インサイド

　そんな彼らが期待の目を向けるブランドの中で、ファッションウィーク5日目にショーを発表したのが 「ピリングス（pillings）」と「アキコアオキ（AKIKOAOKI）」だ。　ピリングスは、去年2022年春に開催した以来1年ぶりのショー発表となったが、変わらずに彼らは毛玉のように複雑に絡み合った糸を自分のペースで掻い潜りながらも、毛玉のどこか哀愁ある可愛さを忘れることなく緒を見つけようとする。（だって、ブランド名自体「毛玉たち」という意味なのだから）　2022年春に発表したショーの演出では、上から巨大なピアノが逆さにぶら下がり、不協和音を会場に漂わせながらも、登場するニットアイテムを見て私たちは不思議と安心感のようなものを覚えた。ランウェイに空中から重圧をかけるピアノ、そして協調性を持って行動する蟻、それらは村上氏が苦手とする規律正しく完璧に社会に適応するもののメタファーが散りばめられていた。　今回のショーでも引き続き、社会／自己 に起きる摩擦は変わらずシニカルに、でもどこか哀愁がある可愛さを持って表現されていた。足元が暗い会場を歩いていくと、複数の街灯がたてられたランウェイが現れる。しかし光っているのは一頭だけ。ランウェイというか、もはや人気（ひとけ）の少ない小道のような寂しさすらも感じる。BGMには「カフカ」という言葉が繰り返され、朗読でもしているのかと検索をかけると小説家フランツ・カフカが出てきた。どの小説を読んでいるのだろうかと、さらに検索かけようとしたところで、ショーが始まった。 　街灯がすべて点灯して歩いてきたモデルは、ウエットなヘアに血色の悪い顔で猫背気味に、ニットの穴の部分に手を入れてゆっくりと歩いてきた。縮こまった上半身とは対照的に、ボトムスは垂れ下がったゆるゆるの毛玉だらけのワイドパンツをやや反り腰気味に履いている。しばらくスローテンポで同じスタイリングと素材が続くのにも関わらず、まったく飽きることなく、むしろそれでも「かわいい」と思わせるピリングスの絶妙なバランスにハッとさせられっぱなしだった。陰湿なムードが漂う中、蛾がくっついたニットが登場した瞬間だけ、街灯が点滅しはじめる。前回のショーでは蟻を集団行動する人間のメタファーとして捉えていたことを思い出しつつも、今回の蛾はなにか変化をもたらすモチーフとして使われているように感じ取ったが、それが「光に向かう希望の存在」というポジティブな意味として村上氏に映っていたとは思ってもみなかった。 　ニットに手を窮屈に入れるモデルも繰り返しみていると、寒さで凍えているのか、なにかから束縛されているのか、はたまたなにかから自己を守ろうとしているのか、色々な解釈が頭をめぐる。その下から顔を覗かせる乱雑にパンツインされたシャツ、家着のようなだらしないパンツ。それらが解釈のヒントとなり、いかに社会から価値のないものに見えても、自分の居心地の良さを知っているスタイルこそが唯一の自己を防衛できる味方のように思えてきた。それは迷路のように社会の中で紆余曲折する村上氏にとって、ファッションは唯一自己と社会の接点にほんの少し光を灯してくれる抜け道であることを改めて感じさせるプレゼンテーションだった。　ピリングスと対照的に天からまっすぐに強い光が照らされたのは、同日に開催された「アキコアオキ（AKIKOAOKI）」。　ファーストルックから続きセカンドルックまで、その光に導かれるように現れたベール姿のモデルを見て聖母マリアのシルエットを思い浮かべた。幼少期から高校までカトリック教育を受けた青木氏の背景を知っていれば、すぐに連想するイメージでありながらも、逆に言えば、誰でも知っている具体的な人物像にも関わらず、彼女の内から自然と引き寄せられた興味対象なのだとしっくりきた。 　ショー終わり、青木氏は聖母マリアをあくまでも抽象的なモチーフとして捉え、彼女がもともと人間として生まれたのち、ある日突然神格化される人生の不自由さと同時に皆の救いであったことを現代の視点から考えたと話す。ショーの演出でも中央の光をモデルが通過するさまは、ある意味 通過儀礼のようにも見えた。そうした聖母マリアの不自由さは、ピリングスの安心させるために手を胸元のポケットに入れる仕草と真逆に、ボンテージの要素を加わることで拘束されたイメージを表現していたように思う。そして、「スリートレジャーズ（THREE TREASURES）」との協業のシューズライン「Aerial Garden」のコレクションピースとして過剰にも高さを出した厚底シューズは、聖母アリアのように人々が拝むような高低差を演出したと同時に、束縛されたまっすぐなシルエットへの徹底的なフェティシズムを感じた。 　こうした西洋圏のモチーフやインスピレーションをもとにしたコレクションは、圏外を拠点とする場合、表面的に絵やモチーフをなぞるだけでは借りもののように感じてしまうこともしばしばあるが、アキコアオキはデザイナー本人がこれまでブレることなく打ち出してきた哲学や美学の積み重ねがあってこその力強さを最大限に放っていたように思う。ファーストルックからあまりにもすんなりと腑に落ちたその強度に、今後は日本のオーディエンスではなく、彼女のバックグラウンドと親和性のあるオーディエンスへとよりアプローチしてほしいと心から思ったコレクションになった。

Fashion

表現したかったものは？ピリングス／アキコアオキのコレクションを読み解く

　23年春夏のショーで10周年を迎えたミューラルは、そのショーを迎えるまでの1週間、今までになかった焦燥を感じたという。「あと1週間で楽しい時間が終わってしまう」ことへの切なさ、時の移ろいの儚さ、去るものは止められないということ、全ての事象が永遠ではない現実を痛感したその時に、その「儚さ」を形に残せたらどんなに美しいだろうと考えた村松と関口の脳内では、2023年秋冬コレクションのキーワードがすでに決まっていた。11年目ではなく、また新しい1年目を始めたいと語る2人にとって、その「儚さを切り取って形に残したい」という欲求は、ブランドが作り上げてきた世界観の完成を意味していたのかもしれない。2023年秋冬コレクションはまさに、終わりの瞬間の儚さを刹那的に切り取ったものが、新しい姿の始まりとして表出する静かな変化の提示だった。　儚さの形を模索する過程で着想した「雪」というモチーフを追い求め、雪が吹き荒ぶ12月の北海道・富良野の雪山奥地へ村松と関口は足を運ぶ。壮大な自然にその身一つで対峙したとき、2人は「雪は天から送られた手紙である」という世界で初めて人工雪の制作に成功した物理学者中谷宇吉郎の言葉の意味を知る。空から降り注ぐ雪の結晶は肌に触れると消えてしまう「儚い」存在だが一つとして同じ形のものはなく、その小さな粒が降り積もって雪景色を作り上げる。刹那的な存在が積み重なることで完成する力強さこそが、今回のコレクションの軸。朧げで不安定で曖昧で掴みどころがなく、だがどこか芯があるもの。それが、ミューラルが導き出した儚さの姿の一つの答えだった。　コレクションは、ブランドが得意とする繊細な刺繍が施されつつ、シャープさが際立ったブラックトーンのルックでスタート。ブルー、グリーンなどの限られた色彩を経て複雑な表情をもつ多様な白に収束していく。白は、柔らかさと、何色にも染まる自由さと曖昧さを持ち、今回のコレクションにおける儚さの象徴。中でも終盤に登場したグラデーションのテキスタイルは、一体分ずつのカットした生地に村松と関口自身が羊毛を4層に配置し、ニードルパンチを施して制作されたもの。1点1点表情が異なり、ほっこりとした所謂フェルト表現にならないシャープさと軽やかさを備えた「自分たちの手でしか作れない」オリジナリティあるアイテムに仕上げた。  　ショーを見て特に印象的だったのはシルエットの変化。体の動きを滑らかに追随する艶のあるフレアシルエットは、今までのノスタルジックなガーリースタイルにセンシュアルさが加わり、新しいミューラルの始まりを強く感じさせた。 　富良野で撮影した雪の写真をプリントしたというオリジナルテキスタイルのワンピースは荘厳な中に静けさがあり、仄暗さをロマンティックに色付ける従来のミューラルらしさを継承しているように感じさせた。 

始まりを告げる終わりの儚さ　ミューラルが歩み出す次のステージ

　映像では、23年春夏から2シーズン目となる「キーン×ハイク（KEEN×HYKE）」のコラボコレクションも登場。ベルトをあしらったショートブーツや、2本のコードを編み上げて作るキーンのアイコン「ユニーク」にインナーシューズを合わせた一足などが発表された。　コレクションは、今シーズンもミリタリーウェアや古着のアイディアをハイク流に再構成。ボリュームのあるバリエーション豊富な袖のシルエットや、首の詰まったネックラインで作り出すロング＆リーンなシルエットをベースに、定番アイテムやブランドのコード、素材を発展させた。　特徴的なのはシーズンを象徴する序盤のルックが、オールブラックのコーディネートで構成されていたことだ。テーラードジャケットの袖を断ち切ったようなベストや、ドレッシーなジャンプスーツなど、強みであるミリタリーやアウトドア要素を抑えたフォーマルなアイテムやコーディネートが、コレクションにフレッシュな印象を添える。　さらに23年秋冬らしいディテールとして目を引いたのは、ドラマティックなボウタイを筆頭にしたリボンやテープ使いのテクニック。　さまざまな素材とデザインで登場したジャンプスーツは、光沢のあるドローコードを絞りワイドボトムスのシルエットに緩急を。ロングドレスにも同様のテクニックで、袖が大きく広がるドラマティックなラインを作り出した。　インスピレーションソースのひとつとなったアメリカ軍の「ECWCS Gen3 Level 3 フリースジャケット」はロング丈に、「MA-1」はボア素材をドッキングすることで、タウン仕様に進化。　「PCU Level 7 Type2」ジャケットは丈感をコンパクトに、「Fearnought Smock」はトグルのディテールをトップスにも応用した。　シーズン毎に登場している「ビューティフル シューズ（BEAUTIFUL SHOES）」とのコラボシューズからは、新作のミュールやサイドゴアブーツなどが登場。　同じく、継続の「チャコリ（CHACOLI）」とのコラボバッグからは、ハーネス風のバッグにファーバッグを組み合わせた2way仕様のトートバッグや、バケッタ製法で鞣した牛革を用いることで、野性味のある風合いと経年変化を楽しめるレザーウォレットなどを発表した。

キーンとのコラボ第2弾も、ハイクが2023年秋冬コレクションを発表

　当時は（といってもまだ3年前の話だけれど）、中国の四大民間逸話「梁山伯と祝英台」をテーマにし、現地の八百屋で売っている大ぶりの果物が積み上がったノスタルジーなインスタレーションに、異国者であるわたしは、中国ブランドらしさをまっすぐに受け止めていた。そして、また会場でTashaが耳元で囁いてくれたのが、彼女のバックグラウンドにセントラル・セント・マーチンズ卒業後、「シャネル（CHANEL）」の刺繍アトリエで働いていたことだった。ルック数は指で数えられるほどだったにせよ、鮮やかな花柄が描かれた細かなビーズのセットアップが印象的だったことは記憶している。　そこからTahsaの先見の明が光るように、LVMH Prize 2022セミファイナリスト、GUCCI Film Festival など瞬く間にグローバルへと名前が響き渡るようになったのも、たったこの2年間の出来事。一貫して彼女のコレクションにおける視点は、自身のパーソナルな体験を過去・現在・未来の時間を行き来しながら追体験するもの。活躍の場が広がるにつれ、彼女の扱う素材もビーズをはじめとするクラフトマンシップだけではなく、21AWシーズンのショーを皮切りにレディ・トゥ・ウェアとしても世界観が表現できるようになり、そうした個人史はより共感の声を反響させてきた。　そんな急激な成長を遂げたユェチ・チの東京での初めてのファッションショーは、前回のシーズンから興味の矛先を向ける「宇宙」を感じさせる眩い光が55年の歴史を持つ喫茶店を強く照らし、わたしたちを過去でも現在でも未来でもない時空へと誘う。  　「過去 / 現在」とつぶやくBGMの中、シャラシャラとゆっくりと音を立てて歩くスパンコールブーツ。グリッターが施されたメイクと21AWから共にするヘアデザイナー・Tomohiro Konoによるヘア、ビーズネットや太陽系の柄がプリントされたアイテムなどをまとったモデルが登場するたびに、会場中に光が乱反射し、時空の一瞬に解き放たれたような感覚になる。デビュー当時に感じたわかりやすい「中国ブランドらしさ」は徐々に薄まっているものの、中国に脈々と残る歴史と近年の未来志向な発展を肌で感じるYueqi氏だからこそ、いままで積み上げてきたクラフトマンシップへの重きを忘れることなく未来へと前進できる力強さを感じた。 　3日目の朝、ブランドが持つエネルギッシュなイメージとは打って変わって、澄んだ白色のカーネーションが迎えたのが「テンダーパーソン（TENDER PERSON）」。　テンダーパーソンが打ち出す服は、一見すると曇り一つなくポップなエネルギッシュさを感じるのだが、先日、とあるインタビューで共同デザイナーのビアンカ氏と話す機会があり、明るい口調で話しながらも「ファッションのサイクルが年々加速する中で、どんなに新しいものを常に考えて生み出していたとしてもファッションデザイナーも消費されて、いつか価値がなくなってしまう可能性はあるじゃないですか。自分も古着のように消費社会においてポイされてしまうかもしれないと切なくなったんですよね」と冷静かつ現実的な言葉をもらしたことが意外だった。　自分たちがつくりたいものをつくるという彼らのまっすぐな気持ちを体現してきた「テンダーパーソン」は、10年を経て社会と呼応する中で、自身と向き合う鏡のような存在になってきたようだった。「Dreaming of me」というタイトルのもと発表された今回のショーは、そうしたこれまでの道のりを「悪夢」と比喩しながら素直にネガティブな心境を表にだすことで、新たなテンダーパーソンの顔を見せた。  　だからといって、彼らの服作りにおける表現はネガティブになったわけではなく、むしろ今まで支えてくれたファンの存在を改めて意識することで、全てを原動力にできるブランドとしての厚みを増したように感じる。　同インタビューで、目まぐるしく世の中が変わる中、ファッションデザイナーとしての存在をビアンカに問いた。「直接的な社会貢献できないかもしれないですが、着る人が昨日よりも今日をハッピーに感じられるお洋服を作りたいといつも思っていますね。でも、そう思えたのも、実はここ最近の話なんです。ブランドを始めた頃は、そんなこと考えずに自分が作りたいものを作るという意識が強かったのですが、テンダーパーソンを10年間続けてきた中で気づきはじめて。年季が入った過去のコレクションを大事に持ってくださっているファンの方に会ったり、SNSを通して自分がデザインした洋服でポジティブな気持ちになれたというコメントなどを見ることで、これからもファッションデザイナーとして、服を通して人々にポジティブなエネルギーを与えたいと思えるようになりました」　その言葉のとおり、まさに会場でショー後に自由に配布された白色のカーネーションは、社会的に価値がなくなったとされるフラワーロスをフラワーアーティスト・Hikaru Seinoとの協業でスポットライトを当てなおす試みだった。　静かなBGMが流れながらも登場する、ブランドのシグニチャーモチーフでもある炎はブランド当初に燃やした闘志とは違い、どんなに風や雨を受けても消えることのない光源として熱を放っていた。  　テンダーパーソンを終えてヒカリエを後にし、同じ渋谷区内で発表されたのが「ヨウヘイオオノ（YOHEI OHNO）」のプレゼンテーション。　たまたま前日の「ソウシオオツキ（SOSHIOTSUKI）」の帰り道にデザイナーの大野氏と遭遇し、お互いの生活空間について、SNSでのブランドの見え方などたわいもない会話をしたのだが、いま思えば、ゆるやかに翌日のプレゼンテーションへと続くイントロだったのかもしれない。　前回のショーを見ていない限り、なんとも今回の発表を単体に捉えるのは違うように感じつつも向かったシンプルな会場は、自然光が降りそそぎ、段差もなくフラットにモデルが立ち並ぶ。 通りすがりの通行人が「マネキンなんじゃない」とつぶやくほどに、モデルが周辺に置かれているインテリアや家具と同化しているようだった。前日の電車に揺られながら、大野氏の住まいがアトリエ兼の住居として使っているため生活にメリハリがなくなっていることを話したのだが、ある意味、クリエイションと日常がシームレスに繋がっているライフスタイルだからこそ、今回の空間がつくりあげられたのだと腑に落ちた。棚に置かれているのは、実際にアトリエで飾られているがらくたから価値のあるものまで ー 目の形をしたオブジェ、フランスパンのおもちゃ、シルバーのプロダクトなど ー さまざまに優劣なく並ぶ。 　それら生活空間と調和するモチーフとは別に、今回のキービジュアルにも使われたバンドTシャツを意識したというグラフィックデザインが具体的なモチーフとして登場。しかし大野氏の「Tシャツは作らない」というこだわりにより、本来の目的とは思わぬ形で、鞄に落とし込まれた。これまで素材への探究心からはじまり、人間に／女性に着させるにはという考えから機能美と建築的な造形美を両立させてきた彼の着眼点からは意外な選び方になったように感じたが、これもまた棚に置かれているがらくた、と同じく価値を失った平凡だけれど、どこか愛おしいものとして研究対象に入ったようだった。　こうして日常の中にあるモノや素材を研究対象として一度咀嚼して、本来とはまったく別のアウトプットで魅力を見つける大野氏のデザインアプローチは、本来の関係性と切り離して人間の予想を裏切り新たな美意識を提示してくる画像生成AIと似た感覚を覚える。面白いのは、画像生成AIにたとえ「服」と直接的に人間に関係ないワードでも読み込ませても、自動的に人間が使うモノとして捉えて「目」や「身体」のようなモチーフも画像の一部に不自然に入れてしまうこと。　今回のプレゼンテーションでも至るところに映っていた「目」もまた、会場に陳列される静的なプロダクトデザインの中で、一際人間味を感じるものとしてこちらを静かに見つめていた。 　今回の発表で、ショーとプレゼンテーションどちらが自分に合っているか試してみると帰路の電車で言っていたが、どちらかにしっくりくる感触は掴めたのだろうか。社会から過剰かつ簡単に価値をつけられやすくなった時代に抗うように、自分自身のブランドのかたちをありのままで見せていくのであれば、今回の発表形式は成功だったように思う。

Yoshiko Kurataによる東コレレポ

社会から過剰かつ簡単に価値をつけられやすくなった時代に抗うように、ユェチ・チ／テンダーパーソン／ヨウヘイオオノ

　コレクションは、フォトグラファーから映画監督・脚本家へとキャリアを広げたジェリー・シャッツバーグ（Jerry Schatzberg）の写真集「WOMEN THEN」に着想。1954～69年にかけて撮影されたこの作品の中に登場する、女性たちの自然体のふるまいとエレガンスを服と通じて提案した。　モノクロからカラーへと変化する物語性のある写真集になぞらえて、ショーは黒で統一したルックからスタート。袖や耳元からスワロフスキーのフリンジを覗かせることで、光のシャープさや少しの煌めき、艶やかなエレガンスを表現した。　真骨頂である立体裁断のドレスや贅沢に素材を用いたコートも、さらに精度を高めて登場。ダーツやドレープ、微かなシェイプなどを駆使した独自のカットやパターンと、強みであるラグジュリーな素材使いの相乗効果で、贅沢で軽やかなコレクションを作り上げた。　スポーティなダウンジャケットは、模様を浮かび上がらせた膨れ織ジャカードのシルクオーガンジーで、クチュールライクに昇華。バイカラーのケープには、シルク100％の生地を毛羽立たせて、カシミヤのような質感に仕上げた素材を採用した。上質でユニークな素材とモダンなデザインで、コントラストを効かせた。　足元には、スニーカーやローヒールのシューズをコーディネート。エレガントなアイテムを着て、颯爽と歩く姿で「ハルノブムラタ」の女性像を描き出した。　デザイナーの村田晴信は、コレクションについて「昨年、展示会でパリを訪れ、王道のエレガンスへの熱が高まった。それをベースに、パターンやカットの面白さを加えることで、女性のふるまいの美しさを表現した」とコメント。　会場に貴賓館を選んだ理由について「マルク・ボアンによるクリスチャン・ディオールや初期のイヴ・サンローランのように、観客の近くをモデルが歩くクチュールのサロンのような雰囲気を再現したかった」と加えた。

「ハルノブムラタ」が新作披露、女性たちの自然体のふるまいとエレガンス提案

　デザイナーの幾左田千佳は、今季のコレクションを「“チカ キサダ・バレエ団”の舞台を届けるような気持ちで作った」と表現する。ショーはバレエダンサーの二山治雄が、ウォーミングアップをするような演出で幕開けし、極限の動きにもフィットする「チカ キサダ」のアイテムの美しさを魅せた。さらに、シーズン毎に書いているというオリジナルのポエムをイタリア語のオペラにのせて、オーケストラの生演奏と共に披露した。　コレクションには、「チカ キサダ」のアイデンティティであるクリノリンのドレスやチュールをふんだんに使ったピースが登場。「霧の花」をテーマに、現実と空想を行き来する“物体ではないモノの固体化”に挑んだという。　繊細なチュールを幾重にも重ねたドレスは、霧を連想させるスモーキーな色味と、肌を効果的に見せる透かしのテクニックで、甘さを控えたセンシュアルなムードに変換。美しさのコアにあるダンサーのストイックな精神や、鍛え上げられた肉体美までも服を通して表現した。　チュチュを大胆にドッキングした実験的なピースや、職人の手仕事が光るアクセサリーのようなウェアを加えて、幻想的な世界を作り上げた。　後半は、メンズ由来のアイテムにチュールを重ねたピースを多く提案。ウールのシングルコートやブルゾン、ダウンベストにフェミニンな素材をレイヤードすることで、ジェンダーを超えたドラマティックなムードに仕上げた。　幾左田は、ダンサーの二山治雄を大々的に起用した理由について「日常的に彼からインスピレーションを受けることが多く、今季もその性別を超えた美しさやキャラクターに大きく影響を受けた」と話す。昨年9月には、長年の夢だったバレエ×ファッションの舞台「バレエ ザニュークラシック」の衣装も手掛けており「舞台芸術の衣装に携われた経験は、大きな力となりターニングポイントにもなった。今回のショーもそこから地続きのような感覚でのチャレンジだった」と振り返った。

「チカ キサダ」幻想的なピースで描く、バレエに潜むパンク精神

　エムエーエスユーは、「マスプロダクション」をコンセプトに掲げ2017年春夏シーズンにデビュー。リブランディングに伴い、2018-19年秋冬コレクションから後藤がデザイナーを務めている。2021年秋冬コレクションと2022年春夏コレクションではランウェイショーを開催。東京のファッションウィークへの参加は今回が初めてとなった。　エムエーエスユーが2023年春夏コレクションのテーマに掲げたのは「ready」。物事がふさわしい場所や状態にあることを示す言葉だが、後藤の”ふさわしさ”に対する感覚は独特で、「例えば、最上級のドレスで着飾ってレッドカーペットを歩くこと、ワイドなスウェットパンツの裾を引き摺りながら裸足でレッドカーペットを歩くこと、どちらもふさわしいと感じる」と話す。リアルとアンリアル、フォーマルとグランジ、未熟と成熟など、一見相反するもののように思える事象に対し、2面性を破壊するのではなく、柔軟で俯瞰的な視点で捉えるという姿勢がエムエーエスユーのクリエイションに根付いている。　スワロフスキーやスタッズで装飾が施されたヴィンテージデニムにハットを被ったファーストルック、「ジャクソン5」を彷彿とさせるキッズモデル、スパンコールやグローブといったアイテムが象徴するように、今回のコレクションの着想源となったのは世界的スターのマイケル・ジャクソン（Michael Jackson）だ。後藤はマイケル・ジャクソンについて、煌びやかな世界的ポップスターとしての側面と、フードを目深に被りパパラッチから逃げている側面の、対照的な二つの佇まいがどちらも等しく魅力的に映ったという。　今回のコレクションでは、ダブルのジャケットとスカートのセットアップに極太のスウェットパンツをレイヤードしたスタイルや、スパンコールをふんだんに使用しながらもフード付きのスーパーマキシ丈で魔法使いが着ているローブを思わせるようなワンピース、肋骨をイメージしたようなカッティングが施されたトップス、ブランドのシグネチャーであるポップコーントップスの生地を用いた仮面のルックが象徴的だった。上述したように、いずれも2面性をブランドらしい視点で再解釈し、ルックに落とし込んでいる。　フィナーレではモデルたちの登場に合わせ、会場に赤のテープが降り注いだ。ショーの最中はポップスターを思わせる佇まいを徹底していたモデルたちが、音楽に合わせ自由に踊る姿でショーは幕を下ろした。　ショーを終えた後藤は今回のテーマである「ready」は今のブランドの状態も示しているとし、「さらなる飛躍に向けて、準備は万端。いつでもかかってこいという状態」と語った。東京からパリへ、その名を世界へ轟かせんとするエムエーエスユーの今後に期待が集まる。

「準備は万端。いつでもかかってこい」パリへと続くM A S Uのレッドカーペット

・憧れの演出家、四方義朗の横顔　江橋洋さんの元で働いていた頃、かなり大きな仕事がありました。伊勢丹と業務提携している大分の百貨店トキハで開催される「トキハファッションラリー」。山本寛斎、ニコル、そしてカール・ラガーフェルドという3ブランドの合同ショーです。江橋さんが率いる我々は寛斎さんの担当、そしてニコルとカールの担当が演出家の四方義朗さん。　ショーの順番は、ニコル、カール、カンサイ。僕はステージの下手の担当でした。寛斎さんのフィナーレでは大きなミラーボールが回って、最後にドバーっと紙吹雪。その様子を、「すごいな」とつぶやきながら眺めていた四方さんの横顔が印象に残りました。あまりにもクールな姿だったので。　学生の頃から見ていたショーで「これはすごい！」 と思った演出は四方さんが手掛けていたことが多くて、演出家として憧れの一人でもありました。なのでこの時に初めて一緒に仕事をすることができ、ずいぶんと感化されました。四方義朗——ベーシストとしての音楽活動、テレビ制作会社を経て独立し、1983年にサル・インターナショナルを設立。演出家として国内外の数多くのブランドのファッションショーに携わった。ファッションプロデューサー、批評家としてテレビやラジオで活躍。メンズライフ雑誌「GG」の専属モデルも務めた。・車で寝泊まり　師匠の運転手も　四方さんの会社、サル・インターナショナルは当時まだ設立から間も無く、知り合いを通じて「スタッフを募集している」という話を聞きました。僕は2年ほどで江橋さんの会社を辞めていたので、何か仕事ができたらと意を決して会いに行きました。「まずはフリーでやってみて」と当初はインターンのような形でしたが、急に状況が変わったのか「明日から来ていいよ」と。正式にサル・インターナショナルのスタッフの一員として、四方さんの下で働くことになりました。　最初はアシスタントとして、とにかくなんでもやりました。ショーの現場の仕事はもちろん、運転手も。ある日、会食があるという四方さんを乃木坂の店まで送っていった時、外に車を止めて待っていたら窓をコンコンと叩く人がいるので外を見ると、立っていたのは当時とても人気があった大物俳優。「何やってるの？こんなところで待ってなくてもいいだろ」と声をかけてくれて気を使ってくれたんです。でもさすがに、同席するわけにも帰るわけにもいかなくて、ありがたく気持ちだけ受け取りました。　1984年の入社当時、春は4月から6月くらいまで毎日のように都内で何本もファッションショーがあって、全体の半分以上が四方さんが演出を担当するブランドだったので、連日働き詰め。その代わりに、夏休みがやたらと長いんです。そして秋にまた2ヶ月くらいファッションショーが続くという生活。一番忙しい時には、家で休むと起きられないから会社の前に止めた車で寝ていたことも。とはいえ給料はそんなに高くないんですが、皆で儲けた金なんだから還元しようという四方さんの考えで、当時の年齢からするとボーナスはかなりもらっていたんじゃないかと思います。・東京コレクションの夜明け　入社した翌年には、読売新聞社が主催する「東京プレタポルテ・コレクション」がありました。それまで6人の東京デザイナーが結成した「TD6」というグループがありましたが、あとはバラバラ。なので、短期集中型のコレクション発表は初めてでした。東京を代表する37ブランドが参加して、11日間にわたってショーを開催するというもの。これが、いわゆる「東京コレクション」の走りでしょう。　現在都庁が建ってる場所に大きな駐車場があり、その場所に2つのテントが建てられて、11日間にわたって開催。僕ら演出チームも1日に何本もショーを手掛けるのは初めてだったので、テンテコ舞いだったのを覚えています。TD6——1974年に結成されたグループ「TOP DESIGNER 6」の略。金子功、菊池武夫、コシノ・ジュンコ、花井幸子、松田光弘、山本寛斎の6人が立ち上げ、同時期にショーを行うなどデザイナー主体の組織として活動。東京プレタポルテ・コレクション——1985年4月に読売新聞社が創業110周年を記念して開催したファッションイベント。日本を代表するデザイナー37人が11日間にわたってファッションショーを行い、東京では初の短期集中型のコレクションイベントとなった。　休みができると「ヒマだろ？」とよく誘ってもらって、四方さんの先輩や友人と一緒に伊豆や箱根にいったり。大抵が運転手としてですが、いつもそんな感じでプライベートでもお付きとして可愛がってもらいました。そのおかげでいろいろな人に会って、顔を覚えてもらえるようになったんだと思います。　仕事も遊びも、四方さんには本当に多くのことを教わりました。師匠であり、父親のような、また兄貴のような存在。自分にとっては今でも近くて遠い、尊敬する一人です。——第4話につづく

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