インサイド

神秘的な異世界をファッションで表現した「エトロ」　マルコ・デ・ヴィンチェンツォ（Marco De Vincenzo）が手掛ける「エトロ」のテーマは「ETRO NOWHERE（エトロノーウェア）」。想像力によって生み出された、現実には存在しない場所を服の中に投影した。会場には寺院の遺跡のような巨大な柱が設置され、色鮮やかなプリントをまとったモデルたちが登場。異なる信仰・文化などを自由に組み合わせた、生命力あふれるルックが目を引いた。　西洋のエッセンスが感じられるブロケードをベースに、デニムやテリークロス（タオル地）など様々なテキスタイルがミックスされ、首元やウエストには足元まで届く長さの三つ編みがあしらわれた。また、古代のミケーネのシンボルであるタコのモチーフや、目隠しをした女神の形をしたイヤリングなども登場し、神秘的なミックス＆マッチを完成。ポインテッドトゥのフラットサンダルとソックスの組み合わせが強いインパクトを放っていた。溶けたキャンドルをまとう「エムエム6 メゾン マルジェラ」　デザインチームが手掛ける「エムエム6 メゾン マルジェラ」は、「抽象化と率直さ」をテーマにコレクションを発表。「ひとつのアイデアを最も論理的な結果に導くことで、それを先鋭的なものにする」とコレクションノートに記されている。モノトーンのアイテムはいずれも一見シンプルだが、ベストやテーラードジャケットは長細いシルエットにアレンジ。トップスにあしらわれた文字も引き伸ばされ、判読できないものも見られた。　後半に登場したトップスは、溶けたキャンドルが滴り落ちるディテール。ランウェイショーの招待状をプリントしたタンクトップやTシャツ、網状のトップスなどユニークなアイテムも登場し、「エムエム6 メゾン マルジェラ」らしいコンセプチュアルなクリエイションを作り上げた。 イタリアの巧みな職人技をアピールした「トッズ」の工房　ウィメンズとメンズコレクションのクリエイティブディレクターとして約4年にわたって「トッズ」を牽引したヴァルター・キアッポーニが、最後のショー会場に選んだのは「ラボラトリー・スカラ・アンサルド（スカラ座アンサルド工房）」。今冬、スカラ座で初演を迎える「ドン・カルロス」の舞台装置の制作が行われている工房で、ブランドの基本的価値であるイタリアのクラフツマンシップをアピールした。　テーマは「ファブリカ（工房）」。カット、ボリューム、素材の品質に重点を置き、男性のワードローブや1990年代のミニマリズムを取り入れた。伝統的なテーラードウェアを柔らかく仕立て直し、ゆったりと流れるようなシルエットを構築。また、レザーグローブをナスカンで取り付けることができるマルチパーパスのベルトがアクセントに。ペブルソールに上質な革を使用したアイコンシューズの「ゴンミーニ」のほか、ミュールや編み込みサンダルも登場し、高いデザイン性とイタリアの職人技を改めて印象付けた。「ヴェルサーチェ」の輝くチェッカーボードとパステルカラー　ドナテラ・ヴェルサーチェ（Donatella Versace）が手掛ける「ヴェルサーチェ」は、「若さ、自分への自信、都会のエネルギー」をコレクションに反映した。モチーフとして多用されたのはチェッカーボード。1982年春夏に発表されて以来、数多くのコレクションに使用されているグラフィックだが、今回はパステルカラーに彩られたドレスやトートバッグとなって登場した。ドレスはスクエアやトライアングルのシルエットで、マイクロショーツもフレッシュな印象。メタルメッシュを随所にインサートし、1960年代の活気とオプティミズムを彷彿とさせた。　ヘアアクセサリーやシューズのモチーフにあしらわれていたのは、ジャンニ・リボン。今シーズンを代表する「ジャンニ リボン バレリー ナフラット」は、ヴェルサーチェのショーのオープニングを飾った初のフラットシューズとなった。ショーの最後に登場したのはジジ・ハディッド（Gigi Hadid）、そしてクラウディア・シファー（Claudia Schiffer）。20代と50代という、世代の異なる2人のスーパーモデルの豪華共演に会場は驚きに包まれた。 

TOD'S

VERSACE

ETRO

MM6 Maison Margiela

Fashion

スーパーモデルのサプライズ出演も＜2024年春夏ミラノコレクションハイライト＞

　会場は、階段を降りた先に広がる真っ黒な屋内空間だった。その暗がりゆえに映えた純白のオープニングルックは、格子柄あるいは幾何学柄のクロシェ編みのようなコットンレーストップスに、波打つような刺繍が全面を覆うワイドパンツ。酷暑のパリをいっとき忘れることができるほど、飄々として潔い。立体的な刺繍、具象的なジャカードやプリント、空気を巻き取るワイドパンツが軽やかさをまとうショーは、ホワイトに始まり、多彩なテキスタイルが登場しながら独自に抽出した明るげなカラートーンに移行していった。　森川にとって、素材は服作りの根本であり、「カルチャーでもある」ともいう。ただし、テキスタイルの複雑さを誇示しようともせず、ことに今季は、より繊細にセットアップを解体し、装いの探求も冴えている。たっぷりの分量でドレッシーな印象もあるトラウザーズ、ドレスシャツ、カッティングが映えるブルゾンと素材にふさわしいアイテムを厳選し、ブランドを象徴もする異なるふたつの生地がグラデーションのように織りで切り替わるMA-1や、デニム、うだるような暑さにぴったりなショーツ、ややフォーマルなジャケットからタキシードまで、色とスタイルはメンズウェアのワードローブにしたがって幅広くも端的だった。時に刺繍をフレームのように装飾したり、肌がのぞく着こなしを差し込んで爽やかに調合し、かえって、洋服の細部の再発見を促してくる。　オリジナルのファブリックの組成やディテールを見逃すまいと追っていると、刺繍やジャカードの丹念な技術が裏打ちするそれらが、ほとんど全て、規則的な繰り返し（パターン、あるいはフラクタル）によって生み出されていることに気づく。　「自然はなぜ私たちに語りかけてくるのか？」と問い、「自然をみたときの感動」の根源に向かって突き動かされたというデザイナーは、「神は細部に宿る」とノートに記している。これはきっと、シンプルな細部の発見が、かたちや全体にいかに影響するかの研究を意味している。そして、森川が常に惹かれている「自然のかたち」に関する摂理や原理は、『Powers of Ten』の手法かのごとく、極端な遠近法のような考えから解読されたようだ。　たとえば、コレクションのなかに発見できる、蜂の巣のハニカム構造、貝殻の螺旋、動物の縞模様——。人の手ではなく、自然界からおのずと生み出されるフォルムは、一定のパターンを守りながら秩序をもっている。大規模な自然とは小さなディテールの集合体である。この不思議な事実を抽出し、時に服地全体として、あるいはウェアを彩る装飾として、いささか過剰にテキスタイルデザインに落とし込んでいる。でも、みたことがあるようで、みたことがない。　ブランドたらしめる独創的なテキスタイルは、何かのように見えて、喩えたくなる。森川の、自然のデザインの再発見は、無二の技術とともに、私たちの想像力を魅力的に喚起する。タークのモダンメンズウェアの魅力はきっと、洗練された素材がおりなす、既視感と新鮮な驚きの間に存在するのだ。　アトリエを訪ねた。思いがけなかったが、素材開発にとことん取り組んできた先人の日本人デザイナーたちの名を列挙した森川は、「彼らが日本の工場を育ててきた。その凄みこそ、財産だ」と口にする。そして、ことに機屋と加工屋を名指し、失われつつある日本のクラフトマンシップと自身の服作りの強い結びつきを語った。「自分は素材と向き合ってデザインする、そうした服作りのカルチャーの血筋のなかにいる最後の世代なんじゃないか。どうしたら作りたいものになるか。僕にとってそれは、職人たちとの緊密なやりとりに他ならない。それが自分のベースだし、僕の物語には欠かせない。生地の開発数も最も多くなったけど、結果的に今シーズンは、積み重ねてきたことをシンプルに信じることを再認識したのだと思います」。

TAAKK

「ターク」自然の原理とテキスタイルから2024年春夏コレクションを紐解く

　ニコラス・ハルジCEOは、3世代に渡って引き継がれてきたテキスタイル企業Forest clothingの創業者フォレスト・ハルジ（Foresto Bargi）の孫として生を受けた。幼い頃から父親に連れられ世界中の工場を回り、そこでの体験がセーブ・ザ・ダックの立ち上げに大きく関わっている。「子どもの頃から中国、バングラディッシュ、カンボジアといった国の工場を回ることが多かったんですが、労働環境や動物の扱われ方に衝撃を受けたことを今でも覚えています。自分でビジネスをする場合、どうすればこの状況を変えられるだろうか。ずっとそうした考えが頭の中にありました」　2008年に父親が引退したことを機に会社を継ぎ、2012年にセーブ・ザ・ダックを設立した。当時は今ほど環境問題について語られる状況ではなかったが、環境へ配慮することが当たり前になっていく確信があったという。「パタゴニアやコロンビア、ザ・ノース・フェイスといったアウトドアブランドは環境へ配慮した取り組みを始めていましたが、ファッションの分野ではステラ マッカートニーぐらいだったと記憶しています。ファッションブランドから環境問題について語られることは本当に少なかった。しかし、外の世界へ目を向けて新聞や本を読むと、気温や海に異変があり地球で何かが起きていると確かに報じられていました。これまでのやり方を続けていれば、被害が大きくなるのは当然なので、対策するためにも社会に貢献できるブランドを立ち上げようと考えました」　サステナブルと謳いながらも、一部に動物由来の素材を用いるブランドも多い中で、セーブ・ザ・ダックはファーもダウンもレザーも含め「動物由来の素材は一切使わない」という振り切ったルールを設けた。繊維会社から「リサイクルされたカシミアを使用しないか」というオファーもあったそうだが、ルールに則り使わない選択を選んだ。「すでにあるブランドと同じことをしていても、ユニークなものは生まれない。比類ないブランドにするためにも、そして私が望む未来のためにも動物由来のものは一切使わないという思い切った決断が必要でした。そのなかで機能性を担保することはもちろん簡単なことではないですし、適した素材を適した箇所に使うという研究には膨大な時間を要しますが、ルールの中でベストを尽くすことを心がけています。セーブ・ザ・ダックのダウンには、グースダウンの代わりにペットボトルを再生した微粒子をポリエステル繊維に絡めた特許素材プラムテック（PLUMTECH®）を使用していますが、これを着用してヴィーガンクライマーのクンタル・ジョイシャー（Kuntal Joisher）が世界で初めて動物性防寒着以外でエベレストを登頂しました。この事例によって性能の高さを証明することができましたし、私たちの研究に大きな希望を与えてくれました」　立ち上げからの3年は、1つの生地で8つのカラーからなるメンズ・ウィメンズ各3型のパファージャケットを販売。春夏は軽量に、秋冬は重量にと中綿の量を調整して展開した。早くから環境配慮に目を向けていた人たちからの注目を集め、3年間で77万5000着を販売。手応えを感じ、徐々に型数を増やしていった。「環境への配慮から始まったブランドなので、私たちにとってサステナブルは最重要事項です。日々の商品開発は、全ての商品がリサイクル可能になるように、そしてリサイクルにおいてもCO2や水など環境への影響が限りなく小さくなるようにする。毎年どのように変えれば、さらに良くなるかを模索して取り組んでいます」　動物由来の素材を一切使わずにアイテムを展開してきたセーブ・ザ・ダックは、次なる課題として、リサイクルの効率を上げるため一つの繊維でのアイテム製作に取り掛かっているという。「私が今日着用しているパンツは3年間愛用していますが、80％のポリエステルと20％のスパンデックスで構成しています。これではリサイクルするときに、一度解体しなくてはいけません。この時点でセーブ・ザ・ダックにとっては問題なのです。ただ、単一素材で製作しても、例えばストレッチが効かないものでは納得できません。機能性を高めながら、どう改善していくか。実はまだ秘密だったんですが、来年に単一素材でありながらストレッチ性がある改良版のパンツを発売する予定です」　日本では2019年に帝人フロンティアと独占販売契約を締結し、2020年秋冬シーズンから展開を開始した。百貨店を中心としたポップアップイベントとオンラインストアで販売しており、売上は毎年2倍のペースで成長しているそうだ。「日本人は文化に向き合う傾向が強いと感じています。バックグラウンドを重視して、経緯や理由を深堀りする。ポップアップストアでブランドの資料を置いていたんですが、熱心に歴史のページを読んでくれる人が多かった。ヨーロッパでは購入者の60〜70％がブランドの考え方を理解してくれていると感じますが、日本では90％くらいの人が共感してくれているのではないでしょうか。立ち上げから貫いてきた動物由来の素材は一切使わないというルールをしっかり理解してくれて、それが成長できている大きな要因の一つだと思っています」　“極秘の作戦会議”と今回の来日の目的について説明するニコラス・ハルジCEOに、改めて今後の日本での成長戦略について聞いた。「日本市場でさらにセーブ・ザ・ダックを大きくしていきたい。認知度を高めるために、適した場所でのポップアップストアは今後も積極的に行っていく予定ですが、ゆくゆくは直営店を出したいと思っています。目標としては2024年の冬までには。そして、そのためにもビジネスパートナーが大事だと思っているので、帝人フロンティアと環境問題を改善するための素材の開発はもちろん、日本人の考え方について教えてもらいながら皆さんにより愛してもらえるようなアイテムを作っていく予定です」　インタビューを終えたニコラス・ハルジCEOは市場調査で商業施設を見て回るため、足早に街へと向かった。未来について考えるときは「ポジティブであること」を重視しているという同氏だが、自らが積極的に足を運び学ぶ姿勢からはセーブ・ザ・ダックが飛躍するポジティブな未来を想像させた。

セーブ・ザ・ダックが貫く環境のための難題なルール、CEOが語る未来への道程

クリストフ ルンフ 　2019年の第34回「イエール国際フェスティバル」でグランプリに輝いた、オーストリア出身のクリストフ・ルンフが、2021年に立ち上げたブランド。民族柄や金色のエンブロイダリー、色選びなど、「ドリス ヴァン ノッテン（DRIES VAN NOTEN）」にも通ずるロマンティシズムと色気を醸し出しながら、独創的なファンタジーを描き出す。クラシックな素材には、エッジの効いたカッティングパターンで、コンテンポラリーな遊び心をプラス。蚤の市で購入したカーペットやスカーフ、ファーコートを解体し、シャツやハットへと生まれ変わらせるアップサイクル意識も見逃せない。公式インスタグラムクロエ・ナルダン 　デザインの勉強と並行して、ファッションモデルとしてのキャリアを歩んできたクロエ・ナルダン。セントラル・セントマーチンズを卒業し、2021年にロンドンを拠点とするブランドを立ち上げた。フランス郊外で生まれ育ったクロエは、「パリジャン シック」を独自のアプローチで解釈。ウサギのブランドロゴやクマの総柄パジャマセットアップ、デニムのチュニックやスカートなど、童心に返ったようなキュートなデザインと遊び心で繊細な男性像を表現する。軽い素材のトラックジャケットや身体のラインを拾わないボックスシルエットのシャツなど、ベーシックなアイテムにもブランドの美学が感じとれる。公式インスタグラムポンダラー 　アレックス・ポー（Alex Po）とデレク・チェン（Derek Cheng）のデュオによって2019年にスタート。2人はロンドンのセントラル・セントマーチンズで学び、現在は香港を拠点としている。繊細な素材使いや身体に沿ったタイトなフィッティングなど、ジェンダーのステレオタイプに挑戦。クラシックなアイテムはジェンダーフルイドなデザインで解体・再解釈し、性別にとらわれないソフトなエレガンスを提案する。鮮やかなピンクカラーが目を引く2023年秋冬コレクションでは、ブランドのシグネチャーであるスモッキングが多数採用。コレクションの中核をなすデニムは、ウォッシュやほつれ加が施され、リヨセル繊維やサステナビリティに注力する中国の工場など、環境に配慮して生産される。公式インスタグラムヴィテッリ 　「ゴールデン グース（GOLDEN GOOSE）」などで経験を詰んだマウロ・シミオナート（Mauro Simionato）によって、2016年にミラノで創業。新しい生地は使用せず、100%アップサイクルにこだわっている。主に北イタリアからデッドストックの生地や糸を集め、ニードルパンチや古い機械で加工するオリジナルのニットテキスタイルが特徴。染色は行わないため、糸そのものの色が製品にあらわれる。ヒッピー・トレイル（＝1960～1970年代にヒッピーたちがヨーロッパから南アジアへ陸路で移動した旅やそのルート）や1970～1980年代のイタロ・ハウス（＝ハウスとイタロ・ディスコを組み合わせたハウス・ミュージック）のバイブスを取り込んだユニークなデザインも魅力だ。今シーズンからはデニムのアップサイクルも手がけ、本来は廃棄されるはずだったカラーテスト用のマークがデザインとして活かされている。公式インスタグラム 上岡 巧 （KO UEOKA） エディター / ライター / プロデューサー 1993年生まれ、東京出身。早稲田大学社会科学部卒業。メンズファッション誌『Them magazine』編集部を経て、2022年に独立。現在はロンドンに拠点を移し、フリーランスとして活動する。 

2023年秋冬パリコレメンズで注目を集めた、アップカミングなブランド vol.1

ヘイ（HAY）　実用的でスタイリッシュなインテリアグッズを展開する、「ヘイ（HAY）」のリラックスムード漂うクッション。ふんわりと体を支えるダックフェザー100％の本体と、バージンウール混のカバーがセットになったアイテムは、ラッキーを呼び込みそうなイエローをチョイス。SSENSE で購入する　何気ない収納グッズにこそ、こだわりを詰めたいもの。フェルトのウールビーズでデザインされた「ヘイ（HAY）」のファブリックバスケットは、リビングやベッドルームなどに置きたいアクセントアイテム。柔らかい素材なので、ぽんぽんと投げ込めるのも嬉しいポイント。SSENSE で購入するドゥーセン ドゥーセン（Dusen Dusen）　暮らしを華やかに演出する「ドゥーセン ドゥーセン（Dusen Dusen）」の、アーティスティックなパネルデザインを採用したコットンキャンバスクッション。モノトーンの落ち着いたデザインの他にも、マルチカラーやモチーフ刺繍グラフィックなどをラインナップ。SSENSE で購入する　ぱっと目を引く鮮やかなリネン類は、シンプルな空間やインテリアにも映えるおしゃれな存在。ダイナミックなコントラストに気分も上がりそうな「ドゥーセン ドゥーセン（Dusen Dusen）」のタオルは、魅惑的なカラーと模様にコレクター心がくすぐられます。SSENSE で購入するテクラ（TEKLA）　「テクラ（TEKLA）」のオーガニックコットンタオルは、一度手にするともう手放せなくなる贅沢な肌触り。バスタオルやハンドタオルが一気に揃う、統一感を保てるセットアイテムは模様替えや買い足しにもぴったり。引っ越し祝いなどのギフトにもおすすめです。SSENSE で購入する　「テクラ（TEKLA）」のファブリックコレクションの中でも、忘れてはいけないのがブランケット。ソファやデスクチェアに置いておくだけでも絵になる、メリノウール100%のシックなギンガムチェックブランケットは、極上の癒し時間を提供してくれます。SSENSE で購入するコールドピクニック（Cold Picnic）　大胆で自由なテキスタイルモチーフで人気を博した、「コールドピクニック（Cold Picnic）」。アート作品のようなカットパイルバスマットは、手織りのオーガニックコットンで肌触りや吸水性も申し分なし。滑り止め付きなので、バスルームはもちろんクローゼットや玄関でも活躍しそう。SSENSE で購入する　最後にご紹介するのは、見覚えのあるグラフィックに心惹かれる「コールドピクニック（Cold Picnic）」のクッションカバー。お部屋に一点投入しても、モダンアートなラグやブランケットと揃えても◎。2023年は、新鮮かつユーモラスなインテリアに挑戦してみてはいかが？SSENSE で購入する

INTERIOR

お買いモノ

気分も新たに買い替えたい、インテリアファブリックまとめ

■「ワークレジャー」とは？ワーク（仕事）とレジャー（余暇）を組みあわせた造語。在宅やオフィスでの仕事時はもちろん、その後の友人との食事など日常の全てのシーンで着られる服を指す。NASAの技術をテキスタイルに　MOSは、2012年にマサチューセッツ工科大学の同級生だったアマン・アドヴァニ（Aman Advani）氏とギハン・アマラシリワルデナ（Gihan Amarasiriwardena）氏により設立。日常生活や仕事において機能的な服がないことに不満を持っていた両氏は、仲間を集めてそれぞれ起業準備を進める中で、大学の起業センターでの偶然の出会いから意気投合し、共にブランドを作っていくことになったという。創業から10年経った現在、ブランドチームは経営陣の他にデザイナーやエンジニアを含む数十人の規模に成長している。　MOSアイテムの一番の特徴は、高度なテクノロジーを服に落とし込んでいる点だ。たとえば、代表作となっている「アポロシャツ」では、NASAとの提携により宇宙服と同様の吸熱素材を使用。熱の吸収や発散を行うことで服の温度を一定に保つという。　MOSではこの吸熱素材を基に、防臭機能やコットンピケの19倍の通気性をもつオリジナル生地を開発。アポロシャツの他にも、伸縮性に優れた「キネティック（Kinetic）」シリーズや、洗えるスーツ「ヴェロシティ（Velocity）」シリーズなどユニークなアイテムを展開している。2015年にはキネティックシリーズのスーツを創業者のアマラシリワルデナ氏がハーフマラソンを走る際に着用し、「スーツ着用でのハーフマラソン最速タイム」というギネス記録も達成した。　このように、MOSは創業時から快適な仕事着を提案してきた。ブランドとして目指してきた高機能で快適な仕事着は、近年登場した「ワークレジャー（ワーク＋レジャー）」のコンセプトとの親和性が高い。MOSはこのワークレジャー分野で存在感を高めようとしている。　生産は主に米国のサプライヤーやOEMを活用するが、日本企業が開発したプロダクトや素材も同社のものづくりに大きく貢献している。マスクやブレザーの製造では島精機のホールガーメント横編機を使用。生地は瀧定名古屋や東レ、スタイレムからも調達している。中心価格帯はブレザー300ドル（約4.2万円）、パンツ150ドル（約2.1万円）、シャツも100ドル（約1.4万円）台だ。コロナでオンラインにシフト　軌道に乗っていたMOSのビジネスは、コロナ禍によって大きな変化を迎えた。ピーク時に6店舗あったリアル店舗は、ボストンにある旗艦店以外の店舗はコロナ禍に閉店を余儀なくされた。ブランドの売上実績は非公表としているが、米ニューヨーク・タイムズの報道によると、2017年から2019年までの売上高は毎年2桁成長を続け、2020年には2200万ドル（約31億円）を見込んでいたが、コロナの影響で着地は1200万ドル（約17億円）と予想を下回る結果となった。売上が低下している状況で、固定費が増加する路面店拡大の戦略を続けていくことは難しい。アドヴァニ氏は「今後はサプライチェーンをさらに整備した上で、オンラインでの購買体験を充実させたい」とし、路面店の拡大戦略からオンラインへの転換を進めている。　主要顧客層はホワイトカラーの男女で、コロナ禍を経ても大きな変化はないようだが、在宅勤務が広がったことにより需要は以前とは異なっている。コロナ禍以前はオフィス向けのフォーマルなデザインのラインナップが中心だったが、近年は職場でも自宅でも快適に着用できるデザインを増やすなど、顧客の生活変化に対応している。「MOSは状況にあわせてビジネスを適応させていくことが得意」とアドヴァニ氏は前向きだ。広がるワークレジャー市場　ワークレジャー市場はさらなる成長が見込まれ、アスレジャーの次のトレンドとしても注目を集めている。「ルルレモン（lululemon）」や「ローン（RHONE）」といった勢いのあるブランドも機能性素材を使用したアイテムを打ち出し、ワークレジャースタイルを提案するなど競合も増えつつある。アスレジャーのトレンドではスポーツウェアメーカーの存在が目立ったが、ワークレジャーではよりオフィスウェアに近い立ち位置のブランドも参入してくると予想されるため、競争はさらに厳しくなるだろう。
　このような市場環境の中での具体的な成長へのマイルストーンとして、MOSは2022年から2027年までの5年間でワークレジャー分野をリードするブランドになることを掲げた「5ヶ年計画」を発表した。ワークレジャー分野のアイテムの充実やMOSの強みである技術への研究開発投資を拡大するほか、新規顧客層開拓などを目的にMOSのアイテムがセットで手に入る「Starter Kit」を無償で配布。また、創業当初から実践している環境への配慮や持続可能なものづくりは続けていくとし、今後はヴィーガンレザーを用いた新商品の開発にも注力する考えだ。　ワークレジャー分野を狙う企業は大手を含めて多く、ブランディングや技術力で勝負をしてきたMOSの相手は手強い。しかし、店舗の縮小や受注生産を含めた在庫圧縮によりさらに筋肉質な事業体制を構築することで、多くの資金を開発や購買体験の向上に充てることができる。顧客の裾野を広げると同時に、既存顧客に対しても技術力を背景にした新商品開発を続けることで差別化をいかに図るかが、最終的なブランドヴィジョンである「科学の力で服をより機能的なものにする」という創業者たちの思いを叶える鍵になるだろう。※日本円は11月15日時点のレートで換算 高山 純 （Jun Takayama）  慶應義塾大学法学部卒業。在学中は「Keio Fashion Creator」や「ファッションビジネス研究会」の代表を務める。卒業後、外資系コンサルティング会社及び投資ファンドにてM&Aやファッションブランドへの投資業務などを担当。LVMH モエ ヘネシー・ルイ ヴィトン勤務を経て、2022年8月よりパーソンズ美術大学ファッション経営修士課程に日本人として初めて留学中。 ＞＞ NYでは今何が起こっている？　高山純氏の連載「NYコラム」はこちら

Business

NASA技術で開発した生地を服に　米国ブランド「ミニストリー・オブ・サプライ」の現在地

パウラ・ウラルギ・エスカローナを紐解く6つの質問名前：パウラ・ウラルギ・エスカローナ（Paula Ulargui Escalona）拠点：スペイン　「人間の皮膚と自然を再び結びつけること」を目的に種子、新芽、作物、生物を用いたファッションアイテムを制作。アイテムを通して、持続可能なファッション業界を作るためのニーズや意識を高めることを目指している。公式インスタグラムロエベとの協業ーロエベの2023年春夏コレクションで一躍話題を集めましたが、どのように開発を進めていきましたか？　ロエベのために開発したアイテムは、大学の最終学年の時に始めたリサーチが基になっており、コラボアイテムを作るために様々な種類の種を試しました。コンセプトは「ファブリックを育て、ファブリックの中でも自然を育てること」。そうすることで、服を通して人々は自然と再会し、持続可能なファッションについてより深く話すきっかけになると考えました。ー中でも、発芽したスニーカーはインパクトがありました。　20日間で4足作りました。とにかく靴への植え付けが大変で……（笑）。衣服の場合は平らな場所で育てることができますが、靴の場合は重力に逆らって発芽する必要があるので、徹底的な手入れが必要だったんです。草の生えたファッションアイテムで表現したいことーパウラさんの肩書きはファッションデザイナーですが、手掛けるアイテムは布や生地だけではなく、草や種などの自然物と衣服を結びつけていることが特徴的です。一般的に想像されるファッションデザイナーとは違ったアプローチでアイテムを発表されていますが、今の作風に辿り着いたきっかけは？　きっかけは、大学でファッションの勉強をしようと決断した時でした。ファッションの生産背景を知れば知るほど、自分の考えとファッション業界との繋がりを感じられなかったんです。ー「自分の考え」とは具体的に？　私は超持続可能で、ライフサイクルの中で循環できるような新しい素材を研究することが好きです。そして、自分の表現を通して多くのメッセージを伝えることができると信じています。であれば、デザイナーという枠に囚われすぎる事もなく、アーティスティックな視点から何かを訴えかけられるんじゃないか、と。　そんな風に考えているうちに、ファッション業界全体の意識も持続可能な成長に向けたニーズが高まりましたし、その機運は私が考える理想的な表現を試す後押しをされたようにも感じました。そんな業界の変革も相まって、今では業界の一員になれたように感じています。ークリエイションの根幹は、ファッションにおける持続的可能な状態の探求？　そうですね。一方で、サステナブルなテキスタイル開発者としての側面もあります。実際に、いま自分のスタジオでは、布の上で植物を成長させる技術を開発し、改良するための試験を行っていますー最後に、今後チャレンジしたいことを教えてください。　私の特徴は「アートとファブリック研究」という業界において必要とされている2つのツールの両立を考えていることで、現在も業界で応用できるように経験を積んでいる最中です。なので今後は、アートとファブリック研究をよりミックスさせていきたいと思っています。客観的に自分を見たときに、優しいワーカホリックだと思っていて、これからも仕事を楽しみつつ、いつも同時にすべてのことに真摯に取り組んでいければいいですね。（企画・編集：古堅明日香）

LOEWE

【連載：テルミアバウッチュ！】Hello,パウラ・ウラルギ・エスカローナさん、あなたのことをもっと教えて下さい！

シーズンを追うごとにアップデートし続ける服ーリブランディングから約1年が経ちました。この1年を振り返っていかがですか？　リブランディング以降、売上は順調に伸長していて今まで以上に多くの方々に見ていただけるようになったなという実感があります。「エッセンス（SSENSE）」などを通じて海外の売上が好調で、特に韓国での評判が良いですね。リブランディング前から知ってくださっている方からの反響としては、「リトの頃よりも更にミニマルで洗練された印象。すごく素敵ですね」と言って頂くこともあり、とても嬉しく思っています。ー海外で好調な要因をどのように捉えていますか？　シンプルなデザインにワンポイントのアクセントを取り入れるなど、人を選ばないデザインが受け入れられているのではないでしょうか。またエッセンスなどの海外ECでは、女性らしいデザインのアイテムを男性の方が購入する傾向にあります。ーリト ストラクチャーの主な購買層は？　ウィメンズは30代を中心に、20代や40代の方にも購入して頂いています。メンズは、もう少し若い方も購入されている印象です。ー売れ筋アイテムは何ですか？　定番アイテムとして販売しているシャツやジャケットは好調ですね。シーズンごとに素材を変えたり、コンセプトに合わせたディテールを取り入れたりと、少しずつデザインを変えながら展開しています。　あとは、ブランドのシグネチャーアイテムである「コネクティッド ライン」も人気アイテムのひとつ。ボタンホールと紐で他のアイテムとドッキングすることで様々な着こなしを楽しんで頂けるシリーズで、リブランディング前から展開しているブランドを象徴するアイテムです。2022年春夏コレクションで登場したコネクティッド ラインのシャツは、中に取り外し可能なキャミソールドレスをレイヤードしています。紐をギュッと結んでシルエットの変化を楽しむことができるほか、上のシャツを単体で着てもらうとマニッシュな雰囲気のスタイリングになります。ーコネクティッド ラインを開発したきっかけは？　元々は私自身がレイヤードが好きだったことがきっかけですが、やはり着る人に日々のコーディネートをもっと楽しんで欲しいという思いが大きかったですね。今では各シーズンで最低1型、多くて3型程度のコネクティッド ラインのアイテムを展開しています。ーコネクティッド ラインのおすすめの着こなし方はありますか？　私の中で「絶対こう着て欲しい」といった思いは全然なくて。その人にとって最適な着こなし方を見つけて着てもらえたら嬉しいです。ー現在、渋谷パルコにリミテッドショップも出店していますね。　はい、8月から10月までの約2ヶ月間にわたり営業しています。ブランド設立以来、1週間以上のポップアップは開催したことがなかったので、ブランドにとって初の試みとなります。リト ストラクチャーの服は素材にすごくこだわっているので、実際に見ていただいたり、自分の体に沿わせてもらわないとわからない部分も多いんです。コロナ禍で実際にアイテムを見てもらえる機会が減ってしまっていたので、今年はリミテッドショップなど様々な形でアイテムに触れていただく機会を作っていけたらと考えています。ーリミテッドショップではコネクティッド ラインも展開していますね。　コネクティッド ラインをはじめ、毎シーズン人気のジャケットや、ダッフルコート、ダウンジャケットといったアウターなど、2022年プレフォールコレクションと2022年秋冬コレクションのアイテムを中心にラインナップしています。9月には韓国出身の刺繍アーティストのユ・ソラ（YU SORA）さんとのコラボレーションアイテムも発売予定です。ーソラさんとはどういった経緯でコラボに至ったのでしょうか？　横浜に住んでいるのですが、馬車道を歩いていた時にたまたま「BankART」というアートスペースで若手作家の個展が開催されていて、そこでソラさんの作品を初めて拝見しました。ソラさんの世界観にとても感動して、私からラブコールを送ったんです。コラボアイテムの製作では彼女と話し合いを重ね、カットワークの部分に極細の黒のステッチを入れたり、ブランドのコンセプトを刺繍で表現するなど、これまでのリトにはない新しいデザインに挑戦しています。コロナ禍ということもあり、直接お客様と関わる機会も減っていたので、どんな方たちが来てくださって、リト ストラクチャーのアイテムを見てくれるのか、とても楽しみです。着方は委ねる、着る人の存在を邪魔しないーリト ストラクチャーでは「プロダクトデザインとしての衣服」をコンセプトに掲げています。　私自身、建築やインテリアが好きということもあり、それらのクリエイションは服作りの根底で意識している部分です。ヴィジュアルの美しさだけでなく、建築や家具のように丈夫で人々に安心感を与えるアイテムをこのブランドでも作っていきたいというシンプルな思いがあります。　私の好きな家具にイタリアの建築家のカルロ・モリーノ（Carlo Mollino）が手掛けた「ザノッタ（Zanotta）」のガラステーブルがあるのですが、そのテーブルは女性の背骨をデザインのコンセプトにしていて。シンプルでかっこいいヴィジュアルの裏には確固たるコンセプトや背景がある。リト ストラクチャーでもそうしたモノづくりにおける物語を大切にしていきたいです。ー建築とファッション、ジャンルは違えどクリエイションに通ずる部分があるんですね。　そうですね。私自身、プリツカー賞を受賞した建築家 アレハンドロ・アラヴェナ（Alejandro Aravena）の「建物は建てた人間が決めるのではなく、居住者に託す」という考えに非常に影響を受けています。リブランディング前から「着方は委ねる」という考え方は変わっておらず、だからこそ自由な組み合わせができるコネクティッド ラインを製作したり、シンプルなアイテムを好きなように着てもらうといったことに重きを置いています。着る人自身が愛着を持って、長く着てもらえるアイテムを作ることが重要であると感じています。ーデザイン過程において意識していることは？　単にシンプルなだけでは面白くないので、ミニマルなデザインの中に様々なアクセントを散りばめています。通常よりも大胆なカッティングを施したり、畳んだ時も美しい佇まいとなるよう計算してタックを入れてみたり。ー服を畳んだ後のことまでをデザインに織り込む。　そうですね。例えば襟が前にきているパーカは、畳んだ時にフードの部分が後ろにいかないので、まっすぐ畳める仕様になっています。そもそも襟元が前にあるデザインが魅力的だと思って取り入れた訳ですが、ある日お客さんが「畳んだ時のシルエットが美しい」と仰っていて、そういった着眼点もあるのかと気付かされたんです。ー建築や家具のほかにも、デザインの要素となるものはありますか？　例えば建築作品を解説した書籍に書かれた文章など、自分が目にした"言葉の断片"からアイデアを構築していくことは多いです。2022年秋冬コレクションのテーマである「Self-Shaping」は、ドイツの「ウーアバッハタワー（Urbach Tower）」という木をしならせた建築との出会いがきっかけでした。高さが14ｍもあるのですが、水分量などすべて計算してしならせた木を組み立てたそうなんです。「木」というキーワードを起点に、素材選びやデザインのアイデアを膨らませていき、木をイメージしたジャカードをデザインに取り入れたり、しなりをイメージしてアイテムに切り込みを入れたりといったアプローチを試みました。ー言語という記号から服のデザインへと昇華させていくのですね。　時々、「デザイン画を見せてもらえませんか？」と言われる場面があるのですが、私のノートにはそういったものは全然なくて（笑）。デザインの多くは言語から構築しているので、いわゆるファッションデザイナーの方が描かれているようなデザイン画はほとんどありません。ノートには琴線に触れた現代アーティストの言葉のほか、各シーズンのコンセプトに合わせて作る糸や生地に関するメモ、自分がいつか使いたい糸のことや生産者の方のお名前なども書き留めていますね。ー長年テキスタイルデザインを追求してきた嶋川さんにとって、テキスタイルの魅力は何でしょうか？　テキスタイルは料理と同じで過程がすごく重要。最初の原料選びや撚糸の回数で服のシルエットがかなり変わるんです。どの段階で、どのように手を加えるかによって、「ハリのあるシルエットにするのか、落ち感のあるシルエットにするのか」「清涼感を出すのか、温かみを加えるのか」といった違いを生み出すことが可能なのは非常に面白いです。20年ほどテキスタイルに携わっていますが、終わりのない探究が続いています。そんな奥深い世界はとても魅力的です。リブランディング後初の東コレ参加へーリブランディング後初めて東京ファッションウィーク「Rakuten Fashion Week TOKYO」に参加し、8月29日に新作の2023年春夏コレクションを発表します。　リブランディングしてから大々的にお披露目する場を設けていなかったので、もう一度ブランドを再認識してもらうために参加を決めました。今回はショーではなく、「"Weave a Time 〜時を紡ぐ〜"」をテーマに制作した映像作品の形式で披露する予定です。映像には、その時々の事柄を普遍的なものにしたいという思いを込めました。ー2023年春夏コレクションの特徴は？　「昔のものを大切にする」「過去のものを集めて新しいものを作り上げる」といった時間軸を意識したコレクションで、ディテールには「集める」「重ねる」といったデザイン要素を落とし込んでいます。個々のアイテムとしても着用できるし、複数のアイテムを組み合わせて着用することもできる、そういったプロダクト的な考えを今回も反映しました。今シーズンはアイテムの収納性を高めたデザインのアイテムも新たに登場します。コネクティッド ラインのように新たな定番デザインにしていきたいと考えています。　また、「過去のものを集める」という観点では、過去のコレクションでストライプシャツを作った際に余ってしまった生地を細かく切り裂いた糸や、長年お付き合いのある機屋さんが昔から残しておいてくれた糸を用いたアイテムも製作しました。その機屋さんは、私が15年以上前に「すごい素敵だから残しておいてください」と伝えていた糸をそのまま残してくれていて、今回その糸を使ってツイードを作ることができました。ー機屋さんと築いてきた信頼関係は老舗繊維商社ならではの強みですね。　そうですね。今後も機屋さんと協力しながら、リトストラクチャーのコレクションで残ってしまった素材からツイードを作る取り組みをプロジェクト化して進めていく計画です。ーサステナブルなモノ作りの姿勢が伺えます。　このプロジェクト以外にも「プラスグリーンプロジェクト（PLUS∞GREEN PROJECT）」（※）の第2弾として、淡路島にある「トゥッティ（TUTTI）」の生育実証の場「スタイレム アグリ ラボ（STYLEM AGRI LABO）」で栽培しているハーブを一部活用して作られたエッセンシャルオイルの販売を予定しています。お香の生産が盛んな淡路島は「香りの街」として知られているのですが、瓦の生産地としても有名で。淡路島の古い瓦を活用して、エッセンシャルオイルと一緒に使えるアロマストーンも作れたらと考えています。※プラスグリーンプロジェクト：従来廃棄される衣類などのポリエステル繊維を培地としてリサイクルすることで、人々がサステナビリティに親しみを感じるライフスタイルの実現を目指すスタイレム瀧定大阪のプロジェクト。第1弾アイテムとして、ポリエステル繊維をリサイクルした培地「トゥッティ（TUTTI）」を発表した。ー最後に、今後の展望についてお聞かせください。　日本だけではなく海外での認知度をさらに高めていきたいと考えています。アメリカやヨーロッパの方々にも、今後はリト ストラクチャーの魅力を伝える機会を増やしていきたいですね。

着想源は建築と言葉　リト ストラクチャーの服が性別を問わず選ばれる理由

ジャカード織機、ドビー織機を備える「桐生絹織」　まず最初に伺ったのが創業70年以上の歴史を持つ桐生絹織です。ジャカード織機とドビー織機を備えており、高速な量産では決して表現出来ない手作業の味わいを残しつつも、ロットの少ない注文にも丁寧に対応しているそうです。当日は、代表の牛腸さまに工場を案内して頂きました。　時期やお見積りなど様々な条件はありますが、50メートルからでもオリジナルの織物を作れるそうです。また、過去に作った生地を保管している資料室があり、そこにあるものを参考にして柄を作る事も可能だそうで、直接ここの資料室に来て、その場でデザインまで決めて発注するデザイナーの方もいるそうです。資料室には沢山の織物の資料があり、長年ある工場だからこそ、一日居ても見きれない程でした。　上記画像は、デザインされた柄を織るための型紙として使われる「紋紙（もんがみ）」です。織機を動かしながらどこに糸を通すか示すために厚紙に穴が開けられていて、これを基に柄が織られます。最近では柄がデータ化されるまで進化してるそうですが、桐生絹織では今でも紋紙を専門の業者に頼んで作っているそうです。生地が織られている現場を直接見ることで、織り始めるまでの準備や織っている最中のメンテナンスがいかに大変かを改めて知ることが出来ました。編み、織り両方を手掛ける「TOSHITEX」　次に訪問させて頂いたのは編みと織りの両方の素材開発を行っているトシテックス（TOSHITEX）です。一つの機屋さんで編みも織りも担うのはとても珍しいのですが、トシテックスでは代表の金子さまが40年以上の経験を活かしながら、ユニークでマジックのような仕掛けがある生地を高品質で作っています。　上記左の画像は、織物組織で折り紙のような折り目を再現したテキスタイルです。見る角度によって色や表情の見え方も変わりとても不思議でした。右の画像は袋ジャカードの中にカラフルに染まった不織布が入った花吹雪を閉じ込めたような生地で、「織物組織にイタズラを加えたもの（笑）」と微笑みながら、金子さまに丁寧にカラクリを説明して頂きました。　トシテックスにある編み機はラッセル編み機という機械です。セーターは横編み、Tシャツなどは丸編みで作られる事が多いのですが、ラッセル編みは縦方向に編み進める、レースなどに使われる比較的珍しい機種です。織物は大体200メートル位から、ラッセル編みのものは50メートル位からオーダーできるそう。ラッセル編み機でこれほどバリエーション豊かに表現できると知らなかったので、この技術を活かした服を作ってみたいなと思いました。創業140年以上の刺繍工場「笠盛」　最後に伺ったのが、繊細でありながらも手仕事のような温もりを感じる刺繍を生み出している笠盛です。創業140年以上と歴史はとても長く、独自の技術を開発し続けています。　笠盛の工場は桐生の機屋の特徴でもあるノコギリ屋根。作業しやすいように、太陽の位置が変わらない北側に窓を付けることで、日中も同じ明るさのもとで作業ができるよう工夫されているそうです。　ジャカード刺繍機は、同時に多色の糸を使用して自動ミシンで縫い付けたような刺繍ができる機械のことです。笠盛にはジャカード刺繍機が複数台あり、サガラ刺繍やカットワークなど、沢山の手法の刺繍が行えます。また、特殊ミシンという、一つの用途に合わせて作られた専門的なミシンも沢山ありました。通常のミシンでは出来なかったり、手作業ではとても時間がかかる縫い方ができ、ピンタックやブランケットステッチなどがあっという間に出来てしまいます。刺繍の種類にもよるのですが、特に発注ミニマムを厳しく設けている訳ではなく、相談次第で少ロットでも引き受けて頂けると話してくれました。　また今回は1泊2日で桐生を訪れたので、2日目には刺繍屋さんや素敵なお店を回りました。まとめメモ　桐生の機屋さんを回って一番に感じたのは、人の優しさでした。少ないロットでの依頼でも、直接お会いして相談してみると、どうにかして実現する方法は無いかと一緒に考えてくださり、アドバイスも頂きました。なんとか予算内でオリジナル生地が作れそうです。これから企画をしっかりと練って、素敵な生地を作れるよう引き続き頑張りたいと思います！　次回は、2023年秋冬からブランドをスタートするためのメンターとの打ち合わせ編です！・第1回【連載：デザイナー奮闘記！新ブランドが出来るまで】まず何から始める？先輩デザイナーへの相談篇　・第2回【連載：デザイナー奮闘記！新ブランドが出来るまで】どこでオリジナル生地を作る？機屋探し篇補足：最近の私たちのこと　ブランド立ち上げを目指す一方で、現在「HUNDRED FLOWERS PROJECT」と題したデザインプロジェクトを行っています。プロジェクトでは魅力的なお仕事をしている方から、過去の大切なお話を伺い、記憶の花のレースの編み手と織り手として、大切な記憶を守って新しい未来に導く修道服（守導服）を作り、お贈りしています。　プロジェクト第2弾では、表参道の「ディリジェンスパーラー（DILIGENCE PARLOUR）」で働くフラワーアーティストのMadoka Hayasakiさんにお話を伺いました。　服を好きになったことで人との繋がりが広がり、大切に思える方達と知り合って、今のお仕事に就くに至ったそうです。　お気に入りのディテールや着慣れたサイズ感を細かく伺い、服好きの彼女を象徴するようなエレムルスの花を施したレースのスーツを作りお贈りしました。　仕事終わりに花を包み、行きつけのバーに行くまでの過程を同行させて頂きながら、彼女の日常を切り取るように撮影をしました。連載：デザイナー奮闘記・まず何から始める？先輩デザイナーへの相談篇・どこでオリジナル生地を作る？機屋探し篇・ブランド名はどうやって決める？事業計画編・展示会で何を発表する？サンプル作りのフロー・ブランドロゴはどう作る？グラフィックデザイン編・ルック撮影はどうやる？展示会準備編・初めての展示会をレポート■EUCHRONIA：インスタグラム

【連載：デザイナー奮闘記！新ブランドが出来るまで】どこでオリジナル生地を作る？機屋探し篇

ー宮浦さんは「ファッションキュレーター」というあまり聞き馴染みのない肩書で活動されています。簡単に仕事内容を教えて下さい。　「この産地にこんな技術があるよ」というのをデザイナーに紹介したり、新商品を作りたいブランドのお手伝いや、一方で産地側からの情報発信もあるのでブランドと産地を繋ぐような活動をしています。ー具体的に最近だとどのようなお仕事をされたんですか？　デザイナーと工場の協業的な取り組みだと、日本三大綿織物産地の一つとして知られている静岡県の遠州産地の素材開発やディレクション業務に携わっていて、毎年デザイナーとコラボして新しい素材を作っています。今年は「ミーンズワイル（meanswhile）」「ポッテンバーン トーキー（POTTENBURN TOHKII）」「ペティ（PETTY）」の3ブランドと新しい素材を開発しました。遠州産地ならではの素材メーカーと、デザイナーズブランドが融合する両者のこだわりがぶつかって新しいものが生まれます。ー仕事の依頼は、デザイナーから宮浦さんにすることが多いんでしょうか？　そうですね。「作りたいものはあるんだけど、どこに頼んでいいかわからないんです」というデザイナーからのSOSや相談が一番多いかも知れません。その質問に対して「それならこういう技術があるんですよ」という提案から始まるクリエイションの機会を提供しています。ーそもそもどうして繊維産業の道を選んだんでしょうか？　元々はデザイナーになりたかったんですよ。立ち上がったばかりの「ここのがっこう」にも通っていたんですけど、周りにいたのは「食事睡眠よりもクリエイション」という人たちで。ガリガリに痩せてもコレクションを作る、みたいな熱量の高い人が多かったんです。正直僕はそこまで没頭できなかったし、どちらかというと広い視野を持ち、一歩引いて物事を考えるタイプだったので「じゃあ、彼らをサポートする側に回ろう」と20歳の頃に決めました。　ものづくり側からのサポートを選んだのは、留学先イギリスでの経験からです。留学先に滞在している先輩や先生たちが口を揃えて「日本産の素材はすごい」と言っていて。僕は、日本の糸やテキスタイルが海外に大量に輸出されていることを知らずに渡英していたので、ある意味ショックを受けたんですよね。そこから繊維産業に興味を持ちました。ーそんな国外から評価される日本の繊維産業ですが、跡継ぎがいないことや、コロナもあり経営が苦しい状況が続いています。　そうですね。職人さんたちの高齢化も進んでいて、働き手も売り上げももっと必要で、産地自体の運営が難しくなってきているのが現状です。現在進行形で廃業や倒産に追いやられている工場もあります。技術は一度なくなれば簡単には戻れない。こういった課題に対して、僕らが動いただけでは即効的な歯止めにはならないですけど、僕らがやるべきことを事業として活動してきました。 ー宮浦さんから見る、繊維産業の課題点はどこにあると考えていますか？　まず大きいのは、昔ながらの賃金で稼働し続けていること。実際に働いている方たちに話を聞いても「年金があるからやれている」という人が多いことに驚きました。彼らに支払われる賃金は上がるべきで、それは業界や国を巻き込んで考えなくてはいけないことだと思っています。やっぱり10年20年の単位で見ると、産地内での仕事が成り立たなくなるなという危機感があります。ー「産地内での仕事が成り立たなくなる」とは？　そもそも僕の中での「産地」の定義は、企業の集合体のことを指しています。その地域が強みとする素材を作る企業が集まり、技術を磨いてきた。歴史を紐解いていっても、そうして産地は形成されてきました。例えば、綿織物の産地といっても染色屋さん、機屋さんはもちろん、更に細分化していくと針に糸を通す職人さん、完成した生地を加工する会社など、協力工場も含めたら様々な人達が携わっています。ただそうであるが故に生じる「地域産業は細かい分業で成り立っているけど、準備工程の外注費が低い」というのが問題だと思っています。どうしても「産地」と聞くと、わかりやすい織物やニットの工場を想像すると思いますが、産地を成り立たせている企業は1つではないんですよね。だからこそ「色んな人がいて産地は成り立っているんですよ」ということを可視化できたらいいなとも思っています。ー円安やコロナ禍でのロックダウン、燃料費高騰による原材料費の値上がりも産地の維持が難しくなっている要因にあるんでしょうか？　原料の高騰もあり価格改定も相次いでいますよね。でも、ロックダウンの影響で海外で縫うはずだったアイテムを国内生産に切り替えたりとネガティブなことばかりではなくて。日本で流通する衣料品の97%ほどが数量ベースで海外生産（数量ベース）と言われていますが、もう一度、日本企業は日本で作るということを見直すきっかけになるといいなと思います。 ー国内アパレル市場は10兆円を切るなど繊維産業と同じく縮小していますが、一方「ユニクロ（UNIQLO）」や「ワークマン（WORKMAN）」などの大手は好調です。そうした好調な企業と繊維産地を繋ぐことで生まれる活路などはないのでしょうか？　大企業と産地が繋がることはリスクも大きいと思っています。大企業との取引を続けてしまうと産地が「大企業依存」になると言いますか、企業が撤退した後の運営持続が難しくなることがあります。これだけ先の読めない時代ですから、僕はそういう即効的な利益循環よりも地道に産地が発信したい技術を活かしていく方法や、次世代デザイナーともつながって新しいビジネスを育てた方が継続的な利益循環になるんじゃないかと考えています。ー日本生産や、国内の繊維産地にこだわりのあるデザイナーブランドも増えてきました。　産地に行きたいデザイナーは年々確実に増えています。若手デザイナーたちから自発的に「自分たちで産地を回って納得いくものを買う」という流れが生まれたことはとても素敵だと思いますし、産地にとってもプラスな事だと思います。 ーデザイナーの中には、どうやったら職人たちと深いコミュニケーションが取れるのかに悩んでいる人もいるのではないでしょうか？　そうですね。よりよいものづくりのためには職人との対話が必要不可欠なんですが、職人もはじめての相手には時にはリスクヘッジを考えて「これは作れないよ」と言ったりと、変数が伴うのがものづくりの現場のジャッジだったりします。駆け出しのデザイナーたちは「これは作れないよ」という言葉で「断られた」と思ってしまって、何故作れないかもわからないまま妥協したという話を聞いたりもします。でも、産地でのものづくりの醍醐味はそこにあると思っていて、職人とデザイナーのキャッチボールでこそ新しいものが生まれる。それが日本でものづくりをするということだと思うし、オリジナルを作るということだと思っています。　デザイナーと産地の間にOEMが入る例もありますが、OEMに手伝ってもらうことは「翻訳をしてもらう」ということだと思っています。OEMは、工場とマンツーマンで話すことに不安があったり、対等なコミュニケーションを取れる自信がない人にとってはありがたい存在で取引が円滑になる場合もあるでしょう。でも僕個人としては、デザイナー自身にも生産現場との"共通言語"を学んで欲しいと思っています。少しおかしな例え話ですが、海外の旅行先で外国人と辿々しくも直接会話ができたら嬉しいし、楽しいじゃないですか。それと一緒で、共通言語を学び、対等の立場で話せるようになった時に生まれる広がりに挑戦して欲しい。そのために僕は「デザイナーをサポートしたい」という気持ちで「産地の学校」というものを立ち上げました。ー「産地の学校」ではどのようなことを学べるのでしょうか？　"アカデミックじゃなくてストリート"をテーマに、抽象的に言うと「工場との共通言語を学ぶ場」、具体的に言うと、原料からテキスタイルになるまでの専門知識を学ぶことができます。例えば「天然繊維と化学繊維、ポリエステルとナイロンってどう違うのか」「こういう生地を作りたい時の方法論」などを各講師に教えてもらっています。ただデザイナーの受講生は全体の10%くらい。産地の学校を経由せずに、直接依頼が増えてきてしまったのが現実でした。本当は、産地の学校がデザイナーの受け皿になりたかったのだけど、少し狙いとずれが生じてしまっているので新たにデザイナー向けの新プログラムを作ろうと考えています。ーデザイナーのどのような悩みを解決するプログラムになるんでしょうか？　デザイナーが思い描く作りたいものを作るための方法や知識をプログラムにしていきます。1講義1テーマで、生地、副資材、パターン、サンプル、量産、検品、納品するまでの流れを細かく学んでいきます。デザイナーさんがつまずきやすいところを逆算して潰していくようなプログラムを作っていて、1年以上かけて構成してきました。作りたいものの作り方がわからない、どこに頼んでいいかわからないという悩みは、知識である程度減らすことができるんですよね。 ー宮浦さんは個人事業主として活動してきましたが、2017年に糸編を設立し法人化。　個人から法人になっても、キュレーションという軸は変わりません。名指しでお仕事の依頼をいただく割合が今も多いですが、会社宛に届くご依頼も年々増えてきました。業界の中でも「産地のことや素材のことで困っていて外部に力を借りたい」と悩んだ時に糸編を選んでくれる企業が増えてきたように感じていてありがたいです。ー「糸編」という社名の由来は？　「糸偏産業というフィールドでキュレーション（編集する）」。略して糸編です。「糸偏」という言葉は元々あって、繊維業界のことを「糸偏業界」、製品に関わる業界を「アパレル業界」と呼ぶのが一般的だと思います。ただ僕は繊維1本から最終製品まで、糸に携わる業界全体を「糸偏業界」＝僕の活動領域だと考えています。つまり、一着の服に携わるすべての人がキュレーションの対象だ、と。ーでは「編集（キュレーション）」が意図するところは？　「今あるものの見方を変えたり、打ち出し方を変えたり、関わる人を変えたり組み替えたりすることでよりよくなれますよ」という提案をすることですね。簡単に言えば、課題解決や魅力拡大の手段と思っています。ー築100年の古民家を改装して作られたアトリエ兼事務所が老朽化で取り壊し、移転されますよね。　今内見をしている最中なんですが、次の拠点は表参道・明治神宮あたりを予定しています。産地の学校の授業もそこで開いて、テキスタイルの常設展を同じ敷地内にオープンしたいなと考えています。 ーテキスタイルの常設展というのは？　1年半前から「テキスタイルジャパン（TEXTILE JAPAN）」というテキスタイルの展示会を開催していて、そこでは僕が良いなと思った生地を、産地や種類も分けずに展示しています。もう一つ大きな特徴として、約1ヶ月間という長い会期で組んでいて。会期が長ければ、メンズ・ウィメンズの垣根なく多くのデザイナーが訪れることができるんですよね。それで、この移転の機会にテキスタイルジャパンを常設展示化して、"会期"という枠すら外すことができれば、より多くの人に来場してもらえるんじゃないかと考えました。　そして最終的には、日本のテキスタイルの世界展開を目指していて。今はまだ国内向けの見せ方を検討している段階ですが、今のうちから各素材がどこの国でなら売れるのかを調査し、輸出や企画のお手伝いができればと思っています。 ー活動から10年。新事業としてキュレーションサイトを立ち上げると聞きました。　10年活動してきて、今一番必要なのは「糸偏業界の情報発信」だと思うようになって。糸偏業界に関わる職種やちょっとした知識、工場やOEM会社のご紹介など、学べて情報検索もできるようなサイトを作ろうと思っています。言うなれば、糸偏業界専用のタウンページ、情報誌ですね（笑）。ーどうして情報発信が必要だと感じたんでしょうか？　産業の未来を考えると関わるプレイヤーを増やさないとだめで、そのためにはこの業界に興味を持つ人が増えなきゃいけない。でも、今は業界のことを知るためのツールもないし、どんな仕事があるかもわかりづらい。産地見学をしたくてもどこに連絡すればいいのかも開かれてない現状。未来に向けて、業界を知ってもらって興味を持ってもらう手段として、これからたくさんの人に協力してもらってキュレーションサイト化してしまおう、と。10年間の集大成ですね、最後の仕事です（笑）。ー産地、デザイナー、メディアなど、ファッション業界の中でも多くの人と携わることが多い宮浦さんが思う、ファッション業界に足りてない人材はどんな人だと思いますか？　0→1を生み出せる人でしょうか。ファッション業界って服が好きで華やかな世界に憧れて入っている方が多いと思います。好きなブランドだったり、産業全体の未来を考えると、自分たちが日本から生み出すもので、世界中の人をどう幸せにして、ファッションが好きという人も増やしていかないとなりません。ー中でも特殊な「ファッションキュレーター」という仕事を担う、糸編に必要な人材はどのような人物ですか？　「その時代に求められていることをやる」という意識が強い人ですかね。「繊維産地を活かして、面白いクリエイションになるようにお手伝いする」というミッションに対して、身体一つでどこにでも行けるような人が向いているかもしれません。糸編という名前でありながらおかしな話なのですが「テキスタイルが大好き」というような制作向きの人は、糸編には向いていないかもしれないし、「●●●というブランドが大好きです」という人も向いていないかもしれません。じゃあどういう人が向いているかというと「ファッション業界には携わりたいけど、デザイナーやパタンナーのようにがっつり一つの服に向き合いたいわけではなく、ものづくり産業全体をサポートしたい」という人に適正があるのかな、と。僕たちの活動が世の中にどのような影響を与えるかといった、意味を考えるのが好きな人にはおすすめできます。ー最後に今までの10年の振り返りと、今後の展望を教えて下さい。　10年前に名刺に「ファッションキュレーター 宮浦晋哉」と書いて活動をはじめて、ほとんどの人にとってよくわからない存在だったと思います。産地をまわって、本を出したり展示会を作ったり学校をはじめたり。もしかしたら今も怪しまれているかもしれません。でも理解してもらいたいとは思ってなくて、デザイナーさんのサポートも、産地の魅力を国内外に発信したいのも、僕と同じように産地の魅力に魅了される人を増やしたいのも勝手にやっていることなので。勝手な活動というのが前提ですが、結果的に産業の未来に貢献したいと思っています。走れるところまでやっていこうという展望です。（聞き手：古堅明日香）

デザイナーをアテンドし産地と繋げるーーファッション業界を静かに見守り続けた糸編・宮浦晋哉の目に映った10年間と11年目の展望

機屋展示会「WARP & WEFT 展」　フジ テキスタイル ウィーク 2021のメインエリアは本町通りの商店街に広がっている。かつて銀行が入っていた建築物や喫茶店の跡地など、使われていない建物を活用しており、レトロな雰囲気も味わうことができる。旧スルガ銀行ビルでは、機屋展示会「WARP & WEFT 展」を開催。富士吉田市の16の機屋がそれぞれ持つ特性を生かした生地やファクトリーブランドのプロダクトを紹介した。（2021年12月12日で終了）出展機屋：エルトップ、オヤマダ、滝口織物、田辺織物、テンジンファクトリー、羽田忠織物、光織物、フジチギラ、前田源商店、槙田商店、武藤、宮下織物、渡明織物、Watanabe Textile。　宮下織物は、小泉智貴による「トモ コイズミ（TOMO KOIZUMI）」と協業したドレスを披露。京都府内のラメ糸を使って宮下織物が織り上げたテキスタイル「エタンセル（Etincelle）」をベースに、小泉デザイナーと共同で糸の色作りや柄選びを行い、1着を仕立てた。アート展「Textile & Art 展」　富士吉田市の機屋と10組のアーティストが共同制作した作品を展示するアート展「Textile & Art 展」を開催している。テキスタイルとアートの役割や機能を問いながら、新たな可能性を探る。（2022年1月9日まで開催）参加アーティスト：今井俊介、大巻伸嗣、奥中章人、郡裕美、児玉麻緒、高須賀活良、髙畠依子、手塚愛子、西尾美也、maison 2,3機屋見学　「フジ テキスタイル ウィーク 2021」では機屋見学のツアーも実施。イベント終了後でも毎月第3土曜日に機屋見学をすることが可能で、見学や手作り体験、ファクトリーショップでの買い物などを楽しむことができる。（要予約）

「フジ テキスタイル ウィーク 2021」が初開催　富士山を望む産地イベント

■Technicolour【インテリアテキスタイル】・Fleck：11色展開【カーテン】・Fade：8色展開・Flux：1色展開【ラグ】・Flock：5色展開・Fleece：3色展開・Field：2色展開発売日：10月から日本展開をスタート予定問い合わせ：Kvadrat Japan 03-6455-4155公式サイトークヴァドラとは以前から繋がりがあったそうですね。　私とクヴァドラの関係性は、2004年にクヴァドラのCEOアンダース・ブリエル（Anders Byriel）が私のスタジオを尋ねてくれたことから始まります。今回のコラボコレクション製作以前にも仕事での関わりがあり、例えばクヴァドラのロンドンショールームは私が共同デザインしたものです。彼らは企業という枠を超え、長年にわたって関わってくれている家族であり、同じ想いを共有している同志です。ーピーターさんの考える、クヴァドラの魅力は？　自然素材から最高級のクオリティを引き出す信頼と、創作に対する一貫性を持った革新的な企業だと思っています。また、テキスタイルコレクションを作るために招かれた私のようなデザイナーに、やりたいことができる自由を与えてくれる柔軟さも魅力的です。ーコラボコレクションはコロナ禍での製作となりました。　当然ですが、世界中がパンデミックを経験する中でそれぞれのスタッフが違う国にいながらテキスタイルを作り出すことはとても難しかったです。それでもクヴァドラはとても協力的でしたし、製作作業は刺激のあるものでした。ー今回はインテリアテキスタイル1種、ラグ3種、カーテン2種の全6種類が展開されます。それぞれのアイテムの特徴を教えてください。まずはインテリアテキスタイルの「Fleck」から。　大きな特徴は、汎用性のある11色を用意したことでしょうか。Fleckはシンプルで控えめでありながら、同時にドラマティックな印象を放ちます。ナチュラルなウール生地に浮かび上がるのは、明るい黄、青、赤の一見ランダムなドット。実用性を第一に考えたシンプルなデザインに思えるかもしれませんが、家具に用いられることで素晴らしい表情を見せてくれるでしょう。 ーラグは「Field」「Fleece」「Flock」が用意されています。一番のお気に入りは？　「Fleece」です。「田舎の田園風景を彩る色とりどりの羊＝ありのままの草原の営み」という元々のコンセプトを明確に反映しているからです。ラグを手織りした後、あえて表面を均一にカットしないことで表情が不規則になっていますし、ダブルウォッシュ仕上げによって織り目が広がることで自然の羊毛を思わせる柔らかさがあります。ーカーテンテキスタイルでは「Fade」と「Flux」の2種類を展開します。　それぞれに異なったお気に入りポイントがありますが、特にFadeは思い出深いです。異なるネオンの輝きを持った3種類の糸を使用しています。つまり、Fadeのドレープに光が当たれば、鮮やかな色のニュアンスが表面に揺らめくのです。透明感がありながらも、不思議なほどに落ち着きのあるカーテンになったと思っています。ーコレクションタイトル「Technicolour」の由来は？　今回のコレクションは、羊の群れに印を付けるために使用されているマーキングスプレーから着想を得ています。色とりどりの羊がいる田園風景の中でも、一際目を惹く鮮やかな瞬間を色のスペクトル図にし、テキスタイルへと昇華させました。 ー羊のマーキングスプレーをインスピレーション源にしようとした理由を教えてください。　羊のマーキングスプレーに、田舎の風景にはそぐわないくらい鮮やかな色を使用していることがずっと不思議でした。その不思議さは「違和感」という魅力にも繋がります。その不思議な情景を見て、私は「これらの色彩を、テキスタイルの製造段階で保てたら」とよく想像していたのです。色付きのスプレーでマーキングされた羊たちがいる牧場風景こそが「ありのままの草原の営み」で、私はその瞬間をテキスタイルを用いることで保存したいと考えました。ーすべてのアイテムに共通しているポイントがあれば教えてください。　コレクションでは「自然風景の痕跡とコントロールされた事柄」を表現しています。つまり、カラーマークのついた羊の群れが草を食む様子を残しながらも、工業的なものへ変化する物語です。その物語を通して語られるのは「自然とはただ訪ねて行く場所ではなく、私たちの故郷でもある」。人々と農耕生活を結びつけ「自然は単なる場所ではなく、あなたにとっての家にもなり得る」ということを問いかけたいと思いながら製作をしました。ーテキスタイルデザインとグラフィックデザインの違いはどこにあると考えていますか？　グラフィックデザインはコミュニケーションが全て。一方で、テキスタイルデザインは暮らしや労働環境にまつわるものだと考えています。いずれにしても、私個人の美学を反映させることが使命だと思っています。ー近年は、服やインテリアテキスタイルなど、人々の日常により身近なものを積極的にデザインしている印象です。人々の暮らしに寄り添うものをデザインすることについて、どのように考えていますか?　私が普段デザインを手掛けているレコードジャケットも買った人が大切に保管し、人によっては部屋の中に飾ってくれるようなものだと思っています。つまり私の仕事というのは、どのようなアウトプットであろうとも「日常生活という体験の一部でそれに寄与するもの」だと考えています。（聞き手：古堅明日香）

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【インタビュー】インテリアデザインで「羊が暮らす田園風景」を保存する——ピーター・サヴィルがテキスタイルデザイナーとして表現したかったもの

サンローラン（SAINT LAURENT）　最初にご紹介するアイテムは、太めのブラックレザーを編み繋げた「サンローラン（SAINT LAURENT）」のブレスレット。アンティークシルバーのプレートが鈍く光る、落ち着いた大人の表情を見せるジェントルな一本です。身に着ける度に柔らかく馴染む気品溢れるレザーブレスレットは、オンオフ兼用で楽しめるのもポイント。SSENSE で購入するサンローラン（SAINT LAURENT）　「サンローラン（SAINT LAURENT）」からもう一本、カジュアルスタイルをお茶目に楽しむブレスレットをピックアップ。細かく編まれたラムスキンのコードが重なるモードなオーラの中に、パイナップルのチャームを採用した大人の余裕と色気を感じるユニークなアイテムです。SSENSE で購入するサルヴァトーレフェラガモ（Salvatore Ferragamo）　ブランドのアイコン「ガンチーニ」がきらりと光る、「サルヴァトーレフェラガモ（Salvatore Ferragamo）」のブレスレット。均等に編み込まれたブレイド状のカーフスキンが美しい、シンプルさの中に気品を感じる一品です。カジュアルにもドレスにもマッチする、程よいボリューム感も惹かれるポイント。SSENSE で購入するボス（BOSS）　ミニマムなフォルムがメンズの手元にマッチする、「ボス（BOSS）」のブレイドレザーを採用したブレスレット。ダークグレーのコードがコーディネートに紳士的なやわらかさを加え、気取らない大人のスタイルを完成させます。カジュアルはもちろん、スーツにもよく似合うブランドのポリシーが反映されたアクセサリーです。SSENSE で購入するヴェルサーチェ（VERSACE）　魅惑的な色気を堪能できる「ヴェルサーチェ（VERSACE）」のコードブレスレットはアイコニックな「メデューサ」をメインに構築。ブラックとカーキの2色を編み込むことで重さを抑え、シーズンを問わずに着用を楽しめるデザインに仕上げています。SSENSE で購入するマルニ（MARNI）　大人のカジュアルスタイルには、爽やかなアイテムも取り入れたいところ。「マルニ（MARNI）」からは、ネイビー＆ブラウンというカラーの相性が抜群に良い、メンズにとって馴染みのある組み合わせをチョイス。ダブルラップで存在感をだしつつも、鮮やかなネイビーとクリーンなシルバーで清涼感をプラスしています。SSENSE で購入するトム ブラウン（THOM BROWNE）　爽やかで明るいトーンのカジュアルスタイルがお好みであれば、トリコロールカラーも忘れてはいけない色の組み合わせ。「トム ブラウン（THOM BROWNE）」のブレスレットは、レザーとゴールドの質感、カラーリングが見事に融合。ブランドが持つセンスとカラーバランスの良さで、大人のプライベートシーンを手元から華やかに演出します。SSENSE で購入するヴァレンティノ（VALENTINO）　コードブレスレットの名の通り、テキスタイルの紐でシンプルにデザインした「ヴァレンティノ（VALENTINO）」。ラフなフォルムながら、アイコンのVロゴと妖艶なダークパープルで大人の繊細な色気を表現。さりげなく儚いムードに心惹かれます。SSENSE で購入するルグラム（Le Gramme）　パリ発のシンプルで優雅なアクセサリーをリリースしている「ルグラム（Le Gramme）」からは、クリーンなシルバーで結ばれた、ずっと身に着けていたくなるような一本をチョイス。繊細さとミニマムな表情が魅力的な、テキスタイルのコードブレスレットでセンシュアルなさりげなさを手に入れて。SSENSE で購入するアレキサンダー・マックイーン（Alexander McQueen）　　最後にご紹介するのは、ユニークな安全ピンモチーフでコードを繋げた「アレキサンダー・マックイーン（Alexander McQueen）」のブレスレット。遊び心を満たすデザインと、どこをとってもおしゃれに見えるアクセサリーはデイリーユースに活躍する予感。チェーンブレスレットと違い、重なる音や擦れのダメージが少ないコードブレスレットで、色気溢れるジェントルなスタイルを楽しんでみては？SSENSE で購入する

Alexander McQueen

MARNI

THOM BROWNE

SAINT LAURENT

VALENTINO

メンズの手元にエレガントとセクシーを、リアルプライスが嬉しいコードブレスレット10選

1-ジル・サンダーとは何者？これまでのキャリア・1968年にドイツで会社を設立　ジル・サンダー氏は1943年11月27日、ドイツ北部のシュレスヴィヒ＝ホルシュタイン州ヴェッセルブレン生まれ。ハンブルクのクレフェルト・スクール・オブ・テキスタイル専門学校を卒業後に、渡米しカルフォルニア大学に2年間在籍しました。その後、ファッションエディターとして活動。雑誌の撮影用を通してメーカーに服のデザインを提案するうちに、ファッションデザインの依頼を受けるようになりました。帰国後の1968年にドイツ・ハンブルグにセレクトショップ形態のブティックと、自身の会社を設立。1973年にパリでプレタポルテを発表しましたが、1980年に撤退。ただ、1985年に拠点をミラノへ移し、1987年にミラノコレクションにデビュー。1997年にメンズラインを開始するなどブランドが軌道に乗り始めたところで、プラダグループが株式の75%を取得し傘下に入ります。・2000年に「ジル サンダー 」のデザイナー退任　ブランドのその後　上手くいくようなタッグでしたが、方向性の違いによりジル・サンダー本人は2000年にデザイナーを退任。2003年にクリエイティブディレクターとして復帰するも、再度経営陣との不和により2004年に同職を辞任しました。後任としてラフ・シモンズ（Raf Simons）をクリエイティブディレクターに起用し、ブランドの若返りを図るも、ブランドはプラダグループが2006年にイギリスの投資会社Change Capital Partnersへ売却。2008年にはオンワードホールディングスが傘下に収め、先日「メゾン マルジェラ（Maison Margiela）」や「マルニ（MARNI）」などを擁するイタリアのOTBグループが買収すると発表しました。現在、クリエイティブディレクターはルーシー・メイヤー（Lucie Meier）＆ルーク・メイヤー（Luke Meier）夫妻が務めています。・「ユニクロ」をファッションアイテムに昇華した　デザイナー ジル・サンダー氏　2004年にブランドを離れてからジル・サンダー氏はしばらくファッションの表舞台に姿を現すことはありませんでした。ジル・サンダー氏がデザインした最新アイテムが渇望される状況が続く中、約5年の時を経た2009年3月にジル・サンダー氏が代表を務めるコンサルティング会社とファーストリテイリングのデザインコンサルティング契約締結が発表。「＋J」コレクションをスタートさせたほか、ユニクロの商品全体の監修を行い、これまでとは違ったデザインエッセンスを加えることでインナーウェア一辺倒だったユニクロがファッションアイテムをデリバリーしていることを認識させるきっかけとなりました。「＋J」コレクションは2009年秋冬コレクションからスタート。ファーストコレクションから完売商品が続出するなど話題を集めましたが、デザインコンサルティング契約の終了に伴い5シーズン目となる2011年秋冬コレクションをもって終了。その後、ラフ・シモンズの後任として2013年春夏シーズンからブランド「ジル サンダー」のクリエイティブディレクターにジル・サンダー本人が復帰しました。しかし、2014年春夏コレクションを最後に再度ブランドから離れ、以降は趣味のガーデニングや美術活動に取り組んでいました。そして2020年秋冬シーズンに約9年ぶりとなるファン待望の「＋J」コレクションが登場。11月12日に2021秋冬夏コレクションが発売されます。2-キーワードは「ミニマル」と「巧みな素材使い」・隅々までジルサンダーの哲学が行き届くミニマル　ジル・サンダー氏は服作りに取り組む姿勢から、「鉄の女」とも呼ばれるほど妥協を許さないクリエイターとして知られています。特にジル・サンダー氏を理解する上で「ミニマル」というワードは必ず抑えたいところ。シンプルと似て非なるのがミニマル。単調なデザインではなく、細部まで緻密に計算されムダを極力削ぎ落としたデザインが多くのファンを魅了しています。ジル・サンダー氏は「＋J」2020年秋冬コレクションの冊子に収録されたインタビューで「私が育った北ドイツは、全てのものが透けて見えそうなくらい太陽の光が透明で明るい。折り目のディテールがはっきりと見えるのでごまかしが通用しません」と語っており、幼少期の体験が色味から素材感、そしてデザインにまで繋がっていることを明かしています。・天然素材から化学繊維まで網羅する素材使い　素材使いの巧みさも特徴の一つ。伝統的な極上の素材で作られたラグジュアリーなアイテムも人気ですが、実は最先端素材にも積極的なのは意外に知られていない事実。オリジナルで生地作りから関わるなど、サステナブルを意識した素材開発は現在の＋Jにも反映されています。最高級素材からナイロンやポリエステルなどの化繊まで幅広い素材を用いているからこそ、ミニマルなデザインでも魅力的なアイテム群を揃えることが可能になっています。・着た時に発揮されるシルエット　ミニマルと聞くと、平面の無機質なシルエットをイメージするかもしれませんが実はとても構築的なパターンで作られていることが多いのも特徴。着用者にストレスを与えずに、絞るところは絞り可動域を残しながらゆったりと流れるようなスタイルを感じさせてくれます。特に動いた時に起きる揺れや生地のうねりなどフルイドまでを見越してデザインされているところこそが、ミニマルの女王という異名の由来ならではでしょう。3-ジル・サンダーが手がける「＋J」の特徴　そんなジル・サンダー氏のクリエイションをユニクロ価格で提供しているのが「＋J」。当時のファーストコレクションを見たファッション業界関係者が「間違いなくジル・サンダーだ」と感嘆するほど「＋J」はジル・サンダー氏のデザインが再現されています。現在の「＋J」は、「モダン・ユニフォーム」がコンセプト。さまざまな場面やあらゆる気候に対応できるベーシックな服を提案しています。代表的なアイテムはもちろん、ジル・サンダー氏も愛着があるという白のシャツ。ドローイングではなく、身体の上でフィッティングを繰り返すというジル・サンダー氏による緻密に計算されたシルエットで、ミニマルかつアクティブな活動が可能なデザインが特徴になっています。4-「＋Ｊ」、のアイテムは？　発売間近。2021年秋冬コレクションの詳細は？＞＞詳しくはこちら　全36枚のルック画像を交え、気になるアイテムを紹介。＞＞詳しくはこちら　一足先に実物を着用レビュー。メンズ アウター編。＞＞詳しくはこちら

UNIQLO

JIL SANDER

ジル・サンダー氏とは？─ミニマルの女王の華麗なキャリア

　デジタル上での発表は前回の2020-21年秋冬コレクションに続き2回目。今回のコレクションはある人物との対話から構想が始まった。彼女の名はローレン・ワッサー（Lauren Wasser）。モデルとして活躍していた2012年、ローレンは生理用品が原因でトキシックショック症候群を起こし、右足の膝下、そしてその約5年後には左足を切断する。デザイナーの中里は困難な状況下にあっても、強いメンタルでモデルとして復活する姿を今の時代背景に重ね、「これからの時代を象徴するミューズ」としてプロジェクトへの参加を依頼。数回に渡るオンラインでの対話の中から得たインスピレーションを服作りのプロセスに投影させた。　中里はまず、ローレンの採寸データをコンピューターに取り込み、数値的な情報を"布に記憶させる"という作業を行った。ローレンが愛するという自然から取り入れられた色彩を、江戸時代から伝わる着物など異なる布をつぎはぎにする手法「ボロ」のイメージで配色し、スパイバー開発の微生物発酵によって作られるタンパク質素材「ブリュード・プロテイン（Brewed Protein™）」の生地に印刷。液体に浸すと生地が縮んで形が変化し、体のラインに沿ったテキスタイルパーツが出来上がる。この最先端技術「バイオスモーキング（BioSmocking）」で制作された28枚のユニットを組み合わせ、ローレンの体型にぴったりと沿う一着のクチュールピースを完成させた。組み合わせ次第で8通りのピースに変化する構造で、完成形は、重力を感じさせない立体的なシルエットに仕上がった。これは中里が「記憶を可視化し、記憶など目に見えないものをまとう」姿を具現化したものだという。　ドレスの他に、クチュールピースとローレンのゴールドの義足に調和するシューズを制作。レースアップのシューズは、靴紐が義足と一体化している。ローレンは通常用とハイヒール用の義足をオケージョンによって履き替えるそうで、「自分の体を交換し、体自身をデザインしている」という行為に、中里は"ファッションの未来"を感じたという。　公式スケジュールに先駆けて国内メディアに向けて配信されたプレビューに参加した中里は「個と向き合うクチュールは、着る人のために仕立てられている。しかし昨今、服との関係性において距離が近いはずの"作る人"と"着る人"がかけ離れている」と話す。昨年7月、中里は前回のコレクションのテーマとなったオンラインオーダーメイドプロジェクト「Face to Face」を始動。来る2月には循環型の新オーダーサービスもスタートさせるという。既存の概念をアップデートし、1点物をもっと身近なものに一人一人に届けたいという"万人のためのオートクチュール"を目指す中里の挑戦は続く。

YUIMA NAKAZATO

MUZE

義足モデル ローレン・ワッサーとの対話から見えたファッションの未来「ユイマ ナカザト」21年春夏オートクチュール

― エミリーさんがファッションに目覚めたきっかけは？　具体的な出来事が何か一つあったわけではないですが、ファッションに関しては母や叔母を通して学んだと思います。彼女たちは子どもの頃に着ていた服をクローゼットに残していて、私は4年生ぐらいの頃から母のお古を借りてコーディネートするようになりました。ファッションとの出会い、というとその体験がふさわしいかもしれません。　デザイナーという仕事があるということを理解し始めたのはもっと後。高校の卒業が近づき進路について考えている中で、ファッションの学校に行って、それをキャリアにもできるんだ、と思うようになりました。― パーソンズ美術大学ではなぜメンズウェアを専攻したのでしょうか？　学校の課題でメンズ服を作ってみて、私の中で「これは拡げていける」と感じたからです。あとは、自分が着る服を仕事として作ることに興味が湧かなくて。自分や女友達が着るために服を作ること自体は大好きなのですが、その服の周りに一から世界観を作り出すことには興味がなかったというか。自分とは全く違う趣味があって、着こなし方があって、フィロソフィーがある……私の直接的な経験とは違うところにいる「誰か」のために服をデザインする、というアイデアのほうがしっくりきたんです。ボーディのデザインは私にとってパーソナルなものでありつつ、メンズウェアは私の"外"にあるものなので。― メンズウェアを手掛ける女性デザイナーは未だ珍しい存在ですよね。　そのこと自体が、他のメンズブランドとボーディを差別化させていると思います。ボーディでは、女性が主に担ってきた伝統やクラフトを、メンズウェアの文脈に持ってきているんです。それは例えば、手織りだったり、刺繍だったり、修復することだったり、キルトだったり、パッチワークだったり。　ボーディで使っている素材は、女性の家着として昔よく使われていた生地や、女性によって作られた生地など、"女性中心"のものがほとんどです。だから、ボーディが使っているファブリックには、家庭という空間、コンフォート、家、家族…というアイデアが内在していると思うんです。ミュージシャン ハリー・スタイルズもボーディのファンとして知られている。ハリーが着用しているSenior Cordトラウザーズは定番アイテムで、購入時に自分の好きなモチーフ等についてボーディのスタッフがヒアリングし、オリジナルのドローイングを施してくれる。― 家庭というコンセプトに関連して、子ども服のようなユーモラスな要素もデザインに見られます。　子ども服は常に興味の対象で、ボーディでも子ども服やベビー服を展開しています。子ども服の、気まぐれで、ボーイッシュで、ちょっと風変わりで、手仕事を感じられる、そんなところが大好き。子ども服の周りには「感情」があると思うんです。それは、出産や誕生日など人生のイベントに合わせてギフトとして子ども服を贈ることが多いのも関係していると思います。子ども服になぜ「感情」を感じるのか？ ボーディではそのアイデアをメンズウェアのフォーマットに落とし込んでいます。― それこそ、ボーディの服を「エモーショナル」と表現する人が多いですよね。どのような方法で服に感情を落とし込んでいるのでしょうか？　クラフトへの情熱と、扱っている生地がどこかのタイミングで人の手によって作られている、ということを念頭に置きながら服を作ることでしょうか。ハンドクラフトを大切にしたり、ちょっと風変わりなものに注目してみたり、家庭的な要素を持った生地を使うようにしたり。　一点物の服に関しては、使っているアンティークのテキスタイルはどれも誰かに愛されてきたものたち。だから、それらには人間的なタッチだったり、「生き続けるもの」が宿っていると思うんです。ボーディの服に関して、エモーショナルと同じく「コンフォーティング」と言われることも多いです。長い間、誰かに愛されてきたものなので、感情がファブリック自体に備わっているというか。生地に織り込まれているんです。　ヴィンテージ素材を使っていないものに関して、例えばレプリカのようなアイテムで、昔は手縫いだったものを今はミシンで縫っているとしても、服の背景にある考えやコンセプトは今も健在している。だからボーディは、素材からハンドタグ、コピー、イメージメーキングまで、その感情が残るように意識しています。― 現状、アンティーク・ヴィンテージ素材はコレクションの何割を占めているんでしょうか？　シーズンごとに違いますが、平均で40％くらいです。アンティークのテキスタイルに限らず、デッドストックの素材も多く使っています。中には200年前のテキスタイルもありますね。― サステナビリティの文脈で語られることも多いですが、ボーディが実践するアップサイクリングはクラフトへの愛から始まっているんですよね。　そうですね。ボーディでやっていることは、単にアンティーク生地を再利用するのではなく、それらに付随するクラフト技術や伝統を守ることなんです。だからすでにある素材だけに集中するのではなく、（素材を新たに作ることで）その伝統を途絶えないようにしたり、再生させることも大事だと考えています。　サステナビリティへの取り組みについては様々な歯車があって、100年以上の歴史を持つ家族経営の工場に生産をお願いしたり、ソーシャルグッドな要素を持つ企業と仕事をすることを意識したりしています。― ヴィンテージ生地はどこで買い付けているんでしょうか？　コレクションによりますが、多いのはニューイングランドやミッドウエスト。あとは、コレクションで頻繁に使うティッキングストライプはフランスで調達したり、ウォールブランケットは英国やアイルランドなど、ヨーロッパもたまに行きます。ただ全体的に見ると、アメリカが多いと思います。― アンティーク生地を選ぶ時の基準は？　来歴で選んでいます。歴史的に重要な視点が込められたものなのか、どこから来たものなのか、誰が所有していたものなのか。あとは、家庭内の伝統的な文化や歴史的な意味で、どんな役割を果たしていたものなのか。もちろん、繊細で複雑な刺繍など、テキスタイルに見られる手仕事も重要です。― アトリエにはたくさんの生地がありそうですね。ボーディが提案している男性像もコレクター的なイメージですし、いわゆる最近のトレンドであるコンマリ的なシンプルライフとは逆行していますよね。　そうですね（笑）。今Zoomをしているこの場所に最近アトリエを移転して、これまで集めてきたテキスタイルなどはここにまとめるようにしたんです。仕事も大切ですけど、同じくらい、仕事外の人間関係も大事にしたい。私生活のパートナーにとって、ゆっくりしたい家にボーディのインスピレーションクローゼットがあることが良いとは限りませんから（笑）。仕事から離れつつ"住みやすい"家をキュレーションすることは、今の課題なんですよ。― 今回インターナショナル・ウールマーク・プライズで発表したコレクションについて教えて下さい。　アーティストで私の友人でもあるベンジャミン・ブルームスタイン（Benjamin Bloomstein）の幼少期が着想源です。教育や経験など、何が今日の彼を作ったのか？ 彼の経験から、再利用、自給自足、サステナビリティといったカルチャーを抽出し、服に落とし込んでいます。ボーディによる受賞コレクションから、馬のショー用ブランケットを再利用・リメイクして作られたオーバーコートやスーツ、1930年代に稼働を終えたニット工場のステッチサンプルから着想を得た、追跡可能で認証済みのメリノウール・ジャカードニット、メリノウールを個別にかぎ針で編んだ何百もの小花の集まりによって作られたハウスコートなどが登場。ユナイテッドアローズ、ユニオントーキョー、メイデンズショップ、フリークスストア、FAYE、リリー デル サローネ、HNW Storeなどで販売中。― 賞金として10万豪ドルを獲得しましたが、ボーディで次にしたいことは？　今回のウールマークとの取り組みを通して出会ったマニュファクチャラーとの仕事を続けていきたいです。これまで仕事をしたことがなかった工場と繋がりができ、素晴らしいサンプルを出してもらうことができたので。― 2021年春夏コレクションの発表予定は？　近々バイヤー向けに発表します。プレス向けの発表は、お店に並ぶ時期を予定しています。コレクションの発表の仕方や時期について今後どうしていくのかは考え中です。― 拠点を置くニューヨークはロックダウンに入ったり、新型コロナの影響が大きかった一年だったかと思います。エミリーさんの考え方にはどのような変化がありましたか？　私個人ではなく会社として、一時停止することや、時には「ノー」といっても良いんだということを学びました。気がつけばずっと走り続けていたんです。常に複数のプロジェクトを進行していて、それら全てを納得のいく良いものに仕上げるのは、とっても難しい。時にはスケジュール的に厳しい納期もありますし。ロックダウンによって一度強制的に止まらざるを得なくなったことで、「私達が本当に集中すべきことは何なんだろう？」と考え、優先事項を整えることができました。それは例えば、ECサイトへの注力だったり、新しいスタジオを作ることだったり。― 最後に。色々とあった2020年ですが、今年買って最も良かったものは何ですか？　"飼った"という意味では犬です！ 買ったわけではないんですが（笑）。ワイアーヘアード・ポインティング・グリフォンという犬種で、母親から譲り受けたんですがまだ子犬なんですよ。マンデイという名前。今この取材中もアトリエで走り回っていて、いたずらっ子ですがとっても可愛いんですよ。エミリー・アダムス・ボーディ米ジョージア州アトランタ出身。パーソンズ美術大学でメンズウェア、Eugene Lang Collegeで哲学を学ぶ。自身の名を冠したメンズウェアブランド「ボーディ（BODE）」は2016年にデビュー。2019年にLVMHプライズのファイナリストに選出され、2020年インターナショナル・ウールマーク・プライズでカール・ラガーフェルド・アワードを受賞した。（聞き手：谷桃子）

BODHI

NY発ブランド「BODE」に聞く、エモーショナルな服の作り方

Y.O.N.文化服装学院出身の西岡遙が手掛けるメンズブランド。「好きなものを好きな方法で」をコンセプトに、得意とするテーラリングに現代の服飾の技術を加えてアイテムを製作。2017年秋冬シーズンに「キャッチボールアンドサンズ（Catchball&Sons）」から現在の「ワイオーエヌ」にブランド名を変更し、「2017年度 Tokyo 新人デザイナーファッション大賞」ではプロ部門に選出された。＞＞記事内の新作アイテムは予約購入サイト「TWO:REVERSE（ツーリバース）」でプレオーダー受付中#1 FLARE SLEEVE AKHA JACKETFASHIONSNAP（以下、F）：2021年春夏コレクションのテーマは「TAUPE」で、トープグレーという色から着想を得たということですが。西岡：最初は「庭」をテーマでやろうと思っていたんです。それはコロナで自粛が続く中、外に出て自然に触れたいなという思いからで。ただ「庭」という土着的なイメージは、ブランドに合わないなと考えたんですよね。最近は色を縛ってコレクションを作っているということもあって、気になっていたトープグレーという色から「TAUPE」にしました。調べていくと「TAUPE」はフランス語でモグラという意味で、エレガントな色なのにネイチャー感があるというところがブランドとマッチしているなと思ったんです。F：なぜ色を縛ってアイテムを作るようにしているんですか？西岡：「キャッチボールアンドサンズ」の時はテーマに伏線を持たせたりしていましたが、それが制約になって自由なクリエイションができなくなってしまったんですよ（笑）。あと、色で縛って統一感のあるテーマにした方が、MD視点でコレクションを作りやすいというのもあります。F：このジャケットはそのトープグレーカラーを採用したものになりますね。西岡：最初はオリジナルで生地を作ろうかなと思っていたんですが、伊CANONICO社のスーツ地に出会い一目惚れして。オリジナルで作ると染色がうまくいかないことが多いということもありますし、これはイメージにぴったりの色だったので即採用を決めました。結構久しぶりにインポートの生地でジャケットを作りましたね。F：生地は平織なんですね。西岡：綾織のほうがメンズっぽくて好きなんですが、今回はどちらかというとドレッシーな雰囲気にしたくて。シルエットもウエストのシェイプやベルスリーブなど割とエッジがきいた、メンズでは珍しいセクシーさを感じさせる形に仕上げました。今まではボックスシルエットばかりだったので、ジャケットのシルエット表現は新しい取り組みの一つですね。F：シルエットでセクシーさを追求した背景は？西岡：オーバーサイズはもういいかなという感覚があって、だからと言ってタイトも違うなと。それで行き着いた形がこのシルエットなんです。F：袖の切り替えが特徴的です。西岡：切り替えや装飾パーツはタイの少数山岳民族の民族衣装から影響を受けています。本来は原色で切り替えられているんですが、シーズンテーマに沿って同色系の生地で接ぎ合わせました。＞＞FLARE SLEEVE AKHA JACKETの予約はこちらのサイトへ#2 SPRING KNIT CARDIGAN F：続いてはデザインを削ぎ落としたシンプルなカーディガンです。西岡：テーラードが欲しくても高くて買えない人のために、うちのイメージを簡略化して、でもシーズンの雰囲気を出したアイテムを作りたくて。なのでフロントラインなどジャケットのディティールを取り入れたカーディガンになります。 F：ニット地ですがシルエットが綺麗ですね。西岡：こちらもウエストがシェイプしていて、先ほどのジャケットも前合わせを深めに作っているんですが、そのイメージでカーディガンの方もセミダブルのような形にしました。ウエストのシェイプは2段階に調整ができ、気分によってシルエットを変えることができます。シルエットを出すために、素材には高い伸縮性・形状記憶性がある特殊なバネ状の分子構造を用いたニット素材を使用しています。F：ジャケットにもついていますが、珍しいボタンの形ですね。西岡：イメージしたのは半分に切ったときのトリュフの形なんです（笑）。単純に美しかったからというのもあるんですが、トリュフと言えば高級感。そこがいいなと思って作りはしたものの、この話をすると結構な確率でバイヤーの方に笑われてしまって（笑）。F：ワイオーエヌでは高級感を大事にしている？西岡：そうですね。ただカーディガンも3万円以下にしたりと、今回全体的に少し価格を抑えています。もっと若い世代の人にも着てもらいたいと考えたためです。＞＞SPRING KNIT CARDIGANの予約はこちらのサイトへ#3 TENCEL PRINTED S/S JACKETF：シャツのように見えますが、名称はジャケットなんですね。西岡：これもジャケットをベースに作りました。襟はテーラードカラー、ただ袖もテーラードにしてしまうとバランスが悪いので、シャツまでではないですけどカマ底を浅くしています。F：素材には独特のハリ感がありますね。西岡：木材パルプを原料とした環境への不可が少ないテンセル素材です。オリジナルで樹脂加工が施されているので、プリント面と非プリント面の硬さの違いで起きるパキパキとした風合いが特徴で。生地屋さんが試したい技術があると言って教えてくれたもので、面白いなと思いオリジナルで作りました。F：これまでのコレクションでは半分以上のテキスタイルをオリジナルで作っていましたよね？西岡：そうですね。でも今回はこのジャケットとカットソーだけです。もちろん好きな柄を入れたければオリジナルで作る必要がありますが、そもそも日本の生地は優れていますから。F：このジャケットはどんな服と合うと思いますか？西岡：中はTシャツ、下はパンツならなんでもあうと思いますよ。個人的には同色が気分なので、うちのパンツじゃなくてもいいんですけど全身白とか同色であわせたらカッコいいと思います。同色コーデにはまっているせいか、ルック撮影の時もスタイリストさんに「同色でお願いします」とオーダーしちゃうほどで（笑）。それが今の気分なんですよね。＞＞TENCEL PRINTED S/S JACKETの予約はこちらのサイトへ

Y.O.N.

【連載】今決めたい、最新・最鋭アイテム -Y.O.N. 2021SS-

ニュースタンダードカラーの黒マスク　これまでは黒マスクというと少しストリートに寄り過ぎ？と思っていた人も多いのでは。マスク着用が普及してからはすっかりマスクのスタンダードカラーに。こちらは夏の蒸れ対策にも嬉しいメッシュレイヤーのマスクです。ストラップのステッチにも注目。Farfetch で購入する　ジップディテールがアクセントの「モストリー・ハード・レアリー・シーン（Mostly Heard Rarely Seen）」のマスク。ロックなテイストかつ"お口チャック"のユーモアが効いたデザインです。Farfetch で購入する　ストレッチ ジャージを使用した「ウォルフォード（WOLFORD）」のブラックマスクはボンディング加工を施し、鼻と口をすっぽり覆ってくれる大きめサイズが◎。売上は全額新型コロナウイルス感染対策の活動に寄付されるとのこと。SSENSE で購入する　黒地に白のアイコニックなアローのロゴがプリントされた「オフ-ホワイト c/o ヴァージル アブロー（OFF-WHITE c/o VIRGIL ABLOH™）」のマスク。ストリート要素が強いですが、アンジェリーナ・ジョリーは黒のマキシドレスに合わせて可憐に着こなしていました。こちらも売り上げは新型コロナウイルス感染対策の活動に寄付されます。SSENSE で購入する人と差をつけられるユニークなプリントマスク　新型コロナウイルスの基金やニューヨークの小規模アーティスを支援するプロジェクトの一環としてアート作品のコンサルティングやキュレーションを担う「ウェデル・アート（Wedel Art）」が製作したマスクセット。アーティスト6名の作品がプリントされており、その日の服や気分によって選べるのが嬉しいですね。MATCHESFASHION で購入する　トロピカル柄が夏らしい「アミール・スラマ（Amir Slama）」のマスクセット。無地の白Tシャツに合わせてプリントを目立たせてみて。Farfetch で購入する　ロンドン拠点の「ナターシャ・ジンコ（NATASHA ZINKO）」のマスクは思わずつられて笑ってしまいそうなスマイリーのデザイン。ユニークなグラフィックと目を引くネオンイエローカラーは注目されること間違いなしです。Farfetch で購入する　大胆ながらも使い勝手が良さそうな「ピンコ（PINKO）」のレオパードプリントのマスク。白Tシャツや黒Tシャツのシンプルなコーディネートのポイントとして取り入れてみては？Farfetch で購入する　フローラルプリントのパッチワークがスイートでキュートなナターシャ・ジンコのマスク。手作り感がありつつも、リサイクルマークのロゴやストラップに入ったブランド名でさりげなくブランドをアピールできます。Farfetch で購入する　オールドスクールらしさが際立つイエローチェック。秋のファッションにもぴったりな柄で、このマスクを軸にスタイリングを組んでみるものあり！？Farfetch で購入する　最後に紹介するのはニューヨークを拠点にする「コリーナ ストラーダ（COLLINA STRADA）」のマスク。デッドストックのテキスタイルを使用し、サイドのリボンの結び目が斬新で、ファッションマスクの可能性を広げてくれるような独創性のあるデザインです。売り上げは全額新型コロナウイルス感染対策の活動に寄付されます。SSENSE で購入する※表示価格は全て各サイトにおける販売価格を反映しています。※本記事で紹介されているマスクは防護マスクではありません。

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