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　オリンピックは、デザインとクリエイティブの祭典でもある。　1964年東京、1968年メキシコシティ、1972年ミュンヘン、1994年リレハンメル、2004年アテネの5大会に焦点を絞り、ポスターやエンブレム、ピクトグラムや聖火トーチ、メダルなどのビジュアル・アイデンティティを紹介する展覧会が行われている。あらゆるクリエイティブジャンルで若い才能が爆発した’60-’70sの3大会からは今の我々の生活デザインの基礎を生み出したビッグバンのような力強さを感じる。オリンピック・ランゲージ：デザインでみるオリンピックOlympic Language: Exploring the Look of the Games2021年7月20日（火）-2021年8年28日（土）@ ギンザ・グラフィック・ギャラリー Ginza Graphic GalleryGinza Graphic Gallery is exhibiting posters, emblems, pictograms, torches and medals from five Olympic Games: Tokyo (1964), Mexico City (1968), Munich (1972), Lillehammer (1994) and Athen (2004). The exhibition remind us that the Olympics is a festival not only of sports but also of creativity. It also shows energetic creative scenes back in the 1960s; the graphic design for Tokyo, Mexico, and Munich stand out from rest of the games. On the ground level, where they show posters associated with the Tokyo 1964 game, you’ll find there were so many simultaneous art and culture event to promote Japanese culture just as it is so in Tokyo (but without much effort to be noticed because of the pandemic).　オリンピックにまつわる最初の記憶は、母が一時凝っていた切手コレクションにあったミュンヘン大会の記念切手だ。ミュンヘンの街の美しい地図や、さまざまな競技をデフォルメしたイラストの美しさに心を躍らせた。オリンピックが何だか知らない歳だったが、今、計算をすると大会開催中の私は独デュッセルドルフに住んでいたようだ。もしかしたら大会で熱狂するドイツ人を子供ながらに見ていたかも知れない。　その影響だろうか、スポーツにはそれほど興味がないが、オリンピックのグラフィックには興味があった。　オリンピックといえば1984年のロサンゼルス大会が一気に商業化を押し進めた大きな節目。ロケットマンが飛んだエンターテインメント性の高い派手な演出の開会式はテレビで見た。ハリウッド映画のノリだと楽しみはしたが、少しずつオリンピック熱が冷め始めた大会でもあった。　そんな私が再びオリンピックに興味が湧いたのは米国の大学に通っていた時。深夜、テレビで古い日本の田園風景が映っていた。しばらくすると聖火ランナー。市川崑監督による映画「東京オリンピック」だった。　勝ち負けやメダルの色、ルールなど一切関係なく、ただひたすら競技に励む選手たちの姿や息づかいを美しい映像美で淡々と描いた本作は衝撃的だった。またそこに登場するグラフィックのシンプルで洗練された美しさにも驚かされた。自分が生まれる前の東京で、こんな凄いイベントがあったとは。日本のクリエイティビティが爆発した東洋初のオリンピックに感心せずにはいられなかった。　本展は、その1964年の大会を地上階で大きく取り上げている。亀倉雄策らのグラフィックデザイン、勝見勝らのピクトグラム、柳宗理のトーチ、どれも洗練された力強い美しさが漂う。　同じく驚かされたのが、ポスターの展示だ。1つの壁に明らかにオリンピック用ではないポスターが3枚貼られていたが、よく見ると、オリンピックと同時開催された美術展や写真展のポスターだった。実は今現在もコロナ禍で派手に宣伝はしていないものの、東京ではオリンピックに合わせて企画された展覧会が多数同時開催している。57年前にも既に同様の試みがあったのだ。　さて、オリンピックのグラフィックデザインと言うと、もう1つ好きなのがPedro Ramirez VázquezやBeatricce Truebloodによるメキシコ大会のグラフィック。メキシコらしさは1mmも感じないが、サイケデリックな60s感を遠慮なく爆発させており、シンプルでミニマルな東京大会の対極にありながら、勝るとも劣らない存在感だ。詳しい人に聞くと、今ではロゴなどの規定が厳しくなり、こうしたデザインはできないそうだ。　TOKYO 2020大会も、本来はクリエイティブの祭典になりえたはずだ。しかし、権威と金と「大人の事情」ばかりが目立ち、それを叩くネットやテレビのエンタメニュース番組との醜い泥沼が続き、わずかな例外を除いてほとんどその役割を果たせないまま閉会式を迎えた。　このダメージばかり大きな大会から、何か1つでもプラスを生み出せるとしたら、それは何が問題だったかを整理して、2022年後以後の社会で繰り返さないこと。クリエイティブな活動をもう少し戦略的に活かせる日本に成長することではないかと思う。

Nobuyuki Hayashi

【デザインとアートのはなし】gggの「デザインでみるオリンピック」　64年東京大会から04年アテネ大会まで

　明治神宮の鎮座100年を祝う「神宮の杜芸術祝祭」の4つの展示の最後、彫刻展の「気韻生動」がスタートしました。　展示の中核となっているのは、平櫛田中、澄川喜一、深井隆、舟越桂、土屋公雄、宮島達男、三沢厚彦、棚田康司、須田悦弘、保井智貴、名和晃平、土屋仁応、seccaの彫刻、そして元々は六頭曳儀装車という馬車が展示されていた場所に小林正人と原良介の絵画が展示されています（「六頭曳儀装車」は昨年オープンした明治神宮ミュージアムに展示中）。　会場は明治天皇、昭憲皇太后ゆかりの品々を収蔵展示する施設で、2011年に国の重要文化財に指定された宝物殿。展示に使われている荘厳なケースそのものも重要文化財の指定を受けています。　70万平米ある巨大な明治神宮ですが、原宿駅から来るとちょうど真反対側で、北参道や参宮橋の駅からの方が近い場所。長い改修工事の後の最初の展示となります。　この展覧会を、この滅多な展覧会を開催できない特別な場所で開催可能にしたのが平櫛田中（作品は撮影禁止）。明治天皇が所有していた《唱歌君が代》という木彫の作品を展示できることが決まったから。展覧会のタイトル「気韻生動」はその平櫛が師事した岡倉天心に言われた言葉で「芸術作品に気高い風格や貴賓、また生き生きとした生命感があふれていること」を指した言葉らしいが、平櫛の今の我々が見ても驚かされる写実的な木彫には、まさにそれを感じる。　隣に展示される澄川喜一は一転して幾何学的な彫刻、舟越桂の珍しい作品は、本展をキュレーションした山口裕美が美術館で展示をしていない作品をと船越の家に飾られていた作品を持ってきたという。　明治神宮鎮座百年祝祭で金とプラチナの「鳳 / 凰(Ho / Oh)」を飾った名和晃平はAI時代の王座をモチーフにし、ルーブル美術館のガラスのピラミッドにも飾られた「Throne」を、「神宮の杜芸術祝祭」のスタートを切った野外彫刻展「天空海闊」では大きな白い虎を出品した三沢厚彦は、今度は小さなセミの彫刻を出品。　これに宮島達男らの現代を代表する大物アーティストに混じって、堂々の作品を展示していたのが金沢のsecca。伝統工芸と最新の３Dプリンティングの技術を融合した器などを作るクリエイター集団だが、今回は現代社会のそこかしこで使われている本物と見間違える擬木を使った狛犬「A⇄UN」を、この展覧会のために作り起こし、複製可能なデジタル社会を表した（詳しくはseccaのホームページに解説動画がある）。　平櫛田中の百年以上前の作品から、この展覧会に合わせて作られた新作まで数多くの作品が重要文化財のケースに収められ、重要文化財の建物の中で展示されている展覧会。　10時から16時30までと閉まる時間が少し早い展示だが、見逃さずに訪れておきたい展覧会の１つだ。

デザインとアートのはなし ― 宮島達男や三沢厚彦らの彫刻作品が揃う「気韻生動」

　「A-POC ABLE」は、何を「ABLE」にするのか？これはファッション業界だけでなく、ものづくりに携わるあらゆる人にとって興味深い問いだ。　緊急事態宣言明け前の3月13日、ひっそりとデビューした古くて新しいブランドがある。「A-POC ABLE ISSEY MIYAKE（エイポック エイブル イッセイ ミヤケ）」 だ。表参道にも路面店がひっそりとオープンしている。　ファッションに精通している人なら「A-POC」がISSEY MIYAKEという会社を代表するブランドで、「Fashion Tech」という言葉ができる20年以上前に起きたコンピューターを使った服作りのイノベーションと知っているはずだ。　ISSEY MIYAKEは、毎シーズンの服をデザインするだけではなく、服の概念や服作りのあり方までもデザインする稀有な存在。そして、その姿勢をもっとも色濃く反映したのが「A-POC」というブランドだ。　偉そうに書いたが、私もファッションの執筆では新参者。A-POCの凄さを知ったのは2016年。国立新美術館で開催された「MIYAKE ISSEY展」と、その後、New Yorkで見た2つの展覧会でだ。　「MIYAKE ISSEY展」は、見るもの学ぶものが多過ぎてA-POCの凄さにちゃんと気づけなかった（オリンピックのコスチュームなどが強烈に印象に残っている）。　だが同じ2016年、メトロポリタン美術館で見た「MANUS x MACHINA：Fashion in the Age of Technology」展で印象が変わった。Appleが冠スポンサーで、当時の同社のデザインのトップ、Jonathan Iveが、図録の序文も書くほど入れ込んでいた展覧会で、「服作り技術の進化」に焦点を置いていた。　地下にあるギャラリーのかなりのスペースを日本のISSEY MIYAKEの展示が占めており、そこで再会した1枚の黒い布をくり抜いて作られていた連なった3着のドレスこそがA Piece of Cloth（1枚の布）の頭文字でエポックメイキングであることも示した「A-POC」という技術だった。　コンピューター·テクノロジーを使って、1本の系から一体成形の服を作る技術。Appleが、コンピューターテクノロジーを駆使して1枚のアルミ板をくり抜き頑丈で環境にも優しいUnibody成形のMacBook Airを出したちょうど10年前、ISSEY MIYAKEは同じことを服作りの世界でやっていたのだ。　New Yorkで見たもう1つの展覧会はMoMAの73年ぶりのファッションの展覧会「ITEMS: Is Fashion Modern?」。帽子から靴下、下着までさまざまなファッションアイテムについて原型や革新的製品を網羅していた。そこで「A-POC QUEEN」が、どのジャンルにも属さないものの、触れない訳にはいかない革新的アイテムとして紹介されていた。　そんなIssey Miyakeの革新性の象徴「A-POC」が新たに「A-POC ABLE」として宮前義之氏の下、再始動する。これは「人と人、 人と知恵との交わりから新しい発想を育み、未来を織りなすブランドです。アートやテクノロジー、クラフトなど、ジャンルの垣根を越えた出会いから生まれた比類ないアイデアを、次世代の衣服として実現」させるブランドだという。　2020年10月、「TADANORI YOKOO ISSEY MIYAKE」の投稿でも書いたが、宮前氏はISSEY MIYAKEの中で熱心に研究開発（R＆D）を続ける人物。「A-POC ABLE」の第1弾として発表されたType-Oと呼ばれるアイテム群は、その宮前さんが、Takramの渡邉康太郎さんと生み出したギフトアイテム、FLORIOGRAPHYで使われた”Steam Stretch”ーー蒸気を当て温めると元の形に戻る技術ーーで作られたブルゾンなど。　今後、4月上旬には家仕事に適するリラックスした作りながら、オンラインビジネスミーティングにも使える「TYPE-U」のジャケットなどが発売される。こちらは別の加工技術で、まくり上げた袖が、そのままの形を保ってくれてノートパソコン作業の邪魔にならないのだという。　もっとも、これもまだ序の口。宮前さんは他にも色々な技術を持つ企業や、色々なクリエイターとの研究開発を精力的に進めているようだ。　「A-POC ABLE」の「ABLE」は、「A-POC」を特定の服作りの技術に留めず、服作りの技術を無限に広げるという意味の接尾辞なのかもしれない。アップルは、さまざまな研究開発を繰り返し次々と新ジャンルのチャレンジをしては、世界をワクワクさせてくれたが、同じワクワクが、今、まさにファッションの世界でも再び起きようとしている、と期待したい。 

ISSEY MIYAKE

デザインとアートのはなし ― イッセイ ミヤケ宮前義之の新ブランド「A-POC ABLE」

　羽田空港第2ターミナルの、まだ一度もオープンしていない国際線搭乗エリアに68個のホーンが置かれている。そこで奏でられているのは、海外からの訪問者の耳に聞こえる意味をなさない日本語の音。Paola Antonelli curated art exhibition started in Haneda airport (+Narita airport); it showcases diverse visions of Japanese culture through the work of eight uprising Japanese artists. The “Crowd Cloud” by Yuri Suzuki and Miyu Hosoi materializes the sound of how the Japanese airports into 68 horns would sound to first time visitor of the country.Vision Gate at Terminal 2 Haneda Airport (HND)羽田空港第2ターミナル9月まで　アートキュレーターとして世界的に有名なパオラ・アントネッリ。彼女のキュレーションによるアート展示が3月から羽田と成田の2つの空港で始まった。日本文化に通底する過去から未来へと続く「VISION」を示した「Vision Gate」という展示で、8組の日本のクリエイターが選ばれている。　展示場所の1つは、昨年完成したものの、実はまだ一度も使われていない羽田空港第2ターミナルの国際線搭乗ゲート。現在はシャッターが降りているその場所に、スズキユウリと細井美裕による「Crowd Cloud」と言う作品が飾られている。　細井が日本語の50音に「ぎゃ、ぎゅ、ぎょ」など日本語を構成する音を自ら2オクターブ分発声、それを合計約7000個の音声ファイルにして、独自アルゴリズムで再生する音の作品。そこにスズキユウリが68個のホーンという美しい形を与えた（スズキユウリは、世界最大のインディペンデントデザインコンサルタンシーPentagramの共同経営者で多数のパブリックアートを手がけている）。海外の空港を訪れると、どこの国でも、その国ならではの音の風景（サウンドスケープ）がある。その国の言葉によって奏でられる音だ。「Crowd Cloud」は、まさに日本を訪れた訪日外国人の耳に聞こえる日本語の音の再現を目指したという。単語を発しているわけではなく意味を成していないので、日本人が聞いても外国人の耳に聞こえる日本語の音を楽しめる。　アントネッリが選んだ、そのほか6組のアーティストと作品は、acky bright／作品名 「テーマパーク東京」、井上純／一勝負、児玉幸子／重力の庭、PARTY／TSUGI、茂木モニカ／満月の日、そして日本の創世神話にまつわる『古事記』の場面を題材にした森万里子／Kojiki – Amenomanai。これら6作品は、羽田空港内のコンコース、動く歩道から楽しめるように短い映像作品としてまとめられ、成田空港のデジタルサイネージでも時折、表示される予定だ。　ちなみに「Vision Gate」は、日本全国の7つの空港に東京国際クルーズターミナルを合わせた計8拠点で展開中の文化庁による新たな文化発信プロジェクト「CULTURE GATE to JAPAN」の一部となっている。「東京国際クルーズターミナル」は、昨年9月に中央区晴海にオープンした東京の海の玄関口で、ライゾマティクスの斉藤清一をディレクターに6組のアーティストが作品を展示。関西空港は、少し遅れてのスタートで参加アーティストなどの情報は、まだ発表されていない。　その他、4空港での参加アーティストとモチーフは以下の通り：・新千歳空港／NAKED, INC.(ネイキッド)：アイヌ文化がモチーフ・中部国際空港／重田佑介・ユーフラテス：忍者がモチーフ・福岡空港／水江未来 ・村山誠：有田焼や薩摩焼、博多織などの「文様」がモチーフ・那覇空港／ぬQ・比嘉了：琉球王国の記憶がモチーフ　コロナ禍は続いているが、安全に配慮した形での空の旅は徐々に増えつつある。今後、参加空港を訪れる際には、日本を代表するクリエイターたちが手掛けた、その土地の文化に触れる作品も探して見て欲しい。CULTURE GATE to JAPANの展示は、いずれの拠点でも今年9月頃まで行われている予定だ。

デザインとアートのはなし ― 羽田空港で68個のホーンが"日本語の音"を奏でる「Crowd Cloud」

　装・和・羽の三文字を組み合わせて名付けられた新ブランド、sowahaはSOMARTAなどのデザインを手がけるファッションデザイナー、廣川玉枝と和のグラフィックデザインを手がけるHarajuku Designの柳圭一郎による新しい和装のブランド。　20世紀初頭、パリ万博でお披露目された着物が、西洋服に影響を与えて女性をコルセットから解放し新時代の洋服を作った。そして21世紀初頭、同じ洋服と着物のマリアージュを、今度は着地点を和装側に構え、着物の課題である着付けの難しさから解放しようとした挑戦なのではないか。ーーこれがブランドデビューのイベントでモデレーターのフリをして実質、公開インタビューをさせてもらって得た印象だ。　絵羽模様、つまり自然からインスピレーションを得た絵柄を描いた一枚布を纏う。アートに包まれるというあり方。複数の衣を重ねる重ねの美しさ、上を淡く、下は濃くという裾濃（すそご）の美意識、上半身と下半身を帯という一本の線で分かつ意匠の美しさなど、着物の文法を引用しながらも現代の生活にあった衣服として再デザインしようという試みは、私は廣川さんと出会ってすぐの2013年頃から始まっていた。当時、彼女が着物づくりに関わるさまざまな生産者を訪問してその課題を洗い出していた話を聞いたのを今でも思い出す。その後、これがさらにブラッシュアップされ、2014年には京都友禅染や西陣織老舗との協業が始まり、2016年にはSOMARTAのkimono coutureというコレクションにまとまる。　実はこれを見た柳圭一郎さんが、ヤエガキ酒造の新ブランド、長谷川栄雅の店舗のデザインをしていた時、廣川さんに制服のデザインを依頼。それがきっかけで、kimono coutureをSOMARTAとは異なる独立したブランドとしてまとめようとしてできたのが新ブランド、sowahaということのようだ。　着物の文化はそれはそれで美しく、着付けができる人は、これまで通り着物の伝統と文化を大事にしてもらうのがステキだと思う。ただ、これまでは着物を着る人と、そうでない人の間には浴衣があるくらいで他に選択肢がなかったが、sowahaが誕生したことで、和装というジャンルにもう1つのオプション、もう1階調のグラデーションが生まれたのではないかと思っている。

デザインとアートのはなし ― 廣川玉枝と柳圭一郎による新和装ブランド「sowaha」

何もない空っぽの広場が、驚きに満ち満ちていた。神奈川工科大学 多目的ホール（通称：KAIT広場） by 石上純也The latest work of Junya Ishigami, KAIT Plaza was one big empty space filled with amazement. 80m x 50m plaza at Kanagawa Institute of Technology will become open to public in April 2021.　昨年末、神奈川県本厚木の神奈川工科大学に石上純也の最新作が竣工した。神奈川工科大学の多目的ホール。通称「KAIT広場」。同大学のグラウンドの手前にある異様に背が低く広い奇妙な建物がそれだ。入り口のドアをくぐると、いきなりの下り坂。見渡すと、そこは床も天井もたわんだ柱1本ない巨大空間だった。　天井にはいくつか四角い大きな穴がくり抜かれたように開いていて、そこから空を覗くことができる。私が訪れた日はよく晴れていたので、床のそこかしこに火の光がクッキリと天窓の輪郭を描いていた。ちなみに、曇りの日に訪れるとこの輪郭がぼやけて独特の美しさがあるという。また雨の日に訪れると、天窓のどころに雨粒の柱が現れるそうだ。すべての天気、すべての時間帯の眺めを確認してみたくなる。　ちなみに床は透水性のアスファルトで降ってきた雨水はそのまま吸収され床面を流れることはない。ペットボトルの水をこぼしてもスッと地面の中に消え、広場の下にあるタンクに貯まるそうだ。　石上純也と、神奈川工科大学の関わりはこれが最初ではない。2008年には、この広場のすぐ隣（西側）に、全面ガラス張りの工房「KAIT工房」をつくった。その石上が、同大学に大学生同志や市民をつなぐ広場づくりを頼まれた時、考えていたことがいくつかある。1つは、来た人が傾斜のついた広場で自分の居場所を見つけて地面に座る。石上はイタリアはシエアのカンポ広場のような、そんな広場づくりを目指した。もう1つは、建物の中に地平線を作り出すこと。なるほど、言われてみれば空のような天井面と大地のような床面が交わったところに、我々の日常から消えてしまった広大な地平線が見えた。　空間の広さは約80m×50m（4000平米。これからクローバーを植えるという周辺スペースを入れると90m×70m）。天井を構成するのは厚さ12mmの鉄板。天井を支えるのは周囲の壁だけで、柱は一本もない。大きな12mmの鉄板は自重で真ん中が少しだけ下にたわんでいる。　冬場はこの部分が床面から2.5m程の高さだが、夏は鉄が太陽の熱で鉄が膨張して天井高が2.1m程まで降りてくる。実に季節によって天井高が30cmも変わる構造物と言うだけでも珍しいのではないか。一見、シンプルなものほど実は作るのは大変なのがデザインの常。　薄く巨大な天井は鹿島建設が初めて挑戦したという本格的なロボット溶接で実現した。鉄板が四方の壁を引っ張って倒してしまわないように、天井の中にはリング状の骨組みが入っているという。　夏の暑さが厳しくても大丈夫なように、屋根の色は、太陽光の熱吸収率と反射率のバランスから決定された。また夏場には天井の内側に、隠されたパイプからの冷却用水が流れ、屋根に開いた穴から滴り落ちてくるという。　石上純也といえば「建築家の作るランドスケープが見てみたい」と言うオーダーに応え、四季のどのシーズンから見ても美しい植生が楽しめるように、樹を一本ずつ根から植えて作った人口の庭「水庭」、そして昨年末「朽ちていく建築が見たい」のオーダーに応えて作った一夜限りの「氷と炎の建築」、そしてついに今年こそオープンするという山口県の地面を掘って作る洞窟のようなレストランなど、これまでの建築のイメージを覆すものが多いが、ついにオープンした「KAIT広場」も世界の建築付きを魅了する日本を代表するランドスケープの一つとなりそうだ。　なお、筆者は河邊徹也さんの誘いで石上さんによる個人的ツアーで見学してきたが、KAIT広場の一般への公開は2021年4月以降。同学では大学構内への無断での入構及び撮影はお断りしている（一般公開に関する詳細は3月初旬に同校のホームページに掲載予定）。　一般公開時には隣にある、同じく石上純也による建築「KAIT工房」も外からチェックして欲しい。天井から飛行機が吊るされたり、ソーラーカーが飾られた正方形のガラス張りの建物は、創作活動が外から見えるようにした大きな工房。巨大な工房ながら見渡しが良いのは壁が一切ないから。石上曰く、小さな壁を建物全体に散りばめた建物ということ。中に林の木々のように生えている305本の平たい柱は視界を隠さないように1本1本が異なる向きを向いているという。　四方向ガラス張りの建物だが、既に三方向には校舎のビルが建っており、空が見えない。東側に面したKAIT広場が地面を掘った背の低い建物になっているのには、この建物の中から空を見渡せるようにするという狙いもある。　工房の東の窓に見えるKAIT広場の屋根もまた地平線のようで美しかった。　なお、1月27日（水）、石上純也氏とカヤバ珈琲玉川高島屋S.C.本館の広場などを手掛けた建築家、永山祐子氏との対談（オンラインイベント）を筆者、林信行がモデレートする。■対談イベント（オンライン配信）開催日時：1月27日（水）14:00〜15:30参加費：一般500円、QWS会員無料イベントページ

柱1本ない巨大空間、石上純也の「KAIT広場」｜デザインとアートのはなし

12月18日（金）、別府の山腹に新しいランドマーク、「Galleria Midobaru」が誕生。Beppu Projectの山出淳也さんキュレーションの12組の注目アーティストの作品と別府湾の日の出と温泉が楽しめる美しいホテルHotel Galleria Midobaru opens Friday, December 18,  2020 on the mountainside of Beppu, Oita Prefecture.It features artwork by 12 cutting-edge Japanese artists, a guest rooms with private Onsen bath and sunrise view, a restaurants that brings out the best of the ingredients and a bar that commands the view of Beppu bay and artworks.　別府の山腹と言えば巨大な杉乃井ホテルがよく知られるが、さらに登った静寂なエリアに不思議な存在感を放つ土色の巨大建造物が出現。建築設計は地元のDABURA.m（ダブラム）社。広大な土地を贅沢に生かした格子状の面で構成された建造物だ。　面に開いた穴をくぐると、その向こうからアート作品だったり、広い吹き抜けだったり、エントランスホールが現れ、まるで洞窟巡りのような楽しさがある。別府湾に向けて開かれた開放感あるエントランスホールには大巻伸嗣の巨大作品、Gravity and Grace -ゆだま-が吊るされ、横の壁にはその光を月のように反射するEchoes of Crystalizationが飾られている（ちなみに「ゆだま」は1日に数回光のパフォーマンスを披露する）。 　奥に進むと階段が現れ、その脇に別府に立ち登る湯煙のような鈴木ヒラクの「ゆらぎから光へ」という作品。その隣に西野壮平が別府の街中で撮影した2万5000枚の写真をコラージュして作った「別府温泉世界地図」が飾られている。いずれも、このホテルでしか見れないサイトスペシフィックな作品だ。　2階には大阪graf社のオリジナルファニチャーが並ぶ洞窟に出現した異空間「HOT SPRING BAR」（HOT SPRINGは「温泉」の意）。オリジナルカクテルや別府湾の景色と一緒に草本利枝の「Another Water」というカラフルな写真作品も楽しむことができる。　ホテル外には、水の流れがあり、池の中央にはまばゆく輝く青木美家のガラス作品「Vessel of Genetic Code」、そして向かいには中山晃子が別府の鬼石坊主地獄で撮影して作った映像作品「Medium」も展示されている。　洞窟のようなホテルを巡ると、そこかしこに現れる小さな人の彫刻は大分県竹田市のオレクトロニカの作品。こちらは客室のエントランスも飾っている。客室にはもう１つベッドの上に泉イネの絵も飾られている。一方で、2つだけあるスイートルームには、重ね合わせた写真を彫って作品にする人気作家、Nerholや不確かで広大な宇宙を描いたような目 méの作品が掲げられている。　ホテルを運営するのは関屋リゾート。廃業しかかった老舗旅館「関屋旅館」を、現代表の林太一郎とその父が立て直し銀行の信頼を得て「お客様の人生の質を高める」を方針に、別府の街の価値を高めるべく、既存の画一的な旅館とは一線を画す3施設を展開していた会社で、Galleria Midobaruでは温泉、食、空間、アートを贅沢に楽しむことを目指したという。長期滞在で外食も楽しみたい海外旅行客のことも考えて、食事の提供はあえてレストラン（とBar）で提供するスタイルを選んだという。　そんな林代表がレストラン「The Peak」を作る際に考えたのが、日本でしか味わえない本当の食の魅力。ニューヨークやシンガポール、香港などにも魅力的な日本の食が楽しめるレストランはあるが、それらのレストランでも食材の質の高さでは日本に叶うことはない。ならば、食材のその味を徹底的に楽しめるレストランをと東京のメーカーと一気に600度まで加熱できるここだけにしかないオーヴンを開発し、それを中心にレストランを作り、食のメニューを完成させた。出される野菜の一つひとつから、そして豊後の牛や鶏の肉からジューシーな汁がしたたる。ほとんど味付けしない素材の魅力を楽しむうちに、確かにこれこそが世界のどこも真似できない日本の食の強さだ、と確信せずにいられなかった。　当然、レストランにもアート作品がある。素材の魅力を引き立たせるような外装も内装も黒いレストランの壁には勝正光の素描が並び、2階のあるテーブルには島袋道浩が大分の大地が放つエネルギーにインスピレーションを得てつくった作品、岩の「イワオ」がお誕生日席に鎮座している。岩と一緒の食事なんて、まさにここでしたできない一生の思い出になるのではないだろうか。　35の客室の平均価格は4万円で、スイートルームは10万円。客数に関係ない部屋単位の料金と考えるとかなりお得だ。なお、予約の際は、同じ関屋リゾートが運営するお隣の宿、インドネシアリゾート風のテラス御堂原とお間違えなきよう…（そちらもステキそうでした！）。■Galleria Midobaru住所：大分県別府市堀田5組公式サイト

デザインとアートのはなし ― 日の出、温泉、アートが楽しめる別府の新ホテル「Galleria Midobaru」

　自粛ムードが漂い派手なイベントが少ないまま過ぎ去ろうとしていた2020年。その最後に、儚さ故に一生記憶に刻まれる最高の作品を見た。名付けて「氷と炎の建築」。作ったのは石上純也。来年から本格スタートするHokuto Art Programでのことだ。燃え続ける巨大な氷の前でCharaさんが、音を拾って音楽を奏で、高村月さんが舞った。Hokuto Art Program vol.0 etched there was a beautiful moment even in the year 2020 into my mind. The "architecture of ice and fire flame" by Junya Ishigami; although it stood there only for a few hours, it would be in my mind for as long as it it lasts.　バチバチと燃え盛る炎の中。時折り一際大きな音を建てて真ん中から崩れ落ちる建築。実はこれは偶然ではなく、ちゃんと何度も検証を重ね、空気の通る穴の大きさを調整し崩壊をデザインした結果と聞き、石上純也の凄さを再認識した。今年、いや、ここ数年でも、もっとも衝撃的な体験。着火からすべてが朽ち果てるまでじっと見守っていたかった…　Hokuto Art Programは、ギュスターブ・エッフェルや安藤忠雄、谷口吉郎・吉生親子、藤森照信、杉本博司＋新素材研究所らの建築に、ジョルジュ・ルオー、東山魁夷や梅原龍三郎、岸田劉生、バーナード・リーチ、中川一政、また白樺派、梅原龍三郎、そして杉本らの作品が並ぶ清春芸術村を中心会場にしたアートイベント。今回はその準備イベントにアート界隈の限られた人々が招待された。　他の会場として、山林に突如現れる異形の北川原温建築、中村キース・ヘリング美術館（製薬会社にいた中村和夫が集めたキース・ヘリング作品300点が展示されている）、水に反射する能楽堂に東京ドーム2つ分の広さを持つ身曾岐神社（みそぎじんじや）なども参画。ちなみに身曾岐神社能楽堂に描かれた「老松」は文化勲章受章者の故守屋多々志（ただし）画伯が描いた、空から降りてきた根のない老松だそうだ。今回はこれら3会場を感染症対策を施した2台のチャーターバスで巡る形での開催になった。　普段は白樺派の展示がメインの清春白樺美術館には脇田玲のデジタル作品が並び、安藤忠雄が「自然光だけの美術館を作りたい」と作った「光の美術館」は、建物そのものが真鍋大度（ライゾマティクスリサーチ）による"Critical line"という音と光の作品になっていた。時折、発せられる強い音と光は、ソフトウェアや人間のオペレーションでは作り出せないものを目指し、分散培養細胞の神経活動データを元にしたという。　いずれも、いつまでも見ていたくなる作品。しかし、イベントは一晩限り。でも、いつでもいくらでもみられる作品が溢れた現代。一夜で消える儚い作品の方が、鮮烈な閃光を記憶に刻むと学んだ。

デザインとアートのはなし ― 名建築に真鍋大度らの作品が並ぶ「Hokuto Art Program」

　重要文化財「京都国立博物館」がアートで満たされる3日間。第2回となる京都でのアートフェア、artKyotoが今日からスタート。四代田辺竹雲齋の巨大作品と京都のそこかしこに出現する野原邦彦作品に注目。The 2nd annual artKyoto starts today at Kyoto National Museum.　昨年、二条城で開催され大きな話題を呼んだartKyotoがよりパワーアップし、先進的なCOVID-19対策も取り入れて今日から開催されている。　メイン会場は京都国立博物館。明治30年開館の趣ある重要文化財の建物に全国の21のギャラリーが出展している。加えて昨年に引き続き四条河原町のモダンなコワーキングスペース、engawaKYOTOが5人の若手作家の作品を紹介。また昨日は国宝の二条城で早乙女太一と和楽器ユニットRin’による舞踏劇がほぼ無観客で披露された（12月5日から公式サイトにて配信）。同時に連動イベントとして京都伝統産業ミュージアムにて現代アート作家と京都伝統産業とのコラボ作品が展示。また市内のホテルにて出展ギャラリーがプライベートビューイング。京都の街がアートで満たされる3日間の始まりとなる。　総合プロデューサーの來住尚彦は「私の役割は京都の街の魅力とアートを一つに紡ぐこと」と語っていたが、参加している21のギャラリーが建物の魅力大きい京都国立博物館の場の力を生かして、まるで一つの美術展のような調和を見せ、心地よい空間を作っている。　なんといっても圧巻は一番奥に展示されている四代田辺竹雲斎の「Infinity」という巨大作品。ギャラリー「夢工房」の展示スペースの床を埋め尽くすような高知の虎がらの竹材、虎竹がうねりをつくって天に伸び最後には交わっているかのような力強い作品だ。　その手前には西洋風の近代建築にマッチしてあたかもそこに昔からそのままの体で展示されていたかのような「たけだ美術」が展示する有元利夫作品。　その向かいには会期中、唯一見える窓を生かした展示が美しい「思文閣」が出展。同ギャラリーが紹介するのは新野洋（しんのひろし）。自然界の植物や動物のかたちを抽出し再構成する、ウィーンで学んだ若手作家だ。実は窓の前の雪の結晶のような作品もよくみると動物の骨のようなかたちをしている。　その手前には、まるでギャラリーとオフィスがそのまま引っ越してきて十数年来そこにあるような独特の雰囲気の展示で名和晃平を含む多様な作家の作品を紹介するGalleria Col、縄文土器などを展示する井上オリエンタルアート、ジュリアン・オピー作品の存在感が光るMAHO KUBOTA GALLERYなどなど。　だが、今回、出展ギャラリーの中でも一番の存在感と勢いを感じさせるのが野原邦彦作品を展示するGallery UGだろう。ブースを埋める作品に加え、京都国立博物館の入り口や茶室、京都一のラグジュアリーホテルなど様々な会場で６つの会場で同時に展示を行い、マップまで作成している。ギャラリー代表の佐々木栄一朗氏によれば本当はさらに数会場を用意していたが、COVID-19の影響で会期がずれていたため、抑えていた会場を手放さなければならなかったそうだ。　COVID-19と言えば、今回のイベントはこのコロナ禍にあって来場者が少しでも安心できるようにと最新の設備を導入。登録時に顔写真を登録しておくと入り口で顔認証をしつつ熱がないかも同時に測って迎え入れてくれる（マスクしていても認識してるのはD-Scopeという製品。凄いです）。　そうやって会場に入ると、入り口のすぐ左はKOSAKU KANECHIKAギャラリー、舘鼻則孝さんの作品が来場者に歴史ある建物との強烈なコントラストで来場者にいかづちのようなショックを与える。ちなみに今年も大活躍だった舘鼻さんにとってはこれが年内最後の出品となるそうだ。　engawaKYOTOは、訪れたことがない人は是非とも訪れるべきコワーキングスペース。エントランス横の小ギャラリーを含め、東京などの他所で見かけるコワーキングスペースとは異なる落ち着いたゆったりとしたスペースと落ち着いた雰囲気が魅力だが、そのスペースのそこかしこ、河原町通りを見下ろす２階の窓辺まで若手の作品で埋め尽くされている。　京都伝統産業ミュージアムでは、野原邦彦の作品に金箔を貼ったものや、原画を元に描かれた京友禅の作品も展示されていた。　たった3日間の開催ではあるが、忘れることのない強烈な印象を残すイベント。時間のある人はぜひ訪問し、そして気に入った作品に出会えたら購入して、まもなく文化庁も移転する京都のアートシーンの盛り上げに貢献してもらえればと思う。artKyoto2020年12月4日（金）～12月6日（日）［一般入場料］前売：5,000円（税込）公式サイト

デザインとアートのはなし ― 京都の街がアートで満たされる「artKyoto」

ベルナール・ビュフェを通して見る「時代」と「人」の移り変わりRétrospective Bernard Buffet «L’Époque que J’ai Vécue»ベルナール・ビュフェ回顧展 私が生きた時代2020.11.21（Sat）-2021.1.24（Sun）Bunkamura ザ・ミュージアム　ベルナール・ビュフェといえばフランソワーズ・サガンの文庫本の表紙だった。そのサガンやジャン・コクトー、そしてかつてのパートナーを通してイヴ・サン＝ローランとも付き合いがあるというビュフェ。アルベール・カミュやジャン＝ポール・サルトルと並ぶ1950年代フランスの象徴というと、どこか華やかなイメージを思い描くが、本展が見せるのは、そんなビュフェも時代に翻弄され、それに抗って試行錯誤を繰り返してきた一人の人間であったということ。あの独特のタッチをどこかに感じさせながらも、実に多彩な作品を手掛けた多産な作家であったことに改めて驚かされた。　「私が生きた時代」は、ビュフェの作品を時代ごとに並べる回顧展。展覧会冒頭初期のビュフェ作品は、色彩も地味で、線は鋭く、どこか荒涼とした雰囲気が漂う。　若くし十代にして頭角を現したビュフェだが、時代は第二次世界大戦の直後。その絵は厳しい時代の雰囲気を見事に表していると脚光を浴び、一気に時代の象徴として注目を集めた。　その後、ビュフェはパリの喧騒を抜け、南仏プロヴァンスで生活や風景を描く時代を過ごす。明るい色彩や明快な線の絵も増えるが、どこかにビュフェらしい陰も感じさせる作品が描かれた。この時代、ジャン・コクローとの交流が始まり、挿絵などでの共同制作も手掛けたという（ちなみにサガンの文庫本はこのセクションに並べられていた）。　ビュフェにとっては1958年が転機の年。パリの画廊での大規模個展に10万人が押し寄せ、12月には彼の運命を変えるパートナーで元モデルのアナベルと結婚。　この展覧会で、個人的に圧倒的存在感を感じたのが夫人アナベルの絵だが、これらはBunkamuraの中央の大きなギャラリーに、この時代のビュフェを象徴するもう1つの作品「闘牛」のシリーズなどと共に並べられている。同じ部屋には有名な動物や蝶を描いたシリーズも展示されているが、個人的に驚いたのはニューヨークの摩天楼を描いたシリーズで、ビュフェの絵の幅広さを感じさせた。　1970年代、ビュフェはフランス政府からその功績を認められ表彰されたり、静岡に世界で唯一のビュフェ作品だけを扱うベルナール・ビュフェ美術館が誕生した（ビュフェは「人嫌い」を理由に開館式には出席せず、代わりに妻のアナベルが出席したという）。この時代、ビュフェはそれまでの自分を否定するように写実的な風景画や静物画を描き始めている。中でも1974年に描いたというキンセンカと思しき「花」の絵は、まったくビュフェを感じさせない作品として強く印象に残った。　「終焉」と題された最後のコーナーには1980年代から没年までの作品が並ぶ。攻撃性と自虐性が共生する倒錯した世界観が描かれた平面的作品。1997年にパーキンソン病を発症し「絵画は私の命です。これを取り上げられてしまったら生きていけないでしょう」と言い残し自ら命を経ったというビュフェ。この最後のコーナーでは、必死に何かと闘うドンキホーテの作品と、狂気じみた自虐性を感じさせる自画像が、この画家の存在感を脳裏に焼き付ける。　実はこれらの作品、私は一通り見ているはずだ。というのも、作品を所有するベルナール・ビュフェ美術館を2度ほど訪れているからだ（ただし、2回とも時間がなく駆け足で回っている）。ベルナール・ビュフェ美術館は、アート好きも花好きも絶対に訪れるべき「クレマティスの丘」にある。新幹線の三島駅からバスも出ている（乗ったことはないけど）。収蔵作品は2000点を超えており、てっきりこのBunkamuraの回顧展中は改修工事でもしているのかと思ったらビュフェの版画作品を中心とした展覧会を開催中で、Bunkamuraを見た人への相互割引も行っているようだ。*展覧会は撮影禁止です。許可を得て撮影しています

デザインとアートのはなし ― ベルナール・ビュフェ回顧展 私が生きた時代

　11月13日、世界でもっとも小さな5G対応スマートフォン「iPhone 12 mini」と、歴代iPhoneで最大の画面解像度を持つ「iPhone 12 Pro Max」の販売が開始された。これでiPhoneの2021年モデル、iPhone 12シリーズ全モデルが入手可能となった。そこで今一度、新iPhoneの特徴をおさらいしてみたい。　まずはiPhone 12シリーズ全機種共通の特徴から。フラットエッジデザイン：全モデルとも側面が平らなフラットエッジデザイン。握りやすく、本体を机などの平らな面に立てることができるのでセルフタイマー撮影などにも便利だ。また、ガラス面にアップルが独自に開発したセラミックシールドという加工法を加えており、これまでよりも4倍割れにくくなっている。MagSafe：これまでのケーブルを挿して行う充電に加え、MagSafeという充電台を本来の裏にピタっとマグネットでくっつけて充電できるようになった。この本体の裏に磁石で物がくっつく仕組みは今後、他のアクセサリーでも使われる予定で、アップル社は本体の裏にくっつく財布（クレジットカード用ケース）も発売している。有機ELが標準：全モデルで有機EL画面（Super Retina XDR）が標準になった。有機ELでは、液晶と異なり黒い部分は一切光らず本当に真っ黒だ。このため写真などの一番暗い部分と一番明るい部分との間のコントラストをきれいに表示できる。明るいカメラレンズ：標準レンズが、これまでのiPhoneよりもさらに明るい（f/1.6。昨年モデルはf/1.8）。そのため暗いところでの撮影がよりしやすくなった（昨年までのモデルだとナイトモードになる暗さでもナイトモード無しで撮れてしまう）。また昨年搭載されて以来人気の超広角レンズはf/2.4とそのままの明るさだが、新たにナイトモード撮影や、暗いところで服の質感などをきれいに描き出すDeep Fusionという技術に対応。また、ビデオ撮影では映画などでも採用され始めているDolby Vision HDRという映像技術がいち早く採用された。世界で唯一、この規格で撮影できるカメラとして映画の撮影監督などからも注目を集めている。A14 Bionic：頭脳となるプロセッサーは5ナノメーターという業界でも最先端の技術でつくられ、性能でも他のスマートフォンを圧倒している。高級機のiPhone 12 Pro Maxはもちろん、もっとも手頃なiPhone 12 miniにも搭載され、全機種で快適な操作を可能にしている。5G対応：発売前の噂では、新iPhoneの最大の目玉は次世代通信技術の5Gに対応することだと噂されていたが、現状の日本の5Gは電話会社の5G対応エリアマップで見つけた対応エリアまで行き、そこでiPhoneを見ながらつながる場所を見つけると、たまにつながることがある、という程度で、ほとんど恩恵を受けることはない。ただし、来年以降普及すればWi-Fiいらずの超高速で安全な通信ができるはずだ。なお、各社が提供している5G通信プランは、4Gで使っても実質容量無制限なことが多いので動画をたくさん見る人にはお得だ（各社で異なるので確認のこと）。　iPhone 12シリーズにはiPhone 12 mini、iPhone 12、iPhone 12 Pro、iPhone 12 Pro Maxの4つのモデルがある。名前に何もつかないiPhone 12がすべてのバランスが取れた標準モデルで、iPhone 12 miniは標準モデルとスペックはまったく同じながら、サイズが一回り小さい。手のひらにすっと馴染む小さなサイズ感はかなり心地よい。ちなみにこの春に発売された小型モデルのiPhone SEよりもさらに小型であるにも関わらずホームボタンがない分、画面は一回り大きくなっており、しかも有機ELなのであきらかに表示がきれいになっている。　iPhone 12 Proは、iPhone 12と形やサイズがまったく一緒（タイトなケースが交換できる完全同寸サイズ）だが、望遠レンズが加わった3つのカメラを搭載していたり、レーザー測量技術、LiDARなど最先端の技術を導入している。　そしてこのiPhone 12 Proには、さらにサイズを一回り大きくしたiPhone 12 Pro Maxというサイズバリエーションがある。大きなサイズを生かしてバッテリー動作時間が長くなっただけではなく、望遠レンズがさらに望遠になり、手振れ補正が強化されている。ちなみに大きいといっても昨年のiPhone 11 Pro Maxと比べて縦に2mm、横に0.3mm大きくなっただけで、厚みは0.7mmも薄くなっている。重さも2グラム増えただけ。それなのに画面は6.7インチと昨年モデルの6.5インチから0.2インチも大きくなっている。 　標準シリーズとProシリーズでは、素材の質感なども微妙に異なっている。標準シリーズの側面や背面は航空宇宙機器で使われるグレードの質の高いアルミ素材。なので軽いが、少し凹みなどもつきやすい。黒モデル、白モデルに加えて(PRODUCT)REDの赤やグリーン、青などのカラフルなバリエーションも用意されている。　これに対してProシリーズはメスなどの医療機器で使われるのと同じグレードのステンレス素材。傷や凹みがつきにくい。色はグラファイト、シルバー、ゴールドと新色のパシフィックブルーが用意されているが、いずれもシックな色合いで高級感を感じさせる。　なお、Proシリーズのみに搭載されているLiDAR機能は、これからの活躍が期待されている機能で、今のところは暗いところで正確で素早いオートフォーカスをすることくらいにしか活用されていないが、例えば他社製のPolyCamというアプリを使えば、部屋や小物を3Dスキャンして、好きな角度から見ることができる4Dデータにすることができてしまう（さらに、このデータをメールで送信してARで見ることもできたりする）。といった具合に、今後、ARなどの分野で活躍が期待できそうだ。◇　最後に3製品のカメラでいろいろな条件で撮り比べをしたので、その写真を共有したい。ポートレートや人との記念写真、風景やアート鑑賞など、ほとんどのシーンでは標準モデルのiPhone 12 miniやiPhone 12でも十分きれいに撮れる。　モデルさんを使っての撮影でも細かい部分の描写には違いが出ても、そこまではっきりわかる大きな違いが出ることはなかった。かなり暗めのシーンでもレンズが明るくなっているため困ることはない。　だが、やはり望遠で写真を楽しむ人にはiPhone 12 Proがオススメだ。ここで悩ましいのがiPhone 12 ProとiPhone 12 Pro Maxでは望遠の倍率が変わっていること。iPhone 12 ProはこれまでのProシリーズと同じ2倍の望遠レンズを搭載している。つまり、遠くにある小さな人や物をそれだけ大きく写すことができる。一方、巨大なiPhone 12 Pro Maxは望遠レンズの倍率が2.5倍で、遠くの被写体にグンと一段迫れる感じがある。iPhone 12 miniと標準のiPhone 12でも、これまで通りカメラ画面を指で広げてデジタルズームすることはできる。この場合の最大倍率は5倍。ただ、Proモデルでは望遠レンズで撮った写真を拡大するため倍率がさらに大きい。デジタルズーム時、iPhone 12 Proは最大10倍、iPhone 12 Pro Maxは12倍の倍率で撮影できる。　ちなみにiPhone 12 Pro Maxは、レンズに加えてカメラのセンサーも大型化しているため、従来よりも87％も多くの光を取り込むことができる。ほとんどの撮影ではそれを実感することはないが、星明かりだけの真っ暗な青森県蔦沼で星空を撮影したところ、かなりきれいに星空が撮れてビックリした。同じ星空が昨年までのiPhone 11 Proでは真っ暗になってしまい、iPhone 12 Proでは撮れるには撮れるが暗い写真を無理やり明るく自動加工してしまうためノイズが載ってしまっていた。iPhone 12 miniとiPhone 12も同様だ。　青森県蔦沼。星明かりだけしかない新月の夜 #DenebStories のイベントで星浴をしにいった時のもの。本当に真っ暗だが、目が慣れてくると頭上が無数の星に覆われていてかなり感動的だ。それをiPhone 12 mini、Pro、Pro Max、そして昨年モデルのiPhone 11 Proで星空を撮影してみた。ナイトモードを使った手持ち撮影でシャッター時間は10秒。普通のカメラでは暗すぎてほとんど何も撮れない。　昨年モデルのiPhone 11 Proも、わずかにいくつか数個の明るい星が写っているだけだった。しかし、今年のiPhone 12シリーズはminiでもしっかりと木の輪郭と星の両方を撮ることができた。miniとProの写真は真ん中が赤くなっているが、これはiPhoneが無理やり写真を明るくしようとしているために発生したノイズだ。一方、センサーが大きくなり光をより吸収できるようになったiPhone 12 Pro Maxは、ノイズも少なくきれいな写真を撮ることができた。　圧倒的に手に馴染むサイズと価格でiPhone 12 miniにするか、それとも最高のカメラを求めてiPhone 12 Pro Maxにするか。またはiPhone 12か12 Proのどちらかでバランスを取るか。2021年モデルのiPhoneは、なかなか悩ましいラインナップとなっている。

【レビュー】2021年モデル「iPhone 12」シリーズが発売　全機種の特徴を解説

Bezoar | Charlotte DumasGinza Maison Hermès Le Forum　ベゾアール（Bezoar）とは体内にできた石のような塊、結石のこと。自分に備わった自然の一部でありながら、ときには自らを死に追いやることもある。（野生の馬などにこれができると、ときには命を奪うことにもなる）。古い伝承の中ではお守りや神秘的な想像と結びつくこともあったという。なんだか、2020年という年のできごとと、どこか通じるところがある。　銀座メゾンエルメスのLe Forumで今年いっぱい（12月29日まで）開催中のオランダのアーティスト、シャルロット・デュマの「Bezoar」と題された展覧会は、彼女が最近撮った3つの映像作品を中心に構成され、その中には今年撮った映像もある。　現代社会における動物と人の関係性をテーマに、20年にわたり、騎馬隊の馬や救助犬など、人間と密接な関係を築いている動物たちを被写体としたポートレイト作品を発表してきたというデュマ。2014年からは日本を訪問し、北海道、長野、宮崎、与那国島など全国8ヶ所を巡り、現存する在来馬を撮影しているらしい。　会場にはデュマが撮った馬や少女の作品に加え、日本で出土した埴輪やヨーロッパの木馬も置かれているが、これは魂というものを塊にしたこれらをデュマがBezoarとして見立てたからのようだ。　会場にはシャルロット・デュマのこんな言葉が掲げられていた：思うに、ベゾアールとは水分の不足、すなわち死に直結しているのだろう。その証拠にパリで目にしたベゾアールは大きく、その重さに耐え、生き延びた馬はいない。ベゾアールは神秘的なオーラを放っている。その表面は惑星にも似てそれ故、動物の腹の中からやって来たのに、宇宙からやって来たようにも思われる。これは、石を抱えていた動物が命懸けでこしらえた生涯の作品であり、抵抗の証でもある。命とはかくも無常であることを、想起せざるを得ない。　エルメスというブランドの誕生とも縁深い「馬」を、こんな視点で人と結びつけたチャルロット・デュマ。まさにエルメス2020年の最後の展覧会を飾るのにふさわしいアーティストだったように感じた。

HERMÈS

デザインとアートのはなし ― 銀座メゾンエルメスのシャルロット・デュマ「Bezoar」展

明治神宮の門を飾る名和晃平作、金銀の鳳凰。Kohei Nawa’s Ho/Oh phoenixes at Meiji Shrine south gate.（Only until November 3rd)100年前、明治天皇を祀るためにつくられた明治神宮。今、その本殿の正面に建つ南神門に金銀二体の鳳凰が飾られている。現代アーティスト、名和晃平さんの作品「Ho / Oh」だ。11月3日（火）まで（残り9日間）。　古来から東洋の伝説にみられる鳳凰をモチーフに、3Dモデリング技術で造形。ただ、本当に炎がそのまま鳥になったような複雑な形状。3Dプリンターに精通した名和さんだが、この形は3Dプリンターには不向きと京都の仏師たちに木彫りでつくらせ、漆を塗り、その上に箔を塗るという京都の伝統技法で形にしたもので、古い作品にも新しい作品にも見えるタイムレスな存在感がある。　日曜の明治神宮は予想以上に人出が多く、閉門時間を過ぎても人の波は収まらない中、1時間半粘って写真を撮ったが、人々が「あれ、あんなのあったっけ？」「あ、鳳凰だ」「きれい」「金銀だね」「これ、本物の金かな」などと口々に言って立ち止まっては記念撮影をする様子がなんだか楽しく、昔の人たちは神社仏閣をどんな風に楽しんだのか想像を巡らせていた。現代を生きる我々が、美術館に新しい展覧会を見に行くような感覚もあったのではないだろうか。　閉門時間を少し過ぎた頃、作者の名和さんも現れた。作品を奉納した時も、彼の工房「Sandwich」のメンバーで公式参拝をしたそうだが、今日も何か神事があったのかもしれない。　ちなみに今回の作品の正式タイトルは「鳳 / 凰（Ho / Oh）」で、昨年、大丸心斎橋店の依頼で制作した。大丸心斎橋店と言えば大阪・心斎橋で300年の歴史を持つ老舗百貨店だが、その本店は1933年米国の建築家、ウィリアム・メレル・ヴォーリズにより建てられた。その際、扉の上に飾るシンボルとしてウォーリズは「フェニックス（鳳凰）」の製作を海外メーカーに依頼したが、なぜかできあがってきたのは「孔雀」だったという逸話があり、名和さんがこの話に興味を持ち、改めて「鳳凰」をつくって大丸に納めたというエピソードがある。製作の様子の動画を大丸が公開しているので興味のある人は是非、見てみて欲しい。　以前にも書いたが明治神宮は今年、鎮座百年を祝してさまざまな行事が行われている。中でも注目の催しが「神宮の杜芸術祝祭」というイベントだ。　今、原宿駅目の前の大鳥居をくぐってすぐのところにもステンレスでつくられた巨大彫刻（Wheels of Fortune／松山智一）などが飾られているが、これは「天空海闊（てんくうかいかつ）」と呼ばれる野外彫刻展の作品で12月13日（日）までの展示となっている（他に3作品ある）。　特に今週は一年にわたる祝祭のクライマックスで、10月27日（火）からは建物も美しい聖徳記念絵画館で「『切切偲偲（せつせつしし）−応援が力になる』 これからの千年のアート展／朝山まり子＆明治神宮歴史写真の写真展」という写真展が始まる。　また10月30日からの3日間は、普段は17時で閉門する明治神宮が19時まで（11月1日は20時まで）の夜間参拝を受け付け、その際、参道が何百という奉祝献灯「夢鈴」で照らされる（現在、既に設置済み）。　さらに東日本大震災で被災した東北や熊本、大雨被害にあった四国などから感謝の意を花で伝える「サンクスフラワープロジェクト」では福島県のダリアが提供される予定だ。　環境問題が改めて取り沙汰されることが多い昨今だが、百年前の日本人が全国から樹木と若い人を集め、百年後の森を夢見て、何もなかった土地に、あの広大な神宮の森をつくった物語は東京人にはぜひとも知っておいて欲しい。そしてその物語を思い起こすと、きっと「鎮座百年目」という特別な年を自ら祝いたくなることだろう。名和晃平の「Ho / Oh」が鎮座する南門は、その時の気持ちを未来へとつなぐ、よき思い出となるはずだ。　「Ho / Oh」の写真を撮った帰り道、明治神宮ミュージアムの前に佇む、名和晃平のもう一つの作品「White Deer」がきれいに月に照らされていた。　東京在住でない人も、これのためだけにGo To 東京する価値ありますよ！　その際にはいくつか前の投稿のGYRE GALLERYの展示やDESIGNARTを見るのも忘れずに！　現代アートを飾ろうと新たなチャレンジをした明治神宮にも、名和晃平さんを選びこの展示を仕掛けたArt Powers Japanの山口裕美さんにも感謝。　「伝統は革新の連続」という言葉や「伝統も昔はアヴァンギャルドだった」という言葉があるけれど、この祝祭で百年後の伝統が誕生したような印象を持った。

デザインとアートのはなし ― 明治神宮の門を飾る名和晃平の金銀の鳳凰「Ho / Oh」

100人の写真家の眼差しを通してみる"東京＝好奇心（キュリオシティ）"をテーマにした写真展がパリ、ベルリンを巡回し、少し遅れたが東京の渋谷にて「東京好奇心 2020 渋谷」としてスタート！コロナ禍でまったく別の意味を持った「Tokyo 2020」で見ておくべき展覧会のひとつだと思う。Tokyo Curiosity 2020: starts tomorrow at Bunkamura, the Museum: a photo exhibition that shows the perspectives on Tokyo through pictures by 100 photographers from around the world.　展覧会場で最初に目に入るのは、踏みつけようとするアメリカ兵の靴底の写真。東松照明さんの「チューインガムとチョコレート」だ。その後に今日、世界を埋め尽くしている「プラスチックス」というタイトルの作品が続く。その隣には、口元に手を添えて笑う仕草など戦後の日本人女性を切り取った「Femmes Japonaises」という写真集を出したフランス人写真家、マーク・リブーさんの作品が展示されている。　この展覧会、最初の章のテーマはTimelessness。　本展は「Identity」と「Diversity」、「Here and Now」と「Timelessness」というそれぞれ対をなす4つのキーワードで写真を集め、それを13の章にまとめて展示を行っている。　中でも最も重要なのは「Timessless」だと太田菜穂子さんは言う。「私たちは今という時代を生きているが、過去も現在も未来も色々な形でつながっている。それは、どうつながっているのか…」と問いを投げかける。　もう1つ重要なのが「私たちは一体何者でどこから来たのか」というアイデンティティーと、これからますます重要になる「多様性」。　第1章の向かいの壁に展示された第2章のテーマは「Identity & Diversity」。多様な日本人のアイデンティティーを感じさせる写真が並ぶ。最初の2枚はアメリカ人写真家、エヴェレット・ケネディー・ブラウンさんによる公家と武家の写真。日本の歴史には常に2層の支配構造があり、それが共存してきた、と太田さんは言う。一番、アイデンティティーを確立しているのは、アーティストだとも付け加える。　第3章は止まった時間がテーマ。写真とはそもそも動いている時間を止めてしまう装置だが、ここで展示をしているのは戦争によって強制的に止められてしまった時間を移した作品たち。　本展覧会で、もっとも見応えがあるのは、次の第4章「花鳥風月」という章で、菅原一剛さんの椿の湿板写真（裏地にはベルベットを使用）で始まり、隣は大和田良さんが、500年以上生きてきた盆栽を1年以上の時間をかけて撮り合成した写真、香港のセリン・ウーさんの樹木の影を人間国宝がつくった越前和紙にインクジェットで印刷した作品が続く。　中央には瀧本幹也さんが長野県小諸市にある「ルイ・ヴィトンの森」の夏と冬を撮った作品。日本の豊かな自然を絵画的かつ繊細な形で捉えた作品だ。友人で本展のアートディレクターを務める柿木原政広さんに言われて気がついたが、作品の上下の余白の幅までこだわって調整されている。　宇壽山貴久子さんによる代々木公園のカラスと桜の作品も興味深かった。代々木公園は、公園に生息するさまざまな生物の図鑑を用意しているが、カラスは差別され、その図鑑に載っていないことに着目して作品を撮り始めたというが、大変、忌み嫌われているカラスが桜との共演で美しい写真作品にまとまっている。　一番奥には、こくまい太さんとゴトー・アキさんによる、日本の山紫水明の美しさを感じさせる写真。　そしてその向かいには太田さんが今、一番美しいヌード作品と評する上田義彦さんの大きな写真が2点。　そのうち1点は色素が欠落したアルビノの女性のヌードを撮った写真で、どこか現実離れした実写ではないような雰囲気を漂わせる。これも柿木原さんに教えてもらったのだが、この写真がちゃんと現実だとわかるように、写真の左下にはあえて映り込んだ三脚の足を残してあった。　ここから世界中のアーティストに愛された日本の写真家、鋤田（すきた）正義さんによる有名なデヴィッド・ボウイの写真（東京好奇心のベルリン展でメインヴィジュアルになった）など有名作品含め膨大な数の作品がギャラリーを埋めており、かなりの見応えがある。　2018年、渋谷のヒカリエで始まり、2019年にパリとベルリンで開催、そして今年、オリンピックの前に凱旋して開催されるはずだった本展は、予定より5ヶ月ほど遅れての開催となったが、参加作家もボードメンバーやスポンサーも気合は十分で、そのことはこだわりのカタログからも伝わってくる（文字数制限で書ききれないので、詳細はFacebook投稿を参照）。展覧会の撮影は禁止で本投稿は特別な許可を得て撮影している。東京好奇心 2020 渋谷Bunkamura ザ・ミュージアム2020年10月20日（火）〜11月12日（木）会期中無休＞＞前回のはなし：生まれ変わった銀座駅と吉岡徳仁の光の彫刻「Crystal of Light」

デザインとアートのはなし ― 東京好奇心 2020 渋谷

銀座駅が今日の始発からリニューアルオープン。Ginza station, the oldest metro station in Japan has a fresh new look. Shiseido has donated a public art called “Crystal of Light” by Tokujin Yoshioka to the station that represents “decency, elegance and luxury.”「上品さ、優雅さ、高級感」をキーワードにした、この駅に吉岡徳仁さんによるパブリックアートが、この地で創業した資生堂からの寄贈という形で設置されることになった。　吉岡さんが2年半かけてつくったのは、636個のズッシリと重いクリスタルがきらめく重さ2トンの光の彫刻「Crystal of Light（光の結晶）」。　「地球に生きるものとして世界がひとつになる」という平和への願いを込めた同作。クリスタルはいくつか形のパターンがあり、これを並べるときに、メルカトル図法の日本でお馴染みの世界地図をモチーフに配置を考えたというもので、目を凝らしても世界地図が浮かび上がってくるわけではないが、背景を聞いて一つ一つのきらめきが世界中に散らばったステキなことに取り組んでいる人たちのようにも感じられた。　銀座と言えば、1934年、日本最古の地下鉄、銀座線の名前にもなっている駅で、今日でも東京メトロの駅で乗降者数は4番目。　この駅を終電から始発までの、わずかな時間などを使ってコツコツとリニューアルを行ってきて、ようやく今日公開されたのだが、まだ出入口などリニューアルが終わっていない箇所もあり、すべてのリニューアルが終わるのは2023年の予定とのこと。　では、今回のリニューアルで何がどう変わったのか？この駅に乗り入れるのは銀座線、丸の内線、日比谷線の3路線。今いるのがどの路線の駅かわかりやすいように、銀座線は「GINZA」の「G」の文字を元にした丸く黄色いロゴ「レモンイエロー」、丸の内線は「M」の真ん中を切り取った三角形をモチーフにしたチェリーレッド、そして日比谷線は「H」をかたどった四角いシルバーホワイトという模様をつくり、これが柱などに散りばめられ、天井も丸、三角、四角の形が埋め尽くすという頭上のサインを見ても迷う海外からの訪日観光客らにもわかりやすく、バリアフリーな駅にすることを目指している。　その1つの象徴とも言えるのが、各路線の一番大きい改札のところにある「オリエンテーション」という頭上絵。これが頭上にどんな建物が立っているかを表しており、銀座の地上の様子には詳しいが、地下街は苦手という人にも良い空間認識のヒントを与えている。　また日本でもっとも歴史がある地下鉄駅ということもあり、銀座線のホームでは壁一面に、この駅の歴史がわかる写真年表が掲げられるようになった。　この他にも、壁を無駄なポスター広告で埋める代わりに、ところどころに創業当時の銀座駅の躯体（くたい）を覗かせる光箱を用意したり、地上の出入口も、その出入り口から一番近い地下鉄のラインカラーでライトアップするなどの変化が。　私が好きな地下通路のギャラリーも少し広くなり、ビジネスマンが立ち止まってメールなどを書けるスタンディングのワークスペースも設置されている（天井と床に不燃木を使った優しい見た目になっている）。　今日、銀座に出勤の人は、ぜひ少し早めに出発して新しい駅を眺めてみよう。　なかなか銀座に行く機会がない人は、これをいいわけに帰りに寄り道をしてみよう。

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