インサイド

　生産者の顔写真がラベルされた野菜を買ったことがあるだろうか。僕は正直これまで気にしたことがない。その作り手が自分も共感できるような人間なのかはそれだけではわからないからだ。もしかしたらとてもいい人かもしれないが、全然気が合わない人かもしれない。そもそも顔が見えたところでこちらが一方的に向こうを認識するだけで、向こうはこちらを認識しない。その一方的な状態は、自分と生産者の関係の信頼度を高めることにおいて何ら意味がない、と思う。人間は勝手なので、生産者の写真を見て「いい人そうだな～」と勝手に判断し、いざその人が悪事を働いたと耳にすれば「そんな人だと思っていなかった！もうここの野菜は買わない！」と勝手に幻滅するのだ。もともと悪人だったかもしれないのに。なので僕は、消費物に関しては作り手がアノニマスな存在な方が心置きなく消費できるので、わざわざ生産者の顔なぞ見えなくてよい、と思っていた。　いきなりひねくれた導入になった。　服に関してもそうだ。特にここ数年は、自分が心から共感しきっている特定のデザイナーやブランドの服以外に関しては、むしろ作り手が誰なのか、どこのブランドなのか、まったくわからないくらいの距離感の服が良いと思っている。作り手、デザイナーのパーソナリティが想像できてしまうと、悪い意味で本人の思念が乗ったプロダクトを着用している、という意識になる。故に、そのブランドやデザイナーのスタイルに一度共感できなくなったり、ましてやデザイナー本人が差別発言などでメディアに取り沙汰されると、そのプロダクトに対するリスペクトが失われ、一気に着る気が失せたりする。だから、変に作り手のことを分かったような気分になり、勝手に裏切られたような気持ちになるくらいなら、という考えから、出自が全く不明なモノや、そもそもファッションを目的に作られていないジャンルの古着だけに傾倒した。　裏を返せば、信頼のおける作り手が存在し、しかもその人が生み出すプロダクトに共感できる、という経験は尊いという事だ。仮にプロダクトを手に取るなら、個人的にはそのデザイナーとの距離感はゼロに近ければ近いほど良いと思う。そのデザイナーの人間性やバックグラウンドに深く共感できるという前提の上で、プロダクトも自分好みのものをアウトプットしている、そんな形が理想ではないかと思う。　作り手との距離はゼロに近ければ近いほど良いとすると、ファッションで言えば、究極は自分自身で作った服が一番心地よいのかもしれない。ただし、それはなかなか現実的ではないこともよくわかっているので、消費者としての立場を前提とすると、理想的なのは「近しい人が作った服で自分も気に入った服」を着ることではないか。もっとも、近しい存在にそういったモノづくりをしている人がいるとは限らないし、その人の感性に自分が共感できるか、信頼できるかなんてことはわからない。だからこそそういったプロダクトとの出会いは尊い。　今回は、僕のワードローブの中でも、特に作り手の感性に共感し、デザイン的にも非常に気に入って買い続けている「アラヤ（ALAYA）」のウエスタンシャツを紹介したい。＊　＊　＊　ウエスタンシャツの魅力といえば、やはりその特徴的な意匠だろう。ウエスタンヨークやフラップ、三日月のような形状のクレッセントポケットなどのデザインが引用されれば、一目で「ウエスタンのノリだな」とわかるインパクトがある。　特に、僕はいわゆるアメリカ西部が開拓された時代の“本気モノのウエスタンシャツ”より、ウエスタンカルチャーが文化として根付き、後に文化の語り手として登場するカントリー歌手や西部劇の役者が着用するために生地にサテンを用いたり、派手な色遣いや豪華な刺繍を施すようになった、よりファッション性に重きを置いた舞台衣装としてのウエスタンシャツのノリがとても好きだ。　ヴィンテージで探すなら、カウボーイものなら老舗ワークウェアブランドの「ブルーベル（BLUE BELL）」がウエスタンウェアブランドして立ち上げた「ラングラー（Wrangler）」や、アメリカ・コロラドで生まれ、パールボタンやのこぎりポケットなどのウエスタンシャツの典型的なディテールを生み出し、数々のセレブリティに愛された「ロックマウント・ランチウェア（Rockmount Ranch Wear）」、さらにブルックリンのテーラーがウエスタンカルチャーに目を付け、シックでセクシーなウェアを打ち出し、多くの舞台や映画衣装として採用されている「エイチバーシー（H bar C）」などが王道になるだろう。本来であればこれらのブランドのヴィンテージなどを手に入れたいところだが、このあたりのアイテムをピックするにおいて非常に難しいのがサイズ感である。　ウエスタンシャツはもとはと言えば作業着としての背景を併せ持ち、機能性の観点から基本的にタックインを前提とするため、着丈が長い。また1950年代以降の物においては衣装性が高まる為、シルエットも極端にシェイプされたものなどが増え、非常に時代感のあるものが多く、現代でいい塩梅で着用できるものはほとんどない。　一方でアラヤのウエスタンシャツは、シルエットをより現代的にアップデートし、リラックスしたサイズ感で着用することができる。ただ、ヴィンテージのウエスタンシャツをデザインソースに現代的なシルエットにアップデートしただけのアイテムは正直に言えばいくらでも存在はする。では個人的にアラヤのウエスタンシャツの何が特に良いと思うかというと、そのサイズ感の計算されようである。　そもそも、ウエスタンシャツ特有のサイズ感は確かに時代感・コスチューム感を感じさせる決定的な原因の一つであると同時に、ウエスタンシャツのそれらしさを構成する重要な要素であると思うのだ。だからこそ、単純にヨークやスナップボタンなどの見た目的なウエスタンシャツの要素を現代的なカジュアルシャツに落とし込むと“コレジャナイ”感が半端ではない。　リアルなウエスタンシャツで現代的に着用できるものを探すとなれば、相当恰幅（かっぷく）がある人向けに作られたビッグサイズで、結果として丈の長さと身幅の長さの差が小さくなり、よりボックスシルエットに近い形で自然に着地できている特質な個体を探すしかなくなってくるのだが、アラヤのシャツはまさにそのシルエットに近く、シルエット的な“ウエスタンシャツ感”を損なうことなくバランスしているのが見事なのだ。「きっとヴィンテージのウエスタンシャツを探したときに、現代でもかっこよく着こなせる条件がそろった理想的な個体はこんな感じだろう」と思わせる、本物感とモダンさを両立する逸品だ。＊　＊　＊　アラヤのシャツとの出会いは2年ほど前、ブランドデザイナーとの共通の知人に展示会に誘われたのがきっかけだった。展示が行われた恵比寿のとある真っ白なギャラリースペースに並ぶアラヤの服は、どちらかと言えば繊細でアンニュイな色使いで、ぱっと見の全体感としてはクリーンな印象の物が多い。一方でウエスタンシャツはもちろん、フリンジやダメージ加工など、一般論としてはクリーンな印象とは対称にあるような要素が目に付く。僕のコラムを読んでくれている人は良く分かると思うが、クリーンなアイテムとフリンジやダメージなどのようなロック・パンクテイスト、これは僕が一番好きな組み合わせである。スタッズやシルバーなんかも僕の好きなテイストの一つだが、展示会に在廊していたデザイナーが「スタッズとフリンジは多ければ多いほどいい」と語りながら、接客の合間を縫って古着のフリンジ付き革ジャンに数百発のスタッズを手打ちしていたのが印象深い。　聞けば、もともと本人のルーツになっているのはそういったパンクロック的な面も大きいそうだ。それをまた別のバックグラウンドで培ったクリーンな雰囲気づくりの技と調和させたデザインと、デザイナー本人のスタイル人柄に勝手に共感し、僕はウエスタンシャツをすぐ注文した。普段は展示会などに行っても普通の買い物と変わらず気に入ったものがなければ付き合いでの注文はほとんどしないタイプだが、アラヤのウエスタンシャツについてはここ数年続けて数型をシーズンごとに購入している、自分の中での定番品だ。表面的なデザインに共感するブランドはあれど、デザイナー本人のスタイルやスタンスにも同時に共感できる一着に出会えたのは稀有な経験であるし、そういったアイテムこそが、今の自分には着ていて一番気持ちのいい服である。　ちなみにアラヤのデザイナーの齋藤英樹氏は、展示会の際は基本的にギャラリーにいるので、機会があればぜひ話してみてほしい。思った以上に気さくなのもそうだが、クリーンな世界観の根底には実はパンクロックが潜んでいることを感じられるトークが聞けると思う。＞＞次回は12月31日（日）に公開予定

ALAYA

Fashion

現代にもマッチする「アラヤ」のウエスタンシャツ【連載：sushiのB面コラム】

　近年、ファッションビジネスでは“ウリ”として原価率の高さを訴求したり、インフルエンサーが低価格を切り口におすすめの服を紹介するなど、わかりやすく伝わる「数字」や「情報」を並べたアピールが目立つ。着る側の態度も、多くの現代人は変にコミュニティから浮いた存在になることを嫌い、“いい感じにお洒落だけど奇抜じゃない”、“皆と同じような普通の恰好でいい”という画一的でシステマティックなファッション感覚が一般化したように思う。　一方で、プロダクトの背景にある作り手の意図や手間暇、プロダクトを届けてくれる人の存在、そしてプロダクトが自分の手元に届くまで過程──そういったプロダクトの持つぬくもりを形作るストーリーにも目が向けられるようになった。昨今の作家のうつわブームや、製造に手間暇のかかるナチュラルワインブームなんかにも似たような感覚を覚える。元来、人は他者とのコミュニケーションを紡いで生活を送り、コミュニティを形成し進化してきた生き物。情報社会の中でも、人は究極には他者との関係性を形作る「ぬくもり」を求めるものなのかもしれない。先日もそんな話を知人としたばかりだった。　僕も無意識にではあるが、そういった「ぬくもり」的な要素を求めて様々なものを手に取るようになった。最近は特に顕著で、物としての質がどうとか、どこのブランドのいつの時代の物かという「情報」よりも、知人がやっているブランドで買った服や、先輩からのおさがりとか、そういった人とのつながりや作り手の存在が感じられる「ぬくもり」のある物にお熱なのだ。中でも特に惹かれてしまうぬくもりジャンルがある。獣毛や毛皮などの“フワフワ”である。いや、これは結構真面目に言っているつもりだ。という訳で、今回は最近気に入っているぬくもりジャンルであるフワフワのアイテムから、「ボルサリーノ（Borsalino）」のアルパカキャップを紹介したい。＊　＊　＊　ボルサリーノの誕生ははるか昔の1857年にさかのぼる。イタリアのアレッサンドリアに工房を設立したジュゼッペ・ボルサリーノがその後170年続く世界的なブランドをスタートさせる。1900年のジュゼッペの逝去後は息子のテレジオ・ボルサリーノが事業を継ぎ、同年にパリ万国博覧会でグランプリを受賞。ボルサリーノの名は同社の社名の枠を超え、帽子というアイテムの代名詞としてグローバルに認知されるようになった。　ボルサリーノと言えば中折れのフェルトハットこそが同社の代名詞。1900年代から多くのセレブリティを顧客に抱え、ジョニー・デップや麻生太郎などもボルサリーノのハットの愛用者としてよく知られている。一昔前には「ボルサリーノ」という単語がフェルトのつば広帽の一般的な総称として辞書に載ったほどで、まさに帽子の王様、同社の誇る王道と言っていいだろう。　今回紹介するベースボールキャップも、「最高の材料と、最高の技術で仕上げた優れた品を、最高の状態で売る」というボルサリーノの理念を体現した逸品と言える。帽子に用いられる生地では珍しい、毛足の長く贅沢で希少なアルパカ素材が全体にあしらわれている。裏地には王道のハットでも使われるアセテート×レーヨンの光沢感がある素材が用いられ、一般的なキャップとは一線を画す高級感がある。ディテールも見どころで、ハット同様に硬い芯地を用いたつばは絶妙な長さに設定されており、カジュアルにもシックにも振れるデザインだ。　個人的に最も感心したのは、天ボタンが省略されている点。これがあるのとないのとでは相当に見た目のスマートさが変わってくるのだが、アルパカ素材のほっこり感と少々短めに設定されたつばのカジュアル感を計算し、天ボタンを省略することで全体の印象を引き締め、ほっこりとシックの共存を実現する。一時は帽子着用者の激減の煽りを受け経営破綻した同社だが、経営を立て直し、新規顧客の開拓に成功した現代のボルサリーノが体現する、作り手の強い意図やぬくもりが感じられるB面的名作だと思う。　フワフワはシンプルに暖かくてほっこりするという物理的なぬくもりももちろんあるのだが、獣毛や毛皮といった、いわゆるフワフワは希少で採取できる数が少なかったり、体の大きくない動物の毛皮や毛となると何枚もの生地を継ぎ接ぎしたり、毛並みの向きを調整したり、柄を合わせたりと作り手の手間が非常に多く、扱いも難しいため、高度な加工の技術を要する。そういった作り手の手間暇が見える逸品がフワフワアイテムには多いし、職人が手作りしているという温かみがあり、人件費を考えれば値段以上に価値があるものも多い。素材の特性だけではない、作り手のぬくもりが特に感じられる素材でもあるのだ。　様々な部分で作り手や素材、ストーリー性などから感じ取るぬくもりがどんどん乏しくなる現代で、自らそういったものを求めて手に取るものを意識するという事は、とても人間らしく、意味のある営みだと僕は思う。夏もそろそろ終わり、人肌が恋しい季節もすぐにやってくる。この冬は皆様も自分の体のみならず、心も温めてくれるぬくもりを求めて、フワフワを手にしてみるのはいかがだろうか。＊　＊　＊　ちなみにこのボルサリーノのキャップは定期的に通う古着屋の入荷で手に入れたもの。ヴィンテージにハマりだしたころから店員さんにも良くしてもらっている店でもあり、まとまった入荷があれば名古屋からでも可能な限り足を運ぶようにしているお世話になっている店だ。開店の2時間前くらいから並びだし、入店と同時に「インスタに上がっていたフワフワの帽子ってまだありますか？」と尋ねる。はいはい、と店員さんが店内から探し出してくれた帽子を見ると、かなり作りもよさそうな質感。入荷情報ではブランドや詳細などは全く不明だった帽子だが、ふとタグを見ると“Borsalino Made in Italy”の文字。前情報なしに直観でボルサリーノ製の帽子を手に取るようになったとは。しかも王道を大きく外したキャップ。自分も隠れたB面的な名品を見極める選球眼が育ってきたことを勝手に実感していると「sushiさんは多分これ目当てだろうなーと思ってました。前からこういうの好きですもんね」と店員さん。別に成長とかはなく、単に見た目が好みなだけだったようだが、自分の好みを把握してくれているお店との関係性にぬくもりを感じつつ、フワフワの帽子を決済するのであった。ちなみにこの日は35℃の猛暑日、ぬくもりなどと言っている場合ではない天気であった。＞＞次回は10月31日（火）に公開予定

“フワフワ”に惹かれた「ボルサリーノ」のアルパカキャップ【連載：sushiのB面コラム】

　夏である！　フェスのシーズンである！　音楽コンサートのイベントでもマスクの着用制限が解除になったり、声出しでのコールアンドレスポンスが解禁になったりと、2019年以前の本来の様相を取り戻してきており、喜ばしい限りである。今年は僕も5月末に横浜赤レンガ倉庫で開催された「グリーンルームフェスティバル2023」に友人と久しぶりに参加した。　実は（？）僕はフェスにはまだ疎く、過去に参加したことがあるのは上記のグリーンルームを除くと2回のみ。うち野外ステージを含むフェスは2019年の「サマーソニック」のみでこれが人生初めてのフェスだった。以降はコロナもあり機会に恵まれなかった。この年のサマソニは個人的に見ごたえがかなりあった年で、僕が参加した東京初日は日本人初のヘッドライナーを務めたB’zやYUKI、The Birthdayなどの大物日本人アーティストはもちろん、海外からもTwo Door Cinema ClubやFall Out Boy、後に2021年のヘッドライナーに抜擢されるThe1975などが出演し、タイムテーブルのやりくりに苦慮した記憶がある。その中でも特に僕が楽しみにしていたのがWeezerだった。メインであるマリンステージに16時30分ごろに壇上に現れた彼らは、人気曲を中心にカバー曲なども含む抜け目ない十数曲目を披露し、ZOZOマリンスタジアムを熱狂に陥れた。力強いバンドサウンドとシンプルなステージパフォーマンスは直後にステージに上がるThe1975の照明やスクリーンを駆使する圧倒的な視覚表現とは対照的で、ベテランバンドの貫録を感じる演奏だった。＊　＊　＊　さて、洋服のコラムながらいきなり話が脱線したが、フェスの楽しみは音楽そのものに加え、もちろんどんな格好で行くか、というところもあるだろう。という訳で、今年のグリーンルームに着ていくために購入した目が覚める黄色の1970年代のヴィンテージリーバイス（Levi’s）の609を紹介したい。　リーバイスの609は前太ももにあしらわれた大きなポケットとコーデュロイ生地が特徴的なブッシュパンツと呼ばれるデザインカテゴリーのパンツ。ブッシュパンツとはワークウェアの一種で、藪（bush）の中をかき分けていく際に枝木に引っかからないように、ポケットがサイドではなく前面に施され、生地には丈夫なデニムやコーデュロイが用いられている。　僕が購入したリーバイス609の最大の特徴が、チカチカするほどのイエローカラーと強烈なベルボトムのシルエット。とにかく意匠のパワーが半端ではない。誇張されたシルエットにこれでもかという主張のカラーリング、立体感のあるコーデュロイ生地に大振りなポケットのアクセント、時代を感じるローライズ……まさに“全部乗せ”のデザインなのだが、不思議と全体のバランスはよく、これだけの濃い味付けながらアグリーな印象に留まらないのがこのモデルの魅力。同社のフレアパンツといえば684か646、もしくは517といったデニムパンツが王道と言えるだろうが、生地、色、ディテールなどシルエット以外のすべての要素で王道をはみ出し切った、球数の少ないモデルでありながら見ているだけでヒリヒリしてくるギリギリのデザインバランスの名作だと思う。正直、手持ちの服でこの一本に合わせることができるアイテムは想像がつかなかったし、サイズ感もギリギリ。だが、このパンツを履きこなせれば洒落者が集まるフェス会場でも多少は格好が付くのではと思い、思い切ってチェコの古着屋からオンラインで購入した。久々にかなりチャレンジングな購買であった。＊　＊　＊　僕は過去に参加したフェスで、ファッションで失敗した苦い思い出がある。先述のサマソニに初めて参加した際、あまり考えずに適当なTシャツで出向き、「まあ物販で何か買えばいいか」程度の心持ちで臨んだところ、到着した頃には物販は既に長蛇の列。マイサイズのTシャツはすべて売り切れ、結果として残っていたXXXLのサイズを購入し着用した。今となってはいい思い出だが、ハーフパンツをすべて覆い隠し、さながら彼氏の大きいTシャツを借りた彼女のようなかわいらしい格好になってしまい、フェスの醍醐味の一つを棒に振ったのだった。　そんな格好で先述のWeezerのステージを楽しんだのだが、印象的だったのが同バンドのギタリスト、ブライアン・ベルの衣装だった。同氏はこの日、2019年春夏でヴェルナー・パントンとコラボした「ドリス ヴァン ノッテン（DRIES VAN NOTEN）」のイエロー×オレンジのジャケットにコーデュロイパンツという出で立ちで、“The Sass Master（セクシーの達人）”などと称されるにふさわしいお洒落さに目を奪われた。僕は基本的にモノトーンやアースカラーの服を着用することが多く、差し色によく使うのが発色のいい黄色とオレンジ。オレンジはエルメスがとても好きだという事もあるが、黄色に関してはこの日のブライアンの衣装からの影響が多大にある。そんな思い出深い日のブライアンのファッションを引用し、久々のフェスではお洒落に決めてやろうと意気込んでこのイエロー×コーデュロイのリーバイスを購入したのであった。＊　＊　＊　5月に開催されたグリーンルームも幸いに天気に恵まれ盛況に終わった。もちろん僕は購入したリーバイスを着て参加する気満々だったのだが、2日間の両日に参加予定だったため初日は過ごしやすい格好で様子見をし、2日目にリーバイスを履いて臨むつもりだった。しかし当日は5月にも関わらず30℃を超す暑さで、まさにFeel Like Summer。Beach Boysが集まる横浜の海に晴天のMr. Blue Sky、フェスとしてはまさにPerfect Situationであることに間違いはなかったが、一日を太陽の下で過ごすにはコーデュロイの総丈パンツは暑すぎた。お洒落は我慢、とは言っていられない暑さに結局踏ん切り付かず、2日連続で短パンで参加をするという不甲斐ない判断を下す結果に終わった。　後日、Weezerがフジロックのスペシャルアクトとして単独公演を行うことが発表され、グリーンルームに一緒に参加した友人と意気揚々チケットを申し込んだのだが、ブライアンにリスペクトを示せなかったことが響いたのか、敢え無く落選。Go Awayと言われている気がした。＞＞次回は9月30日（土）に公開予定

意匠のパワーが半端ない、70年代のヴィンテージリーバイス「609」【連載：sushiのB面コラム】

日本未上陸、ショーフィールズの今　昨年、ニューヨークの「ショーフィールズ（SHOWFIELDS）」が双日と組み、日本に上陸することが発表された。しかし諸事情で延期状態となっているようだ。　ショーフィールズはニューヨークで2018年にオープンし、OMOやRaaSというキーワードに関連して注目された過去がある。日本にいるときに「未来の店舗」という触れ込みで名前を耳にしたことがあったが、実際に訪れたことはなかったのでNOHOにある店舗に足を運んでみた。　入り口は小さく、初見だとやや入りづらい雰囲気があった。また、女性がメインのターゲットのようでコスメやスキンケア、下着、ストッキング、ウェディングドレスなどの商品が並んでいた。　ショーフィールズではブランドが約半年の間、店舗内のスペースを借りることができる。オンライン専業のブランドがショールーム的に利用する場合もあれば、実際に商品を購入できる場合もあるようだ。　フロアごとにおおよそのテーマが決まっているものの、複数のブランドやアイテムが次々に並んでいて飽きない。しかし、半年ほど同じブランドと商品があることを考えると、一度来店したらしばらくは来ないという人が多いのかもしれない。また、土曜日の午後という混んでいそうな時間帯に訪れたものの、4層にわたる店舗には僕ともう一組しかおらず、やや寂しい印象があった。　テクノロジーについても期待していたが、各ブランドのブースにあるQRコードとエレベーター内のモニターくらいしか記憶に残るものはなかった。プラスポイントはフロアごとの作り込みが凝っていたり、店内に滑り台があっておもしろいという点くらいであった。ショーフィールズの現在の業績などはわからないが、正直活気があるようには見えなかった。　ショーフィールズの店舗向かい側には「キス（KITH）」があるのだが、長蛇の列ができており、非常に対照的な雰囲気だった。ストリート色がランウェイから消え始め、「シュプリーム（Supreme）」も売上が前年を下回ったというニュースもあるが、巷の需要はまだ続いているようだ。“リテール革命”はどこで起こっているのか　5〜6年ほど前にファッションEC大手のファーフェッチ（Farfetch）が店舗の「OS」を開発し、Store of the Future、すなわち“未来の店舗”がすぐそこまできているという記事を読み、リテールの進化に大きな期待を抱いた記憶がある。同じ時期にはAmazonから完全無人型店舗「Amazon Go」が登場し、ファッションではないものの実際に消費者が触れるテクノロジーがどんどん発展している気がした。　しかし今現在の肌感覚としては、思っていたほど大きな変化は訪れていない。未来の店舗のようなものを想像した時に過度なSFっぽいものを想像してしまっていたということもあるかもしれないが、「実店舗に行き、商品を手に取って会計をする」というシンプルで本質的な形は変わっていないのだ。冒頭で出てきたAmazonGoは現在、ニューヨークには8店舗ほどあるが、特にそのモデルがリテール全体に浸透したりスタンダードになったなどということはないだろう。　では、いわゆる“リテール革命”はどこで起こっているのか。僕は、消費者が直接目にしたり触れることのできるものよりも、店舗を支えるシステム周りやロジスティクス、オンラインで購入して店舗で受け取る「BOPIS（Buy Online Pick-up In Store、ネットで購入した商品を店頭で受け取る）」など、センセーショナルではない裏側の進化が着実に起こっていると考えている。その一例だと感じた「アイリーン・フィッシャー（Eileen Fisher）」の事例を紹介したい。アイリーン・フィッシャーに見る、テクノロジーとの上手な付き合い方　ニューヨークのファッションブランドであるアイリーン・フィッシャーは1984年に創業し、来年40周年を迎える。デザインはシンプルで、客層の中心は40代以降という、いわゆる「ミセスブランド」だった。近年では特にアップサイクルへの取り組みが支持を集め、20代の客層も拡大しているという。　気になり実際に店舗を訪問してみると、「テクノロジーによるリテール革命」みたいなセンセーショナルな進化よりも、消費者と店舗スタッフ双方の利便性がテクノロジーによって気持ちよく適度に向上していた。店舗には60代のスタッフもいたが、CRMツールの操作やBOPISへの対応などウェブストアとの連携もスムーズにこなしていた。むやみに新しいものを追求せず、消費者にもスタッフにもシンプルでちょうど良いサービスが印象だった。ひと昔前であればオンラインとの連携はアナログな作業もあってオペレーションが煩雑であったり、ユーザーとスタッフ双方に負担があったりしたと思う。このような進化がリテール体験や質の向上につながってくるのだろう。　一方で、近隣にある「ガニー（GANNI）」や「アクネ ストゥディオズ（Acne Studios）」といった“今っぽいブランド”の店舗を訪れると「リテールの未来」を実感する要素は少なく、シンプルに服を売っていた。テクノロジーといえば店内のモニターくらいで、顧客のやり取りも電話やテキストでのメッセージが主流。ガニーでは顧客情報をエクセルで管理し、それをCRMツールにコピー＆ペーストで一つずつ移す手間があるなど現場ならではのスタッフの苦労話を聞いた。アイリーンフィッシャーのスタッフの方がテクノロジーを使いこなしており、最先端というよりも最適な使い方をしているようであった。　本質的な業務や取引をスムーズにしていく、あるいはより多くの人がより多くのことができるようになるようなテクノロジーが僕は好きだ。特にリテールは数千年前から存在するシンプルな取引であり、それをさらにスムーズにしていくことに大きな意義と価値があると思う。それを無理せず必要な分だけ取り入れている業態やブランドは強い。意外とアナログなラグジュアリーブランド　一方でラグジュアリーに目をうつすと、リテールにおけるテクノロジーの活用について別の苦労があるかのように思える。　資金が豊富なラグジュアリーブランドは、顧客からは見えない裏側のテクノロジー導入や仕組みづくりが非常に進んでいる。しかしながら、顧客との実際のタッチポイントではテクノロジーの導入に苦労しているのではないかと思う。苦労というよりも、接客などのサービスにおける「人間の価値」が高まっている現状において、広告目的以外で人間を代用するテクノロジーを取り入れる必要性はむしろ低くなっていると感じる。付加価値が売りのラグジュアリーでは特にそうなのではないだろうか。最近では「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」の草間彌生ロボットが話題を集めたが、これも「広告代わりとなるテクノロジー」に過ぎない。ニューヨークにある各ブランドの旗艦店を見ても非常にシンプルなままだ。　「モノを店舗で売る」という点では、今までもこれからも違いは起きない。そしてしばらくは決済や物流、在庫管理などオペレーション面を中心にリテールの進化が続くと思う。新しい“リテールトレンド”が出てきても、「モノを売る」ということの一部を切り出して向上させたり最適化していくだけなのだろう。　店舗が進化し、最適化されていく過程で、ブランドやその店舗の目的と存在意義がより問われるようになるが、最新の決済システムを導入したり、ウェブで注文した商品を受け取ることが目的となっているブランドはないだろう。自らの店舗に必要な要素を見極めて無理をしない。そして必要なものであれば今までと全く違うものでも導入に踏みきる。このような素直で大胆な動きができるところは規模に関係なく強い気がする。　本記事を書いていく中で、僕が感じていた急激な進化への過度な期待や不安は昔と比べてもうあまりないと気付いた。そしてリテール体験が様々なブランドによってより良くなっているんだなという安堵感が大きい。

Lifestyle

「ショーフィールズ」から考察するリテールの現在地【連載：NYコラム】

　6月に入り梅雨らしい天気が増える。名古屋の梅雨は湿気がすさまじい。すでに服なぞ着てはいられない程度にべたつく日も多く、いつも暑さに耐えられるギリギリまで長袖のメリノセーターで過ごす僕もさすがに衣替えを余儀なくされそうである。　前々回のコラムで書いた通り、僕は夏のアンチなのだが、この時期の記事は少しでも気を抜くと恨み節のような内容になってしまいがちなので、今回はこれからの季節に活躍するヴィンテージTシャツの楽しい話をしよう。　ヴィンテージTシャツの世界は宇宙よりも広い。Tシャツという洋服の中でも最も基本的な形をフォーマットに、数え切れないほどのデザインが存在する。カテゴリーも多岐にわたり、おそらくその世界の全貌を完全に解き明かすことは不可能ではないかとすら思う。　20世紀の初頭頃はいわゆるアンダーウェアとして認知されていたTシャツは、年代を追うにつれカジュアルウェアとして発展し、1940年代以降はカレッジTシャツやバンドTシャツなど、様々なカルチャーに紐づいたジャンルへと枝分かれしていく。ニッチなものを含めればジャンルは数え切れず、僕の知人ではご当地の銭湯オリジナルTシャツやどこかの学生が作ったクラスTシャツを収集する物好きや、最早ジャンルや新古を問わず市場にあふれる面白おかしいTシャツを憑りつかれたように日々買い続ける狂人もいる。この楽しみの幅広さがヴィンテージTシャツの面白いところだ。そんなヴィンテージTシャツはここ1、2年で急激な相場の高騰が目立ち、アートTシャツや映画Tシャツ、アニメTシャツなど、これまでにまだ掘り起こされていなかった新たなジャンルの開拓も進んでいる。　とはいえ、一般的なヴィンテージ古着の面白さといえば、やはり希少性の高いレアな個体に資産価値を見出したり、時とともに失われた古い時代特有のディテールに対するロマン、大量生産が当たり前になった現代にはない品質の高さなどにあるだろう。アメリカ製であったり、シングルステッチで作られていたり、胴体部が筒状の1枚の生地からできている丸胴のタイプがあったりなど、個体特有の魅力も様々だ。　だが、個人的にヴィンテージTシャツの醍醐味はやはりグラフィックのデザインにあると思う。当時のカルチャーを象徴するような写真や、有名バンドの伝説的なアルバムのジャケット、芸術家のアートプリントなど、様々なデザインの中から珠玉の一枚を探す。希少性にこだわるのももちろん一興だが、その中でも僕が好きなのは「自分の感性だけにぴったりハマる一着」を探すことだ。自分のルーツになったカルチャーや追っかけをしていたアーティスト、小さいころによく見ていたアニメ、なぜか感性をくすぐられる配色……もともとTシャツ自体にはそこまで傾倒してこなかった自分にも、これまでにいくつか「これは僕が買わなかったら誰が買うんだ！」というような出会いがあった。その中から今回は90年代のタコベルTシャツを紹介したい。＊　＊　＊　まず前置きをしておくと、このTシャツは特にレアとか価格が高騰しているとかではない、いわゆるグッドレギュラー的なものになると思う。ジャンルとしては企業Tシャツに含まれ、アメリカのメキシカンファストフードチェーン「タコベル」のマスコットキャラクターである「ギジェット」というチワワのグラフィックをプリントしたものだ。　1960年代にカルフォルニアに1号店を開業したタコベルは、90年代に入るとこのギジェットを公式マスコットキャラクターとしてテレビCMなどに起用し、大きな反響を呼んだ。Tシャツやぬいぐるみのほかにいくつか公式のファングッズなんかも制作され、ギジェットの登用はファストフードチェーンとしてのタコベル自体の知名度アップに加えて、メキシコ原産の犬種であるチワワの世界的な認知にも大きく寄与したらしい。このTシャツもまた、過去にタコベルがオフィシャルで制作したグッズの一つという訳だ。　このTシャツの超個人的な魅力は2点ある。僕が大好きなタコベルの企業Tシャツであるという点と、犬のグラフィックが用いられている点だ。　実をいうと（というほどの情報ではないが）、僕は世界中のファストフードチェーンの中でタコベルが一番好きだ。これは以前から公言しており、初めて口にしたのは17歳の時。高校2年生の夏からアメリカの高校に留学していた時期があったのだが、渡米後間もない時期にホームステイ先の両親が家を空ける日があり、ホストブラザーが「今日の夜は日本にないアメリカのファストフードでパーティしようぜ」と連れ出してくれた。家から徒歩圏内のファストフード店をいくつか回り、ジャンクフードを買い込んで家のベースメントで「ハンガー・ゲーム」の映画を一緒に見ながらたらふく食べた。英語もつたなかったので映画自体は大して理解もできなかったが、新しい環境で不安だろうとホストブラザーが気にかけてくれたのが嬉しかった。インアンドアウトバーガー（In-N-Out）のハンバーガーやチックフィレイ（Chick-fil-A）のはちみつをかけるフライドチキン、ソニック（Sonic）のハッシュブラウンなど色々あったが、当時メキシカン（とはいえタコベル自体は本場メキシカンの味とはまた異なるのだが）に馴染みがなかった僕にはタコベルが衝撃的で、一瞬に虜になった。タコベル愛は語っても語りきれないが、自分にとってとにかく思い出深いアメリカの味なのだ。　そして極めつけなのが犬のプリントである。僕のTwitterを見てくれている人は知っていると思うが、僕は洋服オタクであると同時に、強烈な犬オタクでもある。物心ついた頃から飼い犬と育ち、共働きの両親だったため幼少期は親よりも犬と過ごした時間が多かった。犬種関係なく、犬にそそぐ愛情は正直異常だと周りの人にも思われているだろう。将来は自分でも犬を飼うのが夢だし、飼い犬の為に死ぬ必要があったら多分死ねる気がする。今は飼っていないが、いつ犬を拾うかわからないのでペット可の物件に住んでいるし、もし洋服と犬のどちらかを選べと言われれば、ギリギリで犬が勝つ可能性すらある。一人暮らしではなかなか飼うのにハードルがあるので今は様々な犬グッズを収集することを趣味の一つとしているのだが、このTシャツもまさにその延長なのだ。そういう意味で、このTシャツは思い出のタコベルの企業モノ＆犬のプリントという二大要素を備えており、まさに自分よりハマる人間がいるとは思えなかった一着。原宿のTシャツに強い古着屋「What‘s Up」で購入したものだが、ラックを眺めていてこれを発見したときは同行者に苦笑いされるくらい「ウォッ」と大きな声が出てしまった。　かなり前のめりに好きなものの話を2つもしてしまったため長くなってしまったが、ファッション的な話をすると、正直なところヴィンテージTシャツを日々のスタイリングに取り入れることはほとんど無く、このTシャツを着るタイミングは何もない休日にコンビニへ行くときくらいである。それでもこのTシャツは見つけた瞬間に自分が買わなくてはならないと強く思った一着だった。＊　＊　＊　思えば、所有する他の洋服たちを見ても、こういった自分の感性だけに強く響くものはいつまでも手元に残り続け、どんどん思い入れも強くなる。それらはまさに「本当にいい買い物」だったと言える。こういうモノとの出会いは気持ちを豊かにしてくれるし、時に自分のスタイルの軸を補強してくれる。自分の感性にぴったりとフィットするモノとの出会いは少ないが、できれば自分の生活を取り巻くモノは今後長い時間をかけてでも「本当にいい買い物」ができたと思えるモノだけで構成できるようになりたいと心から思う。　別に誰も好きじゃない、でも自分だけが好きなモノ。それはとても尊い。そういう意味でもヴィンテージTシャツ、特にグラフィックものは所有者の趣味趣向をわかりやすく反映してくれるし、それを着ていれば名刺代わりにもなる便利なジャンルだ。この夏は読者の皆さんも他人の価値観に揺さぶられることのない、自分だけのこだわりのTシャツを探してみてはいかがだろうか。＞＞次回は7月31日（月）に公開予定

「タコベル」チワワのプリント付きヴィンテージTシャツ【連載：sushiのB面コラム】

　ゴールデンウィーク、皆さんはいかがお過ごしだっただろうか。僕はたまたま、旅行の予定が3つ重なり、名古屋拠点に北海道、福岡、東京をそれぞれ中一日で回る強行スケジュールになってしまい、疲れを引きずり今も抜け殻のようになっている。私事だが5月から部署に配属された新入社員の教育係となったため、五月病になっている場合ではないのだが、初々しい新人を眺めていると、僕が新入社員だった当時のことを思い出したりと、なんだか懐かしくもなってくる。　当時の上司からの教えで印象深かったものがある。それは「社内は別だが、社外のお客さんからすれば新人であるかどうかなんて関係ない。できるだけ早く社内外から舐められないような風貌を身に付けろ」というものだった。確かにわからない事がほとんどなので、多少のミスが許されたり、関係者から認識してもらいやすかったりと、新人というステータスが有用に働く部分が大いにあるものの、いつまでたってもそれでいいわけではもちろんなく、いずれは一人前のプロとして仕事を回せるようにならないといけない。そういう意味で「安心して仕事を任せられるような外見を磨く」というのは理にかなった話だと納得した当時の自分が手練れたサラリーマンになるために購入したのが「オリバーピープルズ（Oliver Peoples）」の眼鏡。今回はそんな思い出の一本を紹介したい。＊　＊　＊　オリバーピープルズは1986年にロサンゼルスで創業したアイウェアブランド。アイウェアブティックの設立を夢見た3人の若手経営者がニューヨークの骨董品業者から入手したヴィンテージフレームと出会ったことから始まった、数あるアイウェアブランドでも高い知名度を誇る世界的なブランドだ。1920～80年代のヴィンテージフレームから着想を得たコレクションがブランドの代名詞として知られる。ブランディングのコントロールにも強いこだわりがあり、国内でも厳選された権威ある代理店のみに卸している。　アンディ・ウォーホルやジョニー・デップら数多くのセレブリティが愛用した「SHELDRAKE」シリーズや、1960年代の映画「アラバマ物語」でアティカス・フィンチ演じる主人公であるグレゴリー・ベックが着用したフレームにインスパイアされた「Gregory Peck」シリーズが特に人気だが、僕が長い間気に入って愛用しているのは「RILEY」というモデル。先述のモデルと比べるとややマイナーだが、実はこのRILEYシリーズは過去に廃盤となったモデルで、近年に数量限定で復刻した本国では一部のブランドファンから高い支持を集めている。映画監督のスティーブン・スピルバーグや俳優のジャスティン・ティンバーレイクなども着用する隠れた名作だ。　形状はいわゆるボストンタイプになるが、同社のボストンタイプフレームのA面的存在であるGregory Peckシリーズに比べてセルはより華奢で、繊細で知的な印象を与える。デザインから余計な要素を限りなく省き、バランスの美しさで勝負するミニマムな佇まいは、まさに引き算の美。カジュアルからドレスまで、幅広いスタイルに寄り添ってくれるデイリーな一本に持ってこいのモデルである。　もちろんビジネススタイルとの相性も抜群で、スーツにこの眼鏡をかければこの僕でもたちまち頭の冴えた提案ができる敏腕ビジネスマン……と言うには本人の素材に無理があるものの、下っ端の雑魚の自分の格好に多少の知的な印象に変えつつ、メタルフレームほど堅苦しさはない柔和で落ち着いた顔つきにしてくれる雰囲気がある。ボストンフレームの丸みがかった柔らかさと繊細なフレームの細さの調和は、一見するとオーソドックスなデザインながらも、他の同タイプのフレームにはない唯一無二の絶妙なバランスだと思う。　RILEY自体の魅力とは全く関係ないものの、個人的にこの眼鏡に思い入れがある理由が、なぜか何度なくしても不思議と自分のもとへ帰ってきてくれるところ。僕は本当にガサツなので失くし物は日常茶飯事なのだが、外したタイミングでどこかに置いてきてしまっても、道中に落としてきてしまっても、ひょっこり出てきてはかれこれ6年間にわたり自分の手元に残り続けてくれている。先日も宴席で頑張りすぎて泥酔してしまいスーツのジャケットと眼鏡のほか諸々を紛失したのだが、この眼鏡だけは発見することができた。普通はジャケットの方が失くすハズがないと思うのだが……。ここ数年はファッションアイテムとしてアイウェアに凝りだし十数本の眼鏡を使いまわすようになったため出番も減ってはいるが、今でも大事な商談やフォーマルにドレスアップするときは迷いなく手が伸びる安心感のある相棒だ。＊　＊　＊　僕も社会人歴6年目に突入し、職場でもだんだんと中堅社員として取り扱われるようになったのだが、自分が新人の時に教育係として上についてくれた先輩も当時6年目であった。その先輩はとても仕事ができる人で、社内外からも信頼を集める優秀なビジネスマンだった。今の自分と当時の先輩を比べると到底追いつけている気はしないが、少なくとも振舞いや風貌だけは先輩のようになっていないと新人に示しがつかないので、ここ数日はこちらも身が引き締まる思いで仕事をしている。もちろん、本質は新人が僕の背中を見ながら一日も早くひとり立ちできるように努めることだが、ある意味で部下ができるというのは、これまでの誰かの下で働く立場から、部下をマネジメントしつつ仕事を進める立場になった自分にとっても、改めて仕事のやり方を見つめ直し、社会人として一皮剥ける丁度いい機会なのかもしれない。そういう意味で最近は新人だった頃を思い出しつつ、相棒のオリバーピープルズとともに新たな気持ちで仕事をしている。　ところで、冒頭の「社内外から舐められないような風貌を身に付ける」という当時の上司の教えだが、この6年間で自分の風貌がどうなったかというと、すっかりスーツは着なくなり基本はほとんど私服に近い状態、髪型はロン毛のパーマという一般的なサラリーマンの風貌とはかけ離れた結果になってしまっている。新人がこれを見てどう思うか正直わからないのだが、こういう見た目は望ましくないという反面教師として使ってもらえればまだ救われるなと思う。＞＞次回は6月30日（金）に公開予定

新社会人時代のマスト装備　オリバーピープルズの「RILEY」【連載：sushiのB面コラム】

　連載を一回分休んでいる間にすっかり春めいた気候になった。前回の記事では分厚いウールブランケット生地で作られるオルテガのフリンジケープを紹介するような季節だったのに、この記事の初稿を書いている4月半ば時点の今日、僕の住む名古屋の最高気温は28度だった。毎回記事で取り上げるアイテムを決める際には連載の担当者といくつか候補のネタ出しをするのだが、何も考えずにカシミヤのアイテムを候補にあげてしまい「時期がずれている」と指摘を受けた。　僕は春夏派か秋冬派かと聞かれれば圧倒的に秋冬派である。冬が好きというよりは、暑い季節が苦手で、汗をかくのが嫌いだったり、日焼けが苦手だったり、ケチを付ければ色々あるのだが、一番の理由としては「暑いと着る服がない」からだ。少々雑な言い方になってしまったが、暑さは服を脱いで緩和するにも限界があるし、汗をかけば洋服が汚れたり劣化したりする。そうなってくるとおのずと身につけるものは自然と、洗濯がしやすく、扱いが楽で動きやすい物になってくるし、気付くと毎日Tシャツに短パンのような捻りのない格好になっている。その遊びの幅の無さがあまり好きではなかった。　とは言いながらも、東アジアにある日本の気候は一年の半分近くが半袖で過ごせるような気温であり、春と秋という中間的な季節の時期はどんどん影薄くなっている。そんなこの国で生きていながらに、ただただ春夏のファッションをあきらめるということは、すなわち一年のうち半分もの期間を好きでもない中途半端な格好で過ごさないといけないということになる。もちろんのこと、自分を含め多くの洋服好きはそんなことには耐えられないので、いかにしてこれからの季節のファッションを楽しむのかという術を持っておくべきである。その中で、僕が春夏のファッションの中で一つの楽しみにしているのが「アクセサリーに凝ること」なのだが、今回は自分が直近で買い足したアクセサリーの中から「トゥアレグ（Tuareg）」のタッセルネックレスを紹介したい。＊　＊　＊　トゥアレグ族のアクセサリー自体については最早この場で特別な説明が必要ない程度には認知を得ているものと思うが、トゥアレグ族はアフリカ大陸のサハラ砂漠で生活をする遊牧民族で、藍染めの衣装を纏っていることから「青の民族」としても知られる。手掘りの銀装飾を伝統工芸として伝承して繁栄したトゥアレグの民が作るジュエリーは、一つとして同じものは存在しない表情の豊かさが魅力で、王道どころで言えばバングルやリング等のアイテムが人気だ。1997年には泣く子も黙るビッグメゾンである「エルメス（HERMÈS）」が大々的にアフリカンカルチャーをフィーチャーしたコレクションを発表。トゥアレグ族とコラボしたアイテムは今でもヴィンテージエルメスのコレクターの間で支持され続けている。他にもデザインのバリエーションが豊富なペンダントチャームなどの流通が多いが、今回紹介するタッセルネックレスは市場での流通量も多くない、隠れた逸品だ。　このタッセルネックレスの最大の魅力は、その意匠のインパクトの強さである。トゥアレグのアクセサリーはその美しい彫りによって見た目の華やかさが演出されているものの、ペンダントトップやリング、バングルなどに関してはどちらかと言えば小ぶりで華奢な躯体に装飾が施されているものが多く、繊細に手元や首元を彩ってくれるものが主流である。一方でこのタッセルネックレスは、装飾が施された特大のシルバービーズが三連でコンビネーションになっており、それをサブラシルクと呼ばれるリュウゼツランの繊維から作られるベジタブルシルクの糸で編まれた極太のロープでつなぎ合わせたボリューミーなデザイン。個人的に「シルバーアクセサリーはでかければでかいほどかっこいい」と思っている自分にとって、王道のトゥアレグジュエリーとは一線を画した“ブリンブリン”なカッコよさがある。全体的に彫られた文様は本来の繊細さを感じられるそれらしさもあり、アイテム自体のインパクトと装飾の美しさがうまく調和したモダンなジュエリーだ。　そのインパクトの強さとは裏腹に、このネックレスのもう一つの魅力は、その実用性の高さにある。　僕は個人的にジュエリーを付けるときには両腕にブレスレットを巻いたり、リングも基本的には複数の指に、時にはネックレスを重ね付けしたりと、かなり主張強めにスタイリングに取り入れるのを好む。そういった使い方が前提となる中で、ジュエリーを選ぶときに最も重要視しているのが、単体でパワーがありつつも他のジュエリーと調和がとれるデザインか、という点だ。　シンプルにパワーのあるアイテムというのは、スタイリング上でそれ単体での味がかなり濃く出てしまい、その一点に頼り切ったスタイリングになってしまうことなどが多い。そのため、他の手持ちのジュエリーとの重ね付けや洋服との調和を前提としながらも、なるべくパンチの効いたものとなると「これだ」と思える一点に出会える確率は相当に低い。が、このタッセルネックレスの強いインパクトとモダンな繊細さの調和は他にはない優れたバランスで、それ単体でも映えるだけでなく、僕が愛用するヴィンテージのメキシカンシルバーやエルメスのジュエリー、インディアンジュエリーなどとも仲良くできる超優等生でもあるのだ。　バックグラウンドの異なるジュエリーはデザイン手法や制作方法が大きく異なるため、異なる複数のジャンルのものを合わせるというのはかなり難しいと思うのだが、例えばモダンで美しいエルメスのジュエリーと、武骨なインディアンジュエリーを合わせるときの懸け橋として、このモダンな美しさと民族的な文脈のパワーを併せ持つタッセルネックレスを取り入れてみたり、そういったスタイリングに幅を持たせてくれる実用性も非常に魅力的なのだ。スタイリング上の文脈やテイストを統一するというのもまとまりがあってよいものだが、異なる2つのテイストをうまく調和させることができると、一気にスタイリングの幅が広がり、これまでと違った方向性のファッションに挑戦できるようになったりする。そういった自分のファッションの新しい引き出しを開ける手助けもしてくれる、僕にとってこのタッセルネックレスはそんな心強いアイテムでもあるのだ。＊　＊　＊　こういったネックレスやブレスレットなどのジュエリーやアクセサリーが最も魅力を発揮するのは、洋服の布面積が小さくなり、スタイリングの構成要素がシンプルになりがちな春夏の時期であると思うし、そういうアイテムをワードローブに増やすのに持って来いの季節だと思う。秋冬は秋冬で重ね着をしたり、帽子や手袋、ブーツなどを組み合わせて複雑なスタイリングを組む楽しさがあるが、アウターやニット類などの厚手なトップス、レザー製品など冬物は基本的に値段が張るので小物類にまで予算を割くことができなかったりもする。だからこそ春夏にこそ小物類に投資をし、自らのワードローブの完成度の底上げを狙う、そういった春夏の楽しみ方をしている。別にジュエリーにこだわらなくとも、例えばアイウェアや通年使えるボトムス類など、そういった夏冬問わず通年使える小物のバリエーションを増やしながらスタイリングの広がりを楽しみつつ、蓄えた小物類で秋冬のファッションをさらに楽しむ。そういった前向きなテーマ設定で春夏ファッションのマンネリ化からの脱却を目指す、というのはいかがだろうか？と春夏のファッションに悩む読者の方がいれば提案したい。

エルメスも認める「トゥアレグ」　レアなタッセルネックレス【連載：sushiのB面コラム】

　ファッションスクールやデザインスクールは世界各国にあり、日本では文化服装学院、ヨーロッパではアントワープやセントラル・セント・マーチンズが有名だろう。　アメリカではパーソンズの他にも、州立のファッション工科大学（FIT）、日本では知名度がやや低いエル・アイ・エム カレッジ（LIM College）やプラット・インスティテュート（Pratt Institute）などもある。FITはその名の通り、より技術面でのフォーカスが強く、パーソンズの方がコンセプトづくりや学際的な研究が盛んというのが一般的なイメージだと思う。とはいえ、パーソンズはトム・フォードやマーク・ジェイコブス、FITはカルバン・クラインやマイケル・コースなどいずれも米国を代表するデザイナーを多数輩出しており、甲乙はつけがたい。　そこで、今回は僕が所属しているパーソンズの大学院事情や大学院でファッションビジネスを学ぶことのメリットや、キャリア形成における難しさについても書いてみたい。＊　＊　＊　パーソンズの大学院にはファッションのみならず、建築や写真、インテリアデザインなど約20の様々なコースがある。中でも有名なのは、いくつかある芸術修士（Master of Fine Arts、MFA）コースの一つであるファッションデザイン＆ソサエティ（MFA）かもしれない。　パーソンズMFA出身の日本人は「コウザブロウ（KOZABURO）」の赤坂公三郎さんや、2021年に開催された東京パラリンピック開会式の衣装を手掛けた小西翔さん、「レシス（LES SIX）」の川西遼平さんなどがおり、デザイナーやアーティストであれば良い登竜門になっている印象がある。また、ファーストリテイリング財団の提供により学費が全額無料になる奨学金も、こちらのコースに進学する方の獲得確率が高いように感じる。約10年前、僕が大学時代に参加した講演会で山本耀司さんが「これからはほとんどのものがすでに試され、“ないもの”がないという時代になる。付加価値という無形の価値を争う時代においてはMBAよりもMFAの方が役に立つ」と豪語していたが、今になってこの発言がよりリアルにわかってきた気がする。 　パーソンズの大学院はMFAのような王道のプログラムの他に、学際的なプログラムがあるのも一つの魅力だ。たとえば、Strategic Design Management（SDM）という修士プログラムは主にデザインバックグラウンドのある学生向けだが、デザインに特化したものではなく、デザイナーやデザインの良さをいかに引き出し、ビジネスや社会で活用していくかに力点が置かれている。従来は戦略コンサルティングのサービスを強みとしていたボストン・コンサルティング・グループやマッキンゼーもデザイン領域における人材の採用を強化しているようだ。企業からの需要増加や注目度の向上を背景にデザインとビジネスを掛け合わせた学位が人気になるのも理解できる。　僕が留学しているプログラムは「MPS Fashion Management」という修士課程のコースだ。「MPS」は聞き慣れない方も多いと思うが、「Master of Professional Studies（専門職修士）」の略で、ある職域に特化した修士、というような意味合いだ。ファッション経営専門の修士プログラムというと分かりやすいかもしれない。　普段は1クラス15人ほどのメンバーで各授業をセミナー形式で受けている。感覚値では20代半ばが多く、その多くが女性で、ほとんどクラスで男性は僕一人だ。4割程度が外国籍で出身は中国が最も多く、インドと合わせると半分を超える。その他はヨーロッパやアジア、南米など様々な地域出身の学生がいる。　授業の頻度は多くないものの、1コマ3時間弱のため一般的な大学の授業の2コマ分くらいのボリュームだ。詳しいカリキュラムについては割愛するが、ファッション業界において経営を担っていく上で重要なトピックがカバーされ、最終学期には各人がテーマを設定して論文をまとめることになる。また、課外プロジェクトでは文化服装学院との共同プロジェクトに参加している有志もいる。＊　＊　＊　現在春学期が始まったばかりだが、1年制のプログラムであるがゆえにもう今夏には卒業が待ち受けている。パーソンズに限らず、FITも文化服装学院もそうだが、これらは「広義のデザイン教育を行っている学校」として認知されているため、卒業後はデザイン関連の仕事に就くという流れがわかりやすい。しかし、ファッションの中でもビジネス側に行こうと思うと話がややこしくなる。大手企業だと、デザインをはじめとしたクリエイティブ関連と、ビジネス側の募集は異なっていることが多い。求められる能力がそもそも異なるからだ。　卒業後の進路は様々だが、パーソンズ修士全体では8割程度が卒業後1年以内に就職をしているようで、残りの2割の進路は他大学院進学など。これらはあくまで「デザインスクール」や「アートスクール」での学びを評価された就職であったり、芸術分野研究を深めるための道に進んでおり、経営サイドのポジションは狭き門だと言える。　修士の中ではマネジメントというとMBAが一般的だ。採用に際してもMBA向けのインターンや採用のみ実施している場合が多い。僕自身も採用側にたった場合は、あえて伝統的なデザインスクール出身者から経営向けの人材を採ろうと思わないだろう。デザインスクールとしての強いイメージに加え、新しいプログラムであるが故の知名度の低さがネックになっている部分もある。そのため、パーソンズMPSの学生でも就職活動に際しては、学部向けのインターンに応募するしかなかったり、MBA向けなど制約のあるインターンは受けられなかったりする。学校としては米国のファッション業界との強いコネクションがあり、卒業生も活躍しているが、それはあくまでデザイン方面に限った話なのだ。　しかし今後、プログラム卒業生がファッション関連ビジネスで活躍するケースが増えればこの流れも変わってくるはずだ。時間は少しかかるものの、それは数年単位のみだと僕は思っている。鍵となるのがパーソンズのリソースの活用、そして学生の量・質の向上の維持だ。　リソースの面では、前段でも触れているデザイン分野のコネクションをMPSでも活かしていくことが重要だと言える。たとえば、Luxury Education Foundation（LEF）という業界団体は、主要ラグジュアリーブランドに加えてコロンビア大学やパーソンズが主体となってファッション業界の人材育成のために活動をしているが、パーソンズの関与はデザイン関連学科に限定されている。このようなコネクションをMPSにもつなげていく地道な作業が必要だと僕は思う。　先日、LEFがスポンサーをしているリテール関連のカンファレンスがコロンビア大学にて開催されたので僕も参加した。その際に開催側のメンバーと話をしたものの、MPSについてはそもそも認知されていなかった。MPSとLEFの交流がもっと深ければ、セッションをパーソンズでも開催するなどアイデアはいくらでもあるだろう。僕が在学中にできることは限られるが、MPSにもファッション業界にとっても少しでもメリットが増えるような提案などもしていければと思う。　また、現在のMPSの教員リソースも学生個々人がさらに活用する必要がある。専門職修士プログラムであるため、教員はほぼ実務家だ。つまり、研究は行っておらず、ファッション業界での別の仕事をもちながらパートタイムで教鞭をとっている。たとえば僕が今期履修している授業の担当教員は、投資ファンドの経営をしていたりする。事前にプロフィールがわかるので自分の関心のある分野に強い教員を選ぶと良い経験ができると思う。僕の周りにもファッションとファイナンスの両分野に興味のある学生がいるので、テーマを絞った少人数のセッションの開催しようと計画している。　MPSに入学する学生に関しては、MBA取得者やデザイナーとして豊富な経験がある人も以前に比べ増えているようだ。これは、ファッション業界経験の有無に関わらず新しいスキルやコネクションを手に入れ、ファッション業界で活躍したいと考える潜在的な層に対して選択肢を提供できている、ということの裏付けとも言えるだろう。先日パーソンズのストライキと懐事情についての記事にも書いたが、財政のためにもプログラムを拡大させる必要があり、今後は学校側もMPSの認知向上にも力をいれていくと思う。＊　＊　＊　このようなリソースの活用と知名度の向上により学生の量・質の向上が図られることで、大企業はもちろん、僕自身も問題意識をもつ小規模デザイナーズブランドにおける経営に専門性を持った人材の輩出もさらに進むだろう。それはデザイナーやそのブランドを経営する人に限らず、外部の投資家などにとってもさらに良い効果を生んでいくことに繋がると思う。この三者が障壁なくスムーズに機能することはファッション業界がさらに成長するという点においても重要だ。　伝統的なデザインを教える学部の他にも、ファッションマネジメントをはじめとしてテーマ性に強いマスターがどんどん誕生している。このようにコラムなどで発信をしているのも、優秀な方にファッション業界での経営について興味を持ってもらったり、大学院への進学も検討してもらうきっかけにしてほしいと思っているからだ。この記事を読んでいただいた方の中からファッションやデザインとビジネスを掛け合わせた領域で良い経験ができる方が増えてほしいと切に願う。

ファッションスクールでビジネスを学ぶメリットと課題【連載：NYコラム】

　自分のワードローブの中で最も扱いが難しい服はどれか、考えたことはあるだろうか。僕はここ最近、特に妙な形状の服が好きなこともあり、手持ちの服に買ったはいいもののどう料理するのが正解かよくわかっていない服がたくさんある。こういった服ばかりを増やすのもいかがなものかとは思いつつも、そういった“扱いづらい服”を着ることの醍醐味は、自分がこれまでに培ってきたスタイリングの引き出しや、増やしてきた服たちでどう戦えるのかというところにあると思う。もちろん納得のいくスタイルに落とし込める打率は低いだろうし、これはいい、と自分で思って買った服が思ったように似合わないというのはなかなか精神的にくるものがある。が、その低い打率の中で何とか放ったヒットは、似合うとわかっていて着た服で打つそれよりも高揚感があるし、スタイリングの引き出しを増やしたり、服そのものが持つ文脈の理解を深めてくれたりと、自らの大きな進歩に繋がることがある。そういった意味でも僕はクローゼットの中にある「気に入っているけど扱いが難しい服」は特に大切にしているカテゴリーでもあるのだが、今回はその中でも随一の一着である「オルテガ（ORTEGA’S）」のフリンジウールケープを紹介する。＊　＊　＊　ここ最近の古着ブームでアメリカンカジュアルのスタイルが一層注目される中、一つの王道カテゴリーとしてあるのが、チマヨブランケットを用いたアイテムの数々だ。　そもそもチマヨとはなんなのか、という話だが、これはアメリカ・ニューメキシコ州に存在するチマヨ村という地名からきている。1700年代にスペイン系の移民が同地に入植し、その移民のうちの一人であったオルテガ家の初代当主が先住のネイティブアメリカン達に牧羊と紡績技術を根付かせ、ウールブランケットの生産を始めた。これがチマヨブランケットの始まりである。その後、かの有名なルート66の開通や自動車産業の急速な発展により、ニューメキシコは観光地としての側面を強めることとなるが、これに伴いチマヨブランケットおよびその生地を用いて作られた布織物は同地の名産品として人気を集めるようになった。　今回紹介するオルテガは、まさにこのチマヨブランケットをネイティブアメリカンに根付かせたパイオニア的存在であり、チマヨアイテムを手掛けるブランドでも王道中の王道だ。　チマヨのファッションアイテム、と聞いて多くのアメカジ好きが思い浮かべるのがベストだろう。オルテガはじめ、数々の著名なチマヨのブランドも作っており、最も人気が高いアイテムといっていい。形状や仕様も様々で、クルミボタンのもの、コンチョボタンのもの、中にはジップアップのものや、年代が古いと丈が短いものもある。魅力的なのがその柄とカラーバリエーションの豊富さで、使いやすいグレーやベージュなどのスタンダードなカラーから、パキッとしたイエローや発色の良いターコイズブルーなど目を引くようなものも多い。個体によって柄も様々で、一期一会で好みのものを探すのがなんとも楽しいのがチマヨのアイテムだ。　そんなオルテガのチマヨブランケットを用いたアイテムにはベストのほか、ジャケットやロングコート、バッグなど様々あるのだが、特に“珍品”と言えるのが、今回紹介するフリンジウールケープである。極稀に古着市場に現れてはポンチョやガウンなど様々な呼称で呼ばれているものの、古いオルテガのカタログを見るに正式名称はフリンジウールケープのようだ。ベストやジャケットに比べ流通量が多くなく、知名度もそこまで高くないように思うが、現代でもオーダーができるのかは気になるところ。　単純にレアである、という事もそうなのだが、このアイテムの最大の魅力は何といってもその意匠のパワー。裾全体にあしらわれるフリンジと巨大な五分袖に象徴されるデザインは、他のどのカテゴリーにも属すことのない唯一無二の形状であり、強いオリジナリティがある。個人的にはここまでインパクトの強いデザインでありながら、なぜ目立って紹介されることが少ないのかと思うほどに、この服の存在を知った時にはその見た目の異質さに大きな衝撃を受けたアイテムだ。特に色が黒の個体は、僕が所有するものの他には見たことがない。　その異質さの一方で、デザインに目を向けると、心くすぐられるディテールのオンパレードであることがこのケープのたまらないところだ。個人的に洋服のデザインで目がないディテールがいくつかあり、その中でも「スタッズ」「ポンチョ・ケープ的な形状」「フリンジ」「ブラックカラー」の4大要素が大好物なのだが、オルテガのケープはそのうちの「ポンチョ・ケープ的な形状」と「フリンジ」の2つの要素が盛り込まれている。加えて僕が所有する個体は「ブラックカラー」という要素も兼ね備えており、僕にとってまさに垂涎レベルの逸品なのだ。読者の皆様もこういうものが好きに違いないだろう、と勝手に錯覚してしまうほど、テンションの上がる服だ。　意匠としてはとにかくかっこいいと思えるこのケープなのだが、難しいのが服単体のパワーが強すぎるために、スタイリングではかなり扱いづらいという点。インパクトの強いアイテムを挙げた際によく宣伝文句に使われる「これ一着を羽織っておけばキマる」というようなものでもなく、そもそもケープと名前はついているものの、この服はカテゴリ分けをするとすればどのジャンルに属すのか、ジャケットとして扱うべきか、コートなのか、どう着こなすのが王道なのかわからない。まさに導入で語った通り、「僕がこれまでに培ってきたスタイリングの引き出しや、増やしてきた服たちでどう戦うか」という自らの手腕が問われる服なのだ。文脈を重視してアメカジスタイルやインディアンジュエリーと合わせてみたり、敢えて対極にあるような高機能素材の服と合わせてみたり、このケープを着ようと思うときはいつもの倍近くの時間をかけてスタイリングを組むことが多いが、想像もしていなかったアイテムとの組み合わせで「これは意外とアリではないか？」と思えるスタイリングが出来上がった時は、いつも一皮剥けたような気持ちになる、そんなアイテムだ。＊　＊　＊　実はこのケープは、僕がスタイルアイコン的に慕っている先輩から譲り受けたもの。「このケープの存在を知って、どうしても欲しいので探しているんです」とその先輩に話したところ、「まさに探しているものと同じものを持っているから今度見せてあげるよ」と好意で実物を見せてもらうことになった。試着させてもらいながらやっぱりかっこいい、いつか自分も手に入れたい、と思っていると先輩から「それ、あげるよ」とまさかの一言。あこがれている服を、しかも慕っている先輩から譲ってもらうなんて、よくあるファッション業界人の思い出の服特集で見るお洒落なエピソードじゃないか、と舞い上がったのをよく覚えている。その先輩からはスタイリングやカルチャーのことまで、洋服のことについて本当に色々と勉強させてもらっているが、特にこのオルテガのケープと対峙するときには、吸収させてもらった知識やアイデアも総動員して真剣勝負で着こなしを考えるのだ。いまだにこのケープを譲り受けてから「これはアリだな」と思えたスタイリングは多くなく、まだまだこの服を乗りこなせていると言うには程遠い自覚もあるが、きっとこれは先輩から与えられた課題なのだろうと勝手に思う。いつかはこいつをサラッと羽織っても決まるくらいに己のスタイルを磨けるように、今年も衣替えのタイミングまでこの一着と真剣勝負を続けるのである。

「オルテガ」のフリンジウールケープ【連載：sushiのB面コラム】

　新年明けましておめでとうございます。今年も当コラムをどうぞよろしくお願いいたします。＊　＊　＊　昨年末は久しぶりに田舎の実家に帰り、家族と過ごすなどした。さて、読者の皆さんはどんな正月を過ごしただろうか。僕はここ数年、毎年“初詣”に行っている場所が高円寺にある──ご推察の通り、「古着屋の初売り」に行くだけなのだが、地名に「寺」がついているので“初詣”という事にしている。新年1本目の記事にも関わらずしょうもないダジャレから始めてしまった。ちなみに作法的には、初詣の場所は神社でも寺でもどちらでも良いらしい。　古着屋の初売りというのは、古着好きからすれば大分定着したイベントで、店によってはレアなヴィンテージ物などを一気に放出するようなタイミングでもあり、年末年始の古着界隈はちょっとしたお祭りのような雰囲気に包まれる。僕もその時期は初売りが有名な店の入荷情報にかぶりつき、知人とも「どこそこであの○○が出るらしい」などといった話題で持ちきりになる。古着屋の初売り文化はもともと地域柄、古着人気が根強い大阪で始まったものらしく、それが徐々に波及する形で現在のように一種のイベント化したようだ。そんな古着屋の入荷日イベントが重なる初売りには日本全国津々浦々からお目当てのアイテムを求めて洋服好きが集まるのだが、今回は僕が今年の初売りで手に入れた“2023年ファーストバイ”の中から、珍しいメンズの「アニエスベー（agnes b.）」のナポレオンライダースを紹介したい。＊　＊　＊　アニエスベーは1970年代にフランスはパリでスタートしたブランドで、1984年には日本にも上陸し、旗艦店をオープンした。ラガーシャツにデザインのルーツを持つボーダーのカットソーやスウェットシャツがボタンで前開きになったカーディガンプレッションなどを筆頭に人気を博し、フレンチカジュアルスタイルの雄としての地位を揺るぎないものにした。ウィメンズ・メンズともに肩肘張らない雰囲気ながらも、どこか繊細でフェミニンな空気感がイメージに強い。　現代ではアニエスベーといえば前述した2つのアイテムのイメージが強いと思われるが、今回のナポレオンライダースも同社では昔から定番品の一つとして現在も展開されているアイテムで、アニエスベーのブランドとしての全盛期をリアルタイムで体験した先輩方からすれば同社の看板商品の一つに挙げられるだろう。　このナポレオンライダースは見た目のスマートさが良い。短い着丈に呼称の由来となったフランス皇帝ナポレオン・ボナパルトの軍服を連想させる2列のボタンからなる前身頃の意匠が特徴的。おそらくデザインソースは1940年代～50年代あたりのドイツもののモーターサイクルジャケットで、なんなら以前ほぼ同じデザインのものを目にしたことがある。一方で、サンプリング元のジャケットはショルダーもかなり構築的で、非常にマスキュリンな印象を与えるのだが、シルエットはアニエスベーらしくタイトにアレンジされている。本体には柔らかくしなやかなラムレザーを使用し、フランスブランドらしいエレガントなジャケットに仕上がっているのがうれしい。アウターとして使うのはもちろん、ざっくりとしたものを上から羽織ればインナー使いもできるので、ニットにアウターをかぶって終わりになりがちな秋冬のスタイリングのマンネリ化を防ぐにも持って来いだ。僕もあまりに便利なので今回紹介するものの他に、素材違いと、ボタンやジップのデザイン違いで他に2着、計3着持っている。いずれも1990年代の個体だが、こういうアイテムがワードローブにあるだけでスタイリングの幅がグッと広がりを見せるのだ。ヴィンテージレザーの武骨な意匠を踏襲しつつ、現代的かつ機能的、さらにはアニエスベーらしさも配合されたデザインは長い間大きなシルエット等の変更がなく、タイムレスに愛されている名作だ。　しかし、メンズでこのジャケットを着用するにはちょっとしたハードルがある。実はこのジャケットは、古い物で探しても同社のメンズラインである「アニエスベー オム（agnès b. HOMME）」で展開された個体の数が極端に少ないのだ。意匠としてはメンズとウィメンズの個体で大きな差は特段ないものの、やはりウィメンズラインでメンズ着用可能なサイズとなると最低でもサイズ40、理想的なものではXL相当の42になってくるだろう。ウィメンズの方が個体数は多いとはいえ、サイズ感的には発掘難易度はかなり高いと思われる。　僕がもともと所有していた2着はともにウィメンズの42サイズ。そのうち一着は手に入れた時点で既にそれなりに着込まれており、状態も良いとは言えない。それなりに入手するのに労力を要するこのジャケットなのだが、今回初売りで購入できたのは念願のメンズ個体だったのだ。そして手持ちのウィメンズ個体と比較した上で、メンズが着用するのであれば、やはりメンズ個体をお勧めしたい。　先ほどこのジャケットについて、意匠上はメンズ・ウィメンズ共に大きな差はないと書いた。確かにボタンの配置やポケット形状など見た目のデザイン上は共通しているのだが、実は着用した際の印象に大きな差がある。簡単に言えば、メンズラインの個体の方が武骨なテイストをほんの少し強く感じさせるのだ。デザインは同じなのにも関わらず、どこで差を出しているのかというと、使用されているレザーにある。今回入手したメンズ個体ではラムではなくカウハイドが用いられており、手触りやレザーの分厚さには決定的な違いがあるため、より男らしい印象を受ける。レザーの分厚さが違えば、縫製のピッチも若干大振りになり、全体的に粗野な雰囲気を増す要素が多くなる。もちろん土台になるアニエスベーらしいエレガントさは十分に残しつつも、「神は細部に宿る」という言葉もあるが、男性が着ることを想定した些細な仕様の変更でマスキュリンさを演出している。このエスプリを感じてしまうわずかな差こそが、メンズ個体の魅力だと思う。もしこのコラムを読んで「欲しい！」と感じてくれる方がいるのであれば、ウィメンズももちろん悪くないのだが、根気よくオムで展開されたメンズのものを探し当ててほしい。＊　＊　＊　今回紹介したアニエスベーオムのナポレオンライダースのように、面白い古着を手に入れるなら、年始の1月2日～4日あたりが一大チャンスだ。セレクトする服の系統に強いこだわりがある店であれば、初売りの品揃えからその店のテイストを存分に味わえるのもまた見どころ。ちなみに今回このジャケットを購入した店では時たまメンズの個体が出ており、同じアイテムを狙うのであればチェックしておいて損はないはずだ。　初売りでは店によっては長い並びの列ができたり、そもそも抽選で入店順が決まる店もあり、狙ったものを手に入れるのにはそれなりの努力や運が必要なのも間違いない。だが、長い並びの時間の中で同じ店に並ぶと常連と顔見知りになれたり、高円寺で古着屋巡りをしながら、知人やよく行く店に新年のあいさつをついでにしてみたりと、単純に服を買う以外にも服を通じた副産物的な楽しみがある。　僕は服そのものも愛してやまないが、洋服を通じてコミュニティの輪が広がっていくのもまたファッションの醍醐味であり、購入した服以上に大切にすべきとも思う。今年も洋服を通じて良い出会いがあることを祈念しつつ、服屋への賽銭を奮発しすぎたために2023年も赤字スタートになっているのが難しいところであるが、賽銭を投げているという意味では冒頭で使った“初詣”という表現は案外間違っていないかもしれない。

agnès b.

agnès b. HOMME

「アニエスベー オム」のナポレオンライダースジャケット【連載：sushiのB面コラム】

　この連載は「NYコラム」というタイトルを掲げているが、今回は番外編としてマイアミで開催されたアート・バーゼルやニューヨーク郊外の美術館についても触れたいと思う。　アート・バーゼルはスイスのバーゼルで1970年から開催されている国際的なアートフェアで、ギャラリストやコレクターなどアート業界の関係者に加えてアートファンが各国から集まる大型イベントだ。2002年にマイアミ、2013年からは香港でも毎年開催され、今年はパリも会場に追加された。　アート・バーゼル・マイアミ・ビーチは、11月後半から12月上旬にかけてアート関連の大小様々なイベント開催されるマイアミアートウィークの中の一つのイベントとなっている。東京アートフェアに行ったことがある方ならわかりやすいかと思うが、イベントでは大規模なカンファレンスセンターを会場に各ギャラリーがスペースを確保し、所属アーティストの作品を展示している。眺めるだけでも楽しいし、作品の購入も可能だ。規模は東京アートフェアの倍ほどで、今年は300弱のギャラリーが出展していた。日本からもナンヅカ（NANZUKA）などいくつかのギャラリーが出展し、「ディオール（DIOR）」とのコラボで知名度が一気に増した空山基さんの作品が目立っていた。　僕は東京アートフェアやアートギャラリーが独自開催するような小規模ものにしか参加したことがなく、米国にいる機会を利用してマイアミまで1泊で行くことにした。会場を訪れたのは通常の会期中だが、実際のアート・バーゼルは一般公開の前に既に始まっている。いわゆるVIP向けのプレビューがあり、有名コレクターや関係者は事前にめぼしい作品を優先的に購入することができる。　僕は特に高額なアート作品を買う予定はなく鑑賞目的で行ったのだが、会場では嬉しいサプライズもあった。先日、自身のブランド終了を発表したラフ・シモンズと思われる人物（おそらくご本人）が一人でいくつかのギャラリーのブースを回っていた。周囲は誰も気づいていなかったようで、気になる作品を見ては足早に立ち去る姿が印象的だった。彼の数歩後ろからは一人のアシスタントらしき男性がついて回っており、こちらは師匠の邪魔をしないように気を遣いながらも注意を配っている様子だった。有名人に会うことを期待していくイベントではないがこのようなサプライズもあるのがおもしろい。ラフが単にアート・バーゼルのためにマイアミを訪れていたのかは定かではないが、アートウィークが一種の恒例行事として富裕層の集まる場になっているという印象を受けた。＊　＊　＊　弾丸スケジュールだったが、アート・バーゼル開幕前夜に寄ったマイアミ デザイン ディストリクト（Miami Design District、以下MDD）にもそのような空気感があった。MDDは、元々倉庫街だった場所を再開発し、ラグジュアリーブランドの大型店舗や大規模なアート作品も揃えるデザイン地区（ディストリクト）として生まれ変わった場所だ。現在でもオフィススペースやホテルなどを拡大している。　マイアミがあるフロリダ州は税制のメリットがあったり、温暖な気候であることから、コロナ禍以前から富裕層の転入が続いている。2022年の速報ではフロリダ州が全米で最も高い人口増加率を誇っている。MDDの開発やアートウィークなどもこのような富裕層の流入トレンドを踏まえているのだ。　僕がMDDを訪れた夜は「プラダ（PRADA）」や「アレキサンダー・マックイーン（Alexander McQueen）」「アルマーニ / カーザ（ARMANI / CASA）」の店舗でアート・バーゼルの前夜祭かVIPプレビューの打ち上げだったのか、各所でパーティーが開かれていた。各店舗のVMDも開放感やリゾート感を意識しており、肌寒いニューヨークから到着した身としてはやや季節違いな感じがした。せっかくなのでMDD内のレストランにも寄ろうとしたが、ことごとく予約で終日埋まっているほどの盛況ぶりだった。また、投資家などの商談もこの時期に合わせて多かったのか、昔の上司も見かけた。　MDDはLVMH系のファンドも投資しているプロジェクトで僕も仕事で関わっていた経験があったものの、実際に訪れたのは今回が初めてだ。余談だが、このファンドは銀座にあるGINZA SIXの投資にも関与しており、MDDのノウハウが富裕層をターゲットにするGINZA SIXの各施策や運営に活かされている例も多い。リテールやラグジュアリーモールという分野においてMDDは米国内でも面白い試みが支持されているので、そのエッセンスを東京でも体験できるのだ。＊　＊　＊　このようにマイアミのアートシーンは盛り上がりを見せているが、ニューヨークはどうだろう。MoMaやメトロポリタン美術館、グッゲンハイム美術館など有名美術館は多数ある。また、アートギャラリーはというと特にマンハッタンの南西にあるチェルシー地区に多数集まっている。　上記は改めて触れる必要もないと思う。しかし、ニューヨーク州北部、いわゆるアップステートにもMDDのように活用されていない場所をアートの力で人気スポットにした例がある。マンハッタンから電車で2時間弱のビーコンにあるDia Beaconという美術館だ。　Dia Beaconは古い工場を活用して造られた現代美術館で、広いスペースを使った大型作品展示のインパクトが魅力だ。日本人では僕も好きな河原温さんの作品も収蔵されている。　この美術館の面白いところは横の広さだけでなく、工場の面影を残した地下を活用した立体感にある。地下に行くと突然周囲が暗くなり、匂いや温度、音まで変わる。広大な暗いスペースで鑑賞するネオンを使ったダン・フレイヴィンの作品はDiaの中でも五感で楽しめる作品で、空間も含めてここでしか見られない。＊　＊　＊　近年はファッション業界でも毎シーズンどこかのブランドがアートに関連したアイテムを制作している。最近では「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」が草間彌生とのコラボレーションコレクションを発表。ニューヨークの店舗でもインスタレーションを展開し、注目を集めている。　アートとファッションの関係はサンローランのモンドリアンルックから本格的にスタートしたと言ってもいいと思うが、1980年代以降のLVMHやKeringの巨大化がアートとファッションの距離を近づけ、現在のアート人気に大きく貢献した側面も見逃せない。この現象はベルナール・アルノーやフランソワ・ピノーなどラグジュアリーグループオーナーがコレクターとしてアート界で名を馳せ、ライバルのように美術館を作った時代にも重なる。＊　＊　＊　アート・バーゼルは一種のお祭り的な熱気に包まれ、Dia Beaconのような郊外の施設も小さな町を一躍有名にした。この連載でアートをテーマにすることもアートが大衆化した証拠だし、一般の人が好きにアートを見に行ったり論じたりしている。アートを活用するにしてもアーティストが他の分野に進出するにしても受け入れられる土壌は世界的に整っている。今後数年にわたり富裕層やアートに関心のある若年層の増加によってアート市場は拡大が見込まれ、デジタルを含めた表現技法も日に日に進化している。ファンとしても自分で作品を作るにしてもアートはいつになく可能性がある魅力的な分野になっていると思う。一気に大衆化した「アートの力」は知ってか知らずか触れる場面がさらに増えそうで楽しみだ。

大衆化する「アートの力」【連載：NYコラム】

　アメリカといえば大型のジムやカリフォルニアにあるマッスルビーチなど筋トレをイメージする人は多いかもしれない。僕も、アメリカは筋トレ大国だしジムもたくさんあるんだろうなと思っていたが、実は人口10万人あたりのジム数は東京の5.8店舗に対し、ニューヨークは3.1店舗と意外と少なく、むしろ倍近い差がある。ニューヨークは賃料が高く、また東京は小規模パーソナルジムが乱立していることが影響しているのかもしれない。　しかし、ニューヨークでは様々な趣向に合わせたジムが存在する。月額15ドル程度から通えるチェーンのジムや、トレーナー全員が服役経験者で刑務所式のトレーニングを教えるなど、多種多様となっている。　高級ジムの代表格として有名なのが、「エキノックス（EQUINOX）」だ。エキノックスは同名の高級ホテルも運営しており、ホスピタリティやウェルネス分野では抜きん出た存在になってきている。日本への進出計画もあるという噂もあり、数年後に実現するかもしれない。エキノックスの見学に行った際、店舗マネージャーは「ニューヨークでの出会いは夜のクラブよりも昼のフィットネスクラブが主流になるはず」と話してくれた。高級な設備のみならず会員同士の交流など、独自のブランディングやコミュニティ形成にも力を入れているようだ。＊　＊　＊　エキノックスは筋トレやヨガなどのスタジオクラスを提供するいわゆるフィットネスジムだが、格闘技ジム界隈も面白いことになっている。僕は格闘技が好きで、ニューヨークでもジム探しをしているときにブラジリアン柔術（BJJ）に特化したジムの多さに驚いた。いくつかのジムに体験に行った際には参加者が多く、人数制限がかったりもした。　BJJは約100年前に日本人柔道家がブラジルに渡り、柔術を伝えたことから現地で発展したと言われる、関節技や絞め技を中心とした打撃のない格闘技だ。技の多さや駆け引きの面白さから「マット上のチェス」とも呼ばれたりする。東京では青山や広尾に某有名ジムがあるものの、このような特化型ジムは少数派だ。　アメリカでのBJJは、西海岸に移り住んだブラジル人から広まっていった。ジムが海の近くにあることで、サーファーがBJJを始めたり、柔術家が余暇にサーフィンを楽しむなど交流が深まっていき、現在でもトップサーファーのBJJ愛好家は多い。ウェアの面でもラッシュガードの着用が共通しており「ルーカ（RVCA）」などサーフブランドが有名柔術家のスポンサーになっていたりもする。　このようにBJJとサーフィンには気持ちいい相性のよさがある。また、いわゆる横乗り系スポーツのスケートボードやスノーボードを楽しむ人にもBJJ好きは多いらしい。▲ブラジリアン柔術に特化したマンハッタンのジム「Masterskya」のYouTubeより　では、なぜ都心のニューヨークにBJJジムが多いのか？　ニューヨークの場合、サーフィンはできないが代わりにスケーターがBJJ道場にいたりする。スケートボードのグラフィックも手掛けるアーティストがGi（柔術着）やラッシュガードのデザインをする例も出てきており、ストリートカルチャーとのオーバーラップが徐々に増加中だ。　一例を挙げると柔術着ブランドの「アルビノ＆プレト（ALBINO＆PRETO）」がスケートボーダーでアーティストのマイク・ジリオッティ（Mike Gigliotti）とコラボしたり、ヒップホップグループのウータン・クラン（Wu-Tang Clan）ともBJJ用のウェアを発売している。僕が先日参加したイベントでもアーティストがペイントしたGiが展示されたり、BJJをモチーフにしたグラフィックを購入できたりと、ジャンルを横断して盛り上がっていた。▲ウータン・クランとのコラボ動画　このような横乗りカルチャーと、BJJをはじめとした格闘技カルチャーのつながりが、新しいスタイルのBJJジム人気を後押ししているように思う。複数のバックグラウンドを持つこのようなジムは一種のソーシャルクラブのような機能も果たしている。＊　＊　＊　スターバックスは家でも職場・学校でもない場所「サードプレイス」を提供したことで成功した、という話があったと記憶している。しかし、現在は特定のサードプレイスに限らず、オンラインでもオフラインでも複数のコミュニティや居場所がある人が増えている時代だ。コミュニティの規模は大小様々だが、カルチャーをつなげて育てることができる場であり、そこからまた新しいムーブメントが生まれていくと僕は思う。それはBJJに限らず、どのコミュニティにもその可能性がある。　「コミュニティ形成」が一種のバズワードになっている中で、ちぐはぐ感や押し付け感があるコミュニティも増えている気がする。BJJとサーフィンは良い例だと思うが、本当に親和性があるコミュニティ同士からしか面白くて新しいカルチャーは誕生しないだろう。　衣・食・住という生活の基本に、「闘」「音」「波」「韻」など各々の好きな趣味を組み合わせたとき、どのような化学反応が起きるか考えるだけでも面白い。実はコミュニティやカルチャーというかっこつけた言葉などは不要で、気の合う人たちで汗を流したり、新しいものをつくる場があれば自然にかっこいいものが出来上がるかもしれない。

サーフィンと格闘技から考える新しいコミュニティの誕生【連載：NYコラム】

　今は東京にいます。秋から冬に移り変わるこの時期は東南アジアに比べてとても寒いですが、ニットを着たり、マフラーを巻いたり、ファッションの幅が広く、楽しい時期でもありますよね。実際の感染者数は別として、街を見ているとコロナも落ち着いてきたように感じます。　各国の入国ルールが緩和されてきたり、運休していた国際線が復活してきているのも大きな理由でしょう。「そろそろ海外出張に行けるかな？」と感じている人も多いのではないでしょうか。　東南アジア諸国の数例を挙げると、タイはワクチン接種なし、PCR検査証明書もなしで入国が可能です。シンガポールはワクチン3回、インドネシアはワクチン2回の接種証明書が必要です。◇　◇　◇　たまにこのような相談がきます。　「インドネシアで、日本のアパレル在庫を売れませんか？」　多くの日本のアパレル企業はシーズン後に残る在庫量と戦っています。店舗が多ければ多いほど製造原価は下がりますが、残る在庫も増えがちです。非常に悩ましい問題ですね。何年もかけて溜まりに溜まった在庫を、経済成長が著しいインドネシアで販売できないかという相談がくるのです。　しかし、私の見解ではなかなか難しいと思います。理由1：ファッションの文化慣習の違い　まず、気候が違います。東南アジアは常夏ですから、基本的にいつも温暖です。当然、秋冬の重いアウター類の販売は難しいです。　だからと言って、日本からの在庫のTシャツとショートパンツ、ビーチサンダルが年がら年中売れるかというと、それも違います。夏の衣服が売れやすいことは間違いないんですが、それは価格帯が凄く安いものに限ります。日本のブランドの在庫の場合、当然価格帯が安いわけではありません。そうなると、当然ある程度、収入が高い客層に販売を試みるしかないわけです。　そのターゲットとなりそうな客層は、首都・ジャカルタの中心部の経営者層やマネジャークラスなど。彼らはエアコンの効いたオフィスで働く所謂ホワイトカラーで、シャツやワンピース、スラックス、ジャケットなどを着ています。でもその層は一部に限られているので、経済が伸びいてるからと言って、なんでも売れる訳ではないことは理解していただきたいです。理由2：インドネシアへの輸出が難しい　インドネシアは人口2億8千万人で、世界4位の人口を持つ大きな国です。自国の産業を守るため、輸入はかなり制限されており、高い関税がかけられます。　また、輸入の手続きが煩雑で、日本のようにどんな企業でも輸入ができるわけではありません。税関では貨物検査も頻繁に行われており、詳しく書くと長くなってしまいますが、個人の通販ですら高い関税がかけられることもしばしば起こります。理由3：トレンドが違う　インドネシアでも世界的なトレンドは同じように流行ります。だからこそ売れ残ったトレンド商品を販売することが難しかったりします。　最近のインドネシア、特にジャカルタでは独自のトレンドがあります。例えば、下記画像の中央あたりにチラリと見えているニットのカーディガン。毎日暑いジャカルタの街中で（と言ってもエアコンの効いた高級モールの中で）は、このようなニットカーディガンを着ている人をよく見るようになりました。　このような国や街独自のトレンドを理解していなければ、その国で販売することはなかなか難しいと思います。現地のトレンドを理解できるバイヤーがいれば良いのですが、経済成長真っ最中のインドネシアでは人材不足の問題もあります。　ファッション業界全体では小売の企業がまだまだ少なく、若くて経験の少ない人材の獲得が難しいです。日本のバイヤーや店長ってなんでもこなすマルチプレイヤーが多いので（ある意味でブラックなのかもしれませんね）、人材という点では日本企業にとっては商機なのですが、そこに気付いている日本のアパレル関係者は少ないでしょう。個人的な意見ですが、日本の管理職はアジア全体を見てもめちゃくちゃ優秀です。◇　◇　◇　折角なので、先ほどの写真のお店を紹介したいと思います。　ジャカルタから車で3時間ほどの距離にあるアパレル工場の街バンドンが発祥のエイチジーエル（HGL／インドネシア語読みではハーゲーエル）。ハッピーゴーラッキー（Happy Go Lucky）というお店があり、その2号店としてHGLが出店されています。　店舗を構えているのは、日本でいうと東京の中目黒みたいな高級住宅地エリアのクマン（Kemang）。HGLの業態はセレクトショップなので仕入れが中心で、現地の高価格帯のブランドを取り扱っています。海外のブランドはありません。さらに取り扱いの現地ブランドのほとんどに別注をかけており、独自の商品構成を作っています。　インドネシアは車移動が多いため、ショッピングモール文化なのですが、HGLは路面店です。もともとアパレル専門店は路面店業態が少ないインドネシアですが、ここ6年くらいで路面店が増えつつあります。　店内にはTシャツが少なく、布帛が多い印象です。奥にはバッグやステーショナリーなどの雑貨のコーナーもあります。このポップなテイストをジャカルタで流行らせたお店として知られており、興味がなくても名前を聞いたことがあるという現地民が多いです。　彗星のように新業態のセレクトショップが出現するのも、どこか日本の1990年代のようであると思えます。日本の1990年代って有名なセレクトショップや業界人がたくさんいましたよね。あのエネルギー溢れる時代が今、ジャカルタに到来していると感じるんです。　インドネシアでは、ユニクロ以外の日本のファッション企業を見ることが少ないです。いち早くこの市場に入り込んでいくのはどこの日本企業なのだろうか、と日々考えています。

インドネシアで日本の在庫を捌くのが難しい理由｜コラム-ジャラン ジャラン アジア

　世界的な物価高が人々の生活に影響を及ぼしている。海外、特にアメリカと関わることがある日本人にとっては円安も深刻な悩みの種だ。この記事を執筆している10月下旬、為替は約30年ぶりの1ドル＝150円の水準を行ったりきたりしている。ニューヨークで収入があり生活基盤があるという場合、円安の影響はあまり気にならない。しかし、米国では消費者物価指数が賃金上昇率を上回る状況が続いており、政治イシューとなっている。　僕は学生のためアメリカでの収入は得ておらず、日本から必要に応じてアメリカに送金をしている。某信託銀行に口座を作ったため高額な送金手数料などはかからない。しかし、円安が進めば進むほど買えるものは減るので、簡単な話、貧乏になっていく。留学前に学費や生活費の概算を出したものの、現在のレートでは当時の見積もりを24%近く上回ることになる。　日常生活でのわかりやすい例がマクドナルドだ。ビッグマック指数を見ると日本では410円、アメリカでは5.19ドル（約766円）になってしまう。セット価格にするとファストフードのみで2000円を超えてしまうこともざらだ。レストランであればさらに20%ほどのチップが加わるので、僕はなるべく自炊もするようにしている。　日常生活はまだ良いが、学費など数百万円単位の出費になると、円安進行による負担もさらに大きい。僕は1年制のプログラムを選択しているが、2年制の大学院を検討していた時期もある。もし2年制を選んでいた場合、3000万円近い出費になると考えるとかなり恐ろしい話だ。　住宅事情についても触れておきたい。今年6月にはマンハッタンのアパート賃料の中央値が初めて4000ドル（約59万円）を突破した。これはアパート1戸の賃料で、単身の若年層などはルームシェアをして暮らすパターンは多く、僕のようにブルックリンやニュージャージーなどマンハッタン近隣の通勤圏に住んで家賃を抑える人もいる。しかしルームシェア仲介サイトの「SpareRoom」によると、ルームシェアの一部屋あたりの平均賃料は、マンハッタンの北に位置するブロンクス地区で900ドル弱、マンハッタンの中心地区が最も高額で3000ドルほど。掘り出し物の物件はあるものの、一般的にはルームシェアでも15万円以上はかかってしまうのだ。僕は運良く学校から電車で20分ほどの地域で好条件の部屋を見つけることができたが、日本の水準と比較するとやはり高いと感じる。　と、ここまで悲観的な話になってしまったが、米国の給与水準は日本より高いため、実際の感覚としては「物価が少し高くなったな」というくらいで、当然モノによって濃淡もある。＊　＊　＊　最近、高級百貨店のSaks Fifth Avenueに行く機会があった。物価高という言葉をニュース等でよく聞いていたため「このご時世、人も少ないかもしれないな」と思っていたが観光客からアメリカ人の上顧客層まで賑わっており、現場は意外と調子がよいようだ。　ファッションに関していえば価格上昇は日用品に比べてゆるやかで、Saksが発表した調査によると高所得世帯を中心に顧客購買意欲は旺盛だ。特に若年層ではラグジュアリーへの関心が引き続き高い。　ラグジュアリーブランドもこのようなトレンドには敏感なようで、バーニーズ・ニューヨークの旧店舗を活用したルイ・ヴィトンのポップアップや、エルメスの新店舗がブルックリンにオープン予定だったりと話題は尽きない。　コロナ禍の影響で空きが多くなった路面店が使われ、毎週のように新しいポップアップが開催されている気がするが、僕は以前ほど行かなくなっている。ポップアップではブランド側の予算もあるため、普通の店舗ほど世界観の作り込みができない。また、限定アイテムはしばらく話題性があるものの、すぐに次のポップアップと限定商品が誕生することで一気に鮮度が落ちてしまう。そのため、僕は本当に興味がある展示があるときのみ行くようになった。ポップアップが頻繁過ぎて「またすぐあるし今回はいいや」と見送る人も多くなっているのではないだろうか。とはいえ、学校の友人などファッション好きな層はポップアップに出かける人も多く、自然と話題になっていることもしばしば。実際にこの記事でも取り上げている時点でブランド側としては成功なんだろうなと思う。　ポップアップの隆盛やリテールに関してはまた別の回で書いていきたいが、世界的な物価高でも落ちない購買意欲やラグジュアリー消費の拡大が予想されている。そのような環境の中、ブランドの次の打ち手やニュー・リテールなど未来について考えてみたくなるような良いタイミングに来ていると思う。

物価高とファッションの話【連載：NYコラム】

　大学院留学のために僕がニューヨークに到着し、米国生活が始まったのは盛夏の8月。当初は結構暇で、観光や新居の内見、はたまた身体を動かそうと格闘技ジムの体験に行ったりとぶらぶらしていた。それから1ヶ月が経ち、なんとか生活基盤を整えて現在はブルックリンで暮らしながら授業や課題に追われる、いかにも学生という毎日を過ごしている。その中で、ニューヨークの生活やファッション業界の現在について発信してみようというのがこの連載だ。　第1回は渡米することになったきっかけについてお話ししたいと思う。　僕は現在パーソンズ美術大学の大学院に在籍し、ファッションマネジメントを専攻している。ざっくりいうとファッションブランドの経営周りを1年かけて学ぶというプログラムだ。経営を学ぶならMBA（経営学修士）のプログラムに行くことが一般的だが、多くのMBAプログラムはファッション分野に特化していない。そのなかでパーソンズの大学院では1年制のファッションマネジメントのプログラムがあることを知り応募した。　僕がファッションデザインではなくファッションビジネスに興味を持ったきっかけは、高校生の時に読んだ一冊の本にある。それは、グッチ時代のトム・フォードとドメニコ・デ・ソーレについて書かれた本だった。最近映画化もされた「ハウス・オブ・グッチ」の原作本で、トム・フォードの就任やデ・ソーレとグッチを建て直す様子が映画よりも詳しく描かれていたと思う。　当時は有名デザイナーについて書かれた本は読んでいたものの、ファッション業界の経営者はフランソワ＝アンリ・ピノーやベルナール・アルノーくらいしか知らなかった。経営とファッションが自分の中ではあまりリンクしておらず、別々の興味として存在していて、有名なデザイナーの裏には公私ともに良いパートナーが必要だと考えるきっかけをくれたのがこの本だ。　そして社会人になって投資界隈やファッション界隈をうろうろすることになるのだが、どうしても本で読んだような、デザイナーと経営者が良い関係を保ちながらブランドを成長させていくような光景は目にすることがなかった。　僕が実際に経営の現場で見てきた中では、デザイナーが経営を兼任して経験不足で失敗する場合と、経営を他人に任せたものの、搾取的な契約条件やずさんな経営をされて事業が立ち行かなくなる場合がある。逆に、デザイナーに頭が上がらず、ブランド規模に見合わないレベルのショーや高い原価を容認してしまったというパターンもあった。業界では同様のエピソードは多いのではないだろうか。いずれもクリエイティブと経営のバランスが取れ、二者が理解し合いながら同じ方向を向いていたら発生しなかったような問題だ。新進ブランドの課題は、会社の仕組みを整えることで一気に解決へ向かう場合が多い。僕はそういうスピーディーな変化が好きだ。　長い歴史を持つ大手ラグジュアリーブランドなどではビジネスの基盤が出来上がっており、儲からないコスト構造など初歩的なミスは発生しにくい。経営課題も複雑になるが、自社で解決策を練る資金も人材もある。　僕は完成された大型ブランドよりも、特に小規模ブランドを経営したり投資家とつなげたり出来る人材が必要なのではないかと考えている。ファッション分野の経営のプロがいればデザイナーの負担も減り、ブランドが育ちやすくなる──経営を人に任せてクリエイティブに集中できるなら新進デザイナーは苦労しないし、理解ある経営者を迎えてブランドを成長させるというのは理想論に聞こえるかもしれない。しかし、実際にそのような選択肢が若手ブランドにとって少しでも身近になる環境は作れると思う。 　ファッションの首都はまだパリだ。しかし、英語が使えて懐が深そうなニューヨークに賭けてみた。ファッションとビジネスの組み合わさったところで何か面白いことができればという期待があってやってきたというところだ。　この連載を通じてファッションビジネスを学ぶきっかけになったり、ニューヨークのファッション業界に興味をもつ方が増えてくれたら嬉しい限りだ。

ニューヨークに賭けてみた【連載：NYコラム】

　これまで自分が使っている香水をひた隠しにしてきた。着ている洋服やヘアスタイルなどと比べて視覚できず、体臭という個人の身体の特徴との境界線上にある香りという要素は、どこかデリケートでパーソナルなものであるという感覚がずっとあったからだ。　一方で最近、自分よりも一回り若い後輩からこんな意見を聞いた。「今は自らのパーソナリティを開示することで、他人との関係を築いていく時代だと思うし、自己開示をすることで自分のブランディングにもなる。そういう観点で、自分は香水含め愛用の品々はみんなに共有したいし、そうすることで自分がどういった人間であるかをプロデュースしたい」　なるほどそうか、と思った。パーソナルな情報をむしろ開示して看板のように扱うというのは正直な新鮮な感覚であったし、匿名で有象無象が好き勝手なことを発信できる現代だからこそ、自分がどういった人間であるかをアピールして信頼を獲得する必要がある、という後輩の感覚は時代をとらえた正しいものであるような気がした。　と、自分の感覚が時代から取り残されつつある（？）ことに若干の焦りを感じたところで、今回は「今まで隠していた自分の一部分の開示」という意味合いも込めて、愛用の香水である「メゾン マルジェラ（Maison Margiela）」の「アンタイトル（Untitled）」というプロダクトを紹介したい。　メゾン マルジェラというブランド自体はもはや説明不要だが、同社のフレグランスシリーズといえば「レプリカ」が代表的な作品として知られる。レプリカは、ブランドの創設者であるマルタン・マルジェラが1994年に発表したヴィンテージの古着や昔の服を復刻する「レプリカライン」から着想を得て、2012年に誕生したフレグランスシリーズだ。全12種のフレグランスにはそれぞれ「理髪店での散髪」や「暖炉のそば」「ベッドシーツにくるまる日曜の朝」など特定のシチュエーションが与えられており、“香りの記憶を再現する”というコンセプトで展開している。今やアパレルや雑貨を含めてもマルジェラブランドのプロダクトとしてA面的なポジションと言って差し支えないレプリカだが、実はレプリカよりも前に発売されたフレグランスがある。それがアンタイトルだ。　調香師は「ミュウミュウ（MIU MIU）」や「イヴ・サンローラン（Yves Saint Laurent）」の香水も手掛けたダニエラ・アンドリエ。哲学を専攻した彼女の作り出す香りは性別や人種の垣根を超え、タイムレスに心地よく感じられるのが特徴で、僕自身も初めて手にした香水「プラダ」のインフュージョンシリーズや「ティファニー オードパルファム」などを筆頭に彼女の作品を愛用してきた。　朝露をイメージしたというこのアンタイトルもまた、ガルバナムを軸とした自然に包まれるような香りに、グリーン・ボックスウッドやビターオレンジ等の香りを組み合わせて奥行きを作ることで、爽やかでみずみずしくナチュラルな香りに仕上げている。個人的にはメンズ・ウィメンズのイメージに振りすぎている香水はあまり得意ではないのだが、そういった嗜好にもはまるユニセックスな香りだ。　香りの良さもさることながら、アンタイトルを名作たらしめるのが、マルジェラ初のフレグランスとしてブランドの世界観を忠実に反映した商品コンセプトだ。控えめな小瓶にあしらわれる白いデザインはマルジェラのデザインアイコンとしてしばしばコレクションアイテムなどに使われるペンキをモチーフにしたもの。新品を開栓する際には、瓶蓋を固定する白い糸を切断する。この糸はマルジェラのアイコンであるブランドタグのバックステッチ、通称「四つ糸」に使用されている糸と同様のもの。マルジェラの四つ糸はブランドタグを簡単に切り落とせるようにするのが狙いで、「メゾンのブランド力という要素を服から取り除き、プロダクトそのものの本質的な魅力と向き合う」というブランドのキーコンセプトである“匿名性”を色濃く反映した仕掛けだが、ブランドにおいて重要な意味を持つ「糸を切る」という行為をこういった形で商品パッケージに落とし込むのはまさにデザインの妙。アパレルを主軸とするブランドでは、フレグランスといったアイテムはあくまで小物ということにはなるが、そういったプロダクトにも抜かりなくブランドのコンセプトを詰め込み、マルタン本人がブランドを去った後も世界観を継承するマルジェラのブランドとしての強度を感じられる名作だ。　複数の香りのもととなる要素を調合して作られる香水は、無限に近い組み合わせが考えられるために「ドンピシャの一品」を探し出すのも一苦労だ。そしてそれ故に愛用の香水をパーソナルなものと捉え、他人と被ることを避けてきたように思う。しかし、逆に考えれば、自分の思考や主義が色濃く反映される、そういったパーソナルな部分は開示することで自分の名刺代わりにもなる。僕はマルジェラのアンタイトルのように、クリエイションにおけるコンセプトが一貫しているブランドやプロダクトが好きだし、考え方や振る舞いにしっかりとした軸がある人間でありたいとも思う。レプリカの香水もいくつか所有しシーンによって使い分けているが、香りの好みなどを加味しても“名刺代わり”として自分の愛用香水の中から紹介するとすれば、アンタイトルがピッタリの一本だ。＊　＊　＊　自分の襟を正す意味も込めて、今回はひた隠しにしてきた愛用香水を紹介し、魅力を語ってみた。実はアンタイトルは2011年に発表されてから日本では少しの間しか展開されておらず、現在は海外の店舗でしか手に入らないものになっており、そこもまたB面的で良いではないかと思っている。＞＞次回は7月31日（日）に公開予定

Maison Margiela

「名刺代わりの香水」にマルジェラの“名前のない”フレグランスを選ぶ理由【連載：sushiのB面コラム】

　はじめまして、横堀良男（よこぼりよしお）です。　今回お声掛けをいただき、日本では少しだけ珍しいライフスタイルの私にブログを書く機会をいただきました。私は東南アジアで生活しています。海外で日々起きていることなどを少しでも皆様に知っていただければと思っております。　まずは自己紹介をさせていただきます。私の仕事はざっくり言うと、「東南アジアでファッションのこと」です。同じようなことをやっている日本人が少ないこともあり、いろんな仕事をやっています。・自社アパレル・雑貨ブランドを運営 ・日本や東南アジア諸国で、ファッションショーや合同展示会の代理店 ・海外セレクトショップの契約バイヤー ・海外イベント企画・運営　要するに、東南アジアでアパレルブランドやお店に携わる仕事が中心です。今は大体、インドネシアのジャカルタにいます。　東京の下町に生まれ、帰国子女でもなんでもない私にとって、海外に住むとか働くとか、ましてや英語やインドネシア語を話すだなんて、30歳を過ぎるまで想像だにしませんでした。　18歳の頃に東京のアパレルのお店で販売員として働き始めました。20代後半までに3つの会社で働き、その後に独立。アパレルブランドの営業代行の会社を設立しました。しかし、2011年に東日本大震災が起き、営業代行の会社は大きなダメージを受け、一文なしどころか負債を負ってしまいました。その時に「ああ、このままじゃ終わるな......」と思い、アジア諸国に激安航空券で出張しました。32歳の夏です。自分探しをするにはあまりにも遅い青春。まあ、探していたのは仕事なんですが......。　K-POPブームが始まっていた韓国、香港や上海にも行き、現地の企業から雇われバイヤーの仕事やブランドの仕事を少しずつ貰えるようになりました。なんとかギリギリ食べていける、というくらいにはなった頃、香港に滞在していたある朝に安宿がある雑居ビルの1階にちょこんとある雑誌やジュースを売る屋台で、ろくに読めもしない英字新聞を買いました。そこには「今後グローバルリーダーになる世界の都市ランキング」が載っていて、1位がインドネシアのジャカルタ、2位がフィリピンのマニラと書いてあったんです。「え！これからは東南アジアなんじゃん！」と興奮したのを今でも鮮明に覚えています（めちゃくちゃピュアでした）。　すぐに格安航空券をネットで探して、シンガポール、インドネシアのジャカルタ、マレーシアのクアラルンプールへの周遊チケットを買いました。大阪→シンガポール→ジャカルタ→クアラルンプール→東京というルートで、全部で2万5000円くらい。驚愕の安さです。2週間で3ヶ国を見て回る視察旅行。2012年のことですから、東南アジア諸国も今とは比べものにならないほど発展途上の状態でした。　シンガポールはその時すでに経済大国でしたが、ジャカルタはまさに発展途上国の首都、という様相。ジャカルタに到着しましたが、知り合いもいないし、右も左もわかりません。とりあえず一週間ほどバカみたいに街中を歩き回りました。適当に本屋に入って、ジャカルタの地図を買い、歩いたところをサインペンで丸を付けていく。今思い返すと、新宿から吉祥寺くらいの距離を毎日歩いていました。もちろん、日本に帰国した時にはスニーカーがボロボロになっていました。その時のジャカルタは至る所から「これからの街」という感じがひしひしと伝わってきました。当然、友人がいるわけでもないので、ジャカルタのファッション業界については何にも理解できることはありませんでした。しかし、「この街（国）のファッションやクリエイティブな経済は絶対に大きくなる！」と強く感じ取ったわけです。　その数日後、ジャカルタからクアラルンプールに移動しました。旅の最終日の明け方、ふとクアラルンプールの安いホテルで目を覚ましました。窓から見える景色は、夜の終わりと朝の始まりの間くらいで、綺麗な朝焼けが遠くからやってくるようなタイミングでした。窓を開けてぼんやりとそのグラデーションを見ながら、いろいろと考えていたらふと、JRのキャッチコピーのように思ったんです。　「そうだ、東南アジアで生きていこう」ーーーーーあれから10年。　まさか、こんな生活を送っているとは、自分でも想像していませんでした。今は、1年間の半分ほどをジャカルタで過ごしています。コロナ前はシンガポールやタイ、フィリピンに毎月飛び、現地のファッション企業とミーティングをしていました。ようやく今年から日本とインドネシア以外の国にも行けるようになりましたので、東南アジアの様々な国の事情についてお届けできると思います。　今、東南アジアでは、毎日のように変化が起き、新しいニュースが飛び交っています。続々と新しいデザイナーズブランドやストリートファッションが生まれ、無名の若手ブランドでもすぐに顧客が付くほど消費は上を向いています。　もちろんファッションだけではありません。レストランやバー、クラブ、イベント会場などどんどん新しいスポットが出来ていて、正直回りきれないほど。東南アジアのファッション業界は、実にポジティブなパワーが溢れています。きっとほとんどの日本人が知らない世界だと思います。　このいただいた機会に、現地からリアルなファッションのことを皆様にお伝えしたいと思っております。皆様にはしばしお付き合いいただけましたら嬉しいです。

そうだ、東南アジアで生きていこう。借金抱えて自分探しの旅｜コラム-ジャラン ジャラン アジア

あなたのファッションの原風景はどこですか？そして好きな服はなんですか？好きな本は？好きな食べ物は何？サカナクション「アイデンティ」20世紀の終わり頃。古着の香りと無限の夢が広がっていた、原宿シカゴ。何が買えるかも分からず、長蛇の行列に並んだ、地下のNOWHERE。個性的なファッショニスタたちが溢れる、伝説の雑誌「FRUiTS」。 刑事コロンボに憧れていつも頼んでいた、バーガーキングのチリコンカン。僕にとってのファッションの原風景。そして、アイデンティティは、20世紀の終わり頃の原宿にある。◇　◇　◇2021年、2年ぶりに訪れた上海。3週間の隔離が明けた後、まずは今の上海を知るために、新しい商業施設を巡った。パンデミック直前の2019年末に開業した、淮海中路（ワイハイジョンルー）に位置する「YOUTH ENERGY CENTER（通称TX）」。淮海中路は多くのラグジュアリーブランドやグローバルブランド、デパートが並ぶ、旧フランス租界を代表するファッションストリートだ。日系ブランドではニコアンドやユニクロ、無印良品が路面店を出店している。個性的なファッションに身を包む人々でひしめく館内。中国で「独身の日」と呼ばれる11月11日、アリババが一日にECで9兆円を売り上げたというニュースが日本でも流れたが、実店舗が死んだわけではなく、いるところには人はいる。ショーケースに鎮座ましますKAWSのベアブリック。高額のプレミアがついた、ナイキ×サカイのスニーカー。森山大道のエキシビションの荘厳なモノクロームの広告。強面の全身タトゥーのバリスタが腕を振るう、行列のできるインダストリアルスタイルのカフェ。ヴィンテージを取り扱うリユースショップに並ぶ、毛並みの整った発色の良いシャネルのツイードジャケットと、くたびれた革に品格を感じるルイ・ヴィトンのバッグたち。 クリエイションとコストのバランスが取れた、はじめましての国潮（グオチャオ）ブランド。※ 国潮（グオチャオ）：中国のドメスティックブランドを着用、または、着こなしに中国のエッセンスを取り入れた、中国Z世代を中心にしたトレンド。個人的には、ここが今一番上海で勢いがあり、あの頃の原宿のように、ファッションの力を強く感じる場所だと思う。◇　◇　◇明日はどうなるか分からない。僕よりもこの街に長く住んで、いろんな景色をいろんな角度から見ている人は、たくさんいる。それでも、誤解を恐れずに言うならば、上海のファッションの多様性、成熟度、ときめきは、ある意味、今のトーキョーを超えている、僕はそう感じる。そして、きっと、今のこの上海を原風景に持つ世代が、中国のファッション、アート、カルチャーを作っていくのだと思う。この街は成長している。力あふれるスピードで。まずはこのことを、この街から伝えたい。そう思った。

上海と原宿をめぐるアイデンティティ｜コラム連載 - ニイハオ、ザイチェン vol.1

Hello, goodbye.不思議なもので、年齢や環境、その時の心境で、つい口ずさんでしまうThe Beatlesの曲は変わるものだ。You say yes, I say no,You say stop and I say go go go.2021年9月19日、3年ぶりに、マンダリンの楼上、上海の地を踏んだとき、自然とこのメロディーがぼくの頭に浮かんだ。「宇宙の深遠なテーマだよね、双対性って。人は黒を持つとき、すべからく白も持つ。それは、人生の素晴らしい点なんだ」今から55年前、『Disc magazine』のインタビューで、The Beatles  16枚目のシングル『Hello, Goodbye』について、ポール・マッカートニーは、そう語ったそうだ。双対性。たとえば、The Beatlesのジョンとポール。たとえば、上海と東京。中国人と日本人。仕事と家族。上司と部下。蕎麦とうどん。たとえば、ヒロトとマーシー。Corneliusとオザケン。そして、クリエイションとビジネス。双方が存在することで初めて意味を成し、お互いを輝かせる、オセロの白と黒。◇　◇　◇右も左も分からぬまま、大学時代の友人と「トウキョウリッパー（TOKYO RIPPER）」を立ち上げ、東コレ参加も含めてクリエイションに情熱を灯した20代。会社に入り、島耕作のようなサラリーマンに憧れ、好きな仕事で犬のように働いた30代。家族を持ち、ニッポンのファッションを通じて、世界中の人々に楽しさや感動、豊かさを届けようとしている40代。これまで、いくつもの出会いと別れの中で、“Yes”と“No”、“Go”と“Stop” を繰り返して、歩んできたこの道。この度、このような素晴らしい場所に。琥珀色の街から海を越えて、毎週月曜日、ぼくの足跡を記させて頂けることとなりました。これから綴られるであろう、中国と上海にまつわる冗文、駄文、乱文、衍文、拙文を読んでくださるすべての皆様に心からの感謝を。你好，再见。

琥珀色の街より、你好。｜コラム連載 - ニイハオ、ザイチェン

　アートも衣服や食品などと同様に、商品として仕上がるまでの制作費や人件費などを計算し、その経費に自分の利益を上乗せした値段を定めている。絵画であればキャンバスや絵の具などの材料費と描き手の人件費、作品を描くアトリエの家賃など…。衣服が布や糸などの材料費、作り手の人件費、工場の家賃などによって価格が決められるように、アートもひとつの商品として扱う際には基本的には他のものとは変わらない価格の決め方なのだ。
　しかしながら、アート作品が時折ニュースになるほど非常に高額に映る一方で、手軽に買える作品も多く流通している。アートの価格はピンからキリまで広がり、私たちにとって不可解に見えるが、その要因は主に2つある。値付けのカラクリを紐解いていこう。1 - 販売場所へのマージンの上乗せ　作品はギャラリーや百貨店のほか、近年はセレクトショップやカフェなどでも販売されることが増えた。このように作品の展示会会場となる場所が収益を得る方法は、会場レンタル料を請求する場合と、作品の販売価格の何割かをマージンとして会場に支払う場合の2通りがある。　前者は、レンタルスペースや貸しギャラリーに代表されるもので、作家が展示したい日程分の会場レンタル料を支払う。後者は作品が売れたらその値段の何割かを渡すものだ。そのため、販売額には仲介料が上乗せされている。特にギャラリーはアーティストと専属契約を交わし、アーティストにマネージメントサポートを行ったり販売の機会を積極的に与える代わりに、販売価格の半分の値段を折半することが慣例。そのため、アーティストは制作費にギャラリーに渡す金額を上乗せしており、販売価格が必然的に高額になっていくのだ。　このふたつの方法には一長一短それぞれあるものの、作家にとってみれば、作品は制作費や人件費の上にさらにそのような出店料として渡す費用を上乗せすることには変わりない。2 - 作品、アーティストとしての付加価値　アート作品というのは高級ブランドと同じように資産価値としての役割も持つために、一度売れた値段から値下げすることは基本的に行わず、値段を上げていくことが多い。なぜなら、価格を下げるということは資産価値が落ちるだけではなく、作品への信頼が落ちることにつながるからだ。ブランド品が材料費や人件費を含めた価格だけではなく、ブランド価値を保つために高額になることがあるが、アート作品も同様のことが言える。そのため、作家やギャラリーはなるべく作品の資産価値を落とさないための価格のコントロールを慎重に行っている。　例えば、ギャラリーで販売されている50万円の作品があったとする。この場合は、マージンとして半額の25万円をギャラリーへ渡し、残りの25万円で作家自身の生活費や制作費を賄えることになるが、50万円という価格は一般的な感覚ではなかなか手に取りにくいだろう。では「売れる」ために30万円に引き下げればいいではないか、という見方もあるかもしれない。もちろんその選択肢も存在するが、しかし、一度価格を下げてしまうと、作品の資産や価値を引き上げることは難しい。また、作り手であるアーティストの生活もある。よって、値付けはそれらの総合的なバランスの上で決めていかなくてはならない。　なお、1点数千万円ほどの売り上げをつくる作品の作家には集中的にバブルが起きていることが多い。この規模になるとマネジメントが必要となるためマネージャーを雇ったり、作家と作品の価値を持続させるために多く作品を制作したり、大作を作り上げていくなどの戦略を立てていく。個人としてのアーティストというよりも、会社経営のようなやりくりを迫られていくのだ。　近年、アート作品の共同購入やNFTなどによって幅広いマーケットが勃興し、作品の販売価格にも大きな変動が生まれつつある。購入する側の値段が大きく変動することはあれど、作品がモノであったり、ブランド的な価値がすでに持っている限り、作品自体の値段は大きく変わることはないだろう。■檜山真有（Twitter）同志社大学文学部美学芸術学科卒、東京藝術大学大学院国際芸術創造研究科修了。1960年代のコンセプチュアルアートを研究対象とする。現在は美術館に勤務する傍ら、キュレーターやライターとして活動中。「現代アートへの旅」バックナンバー・マストアーティスト編―村上隆・マストアーティスト編―ダミアン・ハースト・マストアーティスト編―ゲルハルト・リヒター・お金のはなし編―アンディ・ウォーホル作品から学ぶ価格の上がり方・まず知っておくこと編―作品鑑賞を楽しむための4つのポイント

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