インサイド

　京都市京セラ美術館は期間中、エントランスへと続くスロープの柵がカラフルなグラフィックで彩られ、歴史的建築をモダンに演出。本館の南回廊1階が会場となった。　館内に一歩足を踏み入れれば、まるでアトリエのような雰囲気。4色のカラーと白木を使ったディスプレイが特徴で、道具や機械を操る音や、職人たちの声が響いている。　会場内は4つのテーマ＜クラフトマンシップの伝統と文化、すばらしき素材、ものづくりの地に宿る力、「時」はエルメスの友＞で構成され、成長と進化を続ける職人技の実演だけではなく、10人の職人それぞれと対話することができるのが特徴。　「今どんな工程の作業をしているのか？」「失敗することはある？」「働いていて楽しいことは？」など、来場者の質問に各セクションの職人が時にユーモアを交えながら答え、ものづくりの裏側を知ることができる。1. クラフトマンシップの伝統と文化　1837年の創業以来、エルメスの原点といえるのが馬具。その中でも象徴的なのが鞍作りだ。フランスから来日した職人が、使い慣れた道具や素材を用いて、制作に取り組む様子を見ることができる。　皮革職人の道具を楽器に見立てて、オルゴールのように演奏することができるブースも。　エルメスのカレ（シルクスカーフ）はどのようにして作られているのか。フランス・リヨンの工房から来日した職人が、シルクスクリーン製版と、シルクのプリントの工程を公開。これまでに用いてきた色数は、全て合わせると75000色以上。細かいデザインとなると1枚のカレに最大48色を用いるという。　エルメスと京都のつながりとして、世界唯一の染色技法を受け継ぐ京都の工房「京都マーブル」のアーカイヴのカレを展示。粘土状の染料で染める特別な技法で、鮮やかなマーブル模様が特徴。唯一「MADE IN JAPAN」のカレとなっている。　塗り絵コーナーや、シルクスクリーン体験、そしてカレの絵合わせに挑戦するスロットマシーンなど、子どもから大人まで楽しめるコンテンツが用意されている。2. すばらしき素材　磁器のブースで絵付けを行っていたのは、日本からフランスにわたったという磁器絵付け職人。極細の筆を使って原画を忠実に再現する。窯で何度も焼くことにより、鮮やかな色彩が現れるという。　ジュエリー本体に宝石を固定する石留めの技術。綿密な手仕事をモニターを通じて見ることができる。　端材や傷がついた製品などを違うものに作り変えて再び息を吹き込むユニークなコレクション「petit h（プティ アッシュ）」の展示。また、複数の種類のレザーがそれぞれ瓶に詰められ、香りの違いを楽しめるコーナーも。さまざまな角度から素材を探求していく。3. ものづくりの地に宿る力　22の工程によって生み出される手袋。革を丹念に伸ばしてから裁断し成形していくことで、それぞれの手にフィットする製品になるという。　エルメスのバッグはどのようにして作られているのか。熟練の組み立て職人が、手を動かしながら丁寧に説明する。代表的な「ケリー」バッグは40点あまりのレザーパーツから作られ、1人の職人が1つのバッグを数日かけて手作業で仕上げていく。4. 「時」はエルメスの友　エルメスにおいて「時」は大切な友として尊ばれているという。複雑な技術を習得するための何年にもわたる修行期間や、製品を仕上げるまでにかかる日数など、より良い製品は時間によって生み出されると捉える。また、手入れや修理によって長年にわたり愛用できることもエルメスの魅力だ。　時計職人のブースでは、極小の部品を組み立てる工程を披露。また革製品の修理の実演として、バッグのベルトをサドルステッチで付け直す作業が行われていた。修理職人は世界の主要都市に点在しており、修理や修復を求めて毎年10万点以上の製品が持ち込まれているという。　フロアに設置されている電話機では、実際に世界中のエルメスのアフターサービス部門に寄せられたユニークな顧客の声を「お客様相談窓口ストーリー」として聴くことができる。　スタート前日にはプレスプレビューが開催され、この日のために来日したエルメス インターナショナルのエグゼクティヴ・バイス・プレジデントのオリヴィエ・フルニエ（Olivier Fournier）氏がトークセッションに参加。クラフトマンシップが息づいている京都の地との共通点や、職人をはじめ人を尊重するエルメスのスピリットについて話した。歴史をリスペクトしながらも革新的な取り組みを続ける姿勢や、職人のモチベーションにつながっているという創造の自由について言及。展覧会に際して「職人と出会い、その思いを感じてもらえたら」と呼びかけた。

Fashion

「エルメス・イン・ザ・メイキング」展が京都で開催　職人技を見て体験できる展覧会

竹籠を着る　着想源の一つとなったのは、20世紀初頭に活躍した竹工芸家・飯塚琅玕斎（いいづかろうかんさい）が手掛けた花籠。琅玕斎は、底から縁まで一本の竹で編み上げていく「束編み」という技法を得意としており、それまで日常生活用具とされていた籠を芸術の域へと引き上げた。今回のコレクションではこの「束編み」を彷彿とさせるテクニックを、ニットピースなどに取り入れている。竹籠そのものを思わせる構築的なシルエットも目を引いた。 網目や曲線カットから肌見せ　また、マクラメ編みのドレスやベスト、過去のコレクションにも登場したコード刺繍なども登場。緻密な編みとその中に仕掛けられた「間」が、強さとしなやかさという両面を表現している。　マメ クロゴウチならではの曲線のカッティングや芸術的な網目、シアーなトップスやブラトップなど、肌を覗かせることでセンシュアルなムードも漂わせた。真竹のアクセサリー　真竹を燻し「束編み」の技法で作られたネックレスやピアス、イヤーカフなど、アクセサリーにも竹の要素が取り入れられている。竹ビーズを使用した「キジマ タカユキ（KIJIMA TAKAYUKI）」とのコラボレーションハット、「履物関づか」とコラボレーションにより新たにデザインされた草履も、日本のルーツを反映したアイテム。伝統技法で手作りされる鼻緒と、スニーカーを思わせるライトなソールの組み合わせがモダンなムードを演出していた。

竹籠の網目から覗くセンシュアルな素肌　「マメ クロゴウチ」23年春夏

ウクライナの伝統的な装飾を取り入れて　公式インスタグラムでは「生命の木とは、宇宙にあるすべての命を意味するものであり、私たちがみな同じであることを表している」と解説している。「根は私たちの土台と、祖先との深いつながりの象徴。幹や枝は、強さと知恵を表す。葉は私たちに永遠の希望と再生、復興を示している」のだという。　トロフィメンコは今回のショーのために、ウクライナの伝統的な装飾に基づくスケッチを制作。会場となったパリ・ロダン美術館の敷地内に設営された会場の壁には、それをベースにしたタペストリーが飾られた。 民族のルーツへ目を向けたデザイン　デザインのキーワードとなったのは「フォークロア」。ティザー動画では、多国籍のアトリエスタッフやコラボレーターが「フォークロアとは？」という質問に答えている。「どこかの土地や国に関するもの。伝統。喜び。自分のルーツを思い出させるもの。自分たちが伝えてきたストーリー。単なるコスチュームではない。生活の一部」...そんな数々の言葉がコレクションの深みを裏付ける。ショートヘアのモデルたちの力強さ　モデルたちは、ゆるい三つ編みにシンプルなメイクアップ。バズカットやショートヘア、ボブの髪型のモデルも多く登場し、静かな力強さをアピールした。フルレングスのスカートが多く、肌の露出が控えめだったのも印象的だ。　多くのドレスはクラシックなロング丈で、木の根が地面に放射状に広がっていく姿を彷彿とさせる。撚り糸を用いた刺しゅうやパッチワーク、レース、ギピュール、手織りの生地などを取り入れたルックは、オートクチュールならではの繊細さ。控えめなトーンではあるが、メゾンの卓越した職人技を感じさせた。キウリのTシャツには、あの有名なメッセージが　ショーの最後に登場したキウリは「We Should All Be Feminists（男も女もみんなフェミニストでなきゃ）」のメッセージ入りTシャツを着用していた。このTシャツは2017年のコレクションで発表されたものだが、アメリカ連邦最高裁判所が人工妊娠中絶の憲法上の権利を否定したことを受けた静かな抗議とも見てとれた。ブランド初の女性アーティスティック ディレクターであるキウリは、フェミニストというイデオロギーを推進し続けている。クチュールの制作は現実社会にも通ずる　コレクションノートには「アトリエを反映した空間の中で、素材やフォームを生み出すということは、私たちが生きる現実社会にも通ずるものがあり、そして今日において人類であることの意義を思い起こさせる」と記されており、「生命の木」を起点にクリエイションと現代社会を結びつけた。あらゆる民族のルーツや生命の尊さに思いを馳せたショーは、立ち返るべき創作の原点を示すようだった。　会場には、女優の中谷美紀やナオミ・ワッツ、モデルのリリー・オルドリッジ、エル・マクファーソン、キアラ・フェラーなど、華やかなセレブリティが来場した。

ウクライナ人アーティストの「生命の木」が今の世界に訴えるものは　「ディオール」2022年秋冬オートクチュール

アグア バイ アグア ベンディタ（Agua by Agua Bendita）って？　父親の衣料品工場で廃棄されていたサンプル生地からインスピレーション得たカタリーナ・アルバレス（Catalina Alvarez）とマリアナ・イネストロサ（Mariana Hinestroza）が2003年にスタート。コロンビアの都市メデジンのファッションスクール在学中に意気投合した2人は現地の女性職人とともに、世代を超えて受け継がれる伝統的な刺繍技術やデザインを取り入れながら、南アメリカの活気溢れる文化を落とし込んだレディトゥウェアを展開中。コロンビアの豊かな自然に敬意を表したプリント柄や、フェミニンなシルエットが愛らしい注目のブランドです。ニューコレクション　チャーミングなフローラルパターンとドリーミーなバードモチーフをプリントした、同ブランドのロマンチックな感性を映し出すデザイン。ミニドレスとしてガーリーに着たり、デニムを合わせてカジュアルダウンしたりとさまざまな表情が楽しめます。MATCHESFASHION で購入する　ハリのあるコットン生地を使用した、リラックスムード溢れるリーフプリントのキャミソール。上部にたくさんのタックを施し、ふんわりとしたバブルヘムでボリュームを出したユニークなデザインです。MATCHESFASHION で購入する　スウィートハートネックとパフスリーブを配したガーリーなブラウス。ボタニカルプリントを施した薄手のコットンポプリン素材を用い、赤のパイピングでアクセントを加えた、レトロなデザインが愛らしい一着です。MATCHESFASHION で購入する　先ほど紹介したブラウスと共にセットアップで着こなしたいショートパンツ。大きく入ったタックでふんわりとしたフォルムに仕立て、裾にはさりげなく主張するスカラップトリムをあしらった乙女心をくすぐるデザインです。MATCHESFASHION で購入するMATCHESFASHION限定　先ほど紹介したボタニカル柄を爽やかなブルー地にのせたブラウス。スクエアネックシェイプやパフスリーブ、フレアカフスなどクラシカルなディティールを掛け合わせたブラウスをクロップド丈にすることで、モダンな印象に。MATCHESFASHION で購入する　春が来ると着たくなるスモックタイプのブラウスに、ストライプのように配したレトロなフローラルをコットンポプリン生地にプリント。幼いイメージのあるアイテムも、ラッフルネックとフレアカフスで女性らしさを演出してくれます。MATCHESFASHION で購入する　先ほど紹介したブラウスとシェイプは同じながら、プリントでよりクラシカルな印象のブラウス。この大人っぽいデザインのアイテムに、スカラップトリムを裾にあしらうことでキュートなエッセンスを添えたデザインです。MATCHESFASHION で購入する

お買いモノ

レトロ＆ラブリーなプリントに心惹かれる「アグア バイ アグア ベンディタ（Agua by Agua Bendita）」のウェアをチェック

　ピンクとオレンジの鮮やかな配色のトートバッグ。柔らかなポリエステル素材をアンティークの編み機で編んだボディに、2本のトップハンドルが配され、ラバーのロゴパッチ付き。書類などがすっぽりと収まる、デイリー使いにぴったりなバッグです。MATCHESFASHION で購入する　収納物に合わせて柔軟に形を変える3Dニット製法を用いて製作された、赤と白の市松模様が美しいショッパーフォルムのバッグ。付属のショルダーストラップをつければ、アクティブに斜めがけもできます。MATCHESFASHION で購入する　柔らかなテクニカル糸を希少な織り機を使って編みあげたショッパーバッグシェイプ。ブラックとオフホワイトの太いストライプ模様のボディに、クリアのラバーロゴパッチでアクセントを添えた、シックな印象のバッグです。MATCHESFASHION で購入する　ピンクとグリーンのインパクトある配色が目を引くクロスボディバッグは、スマホやミニウォレットなど必要最低限の荷物が入る小ぶりなサイズ感。テクニカルニット技術が採り入れられた、遊び心を感じさせるキッチュなムード漂うアイテムです。MATCHESFASHION で購入する　バーガンディとブルーの配色にブラックのボーダーを乗せ、クリアのラバーロゴパッチでアクセントをプラスした、装いに爽やかさを添えるトートバッグ。こちらもショルダーストラップがついているので、様々なスタイリングやシーンにマッチします。MATCHESFASHION で購入する　収納するものによって伸びたり平らになる伸縮性のあるリブニット構造に仕上げられた、クラシックなショッパーシルエット。淡いピンクカラーに引き締め効果のあるブラックカラーが覗く、クリーンな印象のバッグです。MATCHESFASHION で購入する　深みのあるグリーン×ヴィヴィッドピンクのコントラストが効いたトートバッグ。伝統的な日本のリブニットを駆使し、立体感のあるデザインに。いつもの着こなしにモードなエッセンスを加えてくれる一品です。MATCHESFASHION で購入する

日本の伝統技術や柄を取り入れた「ラストフレーム」のモダンなバッグはいかが？

チャーチ（Church's）Mach 3　まず最初にご紹介するのは、しなやかなカーフレザーとスポーティなシルエットが融合した「チャーチ（Church's）」のスニーカー。革靴の聖地ノーザンプトンを代表するシューメーカーらしく、優雅な佇まいを残しつつ、カジュアルなリラックスムードを高めた一足は大人のプライベートシーンにぴったり。コーディネートに合わせやすいデザインはもちろん、クッション性のあるヒールとライニングで快適な着用感を叶えます。Farfetch で購入するBoland　「チャーチ（Church's）」からもうひとつ、ネバダレザーの美しい質感と経年変化を楽しめる、ドレスシューズ顔負けのスニーカーをチョイス。伝統あるブランドが誇る職人の技術と自信を感じる、気品あるリュクスな一足です。踵への衝撃を吸収するヒールパッドと、通気性の良いキャンバスライニングで履き心地も申し分なし。カジュアルスタイルにも、抜け感のあるドレススタイルにもぴったりのアイテムです。Farfetch で購入するサントーニ（Santoni）Nubuck　イタリアンエレガンスとクラフツマンシップ、現代的なデザインが融合した「サントーニ（Santoni）」のスニーカーコレクション。すっきりとしたフォルムにヌバックの美しい素材感がマッチした、大人の余裕を感じる一足です。ソールは軽やかな足取りを叶える軽量ラバーを採用し、静かにパッチされたヒール部分のレタリングロゴが履く喜びと高級感を高めます。Farfetch で購入するStretch Knit　ドレスシューズからローファー、ウィメンズシューズにグッズまで、幅広いアイテムを取り扱う「サントーニ（Santoni）」はスニーカーの種類も豊富。スポーティなこちらの一足は、ソックスのようなフィット感と着脱のしやすさを体感でき、ランニングソールが快適な闊歩をサポート。アイコンカラーのオレンジが覗く、デイリーに活躍しそうなアイテムです。Farfetch で購入するジョンロブ（JOHN LOBB）MOLTON　名品と呼ばれるレザーシューズの数々に、伝統とロマンを感じるノーザンプトン発の「ジョンロブ（JOHN LOBB）」。端整なフォルムと硬派なスタイルを貫くブランドからは、美しいカーフスキンの表情を楽しめるミニマムなスニーカーをチョイス。テーラードスタイルを感じる、ダービーシューズのような外羽根をパッチしたジェントルな一足です。MATCHESFASHION で購入するFOUNDRY　グレインレザーのパネルで仕立てられた「ジョンロブ（JOHN LOBB）」のハンサムなスニーカー。ドレスシューズとスニーカーの垣根を超えた、クラシカルなムードとハイテクなスタイルが魅力的。ブラックのアッパーとホワイトソールのコントラストにシルバートーンのアイレットが光る、ロゴやブランドを主張しないオーセンティックな一足です。MATCHESFASHION で購入するベルルッティ（Berluti）Playtime　パティネート加工を施した、光沢のある美しいブラウンレザーの表情が魅惑的な「ベルルッティ（Berluti）」のスニーカー。ドレスシューズと引けを取らない質感と存在感に、ホワイトのソールとシューレースがベーシックなスニーカー像を彷彿とさせ、一気にカジュアルダウン。しっかりとシューケアを施し育てたくなる一足です。MATCHESFASHION で購入するFast Track　最後にご紹介するのは、「ベルルッティ（Berluti）」のアイコン スクリットが描かれた、幻想的な深いブルーのヴェネチアレザーが艶めく一足。凛と結ばれたシューレースとパネルステッチの完成度は、職人の息吹を感じるドレスシューズそのもの。エレガントなレザーシューズの魅力と、スニーカーの軽快な履き心地を両立した無二の輝きを放つアイテムです。MATCHESFASHION で購入する

老舗レザーシューズメーカーから選ぶ、ハイセンスなメンズスニーカー

　ケイタ マルヤマは、2016年3月に東京でランウェイショーを開催して以来、インスタレーションやムービーといった形式で新作コレクションを発表してきた。今回は丸山自身の会社K.M Design Studioとして初めて有観客でのコレクション発表となり、「Fashionは人生を変える」をコンセプトに全く新しいエンターテインメントとしてのショーを制作。「誰かを応援したり支援したり、繋がることは今の時代のテーマだと思う。厳しいコロナの2年を経て、たくさんの人たちと皆で作れたら」（丸山）という考えで、なるべく多くの人に届けるためクラウドファンディングを実施したという。11月8日から約1ヶ月で目標の500万円を超える、800万円超の支援を集めた。　およそ1時間にわたるショーは従来のランウェイとは異なる構成で、日本の伝統文化にフォーカス。歌舞伎・舞踏や着物文化、音楽など 「心踊るコト」 をファッションと融合し、日本ならではの四季をなぞって春夏秋冬の4シーンを繰り広げた。　回転式の舞台の幕が開き、春の桜を表現した最初のシーンに登場したのは冨永愛。オートクチュールのマキシドレスに着物の羽織風のガウンをまとったケイタ マルヤマならではの和洋折衷スタイルで、90年代を彷彿とさせる高いランウェイを優雅に闊歩した。続いて歌舞伎俳優の尾上右近が「娘道成寺」を披露。夏のシーンでは⻤太鼓座による和太鼓で祭りを表現し、ダンスユニットULTIMATE BBOYZは着物をアップサイクルした衣装でアクロバティックなパフォーマンスを見せた。秋のシーンは「愛」をテーマに、乃木坂46の齋藤飛鳥などのモデルたちがケイタ マルヤマのアーカイヴのドレスを着用して登場。舞台を雪景色に変えた冬のシーンでは、女優の渡辺真起子やりょう、田辺あゆみや市川実和子といったケイタ マルヤマのショーには欠かせなかったベテランモデルたちが勢揃いした。　全出演者によるグランドフィナーレでは、ハート型のラッフルドレスをまとった野宮真貴が「東京は夜の七時」と 「スウィート・ソウル・レヴュー」の生歌を披露。華やかなムードと大きな拍手の中でショーが幕を下ろした。　終演後の舞台裏で丸山は、今回のショーの動機として1980年代から華やかなショーを通じて夢を与えてきた山本寛斎と高田賢三の存在が大きかったとし、「お二人がいなくなってしまったから、『やらなきゃ』と。先輩方から浴びせてもらったクリエイションを、次の世代に繋いでいくのが役目だと思う」と涙ながらに話した。「ファッションは人生を変えるものだし、その時代や気分を表すもの。エンターテインメント、伝統、作り手、色々な人たちがシェアし手を繋ぎながら、自分たちのやれることをハッピーに表現する。その熱を伝えられたら嬉しい」と、愛にあふれたショーを振り返った。

ケイタ マルヤマがショー開催　ファッションの愛を「寛斎、賢三、そして次世代に」 往年のモデルが華を添える

Why Kyoto？　グッチの発祥の地、イタリア・フィレンツェ。イベントの舞台となる京都とは姉妹都市でもあり、長い歴史の中で豊かな文化が育まれた世界都市としての共通点も。グッチが今年の4月に発表したイタリア語で「空気」や「息吹」を意味する最新コレクション「Aria」に込められたストーリーを描くため、新しいものと古いものが共存し再生を繰り返している京都をこの一大プロジェクト開催の地に選んだといいます。会場となったのは、京都の街の中心にある町家と、東西にそれぞれ位置する2つの歴史ある寺院です。Ⅰ.Gucci Bamboo House @旧川崎家住宅　まず1つ目のスポットは、京都の中心部・新町通沿いの旧川崎家住宅で行われる体験型エキシビション「グッチ バンブーハウス」です。グッチ創設と同時期の1920年代に豪商の邸宅として建てられた川崎家住宅は、京都市の有形文化財でもあります。しばらくの間、時が止まったかのような空間が再び魅力を輝かせ、伝統的な京町家の様式と西洋の建築様式など古今東西の意匠が融合した空間は、折衷主義が色濃く反映されているグッチの世界観に調和。プロジェクトの軸となるコレクション「Aria」には「生命の再生」という意味も込められていることから、昔ながらの建物構造や素材を活かしつつ、グッチの歴史の節目をつなぐ「竹」にフォーカスした「バンブーハウス」として生まれ変わりました。今回のイベントで唯一、7月22日から予約制で一般公開されているパブリックイベントです。 　バンブーハウスの主役でもある、1947年に誕生したグッチを代表するバンブーハンドルのバッグ。このアイコニックなハンドルの形状は、職人が竹の地下茎をバーナーで熱し、カーブさせて作られています。戦後の物資不足の中で、ものづくりへの情熱とクラフトマンシップにより生まれたというバンブーハンドルは、グッチの精神と普遍的な美しさを内包したブランドの象徴の一つ。エキシビションではフィレンツェから取り寄せた1950年代〜90年代のアーカイヴ14点を展示しています。　過去から現在へと受け継がれるバンブーハンドルバッグ。その系譜を継承しているのが、1991年に登場しミケーレが現代に向けて再解釈した最新モデル「グッチ ダイアナ」です。ネオンカラーのカラフルなバンドは、ハンドルの形状を維持するために元々バッグに付属されていた保管用バンドからインスピレーションを得たもの。あえてデザインに取り入れることで、クラシックな中にも意外性というひねりを効かせているのはミケーレならでは。　大正浪漫のムードが漂うバンブーハウスには、一足早く特別なゲストが来場。俳優 永山瑛太さんの姿を捉えた撮り下ろしもCHECK！永山瑛太が巡る「GUCCI BAMBOO HOUSE」■ GUCCI BAMBOO HOUSE会期：2021年7月22日（木）〜 8月15日（日）会場：旧川崎家住宅住所：京都府京都市中京区新町通六角上ル三条町340時間：11:00 – 20:00 （最終入場は19:00まで）休館日：水曜特設サイト（事前予約制）Ⅱ. Gucci High Jewelry&Fine Watch @仁和寺宸殿　2つ目のスポットは888年建立、1994年に世界遺産に登録された仁和寺です。二王門をくぐり左手にある宸殿（しんでん）内で、ラテン語で「歓喜の庭」を意味するハイジュエリーコレクション「ホルトゥス デリキアルム」とファインウォッチの新作がお披露目されました。ミケーレにより2019年に始まったハイジュエリーコレクションは、「Aria」で3シーズン目。エレガントながらデコラティブで遊び心のあるグッチらしいデザインは唯一無二で、「Aria」では滝やアニマル、ロマンチックポエティズム、ナイトフォールという4つのテーマでコレクションが制作されました。　ハイジュエリーはパリのヴァンドームにある専門ブティックなど限られた機会でしか見ることのできない貴重なコレクション。この日のために京都に運び込まれた約90点のハイジュエリーは格式高い日本間にディスプレイされ、神秘性を秘めた輝きを放ちます。 Ⅲ. Gucci Aria in Kyoto @清水寺　そして3つ目のスポットは、京都一の観光名所・清水寺です。仁王門や西門、三重塔など境内の建物は「Aria」のコレクションで登場した架空のナイトクラブ「SAVOY CLUB」を彷彿とさせるピンクとパープルの照明でドラマチックにライトアップ。特別な一夜を盛り上げます。 　階段を登り進めると経堂・回廊・本堂・奥の院の異なる建物で最新コレクションの展示が続きます。キーインスピレーションとなった乗馬スタイルのアイテムや、話題を集めた「バレンシアガ（BALENCIAGA）」との"ハッキング"ピースなどが国内初披露。プロジェクションマッピングで投影されフォレストグリーンに染まった荘厳な堂内には、命が吹き込まれる様子を表したというミラーのマネキンが設置され、まるで幻影のようにコレクションピースが展示されました。 　3ヶ所で行われたパフォーマンスでは、新たな命を得て再生する様子や、心臓の鼓動を表現した舞を披露。昨年改修工事が終了し、"再生"したばかりの清水の舞台で「Aria」の印象的なフィナーレとも重なる「ユートピア」が、能や日本舞踊、雅楽といった日本の伝統芸能で表現されました。自然世界と深く結びつき、芸能を奉納する場所として作られた清水の舞台で、創造と再生のストーリーが描かれ、新たな始まりを告げます。　京都の街を"テイクオーバー"して行われた「Gucci in Kyoto」。限られた招待客を招いたスペシャルイベントには、特別な一夜に華を添えるセレブリティの姿も。フィレンツェと京都が生命の息吹によって結びつき、グッチの新たな100年への歩みが刻まれました。

グッチの新たな幕開け、3つのエキシビションから探る「GUCCI in Kyoto」の全貌

1-ジル・サンダーとは何者？これまでのキャリア・1968年にドイツで会社を設立　ジル・サンダー氏は1943年11月27日、ドイツ北部のシュレスヴィヒ＝ホルシュタイン州ヴェッセルブレン生まれ。ハンブルクのクレフェルト・スクール・オブ・テキスタイル専門学校を卒業後に、渡米しカルフォルニア大学に2年間在籍しました。その後、ファッションエディターとして活動。雑誌の撮影用を通してメーカーに服のデザインを提案するうちに、ファッションデザインの依頼を受けるようになりました。帰国後の1968年にドイツ・ハンブルグにセレクトショップ形態のブティックと、自身の会社を設立。1973年にパリでプレタポルテを発表しましたが、1980年に撤退。ただ、1985年に拠点をミラノへ移し、1987年にミラノコレクションにデビュー。1997年にメンズラインを開始するなどブランドが軌道に乗り始めたところで、プラダグループが株式の75%を取得し傘下に入ります。・2000年に「ジル サンダー 」のデザイナー退任　ブランドのその後　上手くいくようなタッグでしたが、方向性の違いによりジル・サンダー本人は2000年にデザイナーを退任。2003年にクリエイティブディレクターとして復帰するも、再度経営陣との不和により2004年に同職を辞任しました。後任としてラフ・シモンズ（Raf Simons）をクリエイティブディレクターに起用し、ブランドの若返りを図るも、ブランドはプラダグループが2006年にイギリスの投資会社Change Capital Partnersへ売却。2008年にはオンワードホールディングスが傘下に収め、先日「メゾン マルジェラ（Maison Margiela）」や「マルニ（MARNI）」などを擁するイタリアのOTBグループが買収すると発表しました。現在、クリエイティブディレクターはルーシー・メイヤー（Lucie Meier）＆ルーク・メイヤー（Luke Meier）夫妻が務めています。・「ユニクロ」をファッションアイテムに昇華した　デザイナー ジル・サンダー氏　2004年にブランドを離れてからジル・サンダー氏はしばらくファッションの表舞台に姿を現すことはありませんでした。ジル・サンダー氏がデザインした最新アイテムが渇望される状況が続く中、約5年の時を経た2009年3月にジル・サンダー氏が代表を務めるコンサルティング会社とファーストリテイリングのデザインコンサルティング契約締結が発表。「＋J」コレクションをスタートさせたほか、ユニクロの商品全体の監修を行い、これまでとは違ったデザインエッセンスを加えることでインナーウェア一辺倒だったユニクロがファッションアイテムをデリバリーしていることを認識させるきっかけとなりました。「＋J」コレクションは2009年秋冬コレクションからスタート。ファーストコレクションから完売商品が続出するなど話題を集めましたが、デザインコンサルティング契約の終了に伴い5シーズン目となる2011年秋冬コレクションをもって終了。その後、ラフ・シモンズの後任として2013年春夏シーズンからブランド「ジル サンダー」のクリエイティブディレクターにジル・サンダー本人が復帰しました。しかし、2014年春夏コレクションを最後に再度ブランドから離れ、以降は趣味のガーデニングや美術活動に取り組んでいました。そして2020年秋冬シーズンに約9年ぶりとなるファン待望の「＋J」コレクションが登場。11月12日に2021秋冬夏コレクションが発売されます。2-キーワードは「ミニマル」と「巧みな素材使い」・隅々までジルサンダーの哲学が行き届くミニマル　ジル・サンダー氏は服作りに取り組む姿勢から、「鉄の女」とも呼ばれるほど妥協を許さないクリエイターとして知られています。特にジル・サンダー氏を理解する上で「ミニマル」というワードは必ず抑えたいところ。シンプルと似て非なるのがミニマル。単調なデザインではなく、細部まで緻密に計算されムダを極力削ぎ落としたデザインが多くのファンを魅了しています。ジル・サンダー氏は「＋J」2020年秋冬コレクションの冊子に収録されたインタビューで「私が育った北ドイツは、全てのものが透けて見えそうなくらい太陽の光が透明で明るい。折り目のディテールがはっきりと見えるのでごまかしが通用しません」と語っており、幼少期の体験が色味から素材感、そしてデザインにまで繋がっていることを明かしています。・天然素材から化学繊維まで網羅する素材使い　素材使いの巧みさも特徴の一つ。伝統的な極上の素材で作られたラグジュアリーなアイテムも人気ですが、実は最先端素材にも積極的なのは意外に知られていない事実。オリジナルで生地作りから関わるなど、サステナブルを意識した素材開発は現在の＋Jにも反映されています。最高級素材からナイロンやポリエステルなどの化繊まで幅広い素材を用いているからこそ、ミニマルなデザインでも魅力的なアイテム群を揃えることが可能になっています。・着た時に発揮されるシルエット　ミニマルと聞くと、平面の無機質なシルエットをイメージするかもしれませんが実はとても構築的なパターンで作られていることが多いのも特徴。着用者にストレスを与えずに、絞るところは絞り可動域を残しながらゆったりと流れるようなスタイルを感じさせてくれます。特に動いた時に起きる揺れや生地のうねりなどフルイドまでを見越してデザインされているところこそが、ミニマルの女王という異名の由来ならではでしょう。3-ジル・サンダーが手がける「＋J」の特徴　そんなジル・サンダー氏のクリエイションをユニクロ価格で提供しているのが「＋J」。当時のファーストコレクションを見たファッション業界関係者が「間違いなくジル・サンダーだ」と感嘆するほど「＋J」はジル・サンダー氏のデザインが再現されています。現在の「＋J」は、「モダン・ユニフォーム」がコンセプト。さまざまな場面やあらゆる気候に対応できるベーシックな服を提案しています。代表的なアイテムはもちろん、ジル・サンダー氏も愛着があるという白のシャツ。ドローイングではなく、身体の上でフィッティングを繰り返すというジル・サンダー氏による緻密に計算されたシルエットで、ミニマルかつアクティブな活動が可能なデザインが特徴になっています。4-「＋Ｊ」、のアイテムは？　発売間近。2021年秋冬コレクションの詳細は？＞＞詳しくはこちら　全36枚のルック画像を交え、気になるアイテムを紹介。＞＞詳しくはこちら　一足先に実物を着用レビュー。メンズ アウター編。＞＞詳しくはこちら

ジル・サンダー氏とは？─ミニマルの女王の華麗なキャリア

簡単に消費されないものづくりを――世界を巡って知った日本の強さ―奥出さんは世界中あらゆるところを巡ったとお伺いしています。「ラストフレーム」を立ち上げる前は、どのようなことをされていたんですか？　服飾専門学校を卒業した後、数社で経験を積みました。独立前の職場ではグローバルに展開するブランドの立ち上げから参加して、LAやヨーロッパ、アジア諸国など色々な国を巡ったんです。海外の人と触れ合えたことが、今にすごく活かされていると実感しています。―どんなことが今に活かされているんですか？　海外の人とのコミュニケーションの中で、自分が思っていた以上に日本の事を好きな人が多いと感じました。ファッションはもちろんカルチャーも、とてもリスペクトしてくれている。それで日本人という自分のアイデンティティを、これまで以上に武器として考えてオリジナリティを発揮できれば、世界で戦う力がより強くなるのではと考え「ラストフレーム」をスタートしたんです。また前社でグローバルにビジネスを展開する重要性を経験したことで、「ラストフレーム」をスタートする段階から世界を視野に入れられたのは、ブランドにとって非常に大きかったなと思います。―「ラストフレーム」が目指す理想のブランド像は？　ファッション業界に身を置く中で、作っては消費されていくという繰り返しに疑問を抱くようになり、とにかく長く使える物を提供できるブランドにしたいと思いました。ただファッションにはトレンドがあるため、長く販売する事が難しい側面もあります。かっこいい物、それだけで高揚できるような物こそが、ファッションにおいて大切だと思っているのですが、最近はその"かっこよさ"の中には、環境に優しいことや長く使えるといった意識も内包されていると考えるようになったんです。なので、長く愛され、気持ちの高揚も持続するようなものづくりを心掛けています。そういった価値観から、日本の伝統技術で作られた素材を用いて、スカーフやバッグなど、シーズンを問わず使えるアイテムをメインに展開するというコンセプトに自然に行き着きました。―ブランドを立ち上げるまでの経緯を教えて下さい。　自分のブランドをスタートするために、日本の文化や技術をもっと深く学ぼうと思い、海外での活動が多かった前のブランドから独立したんです。それから日本の文化や技術を学びながら、フリーのデザイナーとして「ナナナナ」のデザインに携わるなど様々な経験を積みました。―奥出さんが学んだ日本の文化や技術というのは、具体的にどのようなことでしょうか？　まず日本のものづくりの原点を知りたくて、故郷である石川県の美術館を巡りました。金沢21世紀美術館はもちろん、県立の美術館や九谷焼の美術館など、とにかく行けるところは全部行きましたね。石川県は紡績の産地なので、美術館を一通り巡ったあとは、複数の繊維会社にも足を運びました。その中で物のクオリティの高さに驚くとともに、作り手の人たちがものづくりに対して持っている自信や、その物を発信したいという強い意欲を直に感じられたことが一番大きな学びだったなと思います。そして改めて日本の技術力を武器にすれば世界に通ずるものづくりが出来ると確信しました。―「ラストフレーム」として最初に作ったアイテムはシルクのスカーフですよね。この素材はどこのものなんですか？　石川県の工場を回り、最後に見学したのが小倉織物というシルクの紋織物を織る機屋さんでした。石川県は日本で最も降水日数が多く、世界的に見てもシルクや合繊の生産にとても適した地域なんです。小倉織物さんは120年以上の歴史を持っていて、シルクによる洋裁の紋織物を織れる機屋さんはもうここだけしかないと伺いました。そして高い職人技術で作られた多くの生地を資料室で拝見し、このテキスタイルを使って自分でデザインした何かを残したい、残さないといけないという強い衝動に駆られたんです。また後継者不足によりいつまで続けられるかわからないという状況も聞き、すぐに制作に取り掛かりました。―ニットバッグもブランドのアイコンアイテムとして人気ですが、ニット工場もご自身の足で見つけたんですか？　複雑な編み地のニットアイテムを作りたいなと思い、再現できる工場を色々と探していました。それがかなり技術的に難しい編み地だった様で、作れるところが全く見つからず、友達にたまたまその事を話したら、日本ではそこにしかないという編み機を持った工場のニッターさんを奇跡的に紹介してもらえたんです。　その工場の資料を見たり、工場の方と話したりしているうちに、当初考えていたアイテムではなくニットのバッグが作れるんじゃないかと思いついて。独自に撚糸をした糸を使用し、リブ編みのため横には伸縮性がしっかりあり、縦には全く伸びず、そして軽量というバッグには最適な編み地の開発ができました。このバッグはブランドの中でも特に人気のあるアイテムで、インスタグラムを通じて連日海外からも問い合わせが来るようになりました。―素材探しをするときに大切にしているポイントは？　先程もお伝えしたように、流行って作って真似されて消費されてを繰り返すようなファッションとは違う、"長く使える、長く愛される"ものづくりをしたいと考えています。作った物は簡単に真似されるようなものにしたくはないので、そのためここでしか作れない物や、素晴らしい伝統技術を取り入れた素材にはとても惹かれますし、それを守っていきたいと思っています。もちろん、良いものと出会ったときの「これで何か作りたいな」といった自分の直感も大切にしています。「ラストフレーム」のアイテムは、写真で見るより実物の方が良いと言っていただける事が多く、それはやはり日本の技術力の賜物だと思います。長く愛される上で大切なのは、実物を見て触れてどう感じるか。SNS全盛の時代において、写真で魅せるという事は勿論大切なのですが、それより大切なのは実際に見て触った時にどう感じるかなんじゃないでしょうか。それこそが日本の職人技術、伝統技術をブランドコンセプトに取り入れた一番の理由です。―ここまで何回か「簡単に消費されず長く使える物」という言葉が出てきていますが、これはサステナブルを意識してのことでしょうか？　サステナブルの定義も難しいですよね…。僕はアイテムを作る時に「サステナブルであること」をすごく意識しているわけではありません。ただ長く使える物を作ることや、腕のある職人さんの技術を守っていくことが、回り回って環境に負荷をかけない生産活動や経済活動に繋がるのではないかと考えているところはあります。　アパレルはシーズン毎に作る物が変わるので、どうしてもセールをするサイクルになってしまっています。ただオールシーズンを通して使用できるアイテムであれば、セールをしなくても販売し続ける事ができるのではないかと考えました。同じアイテムをいかに長く販売し続ける事ができるか、それはアパレル業界において一番難しい課題ですが、実現できれば無駄に多くの物を作ることを防ぐことにも繋がります。なので自分が出来るサステナブルな取り組みは、その実現を目指すことかなと。作っては廃棄を繰り返すという社会の構造をまず変えないことには、地球環境は戻らないのではないかと考えています。―デザイン面で重視していることは何でしょうか？　素材探しの時と通じる部分がありますが、一番は自分がいいと思うかどうか。絶えず僕自身が自分のブランドやアイテムに対する一番のファンでありたいんです。客観的に自分がそのアイテムを見つけた時にテンションが上がるかどうか、これが僕のデザインの基本になっています。次に心がけているのは、オリジナリティです。物が溢れる時代に、どこかで見たことのあるような物を作っても意味がないと思うので、自分以外は誰も作らないようなものを日々考えています。ビジネスとして継続していくためには、オリジナリティがある上で多くの人に求められる必要もあります。これらの要素を一つのアイテムに落とし込むのはかなり難しいですが、だからこそ、やりがいも感じていますね。―デザインのインスピレーション源は？　ヴィンテージアイテムが好きなので、ヴィンテージショップを巡ることが多いですね。最近はファッションだけでなく、プロダクトデザインやインテリアデザインにも興味があって、ファッション以外のデザインから影響を受けることも多いです。出会いから広がるブランドの可能性―「ラストフレーム」は現在バッグやスカーフなど小物の展開のみとなっていますが、アパレルを展開する予定は？　最初はアパレルも考えていましたが、自分が欲しいと思う服はすでに世の中の他のブランドが作っていると気づいたんです。ヴィンテージも含めて考えると膨大なアイテム数の中で、先ほどお話ししたように、どこかで見たことのある物を作っても意味がないと考えると、アパレルのデザインが非常に難しいと思いました。ただいつか自分が良いなと思えるアイテムを思いついたら、アパレルも作り始めるかもしれないですね。―現在卸や自社ECが販路となっていますが、直営店舗を出す予定は？　ありがたいことに現在は日本の沢山のお店に置いていただいいて、海外も中国の「SKP」やロンドンの「ブラウンズ（Browns）」「マッチズファッション（MATCHESFASHION）」などでの展開がスタートし、取り扱い店舗も増えており、現在も国内外の素晴らしいお店からのオファーが届いています。直営店舗に関してはブランド設立当初から、地元である石川県金沢に店舗を持ちたいなと考えています。ただ「ラストフレーム」の直営店としてだけではなく、伝統工芸品やアートなど、自分が良いなと思った物を詰め込んで、自分の想いが全部伝わるようなお店にしたいです。そのために、ロケーションは金沢が最適だと思っています。―今の日本のファッション業界はどう見えていますか？　クリエイション力も上がっていて、率直にとても面白いと思っています。それこそもっと世界で認められていいブランドがたくさんありますから。ブランドだけでなく、セレクトショップや古着屋さんもどんどん魅力的になっていると思いますね。特に地方や郊外に良いお店が増えている気がします。―今後の目標は？　「ラストフレーム」の名前には、最後（ラスト）の伝統技術をフレームに収めてアイテムに昇華するという意味と、そういったものづくりの形と、素晴らしい日本の伝統技術、ブランド自体を継続していく（ラスト）という意味を込めています。日本にはまだまだ僕の知らない技術がたくさんあると思うので、ファッションに限らず多くの物に触れて感じていきたいです。その中で自分のデザインとマッチする物があれば積極的にブランドに取り入れていければと考えています。そしてこれからも日本だけでなく世界に向けて「ラストフレーム」というブランドを、同時に日本の素晴らしい技術を発信していきたいです。

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