インサイド

　2022年に若手デザイナーの登竜門「LVMH
Young Fashion Designers Prize」でグランプリを受賞して瞬く間に業界で注目を集めたが、2024年も大きな進化を遂げる一年となった。今年1月にピッティ・イマージネ・ウオモ（Pitti Imagine Uomo）のゲストデザイナーとしてショーを開催し、直後に歌手のハリー・スタイルズが投資家になったことを発表。9月には「エリザベス2世女王 英国デザイン賞」を受賞し、初となるウィメンズコレクションの単独ショーをロンドンファッションウィークで披露した。 　デイリーは10月末、ドーバー ストリート マーケット ギンザ（DOVER STREET
MARKET GINZA）で開催されたイベント「オープンハウス（OPEN HOUSE）」に合わせて初来日。自身のルーツや投資家のハリー・スタイルズとの関係性、今後の目標について語ってもらった。 憧れのアレキサンダー・マックイーンでの経験―初来日とのことですが、東京の印象はいかがですか？　昨日着いたばかりですが、美しい街ですね。賑やかな都会でありながら、人々が礼儀正しくて、心地よく歓迎してもらっている感覚です。食べ物も本当に素晴らしい。早速ラーメンやとんかつを食べて、小さなパン屋さんで菓子パンを買いましたが、すごく美味して感動しました。あとヨーロッパと異なって、全てのデザインが垂直で整っているのが面白いと思います。―まず、あなたのファッションルーツについて聞かせてください。ファッションに目覚めたときに憧れていたブランドやデザイナーは？　月並みですが、アレキサンダー・マックイーン（Alexander McQueen）です。幼少期からロンドンで絶大な影響力を持っていたのを見てきたので、私の世代では最初に憧れを抱くデザイナーは、必然的にマックイーンであることがほとんど。また当時マーク・ジェイコブス（Marc
Jacobs）が手掛けていた「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」、ドリス・ヴァン・ノッテン（Dries Van Noten）のデザインにも刺激を受けました。ファッションを学ぶようになってからは、「コム  デ ギャルソン（COMME
des GARÇONS）」を知って、引き込まれていきました。 ―その憧れだったアレキサンダー・マックイーンとトム フォードでのインターン経験があるそうですね。それぞれのブランドでどんなことを学びましたか？　2つのブランドで全く異なる経験ができました。アレキサンダー・マックイーンでは、当時のクリエイティブ・ディレクターのサラ・バートンが素晴らしいチームを築いていました。サラは一緒に働く人たちを尊重しながら、その異なる才能を最大限に引き出せるように働きかけていました。一方トム フォードでは制約の中で、精密なモノ作りを学べたと思っています。コレクションを通して世界観を作り上げることや上質な素材に触れられたこともとても勉強になりました。ウェストミンスター大学の恩師に学んだこと―エス・エス・デイリーの根底にあるのは、労働者階級で育った経験を反映し、英国の伝統的な衣服を現代的に再解釈したコレクションを展開している点です。このアイデアにはどのように辿り着きましたか？　私はずっとイギリスの伝統的なパブリックスクール（イギリスの私立中高一貫校）の統一された美学に興味がありました。そういった歴史をリサーチする中で、自分のアイデンティティでもある労働者階級の視点を融合してみたいと思ったんです。難しいことではなかったですが、形にするまでには時間はかかりましたね。 ―出身校であるウェストミンスター大学では、業界で有名なアンドリュー・グローブス教授*の指導を受けたそうですが、彼による助言は大きかったのでしょうか？　はい、彼の影響は大きかったです。私がウェストミンスター大学に進学したのも、アンドリューの元でファッションを学びたかったからでした。常に挑戦させてくれる環境があり、今まで持っていた固定観念を覆すような発想を出すように後押ししてくれました。自分の進みたい道に導いてくださって、数々の貴重なアドバイスをもらいました。独特な教育方針を持っている教授だと思います。*アンドリュー・グローブス教授：ロンドンでデザイナーとして活動後、ウェストミンスター大学で長年ファッションデザイン科の教授を務める。メンズウェアの教育者として業界で影響力があり、教え子にはリアム・ホッジスやアシュリー・ウィリアムス、ロビン・リンチ、プリヤ・アルワリアのほか、ラグジュアリーブランドで活躍するデザイナーが名を連ねる。またアンドリュー本人はアレキサンダー・マックイーンの元パートナーとしても知られる。―ロンドンのファッションスクールといえば、セントラル・セント・マーチンズも有名ですが、卒業生としてファッションを学びたい学生たちにウェストミンスター大学をおすすめしますか？　そうですね。実はアンドリューが2年前にファッションデザイン科の主任教授を退任してしまったので、現在の教育方針は少し変わってしまったかもしれません。でも、ウェストミンスター大学にはアンドリューが収集した素晴らしいメンズウェアのアーカイヴコレクションがあります。特にメンズウェアを学びたい学生には役立つはず。ロンドンではセントラル・セント・マーチンズにスポットが当たりすぎていると思いますが、他にもいい学校があるんですよ。―イギリスのデザイナーたちは、よく自身のルーツを理解してデザインに落とし込み、独自のメッセージを発信できているように感じます。　そうですね。私の場合は、歴史的で伝統的な英国文化をいかにモダンに表現できるかということに挑戦し続けたいと思っています。英国デザインの特徴は、真面目な美的感覚がありながらも、ユーモアのセンスもあるところ。特に若い人たちには時代遅れで古びたものに感じられることもありますが、現代的な考えを融合することで未来に繋げていきたいと思います。―エス・エス・デイリーではアイコニックなアヒルをはじめ、羊や犬、猫、ウサギなどたくさんのアニマルモチーフが登場します。これらには何かメッセージが込められているのでしょうか？　英国らしいひねりの効いたユーモアを取り入れています。イギリスにはたくさんの自然があるので、都会から逃避して、自然に癒されることがあります。また伝統的な紋章には、動物たちが描かれていることが多いので、そのようなデザインからヒントを得ることもあります。 初のウィメンズはメンズと真逆のプロセス―ハリー・スタイルズやエマ・コリンといったセレブリティのスタイリストでも知られるハリー・ ランバートが深く携わっていますね。彼と仕事をすることで自身の視点が変わった部分、得られたこととはありますか？　ハリーは寛大な人です。忙しい中でも相談に乗ってくれたり、お互いにアイデアを語り合ったり、一緒にいることで学ぶことが非常に多いんです。私たちは同じ感覚を共有しながらも、全く異なるタイプの人間なので相乗効果があって、いい仕事を共にできるんだと感じます。ファッション業界では仕事仲間がいい友達になることがよくあって、ハリーもその一人。アトリエもずっと隣同士で、引っ越しするときも一緒に隣の部屋を借り続けてるんです。毎日連絡を取り合っていて、昨日はハリーに日本のお土産としてリクエストされた「ソニーエンジェル」を買いに行きましたよ（笑）。―2025年春夏からはウィメンズをスタートしましたね。メンズとウィメンズをデザインする上で異なる部分はありますか？　プロセスは似ていますが、異なりますね。これまでのメンズコレクションでは、典型的な制服や紳士服に少しフェミニンな要素を取り入れようと試みてきました。一方で初のウィメンズでは、典型的な婦人服にマスキュリンな要素を加えるようにして、真逆のことを行っている感覚です。嬉しいことに、これまでにもメンズコレクションを購入してくださる女性の顧客がたくさんいて、その方々の存在がきっかけになりました。メンズから派生したテーラリングやニットウェアがありながらも、ウッドビーズの刺繍スカートやエレガントなドレスもあったり。一目でエス・エス・デイリーだと分かるけれど、これまでと異なる新しいものにしたかったんです。 ―今後ショーは継続する予定ですか？　エス・エス・デイリーは4人体制の小さな会社で、現在の私たちの体力的に、年2回ショーを開催していきたいと思っています。例えば、1月のパリ・メンズ・ファッション・ウィークと、9月のロンドン・ファッション・ウィークで発表するようなイメージ。メンズとウィメンズの春夏と秋冬で全4コレクションですが、ショーはシーズンで分けて年2回に集約するという考えです。次は1月にロンドンでショーを開くより、パリのメンズファッションウィークで発表するかどうか検討中です。ハリー・スタイルとの新たな関係性―ハリー・スタイルズがエス・エス・デイリーの投資家になったことがニュースになりました。彼とはどのようなビジョンを共有していますか？　ハリーは私たちが2020年にブランドを立ち上げたときから、エス・エス・デイリーを着用してサポートしてくれていました。それからお互いの活動に共鳴して、一緒に将来のビジョンについても話し合って、投資家になるという判断も自然な形で決まりました。公に発表することで、ハリーがブランドの可能性を信じていることを世の中に示してくれたと思います。セレブリティが若手ブランドを着用してデザイナーを応援することは多々ありますが、ブランドを長く継続することは簡単なことではありません。今後、セレブリティがブランドの投資家になるという一歩進んだ形での関係性が広がっていけばいいですね。―素敵な関係性ですね。今後はハリー・スタイルズの衣装を制作することもありそうですか？　直近のツアーでは「グッチ（GUCCI）」が衣装を制作していましたが、チャンスがあれば私たちも作ってみたいですね。ハリーは毎晩衣装が必要なので、そのペースに追いつけるように頑張らないといけませんが（笑）。―1月に開催したピッティ・イマージネ・ウオモでのショーに、デザイナーのポール・スミスが訪れていましたね。彼はあなたにとってどんな存在ですか？　尊敬しているデザイナーです。1年前にオフィスに招いてくれて話をする機会を得て、私たちのことを応援してくれています。ポールがイギリスの紳士服を中心に店舗から世界中でビジネスを成功させているように、いつか彼のようなレベルに到達できたら、どれほど素晴らしいことかと想像することがあります。―将来お店を開きたいと思いますか？　実は昨日、（パートナーでブランドのセールスを担当する）レオと初めてお店について話し合ったんです。これまでは自分たちで店舗を構えることに全く関心がありませんでしたが、東京を散策する中で「いつか東京にならエス・エス・デイリーの素敵な店舗が作れるかもしれない！」と想像ができたんです。ロンドンに実店舗を構えることは現実的に思えないですが、東京だったら温かくて、エネルギーのあるお店ができるかもしれない。日本人のファッションに対する熱意は他の都市とは異なります。デザインの理解度や細部へのこだわりはロンドンやニューヨークではなかなか感じられないもの。なので、いつか東京にお店を構えることが一つの目標になりました。―ぜひお願いします！今後、ブランドをどのように成長させていきたいですか？　まずはメンズとウィメンズのコレクションでそれぞれしっかりと世界観を打ち出して、ビジネスを軌道に乗せていきたいです。そこから、バッグやシューズなどのアクセサリーの制作にも取り組みたいですね。でも、急がずに妥協はしないで「これだ！」と思うものを世の中に出していきたいです。私たちが出すアクセサリーは確実に素晴らしいものになる自信があります。ぜひ楽しみにしていてくださいね。 Photography: Masahiro Muramatsu

Fashion

ハリー・スタイルズが投資する英国ブランド　エス・エス・デイリーの素顔に迫る

ヴィンテージコンバース本明秀文（以下、本明）：まず前提として、やっぱり“無いもの”が高くなるっていう世の中なので、希少なものが欲しいというのは変わらないんです。僕は靴屋なので、靴で古くて珍しいものがあったら特に買いたいわけですよ。FASHIONSNAP（以下、F）：昨年からスタンスは変わらずですね。本明：その中でも、例えば1985年のエア ジョーダン 1とか量を集めたいものは中古も買うんですが、基本的には新品未使用が僕の中では熱くて。今年買った"熱い靴"がこのコンバースたち。F：では全部デッドストックですか？本明：そう。まあ日に焼けちゃったりはしているんですけど。F：全て種類が違いますね。まずはマイナーインダストリーズ（MINER Industries）社のアーミーコンバース。外側にはブランドロゴや文字がなく、ヒール部分にミルスペックがプリントされています。本明：アメリカ軍に納品されていた物らしいんだけど、「本当なの？」って感じ。でもマニアの人が絶対だっていうからとりあえず騙されたように買ってみました。もう一足はウェイト・オールスター・トレーナー。F：凄く重たいですね。本明：足の筋力を鍛えることを目的に作られた靴で、ソール部分に重りが付いているんですよ。まあアメリカ版の鉄下駄みたいな感じですかね。F：最後はコーチ（COACH）。「コンバース アディクト（CONVERSE ADDICT）」でも復刻されたモデルのオリジナルです。本明：デッドストックは珍しいですよ。やっぱり、新品っていうだけで嬉しいんですよね。F：これはどこで購入したんですか？本明：古物マニアの人から買いました。マニアが集めている物ってその人が死んだらゴミだと思われちゃうんですよ。死んでから家族に捨てられるのは悲しいから、生きているうちに手放そうっていう人も結構いて。そういう人からよく連絡が来るので、そこから“無いもの”を買っていく感じです。F：本明さんが普段履いているのは「ホカ（HOKA）」が多いですよね。コンバースを履くこともありますか？本明：今はほとんどないです。昔はよく履いていて、紺色のオールスターで富士山を登ったことがあります。高校生くらいのときだったかな、登りは結構簡単に登れるんだけど、下りは砂で滑っちゃうから、降りたときにはボロボロだった。それがコンバースの一番の思い出ですね。今は歳を取ったからソールが厚いものじゃないと。だからコンバースは若さのシンボルですよ。　コンバースの良さはあと加水分解しにくいっていうことですね。ナイキの古い靴とかも持っていますが、どうしても加水分解してしまう。F：エア（AIR）などのテクノロジーは加水分解しやすいイメージです。本明：エアは7年くらいすると中が曇ってくるんですよ。それでボロボロになってくる。僕は色んなコレクターからスニーカーを見てくれって話が来るんですけど、一度200足くらいのジョーダンコレクションを見せてもらったら150足くらい加水分解していたことがありましたよ。F：本明さんは加水分解が起きないように対策していますか？買ったスニーカーは湿度を調整した部屋に置いておくとか。本明：していないです。買ったら満足しちゃうんですよね。ヴィンテージリーバイス 501®F：続いてはヴィンテージの「リーバイス（Levi's®）」。こちらもデッドストックです。本明：さっきのコンバースと同じ人から購入しました。デニムと言えば「ベルベルジン（BerBerJin）」や「サファリ（SAFARI）」が有名ですが、そういったショップでもヴィンテージのデッドストックってどんどん減っていて、今は本当に少ないんですよ。F：もしこれがデッドストックじゃなかったら買っていないですか？本明：買っていないですね。新品を持って置いて、見て楽しむ。F：3本とも501®。パッチにはそれぞれ「S」「I」「A」の文字がありますが。本明：なんなんだろう、工場の違いとかですかね。ちょっとずつディテールが違うんですよ。ポケットのステッチがシングルかチェーンかとか。正直、僕は「大戦モデル」とか「ビッグE」とか代表的なディテールはわかるけど、細かいポイントはわからないんですよね。F：ちなみに、いくらで購入したんですか？本明：コンバースと合わせて全部でウン百万円。でも、売る売らないは別として5年後にはもっと高くなってるんじゃないかな。32から34くらいのサイズもなかなか珍しいと思いますし。こういった物のほうがお金を持っているよりもインフレに強いと思うんですよ。渡辺努さんの「物価とは何か」を読むと、よりそういったことを考えれる。しかも、リーバイスやコンバースって世界中に欲しい人がいるので需要がありますから。F：マニアから買う際は実物を見にいくんですか？写真で確認したりは？本明：必ず見に行きます。今年は古着を求めて盛岡とか三重とか色々なところに行きました。F：デニムは501®が多いですか？本明：そうですね。チャプターの頃によく501®のXX履いて作業していたので思い出もあって。運送会社のお兄ちゃんから「金がねえから買ってくれ」って言われて、7万円くらいで結構青いのを買ったんですよ。作業でボロボロになるまで履いて......、今思えば凄く勿体無いことをしたなーって思います（笑）。筒描きの布団布本明：筒描きによる昔の布団布なんですが、兎が跳ねている模様なんですよ。2023年は卯年なので買いました。F：本明さんも干支を気にして買い物とかするんですね。本明：涼くん（せーの 石川涼社長）に会った時に「来年は卯年だから飛躍する」と言っていて。縁起が良さそうなので、僕も何か兎のものを買っておこうと思って購入しました。F：「エフアールツー（#FR2）」と言えば兎ですもんね。本明：そうそう。あと、筒描きの兎と鶴って結構珍しくて、滅多に出てこないんですよ。F：どこで購入したんですか？本明：筒描きマニアから。日本人から買ったんですけど、最近は外国人がこういったものを好きなんですよ。筒描きを集めている人って少ないけど、こんな変わったものを集めている人って「どうしても欲しい」っていうような人ばかり。だから筒描きも価値が落ちにくいんですよ。F：本明さんも筒描きマニアの一人ですよね。本明：変な筒描きをいっぱい持ってますよ。鶴亀や宝船の模様とか。倉庫で積んであります。F：これを購入したのはいつ頃ですか？本明：夏頃に購入しました。布って冬になると高くなるんですよ。汗が出る暑い季節は何故か売り叩く人が多くて。アパレルも冬になると単価が上がるけど、それと連動しているというか。だから安く買える夏に買い物をして、冬はあまり物を買わないですね。鉄瓶本明：昔から鉄瓶が好きで。これはまだ錆落としをしていないんですが、錆を落とすのが楽しいんです。F：どうやって落とすんですか？本明：水で軽く濯いでから、お茶を入れておく。そうするとお茶のタンニンで錆が落ちてくるんです。一週間くらいかけて錆を落とすので愛着が湧いてくるんですよ。あとコーティングされていないから、鉄瓶を使ってお茶を飲むと鉄分が取れますし。F：重量もかなりありますね。本明：この重さに昔っぽさを感じるんですよ。最近は利便性を求めてなんでも軽くなっていて、生活しているっていう実感が湧かない。重厚感がある物を使って飲んだほうが、美味しく感じるんですよね。やっぱり面倒くさいことをやらないとダメなんじゃないかなって。だから僕は基本的に電子レンジも使わないんですよ。F：昨年のベストバイでやかんを出していて、「買いすぎ」と奥様に怒られると言っていました。今回の鉄瓶も何か言われたんじゃないですか？本明：子どもたちが大きくなって、鉄瓶とか古伊万里に興味を持ち始めたんですよ。前に使っていたものを子どもたちがアメリカに持って帰って使っているみたいです。そうすると僕は新しい物を買える。バランス関係も変わって、妻1人が鉄瓶の購入に反対派で、僕と子ども2人の計3人が賛成派。多数決で僕達が勝つんですよ。F：共感者が増えたんですね（笑）。本明：そう。子どもが大きくなってそれが一番嬉しいです。人形作家による人形本明：知り合いの人形作家さんがスニーカー好きな僕のために、「スニーカーの神様」を作ってくれました。会社の机に置いていて、毎日顔を合わせて力を貰っています。F：コンバースのような靴を履いていて可愛いですね。本明：この靴もわざわざ探してくれたみたいです。F：モチーフは何なんでしょう？本明：熊か何かかと思って聞いてみたら僕を参考に作ったらしいです。「大丈夫か？」っていうような顔をしていて、たしかに僕っぽいなと（笑）。愛着が湧いて気に入っています。あと見ていると儲かる気がするんですよ。F：商売繁盛のご利益がありそうですもんね。本明：そうそう。人の愛情がありますし、一般的に売っている物じゃないから酉の市の熊手とかよりも効果があるような気がして。その人形作家さんは、展示会を開いた際にこういった人形が30万円くらいで売れるような方なんですが、知り合いだからってお菓子を買うくらいの値段で作ってくれました。周りに愛情を持って関わってくれる人がどれだけいるかが、商売をする上でも大事なポイントだなと再認識しましたね。おにぎりぼんご おにぎり本明：本当は2個用意していたんですが、お腹が空いて1つ食べちゃいました。ぼんごのおにぎりは美味しくて好きなので、このおにぎりが“買って良かった物”なんですが、“出資して良かったこと”としてぼんごの由美子（右近由美子）さんと共同で会社を設立しました。F：アトモスのバイヤーだった橋本信伍さんがぼんごに転職したそうですね。本明：そうなんです。由美子さんから「ぼんごで働いてくれる若い人を探している」っていう話を聞いていたんですが、その話を偶然聞いてた信伍が気が付いたらぼんごに転職していたんですよ。それをきっかけに、ぼんごのおにぎりをもっと広めたいし、低迷しているお米の消費量問題にも貢献できるんじゃないかと考えて声をかけたんです。F：2023年1月新宿に店舗を出店予定ですね。本明：屋号は「ぼんご」じゃないと思いますが、まずは一店舗出してみようと。味が落ちちゃうとダメだから、様子を見ながら経営していくことになると思います。F：楽しみです。ぼんごといえば57種類の豊富なメニュー数も人気の一つですが、本明さんのお気に入りは？本明：牛すじ＆カレー、辛子明太子＆高菜、黄卵醤油漬け＆肉そぼろです。行くと色々食べてみたくなるので毎回頼むものはバラバラなんですが。今日持ってきたのは辛子明太子＆高菜です。F：どれくらいの頻度で食べているんですか？本明：今は信伍と週2日くらい会って話し合っているので、そのタイミングで購入して週2回は必ず食べています。F：昨年のインタビューで「ご当地料理を東京に持ってきたり、海外に持って行って商売したい」と話していたので、その第一弾になるわけですね。本明：美味しいご飯をもっと広めていきたいんですよ。あとフットロッカーとの契約で、スニーカー関連の新しい商売はできないので、僕が好きなご飯で面白い商売ができたらなと。今年を振り返ってF：今年の買い物は、昨年に引き続き”無いもの”を買ってきた？本明：そうですね。あとはやっぱりぼんごの共同設立が一番のトピックスです。F：本明さんと言えば「アークテリクス（ARC'TERYX）」の服をよく着ていますよね。本明：アークテリクスか「パタゴニア（Patagonia）」が多いです。機能性が高くて楽ですし、価格が高いからあまり人と被らないんですよ。「ザ・ノース・フェイス（THE NORTH FACE）」は被りすぎちゃって。原宿を歩いていると皆んなザ・ノース・フェイスしか買っていないんじゃないかって思うレベルで......。F：今、買いたい物はありますか？本明：引き続き”無いもの”を買いたい感じですかね。でも一番欲しいのは知識というか時間。デニムのディテールとかもそうですが、買うときに分かっていないと本当に価値があるものがわからないですから。F：調べるための時間が欲しい？本明：そうですね。僕は毎日10件近く打ち合わせがあるんですよ。だいたい8時くらいから打ち合わせして、全部終わる頃には20時くらいになっている。そこからシャワーを浴びたり、新聞や本を読んだら気がついたら23時。そこから寝て、4時くらいに起きる。日課のウォーキングをして、新聞を読んだり、メールを返していたら8時になってまた打ち合わせ。ずっとそんな生活だから興味あるものを調べる時間が足りないんですよ。F：そんな忙しい中、新しい会社を作ったり、新しいことにチャレンジできる好奇心と行動力は素晴らしいですね。本明：面白いことをやっていないと生きていけないんですよ。僕が好きなのはお金じゃなくてお金儲けだから。F：来年のスニーカー市場についても聞きたいのですが、インバウンドが戻ってきて今後のスニーカー市場はどのように変わっていくと思いますか？本明：ちょっと厳しいんじゃないかなと思います。アメリカの米連邦準備制度理事会（FRB）が金融引き締めを行うだろうから、市場からお金が無くなっていく。そうすると、今まで靴や時計、車などに投資していた人が減っていく。インバウンドが戻ってきて、旅行も増えるだろうから、例えばスニーカーだと街履用の1万円くらいの実用的なモデルは売れると思います。でも、所謂プレミアが付いているようなスニーカーはどんどん動きが悪くなっていくのではないかなと。面白い提案の仕方を考えて、工夫しながらじゃないと難しいと思いますよ。本明秀文 Foot Locker atmos Japan 合同会社 atmos グローバル担当 / CEO兼チーフクリエイティブオフィサー1968年生まれ。米フィラデルフィアの大学を卒業後、商社に2年間勤務。1996年、テクストトレーディングカンパニーを設立し、裏原宿にスニーカーの並行輸入店「チャプター」を開く。現在「アトモス」をはじめ、「アトモス ピンク」や「トーキョー23」などを運営。

CONVERSE

【2022年ベストバイ】アトモス創設者 本明秀文が今年買って良かったモノ

　今年の日本は猛暑日が多いそうですね。東京の取引先や友人からこのように聞かれます。「こっちはめちゃくちゃ暑いですよ。ジャカルタはもっと暑いんでしょう？」。　いえ、ジャカルタより東京の方が暑いです。私が慣れてしまったらからそう思うのかわかりませんが、ジャカルタの暑さは東京の8月の酷暑と比べたら余裕です（ジャカルタはどこでもエアコンが効いてるから、というのもありますが笑）。◇　◇　◇　今回はインドネシアのECのお話。インドネシアではECが急速に浸透しています。理由は大まかに3つ挙げられると思います。1-スマホの普及率が高い　インドネシアはここ10〜20年で経済が急成長しましたが、同時期にスマホが普及したことから働いている人はほぼ100％スマホを持っているといっても過言ではないです。そのため他の地域と比べて東南アジア諸国は、新しいテクノロジーを取り入れることに抵抗が少ない傾向にあると思っています。2-人口が多い　インドネシアの人口は約2億7千万人です。日本の倍近くいますし、その数は増加傾向にあるため投資をし続ける価値があります。3-物が売れる　GDPなどあらゆる経済指数が上を向いていて、物が売れる背景があります。　みんなスマホを持ってる×人口が多い×経済が上向き＝ECがめちゃくちゃ売れます。　その証拠として、下記の表はインドネシアで展開しているEC各社の2022年第1四半期の月間訪問数ランキングです。　月間訪問者数が1億5千万人......。私はEC界隈に詳しいわけでもないですが、それでもこの規模の大きさは流石にすごいと実感せざるを得ません。巨大なEC市場であるインドネシアでは、ありとあらゆるものがECで売られています。アパレルや生活雑貨はもちろん、食べ物や生鮮野菜などもあり、転売もゴロゴロあります。すごいケースではNetflixのファミリーアカウント（おいおい）が売られているのも見たことがあります。　上記の表にあるECは、日本でいうところのAmazonや楽天市場です。ECプラットフォームなので、商品さえあればある日突然誰でも出店できます。また、このECのほとんどは東南アジア全体または他国でも展開していますので、気になる方はシンガポールやマレーシア、タイ、ベトナムなども調べてみると非常に興味深い内容を見つけられると思います。東南アジアは世界でもっとも経済が伸びているエリアとも言われており、EC各社の競い合いは過熱しています。◇　◇　◇　ECで買い物すると、日本のように運送屋さんが届けてくれます。インドネシアではもう1つ、バイクタクシーが転じてバイク便も活発です。　先日、私は軽い風邪を引きました（陰性でした）。体が怠い時、風邪薬を買いに行くのが億劫ですよね。インドネシアではそんな時に、風邪薬を買いに行く心配がありません。アプリで注文して、バイクタクシーのお兄さんが15分ほどで届けてくれました。インドネシアのECは同じ市内の買い物であれば、当日に届きます。そんなこんなでとても便利なインドネシアのEC界隈。そして、ここ数年で始まった若手ブランドの流れがあります。　ある若手ブランドは、店舗もなく、卸先もなく、ECもなくホームページもありません。あるのはインスタグラムのアカウントのみです。どのように売っているのかというと、インスタグラムのDM機能です。DMで問い合わせをもらって、サイズや在庫を確認。そしてそのままDMで振り込み口座を教えてお客さんに振り込んでもらいます。みんな銀行アプリで振り込みますから、すぐに振り込みは確認できます。そして、バイク便で発送するんです。　これ、インドネシアの若手のブランドだと結構当たり前なようです。そのやり方で売れるようになったら、ECと契約して、卸先を作ったり、ポップアップショップを出店したりします。数多ある日本のアパレルや雑貨のブランドに比べれば、まだクオリティが心配なものも多いです。　しかし経済成長とともに各ブランドのクオリティは年々良くなっています。インドネシアの市場規模が大きくなり続け、いよいよ日本のアパレルや雑貨企業もこの市場を無視できなくなってきました。インドネシアは日本から飛行機で7時間半と結構遠いので、いつかバーチャルツアーみたいなことがやりたいなあと思っています。

Lifestyle

ECで稼ぐならインドネシア？｜コラム-ジャラン ジャラン アジア

中国の急回復　グローバル企業は大規模な売上の喪失を被ったものの、世界全体で失った売上をアジアの拠点から強烈なスピードで取り返す過程にある。コロナウィルスの影響からの回復が早かった中国の上海では、「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」のショーが行われたことを記憶している人も多いだろう。多くのブランドがデジタルプレゼンテーションへの対応に苦心するなかで行われ、賛否両論を呼んだこのリアルなショーは (注1)、21SSシーズンに開催されたショーの中でも最も大規模なものとなり、多くの人が認識していた中国市場の優位性を決定づけた。　LVMHの第三四半期の決算によれば、プラス成長を遂げたエリアはアジア地域のみだった 。そしてアジアの市場の売上の割合は全体の41%（そのうち日本は7%）を占めている (注2)。日本企業ではパンデミック以前に中国で出店数を増やしていたTOKYO BASEがパンデミックのダメージを受けたものの、現地での売上を伸ばしているようだ (注3)。　パンデミックによって国境を超える移動が制限された結果、もともと強いと言われていた中国市場の強さもまた顕著に現れた。毎年恒例の11月11日の独身の日のイベントでのアリババの一日の売上は前年比に比べ80%以上の成長を遂げ、一日の売上高は4982億人民元となった（1人民元を15.5円で計算すると約7.7兆円）。ラグジュアリーブランドと消費財を含めた物販を行っているアリババを単純には比較できないが、金額だけ見るとこれはLVMHの2019年の年間の売上53.6億ユーロ（1ユーロを125円で計算すると約6.7兆円）の金額が一日で動いたことを表す数字である (注4)。　2020年12月21日にTianwei ZhangがWWD.COMで発表したレポート (注5) によれば、デジタルファッションウィークの視聴者の多くが中国からのアクセスだったようだ。業界人には賛否両論だったラフ・シモンズとミウッチャ・プラダの共同作業によって作られたプラダのコレクションのライブストリーミング配信は、中国で4,000万以上のビューワー数を獲得した。昨年中に流れた数々のポジティブなニュースの大半が、いち早くコロナからの回復の道を歩み始めた中国の活況によるものだった。　昨年の寄稿では、「パンデミック以前に、グローバルなネットワークを持つものと持たざるものの格差は拡大する」ということを述べた。一年を振り返ると世界各国の経済状況が悪化する中、コロナ以前から中国に強い基盤を持ち、ネットワークを構築してきたグローバルブランドばかりがコロナ禍でプレゼンスを維持することとなり、持つものと持たざるものの差がはっきり出た。「まずは生き残れ、儲けるのはそれからだ」というのは投資家のジョージ・ソロスの言葉だが、生き残ったプレイヤー達は次のステージに向けて着々と駒を進めていた。注1) ルイ・ヴィトン メンズコレクションのショーにまつわる様々なニュースも時代を象徴していたので、読者は検索して調べてみて欲しい。2020年8月に上海で行われた翌月には、東京でもショーが開催された。注2)  LVMH Q3 Revenue Report. マクロな消費トレンドを見る上で、いつもLVMHの決算報告書は非常に示唆にとんでいる。https://r.lvmh-static.com/uploads/2020/08/q3-2020-revenue-va.pdf注3)  TOKYO BASEのIR情報、月次の売上に中国の店舗の寄与について言及がある。http://www.tokyobase.co.jp/ir/注4) CNBCによれば第2位のJD（京東）の売上は約4兆円だった。これはラグジュアリー資本であるKering、Richemontを合わせた年商を超えている。"Alibaba, JD set new records to rack up record $115 billion of sales on Singles Day as regulations loom (CNBC) " https://www.cnbc.com/2020/11/12/singles-day-2020-alibaba-and-jd-rack-up-record-115-billion-of-sales.html注5) WWD.COM - China to the Rescue https://wwd.com/business-news/business-features/year-in-review-2020-china-to-the-rescue-1234677642/デジタル化とグローバル化という業界再編のトピック　国際社会がパンデミックの混乱にある中、M&Aも積極的に行われた。1990年代から2000年までに勃興した現代ファッションのステージの風景もだいぶ変わりつつある。　アントワープのムーヴメントの一翼を担ってきた「ドリス・ヴァン・ノッテン（DRIES VAN NOTEN）はPuig Groupに買収され、「アン ドゥムルメステール（ANN DEMEULEMEESTER）」はANTONIOLIに買収された。ANTONIOLIの代表、Claudio Antonioliは「アンブッシュ（AMBUSH）」や「オフ-ホワイト c/o ヴァージル アブロー™（OFF-WHITE c/o VIRGIL ABLOH™）」を傘下にするNew Guards Groupの共同創業者でもある。また、今年に入ってから「アミ（AMI）」はセコイア・キャピタルチャイナに株式を売却している。　こういった業界再編の動きの中でも、大局を整理する上で重要だったのはLVMHによる「ティファニー（Tiffany ＆ Co.）」の買収、そしてリシュモングループ、アルテミス、アリババの三者によるファーフェッチ（Farfetch）への投資だろう (注6)。この2つのトピックは「デジタル化の推進とグローバル展開」という近年のM&Aのテーマを象徴するものだ。　1つ目のLVMHによるティファニーの買収はラグジュアリー領域で史上最大の買収金額となったことばかりが注目を集めたが、アメリカ市場の売上が大半を占めるティファニーが海外で更に成長をするためには、デジタル化とそれぞれの地域にチューニングした、ワンステージ上のグローバル戦略が必要になっていたことを表すニュースだった。　2つ目のファーフェッチのニュースは一部に驚きをもって迎えられた。リシュモンとケリングのオーナー、フランソワ・アンリ・ピノーという競合の立場が、二社同時に投資を決めたからだ。ちなみにファーフェッチは今回投資に参加したアリババの競合である、テンセントやJDからも過去に資金を受けている。このプラットフォームは単なるEコマースプラットフォームではなく、ファッションブランドと新興マーケットをつなぐ関所のようなインフラへと変貌しつつある。　世界中にはまだデジタル化の遅れたリテーラーやブランドが数多く存在する。多くのリテーラーやブランドは、ブランドバリューに与えるダメージを最小限にしつつ、世界中からトラフィックを集め販売をしたいと考えているが、これが可能なプラットフォームの中で最も有力な存在の一つがファーフェッチである (注7)。　業界全体でコロナウィルスによる業績悪化の直撃を受け、後回しになっていたデジタル化があちこちで進む中、小売店、ブランド、消費者のそれぞれ国境を超えて結ぶインフラを、競合同士の大企業が共に作る姿は「デジタル化とグローバル化」が切実なテーマであることを象徴している。パンデミックが始まった当初、グローバリズムの終焉といったキーワードがあちこちに飛び交ったが、結果としてこの一年の間、グローバリズムは新しい形に姿を変えただけだった。注6) アルテミスはケリング代表のフランソワ・アンリ・ピノーの資産管理会社 https://www.groupeartemis.com/en/participations/kering/注7) 数字は嘘をつかないというわけではないが、ファーフェッチはまだ投資先行の企業であり、成長途上にある。ファーフェッチのFinancial Reportを見れば、現状を確認することができる。https://www.farfetchinvestors.com/financials-and-filings/financial-reports/default.aspxESG、SDGsによって進む業界再編　「デジタル化とグローバル化」の流れをテーマとする業界再編は今後も続くと考えられるが、いまこれに新しいテーマが加わる可能性がある。それは、ここ2-3年でホットなトピックとなったサステナビリティ、ESG（Environment Society Governance / 環境・社会・ガバナンス）、SDGs（Sustainable Development Goals / 持続可能な開発目標）というテーマだ。　2021年1月20日、4年続いたトランプ政権が終焉し、バイデン政権が誕生する。上下院ではESGに熱心な民主党が過半数を抑えたため、今年は環境政策について急速にルール作りが進められ、関連産業への投資が更に進む年になるだろう。世界の中で圧倒的な経済力と政治力、西側への影響力のある米国の動きは要注目である。　サステナビリティ、ESG、SDGsといったキーワードは環境保護や、意識の高い企業倫理の問題と見なされ、冷ややかに見られることも多い。そして、環境政策の話題になると日本国内のみならず世界各地で、脱消費、脱成長といった極端な反資本主義の論調になりがちだが、これはあまりにもナイーブな見方だと思う。　"Don’t tell me what you think, tell me what you have in your portfolio.（何を考えているのか話さなくていいから、あなたが投資している金融商品の一覧を見せてくれ）"というのは、元ヘッジファンドのトレーダーであり、かつてリーマン・ショックを予見したことで話題になった、作家のナシム・ニコラス・タレブの言葉だ。社会に新しいストーリーが生まれる時、その言葉の背後で大きな資本の流れが起きるのが資本主義社会である (注8)。　いま新たに起きているこの産業の動きは、反資本主義といったテーマではなく、むしろ既存の産業に揺さぶりをかけ業界内部でパワーバランスを変えようとする資本主義の新しいストーリーとして作られているのだ。　厳格化されたルールが生まれれば、数多くの既存のブランドや企業は新しいルールへの対応を迫られ、対応できない企業はスクリーニングされていくことになるだろう。特に新興国は対応に苦心することが予測される。ブランド価値があったとしても、ブランドやメーカー、そして工場はESGへの未対応を理由にアンダーバリューされることとなり、いち早くESG対策を行った大企業から見れば、格好の買収ターゲットになるかもしれない。　パンデミックによってダメージの影響が本格化するのは2021年だと言われている。デジタル化の遅れと、グローバル展開のスピードがM&A成立のキーワードとなったように、「サステナビリティ、ESG、SDGs」というキーワードは、中小の企業やブランドを包囲する新しい業界再編のテーマになる可能性が高い。　サステナビリティに関するルールの枠組みは欧米政府と各国の大企業を中心に策定が進んでいるが (注9)、厳格化したルールを利用して成長を遂げる、新しいスタートアップやクリエーションの誕生もあるかもしれない。それらの多くも企業CSRの側面などから積極的な買収対象になるだろう (注10)。注8) タレブの著書、『身銭を切れ』（ダイヤモンド社, 2019）は今後を見ていく上で参考になる良書。注9) Fashion Revolutionを参照すると、現在どのような団体が存在しているかを俯瞰できる。https://www.fashionrevolution.org/key-organisations注10) London College of Fashionのケリングによる寄付講座、"Fashion and Sustainability: Understanding Luxury Fashion in a Changing World" はメインストリームのファッションが、いまどういう考え方を推しているのか俯瞰する上で面白いオンライン講座だ。https://www.futurelearn.com/courses/fashion-and-sustainability社会のダイバーシティとクリエイションのダイバーシティ　サステナビリティと同様、ダイバーシティ（多様性）というトピックもトランプ政権時代、世界中の政治権力者たちによって脇に置かれてきたものだ。このキーワードは権力の中心から放置された結果、逆説的な形で反権力のシンボルへと変貌し、リベラルな大衆の中で「ダイバーシティ」は以前よりも更に強く支持されるものとなった。　カウンターカルチャーをクリエイションの源泉とするファッションは、この社会の流れにいち早く反応した。ファッションの流れは西ヨーロッパや米国の文化ではなく、これまであまり強く注目されてこなかった東欧諸国やアジアのユースカルチャーをメインストリームに汲み上げ、そこから多様なクリエイションが生みだされた。また、ファッション業界でも企業広告をはじめ、あらゆるトピックがたびたびダイバーシティに反するということで炎上するシーンを見かけるようになったのがここ数年だ。現在では大企業は炎上リスクを避け、ポリティカル・コレクトネスに配慮した動きを見せている。　この流れは今後、米国のリベラル政権へのパワーシフトが起きる過程で変貌していく可能性はある。ダイバーシティという言葉が反権力の意味合いを失い、むしろ政治権力と密接に結びつく本流のテーマとなることで、ダイバーシティは社会に対する「アティチュード（態度）」から、社会の「ルール（制度）」に遷移していくことが予測される。反権力のアティチュードさえあれば、上辺だけの施策であっても大衆に見過ごされていた現状は、今後は厳しく注視されることになり、多くの企業にとって慎重な動きが要求されることになるかもしれない。　今後のファッションの流れ、そのクリエイションはどうなるのだろうか。社会に新たなルールや慣習が生まれるに伴い、ラグジュアリーを含め、メインストリームのファッション表現は当たり障りのない無難なものとなるかもしれない。クリエイションでは、新興国のマーケットの消費者をダイレクトに狙った直線的な表現が更に増えることも考えられる。しかしインディペンデントなクリエイターやスタートアップにとっては、この風潮が大きなきっかけにもなるのではないだろうか。　なぜなら人は本能的に、メインストリームとは異なるモノやカルチャーを求めているからである。ファッションは社会の主流のステータスへの羨望や、流行へ追いつく欲求を満たすためだけに作られているのではない。他の誰でもなく自分自身でありたい、オリジナルでありたいという人間の本能も反映しているのだ。巨大な企業による業界の中央集権化が進み、ビジネスの動きが画一化されていく過程の中で、社会や業界の慣習をハックする、大きな組織にはできない、裏をかくような動きを行うことができるのは小さな組織の特権だ。まさに、「上に政策あれば、下に対策あり」の時代が今なのである。■ENGLISH版：KLEINSTEIN公式サイト - POST-TRUMP SOCIETY AND THE FUTURE OF DIVERSITY IN FASHION

Tiffany ＆ Co.

ポストトランプ時代の多様化する社会とファッションのダイバーシティのゆくえ

　リヒターは1932年、東ドイツ・ドレスデンに生まれ、1961年に難民として西ドイツ・デュッセルドルフへと移った。ベルリンの壁が建設され始めたのは彼が西ドイツに移住したすぐ後だった。1989年にベルリンの壁が崩壊するまでドイツは東西に分断され、東ドイツは社会主義経済を目指し、西ドイツは資本主義経済を再建した。この分断は文化にも影響を及ぼし、伝統的なものを重視する傾向が東ドイツにはあった一方で、西ドイツは国際化が進み「アメリカ化」とも表現された。　リヒターは劇場の舞台背景を描く仕事に携わった後、ドレスデンのアートアカデミーで壁画を学んだ。卒業後も壁画の仕事を請け負ったが、当時は今のようなスタイルのアーティストではなかった。しかし、1959年に西ドイツ・カッセルで5年に一度行われる展覧会「ドクメンタII」で抽象画の感銘を受けたことでリヒターは西ドイツに移ることを決意する。西ドイツに移った後はデュッセルドルフのアートアカデミーで再び絵画を学び、現地に流入していたポップアートやフルクサスなどのアメリカの美術にも影響を受けたという。　そして、まもなく彼の初期の代表作であるフォト・ペインティングが生まれる。この手法は精密に写真をそのまま描き写すのではなく、輪郭をややぼかしていくことで滲みやスピード感を与え、写真では写すことのできない質感が生まれる。写真とも絵画とも表現できないフォト・ペインティングは、リヒター独自の表現方法として注目を浴びることとなる。　そのスタイルを表している作品の例として、ルネサンス期のティツィアーノ・ヴェチェッリオにより描かれた《受胎告知》の絵はがきを模写した5枚組の絵画がある。1枚目は模写したものだと見て取れるが、枚数を重ねるごとに徐々に輪郭がぼやけていき、露光時間を長くした写真のようにブレていく。そして5枚目には何が描かれているか全く分からないような抽象画へと変化していく。5枚の作品を並べて展示すると、徐々に絵画の中のモチーフが崩れ、色彩のみが残るプロセスを見ることができる。　この後、リヒターはカラーパネルを敷き詰めたカラー・チャートや、何重にも絵の具を上塗りした抽象絵画、あらゆる色を混ぜた時に現れるグレーという色味に着目したグレー・ペインティング、写真の上に絵の具を重ねるオーバー・ペインテッド・フォトなどの作品を制作し、さらに抽象と色彩への関心を直接的に表現するようになる。　最高額を叩き出した抽象画シリーズは、大きな刷毛のようなもので絵の具を伸ばしていき、それを何度も繰り返すことによって作られた。刷毛に乗った絵の具がかすれる瞬間や色と色が重なる瞬間をそのまま観ることができるこのシリーズは、フォト・ペインティングと大きく異なるようにも見えるが、光や写真による関心を絵画にどのように落とし込めるかの実験を繰り返している点では共通しており、リヒターの関心はそこに一貫している。　絵画という表現方法のみにとどまらず、ガラスを用いた作品なども発表している。例えば、日本では香川県・豊島で見ることができる《14枚のガラス》のように巨大なガラス板を何枚も角度を微妙に変えながら立ててゆくシリーズが有名だ。　また、ドイツ・ケルン大聖堂南塔のステンドグラスの改修は、リヒターがアーティストとして成し遂げた偉業の一つに挙げられる。数年にわたる準備期間を経て、カラー・チャートの要領で色のついたガラスをモザイク状に10000枚以上敷き詰めた作品で、遠くから見たらモザイク状に見えるが、近くで見ると色数の多さが際立つ。絵画でのカラー・チャートシリーズとは異なりガラスで作られているため、床や壁にステンドグラスの色がそのまま反射し、淡い光のカラーチャートが転写される美しい仕上がりである。キリストや聖母マリアなどの物語を言葉がなくとも分かるように具象的な図像を用いるのが従来のカトリック聖堂のステンドグラスであるため、抽象的でありすぎることへの反発も招いたが、彼はその後もドイツで最も古い教会のステンドグラスの改修などを手掛け、いずれも概ね好意的な評価が集まった。　様々な手法を行うリヒターのアイデア集とも言えるのが《アトラス》シリーズである。1960年中頃から続けられているスクラップで、最新の2015年のものまで計802枚作られている。彼自身が興味を持った写真、新聞などの切り抜きが並べられているのだが、それは関心が赴くままというより、並べ方やそのもの自体にも意味を持つもので、アートのオリンピックとも称されるヴェネツィアビエンナーレドイツ館の個展（1972年）でのプランニングなどもシリーズの中に含まれる。　多作でありながらも、全ての作品が目に見えることやそれを芸術によって表現するという共通点を見せるリヒターは絵画をどのように考えているのだろうか。以下の彼自身の言葉が最も表しているように思う。「絵画になにができるかを試すこと。今日自分はどのように、なにを描けるのか。いいかえれば、今なにがおこっているのかについて、自分自身のために一つの映像をつくろうとしつづけることです」―『ゲルハルト・リヒター　写真論／絵画論』（訳・清水穰　ワコウ・ワークス・オブ・アート、1995）より■檜山真有（Twitter）同志社大学文学部美学芸術学科卒、東京藝術大学大学院国際芸術創造研究科修了。1960年代のコンセプチュアルアートを研究対象とする。現在は美術館に勤務する傍ら、キュレーターやライターとして活動中。「現代アートへの旅」バックナンバー・お金のはなし編―アンディ・ウォーホル作品から学ぶ価格の上がり方・まず知っておくこと編―作品鑑賞を楽しむための4つのポイント

【連載：現代アートへの旅】マストアーティスト編―ゲルハルト・リヒター

　ウォーホルはシルクスクリーンによる作品が有名であり、市場に出回る作品のほとんどがシルクスクリーンを用いたものだ。ウォーホルは、資本主義経済下で氾濫する商品の価値よりも、広告や紙幣などの実体のない部分に価値を置くものに関心を寄せ、その経済システムで自らの作品を流通させることを考え、一つの版を使えばいくらでも刷り出せることができるシルクスクリーン作品を多く制作した。それまでのアメリカでは絵画や彫刻など一点物の作品がメジャーであったため、彼のこのような作品の売り方は異例だった。キャンベルスープ缶や花の作品などは、アート販売のプラットフォーム「Artsy」で十数万円から数十万円程度の値段で取引されることが多く、比較的手に入れやすい。しかし、最大手オークション会社サザビーズで取引されるウォーホルの作品の最高額は日本円で100億円を超え、そのほかの作品も日本円で1点あたり数億円にものぼる。ウォーホルの作品にこれだけの価格の開きが生まれた理由については後で説明するとして、ここまでがウォーホル本人が制作した"本物"のウォーホルの作品だとして値段がつけられている。　ウォーホル作品の中には、ウォーホル本人およびウォーホル作品を管理する財団も黙認する「サンデー・B・モーニング」と呼ばれる海賊版が存在する。ウォーホルが存命だった時から彼が作成した版を使い、ウォーホル本人が刷り出しに関与していないところで別の人が制作した作品である。これらの作品は10万円を超えるか超えないかくらいでさらに安価になる。　しかしながら、新聞での凄惨な事故写真を刷った作品やジャクリーン・ケネディの肖像など、作品サイズが大きいものやエディションが少ない作品には海賊版は存在しない。作品サイズの大きくしたり部数を絞ることは、ウォーホルはこれらの作品を他のシルクスクリーン作品と別の位相で扱っていたとも言える。だからこそ、希少価値があるとして価格が高騰しやすい。ちなみに複製可能な版画や写真よりも絵画、彫刻などの方が高額になる傾向にある。　現代アートはいつのまにか値段がつり上がっていることが多いが、プライマリーと呼ばれるまだ誰の手にも渡っていない、いわば新品時の価格はそこまで高くないものがほとんどだ。例えば、ウォーホルが1964年に制作した洗剤のパッケージをそのまま木箱に描いた《Brillo Box（ブリロボックス）》はもともと日本円で10万円ほどの作品だったが、2010年にはおよそ3億3000万円まで価格が上がり、落札された。およそ50年で約330倍の値上がりである。　初めにこの作品を購入したのはギャラリストでも投資家でもなく、ましてや富豪でもなく、中流階級のアートコレクターだった。ウォーホルから作品を買ったアートコレクターの娘リザンヌ・スカイラーが監督を務めた映画「Brillo Box (3 ¢ OFF)」によると、彼女の父は1964年にウォーホルから直接作品を購入し、サインをもらった。家に飾っていた時も丁重に取り扱っていたこと、また、他の作品を買うために早い段階で手放した経緯があり、状態も良かった。この状態の良さとウォーホルのサイン付きという希少性と真正性が価格をつり上げたと言われている。今や数億円で取引されることの多いウォーホルの作品の中では高額だとして驚嘆すべき価格ではないものの、プライマリーとセカンダリーの値段の開きが激しいこともこの映画の主題の一つとなっている。映画「Brillo Box (3 ¢ OFF)」予告編より　バンクシーのように価格が高騰していく様子にも物語を創り上げ、それを操作したり、揶揄したりするようなアーティストもいる。ただ、現代アートが非常に高額であることはほんの一側面であり、実は一生かかっても買えないような作品の方が少ないのである。その楽しみ方は、ファッションをどのように楽しむかに極めて近い。ブランド物が好きか、着こなしが好きか、おしゃれな自分が好きか。アートを買うことも同様に一生好きだと思えるものを持ち続けたり、気分によって買い換えたり......そういった楽しみ方で手に入れた現代アートの中から、超高額な作品が生まれてくるかもしれない。■檜山真有（Twitter）同志社大学文学部美学芸術学科卒、東京藝術大学大学院国際芸術創造研究科修了。1960年代のコンセプチュアルアートを研究対象とする。現在は美術館に勤務する傍ら、キュレーターやライターとして活動中。「現代アートへの旅」バックナンバー・まず知っておくこと編―作品鑑賞を楽しむための4つのポイント

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