インサイド

　開催に合わせたプレスツアーでは、様々な国や地域から約30人のメディア関係者などが招待され、イベントに先駆けてアクティビティを実施。フェスティバルだけではなく、パリとアート、アートとロンシャンのつながりを知るインスピレーショントリップとなりました。　まず訪れたのは、パリ郊外にあるアーティストレジデンス「POUSH」。POUSHは、アートセンターとアーティストの制作スタジオを併設するクリエイティブ拠点で、30ヶ国以上から集まった約270人のアーティストが活動しています。現地ではクリエイティブが生み出されるアーティストのアトリエを巡り、説明を受けながら制作工程や作品を見学しました。 ロンシャンとアートとの関係を一つの場に　その後、マレ地区のフェスティバル会場へ。会場には、ロンシャンが所蔵する作品のほか、世界各地のロンシャンのブティックで展示されているアーティストの作品など、ブランドとゆかりのある作家たちが参加しました。　フランス人現代アーティストのグザヴィエ・ヴェイヤン（Xavier Veilhan）や、世界的デザイナーのトーマス・ヘザーウィック（Thomas Heatherwick）といった著名なアーティストから、POUSHに所属する新進気鋭の作家まで、25組を超えるアーティストによる作品やパフォーマンスで構成されました。日本からはニューヨークを拠点に活動するアーティストの西川裕子さんが参加し、浮遊感のあるモビール作品を展示。“動”を共通テーマに、光や色、素材、身体など、それぞれ異なるアプローチによる作品が会場に並びました。創業家が受け継いできた「創造的好奇心」　ロンシャンはこれまでも、アイコンバッグ「ル プリアージュ®（Le Pliage®）」を通じてさまざまなアーティストとのコラボレーションを発表してきました。今年は「KYOTOGRAPHIE 京都国際写真祭」に初参加するなど、継続的にアートとの関係を深めています。創業一族のキャスグラン家も長年にわたり、アーティストの発掘や作品の収集、文化支援に取り組んできました。　創業家3代目でCEOのジャン・キャスグラン（Jean Cassegrain）と、妹でクリエイティブ・ディレクターのソフィ・ドゥラフォンテーヌ（Sophie Delafontaine）は、今回のテーマである「CREATIVE CURIOSITY（創造的好奇心）」につながる感覚は、幼い頃から育まれてきたものだと話します。　「私は絵を描くことが得意だったわけではありませんでしたが、美しいものへの関心だけでなく、世界への興味、旅をすること、未知のものへの創造的好奇心、そして家族から受け継いだ“発見すること”への姿勢が、現在のクリエイションにもつながっていると思います」（ソフィ）　今回展示された作品を含むアートピースを購入する際は、色彩の豊かさを一つの基準にしているといいます。また、作品選びでは兄妹の意見が一致することがほとんどで、家族間で共有されてきた美的感覚がアートコレクションのセレクトにも反映されているといいます。なぜ今、アートフェスティバルなのか　今回、著名な作家だけでなく新進気鋭のアーティストもラインナップに加えた理由について、ジャンは次のように話します。　「ファミリーメゾンとして、若い才能に目を向けることは大切だと考えています。POUSHをはじめ、新しい才能を見つけ、彼らを知ってもらう機会をつくることも、私たちができることの一つです」（ジャン）　今回のフェスティバル開催についてソフィは、「これまでメゾンがさまざまな形で育んできたアートとの関係を、プロダクトとの単発の協業ではなく、一つの場に集めて誰もが体験、共有できるものにしたかったから」と経緯を説明します。　「いつも異なる表現との出会いが、メゾンのクリエイションに新たな視点を与えてくれました。このプラットフォームが誰もが創造的好奇心を持って新しいものを発見できる場所となり、来場した人が何か感情を持ち帰ってくれたらうれしいです」（ソフィ）　フェスティバルは入場無料のパブリックイベントとして開催され、予約枠がすぐに埋まるなど、会期中は多くの来場者でにぎわいました。幅広い層が現代アートに触れられるプログラムを展開し、ロンシャンが長年育んできたアートとの関係と、メゾンが掲げる「CREATIVE CURIOSITY」を体感できる3日間となりました。© Xavier Veilhan, Adagp, Paris, 2026© Soo Kyoung Lee, Adagp, Paris, 2026© Sébastien Preschoux, Adagp, Paris, 2026© Valentin Guillon, Adagp, Paris, 2026

「ロンシャン」とアートの関係とは？ 　パリで初開催のフェスをレポート

Beauty

美しさについて考える　「美しい」は誰が決めたのか

旅と建築がクルーズコレクションに　ルイ・ヴィトンのクルーズコレクションは、ウィメンズ アーティスティック・ディレクターのニコラ・ジェスキエール（Nicolas Ghesquiere）が掲げる「旅の真髄（こころ）」を、世界各地の象徴的な建築にて体現するもの。過去にはブラジルのニテロイ現代美術館、アメリカのソーク研究所、イタリアのイゾラ・ベッラ、そして滋賀県のMIHO MUSEUMなどでランウェイショーを開催。いずれもジェスキエール自身が現地を訪れ、インスピレーションを得た地を選んできた。アヴィニョン教皇庁の中庭で光のランウェイ　今回のショー会場となったアヴィニョンのパレ・デ・パプは、世界最大級の中世ゴシック様式の宮殿。1309年から1377年までローマ教皇庁が移された場所で、床面積は1万5000平方メートルにおよぶ。現在ではアヴィニョン演劇祭や現代美術の展覧会など、文化イベントの舞台にもなっている。　ショーの当日はまず、敷地内の庭園でカクテルパーティーを開催。その後、ゲストは迷路のような宮殿内を経て「クール・ドノール」と呼ばれる中庭へ誘導された。無垢材とカーディナルレッドのベルベットで作られた椅子と、光る床のランウェイ、そして中庭の片側には数百におよぶ空席スタンドが並ぶ。ショーが幕を開けると、そのスタンド席もステージの一部に。スポットライトを浴びながら、中世の宮殿建築を背にモデルたちが登場した。 中世から現代へ　歴史劇のキャストたち　2026年クルーズコレクションは、中世の騎士を思わせるスパングル装飾のミニドレスからスタート。色鮮やかな鎧のような輝きを放った。続いて、マント風に仕立てたAラインのコートドレスや、ジャカードにパールやスパングル、チェーンを配したミニドレスに、ボリュームのあるレザーブーツを合わせたスタイルのモデルが、風を切って力強いウォーキングを見せた。  　ジェスキエールらしい構築的なシルエットも健在。ラメニットやレースをふんだんに用いたロングドレス、金銀の織り糸が映えるテーラードジャケット、ホログラム調のパンツルック、コンパクトなレザーブルゾンやセットアップなど、光沢を主役にしたワードローブがドラマティックに展開された。   　終盤は、ゴシック調の立体的ラッフルが肩や腰まわりを飾り、ボウブラウスやシルバーのフリンジ、華やかなペイズリー織りが貴族の装いを彷彿とさせる。　オープントゥのブーツにはミラーやビーズ刺繍が施され、司教冠（ミトラ）風ハット、アンティーク調のメタリックバッグ、木製バングルやバッグなどアクセサリーも見どころとなった。  　フィナーレでは、スタンド席に座った全モデルがスポットライトを浴び、観客席とステージが逆転する演出に。壮大な歴史劇のキャストたちが、ショーを華麗に締めくくった。各国から集うゲストが体験した"旅の真髄"　会場には各国から約450人のゲストが招かれ、顧客やプレス、セレブリティが一堂に会した。エマ・ストーン、フィリックス（Stray Kids）、アリシア・ヴィキャンデル、チョン・ホヨン、ウラッサヤー・セパーバン、クロエ・グレース・モレッツ、ジングル・ワンらが来場。日本からはアンバサダーの広瀬すず、穂志もえか、中田英寿らが参加した。　「歴史と重厚感のある石造りのアヴィニョン教皇庁の中でのショーは、想像を遥かに超える世界観。日常から離れて幸福感に満たされました」と語った広瀬すずは、アシンメトリーのコートドレスや、カラフルなニットのルックなどが印象に残ったという。　またゲストたちは、アヴィニョンでのショーのみならず、アルルの文化複合施設や美術館、カマルグやカシの自然と美しい景色、地元料理なども堪能。プロヴァンス地方の文化とともに、メゾンが讃える「旅の真髄」を存分に味わった。

LOUIS VUITTON

Fashion

2026年クルーズコレクション

ルイ・ヴィトンが世界遺産の宮殿でショー　アヴィニョン教皇庁で中世から現代への旅

Architecture：館の構造を活かした2部構成　展覧会の会場となったのは100年以上の歴史を持つ表慶館。明治末期、建築家・片山東熊により建てられたネオバロック様式の歴史的建造物は、国の重要文化財にも指定されています。展覧会は館の特徴でもある左右対称の構造を活かし、建物右側に位置する第一部では、「カルティエと日本」、左側の第二部では「カルティエ現代美術財団と日本のアーティスト」を紐解く二部構成で、メゾンと日本を結ぶさまざまなストーリーを多面的に伝えます。内装は世界中の美術館や展覧会のデザインを手掛けてきた「スタジオ アドリアン ガルデール（Studio Adrien Gardère）」が担当。日本文化と美学に対する敬意と、表慶館の伝統的な意匠への称賛を反映させ、セクションテーマに沿う素材選びやデザインで、一つ一つの展示作品を際立たせています。Right Wing：日本がカルティエにもたらした影響Room 1 　正面右のセクションでは「カルティエと日本」をテーマに、アーカイヴピースや文献を通して、伝統的な形状や紋様といった物質的なモチーフから、日本人に根付く精神性まで、日本がいかにカルティエのクリエイションに影響を与えてきたかを浮かび上がらせます。　最初の部屋では1898年からメゾンの事業経営に参画し、美術品のコレクターとしての一面も持ち合わせていたルイ・カルティエが収集した200点以上に及ぶ日本美術のコレクションから着想を得て制作されたピースを展示。そのなかには神社の建築を想起させるミステリークロックをはじめ、印籠の形をしたヴァニティケース、結び目や染めに用いる際の型紙の波模様や鱗模様のブローチといった貴重なコレクションから、小紋柄をフェイス部分にあしらった今年発表されたばかりの新作ウォッチまで、100年以上前から日本の伝統的なモチーフがカルティエのクリエイションに影響をもたらし続けていることがわかります。Room 2　カルティエの重要なインスピレーション源の一つでもある動植物。メゾンが独自に生み出してきたフォルムの探究は、自然を賛美する日本の美学からの影響が大いにあるといいます。亀や鳥、トンボや蝶、そして日本古来の藤の花においてはメゾンのレパートリーとして繰り返し登場するモチーフです。ここでは杉本博司の「春日大社藤棚図屏風」（2022年）を囲うように、自然界から着想を得たジュエリーが展示されています。Room 3 　階段を上がった2階の部屋では、これまでカルティエが5度にわたり日本で開催してきた展覧会を遡りながら、メゾンと日本の関係性を掘り下げています。1988年、表参道のスパイラルホールで行われた展覧会を皮切りに、1995年の東京都庭園美術館、2004年の京都・醍醐寺に続き、2009年は同じく表慶館で「Story
of... カルティエ クリエイション～めぐり逢う美の記憶」展が開催。さらには2019年、国立新美術館での「カルティエ、時の結晶」展も記憶に新しく、その時代に沿うコンセプトや展示方法で多くの人にメゾンの魅力を伝えてきました。ここでは、それぞれの展覧会を象徴する「カルティエ コレクション」所蔵の貴重なピースが日本に再集結しています。Room 4　右セクション最後の部屋では、原宿のパレ・フランスに日本初のブティックをオープンした1974年から、カルティエの日本での歩みを当時の出版物やキーパーソンへのインタビュー動画、メゾンのアイコンジュエリーやウォッチを題材にした日本人アーティストたちとの協業作品、日本独自のプロジェクトを振り返ります。なかには、2017年にタンク ウォッチ100周年記念で香取慎吾が描き下ろしたアート作品や、2022年に「サカイ（sacai）」の阿部千登勢によって新たに解釈された「トリニティ」コレクションなども見ることができます。Left Wing：カルティエ財団により広がるアーティストコミュニティの輪Rotunda 2F　2階の右側と左側を繋ぐブリッヂ部分には、画家の横尾忠則が日本人アーティストを中心に描いた20点のポートレートシリーズが展示。カルティエ現代美術財団（以下、カルティエ財団）が長年にわたりコラボレーションしてきたアーティストたちを横尾独自の視点で描き上げています。2014年から続くプロジェクトに今回新たに3点の作品が加わり、カルティエ財団が日本人アーティストと築いてきた"コミュニティ"の広がりそのものを表しています。　1984年に非営利団体として設立されたカルティエ財団は、アーティストの発掘・再発見を目的にこれまで数々の日本人アーティストの発表の場と機会を提供してきました。駆け出し時や国外で活動したことのないアーティストの作品、すでに名の知れたアーティストの新たな一面を紹介し、展覧会の支援、コミッションワークの制作依頼、作品の購入といった、アートとアーティストの価値を高め、社会と繋げるプラットフォームとしての役割を担ってきました。Room 5　カルティエ財団が考える芸術分野は多岐にわたり、写真、絵画、建築、彫刻、映像といった作品のほか、ファッションの領域にも広がりを見せます。1998年にカルティエ財団によりパリで開催されたデザイナー三宅一生の「Making Things」展では、衣服のフォルムがいかに刷新・再発明されるかという視点を提示し、脚光を浴びました。ここでは「一枚の布」という「イッセイ ミヤケ（ISSEY MIYAKE）」の服づくりのコンセプトを表現したインスタレーションや、「プリーツ プリーズ イッセイ ミヤケ（PLEATS PLEASE ISSEY MIYAKE）」のデビューシーズンとなった1994年春夏コレクションのピースが並びます。Room 6　写真にフィーチャーした部屋では、カルティエ財団と継続的な関係を築いてきた日本写真界の巨匠である荒木経惟、森山大道、杉本博司の3名の作品をはじめ、川内倫子の232枚の写真を組み合わせたスライドショーや巨匠 ウィリアム・エグルストンが切り取った京都の風景などの写真作品が展示。1階と2階を繋ぐ左右の階段にはそれぞれ、現代美術家 束芋によるビデオインスタレーションが映し出されています。 Room 7　北野武もカルティエ財団と縁の深い現代アーティストの一人。自由な概念により生み出されるカラフルで独創的な作品からは、芸人や映画監督など多彩な分野で活躍してきた北野武のアーティストとしての一面を垣間見ることができます。ここでは新作を含む2018年から2023年に制作された絵画が展示。　また、左右の小部屋では、1から9の数字が回転しながら暗闇の中に浮かび上がり時間と無限空間を表現した宮島達男のインスタレーションや、森山大道のモノクロ作品を2冊の本に見立てたスライドショーが没入感のある展示方法で公開されています。Room 8　幅広い芸術表現を持つ北野武の創作対象は絵画だけに留まらず、彫刻オブジェや、分野を越え、数学ゲームを考案するといったユニークなアイデアまで広がります。その多くがカルティエ財団とのプロジェクトの中で生み出された作品であり、創作の自由を提供するカルティエ財団とその機会を忌憚なく活用する芸術家が育んできた絆の深さを物語っているかのよう。　カルティエ財団では北野武のほか、現代アーティストの村上隆や松井えり菜、建築家 石上純也の個展開催や、書籍の出版といった芸術家に必要な活動を支援してきました。展示棚に並べられた作品や書籍は、カルティエ財団とアーティストとの尽きることないクリエイティブな対話がこれからも継続的に続いていくことを示唆しています。Rotunda 1F　展覧会の入り口でもあり、出口でもある左右を繋ぐ円形広間の一面に展示されているのは、本展のために制作された現代アーティスト澁谷翔の作品「日本五十空景」。彼もまたカルティエ財団のコミュニティに今回新たに加わったアーティストの一人。カルティエ財団との出会いのきっかけはインスタグラムだったという澁谷は、今回の制作にあたり、歌川広重の「東海道五十三次之内」を着想源に、変わりゆく時代のなかで今も昔も共通する「空の景色」に着目します。広間を飾る50点からなる一連の作品は、約1か月にわたって訪れた47都道府県の空の景色を描き出したもの。それを1点ずつ各地方新聞の一面に掲出するという壮大なプロジェクトは、朝昼晩と過ぎゆく時間の移ろいを儚い色彩で描き出し、過去、現在、未来といった展覧会のテーマにも通づる連続性を表現。本展を構成する2つの並行するストーリーを「結ぶ」役割を果たしています。ここでしか手に入らない限定グッズも　ミュージアムショップでは、展覧会を記念した特別グッズが登場。澁谷翔による淡いピンクとブルーのグラデーションをバックに、グラフィックデザイナー野間真吾が手掛けた「結」のタイポグラフフィーがモダンにデザインされた展覧会のメインヴィジュアルがプリントされたトートバッグ（3960円）をはじめ、ノートブック（1650円）やポストカード（220円）、図録（5000円／いずれも税込）などが販売され、展覧会の余韻に浸ることができます。　そして会期中、入り口付近では祝休日限定で「カルティエ ワゴン」が登場。「YOUR STORY with Cartier」の取り組みのひとつとして、ご自身とカルティエにまつわるエピソードを投稿すると、絆の証をして花が贈呈される特別なイベントを開催しています。カルティエの輝きに身を包んだ豪華ゲストたち　約1ヶ月にわたる展覧会の開幕に先立ち、6月10日にオープニングイベントが開催されました。会場には北野武、松嶋菜々子、香取慎吾、鈴木保奈美、江口洋介、戸田恵梨香、賀来賢人といったカルティエと縁のあるセレブリティや参加アーティストなどが、華やかなメゾンのウォッチやジュエリーをまとって来場。展覧会の開催を祝いました。

カルティエと日本が歩んできた50年の軌跡、『結 MUSUBI』展 完全ガイド

at the Airport　韓国の玄関口の一つ、金浦国際空港に降り立った志尊淳。グッチ ヴァリジェリアコレクションのアルミニウム トロリーを引き、爽やかな空港ファッションで姿を見せた。Tシャツに合わせたのは、クラシカルなチェックパターンとワイドシルエットが特徴のスカートパンツ。コンフォタブルなスニーカーはアクティブな旅に欠かせない。高まる期待を胸に、ここからグッチトリップが始まる。 白Tシャツ 7万7000円、パンツ 25万8500円、ベルト 5万9400円、スニーカー 15万2900円、ミニバッグ＜グッチ ホースビット 1955＞14万8500円、トロリー＜グッチ ヴァリジェリア＞ 55万円、ハット 4万2900円、ネックレス 49万5000円、ブレスレット 89万1000円around the City　眩しいほどの日差しが降り注ぎ、色鮮やかさを増したソウル市街へ。透き通った空の色を映したかのようなブルーのセットアップが、美術館のコンテンポラリーな建築と呼応する。歩道橋から見えるのはランドマークのNソウルタワー。山や河川といった豊かな自然と、活気あふれる都市が共存するソウルの中心に立ち、溢れるエネルギーを全身で浴びて。 スーツ 37万9500円、白Tシャツ 7万7000円、バッグ＜ジャッキー 1961＞ 37万9500円、シューズ 13万7500円at the Hotel　異国の景色を眺めながら、ホテルでゆったりと過ごすひとときも旅の醍醐味。スイートルームの落ち着いたインテリアに、グッチ ヴァリジェリアコレクションのダッフルバッグとトロリーがよく馴染む。夜に控えるメインイベントに向けて志尊淳が選んだ装いは、グッチ2023年秋冬コレクションのランウェイにも登場したオーバーサイズのブラックスーツ。クラシカルで端正な仕立てでありながら、ボタンで開閉できる肘や膝のデザインが遊び心を感じさせ、まとう人の新たな一面を引き出す一着。 セットアップ（参考商品）、白タンクトップ 6万6000円、ブーツ（参考商品）、ベルト 6万4900円、ピアス（両耳セット）5万8300円、リング（上：イエローゴールド）25万800円、（下：ホワイトゴールド）参考商品、ダッフルバッグ＜グッチ ヴァリジェリア＞ 34万6500円、トロリー＜グッチ ヴァリジェリア＞ 43万7800円to the Show　ゆっくりと日が傾き始める頃、ソウル最大の古宮「景福宮（キョンボックン）」に到着。刻々と色を変える空と荘厳な建築物を背景に、志尊淳の堂々とした姿が映える。歩を進めると現れるのは、美しくライトアップされた景福宮の正殿、勤政殿（クンジョンジョン）。王宮の重要な儀式が執り行われてきた中庭がグッチのショー会場となり、各国から集ったセレブリティらとともに壮大な世界観に酔いしれた。セットアップ（参考商品）、白タンクトップ 6万6000円、ブーツ（参考商品）、バッグ＜グッチ バンブー 1947＞ 55万円、ベルト 6万4900円、ピアス 5万8300円（すべて税込）interview with Jun ShisonQ. 韓国・ソウルの印象は？　プライベートでも何度も来ていますが、時間や場所によって様々な顔を持つ街という印象です。特にソウルの人々からエナジーを感じますね。芸術やエンターテインメントに関心があり、生活の一部になっているように思います。Q. 旅の魅力は？　特に海外を旅すると、もっとディープな部分を見たいと思ったり、色々なことを知りたくなります。移住しようかなと思うくらい（笑）。それくらい振り切って、様々な言語や文化にもっと触れてみたいと感じさせてくれます。特に今回のグッチトリップは、これまでにない経験をして忘れられない旅になりました。Q. グッチ 2024年クルーズコレクションのショーはどんな体験になりましたか？　始まった瞬間から、ものすごいパワーを感じて圧倒されました。今回僕が着たブラックスーツもそうでしたが、オーバーサイズのシルエットが新鮮。着方によって色々な顔を持つスタイルが、ソウルの街と似通っているようにも感じましたね。新しいコレクションを早く着てみたいですし、グッチのこれからが楽しみになりました。Special moviePhoto: Yoshiyuki Nagatomomovie: Shunsuke Nakamurastyling: Kyuhair & make-up: Akari Isonolocation support: Mincomposition & text: Chiemi Kominato (FASHIONSNAP)Realizaiton: Mizuki Okuhata (FASHIONSNAP)グッチ 公式サイト

GUCCI

Cruise 2024 Collection

志尊淳 with GUCCI　新たな自分に出会う韓国ソウルの旅

【スナップ】NICOの私服チェック！  Name：NICOAge：17Occupation：High School StudentOuter：ACDC RAGParker：mezzo pianoHoodie：Vivienne Westwood（130センチのキッズサイズ）Skirt：ACDC RAGShoes：ACDC RAGInstagram：@twinkle.pink_ー今日のスタイリングのテーマやこだわりについて教えてください。　ブルーとピンクをメインカラーにコーデを組んでいます。デコラのイメージとして、派手で盛りまくっていて、ごちゃごちゃしている印象があるかもしれないんですが、そんなことはなくて。統一感はとっても意識しているんですよ。それこそ、下半身にボリュームが集まったら、上半身はタイトにするし、全身オーバーサイズでも手首、足首、首元の3首は出すようにしています。ーやはり、アクセサリーの量が目を引きますね。　ネックレスのようにぶら下げている、バービー人形が中でもお気に入り。人形はママの昔のコレクションで、それをH＆Mのアクリルボックスに入れてネックレスにしました。ーヘアピンや、指輪はどこで購入しているんですか？　クリエイターさんから買ったり、今は無き「クレアーズ（claire's）」の後見とも言われている「ミナキュート（minacute）」で集めたりしています。ミナキュートは現代のデコラちゃんたち御用達だと思う。あとはやっぱり、ダイソーやセリアで買うことが多くて、100均で買ったものを土台に、自分の好きなパーツを付け足したりしている人もいます。個人的には「ロクパーセントドキドキ（6%DOKIDOKI）」を付けていればかっこいいだろう！と思っていて。ロクパーに関しては見栄でつけているところがあるかも（笑）。ーメイクも特徴的ですよね。　シールやバンドエイドまでがメイクです！私は必ず、鼻にバンドエイドを貼ります。デコラって「コンプレックスを隠せるなあ」と。例えば、体型がどうであれ重ね着しちゃえばわからないし、私だったら、肌が荒れがちなのが悩みだけど、シールを貼れば問題ないし、鼻も低いけど「絆創膏を貼ればいいか〜」みたいな。短所を長所にするわけではないから、抜本的な解決にはならないかもしれないけど、気に食わないところがあればデコればなんとかなる。ー着替えとメイクなどの身支度にはどれくらいの時間をかけていますか？　1時間半くらいかな。ーそもそも、どうしてデコラファッションにハマったんですか？　お姉ちゃんに「多分好きだよ」と、紅林大空ちゃんのメイク動画をおすすめされたのがきっかけです。それから、ずっとスマホで昔の原宿の動画をYouTubeで見ていて。小学校5年生の時に駄々をこねて原宿に連れてきてもらって、デコラファッションっぽい服を一式買ってもらったんです。もうそこからは、ズブズブですよね（笑）。ー小学校5年生で、マイスマホを持っていたんですね。　親が「学校にちゃんと行って、勉強で結果を出して、やることをやってさえいれば何も文句はないよ」と言ってくれる親で。結構早めにスマホを持たせてもらったんです。その携帯でずっと、原宿という街を見ていました。おかげで早めに、自分の好きなものを見つけられたので感謝をしています。ーデコラの何に惹かれたのか、言語化することはできますか？　まず、小学生の私にとって「デコラ」は真似がしやすかったんです。というのも、ヘアピンは100均で手に入りますよね。「なにか派手な格好がしたい」と思ったら、とりあえず100均に行けばなんとかなったんです。ー手軽に始められることが魅力的だった？　最初は手軽さだったんですけど、追求していけばいくほど奥が深かった。「あれ？これもっといけるんじゃね？」みたいな。もっと盛れるし、もっと個性を出せるかもしれないって気がついたんです。最初はヘアピンを5個付けていただけだけど、「バッテンにしてつけてみよう」、その次は「前髪を全部ヘアピンでとめてしまおう」と、どんどん自分の中でアップデートされるのが楽しかった。ー原宿近郊に住んでいるんですか？　生まれは群馬県で、現在は埼玉県に住んでいます。群馬に住んでいた時は、遠いので今ほど頻繁に原宿に遊びに行くこともできなかったんですけど、埼玉に引っ越してからは少しだけ近くなったので通いやすくなったんです。ー自宅から原宿までどれくらいの時間がかかるんですか？　1時間半くらい。メイクと着替えをいれたら、全部で3時間かかる。でも、時間がかかって簡単に原宿に行けないからこそ、原宿にかける想いが強いんです。「原宿が好き」「原宿にできる限り長くいたい」という気持ちは、誰にも負けないと思う。ーなぜ、原宿の街が好きなのかを考えたことはありますか？　やっぱり、どんな人でも受け入れてくれると思っていて。この格好は、隣の渋谷では受け入れてもらえないかもしれない。でも原宿だったらこの姿でいても「原宿ファッションってまだいるんだ！」「写真を一緒に撮ってください！」という反応をもらえる。というか逆に、原宿に来る観光客の人たちは私みたいな「THE 原宿ファッション」を求めていたりするんですよね。原宿じゃないとダメというわけではないけど、原宿であるメリットが多いから、原宿にいたいのかもしれない。ーファッションアイコンはいますか？　原宿ファッションにハマるきっかけを作ってくれた紅林大空ちゃんはずっと憧れの存在ではあるけど、デコラをしていると「憧れ」がイコール「パクリ」になってしまう可能性もあるなと考えるようになって。みんな「自分の好きな自分」を追求しているわけだから、お互いに申し訳ないな、と。だから最近は、私も「自分の好きなことを体現しよう」というマインドなんです。　話は少し変わるんですが、よく「デコラとシノラーの違いがよくわからない」と言われるけど、アムラーとギャルが違うみたいに、デコラとシノラーも違う。アムラーもギャルだけど、安室ちゃんを好きなギャル。シノラーも、篠原さんが好きなデコラティブな人たち。本質的には変わらないけど、マインドは違うんだよというのは、声を大にして言いたいかな。ーNICOさんは、埼玉県の某公立服飾学校に通っていたと聞きました。　冬休みが来る前に辞めてしまったんですけどね。ー何かあったんですか？　学校が求めるものと、私がやりたいことが全然違ったんです。ーデザイナーになろうと思ったことはなかった？　考えたこともなかったですね。というのも、私の将来の夢が、原宿に「原宿ファッションを体験できるお店」を作ることなんです。舞浜や、新大久保に「なんちゃって制服を貸し出します」というお店があるけど、それの原宿ファッション全種類網羅バージョンを作りたくて。ロリータやパンク、デコラの衣装を貸し出して「はい、これで竹下通り歩いて、プリクラでも撮っておいで〜！」みたいな（笑）。その夢を叶えるために、スタイリングや服のことを知っておけば役に立つかなと思って進学したんですけど、思っていたようなことが学べなかったんですよね。ー「原宿ファッションを体験できるお店を作りたい」と考えるようになったきっかけは？　「デコラが常にいる原宿になって欲しい」と思ったのがきっかけです。「常に」ということを考えると、「だったら自分たちで常に原宿の街にデコラを輩出し続ける拠点があった方が早いね」と。なので、お店はあくまで手段。目標は、デコラが常にいる原宿。ーやっぱり最近の原宿は元気がないな、と思う？　めちゃくちゃ思う。地元の友達に「原宿の何が楽しいの？」と聞かれたことがあるんですけど、考え込んじゃって。「クレープ食べて、プリクラ撮れば？」と答えようと思ったんですけど、冷静になると「それって地元でもできるじゃん」と（笑）。だから、私はもっと“原宿の良いところを紹介できるマン”になりたい。ーNICOさんは、昨年10月から原宿で月に1回「NEOデコラ会」というイベントを主催しています。改めてNEOデコラ会について教えてください。　超単純に言うと、毎月15日に一番近い日曜日にデコラ好きが集まる会です。竹下通りを歩いて、最後は神宮橋で記念写真を撮ります。目指しているのは、昔のラフォーレ原宿前みたいな感じ。私が原宿に通い始めた頃はスナップ文化が活発で、スナップを撮られたい同じような服の子たちが集まっていました。そこで、私もたくさん友だちができたので、そういうことができたらいいな。例えば、NEOデコラ会を通じて仲良くなった2人組がいたとして「今度はNEOデコラ会関係なく、2人で一緒に原宿で遊ぼう！」となったら、そしてそれがネズミ算式に増えていったら、それこそ原宿という街にデコラちゃんが常に居続けることができるじゃないですか。ーデコラが常にいる原宿を目指すために、NEOデコラ会を主催した？　そういう側面も少なからずあります。昔の原宿は同志というか、仲良しも見つけやすかったし、そもそも派手な格好をしている子が多かったから、デコラファッションで竹下通りを歩くのが初めてでも浮くことはなかったんですけど、今は少し好奇の目に晒されると思うんですよね。もし私が今、勇気を振り絞って初めてデコラファッションを着て竹下通りにいたら、やっぱり落ち込むと思うんです。ー今の原宿には、昔ほどデコラちゃんや、原宿KAWAII系の服を着ている人がいないですもんね。　そうなんですよ。同じような人がいると思ったのに全然いない原宿の街で、張り切ってオシャレをしたのに変な目で見られたら、二度とデコラファッションで外に出たくなくなると思う。そんなの悲しすぎるし、しんどすぎる。だから、1人でもそんな思いをしなくて済むように、同じ格好の人をたくさん集めることにしたんです。ひとりぼっちで自信がなくても、複数人の中の1人だったら、デコラファッションを楽しんでいる人の中の一部になれるじゃないですか。そしたら、私も多少無責任であったとしても「人の目なんて気にしないで、好きにやっちゃおう！」と声をかけてあげられるし「見守るからもっと挑戦してみて！」と言える。それに、デコラも1人だとただの派手な人かもしれないけど、集まれば文化になるはずだから。ーNEOデコラ会に参加条件はあるんですか？　まったくありません！初心者とか上級者とか関係なく「誰でもマインドがデコラだったら良いよ」と伝えているつもりです。よく「私はデコラが好きなんですけど、それらしいアイテムを一つも持っていなくて、参加できそうにないです」というDMを貰うんですけど「それは全然来ていいよ！」と。冒険する気持ちで参加してもらって「違うな」と思ったら次から来なくても問題ないです。ー参加者の中にはNICOさんよりも年上の人も大勢いますよね。よく組織を束ねているなと思います。　全然そんなことはないけど、1人で何かを始めるということは絶対に知らないことや、上手くいかないことがあって心細い。だったら「楽しいパーティー」という立て付けにしちゃって「ここなら何をやってもいい」と切り替えた方が絶対にいいと思ったんです。たまに「デコラファッションに興味はあるけど、やったことがなくて。でもいつか絶対に行くのでずっと続けていて下さい」というコメントをもらうんです。嬉しいですよね、喜んで続けます。ー「#NEOデコラ会」というハッシュタグには、海外からの投稿もありますよね。　今はそんなにオフラインで出会う時代じゃないと思うので、ハッシュタグを使ってインターネット上でも盛り上げようかな、と。NEOデコラ会に参加しないと、このハッシュタグは使えないと思われがちなんですけど全然そんなことなくて。「今日、原宿で遊んだよ」という内容と共に、#NEOデコラ会のハッシュタグを使って欲しいんです。私は常に#NEOデコラ会のハッシュタグを調べているんですけど、新しいデコラちゃんを見つけるきっかけにもなるし、海外のデコラちゃんの流行り方と日本の流行り方は全然違うんだな、と勉強にもなります。ハッシュタグをつけてくれるだけで、まだ会ったことのない友だちの存在を知ることができるような気持ちになるんですよね。ー最後に、NICOさんにとってファッションとは？　人によって異なりすぎて、よくわからないのが「ファッション」だと思っています。例えば、ファッションリーダーという言葉もあるけど、人によってリーダーが違いすぎるし、そのファッションリーダーが実在する人とも限らないですよね。どちらかと言えば「自分の中にある“目指すべき何か”」を目標としている気がしていて。それぞれ違うものを求めていて、それが共通認識ではないのであれば、そもそもファッションを語ることは難しくない？と。だから、あえて「ファッションとは？」という問いに答えるとしたら「自分の好きなものを段階的に、楽しく探していく手段」ということになるのかな。聞き手：古堅明日香　撮影：小澤広征

令和に復活した17歳のデコラー　NICOの原宿愛と野望

「美しさを決めるのは読者」　資生堂の企業文化誌「花椿」に小説や詩を載せる理由

―モデルとして活動し、その後ファッションデザイナーとしての道を歩み始めたそうですね。デザイナーとしての道を選んだきっかけを教えてください。　ファッションモデルとして、初めてファッションデザイナーのスタジオを訪れた時に「ここでわたしは自分の本領を発揮できる」と直感的に感じたんです。ファーストコレクションは、スケッチをしない代わりに稀有な才能を持ったイタリアの裁縫師との出会いから、テーラーのサンプルや自分でドレーピングした生地を服へ翻訳するような実験的な方法で形にしました。そこから、ある日ファッション界の新たな才能を発掘するコンテスト「Who's On Next」の募集広告を「VOGUE ITALIA」で見て、ワクワクしながら応募しました。でも、結果は残念ながら不合格。それで翌年も応募したのですが、不合格。めげずに自分の粘り強さを糧に、3度目の応募にもチャレンジしました。―3度目となると強い覚悟も必要ですね。応募の際に意識したことはありますか？　コンテストのスカウトマンであるシモネッタ・ジャンフェリーチ（Simonetta Gianfelici）に「君が粘り強さや頑固さに欠けているわけではないことは理解しているが、もし本当にもう一度応募したいなら、今度は君だけのものを持ってくるように。また断られる可能性がないとは言い切れないが、もし断られたとしても、少なくとも自分だけの物語を持って断られたことになるのだから」と言われた言葉が胸に響きました。その瞬間に、自分が弱みだと感じていたものをあえてコレクションを通して伝えようと決心しました。―それが自身のルーツだったと。　わたしのルーツであるハイチの黒人の象徴であるワックス生地を、イタリアの伝統的なテーラリングと組み合わせたんです。コレクションの中では父親がよく使っていたストライプのシャツを核にして、家族との物語を視覚的に語りました。その結果、自然とマルチカルチュラリズムが生まれ、コンテストで2位を取ることができました。そのコレクションは「VOGUE ITALIA」の元編集長のスージー・メンケスをはじめとする多くの審査員の目にとまり、ストーリーに耳を傾けてくれたことによって、一気に人生が変わりました。―今回のデシグアルとのコラボにおいて、どのようにデザインを進めていったのでしょうか？　私たちの世界観とDNAは自然発生的に融合していきました。さまざまな色彩を使うことに対してお互い遠慮がないので、その分、ある種のリラックスした状態で文化的なシンクロニシティを表現して楽しむことができましたね。誰かとデザイン制作するとき、まず「どのようなカラーパレットを使うか」と尋ねられることがあるのですが、実はわたしにとって一番難しい質問なんです。でも今回デシグアルは、まるでわたしのカラーパレットを本能的に理解して共有しているかのように一切そういった質問はなくて。その代わり、パピルスを使って可能な限り幅広いカラーをひとつに変化させるプロセスを踏むことで、一見最もありえないと思われるような組み合わせから次々とベストなものが生まれました。―自身のブランドのシグニチャーでもあるバティックをイメージしたプリントが印象的ですね。今回のコラボの中で、一番印象的だったデザインについて教えてください。　わたし自身のメッセージを全面的に反映させながら、デシグアルの本拠地であるバルセロナのお土産の要素も吹き込みました。ハイチへの旅はマドラス生地やジンジャーブレッドハウスを表現したプリントから始まり、そしてナイーフやバティックの要素を経てスペインへと旅立つようにグエル公園で見られる白と青の陶器を再解釈したパッチワークを使っています。最後にはイベリア半島の他の地域へ移動する、といったようにハイチとスペインを行き来しながらも広がりがあるコレクションになりました。また、フリルは喜びの感情を呼び起こすものとしてふんだんに使いましたね。フリルには自分のスペースを確保して、他者から見られる喜びを感じるような、ある種の頑固さと決意、大胆なエネルギーを強く感じるのです。 ―「Fresh Coffee」と描かれたグラフィックデザインも特徴的ですね。　ハイチを代表する歴史的建造物、ジンジャー・ブレッド・ハウスを表現したプリントも然りですが、コーヒーのグラフィックでもその場所本来の素晴らしさを伝えたいと思ったんです。影ばかりがクローズアップされ、過小評価されがちな場所の美しさを語ることは大切ですよね。ファッションを通して、間違ったイメージを払拭するように光の部分を表現しなければいけないと強く感じて。なので、すべてのプリントに、あらゆる緯度におけるライフスタイルの共時性と文化を反映させていて、それを通じてそれぞれのルーツに誇りを持って頂けたらと考えました。同時に、あらゆる文化は過去の遺産の積み重ねの結果であるからこそ、独自の多文化主義が生まれていることも感覚的に理解して頂けるかと思います。つまり私たちの国と文化の独自の美しさは、まさに物語と物語の出会いの結果による架け橋の連続であって、決して壁の連続ではないんです。― 近年、世界情勢や環境問題などさまざまに社会が変化していますが、ファッションデザイナーとしての自身の役割についての考えを教えてください。　個人的な歴史と経験の範囲でしか自分のことを話すことができないですが……わたしにとって、ファッションは従来持たれる華やかなイメージから抜け出し、私たち一人一人が住んでいる現実のグローバルな世界へと接続すべきだと強く思います。グローバルな多文化主義の不可逆性を含む、世界の新しい道を切り開こうとするブランドとのコラボは今後も取り組んでいきたいですし、国際的な協力関係も大切なことだと思います。それは、ファッションが象徴する社会構造全体の信頼性を維持するために、弱者の声に耳を傾けてレスポンスすることと同時に、長い間無視されてきたマイノリティグループの尊厳を回復させることも含んでいます。ーご自身にとってファッションとはどのような存在ですか？　世界に向けた強力なメガホンですね。ファッションはただ単純に表面的な美学として理解されるべきものではなく、むしろ美を通じてあらゆる人の視線に新たな切り口を与えることができるものだと考えています。「服」は言葉よりも大きな声で語ることができ、何かしらの形で注目を集められる力を持っています。今回のコラボコレクションには、そういった文字通りの「服」の意味以上のコンセプトを込めました。ジャケットトップスワンピーススカートパンツオールインワン小物アイテム

Desigual

「ファッションは強力なメガホン」ステラ・ジーンがデシグアルとのコラボコレクションに込めた想い

Why Kyoto？　グッチの発祥の地、イタリア・フィレンツェ。イベントの舞台となる京都とは姉妹都市でもあり、長い歴史の中で豊かな文化が育まれた世界都市としての共通点も。グッチが今年の4月に発表したイタリア語で「空気」や「息吹」を意味する最新コレクション「Aria」に込められたストーリーを描くため、新しいものと古いものが共存し再生を繰り返している京都をこの一大プロジェクト開催の地に選んだといいます。会場となったのは、京都の街の中心にある町家と、東西にそれぞれ位置する2つの歴史ある寺院です。Ⅰ.Gucci Bamboo House @旧川崎家住宅　まず1つ目のスポットは、京都の中心部・新町通沿いの旧川崎家住宅で行われる体験型エキシビション「グッチ バンブーハウス」です。グッチ創設と同時期の1920年代に豪商の邸宅として建てられた川崎家住宅は、京都市の有形文化財でもあります。しばらくの間、時が止まったかのような空間が再び魅力を輝かせ、伝統的な京町家の様式と西洋の建築様式など古今東西の意匠が融合した空間は、折衷主義が色濃く反映されているグッチの世界観に調和。プロジェクトの軸となるコレクション「Aria」には「生命の再生」という意味も込められていることから、昔ながらの建物構造や素材を活かしつつ、グッチの歴史の節目をつなぐ「竹」にフォーカスした「バンブーハウス」として生まれ変わりました。今回のイベントで唯一、7月22日から予約制で一般公開されているパブリックイベントです。 　バンブーハウスの主役でもある、1947年に誕生したグッチを代表するバンブーハンドルのバッグ。このアイコニックなハンドルの形状は、職人が竹の地下茎をバーナーで熱し、カーブさせて作られています。戦後の物資不足の中で、ものづくりへの情熱とクラフトマンシップにより生まれたというバンブーハンドルは、グッチの精神と普遍的な美しさを内包したブランドの象徴の一つ。エキシビションではフィレンツェから取り寄せた1950年代〜90年代のアーカイヴ14点を展示しています。　過去から現在へと受け継がれるバンブーハンドルバッグ。その系譜を継承しているのが、1991年に登場しミケーレが現代に向けて再解釈した最新モデル「グッチ ダイアナ」です。ネオンカラーのカラフルなバンドは、ハンドルの形状を維持するために元々バッグに付属されていた保管用バンドからインスピレーションを得たもの。あえてデザインに取り入れることで、クラシックな中にも意外性というひねりを効かせているのはミケーレならでは。　大正浪漫のムードが漂うバンブーハウスには、一足早く特別なゲストが来場。俳優 永山瑛太さんの姿を捉えた撮り下ろしもCHECK！永山瑛太が巡る「GUCCI BAMBOO HOUSE」■ GUCCI BAMBOO HOUSE会期：2021年7月22日（木）〜 8月15日（日）会場：旧川崎家住宅住所：京都府京都市中京区新町通六角上ル三条町340時間：11:00 – 20:00 （最終入場は19:00まで）休館日：水曜特設サイト（事前予約制）Ⅱ. Gucci High Jewelry&Fine Watch @仁和寺宸殿　2つ目のスポットは888年建立、1994年に世界遺産に登録された仁和寺です。二王門をくぐり左手にある宸殿（しんでん）内で、ラテン語で「歓喜の庭」を意味するハイジュエリーコレクション「ホルトゥス デリキアルム」とファインウォッチの新作がお披露目されました。ミケーレにより2019年に始まったハイジュエリーコレクションは、「Aria」で3シーズン目。エレガントながらデコラティブで遊び心のあるグッチらしいデザインは唯一無二で、「Aria」では滝やアニマル、ロマンチックポエティズム、ナイトフォールという4つのテーマでコレクションが制作されました。　ハイジュエリーはパリのヴァンドームにある専門ブティックなど限られた機会でしか見ることのできない貴重なコレクション。この日のために京都に運び込まれた約90点のハイジュエリーは格式高い日本間にディスプレイされ、神秘性を秘めた輝きを放ちます。 Ⅲ. Gucci Aria in Kyoto @清水寺　そして3つ目のスポットは、京都一の観光名所・清水寺です。仁王門や西門、三重塔など境内の建物は「Aria」のコレクションで登場した架空のナイトクラブ「SAVOY CLUB」を彷彿とさせるピンクとパープルの照明でドラマチックにライトアップ。特別な一夜を盛り上げます。 　階段を登り進めると経堂・回廊・本堂・奥の院の異なる建物で最新コレクションの展示が続きます。キーインスピレーションとなった乗馬スタイルのアイテムや、話題を集めた「バレンシアガ（BALENCIAGA）」との"ハッキング"ピースなどが国内初披露。プロジェクションマッピングで投影されフォレストグリーンに染まった荘厳な堂内には、命が吹き込まれる様子を表したというミラーのマネキンが設置され、まるで幻影のようにコレクションピースが展示されました。 　3ヶ所で行われたパフォーマンスでは、新たな命を得て再生する様子や、心臓の鼓動を表現した舞を披露。昨年改修工事が終了し、"再生"したばかりの清水の舞台で「Aria」の印象的なフィナーレとも重なる「ユートピア」が、能や日本舞踊、雅楽といった日本の伝統芸能で表現されました。自然世界と深く結びつき、芸能を奉納する場所として作られた清水の舞台で、創造と再生のストーリーが描かれ、新たな始まりを告げます。　京都の街を"テイクオーバー"して行われた「Gucci in Kyoto」。限られた招待客を招いたスペシャルイベントには、特別な一夜に華を添えるセレブリティの姿も。フィレンツェと京都が生命の息吹によって結びつき、グッチの新たな100年への歩みが刻まれました。

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