インサイド

ユェチ・チ 2026春夏コレクション 　今シーズンのテーマは、春分や秋分など、昼と夜の長さが等しくなる“昼夜平分時“を表す「EQUINOX」。昼と夜、人間と猫、天使と悪魔といった2つの異なる要素が入り混じったような、キュートさとダークさがミステリアスに共存するルックを披露。ユニフォームシャツやブルーストライプのシャツ、カーゴパンツといったカジュアルなデイリーウェアをベースに、ブラックのレースやビスチェ、フリル、セーラーカラーなどのゴシック調ディテールをあしらったスタイルや、ブランドの強みであるレーザーカットのパーツを用い、オールハンドメイドで仕上げたドレスなどが登場した。各ルックのいたるところに、ブランドのアイコンである「愛」の文字や、デザイナーが愛する「猫」、コウモリなどのモチーフを散りばめた。メイク：Jewel Yang氏 ◾️Jewel Yang中国・北京出身。ロンドンを拠点に活動。中国の伝統芸能や少数民族の文化などの要素とバイオテキスタイルを組み合わせた、3Dアートのようなメイクアップを中心に手掛ける。主役のまつげは、偶然が生んだ「魚」の形⎯⎯ 今回のメイクアップのテーマを教えてください。　たくさんのつけまつげを使った、まつげが主役のメイクです。コレクションのインスピレーション源にある天使や悪魔、猫といったキャラクターから着想を得て、ドラマティックで誇張されたルックを作り上げました。⎯⎯ まつげを主役としたメイクのポイントは？　まつげを「魚」の形に仕上げています。魚のように見せようと意図したわけではないのですが、結果的に気がついたらこの形になっていました。アイラインで囲った形が魚のシルエットに、目尻や下まつげのつけまつげがヒレのように見えますよね。⎯⎯ ランウェイでもアイメイクが目を引きました。“誇張した”ルックにはどのような意図があったのでしょうか。　このルックの狙いは、誇張したアイメイクによって、キャラクターを構築することにあります。このメイクをしている時の自分と、していない時の自分は別人になる。ドラマティックなアイメイクで、普段とは異なるキャラクターを作り上げるイメージです。ドラマがありながらも、どこかガーリーな雰囲気を目指しました。昨晩ドンキで調達したリップグロスが活躍⎯⎯ 鮮やかなリップカラーも印象的でした。モデルによって塗っている色が異なりましたね。　リップの色はレッド、ブラック、パープル、ブラウン、ヌードの5色を使い分けました。あらゆる肌色のモデルがいたので、色を混ぜ合わせながら、それぞれの肌に合うカラーを作っています。⎯⎯ 使用したアイテムも教えてください。　リップにはグリースペイントを使いました。発色の良いリップスティックは乾燥しがちですが、グリースペイントは油性なので、しっとりした仕上がりになります。　そして、リップの上にはグロスをたっぷり重ねました。昨晩ドンキ（ドン・キホーテ）で購入した「マジョリカ マジョルカ（MAJOLICA MAJORCA）のリップグロス「ハニーポンプグロスNEO」も使いましたが、ボリュームのあるツヤ感が作れてお気に入りです。ドンキでコスメを買い漁るのが、日本に来る時の楽しみになっています（笑）。メイクはパワーを得るための自己表現⎯⎯ このメイクから、私たちが日常で取り入れられるポイントはありますか？　まつげですね。通常、下まつげはナチュラルなものを使う人が多いと思いますが、あえて派手なものを使うことで、目の形を大きく変えて顔全体の印象も変えることができます。例えば両サイドにつければ、蝶のようにも見せることができます。普段のメイクも、固定観念にとらわれず、より自由な発想で楽しんでほしいです。⎯⎯ 最後に、今年の秋冬のメイクのトレンドを教えてください。　最近TikTokなどのSNSでは「Clean Girl Makeup」という、ほとんどメイクをしているように見えないエフォートレスなルックが流行っていますが、私はしっかりと作り込んだメイクの方が好きです。　メイクは自己表現であり、パワーを得るための手段だと思っています。強いメイクは自信を与えてくれますし、弱いメイクは時に力を失わせることもある。もしメイクが見えなくなってしまったら、メイクが存在する意味が薄れてしまうように感じます。メイクには、いつの時代も必ずパワーが宿っていると信じています。そのパワーを使って、自分のなりたい自分を叶えるメイクをしていたいですね。ヘア：Yusuke Morioka氏 ■Yusuke Morioka兵庫県出身。2014年に渡英し、ヘアスタイリストSoichi Inagaki氏に師事。2016年からCoffin Incに、2018年からeight peaceに所属している。 国内外のファッション誌をはじめ、ブランドのキャンペーンビジュアルや、著名人のヘアスタイルを手掛ける。クラシックをあえて“外した”前髪と後れ毛⎯⎯ 今回のヘアのテーマについて教えてください。　服に装飾が多かったので、そこからクラシックでゴシックなイメージをベースに考えていきました。例えば、羽根がついているルックからは「天使と悪魔」のようなインスピレーションをもらいました。事前にデザイナーからは、1920年代のフィンガーウェーブ（波打つようなうねりをつけたスタイル）のような、前髪をくるんとしたスタイルがリファレンスとして送られてきました。⎯⎯ リボンのような形をした前髪のピースが印象的でした。　リボンというわけではないのですが、作っていくうちに、だんだんこの形になっていきました。ただ左右対称に作るのではなく、あえてバランスを崩したり、ラフな感じに落とし込んだりすることが重要でした。完璧に作るとクラシックになりすぎてしまうので、そこをどう「外す」かを意識しています。⎯⎯ 「角」のようなスタイリングも目を引きました。　後れ毛にも遊びを入れたくて、角のようなものを作り、少しキャッチーな感じを狙いました。クラシックなベースだけで進めると、綺麗になりすぎるかもしれないと感じたんです。全体をきっちりまとめつつも、遊び心を加えることでバランスを取るようにしています。⎯⎯ 使用したプロダクトも教えてください。　前髪を固めるために使ったのは、「ゴットゥービー（got2b）」の「グルード ブラスティング フリーズ ヘアスプレー」。しっかり固まるけど、柔らかい雰囲気に見せてくれるので重宝しています。前髪のピースは、髪の毛の部分をエクステ用のグルーで、おでこの部分をまつエク用のグルーでつけています。　後ろ髪は「エコスタイラー（Eco Styler）」の「オリーブオイル スタイリング ジェル」や、「ワイエスパーク プロフェッショナル（Y.S. PARK Professional）」の「パークミスト」などでまとめています。⎯⎯ ユェチ・チのショーのヘアを担当するのは今回が初めてですか？　撮影で1度ご一緒したことはありますが、ショーは初めてでした。デザイナーからのリファレンスが明確でしたし、こちらから提案したものを真摯に受け止めてくれて、ともに作り上げていくプロセスが楽しかったです。遊び心をプラスする、うぶ毛スタイリングのススメ⎯⎯ 今回のスタイルから、私たちが日常に取り入れられる部分はありますか？　前髪ですね。海外のブラックカルチャーでは、前髪や顔周りのうぶ毛をおでこになでつけるスタイリングが日常的に行われています。日本人もうぶ毛がある人は多いので、スタイリングのポイントとして取り入れてみると面白いと思います。ジェルとコームで簡単にできるので、ぜひ挑戦してみてほしいです。⎯⎯最後に、今年の秋冬のヘアのトレンドを教えてください。　トレンド自体もクラシックなスタイルが流行っているように感じます。90年代のようなボリュームのあるスタイルよりも、センターパートで分けてきちっとまとめるようなスタイルをよく見かけるように思います。特に洋服を着込む秋冬ほど、ヘアはすっきりとまとめるのが良いのではないでしょうか。（編集：上玉利茉佑）

YUEQI QI

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【バックステージ】「YUEQI QI」26SSコレクションのヘアメイクをレポート

ヴィヴィアーノ 2026春夏コレクション 　今シーズンのテーマは「ネオ・ロマンティシズム（Neo Romanticism）」。1920〜60年代のクチュールやヴィンテージピースと、1970年代のスポーツクラブという異なる時代のスタイルから着想を得て製作。ラッフルやレースなどを用いたクチュールライクなブラックのドレスをはじめ、アンティークホワイトのランジェリーや室内着、背番号とロゴがあしらわれたレトロなトラックジャケット、ポロシャツなどを融合したルックを披露した。メイク：Asami Taguchi氏 ■Asami Taguchi2002年渡米。NYでStephane Marais氏に師事後独立。17年間ニューヨークをベースに活動し、2020年秋帰国。現在は、東京をベースに国内外ブランドや雑誌、広告などを手掛ける。⎯⎯ 今回のメイクのテーマを教えてください。　デザイナーのヴィヴィアーノさんから、コレクションのテーマは「クラシック」で、黒の世界になると伺っていました。そこで、メイクでは王道の赤リップを使いたいと考えました。⎯⎯ ランウェイでも真っ赤なリップが印象的でした。　赤いリップが映えるように、目と口にポイントを絞りました。まつげは上下ともマスカラをたっぷりと塗って、“ぼてぼて”になるくらいボリュームを出しています。唇とまつげを強調するために、眉はコンシーラーやのりを使って消しています。⎯⎯ このスタイルは、どのようにして決まったのでしょうか。　ヴィヴィアーノのショーでメイクを担当するのは今回で3回目ですが、ブランドの世界観やイメージを肌で感じられるようになってきました。クラシックというテーマを聞いた時に、メイクのアイデアが自然と浮かびましたね。その中で最初に提案したのが赤リップでした。黒の世界で際立つ、王道の赤リップ⎯⎯ 使用したアイテムを教えてください。　リップは「M·A·C（メイクアップ アート コスメティックス）」の「リップスティック レトロマット」の「707 ルビー ウー」を使いました。昔から愛用しているカラーで、マットな質感とぱきっとした赤の発色が特徴です。その上から、同じくM·A·Cの「リップガラス クリア」を重ねています。⎯⎯ リップの塗り方にもこだわりがありますか？　はい。赤リップは、唇の輪郭よりもややオーバーめに大きく描くことで、より印象的な口元になるよう意識しました。その後、唇の真ん中にグロスを少しのせて、ツヤを加え、唇に立体感が生まれるようにしています。⎯⎯ 目元に使用したアイテムも教えてください。　まつげには、「ディオール（DIOR）」のマスカラ下地「ディオールショウ マキシマイザー 4D」と、マスカラ「マスカラ ディオールショウ オーバーボリューム」の「090 オーバーブラック」を塗っています。ダマになってもいいくらい、とにかくまつげにボリュームを出すことで、目元が際立つように仕上げました。リップを目立たせるための引き算メイク⎯⎯ ベースメイクはいかがでしょうか。　肌はセミマットくらいの質感に仕上げています。今回は春夏コレクションなので、クラシックな中にもフレッシュさは残したくて。そばかすがあるモデルはそれを活かすなど、完全にカバーしすぎないように意識しました。⎯⎯ そばかすのように、モデルごとにメイクを変えている部分はありますか？　基本はみんな共通のメイクですが、その人が持っている個性は活かしたいので、一人ひとりに合わせて調整するようにしました。例えば、まゆげは基本的に消していますが、元々の眉が印象的なモデルは、あえて消さずに残しています。⎯⎯ 今回のルックで、日常のメイクに取り入れられるポイントがあれば教えてください。　赤いリップを塗る時は、他の部分を“引き算”することですね。例えば、チークを使わない、ベースメイクを塗りすぎないとか。どこかにポイントを絞ってあげると、全体のバランスが取れて、ヴィヴィッドな赤リップも普段のメイクに取り入れやすくなると思います。ヘア：ASASHI氏 ■ASASHI1998年渡英、2008年帰国。東京をベースに5年間の活動を経て、2013年に再渡英。2015年ロンドン・ショーディッチにASASHI BARBERをオープン。2019年帰国し、2024年10月 東京・虎ノ門に「ASASHI BARBER TORANOMON」をオープン。現在は国内外の雑誌はじめ、広告・ファッションショーなど、ウィメンズ・メンズ問わず手掛ける。⎯⎯ 今回のヘアのテーマを教えてください。　デザイナーから伝えられたテーマは「クラシック」。その言葉を聞いてまず頭に浮かんだのが、オードリー・ヘプバーンでした。彼女のクラシックかつタイムレスなイメージ、特に夜会巻きや短い前髪といった要素から着想を得ました。⎯⎯ それらの要素を、どのようにヴィヴィアーノの世界観に落とし込んでいったのでしょうか。　ただクラシックにするのではなく、そこにヴィヴィアーノらしいパンキッシュさやモダンな要素、今っぽいテクスチャーを混ぜていきました。具体的には、モデル全員にわざと真っ黒で短い前髪をつけて、地毛とのコントラストやシャープさを際立たせています。不揃いな短い前髪でつくる“違和感”⎯⎯ランウェイでも、不揃いな前髪に目を奪われました。　めちゃくちゃ短く、わざとザクザクとした毛先、散切りような感じを残して切っています。事前に前髪を用意はしてきましたが、モデル一人ひとりに合わせて、その場で長さや幅を調整しました。⎯⎯ 前髪の色はすべて黒に統一されていましたね。　そうですね。あえて真っ黒な前髪をつけることで、地毛の色を際立たせています。眉の色とのコントラストもあって、ちょっとした違和感が生まれる。この「クラシックだけど、クラシックじゃない」という部分を狙いました。崩れているようで、まとまっているバックスタイル⎯⎯ 後ろから見たスタイルも独特のバランスでした。　バックスタイルは夜会巻き（髪を後ろからねじり上げてまとめるスタイル）がヒントになっています。ただ、夜会巻きのようにそのまま綺麗にまとめてしまうとクラシックすぎるので、いかに崩すかがポイントでした。「まとまっているけど崩れている」「崩れているけどまとまっている」という、見る人が思わず「どうなっているんだろう？」と感じるような絶妙なバランスを意識しています。⎯⎯ スタイリングにはどのようなアイテムを使われましたか？　主に使用したのはヘアピンとブラシ、そしてスプレーくらいですね。今回、プロダクトはあまり多用していません。ただ、スタイルがだらしなく見えないように、生え際や襟足だけはジェルをつけてキュッと整えています。そこがヘア全体を引き締める重要なポイントになっています。⎯⎯ このスタイルは、いつ頃決まったのでしょうか？　クラシックというテーマを伝えられたのは、まだ洋服も何もできていない段階でした。そのため、洋服を見ずに3パターンくらい考えておいて、ヘアメイクテストの時に何着か仕上がってきた服に合わせて決めました。僕の中の第一候補が、このスタイルだったんです。⎯⎯ 今回のヘアスタイルで、日常で真似できるポイントがあれば教えてください。　真似して面白いのはやっぱり前髪じゃないですかね。前髪だけのウィッグも売られているので、それを自分なりにザクザク切ってつけてみるのは面白いと思いますよ。不揃いな前髪にしている人はあまりいないですし、日によってつけたりつけなかったり、アレンジを楽しんでほしいです。おでこがどれくらい見えるかで人の顔の印象は大きく変わりますが、長さやおでこを出すバランスを調整すれば、誰でもチャレンジできると思います。（編集：上玉利茉佑）

VIVIANO

【バックステージ】　「VIVIANO」26SSコレクションのヘアメイクをレポート

街ラン、どう始める？　今回、一緒にイベントを体験するのは、モデルのMikuさん、蒼葉えるさん、Yumeさん、山田麻生さん、長谷川海乃さん。普段からロードランニングに加えてトレイルランニングや登山を楽しむというアクティブな5人と、街を散策します。　イベントでは、ランニング初心者でも気軽に参加できる「トレッドミル体験」をはじめ、表参道の街を自由に巡ることができる「スタンプラリー」や、アシックスのコーチと一緒に走るガイド付きのグループランニングなど街探索をキーワードにしたイベントを実施。自分のペースやレベルに合わせて参加コンテンツを選べるのも、このイベントの魅力です。今回は、Zero Base 表参道を拠点にしたコースでランニングを体験！ いざスタートする前に、まずはランニングの必需品・ランニングシューズ選びから。On Your Marks（準備）ランニングシューズを履いてみる　より心地よいランニング体験の提案として、会場には、アシックスのランニングシューズを試し履きできるトレッドミルを設置。3分間の試走を通して、参加者一人ひとりに合う靴選びをサポートします。ちなみに、走るのに抵抗がある人は、歩きでもトライ可能。いきなり走り始めるのではなく、シューズを履いてトレッドミルに乗ってみることで走っている自分をイメージしやすくなります。　街ランの前に、アシックスのランニングシューズの実力を知るべく、海乃さん＆Mikuさんがトレッドミルを試走！ 海乃さんは「ゲルニンバス 27（GEL-NIMBUS 27）」、Mikuさんは「ゲルキュムラス 27（GEL-CUMULUS 27）」を履いて走ります。トレッドミル上部のモニターには、会場周辺の表参道の街並みが映し出され、室内でも外にいるかのようなランニング体験を実現。「ランニング本番はこれからなのに、もう街を走った気分。いつも歩いている道なので楽しかったです」と海乃さん。 　12月にフルマラソンへの出場を予定しているというMikuさんは、普段からトレッドミルで走っているそうですが、「実は苦手」とのこと。「トレッドミルは外を走るのと違って景色が変わらないので、走った距離やペースなど数字ばかりを気にしちゃって、いつもは距離の表示をタオルで隠したり、動画を見たりして気を紛らわせているんです。今回は街を走っているかのような映像のおかげで、どこまでも走れそうでした」（Mikuさん）。Set（準備完了）自分に合う靴を選ぶ　トレッドミルでの試し履きを終えた5人は、それぞれ自分に合う靴選びへ。普段からランニングやトレイルランニングをしているというえるさんは、優れたクッション性が魅力のゲルニンバスをセレクト。「ふかふかの履き心地が気持ちいい！ クッションが自分の足に合っている感覚です」（えるさん）。 　Mikuさんが選んだゲルキュムラスは、ゲルニンバスと同じく、アシックスの定番として人気を集めるモデル。「クッション性だけじゃなく、サポートしてくれるような安定感があって、トレッドミルでも走りやすかったです」とMikuさん。全員がそれぞれに合うシューズを履いたところで、いざ、街へ繰り出します！GO!（出発）神宮外苑いちょう並木を目指して、いざスタート　靴を履いたら、いよいよ走り始めます。今回は、神宮外苑いちょう並木を目的地に設定し、国立競技場まで回って帰ってくる約3kmのコース。ウォーミングアップを済ませたら、いざランニングスタート！ 　まずは、青山通りを真っ直ぐ、いちょう並木を目指して駆け抜けます。この日はあいにくの雨模様で肌寒い気温でしたが、走っていくうちに身体がじわじわと温まってきて、ひんやりとした空気が気持ちよく感じるように。1.5kmを通過したところで、目的地のいちょう並木に到着です！ 記念に、美しい木々に囲まれながら写真撮影。　国立競技場を抜けて折り返したら、ゴールはすぐそこ。おしゃべりを楽しみながら、笑顔を絶やさずに走り続けます。ちなみに、今回皆さんが着用しているアパレルは、アシックスのウィメンズ向けランニングウェア「NAGINO（凪乃）」シリーズのもの。「ミントグリーンのジャケットは色味が絶妙でお気に入り。モチベーション維持のためにも普段から可愛いウェアやシューズは欠かせませんが、今日もウェアが可愛いお陰でテンションを上げて走れました」（海乃さん）。 　会場に戻ってきて、約3kmのランが終了。「滝行みたいで気持ちよかった（笑）。雨の中のランニング、好きかも！」とえるさん。最後に、イベント参加でもらえるヴィーガンカフェ「THE_B」のドリンクで乾杯。運動後の身体に温かいレモンティーが染み渡ります。 ◆歩いても走ってもOK！ 表参道の街を楽しみ尽くすスタンプラリーも同時開催　ランニングを終え、会場に戻ってきた5人。まずは休憩するかと思いきや、「さらに身体を動かしたい！」と挑戦したのが、同会場で行われているスタンプラリー。GPS機能を活用したデジタルスタンプラリーで、同じくイベントで配付している「街探索マップ」とともに表参道エリアの指定された場所を周り、スタンプを集めます。5人が向かったのは、表参道で毎週末開催されている「青山ファーマーズマーケット」。気になるお店を覗いたり、オーガニックのパスタを試食したりと、最後までイベントを楽しみ尽くしました。 デイリーランナーの5人に聞く、モチベーション維持の秘訣　最後に、普段からランニングをライフスタイルに取り入れている5人に、ランニングの魅力やモチベーションを維持する秘訣を聞きました。「ランニングを始めたいけど、最初の一歩が踏み出せない」という人は必見です。あなたにとって、ランニングの魅力は？ モチベーションの維持方法についても教えてください。 ランニングの魅力は、見慣れた景色でも「ここにこんなお店があったんだ」「こんなところに細い道があったんだ」と、新しい景色を発見できること。スマホを置いて街に目を向けることで、視野が広がる楽しさに出会えます。 私にとってランニングは、リフレッシュ方法の一つ。ランニングとともにスタートする1日は生活リズムが整うし、今回みたいに誰かと待ち合わせをして走るのもおすすめ。私は普段から友人と一緒にカフェを目的地に朝ランをしていますが、1人よりも“誰かと一緒”であることが、継続の秘訣です。 走ってみることで、新しい自分の気持ちに気付けたり、世界が広がる気がします。まずは一歩、外に踏み出してみることで、その一歩がさらに次の一歩につながっていきます。走ることに抵抗があるなら、街歩きから始めてみても良いと思います。 ランニングは、継続が一番大事。無理して追い込むのではなく、走り続けることが大切です。形から入るのもおすすめで、私は好きなウェアを着てテンションを上げて走ることでモチベーションが維持できています。まずは可愛い靴やウェアを手に取ってみることから始めても良いかも。 自ら身体を動かしてデトックスできるのがランニングのいいところ。走る前は少し憂鬱な気分でも、走り終わる頃には不思議と気分が上がって前向きになっていたりします。距離やペースなどの難しいことは考えず、まずは走り出してみましょう！　アシックスと、ポジティブにランニングを楽しむ5人とともに体験した“街ラン”。まだランニングを始めていないあなたも、好きな街を好きな仲間と走ることで、新しい景色に出会えるかもしれません。

ASICS

Sports

ランニング、どう始める？ アシックスが提案する“街ラン”のススメ

エディ・スリマンとは？　エディ・スリマンは、1968年にフランス・パリで誕生。ドレスメーカーだった母親の影響で幼い頃から服作りに親しみ、世界有数の難関校「パリ政治学院」で政治学を、その後「ルーブル美術学校」で美術史を学んだ。多くのデザイナーと異なり、服作りは独学で身につけた。　ルーブル美術学校卒業後の1992年に、フランスのファッションブランド「ジョゼ・レヴィ（Jose Levy）」に加わり、ファッションディレクターまでを務めた。その後1994年から1997年までジャン・ジャック・ピカール（Jean-Jacques Picart）の元でアシスタントを務め、その際ピカールが参加していた「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」のモノグラム･キャンバス誕生100周年記念プロジェクトにエディも携わることになった。　この頃、イヴ・サン・ローラン（Yves Saint Laurent）の長年のパートナーとして知られるピエール・ベルジェ（Pierre Berge）がメンズウェアデザイナーを探していたため、ピカールがエディを紹介。デザイナーとしては全く無名だったが、1997年から「イヴ・サンローラン・リヴ・ゴーシュ・オム（Yves Saint Laurent rive gauche HOMME）」のアートディレクターに就任し、メンズラインの活性化に努めた。1998年からは、同ブランドのジーンズラインも手掛け、ファッション業界にエディ・スリマンの名前を轟かせた。しかし、2000年にグッチグループがブランドを買収したことをきっかけにエディは退任した。　2000年から2006年までは、「クリスチャン ディオール ムッシュ（Christian Dior MONSIEUR）」から改名した「ディオール オム（DIOR HOMME）」の初代クリエイティブディレクターに就任。「ロック」要素と「少年性」を取り入れた全体的に細身なシルエットを特徴とし、「スキニーパンツ」や「ナロータイ」などシンプルでスタイリッシュなアイテムを多くデザインし、モードな要素を日常に落とし込むスタイルを確立させた。エディが在籍していたこの期間のディオールは「エディ期」と呼ばれカルト的な人気を博した。カール・ラガーフェルド（Karl Lagerfeld）が、ディオール オムの服を着るために減量したというエピソードは、ファッションの世界では有名な話だ。　退任後は、一時期フォトグラファーとして活動したのち、2012年に全コレクションを統括するクリエイティブディレクターとして「サンローラン（SAINT LAURENT）」にカムバック。メンズのみならずウィメンズやアクセサリー、ショップデザインなども監修した。また就任してすぐに、YSLを重ねたイブ・サンローランの有名な「カサンドラ」ロゴを廃止し、ブランド名を「サンローラン（SAINT LAURENT）」に一新。コレクションでは、ディオール オムから引き続き「ロック」と「少年性」を突き詰め、細身のスタイルを提案。レザージャケットやリングブーツ、スキニーデニムなどの大ヒットアイテムを生み出し、売り上げを3年間で2倍に伸ばすなどブランドの成長に貢献した。サンローランでのラストコレクションは、2016年秋冬となる。　2018年からは、フィービー・ファイロ（Phoebe Philo）の後任として「セリーヌ（CELINE）」のアーティスティックおよびクリエイティブディレクター、イメージディレクター（artistic, creative and image director）に就任。当時セリーヌにはメンズラインが存在しなかったことから、これまでメンズのデザインを多く手掛けてきたエディの起用は大きな話題を呼んだ。就任してすぐに、サンローラン時と同様にロゴを一新。フランスの強調記号を無くし、シンプルなロゴマークへと変えた。2021年スプリングコレクションからはメンズコレクションの名称を「セリーヌ オム（CELINE HOMME）」に変更し、メンズとウィメンズがはっきり分けられるようになった。2024年10月にエディ・スリマンはセリーヌを退任。2025年10月時点で、今後についてはまだ明らかにされていない。フォトグラファーとしての顔　エディは、11歳の頃からカメラを持ち写真を楽しんでいた。2002年には初のモノクロ写真集「berlin」を出版。また2000年以降、不定期で個展を開催するなど、ファッション業界に入ってからもフォトグラファーとしての活動は続けていた。ディオール オム退任後は、本格的にフォトグラファーとして活動。世界中を旅したその様子をカメラに収めており、写真は公式サイト「Hedi slimane diary」で見ることができる。　サンローランのクリエイティブディレクターに就任してからは、自らヴィジュアルフォトを撮影することも。2013年にはモデルにアメリカのヘヴィ・ロックミュージシャン マリリン・マンソン（Marilyn Manson）やCourtney Love（コートニー・ラブ）、Kim Gordon（キム・ゴードン）、Ariel Pink（アリエル・ピンク）を起用したキャンペーンヴィジュアルを発表し、エディが全ての撮影を担当した。　このほかにも、2017年1月号仏版「ヴォーグ（VOGUE）」の表紙を飾ったカール・ラガーフェルド（Karl Lagerfeld）とリリー・ローズ・デップ（Lily-Rose Depp）を撮り下ろしたことでも知られている。一貫してモノクロ写真というところもエディの特徴である。生み出した数々の名作　エディ・スリマンは数々の名作を生み出してきており、現在もその人気は衰えを知らない。2次流通市場では高値で売買されている。ディオール オム（DIOR HOMME） 　2001年から2007年までの「エディ期」で代表的なアイテムといえばデニムパンツのスキニーモデル「ジェイク（JAKE）」。2007年秋冬に登場し、以降様々なデザインのものが発売された。ストレッチのきいたタイトな着心地が特徴で、膝やヒップ部分にダメージ加工が施されている。このほかにも、「デストロイコーティングデニム」や「アイスブルーシリコンコーティングデニム」、「ナポレオンジャケット」、「スモーキングジャケット」などが代表作として挙げられる。サンローラン（SAINT LAURENT）　サンローランのデザイナーに就任してからは、さらに細身でロックなスタイルを提案。一般的なスキニーパンツの裾幅よりもさらに細くしたスーパースキニーや、「L01モーターサイクルジャケット」、「L17モーターサイクルジャケット」といったレザージャケット、「テディジャケット」などロックテイストながらどこか品のあるアイテムを展開した。アパレルアイテム以外にブーツも有名で、「ワイアットチェルシーブーツ」は不動の人気を誇っている。セリーヌ（CELINE）　これまでにメンズアイテムを手掛けてきたことで知られるエディだが、セリーヌでは「セーズ（16）」や「トリオンフ（TRIOMPHE）」、「セー（C）」といった数々のバッグをデザイン。ブランドの新たなアイコンバッグとなりウィメンズからの支持も得ている。ほかにも、ユニセックスで着用できる「ダブルボタントレンチコート」やロゴが大きくプリントされているTシャツなどのヒットアイテムを生み出した。エディ・スリマンの来歴＜1992〜1994年＞「ジョゼ・レヴィ（Jose Levy）」に加わりファッションディレクターまで勤める。＜1994〜1997年＞ジャン・ジャック・ピカールの下でアシスタントを務める。＜1997年＞「イヴ・サンローラン・リヴ・ゴーシュ・オム（Yves Saint Laurent rive gauche HOMME）」のメンズウェア アートディレクターに就任。＜1998年＞サンローランのジーンズラインも担当するようになる。＜2000年＞グッチの買収劇の中、イヴ・サンローランを離れる。 「ディオール オム（DIOR HOMME）」立ち上げ。初代アーティスティック・ディレクターに抜擢される。＜2002年＞CFDA（Council of Fashion Designers of America）により「デザイナー・オブ・ジ・イヤー」に選ばれる。＜2006年＞2007年秋冬コレクションをもって退任。（2006年まで在籍）＜2012年＞「サンローラン（SAINT LAURENT）」のクリエーティブディレクターとして全コレクションを統括。＜2016年＞サンローラン退任。＜2018年＞「セリーヌ（CELINE）」のアーティスティックおよびクリエーティブディレクター、イメージディレクター（artistic, creative and image director）就任。＜2023年＞セリーヌ オム（CELINE HOMME）」で、エディ・スリマンがパレ・ド・トーキョーにて20年ぶりにショーを開催。＜2024年＞セリーヌ退任。▼他のデザイナーの来歴 ハイファッションとストリートを融合するメンズ界の異才、キム・ジョーンズとは？ ルイ・ヴィトンに抜擢された初の黒人デザイナー、ヴァージル・アブローとは？ 「ジバンシィ」新ディレクターに就任したマシュー・ウィリアムズとは？ アレッサンドロ・ミケーレが恋しかった　燦然たる来歴を振り返る 鬼才 ジョナサン・アンダーソン　書き換えたアヴァンギャルドの方程式

Fashion

独学で世界的デザイナーに　エディ・スリマンの異色の経歴

アキコアオキ 2026春夏コレクション 　今シーズンのテーマは、「ユニフォーム」をブランドの一つの軸に据えてきたアキコアオキにとっての「カジュアル化」。フォーマルとカジュアル、ドレスアップとドレスダウンという、一見対極にある2つの要素の間のグラデーションを表現した。クラシカルなテーラードやスーチングスタイルを軸に、ランジェリーやナイトドレス、ガーターベルトといった“女性が親密なムードで部屋の中で着るもの”と、スウェットやポロシャツなどの“カジュアルウェア”を多様な形で融合させたアイテムやルックを展開。メイク：M·A·C 池田ハリス留美子氏 ■池田ハリス留美子1998年にキャリアをスタートし、化粧品メーカーでの経験を経て2002年にM·A·Cに入社。表参道ヒルズ店で店長を務めた後、2007年に渡米しメイクアップアーティストKABUKIに師事。2009年からはNYのM·A·C PRO SHOW ROOMで活動。2014年に日本のM·A·Cシニアアーティストに就任。NY、パリ、ミラノなど世界のファッションシーンで活動し、個々の魅力を引き出すメイクを追求している。⎯⎯ まず、今回のメイクのテーマを教えてください。　テーマは「スーパーナチュラルなマネキンスキン」です。ファッション、メイク、ヘアのいずれにおいても、今はとにかく“リアル”なものがトレンド。デザイナーの青木（明子）さんからも、“リアルさ”というリクエストがありました。ただリアルであるだけでなく、そこからどのように表現していくかが大切です。今回は、スーパーナチュラルとマネキンという言葉を組み合わせています。⎯⎯ スーパーナチュラルなマネキンスキンとは、どういうものでしょうか？　マネキンのように、ただ血の気がない状態を指すものではありません。きちんと血色感を感じさせ、自然なツヤのある肌でありながら、隙のない整った肌であることがポイントです。「スーパーナチュラルなマネキンスキン」の作り方⎯⎯ベースメイクはどのように作られているのでしょうか？　赤みやくすみを抑えること、そして肌への密着度が重要です。いかに薄膜で、いかにリアルで、元々そうであったかのように見せるか。ノイズをきちんと抑えることで、その人本来の美しさを引き立たせることができます。⎯⎯ 使用したアイテムを教えてください。　ノイズを消すだけでなく、肌本来のツヤ感とみずみずしさをプラスするために、「スキンフィニッシュ ライトストラック リキッド ハイライター」の「ライトスカペード」を使用しました。肌色や肌質を問わず自然となじみ、内側から湧き出るのような濡れたツヤをもたらしてくれます。うるおい感がありながらも、ヨレにくい点がポイントです。⎯⎯ 塗り方のポイントはありますか？　ノールールなので、自由に取り入れてほしいですね。スキンケアとして仕込んでもいいですし、日やけ止めの前後でもいい。メイクの途中に差し込んでも、終わってからでも、化粧直しにも使えます。乾燥やくすみが気になるところはもちろん、ボディにも使用可能です。ヨレにくい肌への密着感を活かし、自由に使ってほしいです。⎯⎯ とはいえ、自由にと言われると難しいところがあります。日常のメイクに取り入れる上で、コツがあれば教えてください。　ファンデーションの前に、目元の周りに広めに塗る「ゴーグルづけ」がおすすめです。骨格を強調したい部分であり、くすみも気になる部分なので、そこをしっかり整えておくと、頑張っている感のない、自然な立体感を出すことができます。リアルな質感を生むリップメイク⎯⎯ 目元や口元など、ポイントメイクも教えてください。　今回は唇にもこだわりました。唇を自然にプランプさせるため、まずリップベースとして「リップガラス ブロウ」と「リップガラス エアー」の「フローズン」を使いました。これらを使うと唇がふっくらと見え、縦ジワが目立ちにくくなるので、つるんとした立体感のある口元に仕上がります。　その上に「パウダー キス リキッド リップカラー」の「953 バフィスト」を重ねました。スフレのようにふわっとした質感で、指でくるくるとなじませると、表面がなめらかになり自然と肌に溶け込んでいきます。リアルさの中にも、少しアップデートされた今っぽい質感が表現できます。また今回はモデル一人ひとりが異なる個性を持っていたので、マットに仕上げたモデルと、さらにツヤを足したモデルを揃え、それぞれの魅力を引き立てることを意識しました。⎯⎯ 最後に、今年の秋冬のメイクのトレンドを教えてください。　先ほどお話ししたマネキンスキンもそうですが、もう一つは「グレイシャル」なツヤ感。グレイシャルとは「氷河」を意味し、クールトーンの輝きを表現するものです。また、血色感についてもこれまでは春夏からインスパイアされたヘルシーなトーンが多かったですが、今は少し寒いところにいて頬が色づいたような“低温度な血色感”が新しいなと思います。ヘア：TONI&GUY 雑賀英敏氏 ■雑賀英敏1996年に渡英し、TONI&GUYへ入社。その後インターナショナルアーティスティックチームの一員としてさまざまなブランドのコレクションショーに携わる。2010年に帰国し、現在はTONI&GUY JAPAN代表を務めながらショーやルック撮影に参加し、ヘアデザインを手掛ける。アジア諸国を中心にセミナーも行い、ロンドンとの懸け橋として活動中。⎯⎯今回のヘアのテーマを教えてください。　今回のコレクションから、僕が受け取ったヘアのテーマは「上質なナチュラル」です。その人が持つナチュラルさをどこまで引き出せるか、ということでした。⎯⎯ 「上質なナチュラル」とは、具体的にどのようなスタイルでしょうか？　作り込みすぎず、“寝起きでかきあげたぐらい”のイメージです。やりすぎてもダメだし、やらなすぎてもダメ。カールやクセ毛など本人の髪を活かしつつ、少し上品に見せる。それでいて、自然に髪が動くぐらいのテクスチャーを目指しました。頑張りすぎない“上質なナチュラル”⎯⎯ どのようにスタイリングを組み立てましたか？　ヘアスタイルを4つのグループに分けました。1つはクリーンでツヤのあるストレート。もう1つは少し動きがあるスタイル。次に、元々カールが強いクセのある髪質のグループ。最後はヘッドアクセサリーをつけるグループです。⎯⎯ モデルによって、かなり異なる仕上がりに感じました。　はい。一人ひとりインディビジュアル（個性的）でありながら、グルーピングもするというのが、デビュー当時からの青木さんの傾向かなと感じています。⎯⎯ 青木さんからリクエストはありましたか？　スタイルの提案は僕から行いますが、どのモデルにどのスタイルを、というのは青木さんが指定しています。　基本的なスタイルは事前に決定していて、当日の朝に「この子どうしようか迷っている」といった相談や、前髪の細かい角度の調整など、青木さんと一緒にディテールを詰めています。⎯⎯ スタイリングに使用したアイテムを教えてください。　スタイルに関係なく、全員に使ったのは「レーベルエム（LABEL.M）」のワックススプレーです。スプレーを振ってコームをかけると、パヤパヤした浮き毛を抑えられ、少し上品なイメージにすることができます。他にもそれぞれの髪質に合わせて、オイルやクリーム、ワックスを使い分けています。⎯⎯ 日常でナチュラルなスタイリングを再現するコツはありますか？　髪が乾ききってパサっとしているところに、少し水分やオイルを持たせてから自然乾燥させると、より良いナチュラル感が出ます。熱を使うと髪が広がってしまうので。また、全体を巻くのではなく、必要なところだけ部分的に巻くのもポイントです。⎯⎯最後に、今年の秋冬のヘアのトレンドを教えてください。　どんなスタイルでも「頑張りすぎない」ということですね。決めすぎていないスタイリング。毎年「ナチュラル」という言葉は出てきますが、その中身は常に変化しています。僕もショーの現場で、洋服やモデルと触れ合いながら、最新のナチュラルを感じ取るようにしています。（編集：上玉利茉佑）

AKIKOAOKI

M·A·C

【バックステージ】　「AKIKOAOKI」26SSコレクションのヘアメイクをレポート

D2C戦略の苦境から「原点回帰」へ　スポーツ業界を牽引してきたナイキは、厳しい業績不振に直面している。ランニングシューズ市場では「オン（On）」や「ホカ（HOKA）」といった新興ブランドが急速に存在感を高める一方、同社はD2C戦略への大規模な転換以降、販売に苦戦。過去数年にわたり、直営店販売とEC事業を強化するため、アマゾンやフットロッカーといった主要量販店への卸売りを制限した結果、販売チャネルの縮小を招き、主力である直営店売上も減少する事態となっていた。直近の2025年5月期の業績は、売上高が前期比で約1割減、営業利益も大幅に減少するなど、深刻な減収減益に見舞われ、2024年12月～2025年5月期決算は5四半期連続で減収を記録。立て直しが求められていた。　こうした苦境に対し、ナイキは大きな舵を切った。2024年10月、過去32年間にわたってナイキの要職を務めたエリオット・ヒル氏を新たなCEOに迎え、「原点回帰」を掲げて事業の転換を図っている。同氏の就任以降、最優先課題として取り組んできた卸売事業は回復基調にあり、直近の決算では前年比7%増、特に北米市場では11%増と復調を見せた。売上高全体もわずかながら増加に転じたものの、純利益は依然として大幅な減少を記録しており、収益性の改善は喫緊の課題となっている。こうした状況を踏まえ、看板商品である既存ランニングシューズのカテゴリー再編を進めるなど、ブランドの核となる領域での立て直しに注力している。企業文化の変革が支えるイノベーション　トップ交代に伴い、社内体制も変化を遂げている。長年、フットウェア部門のバイスプレジデントを務めてきたフィル・マッカートニー氏が、ナイキの全てのプロダクトを司る新たな役職「最高イノベーション・デザイン・プロダクト責任者」に就任。プロダクト、デザイン、イノベーションを一つの組織に統合することで、社内全体でアスリートに向き合ったものづくりへの意識が強まっているという。　こうした社内変革の背景にある企業文化について、ナイキのチーフイノベーションオフィサーを務めるトニー・ビグネル氏は「エリオットがCEOに就任したことで、遊び心のある攻めた商品開発ができるムードが戻ってきたように感じます」と話す。「何かを作る時、チームスポーツと同じで、自信と遊び心がないと最高のパフォーマンスは発揮できません。最近は『うまくいかなくても失敗から学べばいい』という大胆さを孕んだ意識が高まっているように感じます。創業者のビル・バウワーマンもフィル・ナイトも、常に“正攻法ではない勝ち筋”を見つけようとする反骨精神を持っている人でした。そしてものづくりの根底にあるのは、アスリートを、スポーツを、より良く、楽しいものにしていく。『スポーツは楽しいものであるべきだ』という精神です」。この新たな企業文化こそが、ナイキが苦境から脱却し、再びイノベーションを生み出す源泉となっている。次世代のプロダクト群が示す未来　こうした企業文化と「アスリートファースト」への回帰が結実したのが、冒頭で触れた革新的なプロダクト群だ。その一つが「プロジェクト・アンプリファイ」。ランニングとウォーキング用の世界初のパワード（電動）フットウェアシステムとして開発され、2021年冬に初代プロトタイプが完成。その後、改良を重ね、昨年夏に最新版となる4代目のプロトタイプが完成した。現状、今回発表された中では最も商品化から遠いが、電動モーターを取り付けたスニーカーのヴィジュアルは、否応なしにワクワクさせられる視覚的な楽しさを覚える。　開発責任者のマイケル・ドナヒュー氏は「アンプリファイはまだ発展途上で、商品化まではこの先何ヶ月、何年かかるのかはわかりません。自信の持てるプロダクトに至ったときが、正式なローンチ時期となります」とコメント。製品化に向けて、10キロ走り続けられるバッテリーの稼働時間を担保することを目標に掲げ、目下開発に取り組んでいるという。近年、ランニングシューズは軽量化やソールの改良など、どのメーカーも一辺倒なアップデートが続いている印象があるが、アンプリファイはアスリートにとってのストレスを軽減する「無駄を省く」開発ではなく、あえて「パワーを与える」プロダクトとして、電動自転車のように歩きや走りといった足の動きをサポートする。そこには、ナイキを他社と大きく差別化する、「アスリートファースト」による別視点のエッセンスが色濃く感じられる。　「サーマフィット エア ミラノ ジャケット」は、ナイキならではの空気（Air）を初めてアパレルに取り入れたことで、同社が歩んできたイノベーションの軌跡を体現。近年、同社が注力するアウトドアライン「ACG」の強みであるデザイン性と機能性を両立しながら、ダウンや化学繊維などの断熱素材に頼らないアウターウェアの可能性を探求した。「1978年からフットウェアに使われてきた『ナイキ エア』が今回、初めてアパレルに応用されたように、我々が持つ力をフットウェアからアパレル、あらゆるアクセサリーへと応用していくことで、さらにアスリートのポテンシャルを高めていきたいと考えています」（フィル・マッカートニー氏）。エア ミラノとアンプリファイの例からは、同社が原点に立ち返りながら新しい形へと変容を遂げていることが伺える。モットーは“本物であること”　「アスリートのために」をモットーに製品開発を続けてきたナイキは、スポーツのみならず、ファッションシーンでも存在感を示してきた歴史がある。マッカートニー氏はファッション文脈での評価について「ナイキ及びジョーダン ブランドが世界的にクールなブランドになったのは、それらが『本物』だから」だと分析する。ナイキが考える「本物」とは、「常に新たなイノベーションを追求しながら、スポーツとアスリートにフォーカスし、本物のスポーツブランドであり続ける」こと。「トレンドを追いかけるのではなく、常に最先端を進んでいく。我々が重視するのはあくまで機能性ですが、どんなに革新的な機能を持っていても、見た目がかっこよくなければ、誰も着たいと思いません。機能性と美しさが両立して初めて、人々の心に響くプロダクトになります。そうしたナイキにとっての理念を追求した結果、ストリートでも魅力を高めてきたのだと考えます」。「本物であること」へのこだわりこそが、イノベーションや「原点回帰」の核となるブランド哲学だ。　今回発表されたプロダクト群は、2026年に開催を控えるミラノ・コルティナ2026冬季オリンピックやFIFAワールドカップ26を機に、世界に披露される。ビグネル氏は、直近の世界大会はもちろん、創業地での開催となるロサンゼルス2028夏季オリンピックへの期待を煽る。「2028年は自国開催となるので、さらに画期的なイノベーションや、より消費者に身近に感じてもらえるプロダクトも発表できる予定です。ぜひ楽しみにしていてください」。　「身体さえあれば誰もがアスリートである（If you have a body, you are an athlete.）」。創業者 ビル・バウワーマンの言葉を胸に、トップアスリートだけではなく、体を動かす全ての人のために、ナイキの挑戦はこれからも続いていく。

NIKE

“遊び心あるものづくり”に回帰、最新プロダクト群で見えたナイキの新章

世界初の電動ランニングシューズができるまで　プロジェクト・アンプリファイは、ランニングとウォーキングにおける足の動きをサポートし、アスリートが“より速く、より遠くへ、少ない労力で進む”ことを叶えるために開発。ウェアラブルロボティクスを手掛けるDephyをパートナーに迎え、カーボンファイバープレートを搭載した専用のランニングシューズに、軽量で高性能なモーターと充電式バッテリー内蔵の駆動ベルトを結合した設計で、運動時の足の動きを自然に「増幅（Amplify）」させる機能を備えています。商品化におけるターゲットは、“動きたいすべての人”。電動自転車のように、徒歩通勤の距離を延ばしたり、ランニングの距離を増やしたりといったアクティビティの選択肢や可能性を広げ、多くの人の日常に溶け込むプロダクトを目指しています。　発表に際し、ナイキのバイスプレジデントを務めるマイケル・ドナヒュー氏は「プロジェクト・アンプリファイは、『もっと少ないエネルギーで、もっと速く、もっと遠くへ、しかも楽しく動く方法を見つけられるのでは？』という一つの問いから始まりました。このフットウェアシステムの本質は、あなたの一歩に自然なパワーを加えること。『自分が思っていた以上のことができる』という体験とともに、体を動かすことの楽しさを提供します」と、期待感をあらわにします。　アンプリファイの開発では、本社に位置するナイキ スポーツ研究所（Nike Sport Research Lab、以下NSRL）の動作アルゴリズムのデータを活用。能力や強度の異なるアスリート400人以上を対象にしたNSRLでのテストをもとに、「上り坂でも平地を歩いているような感覚」を実現。テストでは、普段1キロ7分で走るランナーのペースが1キロ5分になったケースもあったのだそうです。筆者はまさに1キロ7分ほどで走るランナー。マラソンでは、距離に比例してどんどんペースが下がってしまうのが常ですが、そんな悩みを吹き飛ばしてくれそうなアンプリファイに、思わず期待せずにはいられません。気になる履き心地は？ トラックを試走してみた　今回の取材では、アンプリファイの最新プロトタイプを装着し、NSRLの陸上トラックを試走！ 未知の体験をレポートします。　装着の手順は以下。ものの数秒で装着できる手軽さで、着用ハードルの低さを実感しました。①専用のランニングシューズを履いて、ダイヤル式のシューレースを回してサイズ感を調整。②シューズのかかとに駆動ベルトを結合し、ふくらはぎにバッテリーを巻き付ける。　装着が完了したら、専用のコントローラーでモーターのスイッチをON。着用感に慣れるため、トラックを歩くところから始めました。　まず感じたのが、蹴り出しの際に足を持ち上げられているような感覚。跳ねるような動きでサポートしてくれるので、そこまで力を入れなくても力強い一歩を踏み出せている実感がありました。担当者からは、「ふくらはぎの筋肉を増強するような感覚」との説明がありましたが、まさにそのようなイメージ。ただ、自分自身の筋肉というよりは足だけがロボット化したような感覚もあり、スムーズにコントロールするにはコツが必要で、慣れるまでに少し時間がかかったのが正直なところです。　トラックを2周し、徒歩での履き心地に慣れてきたら、いざ走り出します。動きの速度を変える際にはモードを切り替える必要はなく、身体の動きに合わせてシームレスにサポートしてくれます。軽くジョグするくらいのつもりで足を蹴り出すと、想定以上のスピードが出て驚き。デバイスを付けているにも関わらず重たさは感じず、むしろ軽快な足運びができて感動です。そのままトラックを2周走り終えたところで、体験は終了。シューズを脱いだ途端に足の重さを感じ、アンプリファイが持つパワーを実感しました！　ちなみに、今回の現地取材では平面のトラックのみを歩行・走行しましたが、上り坂ではよりモーターの効果を発揮するのだそう。また、階段でも上り坂と同様の履き心地を実現するため、現在も改良を続けています。数年以内に商品化へ　実際に履いてみて、装着の手軽さや軽快な足運びの楽しさを感じた一方で、近未来的な見た目から、実用化される未来が見えにくいと感じたのが正直な感想。先進的なプロダクトが故に、一般消費者にとっては縁遠く感じられてしまうのではと思ってしまいました。そんな課題に対し、デザインチームは「過去の製品と同じように見られるのではなく、新しく、美しく、面白いものだと感じてほしい」という思いのもと、今も日々開発に取り組んでいるといいます。また、現状は日常使いされることを想定した製品開発に従事していますが、今後は医療分野など、さまざまな用途での活用も視野に入れているとのこと。　「今はまず、より多くの人々に、身体を動かすことの楽しさを体験してもらいたいと考えていますが、将来的にリハビリなどの医療用プラットフォームとなり得る可能性はあると思います。エリウド・キプチョゲ選手が2時間切りに挑戦した際に着用した「ナイキ ズームX ヴェイパーフライ 4％」はランニング効率を4%向上したシューズですが、アンプリファイは、それをはるかに超えるランニング効率の改善が見られます。ただ、一番重要なのは数字ではなく、装着した人が楽しく笑顔で体を動かせるようになること。ヴェイパーフライが多くのエリートランナーの世界を変えたように、アンプリファイを通して、日常のアクティビティを楽しむ多くの人々に『4％』のような体験をもたらすことができると信じています」（マイケル・ドナヒュー氏）。アンプリファイは今後数年以内の商品化を目指し、改良を重ねています。

まるでSF？ ナイキが開発した電動ランニングシューズを履いてみた

イン 2026春夏コレクション 　ブランド設立10周年を記念した同コレクションのテーマは、「日常への招待」。10年間ブランドを継続できたことへの感謝の気持ちと、ブランドが描く新たな女性像や価値観を反映し、ささやかで平凡ながらも特別な「日常」を表現。日常的でクラシックなアイテムや要素をベースとしながらも、ディテールやフォルム、スタイリングにブランドらしいエレガントさとアンバランスさをプラスした。メイク：RMK 金子真二氏 ■金子真二RMK シニアメイクアップアーティスト。高い追及思考と分析力で、感性だけではなく理論的にメイクを解説。クリエイティブディレクターYUKIのエッセンスを一番近くで引き継いでいるスペシャリスト。ブランド公式SNSでのルック開発も担当し、RMKの世界観を体現した発信も行う。⎯⎯ まず、今回のメイクのテーマを教えてください。　今回は、ツヤ肌を主役にルックを作りました。当初、セミマットな肌とツヤのあるグロウスキンの両方を提案したところ、デザイナーの印（印致聖）さんが、フレッシュな仕上がりが今回の世界観に合っているとのことだったので、グロウスキンを採用しました。⎯⎯ デザイナーから、メイクに対するオーダーは他にありましたか？　その人本来の美しさを引き立てる、ナチュラルな仕上がりを希望されていました。これは近年のトレンドとも重なる部分だと思いますが、素肌っぽさや透明感を残し、モデルそのものの魅力を活かすことを心がけました。フレッシュなツヤ肌を支えるRMKのリキッドファンデーション⎯⎯ 今回のポイントであるツヤ肌は、どのように作られているのでしょうか？　アールエムケーの「リクイドファンデーション フローレスカバレッジ プラス」を使っています。一般的に、パール入りのファンデーションはツヤと立体感をもたらす一方で、乾燥しやすいという課題がありました。でも、これは自然なツヤを叶えながらも乾燥しにくい。だから化粧持ちも良いんです。⎯⎯ 使い方のポイントはありますか？　ナチュラルに仕上げたい時は、指やブラシでさっとすべらせるように広げます。個人的にはブラシを使って、薄い膜を肌にまとわせるように塗るのがおすすめです。　カバー力を高めたい、もっとツヤを出したい時は、指に取って優しくタッピングするように重ねてなじませていくと良いです。何度重ねても自然と肌に溶け込んで、厚塗り感が出にくい。ツヤに厚みを出すこともできますし、カバー力も調整できます。⎯⎯ ランウェイでもモデルさんの艶やかな肌が印象的でした。　そうなんです。ただ、今回のファッションが大人っぽく綺麗めなスタイリングなので、単にツヤ肌でフレッシュに仕上げると、少しほっこりした感じというか、優しく柔らかい印象になりすぎてしまうと思ったのです。アイブロウで洗練された力強さを演出⎯⎯ フレッシュさと大人っぽさのバランスをどのように取ったのでしょうか？　アイブロウをキリッとシャープに仕上げることで、ヌーディなメイクアップでありながらも、強さがあり顔全体が引き締まって見えるよう意識しました。⎯⎯ アイブロウメイクについても、詳しく教えてください。　まず、パウダー「アイブロウ パウダー デュオ」で影を作って、眉の輪郭を整えます。次に、「アイブロウ スタイラー」という極細のペンシルで、まゆげ1本1本とその影を描くようにグラデーションをつけていきます。　まゆげの隙間が気になる人は、ペンシルで埋めると重い印象になってしまうことがあるので、リキッドタイプのペンで毛を1本ずつ描き足すようにします。眉頭の毛が少ない人も、これを使うと自然な印象に仕上がります。RMK クリエイティブディレクターのYUKIも、最近はアイブロウにこだわっていて、推しているアイテムです。⎯⎯ リップやアイシャドウなど、他のパーツはいかがでしょうか？　唇や目元に色味はほとんど入れていません。アイブロウをしっかり描いているので、色を足すとヘルシーで健康的に見えすぎてしまう。今回はクールさを出すために、コンシーラーで唇の色味を抑えています。グロスとして「リップ ルミナイザー」を使っていますが、肌のツヤと唇のツヤを一体化させるためです。唇の厚みを出すというより、肌と揃えて全体的な調和を図るイメージですね。⎯⎯ 今回のメイクを日常に取り入れるためのアドバイスはありますか？　ツヤ肌に仕上げるベースメイクはぜひ真似してほしいです。ファンデーションは年々進化していますが、そのポテンシャルを最大限に引き出すのはスキンケアなんですよね。今回もかなりツヤツヤにしていますが、それもスキンケアがあってこそ。普段のメイクでも、スキンケアにひと手間かけてからファンデーションを使ってあげると、アイテムの良さがより引き出されると思います。⎯⎯ 今年の秋冬、注目しているメイクトレンドを教えてください。　ポイントメイクでは、偏光パールが人気ですよね。色や濃淡で表現するより、質感でメイクするのがトレンドではないでしょうか。偏光パールが光の当たり方によってグラデーションを作るように、グロウスキンも光を受けることで骨格が際立ちます。アジア人の肌はキメが細かくツヤが出やすいので、無理にシェーディングをしなくても、質感を意識してメイクをすると意外と簡単に、立体感のある美しい肌を作ることができます。ヘア：Yu Nagatomo氏 ■Yu Nagatomo2016年から2022年までイタリア・ミラノを拠点にファッション業界で経験を積み、その後東京に拠点を移して国内外の雑誌や広告で活動。シンプルでありながら洗練された美しさのあるスタイリングで、モデルの個性を引き出すことを大切にしている。⎯⎯ 今回のヘアのテーマを教えてください。　今回は、全体の統一性を重視しました。服がシックで上品なデザインが多いため、個々のモデルの個性を活かすよりも、コレクション全体としての調和を意識しています。そして、ショー会場（港区・赤坂の草月会館）に水が流れていることに着想を得て、ストイックな女性像を表現しました。ただ“綺麗”なだけでなく、フェミニンすぎない、かっこよくて研ぎ澄まされた雰囲気です。⎯⎯ そのイメージはどのように作り上げていきましたか？　フィッティングの時に、デザイナーの印さん、スタイリストのMarie Higuchiさん、メイクの金子さん、みんなでどういう風にしようか話し合って決めました。今回、印さんと初めてご一緒させていただきましたが、パーソナリティや服作りへの姿勢は共感できる部分も勉強になる部分も多く、すごく楽しかったです。スタイリングを考える上で、スムーズにコミュニケーションを取ることができました。ストイックな女性像を表現するスリックバック⎯⎯ ヘアデザインにおけるこだわりやポイントを教えてください。　特にこだわったのは、髪のラインと、その流れる方向ですね。分け目を作ったモデルもいれば、スリックバック（髪をなでつけるようにタイトにまとめたスタイル）にしたモデルもいますが、髪の流れる方向によっては、すごくフェミニンに見えてしまうんですよ。今回は女性らしさを抑えたかったので、分け目をまっすぐピシッと整えたり、顔まわりの髪を水平に流したり、力強い印象を作るよう意識しました。⎯⎯ どのようなスタイリング剤を使いましたか？　主にハードジェル、ヘアムース、クリームなどクラシックなプロダクトを使っています。メインで使用したのは「オリベ（ORIBE）」の「グランディオーズ ヘア プランピング ムース」。スタイリングのキープ力が高いので、お気に入りです。⎯⎯ このヘアスタイルを日常に取り入れるとしたら、どんな風に楽しめそうでしょうか？　日常であればジェルを使わなくても、スリックバックはかっこいいと思います。最近のアジアの女の子はニュアンスのあるアンニュイなスタイルが人気ですが、もっとかっこつけている女性がいても素敵だな、と。昔の日本の女性がヴィヴィッドな赤リップをまとっていたように、きっちりと“かっこつけきっている”スタイルが増えるといいな。ジャケットスタイルに合わせるのもいいと思います。⎯⎯ 今年の秋冬、注目しているヘアトレンドを教えてください。　髪型に限らずファッション全体が、ストリートテイストから上品でエレガントな雰囲気へとシフトしているように感じています。それに合わせて、ヘアも変わってきているのかなと。⎯⎯ 具体的にはどのようなスタイルでしょうか？　マレットヘア（前髪やサイドは短く、襟足部分のみ長いスタイル）は見かけなくなりましたよね。ぱっつんボブとか、少し重ためのスタイル、まとまりのあるシルエットが多いイメージです。街中では、ショートヘアの人も増えている気がしますね。（編集：上玉利茉佑）

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【バックステージ】　「IHNN」26SSコレクションのヘアメイクをレポート

企画展タイトルにある「le19M」とは？　「ル ディズヌフエム（le19M）」は、シャネルが2021年にパリで設立した芸術文化振興のための複合施設。施設の名前は、ガブリエル・シャネル（Gabrielle Chasnel）の誕生日8月19日と、Mode（モード）、Mains（手）、Métiers d'art（メティエダール）、Maisons（メゾン）、Manufactures（手仕事）の頭文字に由来する。ファッションとインテリアにおける卓越した技術を、未来に継承することを目的とし、クリエイションを支援している。　施設には刺繡や帽子、シューズ、金細工、プリーツ、装飾具など、各専門分野で高度な技術を擁する11のメゾンダール（「芸術の家」を意味するフランス語。工房や運営元の家系などを指す）が集結し、約700名もの職人や専門家が所属。彼らはシャネルだけでなく、さまざまなラグジュアリーメゾンなどからの依頼を請け、分野や世代をクロスオーバーして制作に取り掛かり、育成にも力を入れている。　また、オープンスペース「ラ ギャルリー デュ ディズヌフエム（la Galerie du 19M）」を併設。一般向けのユニークなワークショップを通じて、クリエイションに欠かせないサヴォアフェールの価値を広める役割も担う。職人たちが集う工房が東京に　今回の企画展は、このオープンスペースがパリから東京へと場所を移し、“驚きと対話”を促す場として催された。シャネルの職人技への敬意をたどる物語は3章で構成。「le19M」に所属するメゾンダールの技術に焦点を当てる「フェスティバル（le Festiva）」、日本とフランスの約30名の職人・アーティストの作品が集結する没入型展覧会「ビヨンド アワー ホライズンズ（Beyond Our Horizons）」、刺繍とツイードの最高峰のメゾンのひとつである「ルサージュ」の100周年を記念した「ルサージュ 刺繍とテキスタイル、100年の物語」の展示が繰り広げられる。田根剛が手掛けるインスタレーション　繊細な素材と技術に時間を忘れて没入　ゲストを出迎えるインスタレーション空間 フェスティバルは、パリを拠点とする日本人建築家 田根剛が率いる建築事務所「アトリエ・ツヨシ・タネ・アーキテクツ（Atelier Tsuyoshi Tane Architects）」が会場構成を担当。ル ディズヌフエムに所属する職人たちの手仕事の数々が、作業場を覗き見るような形で紹介されている。　シャネルのアイコンのひとつ「バイカラーシューズ」を生み出したシューズ工房の老舗「マサロ」や、柔らかいフルーの生地の仕立てを専門とする「パロマ」、刺繍工房の「アトリエ モンテックス」、緻密な技術で帽子やヘッドアクセサリーを製作する「メゾン ミッシェル」など、メゾンを支えるアトリエの数々が集う。　膨大な原材料や道具、サンプルが作業台の上に並べられ、壁に掛けられた写真や天井から吊るされたオブジェクトとともに、ゲストを包み込む。会場を進むにつれて、自然と職人たちの繊細な技術への興味関心が掻き立てられる。日仏のクリエイティブが共鳴　ルサージュ ツイードの畳の間が出現　続くビヨンド アワー ホライズンズは、ル ディズヌフエムのギャラリーと日本各地のアーティスト、職人、アトリエ、工房といった約30組をつなぐグループ展。会場構成は、イギリスの美術批評誌「APOLLO」による「注目すべき40歳以下の40人」に選出された建築家 橋詰隼弥が手掛け、日仏のクリエイティブをつなぐ「エディトリアル・コミッティ」として、映画監督の安藤桃子、「Casa BRUTUS」編集長の西尾洋一、SIMPLICITY創設者 緒方慎一郎、キュレーター 德田佳世、アトリエ モンテックスのアーティスティックディレクター アスカ・ヤマシタが参加した。　参加アーティストには、フランスのヴィジュアルアーティスト クララ・アンベール（Clara Imbert）、テキスタイルアーティスト 石垣昭子、京提灯を手掛ける小嶋諒（小嶋商店）、現代アーティストのグザヴィエ ヴェイヤン（Xavier Veilhan）、土風炉・焼物師の永樂善五郎、河野富広とヴィジュアルアーティスト 丸山サヤカが主宰するクリエイティブ・プラットフォーム コノマド（konomad）、アーティストデュオのA.A.Murakami、シューズクリエイターの舘鼻則孝などが名を連ねる。　同エリアは「パサージュ（le Passage）」「アトリエ（les Ateliers）」「ランデブー（le Rendez-vous）」「フォレスト（la Foret）」「シアター（le Theatre）」「マジック（la Magie）」の6つのパートで構成。“クリエイティブヴィレッジ”として、素材と記憶、伝統と再解釈、身体の動き、想像力が交差するよう設計されている。　「ランデブー」は、数寄屋建築の職人とル ディズヌフエムの職人が共同で制作。障子には、アトリエ モンテックスとルサージュ アンテリユールが四季を表現した装飾、畳縁（たたみべり）にはルサージュのツイード、引き戸には装飾アトリエ デリュによる引手が施されるなど、日本の伝統とフランスの職人技が共鳴。都会の喧騒を忘れるような静けさが漂う。　暗転した空間「マジック」には、コノマドがアトリエ モンテックスなどのメゾンとコラボレーションした作品が目を引く。暗闇を進むとA.A.Murakamiがルサージュ、パロマと協働したインスタレーションが姿を表す。大胆なヴィジュアルに惹きつけられ目を凝らすと、自然と精緻な職人技や繊細な素材へと思考が巡る。名だたるクチュールを支える「ルサージュ」　圧巻の100年　「ルサージュ 刺繍とテキスタイル、100年の物語」では、1983年からシャネルのパートナーとして刺繍やツイードを手掛けてきた、1924年設立のアトリエ「ルサージュ（Lesage）」の過去100年の軌跡を紐解く。　刺繍とテキスタイルのメゾンダールとして名高いルサージュは、1924年にアルベール・ルサージュ（Albert Lesage）が創設。1949年には息子のフランソワが事業を継ぎ、クリエイティブに富んだ技術力を開花させ、クチュール界にとっても欠かせない存在に。　シャネルとルサージュの蜜月は、カール・ラガーフェルド（Karl Lagerfeld）がアーティスティック ディレクターに就任したことで始まった。数十年のコラボレーションによって、刺繍や織物の実験的なクリエイティブを磨き、クチュール、プレタポルテともにクリエイティブを支える重要な役割を果たした。ルサージュは2002年にメティエダールに加わり、2021年にルサージュ アンテリユール、エコール ルサージュとともにル ディズヌフエム内に移転した。ルサージュのアトリエを訪問　会場を進むと現れるのは、メゾンの創造に欠かせないルサージュの工房。製図や織物職人、刺繍職人、パタンナーなど、さまざまな工程の作業台が並び、実際に職人たちが使用している道具なども展示されている。美しいドレスやバッグ、靴が完成するまでの道のりを、手仕事によって辿るような空間だ。クリストバル・バレンシアガらクチュリエを魅了した工房の軌跡　そして、クチュール界を支えてきたルサージュの功績も振り返る。クリストバル・バレンシアガ（Cristóbal Balenciaga）やイヴ・サンローラン（Yves Saint-Laurent）、エルザ・スキャパレリ（Elsa Schiaparelli）、マドレーヌ・ヴィオネ（Madeleine Vionnet）といった名だたるクチュリエとの繋がりについても紹介。そのほか、日本人デザイナー 富永航による「ワタル トミナガ（WATARU TOMINAGA）」とタッグを組んだ作品も見逃せない。カールとルサージュが生み出した、美しいドレスの数々　カール時代のシャネルが、ルサージュとともに生み出した美しいドレスの数々も必見。ルサージュのディレクター フランソワ・ルサージュとカールが伝統と革新に挑み生み出した「3Dスーツ」やツイード、ステッチ、刺繍といった緻密なデザインの制作プロセスにも光が当てられる。　カールが手掛けた華麗なオートクチュールドレスのコレクションも見どころ満載。「トロンプルイユ」「歴史主義」「モダニズム」といったキーワードで紹介されるドレスの数々は、これまでの展示を見てきたからこそ、その美しさと職人技の尊さに向き合い鑑賞することができる。　そのほか、フランス文化と伝統をも支えてきたルサージュの仕事にもフォーカス。シャネルがガラ公演をサポートするパリ・オペラ座へ提供した衣装など、歴史的な文化との関わりについても紹介。　企画展の最後では、アーティストのアリスティッド（Aristide）とルサージュがコラボしたインスタレーションを公開。幸運や調和の象徴として親しまれるムクドリの群れを、オーガンジーの布に刺繍。大陸間をタフに移動するムクドリが複数の職人たちの手によって刺繍されたこの作品は、クリエイティブを支える無数の手仕事、時代を超えて継承される技術を彷彿させ、同展を締めくくる。◼️ラ ギャルリー デュ ディズヌフエム トーキョー（la Galerie du 19M Tokyo）会期：2025年9月30日（火）〜10月20日（月）会場：東京シティビュー、森アーツセンターギャラリー所在地：東京都港区六本木6-10-1 六本木ヒルズ森タワー 52階／53階入場無料　※4歳以上は事前の日時指定予約が必要

CHANEL

見逃せないポイントは？

「シャネル」の企画展で職人技への賛美に触れる　クリエイションを支える技術の価値

アスリートの“本音”が製品になる場所　ISSは、1990年の竣工以来、人間の身体や動きの分析をもとに、製品となる材料や構造の研究機関として機能。所内で生産技術から製品や素材の分析評価までを行い、さまざまな研究開発アプローチを可能にしています。　同研究所の開発の中でも特に注目すべきなのが、2019年11月に発足した製品開発プロジェクト「Cプロジェクト」です。「まずは頂上を攻めよ」というアシックス創業者 鬼塚喜八郎氏の言葉をモットーに、「Chojo（頂上）」の頭文字Cを取って命名された同プロジェクト。かつてシェアトップを誇った箱根駅伝において、2021年に着用者0人となった同社が、首位奪還に向けた打開策としてスタートしました。「既成概念に捉われず、速く走ることを徹底的に追及すること」を最重要課題に掲げ、“とにかく勝てるシューズ”を目指し、開発を進めた結果、今年の箱根では着用率25％と、シェア2位に浮上しました。　Cプロジェクトが成功を収めた理由に、アシックスの原点である「アスリートと共に行うものづくり」に重きを置いていることが挙げられます。同社では、開発担当者がアスリートとの対話を通して、本音を引き出しながら日々開発を続けています。その研究開発現場となるのが、今回潜入したISS。ここから先は、同研究所の強みである「ヒューマンセントリックサイエンス（人間中心の科学）」「独自の材料開発」「シミュレーション技術」に触れながら、内部をレポートしていきます。常にアスリートファースト、10万以上のデータを集積する実験室　ISSはかつて、全社員の育成を見据え、宿泊できるトレーニング施設としても活用されていました。従業員の創造力を豊かにすることを目的に、エントランスホールには木をベースにしたモニュメントを配置し、スポーツが持つダイナミックさを表現。　エントランス奥には、社名の由来となっている古代ローマの風刺作家 ユベナリスの言葉「Anima Sana In Corpore Sano（健全な身体に健全な精神があれかし）」が掲げられています。コンクリート打ちっぱなしの内観に佇むモニュメントを見ていると、不思議と心が落ち着いてきます。　この落ち着いた空間の奥には、一体どんな秘密が隠されているのでしょうか。アスリートのパフォーマンスを限界まで引き出す、その知られざる現場へ、いざ足を踏み入れます。バイオメカニクス実験室　まず、アシックスの最先端の研究を探るべく訪れたのが、「バイオメカニクス実験室」。言い換えると、“人の動作を研究する実験室”です。多くのアスリートが敷地内に用意されたアスファルト走路や2種類のトラックのフィールドを実際に走り、その動作を研究しています。　計測位置には、「モーションキャプチャー」と呼ばれる計測専用のカメラを24台配置。被験者であるアスリートが、シューズを含む全身に数十個のマーカーを付けて走ることで、カメラで動きを追跡し、走行時の姿勢や関節の角度、シューズの状態を確認することができます。モーションキャプチャーだけではなく、スローのハイスピードカメラの映像と組み合わせることで、より細かなフォームのチェックを可能にしているんだとか。　より幅広い環境におけるパフォーマンスを測る際には、室内にある大型トレッドミルを使用。一般的なスポーツジムなどにあるトレッドミルは床面が柔らかく跳ねやすいのに対し、同実験室のトレッドミルは、路面に近い硬い仕様。アスリートが普段と同じパフォーマンスを発揮しやすいよう工夫されています。　トレッドミルには、走行中の床にかかる圧力を測ることができる床反力計を内蔵。計測時には、マーカーだけではなく呼気ガスを測るマスクを着用することで最大酸素摂取量やAT値*、ランニングエコノミー*などを測ることができ、走行中のパフォーマンスの良し悪しを知ることができます。ランニングにおける、有酸素運動から無酸素運動への切り替わる限界の運動強度を意味します。*AT値（無酸素性作業閾値）とは、ランニングにおいて「有酸素運動から無酸素運動に切り替わる限界の運動強度」を意味します。*ランニングエコノミーとは、一定のランニング速度における酸素消費量の指標。「1kmあたり体重1kgにつき何mlの酸素を消費するか (ml/kg/km)」で表され、車の燃費に例えられることもあります。ランニングエコノミーの指標は、値が低いほど、使用するエネルギーが少なく良いとされています。　実験室には、さまざまなアスリートが訪問。計測結果によって、選手一人一人と膝を突き合わせて製品に関する意見交換をしたり、開発中のシューズのサンプルを試してもらいながら、次の開発に繋げています。　ちなみに、アシックス社内には、フルマラソンを2時間30分切りのペースで走ることができる社員が複数在籍。開発中のシミュレーションでは、アスリートだけではなく、研究所職員や近隣学生の力を借りることも少なくないのだそう。ランニングや陸上におけるアスリートの計測においても、種目に関わらず、一つのチームで研究を行っているのだそうです。人工気象室　続いて気になるのが、アパレルの開発現場。ISS内の「人工気象室」は、多様な気候環境を作り出せる場所で、室温を-30〜80度、湿度は30〜90％まで調節、風速は最大5mまで制御できることから、過酷な状況下における人間の身体の変化をシミュレーションでき、さまざまな環境に合わせたアパレルの開発を可能にしています。　人工気象室には、熱を発するマネキン「サーマルマネキン」やサーモカメラを配置。体温の変化を可視化し、体内の熱がどこに篭りやすいか、どこに汗をかきやすいかなどを細かく分析することができます。アパレル研究室　アパレル研究室では、動作分析などで計測した人体モデルを使ったシミュレーションを用いながら、パフォーマンス時の身体の動きに合わせたパターンのアパレルを開発。複数パターンの型紙を用意し、コンピュータ上の人間に着せてテストすることができ、生地の伸び具合や身体への圧力などを可視化。1番ベストと判断された型紙をベースに、サンプル検証から製品化を進めます。　こちらが、ISSでのシミュレーションをもとに開発されたシングレット。裾はあえて空気を取り込むよう、ゆとりのあるパターンで空気の循環を促しながら、胸や背中、腕周りなどは身体に密着する仕様になっています。最先端のシミュレーション技術を駆使した製品開発　ここまでは、トップアスリートとともに行う実験や、アパレルカテゴリーにおけるシミュレーションを見てきましたが、ここからはアシックスの心臓部とも言えるシューズの開発部門に潜入！ アパレル同様、コンピュータを駆使した最先端技術による精緻なものづくりが見えてきました。CAEルーム　ランニングシューズからライフスタイルカテゴリー「アシックス スポーツスタイル（ASICS SportStyle）」のスニーカーまで、幅広いシューズの開発を担っているのが、「CAEルーム」。CAEとは、コンピュータを使用し、実験や評価を仮想的に行う「Computer aided engineering（計算機支援工学）」のことを指します。　アシックスの担当者曰く、シューズの試作は作り直しが多く、時間や手間のかかる作業。工数をできるだけ削減するため、コンピュータシミュレーションによって、着用時に体のどの部分に負荷がかかるのか、軽量化する上で削減できる部位はどこなのか、といった細かいポイントを検証しているのだそう。シミュレーションしてから物理的な開発へと移行することで、コストを簡略化しながら高性能なシューズづくりを実現しているのだそうです。成型加工室　ランニングシューズになくてはならないフォーム材（ミッドソールに用いられる素材）について深掘りするべく最後に訪れたのが、「成型加工室」です。　近年はスポーツブランド各社でフォーム材のアップデートが熾烈を極めていますが、アシックスの強みは、同社独自の材料開発部隊によるシューズに特化した素材作りができること。フォームづくりを専門業者に依頼するメーカーも少なくありませんが、ISSの成型加工室では、次世代のシューズ開発に向けたフォーム材の開発を日々行っています。その結果生まれたのが、独自素材「フライトフォーム（FLYTEFOAM）」。2015年の誕生以来、改良を加えながらアップデートを重ねています。アシックスが描く未来図　今回のISS潜入取材で、アシックスの「人間中心」の哲学と、最先端技術への飽くなき探求心、そしてアスリートの「本音」を形にする情熱を目の当たりにしました。その知見は、トップアスリートの記録を更新するだけでなく、私たちの日常を彩るファッションアイテムや、より快適な生活にも還元されています。　先日閉幕を迎えたばかりの世界陸上でも、アシックスのシューズが多くの選手の活躍を支えたことは脳裏に刻まれたはず。その確かな技術力と情熱は、次の舞台でも選手たちのパフォーマンスを支え、感動を生み出すことでしょう。これからも、アシックスの挑戦は続いていきます。

“アスリートに選ばれるシューズ”の秘密

世界陸上でも活躍、アシックスの実験室「スポーツ工学研究所」に潜入

ラッシュラッシュ号で出発　新宿からロマンスカーで揺られること約40分、神奈川県の海老名駅に到着。改札を出ると、ラッシュの担当者の方が出迎えてくれました。そして駅前で待ち構えていたのは、ポップなラッピングが目を引く「ラッシュラッシュ号」！バスボムやシャワージェルに着想した7台のバスは、すべて異なるデザインで、工場に到着する前からラッシュの世界観に引き込まれます。甘く爽やかな香りに包まれるフレッシュキッチンへ　ラッシュラッシュ号に乗り約20分、目的地であるフレッシュキッチンに到着しました。建物に一歩足を踏み入れると、そこはまさにラッシュのショップそのもの。甘く爽やかでフレッシュな香りに包まれ、「ラッシュの工場に来たんだ！」と実感。　アジアで唯一、日本に存在するフレッシュキッチンでは、80を超える全国の店舗だけでなく、アジアの国々にも届けられる製品が生まれています。新鮮な原料を扱うラッシュは、工場を「キッチン」、製造者を「シェフ」と呼び、ものづくりへのこだわりと愛情が込められています。“肌が飲み干すスキンケア”　ラッシュの哲学を学ぶ　最初に案内されたのは、市場のように新鮮な野菜や果物が積まれ、ラッシュの商品も並べられた部屋。まさにラッシュの“マーケットに来た時のように、そのまま食べられるくらいフレッシュなものを肌にも”という哲学が体現された場所。ここがスキンケアアイテムを開発のスタート地点です。　ラッシュは植物、クレイ、植物性バターやエッセンシャルオイルなど、古くから使われてきた自然由来の原材料を厳選し、シンプルな配合で製造。フルーツや野菜は、まるごと使うことでより健やかな肌へと導くことができるという考えのもと、可能な限り有機栽培で調達した原料を使用しています。　商品の約80%は、独自の「セルフプリザービング処方」により合成保存料を使っていません。古来から保存効果の高いとされる自然由来原料の配合を巧みに調整することで、新鮮さを保つようにしているのです。食べ物にこだわるように、肌につけるものにも目を向け、新鮮なフルーツや野菜を肌が心地よく受け止める「肌が飲み干すスキンケア」を提案します。　ラッシュのものづくりは、原材料の状態を熟知した“シェフ”たちが、すべて一つひとつ手作業で行います。商品ラベルには製造者、製造日、使用期限が明記され、作り手の顔が見える安心感と、製品の鮮度に対する透明性を徹底。さらに、在庫を極力持たず、できたての製品を新鮮なうちに届ける少量生産のビジネスモデルを貫いています。いざ、工場内に潜入！できたてフェイスマスクの秘密　いよいよコック服に着替えて工場内部へ潜入。今回は、サラダ菜、アボカド、ライム、ワカメを使用したフレッシュフェイスマスク「ミネラライズミー」の製造工程を見学しました。　ミネラルを豊富に含むミネラライズミーは、肌に輝きとうるおいを与え、柔らかな肌へと整えます。フレッシュキッチンでは、料理番組さながらにシェフたちが手際よくそれぞれの食材を調理していきます。担当者によると、ミネラライズミーはこれまでの商品にないほど、野菜の種類も量も多く使用しているのだそう。　野菜はすべてオゾン水で洗ってから調理。商品に保存料を使用していないため、少しでも菌が入ると繁殖しやすくなってしまうことから、殺菌効果のあるオゾン水で青果品に付いている菌を落としてから使うことを徹底しているのだとか。　下処理が済んだ野菜は、大きなブレンダーで満遍なくミックス。均一に混ざり合ったところで、さらにカオリンと塩をプラス。カオリンは古い角質や汚れを取り除き、ミネラル豊富な塩は保湿効果が期待できます。再びミキサーで混ぜ合わせます。　この日見学したミネラライズミーの製造工程はここまで。ラッシュの製品の中でも最も鮮度の高いフレッシュフェイスマスクは、午前中に完成したものを午後のうちに出荷。翌日には店頭に並んでいるそう。　ミネラライズミーの製造工程を見学した後は、他の製品が包装されていく様子を拝見。この時梱包されていたのは、フェイス＆ボディ用の「パワーマスク」。できたてほやほやのマスクが、おなじみの黒いカップに次々と詰められていく光景は圧巻でした。五感で感じるラッシュのスキンケア体験　キッチンの見学後は、ラッシュスタッフによるスキンケアコンサルテーションを体験。肌の悩みや理想の肌状態を相談しながら、おすすめの商品を教えてもらいます。クレンジング、洗顔、化粧水、クリームといった基本のスキンケアステップに加え、フェイスマスクやスクラブ、オイルなどプラスアルファのケアまで幅広く提案してくれます。　たくさんの野菜と製品が並ぶ市場のようなディスプレイから、スタッフが一人ひとりに合ったケアアイテムを選びます。トレイの上に自分だけのスキンケアセットが完成すると、スタッフが各アイテムの使用方法を丁寧にレクチャー。実際に肌の上で試しながら、効果と使用感を体験しました。　製造工程を見学したばかりのミネラライズミーも試させてもらうと、グリーンスムージーのような青々とした野菜と海藻の香りが広がり、改めて新鮮さを実感。水分をたっぷりと含んだ柔らかいテクスチャーの中に、アボカドやワカメがゴロゴロと入っていました。肌になじませてから洗い流すと、肌がしっとりとした感覚に。肌が喜ぶのを感じる、ぜいたくなひとときでした。ものづくりの真髄に触れる、特別な一日　ラッシュのスキンケアを心ゆくまで堪能し、今回のフレッシュキッチンツアーは終了。普段は見ることができない製造過程に興奮し、ラッシュの妥協なきスキンケア哲学への理解が深まり、大満足の一日に。日頃から手にしている製品に詰まったこだわりを肌で感じ、ものづくりへの情熱に触れることで、ラッシュのスキンケアと一緒に、より丁寧に自分の肌と向き合いたくなるような貴重な体験となりました。体験型イベント「LUSHと秘密のキッチン」を開催　ラッシュでは、通常は一般公開しないフレッシュキッチンを舞台にした体験型イベント「LUSHと秘密のキッチン」のイベントを開催。スキン・ボディケアアイテムの製造見学や、製造の裏側や秘密をシェフから直接聞けるなど、知られざるラッシュの世界を垣間見ることができます。日時：2025年10月25日（土）午前の回：9:00〜13:00／午後の回：14:00〜18:00募集人数： 合計130人（各回65人の予定）参加費： 無料（海老名駅までの往復交通費は自費）応募期間： 2025年9月19日（金）〜10月6日（月）応募サイト

LUSH

【工場見学】アジア唯一の「ラッシュ フレッシュキッチン」へ　“できたてコスメ”が生まれる裏側

ハイライトの周年ショー　節目にふさわしく、記念すべきショーが目玉となった。「ツモリチサト（TSUMORI CHISATO）」はブランド設立35周年を迎え、表参道の店舗でのショーと渋谷ヒカリエでの展覧会を同時開催。2019年にイッセイ・ミヤケグループ傘下のエイ・ネットとのライセンス契約が満了し、ブランド事業を独立させて以降も、デザイナー自身が描くカラフルでユニークなグラフィックは健在で、独自の世界観を改めて発信した。　「オートモード平田（Haute Mode Hirata）」は、創設者で日本の帽子界の巨匠・平田暁夫の生誕100年を記念したショーを開催。娘の欧子、孫世代の早姫と翔が手掛けた31点の帽子が披露され、故人が切り拓いた帽子の創造性を時代を超えて継承した。クリエイティブディレクションを務めたエディター山口達也のもと、「リュウノスケオカザキ（RYUNOSUKEOKAZAKI）」の岡﨑龍之祐、「ミスターイット（mister it.）」の砂川卓也、「タム（Tamme）」の玉田達也らが手掛けた衣装とともに発表され、強い印象を残した。　舟山瑛美による「フェティコ（FETICO）」は、冠スポンサー・楽天の「by R」の支援を受け、ブランド5周年を記念したショーを開催。ブランドらしさを凝縮したコレクションで、女性の内なる強さと複雑さを繊細に表現した。ビューティブランド「スリー（THREE）」とのコラボレーションも披露され、2025年度「第42回毎日ファッション大賞」新人賞・資生堂奨励賞の受賞も決まり、ブランドの次なる新章を予感させた。アワードの功績ー参加ブランドの成熟　東京ファッションウィーク20年の最大の成果の一つは、アワード創設による支援体制の拡充だ。東京都が2015年に立ち上げた「TOKYO FASHION AWARD」では、現役バイヤーが有望ブランドを選出し、パリでの展示会と東京でのショー発表を支援してきた。過去10年間で60以上のブランドが支援を受け、海外進出の足掛かりを築くと同時に、ショー表現の幅も広げている。　受賞後も公式スケジュールで発表を続けるブランドも多い。「ハルノブムラタ（HARUNOBUMURATA）」は日本発ラグジュアリーの路線で存在感を強め、「ピリングス（pillings）」は独自の視点でユニークなクリエイションを深化。「チカキサダ（CHIKA KISADA）」はバレエ由来の造形美をデフォルメし理想の形を探求した。「ヴィヴィアーノ（VIVIANO）」は白と黒だけで新たな表現に挑み、海外PR契約の強化を通じてブランドの可能性を広げている。 　また「JFW ネクスト ブランド アワード 2026」では、木村由佳による「ムッシャン（mukcyen）」がグランプリを受賞し、デビューショーを開催。完成度の高いコレクションで確かな実力を示した。さらに「TOKYO FASHION AWARD 2026」も同時受賞し、来シーズンはW受賞ブランドとして東京でのショー発表とパリ展示会進出への切符を手にした。初参加のインパクト　今季デビューした「アンセルム（ANCELLM）」は、古着のようなダメージの経年変化を岡山・児島の高度な加工技術で再現し、モダンなアイテムへと昇華。同じく初参加の折見健太による「オリミ（ORIMI）」や津吉学が手掛ける「ファンダメンタル（FDMTL）」も、ショーを通じて独自の世界観を提示し、存在感を示した。　大手バロックジャパンリミテッドの「ナゴンスタンス（någonstans）」の東コレ参入も、新たな局面を印象づけた。デザイナー植田みずきは「マウジー（MOUSSY）」「スライ（SLY）」を立ち上げ、2000年代渋谷ファッションを牽引した仕掛け人物。2012年の「エンフォルド（ENFÖLD）」、2017年デビューのナゴンスタンスも女性から根強い支持を集めている。今季ランニングスタジアムで発表した、アウトドアや自然を着想源としたカラフルでプレイフルなウェアには、来場者の共鳴が確かに感じられた。　関連イベントとして新設された「インキュベーションショー」では、専門学校生による新鮮なクリエイションが披露された。今季は創立76年を迎えたマロニエファッションデザイン専門学校の学生たちが新たな才能の芽を見せた。浮き彫りになった課題　一方で、参加ブランドの減少傾向は看過できない。2024年春夏が50ブランドだったのに対して、24年秋冬は43ブランド、25年春夏は33ブランド、昨シーズンの25年秋冬は37ブランド、今季は25ブランドという縮小が鮮明になっている。今季からコロナ禍以降続けてきたデジタル発表が廃止され、「ハイク（HYKE）」「ミントデザインズ（MINTDESIGNS）」などデジタル発信を軸としていたブランドが不参加となった。　参加には一定の審査基準が設けられていることも一因だ。しかしより大きな課題は発表時期の問題だろう。東京ではメンズデザイナーの活躍が目立つものの、メンズコレクションに対応する時期のファッションウィークが存在しない。そのため「シンヤコヅカ（SHINYAKOZUKA）」「シュガーヒル（SUGARHILL）」「カミヤ（KAMIYA）」といったブランドは、海外のメンズファッションウィークに合わせて6〜7月頃に単独で発表している。　同様に、ウィメンズでも「ケイスケヨシダ（KEISUKEYOSHIDA）」「アキコアオキ（AKIKOAOKI）」などの中堅が、バイイングのタイミングを重視して発表を前倒しするケースが増えている。　この結果、本来なら東京の目玉となるべきブランドが流出し、ファッションウィーク全体の集客力やPR効果の低下を招いている。今こそメンズファッションウィークの創設、あるいはその時期に合わせた新たな発表プラットフォームの整備を検討することが急務だろう。ファッションウィークで発表する意義　ファッションショーは多大なコストを要する一方で、その価値は計り知れない。会場演出、音楽、モデルの表現に至るまでがブランドの世界観を体現し、インパクトを残す。業界関係者やメディア、バイヤーが集う場は、新作の発表や商談の場であると同時に、ブランドの知名度を高める絶好の機会だ。SNSの普及により、ショーの映像や写真は瞬時に世界へ拡散され、大きな広告効果を生む。東京で定期的に発表することは、単なるイベントを超えたブランドの存在証明ともいえる。　東京ファッションウィークで発表する最大のメリットは、公式スケジュールに名を連ねること自体が信頼を担保する点にある。さらにJFWによる海外ジャーナリストやバイヤーの招聘制度も整備され、東京から世界へ向けた発信力は着実に高まっている。海外進出を視野に入れるブランドこそ、まず東京で表現を磨き、海外展でコレクションを披露するというステップアップが重要だ。　東京での発表は、日本発ブランドが世界へ挑むための出発点であり続ける。20周年を迎えた今こそ、東京からデザイナーが未来に挑むための舞台としてさらに育てていくことが、ファッションウィークの次なる使命だろう。

【東コレ総括】20周年で浮き彫りになった成果と課題──メンズコレ創設が急務

美しいジュエリー、そして人生に必要不可欠な「色彩」にフォーカス　同展は、ブルガリにとっても初のテーマである「色彩」にフォーカス。CEOのジャン-クリストフ・ババン（Jean-Christophe Babin）氏は、開催の経緯としてイタリアと日本が持つ芸術性やクラフトマンシップへの敬意という共通点を強調。「色は感情や対比を示し、私たちの心や魂に響く」と述べ、色彩がもつ豊かな表現力と人生に彩りを与える必要不可欠なものであるという精神的な意味合いを語った。　展覧会は国立新美術館の広大な空間を活かした展示設計と、現代作家の作品が織りなす多層的な表現によって構成。ババンCEOは「芸術、建築、ジュエリーの分野を横断したある種の“総合芸術”と言えるような空間が完成した。デジタルが盛んな現代で体験を重視する我々にとって、皆さんの協力を得てこうした空間が叶えられたことは、誉高い出来事。ぜひ体験していただきたい」と呼びかけた。日本とイタリアのデザインユニットが協働した展示空間　展示空間は、日本を代表する建築家ユニット「SANAA」と、イタリアのデザインユニット「フォルマファンタズマ」が協働。古代ローマの皇帝であるカラカラが造営したカラカラ浴場のモザイク画のパターンと、東京都の木であるイチョウの葉にインスパイアされたという。これらのモチーフを掛け合わせた反復パターンを空間構成の基盤にした。イチョウはブルガリのジュエリー「ディーヴァ ドリーム」などでも象られ、ブランドを象徴するモチーフでもある。　会場図を俯瞰すると、イチョウの葉のような曲線的なブロックが折り重なるようにして、有機的な自然のリズムを醸し出している。SANAAの西沢立衛氏は「アルミニウムの光の反射と、アクリルの透明性といった特性で、光と色の相互作用を通じて、空間全体でジュエリーの美しさが体験できると思う」と設計のこだわりを明かした。また妹島和世氏は「ジュエリーそのものの美しさだけでなく、鑑賞するために歩みを進めていくにつれ、美しさや光、色彩が増幅していくような仕組みを建築として考えた」と語った。　フォルマファンタズマは、ブルガリ・ヘリテージ・コレクションの数々のマスターピースのために、特別な独立型の展示ケースをデザイン。ローマをルーツとするメゾンのアイデンティティと、日本の優雅な美意識が溶け合い、ブルガリのクリエイティビティの真髄に迫る芸術を鑑賞者に訴えかける。展覧会の幕開けは、古代ローマと日本を象徴する傑作から　色彩の美学の旅の始まりは、古代ローマと日本を象徴するモチーフが象られた2点の傑作から。一つは、イエローゴールドにラピスラズリ、オニキス、ダイヤモンドをあしらい、古代ローマ神殿のファサードを模した「『テンプル』ペーパーウェイト」（1977年頃制作）、もう一つは、イエローゴールドにマザーオブパール、多色のエナメル、ダイヤモンドをあしらった円形の「『富士山』ブローチ」（1972年頃制作）。両国に共通するクラフトマンシップの探究とディテールへのこだわり、長い間、美を愛し、追求してきたことを象徴している。 　ちなみに、日本語版音声ガイドはブルガリ アンバサダーである山下智久が担当。芸術作品というべき数々の貴重なブルガリのジュエリーについて、その科学的・歴史的背景を紐解きながら、まばゆい色彩の世界へとナビゲートしてくれます。＜第1章＞色彩が持つ、科学的な相互作用　展覧会は、「色彩の科学」「色彩の象徴性」「光のパワー」の3章で構成。ブルガリの芸術性の一つは、ジュエリーが持つ色彩豊かな側面を、宝石そのものが持つ輝きや色鮮やかさに加えて、卓越したカッティングや石の配置、地金の組み合わせによって引き出したこと。さまざまな色の宝石を大胆に組み合わせた革新的なジュエリーを生み出し、「色石の魔術師」と呼ばれるように。　第1章「色彩の科学」では、赤、黄色、青といった「原色」から始まり、緑、紫、オレンジなどのカラーをテーマに、ハイジュエラーの歴史的な作品の数々が登場する。　赤は希少なルビー、黄色は太陽のような輝きを彷彿とさせるイエローゴールドとダイヤモンドの組み合わせ、メゾンが好んで用いてきた青は、水のような深みのある輝きを秘めたサファイアを中心に紹介している。特に18個のサファイアをプラチナとダイヤモンドが引き立てるネックレスは、石の色調がすべて同じになるように厳選。透明感のある色石が調和した美しさを引き立てるこのジュエリーは、メゾンの真骨頂を表す作品の一つ。　現代においてメゾンを支持する顧客から最も愛される宝石の一つであるエメラルド。エリザベス・テイラーがかつて所有していたエメラルドのネックレスは、婚約者リチャード・バートンからの贈り物で結婚式で着用したもの。　ローマの夕焼けのような温かみを宿した「ブレスレット」（1940年頃制作）は、ゴールドとプラチナ、ダイヤモンドとシトリンのコンビネーション。大胆なファセットカットのストーンであつらえたこのブレスレットは、イタリア国外で初の展示となった。＜第2章＞感情に語りかける色彩の意味　第2章「色彩の象徴性」では、色の文化的・象徴的な側面を深く掘り下げ、色彩の選択を通じてどのように意味や感情を伝えられるのかを考察していく。　メゾンのジュエリーには、イタリア語で「幸福」を意味する「アレーグラ」コレクションや、「2つの心」を意味する「ドッピオ クオーレ」など色彩と感情が結びつくような作品がいくつも上陸する。また、アイコニックなジュエリーの一つ「セルペンティ コレクション」は、色とりどりの蛇の鱗が、恐怖ではなく、それぞれの色に象徴される強さを描き出し、身につける人にパワーをもたらしてくれる。第2章の幕開けは、このセルペンティ コレクションから。　何にも染まらない、始まりの色としての「白」や、ジュエリーでは珍しい「黒」、そして燃えるようなエネルギーを宿す「赤」といった3色でそれぞれ彩られたセルペンティがお目見えする。古代ポンペイの洞窟壁画では、白、黒、赤がしばしば使われており、文化的伝統に根ざすブルガリが、これら3色を巧みに用いる意義が感じ取れる。　このセクションでの目玉は、プラチナ、ダイヤモンドに7つの壮麗なエメラルドをあしらった「セブン・ワンダーズ」と呼ばれる「ネックレス」（1961年頃制作）。イタリアの女優モニカ・ヴィッティやジーナ・ロロブリジーダといった著名人に愛用され、10年前にも東京で展示されたこのジュエリーが再び登場する。　そして、アジア圏の文明に根ざしたジェイド（翡翠）のコレクションも。ジェイドがヨーロッパで市民権を得るには時間がかかったが、ブルガリではローマ・コンドッティ通りの本店に早くから「ジェイド・ギャラリー」を設け、アジアのアンティークのジェイドを展示するなど、東洋の美の様式も寛容に受け入れたのだそう。それから、東洋と西洋の融合にインスピレーションを得て、ジェイドのジュエリーシリーズが誕生した。＜第3章＞色彩の知覚を支える“光のパワー”にフォーカス　第3章「光のパワー」では、色を感知するために必要不可欠な光の役割に焦点を当てる。創業者のソティリオ・ブルガリは、銀細工士としてキャリアをスタートし、創業初期にはシルバーの精密な細工やゴールドの温かな輝きを引き出す装飾加工で高い評価を得た。シルバーやゴールドが持つ光を反射する特性を操り、ジュエリーの美しさをより引き立ててきたという歴史に触れることができる。　「カプラローラのパラッツォ ファルネーゼ 模型」（2012年）や、「サンタンジェロ城 模型」（2010年）といったイタリアを代表する建築のシルバーの模型は、メゾンの精巧な加工技術を裏付ける。　また、ヨーロッパのジュエラーではジュエリーの地金としてプラチナが主流だった時代に、ブルガリはイエローゴールドを採用。宝石を包み込む太陽のような温かな輝きが新たなトレンドになったという。　物語の締めくくりに見逃せないのが、唯一無二の傑作と称される「コンバーチブル・ソートワール＝ブレスレット」（1969年頃）。イエローゴールドにセットされたアメシスト、ターコイズ、シトリン、ルビー、エメラルド、ダイヤモンドが互いを引き立てるような配色であしらわれ、万華鏡のように輝く。トップのハート型のメダイヨンは127カラットのエメラルドで圧倒的な存在感を放つ。また、このネックレスは熟練したクラフトマンシップによって、パーツを分解しブレスレットに変形が可能。裏面の造りを見ると、その意匠を確認できる。 色彩への思索を掻き立てる、現代アーティストとの作品たち　各章をつなぐように配された、同展に寄せられたアーティストの作品も必見。第1章と第2章の間には、ララ・ファヴァレット氏によるキネティックなインスタレーション「レベル5」が登場する。　酢液を施した鉄板をカスタム溶接して作られた曲線的な構造物に、本来の機能を失った14本の異なる色の洗車ブラシを配置。加速と減速を交互に繰り返しながら揺れ動くブラシは、相互作用しながら摩耗していく。動きと色彩の変容が、同展のテーマと呼応する。　第2章と第3章をつなぐのは、森万里子氏による新作の立体作品「ONOGORO STONE Ⅲ」。日本最古の書物「古事記」に語られる、イザナギとイザナミの創造神話に着想したという。宝石の輝きは「人間の魂の鏡」と捉え、精神的な次元において岩が七色に輝くイメージを現代的な素材で再解釈した。　展覧会のグランド・フィナーレを飾るのは、中山晃子氏による新作インスタレーション「ECHO」。シャーレの中で液滴が音の振動に反応して水面を漂い、消えていく束の間のシークエンスが空間に投影され、刻一刻と変化するみずみずしい色彩に触れることができる。オープニングに豪華ゲストが来場　開催を祝うオープニングイベントでは、東京都知事 小池百合子氏や、駐日イタリア大使ジャンルイジ・ベネデッティ氏、ブルガリ アンバサダーのキム・ジウォン氏、チャン・ウォニョン氏、森星氏、山下智久氏のほか、中島健人氏、EXILE AKIRA氏、のん氏、井川遥氏、MIYAVI氏、桐谷美玲氏、大政絢氏、小雪氏、目黒蓮氏といったゲストが出席した。

BVLGARI

ハイジュエリー中心に約350点を展示

日本最大規模で開催「ブルガリ カレイドス　色彩・文化・技巧」の見どころは？

ギャラリーやリビングのような旗艦店　ファッションやカルチャーの感度の高い人々が集まる、マレ地区のテュレンヌ通り。ファッションの中心地として知られるこの場所に、アミ パリスの旗艦店が誕生しました。1階と2階の2フロア、600平方メートルにわたる広大な空間で構成されています。　内装デザインは、アレクサンドル・マテュッシとも親交の深いパリの建築家デュオ、Studio KOのオリヴィエ・マルティ（Olivier Marty）とカール・フルニエ（Karl Fournier）が手掛け、アミ パリスの世界観を体現。 　什器や家具には、ストーンやウッド、レザーといったプリミティブな素材を多用し、ミニマムでありながら有機的な雰囲気。無機質なコンクリートやミラーとのコントラストがモダンな印象です。　全面鏡張りの象徴的な螺旋階段を昇って2階へ。ソファやスタンドランプといったインテリアがアクセントになり、1階のモダンな空間とは異なる、ラグジュアリーかつ温かみのある雰囲気が漂います。随所に飾られたアート作品も重要なアクセントとなり、アートギャラリーやリビングルームのような気分でゆったりと過ごすことができます。 　また、メンズとウィメンズをミックスした自由なディスプレイも、アミ パリスらしい魅力のひとつ。店内にはフルコレクションをラインナップし、アクセサリーやバッグも充実。本田さんもショッピングを楽しみました。「すごく広いブティックで驚きました。モダンなのに家のように寛げて、温かい雰囲気ですね。日本では手に入らないものもあるそうなので、たくさんお買い物しちゃいそうです」 ゆかりの地、マレ地区を歩く　ショッピングの後は、アレクサンドル・マテュッシのゆかりの地であり、ものづくりのインスピレーション源にもなっているというマレ地区を散策。テュレンヌ通りから少し南へ歩けば、よりローカルな雰囲気の漂う閑静なエリアが広がります。 　古きよきパリを感じられるこのエリアは、ただ歩くだけで楽しい。この日の本田さんは、ブラウンやベージュを基調としたカジュアルシックな装いで、石造りの街並みによく馴染んでいます。「パリには年に1回くらい来ています。マレ地区は、ショッピングも楽しめるし、散歩するのが楽しいエリア。ビストロやカフェに行ったり、美味しいサンドイッチを食べたりして過ごすのが好きなんです」Ami Paris 公式サイトAmi Paris Le Marais所在地：96 rue de Turenne, 75004 PARIS本田翼　TSUBASA HONDA1992年6月27日生まれ。東京都出身。雑誌を中心としたモデル活動をはじめ、話題のCMや映画、ドラマに多数出演し、老若男女のファンを獲得している。InstagramやTikTok、YouTubeに自身のアカウントを持ち、ファッションや美容、ゲームの発信などマルチに行う。「興味があるものは自分で試してみる」をモットーに、理想をどこまでも突き詰めていく真摯な面と、ふわっとやわらかいカジュアルな面を併せ持つ。photographer: Kae Homma, photo assistant: Shota Kamei, video director / editor: Keisuke Ogawa, video assistant: Yurina, styling: Sonoko Homma, hair & makeup: Marina Okuda, text & edit: Mami Okamoto | edit: Chiemi Kominato, producer: Mizuki Okuhata (FASHIONSNAP)

本田翼と巡るパリ・マレ地区と「アミ パリス」旗艦店

エレガントな魅力に満ちた史上最薄モデルが登場、ボディーストラップも　薄さ5.6mmで重さは165グラム──これまでのiPhoneの中で最も薄く、見た目もエレガントなiPhone新製品、iPhone Airが発表された。驚くべきはこれだけ薄いにも関わらず、バッテリーの持ちは最大27時間と長く、カメラの画質も4800万画素、画面表示もプロ用製品並みに美しい。また、自撮りカメラが大きく進化しセンターフレームフロントカメラという機能がついた。3～4人のグループ写真を自撮りで撮ろうとすると、縦長の写真では収まらないので横長の写真で撮りたい。でも、iPhoneを横向きに構えると持ち方が不安定で、手から滑り落ちないかが心配だ。こんな時にiPhoneを縦に構えたまま、横に倒した時と同じ高解像度写真が撮れるのがこの機能だ。　本体背面のカメラは、わずかに隆起した美しいプレートの上にレンズが1つだけ付いているが、このカメラが4800万画素で画質が高く、標準の倍率に加え、2倍ズームの撮影もできる（標準iPhoneで人気の超広角0.5倍ズーム撮影や、iPhone Proモデルの望遠撮影はできない）。　これだけ高性能なのに充実の機能が搭載され、バッテリー動作時間がこんなに長い秘密は、これまでの携帯電話で使われていたSIMカードを無くし、eSIMというソフトウェアSIMのみに切り替えたこと。　携帯電話に、自分に割り当てられた電話番号で通話️・通信ができるようにするSIMカードは、小さく薄く見えるが、薄型化が進むiPhoneの内部的には邪魔な存在だった。簡単に取り出して盗まれたりと悪用の危険もあることから、アップルはカード不要でソフトウェア的に電話番号や通話️・通信の契約情報を登録するeSIMという技術を推進してきた。今回、日本でiPhoneを提供する電話会社が、アップルのこの動きに対応してくれたため、これまで使ってきたiPhoneから契約を引き継ぐ設定をするだけで、自動的に通話️・通信機能が移行できるようになり、その分、本体内部のバッテリー容量を増やすことができた。　まずは驚くほどの薄さに驚かされる同製品だが、引き締まって見える黒の「スペースブラック」、白い背面に側面のチタニウムフレームがシルバーに輝く「クラウドホワイト」、ほのかに温かみが加わった白と側面フレームが美しい「ライトゴールド」、そしてほのかに青みを帯びた「スカイブルー」どれも美しい仕上がりになっている。　また、超薄の本体は頑丈なチタニウムフレームを持ち頑丈に作られ、背面にも傷がつきにくくなっているが、それでも心配な人のためにアップル純正の本体ケース（透明）や落下などから側面をガードするバンパーが用意されており、首からぶら下げられるクロスボディーストラップを取り付けることができる。　本体背面にマグネットでくっつくバッテリー「iPhone Air MagSafeバッテリーパック」も別売りオプションとして用意され、これを使えば連続で最大40時間の動画を再生できる。標準モデルとProモデルの進化　この新型iPhoneに加え、標準iPhoneとPro用モデルの最新機種も発表された。　標準モデルのiPhone 17は、見た目はiPhone 16に似ているが、iPhone Air同様にeSIM専用にしたことでビデオ再生の動作時間が8時間近くも長くなっている。　カメラはフロントカメラがiPhone Air同様のセンターフレームフロントカメラ仕様になり、高解像度化している。　また画面がiPhone 16の6.1インチから6.3インチへとわずかに大型化して、使っていない時も画面が完全には消えず、さまざまな重要情報を表示し続ける「常時表示ディスプレイ」になり、画面の書き換え速度も速くなり高画質のゲームなどの動きも自然で滑らかな表示でプレイできる。　搭載しているストレージ容量が256GBからとなっており、最も安かった容量128GBモデルが無くなったので、その分、最低価格が少し上がり12万9800円からとなっている。　ProモデルのiPhone 17 Proは、背面の見た目が大きく変わっただけでなく、プロセッサーやカメラ、本体の頑丈さなどあらゆる側面で劇的な進化を遂げている。　本体は、これまでの軽量なチタニウム製ボディから重厚感のある熱間鍛造アルミニウムUnibodyに切り替わった。従来のチタニウムボディは、確かに本体は軽かったが、本体がすぐに熱くなる問題があった。アルミボディはこの問題を解決した上で、1枚のアルミを削って製品の形にするUnibodyという成形方法で頑丈さを実現している。　フロントカメラは、他の2機種と同じセンターフレームフロントカメラ仕様だが、背面カメラは望遠レンズが従来の5倍から8倍に強化され、遠くにある被写体が、まるですぐそこにあるような迫力のあるアングルで撮ることができる一方で、超広角で撮ることもできる。非常に幅広い画角での撮影が楽しめる仕様が相変わらず魅力的で、iPhoneの写真や動画撮影に本腰を入れている人にはかなり魅力的な機種となっている。　エレガントなiPhone Airに対して、マスキュリンで質実剛健に見える本体ボディーは実際に衝撃などにも強いタフな仕上がりになっている。　今回、iPhone 17からは大型のPlusモデルがなくなり、その代わりにiPhone Airが登場した形だが、Proシリーズは従来通り標準サイズのiPhone 17 Proに加え、画面サイズが大きくバッテリー動作時間も長いiPhone 17 Pro Maxモデルが用意されている。　アップル本社で行われた製品発表は「デザインとは単なる見た目や感触ではないどう機能するかだ」という創業者スティーブ・ジョブズ（Steve Jobs）の言葉で始まったが、ここしばらくはデザインの魅力についての評価が衰えていたアップルが、再びデザイン主導の会社として完全復活したのを感じさせる発表会で、発表会場に並べられた展示機にも例年になく盛り上がりを見せていた。

Technology

【現地レポ】iPhone史上最も薄いiPhone Air、カメラとバッテリーが強化されたiPhone 17/17 Proの実力は？

複数ブランドが集まる合同展はバイヤー・デザイナー双方にメリット　コロナ以前は、アッシュ・ペー・フランス（H.P.FRANCE）による「ルームス（rooms）」を筆頭に、「ソレイユトーキョー（SOLEIL TOKYO）」や複数ブランドが有志で行うさまざまな合同展が存在した。特にルームスは最盛期には500ブランドが参加し、開催期間累計で2万5000人を動員するほどまで拡大し、ファッション業界の一大イベントになっていた。　膨大なブランドが一堂に会することで、バイヤーやプレスは個別の展示会を回るよりも、まとめてブランド情報を仕入れることができる。若手ブランドにとっては、単独で展示会を行うよりも、各社のバイヤーへの連絡や会場設備の手間などを省けるほか、認知拡大および商談の機会を得られるといったメリットがあった。デジタル化・“資料の充実”でリアル開催の意義が希薄に　盛り上がりを見せていた合同展だったが、コロナの到来でファッション業界でもリアルイベントの自粛が広まり、バイヤーを集客しやすい大型の合同展が減少。前述のルームス（2023年）やソレイユトーキョー（2021年）は終了し、ファッションPRのワンオーが手掛け、日本のデザイナーブランドが集積されていた「PR01.TRADESHOW」も2021年以降、リアルで開催されていない。　同時にデジタルリリースおよびコレクションルックの配信へと急速にシフト。シルエットや生地感を体験できないという窮地を補うべく、国内外のブランドを問わず、コレクションリリースの情報が充実されていった。3Dの着用画像の公開、テキスタイルに力をいれるブランドはスワッチ（生地見本）を送付するなどの工夫が見られた。　谷田氏はこうした「充実した資料」への慣れも合同展のニーズ減少につながったのではないかと分析する。「大規模な合同展が減るとともに、手厚いブランド資料で事足りるようになったことで、（展示会に）行かなくても回るサイクルができてしまった」（谷田氏）。加えて近藤氏は著名な合同展は出展ハードルが高くなっていったことも要因の一つと考える。「合同展自体の知名度の高さはブランドにとってメリットではあるが、出展料の高騰にもつながった。若手クリエイターから出展を迷う声も聞いていた」（近藤氏）。“空白期間”経て、ブランドからのニーズがじわり復活　ブランド・企業ともに徐々にデジタル化に慣れていった一方で、コロナを挟んだ“空白期間”にデビューした若手を中心に、合同展を希望する声が上がるようになっていると、近藤氏はいう。「最近ではブランドのSNSも活発で、発信の工夫は目を見張るものがあるが、業界コネクションが希薄だとバイヤーと接点を持つのは難しい。自力でブランドのファンを拡大するには限界があり、卸の存在は大きい」（近藤氏）。　こうした若手からの声を受けて、今年5月に本格的に開催に向けて始動。「自分のお店ではポップアップや合同展を継続的に行っているが、立地などの関係もあり制限がある。大型の合同展のノウハウは谷田氏など賛同してくれたブランドや運営の方々からの多大な協力を得た」と近藤氏。“ブランドを主役”に新たなプラットフォーム目指す　センターでは「ファッションの中心はパリだけじゃない。」をテーマに掲げ、ブランドを主役としたプラットフォームを目指す。近藤氏は「自分はあくまでも裏方」とし、参加者たちとフレキシブルに意見交流と行ったという。集客性を鑑みて、駅直結の渋谷ストリームを選定。これまでの合同展で課題に感じた出展料やブランドラインナップについては、関係者からの意見を取り入れながら試行錯誤した。　ブランドセレクションは若手の支援を主題とながらも、ストフや「ボディソング（BODYSONG.）」、「ルルムウ（rurumu:）」、「イェーライト（YEAH RIGHT!!）」といった中堅ブランドの参加協力も得て、全36ブランドの接点創出のフックとなるようなラインナップへと調整。共催している上海ファッションウィーク公式イベント「MODE PLUS・TOKYO」が厳選した13ブランドも招致し、グローバルでユニークなブランドに出会える場を目指した。　また、大阪・船場の生地卸が連携した独自ブランド「船場テキスタイル（SEMBA TEXTILE）」のブースも設置。to B要素の強いブースだが、常に産地や素材を探しているデザイナーと、ジャパンメイドの発信に力を入れる生地メーカーのマッチングは需要が高いという。関西ファッション連合理事で織物卸売 北高の高山茂也社長は「我々のような団体が、ブランドを中心とした合同展に出展するのは珍しい。日本から世界へと才能を輝かせるブランドの皆さんと繋がりができるのは、我々としても貴重だ」と参加の意義を語った。　加えて、レセプションパーティーや一般入場が可能なマーケットデーを設け、ZINEやドリンク、フードの販売といったイベントとしての機能を備えることで、to C向けにも開かれた場とし、「新たなファンとの接点創出」も狙った。　実際のバイヤー集客の成果は「まだ満足できるレベルではないが、次回開催への期待は持てた」と近藤氏。今後も継続開催の意向を示し、「2日間を終え、既にさまざまな意見が届いているが、それだけ参加者からの期待も感じる。まずは今回のフィードバックをもらい、ブランドの皆さんと共に改善していく。時代の変化と共に合同展の目指すべきところも変わっているので、良い形を模索したいきたい」と意気込む。日本の若手ブランドの新たなプラットフォームとなれるか、関心が寄せられる。

コロナ経てファッション合同展の需要に変化？　若手ブランド中心に必要の声広がる

若年層が「工芸」に回帰する背景　銀座もとじの現在の顧客層は国内が約85％、海外が約15％。インバウンド需要の追い風で、日本独自の土産物として着物を選ぶ訪日客の姿も多く見られるというが、国内の若年層の客数も着実に増加している。国内需要のうち8〜9割が日常的に着物を着る習慣を持つリピーターで、世代も20〜70代と幅広い。売上金額ごとの年齢比率は20代が約5％、30代が約15％、40代が約20％、50代が約30％、60代が約20％、70代が約15％。来客数だけで見ると若年層の割合はより多くを占めるという。客数、売上高ともに増加傾向にあり、中でも20〜30代の顧客の売上は2022年には約1割だったのが、現在では約2倍に伸長している。　なぜ今、若い世代は着物に惹かれるのか。泉二社長は、いくつかの要因が複合的に絡み合っていると分析する。まず背景として、コロナ禍にYouTubeなどを通して自分で着付けを始める人が増えたこと、海外渡航が制限される中で「日本文化に改めて触れたい」という意識が拡がったことを挙げる。また、近年注目を集める「昭和ブーム」や「平成ブーム」のように、SNSを通して世界中の情報に触れ、独自の審美眼を育てたデジタルネイティブ世代が日本の文化の価値や手仕事の魅力に気付き、関心を持っていること。特定の着物インフルエンサーがブームをけん引しているというよりは、ファッション感度の高いモデルやクリエイターたちが自身のスタイルに着物を取り入れている姿が共感や憧れを呼んでいるのだという。日頃からSNSで着物スタイルを発信しているモデルの高山都さんは、FASHIONSNAPの取材に対して「流行に関係なく、自分らしい美しさや魅力を体現できる」ことが着物の魅力だとコメント。日々加速するトレンドの変化を追いかけることに気疲れを覚えたことから普遍的な魅力を持つ着物に関心を持つようになったという。 　結婚式などのハレの日の装いとして、ドレスではなく着物を選ぶ人が増えていることも、着物ファンを生む新たな入り口となっている。晩婚化に伴う花嫁や参列者の年齢の上昇からドレスへ抵抗感を感じ、和装の結婚式や訪問着を選ぶ人も増えつつある中で、そうしたハレの場での着用をきっかけに、年齢を問わずさまざまな色柄を着こなせる着物の魅力を発見する人も多いようだ。 　泉二社長は、ファストファッションが浸透した時代だからこその揺り戻しがあるとも指摘。「長く着られる良いものが欲しいという層は確実に増えていて、その選択肢として着物が浮上しているようです。デザイナーの歴史や背景を詳しく調べたり語るのが好きなファッション好きたちが、日本の伝統文化である着物の奥深さに惹かれるのも自然な流れでしょう。手仕事や工芸の魅力を再発見し、関心を寄せる方が増えているように感じます」（泉二社長）。着物と下駄の和装スタイルに、デザイナーズブランドやラグジュアリーブランドのミニバッグを合わせて楽しむファッション好きも少なくないという。トレンドに左右されやすく、ロゴやデザイン次第でブランド名のイメージが刷り込まれやすい洋服と異なり、さまざまな着こなしを長く楽しめる点も魅力に映っているようだ。呉服店で仕立てられる高級な着物や浴衣は、日本の上質なテキスタイルを全身に纏うことができる贅沢なアイテムであるという点も特徴。海外のファッションスクールでは日本産のテキスタイルの質の高さが教えられ、世界のトップデザイナーたちも日本からインスピレーションを得ている。そんな時代における着物への関心の高まりは、一過性のトレンドではなく、自分たちのルーツや文化を見つめ直し、その価値を再発見しようとする若年層の心理を象徴しているのかもしれない。Q&A：はじめての着物の選び方　着物に興味はあっても、何から揃えればいいのか、費用はどのくらいかかるのか、わからないことだらけ、という人も多いだろう。初心者が最初の一歩を踏み出すためのヒントをQ＆A形式で紹介。  グレーの着物はいずれも大島紬。帯の選び方でも雰囲気を変えることができる。いずれも「銀座もとじ」で仕立てたものだそう。「流行に左右されることなく、今の自分にも10年後の自分にも似合うものを選ぶようにしています。あとは自身のTPOに合うかどうかも重要で、帯によって華やかにもカジュアルにもなる大島紬はすごく重宝しています」（高山さん）。

初心者におすすめの着物の選び方も解説

若い世代に「着物」ブームの兆し　“伝統工芸”に注目が集まる理由

まずは知りたい、ロリータの基本スタイル　暑さ対策について触れる前に、まず知りたいのが、ロリータの基本スタイル。Wonder Tea Partyの4人によると、ロリータスタイルは、ブラウスとジャンパースカートを重ねるのが一般的。「ロリータブランドが展開するジャンパースカートは、背中が大きく開いている設計のものが多く、インナーとしてブラウスを着る仕様になっています」（みなみさん）。　また、ロリータの象徴とも言えるふんわりとしたスカートを作るには、スカートの中にパニエを重ねるのが必須。バレリーナが穿くチュチュのようなチュールやオーガンジーを何層にも重ね、ボリュームを出しますが、このパニエが、ロリータの夏を過酷なものにしているのだそう。「パニエは、スカートを立ち上がらせることが目的のアイテムなので、通気性のある素材では作られていないんです。風通しが悪いのでスカートの中に熱がこもりやすく、パニエを重ねた日は、汗がものすごいことになります」（ぽちさん）。　パニエによってスカートが大きく広がることから、ロリータスタイルでは、さらに「ドロワーズ」と呼ばれるインナーの着用がマスト。下半身はドロワーズ、パニエ、スカートの3層が基本の重ね着スタイルで、パニエを増やしたり、タイツを履くことでさらに層が増えるのが特徴です。それに加えて、靴下やタイツ、シューズ、ロリータ界隈では「頭物（あたまもの）」と呼称されるヘッドドレスやカチューシャなどのアクセサリーをつけることで、ロリータの装いが出来上がります。自作のギアアイテムも、4人が実践するリアルな暑さ対策　ロリータの基本形を押さえたところで、ここからは本題の「基本形をいかに保ちつつ、暑さ対策をしているのか」を深掘り。取材を通して、4人それぞれが実践している方法に加えて、全員に共通する対策も見えてきました。まず、全員が共通で実践していたのが、ワイヤーパニエを取り入れること。暑さの元凶となるパニエの重ね穿きと同様の膨らみを作れる上、スカートの内側に風の通り道となる空間ができることから、夏のロリータにとってのマストギアなのだそう。実際にワイヤーパニエと通常のパニエ、それぞれを穿いた時のスカートの膨らみを見比べてみても、大きな違いは見られません。 　ワイヤーパニエは、多くのロリータが取り入れているアイテムですが、ここからは、Wonder Tea Partyの4人それぞれが実践する独自の対策にフォーカス。同じロリータでも、それぞれの独自のこだわりが光ります。◆みなみさんの場合：水着素材のドロワーズをインナーに  　まず、みなみさんが実践するのが、保冷剤を内蔵したヘッドドレスの着用。自作のヘッドドレス内部に備えた収納袋に保冷剤を入れて頭を冷やすことで、体感温度を下げるテクニックなのだそう。「そのほかには、極力重ね着をしないように、1枚で着られるワンピースを選ぶことが多いです。また最近、インナーのドロワーズを水着素材のものに変えたら、汗蒸れがかなり軽減されることに気づきました。真夏のスカートの中は、これが正解です」（みなみさん）。 ◆愛さんの場合：厚底サンダルで足元を快適に  　愛さんは、厚底サンダルを履くことで、地面との距離を物理的に離し、足元の快適性を向上。靴下も、タイツやオーバーニーソックスなどは避け、面積の少ないクルー丈を履くようにしているのだそう。 ◆ぽちさんの場合：装飾の多いゴスロリをカジュアルダウン  　ゴスロリスタイルのぽちさんは、熱を吸収しやすい黒を好んで着ることから「夏こそ、いかに工夫するのかが試される」と言います。「最近は、ゴシック系のブランドも半袖のトップスを多く展開してくれるようになったので、半袖を着たり、スカートの丈を短くしたりと、カジュアルダウンを意識しています。足元も、タイツではなくシースルーの薄手ソックスを履いたりと、全体の布量をコントロールして対策しています」（ぽちさん）。また、小型のファンとベルトを組み合わせた自作の「ベルトファン」も活用。ワイヤーパニエに取り付けることで、さらに通気性を高めているのだそうです。 ◆はむかさんの場合：即効性のある“ひんやり小物”に頼る  　はむかさんの夏に欠かせないのが、ネッククーラー。約3時間はひんやり感が持続し、外出先でも、氷と水が調達できれば、中身を入れ替えてさらに効果を持続させることができる優れモノ。Wonder Tea Partyの皆さんは、はむかさんをきっかけに全員がメンバーカラーでお揃い買いしたのだそう。暑さとともに変わりゆくロリータの形　ファン付きウェアも登場　Wonder Tea Partyによると、この数年の酷暑に伴い、ロリータブランドのアプローチも多様化しつつあるようです。「ロリータにおいて、第一に大切なのはデザイン性で、それは揺らぎません。ただ、かつては“素肌を出さない”ことが暗黙のルールだったのに対して、最近は大手ブランドからもオフショルダーなどの肩見せのデザインが出るようになりました。数年前までは考えられなかったことです」と愛さん。素材面でも、徐々に変化が起きているらしく、個人ブランドを中心に遮熱生地のパニエなどの導入が加速。「これまで、ロリータ服といえばコットンが中心でしたが、この数年でポリエステルなどの化繊を取り入れるブランドが増えてきていて、選択肢が広がりつつあります」（愛さん）。　そのほか、アームカバーや日傘といった“暑さ対策の定番”とも言えるアイテムも、ロリータ仕様にアップデート。中でも日傘は、以前までロリータにとって“コーディネート用のアイテム”という側面が強かったのに対し、実用性を重視し、高い遮光率を備えたロリータ向けの日傘を出すブランドが増えているのだそう。「ロリータ御用達の傘ブランド『アプレビュート（Apleberute）』を筆頭に、遮光率99.9％の生地を使った傘が展開されるようになりました。ロリータが好きな“パゴタ”型かつ、装飾と機能性が合わさったハイブリッドな傘が増えた印象です」（はむかさん）。　機能性が求められ、スタイルが多様化しつつある中、ロリータ界隈で密かに話題なのが、ロリータブランド「aonoshikai」が展開する、ロマンチックな要素を掛け合わせたファン付きウェア「しゃぼんウェア」。りぼんを模したトップスで、両側面に小型ファン用の穴を設け、結び目部分にファンのバッテリーを収納する仕様となっており、ファンで風を送り込むことで、りぼん型に膨らむ、まさにファン付きウェアの特性を活かしたデザイン。今年5月に開催された「デザインフェスタ」への出展をきっかけに、SNSで話題を集めています。　aonoshikaiのデザイナー・mowさんは2023年、文化服装学院在学中に女性向けのファン付きウェアの開発に着手。SHIBUYA FASHION WEEK 2023に参加し、「西暦2050年の少女」をテーマにしたウェアを発表しました。mowさんは、開発の経緯を「夏のコンビニで、ファン付きウェアを着た現場作業員の方を見て羨ましく思うと同時に、ファンの風によって膨らんだ“丸み”が、ロリータファッションと相性が良いのではないかと考えたのがきっかけ」と振り返ります。　mowさんによると、Xでの“バズり”をきっかけに、しゃぼんウェアへの問い合わせが殺到。「発表当初は、人の目に触れるきっかけがなかったこともあり、そこまでの反響を得られなかったというのが正直なところ。ただ、今回のSNSでの反響を受けて手応えを感じましたし、新しいシルエットの開発も視野に入れています」（mowさん）。しゃぼんウェアは、すでに実用新案を取得済み。今後はアウターだけではなく、一枚で着られるワンピース型の開発を視野に、より涼しく快適で可愛い、独自性のある商品展開を見据えます。　普遍的な価値を追求しながら、気候変動や機能の革新といった現代の課題と向き合い、しなやかに姿を変えていくロリータファッション。彼女たちの独自のアイデアを通して、常に新しい「可愛い」の形を模索し続けるロリータならではの「好きなものを諦めない」という精神性が見えてきました。この精神をもとに独自に進化を遂げてきたロリータファッションは、これからも続いていきます。

長引く酷暑、“重ね着命”のロリータはこの夏をどう乗り越えている？

サステナブルな会員制度として始動　モンベルクラブは、同社の創業からおよそ10年後の1986年に始動。設立の目的は、「顧客との情報交換や価値観の共有を図ること」にあった。「『さあ、外へ向かって出かけよう』という意味を込めた会報誌『OUTWARD』や、商品を知っていただくためのカタログを顧客に届けたいと考えたのがきっかけだった」と担当者は話す。　当時から、年会費は変わらず1500円。1000円を超える年会費はハードルが高く感じられるが、その背景には、「末長く会員制度を継続していくため」という明確な意図があったという。「モンベルクラブを始めた当初は、まだ直営店もない時代（1号店のオープンは1991年）。ポイントサービスもなく、会報誌『OUTWARD』やカタログの送付が中心だったが、会費無料で運営すると、ゆくゆくは制度そのものが破綻してしまう可能性があった。それならば、末長く続けられる会員制度として、最初から会費をいただき、それに見合うサービスを提供していこうと考え、有料サービスとしてスタートした」と担当者。持続可能性を追求したことが、同制度の揺るぎない基盤を築いたと言えるだろう。　現在、モンベルクラブでは、入会初年は購入金額の5％がポイントとして貯まり、貯まったポイントをモンベルの直営店で利用できる。直営店だけではなく、モンベルが提携する370店舗の農産物などを販売するオンラインストア「モンベルフレンドマーケット」でもポイントを貯めることができるほか、モンベルと提携する自治体「フレンドエリア」や店舗「フレンドショップ」でカードを提示することで、割引などの優待を受けられる。さまざまなサービスを提供することで、モンベルで定期的に買い物をする層だけでなく、アウトドアアクティビティを趣味に持つ幅広い層を取り込んでいる。会員の年齢層は40〜50代がボリュームゾーン。近年は若い女性が増加傾向にあるという。8割を超える会員が利用を継続、人気の理由は　設立当初から年々会員数を増やしてきたモンベルクラブだが、創業30周年を迎えた2005年時点の会員数は約7万人だった。同年、社内では新たな目標が掲げられた。「30周年を祝した会で、代表の辰野（勇氏）が社員に向けて『（会員数）100万人を目指そう』と明言した。それを受けて各部署は、どうすれば会員になってもらえるか、店舗での案内方法を含めて意識付けを再度行い、サービスを充実させながら会員を増やしていった」と担当者。こうした取り組みが実を結び、それから16年後の2021年には、会員数が100万人を突破。120万人を超えた今も年々、右肩上がりで増え続けている。　顧客との結びつきの強さは、会員の更新率にも表れている。広報担当者によれば「更新率は非常に高く、8割を超える会員が毎年更新している」という。会員による売上構成比は非公表だが、モンベルの堅調な業績をけん引しているのは間違いなさそうだ。独自のシステムで地域活性化へ　単なるポイント制度に留まらず、モンベルの提携するフレンドエリアやフレンドショップで優待を受けられることが、モンベルクラブの大きな特徴だ。特にアウトドア愛好家にとって旅先での優待は大きな魅力となる。「行った先々で『モンベルクラブに入っていて良かった』と思ってもらうためには、モンベル直営店だけではなく、利用した施設でサービスを提供することも一つの方法だと考えました」と広報担当者。　施設側にとっても、こうした連携はメリットが大きい。「アウトドアにセグメントされた120万人のユーザーに、ピンポイントで自分たちの情報を提供できるというメリットから、施設側から『モンベル・フレンドショップ』に入りたいという申し出を受けることも少なくありません。我々も、フレンドショップ側へのサービスを充実させながら連携を続けています」（担当者）。　現在、モンベルと提携するエリア数は約130、施設数は約2300にものぼる。特に注目すべきは、自治体との提携スキームだ。提携のきっかけについて担当者に尋ねると、「当初は自治体ではなく、個別の施設と提携していたが、長野県小谷村にフレンドショップ登録施設が多く集まったことをきっかけに、『地域として登録したい』という話をいただき、提携するようになった」という。「その後、『フレンドエリア』という形で自治体と提携する仕組みを構築してきた」と担当者。フレンドエリアの取り組みは、会員制度を通して、企業と顧客の関係を超え、地域活性化にも貢献するシステムを築き上げている。コミュニティを育むイベントと社会貢献　モンベルクラブではこれまで、定期的に会員向けのイベント「フレンドフェア」を開催してきた。コロナ禍を経て一時中止になっていたが、今年、創業50周年を記念して復活。3月に大阪のインテックス大阪、7月に神奈川のパシフィコ横浜で実施されたフェアは盛況で、パシフィコ横浜では2日間で1万6000人を動員した。モンベルクラブの会員であれば無料で入場できるハードルの低さも、人気の理由の一つだ。　「今回、各会場には約100団体のフレンドエリアやフレンドショップが出展し、物販や体験ブースなどを通じて会員とコミュニケーションを取りました。同時に開催されたモンベル製品のアウトレットセールで買い物を済ませた後、各ブースで情報収集する会員も多く見られ、平均滞在時間が長かったですね」と担当者。イベントをきっかけに、各エリアに出かける会員も少なくなく、良いサイクルが生まれているという。　年会費の主な使い道は、会報誌の制作費や送料など、サービスに付随するものがほとんどだが、1500円のうち50円は「モンベルクラブ・ファンド」として貯蓄される。これは、自然保護や社会貢献、冒険・探検などの活動を行う団体や個人に対して支援を行うモンベル独自の基金で、1995年の阪神・淡路大震災をきっかけに始まった「アウトドア義援隊」などの災害支援にも活用されている。支援先は、年4回発行の会報誌やモンベルの公式サイトでも発信されており、「会報誌で支援団体の取り組み内容についても触れることで、団体そのもののPRにもつながっている実感がある」という。会員は、自身の会費が社会貢献に繋がっていることを実感でき、ブランドへの信頼と愛着を深めている。　モンベルクラブには、ポイント制度だけでなく、アウトドアライフスタイル全体を豊かにする価値提供があり、これは顧客と企業の関係を「購買」を超えた「体験の共有」へと昇華させている好例と言える。創業50周年を迎えた同社は、今後も顧客と共に自然と向き合い、豊かなアウトドア体験を創造していくに違いない。

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会員数は120万人超え、創業50年のモンベルを支える有料会員制度の全貌

■ZOZOTOWNとは？創業者 前澤友作氏が立ち上げたインターネット上のCD・レコードの輸入販売サイト「エスティエムオンライン（STMonline）」を前身とし、アパレル商材を中心としたEC事業の先駆けとなるインターネット上のセレクトショップ「イープローズ（EPROZE）」の運営を経て、2004年12月に17のセレクトショップと10のブランドショップを集積したファッションショッピングサイトとして誕生。2010年11月にアプリの提供を開始した。ECサービスだけではなく、採寸用ボディースーツ「ゾゾスーツ（ZOZOSUIT）」の開発や「即日配送」の対応といった、従来のECサービスにはない取り組みに挑戦し続けている。現在は9000以上のブランドを取り扱い、年間1200万人以上が利用するファッションECへと成長している。＞＞今回お話してくれたのは…「ネットで服は売れない」を一変させた“ZOZO流まちづくり”　ゾゾタウンが誕生した2004年当時、インターネットで流通する商品は徐々に増えていましたが、こと洋服に関してはブランドごとのサイズ感の違いや、同じS・M・L表記でも実際の寸法が異なるといった問題があり、試着のできないネットでの販売は非常に難しく、「ネットで服は売れない」と言われていました。その固定観念に対して、僕たちは敢えて挑戦したからこそ、第一人者として道を切り拓いてきたと思っています。　そんな「ZOZOTOWN」ですが、名称の由来はご存知ですか？　「ZOZO」は、「想像（SOZO）」と「創造（SOZO）」の2つの「ZO」からきています。何もないデジタルの空間にただ商品を並べるだけでは、ブランドが大切にしている世界観は伝わりません。リアルな店舗を訪れたときに感じる、そのお店ならではの雰囲気やトーンがありますよね。僕たちは、その感覚をネット上で再現することにこだわりました。　そこで生まれたのが、「街（タウン）」というコンセプトです。一つひとつのブランドのショップを、まるで本物の街にあるお店のように丁寧に作り込み、街を散策するようにさまざまなショップを巡ることができる。それを「街」に見立て、“想像と創造の行き交う街”として「ZOZOTOWN」と名付けました。　サービス開始当初は27ショップからスタートしましたが、その一つひとつに異なるデザインを用意し、1店舗ごとに出店までの打ち合わせを重ね、クオリティに妥協せず丁寧にCGで作り込んでいきました。例えば、「ビームス（BEAMS）」さんのショップは、原宿にある実際の店舗の設計図をお借りしてそのまま再現しましたね。自社ショップでは階段をちょっとだけ宙に浮かせたりと、デジタルならではの遊び心を取り入れました。プロのCGクリエイターがヴィジュアルを手掛けたのですが、当時入社したスタッフも「ZOZOTOWNという街が本当にどこかにあるのではないか」と錯覚したほどだったとか。　こうした丁寧な取り組みがあったからこそ、当初はネット販売に懐疑的だったブランドも「自分たちのブランドを深く理解し、大切に扱ってくれる」と感じてご出店いただけたのではないでしょうか。当時、ECサイトといえば簡易的なテンプレートに商品を並べるのが主流で、ここまで世界観の構築にこだわったサービスは他にはなかったと思います。この姿勢が、ブランドさんから洋服を預からせていただく上での大きな信頼に繋がったと考えています。SNS、ブログ、Q&A......“ファッション好きに向けたリゾート”が誕生　ZOZOTOWNがファッションECとして軌道に乗ると、僕たちは次なる展開を考え始めました。ファッション好きなユーザーが集まるこの場所を、もっと楽しんでもらえる空間にできないか。当時、ショッピングだけではなく、ファッションにまつわるさまざまなコンテンツを展開していましたが、それらを集約した「ゾゾリゾート（ZOZORESORT）」というサイトに、2007年にリニューアルしました。　当時はクローズド型のSNSや著名人によるブログ、ユーザー同士が意見交換できるQ＆A、リアルショップのナビゲーション機能などのサービスを、ファッションという切り口で展開していました。当時を知る方は懐かしく感じられるのではないでしょうか。■ZOZORESORTで展開していたコンテンツ（一部抜粋） ・ファッションEC「ZOZOTOWN」 ・ソーシャルネットワークサービス「ZOZORESIDENCE」 ・ファッション店舗検索サービス「ZOZONAVI」 ・著名人のブログ閲覧サービス「ZOZOWALKER」 ・メッセージサービス「ZOZOARIGATO」 ・Q＆Aサービス「ZOZOQ&A」 ・情報発信サイト「ZOZOPEOPLE」　ヴィジュアル面では当時主流だったFlashを駆使してユーザーが触って楽しめる遊び心を随所に散りばめ、非常にインタラクティブな体験を追求しました。リゾートのCGの遠くには、当時海浜幕張にあったZOZOのオフィスビルが描かれていて、16階あたりにカーソルを合わせると会社概要ページに飛ぶ、といった仕掛けも。今でこそ、ナビゲーションはよりスマートで分かりやすいものが主流ですが、当時はこうした遊び心がサービスの世界観を深め、ユーザーに好まれる傾向がありました。時間帯によっても朝から夕方、夜へとヴィジュアルが変化して、ふとしたタイミングに流れ星が流れたり、12月にはサンタクロースが現れたり。ZOZOTOWNのサーバーの時間を読んでいるので、海外からアクセスしても日本時間に合わせてヴィジュアルが表示されるようにするなど、リアルな世界観へのこだわりを徹底していました。　ZOZORESORTに集まってきてくれたファッション好きなユーザーはみんな、「やさしい」人ばかりでした。一つひとつの投稿に対して肯定的なコメントが見られましたし、考えや好みが違ってもお互いを認め合うような雰囲気をすごく感じました。　ユーザーだったスタッフがうちに入社してくれたケースも多いです。だからこそ、社員から自社サービスに対しての「もっとこうしたい」という意見は当時からよく上がっていました。このリゾート内にあった「ZOZOARIGATO」というメッセージサービスも新入社員が企画したもので、人・モノへの「ありがとう」の想いを投稿すると、指定した時間にボード上に表示され、投稿1件につき10円が国際NGO団体に寄付される仕組みで、CSR活動の一環でもありました。社内のアイデアがちゃんとサービスになるという、オープンな雰囲気はその頃からありましたね。　ハイブランドを集積したエリア「ゾゾヴィラ（ZOZOVILLA）」も、実はZOZORESORT時代に生まれたものです。当時、ネットで販売するハイブランドは少なかったのですが、「アンダーカバー（UNDERCOVER）」さんのことが好きな自社スタッフがブランドに対する愛をプレゼンで伝えたことでご出店していただけることになり、それがきっかけで他のブランドも入っていただき、いわゆる“ハイブランドモール”をつくることができました。ZOZOTOWNに「ユナイテッドアローズ（UNITED ARROWS）」さんが出店を決めていただいたことを機に、他ブランドの出店が続いた時と同じような流れが生まれたのは、僕たちのブランドに対する理解や想いがあったからこそだと思っています。この姿勢は昔から大事にしています。　2010年には「『街』から『人』へ」をテーマに、それまでZOZOTOWNのシンボルだった「街」のヴィジュアルをなくすことでサイトを大きくリニューアルしました。2006年にカジュアルブランドを集積した「ゾゾタワー（ZOZOTOWER）」を作ったのですが、独立した“タワー”という設計だったのでZOZOTOWNトップから検索すると表示されず、世界観へのこだわりと利便性の両立に迷ったことも。その後、最終的には横断してアイテムが見つけられるように大きく刷新したのが2010年のリニューアルです。当時はTwitterをはじめとするSNSが急速に普及し、「バズる」という言葉が生まれるなど、世の中の関心が企業やブランドから「個人の発信」へと移り始めていました。新しいサイトでは、個人のコーディネートやレビューが目立つようにレイアウトを変更したほか、ユーザー一人ひとりの「声」が見えるデザインへと刷新するなど、主役が「街」から「人」に変わったことで、お客さまが他のユーザーの着こなしを参考にしたり共感したりしながら、新しい服と出会えるような体験を目指しました。0円セールからZOZOTOWN改善計画まで、数々の「ナナメウエ」の企画で実現したかったこと　ZOZOTOWNではこの20年、常に「ソウゾウのナナメウエ」をいくような挑戦的な企画を大切にしてきました。　例えば、サプライズで実施した「0円セール」。これは10周年のときに、社員からアイデアを募集する企画で生まれたものです。「0円で売る」というキーワードが世の中に与えるインパクトもありながら、10周年という機に“お客さまへ何か還元できないか”という想いをカタチにした企画です。事前告知なしで突然始まったため、社内でも「バグではないか」と騒ぎになったほどです（笑）。　2012年には「ZOZOTOWN改善計画」と題し、サイトでお客さまから直接ご意見を募集して、その進捗を公開しながら機能改善を進めたこともありました。サイズ検索や商品画像拡大といった機能は、実際にこの企画を通して実装されたものです。今ではなかなか実現が難しい企画ですが、お客さまと一緒にサービスを作っていくところは、懐の深い会社だなと改めて思います。　僕たちが挑戦する上で大切にしているのは、どこもやっていないことを、スピード感を持っていち早くやること。大きく言うなら、リアルとネットの垣根をなくして、ショッピングをもっと便利にすること。「ユーザーファースト」こそが、僕たちがずっと追求してきたテーマです。　期間限定で、お客さまが送料を決められる「送料自由」も、お客さまの声に耳を傾ける企画でした。ほかにも、現在も提供している「ツケ払い」や「買い替え割」といった開始当時としてはユニークで話題を集めた決済方法など、さまざまな挑戦をしました。　「洋服を買ったときの、あの高揚感のまますぐに着たい」というお客さまの気持ちに応えるために、「即日配送」もいち早く導入しました。これは物流拠点「ZOZOBASE」を持っているからこそだと思います。　その商品配送の際に使っている通称「ZOZO箱」は、僕たちにとってお客さまとの大事なコミュニケーションツールです。「スター・ウォーズ」とコラボして箱がマスクになったり、コロナ禍で花火大会が中止になった時期に箱で花火の雰囲気を楽しめるようにしたり、「花火大会といえば焼きそば」という考えでカップ焼きそばを同梱したり......箱そのもので遊べるような工夫もしてきました。　ちなみにみなさんはZOZOTOWNのキャラクター「箱猫マックス」を知っていますか？　SNSで「ZOZOの箱にうちの猫が入ってる」という投稿をよく見かけたことがきっかけで、社内のデザイナーが考えたものなんです。余談ですが、絵が上手なスタッフが多いので、このキャラクターを描くときは緩いタッチにするためにわざと利き手と逆で描いたりするんですよ。　ZOZOTOWNを運営するのはファッション好き。元々利用ユーザーだった社員も多く、ユーザー目線のファッション好きが、ファッション好きのための改善に日々取り組んでいます。こんなふうに、僕たちは「ユーザーファースト」を何よりも大切にしながら、リアルとネットの距離を縮めて、もっと便利で楽しい体験を届ける。そのための挑戦を、これからも続けていきます。リアルとネットの距離を近づけた2つの挑戦──「ZOZOSUIT」と「似合うラボ」　ここまで数々の「ソウゾウのナナメウエ」の挑戦を振り返りましたが、特に大きかったと言える2つの挑戦があります。一つは、採寸用ボディスーツ「ゾゾスーツ（ZOZOSUIT）」です。これはみなさんの記憶にも新しいのではないでしょうか。　「サイズを知るにはお店に行くしかない」という“サイズの壁”をどうにかしたい。そんな想いから生まれたのが、ZOZOSUITです。ここで得た技術やノウハウは、肌の色がわかる「ゾゾグラス（ZOZOGLASS）」や、足のサイズがわかる「ゾゾマット（ZOZOMAT）」といったテクノロジーにもしっかり受け継がれています。　そしてもう一つの大きな挑戦となったのは、少しZOZOTOWN外の話になりますが、2022年に始めた「niaulab by ZOZO（似合うラボ）」です。これは、お客さまが服を探す際の新たな検索軸を見つけるために立ち上げたプロジェクトで、「体型」や「悩み」「好み」といったデータをどう収集するかを議論する中で実際にリアルな場でもデータを取る必要があるという結論に至りました。　似合うラボではお客さま一人ひとりに対して、AIとプロのスタイリストによるコーディネート提案から、プロによるヘアメイクと写真撮影までをセットにした、“超パーソナルスタイリング体験”を提供しました。ずっとオンラインのサービスにこだわってきた僕たちが常設の実店舗をオープンすることは大きな挑戦でしたが、プロのスタイリストの方々の知見や感性とすり合わせながらお客さまと対話し、「似合うとは何か」を言語化していくプロセスは、とても大きな発見の連続でした。この挑戦で得られたデータは、今後のAIを活用したサービス開発へと繋がっています。AI時代は「ファッションのことならZOZO」に進化へ　この20年を振り返ると、僕たちの挑戦はいつも「リアルでできることを、どうやってオンラインで実現するか」というテーマだったと思います。そして、それを支えてきたのは、やっぱり「ファッションが好き」という社員みんなの熱い想いです。その想いがサービスににじみ出て、ブランドさんやお客さまにも伝わったからこそ、今もたくさんの人に選んでもらえているんだと信じています。　僕たちが試行錯誤して取り組んだUIの工夫、例えば「左に商品画像、右に購入ボタン」というレイアウトは、今ではたくさんのファッションECサイトでも取り入れられています。僕たちの試みが“業界の当たり前”のひとつとして広がったことで、世の中の人がネットで服を買いやすくなる一助になったのかもしれません。ファッションのネットショッピングの環境づくりに、わずかながらでも貢献できていたら嬉しいですね。　そして今、僕たちは次のステージを見据えています。それは、「ファッションを“買う”ならZOZO」から、「ファッションの“こと”ならZOZO」に進化することです。　これからは、AIのような技術も使って、お客さま一人ひとりが自分に似合う服ともっと出会いやすくなるような、新しい買い物体験を作っていきます。それと同時に、最近発表したマッチングアプリ「ゾゾマッチ（ZOZOマッチ）」やフェスイベント「ゾゾフェス（ZOZOFES）」のような、服を買うことの周りにある楽しさを提供していきたいです。　これからも、ファッションを愛するすべての人にとって、なくてはならない存在であり続けたい。20年で積み重ねてきた信頼とチャレンジ精神を胸に、これからも皆さんの「ソウゾウのナナメウエ」をいくサービスを届けていくことをお約束します。ZOZOTOWN 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