インサイド

── 2025年春夏の東コレを見ての率直な感想は？── 今季見た中で特に印象に残ったブランドや、注目のブランドは？ ── 日本の若いブランドが世界のマーケットに進出していくためには、何が必要でしょうか？

BALMUNG

pillings

yoshiokubo

Kota Gushiken

HIDESIGN

YUEQI QI

KAMIYA

Fashion

海外のファッション業界人に聞く、「東京ブランド」の今

ー今回の東コレに感じた印象を教えてください。ー他国のファッションウィークと比較して、東コレの特徴は？ー日本のブランドが海外に魅力を発信していくために必要なものは？ー印象に残ったブランドを1つ教えてください。ージャーナリズムが形骸化したファッション業界において、今ジャーナリストに求められるものは？

AKIKOAOKI

SHINYA KOZUKA

HARUNOBUMURATA

今の「東京ブランド」は海外ジャーナリストの目にどう映るのか

　「ケイスケヨシダ」が立教大学の正門をショー会場に選んだと聞いた時、吉田が小学校から大学までの16年間をそのキャンパスで過ごしていたことを思い出し、正直「またそこに戻るのか」と思ってしまった。吉田にとってのグランドゼロを会場に指定し、自分の内面を抉り出したような“エモい”ショーが繰り広げられるのだろうと予想したのだ。何も悪いことではない。ただ、過去2シーズン、自分の個人史から始まったクリエイションを早めに手放すことで、新たな境地を迎えたように見えた吉田のクリエイションを、まだもう少しだけ見てみたいと思ってしまっただけだ。　ただ、その予想はあっけないほど簡単に裏切られた。吉田は、2019年秋冬コレクションでも立教小学校の制服をモチーフにしているし、2021年秋冬コレクションでも「思春期」をテーマに自分の冴えない中学時代の佇まいをルックに投影している。今回のショーでもファーストルックはランドセルを片手に、大きな制服を着崩したモデルが歩いてきた。今までと違うのは、モデルがトボトボ歩いたりすることもなく、続くルックや演出においてもコンプレックスを煮出したような暗い様相を感じられなかったことだ。吉田が、これまでに、学生時代からのコンプレックスを作風にしてきたことを考えると、このカラッとした溌剌さはブランドが新たな境地に着実に向かっていることを感じさせる。　立教大学を会場に選んだこのショーを、吉田はいくでらもエモくすることができたはずだ。それをしなかった吉田に好感を持った。もし、33歳の吉田圭佑が自分史だけを切り出し、全てを出し切って母校でショーをやったのなら、それはもうほとんど回顧展のような様相になってしまったと思う。30歳いくばくで分かったように語るのはみっともないし、いま語り切ってしまうのは勿体無い。もう少し年齢を重ね、クサいくらいの総括や物語が堂に入るまではもう少しだけ取っておいておきたい。そういった吉田の意思を勝手に感じ取ったし、その考えに強く同意した。　話題をさらった前回のフィジカルショー、そして初めてパリでのルック撮影に挑んだ前シーズンのコレクションを見て、勝手ながら吉田を日本の生物学者に今西錦司に重ね合わせることが多くなった。彼は登山家・探検家としての肩書も持ち、生涯をかけて多くの山を完登した。今西は、なぜ山に登るのかという問いに「山に登るとその頂上からしか見えない景色があって、そこに次の山が見える。山に登らなければ、次の山は見えない」という金言を残した。効率的に一本道を歩む方法もあるが、寄り道をしながら曲線的に歩みを進めることでしか得られない風景もある、と今西は言う。　吉田はここ2シーズンを「大きな変化があった」とし、その状態を「輪ゴムを引っ張り続けているような緊張感を保ち続け、2024年春夏コレクションの撮影で、引っ張り続けていた輪ゴムの手を離すようだった」と例えた。「ある意味、自分から遠ざかれたことが大きな収穫だった」と吉田は続ける。　自分から始まったものを早い段階で手放した吉田は、端的に言えば「力みすぎない」術を会得し始めている。半年間懸命に取り組んだアイテムを早い段階で他者に委ねること。「力みすぎない」という芸当はなかなかに高度な技術で、不安も伴うものだと予測する。「力を抜く」と「力を入れない」では同じようで全く意味合いは変わる。一度、山頂に到達した人にとっては「力を抜く」ことになり得ることも、山頂を知らぬ人が行えばそれは、ただ力を入れていない「不足」を意味しかねない。吉田が早い段階で、自分史から手放すことができるのは、吉田がこの9年間で何度も何度も、自分史を掘り下げることで“山頂”を知っているからこそ許される芸当だ。　輪ゴムが張り詰めれば張り詰めるほど弛緩の勢いは強くなるように、自分史から始まったものから意図的に遠ざかったクリエイションには圧倒的な強度がある。それほどまでに大袈裟ではなく、エモいわけでもなく、急に社会的な風景を感じさせるわけでもなく、ただの自分史で終わらせるほど野暮じゃないクリエイション。自己と普遍の間で、自己から離れようとしていくからこそ、そのクリエイションは胸を打つ。吉田の所作をみながら、自分史を通さずに、社会の一員として社会的事象をなぞるだけでは、それこそただ表層をなぞるばかりでしらけてしまうと確信した。30代という年齢ならなおのことだ。人生を振り返るほど成熟しているわけでも、がむしゃらに自分に向き合うほど青臭くもいられない。ある種、最も社会と強固に繋がれる、何者にでもなり得る年齢。そんな30代だからこそ、自分を立脚点にすることで、社会との強烈な接続を可能にするのではないだろうか。　立教大学の敷地内には、小学校から大学までの校舎が一つの大きな箱庭に集約されている。人間の人生の中でも最も濃い時間の、始まりから終わりまでが1ヶ所に集中しているというのはなかなかに強烈なことだ。そんな特殊な磁場を持つ一貫校における卒業式ほど、別れと程遠いものもない。学年が変わろうとも通う学舎が変わるわけではなく、しかもクラスに集まる面々も卒業したとてそう大きく変わらないのだから。経験則も踏まえると、一貫校における卒業式は、どちらかといえば親や教員など、大人のための祝祭といったほうがしっくりくる。それを思えば、ショーに出てきた一輪のバラを持った女の子（卒業式では大抵一輪の花が渡される）は、不思議と大人の女性に見えてくる。改めてルックを見ると、卒業式を迎えた女の子というよりは淑女の雰囲気を醸し出しており、それは先生や母親が持つ、頼り甲斐のあるキリッとした顔つきと上品な佇まいだけが印象に残る。なので、彼女に声をかけるとするならば「卒業おめでとう」ではなく「3年間、お疲れ様でした」なのかもしれない。 　そんな風に今回のショーで登場したモデルは、吉田が明確に打ち出した人間像ではなく、自分の記憶の中にある装いを追随するような印象を覚えた。ミッション系大学では見覚えのある牧師、ボーイスカウトの少年少女、授業参観に着てくれた母親、黒板の前に立つ先生など、学舎に通っていればいくらか見覚えのある人々がランウェイを歩く。話を聞けば、今回のモデルはルックに合わせてキャスティングされたそうで「今までで一番人間像がなかった」と吉田も認めた。　服そのものに目を向けてみる。学生時代からのコンプレックスを作風にしていた吉田が、コンプレックスではなく「学生時代に育まれたもの」に目線を向けていることがじんわりと伝わってくる。この学校で当たり前に過ごしてきた日々が、実は吉田の美意識を育んでくれていたことに気がついたのかもしれない。以前、吉田に「学校の指定カバンだった茶色いランドセルはとても味の出る革で、高学年になればなるほど、色味も落ち渋くなる。僕の周りではボロボロであればあるほど『カッコいい』とされていて、親に買い換えられないギリギリを攻めながら革のランドセルを育ていたんですよ」と、彼のファッションの原風景を教えてもらったことがある。ハンドルが取り付けられ、ショルダーベルトが取り払われたランドセルや、襟に収まっていないネクタイ、スカートの丈を短くするために折られたスカート、引きずるほどに長いベルトなどは、校則の中でなんとか自分のファッションを見出そうとし背伸びをしていたあの頃を思い返す。　中盤に登場した、手を後ろに拘束するように巻かれたマフラーは、校則の厳しい私立学校の生活か、はたまた「ファッションを真剣に学びたかったのに、親の反対を押しきれず大学に進学した」吉田の投影か。過去のコレクションの中でも多用されてきた紫色も、立教大学の正門を前にすると、立教のスクールカラーであることを思い出させ、吉田が無意識ながらも立教が掲げるエレガンスの象徴＝紫の影響を受けていることを浮き彫りにする。細い身頃と太い袖によって形成される前傾姿勢のシルエットはオーバーサイズながらどこか脆弱で、校舎を歩く猫背の青年を描き出す。こう書き出してみると、このコレクションはショーの演出に頼らずとも、十分に場所とルックだけで説明にたりうる強度を持っている。 　今回のランウェイは、長い一本道で吉田はそれを「人生のようだ」と思ったそうだ。人生ならば、何度も往復する必要がない、とフィジカルショーの定番であるフィナーレは行われなかった。代わりに、吉田が長い一本道を爆走した。今回のショーが立教大学で行われるとわかり、吉田が文学界に寄稿したコラムを読み直した。今から3年前に綴られたコラムは、最後、こう締めくくられている。「ショーの最後、ランウェイに駆け出すと、いつも思わずお辞儀をしてしまう。ひょいっと手を挙げて挨拶ができるようになる日が僕にもいつか来るのだろうか」（「文學界」2021年8月号）。　この日行われたショーで、吉田はいつものように高速でお辞儀をし、手を合わせた後、右手をひょいっと挙げたのだった。記憶にある限り、吉田がひょいっと手を挙げたのはおそらく今回が始めてだ。そんなところにも、ケイスケヨシダが新たなフェーズに入りつつあることを感じさせるのだ。　ファッションの強みは、自分が思ったことや、やりたいことを既存のルールやゲーム、しがらみなど関係なしに表現できる軽やかさにあるところだと思っている。周りに目配せをして、態度を変える必要もない。そこが、ほかの芸術文化（特に昨今の現代アートシーン）には無い強みだ。父親の死の影からクリエイションを始めた「ソウシ オオツキ」、コントの中で日常を切り取った「コウタグシケン」、自分自身の違う側面を女性性で提示した「カナコサカイ」、ラグジュアリーの憧れとギャップを吐露した「ヨウヘイ オオノ」、歳を重ね忘れてしまいそうなことを忘れないようにもがく「ピリングス」。今シーズン、東京でショーを披露した多くのブランドが冒頭の指摘の通り“自分史から何かを見出そう”としている。その中で、自分史の半径1mで作るクリエイションか、吉田のようにできるだけ遠くを目指すようなクリエイションかは千差万別。ただ、デザイナーには、自分の中で納得する必然性がそこにありさえすれば、それだけで完結しうるほどの熱量とパワーを持つことが許されている。なぜなら、ファッションには「最終的に、着たくなるようなイケてるものであればいい」という視覚芸術と市場が近いから。最後の物差しが「かっこよくて、ダサくなくて、イけていればいい」というわかりやすさは、途中のプロセスをどこまでも大胆に、アクロバティックにさせてくれる。私はそのやりすぎなくらい飛躍した表現を見ることが、毎シーズン楽しみで仕方ないのだ。

“山頂”を知っているからこそ許される芸当　母校凱旋の「ケイスケヨシダ」24年秋冬コレクション

　ミスターイットは、デザイナーの砂川（いさがわ）卓也が2018年にスタート。エスモードパリ（Ecole International de Mode ESMOD Paris）を主席で卒業後、2012年に「メゾン マルジェラ（Maison Margiela）」に入社し、メインコレクションに加えてオートクチュールのデザインにも参加。現在はメゾン マルジェラで積んだ経験を元に、オートクチュールのテクニックを身近なアイテムに落とし込んだコレクションを展開している。　そんなミスターイットにとって初のランウェイショーとなった2024年秋冬コレクションのテーマは、「クチュール リズム（couture rhythm.）」。「オートクチュール」とは技術だけでなく、人の存在や身体、嗜好を捉える態度が中核にあるものと考える砂川が、服が作られる過程で発生する音や、人と人との触れ合いの中にある目には見えない律動といったブランドやクリエイションを取り巻く様々な「リズム」を、多様なテクニックと表情豊かなディテールに落とし込んで表現したという。　美しいドレープや、裾に複数走る大胆なスリット、構築的なペプラムスカートの下から覗く豊かなチュール、サイドや背中にたなびくスカーフ、胸元やウエストから垂れ下がる装飾のコードといった、クチュールの技術がふんだんに詰まったディテールの洋服たちは、軽快なビートを刻むBGMに合わせてモデルが一歩踏み出すごとにリズミカルに揺れ、その音や動きとともに、ファッションの楽しさが観客の心にも届いてくるような小気味良さがあった。ほぼ全てのルックで「couture rhythm.」のセンテンスが胸元のバンドで示されていたのも、ドレーピングにおける基点が胸元にあることから着想を得て作られているといい、クチュリエらしい遊び心に思わず微笑みが浮かぶ。　凝ったディテールやデザインのアイテムが多いものの、アヴァンギャルドにはならずにどこか身近な印象を与えるのは、砂川が学生時代から好んでいるという、歴史を感じるクラシックであたたかみのあるキャメルやベージュカラーのテーラリングをベースにしていることや、曽祖父の代からスカーフを作る家庭に生まれたという出自を反映させたカラフルでレトロなスカーフ使い、ハンガー型バッグや背中に付いたカラフルな三つ編み、大きくてふかふかしたハートのモチーフなど、遊び心溢れるチャーミングな要素を織り交ぜているところも大きいだろう。　加えて、以前から糸の開発も手掛けるほど素材にもこだわっている砂川は、今季のアイテムの一部に、協和ホールディングスが新たに始動したファブリックブランド「デコンファブ（decon FAB）」との協業で開発したサステナブル素材を採用。デッドストックの贅沢な生地に今の技術を用いて加工を施したシャツ地や、コットンで再現したウールメルトン素材、シルク着物を綿に戻して糸にしオーガニックコットンと混ぜて織ったデニムなど、「“クラシック”に現代のエッセンスやテクニックを融和させることで今の日常に浸透するものを作り出す」というブランドの思想に沿った選択を、生地選びでも行っている。　ミスターイット初のランウェイショーが五感で体感させてくれた「クチュール リズム」の楽しさや小気味良さは、時間が経った今も筆者の中にしっかりと残っている。今回のショーは、「オートクチュールの考え方を現代に解放し、パーソナルなものづくりの楽しさや自由さを共有し、現代の生活や日常にしなやかに馴染む実践を行っていく」という価値観を持ち、「身近なオートクチュール」をブランドコンセプトに掲げる同ブランドのエッセンスが凝縮された、まさにこれ以上ない名刺代わりのようなショーになっていたのではないだろうか。

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「ミスターイット」が初のランウェイショーで奏でた、ファッションの楽しさや愛を届ける“クチュール リズム”

　これまでも、「流動的なファッションに固定的なプロダクトを融合させる」「アイテム単体ではなく全体性に着目する」「肩やウエストから背中へとデザインの重点を移動させる」「シューズを起点に全身をデザインする」など、毎シーズン独自の視点やアプローチを探求してきた坂部が2024年秋冬コレクションでテーマとして提示したのは、「ファッションと物語性」だった。　ここで言う「物語性」とは、元々神様や土着的なものと人間との関係から生まれたという民族衣装などをはじめとした、「個人の思い出や心とファッションとの関係性」を表すような物語のことを指す。2024年秋冬コレクションでは、「白無垢」や「産着」といった神社や神道にゆかりのある神聖な装束を連想させるような、純白のジャケットやドレスのルックが豊富に登場したほか、1970〜80年代の不良少女たちの間で流行した「スケバン」スタイルなど、今の時代というよりは、日本という土地の歴史や文化をより長いスパンで見たときの記憶や思い出を取り入れているように見えた。　近年のファッショントレンドとして長らく「ストリート」や「ミニマル」が台頭してきた中で、ここ数シーズンは「プロダクト」自体のクオリティや機能性、価値といった部分に興味があったという坂部。しかし、今再び90年代のマルタン・マルジェラ（Martin Margiela）による「ディコンストラクション」をはじめ、「物語性」や「装飾性」などが少しずつ回帰している流れを感じたといい、「今はファッションにおける物語性というものが、新たに生まれ変わるきっかけになる時期なのかもしれない。物語性を取り入れることで、ファッションに対してまた違う角度から愛着が湧くのではないかと思った」と語る。　デザイン面では、過剰な丈やボリュームをはじめ、シャツやジャケット、パンツといったアイテムが、通常の着方とは全く異なる形で装飾として用いられているドレスやパンツ、内側が半分表に出たようなデザインのバッグなど、敢えて「人間の身体にぴったり合わないもの」を取り入れることで、違和感を生み出すことを意識したという。　今回坂部がもう一つ重点を置いたのは、ルックやショーの「全体性」だ。今回のコレクションでは、ほぼ全ルックで統一された、目元が全く見えないほど長く大きくせり出した幽霊のようにもスケバンのようにも見える前髪や、まるでミラーボールのように顔面に塗りたくられたラメなど、「顔」の演出が非常に特徴的だった。坂部は、「目元まで隠すことによってモデルの“顔”という個性を消し、顔ではなく身体全体に目が行くようにしたかった」とその意図を説明する。時代が変わればおしゃれとされていたアイテムが変わるファッションの流動性を、着る人や空間でおしゃれかどうかが左右されるファッションを成立させる関係性という本質を捉えるためには、プロダクトのクオリティだけで評価する近視眼ではなく、全体感で見る必要があると考えたのではないか。そのため「東京クリエイティブサロン2024」の支援のもと、だだっ広い代々木第一体育館を舞台にした背景には、観客に遠くから俯瞰してショーを見て欲しいという想いがあったのだと思う。　今回のショーには、事前募集で募った一般客も多数来場。開演前の会場外には、平日の夜にもかかわらず大勢の若者たちが行列を作り、坂部が手掛けるフットウェアブランド「grounds」のスニーカーを履くファンの姿も多く見受けられた。このように通常ではあまりない規模感でのショー開催となったため、観客はスタンド席からアリーナを縦に走るランウェイを肉眼で遠目に見つつ、前方頭上のスクリーンを通してディテールを見るという鑑賞スタイルとなった。

MIKIOSAKABE

「ミキオサカベ」が観客に問いかける、“全体”としてのファッションがもたらす新たな視点

　ショーを終えてデザイナーの青木明子が話した「女性が自分の部屋に戻って“服を脱ぐ”という行為は、自分が生きている社会の中からひとつの身ぐるみを剥ぐようなもの。そういった『服を脱ぎ着している瞬間』は、着替えのプロセスかも知れない。でも、脱げかけていたり、着ている途中の様子って本当に『途中の姿』なのかな、というところからインスピレーションを得た」という考え。センシュアルなものが昇華されていくことをイメージしたというショーの音楽で「女性が持つ優しさや、何かを受け入れたり諦めたりする哀愁みたいなものを表現したかった」とも青木は話す。同氏が提案する、諦念と静けさを持ち、ある種前時代的とも捉えられるしとやかな女性像の正体は何なのだろう。　15年間女子校生活を送った青木には及ばないが、筆者も6年間女子校に通っていた経験があり、アキコアオキのクリエイションや価値観に勝手に親しみを感じている。女子校で過ごす思春期は、同世代の同性たちと暮らす中で、ジェンダーロールなんてものとは無縁に、大人の声など耳に入らず、ただ人間としての自己存在を思い悩む日々だった。のびのびと育んだ自尊心と自己愛は、卒業後に放り出された現実の男性優位社会の中で大きな壁にぶつかる。社会の中でサヴァイヴするために覚えた愛嬌や賢さは静かに己を傷つけ続けている一方で、そうして塗り固めた自分像を解くことへの恐怖もある。そういった回想の中で思い浮かべた「自室で服を脱ぎかけ（着かけ）ている女性の姿」は、裸以上に脆く、完璧に服を着た姿よりも真正な、生々しい「人間」だった。　よく言われる「ファッションは武装」という言葉を筆者も信じている。しかし今回アキコアオキが提案するのはその「武装」を解く過程を過程として捉えず、「脱ぎかけている過程に見る美意識」としてそこに一つの価値を見出す。　アキコアオキの2024年秋冬のテーマは「完成しきる前のプロセスの中にある美意識」で、「過程は本当に過程でしかないのか？」という着想のもと、先に考えたデザインを目指して服を作るのではなく「布の動きと対話するように、布の“性格”に合う“哀愁”を追求することで、プロセスの中でゴールを見つけた」という。 　脱ぎかけのジャケットをそのまま巻きつけたようなドレスやスカート、たくしあげ腕を通している時のシワが入ったようなランジェリーキャミソール、ウエストが脱げかけたようなのパンツなど、コレクションには脱衣または着衣の動作を連想させるディテールのアイテムが多く登場した。そこには、過剰な貞操観念の押し付けで、生まれ持った本能を透明化されてきた女性たちの衝動を肯定するようなピュアなセンシュアリティが存在するように思う。タイトスカートやジャケット、シャツなど、社会的な記号は、青木の手により、女性の身体の上でセクシャリティを持って崩される。  　2024年春夏シーズンに登場したレースレギンスは、今シーズンも目を引いた。現在一部取扱店では販売が開始され、早速注目を集めているのだが、個人的には今春のトレンドとして黒レースのタイトなボトムに注目しており、アキコアオキが先駆けとなるのではと密かに予想している。　抜け感のある服装に、インパクトのあるクラシカルなシルバージュエリーを合わせるのも絶妙なバランスの色気がある。今回スタイリングに用いたネックレスなどのジュエリーは全て、フィンランド発の老舗サステナブルジュエリーブランド「カレワラ（Kalevala）」の作品。具体的なモチーフを持たず、しっとりとした質感や有機的なものを表現するのが特徴のカレワラは、今回の完成しきらないプロセスに見出す美意識というテーマにマッチする。　「東京クリエイティブサロン2024」のオープニングイベントとして開催された今回のショー会場となったのは、代々木第一体育館の倉庫。レースやサテンなど、しなやかで繊細な生地を着崩した女性たちが、冷たく無機質な剥き出しのコンクリート壁に囲まれて佇んでいるという違和感は、無防備でピュアな人間そのものの色香を際立たせていた。　アキコアオキの本質を考えたとき、そのひとつは強さではなくおおらかな優しさで私たちに寄り添い前を向かせるたおやかさにあるのではないかと思う。これまでのユニフォーム的な要素、袖を通してみるとわかるコルセットのように背筋が伸びる仕立ては、特に「武装」だったように思うが、自由に布の赴くまま人間と服の関係を捉え直すアプローチは、新鮮ながらどこか懐かしさからくる安心感もあり、「武装としてのファッション」という概念をも解放するようだった。

裸以上に脆く、服を着るよりも真正なもの　アキコアオキが捉える官能と哀愁

　2024年秋冬コレクションを作り上げる上で、スタート地点となったのは「純粋さ」。純粋とは何なのか、自分たちにとっての純粋さを追い求める中で、アメリカ出身のアーティスト キース・ジャレット（Keith Jarrett）が闘病中にそばで支え続けてくれた妻 ローズに捧げたアルバム「The Melody At Night, With You」に出会ったという。純粋さを表現するうえで同アルバムが持つ背景やサクセスストーリーに共感し、アルバム名にもある「With（共に）」を今回のコレクションテーマに設定した。会場では「純粋」「ピュア」の花言葉を持つサンダルシーが来場者に配られたほか、ランウェイと観客の距離感をこれまでのショーよりも近く設定し、インビテーションもデザイナーが一枚一枚手書きで仕上げるなど、コレクションテーマも随所に反映させた。　ミューラルの特徴の一つは、色鮮やかなドレスを引き立てる多種多様なアクセサリー。昨シーズンの2024年春夏コレクションでは、約1000メートルのワイヤーを使用したディップアートがショーのラストを飾るなどひと際存在感を放っていた。2024年秋冬コレクションでは、ピアスやネックレスなどの"付属品"は極力削ぎ落とし、それらを差し引いたあとに浮かび上がる純粋さを表現。アクセサリーに頼らないワンピースルックやドレス、ジャケットスタイルは関口が描いた力強い女性像そのものだった。　ヘッドピースとして「ラメゾンドリリス（La Maison de Lyllis）」とコラボレーションしたニット帽を発表。アンゴラ生地のニットキャップは、包みこまれるような柔らかさを触り心地、軽さ、毛の立ち方に落とし込んだという。鮮やかなブルーのドレスやキルティングのダウンとともに、ブラック、ホワイト、グレーのヘッドピースがアクセントとして登場した。　今回のコレクションで、特に目を引いたのはベルベットのキルティングアイテムとレザージャケット。フードベストやスカート、ヘアバンドなどのキルティングアイテムは、コレクションキーワードである「夜」を構成するビル群や街の風景を記号的に解釈したモチーフを、グランドと毛で染め分けしシャンブレーしたオリジナルのベース生地に刺繍した。ショーのフィナーレを飾ったレザージャケットにはコード刺繍、平刺繍、3D刺繍の3つの技法を採用。小さな面積の中に細かな立体性を表現したという。レザージャケットや収縮ナイロンに配した花柄デザインは、村松が関口に告白した際に渡したダリアをイメージし、村松にとってのwithを服へと落とし込んだ。

MURRAL

ミューラルが追い求めた「純粋さ」、削ぎ落とし浮かび上がるピュリティ

　今回、ブランド設立から6年目にして、初めて東京ファッションウィークに参加したフォトコピューがコレクション発表の形式として選んだのは、ショーではなく「エキシビション」だった。デザイナーの竹内はその理由について、「私たちはきれいに繕ったものよりも日々の生活の中に潜む隠された美を好みます。ショーでの一瞬の表出よりも、着用者の内面に関して想いに耽る時間を取ることが、翻って奥行きのある服のストーリーを伝えていく術になるのではないかと思いました」と語る。　フォトコピューというブランドは、元々デザイナーの竹内が渡仏中に、自分や周りの友人たちのために制作を始めたドレスがきっかけで誕生したのだという。その成り立ちから派生するように、会場にずらりと並んだ28体のマネキンに着せられた服には一着ごとに名前が付けられ、「ジョイはレコードショップのオーナーだ。彼女は物理的なものしか信用しない」「ジュリアンは図書館司書だ。彼女は口が悪い」といった具合で、職業とその人についてのちょっとした情報が短いテキストで記されていた。　マネキンたちは、それぞれスーパーのビニール袋や紙袋、パリのメトロの切符、煙草と新聞、飼い犬などを手や小脇に抱えており、それらは全て架空の人物でありながらも、記された言葉と相まって、まるで一人ひとりの人物像や日常生活の風景が目の前にゆっくりと浮かび上がってくるかのような、不思議で感動的な体験だった。　今回の展示の主旨は、あくまでブランドに一貫するコンセプトや思想、人物像を提示することに重きが置かれていたものの、2024年秋冬シーズンのテーマとして掲げられていたのは、「見過ごされがちなものへの愛」。北欧デザインの巨匠 アルヴァ・アアルト（Alvar Aalto）の側で、自分を犠牲にしながらアルヴァを支えた妻でありデザイナーでもあったアイノ（Aino）という女性の存在と、ブランドの象徴的アイテムである“名もなき大衆のための服”としての「ワークウェア」をリンクさせながら、何気ない日々の暮らしや人々の営みの中で、見過ごされてきた光景やものごとを拾い上げ、可視化することを目指したという。　ブランドのアイコンである「ワークドレス」は、デザイナーのある個人的な体験から生まれたそうだ。パリの古着屋で、それぞれの持ち主と過ごした時間の痕跡を色合いに残したワークウェアたちが群像劇のように佇む美しさに魅了された竹内は、自身も袖を通してみたものの、女性である自分の身体には全く馴染まず不恰好だったことから、「女性の体や精神がもっと魅力的に見えるワークウェアが欲しい」と自ら手掛けることにしたという。　そんなワークウェアやワークドレスをはじめとして、フォトコピューが提案する服たちは、一見すると平凡で大衆的な印象を与えるアイテムに思えてしまう。しかし、近くでじっと目を凝らしてみると、ハイエンドで表情豊かな生地や、大量生産の大衆服では決して見ないようなユニークなディテール、美しいシルエットやバランスにはっとさせられる。フランスでの服作りを通して「シルエットの重要性を強く感じた」という竹内は、服としての全体のシルエットだけではなく、シームやポケット、襟といった服に必要なディテールやパーツを全てオリジナルでデザインし、「原型から作る」ということを大事にしていると話す。“気持ちの向かう先は、いつも陰ながら努力をする人。誰も見ていなくても、自分の信念のために手を抜かない人。とても美しい、理想の姿。服を、どんな人に着て欲しいかと聞かれる。おしゃれに無頓着に泥臭く働く人にこそ、その姿を讃える佇まいを付与したい”（PHOTOCOPIEU 公式サイト「DIARY」2023年2月3日の投稿「本当のミューズ」より）　今回披露された一着一着の服からもわかるように、竹内はランウェイを歩く浮世離れした容姿を持つモデルのためでも、煌びやかで華やかなファッションのイメージのためでもなく、すぐ隣で日々働き生活する友人や隣人、まだ見ぬ誰かの姿や日常を想像し、一人ひとりの誰かのために、細部にまでこだわってその服を作っている。だからフォトコピューの服は、「ファッション」でありながら同時に「生活するための服」であると感じられるのだと、筆者は受け取った。　余談だが、筆者はフォトコピューの公式サイト上で時々更新されている日記の密かなファンだ。そしてその中で、竹内が度々「フェミニズム」との出会いと、それがもたらした気づきや変化について言葉にしているのが印象に残っていた。　今回、展示を終えた竹内に、日本のアパレル企業からフランスへと渡って服作りを行ってきた中での「気づき」について訊ねてみた。すると、日本では仕事でもプライベートでも男性が上で女性が下という、固定化されがちな男女間の立場や上下関係とそれに伴う振る舞いがあるものの、フランスでは性別問わず、よりフラットで対等な関係性や価値観がベースとして根付いていることに気がついたと、明かしてくれた。そして、その気づきを踏まえて自身のクリエイションに反映しているのは、「偽物みたいなものを作らない」ということだという。“例えば、ジャケットの袖口の仕立てがメンズだと本切羽なのにウィメンズだと開き見せになっていたり、内側の仕様も簡素でいいとされていたりすることが多い。でもそういう部分って、だんだん感覚に根付いてきてしまうと思うんです。だから私は、何でも本気で作る。その分値段は高くなってしまうけれど、そこをないがしろにしたくないと思っています”　フォトコピューの服が着ていてとても心地よく馴染みよく感じられるのは、それが「男」でも「女」でもなく、“対等でフラットな「人間」でいさせてくれる服”だからなのかもしれない、と腑に落ちた。フェミニンさを敢えて強調するわけでもなく、男性のために仕立てられた服をそのまま着るわけでもなく、女性の身体や感覚に自然と馴染みながらも、性別を意識せずに「人間」としていさせてくれるように感じる服というのは、実はあまりないのではないだろうか。　今回の東京ファッションウィークで見た数々のブランドの中で、フォトコピューが見せてくれた世界や人物像は、控えめながら最も心に残る体験の一つとなった。

PHOTOCOPIEU

「だから私は、何でも本気で作る」フォトコピューが提示する、泥臭くて慎ましい“人間”の暮らしに寄り添う服

　今シーズンのショーの舞台となったのは、明治末期の洋風建築を代表する歴史的建造物である、上野の「東京国立博物館 表慶館」。大理石の階段を「カツン、カツン」とヒールの靴で降りていく足音が暗闇に妖しく響きわたる演出で幕を開けたショーは、大きな白襟とフロントのクロスのカットが印象的なゴシックスタイルのドレス姿のファーストルックによって、舟山の「好き」と美的感覚に貫かれたダークで美しい世界観の中に、一気に観客を誘った。　フェティコの2024年秋冬コレクションの着想源となったのは、1991年公開の映画「アダムス・ファミリー」（監督：バリー・ソネンフェルド）に登場するウェンズデー・アダムスや、アメリカの絵本作家 エドワード・ゴーリーによる繊細な線画の残酷な作品群をはじめとする、退廃的で皮肉的で陰気ながら、その独特の世界観が魅力的な作品たちだ。舟山は子どもの頃に映画を観た際、キラキラした可愛い女の子たちとは全く違う独自のスタイルを貫くウェンズデーの魅力的な姿に、「人と異なることを恐れない強さ」を教えてもらったという。　そんなウェンズデーのスタイルや世界観を今回のコレクションに散りばめたのは、歳を重ねることをネガティブに捉える世間の価値観や、年齢に応じた“こうあるべき”という決めつけなどによって、とりわけ女性が年齢とともに自由な感性を失ってしまいがちである状況に悲しさを感じたことがきっかけだったと、舟山は話す。だからこそ、「ベルベットのドレス」「レースやフリルがあしらわれた子ども服」「ヴィクトリアン・ゴシック様式のインテリア」「モノクロームのアート」「フェティッシュなスタイル」といった、幼い頃から本能的に惹かれてきたという「いくつになっても変わらずに好きなもの」のエッセンスをふんだんに取り入れた、計36ルックを披露した。　今季を象徴するキーディテールは、ウェンズデーのスタイルを彷彿とさせる「大きな白襟」で、ファーストルックのベルベットのドレスに加え、パフスリーブシャツやセーラーカラーのウールコート、ボア襟のキルティングコートといったアイテムに落とし込まれて登場。また、ボディラインや肌の美しさを引き立てる、レースのような可憐で繊細な編み地が特徴のニットアイテムは、エドワード・ゴーリーの絵本に描かれるヴィクトリア様式の邸宅の壁紙の柄にヒントを得たといい、ボディスーツやジャンプスーツ、ソックス、グローブなど、多様なレイヤードスタイルでコーディネートを彩った。　2024年春夏シーズンに初登場したバッグに続き、今季はイギリスのバッグブランド「ザ・ケンブリッジサッチェルカンパニー（The Cambridge Satchel Co）」とコラボレーションしたサッチェルバッグ「THE MINI」や、パール装飾がポイントのフェティコオリジナルのベルベット巾着バッグが新たに登場。また、同じくイギリスのハットブランド「ミサハラダ（misa harada）」と協業して製作したヴェールやパール、フェザーをあしらった3種類のハットをはじめ、ダークでロマンティックな世界観を完成させるのに重要な役割を果たすアイテムとして、ベルベットリボンのヘアアクセサリーやリバーレースのスカーフ、シルクのナロースカーフ、バラの刺繍が入ったチョーカーといった多様なシルクアクセサリーのほか、レザーのコルセットベルトやヴィクトリア調デザインのレースアップブーツ、ブランド初のジュエリーとなる大きなボールの意匠が特徴のチョーカーとイヤリングもラインナップする。　ところで、「女性の身体を美しく見せる」という点に重きを置いてきたブランドだからこそ、筆者がこれまで少し気になっていたことの一つは、フェティコが想定する“女性の身体”とは、結局は画一的な、背が高くスレンダーな身体のことを指すのではないか、という懸念だった。けれども今回のショーでは、まだ1人だけではあるものの、小柄でグラマーな体型の女性モデルが起用されていた。舟山によれば、自身のグラマーな体型を誇りに、魅力的に思って発信などを行っている彼女のチャーミングさや魅力に惹かれ、今回キャスティングすることに決めたのだという。　フェティコの服には、それを纏った自分の姿に思わずうっとりしてしまうような、自分自身が美しい存在になったように感じて祝福したくなるような、服としての強い美しさや魅力がある。その一方で、「女性性」や「女性の身体の美しさ」というものが強調されることに対して、やや居心地の悪さのようなものを感じてしまう部分もまた、同時に存在するように思う。特に今回のコレクションは、テーマや世界観が非現実的だからこそ、少し浮世離れした美しさとフェティッシュさに、「自分はこのブランドが想定する“女性”にはもしかしたら含まれていないのかもしれない」と、自身との間に距離を感じてしまいそうになる。　しかし、ショー終演後に舟山が語った言葉を聞いて、それは杞憂だと思い直した。彼女が「フェティコ」というブランドと服に込める想いは必ずしも“女性”の枠に限定されるものではなく、本当はもっと広く開かれ届きうるものなのではないかと感じたのだ。“好きなものを大切にすることは、自分自身を大切にしていることと同じ。好きなことに素直な自分はより愛しく思える。お気に入りと共に人生を歩むことは、何より幸せなことだから”　体型に限らず、フェティコが“女性”としてまなざす人が、決して限定的で排他的なものにならず、“女性”という枠を超えてこれからより一層開かれたものになっていくことを期待したい、そう思わされるようなコレクションだった。

FETICO

好きなものを大切にすることは自分自身を大切にすること　「フェティコ」が示す自分を愛しむ方法

　「おまじないをかけたようなお洋服で、自分の中にいるまだ見ぬ自分と出会えますように」という言葉はタナカダイスケのブランドコンセプトである。田中のクリエイションといえば、やはり刺繍が一番に頭に浮かぶ。そのほかにも、パールやビジュー、柔らかなシフォン素材、レースなど繊細なディテールが特徴だが、それらを組み合わし、一着の服になった時の強度は他に類を見ない非凡さがある。 　東京コレクションへは2度目の参加となった、タナカダイスケの2024年秋冬コレクション。ショー会場の床には、カラフルな星のモチーフやスパンコールが散りばめられ、暗闇の中で光を放っていた。また、ショーが始まると、会場中央、モデルを照らす大きなライトの中から、星屑のシャワーが降り注ぐ。それらが何を意味しているのか、田中の口から直接聞くことはできなかったが、おそらくはおまじないをかけているのだろう。ランウェイを歩くモデル、ゆくゆくはブランドの服を着るすべての人に、おまじないをかける思いで服づくりを行う田中らしい演出だ。　コレクションには、学生服を思わせるようなクラシックなジャケットやスラックス、グレーのプリーツスカートとテーラードジャケットを組み合わせたスタイルをはじめ、レースで切り替えたドレスやナポレオンジャケットを模した真っ赤なジャケット、刺繍のブラウスにネクタイを締め傘をさしたスタイルなど、全20ルックが登場。手元には本を持ち、フレームレスの眼鏡をかけたモデルも多く見られた。羽が生えたフレームを通して読む本には、どんなことが書かれているのだろうか。そんな想像が膨らんだ。　終盤に登場した、繊細な花の刺繍を施したピンクのジャケットとパンツのセットアップは、目を凝らして見ると、胸元にはウサギのイラストが刺繍で施されていた。どこか子どもじみた、でも癒されるモチーフは、子どもの頃に母が持ち物にした刺繍を思い起こさせる。思えば、あの刺繍もおまじないだったのかもしれない。ショーのラストには、壊れたオルゴールのような音楽とともに、ピンクのシフォンドレスが登場。フリルを段々にあしらった美しいスカートのフォルムには、おとぎの国に迷い込んだような、純粋な少女時代の夢を彷彿とさせた。　魔法とは所詮は架空のもので、実在はしない。しかし、プリキュアの変身に魅せられた少女時代のように、装うこと、変身することで人はいつでも、いつまでも魔法にかかることができる。ショーの序盤、会場に流れる女性の声が、優しく柔らかにこう歌った。秘密の箱に眠っている記憶は今もきらめいたまま星の屑を集めてみるまやかしみたいなおまじない終わりのない遊びの続き僕は王子様　君は姫様針と糸とほんの少しの魔法があれば 夢の中へ

tanakadaisuke

「タナカダイスケ」が針と糸とほんの少しの魔法で表現した”まじないをかけたような服"

　不安な気持ちを煽るような低音のピアノの音楽とともに、ショーは幕を開けた。ファーストルックに登場したのは、大ぶりの襟に木の実のようなボタンをあしらったブラウスにオーバーサイズのジャケットを重ねたスタイル。その後も、ブラックのハイネックやグレーのウールコート、ケープに、定番のハンドバッグ「ピアーダ（PIADA）」を小脇に抱えたモデルが続々と登場。シンプルで無垢な佇まいには、ハルノブムラタが提案してきた芯のあるエレガンスを感じさせるが、ただ無垢なだけではなく、バッグやボタン、シューズに控えめに、でもはっきりと光るゴールドのパーツは、ハルノブムラタらしい軽やかなエッセンスを加える。 　同コレクションのインスピレーション源となったのは、写真家のアウグスト・ザンダー（August Sander）の作品「舞踏会に向かう三人の農夫（THREE FARMERS ON THEIR WAY TO A DANCE）」。タイトルの通り、慣れないタキシードに身を包み、シルクハットを被り杖をついた3人の若い農夫を捉えた写真作品だ。ハルノブムラタといえば、2023年秋冬コレクションでは写真家のジャック＝アンリ・ラルティーグ（Jacques Henri Lartigue）、2024年春夏コレクションでは写真家のスリム・アーロンズ（Slim Aarons）や映画監督のルカ・グァダニーノ（Luca Guadagnino）が切り取った情景や女性のスタイルなどをインスピレーション源に挙げ、洗練された女性像をなぞらえるようなコレクションを発表してきた。そこから一転、今回は“おしゃれを知らない”田舎者の農夫をイメージしてコレクションを製作し、そのままコレクションタイトルにも名付けたのは、一体なぜなのか。　舞踏会に向かう3人の農夫は、一体どんなことを考えながらカメラの前に立ったのか。たった一枚のモノクロ写真には、もちろん色も匂いも音もないが、不思議にも、装いによる彼らの高揚感は伝わってくる。お気に入りの服に袖を通すと背筋が伸びるような、純粋なファッションの楽しさ。村田は「ザンダーは、人々の写真をまるで生物図鑑のように人間味を消しながら切り取った写真作品を残している。しかし、人間味を消そうとする中にも感じ取れる人間臭さに惹かれて、そこを出発点としてコレクションの製作にあたった」と話す。作品を通して人々の人生や人間味を切り取るザンダーの姿勢は、村田の“服そのものではなく、その服を着る女性”、つまりリアルな人間にフォーカスしたものづくりに通ずる部分と言えるだろう。 　コレクションの中で特に目を引いたのが、光沢のあるコートやダウンジャケットだ。一見して、ダメージ加工のようにも見えるそのディテールは、よく見るとかすれた花のようなプリントが施されている。アウグスト・サンダーが撮影した、戦地に向かう飛行士が着用していたアビエータージャケットから着想したというこのシリーズでは、戦争に向かう男の未来への希望と絶望、またザンダーが積極的に写真に残していた都市の繁栄と退廃といったコントラストを比喩的に表現したという。　コレクションのキーアイテムとなったロングブーツなどのシューズは、全てオリジナルで製作。ザンダーが切り取った当時の農民が実際に使用していた木靴の型をベースに現代的なデザインに昇華した「バウアー（BAUER）」をはじめ、ブランドのアイコニックなゴールドのモチーフをあしらった厚底シューズやロングブーツなどが登場した。　ジュエリーなどの装飾はあえて少なく、これまで以上にミニマルなスタイルに仕上げたが、村田はそれを「冷たさを感じるのではなく、人間味に溢れたミニマリズム」と表現する。そんなミニマリズムの表現はモデルのヘアメイクにも現れ、無造作に掻き上げたショートヘアやタイトに結んだ髪、流れるように下ろしたロングヘアなど様々。男性性と女性性の介在として、あえてどちらの性にも偏らないスタイルにしたという。　村田はかつて、ブランドの中心にある「エレガンス」の概念を「余裕から出る色気」と説明していた。しかし、今回の着想源ともなっている見栄を張る人間味溢れる様というのは、余裕のある姿とは相反するもの。それでは、少し背伸びをして正装に身を包んだ三人の農夫の姿はエレガントではないのだろうか？　余裕から生まれる美しさはあるが、そもそも美しくいようとする姿勢がなければ、どんなスタイルも生まれない。真に優雅なスタイルとは、派手なヘアメイクや華美な装飾がなくとも成立するもので、むしろ、人間味溢れるリアルな生活から滲み出るスタイルにこそ、真のエレガンスは宿るのではないか、村田が提示したかったのはそうした美意識なのだろう。

着想源は三人の農夫？ハルノブムラタが提案する“人間味溢れるミニマリズム”

壮絶な業界の裏側をエンタメにー「ファッション!!」の制作の経緯を教えてください。　元々、ギャグやエッセイしか描いたことがなく、「ダルちゃん」という作品で初めてストーリー漫画を描いたんです。その後、ストーリー漫画をもう少しやっていきたいと思う中で、次回作について担当編集さんに相談したのがはじまりです。ちょうど「ファッション業界っておもしろいな」と感じていた時期で、この業界を舞台にした作品を描きたいという思いがあったので、担当編集さんと何回も話し合って方向性を固めていきました。ー構想自体は以前からあったんですね。　そうですね。5年程前から構想はありました。ーストーリーの方向性が決まった後に、「週刊文春WOMAN」での連載が決まった？　はい。週刊文春WOMANの編集長の井﨑彩さんと、久しぶりに食事をする機会があって。井﨑さんは彼女が「クレア（CREA）」の編集者だった頃からお世話になっている方で、食事に行った際に「うちで連載しませんか？」といったお話を頂いたんです。載せてもらえる媒体を探していたタイミングだったので、うまく話がまとまっていったという感じでしたね。ーファッション業界に興味を持ったきっかけは？　10年前、漫画家デビューをしてまもない時期に自分と同じく宝塚ファンだった友人と2年ほどルームシェアをしていたんです。その子はファッション誌の編集やスタイリストのような仕事をしていて、人手が足りない時には手伝うこともありました。撮影の様子など裏側を見る機会もたまにあって、次第に興味を持ち始めました。ー服はもともと好きだったんですか？　美大の油絵科出身だったこともあり、キレイめな服を着たいとか、服にこだわる気持ちは当初あまりなかったんですが、ルームシェアをしていた編集者の子は少ない給料で20万円の毛皮のコートを数十回ローンとかで買ってきたりするんですよ。そういうファッショニスタたちのある意味狂った感覚を間近で見ていくうちに、私自身も服の魅力に惹かれ始めて。デザイナーをはじめ業界内に知り合いが増え、職人気質なクリエイションや唯一無二なデザインに触れる機会が増えていくうちに、さらに魅力を感じるようになりました。面白いと思える服が好きなんだと思います。ーファッション業界で働く友人の手伝いをされていたとのことですが、具体的にどういった仕事を？　ラグジュアリーブランドの服を借りに行ったり、展示会やショーの受付をしたこともありました。ーファッションに関わる仕事をしてみていかがでしたか？　ファッション業界の表向きのイメージと実態の乖離をすごく感じましたね。ファッション業界というと華やかなイメージが先行しがちですが、作り手は地を這うような努力をして、情熱を持ってクリエイションと向き合っている。私が思っていた世界と違いましたね。また、裏側を見ていくうちに業界そのものの構造について疑問を持つ部分も出てきました。ー疑問とは？　若手デザイナーが業界で生き残っていくためのサポート体制が不十分なように感じています。例えば、「ファッション!!」に登場するジャンくんのようにショーを開催したいとなった際にはかなりの費用がかかりますが、金銭的に余裕がない若手にとっては中々ハードルが高く、チャンスが少ない。こうした課題を含め、漫画を通じて業界の実態を多くの人々に知ってもらって、世の中に問う価値はあるかもしれないと思ったんです。ただ、ファッションに興味ある人がどれだけいるかも分からなかったので、漫画としてどのようにエンタメ要素を盛り込むかというバランス的な部分をまず考える必要はありました。「東京ガールズコレクション」＝ビックリマンチョコ？ー作中では、デザイナーやPR、演出家など様々な業種についてわかりやすく伝えています。　業界の役割すべてを包括して描かれた作品ってあまり無いんじゃないかと思ったんですよね。ファッション業界って実はすごく分断されているような気がしていて。例えばパタンナーの人はパタンナーの仕事しか知らないし、バイヤーの方はバイイングしか基本的に知らない。同じファッション業界にいても、実は知らない部分があるんじゃないかなと。だからこそ、描く意味があると思ったんです。ーファッションに興味がない人にも読みやすい内容だと感じました。　この作品に限らず漫画を描く上で根幹となっている部分なんですが、師匠の東村アキコ先生から、デビュー前からずっと「とにかく田舎の中学生にもわかるようなものを作らないとダメだ」と言われていて。生活圏も年代も違う人たちが理解できるポイントは常に意識しています。1話目のネームは、より分かりやすい内容にしようと15回ぐらいは直しましたね。ーネームを直す際に苦労した点は？　情報として私が伝えたいと思うところと、読み手が求めるエンタメとしての面白さとのすり合わせがすごく難しくて。どうしてもセリフが多くなってしまったり、話の起伏がなくなってしまったり。エンタメとして成り立たせるために工夫しながら描いています。ー第3話で「東京ガールズコレクション」と「東京ファッションウィーク」の違いを「ビックリマンチョコ」と「ジャン＝ポール・エヴァン」に例えるシーンは、分かりやすいだけではなく、くすっと笑ってしまう面白さがありました。　どう例えるか、ずっと考えてたんですよ（笑）。業界の方からしたら東コレと東京ガールズコレクションは「全くの別物」っていう常識も、一般の人にはほとんど知られていないんですよね。どこからどこまでが一般の人にも伝わるラインなのか見極める必要があるので、ファッションに詳しくない編集さんに疑問や意見をどんどん言ってもらうのが重要な工程でした。ー作中ではラインウェイを歩くモデルやショーを訪れた業界人の装いなど、服の細かなディテールまで描かれているのが印象的でした。描く際に参考にされたものはありますか？　色んな年代のストリートスナップは見るようにしています。それこそFASHIONSNAPの東コレスナップも参考にさせて頂いてますよ。また、各話に扉絵を入れているんですが、そこは割と登場人物たちの服をはっきりと見せるようにしているので、ルックからインスピレーションを得てコーディネートを描くことはありますね。ー制作において大変だったことは？　服を描く際、記憶の中には服のイメージが浮かんでいるんですが、欲しい資料の写真が思うように見つからないことは結構ありました。あとは、服の構造やショーの様子は写真を見ればディテールが分かるので割といけるんですけど、背景を描くのは苦労しましたね。ーファッション業界を舞台にした作品は華やかな側面にフォーカスされがちですが、「ファッション!!」はそうでない部分も細かく描かれていますね。　ファッション漫画も色々ありますが、中には上澄みのイメージだけ構築されて現実とあまりにもかけ離れているものもありますよね。全然リアルが見えてこないから、どんどん世間の誤ったイメージが強化されていってしまう。だからこそこの作品を通じて、泥臭く情熱を持ってファッションに向き合っている人がいるんだということを知ってもらいたいです。リアル過ぎる描写は実体験がベースー第1話の冒頭シーンのセリフ「東京はもう退屈」「どのショー見ても同じ」など、業界人のリアルな声が作中に多く登場します。　親しい間柄の友人だと「もう東京はつまらないから、早くニューヨークやパリに見に行きたい」「東コレ見てもしょうがないよ」「面白い服はあるけど、ショーに行っても演出は一緒でときめきがない」なんて本音を漏らすことがあるんですよね。なので、割と現場の生の声みたいなものをセリフに反映しています。ー東京のファッションシーンについては、そういった声も一意見としてありますよね。　気を遣って外では言わないけれど、身内だけになると話すことって結構あるじゃないですか。ファッション業界は特に気を遣う方が多いというか、いろんなパワーバランスがありますし。みんな変だと思ってるのに、誰も言わないみたいな。ダサいのになんでこの人が編集長なんだろうとか...そういう本音の方が聞いてて面白くて。ーはるなさんは東コレは行かれたことありますか？　受付のスタッフとして手伝いに行ったほか、「ドレスキャンプ」や「ノゾミイシグロ」などを見に行ったこともあります。ショー自体は数多く行っているわけではないんですが、知り合いのデザイナーの展示会などは割と伺っています。ーショー会場の受付はかなり忙しそうなイメージです。　そうなんです、編集者やインフルエンサーが次から次へと来るのですごい大変で。ファッショニスタがあれだけ一堂に会しているのを見て、最初は単純にびっくりしたんですが、Tシャツとか普通の格好の人も意外といて、ファッション業界にも色んな人がいるんだなと見ていて面白い場所ではありました。ー作中で「インビテーションを忘れた招待客が受付で名乗ってくれない」といった描写がありましたが、これは実体験ですか？　はい。対応を間違えたら大変なことになるので、めちゃくちゃ気を遣いました（笑）。「顔を見れば私が誰だかわかるでしょ」というスタンスなんでしょうか、分かってもらうことがステータスみたいな文化って、端から見ると結構滑稽に感じてしまいますね。もちろん、他の業界にもルールやしきたりのようなものはあると思うんですが、ファッション業界はそういった部分が露骨に見えてしまう。実はすごく生々しくて人間味が溢れているので、漫画の題材としてはすごく面白いです。ー会話や出来事は、いつか漫画にしようとずっと記録されていたんですか？　経験をどこかで生かしたいなと思っていたので、メモはすごい取っていましたし、バックステージの写真などは割と撮っていましたね。ー作中では、ショー開催に向けて奔走する駆け出しのデザイナー「ジャンくん」の怪しげな言動や表情が不穏な空気を漂わせています。かなり独特なキャラクターですが、どのように生まれたのでしょうか？　実は初期の設定として、そんなに不穏な空気も出さずにもっと穏やかなキャラクターで行くつもりだったんです。編集さんと相談しながら直していく中で、エンタメ的な要素を押し出す意図もあって「1話の最後でバーンと不穏さを出しましょう！」ということになったんです。ファッションの仕事の話をうんちく的にただ語るだけでは興味のない方は付いてきてくれない。先の展開が気になると思わせることができるほどの強烈な存在感のキャラクターは、漫画の展開としては欲しい要素だなと感じて。ジャン君は表面的に見えている性格と本当の顔との乖離があるキャラクターですが、ある意味で物語の根幹をなすテーマを体現している重要なキャラクターだと考えています。ーここまで強烈なキャラクターを生み出したのは初めてですか？　初めてですね。普通に生きていたら知りえない、出会わないようなキャラクターなので中々思いつかなかったです。ただ、山岸凉子先生というサスペンスホラー系の作品を描かれている超大御所の先生にすごい憧れがあって、昔からいわゆるサイコパスな強烈なキャラクターをいつか振り切って描いてみたいなという思いはあったので、今回の作品で目標が一つ実現できたなという感じですね。ーモデルとなった人物はいますか？　どうでしょう....ご想像にお任せします（笑）。人間の「本当のかっこよさ」を問う作品にー連載後の反響はいかがですか？　知り合い以外からの反響はそこまで分からないんですが、全然連絡取っていなかった友人が作品を読んで突然連絡くれたことがあって、それはすごく嬉しかったです。あとは「ヨウヘイオオノ（YOHEI OHNO）」デザイナーの大野陽平さんから「楽しみにしてます」と言って頂きました。ブランドの展示会にも行くくらい、大野さんの服が好きなので、このように言ってもらえて光栄でしたね。ー今月発売された単行本の表紙は、ファッション誌を彷彿とさせるモードなデザインですね。　そうなんです。実際に雑誌の表紙などを手掛けているデザイナーさんにやってもらって。それも宝塚友達なんですけど（笑）。「＆Premiumっぽい雰囲気はどうか」「VOGUEぐらいモードな感じに振り切るのも良いんじゃないか」なんて色々話し合って、結果的にこのデザインに落ち着きました。とても気に入っています。ーはるなさんは宝塚ファンということですが、観劇中は衣装にも注目されるんですか？　はい、宝塚の衣装は本当に素晴らしくて！以前ファッションデザイナーの方と観に行ったら、「あのスパンコールはいくらで、あの布をあれだけ使うということは相当な金額かかってますよ」と仰っていて、服の豪華さに驚かれているのが印象的でした。主役が着る衣装の中には1着1000万円以上かかっているものもあり、唯一無二の素晴らしさがありますよ。ー観劇中は細部まで衣装をご覧になっているんですね。　特に私は女の子のドレスが好きなので、細かくて見えないところはオペラグラスでどういった作りになっているのかすごい見てしまいますね。ファッション業界の人にこそ是非、宝塚の舞台を一度見てほしいです。ー「ファッション!!」の今後の見どころについて教えてください。　ファッション業界で地道に頑張って輝く人の姿も、逆にあまりかっこよくないんじゃないか？って思った人の姿も、業界の問題点も、良い面も悪い面も含めてあらゆるリアルな部分を見てもらいたいです。あとは、ヴィジュアル的に華やかで素敵な服も今後作中で描いていきたいですね。ー同書は"ヒューマンホラー"を謳っていますが、今後はドロドロとした展開が待ち受けているのでしょうか？　もちろんヒューマンホラーという要素はあるにはあるんですけど、この作品にはお仕事漫画的な要素もあるので、しばらくはお仕事漫画的なノリが続くと思います。読者の方の楽しみが減っちゃうのであまり言えませんが。最後の最後でいきなりホラーになるかもしれないし、ならないかもしれません（笑）。ー話数としてまだまだ続いていく予定ですか？　私の構想としては結構長くなるんじゃないかなと思っていて。とはいえ、商業的なものなので売れれば長く描けるし、売れなかったら打ち切られてしまうので1巻が勝負だと思っています。本当に売れてほしいなと思いますし、描けるんだったら長く描きたいですね。ー最後に、作品を通じて読者の皆さんに伝えたいことをお聞かせください。　リアリティのあるお仕事漫画としてあまり知られていない業界の実情を知ってほしいという事に加えて、「本当のかっこよさって何？」という疑問に対するアンサーを読者の方に共有することが、この作品で目指していることです。人間の根本には「かっこよくありたい」「かっこよく思われたい」って気持ちが誰しもあると思っていて、「本当のかっこよさ」とはどういうことなんだろうなってずっと考えていたんですが、最終的に一つの答えに結実したので、それを長い時間かけて作品を通じてお伝えしていきたいですね。（聞き手：長岡 史織）

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サイコパスなキャラクター「ジャン君」はどのようにして生まれた？リアル過ぎるファッション漫画「ファッション!!」ができるまで

トレンドカラーのグリーンはモノトーンと合わせて　　東京ストリートで、今季のトレンドカラーとして注目を集めるグリーン。そんなグリーンを主役にしつつ、黒のベストやワンピース、タンクトップなどシンプルかつモノトーンのアイテムでまとめたスタイリングが多く見られました。スナップページを見るスナップページを見るスナップページを見るスナップページを見るアウトドアからドレッシーまで、様々なアイテムと相性の良いサファリハットに注目　サファリハットはバケットハットやキャップほどストリートな印象はなく、アウトドアやテックスタイルとも合うため様々な着こなしを楽しめます。東京のストリートでは、同系色のバッグやスニーカーと合わせたアウトドアライクな着こなしはもちろん、シャツやローファーなどを使ったドレッシーな装いの外しに使うなど、サファリハットの上級スタイリングが目立ちました。スナップページを見るスナップページを見る

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リアルな東京最旬トレンドは？ 〜モノトーンと合わせるトレンドカラー グリーンに注目〜

ーまずはセヴシグというブランド名の由来を教えてください。　「Seven Seas Kings Leather」の略です。親父が七王建築設計事務所という建築会社を経営していて、七つの海の王様が登場する本に由来しているらしいんです。僕は親父の会社を継ぐことは絶対にないと思っていたので「名前だけ頂戴」と言ってブランド名にしました（笑）。ーアメカジを感じさせるアイテムが多い中、どちらかと言えば西洋を彷彿とさせる「シーリングスタンプ」がブランドロゴになっている謎が解けました。　そうですよね（笑）。ブランドのテーマカラーはトリコロールなんですが、それもブランド名の「海」から連想して決めました。ーセヴシグは、ロサンゼルスや台湾など海外にも卸先があります。海外の反応は日本とは異なりますか？　海外って昔の日本みたいで、「面白いものがあれば入荷してみたい」という一緒にブランドを育てる雰囲気がまだあるんですよね。インスタグラムで写真を投稿すると海外の人から反応があったりもします。ーブランドがデビューしてから9年目でRakutenFWT初参加。　去年の5月に前社を抜けてから初のAWなので、それが参加を決めた理由の一つです。僕だけでブランドを運営して行くにあたって、新しく自分の会社を立ち上げました。今まで出来なかったことを色々やってみようとしている最中で、もちろん1人でのモノ作りは大変ですが、自由度も上がりました。それでこの機会に一度、今の「セヴシグ」を色んな人に見てもらいたいなと思ったんです。だからそもそも「RakutenFWTに参加したい」とか「ランウェイをやりたい」とかが動機ではないんですよね。RakutenFWTは日本で1番大きいコレクションの場だと思うので、単純により多くの人に伝えられるのではと考えたんです。ー2021年秋冬コレクションのコンセプトは？　「元の時代に戻りたい、普通に誰かと会えていたあの頃に戻りたい」という想いを込めました。デザインの観点でも、元々好きだったアメカジの色を、前シーズンより強く打ち出しています。ーRakutenFWTで発表した映像に、コレクションコンセプトはどう反映されましたか？　「前の時代に戻りたい」と「都会から出たい」という2つの側面が色濃く出せたと思います。都会的なデザインが施されたアイテムを着たモデルたちが、おもちゃの箱の中に入って大自然の中に行くんですけど、最後のシーンでは都会に戻ってきます。「何事も、最後は結局戻ってこなくちゃいけない」ということを暗示できればなと。ちょっと今の時代にハマり過ぎている気もするんですが、ストーリー性のあるモノに仕上がったと思っています。ー特に思い入れのあるアイテムは？　「リーバイス（Levi's®）」が、1940年代くらいに出した「ロングホーン」のウールシャツをイメージしたカットジャカードですかね。毎シーズン出しているアイテムなんですが、「天然繊維をなるべく使っていこう」と思い、今回初めてウール100%で製作しました。ー天然繊維にこだわった訳は？　「日本で作られているものが何故良いのか」を伝えたかったからです。日本で作られているモノの良さって、誰が作っているのかを知ることができる点だと思うんですよね。ポリエステルとかだと原料が何処で、誰の手によって作られたのかを知ることはとても難しい。でもウールだと、何処で紡績され、染色されたのかが辿りやすいですからね。ーリフレクター素材がデザインのアクセントになっていますね。　「世の中が明るくなるように」という想いを込めてリフレクターを使用したんですが、大変でしたね（笑）。そもそもロングホーンの生地のシャリ感を表現するのにも苦労したんですが、いざ織り始めたらリフレクター糸が弱くてすぐ切れちゃって「そもそも生地にならないのでは？」という焦りは正直ありました。それから試行錯誤を重ね出来上がったモノは、リフレクター糸に芯糸を入れて強度を高めることができました。構想から3ヶ月くらいかかりましたね。ー2021年春夏コレクションのアイテムにも蓄光糸を取り入れたアイテムが数多くありましたが、理由は？　僕が男だからだと思います。男というか、「男の子」の方がしっくり来ますが、少しギミックがあったり、一見普通に見えるけど何かを加えたら変化するようなものが好きなんです。僕はバイクも好きなんですけど、バイクもおもちゃのように扱っているんですよね。はっきり言葉にするのは恥ずかしいですが、本当に中身が16歳の頃から何も変わってないんですよ（笑）。16歳の頃から変わらずにアニメも、おもちゃも大好き。その少年心みたいなものは、製作にも大きく影響していると思います。 ーパロディや既存作品へのオマージュアイテムも多いですよね。　そうですね。普通に作っても「面白くないな」といつも思っちゃうんですよ。今シーズンでいうとシルク100%で製作したトップスに、映画「羊たちの沈黙」を彷彿とさせるグラフィックを後ろ身頃にプリントしました。絹は蛾の幼虫である蚕の繭から糸が紡がれていることから、蛾のグラフィックが印象的な「羊たちの沈黙」のポスターからイメージしたんです。　僕は21歳で業界に入った頃、元々はグラフィックデザイナーとして活動していたんです。グラフィックというのは受け取る人へメッセージを伝えやすいですよね。例えばこのアイテムだと「これはシルクで作られていますよ」ということはアイテム写真1枚ではなかなか伝わりませんが、グラフィックがあることで伝わる人もいる。僕は、色々な人に様々なことを伝えたくて服を作っているので、必然的にオマージュやパロディアイテムが多くなりますね。受け取り手が服を着ることで、今度は発信者になってくれたらいいな、といつも考えています。 ーブランド初のショップ「7.S.K.L Lab」が渋谷区神宮前にオープンします。　ずっと作りたかったんです。なので1人になったこのタイミングで、元々事務所として使用していた場所を改築してショップとしてオープンします。ーショップを作りたかった理由は？　スペシャルオーダーを受け付ける際に、汚い事務所にお客さんを招くのが嫌で（笑）。決して安くは無いモノで且つ、一生着れるジャケットを買うかもしれない時に、「僕だったらこの事務所で買いたく無いな」と思ったんですよね。あとは純粋に人が集まれる場を作りたかった。なのでお店というよりは「アトリエ」や「ギャラリー」という名前の方がしっくりきます。会期は未定ですが、イラストレーターの古塔つみさんの個展をはじめ、写真家のTREELENCさんや、刺繍アーティストのKOICHIRO TAKAGIさん、タイダイアーティストのYUKIDYEとのコラボレーションイベントを開催予定です。ースペシャルオーダーでは何を選べるんですか？　牛、鹿、熊などから、色や柔らかさ、厚みなども、全てお客さんに選んでもらって製作します。お客さんが持ち込んだTシャツや、生地を裏地に使うことも可能です。スペシャルオーダーに限らずですが、入荷した革は「フルベジタブル」という有害物質を使用しない方法で鞣されていています。ーアトリエにはレザーが張られた机や椅子も置いてあります。　家具もショップで販売する予定です。今、目の前にある机も「コマ（KOMA）」という家具屋さんとコラボして作りました。木を全て手で削り出しているため、木の肌触りがとても気持ちいいんですよ。うちは革の端材がどうしても出てくるので、こういう使い方ならいいかなと思ったんですよね。ーセヴシグといえばレザー。リアルレザーは今のサステナブルの考え方と逆行しているようにも感じます。　僕はむしろ逆だと思うんですよね。ポリエステルや塩化ビニールを作る時に、どれだけの熱量と公害物質が出ているのかはあまりフィーチャーされません。どちらかと言えば「染色の時に水をいっぱい使うから」「除水施設が足りないから」といったことが注目を集めていますが、そもそも水の管理が出来ていない場所ではレザーは作れないんですよね。しかも、レザーは塩化ビニールとは違って使い続けることが出来ます。例えレザージャケットが破れたとしても、僕のところに持ってきてもらえればバッグにリメイクすることも出来る。そっちの方がよっぽどエシカルだし、サステナブルだなと思うんですよね。ーセヴシグで使用されているレザーは全て国内生産です。　個体の生息地も解体も全て国内で「仕方なく狩られてしまった」害獣を使用しています。うちは鹿や熊などのジビエを使っているんですが、意外と知られていない事実としてジビエの皮は山に捨てられることが多いんです。鹿や猪は重すぎて山から下ろすのがとても大変なんですよね。だから、猟師さんは仕留めたあと、足や尻尾だけを役場に持っていってお金をもらうんですよ。お肉も猟師さんが食べる分だけしか持って帰らないので、他のモノは全て山に置いて帰ってきてしまう。それって命の無駄遣いだなと。ーリアルレザーの使用にこだわり続ける理由は？　元々僕の祖父が猟師だったんです。小さい頃から解体しているところも見ていたし、鹿も猪も食べていたし、うりぼうも飼っていました（笑）。うりぼうは「ごんた」と言う名前をつけて可愛がっていたんですけど、どんどん大きくなってしまって。ある日、自作の檻を破って逃げちゃったんですよ。祖父は猟友会に所属していたので撃たなければならず。狩られたごんたを家族みんなで食べましたよ。ー強烈な原体験ですね。　肉を売って商売している人も、僕らのような人間のために革を売って商売している人もいるんですけど、とても少ない人数です。鹿は年間40万頭狩られているそうなんですが、その中で食肉や革にしている人たちは多分10〜20％くらいなんじゃないかな。その他は全部廃棄です。その10％の中でも、肉を商売にしている人たちは皮を廃棄しなくてはならない。当然、廃棄にお金もかかるし、それこそ二酸化炭素も出ます。　日本人の悪いところって、メディアにすごい振り回されるところだと思うんです。著名人が「エシカルだ」「サステナブルだ」と言い出すとみんなそっちの方向に向いてしまう。でも、そこで見落とされるものって結構多いんじゃないかなと。それで、今回はサブタイトルに「What do you really know？」とつけました。もうずっと思っていることですが、本質がどこにあるのかを考えて欲しいなと思うんです。レザージャケットや毛皮を着ているから「動物を殺している」という短絡的な考え方ではなく、それがどのような過程や背景で作られたのかを考えて欲しい。それが今、RakutenFWTという場を借りて伝えたい「本当のこと」かもしれません。（聞き手：古堅明日香）

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