ニュース

　北村美佳は、1988年東京生まれ。2011年に多摩美術大学生産デザイン学科テキスタイル専攻を卒業後、「N.ハリウッド（N.HOOLYWOOD）」を展開するミスターハリウッド（Mister hollywood）で広報に従事している。　個展では、2017年頃から現在に至るまでに北村が制作した作品6点を展示。作品制作には、紙やボールペン、糸など日常的に使う道具のみが使用されており、会場では北村が普段使用している道具を装置として作品を展示するという。　また会場では、「パティスリー イーズ（Pâtisserie ease）」のシェフパティシエ 大山恵介が同展のイメージに合わせてセレクトしたケーキを12月16日から18日までの3日間、数量限定で販売する。

アーティスト 北村美佳、初となる個展をコーヒー専門店「ローシュガーロースト」で開催

　ニューインは、2018年に韓国・ソウルで設立。現在はパリを拠点に活動している。ブランド名はドイツ語で「新しい」を意味する「neu」と韓国語で「人」を意味する「in」を組み合わせた造語で、シーズンごとに架空の人物と物語を設定し、コレクションを製作している。デザイナーのセヨン キムは、多摩美術大学で1年間テキスタイルデザインを学び、パリのファッションデザインスクール「Atelier Chardon Savard」を卒業。その後「ラコステ（LACOSTE）」と「アクネ ストゥディオズ（Acne Studios）」で経験を積んだ。　ポップアップでは、最新の2022年秋冬コレクションのアイテムをラインナップ。襟が合わさるとハート型に見えるハーフコート「Heart lapel woolshort coat」（15万1800円）をはじめ、蛇行したシルエットが特徴的なパンツ「Silver stitch curly black jeans」（7万1500円）やアッパーにファーを配したレザーシューズ「Upturned toe fur-creepers」（10万5600円／いずれも税込）などを取り揃える。また、セヨン キムが来日し、ポップアップ初日の13時から17時頃まで店頭に立つ予定となっている。

Fashion

アクネ ストゥディオズ出身デザイナーが手掛ける気鋭ブランド「ニューイン」が初のポップアップを開催

インサイド

江頭誠1986年三重県生まれ。戦後の日本で独自に普及してきた花柄の毛布を主な作品素材として、立体作品やインスタレーションを手掛ける。2015年に発泡スチロール製の霊柩車を毛布で装飾した「神宮寺宮型八棟造」で「第18回岡本太郎現代芸術賞」特別賞を受賞。その翌年、毛布で洋式トイレをつくった「お花畑」で「SICF17」のグランプリを受賞する。主な展覧会に「六本木アートナイト2017」、「BIWAKOビエンナーレ2020」など。展示以外にアーティストYUKIの「My lovely ghost」のMV にアートワークで参加。公式インスタグラムみかんの皮、バッタの格好...様々な素材に挑戦した美大時代ー今回は江頭さんの作家活動について色々とお話しをお伺いしていきたいのですが、まずは「Kaguya by Gucci」、素晴らしいコラボレーションでしたね。　ありがとうございます。以前から監督の長久允さんが作品を見てくれていて、今回オファーを頂きました。最終的に部屋一面を毛布で覆い尽くしたセットも作り込み、かなり大胆に作品を使って頂きました。完成した映像を見た時は、本当に嬉しかったですね。ー江頭さんといえば"花柄毛布"の印象が強いですが、以前は全く別の作品を作っていたとか。　毛布を使った作品を初めて制作したのは、多摩美術大学4年生の卒業制作です。それまでは熊本産のみかんの皮で熊本城を作ったり、バッタの格好をしてパフォーマンスをしたり....今の作風とは大分かけ離れた作品を作っていました。多摩美では彫刻科に通っていたんですが、他の学生の子とやってることが被りたくない気持ちがあり、彫刻素材の主流となる4種（石、鉄、粘土、木）のどれにも属さない新しいジャンルでの作品制作に執着していました。大分捻くれた作風でしたね（笑）。ー当時、江頭さんの作品に対する周りの反応はどうでしたか？　　笑われていたような気がします（笑）。ただ、その反応を全然ネガティブに捉えてはいなかったですね。関西近くの三重県出身という影響なのか、"人を笑わせたい"という感情が作品制作のベースにあります。笑うことでその場の空気が平和になる、そういう環境を自分の作品を通して作りたいので、真面目に褒められると少しくすぐったいんですよね。作品を見てズッコケてもらいたいんです。ーそもそも彫刻科に進学を決めたきっかけは？　予備校の体験授業で、野菜を紙粘土で作る授業がありました。胡桃をモチーフに作品を作ったところ、予備校の講師だった大巻伸嗣さんがすごく褒めてくれて、賞も頂けて。それがきっかけとなり、彫刻科への入学を決めました。正直、すごく強い気持ちで彫刻科へ進んだ訳ではなかったんですが、精密画のような丁寧な作業ができる性格ではないので、"荒さ"を許容してくれる彫刻は自分に合っていたんだと思います。目の前に現れるリアルな物と対峙できること、そして様々な素材を扱えることは彫刻ならではの面白さだと思うので。 卒業制作として発表、駄洒落から生まれた初の毛布作品ー学生生活の締めくりとなる卒業制作の構想はずっと前からあったんですか？　実は提出の2ヶ月前になっても作るものは決まっていなくて（笑）。元々お城が好きだったことと、毛布を使いたいという構想は頭の中にあったので「毛布といえば冬、冬といえば大阪冬の陣」という駄洒落から作品を作り上げました。縫い合わせた毛布に綿を詰めて制作したんですが、綿の詰め方で予想だにしない形が生まれる"偶然性"にはすごく惹かれるものがありました。ー毛布を使う構想は以前から持っていたものだったんですね。　そうですね。一人暮らしの部屋に友人が来た時、実家から持ってきた毛布を「ダサい」と言われ、今まで気に留めていなかった花柄が急に恥ずかしく、意識せざるを得ないものになりました。特に花柄を好んで使用していたわけでもないのに、なぜあんな派手な花柄が見えていなかったのかと疑問に感じたところから毛布の作品はスタートしました。また上京する時に、母親がくれたのが花柄毛布だったので、同時に母親を否定されたような気持ちにもなり、友達の言葉をすぐに受け入れられなかった記憶があります。その場では笑っていましたが、不思議な感情でした。ー完成した卒業制作の感想として挙げていた、"偶然性"に惹かれた理由は何でしょう？　ある日父から「絵は上手くなったけど誠らしくない感じになったな」と何気なく言われたことがありました。予備校と浪人時代に学んでいたデッサンは石膏像を忠実に描くことを良しとしているので、オリジナル性を問われることはなく、技術だけが身に付いている状態だったんですよね。父の一言で技術に頼る作品にフラストレーションを感じるようになり、遊びや失敗を許容してくれるノリが作品に欲しかった。そこから偶然生まれてくる形や組み合わせなど大切にするようになり、"偶然性"に惹かれるようになったんだと思います。ー卒業制作の反響はどうでしたか？　全くなかったです（笑）。元々卒業後は美術の道には進まず就職を考えていたので、一年間のバイトを経て家具屋に就職しました。　家具の修理作業は楽しくもあったんですが、依頼されて制作するのではなく、やはり一から作りたいという思いが出てくるようになって。一緒に働いている先輩に「毛布で霊柩車つくったらかっこよくないですか」って話したことがあったんですが、初めて話したつもりが「それ何回も言ってるし、そんなに良いと思ってるなら作ったほうが良いよ」と。とりあえず書類だけでも出してみるかという気持ちで「第18回 岡本太郎現代美術賞」に応募したところ書類審査に通ったので、覚悟を決めて週2日の休みをすべて費やし作品制作に打ち込みました。ー多摩美卒業後、4年ぶりの作品制作がスタートしたと。　そうですね。作品制作の時間はとてつもなく楽しくて、ずっとハイな状態でした。満足のいく作品が出来たことだけでも十分嬉しかったんですが、特別賞を頂けたことが後押しとなり、働いていた家具屋を辞めて作家活動に専念することを決めました。作家としての覚悟を決めて挑んだ、スパイラル「SICF」ーそこからの作家活動は順調だったんですか？　賞をもらい仕事を辞めて制作環境を整えたんですが、制作依頼は1件も来ない（笑）。どうすれば良いか分からず大学時代の教授に相談したら「作品を作っていないのに何を悩んでるんだ。まずは作れ」と喝を入れられました。　とにかく作品を作るきっかけが欲しかったので、スパイラルで開催されている「SICF 17」に出展しました。これまで大きな作品を作ってきたんですが、SICFで作家に割り当てられるブースサイズは彫刻扱う自分にとってはすごく狭かった。それをどう活かすか考えた結果、ブースを様式トイレに見立て、便器はもちろん床から壁まですべて毛布で覆った作品を発表しました。その作品がグランプリを受賞し、副賞としてスパイラル1階のショーケースでの個展が決まりました。ーSICFで初めて空間を意識した作品に挑戦したわけですね。江頭さんにとっての大きなターニングポイントになったのではないでしょうか。　スパイラルは立地も良く、ファッションやアートに興味がある方が沢山来るので、僕の個展も本当に多くの方に見て頂くことができました。そこからようやくギャラリーでの展示や仕事に繋がっていきましたね。ースパイラルでの個展が2016年。そこから約7年ほど経ちますが、手法を変えることなく花柄毛布を使った作品を発表し続けています。同じ素材を使い続けることへの抵抗はなかったんですか？　毛布の作品をやめたくなったことは、過去に何度もあります。一時期本当に毛布が嫌になってしまい、2018年に参加した「BIWAKOビエンナーレ」では、過去作品を供養する為に祭壇を作ったことがありました。形だけではありますが、自分の中でとにかく区切りをつけたかった。ただ、依頼が来るのはやはり毛布の作品なんですよね（笑）。毛布への嫌悪を乗り越えて見つけた、新しい表現方法ー期待に応えたい気持ちと、新しい表現にチャレンジしたいという葛藤の中で、嫌いになってしまった毛布を今も尚使い続けられているのは、気持ちの整理が出来たからでしょうか？　毛布と良い距離感を見つけられたことが大きかったですね。2019年に静岡県島田市で開催された「UNMANNED 無人駅の芸術祭」で、お茶畑の集会所を使った展示依頼を頂きました。天井から床、小物に至るまですべて毛布で覆い作品を完成させたんですが、自分の作品で覆い尽くすことの意義を感じられず、すべての毛布を剥がし、元々その場所にあった物と自分の作品をミックスさせた内容に切り替えたところ、すごく納得感が生まれました。　空間をすべてを覆い尽くすことは、一方的な主張を押し付けているようでずっと息苦しかった。その場所にある物や素材と自分の作品をミックスさせることで、双方にコミュニケーションが取れるようになり作品の風通しが良くなりました。そこからは毛布の可能性を多方面から探れるようになりましたね。色々と毛布に対して思うところはありますが、一周回って今では花柄がとても好きになったんですよ。ー様々な柄の毛布がある中で、「花柄毛布」にこだわる理由は何でしょうか？　毛布を扱う理由と同じになってしまいますが、「ダサい」と言われた毛布が花柄毛布だったという理由が大きいです。あとは装飾的なものにも興味があったという点も大きいですね。 昭和43年頃に花柄毛布が誕生し、当時日本はロココ調デザインの家電や雑貨が流行り、花柄毛布もその流れの一部だと言われています。西洋＝高級感のイメージがあり毛布にもロココ調の装飾柄が施され、当時の日常生活の範囲で装飾や見立てを楽しんでいる点にもすごく惹かれました。現代では装飾的な物は排除され、無地のグレー、白、黒のデザインのものがほとんどで、フラットな当たり障りないものが多いですよね。確かにプライベートな寝具が派手である必要はないけれど、プライベートなものだからこそ自分のテンションが上がる装飾を選び楽しむことは素敵だし、豊かなことだと思います。　逆に興味がない花柄が無意識のうちに日常生活に入り込んでいて、それに何の違和感や疑問を抱かないことも意識しないといけないのかもしれません。色々考えすぎて窮屈と思われるかもしれませんが、考えることは自由だし、楽しいですから。毛布作品で広がる可能性と、これからの展望ー毛布の作品は、モチーフを毛布で張り合わせたものとぬいぐるみのように縫い合わせたものがありますね。　毛布と長く付き合っていく為にも、様々な手法を試しています。綿を詰めた作品は、"剥製"を意識して制作しているシリーズ。剥製から感じる本物と偽物の中間のような存在が気持ち悪くもあり魅力的で好きなんですが、この作品も立体だけど平面的で、別の何かに見える"余地"がある。その"余地"を楽しんで欲しいし、自分の作品を通して新しい価値観や気づきを感じてもらいたい。この犬の作品も、角度を変えるとハートに見えたりチキンに見えたりしませんか？ ー確かにそう言われると見えるような気がします（笑）。作家の中には小物やグッズは販売しない方も多くいますが、江頭さんは数千円のアイテムも作られています。また、ファッション撮影などへの作品提供も積極的ですよね。　自分はアートのどのコミュニティにも属していないと思っていますし、作品が高価で崇高なものになってしまうことに抵抗があります。1人でも多くの人に手に取って楽しんでもらいたいので、作りたいものはあまり制限せず、"作品"と"商品"のどちらも作っています。"作品"と"商品"は自分の中で明確に分けていて、発表する場所に合わせて何を作るか考えています。作りたいものを作りたいしブレたくもない、欲張りなんです（笑）。自分がどこにも属していないからこそできることだと思うし、その方が自分の性にも合っているなと。そして何より自分自身が救われます。　ファッション撮影の現場でも、カメラマンやスタイリストの方が自分と違う角度から作品を扱ってくれるので、そこから沢山の学びと発見があります。自分の見ている範囲はすごく狭いものだと思っているので、色んな方の意見を取り入れることで作品も成長していけば良いと考えています。 ー最後に、今後の展望を教えて頂けますか。　実は今考えている新作があって、昔服が破れてしまった時に母が別の生地で縫い合わせてくれていた経験を元に、それを立体作品として表現できないかなと。腕がない玩具や欠損してしまっている物を布で作ったパーツで修復し、新たな作品として蘇らせたいんです。家具屋で修理をしていた時、ひどく汚れている机や壊れた椅子を日々扱っていたんですが、磨けば絶対に綺麗になるし、修理すれば必ず直ることを体験してきました。元の状態に復元できなくても、新しいモノとして生まれ変わらせることはできる。その経験を活かした作品を作ってみたいですね。そしてまた愛でてあげたいですね。（聞き手 : 城光寺美那）

アーティスト 江頭誠、"毛布アート"で花開いた人生の葛藤と希望に迫る

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THE PLUGでは2022年9月17日から9月25日まで高橋漠 (タカハシバク) 個展「Reflection」を開催。全て新作、初の大型作品に加え、近年取り組んでいる貼り絵作品も発表。Profile高橋 漠(タカハシ バク)ガラス作家1986 年 福岡県生まれ多摩美術大学でガラス工芸を学び、卒業後は高橋禎彦氏の制作アシスタント、あづみ野ガラス 工房スタッフを経て、活動拠点を福岡県に移す。2016 年、和田朋子と TOUMEI を設立する。 吹きガラス技法で彫刻作品を発表している。HP_ https://www.bakutakahashi.com/Instagram_ https://www.instagram.com/baku_glass/Twitter_ https://twitter.com/bababa7気持ちや感情という実態のないものや、作家自身を鏡のように映し出したものを作品として具現化し、作家自身がこうありたいという願いが投影された新作が展示される。■作家コメント私は子供が生まれることをきっかけに、自分の性格や感情の癖が、今日までどのようにして形作られてきたのか、つまり「私の心」について考えるようになりました。 私はたびたび人間関係について悩んできました。不都合なことが起きたときは、いつも原因は相手にあると考えて、相手(の心)と向き合っているつもりでいました。しかし様々な経験を経て、私が必死になって向き合い理解しようとしていたものは、私自身の願望や感情、いわば「私の心」が作り出しているものなのだと思うようになりました。私は心のバランスを失わないように注意し、調整し続けています。そのことが、これまで私が作品制作を行う中でやってきた、ガラスのパーツを組み立て、繋ぎ合わせ、時には配置し直す作業と類似していることに気づきました。今回の作品は、気持ちや感情といった実態のないものを形にするということを、制作プロセスという点に重点をおき試行しています。今の私を鏡のように映し出したもの、また私の心がこうありたいという願いが投影されたものになっています。Baku Takahashi Solo Exhibition “Reflection”会期_2022年9/17(土) 〜 9/ 25(日)会場_THE PLUG ( https://www.instagram.com/space_theplug/ )住所_東京都渋谷区神宮前6-12-9 1F開館時間_12:00〜19:00休館日_会期中無休

ガラス作家 高橋漠が個展開催、初の大型作品を公開

アパレル業界で活躍するデザイナーたちは、その多くが服飾系の専門学校、もしくは大学・短大の服飾コースを卒業し、キャリアをスタートさせています。今回は、日本各地にある服飾系専門学校や大学のなかから、数多くの有名デザイナーを輩出してきた名門校を紹介します。文化服装学院1919年、町の小さな裁縫学校として始まった文化服装学院は、1923年に東京府（現在の東京都）から認可を受け、日本初の服装教育を行う学校として創立。これまでに約30万人の学生が日本や世界のファッション業界へと巣立っていきました。西新宿の広大な敷地には、同校の象徴ともいえる地上20階、地下1階建ての立派な校舎が建ち、教室や実習室のほか、貴重な資料を揃えたファッションリソースセンターも備えています。教育環境は、服飾、ファッション工科、ファッション流通などの専門課程があり、さらにそのなかで専門的なコースが細分化。合計30もの学科でファッション業界に関する専門知識を学ぶことができます。また、就職対策にも力を入れており、入学後すぐにキャリア開発授業で企業研究やインターンシップなどに取り組むことができるのも大きなポイント。長い歴史を持つことからファッション業界とのかかわりも深く、在学中に大規模なコンテストやプロジェクトに参加するチャンスも数多く設けられています。津森千里（TSUMORI CHISATO）1976年にデザイン科を卒業した津森千里さんは「イッセイミヤケ インターナショナル」「I.S. chisato tsumori design」のデザイナーを経て1990年に自身のブランド「TSUMORI CHISATO(ツモリチサト)」を創業。当初は服飾の基本を学ぶぐらいの気持ちで入学したそうですが、在学中に新人デザイナーの登竜門である装苑賞に4回入賞し、審査員を務めていた高田賢三さんや三宅一生さんに見いだされたことで頭角を現していきました。皆川明（ミナペルホネン）「ミナ ペルホネン」を主宰する皆川明さんは、1989年にII部服装科を卒業。入学当時は授業についていけず、縫い物の課題にも苦労したとか。しかし文化祭でのショーの統括を務めたことでプロデュースの才能が開花。卒業後も縫製工場やアトリエなどで経験を積み、27歳で自身のブランドを立ち上げました。現在は多摩美術大学の美術学部生産デザイン学科で客員教授を務めています。山本耀司（Yohji Yamamoto）山本耀司さんは慶應義塾大学を卒業後、洋装店を営んでいた母の影響で服飾の道を志し、文化服装学院に入学。在学中から装苑賞や遠藤賞（文化服装学院生の優秀なデザインに贈られる賞）のデザイン大賞を受賞するなど、めざましい活躍を見せ、1972年に株式会社ワイズ（Y’s）を設立します。1981年には「ヨウジヤマモト」でパリコレクションに参加。黒を基調とした斬新なコレクションが大きな話題となりました。現在も学内で特別講義を行うなど後進の育成に注力しています。コシノヒロコ（HIROKO KOSHINO）コシノ3姉妹の長女であるコシノヒロコさんは、当初、美術大学への進学を考えていましたが、母親の反対により断念。その後、中原淳一さんの作品を通してファッションにおけるアートの重要性を知り、1956年、文化服装学院ファッションデザイン科に入学。1961年には自身のブランドを設立し、国内外での活動を展開。日本ならではの“粋”と西洋のモダンなテイストを絶妙なバランスでマッチさせたスタイルが特徴です。黒河内麻衣子（Mame Kurogouchi）精巧な刺繍やシルエットの曲線美が特徴的なブランド「Mame Kurogouchi」を主催する黒河内麻衣子さんは、新聞で見た「イッセイ・ミヤケ」のショーの写真に衝撃を受け、ファッションデザイナーになることを決意。文化服装学院を卒業後、三宅デザイン事務所で腕を磨き、2010年に独立を果たします。伝統から最新まで、さまざまな技術を用いた妥協のない服作りが女性からの厚い支持を獲得しています。高田賢三、コシノジュンコ、松田光弘（ニコル）、金子功（PINK HOUSE）ら“花の9期生”については、過去記事「文化服装学院　花の9期生」をご参照ください。エスモード1840年にパリで創設された世界初のファッション専門教育機関・エスモードフランスの日本校。1984年に原宿で開校し、現在は恵比寿にキャンパスが置かれています。ファッション業界の即戦力となる人材の育成をモットーにしており、パリ校と日本校独自の教育プログラムをミックスしたカリキュラムを実施。総合コースでは、1年次にデザイン画の描き方や平面製図、立体裁断などの基礎を徹底的に学び、2年次でフォーマルウェアの制作や、ファッション業界の運営について学ぶ産学協働プロジェクト（O.P.É）実習など、より難易度の高い課題に挑戦します。3年次では学生自身がブランドを制作してプロの審査を受け、商業的な展開についても計画を立案。ファッション業界の流れを肌で感じながら卒業・就職に向けた準備を進めていきます。海外での活動を視野に入れている学生には、1・2年次の授業を英語で行うイングリッシュコースやパリ留学コースも設けられており、国際的な規模を誇る同校ならではの教育環境が大きな魅力となっています。横澤琴葉（kotohayokozawa）高校時代からファッションを学んでいた横澤琴葉さんは、エスモードジャポンのオープンデーを訪れ、そのレベルの高さから進学を決意。総合学科のレディス専攻を卒業後、企業でのデザイナー経験を経て2014年にエスモードAMIに入学します。卒業後、2015年に自身のブランド「コトハヨコザワ」を設立。現在は夫である日高俊さんと共同で、部屋着と外出着の間のような、気負わないユニセックスのデイリーウエア「シンク コトハヨコザワ」での活動も展開しています。吉田康子（TOGA）幼少期からファッションデザイナーを志していた古田泰子さんは、エスモードジャポンに入学後、3年次にパリ校に編入。現地で見たコムデギャルソンのショーに衝撃を受け、帰国後、1997年に自身のブランド「TOGA」を設立し、2006年にはパリコレクションへの進出も果たしています。先進的かつ官能的なデザインが人気を博し、現在は、同ブランドで「トーガ プルラ」や「トーガ ビリリース」など、テイストの異なるラインを展開中。今年、東京で約5年ぶりにショーを開催し、話題となりました。武内昭 & 森田美和（THEATRE PRODUCTS）1998年に総合科を卒業した武内昭さんは、コム デ ギャルソンでパタンナーとして勤務した後、2001年に劇場的なデザインや運営をコンセプトにしたブランド「THEATRE PRODUCTS」を設立。現在は同じく総合科を卒業した森田美和さんをパートナーに迎え、アクセサリーを中心としたライン「ensemble THEATRE PRODUCTS」も展開しています。また、武内さんは京都造形芸術大学の空間演出デザイン学科でも教鞭をとっています。多摩美術大学ファッションに特化した学校ではありませんが、多摩美術大学では生産デザイン学科にテキスタイルデザイン専攻が設けられており、芸術性の高い表現とともに伝統的な染色技術と先進的なテキスタイル技術を学ぶことができます。カリキュラムは、1年次で繊維素材の取り扱いや色彩、テクスチュアなど造形の基本を学び、2年次では基礎技術の追求しながらコンセプトに基づいた表現を行うことで創造力を育成。3年次で技術習得を「織」または「染」のいずれかから選択し、4年次の卒業制作へと進みます。技術だけでなく理論も重点的に学び、廃材を再利用する産学官共同プロジェクトへの参加実習も行われるなど、美術大学ならではのカリキュラムが充実。校舎には着尺機やコンピュータジャガードなどを設置した織実習室、さまざまな技法を実践できる染実習室、大型シルクスクリーンやインクジェットのある共同ラボなど、豊富な設備が備わっています。卒業後の進路は、アパレル業界を中心にインテリアや車両内装、IT関連など多岐にわたり、アーティストや染色作家の道を選ぶ学生が多いのも特徴です。三宅一生（ISSEY MIYAKE）丹下健三やイサム・ノグチに多大な影響を受け、多摩美術大学の図案科で学んだ三宅一生さんは、1961年から2年連続で装苑賞を受賞するなど在学中から才能を発揮。1965年からパリやニューヨークで修業を重ね、1970年に帰国します。自身のデザイン事務所を設立し、ブランド「イッセイ・ミヤケ」を展開し、1999年までパリコレクションのトップデザイナーとして活躍。2010年には文化勲章を受勲しています。80年代に大ブームとなった「DCブランド」の御三家と呼ばれるブランドのひとつです。三原康裕（MIHARAYASUHIRO）画家の母親のもと、幼い頃からアートに触れていた三原康裕さんは、1993年、多摩美術大学のデザイン学科テキスタイル専攻に入学。「身につける芸術」を追求し、在学中から独学で靴の制作を開始します。1996年にオリジナルブランド「archi doom（現：MIHARAYASUHIRO）」を設立し、2000年代からは海外でも積極的に活動を展開。2020年には天然素材を使用した新しいスニーカーライン「General Scale」をスタートしました。また、アパレルやアクセサリーの制作・販売も行っています。TEXT：伊東孝晃

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有名ファッションデザイナーの出身校

　ニューインは、韓国人デザイナーSeyong KIMが手掛けるブランド。同氏は多摩美術大学で1年間テキスタイルデザインを学び、パリのファッションデザインスクール「Atelier Chardon Savard」を卒業後、「ラコステ（LACOSTE）」と「アクネ ストゥディオズ（Acne Studios）」で経験を積んだ。2018年にニューインを立ち上げ、2019年からはパリを拠点に活動。ブランド名はドイツ語で「新しい」を意味する「neu」と韓国語で「人」を意味する「in」を組み合わせた造語で、シーズンごとに架空の人物と物語を設定し、コレクションを製作している。　現在ニューインは、ブランド公式オンラインサイトをはじめ、渋谷・神南のセレクトショップ「サレン トウキョウ（SULLEN TOKYO）」や、韓国のデザイナーズブランドを展開するオンラインサイト「Andesine」、韓国・ソウルのセレクトショップ「Obscura store」で展開。ファッションYouTuber「OUR's」が動画内で紹介したことや、日本でも人気の韓国人アーティスト「コールド（Colde）」が着用したことで、若年層を中心に注目を集めている。　ニューインの国内PRとセールスを担当するUNO SHOWROOMの馬野龍男氏は「数社から、取り扱いについて前向きな反応を頂いた。来シーズン以降、日本での販路を拡大していけたら」とし、今後ポップアップの開催なども予定しているという。　2022年秋冬シーズンは、兵役を経験し、心情に変化が生まれた男性「Dave」をテーマにアイテムを製作。襟が合わさるとハート型に見えるハーフコート「Heart lapel woolshort coat」（15万1800円）をはじめ、蛇行したシルエットが特徴的なパンツ「Silver stitch curly black jeans」（7万1500円）やアッパーにファーを配したレザーシューズ「Upturned toe fur-creepers」（10万5600円／いずれも税込）など全39型が発表された。

OUR'sが着用して話題に、韓国発のブランド「ニューイン」が日本での展開拡大へ

IZUMI SHIOKAWA PEN, PENCIL, PEOPLE, ANIMALS AND PLANTS塩川いづみ作品集　ペン、鉛筆、ひと、動物、植物2022年5月30日 玄光社より刊行　イラストレーターの塩川いづみの初めての本格的な作品集が、5月30日に刊行される。塩川がイラストレーターと名乗る前に描いたものから、この作品集のために描き下ろした新作まで約200点が、ひとつひとつのイラストレーションの線に集約されているものを余すところなく伝えるべく、懇切丁寧に収録されている。プロセス、ページ、余白、時間、手触り、心持ち。この本を成す要素の隅々にまで丹精が尽くされて、凛と、端正な姿をした本ができあがった。5月20日からnidi gallery（東京・恵比寿）で、6月14日からUTRECHT／NOW IDeA（東京・表参道）にて刊行記念展が開催。作品集の姿と繋がるように、それぞれ趣向を凝らした展示となる。Profile塩川いづみイラストレーター長野県生まれ。2006年多摩美術大学グラフィックデザイン科卒業。広告、書籍、 雑誌、プロダクトのイラストレーションを中心に活動するほか、作品の展示を行う。イラストレーターの塩川いづみは、広告や書籍、雑誌、プロダクトなどの分野で活動する一方で、身のまわりのさまざまな存在や事象を題材にしたドローイング作品を発表している。初めての本格的な作品集となる本書には、在学中から近年までに手掛けたイラストレーションの仕事やそのラフスケッチ、個展で発表した作品など約200点と、描き下ろしの作品８点を収録。塩川がイラストレーターとして活動するきっかけになった最初期のものから2021年に描いたものまでを見渡し、描く時期や対象の違い、クライアントワークとプライベートワークの境界を超えて一貫する線の表現力が際立つイラストレーションを厳選した。本書のための描き下ろしの作品では、最近強く意識するようになったという刻々と変化する「今」の象徴的存在でもある息子を描写している。率直な線の奥に、対象の内面や周りに向けられる冷静な眼差しと思考が感じられ、描かれているものの内と外にある世界をイメージさせる塩川のイラストレーションの魅力を凝縮した作品集。製本は、180度無理なく開く「コデックス装」を採用。好きなページを開いて、部屋に飾る花のように眺めて楽しんでもらいたいという思いが込められています。アートディレクションとデザインは井上庸子氏、撮影は三部正博氏。端正な佇まいで日常に寄り添う一冊にまとめあげられた。■IZUMI SHIOKAWA PEN, PENCIL, PEOPLE, ANIMALS AND PLANTS塩川いづみ作品集　ペン、鉛筆、ひと、動物、植物アートディレクション＋デザイン：井上庸子撮影：三部正博判型：210mm×148mm A5判・244ページ コデックス装定価: 3,000円+税刊行日: 2022年5月30日出版：玄光社刊行記念展「IZUMI SHIOKAWA　PEN, PENCIL, PEOPLE, ANIMALS AND PLANTS」1.期間：2022年5月20日(金)～6月9日(木) 12:00～18:00　月曜・火曜休み会場：nidi gallery（東京都渋谷区東2-27-14 ペガサスマンション恵比寿 #102）2.期間：2022年6月14日（火）～6月26日（日）12:00～19:00　月曜休み会場：UTRECHT／NOW IDeA（東京都渋谷区神宮前5-36-6 ケーリーマンション2C）

イラストレーター塩川いづみの作品集が発売　恵比寿と表参道で刊行記念展を開催

富永航武蔵野美術大学工芸工業デザイン学科テキスタイル専攻在学中にフィンランドのヘルシンキ芸術デザイン大学に留学。卒業後、文化服装学院服飾研究科を経て2015年セントラル・セント・マーチンズBAファッションプリント科を卒業。 在学中にはジョン ガリアーノなどのアシスタントを経験した。「第31回イエール国際モードフェスティバル」においてファッションデザイナー部門のグランプリを獲得。「プチ・バトー」や「マリメッコ」とのカプセルコレクションを発表するなど国内外で活躍している。公式インスタグラム黒沢秋乃武蔵野美術大学工芸工業デザイン学科テキスタイル専攻から多摩美術大学生産デザイン学科テキスタイル専攻に編入。卒業後、フィンランドのアアルト大学大学院でファッションデザイン科を修了。在学中に第31回イエール国際モードフェスティでバルファイナリストに選出された。帰国後、ニット企画会社で経験を積んだ後、2020年にニットウェアレーベル「オニカ」を立ち上げた。公式インスタグラム2人の出会い※多摩美術大学生産デザイン科テキスタイルデザイン専攻※第31回イエール国際モード&写真フェスティバル。黒沢と富永は共にファイナリストに選出されている。いつからデザイナーになりたかった？美大に進学したワケ武蔵美の空デと工デの違い※武蔵野美術大学空間演出デザイン学科の略称。ファッションデザインコースやインテリアデザインコースなどがある。3年生で多摩美に編入した「オニカ」黒沢のお話超主観的：武蔵美に向いている人・多摩美に向いている人超主観的：専門学校に向いている人・美大に向いている人※文化服装学院の略称美大での学びはデザイナーとしてのクリエイションとしてどう生かされているのかを考えてみた（聞き手：古堅明日香）

【対談】武蔵美「ワタルトミナガ」×多摩美「オニカ」〜美大で学べること・服飾専門学校で学べることを真剣に考えてみた〜

　同書は、複雑に絡み合ったファッションにまつわる事象を芸術学、言語文化、文化人類学、メディア論など多様な視点から論じた越境の時代を考えるためのファッション・スタディーズ論文集。複雑に交差したグローバルファッションの歴史と文化の論点をあげて問題発見の手引きとするとともに、各領域に特有の調査分析方法や論文の書き方を並べることで、開かれた学際的研究に資することを目的としている。　執筆者には、文化学園大学服装学部教授の高木陽子や明治大学情報コミュニケーション学部専任准教授の高馬京子、国際ファッション専門職大学国際ファッション学部教授で京都大学名誉教授の田中雅一、多摩美術大学美術学部共通教育教授の中村寛らが名を連ねる。

「今、ファッションについて何が問われるべきなのか」文化学園大学教授らによる書籍発売

池内啓人1990年生まれ東京都出身。多摩美術大学情報デザイン学科を卒業後、パソコンと模型を組み合わせた独自のスタイルの作品を発表し、これまでに「バレンシアガ（BALENCIAGA）」の2022年春夏コレクションのキャンペーンヴィジュアルをはじめ、「シュウ ウエムラ（shu uemura）」などのブランドに作品を提供したほか、KOHHやエイサップ・ロッキー（A$AP Rocky）が国内で開催したポップアップストアにも参加している。公式インスタグラム「オタクリスペクト」から始まった作品制作ー池内さんは多摩美術大学の情報デザイン学科を卒業されています。主だって平面作品を勉強する学科ですよね。池内啓人（以下、池内）：おっしゃる通り、学生時代はフォトグラフィックなど平面デザインについて学んできました。ー立体作品の制作はいつから？池内：卒業制作でジオラマを作ったのが最初です。ただ学部生の頃から、大学にあるサークル棟の1番奥で戦車のプラモデルやガンプラ※をずっと作っていました。※ガンプラ：機動戦士ガンダムシリーズのプラモデルの略称ー深水さんは、池内さんのマネジメントを2019年から担当しています。深水くらら（以下、深水）：その1年ほど前から一方的に知っていたんです。私は元々KOHHの制作チームに所属していて。「サイバー感漂うミュージックビデオを作りたい」というプロデューサーの要望を受けて、池内さんに連絡をとったのが始まりでした。ー池内さんの作品のどこに魅力を感じていたんでしょうか？深水：「今、ここにあるもの」を使って「架空・存在しないもの」を作っているところです。うまく言えないのですが、物体としてはたしかに存在しているはずなのに、この時代のものではないように感じるというか。アニメや漫画の世界でだけで見たことがあったものが、実際に目の前に物体としてあるということに衝撃を受けたんですよね。池内：僕自身はあまり自分の作品に神秘性を感じないんですけどね（笑）。僕の目の前には深水さんが言うところの「架空・存在しないもの」がずっとあったから。ー「架空と実在」という二項に対する認識の違いが、鑑賞者と池内さんの間にはあるのかもしれないですね。作品を見た鑑賞者からは「オタク心をくすぐる」という深水さんと似たようなコメントもみかけます。池内：オタクリスペクトから始まっているのは間違いないです。最初は自分が影響を受けたアニメ「ゾイド」や映画「スター・ウォーズ」など、好きなものを別の表現としてそのまま出す、ということをしていただけなので。「作品には作家の主体性を一切入れていない」、その意図とは？ー池内さんの作品はサイバーパンクやSF映画などを彷彿とさせるのですが、一方で「現代における仏頭のようだな」と会場入り口に静置されているマスク作品を見て思いました。池内：誰しもが抱えるコンプレックスを埋めるための「パズルの1ピース」みたいな作品になればいいなと思っているので、そう感じて頂けて嬉しいです。ー「コンプレックスを埋めるための"パズルの1ピース"」というのは具体的に？池内：僕は作品を制作するにあたって「自分の主体を一切排除すること」を意識していて。主体を排除することで、誰しもが心のどこかで追い求めている「自らのコンプレックスをぴったりと埋めてくれるもの」になればいいな、と。ー確かに池内さんの作品には作家のサインがありませんし、今回の個展名も「IKEUCHI HIROTO EXHIBITION」というだけで特別な展覧会名はついていません。池内：作品のどこかに自分のサインを入れてしまったら、おそらく「僕のコンプレックスの隙間」しか埋められなくなると思います。仏頭に代表されるような「鑑賞者のための救済」にはならない。作品を見た誰かが、自分が意図しないところで自由に想像するのはとてもよいな、と。個展名に関しても「みんなが好き勝手につければいい」と思っています。深水：主体とコンプレックの話で言うと、ヘッドセットを装着するとその人の顔を完全に覆い隠すので、鑑賞者自身の主体性もなくなるんです。池内：自分のヴィジュアルが好きじゃない人は、あれをつけることで主体を排除できるから良いんだろうな、と思います。深水：今、マスクと言う概念は「身を守るもの」「マナー」という側面が強くなりましたが、その意味付けがなされる前は「自分の顔を一時的に隠すもの」としても使われていましたよね。池内：それこそ作家には「完全な一貫性」が必要だと思っていて。例えば僕だったら「顔を出さない」「作品に自分の主体姓を残さない」「個展名を付けない」などです。ーアーティストが一貫性を持つからこそ、鑑賞者は自由に作品を解釈することができるように思います。池内：そこがぶれてしまうと、作品と鑑賞者の間で生まれるコミュニケーションのノイズになるような気がしますよね。ー作品に対して「自分のものである」という所有欲みたいなものがあまりないのでしょうか？池内：昔はありました。でも、いっぱい持っていても物が自分を救うことがなかったんですよね。アニメグッズとかを集めていても、引越しの時には全部捨ててしまうし。ーアーティストによっては、鑑賞者による独自の解釈がなされることを嫌う人もいます。池内：作品の全てはヘッドホンや掃除機などの既製品を組み合わせて作られたものですが、僕だって元の既製品の意味を取っ払って「別の意味」を持たせている。同じように他の人が僕の作品に「別の意味」をもたせるのは全く持って自然な流れだと思います。ー確かに、作品に用いられている既製品はよく見ないと「元々なんだったのか」が分からないくらい別のものへと変貌していますね。池内：既製品の中から欲しい部品を手に入れるために分解したりもしています。分解している時はマグロの解体ショーみたいな気持ちで（笑）。作品には僕の主体は入れていないし、物自体の主体も入れたくない。例えばVRゴーグルも「VRゴーグルとしての主体」が残りすぎるとあまり良くない。「ゴテゴテと既製品をデコレーションすることで物自体の主体を覆い隠す」ということを意識をしています。 ーただ作品は、元々の既製品が持っていた「機能」は損なっておらず全て使用することが可能なんですよね？池内：そうですね。少しおかしな例え話ですが「人間は好きだけど、マネキンは嫌い」という気持ちです。物の主体は奪いたいけど、本質は残しておきたい。ものにおける本質は機能だと思うので。展示会場に「レクイエム」が流れ続ける理由ー会場にはミシェル・カルージュによる「新訳 独身者機械」も置かれています。本作は、マルセル・デュシャンの作品「彼女の独身者たちによって裸にされた花嫁、さえも」とフランツ・カフカの小説「流刑地にて」に類似点を見出し、その類似点は他の作品にも見受けられる、という指摘がなされている書籍です。池内：まさに僕の作品を見てそれぞれが異なった印象を自由に感じるように、ミシェル・カルージュが「お前はこうなんだろう！」という決めつけを小説家に対してひたすら盲信的に綴った著書で、共感できるところもあり面白いんですよ。本作で取り上げられているマルセル・デュシャンの「彼女の独身者たちによって裸にされた花嫁、さえも」は、作品を上下に二分割した時に、上パネルが「理想」、下パネルが「現実」を表現した二層構造になっているそうです。今回の会場であるSAIも天井が窓になっていて、展示されている作品が反射して写るんですよ。デュシャンの作品と今回の展示会場がとても近しいというのも含めて、「ひたすら一緒で面白い」と思い展示における大きなモチーフとして採用しました。 ー会場の話が出ましたが、展示室にはずっとレクイエムが流れていますよね。池内：僕が選曲したものです。1人でやっていた制作活動ですが、深水さんがマネジメントに入ってくれたことでたくさんのことが変わった、というのを表現するのにレクイエムがぴったりかな、と。ーレクイエムは「鎮魂歌」と日本語では訳され、亡くなった人を悼む内容の作品が多いですが。池内：消極的な気持ちで選曲したわけじゃないんです。1人でやっていたところから、複数の人が携わるようになったことで失ったものは実際たくさんあります。例えば、周りの人が作品に勝手に文脈をつけて僕の文脈が死んでしまったり。ただ、そういった「亡くなってしまった」ということに対して、悲しみではなく「よかったね」という気持ちがあるんです。レクイエムにも何種類かあるんですが、大抵は「残念だ」「許せない」などの怒りの一幕が入っている。でも会場で流しているガブリエル・フォーレによる「レクイエムニ短調作品48」は、ひたすらに安息と安らぎが歌われています。それが今の自分の気持ちにぴったりだったんですよ。「非到達だけが唯一の永遠」追求するのは根源的な美ー池内さんの作品をファッションと結びつけたのは深水さんと聞きました。深水：私は、池内が「好きで作っているものが、そのままもっと世に出ていけば良い」と思っています。池内の作品を見つけた一部の人が独占して楽しみ、そのまま時間だけが経つというのも否定はしません。でも、彼の作品が狭い界隈の中でしか知られないというのはもったいないな、と。例えば村上隆さんと「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」、空山基さんと「ディオール（DIOR）」のように、素晴らしい者が素晴らしい物と組み合わさりスプレッドされることで認知され、価値も上がっていきます。認知とビジネスといった点で、アートはファッションと切り離せないし無視できないものだと考えています。池内：僕の視点では、消費が早い「ファスト」という意味でファッションもアートも一緒。また「物自体には価値がなく、文脈の上で価値が乗っかっている」という点でも類似している。ブランドも「ブランド品である」という側面で値が付いていることは大なり小なりあるだろうし、アートも文脈やコンテクストに値がついている。 深水：池内の作品は、美術の文脈にもファッションの文脈にも乗せづらいものだと思っています。元々は既製品を組み合わせているだけなので価格という面でも「どれくらいの価値があるものなのか」がはかりづらい。ただその分「なんでもできるだろうな」とは思っていたし、極論「物自体に価値はない」と言い換えることもできるのかな、と。ファッションでもアートでも、2次元でも3次元でも構わない作品なのではないでしょうか。ー池内さんは、深水さんから「ファッションブランドと仕事をしていく」と聞いた時はどう思いましたか？池内：絶対の正解ではないかもしれないけど「良いのでは」と思いました。ー「作品から作家の主体を排除している」という言葉の通り、マネジメントにおいても作家としての池内さんは希薄というか、達観していますね。池内：そうですね。マネージャーがやりたいことをやっている（笑）。深水：私はこうしたいと思っていることがあるけど、それは池内の想像と異なるものなのかもしれません。ーマネジメントにおいて、自分の意思が反映されないことを嫌うアーティストの方が多いと思います。池内：すごい嫌です（笑）。でもその「嫌だ」という気持ちがあるからまだ制作できるのかな、と。諦めの悪さというか。まだ微妙に信じられるものがあるなら、そこは追い求めていきたい。ー「信じているもの」とは？池内：今は「バランス感覚」についてです。バレンシアガのヴィジュアルに使用された身体拡張ロボット「スケルトニクス」は、2015年に作った作品でディテールはしょうもないんですけど、今見てもみんなが「カッコいい」と思うのはなんでなんだろう、とか。展示会場にもある男性マネキンは僕的にはバランスが悪く、女性マネキンの方がバランスが良いと思っているのですが、それを証明するように女性マネキンの方が先に売れたりとか。そういう人類が無意識に追い求めている「根源的な美」みたいなものがあるんじゃないんだろうか、と。「宗教的な美」を目指したところから、万物も美に向かって行ったという人類の歴史もありますしね。「根源的な美は存在するのか」という問いを作品を通して追求していきたいです。「根源的な美」を追い求めた先には何もないかもしれませんし、答えのない問いかもしれません。でも僕は「非到達だけが唯一の永遠だな」とも思っているので。 ー達成できないということが分かっていながらも、なぜ「根源的な美」を目指すのでしょうか？池内：物を作り続けていると「自分が想像した通りに作れるんじゃないか」という希望みたいなものはなくて、「絶対に到達できない何かがある」ということだけが明確になるんです。それを知ってしまった、というのはある種のコンプレックスだったりもします。今はその自分自身のコンプレックスを埋めるために、いろんな人に話を聞いたり、他の目的を見つけようとしている最中なんですよ。（聞き手：古堅明日香）

バレンシアガも起用、池内啓人の作品がオタク心をくすぐる理由

【関連記事】東レ「ヒトエ」　作業者見守りで需要伸びる　ワークショップは、同大学内の素材研究室「CMTEL」（シムテル）が「ウルトラスエード・デザイン・クッキング」の名称で主催。素材の基本情報の講義、中間・最終報告会を行った。参加者は、生産デザイン学科から学年を問わず募り、卒業生や助手も加わった。共通の素材を使ったワークショップとしては「かつてない規模」となり、個性豊かな作品が集まった。　ウルトラスエードは、不要になった生地サンプルや試験反を活用。参加者はそれぞれ、講義や実験を通じてウルトラスエードの魅力を見出し、様々な表現に落とし込んだ。例えば、プロダクトデザイン専攻の葛西日向子さんは、カットしてもほつれない点に着目し、生地を幾重にも重ねて美しい裁断面を強調した構造体を作った。熱で溶けて硬化する特徴を生かしたのは、シムテルの伊藤綾香さん。ホットシーラーを使い、二枚の生地を重ねずに突き合わせて接着したり、熱による色と質感の変化で縦畝を出し、東レの参加者を驚かせた。「欠点とされてきた熱による色の変化も、柔軟な発想で利点に変えてくれて、良い刺激になった」と安東事業部長。今回のワークショップを発案した安次富隆多摩美術大学学長補佐・教授は「産学連携は、学生の自由な発想が価値になる。学生と接することで忘れていた刺激を得られる」と話した。参加者の作品は8月23～28日に東京ミッドタウン・デザインハブで展示され、中高生を対象にワークショップも予定する。　東レは16年から、国内外の教育機関に生地を提供し、次世代のデザイナーを支援するとともに、知名度やブランド価値の向上に力を入れてきた。この5年で認知がグローバルに広がってきたとし、今後も継続する。今回の取り組みで「新しい発想が可能性を切り開いてくれると感じた」とし、素材開発の産学連携も視野に入れる。

senken plus

東レが「ウルトラスエード」を多摩美術大学に提供、学生とワークショップを実施

　コラボでは「グッドインスピレーション（GoodInspiration）」をコンセプトに、創造力で世界を明るくしたいという想いをコレクションに反映。リメイクやアシンメトリーなデザインで、モードとユーモアが共存するミハラヤスヒロの世界観を落とし込んだ。ジーユーの人気商品であるシェフパンツやシェフジャケット、高機能マウンテンパーカといったウェアに加えて、バケットハットやベルトなどの小物類をラインナップ。また、三原の同級生でイラストレーターのゴンゴン（長嶋五郎）が描き下ろしたオリジナルキャラクターをデザインしたピザーラ（PIZZA-LA）とのコラボアイテムも展開する。　特設サイトで公開したスペシャルムービーは三原の母校である多摩美術大学の図書室やギャラリーで撮影を行い、クリエイティブディレクター兼スタイリストとして大田由香梨、映像監督に林響太朗を起用。音楽はサカナクションの江島啓一が担当し、オリジナル楽曲を制作した。　2月26日から「GU STYLE STUDIO原宿」でコレクションの全ラインナップを先行展示するほか、「ジーユー渋谷店」「ジーユー心斎橋店」では期間限定でショーウィンドウを展開する。

「GU」がミハラヤスヒロと初コラボ、スニーカーやバンダナ柄アイテムなど多数発売

多摩美ゆかりの作家たち総勢62名の版画同展覧会では、多摩美術大学の版画教育の礎を築いた版画家の駒井哲郎・吹田文明や、李禹煥・関根伸夫・吉田克朗らの「もの派」、高松次郎、若林奮などの日本の戦後前衛美術を牽引した作家たち、日本画家の加山又造、画家の辰野登恵子、イラストレーターの和田誠のほか、デザイナー、漫画家、絵本作家など多彩な分野で活躍する横尾忠則、しりあがり寿、田中清代、小林賢太郎といった多摩美ゆかりの作家たち総勢62名の版画作品を、6つのテーマに分類して展示する。「版画のコア」では、今日の多様な拡がりの起点となる版画のコアをテーマに展示。「版画と絵画」では、同大学における版画教育が油画専攻から始まった経緯を踏まえながら、単なる複製画としてではなく、間接的な表現としての版画というメディアに画家はどのような絵画的な可能性を見出しているのかをテーマとしている。「版画と写真」では、写真イメージを版にすることは、イメージと物質、そしてレイヤーの問題に向き合うという点に着目。写真を展開させるメディウムとしての版画の可能性とは何かを問う。「版画ともの派」では、もの派の作家たちが、版の物質性、痕跡性に着目しながら、どのように物の関係性を表現しようとしたかをテーマとしている。「版画と現代美術」では、1970年代以降の作家たちの多くが、物質と記号の間をめぐりながら、各作家の問題意識において、様々な版の特質に着目し、版画表現に関わってきた点にフォーカス。それらの多様な彼らの版に対するアプローチを深める。「版画とデザイン」では、版画とデザインの親和的な関係が歴史的にあった一方で、今日ではデザイナーが版を意識的に活用することで、デザインの創造性が発揮されている、その可能性をテーマとしている。会期は1月6日(水)〜2月14日(日)。入館料は一般300円。6つのテーマを通して、多摩美術大学の版画とその50年を味わってみては。■「多摩美術大学美術館」住所：東京都多摩市落合1-33-1

STRAIGHT PRESS

多摩美術大学ゆかりの作家62名の版画作品を展示「多摩美の版画、50年」が開催

A uniquely precious encounter with artists from all over the world.As a platform to exhibit and unveil the various talent, Lula JAPAN’s editorial team have selected the most vivid and genuine works from artists around the world.Entrust your heart to this creative and unique new sensibility.No.119 "UNTITLED"Set Design by Haruka KogurePhotography by Yuto KudoStyling by Ayano NakaiHair and Make up by kikaHaruka Kogure／Artist（Tokyo based）「Experience by Ladder（梯子による経験）」この作品は、「梯子」の空間体験を通じて新たな場所を得ることができる椅子（装置）です。梯子の「登る」という行為を経て、「場所を獲得する」という体験をより特徴づけるよう、「その行為や体験」と「今作品のパーツ」を紐づけ、各所に文言をペイントしました。例えば足掛けの部分には、“rung（梯子などの横木・段）”、構造材（支材）には斜めになっている形態を生かし“time to climb to the top（頂点に登る時間）”といったように、一過性の体験をポイントに与えています。また登った先の椅子の背もたれには、“Here is the place I get（私が獲得する場所）”といった文言を添えており、この椅子（装置）の中で生まれている体験や時間の移り変わりを強調しました。そしてこれらの特徴を示すように、1人の少年がその経験を得ていく様子を写真に記録しました。素材は全体的に角パイプの溶接で組み、座面はベニヤ、背もたれは帆布で仕上げています。This is a chair(equipment) that allows you to gain a new place through the space experience “ladder” brings.To characterize the experience of “acquiring a place” stronger through the act of “climbing” the ladder, I linked “those acts or experiences” with “parts of this work” and painted quotes in various places.I am giving transient experiences by using "rung" on the footrest, and produced "time to climb to the top" on the structure(brace) which I took advantage of the slanted form.Also, on the back of the chair which placed in end of the ladder says "Here is the place I get”, to emphasize the transition of time and experience that is being created in this chair(equipment).And we have photographed the process of a boy gaining experience to show these features.The material is entirely constructed from welded square pipes, with a veneer seat and canvas backrest.Endplaydevice / Haruka Kogure：多摩美術大学美術学部環境デザイン学科卒業後、木工・金属溶接を中心とした手法で立体物を制作。現在はさまざまなマガジンへの美術制作・提供の他、ディスプレイ業務等を行う。www.instagram.com/endplaydeviceGraduated from Tama Art University and studied environmental design and fine arts.Creating three-dimensional objects by a method centered on woodworking and metal welding.Also does art production, provision to various media, and performs display work.

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