インサイド

子どもの頃の夢はうどん職人　子どもの頃になりたかった職業は、うどん職人でした。10歳くらいだったと思いますが、大阪にあったうどん屋で、うどんをこねている職人さんを見て「この人すごいなあ」と感動したんですよ。お笑い芸人を本気で志したのは、芸人になってから20年くらい経ってからですかね。それまでは「いつでも辞めたる」と思っていました。20年を超えたあたりから、ようやく「まあ、向いてるかもな」と思うようになって。そんな感覚です。　NSC（吉本総合芸能学院）に入る前は、お笑い芸人になろうなんて全く思っていませんでした。そもそも、お笑いは好きじゃなかった。むしろバカにしていたくらいです。外で遊ぶのが好きで、テレビっ子でもなかったので、お笑い番組も現役の芸人の中で一番見ていないと思います。NSCに入ったのは、周りの友達みんなから「俺と吉本に行ってくれ」と懇願されたから。興味がなくても、これだけ言われるんなら才能があるんやろうな、と感じたんです。　芸人として関西である程度テレビやラジオに出るようになってからも、お金は全然ありませんでした。俺、30歳になるまで月収が2桁万円に届いたことがなかったんですよ。だから、錦鯉とか他の芸人の苦労話を聞いても全然響かないんです。「俺のほうが金なかったわ」って。なぜ仕事がなかったか？いわゆる、仕事を「振る」立場の人たちにめちゃくちゃ嫌われていたんだと思います。こんな芸風ですから。でも、さっき話したみたいに「いつでも辞めたる」と思っていたので、そんな状況でも全然気にしてなかったですね。NSCの同期はマジでダサかった　ファッションに目覚めたのは、中学1年生の頃。頑張って「ボンタン」を買ったんです。めちゃくちゃ嬉しかったですね。学年で一番乗りだったと思います。当時、1年生で改造制服を着るヤツなんていなかったんですが、「ボンタンを最初に着るのは俺しかおらん」と思っていました。地元の大きな商店街に、改造制服屋さんが3軒あったんですが、全国流通の既製品を置いている店、オリジナルのデザインにこだわる店、持ち込んだ生地で仕立ててくれる店と、それぞれ扱う商品が違っていたんです。最初に買ったのは既製品。後でオーダーメイドにも手を出しましたね。オーダーメイドは高かったので、駅前の自転車整理のアルバイトをしてお金を貯めました。そのバイトは小学校のときからやってたんとちゃうかな。おじいちゃんたちがやるような仕事を、俺もやらせてもらってました。　オシャレだと思った芸人ですか？いないですね。特に、NSC11期の同期（陣内智則、中川家、たむらけんじ、ハリウッドザコシショウなど）は、とにかくマジでダサかったです。本当に嫌になりました。みんなファッション誌に載っている服装を必死で真似しているだけで、死ぬほどダサいんですよ。「マシやな」と思えるヤツすらいなかったですね。でも、野性爆弾のくっきー！（NSC13期）が入ってきたときは「あっ」と思いましたね。あの世代はおしゃれなヤツが多かった気がします。年間300日ホテル暮らし「これはもう限界やな」　俺は「いつ上京した」っていうのが、はっきりしていないんです。当時は、大阪から東京に進出する芸人が「4月から東京行きます」みたいな卒業ライブをすることが流行っていましたが、俺にはなかったです。行く気もないのに「さよならライブ」みたいな嘘のライブはやりましたけどね。そもそも、当時はまだ「いつでも辞めたる」って思ってたんで、東京に行くつもりは全くなかったんですが、東京での仕事が徐々に多くなったので、大阪で部屋を借り続けたまま、東京のホテルに泊まる日が増えていきました。　ホテル暮らしは2年くらい続きましたね。「アメトーーク！」の「ホテルアイビス芸人」（2007年に放送された、東京での仕事時に六本木のホテルアイビスを定宿にしていた吉本芸人たちの特集）に出た後、ホテルの年間宿泊日数が300日を超えたんです。そのときに「これもう限界やな」と思って、東京に部屋を借りました。なので、ホテル暮らしを続けていると体が保たないから部屋を借りた、というのが上京の理由です。ホテル暮らしをしていた頃は、仕事が終わると近所のラーメン屋「天鳳」によく行っていました。ほぼ毎晩通っていたせいで、15キロくらい太りましたね。　結局、大阪の事務所に所属したまま、5年くらい東京で活動していましたね。東京で最初の部屋を探すときは、ピースの綾部（祐二）が手伝ってくれました。綾部のビッグスクーターに二人乗りして不動産屋を回ったのを覚えています。あいつ、ええヤツですよ。あと、東京に来て良かったなと思うのは、大阪では買えなかった服が買えたことです。「ルイスレザーズ（Lewis Leathers）」の革ジャンとか。当時の大阪では新品で買えるお店がなかったので、東京でオーダーして買ったりしていました。そういう店を通じて、知り合いも増えました。服屋でも飲食店でも、お店の前にかっこいいバイクが停まっていたら、入っていったんです。そこでバイクの話で盛り上がって、友達が増えました。ファッション業界の人が多かったですが、タトゥーまみれで革ジャンを着てるような人たちばかりでしたね。タトゥーを入れる場所が体になくなったから顔に入れ始めているみたいな、なかなか人に紹介しづらい友達です。　東京で好きな古着屋は、原宿の「フェイクアルファ（FAKEα）」と高円寺の「ディークロージング（D Clothing）」。どちらもゴリゴリのヴィンテージを扱っています。ディークロージングは、アポイント制になっているのが面白いです。向かいのレギュラー古着屋さんをやっている奥さんにお願いしてお店を開けてもらったら、奥で店主がなんかの手入れしてるんですよ。あの独特の雰囲気が好きですね。最近買ったおもしろい古着は、素人が手書きでランボーの絵を描いたスウェットです。どこで買ったかは覚えてないんですけど。　今使っているバッグは、福岡の古着屋さんが、ロサンゼルスのイラストレーターに依頼して作ったもので、ヴィンテージのバッグにイラストが手描きされています。これを持って歩いていると、海外の人にめっちゃ声かけられるんですよ。「これ描いてるの、俺の友達だ」とか言われて。よく知らないんですけど、有名なイラストレーターなんでしょうね。これからも革ジャンとか、バイク乗りっぽい服を着続けていくんじゃないかと思っています。今欲しい服ですか？私事ですが、実はこの前（2026年1月）子どもができまして。「これ以上服を買ったら燃やす」って妻に言われているんで、その質問には答えかねます。世の中のアンチテーゼとして生きる使命　最近、アニメ「呪術廻戦」で声優の仕事をさせていただきました（ケンドーコバヤシにそっくりの芸人「ケンさん」役で第50話に登場）。自分の声を自分が演じるというのは、おそらくプロの声優さんでもやったことがない難しい仕事だったと思います。前人未到の仕事を成し遂げましたよね。自分で自分を褒めてやりたいです。今後の目標は特にないですね。やってみたい仕事もないです。今って芸人も自分で仕事を見つけて自分で取りに行く、みたいな風潮があるじゃないですか。そんな時代だからこそ、俺は「待つ」という姿勢を貫きたい。世の中のアンチテーゼとして生きる使命が、俺にはあるんです。　東京に来てから20年以上が経ちました。大阪にいつか戻れたらいいなという気持ちは心の片隅にありますが、いざ帰ると鬱陶しいヤツも多いなと感じるので、俺の安住の地は日本にはないのかもしれません。バンコクが安住の地かもしれないですね。仕事とプライベート合わせて、もう70〜80回は行っていますから。俺の墓はバンコクに建てたいですね。photography: Sumire Ozawa◾️あの人の東京1年目第12話：俳優 河内大和と稲田堤第11話：デザイナー コシノヒロコと西新宿第10話：俳優 光石研と原宿・下北沢第9話：デザイナー 東佳苗と新宿（文化服装学院）第8話：エバース 佐々木隆史と上石神井第7話：俳優 髙石あかりと高井戸第6話：役者 佐藤二朗と登戸第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第4話：オカルトコレクター  田中俊行と清澄白河第3話：「アンジュルム」 佐々木莉佳子と赤羽橋第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿

Culture

【あの人の東京1年目】芸人 ケンドーコバヤシと六本木

■ブレイク・アビー1990年生まれ。スコットランド人の父と中国人の母の間に、カナダのモントリオールで誕生。写真アシスタントとしてキャリアをスタート。複数のインディーズマガジンで経験を積み、「System magazine」は創刊のタイミングからエディトリアルに携わった。2023年からA Magazine Curated Byの編集長を務める。自分をファッションエディターだとは思わない──ブレイクさんが携わってきたシステムでは批評的な記事に定評があり、Aマガジンではブランドを主観的にフィーチャーするスタイルが軸にあると思います。現代のファッション業界において客観性と主観性のどちらが必要だと考えますか？　答えから逸れてしまいますが、私にとっては、システムもAマガジンも根本的なアプローチは同じです。だから回答としては片方に優位性があるとは思いませんね。ただ、この問いは現代のファッションメディアが抱えるジレンマとして非常に理解できます。・System magazineロンドンで創刊。第1号で特集したニコラ・ジェスキエールのインタビューはユルゲン・テラー撮影のポートフォリオや、ファッション業界や自身のクリエイティブについて赤裸々に語った内容でカルト的な人気を集めた。デザイナーをはじめとしたファッション業界のトップクリエイターを取り上げ、深い視点で切り込んだ記事が評価されている。・A Magazine Curated Byアントワープでウォルター・ヴァン・ベイレンドンクが創刊。第1号でメゾン・マルタン・マルジェラを取り上げ、話題を集めた。毎号ファッションデザイナーをゲストキュレーターとして招き、その世界観を探求するユニークなコンセプトマガジン。──“ジレンマ”で言えば、SNSの台頭による“個人のメディア化”で専門誌や媒体の発信方法も変化が求められています。　僕も一人のユーザーとしてSNSは楽しく利用するし、誰もが意見を持てるのは素晴らしいことだと思います。とはいえ、これは個人の考えですが、すべての人が主観的意見を発信すべきかというと、少し違うのかなと。ファッションが開かれたものである事に越したことはありませんが、十分な知識や文脈理解を持ち、明確な根拠に基づいて批評を行うことと、単なる個人の好き嫌いでジャッジメントは似て非なるものです。読者にとって、これらの区分がないまま発信され続けてしまう昨今の潮流には思うところがありますね。──ブレイクさんは長年ファッションメディアの最前線にいらっしゃいます。編集者として、ファッションという対象にどのようなスタンスで向き合っているのでしょうか。　僕らの中で一貫しているのは、ファッションとカルチャーの「接続性」です。システムを始めた当時、ファッションを純粋にカルチャーとして語る媒体はほとんどありませんでした。多くのメディアにとっての主題は「スタイル」や「デザイン」そのものだった。でも僕らは、デザイナーという存在を、もっと広義の「文化的な人物」として捉えたかったんです。──では、2誌のアプローチの違いは？　本質的には同じですが、視点の向きが異なります。システムが「ファッションをカルチャーとして見る」ものだとしたら、Aマガジンは「ファッションという視点からカルチャーを覗き込む」もの。伝わりますかね？ファッションをどうインテグレート（統合）するかの手法が違うだけで、根底にあるカルチャー観は共通しています。　ただ、こうして編集者としての話をしていますが、実は自分のことを「ファッションエディター」だとは思っていないんです。──意外ですね。それはなぜでしょうか。　僕の友人には、「ヴォーグ（VOGUE）」や「ハーパーズバザー（Harpers BAZAAR）」、ビジネス・オブ・ファッション（The Business of Fashion）」といったメディアで筆を執る“本物の”ファッションエディターやジャーナリストたちがいます。彼らの仕事は誌面でのエディトリアルもありますが、ショーや業界の動向といった「ニュース」を正確に報道すること。起こった出来事を社会に「反映（リフレクト）」する、非常に重要な役割です。　一方で、僕がやってきたアプローチは少し異なります。僕らがマガジンで作っているのは、ニュースではなく「瞬間」の記録なんです。──「瞬間の記録」ですか。 　感情の揺らぎや、時代の一瞬を切り取ることと言えるかもしれません。例えばシステムでは、今まさに影響を与えている人物にフォーカスし、半年間その人と向き合い、彼らが何を伝えようとしているのかを深く掘り下げてきました。川久保玲さんに約30年ぶりのロングインタビューを行ったとき、僕らが聞きたかったのは、最新コレクションの話ではなかった。彼女がファッションカルチャーに与える絶大な影響、つまり「ストーリー」を記録したかったんです。──Aマガジンで扱う内容も「ニュース」ではない。　Aマガジンではよりニュースとは距離を置いているかもしれません。一冊作るのに半年から一年、オファーやその前段階のコミュニケーションを含めればもっと長い期間が必要です。僕らはデザイナーに対して何かのトピックを「取材」するのではなく、彼らのインスピレーションや夢、希望、あるいは個人的な感情を辿りながら、「一緒に新しいものをつくる」ことを目指しています。　こうして話してみて思ったのは、やはり自分の役割は起きたことを反映するようなジャーナリストではなく、共創のためのアートディレクター、スタイリストに近い立場なのかなと。──情報のスピードも極限まで上がっています。その中で、「時間をかけたメディア」を維持することに難しさを感じることは？　プレッシャーはありますよ。ブランドや広告主からは、自分たちにとって良い形とタイミングになるよう、よりクイックな露出が求められますから。でも、先ほどお話ししたように、ファッション業界にはニュースを届けるメディアが既に存在しているので、僕らもそれに倣う必要はない。時代の変化を見極める必要はありますが、それぞれのメディアが持つ「死守すべき本質」を見逃すと存在意義を失います。　人々がAマガジンに求めているのは、ファッションウィークの速報ではないんです。デザイナーとの深い関係性、彼らの「思考の核心」にどう迫るか、というプロセスそのもの。僕らが「デザイナーのクリエイティブパートナー」であるために、彼らに向き合い制作する時間は必要不可欠なのです。──デザイナーのクリエイティブパートナーになるために、どんなことをしているのでしょうか。　時に、心理学者のように彼らの内面や思考プロセスに“潜り込んで”いきます。自分自身がデザイナーになりきってインプットし、考えてみるのです。「セシリー（セシリー・バンセン）はこれは好きだけど、あれは好きじゃないだろうな」とかね。彼らの鏡のような存在になり、アイデアの壁打ち相手になりながら、最初のアイデアをどこまで意外な方向に持っていけるか一緒に考えていくんです。東コレで見つけた、注目ブランドは？──東京ファッションウィーク期間中の日本滞在は初めてだそうですね。「Rakuten Fashion Week TOKYO 2026 A/W」（以下、東コレ）でインスピレーションを感じたブランドはありましたか？　まだウィークの途中なので、他にも発見するかもしれませんが、今まで見た中だと「ヨーク（YOKE）」や「ユウショウコバヤシ（yushokobayashi）」が印象深かったです。──ヨークはどんなところに惹かれましたか？　セットも音楽もかなりミニマルなものでしたが、服自体がブランドのコアを語っていた。テキスタイルの使い方が巧みで、テクスチャーも豊富。シルエットの遊びもあり、とても考え抜かれた服だということが伝わりました。そうでありながら、まとまりがあり、「明確」だったからです。　僕個人の感性ですが、「分かりやすい服」は良い服だと思います。商業的な服ということではなく、着られる服。最近はコマーシャルでもクリエイティブでもない、中途半端なものも見受けられます。そういう明確さに欠いたショーはとても退屈です。──ユウショウコバヤシのショーも分かりやすかった？　彼のショーは特に心に響きました。たくさんのアイデアを感じましたが、それらがしっかりと一体化して機能していたと思います。ポエティックで、日本的な情緒があり、夢を見させてくれました。　日本に限ったことではないのですが、特に若いデザイナーは「テクニックを見せようとしすぎる」傾向があります。ただし、複数の要素が“乱立”すると、途端につまらないものになってしまう。実験的な姿勢は大切ですが、時には機能を絞り、アイデアを次のシーズに温めておく決断が必要でしょうね。　話を戻しますが、そういう意味で彼（ユウショウコバヤシ）のショーは作り込んでいて情報量が多かったにも関わらず、やりたいことが明確でした。すぐにアトリエに伺うアポをとりましたね。 ──ブレイクさんはパリ、ミラノだけではなく、上海や台湾などローカルなファッションウィークにも足を運んでいます。東京のファッションウィークに感じたことを率直に教えてください。　もっと面白くなりそうだなと感じたのは、会場のバリエーション。予算や複雑な理由があると推察しますが、ブランドのクリエイションに適した会場選びが叶えられると、ショーの精度も高まりそうだと感じました。　実務的な要望を挙げるとすれば、僕のような海外からのゲスト向けに、各会場を回るための「専用車」があると、より多くのショーを見ることができると思います。僕はアジアに慣れているので問題ありませんでしたが、初めて東京を訪れる同業者にとっては、自力での移動は少しハードルが高そうに見えました。……とはいえ、このインタビュー会場には事務局の方々もいらっしゃるので、目の前で言うのは少し気まずいですね（笑）。でも、次回もぜひ来たいと心から思っていますよ！──（笑）。東コレを盛り上げるためのアイデアがあれば、教えてもらえませんか？　運営全体ではなく、ブランドごとにもスポンサーをつけられると、ショーの表現の幅がさらに広がるのではないかと思いました。ニューヨークではどんな若手のブランドでも、2、3社のスポンサーが入っています。スターバックスもいくつかのショーを協賛していました。事務局として、ブランドとスポンサーのマッチングを仲介する機能があると良いかもしれません。──では最後に、Aマガジンで今後取り上げたいと考えている日本のデザイナーについて聞かせてください。　一人には絞れませんね......。川久保さんもまた取材したいです。賢三さん（高田賢三）や一生さん（三宅一生）の特集も検討していたのですが、残念ながら機会を得られませんでした。「イッセイ ミヤケ（ISSEY MIYAKE）」といえば、近藤さん（近藤悟史）のデザイン美学にとても興味があります。「アンブッシュ（AMBUSH®）」のYOONさんも独自のカルチャーを持っていて面白い。　千登勢（サカイ デザイナーの阿部千登勢）さんや盾さん（アンダーカバー デザイナーの髙橋盾）とも、また一緒に作りたいです。　コム デ ギャルソン社は全員とやりたいくらい興味があります。啓さん（ノワール ケイ ニノミヤ デザイナーの二宮啓）や、淳弥さん（ジュンヤ ワタナベ デザイナーの渡辺淳弥）のクリエイションが大好きなので特に気になっています。　この記事を見ている関係者の方がいたら、ぜひ実現させたいので連絡してください！

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【インタビュー】デザイナーの「思考の核心」にいかに迫れるか　Aマガジン編集長が説くメディアの在り方

休学に母の涙...自分を認めてくれた役者の道　僕は山口県岩国市生まれ。いろいろなことに興味がある好奇心旺盛な少年で、小学生の頃はソフトボールとサッカー、中学時代は軟式テニス、高校でまたサッカーに打ち込みました。最初は野球選手になりたくて、その次はサッカー選手、その次に映画「バックドラフト」を見て消防士に憧れました。一番真剣になりたいと思っていたのは漫画家で、手塚治虫先生やゆでたまご先生、荒木飛呂彦先生から影響を受け、中学・高校の机は「ジョジョの奇妙な冒険」の落書きで埋め尽くされていました。余談ですが、ジョジョのミュージカルに出演させていただいた際に念願叶って荒木先生とお会いできたときは本当に感動したのを覚えています。　　高校3年生の時、映画好きな友達と出会ったことをきっかけに映画をたくさん見るようになりました。なりたいとまでは思っていませんでしたが俳優に憧れ、「セブン」に出演していたブラッド・ピットの真似をよくしていたものです。進路は、父が土地家屋調査士をしていた関係でなんとなく土木関係かなと考え、建築学科を志しました。雪が降るところに行きたいなと思い、後期日程で新潟大学を受験し合格しました。　大学では、映画が好きだったので演劇研究会に入りました。勉強が難しかったのと、そこまでの熱量があったわけでもなかったのでついていけなくなってしまい、逃げるように演劇に打ち込みました。結果、親に通知がいって休学することになりました。母は泣いていました。父は「とにかく母親を泣かすな。それだけはちゃんと守ってくれ」とだけ僕に言いました。その言葉とそのときの両親の顔は、今でもよく覚えています。　休学したタイミングで新潟市民芸術文化会館「りゅーとぴあ」ができて、俳優養成講座に応募したら合格。そこでシェイクスピア作品と出会い、「りゅーとぴあ」がプロデュースする作品に出始めるようになりました。稽古は夜。それ以外の時間はガソリンスタンドや警備員などのアルバイトに費やしました。そして2000年、東京での遠征公演「リチャード三世」でデビューを果たし、俳優として初めて出演料をいただきました。このまま上京してしまおうかという思いもよぎりましたが、当時のプロデューサーに「今、東京に出ても大量の砂の一粒にしかならない。新潟で芝居の基礎をもっと学んだほうがいい」と言われ思いとどまりました。今考えると、あのとき上京しなかったのは大きかったと思います。　27歳の時、演劇から離れました。シェイクスピアの「マクベス」で初めて主役を務めた直後、指導の厳しさと芝居への恐怖で声が出なくなってしまいました。当時は「この世界は自分には合わなかった」と、本気で芝居を辞めたつもりでいました。　1年半ほど家具の配送のアルバイトをして食いつなぎ、「何のために自分は生きているんだろう」と思い始めていたとき、新潟のプロデューサーから「ルーマニア公演があるからやってみない？」と声がかかったので受けました。海外で芝居できる機会なんてなかなかないだろうし、これを最後にきっぱり辞めようと思ったからです。この公演も遠征先で熱を出したり、喉を痛めて声が思うように出せなかったりとしんどいことばかりでしたが、役者人生最後になるはずだった新潟の凱旋公演で僕の人生は変わりました。芝居を終えてカーテンコールで舞台に戻ると、たくさんのお客さんから「河内！待ってました！」の声。自分の存在価値がよく分からなくなっていた時期だったので、僕を認めてくれる方がこんなにたくさんいるんだと知って自然と涙がこぼれ、「ここで生きなきゃいけない」と覚悟が決まりました。逃げるように上京、2日目で東日本大震災　32歳で上京（稲田堤は多摩川を挟んでギリギリ神奈川県なので厳密には上京ではないですが）しました。山口で生まれ新潟で14年を過ごした僕は都会に対して「怖い」というイメージしか持っていませんでしたが、新潟での修行が厳しすぎたのと、主演、舞台監督、照明など多くの役割を一気に任せられたことで急性胃炎になり血を吐いてしまったため、逃げるように上京したというのが正しいニュアンスかもしれません。　上京して、2日目に東日本大震災が起きました。震源地から離れているとはいえ、山積みの段ボールが大きく揺れて、富士山が噴火したのかと思ったのを覚えています。震災が起きてから東京の方も難しい状況で、なかなか仕事もバイトもできませんでした。新潟でお世話になった方の縁でサッカースクールのチラシ配りなどのバイトをさせてもらい、なんとか食いつなぎました。行きつけは、今はなき駅の近くのガストと松屋でした。　つらい時は映画を観ました。映画を観ている時間だけは全部忘れられたんです。観終わると現実が一気に押し寄せて余計つらくなりましたが、それでも映画に救われた部分は大きかった。このときから、いつか俳優として映画に出演したいと強く思うようになりました。　自分のキャリアを語るうえで欠かせない恩人が、俳優の吉田鋼太郎さんです。新潟時代にも面識はありましたが、上京してしばらくして再会し、演出家の蜷川幸雄さんに僕を推薦してくれました。これによって「彩の国シェイクスピア・シリーズ」への出演が決定。蜷川さんの死後、吉田さんが演出を引き継いだ「ヘンリー五世」では、主要キャストに登用してくれました。40歳を目前にして仕事が軌道に乗り始め、ようやくアルバイトなしで生活できるようになりました。ドラマ「VIVANT」に抜擢、役者としてスタートラインに　結婚して子どもも生まれ、飛躍を目指した2020年、再び壁にぶち当たりました。コロナ禍です。緊急事態宣言などでそれまでの仕事が全部飛んでしまい、家の押入れでハムレットを朗読して配信したり、「ウーバーイーツ」の配達員として再びアルバイトをしたりして生活しました。　そんななか、転機が訪れます。大学時代から憧れていた劇作家の野田秀樹さんが声をかけてくださり、阿部サダヲさん、長澤まさみさんなどが出演した東京芸術劇場での舞台「THE BEE」のメインキャストの一人に抜擢されました。これを「VIVANT」のプロデューサーさんが観てくださっていて、出演が決定。それまで地上波はおろかドラマ自体出たことがなかったので、信じられない思いでした。 　「VIVANT」の撮影は、「失敗したら二度と映像の仕事はない」という不退転の覚悟で臨みました。特に最後のシーンは堺雅人さんや阿部寛さん、ずっと憧れていた役所広司さんといったトップ俳優の方々と対峙することになり人生で1番緊張しましたが、福澤克雄監督が舞台のような雰囲気を作ってくださったこともありなんとか乗り越えることができました。　最終回の放送は、自宅で観ました。妻からは「頑張ってきてよかったね」と言われ、両親からも「良かった」とメール。そのときやっと、「迷惑をかけてきた両親に少し恩返しができた」と思えました。　その後、2025年に「8番出口」のおじさん役を演じたことで有難いことに映像の仕事が急増。街中を歩いていて、道ゆく人に話しかけられることが増えました。話しかけたそうにしている小さな子どもも少なくないので、そんなときはこっちから話しかけることもあります（笑）。47歳、役者として新たなスタートラインに立てたように感じています。俳優 河内大和の“夢”　半生を振り返ると、苦しいことの連続でした。自分が嫌で嫌で仕方なくて、違う人になりたかった。演劇や芝居は、僕にとって逃げ込む場所で、楽しいと感じたこともほとんどありませんでした。でも、俳優 浅野和之さん*をはじめとする数々のご縁や色々な経験を通して、ようやく楽しいと思えるようになりました。*「ある女の家」という舞台で浅野和之と共演。その自由な表現を見て、「こんなに楽しんで仕事をしている人は初めてだ」と雷に打たれたような気分になったという。　もちろん芝居は生活していくための仕事であることに変わりはないですが、今は趣味の延長にある感覚で、研究者が真理を追究するプロセスに近いように思います。今の目標は、多くを語らなくても何かが滲み出て、その場に“存在できる”俳優になること。何もせず、ただそこに“いる”というのはすごく難しいです。立っているだけでその役の半生が見えてくる。その境地まで辿り着き、ゆくゆくは主役を張れるような役者になれたらと思います。　また、最近はもう一つ夢ができました。僕はファッション好きな妻の影響で「ヨウジヤマモト（Yohji Yamamoto）」の服を愛用しています。僕のもう一つの夢は、ヨウジヤマモトのショーにモデルとして出演し、ランウェイを歩くこと。そのためにも、目の前の仕事に真摯に取り組み、相応しい俳優になりたいです。　最後に、未来に向かってもがいている、かつての自分のような皆さまへエールを送ります。夢を叶えるためには苦しみは付き物で、その渦中にいるとすごくキツいです。でも、自分一人で抱え込まないでいろんな人に助けてもらってください。いろんな助けにすがって、強い信念を持って頑張り続けていたら、光は見えてきます。時にはくじけてもいいので前を見て頑張り続けてください。情熱をいつまでも忘れずに歩き続けることができれば、必ず夢は叶うはず。僕もまだ夢の途中。自分が選んだ演技の道で、情熱を燃やし続けます。photography: Sumire Ozawa◾️あの人の東京1年目第12話：俳優 河内大和と稲田堤第11話：デザイナー コシノヒロコと西新宿第10話：俳優 光石研と原宿・下北沢第9話：デザイナー 東佳苗と新宿（文化服装学院）第8話：エバース 佐々木隆史と上石神井第7話：俳優 髙石あかりと高井戸第6話：役者 佐藤二朗と登戸第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第4話：オカルトコレクター 田中俊行と清澄白河第3話：「アンジュルム」 佐々木莉佳子と赤羽橋第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿

【あの人の東京1年目】俳優 河内大和と稲田堤

HIROKO KOSHINO

【あの人の東京1年目】デザイナー コシノヒロコと西新宿

ファッション都市として芽吹き始めたベルリン　ファッション・カウンシル・ジャーマニー（Fashion Council Germany／以下FCG）が主催するベルリンファッションウィークは、年2回メンズ・ウィメンズ合同で開催。今シーズンはミラノ、パリのメンズウィークを経てコペンハーゲン、ベルリン入りする関係者も多く、ヨーロッパのファッションウィークサーキットの中で、シーズンを追うごとに存在感を増している。　成長の背景には、FCGが主体となり、ベルリン市経済・エネルギー・公共事業局といった行政機関を巻き込みながら、ファッションを都市政策の一つとして位置づけ、継続的に種を蒔いてきたことがある。　ショーの開催にとどまらず、デザイナー支援のためのアワード設立、海外市場へのプロモーション事業（昨年は、韓国と日本にデザイナーを伴った使節団を「Berlin Fashion X International」として派遣）、隣国デンマーク・コペンハーゲンファッションウィークと協業したサステナビリティの取り組み、異分野を横断するカルチャープログラムの設計まで包括的に行うことで、単なる「見せる場」から「育て、つなげる場」へと進化してきた。プラットフォームの構築、ファッションを政策として推し進めてきた結果として、ここ数シーズンで、確かな芽吹きを感じさせるエネルギーが立ち上がっている。ロケーションが語るベルリンらしさ　ベルリンファッションウィークを特徴づける要素のひとつが、会場選びにおける大胆さと都市性だ。ショー会場には歴史ある劇場や美術館だけでなく、かつて発電所や工場として使われていた建築、倉庫、インダストリアルスペースが積極的に活用されている。無機質でスケールの大きな空間、剥き出しの構造体、音が反響するコンクリートの壁面。これらの空間は単なる雰囲気作りではなく、ベルリンという都市が持つ歴史やカウンターカルチャーの記憶を残しながら、ブランドのアティチュードと共鳴し、思想やコレクションの表現幅を増幅させる演出装置として機能していた。ベルリンの“今”を映す注目ブランド　ファッションウィークではデザイナーを支援するためのさまざまな枠組みが用意されている。とりわけ「BERLIN COMTEMPORARY」は支援プログラムの中でも、ベルリンファッションの"今"を映し出すラインナップが選出。国内外を問わず公募制で選ばれたブランドはショーを行うための助成金を受けることができ、今シーズンは日本の「ジョン ローレンス サリバン（JOHN LAWRENCE SULLIVAN）」を含む19のブランドが「BERLIN COMTEMPORARY」枠でショーを開催した。その中から、それぞれ異なったスタイルを打ち出すバラエティに富んだ5ブランドを紹介する。MARKE　マリオ・カイネ（Mario Keine）が手掛ける「マルケ（MARKE）」は、ケルンを拠点に、テーラリングを基軸としたコンテンポラリーファッションを提案するブランド。上質なイタリア製の余剰生地と機能素材を組み合わせ、メンズを主軸にユニセックスな視点で再構築されたジャケットやパンツは、クラシックな仕立てとスタイリングで叙情的なムードが漂う。2026年秋冬では、アイコニックなくるみボタンの配置や、わずかなズレを意図的に残したプロポーションが際立った。他ブランドとは一線を画くベルリンモードの分野を切り拓き、シーズンごとに存在感を増している。SF1OG　「エスエフ ワン オージー（SF1OG）」は、再利用素材を用いながらも、単なるアップサイクルに留まらない退廃的な美学を追求する。古着や余剰素材が持つ風合いを残しつつ、シルエットやレイヤリングによって現代的に昇華。ローカルのコミュニティからも支持を受け、着実にファン層を広げている。2026年秋冬では、柔らかさと粗さを併せ持つ素材使いが印象的で、Y2Kのムード漂う懐かしさと今が交錯する不安定で生々しいエネルギーを放っていた。Kasia Kucharska　「カシア クチャラスカ（Kasia Kucharska）」の2026年秋冬コレクションでは、自身の母性や感情の揺らぎといった内面的テーマを、手書きの斜線のように描かれたラテックス素材とコットンシャツの柔らかなフォルムの対比によって可視化。シャツやスカートといったベーシックなアイテムを、巻く・結ぶ・外すといったモジュール構造へと変換し、ドリーミーな世界観の中にも力強さを持ち合わせたコレクションを発表した。BUZIGAHILL　ウガンダ発の「ブジガヒル（BUZIGAHILL）」は、ベルリンファッションウィークを語る上で欠かせない存在になりつつある。大量の古着がグローバルノースから南半球へ流れ込み廃棄される現実を背景に、「RETURN TO SENDER（差出人に返す）」というコンセプトを掲げ、12シーズン目を迎えるブランドを手掛けるのはメゾンでも経験を積んだウガンダとドイツにバックグラウンドを持つボビー・コラド。高島屋との協業プロジェクトを行うなど、来日時には多くのメディアの関心を引き、日本に馴染みもある。2026年秋冬コレクションでは、ウガンダ最大の古着市場で回収された衣服を解体・再構築し、歴史や流通の歪みそのものを服の構造に組み込みながら、洗練されたエレガンスをも感じさせる完成度の高いコレクションに仕上げた。DAGGER　北アイルランド出身のデザイナー、ルーク・レイニー（Luke Rainey）による「ダガー（DAGGER）」は、労働者階級の背景やスケートカルチャーを色濃く反映したストリートウェアを展開。2026年秋冬コレクション「Play Hard」では、擦り切れた質感やラフなレイヤリングを通じて、若さと不安、逃避と連帯といった感情を描き出した。日本のバイヤーも一目を置く注目の気鋭ブランドだ。GmbH　設立10年目を迎えベテランの域に入る「ゲーエムベーハー（GmbH）」は、2024年秋冬シーズン以降、発表の場をパリから移し、ホームであるベルリンに凱旋。ファッションを通じて政治的スタンスや社会メッセージを発信することを辞さず、継続してコレクションを発表している。2026年秋冬コレクション「Doppelgänger」は、戦争や資本主義、恐怖、強欲、抑圧によって破壊されつつある現代社会に危機感を抱き、衣服を「帰属と抵抗のコード」として提示した。次世代ファッションウィークのかたち　期間中、「BERLIN COMTEMPORARY」のショー以外のフォーマットも充実。毎日日替わりで3組のデザイナーのプレゼンテーションが行われた「RAUM BERLIN」をはじめ、国立美術館の文化センター内で行われた「Der Berliner Salon」ではブリューゲルやレンブラント、フェルメールといった名画に並んで学生や若手の作品が展示された。　最終日には火力発電所跡地のKraftwerkをメイン会場に、コミュニケーションエージェンシー Reference Studiosによるファッション＆カルチャープラットフォーム「INTERVENTION V」が開催。複数ブランドのショーを取りまとめ、TEDとのコラボレーションによるトークイベントやDJイベント「リスニング・ラウンジ」といった、ファッション、音楽、カルチャーを横断する1日限定のプログラムを主催した。このほかにも多数のサイドイベントが開催され、ショーだけに留まらない様々なフォーマットで見どころを提供し、4日間ファッションウィークを盛り上げた。　ベルリンファッションウィークは、パリやミラノに代表されるメゾン主導の舞台とも、コペンハーゲンの制度化されたサステナブル路線とも異なる、独自の立ち位置を築いている。FCGと行政の連携によって整備された基盤の上で、若手やインディペンデント、非西欧的なバックグラウンド、政治性、サステナビリティといった要素が同時に共存し、次世代ファッション都市の実験的なプラットフォームとして機能し始めている。　来る3月の東京ファッションウィーク期間中にも12組のブランドとともに再び来日予定で、アジア市場への注力も顕著だ。物理的な距離や言語の違いはあれど、若手デザイナーのインキュベーション機能も果たす東京のファッションウィークにとっても一つの指標となり得る。ベルリンファッションウィークはいま、次のフェーズへと歩みを進めている。

進化するベルリンファッションウィーク、新たなファッションウィークサーキットの注目都市に

　プロジェクトは、ベルリン州経済・エネルギー・公共事業局の支援を受け、ドイツブランドの海外展開を後押しする取り組みの一環として実施。参加ブランドは公募によって選ばれ、サステナブルな姿勢や独自性のあるデザインでビジネスを展開する9組が選抜された。　FCGのCEO スコット・リピンスキー氏（Scott W.J. Lipinski）は「ドイツデザイナーには海外のマーケットに挑戦したいという強い需要があり、日本や韓国は特にブランドの背景や世界観を深く理解してくれる市場だと思っています。私たちは教育・ネットワーキング・ビジネス開拓まで一貫して支援し、若手のデザイナーたちが次のステップに進むための橋渡しを行っています」とプロジェクトの背景を語る。　欧州ファッションサーキットに合わせ年2回開催されるベルリンファッションウィークは、コペンハーゲンファッションウィークと協業し、サステナブル基準を満たしたブランドのみが参加できる仕組みを採用。サステナブルファッションが次世代の共通言語となるなか、元「VOGUE Germany」編集長でプロジェクトを率いるクリスティアーネ・アルプ（Christiane Arp）氏は、「持続可能性への強い意識と、一つのスタイルに縛られない多様性こそが、ドイツブランドの大きな特徴」と語る。　アープ氏は、自身のキャリア初期に「ヨウジヤマモト（Youji Yamamoto）」など日本のデザイナーから強い影響を受けたという。東京を訪れる意義について、「文化背景や価値観、ブランドがどう受け止められるかを、“実感として”掴むことは非常に重要です。日本には、ファッションを自分の言語として対話する文化が根付いています。それはとても貴重で、多様性あるドイツブランドの価値を理解しようとするオープンなマインドを持ち合わせています。デザイナーにとって自身の世界観を伝え、適切なパートナーと出会う場として日本は最適なマーケットなのです」と強調する。　セントラル・セント・マーチンズを卒業し、「グッチ（GUCCI）」や「バレンシアガ（BALENCIAGA）」でも経験を積んだゲリット・ヤコブ（Gerrit Jacob）は2022年にブランドをスタート。エアブラシで大胆にペイントされたグラフィックアイテムは、ベルリンのストリートやクラブカルチャーを体現。日本ではファーストコレクションから「GR8」で取り扱いがあり、世界的なアーティストやK-POPアイドルをはじめ、YOASOBIやXGなどがカスタムメイドのアイテムを着用したことでも知られる。ファッションにとどまらず、ペインティングや映像作品など様々のプラットフォームで創作を行っている。　パノス・ゴッツィス（Panos Gotsis）は元内科の医者で、テキスタイルへの情熱からデザイナーへ転向、独学でファッションを学んだという異色の経歴の持ち主。自身のルーツでもあるギリシャ・エルピス地方で伝統的な手織り機により制作されたテキスタイルを、クリーンでタイムレスなパターンのアイテムに取り入れたコレクションを展開する。　2022年にマリオ・カイネ（Mario Keine）により設立された「マーケ（MARKE）」は、様々な時代背景を参照し、折衷主義的な視点でコンテンポラリーファッションへと昇華。上質なイタリア製の余剰生地と肌触りの良い機能的な素材を組み合わせたテーラード仕立てのアイテムをユニセックスで展開する。ベルリンファッションウィークでもコレクションを発表しており、ジャケットやパンツに配されたくるみボタンがアイコニックなディテール。　唯一のジュエリーブランドとして参加したキャロリン・ディーラー（Carolin Dieler）はファッションデザインを学んだのち、ジュエリーデザインに転向し、2020年にブランドを設立。ジュエリーは100％リサイクル素材を使用し、ベルリンの工房で一点ずつ手作業で作り上げられている。海と自然への深い情緒的なつながりをインスピレーションとし、ロストワックスで鋳造した魚やインダストリアルなモチーフといった有機的／無機的なものを掛け合わせたジュエリーを展開している。　来年は楽天ファッション・ウィークの開催時期に合わせ、新たなブランド選定のもと再来日を予定。ベルリンファッションウィークへの日本メディアやバイヤー招致も積極的に行うと同時に、今後もカルチャー、クラフト、サステナビリティといった創造性の核を持つドイツブランドを継続的に紹介し、両市場を結ぶビジネスチャンスを広げていく。

ドイツ・ベルリンファッションの現在地　9組のデザイナーによる合同展示会が開催

ペナルティメイトが描いた人と人との関係性　「ペナルティメイト（Penultimate）」のシャン・ガオ（Xiang Gao）が服に面白い趣向を取り入れている。少しく複雑で、外観を整理することにおいて混乱を感じるが、それでも尚、経験値がその辺りを補っているものだと思うのだけれど、思索的な服作りに彼女の個性がキッチリと見て取れるから、期待が持てる。絶対と相対、土着と外来、精神と肉体などの観念を表裏一体とする二元論に生きる創作とすると少々小難しく感じるが、感情や背景、コミュニケーションといった眼に見えないものに焦点を当てた創作を基本的な理念とする2018年に創設されたブランドである。現在の拠点は中国、上海であるが、ニューヨークのパーソンズ美術大学で修士号を取得し、ラフ シモンズ（Raf Simons）が手掛ける「CALVIN KLEIN 205W39NYC」で2年間、ニットデザインを担当するなど米国で長らく生活していたこともあってか、そこでの生活からも着想を得ている。1970年代初頭にサンフランシスコで活発化したウェアラブルアート運動を彷彿とさせる流儀を横に据え、服作りの定義には留まらない技法を積極的に採用したことが徐々に広まり、LVMHプライズ2025ではセミファイナリストに選出された。　2026年春夏は6月のパリメンズファッションウィーク中に、フルコレクションを展示会で披露。主題は「Heartland（ハートランド）」。建築家兼デザイナーのシオン・フェン（Xiong Feng）が中国、崇明島に設立した農場とエコハウスの名をタイトルにしている。永続可能な社会システムをデザインするための手法であるパーマカルチャーを基軸にしたこの場所でルックブックの撮影もしており、シャンはハートランドを主題、着想にした理由を「現在中国でも日本と同様に、都会から離れた場所で暮らす兆候が目立ち始めています。この人々の行動原理とブランドらしさを併せ持つこの地に眼を向けました」と語っている。この土地は水と緑が豊かで、映画の美術のような小屋がいくつも並ぶ。この土地に親和性のあるテクスチャーとして、素材ではラフィア地をベースにビスコースと合わせたり、他にも労働時に生じる汗をデフォルメしたアクセサリーや現地のタイダイ染めのアーティストと組んでオリジナルの柄を作っている。また、作品群の象徴として稻草人（中国のカカシ）に見立てたラフィア地で作られたアートピースも手作業で作られている。　作品群の全編に渡ってワークウェアが主となっており、これには詩人であるリ・シン（Li Shen）の「憫農」という詩の一節で、「農作業で疲れて、真昼の太陽の下、汗を滴らせながら、農民が田んぼを耕している。その汗は土に染み込んでいる」を意味する「锄禾日当午 汗滴禾下土」を下地にした労働者に対するオマージュが込められている。シャン自身も工場を構えており、針子4名、カット専門技師1名のチームを組んでいる。「私自身も常に現場にいる人たちと共に創作に向かっています。明確な意識があったわけではないけれど、自然と自分の日常的に眼に映る仕事をしている人の姿が反映されたのかもしれません」。また、アフリカンファブリックを豊富に使用しており、農作場で働く人の収穫とその際に行なわれる祝祭、民族観などが現れているが、これも具体的な着想というよりも外観、設計、素材選定などのリサーチの過程で得たモチーフだという。明確にビジュアライズしたり、独自のデザイン言語を設けることなく、あくまでも自然体に赴くままに、題材の可能性を探るのが彼女のスタイルといったところなのかもしれない。　「ウェアラブルアート運動家にカイジック・ウォン（Kaijik Wong）という中国系米国人のファッションデザイナーがいました。サルバトーレ・ダリ（Salvador Dalí）を始めとしたアート界との文化的な交流もあった人物で、パターンを一切使わず、ほとんどが手作業で作られており、フォークアートやクラフトがグラスルーツアートの最前線にあった時代を如実に反映していた作り手です。彼のような作家や作風をフィルターにモダンの思索もしています」という言葉から、「作る」という行為を「他者」と共有し分かち合うことが、彼女の創作活動の根底にあるように感じさせる。それぞれのルックはそれぞれの「場所」で一人ずつが映し出されているが、一人には感じさせない。ここでいう「他者」とは、服を着る「自分」にとっての精神的に親和性のある「誰か」である。人と人の関係性のカタチをジャケットやシャツ、パンツといった仕様、生地の風合いとった手作業に宿る作り手の意志が明確に落とし込まれている。　だからこそ見慣れない自然豊かな架空の舞台を以ってしても馴染んだ空間になっているのだろうし、シャンのコアを感じることができるのかもしれない。「創作の核に見えるのもありますが、私にとってはどれも見慣れたものです。見慣れていないものをリファレンスにする時もありますが、作品群が完成する時には自分の手中に収まっています。それに至るまでの実験感覚が実践に繋がっているのでしょう。今は小さなブランドで身の回りからコツコツと育んできましたが、ニューヨークや東京、そして今年のLVMHプライズを通して、人々からの関心を直に感じることができました。パリで展示会を開催した契機はその他者からこのブランドを見た眼です。膨大な拡張は望んでいませんが、刺さる人には刺さると実感したので、好機を逃すことはしたくありません」と彼女は語っている。マシュー・M・ウィリアムズの新ブランドが堂々デビュー　2025年6月初旬、「アリクス（1017 ALYX 9SM）」の創業者マシュー・M・ウィリアムズ（Matthew M Williams）は新たに自身の名を冠したブランド「マシュー・M・ウィリアムズ（Matthew M Williams）」を始動させ、2026年春夏パリメンズ期間中に展示会で新作を発表。セールスはSeiya Nakamura 2.24が担当し、6月26日から7月1日まで開かれたショールームには2000件以上のアポイントが殺到したよう。ジャケット4型、トップス38型、デニムも含むパンツ36型、アクセサリー10型、シューズ13型で価格のレンジは幅広く、デリバリーは2026年初旬、男女混合の作品群だが、従来のメンズブランドと同様のシーズンをこなしていく予定となっている。主題やコンセプトはなく、ルックも実にシンプル。あくまでもマシュー自身のパーソナルなスタイルをベースに、これまで培ってきた世界中の敬愛する職人を始めとしたコラボレーターたちと創作していくようだ「アリクス」の斬れ味とはまた違った味覚の......いや感覚よりもある種の突っ張った姿が先行する。は人間像を重要視するというよりも、彼の時代の流されない構え（スタイル）に惹かれる。　「このブランドは、私自身のパーソナルで生の感覚を大切にしています。すべての製品は私の創造的なエネルギーの源に根差しており、手仕事ならではの小さな不完全さが、そのクラフト性を物語っています」と語るように、「時流」や「流行」という言葉が「今」といった曖昧な言葉で日々括られていくものだとするならば、そんなものに、彼は敢えて反旗を翻したりはしない。むしろ正統とか前衛とかいう概念のほとんど成立しないところに、これからの彼の創作世界は生きていくはず。現に「このブランドは、私が最も愛するものを基盤にしています。シーズンテーマに縛られることなく、私の人生や趣味と共に進化し続ける、常に展開し続けるエバーグリーンなスタイル群を生み出しています」ともいっているのだから、尚更頼もしい。　ある種の反時代的な志向は、作られたストリートの文脈に自らの意志とは関係のないところで乗せられ、創作世界を狭めてしまうのであれば、間が抜けているように見えたように聞こえるかもしれないけれど、何処を切り取っても同じような様子を呈する服が蔓延する「今」にあっては、個人的なものに帰結するのも頷ける。マシューの場合、彼の服は彼自身が装うことで始まる。それは彼の確固たるオリジナリティーであろうし、マシューが尊敬する日本の作り手たちの姿とも重なる。「拠点はパリにありますが、活動はグローバルに展開しています。私の名を冠したブランドのプロダクトですから、私が大好きな職人たちと協働していくのは自然な流れです。アーティザナルなデニムは日本で作られていますし、シューズはスペインで作られ、ジャージー素材はアメリカのコットンを使用していて、アウターやジャージー、テクニカルウェアは香港の親しい作家との共作です。そもそも自分自身の名をブランド名に冠しているわけで、これまで以上に創作すべてのプロセスに深く関わっています」とあくまでも起点はマシューにあることを認めている。アナーキーとまではいわないのは、時代離れに見えたとしても、実はこれまでとは随分と違う立ち位置で時代の傍観者であり、観察者的な構えでいるため、流れに背いでいくのではなく、しっかりとコミットしている。それが自然にできてしまうのだから並ではない。

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Penultimate

華やぐパリコレの裏通りにあった服に施した実感　マシュー・M・ウィリアムズとペナルティメイトをレポート

オーディションの前日に大喧嘩　開けた俳優への道　福岡県で生まれ育ったボクは、本当に「その日暮らし」という表現がピッタリな若者だった。好きなこと、興味があることはたくさんあったが、だからと言ってそれを将来の夢にすることはなく、刹那的に毎日を過ごしていた。　人生が動いたのは、16歳のとき。友人が『博多っ子純情』という映画のオーディションの話を持ってきた。興味を持ったボクは参加を決意。ところがオーディションの前日、（今となってはもうきっかけは覚えていないが）ある友人に売られた喧嘩を買う形で学校で殴り合いになり、目の上を2〜3針縫うケガをしてしまった！　翌日、絆創膏を貼ってオーディション会場へ。審査員の人たちがケガの理由を聞くので正直に話したら、今度は勝敗を聞かれて、ボクは「大負けしました」と答えた。そしたら大人たちが面白がって喧嘩の再現をしてくれと言うので、全力でやった。これが大受けし、なんと主役に抜擢。そこでの経験がすごく刺激的で、「映画業界で働きたい！」と思った。なんとも不思議な縁だ。本当は俳優ではなく裏方さんがいいかなと考えていたが、入り口が俳優だったのでそのまま俳優を志し、高校卒業と同時に上京した。原宿に足繁く通った20代　上京して、小田急沿線の千歳船橋に部屋を借りた。駅から歩いて10〜15分ほどの場所。今では信じられないだろうが、1980年代当時は東京・世田谷にも関わらず家の周りに畑がたくさんあった。ボクは福岡県北九州市の黒崎という町の出身だったが、黒崎には畑なんてなかった。しかも千歳船橋駅前の銭湯のトイレは汲み取り式だ。ボクは「東京といってもこんなものか」と拍子抜けし、内心では畑の有無でマウントをとり東京を見下しさえした。新宿に出てど肝を抜かれたのはまた別の話である。　『博多っ子純情』でお世話になったプロデューサーさんに俳優になるために上京したと連絡したら、映画『男はつらいよ』にエキストラとして出演させてもらえることになった。更にその映像を見た業界関係の方からボクの下宿先に連絡が入り、「今後俳優としてやっていくなら所属事務所が必要だ」ということで今の鈍牛倶楽部を紹介してもらえた。今振り返っても、人の縁に助けられっぱなしだ。　今のボクにはあまりイメージがないかもしれないが、上京したてから20代半ばまではアメカジファッションが好きで、原宿に大変お世話になった。当時の原宿は今とは全く様子が違い、服を安く買える古着屋が特にキャットストリート沿いに多く軒を連ねていた。よく渋谷のタワーレコードからキャットストリートを通って原宿までぶらぶら歩いたものだ。中でもよく足を運んでいた古着屋は「デプト（DEPT）」。ハイカラなブランドモノではなく、デイリーに気を遣わず着られる1950〜60年代くらいのアメリカ古着をたくさん置いていた。シャツ1枚あたりの価格帯は2000〜3000円程度で、上京したてで懐が豊かでなかった自分にとっては有り難かった。ちなみに、たまにブランドモノが欲しい時は「サンタモニカ（Santa Monica）」に行った。「ブルックス ブラザーズ（Brooks Brothers）」のアイテムを奮発して7800円で買ったのを覚えている。　　キャットストリートにあった「ナイス」というシャレたお店を覚えている人はいるかな。ご夫婦でやっていた雑貨屋さん。古着屋に寄った帰りにそこで気分が上がる雑貨を買って、夜に買った物とコンビニのカップラーメンを肴にレコードを聴く。それが当時のボクのルーティンだった。人間、三十路で壁にぶつかる　29歳の時、妻と結婚し、それを機に横浜の港北ニュータウンに引っ越した。新生活をスタートさせたが、そのタイミングで仕事が激減。スケジュール帳の空白が多くなった。30歳にさしかかって若者の役が難しくなり、かといっておじさんの役もできないといういわゆる“過渡期”だったことに加え「俳優として何かを成し遂げてやろう」「目立ってやろう」といった“欲深さ”みたいなものが自分の中に芽生えてしまっていた。それが演技に反映され、業界人に伝わってしまったのかもしれない。男は（女もそうかもしれないが）三十路の頃に大きな壁にぶつかると聞いたことがあるが、自分にとってはこの時期がまさにそれだった。　一人暮らしの時は正直仕事がなくても生活を切り詰めてどうとでもなったが、妻がいるとそうもいかない。今は知らないが当時の港北ニュータウンは“成功者”然とした人が多く、日中からプラプラしているのが居心地悪かったこともあり、上京後に一度住んでいた下北沢に戻ることにした。　駅前の再開発が進み今では随分雰囲気が変わってしまったが、当時の下北沢は安い居酒屋や街中華、個人商店なんかがひしめいていた。ひと笑いとれるような面白いエピソードはないが、「カプリチョーザ」というイタリアンレストランで皿いっぱいのパスタを友人とシェアしたり、「エクセロ」という居酒屋でおでんを食べたりと、苦しい時期の自分を包み込んでくれるような街だったと記憶している。　自分にとっての転機は下北沢に移り住んだタイミングで、バブル経済が弾けたことだった。不景気で映画業界も潤沢な制作費を用意できなくなり、ギャラが高額だった有名監督に代わって、青山真治さんや岩井俊二さんといった若手監督が台頭した。ボクは彼らと歳が近かったこともあってか、縁あって作品に呼んでもらえて、1つ（の出演）が2つになり、2つが3つになり、といった具合に雪だるま式に仕事が増えていった。　芝居への向き合い方が変わったことも奏功した。先述した通り、スランプに陥った頃のボクは「自分を見てくれ」と前のめりになっていた部分があったが、自己を見つめ直し、「ボクを撮っているんじゃない、作品を撮ってるんだ」と考えを変えた。「自分は作品を良くするための舞台装置に過ぎないんだ」と良い意味で開き直れたことで芝居へのアプローチが変わり、これが今の「名バイプレイヤー」といった嬉しい評価に繋がったような気がする。人生には必ず終わりがある、だからこそ　10代で上京して気付けば40年以上。振り返ると、この飽き性なボクがよくこんなにも長い間一つの仕事を続けてこられたなと思う。作品が違えば監督も脚本もスタッフも共演者も違い、現場入りのたびに新鮮な気持ちになれる俳優という仕事は、自分にとって天職なのかもしれない。ボクは幸せ者だ。ただ、ここで重要なのは、天職というのは基本的に受け身の姿勢で天から降ってくるものではないということ。僭越ながら人生の岐路に立って悩んでいる人にアドバイスさせてもらうとしたら、好きなことは全力でやれ！　それが1つでなく2つ3つあったとしたら、夢中になって全部やりなさい。もちろんそれで食べていけるようになるのが一番だけど、そうならなかったとしても意味はある。　少し前に観た何かのテレビ番組で、新橋の駅前にギターを置いて道行く人に弾いてもらうという企画があり、酔っ払ったサラリーマン風のオヤジが現れた。服はヨレヨレで、言っちゃあ悪いが“ダッサダサ”な風貌だ。そんなオヤジがギターを手に取り演奏したらめちゃめちゃに上手くて、気付いたらボクは涙を流してた。その人がこれまでの半生ギターにどれだけ一生懸命打ち込んできたのかが伝わってきたから。きっとオヤジは音楽の道には進まなかったんだろうけど、好きなことのために努力した時間は間違いなく彼自身を大きくしたはず。　ボクも俳優になるまではフラフラと寄り道を繰り返してきたけど、時間を忘れて周囲が真っ暗になるまで虫を見ていたあの夜も、今の自分を形作る一要素だ。人生には必ず終わりがある。だからこそ、毎日を大切に、悔いのないように。ボクもまだまだ60歳を超えたばかり。やりたいことには全部チャレンジしていこう。◾️あの人の東京1年目第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第3話：「アンジュルム」 佐々木莉佳子と赤羽橋第4話：オカルトコレクター  田中俊行と清澄白河第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第6話：役者 佐藤二朗と登戸第7話：俳優 髙石あかりと高井戸第8話：エバース 佐々木隆史と上石神井第9話：デザイナー 東佳苗と新宿（文化服装学院）第10話：俳優 光石研と原宿・下北沢styling: Satsuki  Shimoyama, hair & makeup: Chiho Oshima | photography: Hikaru Nagumo(FASHIONSNAP)衣装クレジット スーツ、ネクタイ：Artigiano-Tokyoシューズ：Parabootその他：スタイリスト私物

【あの人の東京1年目】俳優 光石研と原宿・下北沢

元芸人の不動産屋に勧められるがままに　出身は宮城県登米市で、石ノ森章太郎さんと同じです。子どもの頃からずっとお笑いは好きでしたが、芸人になることは、大学3年生くらいのころからうっすらと考え始めました。大学は野球推薦で入学したので、大学でも野球部に入っていたんですが、あまり合わなくて、そのうち行かなくなりました。でもだからと言って別に他の大学のサークルに入るとか、そういうのは全くなくて。バイトするか、大学行くか、家にいるか。本当に暇な時間が多くて、そうした空いた時間にお笑いを見るようになりました。その時期にダイアンさんのラジオをよく聴いていて、「自分も（芸人に）なろうかな」と思い始めた感じです。あとは「にけつッ！！」もめっちゃ観てました。ゲオでDVDを片っ端から借りて。本当に暇だったので、家にいる時は借りてきたお笑いのDVDを観ながらゲームしたりとか、そんな感じでした。　就職活動をみんなが始める時期に「芸人になりたいなぁ」と思っていたから、就活にもそんなに本気では取り組んでいなかったんです。そのうち4年生になり、周りはみんな就職先が決まったり内定をもらったりしている中でも、僕は特に何もせず。このまま行ったらもう「本当に芸人になるしかないな」って。どんどん現実味を帯びていったというか。　NSCに入るために上京し、東京でアパートを探すために行った不動産屋で担当してくれた人が元芸人で、「芸人やるんだったら、西武新宿線沿いは（家賃が）安いし、新宿も1本で行ける」と薦められ、特に利便性などは考えず、とにかく何もわからなかったので、その人に言われるがまま決めました。上石神井では、家の近所の公園でよくネタ合わせをしていました。この公園はいつもそんなに人がいなかったから、やりやすくて。あとは、公園のすぐそばの「びっくりドンキー」で飯食って、そのままネタ合わせをしたりもしていました。　大学時代から仙台で一人暮らしをしていたので、上京後の苦労はそこまで多くはなかったですが、やっぱり東京は大都会なので「すごく離れた地に来た」という感覚はありました。あとは、上京してすぐ、歌舞伎町の漫画喫茶でバイトをはじめて、思ったより、まあ当然なんですけど客層が悪くて、マジでダルかったですね……。「お前が面白いのはわかったから、町田を面白くしろよ」　NSCに入学してまず最初にあるネタ見せの授業には、授業の一環で行われる「相方探しの会」をきっかけに知り合った別の人とお試しでコンビを組んで出ました。その授業の中では、僕たちのコンビが一番ウケたと思ったんですが、その時の相方がその1回だけで「もう芸人を目指すのを辞める」と言い出して。でも「急に辞めるのは申し訳ないから、代わりに友達を紹介するよ」と言って、連れてこられたのが今の相方の町田（和樹）でした。同じネタ見せの授業の時に町田が組んでいたコンビは一番スベッていたので「うわ、一番スベってたヤツだ！」と思いました。その元相方に紹介されなかったら町田とは知り合いにもなっていなかったと思います。町田との漫才は自分たちでは面白いと思ってやっていたけど、NSC時代は全然評価されなくて、選抜クラスに選ばれたこともなかったし、同期にもろくに知られていなかったと思います。　3〜4年目くらいまでは、「こうやったらウケるんだ」というやり方がよくわからないままに、ただ闇雲にやっていました。でもある時、今でもお世話になってる作家の山田ナビスコさんから、「そのネタはツッコミが（相方の）町田じゃなくてもいい」って言われたんです。その時まで作っていたのは、どちらかというと僕の大喜利ボケというか、言ってしまえばツッコミが誰でも成立するネタだった。だから、「お前が面白いのはわかったから、町田を面白くしろよ」って。　同時に「町田ってどういう時が一番面白いの」と聞かれて。それまでは考えたこともなかったんですけど、いじられたり、困っていたり、追い詰められていたりする時かなって考えるようになってから、結構大きくネタの作り方を変えました。そうしてイチから作り直したネタが一番ウケたんですよ。それまで結果を出していなかったので、「これで行こう」と。　もともと今みたいな日常会話の延長線のようなしゃべくり漫才で、自分たちでは面白いと思ってやっていましたが、昔は「伝え方」が下手くそだったからお客さんに全然聞く耳を持ってもらえなかったんだと思います。例えば「ケンタウロス*」は、6年目か7年目くらいの時に作ったネタなんですけど、例えばあのネタを思いついたとして、以前だったら町田じゃなくて「僕がケンタウロスになる」と言う入りにしていたと思う。「交通費を浮かせたい」という理由が最初にあって、だから「お前をケンタウロスに改造するわ」と言うと、お客さんにとっても設定がわかりやすくなるし、町田のツッコミが熱を帯びるためには「自分が改造される」ってなった方が嫌がるだろうし。*「交通費を無料にする方法」を見つけたと言う佐々木さん（ボケ）が、町田さん（ツッコミ）の下半身をケンタウロスにする手術をしようと説得する漫才。M-1グランプリ2024年決勝で披露した「桜の木の下」は、「末締めだろ」のツッコミも話題を集め、社会人にとって耳馴染みの良いワードや設定も笑いを誘う。「桜の木の下」はエバース公式YouTubeで、「ケンタウロス」はNetflixで配信中の「M-1グランプリ2023」の敗者復活戦で見ることができる。（2025年6月現在）　ネタの考え方は日によります。なんとなく歩いていて思いついたり、テレビや動画を見て気になった単語があったらメモる。「気になった」というのは、本当に簡単なことで、たとえば日常生活の中で「忍者」という単語が目に入ってきて「忍者でネタを作ったことないな」と思ったら、メモっておいて後から見返して考えたりします。　この間パン屋に行った時に、僕のひとり前のお客さんがおじさんだったんですけど、「〇〇で見て、めっちゃ美味しそうだったんで来たんですよ！」って店員さんに話しかけてて、おじさんの後にパンを買って僕も店を出たら、そのおじさんが店の外でパンを取り出して食べ始めていて、「そんなすぐに食いたかったんだ……」と思ったのは面白かったです。そのおじさんは、ふざけているわけじゃなくて、大真面目にマジで早くパンを食いたくて仕方なくて袋を開けたんでしょうけど、こっちからしたらちょっと面白いじゃないですか。家に帰ってから食えばいいのに、みたいな。そういう面白さはネタ作りにおいても意識しています。僕も町田も結構真面目に喋っているのに面白いというか。　芸人になってからはどうしても、「自分が面白いと思うか」よりも「ウケているか」「ウケた方がいい」という芸人目線が入りそうになりますが、常に「学生時代のひとりのお笑い好きの自分がこのネタを見て、面白いと思うのかな」とは考えています。本当に感覚的な話ですが。反面教師になった“野球部的”コミュニケーション　僕は人見知りですが、仲の良い先輩・後輩芸人は比較的多いと思います。人間関係に関して気をつけているのは、特に後輩に対してはこちらから踏み込みすぎないこと。学生時代に野球部だったから特にかもしれませんが、後輩ってあんまり「嫌」って言えないじゃないですか。野球部の頃は遊んでいる時によく仲の良い後輩に対して「あいつ呼ぶか」とか言って電話したりして。そいつは遊んでる時はめっちゃ楽しそうに見えていたんですけど、連絡した時は電話に出ないで、次の日に「すいません、寝てました」とか言われるようになって、「あ、めんどくさいんだな」って気がつきました（笑）。先輩から呼び出されて、後輩が楽しそうにしていても、連絡くるのって基本だるいんだなってことを野球部で学んだので、芸人になってからは自分から後輩に連絡しなくなりました。でも後輩の方から連絡をもらったら、本当に行きたいんだなと思うので、飯にも行きますよ。 　先輩に対しては、人によりますけど、相手にとって失礼にならない程度のボケを言う。自分が後輩にされたとしても、めっちゃ気を遣われるよりは、フランクなボケをされた方が心を開いてくれている感じがすると思うので。流石に初対面ではしませんけど、仕事とかライブとかでよく一緒になって、ある程度世間話ができるような仲になったら、そういう踏み込み方をする時もありますね。気楽にやっている方が目標は見えてくる　今でも新ネタライブを毎月やっていて、常に「新ネタどうしよう」という頭ではあるので、野球も好きですが、それでも一日の大半を占めるような趣味は特になくて、お笑いのことを考えている時間が一番多いかもしれません。　「若手芸人は基本的にネタを作った方がいい」という風習もありますし、暇ですし、単純に仕事もなかったので、新ネタを作るしか結果を出す方法がなくて、駆け出しの頃はとりあえずガムシャラにネタを作っていました。今は当時と比べるとペースは落ちていますが、「今年、まだ1本もいいネタができてないな」と思うとちょっと焦ります。去年や一昨年の自分よりネタを作る能力が落ちてるのかなと思っちゃうんで、自分を安心させるため、みたいな感覚かもしれません。　新しい環境って、最初から頑張らなきゃとか、結果を出さなきゃとか、まだ頑張る方法すらわかっていないのに無理をして、憂鬱になったり、仕事を辞めたくなったりすることもあるじゃないですか。でも、最初はとりあえず気楽にやってるうちに、何となく自分に向いているものとか、目標とか、ここを頑張らなきゃいけないんだっていうのが見えてくるから。肩肘張らずにやった方がいいなって思いますね。◾️あの人の東京1年目第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第3話：「アンジュルム」 佐々木莉佳子と赤羽橋第4話：オカルトコレクター  田中俊行と清澄白河第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第6話：役者 佐藤二朗と登戸第7話：俳優 髙石あかりと高井戸第8話：エバース 佐々木隆史と上石神井第9話：デザイナー 東佳苗と新宿（文化服装学院）第10話：俳優 光石研と原宿・下北沢

【あの人の東京1年目】エバース 佐々木隆史と上石神井

大阪駅前「うめきた公園」が会場に　世界各地で開催されてきた「PRADA MODE」の第12弾となる「PRADA MODE 大阪」は、うめきた公園内にあるSANAA設計の大屋根施設を中心に開催。建築家の安藤忠雄の提案から生まれたといううめきた公園は2024年秋にオープンし、大規模ターミナル駅直結の都市公園としては世界最大級。広場では緑と水とアートが共存し、都会の中心にいることを忘れるほど開放的な憩いの空間で、来場者は思い思いの時を過ごした。建築家 安藤忠雄が語ったこと　大屋根施設の半屋外のスペースにはステージが設けられ、観客席としてカラフルなSANAAチェアがずらりと並んだ。安藤忠雄の講演「まちは人がつくる」では、生まれ育った大阪の街と国内外のプロジェクトについて、「大切なのは、勇気・自由・持続力」「見たことのないものによって新しい力が生まれる」といった自身の考えとともに語り、聴衆を惹きつけた。なお、公園内の文化施設「グラングリーン大阪VS.」では現在、展覧会「安藤忠雄展 青春」が開催されている（7月21日まで）。　音楽家の渋谷慶一郎と、ロンドンのロイヤル・バレエ団常任振付師のSir Wayne McGregorが率いるCompany Wayne McGregorのダンサーによるパフォーマンス「COEXISTENCE」は、空間と音楽、身体性を融合。さらに、渋谷慶一郎とATAKの開発によるAI搭載のアンドロイド「ANDROID MARIA」が披露され、国際色豊かな来場者と多言語で会話するなど注目を集めた。妹島和世による瀬戸内「犬島プロジェクト」　屋内スペースでは、瀬戸内海の犬島にて妹島和世が長年にわたり関わってきた「犬島プロジェクト」の展覧会を開催。模型や映像、ホンマタカシによる写真などが展示されている。「犬島プロジェクト」とは？　瀬戸内海・犬島はかつて銅の精錬所と採石業で栄え、20世紀初頭には5000人の住民を擁したが、産業の衰退とともに100年近くにわたり放置されていた。2008年、ベネッセアートサイト直島を運営する福武財団が妹島を招き、犬島の建築環境を再構築し「直島プロジェクト」の一環として島全体を再考するよう依頼。2010年に犬島「家プロジェクト」が公開された。古民家改修やギャラリースペースの整備、コミュニティガーデン設立、宿泊施設の建設など段階的に手掛け、2025年には「犬島ライフギャラリー」で妹島の設計による恒久的パビリオンを発表。プラダが協力し、島に寄贈された。　「PRADA MODE 大阪」の開催に先駆けて、6月4日から6日まで、犬島でプライベートプレビューが開催された。　芝生の広場にはプラダのテキスタイルを用いたマットやクッションが点在し、建築アーティストで映像作家のBêka & Lemoineによる映像作品などを上映。伝統工芸作家の木俣朋子による、プラダの端切れを使用したつまみ細工のワークショップ、トライアングル型のお弁当やたこ焼きといったフードも用意され、カルチャーを横断する一期一会の体験が提供された。多彩なゲストがサイトスペシフィックな体験　初日は、国内外のプレスや関係者など2000人以上の招待客が来場して賑わいを見せ、さまざまな分野で活躍するセレブリティも集った。プラダのアンバサダー チョン・ソミ、チェン・ハオユーをはじめ、アイナ・ジ・エンド、大倉忠義（SUPER EIGHT）、窪塚洋介、仲里依紗、生見愛瑠、のん、橋本愛、村上信五（SUPER EIGHT）、森山未來、山本美月、吉岡里帆（五十音順）といった、各界からの多彩なゲストがサイトスペシフィックな「PRADA MODE 大阪」を五感で堪能した。

PRADA

Lifestyle

プラダと妹島和世による「PRADA MODE 大阪」開催　アート・音楽・建築のサイトスペシフィックな体験

最大限のインプットを即興的に楽しむ旅　俳優やヒップホップクルーとしての活動はもちろん、自身のYouTubeでは家具や車好きの一面も公開している上杉さん。「映画も音楽も、それ以外のことも、全部自分の中から生まれることしかやっていないし、どうやっても全てが勝手につながってきます。だからなるべく多くのインプットをするようにしています」。　今回はまずミラノから旅がスタート。旅は計画を立てすぎず、即興的に楽しむタイプだそう。「あまり予定どおりに行かないんですよね。『明日は◯時に起きて、◯◯に行って』と決めていても、夜中の3時まで飲んじゃったりして」と笑います。さて今回は、どんな発見や出会いがあるのでしょうか。①マルニのファッションショーに出席したい　以前からマルニを愛用しているという上杉さんは、今回スーツケースに詰めた服も全てマルニ。「僕は着ているものによってけっこう気分が左右されるんです。鏡に映る自分を見たときにテンションが下がったりしないように、ふだんから何を着るかは大事にしています。マルニはシンプルだけど、シルエットにちゃんとこだわった服を毎シーズン作っていますよね」。　今回の一番の目標は、ミラノファッションウィークのショーに出席すること。そのために選んだ勝負服は、フロックド加工を施したグラフィックジャケット。「アンダーグラウンドの要素を感じさせるシルエットで、ちょっと悪そうなイメージがあって、これはカルチャーを背負っていないと着こなせない。フロントに立って何かをやるなら、自分に一番フィットしたものを選ぶ責任はあると思うので、こういう機会でもなるべく自分に近いものを着たいなと思っています」。 　ショー会場はマルニのショールーム。真っ白な空間の中に椅子がランダムに置かれ、3台のグランドピアノが配置されています。会場では全米で絶大な人気と影響力を誇るラッパー／プロデューサーのフューチャー（Future）とも会場で出会い、言葉を交わすシーンも。ここでは俳優・上杉柊平ではなく、「KANDYTOWN」のMC・Holly Qとしての表情が垣間見られました。 　今シーズンのマルニは、美を「庭を駆け回る白いウサギ」に例え、それを追い掛ける「速度」を表現。華やかなバラのプリントや、本のページを貼り付けたドレスなど、ユニークなルックが次々と登場しました。3人のピアニストがデヴ・ハインズ（Dev Hynes）の曲を奏でる中、客席をジグザグに歩いていくモデルたちは、まるで深い森に迷い込んだかのよう。ウサギの姿を追い掛けているうち、いつしか見知らぬ場所に迷い込んでしまったような不思議な世界観が描かれました。　ショーの後「このシンプルな空間にものすごく複雑な動線を張り巡らせて、でもその中でちゃんとファッションに目が行くように計算されていて圧巻でした。コレクションの服はレディ・トゥ・ウェアと違って『見せにきている服』がたくさんありますね」と語る上杉さん。バックステージではクリエイティブ・ディレクターのフランチェスコ・リッソ（Francesco Risso）との対面を果たし、「素晴らしいショーに招待してくれてありがとう。今度東京に来るときは一緒に遊びましょう」と話しかける場面も。クレヨンフロック コクーンジャケット 68万3100円、コットンサテン カーゴパンツ 15万6200円、“DADA DERBY” ダービーシューズ 12万7600円②ミラノの高級ブティック街で買い物したい　次なる上杉さんのウィッシュリストはショッピング。ミラノのモンテナポレオーネ通りにあるマルニのブティックは、フランチェスコ・リッソとウィルソン ブラザーズ アンド ブリンクワース（The Wilson Brothers & Brinkworth）によって考案されたもの。マリンブルーのカーペットと鏡面のタイルで覆われた空間に、ブランド独自のガーメントレールが美しい曲線を描きます。　ショッピングするときは直感を大事にするという上杉さん。「ぱっと見て、いい柄、いい素材と思ったものは試着して、シルエットに問題がなければ買います」。店内で様々なアイテムを試着した結果、一番気に入ったカーディガンを購入しました。マルニでは購入アイテムをメンディング（刺しゅう）でパーソナライズできるイベントを不定期で開催しているため、後日それを利用する予定だそう。ダブルフェイスシャツ 27万2800円、コットンギャバジン チノパンツ 10万6700円、PABLOスニーカー 10万7800円③おいしいローカルイタリアンが食べたい　今回の旅では、もちろん食事も大事な要素です。旅先では、絶対にローカルのものを食べるという上杉さん。「カツレツも、シンプルなチーズのパスタも美味しかったし、薄くスライスしてズッキーニをマリネしてリコッタチーズとレモンを加えた前菜は、バジリコのペーストが入っていてめっちゃ美味しかった」とグルメトークが止まりません。料理好きの上杉さんにとって、イタリアはやはり特別な国のようです。「僕、お酒はそんなに飲まないんですけど、こっちのワインは保存料が入っていないから、1本飲み切っても全然二日酔いもない。やはり食に強い街ですね」。 トロピカルウール メンディングシャツ 11万6600円④ヴェネツィア国際映画祭の開催地に行きたい　ミラノでの滞在を満喫した後は、ヴェネツィアまで足を伸ばし、そこから水上バスで離島を巡ります。リド島は、カンヌ、ベルリンと並んで三大映画祭の一つとされるヴェネツィア国際映画祭の開催地。出席者たちが常宿にしているベルモンド ホテル チプリアーニ（Belmond Hotel Cipriani）はレストラン付きのウォーターフロントホテルで、ヴェネツィアの街を対岸から眺めることができます。「ウェス・アンダーソン（Wes Anderson）監督の映画みたいなパステルカラーがきれいで、すごくかっこいい。いつか泊まってみたいな。やはり俳優としてちゃんと責任を持って映画祭に参加してみたいし、目標の一つにはなった感じがします」。⑤水の都・ヴェネツィアを散策したい　そしてヴェネツィアの風景もしっかりと目に焼き付けます。この街は、かつてナポレオンが「ヨーロッパで最も美しい広場」と称したサン・マルコ広場やサン・マルコ寺院、ドゥカーレ宮、その周辺の老舗カフェなど見どころがたっぷり。また、この街には「バーカロ」と呼ばれるヴェネツィア独特の立ち飲みスタイルもあり、気軽にお酒を楽しみながら様々なおつまみが楽しめます。「欲しかったヴェネツィアンガラスを買って、川沿いでお酒を飲みました。ヴェネツィアはやっぱり景色が美しくて、歩き回れて楽しかったです」と満足そう。デニムジャケット 21万8900円、メンディングヘムデニムパンツ 12万9800円、クルーネックTシャツ 5万9400円、PABLOスニーカー 10万7800円4日間でファッション観が変わった理由　ミラノからヴェネツィアまで、たくさんのインプットを得た今回の旅。「イタリアは、ファッションをエンタメや商業だけで捉えていない感じが好き。ファッションウィークの存在が、日本でいう『お盆』くらいの感覚で市民に浸透していますよね。この4日間でファッション観もすごく変わりました。日本にいるとバタバタして『スウェットでいいや。どうせ現場に行って着替えるし』という気分になりがちだけど、今回みたいにおしゃれをして外に出ると毎日楽しいなと思って。あと、イタリアでは街を歩く人が『見ろよ、俺の服』というアティテュードで着こなしているのがかっこいい。帰国したら断捨離から始めます。カジュアル過ぎる服は、もう着ないな」。ダブルフェイス ウールコート 37万700円　叶えたかったウィッシュリストは全てコンプリートできたと思いきや「あ！ 叶えたいことがもうひとつ、赤いベスパで街を走りたかった。でもこっちで使える免許がないから、まだ無理か」と笑う上杉さん。次回は国際免許を取得して、有名なイタリア製スクーターに乗って街を巡ることになるかもしれません。　今回の旅の様子はYoutube「上杉柊平の3rdPlace」でも近日公開予定。こちらもお楽しみに。

MARNI

カルチャーを着る旅へ　上杉柊平が「マルニ」とイタリアで叶える5つのウィッシュリスト

中川家に憧れた空手少女　出身は、大阪の和泉市です。下町で、だんじりが盛んな街でした。子どもの頃は活発で、小学校から中学3年生までは、空手に打ち込んでいました。友達に誘われて始めたのに、気づいたら周りのみんなは辞めていて、私だけになっていましたね。一度始めたものはやめないという性格だからやと思うんですけど、学校が終わったら空手に行くのが当たり前で、生活の一部でした。　学校はクラスが少なかったのもあって、同級生みんなが友達でした。高校までずっと、周りの女友達はみんな可愛いギャルで。田舎って、上にお兄ちゃんお姉ちゃんがいるとそれだけで周りから一目置かれて可愛がってもらえるんですよ。「〇〇の妹」みたいな感じで。でも、私は長女やったから何もなくて、かわい子ぶるタイプでもないから、盛り上げ役みたいな立ち位置に徹していましたね。「ギャグします！」とか言ってノリで色々やってた。面白系じゃなきゃ目立たれへんかったんです。　ギャルに目覚めたきっかけは、小森純さんです。小〜中学生くらいの頃、小森さんがバラエティで活躍されているのを見て、純粋に「可愛い！」と思ってずっと憧れていました。小さい頃から、ギャルとか派手な見た目の人が大好きやったんですよ。今みたいに、ギャル全開の服装をするようになったのは芸人になってからですけど、中高生の頃から友達もみんなギャルやったんで、流行とか関係なく、今のスタイルがずっと好きですね。　最初に好きになった芸人は中川家さんで、今でも憧れの存在です。中川家さんって、大阪ではほんまに24時間出てるんちゃうかってくらい、ずっとテレビに出てるんですよ。テレビをつけたら当たり前のように出ていて、純粋に「むっちゃ面白い！」って夢中になって見てた。家族と喧嘩しても、新喜劇を見たらみんなが笑顔になる。そういうお笑いのパワーを感じながら育ちました。吉本に入れるだけで良かった　子どもの頃から、テレビは大好きやったし、ずっとお笑いに対する憧れはあったけど、芸人なんてなれるもんやと思っていなかったんです。でも、高校生の時にNSCの存在を知って、自分にもお笑いの世界に行くチャンスがあるなら挑戦したいと思って、卒業後はNSCに行くことを決めました。　でも、進路相談で担任の先生に言ったらめちゃめちゃ反対されたんです。お母さんとの三者面談で、先生が「こんなこと言ってますけど、娘さん大丈夫ですか？」ってお母さんに言ったんですよ。私は何を言われてもいいけど、お母さんに向かってそんなふうに言われて、悔しかったのをよく覚えています。　当時の自分は、吉本に行けるだけで良かったんですよ。「こういう夢を叶えたい」「売れたい」とかじゃなくて、“お笑い”ができる場所に行けるだけで幸せやったから、「芸人なんてやめた方がいい」とか言われても、「どうでもいいから早く行かせて」って感じやったんです。でもお母さんの意見は自分にとって大きかったから、進路相談の帰り道に「とりあえずやってみて、諦めるなら諦めるでいいやん」と言ってくれた時に、決心できました。あの時、反対されていたらどうなっていたかわからないですね。「おもしろ荘」出演をきっかけに駆け抜けた大阪時代　NSCは「吉本におれるだけでまじアゲ」みたいな気持ちで入って、芸人になりたい人しかいないから楽しい場所だと思っていたら、みんな敵対心がすごくて怖かったのを覚えています。仲良く和気藹々というよりは、ギスギスしていました。今となったら、みんなそれぞれ「こういう風になりたい」という強い思いがあるからこそぶつかるし、同期のネタに対して笑わん、みたいなスタンスの子がいたのも、若いし当然のことやと理解できるんですけど、その時の私にとっては衝撃でしたね。 　NSCを卒業してからは大阪の劇場で活動していたんですけど、コロナ禍に入ってからは出番が少なくなってしまって。その頃にTikTokに動画投稿を始めたら、徐々に反応をもらえるようになって、2021年の元旦には「おもしろ荘」に出させてもらいました。おもしろ荘の反響はすごくて、テレビの仕事が一気に増えました。子どもの頃にずっと見ていた番組とか、出たいと思っていた大阪の番組は全部出させてもらったと思います。　いざ、テレビに出てみて感じたのは、先輩方との実力の差。劇場では芸歴で分けられることが多いけど、テレビは、芸歴20年目の先輩も7年目の後輩も同じ扱いじゃないですか。そんな中で、全然実力がないのに仕事がもらえている自分に対するモヤモヤが募っていって。子どもの頃からお笑いが大好きだったからこそ、すごい先輩たちの中で「私みたいな中途半端な人間がずっとおっていい世界じゃない」って、ずっと苦しかったです。「全員殺してやる」と虚勢を張っていた上京1年目　上京を決めたのは、ほとんどノリと勢いです。関西芸人って、関西の賞レースで優勝して、M-1の決勝に行って、関西でレギュラー番組を沢山持って、卒業して上京する、という流れがセオリーになっているんですよ。でも、冷静になって考えた時に「自分たちはそんなに長いスパンで戦うタイプの芸人じゃないかも」と思ったんですよね。どちらかというとキャラで売っている側の芸人やし、どうせいつか仕事がなくなるんやったら、大阪に居続けても東京に行っても同じやし、一回、関西の賞レースを全部諦めてでも、挑戦してみたいと思ったのがきっかけです。　上京したのは2022年、25歳の時なので、今年でちょうど丸2年が経ちました。実は、上京する時に「2年であかんかったら芸人を辞めよう」と決めていたんですよ。大阪の先輩方はみんなすごく応援してくださっていたので、「恥ずかしい姿は見せられない」と自分を追い込んで、「大好きな大阪を捨ててまで行くなら期限を設けよう」と。とにかく結果を出すことに必死でしたね。「最初の2年でTHE W決勝に行けなかったら」「芸人一本で食われへんかったら」と決めて、だからこそ「最初の2年は友達もプライベートもいらん！死ぬ気でやる！」と自分を追い込んでいました。　私が上京した年は、上京組がエルフと見取り図さんの2組だけでした。しかも、大阪から神保町の劇場（※東京NSC19期以降の若手芸人が所属する神保町よしもと漫才劇場）に移籍するのは私たちが初めてだったんです。実際に来るまで、どんな雰囲気なのか全然わからんかったし、仲良い芸人もおらんかったから、言葉を選ばずに言うと「全員殺してやる」くらいに思っていたんですよ。「誰とも喋らんし、仲良くならん」みたいな（笑）。　私は18歳でNSCに入ってから、大阪ではずっと自分が一番後輩という立場だったんですけど、神保町は後輩の方が多くて。最初は後輩との接し方がわからなくて悩みました。タメ口で「おはよう！」って挨拶するのすら恥ずかしかった。自分が一番下という環境に慣れすぎていたんですよね。だから最初は後輩にも敬語で挨拶して、距離を置いてしまっていました。　でも、神保町に来て1ヶ月くらいが経った時、宣材写真を撮影していたら、それを見ていた後輩の子が「エルフさん、神保町へようこそ！」と大きな声で言ってくれたんです。「全員敵や！」と気を張っていたから、まさか優しい声をかけられると思っていなくて、すごくびっくりしたし嬉しかったのを覚えています。それをきっかけに、神保町のみんなの優しさに触れて、今ではもう、みんな大好き（笑）。神保町は、若く活躍されている人がすごく多くて、みんな面白いから「負けたくない」と思えるし、周りの芸人の存在が刺激になっています。懐いてきてくれる後輩も増えて、いつも支えてもらっています。 　今は神保町のみんなが好きすぎて、ネタ合わせをする時は楽屋にいないようにしてるんですよ。みんなと顔を合わせると楽しくなっちゃって、やらなあかんこと全部忘れて喋ってまうから（笑）。上京したての時はあんなにツンツンしていたのに、今はもう「せっかくやしいっぱい友達つくろ！」って思っています。この時間が宝じゃないですか。「今しかないねんから、楽しも」というマインドに切り替わりましたね。2年が過ぎたけど、もっと東京におりたいし、今が一番楽しいです。　上京してから、芸人友達もギャル友達もたくさんできたんですけど、もう一つ個人的に大きな出会いだと思っているのがプロレスです。上京1年目の時に試合に呼んでいただく機会があって、初めて見に行ってから虜で、今では趣味の一つになりました。プロレスは、とにかく面白いんです。初めて見た時、細かいルールは全然わからなかったんですけど、心臓を撃ち抜かれて。スポーツを見てあんなに興奮したのは初めてだったんです。プロレスラーの方は、何回倒れても立ち上がるんですよ。その姿を見て、「私も弱音ばっかり吐いてられへんな」と勇気をもらったし、プロレスを見ていると、面白すぎて悩みとか全部吹き飛ぶんですよね。だから、今はプロレスを見に行ける休みを常に探しています（笑）。ネタもSNSも両方頑張る　上京してから、本当にあっという間の2年でした。毎日、寝る前に「自分はどんな芸人になりたいのか」を考えるんですよ。「芸人の仕事を頑張ったら芸人以外の仕事もできるようになりたいな」とか「芸人の枠を超えたいな」ということを目標に、今までがむしゃらにやってきました。　そうしている中で、テレビに出させてもらうならネタで結果を出したいし、SNSをきっかけにファンになってくれた子もいるから、動画ももっと頑張りたい、と「テレビも動画も両方頑張らなきゃ」と思い過ぎて、しんどくなってしまった時期があったんです。そんな中、たまたま地元の仲良い友達と飲んだ時に「葉月（本名：荒川葉月）が出ていたら、それがテレビでもSNSでも、視聴者がもらえる元気のパワーは変わらないから、そのままでいいと思うよ」と言ってくれたんです。その言葉をもらって、全部頑張ってきて良かったと心から思えたし、これからも色々な形で、いろんな人に元気を届けていきたいなと思いました。上京当時の思い出の品。「左上の写真立ては、先輩のkento fukayaさんから頂いたもの。大阪の先輩方との写真を入れています。右上の手紙は、プロデュースしているコスメブランド『ギャルズ』のスタッフさんからのもので、右下は仲良い後輩のみんながTHE Wの後にクリスマスプレゼントでくれたメッセージカード。左下は、大阪の番組『スロイジ（1時50分からはスローでイージーなルーティーンで）』が終わる時に、スタッフの皆さんに作っていただいたアルバムです。芸人さんだけじゃなくて、スタッフさんも大切にしていたら、こういうことをしてもらえるんだなと感動しました」（荒川）　私はまだ上京して2年で、落ち込むことも沢山あります。もし今、上京したてでしんどいなって思っている人も、流れに身を任せながら、日々一生懸命生きていたら、きっと報われる時が来ると思います。時には息抜きしながら、一緒に頑張りましょう！◾️あの人の東京1年目第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第3話：アンジュルム 佐々木莉佳子と赤羽橋第4話：オカルトコレクター  田中俊行と清澄白河第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第6話：俳優  佐藤二朗と東京（編集：張替美希）

【あの人の東京1年目】エルフ 荒川と神保町

受験に失敗してインドに逃亡、帰国してオカルトコレクターになるまで━ オカルトコレクターになる前の田中俊行 ━高校時代に美大受験のために絵画の教室に通うも、受験当日に寝坊し、怒られるのを恐れて教室に渡すために預かっていたお金で逃亡を図る。タイ、ネパール、インドにそれぞれ1ヶ月滞在し、インドで耳掻き屋として生計を立てようと耳掻きの方法を習ったところで帰国した。　実家は魚屋を営んでいて、客は猫しかいないみたいですが今でも営業してますわ。インドから帰国して1〜2年くらいは何もせずにいたんですが、友だちのコネで某セレクトショップに入って1年くらい働きました。倉庫でストック整理をしていたんですが、俺も接客してみたいなと思って女性服やったんですけど「いらっしゃいませ」って言ったら「おぉ店員かい。客かと思ったわ」とびっくりされて、それ以来自信を無くしてしまい接客はしなくなりましたね。ただ1回だけ売り上げ全国1位になったことがあって。中国人のバイヤーが来店した時に「お前レジしろ」って言われて200万円くらい買ってくれて、レジをするとその人のポイントになったので、頑張ることなく1位になりました。ずっとサボっていたから社員の女の子が「なんでこんなガリガリのお洒落じゃないやつに抜かされなあかんねん」って朝のミーティングで悔し涙を流してね。俺もそう思うって感じでした。　それから意を決して「稲川淳二の怪談グランプリ2013」に出て優勝できてから、怪談師としてイベントに出るようになりました。その時は呪物を集めていなくて、イベントに出始めて2年後くらいにチャーミーをプレゼントされたんですよね。それをきっかけに呪物を集めるようになって、オカルトコレクターと名乗るようになりました。子ども部屋おじさんから42歳で上京 自宅の呪物収納部屋　東京は2021年の春からですね。もともと住む気はなかったんですよ。オカンと離れるのが不安だったんで。家の自室のドアには「出てけ」って紙が貼られていたんですけどね。ただ、もう東京で仕事をするためにいちいち通うのはしんどいし、何よりもチャーミーが人気になって東京から帰って来なくなったんですよ。だからチビル松村に「家賃3万円で住めるとこ探して」って頼んだらここ（清澄白河）になったんです。　ただこれには裏話があって、実はもう1個物件を決めていたんですよ。それは藤沢の辺りの強烈な事故物件で、そこに住む気でいたんですけどオカンが知り合いの占い師に聞いたら「そこに住んだら死ぬ」って言われてしまって...。それで、チビル君が紹介してくれた今の家を占い師に見てもらったら「ここに住んだら下妻物語の嶽本野ばらさんみたいな作家になれる」って言われたのでこっちにしました。初めて来た時は「めっちゃええな」って思いました。3万3000円で2部屋分ですもんね。風呂なし・共同トイレだけど近くに銭湯があるからもう完璧だと。サクセスストーリーの始まりだと思いました。チビル談 ①：田中さんの家について田中さんが上京したての頃は鍵を開けっぱなしにしていたのもそうですけど、みんな泊まりにきてて、僕は朝に遊びに行ったら6畳くらいの部屋におっさんがテトリスみたいに寝ているなんてこともしばしば。あと、一時期少年が住み着いていたこともありました。一緒に山下陽光さんがやっている「途中でやめる」の展示会に行ったら、デカい少年が1人でぼーっとしていて、話を聞いたら「大学に落ちて長崎に住んでいるんだけど、浪人するのに東京で住まいを探そうと思って...」と悩んでいたので「多分もうすぐ来るおじさんに言ったら泊めてくれるよ」と田中さんを紹介しました。 デカい少年は2週間住みました。その時は「俺のうちに来ないか？」って聞いてね。俺だったらあんな呪物に囲まれて刺激が耐えられんと思うわ。その少年とは今だに付き合いがあって、時々部屋を片付けてくれます。東京に来てから広がった人との縁、仕事の縁　東京に来てから呪物を集めるスピードはめっちゃ加速していきました。僕が集めた呪物が注目されてきて、それに対して気持ちの盛り上がりもあってどんどん集められるようになりました。やっぱり実家にいたら集めにくかったので。それから上京した時は考えもしなかった執筆の仕事をしたり、冠番組を持たせてもらえるようになりましたね。　東京に来て価値観における変化はないけれど、新しい友だちが増えて輪が広がりました。東京は人が多い分、面白い人に会う確率が高いのでそこは凄くいいなって思っています。最近も近所のミリタリー好きのおじいちゃんにドライブに連れて行ってもらって。実際、僕自身はほんまに何もしてないんですよ。チビル君とか周りの人が紹介してくれることが多くて、ほんまに人に恵まれているなと思います。本当、ずっと、おんぶに抱っこ。でもね、東京来てから1回だけ人間関係で「うわぁー」って限界を感じたことがあって、そん時にいざこざがあったものは全て捨てて呪物だけを守ったんですよ。仕事の縁が広がったのはそこからだと思っています。 チビル談 ②：田中さんはアンコントローラブル 田中さんはスケジュールが読めなくて、携帯も見てくれないから連絡もつかないアンコントローラブルな人。時間も守らないので、近くにいてもらえるだけで仕事の関係者はみんな嬉しかったと思います。なんかあっても家に迎えに行けるので。それでも怪しい時は、他のスタッフは現地集合なのに田中さんだけ前泊させるなどして対策しています。 時間はいつも嘘を教えられるんですよ。1時間前とか。でもたまにちゃんと行くとめっちゃ驚かれる。最近は間に合うことも多く、東京に来てから時間を意識するようになりました。それは変化の1つですね。呪物に祈ったら温泉が沸いた　上京して辛かったことは、これが本当に無いんですよね。辛いとは思わなかったけど、1回近くの銭湯が老朽化で潰れてしまって。100年くらい続いていたところだったから限界が来たんでしょうね。その時は3〜4ヶ月風呂に入らず、全部ふきふきシート（ボディシート）で対処していました。顔用のやつで全身を拭いていたからヒリヒリしましたね。流石に不便に感じたので呪物たちに「銭湯をなんとかしてください」って祈ったんですね、そしたら温泉が湧いたんですよ。それで今は通えています。　普通の人が辛いと思うようなことを辛いと思わないのは、海外での経験が活きてると思います。逃亡した時にネパールからインドに行く際に乗る予定の飛行機がハイジャックされ、陸路で行くことになったのは思い出深いです。夢中で歩いていたら国境を越えちゃってしまい、焦って戻りましたね。今でも東南アジアに呪物を探しに行くことはありますけど、その時はもう風呂なんて入らないですよ。毎日風呂に入ったら逆に免疫が下がるって言うしね。チビル談 ③：田中さんの人格田中さんはお金と女性に執着せず、無垢に近い。芯をしっかり持っていて環境が変わろうが、関わる人が変わろうが、お金の量が変わろうが自分を保ち続ける強さがある。 占い師に前世は木霊（こだま）と言われました。 首元につけているのはタイのお守り「プラピッター」。チビルさんもいつも身につけているそう。なんでも素直に受け止める　上京してからよく行くようになった場所は門前仲町のコーヒー屋「アライズ」や「いきなりステーキ」、それから古着屋「タロス」や辰巳新道にある居酒屋、蕎麦屋...全部人から教えてもらいました。だからほんまに1人で動いてないんですよね。1人でいるのは呪物を集める時くらい。人に紹介してもらった仕事、人に紹介してもらったカフェと呑み屋、人から教えてもらった怪談、人にもらった呪物だけで生きているんですよ。ただ自分が素直なのは認めます（笑）。　今は携帯1つでなんでもできてしまうし、人とも出会えるからSNS上でのやりとりでやり切った感が出てしまうと思うけど、やっぱり外に出向いて人に会おうとした方がいいと思います。特に引越ししたら住んでいる場所の周辺を散策するのは絶対にやった方がいい。僕はあまりコミュ力が高く無いけど、出向いた先では自分から話しかけてみたりはしますね。ご飯屋さんだったら帰り際に「美味しいですね」って言ったり（笑）。初めてだとやっぱり間があって気まずくなるんだけど、その気まずさも面白がってしまいます。僕は良くも悪くも自分を良いように見せたいという気持ちが無い。上手いことをしようとしたら、マジで上手いこといかないので。初めての環境だったらそこの素直さを意識してみてもいいのかもしれません。　あと、伝えておきたいのはゴミ捨ての曜日は守ったほうがいいです。毎日捨てられると思って好きな時に捨てたら近所のおばちゃんに怒られた。曜日も時間も場所も違うって。それでいつでも捨てられないと知ったので皆さんも気をつけてください。 ️◾️あの人の東京1年目 第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第3話：「アンジュルム」 佐々木莉佳子と赤羽橋第4話：オカルトコレクター  田中俊行と清澄白河第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第6話：役者 佐藤二朗と登戸

【あの人の東京1年目】オカルトコレクター田中俊行と清澄白河

服一家に育つも、夢は“宇宙一のトップアイドル”　出身は宮城県の気仙沼です。私の子ども時代は、自由奔放で動くことが大好きな、ザ・天真爛漫という感じ。男の子に混じってスポーツをしたり、習い事ではエアロビやいろんなスポーツをやったりと、常に外で走り回っていました。歳の離れた姉と兄がいる3人兄弟の末っ子なのもあり、我儘だし生意気だったと思います（笑）。　私の家族は、父が元々パタンナー、姉と兄がファッション専門学校卒という“服一家”。父には、私が幼い頃から「良い服を着なさい」と教えられて。小学生の頃は、同級生の子たちと違うテイストの服を着ている自分を恥ずかしく感じたこともありましたが、今考えるとすごくかっこよかったなって。私、父以上にセンスのある人はいないと思っているので、今でもコーディネートに迷ったら、テレビ電話して相談しているんです。　常にファッションが身近にある環境で育ちましたが、小さい頃からとにかくダンスが大好きで、夢はずっと変わらず“宇宙一のトップアイドル”になること。そして、当時の「女の子が持っているようなキラキラしたものが好き」「プリキュアやセーラームーンのような女戦士になりたい」という感覚は今でも変わりません。アンジュルムのメンバーとも話すんですよ、「うちらってプリキュアみたいだね」って。　東日本大震災の後は、地元のご当地アイドル「SCK GIRLS」として活動していました。当時は振り付けしてくれる先生もおらず、全部自分たちでやらなきゃいけなくて。でも誰も手を挙げないので、「何でみんなやらないんだ？じゃあ私がやります！」という感じで、幼いながら振り付けを担当しました。そんな目立ちたがり屋で怖いもの知らずな性格だったからこそ、この世界に飛び込んで来られたんだろうなと思います。思い出が詰まった“第二の家” 赤羽橋　気仙沼を出て上京したのは、小学5年生・11歳の終わり頃。きっかけはモーニング娘。さんの11期オーディションに落ちて、ハロー！プロジェクトの研修生になったこと。初めは毎週末、レッスンのために気仙沼から東京まで通っていたのですが、続けるのは距離的にも金銭的にも大変だったので、東京で暮らすことにしたんです。　上京当時から事務所やレッスンスタジオがあった赤羽橋によく行っていて、会社のビルは“第二の家”みたいで大好きな場所でした。ファンの方はご存知だと思うのですが、会社の1階には「パシフィックヘブン」というカフェがあって、そこでイベントをやったりもしていたんです。私はビルの警備員さんと喋るのも大好きで、「おはようございます。今日はあったかいですね」なんて、小学生の頃からよく話しかけたりしていました。 　レッスン終わりにいつも仲間と喋ったり遊具で遊んだりしていた「飯倉公園」にも、思い出がたくさんあります。たぶん、ハロメン（*ハロー！プロジェクト所属メンバーのこと）で行ったことのない子はいないんじゃないかな。そんな思い出の詰まった大好きな場所だったので、コロナ禍で事務所が移転することになってしまって、本当に寂しいし悲しかったです。今でも時々仕事で赤羽橋に来ることがあるのですが、近くを通ると当時のことを色々思い出して、懐かしい気持ちになりますね。今日も久しぶりに来られて嬉しかったです。「立場や歴なんて関係ない、私が真ん中に立つ」　地元を離れて暮らすのは寂しさもありましたが、新しい世界に飛び込んでいたので、上京後の日々は楽しかったし意外と平気でした。でも、やっぱり自分が想像していたより厳しいことも多くて、生まれて初めてぶつかった壁は「敬語を使うこと」。研修生になるとまずマナーを教えられるんですが、当時のマネージャーさんが、もう笑っちゃうほど厳しくて。いつもドキドキしながら、名前を呼ばれるたびに背筋がピンと伸びてしまうような感じでした。でもそれがあったからこそ、人として成長できたと思います。　私は根っからの負けず嫌いなので、研修生の頃は「立場や歴なんて関係ない。私が真ん中に立つ」みたいな感じで、もうバチバチで。自分が新人だろうが、すごい先輩がいようが、絶対にその位置を奪えると思っていたし、自信満々でした。何かのインタビューでライバルを訊かれた時、みんなは同期の名前を答えるのに、私は先輩の名前を出したりして。だけど、それぐらいの気持ちがあったから乗り越えられたことがたくさんあったし、環境の変化にもついていけました。　第二の壁にぶつかったのは、デビュー後ですね。1年半の研修生期間を経て、中学1年生になったばかりの13歳の時に3期メンバーとしてアンジュルムに加入したのですが、久々の新メンバー加入だったので、「受け入れてもらえないんじゃないか」という不安もありました。でも特に辛かったのは、それまで自信を持ってやってきたダンスを、ファンの方たちから否定されてしまったこと。研修生時代は個々でのパフォーマンスだったのが、デビュー後は周りと合わせることも意識したグループとしての見せ方が必要で。自分がそれまで信じてやってきた正解が、新しい場所では違ったんです。初めて「正解は一つじゃない」と気づかされた出来事でした。　悲しかったし悩みましたが、一旦自分が信じてきたものをやめて周りに合わせる気持ちを持ちながら努力したら、少しずつ変わることができました。でも一方で、私は研修生の頃から変わらず、「ステージ上では先輩後輩は関係ない」という思いをずっと持ち続けてもいて。礼儀も大事だけど、ステージというのは個々のパワーやグルーヴのぶつかり合いだし、上下関係なく食らいつくからこそ生まれる凄い力がある。そんな気持ちでやり続けていたら、今度は先輩たちが私の勢いについてきてくれるようにもなったんです。だから、グループの中に収まれるようになったのは、一度自分を見つめ直す時間を持ったからでもあり、私の考えを受け入れてくれた先輩たちのおかげでもあったと思います。佐々木莉佳子流「友達の作り方」　上京した時は、転校生だったので当然友達は1人もいなかったのですが、私は性格的に友達を作るのが超得意なタイプで。仲良くなりたい子がいたら、最初にその子のことを見つめてニコッと笑う。そうすると、人って釣られて笑うんですよ。それを覚えて、「笑顔」で友達を作っていました（笑）。だから、転校初日からクラスのみんなと遊びに行っていたくらい、友達に困ったことはなかったです。　学校の友達や先生にもすごく恵まれていました。普通は学校に行ったら「芸能人だ」と冷やかされたりしてもおかしくないけれど、そんな人はいなくて。元々友達の前では恥ずかしくてあまり泣けないのですが、その人たちの前では涙を見せられるくらい、本当に支えられていました。みんなよりも寝る時間や遊ぶ時間が少ない生活を送っていたので、「もう学校なんて」と思った時期も正直ありました。でも、担任の先生もアイドル活動に理解があって、仕事で疲れすぎて授業中に寝てしまったり、嘘をついて早退したりしてしまった時も、何も言わないでいてくれて。ありがたかったですね。　仕事では、研修生時代にライバルだった先輩であり、アンジュルムでは同期になった室田瑞希ちゃん（以下、むろ）との出会いが大きいです。研修生の頃は「絶対負けない」と思っていましたが、同期としてグループに入ってからは、切磋琢磨できる“戦友”のような存在になりました。むろがいたからこそ抱けた熱い気持ちやできたことがたくさんあったので、むろが卒業（*2020年3月）した後に、自分の中でその存在がどれだけ大きいものだったのかを実感しました。2人で会うと今でもその話になるくらい、お互いにとって無くてはならない大切な存在でしたね。　小中学生時代は笑顔と勢いで友達を作っていた私ですが、今となっては人の難しさを色々知ってしまったので、前よりも少し慎重に距離を詰めるようになりました。いろんなメンバーがいるグループの中で過ごしていると、相手への「理解力」や「歩み寄り」がすごく大事だなと思うんです。特に今は後輩も増えたので、メンバーそれぞれの性格を把握して、毎日挨拶の時点で「今日この子元気ないな」「何か思ってることがありそうだな」と察知して、それに合わせて対応するようにしています。「こういう発言は好きじゃなさそうだな」と感じたら今後は言わないように気をつけたりだとか、日々一人ひとりに関しての学びを得ている気がします。「浅いものにはなりたくない」だからこそ選ぶ道　アイドルやモデルとして「表現」を続けてきた中で、私には表現者として「浅いものにはなりたくない」という思いがあります。パフォーマンスはもちろん、言葉も表現の一つとして大切に紡ぐようにしているし、細部までこだわりたくて。アンジュルムに加入した頃は、ただ純粋に自分のやりたいことができる楽しさや喜びが大きかったのですが、今の私はステージに立っている時、「誰かの生きがいになれたらいいな」「自分の存在が誰かの幸せだから、その幸せを広げてあげたい」という気持ちを持っているんです。だから、私が表現をする上での最終的なゴールは「伝える」ということ。自分の中で満足して完結するのではなく、見ている方に伝わってほしいし、周りをちゃんと巻き込みたい。そんな思いを込めて、言葉も紡ぐしパフォーマンスもしています。　「自分」をしっかり持っていると言われることが多いですが、「自分らしさって何だろう」と迷った時期もありました。でも、型にはまっていないところが自分らしさだと気づいた時に、「何にでもなれる」と思ったんです。それからは、あまり深く考えないようになりましたね。最近は「ブルベ・イエベ」や骨格診断などもありますが、「みんな好きなものを着な」「人生一度きりなんだから自由にやっちゃえよ」って私は思います。こうやって言っていると、実際にファンの方たちが「莉佳子ちゃんのおかげで勇気が出て、今日これ着てみたよ」と伝えてくれたりもして。そういう方たちがいるからこそ、私はどんな色にも形にもなれる人でありたいと思うし、固定観念をぶち壊していく人生でありたいですね。　卒業を発表してから、「今後は何をするんですか？」とよく訊かれるのですが、実はまだ決めておらず、これから見つけていこうと考えています。「ステージに立っている時の自分が一番好き」という気持ちはきっと今後も変わらないので、歌やダンスは続けたいですし、何らかの形でみなさんの前に立つことができるようなお仕事はしていたいですね。でも、先が決まっていないことは全然不安じゃなくて、むしろ超面白いし、それもまた人生だなと。これまではずっと安定していて守られていた環境だったので、1回挫折することが必要だとも思っています。きっと大変なことがたくさんあるだろうけど、そうしないと強くなれないし、壁にぶつかって砕けるからこそ、また人間として1つ大きくなれる。もしダメだったらまた立ち上がって、新しい私を見てもらえるように頑張ります。　だけど、生きていくのって基本的にめちゃくちゃ辛いし、生きているだけでみんな頑張っていますよね。仕事で疲れて家に帰った後は、お風呂に入るのさえ大変じゃないですか。でも、だからこそ休みの日や幸せがより輝いて見えるものだとも思うし、逆のことがあるからこそ成り立つ部分もある。そんなふうに考えながらたまには自分を甘やかししつつ、頑張ってうまく生きていきましょう、みなさん。◾️あの人の東京1年目第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第3話：「アンジュルム」佐々木莉佳子と赤羽橋第4話：オカルトコレクター  田中俊行と清澄白河第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第6話：俳優  佐藤二朗と登戸

“宇宙一のアイドル”を目指して突き進んだ日々

【あの人の東京1年目】「アンジュルム」佐々木莉佳子と赤羽橋

伊藤幸司の場合いずれは地元を出るつもりだった　故郷の鳥取は、山に囲まれた、自然しかない町でした。地元愛はないし、いずれは地元を出るつもりで学生時代を過ごしていました。幼少期は、本当に暗い子どもで。誰とも喋らないし、家でもあまり喋らなかった。頭の中では色々考えても外には出さず、全部自己完結していましたね。　小、中学生くらいの頃に、ナイナイ（ナインティナイン）さんのオールナイトニッポンを聞くようになったのが、お笑い好きになったきっかけです。高校生になった頃、親に「芸人になりたい」と相談したんですが、家で面白いことをするタイプではなかったので、当然反対されて。NSCに入る前に東京の大学に進学したのも、東京に行くための口実という部分が大きかったですね。NSC入学から3ヶ月で退学に　鳥取から上京する場合、東京に行く前に一度大阪を経由することもできるけど、僕は迷わず東京を選びました。先に大阪に行ってしまうと「売れてからじゃないと東京に行けない」という感覚があって。最初から東京に行った方が早いだろうと考えたんです。　大学時代は、ほとんど授業に出ずにひたすらカラオケでアルバイトをして、NSCの学費の40万円を貯めていました。当時は大学のキャンパスがあったたまプラーザに住んでいて、2年で大学を中退すると同時に東京に引っ越しました。一番長く住んだのは中野かな。6年くらい住んでいたので、中野〜高円寺あたりは東京の中でも思い出深い場所ですね。あとは、東京の中なら秋葉原が一番好きです。街全体が好きで、いると心が落ち着くんです。目的地があって行くというよりは、散歩によく行きます。　NSCは大学中退後の2006年、21歳のときに入学しました。国崎とはクラスが同じで、苗字が五十音順で近かったからか、自然と仲良くなりました。でも僕は入学から3ヶ月が経った頃に、先生から目をつけられて退学になってしまって。その時はもう「終わったな」という感情が真っ先にきましたね。NSCに入って吉本所属になる道しか、当時は芸人になる方法を知らなかったんです。それしかなかった。　でも、僕が退学になった3ヶ月後に、国崎もNSCを辞めて、コンビを組むことになって。紆余曲折ありながら、ここまで来ました。僕はこれまで、馴染めない環境とか、何も乗り越えてこなかったんですよ。今でも、友達の作り方はわからないし。「自分はそういう人間だから」と割り切っている部分もあるけど、それでもなんとかなった。だから今、上京したてで不安なことがある人も、なんとかなるので、そのまま日常を過ごしてください。国崎和也の場合テレビと漫画に夢中になった少年時代　僕は富山県の氷見市出身で、伊藤と同じく山に囲まれた町で育ちました。インチキをするおもちゃ屋さんとか、ずるい大人がたくさんいて、ちょっと油断したら金を取られるような、怖い町でしたね。　子どもの頃は明るくてよくボケる、いつも友達とはしゃいでいるタイプでした。テレビっ子で、特に「学校へ行こう！」を夢中になって見ていましたね。V6さんが大好きで。僕のお笑いは100％「学校へ行こう！」から影響を受けていると思います。漫画も好きで、漫☆画太郎先生が大好きでした。「つっぱり桃太郎」とか、先生の作品は全部打ち切りになるんですけど、それが面白くて。漫画から影響を受けることが多くて、幼稚園から小学校までは「キャプテン翼」の影響でサッカー、中学は「スラムダンク」を読んでバスケ部に入りました。高校では「テニスの王子様」の影響を受けてテニス部に入って、最後は「ヒカルの碁」の影響で囲碁部に入りました。やりたいことには手当たり次第に手を出す、好奇心旺盛な子どもでしたね。　富山では、みんな漠然と「大人になったら東京に出たい」という共通意識があって、周りの友人も東京に上京する人が多かったです。僕が通っていたのは工業高校だったから、卒業後は就職するのが自然な流れで。僕も就活をしたんですけど、全部落ちたんですよ。内心「多分ダメだろうな」と思いながら受けていたから当然だけど、そうしたら周りの友達から「就職が決まらないなら芸人やりなよ」と囃し立てられて。「いけるよ！」と言われたら本当にいける気がしてきて、NSC行きを決めました。紆余曲折の地下時代も“ずっと楽しかった”　僕が東京で最初に住んだのは、NSCの近くでした。当時、NSCが大井町にあったので、その近場でアパートを借りていましたね。大井町は、ほぼ銀座ですよね。昔も今も、銀座が好きなんです。西麻布もそうだけど、やっぱり芸能人の街というか、他の地域と文化が少し違うじゃないですか。でも、上京当時から不思議と肌に合っている感じがしましたね。　当時のNSCにはラッキィ池田さんのダンスの授業があって、僕はお笑いの授業は出ずにダンスばっかりやっていました。別に必修でもなんでもないから受講生はめっちゃ少ないんですけど、唯一楽しんで受けていましたね。でもダンスばかりしていても仕方ないなと、伊藤の退学から3ヶ月くらいが経った時に、辞める決意をしました。　NSCでは退学は日常茶飯事で。伊藤が退学になったのも、先生の気まぐれというか、多分「気に入らない」の延長で、そこまで珍しい話ではなかったんです。他にも退学になる人はいっぱいいたし、卒業して吉本所属の芸人になれる人数は決まっているから、最後には卒業できない母数が多すぎて、じゃんけん大会になるんですよ。2人1組でじゃんけんをして、負けた人は全員卒業できない。40万円の学費を払って最後はじゃんけんって、すごい話ですよね（笑）。　NSCを辞めてからも、伊藤とはよく遊んでいました。ある日、伊藤が「ソニーにお笑いの事務所（SMA HEET Project）ができる」と話を持ってきてくれて、一緒にオーディションを受けてコンビで所属することになったのが、結成の経緯です。その後、ソニーを退社してしばらくフリーで活動して、オフィス北野に入ったんですが、2018年にオフィス北野がなくなったので、またフリーになって。今はグレープカンパニーにいますけど、これまでずっと、あまり深く考えず、流れに身を任せてきました。自分たちのペースで続けて、気付いたら今、みたいな。　個人的には、フリーで地下ライブに出ていた時代も「苦労した」という感覚はなくて、むしろ人との出会いには恵まれたと思うし、ラッキーだったと感じています。辛い思い出もない。お客さんが7人しか入らないライブでも、満席に見える椅子の並べ方をしたり。なんだかんだ、ずっと楽しくやってきたかな。オフィス北野にいた時になくなると聞いた時も「やばくない？そんなことある？」って笑っちゃってたし。舞台に上がる時も、緊張よりも断然「楽しい」が勝つんですよ。前に、M-1の3回戦でネタが全然ウケなくて。ウケなさすぎて逆に面白くなってきちゃって、途中、笑いそうになったんですよ。「これ、絶対落ちてるわ」みたいな（笑）。ずっとそんな感じですね。　だから、上京したての若者に何か伝えるとするなら...なんでも楽観的に考えるのがいいんじゃないかな。たとえば、漁師の方は「魚が釣れない」と悩むことがあると思うんです。でも、いずれ絶対釣れるから。「船のエンジンが壊れた」と悩むこともあると思うんですけど、それも直せばいいから。大丈夫です。◾️あの人の東京1年目第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第3話：アンジュルム 佐々木莉佳子と赤羽橋第4話：オカルトコレクター  田中俊行と清澄白河第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第6話：役者  佐藤二朗と登戸（編集：張替美希）

【あの人の東京1年目】ランジャタイが過ごした大井町（旧NSC）

兼業農家の3歳児、「歌手になるしかない」　私は1953年7月7日、静岡県田方郡天城湯ヶ島（現 伊豆市）生まれです。家業は100年以上続く兼業農家で、少しでも早くお金持ちになって両親を楽させてあげたかったし歌が好きだったので、物心ついた頃から「歌手になるしかない」と思っていました。　父親がミシンでよく洋服を作っていて、母も編み物が得意だったので、2人から服の作り方を教わり、ちょっとしたお出かけ着は自分で作っていました。お手本も型紙もなく、なんとなく生地を切って身体に合わせたりして。いい生地は手に入らなくて、裏地のような薄い生地を使ってワンピースをよく作っていたかな。2人いる兄も、制服の裾を自分で縫って調整したり自分なりの着こなしにこだわっていて、裁縫が得意な家族でした。　上京したのは16歳の時。両親がどうしても行けというので一旦は高校に進学しましたが、早くお金を稼ぎたくて両親に相談せずすぐに中退しました。反対を振り切って上京してしまったので、心配性の母は3ヶ月間眠れなかったそう。もう亡くなってしまったけれど、未だに心配しているんじゃないかな。「これで売れなかったら、才能がない」　無事レコード会社が決まりデビューできたのは良いものの、全く売れなくて。日本全国にマネージャーと2人でキャンペーンに回って、喫茶店からスナックまで、飛び入りで歌わせてくれる場所を探しました。デビュー曲の「大都会のやさぐれ女」の衣装はミニスカートだったので、真冬の北海道も雪の中ミニスカートで回らなければいけないのが大変でした。2ヶ月間お風呂にも入れないくらいお金がなかったですが、元々そう簡単にはいかないと覚悟していたので諦めることはなかったですね。それに、私よりもっと大変な思いをした人もいたんじゃないかな。　今とは違って、テレビに出るのにも番組ごとにオーディションがあった時代。オーディションに落ちるなんて当たり前だから、結果が悪くても落ち込みませんでした。売れなくなっても、一から自力で這い上がる方法を学べたことは、いい勉強になりました。　17〜18歳の頃に、田邊昭知さんと出会って、田辺エージェンシーに所属したのを機に、タレントとして色々なテレビに出られるようになりました。歌手としての大きな転機になったのは、22歳の時にリリースした「愚図」。新しいレコード会社での1作目の曲で、作曲の宇崎竜童さんが歌ったデモテープを聴いた時、「これで売れなかったら私には歌手としての才能がない。辞めよう」と思ったくらいです。愚図がヒットした後は、タレントとしてのキャラクター先行で売れていきました。誰も私のことを歌手だと思っていなかったと思うけど、それでも良かったんです。売れればね。「MILK」のベンチに座ることを認められた女の子　1970年代の原宿って、今では信じられないくらいおしゃれな街でした。トップモデルやデザイナー、画家のようなおしゃれな人しか歩いていなくて、人通りも今よりずっと少なかったんです。　静かでおしゃれで家賃が安い街に住みたくて、売れる前の10代後半頃は原宿のキディランドの裏にあった風呂なしアパートに住んでいました。日課は家の側にあった銭湯で朝一番に近所のおばあちゃんたちと一緒にお風呂に入ること。　銭湯を出たら「原宿セントラルアパート（現 東急プラザ 表参道原宿）」の1階にあった「レオン」という喫茶店に毎日のようにお茶をしに行きました。大きなお店ではないんだけど、空気感がすごく良くて、モーニングを頼むとぶ厚いトーストにバターとジャムとコーヒーがつくの。それでお腹がいっぱいになるから、毎日それを頼んでいました。お茶をしていたら舘ひろしが来て「コーヒー奢ってよ」って言うのでご馳走してあげたりね。でも私だって売れる前は全然お金がなかったので、家での食事は袋に入った即席麺を半分にしてふやかして食べたりと節約して、残ったお金で喫茶店に通うのが楽しみ。即席麺はお給料日に段ボールで買うんです。　レオンでお茶した後暇になると、レオンと同じセントラルアパートの1階にあった「ミルク（MILK）」の前のベンチにひとりで座って街ゆくおしゃれな人たちを眺めていました。画家の岩田専太郎さんと出会ったのもそこ。　ある日いつものようにベンチに行ったら先客がいて、「今日は座れないんだな」と引き返そうとしたら、ミルクの店員さんが「そのベンチには座らないで！」とその人を怒っていたんです。私はそれまでそのベンチに座っても怒られたことがなかったから、恐る恐る許可を取ったら「あなたはいいのよ」って。嬉しかったです。その後すぐに社長にバレて、「タダで顔を見せるな」って怒られたけど。「自分でやれ、自分で決めろ」　レオンでは、自然とその場に集っていた人と仲良くなれました。でもいざ「友達」を作るとなると下手で、今も数えるほどしかいません。無理に作った友達は嫌な面が見えた時に友達になったことを後悔するでしょ。自分のペースでやりたいことをひたむきにやっていたら、そのうち気の合う人が勝手に集まってきます。最近、Mrs. GREEN APPLEの大森元貴くんに「ぼくたち友達じゃないですか！」って言われましたが、元貴くんともそうやって仲良くなりました。彼も友達を作るのは得意じゃないと思うし、外交的というよりは自分の世界の中で音楽に打ち込む忙しい人だけれど、頭が良くて優しい人だと話をすればすぐわかります。結局最後は性格や人柄が1番人を動かすのかな。　友達に限らず仕事関係の人でも、世の中色々な人がいるから嫌な思いをすることもあるかも知れませんが、気にせず常に目標を高く持って夢を追いかけたらいいんです。裏切られることがあっても、いい勉強になったと思って前向きに努力を続ければ、きっといい人が集まってきます。周りに心配をかけないようにしようと思っても周りは勝手に心配するものだから、自分は自分の人生を楽しめばいいの。　私も田邊社長から、ヘアメイクも衣装もどんな風に歌いたいのかも全部「自分でやれ（決めろ）」と言われていたので、好きなことだけを続けてきました。レコード会社の人から、気に食わない指示を出されても「じゃあお前が歌ってみろ！」って（笑）。私が動くのは今も昔も田邊さんに言われた時だけ。田邊さんは自分と感覚が近くて共感できる部分もありながら、新しくて新鮮なものを教えてくれる、尊敬できる存在。着ている服も、考え方も、生き方全てのセンスが良くて、5年、10年先のことを考え、時代を読んで行動できる人です。「センスが良い」となるには、様々な条件が必要だと思いますが、挙げるなら、自分のことをよくわかっていて、人をよく見ていて、自分を貫き通すこと、誰より先に海外のものや流行りそうなものをインプットしていることだなと感じます。常にいろいろな事にアンテナを張り巡らせている人だから、ミルクの前でぼーっとしてるのもバレちゃうんだよね。そんな人に育ててもらえて、私、運がいいんです。　自分のペースで好きなようにやってきたので、周りの同世代たちがどんなに人気になっても嫉妬したことはありません。逆にトップを一度取っちゃうと、ちょっと人気が落ちただけで「売れなくなったね」って言われるでしょ。2番手3番手くらいをうろちょろしている人の方が息が長いと思っているから、私がトップを取る時は死ぬ時（笑）。何をやるにも、思い詰めず、それくらい楽しみながら生きていかないとね。1番やりたいことを探し続ける　コロナ禍で舞台もコンサートもできなくなり時間があった時に、子どもたちに勧められてYouTubeやInstagramを始めました。基本的には周りからのアドバイスのままにやっているんですが、コロナ禍でメイクの仕方を忘れちゃったので自分で試しに撮ってみたメイク動画の反響が意外にも大きくて。　SNS、特にYouTubeはプライベート空間だと思っているので、メイク動画以外ほとんどすっぴんを出しています。自信なんてなくて、誰だって生まれた時も死ぬ時も裸なんだから、別に中間も裸でいいんじゃない？と思うだけ。家では誰でもすっぴんだし、私はありのままの方が楽。それで喜んでくれる人がいるなら尚更いいじゃない。世の中の人に明るくなってもらうために発信をしているし、人を楽しませるのが仕事だしね。　今の若い子とは時代が違うから共感できないこともあるかもしれないけれど、「誰かがこれをやっているからやらなくちゃ」は捨てていいと思います。だって、もしかすると自分はもっと他のものが好きかもしれないから。だったらちゃんとそっちを向くべき。SNSだって無理にやる必要はないんです。　現状に満足していたとしても、「本当はもっとやりたいことがあるんじゃないか、できることがあるんじゃないか」と探し続ければ、やったことがないこともやってみたいことも必ずどんどん見つかります。私は70歳になりましたが、今も新しいことに興味がありますよ。なんでもやってみたら、それがどこかで新しい仕事に結びつくかもしれない。会社に勤めていたとしても、考え方や興味・好奇心までそこに収まる必要はないと思います。　本当にやりたいことは、無理してでもできるけど、嫌なことはできない。だから自分が1番やりたいことをちゃんと探して欲しい。自分がやりたくないことを無理やりやらされている時に感じる苦痛は苦労かもしれないけれど、頑張ってやってる時は苦労じゃなくて努力なの。やりがいがあるでしょ、自分の好きなことはね。◾️あの人の東京1年目第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第3話：「アンジュルム」 佐々木莉佳子と赤羽橋第4話：オカルトコレクター  田中俊行と清澄白河第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第6話：役者 佐藤二朗と登戸

「MILK」の店頭から眺めた1970年代の原宿

【あの人の東京1年目】研ナオコと原宿

「ドラァグ」の語源は演劇にあり　ドラァグクイーンは「drag（引きずる）」に由来すると言われている。きっかけは、16世紀後半のロンドン演劇界に遡る。シェイクスピアなどが台頭していた当時の演劇公演には貴族のパトロンが必要不可欠であり、単なる娯楽の場所である一方、教会との結びつきが強固だった。その結果、舞台を踏むことが許されたのは男性のみで、出演者のうち何人かの男性が異性に扮することがあった。男性らしい筋肉質な足を隠すために、当時の演者たちは床に「引きずる」ほど長いドレスを着用していたという。女性の役を演じる男性は、17世紀に始まった日本の歌舞伎などにも見ることができる。「宗教と異性装の関係は切っても切り離すことができません。かつては女装をしているだけで逮捕をされたり、国によっては処刑をされる場合もあった。逆に、『両性的なものは神に近い姿である』という考えを示す宗教国家や、偶像崇拝がポピュラーである国では、現在でも性別適合手術や女装にも比較的寛容な傾向があります」（臼杵氏）。　時は流れ、1800年代後半に、アメリカのメリーランド州で奴隷として生まれたウィリアム・ドーシー・スワンが自らを「the queen of drag（ドラァグの女王）」と名乗ったことが、ドラァグクイーンという固有名詞の起源だと言われている。スワンは、1888年4月12日にアメリカで初めて女装を「女性のなりすまし」だとして逮捕されており、その後も幾度となく「女性になりすましている＝女装」という理由だけで逮捕されている。また、スワンはLGBTQコミュニティの権利を守るために法的、政治的行動を追求した記録上最初のアメリカ人としても知られている。ものまねとドラァグクイーン　フィリピン生まれのドラァグクイーン ヴェラ氏は「ドラァグクイーンが浸透したきっかけは、1970年〜1980年代にゲイが自分たちのセーフティスペースで憧れのアーティストのモノマネをしていたことから始まった」と話す。ドラァグクイーンのパフォーマンスでリップシンク（口パク）が王道とされているのも、「ものまね」が源流にあるが故だ。　一方、1980年代前半から半ばはまだまだ偏見と差別の対象にさらされていた。女性のものまねをする男性はLGBTQコミュニティと結びついているというだけで、特に宗教的な固定観念のある人たちからは犯罪行為と扱われ、忌み嫌われた。そのような背景もあり、主な客層がLGBTQコミュニティであったアンダーグラウンドなダンスミュージックシーンと結びつきながら、地下クラブを活動の場所としていった。当時のニューヨークを知る臼杵氏は「ゲイや女装をするというだけで家にも居場所がなく、家出をして都会であるニューヨークに出てくる子が多かった。1980年代のニューヨーク、ミートパッキングエリアはゲイコミュニティが集まるバーが密集している特別なエリアであると同時に、その日を生き延びるためのフッカーがいた」と振り返る。　日本でも1989年〜1990年代初頭にゲイクラブやパーティーで多くみられるようになったと臼杵氏は語る。「シャンソン歌手で、日本最古参のドラァグクイーンの一人であるシモーヌ深雪さんがプロデュースしたイベント『DIAMONDS ARE FOREVER』の初開催や、マーガレットとして知られ、ゲイ雑誌『バディ』創刊にも関わった小倉東さんがドラァグカルチャーを紹介したりと、さまざまな動きが見られたのも1989年〜1990年代にかけてです。彼らはいつしかゲイのクラブシーンにおいて必要不可欠な存在へとなりました」（臼杵氏）。　ものまね文化と密接な関わりを持つドラァグクイーンは、元を辿れば「一夜だけでもいいから自分がなりたかった自分になりたい」という欲求から始まっていると言えるだろう。ヴェラは「ドラァグクイーンとは自分たちのファンタジーの具現化」とした上で「多くのドラァグクイーンは、アーティスティックな小学校低学年生で、幼少期に自分のディーバ、あるいは美しい装いを見つけていることが多い。『Oh My Gosh、その服や所作はとても綺麗。自分でも作りたい、成りたい』と心を動かされ、その衝動で製作し着飾る。それくらいピュアなファッションメイクアップがすべてのドラァグクイーンの始まりだと思う」と自身の見解を示した。ドラァグクイーンをエンタメにしたディヴァインとルポールの功績　アングラなカルチャーとして生まれたドラァグクイーンカルチャーを変えたのは、ディヴァイン（Divine）とル・ポール（RuPaul）の二人のドラァグクイーンの存在だ。二人は、ドラァグクイーンをエンターテインメントに昇華することに成功した功績が今でも語り継がれている。　ディヴァインは、過激で下品なコメディで知られている映画監督ジョン・ウォーターズに「女装の怪優」として見出された。「マルチプル・マニアックス」「ピンク・フラミンゴ」などが大成功を収め、カルトムービーブームの火付け役に。その後、ディヴァインはディズニーアニメ「リトル・マーメイド」の悪役アースラの着想源にもなっている。アングラなドラァグクイーンが大衆向けのディズニーアニメのキャラクターに色濃く反映されているだけでもその功績は計り知れないものがある。　ル・ポールは、1990年代にモデル、歌手、司会者などマルチな才能で、アメリカのお茶の間を賑わせた。当時メインストリームにはデヴィッド・ボウイや、プリンス、シェールのような中世的なポップスターは存在していたが、ドラァグクイーンのような様相の者はまだ存在していなかった。2009年には、リアリティ番組「ル・ポールのドラァグ・レース」の放映が開始。同番組は「カリスマ、個性、度胸、才能」を競い合う勝ち抜きコンテスト形式で「アメリカズ・ネクスト・ドラァグ・スーパースター」の称号と賞金10万ドルを目指す。臼杵氏は「ル・ポールは、1990年代に自身が培ったノウハウや技術を後輩に伝えるためにこの番組を始めたのでは」と分析。事実、番組から数多くの若きドラァグクイーンが輩出されている。　番組は現在も継続しており、15シーズン目を迎え来年1月にはシーズン16に突入する。同番組の功績は、パフォーマンスや美意識を通してジェンダーを脱構築するアートフォームを「ドラァグ」と定義づけ、メインストリームのメディアで認めさせたことにあるだろう。ヴェラ氏はル・ポールのドラァグ・レースについて「ドラァグクイーンをエンターテインメントの土俵に持ち上げてくれたのは紛れも無くル・ポールだし、アーティストとして生活できる下地を作ってくれた」とコメントした。ドラァグクイーンはなぜ派手な装いをするのか　一般的に「ドラァグクイーン」と聞けば、派手なヘアメイクと、グラマラスドレスを思い浮かべるだろう。装飾過剰は装いについてヴェラ氏は「女性になりたいわけではないという前提がある」と付け加えた上で「ドラァグクイーンはパフォーマンスアーティストで、職業の一種」と説明する。「女性になりたいわけでも、男性でいたくないわけでもありません。性別は関係なく、あくまで自己表現の一つとしてドラァグクイーンのパッケージを借りているだけなんです。社会から求められる女性や、男性らしさを用いてパフォーマンスを行い、浮き彫りになる偏見をユーモアを交えながら問題として主張するのが、ドラァグクイーンというパフォーマンスだと思っています」（ヴェラ氏）。　近年は、胸毛や髭をそのままにメイクを施すドラァグクイーンもいるが、それも、ドラァグクイーンとしての自己表現の一つだ。ヴェラ氏は「『ドラァグ』は筆のようなもの」と続け「それぞれブラシの使い方が異なるように、それぞれに“ドラァグのやり方”がある。筆を持って絵を描きたいというスタート地点は一緒だけど、その後、どこに何をどのように描くのかは人それぞれ」と話す。　ヴェラ氏は「ドラァグクイーンとトランスジェンダーを混同している人が多い気がする」と続ける。「心が女性であるというだけで『ドラァグクイーンですか？』と聞かれても意味不明です。トランスジェンダーの人からしてみたら『This is not my performance（これは私のパフォーマンスではない）』ですから」（ヴェラ）。　ヴェラ氏自身、性的自認と恋愛対象は男性であり、プライベートでは自分自身を男性だと自認しているが、スポットライトを浴びる時はヴェラという女性の人格になるそうだ。ドラァグクイーンとしてのスタンスも様々で、壇上に立つ立たないに関係なく、ドラァグクイーンとしての人格のままプライベートを送っている人もいるという。女性のドラァグクイーン、ノンケのドラァグクイーンも　いまやドラァグクイーンに装いの定義は無い。「ナチュラルメイクであっても、ステージに立ち、イケてるパフォーマンスができればドラァグクイーンとして認められる」とヴェラ氏は話す。これを受けて臼杵氏は「女装家との違いはそこにある」と補足する。「女装家という言葉は、ミッツ・マングローブさんが使い始めた言葉だと思います。この言葉も毎日その意味が変化している思うのですが、もしも一般的に女性を象徴するハイヒールやドレスなどを日常の中で装うことが“女装”だとすると、ドラァグクイーンの定義とは、シンデレラのように一夜限りのファンタジーを叶える変身であること、クイーンに変身した状態で自己表現としてのパフォーマンスアートを見せつけることにあるのではないでしょうか？」（臼杵氏）。　前述の「ル・ポールのドラァグ・レース」のシーズン14でノンケのドラァグクイーン マディ・モーフォシス（Maddy Morphosis）が出演し、SNSを中心に議論が巻き起こった。そのほかにも、ヴィクトリア・スコーン（Victoria Scone）といった、女性のドラァグクイーンの台頭もあり、「ドラァグクイーンとは男性（ゲイ）のもの」という固定観念すらも「性別のバイアスである」という考えが浸透し始めている。ヴェラ氏もこの問いかけに対し「リスペクトがあればOK。そもそも今の時代、男装と女装の定義すら曖昧だし、性別の偏見を取り払えることが、ドラァグクイーンが持つパフォーマティブな要素の一つだと思う。限定的なドラァグクイーンのイメージが一人歩きしがちだからこそ、イメージの枠から出たクイーンの活躍も重要」と自身の見解を示した。「かつては『ウィッグとつけまつげをつけているだけで、あんたは趣味女。クイーンを名乗らないで』という考えもありましたが、現在は『まだまだだね。でも教えてあげる』という文化になりつつある」（ヴェラ氏）。　ドラァグクイーン、それは、パフォーマンスや美意識を通してジェンダー概念の破壊と脱構築を目指すアート（生き様）だ。

現役ドラァグクイーンに聞く「派手なヘアメイクをする理由」クイーンという生き様

DAY3：Quai 54の決勝とジョーダン ブランドが提案する精神性　パリ3日目の朝は、レ・アールにあるバスケコート併設のショップ「Airness Basketball Store」へ向かいました。　ここでは、DAY2の発表会で紹介された「ザイオン 3」「ルカ 2」「テイタム 1」を実際に着用して、シューズの性能を体で感じます。　私が着用したのは、ジェイソン・テイタム（Jayson Tatum）のシグネチャーモデル「テイタム 1」。テイタムの「生まれ変わったらイルカになりたい」という思いから、「イルカ」をデザインコンセプトの一つに掲げたモデルで、ミッドソールの前足部にある空洞が特徴です。実際に着用してみると、この空洞がイルカのようなしなやかな屈曲性を生み出し、テイタムの滑らかなプレイをサポートしているということを強く感じました。　また、アッパーが柔らかく、ヒール周りのパッドが厚めに作られているため、足を包み込むようなフィット感がありました。　運動をした後は、ワークショップイベントの会場へ。　こちらでは、ジョーダン ブランドのクリエイティビティや精神性を知るためのワークショップを体験しました。　ジョーダン ブランドとQuai 54のヴィジュアルを用いてコラージュ作品を制作したり。　Quai 54の限定ウェアを着用してシューティングをしたり。　「LEGACY」のそれぞれの文字を頭文字に使ったオリジナルの詩を作ったり。　茶道による禅の心を学んだり。　茶道や詩で自分自身を見つめ直し、コラージュ制作やシューティングでアウトプット。機能性と精神性を重要視するジョーダン ブランドのデザインコンセプトの一つである「モーションとエモーション」に通じる発想力や創造力を刺激しました。　ジョーダン ブランドの世界観を体験した後はQuai 54の会場入り。　決勝戦が行われたこの日は、前日同様に多くの人が観戦し、熱い戦いを見守りました。　女子決勝の前には、AFRICAN DANCE CREWによるダンスパフォーマンスが行われ......。　女子決勝の選手入場では、選手がAFRICAN DANCE CREWのメンバーとダンスを披露する演出で会場を沸かせました。　優勝が懸かった熱い試合でも会場がヒートアップ。　来場者は、Quai 54の限定ウェアをはじめ、「オフ-ホワイト™（OFF-WHITE™）」やジョーダン ブランドのアイテムを着用している人が多くみられました。　最後に来場者のスナップで、バスケカルチャーが感じられる最新スタイルをチェック。バスケットボールをルーツに持つシューズや、バスケジャージを取り入れたスポーティーな着こなしを楽しんでいました。

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バスケカルチャーを取り入れた最新スタイルは？　パリで開催された「Quai 54」で探る

　FRAGMENT UNIVERSITYの主催は、集英社の「ウオモ（UOMO）」が担当。同社の「メンズ ノンノ（MENʼS NON-NO）」で1995年から2006年まで連載していた「藤原ヒロシのア・リトル・ノーレッジ」の内容をまとめて書籍化するという会議から今回のプロジェクトがスタートしたという。カルチャーは心を耕すこと「カルチャーという言葉は個人的にも使いますし、メディアでもよく用いられている凄く都合の良い言葉です。カルチャーとは何かを問うと、皆さん文化と答えます。では、文化とは何か、果たして皆さんが使っているカルチャーは本当に文化という意味なのか。実際には何のことかわからず使っている人も多いと思います」　カルチャーの解説について、約320万年前の化石人類「ルーシー」の例を用いた。「1974年11月24日に全体の骨の約40％になるルーシーの化石が見つかり、骨格からどうやらこの頃に草食から肉も食べるようになったことがわかりました。草から得られる栄養は少ないので、だいたい寝ているか食べているかの生活だった。それが、肉も食べるようになったことで、余暇が生まれ、暇な時間をどのように過ごすかを考えたことから脳が活性化して発達した。より人間らしくなり、グルメになったことで、賢くなっていったわけです」「そこから僕ら人間になり、肉を食べるだけでは物足りなくなった。塩や胡椒をかけたり、どうすれば美味しく物を食べられるか。自然と生（な）っている果物を食べるだけではなく、畑を耕したらもっと美味しいものが食べられるのではないかと考えるようになりました。『耕す』という言葉はラテン語でコレレ（colere）と表します。コレレはカルチャーの語源であり、カルチャーとは心を耕すこと。既にあるものをそのままではなく、手を加えることで、喜びを得たり、満足感を得て心を耕していく。だから、余分なディテールが付いている服だったり、少しでも美味しい果物を作るために数年間畑を耕したりすることは、非合理的で無駄なように見えて重要なことなのではないかと。心を耕す遊びや無駄こそが凄く大切なことではないかと思うんです」合理的ではないマーケティングを紐解く　カルチャーの非合理的な要素を取り入れたマーケティングが、同氏が提示する「非言語マーケティング」を構築する要素の一つになっているという。「マーケティングとは本来、合理的で実用的なものだと思います。車のマーケティングをするなら例えば、どれだけ速く走れるか、どれだけ燃費が良いかを見せられるかが重要だと思います。でも、非言語マーケティングでは何か違うエッセンスで、何も語らなくても人の目や心を惹くこともあるのではないかということを掘り下げていきます。僕はこれまでマーケティングについて一切考えたことがなかったし、好きなもの、楽しいものを作っているという感覚だったんですが、周りの人たちに『無意識のうちにマーケティングをしているのではないか』と言われたことから始まった企画でもあります」　全8回のカリキュラムを通して、様々な形のマーケティングについて討議する。受講料は13万2000円（税込）で、定員は50人。9月15日まで同校の特設サイトで申し込みを受け付け、9月27日に選考結果を発表する。■「FRAGMENT UNIVERSITY」カリキュラム Day1：文化人類学〜遊学史〜 　1982年に初めてロンドンへ行った際に痛感したという横社会の文化などをはじめとした、海外経験とカルチャーとの邂逅を振り返り、すべての根源にある「パンクとDJの精神」を解き明かす。 Day2：社会学〜メディア論〜 　1980年代の宝島社での連載をはじめ、メンズ ノンノの「藤原ヒロシのア・リトル・ノーレッジ」、新たなブログ系メディアを模索した「ハニカム（honeyee.com）」といったメディアとの関わりから、アナログとデジタルの役割と情報発信について学ぶ。 Day3：情報学〜インプットとアウトプット〜 　SNSがない時代から続いている人も多いという友人関係や、人付き合いといった人間関係のマネジメント、そこから繋がるインスピレーションとアウトプットなどアイデア発想術やタイムマネジメント術を学ぶ。 Day4：経営学〜コラボレーション理論〜 　多用されており、言葉の意味が一人歩きしていると感じると話す「コラボレーション」の本来の意味について。「グッドイナフ（GOODENOUGH）」から「レディメイド（READYMADE）」、「ヘッド・ポーター（HEAD PORTER）」、「メディコム・トイ（MEDICOM TOY）」、「フラグメント デザイン（fragment design）」までコラボレーションをマーケティング視点で分析する。 Day5：建築工学〜空間デザイン論〜 　もともと存在した店舗の建築を活かした店舗作りの「the Pool aoyama」や、「THE PARK・ING GINZA」「THE CONVENI」にみる実店舗の総合的なプロデュース事例から、空間デザインに関するコンセプトの作り方などディレクション論を学ぶ。 Day6： Case Study Starbucks Coffee Japan 　創業者のハワード・シュルツと面会した際に偶然お揃いのロレックスポールニューマンモデルを着用していたというスターバックスとの取り組みについて語る。 Day7：Case Study NIKE 　アスリートではなく、ストリートの人としてコラボレーションしているナイキとの取り組みがどのようにして始まったかなどについて講義する。 Day8：FRAGMENT UNIVERSITY最終講義 　卒業証書の授与など。半年間で内容を決定する。 講義タイトルは変更される可能性あり。講義の内容は議事録として書籍化され、2024年秋に出版される予定。オープンキャンパスを終えた藤原ヒロシにインタビュー—改めて「藤原ヒロシのア・リトル・ノーレッジ」の書籍化の話からどのように「FRAGMENT UNIVERSITY」のスタートに至ったのでしょうか？　ア・リトル・ノーレッジは写真がメインなので、写真をまとめただけの本であれば書籍化する意味がないかなと思っていたんです。その中で会議でスタッフが「ア・リトル・ノーレッジは言葉にしない上手なマーケティングをしていた」と言ってくれて。その非言語マーケティングを紐解く授業をすればそのまま本にもできるし、良いのではと。当初の方向性からは随分変わりましたが面白いスタートができたと思っています。—2020年に青稜中学校・高等学校の制服の監修をしていましたが、教育に興味があったのでしょうか？　教育という考えは全然なかったです。青稜は制服という物作りが面白いなと思って監修した話で、未来の若者のためにとかは思わないですね。—今回のフラグメント大学も教育という考えではない？　そうですね。フラグメント大学は学ぶ大学なのかという疑問はあります。クリエイティブは答えがあるわけではないので、数学的に学ぶものではないですよね。いわゆる知識を蓄えていくというか、自分のアーカイヴを増やしていくことだと思います。授業でも僕が買ったこのアイテムにはこういう思いがある、この美術作品にはこういう思いがあるんだよというようなことを話して、自分で解釈して考え方をインプットしてもらえればなと。本当は僕も面白い話を聞ければ良いなと思っているので、聞くだけではなく、自分で芯のようなものを持っている人がいてくれれば良いなと思っています。—授業のカリキュラムはどのように決めたのでしょうか？　スタッフ皆んなで話し合いながら決めました。順番は少しずらしている箇所もありますが、基本的には時系列です。コラボレーションの授業は事例が多いので話しやすいんですが、「社会学〜メディア論〜」や「情報学〜インプットとアウトプット〜」などは僕がカフェでお茶しながら人と交流した体験がメインなので、どうやって授業にしていくかはこれからもっと内容を詰めていかないといけません。—カルチャーの話のように、言葉にするのが難しい内容も多そうですね。　皆んなカルチャーと普通に使うけど、実際の意味はわかっていなくて、意味があるのかもわからない。ああいう感じの話が今後もいくつか話せれば良いなと。少しでもどこかでなるほどと思えるような説明できれば良いかなと思っています。僕が経験してきたことにカルチャーのような話を混ぜて、他の人にも「これ知ってる？」と話せるような面白い講義ができれば良いですね。—あまり多くを語らないイメージもあったので、今回の講義という形は意外でした。　自分でもなぜ語ってこなかったのかはわからないです。ただ、僕は自然と入ってくる情報に頼らずに、踏み込んで自分で調べるのが楽しいんですよね。僕らの時代は情報を探して、何か面白いことはないか、あのアーティストは次に何やるんだろうかと情報を探していたわけです。今はSNSを見ると情報が勝手に入ってきて、情報に僕らが探されているような立場になった。それよりもハードルを超えたところにある面白いものを皆んなに体験してもらいたいですね。

Starbucks

fragment design

藤原ヒロシが「FRAGMENT UNIVERSITY」で語ったカルチャーと非言語マーケティング

■今月の必聴アーティスト：連載ページ　早耳な音楽フリークの方々にとっては既に知られた存在が登場するだろうが、復習も兼ねてファッション的新情報を得られるという心持ちで読み進めていただければ幸いだ。第15回は、第13回で紹介したプロデューサーでDJのケイトラナダ（Kaytranada）とのユニット「ケイトラミーネ（KAYTRAMINÉ）」を結成したアメリカ・ポートランド出身のラッパー アミーネ（Amine）についてお届け。バスケ少年からラッパーに　アミーネことアダム・アミネ・ダニエル（Adam Aminé Daniel）は、1994年4月18日にアメリカ・オレゴン州のポートランドで生まれた。父親はエチオピア（注：東アフリカに位置し、北隣がエリトリア）からの移民で、母親はエリトリア（注：アフリカ大陸北東部に位置し、1993年エチオピアから独立）からの移民ということもあり、幼い頃は英語ではなくアムハラ語で育ったという。　学生の頃は、地元を本拠地とするNBAのポートランド・トレイルブレイザーズ（Portland Trail Blazers）でプレーすることを夢見てバスケットボールに勤しんでいたが、チームのスタメンから外されてしまい途方に暮れていたところ、よくライバル校のディスラップを友人に披露していたことから、2014年よりラッパーとしての活動を歩み始める。友人に楽曲をリツイートしてもらったり、街角にリリースを告知するポスターを貼ったりと、地元を中心とした草の根活動に奮闘。また、ミック・ケイプス（Mic Capes）やクール・ナッツ（Cool Nutz）ら地元の先輩ラッパーに直談判したコラボや前座での起用は全て断られてしまったが、自らイベントも企画するようになったことで、ポートランドでは期待の若手ラッパーとして認知されるようになっていった。それでも当時20歳のアミーネは、音楽で成功する将来に確信が持てなかったため、音楽やファッションなどのカルチャーニュースを扱うアメリカの人気メディア「コンプレックス（Complex）」でインターンとして働いていたそうだ。キャリアを決定付けた楽曲「Caroline」　そして2016年、キャリアを決定付けた転機が訪れる。アウトキャスト（Outkast）の楽曲「Roses」にインスパイアされた「Caroline」という楽曲をリリースしたところ、その独特な浮遊感のあるフロウと中毒性の高いフックでジワジワと再生数を伸ばし、最終的に全米シングルチャートの11位にまで登り詰めたのだ。さらに、その人気から急遽制作したMVもすぐに1000万回再生を達成。全米に彼の名を轟かせ、これを機に彼は大手レーベル「リパブリック・レコード（Republic Records）」との契約を勝ち取った。なおこの頃、音楽活動に専念するためポートランド大学を中退している。　「Caroline」のMVは、アミーネ本人が学生ローンで資金を調達して制作されたのだが、「Let's get gory, like a Tarantino movie」というリリックと呼応するように、映画監督のクエンティン・タランティーノ（Quentin Tarantino）の代表作「パルプ・フィクション（Pulp Fiction）」のTシャツを着用。また、後述する“バナナ”を食べている点にも注目してほしい。新人ラッパーの登竜門に選出され、人気を世界規模に　「Caroline」で一躍時の人となると、新人ラッパーの登竜門として知られるヒップホップ専門誌「XXL・マガジン（XXL Magazine）」の新人発掘企画「XXL・フレッシュマン・クラス（XXL Freshman Class）」の2017年版にも選出され、勢いそのままにデビューアルバム「Good For You」を2017年7月にリリース。タイ・ダラー・サイン（Ty Dolla $ign）やケラーニ（Kehlani）らが参加したこの作品は、アミーネらしさ全開の軽快なリリックとサウンド、カラフルかつユーモア溢れる世界観を世に知らしめ、USヒップホップシーンにおけるポジションを確立した。　その後、人気ラッパーの前座や音楽フェスに立て続けに呼ばれ、世界各国で場数を踏んだ経験を活かして2018年8月に3rdミックステープ「ONEPOINTFIVE」をリリースし、さらなるプロップスを獲得。また、“旬なラッパー枠”として映画「スパイダーマン: スパイダーバース」にも参加を果たし、その人気を世界規模とした。ケイトラミーネの結成　2020年8月に待望の2ndアルバム「Limbo」を、その翌年に4thミックステープ「TWOPOINTFIVE」をリリースするなど、止まらない勢いを象徴する圧巻の制作スピードを見せていたアミーネだったが、2022年はソロ作品を一切発表せずファンを心配させていた。しかし、それはあるプロジェクトの準備のためだった──ケイトラナダとのユニット ケイトラミーネの結成である。　実は、2015年にアミーネがサウンドクラウド（SoundCloud）にアップした「La Dance」という楽曲（ストリーミングサービスでは未配信）をケイトラナダがプロデュースしているほか、アミーネが2020年にパンデミックで鬱を患った際には何よりもケイトラナダの存在が助けになったと語るほど、2人は昵懇（じっこん）の仲なのだ。だからこそケイトラミーネの1stアルバム「ケイトラミーネ」は、2人の阿吽の呼吸が感じられる秀逸な作品に仕上がっているので、ぜひとも聴いていただきたい。シーンを代表するファッションアイコン　アミーネは、ポートランド大学でマーケティングを専攻していたが同時にグラフィックデザインも学んでいたため、自身でディレクションした「Caroline」のMVからも分かるように色使いのセンスが頭抜けている。それがファッションにも顕著に現れており、タイラー・ザ・クリエイター（Tyler, The Creator）とエイサップ・ロッキー（A$AP Rocky）に並ぶファッションアイコンに推す声は多く、昨今のアウトドアトレンドをけん引する「アークテリクス（ARC'TERYX）」の着こなしは、彼がトリガーの1人と言っても過言ではない。実際、空音や18scottといった日本のラッパーは、彼がスタイル見本であることを公言している。　また地元ポートランドは、ラッパーの足元のユニフォームであるナイキのお膝元であるが、彼は断然「ニューバランス（New Balance）」派。デビュー当初から、「990v3」と「2002R」と「992」の3モデルを着用している姿が頻繁に目撃されている。そして先日、ついにコラボの夢が叶ったことを自身のインスタグラムで報告し、好物の“バナナ”に着想した「610」を披露していた。こちらは2023年中にリリースされるとのことなので、前々からファンだった方も、本稿を機に興味を持った方も、彼のSNSをフォローしておこう。

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