかし、その伝統が新しく始める人にとって敷居になっていることも事実です。もともといけばなは床間ありきでしたが、現代において床間は一般的ではなくなっている。形式だけを守っていては人口は減る一方です。私は絶対に若い世代にもいけばなをつないでいきたい。そして、革新を取り入れることでそれができると考えているんです。⎯⎯いけばなにこだわる理由は？　海外でパフォーマンスをすると、「こういう花が見たかったんだ」と感動されます。アメリカ、中国、イタリア、インド…どこへ行っても反応は同じです。これってすごいことだと思うんです。日本人は自国の文化に対して謙虚すぎる気がしますが、実は世界が驚くような独自の「美意識」を、私たちは古くから持っている。その価値をもっと大切にしたいんです。⎯⎯独自の美意識とはどういうものだと思われますか？　例えば、色とりどりの花を隙間なく敷き詰める西洋のフラワーアレンジメントは、空間を「埋める」ことで美しさを構築します。それは人生の最も輝かしい一瞬だけを摘み取って、隙間なく押し込めるような、ある種のエゴイスティックさを感じる美しさです。　対して日本の美意識は、もっと「生命賛歌」に近いというか。花だけじゃなく、うねった根っこや、枯れた松の葉、ただの石にさえ美を見出す。なぜこれらが美しく成立するかといえば、その周囲にある「何もいけていない空間」に意味を持たせているからです。⎯⎯「足し算」ではなく「引き算」の文化？　そうです。アメリカの作曲家の方と対談した際、日本の音楽にある「間（ポーズ）」が素晴らしいと絶賛されました。何も音が鳴っていない時間に、意味を込める。この「間」や「空間」を大切にする考え方は、他に類を見ない豊かな文化です。そのことに、もっと誇りを持っていいはずです。⎯⎯最後に、これからの目標を教えてください。　教室を始めて15年になりますが、人によって表現が全く違うので、一日として飽きることがありません。私の師匠は90歳を超えても花をいけ続けていました。私も、生涯現役でいたいですね。華道は決して怖いものではありません。花とお話を楽しむくらいの気軽な気持ちで、扉を叩いてほしいです。　草月流は自由な流派だからこそ何かやるたびに自分の新しい扉が開ける。私は私の知らない私の花を見てみたい。だからこの先も表現を続けていきたいです。

「抗えない運命を、花で表現してください」　華道家 大谷美香が語る“美しさを超えた表現”

パリに来るまで：興味のある環境を求め続ける⎯⎯ ヘアスタイリストを志したきっかけから教えてください。　子どもの頃からファッション誌を読むのが好きで、特にエディトリアルフォトを見るのが好きでした。誰が作っているんだろうと思って雑誌のクレジットを調べていく中で、ヘアスタイリストという職業を知って。それまでは、てっきりヘアはすべて美容師さんがやっているものだとばかり思っていたので驚き、興味を持ちました。⎯⎯ パリに移住する前は、ニューヨークやロンドン、東京でも活動されています。　ずっと海外に興味があったので、名古屋美容専門学校を卒業してすぐに日本でヘアスタイリストの師匠について2年ほど経験を積み、その後ニューヨークに移住しました。当時好きだったヘアさんがニューヨークを拠点にしていたのと、学生時代に一度訪れてとても好きな街だったことが理由です。ニューヨークでも約2年間アシスタントをしていました。　コロナ禍で一度帰国し東京で3年ほど働いた後、次に海外に行くならコマーシャルフォトが中心のアメリカよりも、ファッションの仕事が多いヨーロッパで作り込んだヘアやウィッグの勉強がしたいと考え、ロンドンに引っ越しました。ロンドンでもまた2年程暮らし、世界で一番ファッションの仕事が多いパリに行くことを決めました。今パリに来て約1ヶ月（取材当時）です。その時自分が興味のある環境を目指して転々としています。⎯⎯ 尊敬しているヘアスタイリストは？　ホリー・スミス（Holli Smith）さんです。卓越したスタイリング技術はもちろん、お人柄も本当に魅力的で、一人の人間としてもアーティストとしても心から尊敬しています。ホリーさんも昨年ニューヨークからパリへ拠点を移されたのですが、ある現場で偶然ご一緒した際に「ファッションウィークは一緒に仕事をしてほしい」と誘っていただけて。2026年秋冬のファッションウィークは、ホリーさんのチームのメンバーとして、ロンドン、ミラノ、パリを共に回りました。仕事：トップクリエイターが指名、パリコレの「ヘア」の仕事って？⎯⎯ 2026年秋冬ファッションウィークではどのブランドのショーに参加しましたか？　ファッションウィーク中はひとりのボスとしか仕事をしないと決めているので、ボスが決めた仕事を一緒に回りました。ロンドンの「バーバリー（BURBERRY）」に始まり、ミラノで「トッズ（TOD’S）」と「ボス（BOSS）」、パリに戻ってきて「イッセイ ミヤケ（ISSEY MIYAKE）」、「ジャンポール・ゴルチエ（Jean Paul Gaultier）」、「ホダコヴァ（HODAKOVA）」、「ガブリエラ ハースト（GABRIELA HEARST）」の計7ブランドです。先シーズンは13ブランドだったのでもっと過酷でしたね。⎯⎯ ファッションウィークはどのようなチーム体制で回るものなんですか？　ボスが指名した数人による「コアチーム」がボスと一緒にファッションウィークを回っていて、その下に各ショーごとに集められるアシスタントが20〜30人程度付きます。私は今ホリーのコアチームに入っていて、今回で3シーズン目になります。国籍も世代もバラバラのメンバーが集まっています。⎯⎯ コアチームの仕事内容について教えてください。　ショーの前に行われるヘアメイクテストへ同行し、ショー当日にはアシスタントたちに指示を出したり、最終チェックをしたりします。ヘアメイクテストではブランドのディレクターのOKが出るまでボスと一緒に数パターンヘアスタイルを作り提案します。最終的な方向性が決まったら、ショー当日までにウィッグやエクステのプレップ（準備）をします。ファッションウィーク中はほぼ1日も休みがないですね。 ⎯⎯ ファッションウィーク期間外はどのような仕事をしていますか？　個人で雑誌やブランドのヴィジュアルルック、コマーシャルの仕事もあって今のところバランスよくできていると思っています。ロンドンに住んでいた時に契約した事務所に今も所属しているので、現在はロンドンのクライアントが多いです。⎯⎯ 新しい環境で個人の仕事を獲得するために、どのようなアクションをしていますか？　ロンドンに引っ越した直後は、まずとにかくネットワークを広げるために、たくさん作品撮りをしました。気になっているフォトグラファーたちに、合計すると100人以上は連絡したと思います。ダメもとなので、100人にDMして、10人から返事が返ってきたらラッキーです。　そして半年間、週4くらいのペースで大量の作品を撮影し、ポートフォリオを充実させていったことが半年後に少しずつ実際の仕事につながっていった実感がありました。どうしても仕事だと制限のある表現しかできないことが多いので、自分の作家性や得意なことを存分に表現する機会を作るのは大切だと思います。パリでもまたこれから作品撮りを頑張っていく予定です。Yuiさんのインスタグラム（@yuiozakihair）より⎯⎯ 自主制作の機会が増えると費用面の負担が大きいのでは？　それが、ありがたいことに海外ではモデル代やスタジオ代は大抵がフォトグラファー持ちで、ヘアスタイリストが支払うのはウィッグやエクステ代などの材料費程度。ある意味気軽に取り組めます（笑）。⎯⎯ なるほど。仕事場でのコミュニケーションは英語ですか？　基本そうですね。パリも英語が話せる人が増えてきたと聞きます。でもやっぱりフランス語が話せないとどうしてもローカルのチームには入れないらしいので、今「デュオリンゴ」を頑張ってます（笑）。⎯⎯ 仕事で一番苦労するのはやはり言語ですか？　言語ができないと、作品の細かいニュアンスを正確に伝えるのが難しかったり、ローカルのチームの会話のスピードについていけなかったりするので、ロンドン時代から苦労しています。仕事でのコミュニケーションの際にはできるだけ具体性のあるリファレンスを探したり、絵を描くなど、ヴィジュアルで説明する準備をしっかり作るように心がけています。　作品作りの面でも、求められるもののレベルがとても高いので、常に自分がやったことのないもの、自分自身の想像も超えるものを作らないといけない環境なので過酷ではあります。常にしごかれていて、その分成長も感じます。⎯⎯ ニューヨーク、東京、ロンドン、パリと色々な環境を経験し、働き方の違いや求められるスキル、カルチャーの違いなどを感じることはありますか？　撮影の仕方は同じでも、好まれる作品の雰囲気はだいぶ違います。ニューヨークは活気がある印象なのに対して、ロンドンはもっとクールな雰囲気だったりと、周囲の人のキャラクターも結構違っている気がします。パリではまだがっつり作品撮影を組んでないですが、聞いた話によると、コーヒーとブレックファーストが大事だから朝の撮影は朝食の時間が1時間あるらしいです（笑）。それと比べると日本はちゃんと香盤通りに時間を守っていて効率的ですよね。⎯⎯ 昨年にはブリティッシュファッションカウンシルが選ぶ「2025 NEW WAVE：Creatives」の1人に選ばれました。　本当に突然連絡が来て、レッドカーペットを歩くことになり驚きました。ロンドンのロイヤル・アルバート・ホールで開催されたファッションアワードに招待していただき、アナ・ウィンター（Anna Wintour）をはじめ、ハリウッドスターやデザイナーなど、ファッション業界の有名人がたくさん集まるとても華やかな場で、参加できたことはとても良い経験でした。誰も知らない状態でロンドンに移住したので、2年間必死に頑張ってきたことが報われて、自信に繋がりました。これからもひとつひとつの撮影を大切に、良い作品を作り出せるように頑張ります。⎯⎯ パリには一番多くのチャンスがあると同時に競争も激しいと思いますが、どういう点が自身の評価につながっていると感じますか？　自分の意見を持っている人の方が評価される環境なので、受け身でいるのではなく常に自分から提案できるようにすることは意識しています。　あとは、メイクアップアーティストは女性が多いイメージがあると思うんですが、ヘアスタイリストは力仕事な側面もあるからか男性が多いので、女性的なニュアンスを求める作品作りの際など、女性のヘアスタイリストという点にも需要があるんだと思います。⎯⎯ 今後のキャリアの目標は？　いずれは自分がキースタイリストとしてパリコレの仕事をしてみたいし、メゾンブランドとの仕事もしたいと考えています。生活：頑張れるのは娘のおかげ⎯⎯ パリに引っ越してきて約1ヶ月が経ち、暮らしてみてどうですか？　引っ越してきたばかりですが、すでにすごく好きな街だなと感じています。それがこの街の雰囲気からなのか、住んでいる人たちのおかげなのかはわからないですが、しばらくはこの街に住みたいと既に思えています。ロンドンではあまりなかった感覚なので、空気が合っているだと思います。⎯⎯ 円安の影響はかなり大きいのではと思いますが、ヨーロッパでの暮らしが長くなると特に物価の高さは負担にならないものでしょうか。　こちらの仕事を受けてフランスならユーロ、イギリスならポンドで稼ぐようになれば、もらえる額もこちらの物価や生活水準に合っていきます。周囲の最近移住してきた友人たちをみていても、最初の1年さえなんとか耐えれば、そのあとはうまく回っていっている印象です。⎯⎯ 周囲にも同世代の移住者は多いですか？　日本からパリに引っ越しているクリエイターは多い気がします。日本である程度キャリアを積んだ人は、ワーホリができる期間中に一度は海外に挑戦したいと思うだろうし、ファッションの仕事はやはり一番パリに集中していてチャンスも多いので。元々日本で知り合った友人たちも今はほとんどみんながパリに来ていて、切磋琢磨してきたパワフルな友人たちがたくさん集まっている環境という点でもすごく楽しいです。⎯⎯ プライベートでは一児の母でもあります。海外での仕事と子育てはどのように両立していますか？　娘を産んで半年で一緒にロンドンに渡りました。娘はロンドンでも日本でも、パリでも保育園に通っていて、子どもの頃から様々な環境に触れることができているので良いのではないかと思います。また、フランスは職場に子どもを連れて行きやすい風潮があるので、可能な範囲で連れていっていますし、夫のサポートにも助けられています。もちろん大変なことも多いですが、同時に、今モチベーション高く仕事を頑張れているのは娘のおかげ。仕事だけでは得られない素晴らしい道がたくさん開けたと思っています。photography: Yujiro Saitotitle design: Chiaki Sato◾️連載：パリで暮らす、パリで働く #01 ヘアアーティスト Yui Ozaki #02 フラワーアーティスト 守屋百合香 #03 ジャーナリスト 冨田ユウリ #04 「H VEGAN BENTO」白石浩子 #05【番外編】在住者に聞いたパリのおすすめショップ＆お土産(マップ付き)◾️トップメゾンで働くデザイナーに聞く、パリでのキャリアの築き方

パリコレの「ヘア」の仕事とは　20代でグローバルキャリアを築くためにすべきこと

自分のための服から、誰かのための服へ⎯⎯服づくりを始めたきっかけを教えてください。 　気づいたら自然と、楽しく服づくりに向かっていった感じなんです。友人同士でお互いの服を見せ合ったり、Twitter（現X）で見かける人たちのスタイルを参考にしたりして刺激を受けて。「フルーツ（FRUiTS）」や「チューン（TUNE）」などの雑誌も食い入るように見ていましたが、それはあくまで感覚を広げてくれる存在という感じで、直接的なインスピレーションは身近な人から受けていました。⎯⎯専門学校卒業後、フジを設立しました。　在学中は二つの選択肢で迷っていました。一つは卒業してすぐ自分のブランドを始めること。もう一つは、どこかのコレクションブランドに入ること。実は当時、一社だけ受けていたんです。面接で「どういうものづくりをしたいの？」と聞かれて、僕は自分の考えとつくりたい服を率直に答えました。でも、話しているうちに「自分でやったほうがいいんじゃない？」と思い始めて。母親が「自分の好きなように生きてね」と背中を押してくれたこともあり選考を辞退し、卒業から1年後に「フジ」をスタートしました。⎯⎯ブランドを始めるまでの準備期間にはどんなことをしていましたか？　生地屋さんに連絡を取って実際に見に行ったり、縫製工場に問い合わせを始めたり。自分でパターンを引いたりもしていました。あとはリサーチです。どんなブランドをつくりたいのか、どういう方向性で展開していくのか、そういったことを考えながら、自分にできることをやっていました。⎯⎯専門学校を卒業したばかりの頃は、縫製工場や生地屋を探すのも大変だったと思います。　ご縁に助けられました。最初は本当に手探りで、自分でサンプルを縫っていたときにボタンホールを開けてくれるところを探していたら、そこが縫製工場だったりとか。生地屋さんはネットで検索して片っ端から連絡し、徐々に紹介などで繋がっていきました。⎯⎯フジを立ち上げた当初に描いていたブランド像と、現在の姿のギャップは？　最初に立ち上げたときは、「自分をそのまま受け入れる」ということをテーマにしていました。服を通して、自分の中にある不安や脆さみたいなものを肯定する、そんなイメージでした。でも今は、その考えがなくなったわけではないんですが、もう少し前向きな方向に変わってきたというか。自分を受け入れた上で、ほんの少しだけ気分を上げてくれるような服。そういうものづくりにシフトしてきました。だから今は、より「普遍的なものづくり」を意識しています。⎯⎯立ち上げ時は「自分を表現するブランド」という印象でしたが、今は「ものづくり」そのものに重心が移っているように映ります。　それもあると思います。噛み砕いて言うと、立ち上げ当初は自分自身に向いていた矢印が、今は社会に向くようになった、というイメージです。自分の内側を見つめるところから、他者や社会との関わりに目が向いてきたというか。⎯⎯社会に目を向けるようになったきっかけは？　2022年春夏シーズンに、一度ブランドを休止したことです。あのときはもう、率直に疲れてしまって。年に2回コレクションを発表するという流れに息が詰まってしまったんです。だから、一度立ち止まってみようと思いました。1シーズンをスキップしただけでしたが、休んでいる間も自然と「服をつくりたい」という気持ちが出てきて。街を歩いているときに目に入る生地や服を見ながら、「もし自分ならこうするだろうな」とか、「こう仕立てたらきっといいだろうな」と考えるようになっていきました。思えば、あの休止期間は、服づくりの純度を高めるために必要な期間だったと思います。⎯⎯目を向けるようになった「社会」とは具体的に？　世間一般で言われる「社会」とは、少し違うかもしれないです。以前は、完全に自分に向けて服をつくっていました。それが、休んでいるうちに少しずつ「周り」に目が向くようになってきて。誰かの顔を思い浮かべながら、「この服を着たら、この人はきっと喜ぶだろうな」と思えるようになっていったんです。「社会に向くようになった」と言うと大げさに聞こえますが、自分以外の誰かをちゃんと見るようになった、という感覚に近いです。　また、だんだん物事を深く考えられるようになってくると、ファッションとか音楽、アートって、生活に絶対必要なものではないなと思うようになりました。でも、それがあることで日常が少しだけ変わる瞬間ってありますよね。今はそういった、日常を少し変えてくれる服を作りたいと考えています。シンプル🟰退屈ではない⎯⎯ブランド名の「フジ」には、どのような思いや意味を込めましたか？　最初の由来は本当にシンプルで、自分の名字「藤本」からとったんです。ただ、「フジ」という言葉は日本の中にすごく多く存在していて、たとえば富士山は日常の中にありながらも、どこか特別な存在感を放っている。「フジ」という名前には、そうした日常と特別の間のようなニュアンスを込めています。服も同じで、着る人の日常に自然に馴染みながら、主張しない。ほんの少しだけ気分を変えてくれるような存在でいたい。そういう意味でも、今はこの名前がとても気に入っています。⎯⎯ 1人でブランドを立ち上げる中で苦労した点や、そこから得た学びを教えてください。　やっぱり孤独です。学校を卒業して1年後にはブランドを始めたんですが、完全に一人でやっていたので、最初は本当に誰にも相談できなかった。何を決めるにも自分一人で判断して、動かないといけない。誰に聞けばいいのかもわからない状態で、それがいちばん大変でした。⎯⎯精神的にもかなり大変そうですね。　メンタルの維持がすごく大事でした。最初の1～2シーズン目は、とにかく楽しかったんです。たとえセレクトショップへの卸が決まらなくても、服をつくって発表すること自体が純粋に楽しかった。でも続けていくうちに、コレクション撮影や展示会の流れにも慣れてきて、だんだん結果を求めるフェーズに入っていきます。数字を出せないと苦しくなる。現実がリアルに迫ってくる。年に2回コレクションを発表しますが、誰にも見られず、評価もされずに製作を続ける半年間は憂鬱でした。⎯⎯どんな方法で気分を切り替えていましたか？　今でこそあまり気分が沈むことはなくなりましたが、昔は落ち込んだときこそ服をつくっていたと思います。つくること自体が気分転換になっていたというか、気持ちを立て直す方法でもあった。作業を通してまた前に進めるようになる、そんな感覚でした。⎯⎯2026年春夏コレクションのテーマを教えてください。　このシーズンは、これまで話してきた「生活の中で感じること」と密接につながっています。日々の暮らしの中で、なんとなく心に残った言葉を拾っていくような感覚で、ひとつキーワードを選びます。それが今回は「土っぽさ」でした。ただ「気になる」というところから始まったのですが、どこか温度を感じるというか、生活の中で見落としそうな質感を表している言葉な気がして。だから今回は土っぽさを起点に、素材や色、形まで考えていきました。⎯⎯今季を象徴する生地は？ 　シルク70%、カシミヤ30%の生地です。ニットポロやクルーネックのニットなどに取り入れています。今、シルクがすごく気分で、プライベートでもよく着ています。カシミヤは肌触りが良い内モンゴル産。素材ごとにどんなアイテムを作るか決めているわけではなく、繰り返し考えて試行錯誤していくうちに、作りたい服が見えてきます。⎯⎯色使いは休止以前と変化しましたか？　だいぶ変わりました。明るいトーンも増えましたし、落ち着いた色を選ぶようになっています。以前はもう少しモードっぽくて、白や黒を多用していたんです。でも今はその割合が減って、ベージュや淡いイエローなど、柔らかいトーンが多くなりました。以前よりもエッジィな印象はなくなっていますね。⎯⎯フジの服について「シンプルで綺麗」という声がありますが、その言葉をどのように受け止めていますか？　すごく嬉しいです。言い方を変えれば、「無難」とか「面白くない」と捉えられるかもしれません。でも僕は、退屈でないシンプルな服もあると思っていて、そんな服を作りたいと思います。⎯⎯「退屈でないシンプルさ」とは、どんなところから生まれると思いますか？　素材やパターンはもちろん、細かなステッチ1本、たとえばコバからプラス3mmのステッチを入れるだけでも印象は変わります。感覚的な話にはなりますが、生地、色、重さ、デザイン、シルエットなどをひとつひとつ突き詰めながら、最終的に理想の空気に落ち着いたとき、「これだな」と思える。そこに「退屈でないシンプルさ」は宿ると思います。人から人へ、“ちゃんとした形で”広がっていくブランドを目指して⎯⎯ブランド開始時、初の展示会ではどのようにショップとコンタクトを取りましたか？　本当にシンプルに、直接メールを送りました。たしか30社くらいだったと思います。そのうち実際に来てくれたのは2社だけ。最初のシーズンは受注がつきませんでした。　今思えば、当時はパンツもフリーサイズしかなく、型数も少なかった。バイヤーの立場からすると、オーダーしづらいブランドだったと思います。⎯⎯2シーズン目では、どんな改善を？　サイズ、カラー展開を広げました。SKUを増やすことで、選びやすさを意識したんです。「お客さんが選びやすいか」「着たいと思ってもらえるか」ということを軸に考えました。その視点を持つことで、結果的にバイヤーにも伝わりやすくなったと思います。2シーズン目の展示会で、ようやく2社ほど受注がつきました。⎯⎯ブランドを始めた当初、意識していたことは？　とにかく毎シーズン、ものづくりの精度を上げることを考えていました。縫製以外はすべて自分でやっていたので、体力的にも大変でしたけど、回を重ねるごとに、自分の中で服の完成度の基準が少しずつ上がっていったと思います。同時に、価格設定や展示会での見せ方など、ビジネス的な部分も毎回少しずつ修正していました。大きな転機があったことはなくて、本当に小さな積み重ねの連続です。ブランドが一気に伸びたことはないけれど、その積み重ねが今につながっていると思います。⎯⎯現在のブランド運営で得た経験と知識を持ったまま、創業時にタイムリープできるとしたら、当時のやり方を変えますか？　多分、同じやり方でやると思います。結局のところ、あの頃のやり方があったから今がある。失敗も遠回りも、全部必要な時間だったと思うんです。ブランドって、一気に伸ばすものじゃない。着実に、少しずつ積み上げていくものなんじゃないかと。これはあくまで推測になりますけど、「エルメス（Hermès）」だって、最初のシーズンからいきなり爆発的に成功したわけではないと思うんです。　最初は小さくても、自分の手で土を耕すように、少しずつ形にしていくことが大事なんじゃないかって。だから、過去に戻ったとしても、何か新しいことをやるというよりは、きっと同じことを繰り返していると思います。それが、ブランドを“つくる”ということなんじゃないかなと。⎯⎯フジが選ばれる理由はどこにあると思いますか？　これは本当に難しいですね。加工が得意なブランドでもないし、分かりやすいデザインを打ち出しているわけでもありません。ひとつ強い特徴があるというよりも、デザイン性、生地、縫製、色といった色々な要素がうまく噛み合っている。その空気そのものなんだと思います。⎯⎯フジの顧客はどんな人ですか？　お店の方から聞いた話ですが、フジのお客さんって、目的を持ってその服を買いに来るというより、ふらっと立ち寄って買っていく人も多いそうなんです。「このブランドのこれが欲しい」と狙って来るのではなく、ただ「今日はちょっと服を見に来た」という人が、試着して気に入って買っていく。そうやって偶然出会ってくれた人たちに選ばれているのも特徴かもしれません。一方でブランドを愛してくれて、何着も買っている人も多くて。「同じアイテムを5着持っています」という声を聞いた時は驚いたと同時に嬉しかったですね。⎯⎯普段の暮らしの中で大切にしていることを教えてください。　家族との時間です。妻が料理を作るのが好きで、ご飯の時間がいつも楽しみです。あと、家ではワンちゃんと一緒に過ごしています。ビションフリーゼという白いモフモフのワンちゃんで、名前は「ヨモギ」。六月の新緑の季節に生まれたので、そう名づけました。ヨモギと遊んで、家族とゆっくり過ごす。それが今の僕にとって娯楽というか、人生を豊かにしてくれるものです。⎯⎯これからフジをどんなブランドに育てていきたいですか？　これも難しいですが、一気に大きく広げたいという感じではないんです。どちらかというと、人から人へ、「あのブランド、いいよね」と自然に伝わっていくような形で広がっていくのが理想です。ゆっくりでいいから、ちゃんとした形で。そういう流れの中で育っていくブランドでありたいと思っています。

FUJI

「フジ」藤本凌太 続けることで見えた6年間、小さな積み重ねがブランドになるまで

会社員時代は硯と筆でメモ取り　武田は、熊本県で3人兄弟の長男として書道家 武田双葉のもとに生まれる。母親の影響で幼少期から書道に励みながらも、本格的にその道を歩み始める転期となったのは25歳、会社員としてNTTに勤めていた頃だ。実家が家を建て直した際に、母が障子や襖などに書を書く様子を目にし、改めてその魅力に引き込まれたという。「大胆に書く姿がかっこよく感じられて。大学生の頃も時間がある時に書いてはいたんですが、その時に改めてハマりました」。　それ以降、職場に硯と筆を持ちこみ、電話対応時には、墨をすり筆でメモを書いた。その姿は社内で話題になり、次第に部署目標の代筆なども任されるようになった。ある日、他部署の女性社員から、名前を書いてほしいという旨の依頼を受ける。書いた文字を手渡すと、涙を流して喜ばれたという。「こんなに喜んでくれる人がいるのなら、書道はすごいものかもしれない」と。　その後、会社を辞め、路上で名前を書く活動を開始。書道教室の運営やメルマガ発信を通じて徐々に認知を広げ、テレビ出演をきっかけに活動は一気に拡張していく。大河ドラマ「天地人」の題字や異業種とのコラボレーションなど、活動の幅は広がり続けた。「当時は勢いがあったので、とにかくいろんな業界に顔を出して、さまざまな刺激を受けさせてもらいました」。40代後半　“薄っぺらい自分”　転機が訪れたのは数年前、40代後半になってからだった。「これまでは、いろんな人に会ったり、書道とは関係がない楽曲制作やオンラインサロンを開催したりと横に幅を広げることばかりをしていました。でもそれを続けていくだけでは“薄っぺらい”ままになってしまうと気がついたんです」。　活動量や経験が増えても、それがそのまま表現の深さにはつながらない。むしろ意識が外に向き続けることで、判断の精度が鈍っていく感覚があったという。三越や大丸といった百貨店での個展を重ねる中で、その感覚は強くなっていく。「もっといい線が書けるんじゃないか」、そう思い始めた時に、問題は技術ではなく、自分の状態にあることが分かったという。　「書ってごまかせないんですよ。そのときの自分の状態が、そのまま線に出る。エゴや承認欲求があればそれが滲み出る。慢心や迷いがあれば線はブレる。逆に自分が整っていると、それが線にも現れる」。書くその瞬間だけ集中すればいいものではなくて、日常も含めた継続的な自分のあり方が大切と気がついたと語る。　そこから、感覚や判断の精度を保つために“状態を整える”という発想が生まれた。「ひらがなは一画で終わるものもあるからこそ、一画にこだわった美しい線を描きたいなと強く思うようになりました。じゃないと、この先頭打ちになってしまうなって」と心情を明かす。　以降、共に個展を手掛けるプロデューサーと、より美しい作品をつくるために、どのような変化が必要であるかを議論。このことをきっかけに、ライフスタイルに大きな変化が起きたという。人と会う頻度が減りSNSからも距離を置いたほか、カフェインの摂取も控え、日々の刺激を減らしていった。かつては業界横断的にさまざまな人と会ったり、いろいろな場所に行ったりと動き続けていた。しかし、その状態が続くことで、意識は常に外に引っ張られ、目の前の状態に対する感度は鈍くなっていた。本人の言葉を借りれば、それは「気が散っている状態」であり、「雑だった」。　食事や生活習慣も、変わっていった。薬膳や有機野菜を取り入れ、蒸し野菜のようなシンプルな調理を好むのも、余計なものを足さずに状態を整えるためだ。あわせて体調を補うためのサプリメントといったインナービューティも取り入れている。スキンケアも自分を調整する一環として数年前から開始したという。ちなみにスキンケアは資生堂のエイジングケアブランド「エリクシール（ELIXIR）」の「アドバンスド」シリーズを使用しているという。　こうした習慣はいずれも健康そのものを目的とするのではなく、自分の感覚や思考の精度を保つための選択だ。外部からの刺激や内面のノイズを減らし、生活全体を通じて状態を整えている。　世界保健機関（WHO）は健康を、単に病気でないことではなく、身体的・精神的・社会的に良好な状態と定義している。武田の実践も、外部からの刺激や内面のノイズを減らし、食事や生活環境まで含めて状態を整えているという点で、この捉え方に近い。そして武田の場合、それは健康だけでなく作品の質とも直結している。欺瞞（ぎまん）は中毒になる　　合わせて自分の考え方も手放したと語る。それは、これまでの武田双雲を辞めたと同義でもある。「今までは丁寧にやろうとか、上機嫌でいようとしていたのですが、それを辞めました。ただ雑な自分に気が付く。不機嫌な自分を捉える。それだけです」。無理に理想を保とうとすることで、葛藤が生まれ、二元性が出てしまう。そしてそれは“欺瞞（ぎまん）”と称すこともできる。　「早い話、現実から目を背けるのをやめたんです」。　「こうなりたいという理想に対して、人は簡単で安全な方法論を求めがちです。ただそれは、現実から逃げるための隠れ蓑になっていることもあると思うんです。進んでいるかのような実感が得られるので」。一見前向きな行為でも、その実感自体に依存してしまう側面があるという。　「思えば、自分もそれに近い状態でした。無理に気分を上げているというか、一時的にハイになっているだけで、実際の自分とはどこか乖離している」と振り返る。いわゆるポジティブさも、瞬間的な高揚に過ぎない場合があるという。「理想って、キラキラと切り取られたイメージでしかないことも多いですよね」。幸せな理想を追いかけている間は、現実を見ないで済む。しかしそれは、ある意味で自分への免罪符になっている側面がある。　現実は、もっと地味で変化が少ない。「毎日って、そこまで劇的には変わらないじゃないですか。朝起きて眠いとか、体調が悪い日もあるし、人間関係もうまくいかないことがある。それが普通だと思うんです」。　「もっといい状態があるはずだと未来に目を向け続けると、今の自分は常に不足したものとして扱われることになる。その状態でいると、“今”がずっと苦しくなるんだと気がつきました」。目標を持つこと自体は否定しない。ただ、それが現実から目を逸らすためのものであれば、意味は変わってくる。「地道で、時にはしんどい現実の積み重ねの上にしか、変化はないと思うんです。それを見ないために理想を掲げるのは、少し違うのかなと」。ただ“美しい線”を目指して　自分を整える　以前は、そうした点に気づけていなかったと振り返る。「欺瞞や不自然さに気がつかなかったのは、自己啓発で塗りつぶしていたから」。現実をから目をそらし、短期的な高揚に逃げていたこともあったと語る。しかし、そうした状態では、自分の中に生じている違和感やズレに気づくことができない。気がつくことができなければ、整えることもできない。　だからこそ今は、現実を直視し状態を観察し続けること価値を置く。「これからはもっと自分と向き合う時間が増えると思います。ウェルネスですね」。それは理想を目指すことではなく、状態を整え続けるという意味している。　さまざまな活動をする中で自分には書道しかないと腹落ちした武田。美しさについては、「頭ではなく、体全体で感動するもの」と定義し、それを書の道で追求することにした。　「良くない線には作為があったり、油断がある。美しい線は無作為で細かいところまで精神が行き届いているんです。結局人との関係の中で打算的だったり、油断しているとそれが線にも出るんだと思います」。　外側に広げるのではなく、内側の状態を整える。その結果、保たれた感覚やあり方が、そのまま一本の線に現れる。武田は今日も自分の状態を整え続けている。ただ一つ、美しい線を描くために。

40代後半、“薄っぺらい自分”　武田双雲が手放したもの

Culture

混沌を極める現代社会で雑誌は何を求められているのか　HIGH(er) magazine編集部haru.＆Miyaにインタビュー

目指したのは20年後も色褪せないタイムレスなスタイル──スタイリングにあたり、どのようなことを意識しましたか？　続編で目指したものは、前作のレガシーを引き継ぎながら時代を超越したルックを創り出すことでした。そのために「トレンドに左右されるものであってはならない」と強く意識していました。この映画に登場するルックは、どれも20年後も色褪せず、愛され続けるものでなければならなかったのです。──それぞれのキャラクターの衣装コンセプトについて教えてください。　まず、アン・ハサウェイ（Anne Hathaway）が演じたアンディのルックブックの表紙には、「フェミニン」と「メンズウェア」という2つのキーワードを大きく記しました。映画「アニー・ホール」の主人公アニー・ホール（Annie Hall）と女優キャサリン・ヘプバーン（Katharine Hepburn）を融合したようなイメージで、ベストやソフトなブレザー、ハイウエストのパンツにブラウスを合わせたスタイルを軸に構成しています。衣装替えは47回以上に及びました。　さらに、記者という役柄を踏まえ、衣装にはあえて使い込まれたような風合いを加えました。世界中を飛び回る彼女が、取材先でコンサイメントストアやヴィンテージショップを巡りながら服を集めていく。そんな背景を想定し、ヴィンテージと新作をミックスしています。アンディは決してファッションに無頓着なわけではなく、「ランウェイ」での経験を通じて確実に感覚を身につけている人物です。そのため、実用性と個性のバランスを取りながら、彼女らしいリアリティのあるスタイルを意識しました。──どこのブランドのアイテムを着用していますか？　沢山ありますが、まずミラノでの「最後の晩餐」のシーンは「ジョルジオ アルマーニ プリヴェ（GIORGIO ARMANI PRIVÉ）」の2024年秋コレクションのスタイルです。メンズウェアを彷彿とさせる黒のベルベットパンツに、ビーズをあしらったストライプのサスペンダーを合わせ、ギリシャ人のジュエリーデザイナー、ニコス・クーリス（Nikos Koulis）のアイテムをコーディネートしました。　「ディオール（DIOR）」でエミリー・チャールトン（Emily Charlton）と会うシーンでは「ジャン・ポール・ゴルチエ（（Jean Paul Gaultier）」のアーカイヴのベストとパンツを、アーヴ・ラヴィッツ（Irv Ravitz）の誕生日パーティーでは「パコ ラバンヌ（Paco Rabanne）」のきらめくブルーのドレスを着用しています。他にも、「トム フォード（TOM FORD）」のブラウスや「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」のジャケット、「シャネル（CHANEL）」のキルティング素材2ピース、「コーチ（COACH）」のメッセンジャーバッグなどを使用しています。──ミランダのスタイルはどのように構想しましたか？　ミランダ（メリル・ストリープ）は前作のスタイルを踏襲し、定番のシルエットを「ユニフォーム」として機能させることを意識しました。カール・ラガーフェルド（Karl Lagerfeld）のように、自分に似合うスタイルを貫く人物像を参考にしています。1作目で確立されたクロップドジャケットとペンシルスカートの組み合わせが、続編においても軸となりました。ちなみに彼女は約28回衣装を変えています。　メリルは自身のルックの多くについて、密に意見を交わしながらスタイリングに関わってくれました。私たちは、ウィッグの邪魔にならないけれど、小さすぎて目立たないこともないちょうどいいサイズのイヤリングをあちこち探し回っていたんです。ミランダは、か弱いピアスなんてつけませんから。そこで彼女は自らアイテムを調達してくれたのですが、それはなんとアメリカのドラッグストアチェーン「CVS」シルバーのフープピアスだったんです。片方でも無くしてしまったらどうしよう、と本当にヒヤヒヤしました。──ミランダのルックで、特に思い入れのあるものは？　ランウェイのガラで着用している赤いボールガウンです。当時、「バレンシアガ（BALENCIAGA）」に加入したばかりだったピエールパオロ・ピッチョーリ（Pierpaolo Piccioli）が、メリルのためにこの世界に1着しかないドレスを制作してくれました。映画の中で特注品は2点のみだったのですが、これがその1点です。　また、コンサルタントたちとのミーティングで着用しているタッセル付きの「ドリス ヴァン ノッテン（DRIES VAN NOTEN）」のジャケットも印象的です。これは前作でミランダがセルリアンブルーについての力強いモノローグを語った際に着ていたジャケットに対する「精神的な対比」として選びました。ジャケットには、「リバティーン（Libertine）」のラベンダー色のブラウス、「ガブリエラ・ハースト（GABRIELA HEARST）」のスカート、「グッチ（GUCCI）」のヒールを合わせています。──2024年に流行した「オフィスサイレン」トレンドで再注目されていたキャラクターエミリー・チャールトン（Emily Charlton）の衣装も素敵でした。　エミリーは、エッジの効いたスタイルの限界に挑戦できるからと、私のチームのスタイリスト全員がスタイリングを担当したいと願ったキャラクターでした。実は、前作でのエミリーの衣装は全てディスカウントデパート「センチュリー（Century）21」」で調達したんです。しかし今回は、誰もが彼女に衣装を提供したいと申し出てくれました。　私のお気に入りは、ミラノでのランチデートのシーンで着ていたもの。ジョナサン・アンダーソン（Jonathan Anderson）が手掛けたディオールのハウンドトゥース柄のスーツに「ジマーマン（Zimmermann）」のケープ、そして「クリスチャン ルブタン（Christian Louboutin）」のサイハイブーツを合わせました。またアーヴのための集会で着用した、ディオールのドレスに「ピーター ドゥ（PETER DO）」のスカートを重ね、ヴィンテージのディオールのベレー帽をコーディネートしたスタイルも気に入っています。──スタンリー・トゥッチ（Stanley Tucci）が演じたナイジェル・キプリング（Nigel Kipling）や新しいアシスタントたちの衣装についてはいかがでしたか？　ナイジェルも素晴らしいルックを沢山着こなしています。ミラノでの最後のシーンでは、「ドルチェ&ガッバーナ（DOLCE＆GABBANA）」のジャケットに「ゼニア（ZEGNA）」のパンツ、そして「プッチ（PUCCI）」のポケットチーフを合わせました。　アシスタントたちも、キャラクターに合わせて個性的に仕上げました。シモーヌ・アシュリー（Simone Ashley）がガラで着用したドレスはジャン・ポール・ゴルチエのアーカイヴ品。ヘレン・J・シェン（Helen J Shen）が演じたジン・チャオ（Jin Chao）は古着を愛するキャラクターとして設定し、私のお気に入りのヴィンテージマーケットの売り手から着想を得た髪に複数のクリップを付けるスタイルを取り入れました。ファッションだけじゃない、「プラダを着た悪魔2」をさらに楽しむための3つのポイント華やかなだけじゃない“共感できる”ストーリー　同作が描くのは、きらびやかなファッション業界の裏側にある、誰もが直面するキャリアの現実。前作がアンディが“自分は何者か”を模索する成長物語だったのに対し、続編では“これまでの選択とどう向き合うか”が大きなテーマになっている。　アンディは、時代の変化を背景に、一度は離れたファッションの世界に再び向き合うことに。一方ミランダは、自らが築き上げてきたキャリアや影響力の“その先”を問われる立場にある。それぞれが抱えるのは、仕事を続けるのか、手放すのか、何を守るのかという現実的な葛藤だ。環境が大きく変わる中で、キャリアを維持するために何を選び、何を諦めるのか。その問いはファッション業界にとどまらず、今を生きる多くの人々の実感と重なるだろう。本作は、そうしたリアルをユーモアとともに描き出している。現実と交差するミラノでの撮影
　撮影の約半分をミラノで実施。ガラのシーンには、「エミリオ・プッチ（EMILIO PUCCI）」「エトロ（ETRO）」「フェンディ（FENDI）」「モスキーノ（MOSCHINO）」「ミッソーニ（MISSONI）」「プラダ（PRADA）」「ロベルト・カヴァリ（Roberto Cavalli）」「アントニオ・マラス（Antonio Marras）」など、イタリアを代表するブランドが衣装を提供している。　さらにメリル、スタンリー、シモーヌの3人は、ミラノ・ファッションウィーク期間中に開催されたドルチェ＆ガッバーナの2026年春夏コレクションにも実際に出席。現実のファッション業界と物語が交差していくシーンも見どころのひとつだ。レディー・ガガがドーチーと初コラボ　劇中を彩る豪華サウンドトラック　主題歌は、レディー・ガガ（Lady Gaga）とドーチー（Doechii）による初のコラボレーション楽曲「Runway」。ファッションと結びついたタイトル通り、作品の華やかな世界観を象徴する1曲となっている。　同曲のプロデュースには、ブルーノ・マーズ（Bruno Mars）をはじめ、アンドリュー・ワット（Andrew Watt）、サーカット（Cirkut）、D・エミール（D’Mile）といった実力派が集結。作詞作曲にも両アーティストに加えトップクリエイター陣が名を連ねている。なお、劇中にはガガが本人役としてカメオ出演している。

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