インサイド

 白を諦める 紫外線が気になる季節。今年は屋外にいる仕事が減ったので、そんなに焼けてないなと思っていたが、会う人会う人に「焼けてますね」と言われてショックを受けている。つけっぱなしの時計を取れば白い肌が現れる。多分、これが本来の肌色だ。何年も日光を浴びなければ元に戻せるのだろうかと考えたが、私のことだから出かけたくて我慢出来ないだろう。白はもう諦めた。その代わり、外のたくさんの色を楽しもう。 神様を運ぶ 4年ぶりの神田祭。秋葉原周辺はいつもとは違う熱気で溢れていた。神輿を担げるのは氏子だけかと思っていたが、地域外どころか海外の人たちも参加できるらしい。真ん中に写っている女性もドイツから来ていた。彼女たちは神輿行列を先導する役で、本番直前のお化粧直しをしている最中だった。カメラに向かって満面の笑みを向けてくれた彼女たち。渡御が始まるとキリッとした面持ちで、神様を街へと運んで行った。 ネタは種 指先までピシっと決まっていて、フォーメーションも完璧。そこまでわかるのに、それが何のポーズか思い出せない。彼らは仕事の研修が修了した記念動画を撮ってるところだった。撮影者がいなくて困っているようだったので手伝いを申し出た。元ネタを尋ねたところ、懐かしい漫画作品だった。どんなムービーに仕上がったのか、少し気になっている。 緑で洗う 高層ビルの窓は2ヶ月に一度、掃除をするものらしい。汚れをそのままにしておくと劣化につながり、最悪の場合ガラスを取り替えなくてはいけなくなるそうだ。国際フォーラムのガラス棟の窓は全部で3600枚。この窓をすべて掃除するのか、と想像するだけで気が遠くなるのだが、清掃スタッフさんの手際はかなりいい。次から次へとキレイにしていく。土埃を拭ったガラスの向こうの新緑が、より鮮やかに見えた。

【連載】写真家オカダキサラによる「歳時キサラ」〜2023年5月〜

 桜メモ 桜の開花予測が発表されるとワクワクする。どこの桜を見に行こうか、少し足を伸ばして遠方もいいな、と地方の桜の名所を見つけてはメモをする。想像で楽しんでいるうちに、桜前線が間近まで迫ってきてしまった。一気に咲く花に、ワクワクはバタバタに変わる。近場の見事な桜景色に満足してしまって、せっかく調べた場所はまた来年へと先送り。そうしてメモは年々厚みを増していく。 サムネイルの中は、春 満開の桜を見られる期間は短い。昔は記憶に焼き付けるしかなかったけれど、今は誰もが手軽にカメラで記録できる。見頃の花の下、みんなシャッターを切っていた。4月も半ばを過ぎると、東京周辺の桜はほとんど散ってしまう。代わりに新芽が景色を彩る。前に撮った場所にもう一度立って、満開の時に撮った写真を同じ場所にかざしてみる。そこだけ春が蘇る。 花を植えよう 小田原城の桜は見事で、機会を見つけては撮りに行く。今年もとても見事な花をつけていた。お城に桜が植えられるようになったのは明治以降だという。敵を見張るのに邪魔だったため、大きな木は植えられなかったらしい。城は軍事拠点としての役目を終えて、みんなが花を楽しめる場所へと変わっていった。この話を知った時、争いがあるところ全てに花が植えられるようになればいいのに、と思った。 多分、衛星 太陽が沈んだ直後、空が青のグラデーションに染まるブルーアワーは、ライトアップされた桜がよく映える。綺麗な花と空につられて、誰もが上を向いていた。少し離れたところから眺めていると、夜空に輝く1点の光を見つけた。多分、星ではなく衛星だ。見事に咲いた花に隠れて気づかなかった。小さな光で桜とその下で花見する人々を照らしていた。

【連載】写真家オカダキサラによる「歳時キサラ」〜2023年4月〜

■KYOTOGRAPHIE 2023京都を舞台に開催される国際的な写真祭。歴史的建造物および近現代建築を舞台に展開し、ときに伝統工芸職人や最先端テクノロジーとのコラボレーションなど、京都ならではの取り組みも行う。今年のテーマは「BORDER＝境界線」。会期は4月15日〜5月14日。　高木さんは、武蔵野美術大学でグラフィックデザインを、イギリスのTrent Polytechnicでファッションデザインを学び、写真家として活動。独自の視点から衣服や人体を通して 「人の存在」を撮り続け、近年は自然現象の不可思議にも深い興味を持ち、「chaoscosmos」というプロジェクトで映像を含め、新たなアプローチにも挑戦しています。東京都現代美術館で開催中の「クリスチャン・ディオール、夢のクチュリエ」展では、ディオールの歴代クリエイティブ ディレクターたちによるクリエイションを撮影し、ディオールとは深い関わりがあります。　吉沢さんも「クリスチャン・ディオール、夢のクチュリエ」展で高木さんの作品に触れ、魅了されたひとりだそう。「人の肌の質感が写真から伝わってくるのが不思議で、とても惹きつけられました。独特の光の使い方で生身の肌の質感が浮かび上がってくるような躍動感のある作品にも目を奪われますね。ディオールのアーカイヴのオートクチュールをまとったバレエダンサーを撮影した作品は、息をのむような美しさと力を感じました」。　今回の個展「PARALLEL WORLD」の会場となった二条城は1603年に築城。400年以上の歴史が刻まれた、はりや天井から高木さんの巨大なプリント作品が吊るされ、圧倒的な存在感を醸し出します。　「二条城という歴史的な建物の中には独特な静けさがあって、時を忘れて作品にのめり込むことができました。高木さんが訪れた都市の市井の人々を写した作品も素敵でしたし、幾千もの花々が香る『ミス ディオール オードゥ パルファン』のリミテッドエディションや、“幸運”をもたらすと言われているスズランを表現した『ディオリッシモ』のアーカイヴ ボトルを撮影した作品も見逃せないですね」と見どころを語ってくれました。　プライベートでも時折アートに触れるという吉沢さん。「仕事で海外に行った時は、時間があれば現地の美術館に足を運ぶこともあります。遊びに行くような感覚でふらっと鑑賞しに行くんですが、知らず知らずのうちに役者としての演技や仕事のインスピレーションになっていると思います」。　じっくりと作品を堪能した吉沢さんは、「仕事柄、京都には何度も来たことがあって、時間を見つけてお気に入りのご飯屋さんに行ってリフレッシュするんです。今回は歴史的建造物でアートに触れるという貴重な経験で、京都の新たな魅力を知ることができて嬉しいです」と話してくれました。

Beauty

吉沢亮がディオール特別協力の写真家 高木由利子の個展を鑑賞　KYOTOGRAPHIE 2023

 でも愛は収まりきらない 3月に入って間もなく、近場の公園の河津桜が満開になった。このスポットは記念撮影する人で多少賑わうけれど、混み合うほどではない。平日は特に気に入るショットが撮れるまで、みんな気兼ねなく粘れる。ワンちゃん、赤ちゃん、子ども、友人、お嫁さん、お婿さん、カップル、伴侶、家族、自分……愛おしいものを桜と一緒にフレームに収めて、春の始まりを満喫している。 町の魚屋さん 今どき珍しい「町の魚屋さん」を見つけた。店先で寸胴鍋を乗せたガスコンロがフル稼働していた。何を作っているんだろう？訊いてみると、店主はニカッと笑って蓋を開けてくれた。香ばしい煙と共に現れたのは鯖の燻製。鯖を干すところから始まるので、作るのに3日以上はかかるという。お腹の全虫が鳴いた。一ついただいて帰る。サンドイッチにするとおいしいよと教えてもらった。花見に行く時、作ろう。 紙焼きの思い出 暖かな日差しの中、素敵なドレスとスーツ姿の3人が互いに写真を撮り合っていた。卒業記念だという。私が学生の頃、記念写真を撮るときに使われていたのはインスタントカメラで、写真の交換は焼き増しのプリントだった。高校を卒業した時に撮ったクラスの集合写真は今も玄関に飾られている。だいぶ色あせて、表情も読み取りづらくなってしまった。けれど、記憶が補填してかつての級友たちの顔を思い出させてくれる。 鉄道前線 いすみ鉄道と菜の花を撮りに行った。地元の方や現場にいたカメラマンに撮影スポットを教えてもらいながら、初の鉄道撮影にチャレンジ。普段、踏切で電車が通過するのを待っていると長く感じるのに、カメラで捉えようとすると、車体は一瞬で通り過ぎてしまう。追いかけるのに必死だ。ベテランカメラマンも「撮り逃してしまったので、また1時間待ちます」と苦笑していた。鉄道写真の道は、線路のように果てしない。

【連載】写真家オカダキサラによる「歳時キサラ」〜2023年3月〜

ステラの家族愛と動物への愛　今回のテーマは「母、娘、姉妹、自然、人間、動物たちの間にある愛」。写真家・ミュージシャン・料理研究家として活躍した、ステラの母親である故リンダ・マッカートニー（Linda McCartney）、そして写真家である姉のメアリー・マッカートニー（Mary McCartney）の作品も着想源に。リンダの作品はミニマルなスリップドレスにあしらわれ、メアリーの作品はフォトジャカードのポロシャツを彩った。コレクションノートの冒頭には「できることなら、馬に乗って旅をしたい」というリンダの言葉が引用されていた。 生き生きとした馬のモチーフ　そしてコレクションの中心となったのは馬のモチーフ。アパルーサ（アメリカ原産の馬の品種）の斑点模様から着想を得たジャカードや、ステラが初めて愛した馬「ハーモニー」の毛色を反映したアースカラーのジャカードなどが取り入れられた。そのほか、躍動する馬を描いたニット、ホースプリントをあしらったセットアップも登場。ピーコートやひざ丈スカートは、馬用ブランケットをイメージしたものだという。乗馬ブーツを連想させるサイハイブーツには、「ファラベラ」のチェーンが踵にあしらわれた。サヴィル・ロウ テーラリング　肩幅を大きく取り、ウエストラインを絞ったミニマルなシルエットのアウターは、ステラが得意とするテーラリング技術を活かしたもの。ボーイフレンドブレザーやタキシードジャケット、コートなどにはジンジャーカラーのチェック柄を採用し、英国ブランドらしさを感じさせる。ミニマルなベストはブレザーやバナナシルエットのパンツと組み合わせ、モダンなひねりを加えた。Y2Kなボディジュエリー　Y2Kのムードあふれるチェーントップは2000年スプリングコレクションで発表され、2023年サマーコレクションでも復刻版として登場した。今シーズンはリップスティックレッドやシルバーのほか、ウエストラインにチェーンを縫いつけたスキニーパンツも提案。ジャケットやパンプスにチェーンのフリンジをあしらったルックも繊細なきらめきを放つ。さらに90年代のイギリスの若者たちやミュージックカルチャーへのノルタルジーが、トラックスーツやゴールドの馬モチーフの刺繍を施したラグビージャンパーに反映された。動物愛護と環境保護の精神　今シーズンは全体の92%を責任ある素材で構成し、ブランド史上もっともサステイナブルなコレクションに。新素材も多く取り入れられ、レザーの循環型の代替素材「ミラム（MIRUM®）」から作られたラグジュアリーブランド初のハンドバッグが誕生。また、定番である「Sウェーブ」や「フレイム」バッグには、廃棄リンゴ由来の新素材「アップルスキン（AppleSkin™）」にクロコダイルの型押し風の加工を施したバージョンがラインナップに加わった。キノコの地下根系である菌糸体由来の「フレイム マイロ（Frayme Mylo™）」にも新色のホワイトが登場し、あらためて動物製品を使用しないブランドの方針を強調した。  アヴリルやジェシカ・アルバらも来場　会場にはアヴリル・ラヴィーン（Avril Lavigne）、ジェシカ・アルバ（Jessica Alba）、カミラ・アルヴェス（Camila Alves）、ティナ・クナキー（Tina Kunakey）ら豪華な顔ぶれ。日本からは美波やAMIAYA、emma、長谷川ミラが来場した。

Fashion

馬たちと心を通わせる、愛情溢れるコレクション「ステラ マッカートニー」23年ウィンター

 ベストコンビ 街では珍しい大きなワンちゃんに出会った。ゴマちゃんという名だそうだ。ご主人が大型犬を飼うのは2頭目。ゴマちゃんとの出会いは、亡くなった前の子が夢に現れたことがキッカケだという。ゴマちゃんはご主人にギュッと抱きついて甘える。「この子は相棒です」とご主人も幸せそうに微笑む。羨ましいと思っていたことに気づいてくれてたのか、ゴマちゃんは私にもギュッとしてくれた。優しいコンビだ。 義理にもならない 私は職場の義理チョコイベントが苦手だった。男性側にもあまり喜んでいない人がいたらしい。気持ちが重ならないまま、物だけを渡しても虚しいだけだ。義理にもなっていない。最近は本当に親しい人や、自分へのご褒美として珍しい高価なチョコを買うようになってきたという。正しい贈り物のあり方だと思う。やっぱり互いに愛がないと、プレゼントの意味はない。 シャンシャン 平日の中途半端な時間に上野の動物園を訪れた。シャンシャンをひと目見れるかもしれない、と期待していたのだが、私が入った時間にはすでに入場制限されていて、行列にすら並べなかった。もっと早く来れば良かったと少し後悔した。会える時間はたくさんあったはずなのに、肝心な別れ際には間に合わないという場面は多い。久々に訪れた動物園で思い出の場所を探したが、その景色すら忘れてしまっていた。 一部、春 まだ春には遠く、裏起毛のズボンの下に発熱性のスパッツを履かないと、とてもじゃないけれど外を出歩けない。厚手の上着を何枚も重ねるけど足りず、ギュッと縮こまりがちに街を歩く。ふと見ると、早咲きの桜が咲いていた。蕾が開くように、私も暖かさに身が解ける日が来るのだろうか、と、自分を花に例えたことがあまりに不相応で恥ずかしくなった。きっと頬だけ桜色だ。

【連載】写真家オカダキサラによる「歳時キサラ」〜2023年2月〜

 「新しい1日のままで」 冬の朝日は寝心地のいい布団から現実へと引きずり出す、憎たらしいヤツだ。だけど日付が1月1日だというだけで、印象がまるで変わる。暗い空が太陽の光に徐々に染められていく様子に、寒さも忘れて見入ってしまう。なんてキレイなんだろう。あんなに憎んでいた新しい1日は、とんでもなく美しいのだと知る。できれば、こんな幸せな気持ちのまま毎日を迎えたいのだが、休み明けとともに、あっけなく散ってしまう。 「期待と予感」 富士山全体がハッキリ見える日にはなかなか出会えない。今日こそは、と思ったが、片峰が雲に隠れてしまっていた。残念。カップルが湖畔でお湯を沸かしていた。枯れ草や枝を燃料にモクモクあがる煙。「初めてなので上手くいかないかも…」インスタントスープを作る予定らしい。失敗したとしてもきっとおいしいだろう。ふたりで作ったのだから。富士山への期待は外れたけど、この予感は的中したはずだ。 「気まぐれかイタズラか」 東京国際フォーラムには、毎年十二支のぬいぐるみがツリー状に飾られる。そのうち何体かは中に動く装置が入っているらしく、揺れる様子がまた可愛い。愛らしい佇まいのうさぎたちの中、ひとつだけ異様な子がいた。能面を被っている。スタッフさんの気まぐれなのか、通りすがりの人のイタズラなのか……。仕掛け付きの子で、仮面を被って上下するウサギは、踊っているようにも、荒ぶっているようにも見えた。 「すっぽり」 チワワは寒さが苦手なのだと、飼い主さんが教えてくれた。コートにすっぽり入ってリラックスしているチワワたち。抱えている飼い主さんも温かいだろう。私もほっこりした。成長するにつれ、体まるごと抱っこされる機会は少なくなっていく。時々、赤ちゃんのように誰かの体温に包まれたくなるが、オトナになってしまった今、少なくとも身幅1.5メートル、胸囲3メートル以上の懐が必要らしいことが分かり、冷静になった。

【連載】写真家オカダキサラによる「歳時キサラ」〜2023年1月〜

- 加瀬透が紹介する川谷光平 - 川谷光平 / フォトグラファー 「豆腐のようなナイフのような...人」 時にはドライに見える時もあるけど、奥深いところで優しい人だと思っています。 これからの川谷くんも楽しみです！頼りにしています！- 川谷光平が紹介する加瀬透 - 加瀬透 / グラフィックデザイナー 「シューゲイズデザイナー」いつもインプットから大きく歪んだアウトプット、2023年も楽しみにしています。2人の出会いードイツで開催されるダミーブックアワード「Kassel Dummy Award 」で、日本人初の最優秀賞を受賞した川谷さんの写真集「トーフナイフ（Tofu-Knife）」。そのデザインを加瀬さんが担当する他、クライアントワークでも制作を共にすることが多いお2人。まずは、最初の出会いについて教えて頂けますか？加瀬：桑沢デザイン研究所に在学していた頃に、同じクラスの友達でバンドを組んでいました。その中の1人のメンバーが現在の川谷くんのパートナーで、2016年頃に紹介してもらい知り合いました。川谷：丁度加瀬さんがフリーランスになった頃でしたよね。加瀬：バンドのメンバーも、イラストレーターやデザイナーなどが多かったので、写真を撮っている川谷くんを紹介された時も距離感なく自然に打ち解けていきました。ー初めて作品を一緒に作ったのはいつですか？川谷：2018年に、僕の個展のチラシを加瀬さんにお願いしたのが最初です。加瀬：その時のことはすごく覚えていて。新宿の喫茶店ランブル1階の一番奥の席で、何時間も話をしたよね。今回の展示で何をやりたいのか、川谷くんの考えを色々と話してくれました。ちゃんと話したのがその時が初めてだったので、それから川谷くんの活動をより意識するようになりました。ー完成したチラシはどのようなデザインだったんですか？加瀬：余白の面積が大きいチラシを作りました。なんでそうなったか詳しくは覚えてないんですが、その時の展示形式に沿って作った記憶があります。おそらくホワイトスペースに対してどう作品の配置が行われるのかとか、"時空間について"みたいな話だったのかなと思います。川谷：加瀬さんは個人的な依頼の時も、仕事を一緒にする時もすごくやりとりが多くて（笑）。自分が伝えたことに対して、加瀬さんがどの方向にアウトプットを持っていくのか、どの部分をデザインに取り入れるのかすごく興味深かったですね。加瀬：やりとりが多いのは負荷をかけたいわけではないですよ（笑）。 何を考えていて、どういうことが良くて何が嫌なのかを知りたいんですよね。短文等でやりとりしても分からないので、聞く時はがっつり聞きます。川谷：個展のDMはデザインを依頼したという形なので、初めての共作は2018年に制作した、加瀬さんのバンドの配信用ジャケットじゃないかなと。バンドのMV撮影に同行することがあり、ビデオの撮影をしている横でラフにパシャパシャ撮った写真を加瀬さんがデザインしたものです。加瀬：個展の時とは違うスタイルの写真が仕上がってきて、川谷くんの新しいフェーズを感じました。「マザージュ」ではインスタレーションの関係網の中で機能を果たす"部分"として写真が扱われているように感じていましたが、ジャケットを撮ってくれた時は、"撮る"ことに立ち返っている感じがしましたね。でも「マザージュ」を通過している写真というか。加瀬透に聞く「川谷光平の"写真"の魅力」作品の特徴は？＞＞写真を写真としてだけでなく、画像という感覚でも捉えている加瀬：川谷くんの写真の特徴として感じることは、写真を写真として捉えているだけではなく、ピクセルが並んだ画像としても認識しているようなところですかね。良い意味で厚さがない感じがする。一歩引いて見れば、写真史やイメージの流通の在り方に対しての眼差しも感じます。 ー川谷さんの作品には、人が写っているものが少ないように感じますが、何か意図はありますか？川谷：写真にとって人の顔って特別なものだと思っています。顔が写っていると、"その人のこと"や"その人と撮影者の関係"などに引っ張られてしまい、自分が本来作品で表現したいテーマとぶつかってしまうことが多い。ちょっとアイロニカルではあるんですが、個別性よりも匿名性の高いものに興味があるので、人を撮る時も"個人"のことにならないように、物と同じ感覚でフラットに見せることを意識しながら撮っています。加瀬：人も物もすべてが画像内では等価に扱われていている感じだなと。好きな作品は？＞＞日常の中で見落としがちな物が極端に主張してくる写真加瀬：川谷くんの写真で重要なことは"複数性"や"全体性"だと感じます。1枚というよりも2枚3枚と写真が並ぶことを想定して撮っているんじゃないのかなと。なので、1作品を選ぶのはすごく難しいです。敢えて今選ぶとすると「トーフナイフ」の中に載っている、釘と板の写真が思い浮かびました。日常の中で見落としがちな物ですが、それが極端に強く鮮やかに迫ってくる感じにハッとします。川谷：ある種の極端さや、クローズアップ、強い意味の不在、均質性みたいなものが「トーフナイフ」の出発点になっています。すごくきめ細かく写っているけれど、1枚1枚から分かりやすい意味や動機のようなものを汲み取るのは困難になっている。加瀬：意味を掴みにいってもそれに失敗し続けるから、結果的にツルッとした印象に見えてくるのかなと思います。ぽっかり穴があいた感覚なんだけど決してネガティブではなく、そこに独特の心地よさがあるんですよね。 挑戦して欲しいことは？＞＞「トーフナイフ」「ソルティヨーグルト」のその先加瀬：川谷くんとこの前撮影した時に、1年前と比べて撮り方を意識的に変えてるなと思うことがあって。カメラを構えてシャッターを切るまでのタイミングがすごく速くなっていたんですよね。前はカメラを構えて対象物をしっかり捉えてからシャッターを押していた気がしたんだけど、最近は「ファインダー覗いたの？」っていうくらいシャッターを切るのが速い。"撮る"という行為自体は変わらないけど、撮影感覚を自ら変えることで今までと違うイメージを見出そうとしてる感じがしたんですよね。川谷：全然意識していなかったです（笑）。加瀬：そうなのか（笑）。最近だと、いくつかの写真を合成した「ソルティーヨーグルト（Salty Yogurt）」という作品シリーズからも、新しい挑戦を感じます。川谷：「ソルティーヨーグルト」はインスタグラム用に作ったシリーズですね。スワイプすると画像が繋がっていて、比率もインスタに合わせています。当初、自分としては作品というつもりはなかったんですが、投稿に「Salty Yogurt」と毎回キャプションに入れたところ、見た人から作品としてどこかに掲載したい、展示したいと提案をもらって、じゃあこれも作品なのか、と。ー「ソルティーヨーグルト」って不思議なタイトルですね。川谷：「トーフナイフ」の写真集の打ち合わせのために、印刷所のあるトルコに行きました。滞在中の朝、アイランと呼ばれるヨーグルトに水と塩を混ぜたトルコの飲み物をずっと飲んでいたんですが、その味がすごく複雑で自分の中にはない感覚で。でも飲み続けているとだんだん好きになってくる。アイランを巡るあれこれがこの作品を要約してるような気がして、それを英語にしたものをタイトルにしました。加瀬：「ソルティーヨーグルト」が元々作品という意識で制作されたものじゃなかったというのは初耳です（笑）。この先に何があるのかは僕も分かりませんが、何かまた新しい景色を見せてくれるんじゃないかと思っています。いちファンとして今後の活動も楽しみです。川谷光平に聞く「加瀬透の"デザイン"の魅力」作品の特徴は？＞＞人間味のあるデザイン川谷：加瀬さんの作品を見ていると、自分のために作るものと、クライアントワークとして作るものが結構違うなと思います。ただ、話を聞いていると共通することもあり、デザインに関する常識みたいなものに毎度クエスチョンマークを付けながらデザインに向き合っているように感じます。大変な作業だと思いますが、そこの手を抜かないんですよね。加瀬：仕事内容が様々なので、案件ごとにアイデアを考えよう切り替えようという気持ちで取り組んでいます。同時に、グラフィックデザインに対する興味も失わないという状況を作っておくことも自分にとっては必要で、仕事に直接関係ないところで少しずつ溜めていたアイデアをクライアントワークの中で試してみたりもします。川谷：一緒に制作をするとき、自分の中で考えているアイデアを「A,B,C,D,E」と伝えると、加瀬さんの中で広がった元々の提案とはあまり関係のない「F,G,H」のアイデアを提案してくる。それから2人で「A〜E」のことを詰めて、発展させていくのかと思ったら勝手に全く違う話がはじまっているんですよね。そこが加瀬さんと一緒に何かを作る面白さで、彼のある種の"人間味のあるデザイン"に繋がっているんだと思います。好きな作品は？＞＞「TAIKO SUPER KICKS」のアートワーク川谷：ロックバンドのタイコ・スーパー・キックス（TAIKO SUPER KICKS）のアルバム「石」「波」のアートワークが好きですね。加瀬さんのデザインは、いつもあるフォーマットへの最適解という印象ですが、この時は可変することが魅力として機能していました。加瀬：LPだと「波」と「石」がそれぞれ別々のものとしてリリースされるけど、CDだと「波」と「石」が一緒になった状態でリリースされるなど、いくつかのフォーマットが当初から想定されていたので、それに対応できるようなアートワークを考えました。結果的には、"文字"のようなものになったのかなと思っています。表意文字的なものというか、絵文字的というか。川谷：「波」も「石」もそれぞれLPのジャケットデザインとして完成しているんだけど、CDの「波・石」で合体されてもそれはそれとして成立しているのがすごくデザインぽくて良いなと。無意識かもしれませんが、その可変性みたいなものに独特の悪意を感じてそこが好きでした。ーぼやけたグラデーションも印象的です。加瀬：2019年辺りから、制作にグラデーションを取り入れるようになりました。方法が増えたのでその分できることが広がり、アイデアの選択肢が増えましたね。川谷：今でこそグラフィックの領域でグラデーションは流行っている印象がありますけど、加瀬さんはグラデーションを取り入れるタイミングが早かった気がします。あと、他の人たちと入口が違う感じがするんですよね。加瀬：入口と考えると、若い頃ハマっていたKevin Shields（My Bloody Valentine）の影響が意外に大きいのかも（笑）。今でも十分好きですが。それは半分冗談で現実的なことを言うと、デザインをはじめてから主にベタ面を使って制作してきたのですが、行き詰まった際に考えた方法のひとつとしてグラデーションがありました。"間"、"あわい"のようなものにも、その頃読んでいた本を通じて興味を持ち始めた時期でもあったし、日本のアンビエントやドローンミュージックをちゃんと聴いている時期とも重なるので、実際は複合的なものですね。自分の興味の矢印が多く重なったところに、今やっていることの種があったのかもしれません。挑戦して欲しいことは？＞＞デザインの拡張川谷：渋谷パルコの4階で、加瀬さんがスクワット（SKWAT）と一緒に取り組んでいた企画があったんですが、見える部分のデザインだけではなく、人と空間の関わり方など見えない部分までデザインしている。加瀬さんなりのディレクション方法でデザインの枠をどんどん広げていってほしいなと思います。加瀬：これからも色々挑戦していきたいですね。2人のこれから川谷：写真集という形式で自分の名刺になるような作品が出来たので、今後はコミッションワークや作品でも他人が介在する状況でどのように自分の考えを成立させるかということに興味があります。加瀬：自分は興味のあった美術の領域の仕事やブックデザインなど、やりたかった分野に関われるようになってきたので、このまま仕事は続けていきたいですね。ただ、2011年頃からずっと思っているんですが、個展をやりたいです。受注仕事の中ではどうしても達成できないこともあって、それを考え続けています（笑）。どういう展示にするのか少しずつアイデアはまとまってきているんですが。川谷：10年成就しなかったんですね（笑）。今ここで言っておけば、実現するんじゃないですか（笑）。加瀬：確かにね（笑）。あとは他業種の人とも展示をやりたいですね。川谷くんのような写真家や、他の業種の人たちと。世代や業種が入り混じっていてレイヤーが揃っていないような、でも通奏低音的に共有される"何か"がある風景があったら面白いなと。川谷：いいですね。それも記事に書いてもらって実現させましょう（笑）。川谷光平 / フォトグラファー1992年生まれ。2019年にJAPAN PHOTO AWARDシャーロット・コットン賞、2020年にKassel Dummy Award First prizeを受賞。受賞作の『Tofu-Knife』を2021年に出版。＞＞Instagram加瀬透 / グラフィックデザイナーグラフィックデザインやエディトリアルデザイン等のデザインワーク、またグラフィックの「弱さ」を巡る制作を行い、各種メディアへのコミッションワーク、展覧会等を行う。近年の展覧会に『2つの窓辺』（CAGE GALLERY_2021）等。受賞歴にJAGDA新人賞2021等。＞＞Instagram

連載：私が紹介したい表現者　写真家 川谷光平×グラフィックデザイナー 加瀬透

さいじ‐き【歳時記】1,一年12ヵ月、または季節に分かち折々の自然・人事などを記した書物。2,俳句の季語を集めて分類・整理し、解説や例句を載せた書物 「真っ赤なヤツ」 どデカい赤玉がぶら下がっていた。星をモチーフにした飾りが多くなるクリスマスシーズン。シンプルかつ大胆なフォルムはまさに浮いて見えた。星のように輝くより、皆が一丸となって大きくなろう！そんなメッセージが込められているのか？と、深読みしたところで、太陽系を題材にしたイベントの告知が下に置かれていることに気づく。この赤い玉は太陽を模していたのだった。 「真のエコ発熱」 イルミネーションの醍醐味は、寒さを楽しめるところにあると思う。同じことを夏に開催したら、涼所を求めてそそくさと会場を後にしてしまう。冬ならば、親しい人と温もりを分け合いながら雰囲気に浸れる。しかし私はひとりでイベントを楽しむことが多く、頼れるのは己の体温のみだ。寒くて仕方なくなると、会場を早歩きで何往復もする。せっかくの幻想的な風景は早送りで見ることになる。 「達人の贈り物」 代々木公園でたくさんのワンちゃんを引き連れている男性に出会った。「今日は16匹ですけど、18匹は余裕です」と爽やかな笑顔でスゴいことを言う。コースには公園だけでなく表参道などの繁華街も含まれているらしい。散歩の達人だ。クリスマスといえば、トナカイを従えたサンタクロースが、子どもにプレゼントを贈る姿を連想する。達人はワンちゃんを連れて、街中に癒やしを配っていた。 「続く言葉」 「良いお年を」に続く言葉を、恥ずかしながら社会人になるまで勘違いしていた。「今年もいろいろなことがあったと思います。残り少ない日々はどうか何事もない、良い時間でありますように」という気持ちを込めているのだと思っていた。「良いお年をお迎えください」が正解だと知ってから、挨拶する機会も多くないせいか、つい「良いお年をお過ごしください」といってしまう。

【連載】写真家オカダキサラによる「歳時キサラ」〜2022年12月〜

さいじ‐き【歳時記】1,一年12ヵ月、または季節に分かち折々の自然・人事などを記した書物。2,俳句の季語を集めて分類・整理し、解説や例句を載せた書物。 「こめられる弾はひとつだけ」 各地でイベントが再開されるようになり、都内を行き交う人も増えてきた。数年前の閑散とした東京は記憶から薄れつつあるが、コロナ問題は終結したワケではない。それどころかコロナ関係以外にも、次から次へと新しい困難は生まれ続けている。射的で的を絞らなくてはいけないのと同様に、課題も一つ一つこなしていくしかないのがもどかしい。世の中は、問題が起きる数と解決できる数のバランスが悪すぎる。 「触れて分かること」 銀座を彩るショーウィンドウはどれも目を引くものばかりだ。ディスプレイからお店のコンセプトを探るのも楽しい。店頭に並べられるのは一流ブランドの目玉商品で、きっと手が出せないほど高価なのだろう。ガラス越しからは商品のヨサがよく分からないのだが、だからといってお店の中に入って見せてもらう勇気は全くない。触りたい・触ってはいけないの気持ちが押したり引いたりして足が止まる。 「花だけ残せない」 ひまわりの花で埋まっていた場所がすっかり寂しくなっていた。今は休耕期間で、冬から春先にかけて咲く花がまた植えられる予定なのを知ってほっとする。秋は過ごしやすく一生この気候で生きていきたいほどだけど、そうなると見られなくなる景色も多くなってしまう。季節の移ろいに悩まされることも多いけれど、咲く花と一緒に風景の変化を楽しめるのは、とても贅沢なことだと思った。 「忘れていいもの」 カメラが今ほど普及していなかった時代でも、ウェディングフォトを残している人は多い。写真に記録したかったくらい結婚は特別なもので、それは手軽に撮影ができるようになった現代でも変わらない。今では日常のささやかなこともデータとして残せるようになった。撮ったことを忘れてしまう写真も多くなっていくだろう。そういう写真が増えれば増えるほど、二人が時間を重ねてきたという記念になる。

【連載】写真家オカダキサラによる「歳時キサラ」〜2022年11月〜

さいじ‐き【歳時記】1,一年12ヵ月、または季節に分かち折々の自然・人事などを記した書物。2,俳句の季語を集めて分類・整理し、解説や例句を載せた書物。 朝の光の手 布団のぬくもりの心地よさに、まぶたがなかなか開かない季節になってきた。私の部屋は北側で、一日中薄暗く余計に朝を感じにくい。なんとか起き上がり活動を始めるが頭はボーとしたままだ。玄関のドアを開け歩いていくうちに、ようやっと眠気から開放されていく。朝の巡回をしている警備員に、光がそっと挨拶しているような光景に出会う。私も気づかないうちに「起きなさい」と、朝に頭をなでられていたのかもしれない。 ドッペるゲンガる 街のなかには、同じポーズをしている人がたまたま近くにいることがある。例えば携帯電話を見ている姿、新聞を読む格好、かばんの中を探している仕草…。人だけでなく、街を飾る広告ともフォームが重なる瞬間がある。普段は気にも留めないポスターも、人と動きが重なると意思を持った街の住人のように見えてしまう。彼らもまた労働者の1人になる。 川を水で洗う 高圧噴水で渋谷川が洗浄されていた。渋谷川は新宿御苑に水源を持つ川で、支流である河骨川は童謡「春の小川」の舞台でもあった。渋谷がのどかな田園地帯だった頃は、渋谷川を洗うのは清流だったのだろう。今は人の手で定期的に汚濁を流さなくてはならないところに、「現代の渋谷」らしさを感じてしまう。飛沫が作る模様や軌跡が、一瞬で消える不思議な水墨画のように見えた。 ワイン色の空 ブドウの収穫を手伝うために勝沼を訪れた。作業が終わった後、ワイナリーに立ち寄りワインを堪能しているうちにすっかり酔ってしまった。帰りの電車を逃さないよう丘の頂上にある駅を必死に目指すが、ワイン漬けの身に坂道はかなりキツイ。息を切らしながらようやく坂を登り切ると、空もワインに浸かっていた。美しい景色にうっとりしたが、客待ちのタクシードライバーは無関心のようだった。彼らがワインに染まれる時間は、まだ先だ。

【連載】写真家オカダキサラによる「歳時キサラ」〜2022年10月〜

　今年は「在るがまま」をテーマに、人間がありのまま存在する自然に対して抱く憧れをイメージ。パッケージに写真家の日置一輝による写真をデザインした、特別なネイルカラーやアイシャドウ、マスカラの限定色がラインナップされています。アイシャドウパレット　「オサジ ニュアンス アイシャドウパレット」は、2種のベージュ、輝きを添えるスパークルカラー、アクセントカラーを組み合わせ、目元に美しいニュアンスの立体感をプラス。パッケージはブランド初の紙製で仕上げられています。■オサジ ニュアンス アイシャドウパレット（限定2色、各税込4400円）・H01 Yumenokakera〈夢の欠片〉・H02 Metaphor〈メタファー〉マスカラ　「オサジ ニュアンス ボリューム マスカラ」は防腐剤フリーでありながらウォータープルーフでロングラスティングな処方。「H01 Suzu〈鈴〉」は火花のような輝きと発色で、アイメイクにアクセントをプラスする燃えるようなゴールド。まつげのツヤと強度をサポートするパンテノールも配合し、使いながらケアも叶えてくれます。まつげの存在感を際立たせながら、ふわっとした仕上がりに。■オサジ ニュアンス ボリューム マスカラ（限定1色、税込2970円）・H01 Suzu〈鈴〉ネイル　人気のネイルカラーからは、パッケージの写真を手がけた日置一輝の作品からインスパイアされた限定色が登場。ミルクティーベージュ「301 Yubikiri〈指切り〉」や、シアーグレー「302 Wasurenaide〈忘れないで〉」、ライラックカラー「305 Ariwashinai〈ありはしない〉」など6色が揃います。■オサジ アップリフト ネイルカラー（限定6色 10mL、各税込1870円）・301 Yubikiri〈指切り〉・302 Wasurenaide〈忘れないで〉・303 Magatama〈勾玉〉・304 Okitegami〈置き手紙〉・305 Ariwashinai〈ありはしない〉・306 Dare〈誰〉オサジ ホリデーコレクション概要 発売日：2022年10月19日（水）取り扱い店舗：直営店、公式オンラインショップ

オサジ：日置一輝の写真からインスパイアされたネイルカラーを揃えたホリデー

会場で配られた、ぷにぷにの物体の正体　本日最初のショーは今年のANDAM賞グランプリに輝いた「ボッター（BOTTER）」から。ショー会場入り口では、見た目も涼しげなぷにぷにの物体がゲストに配られました。サステナブルな服づくりを目指すボッター。プラスチック梱包の削減を目指す「Notpla（ノップラ）」と協業して作られた、海藻やプラントから出来たバブルなのだそう。口に含むとフィルムが弾けて、中からレモネードが出てきました。 避妊具に水を注入した手袋が登場　コレクションのテーマは「水中の世界」で、手には水風船のような手袋（動画を見たところ、水を入れたコンドームらしい…）をはめたモデルが。氷（本物）のバッグや、水の上を歩いているかのような透明ソールのスニーカーなどがユニーク。 パリコレ取材のマストフードは？　ミラノからパリへの移動で驚いたのが気温差です。持ってきた服は薄着ばかりなのに、パリはもう秋の気候。しまいに今日は雨かつ宿の暖房も効かない（まだその時期じゃないらしい...）ので体が冷え気味。こんな時に食べたいのがフォーです。気軽に手早く食べられるものがあまりない+出汁をとにかく体が欲しているので、コレクション取材でフォーはマストフード。スープが体に染み渡ります。ベルギーの人気ブランドによるプレゼンテーション　マーク・ジェイコブスやドリス・ヴァン・ノッテンで経験を詰んだアントワープを拠点とする「メリル・ロッゲ（Meryll Rogge）」のプレゼンテーションは、写真家トーマス・ルフ（Thomas Ruff）の作品にインスパイアされた空間。カラフルでスタイリングの妙が光るルックは、ファッションの楽しさを思い出させてくれるアイテムがたくさん。デザイナーのメリルも在廊していたので「日本に遊びに来てね」と伝えると、チョコレート屋さんを営む彼氏と日本への移住を本気で考えているそう。最新コレクション情報はこちらからtext & photo: Yuui Imai

ぷにぷにの物体が配られた「ボッター」のショー【パリコレ日記 vol.2】

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beauty

写真家 フィッシュ・チャンが撮る、2022年東京のリアルビューティ

 『勝手にプリンセス・カグヤ』海の日が過ぎると夕方に子どもたちの帰宅を促す音楽が街に流れるようになった。優しくも切ない曲調に、在宅勤務をしているにもかかわらず「帰りたい」という気持ちにさせられる。竹取物語のかぐや姫は大切に育てられながらも、この星が自分の居場所でないことを知っていた。私は他に帰る家を知らないのに、別の帰る場所を探してしまう。夏の夕暮れ、私の帰巣本能は迷子になる。 『ランニングスタイル』オジサンは走っていた。ラフなスーツ姿だけど、革靴を履いてネクタイもきっちりしめていた。常連ランナーに次々に追い抜かされながらも、オジサンはマイペースだ。走りやすそうなランニングコースが側にあっても知らんぷり。早歩きのようなビミョーなフォームで速度を一定に保ちながら、オジサンの背中は公園をぬけて街並みに溶けていった。 『アイスレバーストーリー』夏に怖い話は定番だが、普段のちょっとした出来事にも肝が冷えることがある。真昼の裏通り。暗かった窓に人影がぼんやり浮かび上がった。目の端だけで捉えた残像に驚き、思わず悲鳴を上げてしまった。たまたま横を通り掛かった人がビックリしてこちらを振り向く。正体が分かれば何のことはなかったのだが、暑さからだけではない汗が背中を伝わった。 『夏のオキテ』ひまわりが綺麗に咲いているということは、夏も元気ということだ。私は逆で、暑いと体から芯が抜けてしまったようになる。お盆の後の風に涼しさが交じるようになると、ひまわりはうなだれ始め、私は段々と背筋を伸ばし始める。私が夏バテから回復したころには、ひまわりは既に花びらを落として茶色く萎んでいる。互いに1番いい状態で会いたいのに夏がそれを許さない。

【連載】写真家オカダキサラによる「歳時キサラ」

2022年6月某日の写真日記  2022年6月某日。歴代最短の梅雨明け宣言。このまま涼しい夏が過ごせるかと思ったが、甘かった。やっぱり今年も暑い。日差しの強さも道行く人の服装も湿気の不快感も真夏そのものなのに物足りない。蝉の声がないのだ。そう思っていたら雑踏の中に、蝉の鳴き声が。それも一匹だけらしい。孤独のなか、それでも命の限り体を震わせるしかない蝉を思うと切なくなった。 2022年7月上旬某日の写真日記  2022年7月上旬某日。気温が上がると肌を晒すオジサンが増える。いずれ小麦色のオジサンがもっと増えることだろう。対して私は紫外線に対してできる限りの万全な対策を講じてきた、つもりだった。髪を切りに美容室に行ったら、担当してくれたイケオジ美容師さんに「オカダさん、焼けてるねぇ〜」と関心された。鏡越しの彼は、とても白く見えた。 2022年7月中旬某日の写真日記  2022年7月中旬某日。修学旅行中の学生さんたちをよく見かけるようになった。はしゃぐ彼らを見て、自分はどうだったろうかと記憶を掘り返す。修学旅行の後はすぐ夏休みが控えていた。間に期末テストがあったけれど、長期休みを思うと試験勉強も乗り越えられた。社会人となった今、盆休みは3日しかなく「夏休み」という甘美さは薄れてしまった。代わりに「人生」という名の修学旅行はずっと続いている。 2022年7月下旬某日の写真日記  2022年7月下旬某日。海開き直前、海が見たくて千葉県へ。いすみ市に立ち寄り、北海道の叔母夫婦にお中元のメロンを買った。「北海道だって上等なメロンがあるだろうに」と店員さんが首をかしげたので、高級すぎて地元民は却って買わないらしいと事情を説明。「なるほど、私も地元名産の伊勢エビ、食べたことないわ」と店員さんも納得。たしかに私も東京ばななを食べたことがない。後日、叔母夫婦から行き違いで富良野メロンが届けられた。 

写真家オカダキサラによる「夏休み写真日記」

ーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーーー★今回のビューティヒントアイテム★   

【連載：なんでもメイクにしちゃえばいいんです】マメの”未来系ギャル”なヴィジュアルをヒントに

Takay　1973年生まれ。1996年に渡英し、イギリスのファッション誌「i-D」でキャリアをスタートさせる。その後エンポリオ・アルマーニ、アルマーニ・ジーンズ、イヴ・サンローラン、Y3、アンダーカバー、リーバイス、エスティローダー、資生堂、アナスイなどのアートワークを手掛ける。公式インスタグラムーTakayさんは2022年にリリースされた宇多田ヒカルさん8枚目のアルバム「BADモード」のジャケットワークを手掛けています。　前作のアルバム「初恋」から宇多田さんとはご一緒させていただいています。ー「BADモード」では、スウェット姿の宇多田さんが廊下の壁にもたれかかっている飾り気のない姿や、右側に映り込んだ少年の姿など、さりげないスナップショットがSNSを中心に話題を集めました。　子どもが映り込んだのはたまたまです。どの写真がジャケットになるのかはわからなかったんですが、数ある写真の中から宇多田さんがあの1枚を選んだんだと思います。　前回の「初恋」もそうだったのですが、宇多田さんとお仕事をする時は事前にアルバムを聞かせていただきつつ制作意図を伺い、そこから僕と彼女でアイデアを出し合いながら撮影をします。今回リリースされた楽曲は、歌詞を読んでいただいたらわかると思うんですが「コロナ禍での状況で人と人との距離が今まで通りにいかなくなってしまった、どうする」と我々に問いかけるものです。だからこそ、今回はなるべく彼女の自然体の姿を収められたらな、と思いました。「自然体を撮る」という方が難しかったりするんですけどね。ーフォトグラファーにとって、被写体との距離感はもっとも悩むところなのかなと思います。　そうですね。いきなり人のテリトリーに入り込んだり、距離を詰めることは難しい。セレブリティや役者の方も、初めて会ったフォトグラファーにいきなり「普段通りの良い笑顔をお願いします」と言われても困りますよね。ー被写体との距離感で意識していることはありますか？　積極的に話しかけたりと色々演出しようとは思っていますが、必ずしも近い距離感である必要もないのかな、と。被写体との距離感が遠いからこそ良い写真が撮れる時もあると思います。全部がくだけたスタイルでリラックスした写真が良いのかと言われるとそうではないと思うし、むしろ少しの緊張感が必要な撮影もあったりしますから。ー具体的にはどのような方法で被写体との距離感を測っているのでしょうか？　僕が撮影で大事にしているのは、その時の被写体にとって1番良いポートレートを撮れるかどうか。もちろん、服を見せなければならない撮影のときはそのことも意識します。ただ基本的には「今日のこの人にとって最も良いポートレートを撮るためにはどうすれば良いのか、そのためにはどのような振る舞いをするべきなのか」を考えます。その基本の考えを基に様々なことが派生し、おのずと被写体との距離感も決まっていく気がします。ー被写体にとってより良いポートレートを撮るためにはフォトグラファーの気配りが重要である、と。　そうですね。なにも人に限ったことじゃないと思います。もらったお題に対して、できる限りのアイデアを提案する。その日だからこそ作れる光やセットの広さ、狭さをどのように活かすのか、どこで撮影するのが適切なのかなど、その時々の状況で考えられる様々なことを全て考慮して最適な物を選んでいく。ー全ての状況を瞬時に思索し、判断する能力は経験で培われるものですか？　経験はもちろんあると思います。でも、自分もそうだったように誰しもが駆け出しの時がありますし、僕自身も未だに毎回反省の繰り返しです。ー機材にこだわりはありますか？　自分の好きなカメラはもちろんありますが、「コレじゃなきゃだめ」というのはないです。何でもいいとは言わないけど、自分のイメージに近いものが出せる機材だったら目的に合わせて選定すればいい。ただ、目的に合わせるためには色々な機材を試す時間や経験も必要だと思っています。ーTakayさんは作品撮りのほかに、クライアントワークも数多く手掛けています。シャッターを切る時に意識の違いはありますか？　クライアントワークは相手が求めているイメージがある。なのでそれに近いもの、もしくはそれを超えるものを作っていけたらとは思っています。もちろん、その上で自分のスタイルが出せれば1番良いんですけどね。ーフォトグラファーという職業に限らず、何かを表現している人は常に「作品撮り（自分が撮りたいもの）」と「クライアントワーク（相手が求めているもの）」の間で揺れているんじゃないでしょうか。　「まったく揺れていない」と言ったら嘘かもしれないけど、クライアントワークと作品撮りを区別せず、どちらも残るものを作っていけたらと意識しています。　僕は商業写真をそのままアート作品として発売するのも良いと思っています。この30年で時代も大きく変わりましたし「写真作家と商業フォトグラファーは違う。写真作家は一切商業写真をやらない」というような風潮や境界線は少しずつ薄くなってきている。この先はもっと変わるんじゃないでしょうか。ー「フォトグラファーと写真作家の境界線は少しずつ薄くなっている」という話を踏まえた上で、Takayさんはフォトグラファーとはどうあるべきだと考えていますか？　フォトグラファーだからといって商業写真しか撮らないとか、写真作家だから商業写真は一切撮らないとかではなく、どの様な形にしろ商業写真も含め作品を作り続けることではないでしょうか？ー写真を撮り続けて今年で何年経ちましたか？　デビューして24年なので、専門学生時代を入れたら28年ですかね。ー"続ける"というワードが度々出てきていますが、フォトグラファーであるためには「続けること」が何よりも大事だ、と。　そうですね、それが1番大変なことだと思います。撮り続け、それを生業にしていくということが「フォトグラファー」ということなんじゃないでしょうか。ーTakayさんはなぜ、続けることができているのでしょうか？　極論は作品を認めてもらって、生業として成立したからです。「続けることがきついな」と思った時もたくさんありましたよ。僕は2年しかアシスタント経験がないんですが、当時から撮りたくて撮りたくて仕方がなかった。「写真を撮ることが得意分野だな」「僕にはこれしかない」みたいな決意があったのだと思います。　渡英した時も、たたでさえロンドンには腕のいいフォトグラファーがたくさんいるのに、日本から来た僕に仕事なんかあるはずもなく。「お金ないな、また皿洗いのバイトをしないとな」ぐらいの感じだった。それでも自分が良いなと思えた作品ができた時は、出版社に持ち込んでいました。もしそれがうまくいっていなかったら、そのまま日本へ帰ってきていたかもしれません。ー「生活ができるか」「衣食住に困らないか」ということは表現者にとって切実な問題ですよね。　おっしゃる通り「金銭的に難しい」ということもあるだろうし、「認められないから」というのもあると思います。昔、ある先輩に「石の上にも3年じゃないけど、10年ぐらいやらないと結果なんて出てこないよ」と言われたんです。僕の場合は「まあ、たしかに」と思えて、へばりついてでもやってみようかな、と。　金銭的に難しくなったり、精神的に苦しくなったときに「別にフォトグラファーじゃなくて他の職業でもいいかも」と思えるんだったら、それはそれでやったらいいと思う。ー今、フォトグラファーを志している人たちに声をかけるなら、なんと声をかけますか？　撮ること。とにかく、自分の好きなものを撮るしかないんじゃないかな。自分の好きなものを好きなように撮り続けることで、自分の好きなものの的が絞れると思うんです。それが何かしらの独自のスタイルになっていくはず。今は、情報が多すぎて的を絞ることに困るかも知れないけど、好きなことをやり続けていればおのずと"自分の知らない自分の好み"が見えてくるんじゃないでしょうか。「私はこういうものが好きだったのか」と。ーTakayさんにとって写真とは？　「写真は愛だ」とか「写真は記録だ」「写真は光と影だ」とか、そういうことを言いたいんですけど、僕は「まだわからないな」というのが正直なところです。わからないから続けているのかもしれない。　例えばカメラを持って街を歩いている時に、「気になるな」と思ったものはパッとレンズを向けるじゃないですか。興味がないものにはカメラは向けない。そういった意味ではそれが答えなのかな、と。記録であって、好きという興味があるものに対しての「残したい欲求」なのではという気はしています。ー「撮りたい」という欲求が入り込むのが、写真。　そうですね。「フォトグラファーの欲求が入り込む」ということは、人が被写体の場合はもしかしたら暴力的になる時もあるかも知れない。ウィリアム・クライン（William KLEIN）の作品で、ワイドレンズであるにも関わらずとても近い距離感で人を映している作品がありますが「こんな顔している時の写真、撮られたくなかった」という人もいるだろうし、内容としては暴力的なのかも知れない。そこはカメラマンのエゴですよね。ーそれでもレンズを向ける。　僕は「それでも撮る」というのを母校である大阪写真専門学校（現 ビジュアルアーツ専門学校）で学びました。先生たちの多くが作家としての活動しながら教鞭を取っていることもあり、授業の内容も「街に出て、来週までに20枚を発表しなさい」とか、そういう実践的な物が多かったんです。標準レンズだと被写体に近寄らないと強い画にはならないけど、いきなり被写体に近寄ったら「なんだよ、撮ったな」と言われたりもする。実践的な授業の中で対象との距離感、その距離感で生まれる効果を学びました。ー表現者は「エゴ」とどのように折り合いをつけていくべきなんでしょうか。　まったくエゴのない状況って逆にあるんでしょうか？様々な言われ方があると思いますが「それでもやっぱり撮りたい」という欲求はもちろん、撮ったら何処かで発表したい、誰かに見てもらいたいという欲求は言い方を変えればエゴですよね。それの繰り返しなのかな、とは思います。（聞き手：古堅明日香）

宇多田ヒカルのBADモードを撮影　写真家Takayは「写真とは何か」という根源的な問いにどのように答えたか

「"今の時代"が面白い」：篠山紀信、SHOOP、リステア清水博之が語るヌードの現在

■ニコラ・ドゥジェンヌ　18歳でメイクアップ・アーティストデビューし、以後テレビ・映画・ファッション業界で活躍。1999年からジバンシイのメイクアップを統括し次々と革新的なアイテムを生み出す。2021年6月にメイクアップ・アンド・カラー・アーティスティック・ディレクターを退任。11月にフレグランスブランド「ニコラ ドゥジェンヌ」を立ち上げた。日本ではノーズショップのオンラインショップで販売している。ーニコラさんのメイクアップアーティストのキャリアのスタートは18歳と聞いていますが、それより前、学生のころはどんなお子さんでしたか？　反抗期が長かったのか、16歳の時に家を出てアメリカに渡りました。でも悪い子ではなかったと思います（笑）。当時フランスで受けていた教育に満足できず…。私は勉強よりもアートの方が興味があったんですが、もっと自由に伸び伸びと人生を生きたかったし、拘束されずに興味のあるものを学びたくて。家族と母国を離れたらそれが叶うと思って、ほとんど英語が話せないまま渡米したんです。ー英語を話せないまま渡米するのは大きな決断でしたね。　当時はフランスの学校では英語をきちんと学ぶことができず、映画や音楽から自分で勉強していたのですが、ほとんど喋ることができませんでした。当時の私はとてもナイーブだったので（笑）、英語が話せなくてもなんとかやっていけると思ったんです。ただ、いざアメリカに着いたら「これはまずい」と思って、必死に英語を学びました。授業についていくためだけでなく、アメリカ社会にどっぷり浸かり、アメリカの文化に触れたいと思ったからなんですが。写真の勉強と並行して頑張った結果、わずか1ヶ月で英語の成績がクラス1位になりました。メイクは女性の内面と周囲までもポジティブにするパワーがあるーアメリカで学んだこととは？　高校生の時に渡米したことで、メイクアップアーティストとしてのキャリアの入り口となりました。それだけではなく、グローバルな視野を培うためには大きな意味がありました。当時から私はフランス人ではなく、グローバルな人間でありたいと思っていましたから。チャレンジングなことばかりでしたが、若い時に渡米して本当に良かったと思います。ー写真を学んでいたことがメイクアップに興味を持つきっかけになったのですね。　授業で女の子のモデルを撮影することが多かったのですが、メイクアップアーティストを雇うお金がなく、自分でメイクをするようになりました。自分の手によってモデルたちが美しくなるのを体感したわけですが、メイクは女性の外面だけでなく、自信を与えることで内面まで輝かせるパワーを持つものだと知り、すっかり夢中になり、メイクアップの世界に惚れてしまって…。それでフランスに帰ってメイクアップを学ぶことを決意しました。ー確かにメイクアップは人をエンパワーする力を持ちますよね。　その通りです。赤リップを塗った女性が街中で「とても綺麗ですね」と一声かけられただけで、きっと彼女の1日はハッピーなものになるはず。メイクは人のエネルギーをポジティブに変える力があります。そんなポジティブなエネルギーを浴びた人は、周りの人にもそれをシェアして、周囲までを幸せにすることができると思うんです。　例えば、昔知り合った女性の話をしましょう。彼女は80歳と高齢で、入院していました。彼女の元に若い男性が毎日介護に来ていたのですが、男性は彼女からある日、「赤いリップスティックが欲しい」と言われたんです。その理由を聞くと、「（男性のために）毎日最高の自分を見せたいから」と答えたというんです。それ以来彼女は毎日、彼が部屋に来る前に真っ赤なリップスティックを塗り彼を待っていたと言います。ー素敵なお話ですね。ちょっとキュンとしました。　思うんですが、そのリップスティックは彼のためにつけたというより、「自分のため」だったとのではないかと。たった1本のリップで、自信と自己肯定感を上げることができたんです。このようにメイクは自分の内面だけでなく、周りまでもポジティブな影響を与えることがでるものなんです。ーメイクアップアーティストになることを決意して、フランスに帰国してどうしましたか？　「メイクアップフォーエバー（MAKEUP FOREVER）」のアカデミー（学校）に入学し、ブランドを創業したダニ・サンズ（Dany Sanz）の元で学びました。毎日の小さな積み重ねで、今の自分があるー何を学んだんでしょうか？　メイクアップの全てです。テクスチャーやアプリケーション（塗り方）はもちろん、クライアントへの振る舞い方まで学びました。ただ、これら基礎知識さえあれば優秀なメイクアップアーティストになれるわけではありません。素晴らしいメイクアップアーティストになるには、経験が全てです。私は今も自分を働き者と自負しますが、当時も必死に学び、必死に働きました。毎日の小さな積み重ねで、今の自分があります。ー何か思い出深いエピソードはありましたか？　正直、毎日が思い出です。特に印象に残るものがないのは、毎日全力を投球していたから。つまらない解答かもしれないですが、毎日が学びにあふれ、ひたすら吸収し続けました。とにかく努力を続け、働くことが好きなんです。今でもそれは変わりません。ー努力をし続けるのは大変なことです。　そうですね。ひとつ学んだことで重要だとすれば、メイクアップで施す人の考え方を変えることです。鏡というものは、時にはとても危険なものです。自信がない人が鏡を覗くと、美しさを見出すことができません。メイクアップアーティストの役割は、メイクアップというツールを通して、その人の生まれ持つ美しさに気づかせることです。決して簡単なことではありませんが、経験を積んで自然にそれができるようになります。ー（中）に続く（文 エディター・ライター北坂映梨、聞き手 福崎明子）

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