インサイド

　劈頭、この連載が尻切れになったことの弁解をしておくと、先週金曜日の正午、突発的なアクシデント（私事）が持ち上がった。予定していた残りのショー取材を凡てキャンセルせざるを得ない状況に期せずして陥ってしまった。中途で投げ出すことは、エチケット至上主義に厚い私の性質が潔しとしない。だから、せめてあと一つは原稿を納品して今季の短期連載を終えたいと思い立ち、今日、「ユェチ・チ（YUEQI QI）」2026年春夏コレクションの展示会に足を運んだのだった。ユェチ・チの作品群は少しく奇妙である。ユェチ・チは、ここ数回、東京のファッションウイークにてショーを発表しており、以前より気になる取材対象の一つとして私の胸中の帳面に記録されているブランドである。確かに、奇妙な面白さ（今季のショーの映像を見て改めて感じたのだけれど）は脳髄を刺戟してくれる。番度のことだが、私は一つの突飛な術語を思い浮かべていた。　「アナグラム」は、既存の単語や文章のなかにある文字列を並び替えて、新たに、別の意味のある言葉やフレーズを作る言葉遊びの一種である。その一例を挙げてみよう。私が敬愛する純文学作家、福永武彦は、加田伶太郎と云うペンネームのもとに、『完全犯罪』（昭和三十一年）と云う短篇集を発表している。加田伶太郎（Kada Reitarō）は、即ち「誰ダロウカ」（Taredarōka？）のアナグラムである。福永は、推理小説（犯人は誰か？）の創作に限り、この筆名を使っていた。更に、アナグラムの手法を詩作に当て嵌めるなら、詩句のなかに主題となる語を分解し、散らして嵌め込み、テクストを重層化し、複雑化する技法となる。その伝で云うと、混じり気のある詩的なもの同士を繋ぐ糸が作品群に透いて見えるユェチ・チの今季の創作には、このアナグラムの手法が活かされているな、と私は勝手に想像してみたのである。　そうした視点でじっくり見直してみると、今季の創作の神秘はスッと腑に落ちるのだ。何故なら、彼女は、前以て選び出した服地やモチーフ、服飾資材や装身具（たとえば、奇っ怪な蝙蝠の羽根を広げた黒猫やハート柄、リベットやレース、男物のシャツやパジャマ、水兵服やバイカージャケットなど）を限定して使用し、それらを意図して（ときには恣意的に）様々に入れ替え、並べ替えることで別の新しいテクスチャーを作り出したのだから。それぞれがまったく違う表情の生地でありながら、限定された共通の構成要素が通奏低音のように流れていることで、作品群に不思議な統一感が生まれてくる。それは、誰もが眼にしたことのあるアイテム（クラシックで馴染みのあるカタチ）の、誰もが見たことのない新しいバランス。詩作に於ける換骨奪胎のDNAを我流で掘り下げた、この微妙な釣り合いが、奇妙な面白さに繋がっているように思う。作者（デザイナー）の意図と、読者（受け取る側）の解釈の均衡を探る彼女の創作は、慣れ親しんだ言語のルールを踏まえつつ、その文脈を変えながら、受け手にそれぞれの物語を想起することを促し、自分自身との繋がりとか、意味を見出だす自由（余白）を我々に提供してくれる。　ユェチ・チは種々のモチーフを限定的に使う、と先に述べたが、そのくだりの「限定的」の意味合いは、作者が周到に張り巡らした創作の「糸」と大いに関連がある。つまり、手の仕事と云う経糸と、無国籍な夜会服と云う緯糸によって織られたピースは、作者の自由な解釈のもとで更なる活力を味方に付け、懐古調の夜会服の古めかしい魂は見事に解き放たれるのである。因みに、東京は鶯谷に現存する社交ダンスの殿堂「ダンスホール新世紀」を会場に選んだのは、レトロな夜会服とか、フラメンコの衣裳のイメージが彼女のなかに渦巻いていたからである。一見、相互に無関係なもの同士が、互いに関連なく存在し合っているように思えるこの創作世界が、実は、いかにたくさんの糸で繋がっているか、と云うことを理解することが重要なのであって、詩的な創作が巧く成立するか否かは、その糸が、確かに目視出来るかどうかにかかっている。　淑女と悪女。成熟した女性とあどけなさが残る女性。ロマネスクとそれに次ぐゴシック様式。手仕事の器用さとストリートの粗雑さ。ダークサイドの黒猫（本人が飼っている猫は、きっと愛くるしいのだろうけれど）と「愛」に当たる中国語の簡体字「爱」のモチーフ（レーザーカットで造形したブレードなど、至るところに散見する）。繊細な手工芸（勿論マシンメードで生産された服が大半を占めるけれど）による装飾的な造形と脱構築のカタチ。血の通った抽象を探ったフォトコラージュ的な意匠とアップサイクルと云う時代性。大袈裟な喩えと承知の上で云うのだが、服地にのせられた立体的な構成は、キュビスムを想起させるものであり、理知的とは云い難いけれど、抽象表現を自己流で咀嚼した形跡がある。こうした私の理解は、的を射ているかどうか疑わしいものだが、これもまた物語を読み解く一つの解釈であると、私は信じて止まない。（文責/麥田俊一）

YUEQI QI

collection

モードノオト2025.09.10

　縁あってブランドの歴史を振り返る取材を受けたことがある。短期間ではあるが、足繁く当時の事務所に通った記憶がある。勿論、津森千里本人の談話も取った。往時「ツモリチサト（TSUMORI CHISATO）」はパリでショーを続けていた。パリでも毎回取材をしてきた。服を作ること以上に、服のために絵を描くことが本当に好きなのだな、と云うことを、一連の取材を通して改めて実感した。服を彩る自作のイラストこそが、津森が感じ、考えることを表現した、ハッピーでガーリーな服と云うブランドコンセプトを体現する尤も有益なメディアなのである。身の回りにあるモチーフはドローイングやスケッチの題材となり、プリント図柄に組み込まれる。その流れは今も昔も変わってはいない。 　印象に残るイラストは、思い出の数だけある。なかでも私が一番ユニークだと思ったのは自画像のモチーフである。本人が一層確かに自身の姿を捉えているのか、その胸中の自画像は常に生き生きとしている。これまで幾度も、本人が描いた自画像は、プリントや刺繍で服に落とし込まれていて、確か、二十五周年を迎えた2015-16年秋冬コレクションにも本人の自画像が採用されていたように思う。ガーリーだけれど素朴、ポップだけれど人懐こい。素描のようなイラストそのものも魅力的だが、それらが服の設計に変換されてこそ、その命は一段と輝き出す。「縦縞や横縞、格子柄や水玉模様は、私のなかでは『無地』と同じ」と本人が豪語するだけあって、ここまで色柄で遊ぶブランドも珍しいのではないだろうか。シーズンを失念してしまったが、往時のアメコミ人気にあやかった「スーパー“ツモリ”ウーマン」（津森本人が「スーパーマン」に扮したイラスト）は極め付けだった。　また、ブランドのミューズをデザイナー本人が務めると云うあたりも、このブランドらしいユニークな一面である。そのことを自ら公言して憚らないのだ。本人が標準体型に近いと云うことから、仮縫いでも自ら袖を通し、着心地とシルエットを確認すると云う。年齢云々ではなく、津森と同じ感性、感覚を持った凡ての女性がターゲットだけに、自身がミューズと云うのも過言ではないのだろう。私は、津森の、子供のような天真爛漫を羨ましく思っている。 　2025年9月4日、ツモリチサトは、渋谷区神宮前のTC HOUSE（アトリエ兼直営店）にて2026年春夏コレクションを発表した。今回の東京でのショーは、ブランド設立三十五周年を記念して開催されたものだ。パリにて発表した2018-19年秋冬コレクション（パリデビューは2004年春夏シーズン）以来、七年半ぶりのショーとなった。パリデビューのシーズンは記憶に残っている。「アフロディテ」がそのときの主題で、ギリシャ神話の女神を彷彿させるドレープを効かせたマイクロミニがファーストルック。ピュアな白の潔さが、果敢に挑む当時の津森の熱い思いを代弁するかのようで、印象的なスタイルだった。花や植物、海洋生物、地球、虹と云った津森が愛して止まないモチーフをギュッと濃縮したようにちりばめた今季の作品群は、涼やかなパステルの色彩と煌めくスパングルで彩られている。ファンタジーは、彼女の内面で絶え間なく変化し、変化することで自らを創造し、自らを創造することによって生き続けてゆく。来たる四十周年に向けて、このファンタジーは止むことはないのである。（文責/麥田俊一）

TSUMORI CHISATO

モードノオト2025.09.04

　私は時間を見つけては、現代アートと意識的に触れるようにしている。作品を通して世界の見方を揺さぶられたり、アーティストの思考に浸ったりするのが好きだからだ。専門家ほど知識があるわけではなく、全くの素人であるが、一つの疑問を抱くことがある。それは、若いアーティストでデジタルアートや先端技術を使った作品ほど「人間の精神性」や「人間とは何か」という根源的な問いを投げかけてくる、ということだ。　最近の代表例をあげるならば、大阪万博で展示されている落合陽一氏がプロデュースした作品だ。テクノロジーと仏教哲学を掛け合わせ、人間の存在のあり方を探ろうとしている。根底にあるのは仏教の「色即是空（しきそくぜくう）」という思想で、「形あるものは実体を持たない」という意味だ。落合氏はこれをデジタルに置き換え、「肉体という“色”が、データという“空”に変換されていく世界」を描き出す。つまり、すべてが0と1に還元される近未来に「人間とは何か」を問うているのだ。　同じ問いにファッションで挑んだのが、「ヒュンメルオー（HUMMEL 00）」のデザイナー・森川マサノリ氏である。森川氏はスポーツの根幹にある「人体」を解剖学的に再解釈し、これまで服に隠されてきた筋繊維や骨格を、パターンやパイピングに組み込むことで可視化した。　会場に展示された二体の人形は、アスリートが「ゾーン」に入る瞬間を「身体と意識の融合」として示す一方、身体と意識の分離を暗示する「幽体離脱」として提示され、対極的な状態を描き出した。森川氏はこの二つの状態を対比させることで、スポーツウェアが人間の意識と身体を一致させパフォーマンスを高めるための装置であることを示しながら、同時に「可視化できない精神とは何か」という問いを投げかけている。　さらに映像演出では血液や細胞のイメージが差し込まれ、人間の原始的な「狩り」の記憶までも呼び覚ましていた。肉体を動かすという点で、スポーツと狩りは同じ行動原理に基づくものだと示唆しているのである。　HUMMELが掲げる「Change the World Through Sport」という理念は、肉体的なパフォーマンスの追求にとどまらず、心の変化や人々を奮い立たせる力を信じている。森川氏はその内面的な側面をコレクションに映し出し、テクノロジーを駆使しつつ、あえて「人間らしさ」を際立たせた。　この姿勢は、「クリスチャンダダ（CHRISTIAN DADA）」時代にも通じている。当時は装飾を反抗の象徴として用い、モードの美しさと、着る者の葛藤やアイデンティティの揺らぎを映し出していた。衣服を通じて形のあるものから形のない感情を伝えているのである。また〈Pilgrimage（巡礼）〉と題したコレクションでは、仏教の精神性をモチーフに据えており、森川氏の関心が一貫して人間の内面に向けられてきたことがわかる。　今期のコレクションは、スポーツブランドの理念と森川氏自身の創作哲学が響き合ったものだ。布という具体的な形を通じて、人の内面や背景を映し出しており、前ブランドを知る私の目からは、HUMMELと森川氏の序章が始まったような景色に映った。 　話は戻るが「空」とは、すべてのものごとに実体はなく、個々の関係性の中でしか存在しないという考えだ。テクノロジーが世界をデータ化し、あらゆる事象を数値に置き換えようとするとき、この「空」の感覚は、むしろ人間の側にしか残らないものとして浮かび上がる。　テクノロジー社会が「可視化」「数値化」を追い求める中で、不可視であり、数値化できない人間の精神を可視化しようとする表現は、現代において抵抗になる。ファッションの中で精神性を纏うことは、人間にしかできない「不完全さの価値」を取り戻す営みなのだ。　落合氏と森川氏が共通するのは、先端技術を駆使しつつも「情報化されていく肉体」を見つめながら、その先にある精神性を問うている点である。そして両者の表現は、純粋なアートにとどまらない。落合氏の作品は万博という国家的イベントに、森川氏のコレクションは商品として市場に流通する。つまり、制度や市場という枠組みを通じて、私たちの存在そのものを問い直しているのだ。　デジタル化がさらに加速し、人間を「情報化」し「商品化」する時代。私たちはいかに人間であり続けられるのか。ファッションもアートも、その切実な問いから逃れることはできないだろう。

HUMMEL 00

森川マサノリ氏、スポーツウェアで「人間とは何か」を問う

　文字通り流れる如き展開。動きが生み出すワルツの律動。漸次移り変わる服地のしなやかな表情。こうした抒情的な設定は「ハルノブムラタ（HARUNOBUMURATA）」ワールドの定番。気品のある拵えと云う結構も、既に手の内に入れてある道具立てのせいか、終始、滑らかに流れる感じがする。たとい2000年代前半の欧州のラグジュアリーブランドの影響が見られたとて、既視感を追い払うだけの充分な咀嚼力がある。とりわけ今季の創作は涼やかだ。後述するけれど、彼の創作は、眼に見えないほどの一本の糸で繋がれている。　陰影のもたらすゆかしさを感じる。たとえば、透明感のある色彩が交叉する澄んだ空気の印象。浅瀬に流れる水の音のイメージ。陽の光に反射する水飛沫の煌めき。花弁に零れる朝露の儚さ。八重にかかる朝霧のおぼろな情景。鬼百合のグラマラスな造形。朝まだきの庭園のすがすがしい景色を創作イメージの遠景として、我々を育み、恵みを与える自然の豊かさと神秘を彷彿させるモチーフが服の設計と細部に織り込まれている。この場合、古来の日本庭園が望ましいが、特段その様式にこだわるよりは、噴水や花壇、池泉や東家などを設えた情趣のある架空の庭園の全景を想像して欲しい。　円熟した大人の語り口とまではいかないけれど、村田晴信の創作は瑞々しい抒情性を湛えている。と云ったとて、湿っぽさは微塵もない。女性たちは、自慢のボディーラインを見せるために、窮屈な仕立て服を我慢したり、逆に、慎み深く全身を覆い隠したりする必要などはない。村田の特有の優雅さを身に纏えばいいのだ。このことは以前も云ったけれど、軽やかで綺麗な服を演出するブランドの居場所がなくなってしまった今の東京のファッションウイークに於いて、村田の意志は貴重な存在だと思う。それほど引き出しが多くはないようだから、大胆なシーンチェンジは望めないが、何も、立ち合いで、すばしこく変わり身を打つことだけが目新しさではないのだから、そのあたりの土俵勝負の呼吸は、本人がいちばん承知しているだろうし、外野がとやかく口を挟むべきことではない。　これは私の勝手な想像なのだけれど、彼は縫い目を一本取るかどうかで、何時間も、或いは、何日も悩み続ける男なのだと思う。その仕事ぶりは、ファッション界の古典主義者さながらだ。彼の作品がミニマルならば、ミニマリズムには思想とアイデアがギッシリと詰まったものでなくてはならない。密度の濃い仕事をしているのだから、ミニマムなデザインを手掛ける他のデザイナーと一緒くたにすることは、一つ一つの作品に込められた労力を侮辱することになる。私が行司ならば、ミニマリストよりもマキシマリストとしての彼に軍配を上げる。珍しく今季はデニム素材を大胆に取り上げている。一着毎に手仕事によりスモッキングされた布の質量は、洗いを掛けることで肌馴染みの良い風合いに仕上げた。彼のスタイルが微妙に進化を遂げたとしても、驚くに値しない。流行にしがみつき、シーズン毎にトレードマークを変えるようなデザイナーとはわけが違うのだ。　得てして一つのショーには、創作の「魔」が立ち上がる瞬間がある。見逃すことの出来ない瞬間である。村田の創作は、ジャポニスムとかシノワズリーとかのステロタイプ化した異国趣味とは一線を画するものだ。だが、和的なファンタジーがちらりと覗く瞬間がある。服に擦り込まれた「和」とか、幻想的な「和」は、我々がそれと気が付かないほどの巧妙さでうっそりと立ち上がり続けている。「洋」の服を題材にしているが、村田は、豊かな奥行の精神と、極めて日本的な美の本質を自らの創作の拠りどころにしている。「和」と云う直接的な主題に共鳴することはなくて、もっと枝葉末節の、皮膚感覚に近い部分での共鳴である。しかし、思慮深き読者には、主題と枝葉末節は、実は等価であると云う事実を再認識するはずである。さて、一見、途切れているように思える糸をしっかりと見ることが出来るか。試してみる価値はある。（文責/麥田俊一）

HARUNOBUMURATA

Fashion

モードノオト2025.09.02

　ファサードを手掛けたのは、日本を代表する建築家の青木淳。澄んだブルーのグラデーションと、なめらかな曲線を描くデザインが目を引きます。創始者の息子であるルイス・コンフォート・ティファニーの代表作の一つ、精巧なステンドグラスのテーブルランプ「ウィステリア」からインスピレーションを得たそう。このランプは、店舗3階のハイジュエリーコーナーに本物がディスプレイされているので探してみて。　店内デザインを手掛けたのは、現代建築の巨匠ピーター・マリノ。各フロアで異なるインテリアからディスプレイ、顧客専用15室のVICエリアに至るまで、調和と美しさが訪れる者の心を躍らせます。B1階─ダイヤモンドジュエリーのタイムレスな輝きを堪能　地下は繊細な輝きのダイヤモンドジュエリーを集約したフロア。「ティファニー ビクトリア™」コレクションや、ジャン・シュランバージェによるダイヤモンドジュエリーが並びます。日本の折り紙を連想させる天井装飾にも注目。　イギリス人アーティストのダミアン・ハーストによる作品「ティファニー スパーブ」は必見。ティファニー ブルーを思わせるキャンバスに鮮やかな蝶が舞う現代アートが、エレベーターホールで存在感を放ちます。フロア内には、ピーター・マリノによるオードリー・ヘップバーンを題材にした作品も。　フロア間の移動は、エレベーターだけではなく階段もおすすめ。壁面が皇居の二の丸庭園を再現したアートキャンバスとなり、没入空間が広がっています。咲き誇る花々と、鳥や蝶を表現したジュエリーが羽ばたく映像を、最新のデジタルサイネージで色鮮やかに表現。各階で異なるデジタルアートを見ることができます。1階─ティファニーを代表するコレクションが一堂に　エントランスフロアの1階は、ブランドを代表するアイコニックなコレクションがお出迎え。「ティファニー ロック」から「ティファニー ハードウェア」、ファレル・ウィリアムスとのコラボレーション「ティファニー タイタン by ファレル・ウィリアムス」まで、多彩なデザインがずらりと並びます。　壁面を彩るのは、イタリア人アーティストのミケランジェロ・ピストレットが手掛けたアート作品「カラー アンド ライト」。鏡を使った絵画が有名なアーティストによる、さまざまなブルーをふんだんに取り入れたミラーペインティングが、ジュエリーの輝きを映し出します。　ダイヤモンドカットをイメージしたショーウィンドウには、ジャン・シュランバージェの希少なアーカイヴ ネックレスを展示。ダイヤモンドのまばゆい輝きとクラフトマンシップあふれるデザインに目を奪われます。 2階─日本の伝統美が溶け込む洗練のラグジュアリー　2階では、ティファニーが支援している金沢の金箔職人が手作業で施した「縁付金箔」の天井装飾に注目。また、2つの円形ディスプレイの中央に鎮座する、フランス生まれの彫刻家アントワーヌ・ポンセによる大理石のオブジェが神聖な佇まいを見せます。　壁に設置されたショーウィンドウには、アーティスト楠本真理子によるオーガンジーで繊細に仕立てた菊や竹とともに、連動するデザインのアーカイヴピースをディスプレイ。ジュエリーが幻想的に浮かび上がるレイアウトは、まるでアートピースのよう。　VICルームは全て異なるデザインで、日本人アーティストの上條晋によるグラフィカルな抽象画「ザ チル」が展示されている部屋も。作品のモチーフとフラワーベースに飾る花をリンクさせるなど、統一されたレイアウトが特徴です。　奥に進んだ先は、国内最大規模のウォッチギャラリー。ここで見逃せないのは、タイタニック号関係者の遺品として知られるティファニーの懐中時計です。沈没事故の生存者である3人の女性が、乗客を救った客船カルパチア号のアーサー・H・ロストロン船長に対して感謝の意を込めて贈ったという逸品。　同じフロアには、ブランドを代表するデザイナー、エルサ・ペレッティのコーナーも。有機的なフォルムのジュエリーコレクションにリンクするディスプレイにも注目して。3階─伝統と革新のマスターピースと出会う　オリエンタルなムードを織り交ぜた2階から一転、3階はシルバーの煌めきと柔らかなピンクを基調にしたエリアが広がります。ここにはブライダルジュエリーをラインナップ。エンゲージメントリングの代名詞として知られる"ティファニー® セッティング"の特別なアーカイヴも展示しています。6本の爪でダイヤモンドを支えるデザインはそのままに、1906年製のティファニー ブルー ボックスの中で輝き続けるリングから、ティファニーの長い歴史に思いを馳せて。　その奥は、圧巻の造形美が魅力のハイジュエリーコレクションのエリア。ジャン・シュランバージェによるマスターピース「バード オン ア ロック」をはじめ、最新作「ブルー ブック 2025」コレクションを展示。16ストーンのイエローダイヤモンドピアスとネックレスといった同店限定のハイジュエリーも取り扱っています。ジュエリーのモチーフとなっているトンボやバタフライ、バードなど、ニューヨークのグランドセントラル駅から着想を得た金箔の天井装飾もお見逃しなく。4階─世界観に心ときめくダイニングコレクションとカフェ　プレートやカップといったテーブルウェア、コーヒー＆ティーセット、ベビーアイテムなどが一堂に並ぶ4階へ。フロア中央で一際存在感を放つテーブルセットは、アメリカ人画家のジュリアン・シュナーベルによる作品。割れた陶器の皿を用いたアートが連動し、クリエイティブな世界観が広がります。　そして何といっても、注目は日本初のブルー ボックス カフェ「Blue Box Café by Natsuko Shoji」。オリジナルメニューを東京・代々木上原のフレンチレストラン「エテ（été）」のオーナーシェフ 庄司夏子が監修し、8月上旬のオープンが予定されています。　ジュエリーだけではなく、アートやフードといったカルチャーを織り交ぜた、唯一無二の空間。ティファニー上陸から50年の歴史と日本との絆を、この先の未来へと引き継ぐフラッグシップストア「ティファニー 銀座」で、あなただけの特別な体験を。◾️ティファニー 銀座所在地：東京都中央区銀座六丁目9番2号オープン日：2025年7月11日（金） ティファニー銀座 特設ページphotography: Kiyotaka Hamamura, text: Chikako Ichinoi | edit: Chiemi Kominato, project management: Mizuki Okuhata (FASHIONSNAP)

ミュージアムのような「ティファニー 銀座」　アジア最大旗艦店の見どころは？

シンガーソングライターに憧れた学生時代　学生時代に憧れていたのは、デザイナーではなくシンガーソングライター。自分の内にあるものを形にして、誰かに共感されて、それを生業にすることが夢でした。私にとって、その理想系がシンガーソングライターで、椎名林檎、Chara、安藤裕子、aikoといった歌姫たちに憧れて、中学生の時には詩を書いて、高校生の時にはバンドを組んだりしていたけど、どんなに時間を費やしてピアノやギターに向き合っても、どうしても作曲だけが上手くできなかったんです（笑）。結局、シンガーソングライターになる夢は泣く泣く諦めることにして、次に夢中になったのが、絵を描くことでした。　高校では、美術部に所属。画家を目指していたわけではなかったけど、絵を描くことで自分のセーフティーゾーンを守れるような気がして、とにかく夢中でした。でも、高校卒業のタイミングで友達と作品展を開いた時、ギャラリーの人から「君は、君と同じような心情の人が見たら一瞬で泣くような絵を描いてるかもしれないけど、ノーマルな人にとっては何も感じない」と言われて。辛辣だし衝撃だったけど、すごく腑に落ちたんですよね。それまでの私にとって、絵を描くことは自分との対話でしかなくて「他者が見た時にどう感じるか」を考えて描けていなかったなって。　その言葉を抱えたまま、本屋にこもって画集や写真集を漁っていた時、絵本作家の荒井良二さんの作品に出合いました。幼い子が描いたような素朴な画風なのに、よく見ると深いメッセージが刻まれていて、目にした瞬間、思わずその場で号泣（笑）。負の感情を負のままアウトプットするんじゃなくて、幸せなものとしてパッケージングして届けるやり方があると気づかされたんです。どんなに鋭利で感傷的なテーマを内包していたとしても、「可愛くて綺麗」でコーティングすれば、広く受け手の心に響くかもしれない。辛い時に一緒に堕ちてくれる作品より、高揚感で震えるような作品こそ得難いんじゃないかと。自分もそんな作品を産み出していきたいと覚悟した瞬間だったし、今思えば、それが一つ目の人生の転機でした。今はもう名前も覚えていないあの時のギャラリーの店主が、厳しい本音をぶつけてくれたおかげで、今の方向性に目覚めましたね。原宿は戦場だった　ストリートスナップへの羨望　高校生の時、絵を描くことともう一つ、夢中になったのがファッション雑誌でした。小学生の頃はあゆ（浜崎あゆみ）の影響でギャルに憧れて「ポップティーン（Popteen）」を読んでいたけど、そのあとは「セブンティーン（Seventeen）」、落ち着きたくなって「ノンノ（non-no）」、お姉さん系にシフトしたくなって「ピンキー（PINKY）」や「キャンキャン（CanCam）」に移行して、最後に行き着いたのが、「ジッパー（Zipper）」や「キューティー（CUTiE）」「フルーツ（FRUiTS）」でした。中でも、一番影響を受けたのがフルーツのストリートスナップ。フルーツに登場するスナップはジャンルレスで、個性の振り幅もすごいし、モード系から姫っぽい人、ストリート系までいるじゃないですか。「服って、なんでもありなんだ」と教えてくれました。　高校を卒業してからは、福岡の大村ファッションデザイン専門学校（現・大村美容ファッション専門学校 ※2010年に大村美容専門学校と統合し、改名）に進学しました。ただ、「カルチャーの中心地は東京だ」と思っていたから、青春18きっぷで鈍行を乗り継いだり、夜行バスを使って、暇さえあれば東京や大阪に遊びに行っていました。九州ローカルのカルチャー誌「NO!!」（現在は休刊）のスナップやお部屋紹介のページで取り上げてもらったことはあったので、「東京に行くからにはFRUiTSの表紙に載ってこい」と、行きつけの古着屋の店主にも言われていましたね（笑）。当時の私にとって、原宿はまさに“戦場”。絶対に同じ服は着ていかないと決めて、毎回手作りと好きなブランドをミックスした“戦闘服”を着て上京していました。　当時はスナップサイトが全盛期。スナップサイトや雑誌のストリートスナップに載ることが私や作品を見つけてもらう手段でした。文化時代の友人に「兎（うさぎ）」と呼ばれていたことから、スナップを掲載してもらうときは「兎＠kanae」という名義を使っていました。その頃から「縷縷夢兎（rurumu:）」として服や小物を販売していたので、自分自身も変な名前で記憶と印象に残ることを重要視していましたね。 　爪痕を残すという意味では、ハンドメイドの名刺を作って、東京のショップやクラブで知り合った人、尊敬し会いたかった人に渡すようにしていました。福岡の専門学校時代、講師の先生から「大物の印象に残りたいんだったら、捨てにくい名刺を作れ」とアドバイスをもらったんです。その先生は自作のキーホルダーを名刺代わりにしていたのを見て、私もあえて捨てにくい名刺にすることでお店に置いてもらおうと考えたんです。10個くらい作って、手元に残ったものは今でも保管しています。　その甲斐あってか、原宿のショップ「the Virgin Mary」のオーナーの安理（田村安理）さんが高円寺でやっていたお店「CULT PARTY」では、名刺をきっかけに、私の作った服や小物を委託販売してもらうようになりました。安理さんは、その後もたくさんお世話になった、私の原点のような存在。ずっとブレずにカルチャーを作り続けて、周りから信頼されている姿を間近で見てきました。何を作る／選ぶ／提案する／売るにしても、「この人だから見に行く」とか「この人が選んだものだから」と興味を持ってもらえるような人間としての魅力が何よりも大切だということは、安理さんから学びました。常にブルーオーシャンを探していた　突破口になったニットとの出会い　19歳の春、ようやく文化服装学院に入学。実は、上京を決める前、文化に行くか、アントワープ（アントワープ王立芸術アカデミー）かセントマ（セントラル・セント・マーチンズ）に留学に行くかで迷っていたんです。海外でファッションを学びたい気持ちもあったけど、福岡にいるだけじゃ日本のストリートカルチャーの源流を知ることはできないし、いざ海外で日本のファッションについて聞かれても答えられないと思って。それなら、まずは東京で日本のカルチャーを吸収しよう、と上京を決めたという経緯があります。　入学当初の私はありえないくらい尖っていて、文化は「ハンター×ハンター（HUNTER×HUNTER）」のハンター試験みたいに、全国から奇抜な精鋭たちが集まってくる場所をイメージしていたけど、いざ入学して周りを見渡してみると、意外とみんな普通で拍子抜けでした。「服が好きだからなんとなく」「勉強しなくても入れるから」を理由に来ている子もたくさんいて、肩透かしを食らった、という感覚が一番大きかったです。何様なんだって感じですけど（笑）。私は入学式には自分で作った服を着て、人形を頭に乗せたり抱えたりして挑んだので、明らかに「話しかけちゃいけない人」状態だったとは思うんですけど、「え、なんで私に話しかけてこないの？ 私、多分このクラスで一番面白いけど」みたいな恐ろしいマインドでしたね（笑）。　当時は、どんな職業に就くのか手探りの状態だったので、極力、内申点を良くしたくて。課題は必ず期限内に凝りに凝って提出するし、よく「東さんみたいなポートフォリオを作りなさい」と見本にされたりしていて、入学して数ヶ月は優等生タイプだったと思います。でも、いざ将来について考えたとき、自分はパターンもミシンも苦手なことに気が付いたんです。文化出身で活躍している先輩デザイナーは、パタンナーを経て独立するという流れが一般的だったので、「私にはパタンナーは無理だ」と気づいた瞬間、自分の中で"就職"というルートが完全に閉ざされたんですよね。入学して数ヶ月、夏休みを迎えた頃でした。　ちょうどその頃、もう一つ転機となる出来事がありました。当時は「縷縷夢兎（rurumu:）」として、何店舗かに委託販売していた頃だったんですが、あるショップのオーナーさんに「お客さんから、東さんのブランドと他のブランド、どっちがどっちか分からない。同じブランドじゃないの？と言われた」と言われて、それがすごくショックだったんです。私は“まだこの世にないもの”を生み出そうと作っていたのに、側から見たら“すでにこの世にあるもの”だったんだということを思い知らされて、一旦、縷縷夢兎をストップすることにしました。　その後、2年次からはニット科に進級。元々、1本1本毛糸を混ぜて色を作っていく作業が、絵の具を混ぜて絵を描くのに近い感覚で好きでした。当時はガーリーかつ私が得意なサブカルチャーの要素を織り交ぜたニットの表現をしているブランドはほぼいなかったので、ニット科の恩師にも「その方向性で頑張りなさい」と背中を押してもらい、ブルーオーシャンを探していた私にとって突破口になったし「ようやく自分らしい表現ができる方向性を見つけた」という感覚でしたね。ニットでいこうと決めてからは、一度ストップしていたブランドをリブランディングして、今の「ルルムウ（rurumu:）」の元となる服作りを始めました。校舎の12階から見た“上京”の景色　文化で過ごした学校生活の中でも特に思い出深い場所が、12階の学生ホール。12階は学生たちが集まって課題をやる場所になっていて、みんな遅い時間まで残ってパターン用紙を広げていました。私も当時、2日に1回は学生ホールに来て、終電ギリギリまで課題をやっていました。21時くらいになると一回消灯するんですけど、灯が消えても、携帯の灯りとか自販機の灯りを頼りに地道に続けていたのが懐かしいです（笑）。最後は見回りの警備員さんが来て、「早く出ろ」と怒られて帰る、という流れが日常でした。　12階からの景色は、私にとって「上京」を感じる絶景だったんですよ。映画「ロスト・イン・トランスレーション（Lost in Translation）」の劇中で主人公のシャーロットが「パークハイアット東京」の高層階から見下す景色が、私がイメージしていた“東京の景色”で。文化の12階から一望できる東京は、その景色に似ていたから「今、東京にいるんだな」「来てしまったんだな」と、センチメンタルな気分に浸れる場所でした。この景色見たさに、いつも窓際の席を狙っていたのを覚えています。“若気の至り”という名の爆発を経て　思い返すと、高校時代から今まで、なぜかわからないけどずっと生き急いでいました。自分がやりたいと思ったことはまずやってみるし、向いていないと感じたら諦めて、次にいく。文化に行くと決めた時も、誰にも言わずに勝手に調べて勝手に受けて、受かったら上京を決めて。常に事後報告だし、有言実行ではなく不言実行をするタイプでした。そっちの方が恥をかかないっていうだけなんですけどね（笑）。学校の先生からは「東さんには何を言っても聞かないから、言ってもしょうがない」と言われてきたし、多分、親も同じように思っていたと思います。　自分の進路で悩むことも、あまりなかった気がします。私の脳は都合の良いようにできているので、自分にとって必要のないことや嫌な気持ちになることがあったとしても、すぐに忘れちゃうんですよ（笑）。それって私にとってはすごく大切な処世術のようなもので、中学生くらいの時からずっとそうでした。その反面、人から言われて「これは忘れない方がいいかも」と思ったことはずっと肝に銘じるようにしています。高校時代に辛辣なマジレスをしてくれたギャラリーの人のように、誰かに言われて自分の中で生きている言葉はたくさんありますね。18歳で親元を離れて、身近に叱咤激励してくれる人がいる環境じゃなかったからこそ、自分に学びを与えてくれる人と意図的に一緒にいるようにしていたのかもしれないです。私はずっと若気の至りという名の爆発ばかりしてきたけど、一応、素直ではあったんですよ（笑）。尖ってはいたけど、正しい指摘をされたら1回受け止めて、自分の中に落とし込んできた実感があります。　だから、上京したてで新しい生活に悩んでいる学生に何か伝えられることがあるとしたら、福岡の専門学校時代、講師の先生に言われたことを思い出します。「今は数十人が同じクラスにいるけど、10年後に一緒にいるのは1人か、多くても2人くらい。だから、馴染めないことがあったとしても何も気にしなくていい。“何者かになりたい”“夢を叶えたい”と思っているなら、周りと同じことをしていても叶えられるわけないし、馴れ合いが一番無駄」という言葉（笑）。冷めているかもしれないけど、当時その言葉を聞いて深く共感したし、スッキリした気持ちになったんです。　私は、昔からずっと「学校はあくまでもランダムにチョイスされた人間を収容する箱」くらいにしか思ってなくて、気が合う人がいたらラッキーくらいの感覚で期待せずに生きてきたので、行きつけの古着屋や好きな音楽のイベントとか、学校外で知り合った趣味の合う子と遊ぶことのほうが多くて。趣味嗜好の範囲が広くないので、話が通じる友達はすごく貴重で、面白くて刺激的な少人数との密度濃い時間が必要なタイプだったんです。友達という形に固執していなかったから、別に「みんなと仲良く」とかは一切してこなかった。けど、それでいいじゃないですか。やりたいことがあって上京しているなら、導きをくれる先輩たちの叱咤激励、そして沢山の挫折と立ち直りを繰り返すことが何より大事。興味の矛先は沢山あって良いし、迷っても良いので、自由な直感を信じて、素直に実直に、色んな扉を叩いて進んでみてほしいです。◾️あの人の東京1年目第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第3話：アンジュルム 佐々木莉佳子と赤羽橋第4話：オカルトコレクター  田中俊行と清澄白河第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第6話：俳優  佐藤二朗と東京第7話：俳優 髙石あかりと高井戸第8話：エバース 佐々木隆史と上石神井第9話：デザイナー 東佳苗と新宿（文化服装学院）第10話：俳優 光石研と原宿・下北沢

rurumu:

Culture

【あの人の東京1年目】デザイナー 東佳苗と新宿（文化服装学院）

秘密基地を探した幼少期、夢はずっと「俳優」　私が生まれ育った宮崎という場所は、人と人との距離がすごく近かった。近所の人と会ったら必ず挨拶するし、「秘密基地を探す！」と言って、友達と探検に出かけたりするような活発な幼少期を過ごしていました。屋根の上に登って、家から持ってきた布団や毛布をそこに敷いてみんなで寝たりとかして、よく怒られてました（笑）。　兄が1人いるんですが、昔から友達みたいな関係性で。2人で旅行に行ったり、よく電話したりするくらいすごく仲が良いです。　将来の夢は、本当に物心ついたときから「俳優」でした。保育園の頃にテレビドラマ「花より男子」を観て、井上真央さんに憧れて。それからずっと、俳優になりたいと思い続けていました。上京して過ごした思い出の街、高井戸とみずほ台　元々小学生のときに地元のダンススクールに通っていたのですが、そこに貼られていたポスターを見て、2014年に自分の意思でエイベックス主催のオーディションを受けて賞をいただいたことが、芸能活動の始まりでした。　芸能活動のために宮崎と東京を行ったり来たりする生活をスタートしたのは、中学生の頃。東京では高井戸に住んでいたので、当時は井の頭線によく乗っていた記憶があります。 　その後、高校生になって本格的に一人暮らしを始めたとき、最初に住んだ街は埼玉のみずほ台。当時の私はよく電車に忘れ物をしてしまって、その度に毎回駅員さんのところに行っていたので、「ああ、また君か」みたいな感じでした（笑）。好きだからやっていただけで、「努力をした」という感覚はない　「好きだからやる」「楽しいからやる」みたいな気持ちが強かったので、俳優になるために「努力をした」という感覚は、自分の中ではあまりなくて。例えば、上京した当時はいろいろな台本をネットで探して、ひたすら読んだり演じたりしていました。もしかしたら、それは他の人からすると大変なことなのかもしれないですが、私にとってはものすごく楽しかったんです。　ひとつひとつの役にはそれぞれの感情があるので、いくらレッスンしても、必ずしもそれが現場でできるわけじゃない。レッスンで身につく“技術”ももちろん大切ですが、最終的に必要なのは、役とどう向き合うかという“心”だと思っています。それは経験でしか養えないものなので、「とにかく経験を積むしかない」と途中で諦めがついた部分もありますし、それによって得られたものもたくさんありました。　同じように、「もっと深みのある芝居がしたい」、他の俳優さんの演技を見て「あんな表情をしたい」と思っても、年齢を重ねなければできないことも多くて。でも、私は望みを捨てないし諦めないタイプなので、昔から「どうにか土俵に立ちたい」「早く大人になりたい」と思いながら、ずっとやってきました。　これまで、お芝居をする中で壁にぶつかることは何度もありました。でも、監督さんから演技に対して「違う」と言われたときには、どうしても自分だけでは解決できない部分もあるので、何が「違う」のかを直接聞いて、少しでも“正解”に近づけるようにしています。　一方で、自分との間にある壁については「仕方ない」と考えるしかないと思っていて。自分では「納得できない」と思っても、監督さんが「良い」と判断したのであれば、それが一つの答え。それで実際に作品を見てみると、意外とすごく良かったりすることもあるんです。だから、OKが出たお芝居に対して自分が納得できていないのであれば、悔しいという感情は大切にしながらも、「次、頑張ろう」と気持ちを切り替えています。　だけど、基本的に私は壁にぶつかることが好きなんです。だって、「できた」と思ってしまったら、もう面白くないじゃないですか。お芝居はわからないことだらけで“正解”も全然ないからこそ、すごく楽しくて。だから、俳優やお芝居の仕事は自分にすごく合ってるんだろうなと思います。昔と今で変化した、“服”との向き合い方　学生時代は、黒いジャケットやオーバーサイズのロングコートを着たりと、結構大人びたファッションが好きでした。当時は、自分の気持ちを上げてくれる「ファッション」というものにすごく助けられていた部分があったし、正直今よりもお洒落だったと思います（笑）。日本の雑誌よりも海外のファッション雑誌に載っているようなスタイルが好きで、そういう服を扱っているセレクトショップで買い物をすることも多かったです。　今は、衣装として素敵な服を着せていただく機会が増えましたが、着るとやっぱりぐっと気持ちが上がります。そして、作品では役に入るために“服の力”がすごく大事なんです。衣装を通して「この人はこういうタイプだったんだ」と役を知る助けになることも多いですし、私自身も服を着ることで雰囲気が切り替わりやすいタイプで。だからこそ、今は衣装を着たときにそれが“スイッチ”になるように、普段は自分が素でいられる服を選ぶようにしています。 「他人にも自分にも“思いやり”を持っていたい」　上京してからこれまで、人との出会いにはすごく恵まれているなと感じています。今お仕事で日々関わっている皆さんも本当に良い方たちばかりですし、特に、家族以上に多くの時間を共にするマネージャーさんの存在は大きいです。今のマネージャーさんとは出会ってから5年以上が経ちますが、時には厳しく、時には優しく背中を押してくれる愛情深い方。俳優としても、一人の人間としても育てていただいたので、感謝しています。　私は結構誰とでも仲良くなれるタイプではあるのですが、「友人は無理して作らなくていい」と考えていて。「仲良くなる」というのは、必ずしもプライベートに踏み込む必要はなくて、リスペクトし合える関係性の中で「お仕事として仲良くなる」というのも素晴らしいことだと思うんです。私もプライベートの友人は少ない方ですが、自分にとっては今の状態がすごく心地よくて。だから、「友達を作らなきゃ」と無理している方がいるなら、「こういう人もいるよ」と伝えたいです。　よく「自分と似た人が集まる」と言ったりしますが、信頼できる良い友人や仲間に出会うためには、まずは自分自身が幸せにハッピーに生きることが大切なんじゃないかと思います。そうすれば、自然と良い人たちが近くに来てくれるような気がします。　そして、私は周りの目線を気にするのをやめたことで、「自分らしさ」を手にすることができたと感じていて。私にとっての自分らしさは「思いやり」。他人に対してはもちろん、自分に対しても思いやりを持っていたいと思っています。私も俳優のお仕事をしていく中で、正解がないことに悩んだり迷ったりすることもたくさんありますが、そんな自分のことも受け入れながら、日々少しずつ学び、進んでいるところです。◾️あの人の東京1年目第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第3話：「アンジュルム」佐々木莉佳子と赤羽橋第4話：オカルトコレクター  田中俊行と清澄白河第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第6話：俳優 佐藤二朗と登戸第7話：俳優 髙石あかりと高井戸第8話：エバース 佐々木隆史と上石神井第9話：デザイナー 東佳苗と新宿（文化服装学院）第10話：俳優 光石研と原宿・下北沢ドレス 13万7500円／seya.、イヤリング 1万8700円／SAFON､ネックレス 1万6500円／YArKA､ブレスレット 1万8700円／four seven nine､リング 3万9600円／O-KI（ジュエリーは全てロードス）、その他スタイリスト私物styling: Kenshi Kaneda, hair & makeup: Aya Sumimoto | photography: Hikaru Nagumo(FASHIONSNAP)

【あの人の東京1年目】俳優 髙石あかりと高井戸

アンドレアス・ムルクディス氏にインタビュー

ベルリンのクリエイティブシーンを牽引するショップオーナーが語る、“東京のファッション”の魅力と課題

──長年グラフィックアーティストや写真家として活動したモクさんは、なぜフレグランスブランドを立ち上げたのでしょうか。　ファッションや音楽業界のクライアントのためにフリーランスとして長く働いたのですが、個人的な作品やブランド運営への渇望を抱くようになりました。同時に、“完全な自由”を求め、自然な成り行きで写真の仕事に取り組み始めたんです。一方で、デザイナーとして企業経営や販売の経験がない中で、どのようなブランドを作れるか、長い間考えていました。　どんなブランドにするか、さまざまなアイテムを検討する中で、フレグランスに惹かれたのです。香りは製品の品質だけでなく、抽象的な言葉やイメージを通じて表現し、お客さまに感覚を伝える方法としても重要であることに魅力を感じました。私はそのような仕事をずっとしてきたので、自信もありました。フレグランスが、その日のルックやスタイルを完成させるアイテムとして、ファッションと共通点を持つことも魅力に思えたんです。──フレグランス自体には、もともと興味があったのでしょうか。　香りは常に記憶の中に存在し、特定の時間に連れ戻してくれるものですよね。子ども時代、青春時代、学生時代、旅の思い出など香りは常に“媒体”として私と共にあり、それらの記憶を思い出すために、香り関連の製品を集め始めたのが興味を持ったきっかけだと思います。今では、どこへ行くにも、空間と時間を記憶するための手段として、香り関連の製品やアクセサリーを集めているんです。モク氏が旅先で撮り溜めた写真の数々①──特別な思い出のあるフレグランスはありますか？　季節や天候、その日の感情によってさまざまなフレグランスを使い分けているのですが、もし飽きることなく、時代を超越した香りを1つ選ぶとすれば、「フレデリック マル（FREDERIC MALLE）」の「ムッシュー」を思い浮かべます。今シーズンのお気に入りは「ディーエス＆ダーガ（D.S.&Durga）」の「カウボーイグラス」。個人的に、特別な思い出があるものは、「マドエレン（MAD et LEN）」の「テレノア（TERRE NOIRE）」です。──ブランド名「ペサドゥ」やコンセプトは馬術からインスピレーションを得ていますね。乗馬や馬術には昔から親しんでいたんですか？　いくつかのレースを体験したり観戦したりしましたが、馬術文化に深く関わったことはありません。ここはシンプルに、完璧な強さと優雅さを兼ね備えた「ペサード（馬術）」の姿勢に魅了され、それをブランドに結びつけようと考えたんです。私が追求するブランドのエッセンスに、最もマッチする言葉とブランド名だと。「ペサドゥ」という語は、馬が胴体を地面から45度以上の角度で持ち上げ、前足を体とともに引き上げる馬術のテクニックにヒントを得た。古代ギリシャの乗馬術（魔法の馬場馬術）に由来するこの動作は、肉体的な優雅さと精神的な精密さの融合を表す。──ブランドのヴィジョンは、「香りを通じて人々が内なる強さと可能性を発見し、身近な瞬間を新たな視点で見て、日常を非日常的な体験に変えるのを助ける」と述べています。これはどういうことなのでしょうか。　香りが持つ機能性から紐解くことができると思います。フレグランスは、その日の心構え、キャラクター、姿勢を作り上げる際に、外見的なスタイリングではなく、形のない香りを通じて、統一された雰囲気を作り出せるもの。ペサドゥもこれを手助けする役割を果たせればと思ったのです。ペサドゥの香りが人々の内面的な自信を取り戻し、新たな可能性を発見し、日常生活の中で特別な体験をする経験に寄り添いたい、という願いを込めています。──モクさん自身は調香師ではありませんが、クリエイティブディレクターとして香りの開発プロセスにはどのように携わっているのか教えてもらえますか？　最も重要な側面は、香りがペサドゥが追求している全体的な方向性と一致しているかどうか。これを達成するために、私自身は主にメインアコードの設定と、香りの初期基盤の構築に集中しています。調香プロセス全体を通じて、各チャプターで特集される3つの香りが調和し、つながるように調香師と緊密に協力しています。Chapter Ⅱ - Strange Odyssey -　現在、香りのコレクションはChapter I からChapter IVまで展開。各チャプターごとに3つのフレグランスを発表し、バランスを保ち、調和を奏でるな香りを組み合わせている。──新しいチャプターのコンセプトのインスピレーションは？　最も私的で大切な思い出です。もうひとつのインスピレーション源は、写真の仕事をする中で出合った、さまざまな群衆や風景、そして途中で出会った人々です。それから、子どもの頃に楽しんだ現代アーティストや古い映画、音楽、絵画なども。それらを記録し、収集していくことで、新しい香りのヒントを得ています。──今現在、モクさんにとって香りやクリエイティブコンセプトにヒントを与えてくれる国や場所はどこですか？　ペサドゥのエキゾチックで現代的な香りに影響を与え、頻繁に訪れる都市はマラケシュ、ベルリン、シチリア、京都。これらの都市の魅力と、私の記憶はペサドゥの香りを特徴づけるものなんです。モク氏が旅先で撮り溜めた写真の数々②──長らく幅広いデザインに携わってきたモクさんが、ペサドゥの“デザイン”で重要視していることは何ですか？　ペサドゥは、典型的ではなく既存の古びたマニュアルに従わない意外性や、ペサドゥという名前から来る完璧なバランスとパワーに焦点を当てています。それから、“言葉”という素材も積極的に活用して、ミニマルでありながら“時代を超越した”デザインを目指しているのです。──過去のインタビューでは、「アナログ要素に惹かれている」とおっしゃっていました。ペサドゥにおいて、アナログ的な感覚は反映されているのでしょうか。　まず、パッケージングに表れているでしょう。便利なデジタル印刷方法から離れ、シルクスクリーンやレタープレス、手作業によるステッカーの貼り付けといった、手作りの技法を取り入れています。キャンペーンやイメージについても、可能な限りフィルムを使用していて、アナログ時代の感情や記憶を呼び起こすよう努めています。 ──ローンチから3年で急成長しています。成長の転機は何だったと考えですか？　ローンチから1年後に最初のフラッグシップストアを漢南にオープンしたことが最も重要な転機でした。私たちは資本が少なくマーケティングもあまりできなかったので、オフラインでの展開こそがブランドをお客さまに紹介し、コミュニケーションを取る唯一の方法だと考えていました。店舗設計は、以前の職業的強みを活かし、すべてを自分たちで行いました。ありきたりなインテリアやグッズのようなものを作りたくなかったので、私がインスピレーションを受けたフォトアルバム付きのフレグランススタンドを使用したり、長年の友人であるアーティストのイ・グァンホと協力して店内に大きなテーブルを作ったり、さまざまなことに挑戦しました。それから、マラケシュと日本にインスパイアされた植物も。これらの要素がペサドゥの雰囲気を作る上で重要な役割を果たし、これに興味を持ったお客さまを通じて、メディアや海外にも知られるようになりました。──海外初の常設展開として日本を選んだ理由は何でしょうか？また、今後の日本展開の計画を教えていただけますか？　個人的に、私のお気に入りの場所が日本なんです。地理的に若い頃からよく訪れていた国ですが、もちろんすべてを理解できるわけではありません。それでも、日本の感性と文化の影響を受けて育ちました。ブランドを立ち上げて以来、海外で店舗を開くことを最初に考えた場所が東京だったので、その目標を早く達成するために努力したんです。　特に東京はアジアの都市の中で最もグローバルな都市だと思いますし、ペサドゥ独自のブランディングと製品の詳細について学べる場所だと考えています。東京のポップアップから始め、日本全国に拡大してペサドゥの香りを紹介したいと思っています。店舗だけでなく、展示会やそのほかの形でお客さまと会うために、パートナーとも計画を立てています。──韓国の美容業界はスピードの速い市場として知られています。そのような変化の激しい環境の中で、ブランドの独自の世界観をどのように維持し、成長させているのでしょうか。　自分が何者であるかを知り、自分自身に最も集中するよう心がけています。どのようなブランドを作りたいのか、どの方向に進むべきかを常に自問し、自分の個性が際立つように可能な限りすべての仕事のプロセスに参加するよう努めています。急速に変化し、トレンドに敏感な市場では、クリエイターの個性がブランドにどれだけ表現されているかが生き残るための最も重要な要素であり、これらの要素が集まってブランドの独自性と差別化を生み出し、ユニークなストーリーテリングを創造すると思っています。同時に、ブランドの方向性に合った市場とお客さまを見つけ、継続的な関係を構築することも必要だと考えています。──最後に、今後の製品発売予定と、ブランドのヴィジョンについて教えていただけますか？　私たちの最大のヴィジョンは、グローバルな“調香ハウス”になること、ペサドゥのブランディングを理解し好きになってくれるお客さまにもっと出会うこと、彼らを満足させるために製品力とブランディングを継続的に発展させること、そして高品質なブランドとして確立することです。　発売に関しては、9月中旬にフィレンツェで開催されるフレグランスの展示会で、ペサドゥのアイデンティティをテーマに進められている新しいチャプターを紹介する予定です。また、夏前に新しいハンドウォッシュを発売します。　今年はヨーロッパ市場への本格的な進出のためにイタリアの拠点整備を進めていて、日本市場ではペサドゥの雰囲気に合った空間を通じて、日本のお客さまと継続的に出会えるよう計画しています。

Beauty

目まぐるしい韓国美容業界で大切なこととは？

スロウでアナログな韓国フレグランス「ペサドゥ」　クリエイティブディレクターが魅力を語る

密着 1月25日：パリ・ヴァンヴ蚤の市とコッキのクリエイションの関係性　パリコレ（パリファッションウィーク）期間中の2025年1月25日、フランスはパリ左岸で開かれるヴァンヴ蚤の市の会場に「コッキ（KHOKI）」のブランドディレクター Kokiの姿はあった。名古屋のセレクトショップ「キンク（kink）」のオーナー安田茂と共に、毎シーズン足を運ぶという蚤の市には、コッキのクリエイションに通じるものがあるようだ。　パリ市内には主に3つの蚤の市（フリマ）がある。最大規模のクリニャンクール蚤の市（サン・トゥーアンの蚤の市）、日用品の多いモントルイユ蚤の市、そしてヴァンヴ蚤の市だ。「ピュス・ドゥ・ヴァンヴ（Porte de Vanves）」駅を降りたところにあるヴァンヴ蚤の市は3つの中では最も規模が小さいが、その分治安も良く、路上での宝探しにもってこいのフリマで、Kokiはパリで展示会をする際にはヴァンヴとクリニャンクールに訪れるという。実際に、蚤の市で撮影した写真をプリントしたアイテムを展開したりと、コッキのデザインに蚤の市での体験が反映されることもあった。　「用途不明な、自分の頭の中にないものがここにはある」。Kokiにとって今回で4回目となったヴァンヴ蚤の市は、あいにくの雨で古着の出品は少なかったが、カトラリーや絵画、人形、オブジェ、カセットテープ、仮面、カメラ、アクセサリーなど多種多様なものが販売されていた。「欧州だけでなく、アフリカやアジアのカルチャーが入り混じるこの空間に、温かみを感じ落ち着く感覚を覚えます」。そういうと、Kokiは見知らずの家族の姿がおさめられたネガフィルムを手に取り、「なんかいいですよね、この写真」と目を輝かせる。　蚤の市には実用性はないが、魅力的に映る品々が多い。トランプの絵柄が入ったサイコロは、出品者に聞くと、どうやら振って役を作り、ポーカーとして遊ぶものらしい。ポーカーをしないKokiだが、そのデザインの面白さから購入を決めた。　コッキのクリエイションは、アメリカンキルトの素材使いやインドの手刺繍など、クラフト感や温かみが特徴であるのと同時に、チームのパタンナーによるフォルムの追求やアブストラクトな表現でアバンギャルドな一面も持っている。モードともカントリーともコンテンポラリーともカテゴライズできないコッキの服は、さながら「美しいカオス」を体現するパリの蚤の市に通じるものがあり、クラフトマンシップに基づく細部へのこだわりを集積させることで、差別化を図っている。　ブランドデベロップメント・エージェンシーSeiya Nakamura 2.24のパリショールームに出展したコッキは、セールスも好調だった。いくつもの海外バイヤーとの商談を経て、時差ボケもあるなかそれでも蚤の市に出向くのはクリエイションを研ぎ澄ませたいという欲求からだろう。　「蚤の市を訪れることは、言葉をみつける作業でもあります」。　パリ滞在期間中も、日本のチームとオンラインミーティングを重ね、ショーピースの制作を進めるなど、1月25日時点で、東京でのファッションショー（2月12日開催）の構想はまだまだ決め切れていなかった。2度目の開催に向けて、少しでもファッションショーの完成度を高めたいと、アイデア収集の側面もあったのかもしれない。密着 1月29日：ヘアメイクの打ち合わせを通じて見えてくるイメージ　「（午前）2時に目が覚めて、始発でアトリエに来たんです」。1月29日、パリから帰国して数時間後、Kokiの姿はすでに新宿区のアトリエにあった。　舞台はパリから東京へ。パリで得た新鮮なインスピレーションが最後のピースとなってコレクション制作を加速させる。　パリではセールスに集中し、帰ってきた朝に滞っていた日本での仕事を終えた。パリでの展示会に合わせてショーピース以外のサンプルは揃っている。それでも、現時点でのショーの準備の進捗は「3割」だという。ショー開催まであと14日。コレクションはどのように「ショー」になっていくのか。　そのイメージを具体的な言葉にすることはあえて避けている。「制作を重ねる中で気がつくこともあるので、現時点ではクリアになっていない方が、“綺麗な言葉”になっていくのかなと」。　前回はショーピースに振り切った構成だったが、今回はリアルなコッキも表現したい。「来てくれたお客さんに忘れられない夜を届けたいという気持ちもあります、“それなり”のショーには絶対にしたくない」とKoKiは話す。　20時。前回のショーから継続してヘアメイクを担当しているヘアアーティストの河村慎也（mod's hair）が、1stサンプルを持ってアトリエにやってくる。事前にKokiから河村に伝えた抽象的なキーワードが河村の手によってどう咀嚼されるのか、1stサンプルを起点にすり合わせを行う。　河村がダンボールから取り出したサンプルは、ヴィンテージの黒いレースを組み合わせたスカーフのような形状で、ドゥーラグのように目深に頭部を覆い巻き付ける。吟味しながらコッキメンバーとの対話を通してアイデアを拡張していく。　安易に全ての要素を盛り込んだ華美さも、カジュアルさも、メタリックな素材感や覆面が記号的に与えるパンク的な要素も、求めるイメージとはズレる。　帽子のように頭に被さるものというよりは、ヘアと組み合わせた見せ方もできるのかもしれない。試着を経て、「立体的ではない＝マスク」に対する違和感をすり合わせる。マスク型になると複数ルックが並んだ際の造形のリズム感が崩れる。かといってレースで丸みをある造形を作ると既視感を抱かせそうだ。　iPadにラフを描きながらアイデアを作っていく。　当日は会場が薄暗くなる、ならばあまりにもおどろおどろしいものではなく、若干のポップさやキッチュさを取り入れたい。黒ではない色を検討するため、コッキのアトリエで保存しているヴィンテージレースを取り出す。以前パリのアンティークマーケットで購入したものだ。　やはり元々検討していたような、透け感や軽やかさのあるレースの方が良いかもしれない。方向性を定めつつ、ディスカッションを経てイメージを膨らませる河村。当日までにこの後数回のミーティングを重ね、本番に向けてデザインを完成させていく。密着 2月3日：モデルオーディション　2月3日。キャスティングディレクターのTaka（BABYLON）のアトリエでモデルオーディションが行われた。17時、Kokiたちはオーディションの合間に届いたデリバリーのサンドイッチに口をつける暇もなく、入れ替わり立ち替わり訪れる総勢100人以上のモデルたちを見続けていた。　コンポジを受け取り、正面、左右、背面の写真を撮る。この段階で今回のコレクションのイメージに合うモデルかどうかを決める。通過した候補者にだけブラックのジャケットを羽織らせ、2回のウォーキングをして終了。その時間わずか1分30秒。穏やかな物腰は変わらないが、Kokiの眼差しは鋭い。撮影した写真はその場で出力し、ボードに貼り付けていく。　静かな緊張感が漂うオーディション会場には、ショー音楽を担当した作曲家の中島夏樹によるデモ音源が小さな音で流れている。Kokiからの「怪しげな森のイメージ」というオーダーに対して中島が返したアンサーは、アコーディオンやテルミンの音色を中心としたどこかスペーシーで怪しげな、不思議な生き物や動物たちの演奏する「タンゴ」。このリズムをKokiは気に入ったようだった。　音楽を聴きながら、Kokiの手元にあるのはショールックのラフスケッチ。コレクションの中のストーリー性の強いルックに負けない個性的なモデルや、洋服を魅力的に着こなすプロポーションのモデル。前回同様多国籍なモデルを揃え、ノーボーダーで自由なイメージを表現していく。当初は個性を消したモデルを起用することでルックを際立たせるというアイデアもあったというが、帰国後に最終調整を重ねる中でその考えも変わっていったという。今回が初来日のフレッシュな面々も積極的に起用した。　翌日、翌々日も引き続きオーディションは続く。週末には本格的なスタイリング組みを予定している。逆算すると、この週中にモデルを固めたいところだ。オーディション終盤には今回のショーディレクターである酒井文章（VISIONS AND PARADOX）も合流し、モデル選定は夜まで続いた。密着 2月10日：フィッティング、ショーまであと2日　2月10日、ショー本番2日前のアトリエには意外にも静かで穏やかな時間が流れている。スタイリングのメモに沿って、モデルに衣装を着せ付け、四面図とウォーキングの様子を記録する。　ラストルックとなるコレクションピースの赤いコートは、裾のなびき方を計算するためにモデルの身長に対する裾のあまりを確認。ヘッドピースのフィッティングや歩く際にポケットに手を入れるかどうか、といった細かい点を確認していく。モデルの身のこなしがスタイリングのムードをより際立たせる。　この日に撮影したモデルの着画を元に、モデルの入れ替えや、着替えのあるモデルの出順の調整を行う。現時点での進捗は8割。細やかな調整はこれからだ。密着 2月12日：ショー本番 【9:00】　ショーの舞台となる五反田TOCビルに各種スタッフたちが集合。機材の搬入が行われ、照明の設営が始まる。【9:23】　2トントラック4台分、ダンボール600箱の枯葉が運び込まれる。枯葉はいずれもKokiの実家がある山梨県の山から採集されたもの。秋口の発色が美しい時期に拾い集めた枯葉を、ドライフラワーを製造する家業の乾燥機で乾燥させ、色褪せないように保管していたという。【9:38】　エレベーターいっぱいの紙袋を引きずってコッキチームの第一陣が会場IN。袋の中にはショーの座席として使用するために制作したオリジナルクッションが320個。学生と共に手作りで制作した。【10:00】　600箱の枯葉の搬入が終わり、次々とダンボールが開封されていく。封を開けるとたちまち、会場は森の中と錯覚するような深い緑の香りに包まれた。枯葉は床に積み上げられ、少しずつ客席を作っていく。音響テストを始めるチーム、照明を組み立て続けるチーム、大量の枯葉を地面に敷き詰めていくチーム、大勢が駆け回りながら準備を進める。無機質でがらんどうだった空間は活気を帯び、枯葉の山は、次第に”小さな森”に近づいていく。刹那的に終わっていくファッションショーができるまでに、どれだけの人の手とこだわりが詰まっているのだろうか、思いを馳せずにはいられない。【12:28】　概ね敷き詰め終わった枯葉の上に、客席であるクッションが配置されていく。ランウェイの幅は異例の40cm。クッションは、ブラウンのコーデュロイにコッキの「K」の文字が施されている。ランウェイに立ってみると、客席から眺めている以上に狭く、客席は脚が触れそうなほど近い。しかしこの観客とモデルの距離の近さはKokiきっての希望だ。鑑賞者と被鑑賞者としての関係ではなく、空間全体が「コミュニティに見える」ようにしたい、という思いがそこにはあった。【13:09】　控室にはヘアメイクの河村の姿があった。紆余曲折を経て、筒状に空洞が作られたレースを組み上げた造形にフリンジなどのパーツを載せた立体感のあるヘッドピースが完成していた。次第と控室にフィッター、キャスティング、演奏者たちが集まり始め間も無く皆が本格的に動き出す。【15:18】　微調整が重ねられた枯葉の山はより自然な稜線を描きリアリティを増していた。ランウェイから周辺一体に広がる森の風景を見渡すと、「ノスタルジック」の一言で片付けてしまうのはあまりにも惜しいほどの言い得ないに感情が押し寄せる。童心に返って枯葉の山に飛び込みたくなるようなふとした郷愁や心細さ、自然に対する恐怖と恍惚、そういったものに限りなく近い純粋な服。子どものような好奇心や、ファッションへのただひたむきな情熱で服を作り続けてきたコッキの、ピュアで生々しい衝動衝動がストイックな姿勢の下で形になる。コッキが追求する美しい景色に、そうしたものを重ねた。【15:26】　バックステージではスタイリングの仕上げに入る。コッキチームは前日からアドレナリンが出て眠れずに当日を迎えたという。ファーストルックのモデルは今回が初来日。やや緊張の面持ちだ。ヘッドピースの調整では、パーツをカットしたり、取り外したりと大胆な変更も続く。【17:31】　テクニカルリハーサルやウォーキングテストを終えて、リハーサルがはじまる。　「白樺の木の森」をショー空間で表現するため、当初は木のオブジェを持ち込むアイデアもあったが、白樺の木に見立てた棒状のライトを空間内に林立させるという演出に変化した。刺繍やアメリカンキルトといったクラフトワークが印象的なコッキは、表面的なエッセンスを抽出すると“牧歌的”なテイストに傾きすぎる。しかし、本質はものづくりに対する真摯な姿勢とユーモア。空間やライトで無機質さ、工業的な冷たさを加えることで人間味や温もりを際立たせる。【19:00】　ドアオープン。電気が消えた会場を誘導のかすかな光を頼りに恐る恐る歩く。暗い中で体育座りをして見回す周囲のクッションは岩肌のシルエットのようにも見える。席に案内され、柔らかい枯葉の上にはじめて足を踏み入れると、想像以上に柔らかく、踏み荒らされていない美しい山に入り込んだようである。踏んだ時のカサカサという音、踏んだことでいっそう香り立つ枯葉。クッションに腰を下ろすととても柔らかかった。【20:10】　ショーは40分押しでスタートした。会場には、思い思いにコッキの服を装うゲストが集まり、業界を代表する錚々たるメンバーも集結していた。【20:25】　無事ショーが終わりフィナーレを終えた客席では拍手喝采が起き、バックステージでも拍手が起こっていた。スリリングであり、他で体験することのないランウェイだったからこそ、バックステージに返ってきたモデルたちには安堵の表情が見える。　ショーが終わってからも森の中は熱気を帯びていた。観客たちはコッキからの贈り物となったクッションを大切に抱えながら、余韻に浸り感想を語り合う。各々が各々の想いや湧き上がる感情を噛み締めながら、名残惜しそうに帰路についていった。バックステージには大仕事を終え一息つくKokiの姿があった。　顔を明かさない、謎に包まれたコッキチーム。余計な“言葉”や“イメージ”を介さず、ただ純粋に「服が好き」という想いと情熱が純度を保ったまま、プロフェッショナリズムを貫き通して服になる。彼らのクリエイションが胸を打つのは、創る者だけでなく着る者にとっても「服が好き」という初期衝動が尊いものだということを思い出させるからかもしれない。

KHOKI

「コッキ（KHOKI）」ショーの舞台裏、カテゴライズできないクリエイションはどう生まれたのか

15:00 - ショー会場に到着　会場となったのは、東京国立博物館 表慶館。明治時代に竣工された、西洋の建築様式を取り入れた重要文化財だ。ショー会場へは、きちんとジャケットを羽織って臨んだ。 　この日は撮影を一本こなしてから会場入り。クラシカルで荘厳な館内をぐるりと体感しながらテンションを高めていく。ちなみにこの日は「by R」の限定アイテムであるポール・スミスのシャツを着用。17:00 - ショー直前(リハーサル)　「ランウェイを歩くのは1年半ぶりなので少し緊張しています」と話す大平。ヘアをセットして、メイクを終えた後はアイテムのフィッティングを行う。会場内では長い回廊をランウェイにして、着々とセッティングが進められていた。椅子に置かれる形で来場者に配布されたのは、ポール氏の父であり、アマチュアフォトグラファーのハロルド・B・スミスの写真を収めたZINE。彼の写真は、今回のコレクションの軸となる重要なファクターのひとつだ。　慌ただしく人が行き交うバックステージ。リハーサルではモデルたちのウォーキングと、音楽の調整が入念に重ねられた。デザイナーのポール・スミス氏と日本の制作スタッフたちが綿密な打ち合わせを行い、会場を設営していく。緊張感のあるリハーサルだが、大平はカメラに向かっておどけるなどリラックスした様子が伝わってくる。「モデルの中に海外のショーでも一緒に歩いた方を見つけて、それでリラックスすることができました」19:00 - ショー本番　暗室内で作業するためのセーフライトを思わせる、赤い照明に包まれた会場。18時30分を過ぎると招待客やメディア、ファッション関係者が次々と入ってくる。15分も経つとほぼ満席状態に。そして19時15分頃、照明が明転するとショーはスタートした。　今回の2025年秋冬コレクションは、去る1月にパリメンズファッションウィークで発表されたメンズのプレゼンテーションにウィメンズアイテムやby R限定アイテムをミックス。アイテムは、英国らしいクラシックなシルエットで、リアリティがあり、ここならではの安心感がある。ファブリックも然りで、ウールやレザーなど天然繊維が中心だが、オレンジやグリーンなどのヴィヴィッドな配色で、随所に遊びを効かせた。　大平は7ルック目に登場した。ブルーのシアリングジャケットに、フラワーモチーフのシャツをジーンズにタックインした装い。ジーンズには花の刺繍が施され、優雅な印象をプラスしている。20:00 - 締め　ショー終わりにはポール氏と2ショットを撮る機会も。「フィッティングの際も、ランウェイに出る前にも声をかけてくださって、改めてお優しい方だなと。服にもそれが現れていると思います。またご一緒できる日を楽しみにしています」　今回のショーでは、「by R」限定として特別にデザインされたアイテムの一部が登場。アイテムは現在、オンラインストアで販売している。 　シャツとネクタイはポール氏自身が撮り下ろしたジャパニーズオーキッド（蘭の花）をプリントしたものだ。ポール氏の美学が詰まった今回のコレクション、「by R」限定アイテムでいち早く、その世界観を楽しんでもらいたい。 「とても綺麗な柄で、着ていて気分が上がります。一枚でも十分に魅せられるアイテムで、この夏はワードローブとして活躍しそうです」（大平修蔵）

by R限定アイテムをまとってショーに出演

大平修蔵、ポール・スミスと過ごした一日

時を超えて見えてきた母の繊細さ　ジャンの幼少期の記憶の中で、母は自立心に溢れ、一人で娘を育て上げる強さを持った女性だった。しかし、今振り返ると、「強く見えたけれど、実は少女のような繊細さを内に秘めており、ただ強くたくましく生きるために、大人という殻をかぶって振る舞っていたのではないか」と感じるようになったという。　この気づきは、彼女の母親だけに限らず、「現代を生きる多くの女性たちにも共通する普遍的な価値観ではないか」と、より広い視点に繋がっていった。2025年秋冬コレクションでは、強さと繊細さが共存する女性の二面性を、リブ ノブヒコらしくクチュール技術を日常着に落とし込みながら表現している。ワイルド・ラグジュアリーという独自の概念　リブ ノブヒコは、「ワイルド・ラグジュアリー – 日常に自然に溶け込むラグジュアリー」をコンセプトに、クチュールの観念や技法を既製服に再解釈し、独自の女性像を描くブランドだ。ジャンは「フセイン・チャラヤン（Hussein Chalayan）」や「セリーヌ（CELINE）」で経験を積み、小浜は「ディオール（DIOR）」や「ランバン（LANVIN）」のアトリエで腕を磨いた。　2020年春夏のデビュー以来、ブランドはクルミボタンや精緻なビーズ刺繍など、職人的な手仕事で作り上げたウェアやバッグをアイコンとして確立し、その緻密な技術で多くの人々を驚かせてきた。このショーは、これまで進化させてきた「ワイルド ラグジュアリー」の集大成でありながら、自己紹介のようなショーにも感じられた。自宅就労を実現した職人プログラム　ブランドの中心には、結婚や育児、病気や介護などの理由でキャリアを中断し、外で働くことが難しい人々を職人として採用する「MY HOME ATELIER」というプロジェクトがある。このプロジェクトでは、キットとガイドブックを提供し、各々の状況に合わせて働くことができ、自宅での手作業を通じて職人としてのスキルを学べるシステムが整えられている。現在、日本と韓国で約20人が参加し、年齢層は30〜60代、ライターやパタンナー、教師などさまざまなバックグラウンドを持つという。　ジャンは「3シーズン目に入った頃から本格的に始まりました。一緒に物を作れる人を探してブログに書いたところ、1日で60件ほどのコメントが寄せられました。多くの人が『子どもがいるから外で働けない』という理由で、外での仕事ができない人が多いことに気づきました」という。　小浜は「ほとんどがオンラインで完結でき、カリキュラムも整っているので、負担なく職人を育成できます。長期的に続けてもらうことでクオリティも安定しています」と説明する。さらに「職人さんたちの温かさをいつも感じていて、今日のショーも『来られなくても遠くから応援してくれている』というメッセージをいただいています」と、強い絆が築かれていることを明かした。フラワーモチーフに込められた思い　今季はフラワーモチーフが多く見受けられた。これは世界初の女性プロボクサーとして知られるバーバラ・バトリック（Barbara Buttrick）の言葉からヒントを得たという。「Girls aren’t the delicate flowers they used to be. （女性はもはや昔のようなか弱い花ではありません）」の名言からなのだろう。　ブランドは「女性はもうお部屋を飾るような花ではなく、一人の自立した人間である」という解釈から、花を強さのモチーフとして起用した。　オフィスウェアを想起させるグレーのテーラリングやブルゾンには、立体的でエレガントなコサージュを装飾。モノトーンストライプのラガーシャツにはくるみボタンや花のボタンでつまむことでツイストさせ、レーザーカットされたフラワーモチーフが全面にあしらわれたドレスには繊細なヴェールを被せてみせた。バッグのようなドレスの二面性　ラストには、ワイヤーを入れて円盤のように広がり、裾にハンドルを装飾したドレスが目を引いた。このアイテムは、今季の象徴的な存在であり、”女性の二面性”が表現されている。　「大人の女性はバッグを持つというイメージがあります。それと女性らしさや繊細さを象徴するドレスを組み合わせました。持ち方も持ち上げるように、力強くしています」と小浜は語る。母への感謝と女性たちへの祝福　ショーのフィナーレ後に挨拶に出てきたデザイナーの2人は客席に座っていた母の元へ駆け寄り、花を手渡した。　お互い涙を浮かべて、「見せれてよかった。ママは韓国にいて、私はイギリスの大学に通い、ヨーロッパで働き、これまで自分がやってる物をちゃんと見せる機会が無かった」とジャン。涙を流していた母は、娘の成長を目の当たりにした深い感動を感じていたに違いない。　プレスノートの最後に記された言葉が、心に残った。 「本コレクションは、母に向けた、そしてあなた方大人の女性に向けた祝福にも似た、全てを肯定するコレクションである」　リブ ノブヒコは、多様な役割を担う現代女性たちの、強さと繊細さという二面性を受け入れ、静かに寄り添う存在でいてくれるのだろう。

RIV NOBUHIKO

“強さも弱さも肯定する服”　家で働く職人と作り上げたリブ ノブヒコの母娘の物語

　とある朝、近代美術館を横切ると、ヒルマ・アフ・クリント（Hilma af Klint）という女性アーティストとフェミニズム映像作品の展示と書かれていた。個人的にフェミニズム作品に関心がある私は、後ろ髪を引かれながらもショー会場に向かった。ファッションウィーク最中に目を引くワードとの出会いは、運命を感じファッションと絡める傾向にある。フェミニズムアート、もしくはフェミニズムと呼ばれる作品から自分は何を感じとっているのか思考を巡らせていた。現代を生きる女性アーティストたちに共通する表現は、当事者の日常を言葉、映像、彫刻、写真とあらゆる手法を使って社会へ発信していることだ。中には家父長制や男性中心主義に対して強く反発し、女性の生存意義を激しい描写で訴えるものもあるが、最近は柔らかい表現の中に透けて見える男性またはマジョリティが気づかなかった差別やマイノリティの生きづらさが内包されており、男性として生きる私も共感できる作品が増えてきた。　ファッション界隈ではどうだろうか。デザイナーからは「女性の強さを表現した」とよく聞く。男性中心主義の根強い社会で対等するために強さが求められることは理解できる。ただ、いつも強くなければならないのか。そんないち男性としての疑問を聞き入れてくれたのはデザイナー・青木明子氏だった。　展示会に入ると、統一感のないスタイリングの組み合わせと視覚的に違和感のあるルックたちが目を引く。「なぜ？どうして？」とこちらの関心を引き立たせ、ブランドが表現する「現代を生きる女性の精神性とは？」と自然と対話が進んだ。早朝から私の頭を巡らせているフェミニズムアートについて実直に伝えると、「フィメールガイズ（female gaze）」という言葉を教えてくれた（「女性の眼差し」という意味を指し、女性や少女が世界をどのように見ているのか、まなざしから作品を捉えること。）。青木氏からの眼差しは男性と「対等」せず「共存」の姿勢を示し、女性像は、何気ないパーソナルな生活の積み重ねから見えてくるソフトで流動的な人間性を、社会にアウトプットしたとき、その装いから現代を生きる人の精神性が浮き上がってくるという。　私の疑問である「女性の強さを表現」に対して、青木氏は「強さよりも女性の矛盾をコレクションに反映している」と答えた。アキコアオキの2025年秋冬は「社会も人も、特に女性の方が言葉や行動に矛盾が生じる。否定するのではなく矛盾する生き物として認めることが現代に生きるためのエンパワーメントになる」というメッセージを込めていた。 　今季はフォトグラファー、ロビ・ロドリゲス（Robi Rodriguez）にルック撮影を依頼したことからコレクションが始まったそうだ。ロビの作風はドキュメンタリー要素が強く、対象者のリアリティを映し出す。青木氏は自身のブランドイメージとロビのドキュメンタリー性やリアリティ性のある描写と対峙した結果、これまでのアイテム一点一点に女性的な色気をデザインに込める工程から少し距離を置き、スタイリングで醸し出される生活感、リアリティに秘めた色気に視点をあてコレクションを展開した。　青木氏は、展示のためパリに行った際に目撃した、街中を闊歩する生活感漂う女性たちの雰囲気をここ数シーズン、コレクションに反映している。髪は乱れていても高級な毛皮を羽織る女性、道が汚くても引き摺るほど長いドレスを纏った女性、ラフなジーンズにジャケットスタイルに綺麗なメイクと真っ赤なネイル。スタイルは一貫していないものの、個々が大切にしてる装いやアイデンティティを強く感じたそうだ。それは頭からつま先までしっかり整える日本の装いと全く違う価値観である。すなわち、スタイルは作るものではなく、生活習慣そのものにスタイルがあるのだ。　「矛盾」という普遍的な日常でも感情が変わる人間の業と、多面的な性格の複合体が人間であることを重ね合わせ、各ルックごとの雰囲気を変える。初見で感じたヴィジュアルルックの違和感はあえて統一感を無くすことでモンタージュのようにチグハグな人間が醸すリアリティであった。パリで出会った「淫ら」と「セクシー」の間にある女性的な魅力をリアリティの投影を得意とするロビの手によって、ブランドとして新たな人間像を提案した。アキコアオキには特定のミューズがいるわけではない。現代を生きる女性のリアリティであり、矛盾の肯定と普遍的な生活の中で共感できる人間らしい視点の集合体である。　矛盾とは女性特有のものではなく、“ロジカル思考な男性”にも、そして時に人間の集合体である社会にも内包する。矛盾した自分や相手を許せる関係性、曖昧な人間性を許せる社会が「豊かさ」と直結するのだと、別のショーに向かいながら考えに耽ったのだが、そんな豊かさに魅力を感じるのは世の中が矛盾を許さない傾向にあるからだ。身近のSNSも然り、他国では性別は男女しか認めないという条令にサインをしている。人間は元来矛盾や曖昧な生き物であるのに、それを認めない状況は新たな分断を作ってしまっている。このような世界情勢の中で、この瞬間を生きづらいと感じている人にとって、たかが装いではあるけれど、矛盾の肯定という社会へ向けた小さな抗いが個人をエンパワーメントできるのではないだろうか。

AKIKOAOKI

矛盾の肯定、曖昧さと共存する豊かさ　「アキコアオキ」に見る現代社会のリアル

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【六本木】六本木ヒルズの”ある場所”から見る東京タワー　初手から東京タワーにエッフェル塔を重ねるなんて、いくらなんでも安直すぎるかもしれませんが、これを機に「東京タワー、下から見るか？横から見るか？はたまた上から見るか？そもそも、どの街から見るか？」問題に、パリかぶれの視点で終止符を打たせていただきます。結論から言いますと、それは六本木ヒルズです。それも冬のイルミネーションで有名なけやき坂ではなく、展望台の東京シティビューでもありません。ヒルサイドエリアの階段付近です。このエリアは夜景ファンからも人気らしいですが、他のスポットに比べて人が少なめなので、ゆっくりパリ気分に浸ることができます。この場所が魅力的であるもう一つの理由は、風景を挟むようにして長方形の柱が立っているので、大きな窓が作られているように見えるところです。だんだんこの窓が、映画のスクリーンに見えてきませんか？　膨大な数の映画が存在するように、街や人の数だけドラマがある。夜に訪れると、「あの会社は残業中かな、頑張れ！」とか思っちゃいます。余計なお世話ですが。エッフェル塔が象徴的に映る映画　東京タワーでは我慢できない方がいましたら、フランスの有名な映画監督であるフランソワ・トリュフォー（François Truffaut）の「大人は判ってくれない」をぜひご覧ください。パリに住む12歳の少年アントワーヌ・ドワネルの、周囲の大人に理解されることのない孤独感と反抗を描いた同作は、トリュフォーの体験に基づいた半自伝的な作品です。オープニングクレジット中に映されるエッフェル塔は、ノスタルジックな劇伴も相まって涙を誘います。建築物は、何も言わずにただそこにある。そこに拠り所を感じることもあるのだと思います。【新宿】新宿御苑 整形式庭園　平日のランチ時を公園で過ごしたことはありますか？　東京、特に新宿の公園にはくたびれたサラリーマンしかいません。もちろん、そのうちの一人がかくいう私なのですが。公園で一人でいるときが、唯一心を無にできます。新宿御苑は有料（※小人（中学生以下）無料）の庭園なので、入場無料の公園に比べたら観光客も多く限界サラリーマンの数は少ないですが、それでもやっぱり疲労オーラを漂わせている人はいます（かく言う私もそうですが）。そんな私たちをささやかに元気づけてくれるのが、綺麗に整えられたこの庭園であり、維持するために日々管理してくれている造園師の方々です。新宿御苑内にある整形式庭園は、幾何学的な図形で構成した庭園のことを指し、代表的なものとして造園家ル・ノートルによるヴェルサイユ大庭園があります。人工的にデザインされた庭園は、絶対王政の象徴ともいえます。自然を人工的にデザインする整形式庭園の美学に批判的な声もあるようですが、お手入れが大変だからこそ、庭園に花で彩りを添えてくれる造園師の方々には日々感謝しかないですね。※新宿御苑内は酒類持込禁止、喫煙禁止、遊具類使用禁止（こども広場除く）【日比谷】都立日比谷公園 噴水広場　なんとなく、パリって噴水が多いイメージがありますよね。私の良き相談者（ChatGPT）に、「噴水が多い都市の世界ランキングを教えて」と聞いてみたら、ローマやジュネーブなど名だたる都市に連ねて9番目の位置にパリが出てきました。正直微妙なランクです。ではメガシティに絞ってみましょう。これで世界ランキング1位になりました（信憑性はありません。どうか私の良き相談者を責めないであげてください）。　イスラエル国籍のパレスチナ人であるエリア・スレイマン（Elia Suleiman）が2019年に公開した映画「天国にちがいない」には、パリ1区にあるパレ・ロワイヤルの噴水が登場します。スレイマン自身が主演も務める同作は、新作映画を売り込むためにパリやニューヨークへ旅に出る物語です。パリに到着してすぐのスレイマンは、ファッション雑誌から飛び出してきたようなスタイリッシュな服装に身を包む女性達に釘付けになりますが、しばらく過ごすうちに、すぐ近くに潜む暴力の影や経済格差に、パリもパレスチナもそう変わらないと感じさせる姿が描写されます。パレ・ロワイヤルの噴水を舞台としたシーンでは、噴水を取り囲むように並ぶ椅子に座りたい人々が、自分勝手に椅子を手にして他人を座らせようとしません。それがたとえ杖をついたおばあちゃん相手でも。フランスのコメディ映画作家であるジャック・タチの再来とも称されるスレイマンなので、言葉を使わずしてユーモアたっぷりに映し出します。　そんなパレ・ロワイヤルの噴水によく似ていると思うのは、日比谷公園内の大噴水です。パレ・ロワイヤルの噴水と日比谷公園の大噴水が共通しているのは、そのシンプルさです。中央に水の噴出口があるだけ。そしてどちらも人がよく集まります。日比谷公園の大噴水は、夏になると水遊びを試みようと手を伸ばす子どもや、噴水を囲むベンチには老夫婦が余生を噛み締めるように流れていく水をじっと眺めています。それどころか、鳩やスズメがギリギリ水のあたらないポジションでくつろいでいる姿も見かけます。やっぱり全ての生物が水から生まれただけあって、自然と吸い寄せられてしまうものなのでしょうか。【表参道】トゥールモンドショップ　手紙の形式で物語が展開される書簡文学。17世紀の書簡作家セヴィニエ夫人を生んだパリに思いを馳せるなら、これだけデジタルが発達した現在に、あえてアナログの手紙で交流してみては？　東京メトロ「表参道駅」から徒歩約6分の場所に位置する「トゥールモンドショップ（Tout le monde SHOP）」なら、その願望を叶えてくれます。フランスを中心にドイツやイギリスから輸入したポストカードを取り扱う同店は、「パリ好きへ」とダイレクトに訴求してくるパリの観光地が描かれたものや、フランス映画のポスターヴィジュアルや、印象派やキュビスムの美術作品がプリントされたものなど垂涎のポストカードが揃っています。流行りのMBTIを聞いて知った気にならず、文通で人との距離を縮めていきたいところです。しかし、映画「パリところどころ」に影響されすぎて恋人に送る手紙を遊び相手に間違えて送ってしまう、なんてことがないように十分気をつけましょう！これぞ、フランス文学？　手紙のやり取りが笑える作品　SNSに慣れている現代人は、長文で思いを伝えることがずいぶん減ってしまったのではないでしょうか？　そんな方におすすめなのが、オノレ・ド・バルザック（Honoré de Balzac）による長編小説「谷間の百合」です。1836年刊行のフランス文学と聞くと腰が重くなるかもしれませんが、今も昔も根本的には変わらないなと思えて楽しく読めます。主人公の青年フェリックスが、現在の恋人であるナタリーに宛てた手紙として物語が展開されていくのですが、なんとその手紙の内容が、過去に親密な関係であった伯爵夫人との思い出話です。これを文庫本にして500ページ超えの長文で送ってくるものだから、ドン引きますよね。それに対してのナタリーの返しがまさに秀逸。良かれと思って余計なことを口走ってしまった経験がある人は必見の名文学です。【飯田橋】東京日仏学院 エスパス・イマージュ　犬も歩けば棒に当たりますが、パリを好きになりたての人が歩けばヌーヴェルヴァーグ※にぶち当たると個人的に思っています。それくらいパリのカルチャーを知るにあたって、映画運動のヌーヴェルヴァーグに一切触れずにはいられません。ジャン＝リュック・ゴダールやフランソワ・トリュフォーなど、批評や監督作品を通して過激なまでに映画界を刺激した当時の若者達に憧れた人も多いのではないでしょうか。本稿を上から順に、丁寧に読んでくださっている方は気づいているかもしれませんが、私も例に漏れずシネフィル（映画狂）で、脳内に今は亡きヌーヴェルヴァーグの監督達を召喚させては「もし私が彼らと同世代でパリにいたとしたら......」とよく妄想しています。こんな具合です。彼らに会うには、フィルムの保存や修復に加えて上映会の運営も行っているシネマテーク・フランセーズに足繁く通うのが一番手っ取り早い。あっ！　最前列の右端の席にジャック・リヴェットの姿を発見。声をかけてみよう。　......といった感じで、ヌーヴェルヴァーグの夢小説じみた妄想を楽しみたい人は、東京日仏学院（旧アンスティチュ・フランセ 東京）内のエスパス・イマージュに足を運んでみてください。ここはシネマテーク・フランセーズの精神を、海を超えて引き継いでいる場所だと言えます。過去から現在まで広くフランス映画の特集上映を行っている同施設では、批評家や映画監督のトークイベントも定期的に実施。熱心なシネフィルが集う場所です。シネフィルは基本的に大味な映画ではなかなか首を縦に振りません。一癖どころか二癖以上あって、ようやくちょうどいい。ビッグバジェットのヒーロー映画に食傷気味なそこのあなた、ここでお世辞にも褒められるような人のいない映画を観て人生観を変えていきましょう！※ヌーヴェルヴァーグ：1950年代後半から1960年代にかけてフランスで起こった映画運動。旧来のフランス映画のスタイルを批判し、のちに映画監督となった若い批評家達がルールに囚われない編集技術などにより新しいスタイルを提案した。ゴダールだけじゃない！　曲者だらけのヌーヴェルヴァーグ映画「海辺のポーリーヌ」エリック・ロメール監督　ヴァカンス中の男女の邂逅が描かれている、言うなればフランス版の「テラスハウス」です。何が面白いかと言えば、ロメール作品における「モテ男」は、大抵が嘘つきの遊び人で、観客として見ている分には惹かれる要素が全くないところです。かっこよくあるべき人を、全くそのように描かない。なのに登場人物を愛おしく思えるのは、撮影時60代だったロメールの達観した眼差しを通しているからなのだと思います。フランス映画が敬遠されがちな理由として、哲学的で難解な内容が挙げられます。こちらも難解さがないとは言いません。しかし瑞々しいタッチで軽やかに描かれているので見やすく、フランス映画ビギナーには必ずおすすめしている映画です。「いとこ同志」クロード・シャブロル監督　特に就活や大学卒業試験を控える大学4年生に観て欲しい、そして絶望を味わって欲しい同作は、真面目で内向的な大学生シャルルと、そのいとこでありながら真反対の性格を持ち要領の良いポールの間に軋轢が生じていく様を描いています。どの国でも、真面目に出席してノートを取っている人に代返やノートの写しを遠慮なくお願いできる人が、世の中をうまく泳いでいけるようです。「アウト・ワン」ジャック・リヴェット監督　そもそもリヴェット自体が良い意味でナチュラルな変人だなと思うのですが、それを端的に伝えられそうな作品がこちら。なんとその尺13時間弱。1日の労働時間より全然長いです。いくらインターミッションで休憩を挟んだとしても、観るだけで（座っているだけで）相当体力が要ります。製作自体も大変だったと思いますが、13時間弱ものシーンを捨てきれなかったと思うと、全てかけがえないものに思えてきます。実際にこれだけの長い時間を共にしていると、観終わった後とてつもない寂しさが襲ってきます。本稿もまもなく5000字を迎えるところです。リヴェット並みに1万字いきたいところですが、ここでお開きとさせていただきます！

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パリにかぶれて約10年、都内在住の編集者が愛する東京でパリを感じられる場所

大きな写真集の中で、東京の街と時計の魅力を体感　ポップアップでは、ジョシュ・オリンズが東京の街並みとその魅力を捉えたデジタル写真集を、高級感のある大きな写真集に見立てたギャラリーに展示。「東京」をテーマにした写真集の中に入り込んだかのような空間で、街ごとに異なる「今の東京」の表情が写ったモードな写真の数々を、それぞれの街の美学と共鳴する注目モデルの時計とともに体感することができる。　また、会場内に設置されたモニターでは、日本のジャズミュージシャン・ドラマーの石若駿が、東京の街で過ごす「時」をテーマに即興で演奏する様子を収めた映像も上映。写真と合わせて、音や映像も楽しめる展示空間となっている。伊勢丹新宿店 × SBGY037　2024年の伊勢丹新宿店限定モデルは、伊勢丹らしいエッセンスとトレンドのクワイエットラグジュアリーなムードを反映したデザインが特徴。ベースモデルには、ドレスウォッチである手巻スプリングドライブモデルを採用し、ダイヤルには伊勢丹新宿店の象徴的な外壁のテクスチャーを落とし込んだ。全体の色彩を極力抑えることで、上質かつアンダーステイトメントな一本に仕上げている。※11月上旬発売予定。※会期中サンプル展示にて、先行受注を実施。世界的写真家が切り取る、東京の街とグランドセイコーの魅力　伝統と革新の美学、日本の美意識、クラフトマンシップ、それらを象徴する名建築、情緒を感じる人々の生活の痕跡——「TOKYO TIME Grand Seiko」では、そんな要素が息づく東京を舞台に、世界的な写真家 ジョシュ・オリンズが街ごとに異なる東京の「時」の流れをモードかつファッショナブルに切り取っている。　伊勢丹新宿店のポップアップで展示している写真たちは、グランドセイコー公式サイト上でも「デジタル写真集」として展開。現在同サイトで公開中の前編では、日本橋、代々木、銀座の3つの街をフィーチャー。その三者三様の表情を、共鳴する美学をもつグランドセイコーのモデルとともに紹介する。日本橋 × SLGC001（Evolution 9 Collection）　世界の人々の目に映った時、最も東京らしい風景の1つであり、最も巨大な建築物でもある「首都高速道路」。江戸時代に江戸城へと向かう水路として誕生した「日本橋川」と、1964年の東京オリンピック開催を前に川の上に構築された高速道路という、異なる時代に生まれた2つの交通網が今も残る「日本橋」という街では、江戸から現在に至るまでの歴史の痕跡とその流れを感じることができる。　「SLGC001」は、ストップウオッチ機能を搭載したグランドセイコー初のメカニカルクロノグラフモデル。次世代のグランドセイコーを象徴するムーブメント「キャリバー9SC5」を備え、最⼤巻上時約72時間（約3⽇間）持続を実現。ダイヤルには、製造地「グランドセイコースタジオ 雫石」から望む雄大な岩手山の山肌を表現した「岩手山パターン」が施され、セラミックス製のベゼルの美しい陰影と相まって豊かな表情を見せる。　そんな高精度な「SLGC001」が持つ機能性は、東京を⽀え続けてきた⾸都⾼速道路と都市内⽔運の精巧さと共鳴する。代々木 × SBGA443（Heritage Collection）　原宿や表参道といったファッションエリアから、丹下健三が設計した世界的名建築「国立代々木競技場」、明治神宮や代々⽊⼋幡宮といった由緒ある神社までをも有し、流⾏の最先端と伝統的な情緒がクロスオーバーする街「代々木」。　そして、⽇本特有の季節の移ろいをデザインに落とし込んだモデル「SBGA443」。⾵に舞い散った桜の花びらが川の⽔⾯を覆う「花筏（はないかだ）」の情景を、岩肌のようなパターンとグレイッシュなピンク⾊でダイヤルに表現した。　「桜が散ってもなお愛でる」という⽇本ならではの⾵情ある光景を反映した「SBGA443」には、華やかな街の中で、豊かな木々や静けさ、神聖な空気を湛えた安息の地として存在する「代々木八幡宮」に漂うような、情緒や優美さに通ずる佇まいがある。銀座 × SLGH005（Evolution 9 Collection）　東京の中でも一際古い、400年以上の歴史を有する街「銀座」。建築史に残るような美しい近代建築が立ち並ぶ同エリアでランドマークとなっているのが、ネオ・ルネサンス様式のエレガントな装飾と時計塔が象徴的な「SEIKO HOUSE」だ。　機械式時計の製造地・岩手県にある平庭高原の白樺林に着想を得た「SLGH005」は、白樺が群生する壮麗な姿を、ダイナミックな型打模様と繊細なカラーリングを施したダイヤルで表現。　美の伝統が脈々と息づく銀座の街の凜とした洗練さは、⽩樺が幾重にも林⽴する神秘的な⾃然の光景を切り取った、「SLGH005」のシンプルなデザインとオーバーラップする。　そのほか、今回のポップアップでは、秋にグランドセイコー公式サイトで公開予定の清澄白河・新宿・虎ノ門の３つの街のヴィジュアルも先行して見ることができる。ポップアップで展開、「TOKYO TIME Grand Seiko」掲載モデル  　世界的フォトグラファー ジョシュ・オリンズが捉えた東京の街の風景や表情と共鳴する美学を湛えた、グランドセイコーの時計たち。伊勢丹新宿店 ザ・ステージでぜひ体感を。

「グランドセイコー」が伊勢丹新宿店でポップアップ開催、世界的写真家が捉えた東京の街の魅力を時計とともに表現

精神年齢6歳の55歳児　佐藤二朗の幼少期　愛知県春日井市に生まれた僕は、通信簿に小学校6年間「落ち着きがない」と書かれ続けているような子だった。だからと言って、人前に立つのが好きだったわけではなかったと思う。今でも、やっぱり人前に立つと多少は緊張する。ただ、一貫して落ち着きはなかったし、今でも自分のことを「精神年齢6歳の55歳児だ」と思っている。　そんな僕は、小学校4年生の学習発表会で「役者になるために生まれてきたんだ」と思った。それは「好き」とも違うし、卒業文集の将来の夢に「役者」と書くような“夢”とも違った。“運命だ”と信じて疑っていなかった。今思えば「根拠もなくてバカじゃないの」って自分に言いたいけど、それくらいの強さで思っていた。　強い情熱と相反するかのように、子どもに似つかわしくない冷静さも併せ持っていたのが僕だ。「俳優になる運命だ」と思っている一方で「田舎にいる自分が、大都会の東京に行って、生き馬の目を抜く芸能界で、役者として食えるわけがない」と同じくらいの強さで思っていた。「どうせ役者になる運命なのだから」と、部活に打ち込むことも、学園祭でハッスルすることもなかった。でも「それなりの企業に入るためには、勉強を頑張ってそれなりの大学に入学する必要があるな」と思っているような子どもだった。俳優になりたいんだったら、大学卒業後に企業に入社せず、どこかの劇団でアルバイトをする選択肢もあっただろうに、その勇気も無かったのか、その道を選ばずに僕は大学卒業後リクルートに入社するために上京。向ヶ丘遊園の独身寮で一人暮らしを始めた。 　それにつけても、合理的なのか、非合理的なのかがわからない。情熱と冷静さ、その相反するものがどうしてここまで共存しえたのか。そしてなぜ、その冷静さを幼い子どもの頃に持っていたのかは今でもわからない。大体、合理的な奴はリクルートを1日で辞めないだろ！　そう、僕は新卒絶対の時代に、入社式当日に退社した。「入社日と退社日が同じなのは君だけだ」と言われた。 二度の挫折を経て就職、それでも消えなかった俳優の“火種”　会社を辞めたその日、独身寮に荷物は置きっぱなしにして、夜中の鈍行で一度愛知県の実家に帰った。無茶苦茶だ。正直、その時の記憶は、本当にどうかしていたんであんまり正確ではない。ただ、今まで何をやるにも「好きなようにやれ」と言ってくれた父親が半泣きで「お前、なんでそんな1日で辞めるような会社に入ったんだ」と宇宙一の正論を言われたのは覚えている。　置きっぱなしの荷物もあったし、社員証も返却しないといけないし、上司に挨拶もしなければ、と程なくして二度目の上京を果たし、そのまま、登戸のアパートに住み始めた。劇団附属の文学座俳優養成所に入るためにお金を貯めようと、鷺沼駅の近くにあった武蔵学習館という小中学生の学習塾でアルバイトを始めた。　ここでも僕の、合理的なのか非合理的なのかわからない癖は健在だった。目標は「役者になる」で、そのための手段として「養成所に入る。そのための手段として塾講師のアルバイトをしている」はずだった。なのに、僕は行政書士の資格試験を2度受けた。2年連続で落ちた。俳優の養成所に行くためにお金を貯めるけど、俳優になれるかわからないし、新卒絶対の時代に1日で辞めちゃったし、何か手に職を、と考えたんだと思う。でも、落ちた。2年目に至っては、受かると思っていたから、受かる想定で社会保険労務士というもう少し難易度の高い試験の教材も揃えていた。結局、そのテキストは1ページも開かれることはなかった。合理的なんだか、非合理的なのか、全然わからない。 　一年後、アルバイトで貯めたお金で目的通り養成所に入った。しかし、劇団員に昇格することはできなかった。上京3年目。別の養成所にも通ったけど、そこでも劇団員にはなれなかった（余談だが、この養成所で今の妻に出会った）。二ヶ所の養成所に通って、どちらでも俳優になることは叶わなかった。それでいよいよ諦めて、小さな広告代理店に再就職をした。26歳の時だった。役者のことは忘れて、がむしゃらに営業職を頑張った。成績も良かった。　「やっぱり芝居がやりたいなあ」という情熱が出てきてしまったのは、サラリーマンとして頑張った一年後だった。なぜ、忘れたはずの役者や芝居を思い出してしまったのか。それは今でもわからない。けど一つ言えることは、消したつもりの火種がまだ残っていたということだと思う。僕は、文学座俳優養成所で同じく劇団員になれなかった奴らを数人誘い、演劇ユニット「ちからわざ」を旗揚げした。モチベーションはなぜ保たれたか、夢追い人たちへ贈る、明日へのヒント　役者として生活できるようになるまで、当然不安は大きかった。20代は暗黒時代。二度と戻りたく無いと思う。でも、今の妻には20代の時に出会っている。妻が心の支えになっていたことは間違いがない。美談にしようというつもりはなく、本当に心から思っている。それと、恩人と呼べる3人に、僕は、29、30、31歳と立て続けに会っている。その出会いがなければ、もしかしたら僕も「食えないから」と心が折れていたかもしれない。　1人は、劇団「自転車キンクリート」の演出家 鈴木裕美。僕は、新宿の「スペース・ゼロ」で毎年行われている、有名な作家4人がまだ売れていない若い俳優を選んで力試しの場を提供する「ラフカット」というプロジェクトのオーディションを受けに行き、鈴木裕美に出会った。　2人目は、演出家で映画監督の堤幸彦。裕美さんが演出する舞台に立つ僕を見ていた堤幸彦が、「ブラック・ジャック2」というドラマのワンシーンに僕を起用するために声をかけてくれた。落ち着きなく、首の後ろなどを掻きむしりながら患者にがんを宣告する「医師A」の役だった。　3人目は、今所属している事務所の先代の社長である小口健二。「ブラック・ジャック2」をたまたま見ていた彼が、「こいつをうちの事務所に入れろ」と誘ってくれた。彼は僕にこう言った。「君は必ず売れる。うちじゃなくても、どこに居ても必ず売れる。ただ、うちに来たら少しだけ近道を照らしてあげられるよ」。普通、ドラマの端役、それもワンシーンを見ただけで、こんな風に豪語できる人もいないだろう。そうして僕は、今の事務所フロム・ファーストプロダクションに所属した。　今の事務所に移ってから、ある時「あれ、俺この3ヶ月、バイトをしないで食えているわ」と気づいた。偶然だと思うし、長く続かないかもしれないとも思った。それでも、8年間同棲していた妻にプロポーズした。2002年の出来事、僕は33歳だった。　29歳、30歳、31歳。この3人に出会ったタイミングも絶妙だった。俳優じゃなくても、30歳という歳は迷う。40歳ではまた別の悩みが頭を擡げる。50歳くらいになると「もう続けるか！」ということになるかもしれない。結婚して新しい家族を持ったり、子どもが生まれて生活のために辞めざるを得なかった俳優を、僕はごまんと知っている。みんな、それぞれに力のある俳優だった。実力があっても世に出れない俳優もいる。でも、わからない。本当の実力があれば、世の中はその人を見逃さないような気もする。　「良い時に、恩人に会えたのは運が良かったからだ」と言われれば、それまでかも知れない。でも、能動的にそういう人に出会うためには、自分がやりたいことを、やりたいように一生懸命やり続けるしか方法が無いと思う。その行動が結果的に運を引き寄せることがあるんではないだろうか。だから、もしいま上京を悩んでいる人に声をかけるとしたら「やりたいことをやればいいと思う」だ。やりたいことが東京にしかないなら出てくればいいし、やりたいことが地元でもできるなら地元でやればいい。　そしてもし、当時の自分に、今の自分が助言するとしたら「いまのままでいいよ」だ。たしかに暗黒時代だったし、二度と戻りたく無いとも思うが、そういう経験が今の僕になっていると思うから。◾️あの人の東京1年目第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第3話：アンジュルム 佐々木莉佳子と赤羽橋第4話：オカルトコレクター  田中俊行と清澄白河第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第6話：俳優 佐藤二朗と東京（編集：古堅明日香）スタイリスト：鬼塚美代子（アンジュ）ヘアメイク：今野 亜季（A.m Lab）

【あの人の東京1年目】役者 佐藤二朗と登戸

服一家に育つも、夢は“宇宙一のトップアイドル”　出身は宮城県の気仙沼です。私の子ども時代は、自由奔放で動くことが大好きな、ザ・天真爛漫という感じ。男の子に混じってスポーツをしたり、習い事ではエアロビやいろんなスポーツをやったりと、常に外で走り回っていました。歳の離れた姉と兄がいる3人兄弟の末っ子なのもあり、我儘だし生意気だったと思います（笑）。　私の家族は、父が元々パタンナー、姉と兄がファッション専門学校卒という“服一家”。父には、私が幼い頃から「良い服を着なさい」と教えられて。小学生の頃は、同級生の子たちと違うテイストの服を着ている自分を恥ずかしく感じたこともありましたが、今考えるとすごくかっこよかったなって。私、父以上にセンスのある人はいないと思っているので、今でもコーディネートに迷ったら、テレビ電話して相談しているんです。　常にファッションが身近にある環境で育ちましたが、小さい頃からとにかくダンスが大好きで、夢はずっと変わらず“宇宙一のトップアイドル”になること。そして、当時の「女の子が持っているようなキラキラしたものが好き」「プリキュアやセーラームーンのような女戦士になりたい」という感覚は今でも変わりません。アンジュルムのメンバーとも話すんですよ、「うちらってプリキュアみたいだね」って。　東日本大震災の後は、地元のご当地アイドル「SCK GIRLS」として活動していました。当時は振り付けしてくれる先生もおらず、全部自分たちでやらなきゃいけなくて。でも誰も手を挙げないので、「何でみんなやらないんだ？じゃあ私がやります！」という感じで、幼いながら振り付けを担当しました。そんな目立ちたがり屋で怖いもの知らずな性格だったからこそ、この世界に飛び込んで来られたんだろうなと思います。思い出が詰まった“第二の家” 赤羽橋　気仙沼を出て上京したのは、小学5年生・11歳の終わり頃。きっかけはモーニング娘。さんの11期オーディションに落ちて、ハロー！プロジェクトの研修生になったこと。初めは毎週末、レッスンのために気仙沼から東京まで通っていたのですが、続けるのは距離的にも金銭的にも大変だったので、東京で暮らすことにしたんです。　上京当時から事務所やレッスンスタジオがあった赤羽橋によく行っていて、会社のビルは“第二の家”みたいで大好きな場所でした。ファンの方はご存知だと思うのですが、会社の1階には「パシフィックヘブン」というカフェがあって、そこでイベントをやったりもしていたんです。私はビルの警備員さんと喋るのも大好きで、「おはようございます。今日はあったかいですね」なんて、小学生の頃からよく話しかけたりしていました。 　レッスン終わりにいつも仲間と喋ったり遊具で遊んだりしていた「飯倉公園」にも、思い出がたくさんあります。たぶん、ハロメン（*ハロー！プロジェクト所属メンバーのこと）で行ったことのない子はいないんじゃないかな。そんな思い出の詰まった大好きな場所だったので、コロナ禍で事務所が移転することになってしまって、本当に寂しいし悲しかったです。今でも時々仕事で赤羽橋に来ることがあるのですが、近くを通ると当時のことを色々思い出して、懐かしい気持ちになりますね。今日も久しぶりに来られて嬉しかったです。「立場や歴なんて関係ない、私が真ん中に立つ」　地元を離れて暮らすのは寂しさもありましたが、新しい世界に飛び込んでいたので、上京後の日々は楽しかったし意外と平気でした。でも、やっぱり自分が想像していたより厳しいことも多くて、生まれて初めてぶつかった壁は「敬語を使うこと」。研修生になるとまずマナーを教えられるんですが、当時のマネージャーさんが、もう笑っちゃうほど厳しくて。いつもドキドキしながら、名前を呼ばれるたびに背筋がピンと伸びてしまうような感じでした。でもそれがあったからこそ、人として成長できたと思います。　私は根っからの負けず嫌いなので、研修生の頃は「立場や歴なんて関係ない。私が真ん中に立つ」みたいな感じで、もうバチバチで。自分が新人だろうが、すごい先輩がいようが、絶対にその位置を奪えると思っていたし、自信満々でした。何かのインタビューでライバルを訊かれた時、みんなは同期の名前を答えるのに、私は先輩の名前を出したりして。だけど、それぐらいの気持ちがあったから乗り越えられたことがたくさんあったし、環境の変化にもついていけました。　第二の壁にぶつかったのは、デビュー後ですね。1年半の研修生期間を経て、中学1年生になったばかりの13歳の時に3期メンバーとしてアンジュルムに加入したのですが、久々の新メンバー加入だったので、「受け入れてもらえないんじゃないか」という不安もありました。でも特に辛かったのは、それまで自信を持ってやってきたダンスを、ファンの方たちから否定されてしまったこと。研修生時代は個々でのパフォーマンスだったのが、デビュー後は周りと合わせることも意識したグループとしての見せ方が必要で。自分がそれまで信じてやってきた正解が、新しい場所では違ったんです。初めて「正解は一つじゃない」と気づかされた出来事でした。　悲しかったし悩みましたが、一旦自分が信じてきたものをやめて周りに合わせる気持ちを持ちながら努力したら、少しずつ変わることができました。でも一方で、私は研修生の頃から変わらず、「ステージ上では先輩後輩は関係ない」という思いをずっと持ち続けてもいて。礼儀も大事だけど、ステージというのは個々のパワーやグルーヴのぶつかり合いだし、上下関係なく食らいつくからこそ生まれる凄い力がある。そんな気持ちでやり続けていたら、今度は先輩たちが私の勢いについてきてくれるようにもなったんです。だから、グループの中に収まれるようになったのは、一度自分を見つめ直す時間を持ったからでもあり、私の考えを受け入れてくれた先輩たちのおかげでもあったと思います。佐々木莉佳子流「友達の作り方」　上京した時は、転校生だったので当然友達は1人もいなかったのですが、私は性格的に友達を作るのが超得意なタイプで。仲良くなりたい子がいたら、最初にその子のことを見つめてニコッと笑う。そうすると、人って釣られて笑うんですよ。それを覚えて、「笑顔」で友達を作っていました（笑）。だから、転校初日からクラスのみんなと遊びに行っていたくらい、友達に困ったことはなかったです。　学校の友達や先生にもすごく恵まれていました。普通は学校に行ったら「芸能人だ」と冷やかされたりしてもおかしくないけれど、そんな人はいなくて。元々友達の前では恥ずかしくてあまり泣けないのですが、その人たちの前では涙を見せられるくらい、本当に支えられていました。みんなよりも寝る時間や遊ぶ時間が少ない生活を送っていたので、「もう学校なんて」と思った時期も正直ありました。でも、担任の先生もアイドル活動に理解があって、仕事で疲れすぎて授業中に寝てしまったり、嘘をついて早退したりしてしまった時も、何も言わないでいてくれて。ありがたかったですね。　仕事では、研修生時代にライバルだった先輩であり、アンジュルムでは同期になった室田瑞希ちゃん（以下、むろ）との出会いが大きいです。研修生の頃は「絶対負けない」と思っていましたが、同期としてグループに入ってからは、切磋琢磨できる“戦友”のような存在になりました。むろがいたからこそ抱けた熱い気持ちやできたことがたくさんあったので、むろが卒業（*2020年3月）した後に、自分の中でその存在がどれだけ大きいものだったのかを実感しました。2人で会うと今でもその話になるくらい、お互いにとって無くてはならない大切な存在でしたね。　小中学生時代は笑顔と勢いで友達を作っていた私ですが、今となっては人の難しさを色々知ってしまったので、前よりも少し慎重に距離を詰めるようになりました。いろんなメンバーがいるグループの中で過ごしていると、相手への「理解力」や「歩み寄り」がすごく大事だなと思うんです。特に今は後輩も増えたので、メンバーそれぞれの性格を把握して、毎日挨拶の時点で「今日この子元気ないな」「何か思ってることがありそうだな」と察知して、それに合わせて対応するようにしています。「こういう発言は好きじゃなさそうだな」と感じたら今後は言わないように気をつけたりだとか、日々一人ひとりに関しての学びを得ている気がします。「浅いものにはなりたくない」だからこそ選ぶ道　アイドルやモデルとして「表現」を続けてきた中で、私には表現者として「浅いものにはなりたくない」という思いがあります。パフォーマンスはもちろん、言葉も表現の一つとして大切に紡ぐようにしているし、細部までこだわりたくて。アンジュルムに加入した頃は、ただ純粋に自分のやりたいことができる楽しさや喜びが大きかったのですが、今の私はステージに立っている時、「誰かの生きがいになれたらいいな」「自分の存在が誰かの幸せだから、その幸せを広げてあげたい」という気持ちを持っているんです。だから、私が表現をする上での最終的なゴールは「伝える」ということ。自分の中で満足して完結するのではなく、見ている方に伝わってほしいし、周りをちゃんと巻き込みたい。そんな思いを込めて、言葉も紡ぐしパフォーマンスもしています。　「自分」をしっかり持っていると言われることが多いですが、「自分らしさって何だろう」と迷った時期もありました。でも、型にはまっていないところが自分らしさだと気づいた時に、「何にでもなれる」と思ったんです。それからは、あまり深く考えないようになりましたね。最近は「ブルベ・イエベ」や骨格診断などもありますが、「みんな好きなものを着な」「人生一度きりなんだから自由にやっちゃえよ」って私は思います。こうやって言っていると、実際にファンの方たちが「莉佳子ちゃんのおかげで勇気が出て、今日これ着てみたよ」と伝えてくれたりもして。そういう方たちがいるからこそ、私はどんな色にも形にもなれる人でありたいと思うし、固定観念をぶち壊していく人生でありたいですね。　卒業を発表してから、「今後は何をするんですか？」とよく訊かれるのですが、実はまだ決めておらず、これから見つけていこうと考えています。「ステージに立っている時の自分が一番好き」という気持ちはきっと今後も変わらないので、歌やダンスは続けたいですし、何らかの形でみなさんの前に立つことができるようなお仕事はしていたいですね。でも、先が決まっていないことは全然不安じゃなくて、むしろ超面白いし、それもまた人生だなと。これまではずっと安定していて守られていた環境だったので、1回挫折することが必要だとも思っています。きっと大変なことがたくさんあるだろうけど、そうしないと強くなれないし、壁にぶつかって砕けるからこそ、また人間として1つ大きくなれる。もしダメだったらまた立ち上がって、新しい私を見てもらえるように頑張ります。　だけど、生きていくのって基本的にめちゃくちゃ辛いし、生きているだけでみんな頑張っていますよね。仕事で疲れて家に帰った後は、お風呂に入るのさえ大変じゃないですか。でも、だからこそ休みの日や幸せがより輝いて見えるものだとも思うし、逆のことがあるからこそ成り立つ部分もある。そんなふうに考えながらたまには自分を甘やかししつつ、頑張ってうまく生きていきましょう、みなさん。◾️あの人の東京1年目第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第3話：「アンジュルム」佐々木莉佳子と赤羽橋第4話：オカルトコレクター  田中俊行と清澄白河第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第6話：俳優  佐藤二朗と登戸

“宇宙一のアイドル”を目指して突き進んだ日々

【あの人の東京1年目】「アンジュルム」佐々木莉佳子と赤羽橋

【神保町】マグニフ　世界一の古本の街として知られる神保町で、ひときわ目を引く黄色の外観。「マグニフ（magnif）」は、日本でも数少ないファッション雑誌を軸とした古本屋で、商品は年代やファッションスタイルで分類されています。特に「メンズクラブ（Men's Club）」や「エスクワィア（Esquire）」を中心としたトラッドスタイルを扱うファッション雑誌の品揃えは圧巻。ファッション業界人のファンも多く、レジ周りで店主さんとファッション談義に花を咲かせている光景は、アットホームな雰囲気のマグニフならでは。■筆者の購入品◾️マグニフ所在地：東京都千代田区神田神保町1-17営業時間：12:00〜18:00定休日：不定休公式サイト／公式インスタグラム【神保町】小宮山書店　神保町のメインストリートである靖国通りに面する「小宮山書店」。世界的な人気を誇るラフォーレ原宿のセレクトショップ「グレイト（GR8）」のブックスペースのセレクトも手掛ける同店は、1階でファッション関連の書籍をラインナップしています。ショーケースには、「コム デ ギャルソン（COMME des GARÇONS）」や「メゾン マルジェラ（Maison Margiela）」「シュプリーム（Supreme）」といった人気ブランドに関する貴重な書籍を多数用意。2階は、写真集やアーティストの作品集などのアート関連が充実していて、現代アーティストの作品も展示するなど、ギャラリーのようにも楽しめます。◾️小宮山書店所在地：東京都千代田区神田神保町1-7営業時間：月〜土 12:00〜18:30／日・祝 12:00〜17:30定休日：火・水公式サイト／公式インスタグラム【神保町】ヴィンテージ 神保町店　映画のポスターが目立つ「ヴィンテージ 神保町店」の1階には、映画のパンフレットや映画関連の雑誌や書籍のほか、野球や演劇などの書籍がたっぷり。入口の左側にある階段を登った2階にファッション関連の書籍がありますが、個人的に掘り出し物との遭遇率が高いのがこのお店。最近では、他のお店ではなかなかお目にかかれない2000年代の「お兄系」のファッション雑誌に遭遇しました。ダメージや汚れがある雑誌を値引きして販売していることもあるので、状態にこだわらない人には特にオススメです。■筆者の購入品◾️ヴィンテージ神保町店所在地：​​東京都千代田区神田神保町2-5 神保町センタービル 1階、2階営業時間：平日 11:00～18:30／土 11:00〜18:00／日・祝 12:00～18:00公式インスタグラム【神保町】文献書院 ブンケンロックサイド　「文献書院 ブンケンロックサイド」は、「ロックサイド」という店名の通り、ロックを中心とした音楽系の雑誌や書籍を大量にストックしており、海外からの音楽好きも数多く来店する古本屋。アニメやアイドルなどのカルチャー系の書籍も多数。店内に入って左側に大量のファッション雑誌が陳列されており、特に「ポパイ（POPEYE）」や「ホットドッグ・プレス（Hot-Dog PRESS）」の品揃えが非常に充実しています。雑誌の多くはビニール袋で封をされている状態で陳列されているので、保存状態も良好です。■筆者の購入品■文献書院ブンケンロックサイド所在地：東京都千代田区神田神保町2-3営業時間：10:30～19:00定休日：なし公式サイト／公式X【神保町】アットワンダーJG　神保町駅近くに店を構える古本屋「アットワンダー」の新店舗として2022年にオープンした「アットワンダーJG」。パチンコ店の跡地で120坪という大型店舗で、店内は広々としているので、ゆったりと目当ての雑誌を探すことができます。ファッション系はもちろんのこと、文学、芸能、アニメなど幅広いジャンルを揃え、古本だけではなく、雑貨やレコードなども取り扱っているので、古本屋初心者にもオススメのお店です。◾️アットワンダーJG所在地：東京都千代田区神田神保町1-4-5 日商第一ビル 1階営業時間：月〜土 11:00〜20:00／日･祝 11:00〜19:00定休日：年末年始公式X【中野】まんだらけ海馬　「まんだらけ」と言えば、漫画やアニメ、特撮などのいわゆる「オタクカルチャー」を扱う店、という印象の人が多いのではないでしょうか？「オタクの聖地」として知られる中野ブロードウェイには「まんだらけ」が多数店舗を構え、フィギュアやセル画など様々なグッズが販売されていますが、その中のひとつである「まんだらけ海馬」はSFやオカルト、東洋医学などのマニアックなカテゴリの他、ファッションやアート、建築などの書籍が充実しています。通路に面した特価品コーナーの棚（画像4枚目）では、他の古本屋では数千円の値段がつけられるようなレアな書籍が数百円で見つかったりすることもあるので、要チェックです。◾️まんだらけ海馬所在地：東京都中野区中野5-52-15営業時間：12:00～20:00定休日：年中無休公式サイト／公式インスタグラム【中野】ロンド社　こじんまりとしたお店ながら、バラエティに富んだ品揃えが特徴の「ロンド社」は、「まんだらけ海馬」と同じく中野ブロードウェイの中に店を構えています。アニメやプラモデルの雑誌やムックの他、鉄道や自動車などの書籍が目立ちますが、「ポパイ」や「ホットドッグ・プレス」といったファッション雑誌も充実。近年、ファッション誌は高騰しつつありますが、ロンド社は比較的低価格で手に入れることができる穴場的な古本屋さんです。◾️ロンド社所在地：中野区中野5-52-15 中野ブロードウェイ 2階営業時間：11:00～19.:00定休日：水曜日公式X【中野】チラクシンブックショップ　中野ブロードウェイから数分歩いた、のどかな雰囲気の新井薬師（梅照院）の参道にある「チラクシンブックショップ」。マイケル・ジョーダンが映画監督のスパイク・リーを片手で持ち上げる有名なポスターの脇には、「スラムダンク」をはじめとしたバスケットボール関係の書籍がずらり。ファッション雑誌をはじめとした書籍はカテゴリごとに分類されています。クラフトビールとコーヒーも販売されており、ウッドを基調としたお洒落なカウンターでゆっくりと読書が楽しめます。◾️チラクシンブックショップ所在地：東京都中野区新井1−14−17営業時間：月・火 12:00〜19:00／木〜日 12:00〜20:00定休日：水曜日、不定休公式サイト／公式インスタグラム【代々木上原】ロスパペロテス　高級住宅街として知られる街、代々木上原の駅のそば、雰囲気の良い飲食店やこだわりの古着屋が並ぶ商店街に店を構える「ロスパペロテス」は、街に馴染んだ落ち着きのある外観がとてもおしゃれ。ファッション系の他、哲学やアート、料理など幅広い品揃えで、商店街という場所柄、絵本などの子ども向け書籍も多く取り扱っています。◾️ロスパペロテス所在地：東京都渋谷区西原3-4-2 紅谷ビル G102営業時間：12:00〜21:00定休日：火曜日公式インスタグラム■筆者の購入品【代々木上原】リズム＆ブックス　最近は「奥渋谷」としてファッションエリアとしても注目度を高めている富ヶ谷の交差点脇のビル1階にある「リズム＆ブックス」は、映画や音楽などのサブカルチャー系やアートや写真などの芸術系の他、芸能関係やアンダーグラウンドなカルチャーに関する書籍も充実しています。代々木公園のすぐ近くで、周りにはおしゃれな飲食店や通好みの古着屋なども点在しており、休日のお散歩にもぴったりです。■筆者の購入品◾️リズム&ブックス所在地：東京都渋谷区富ヶ谷1-9-15 星ビル 1階営業時間：平日 12:00〜22:00／土日祝 12:00〜20:00定休日：なし公式サイト／公式X【西荻窪】ねこの手書店　西荻窪の駅近く、昔ながらの商店街の一角に店を構える「ねこの手書店」。店頭に週刊誌やコミック雑誌が並び、誰でも入りやすいカジュアルな店構えで「街の古本屋さん」という言葉がぴったりのお店です。文庫本やコミックなど、手に取りやすい一般向けの書籍を数多く揃えていますが、音楽や映画、アニメなどのサブカルチャーのほか、ファッション雑誌も多数取り扱っており、2010年代や2020年代といった比較的新しい年代のファッション誌も豊富です。◾️ねこの手書店所在地：東京都杉並区西荻南3-7-7-106営業時間：12:00～22:00定休日：なし公式X【吉祥寺】古本よみた屋　吉祥寺駅から歩いて5分ほどの井の頭通りに店を構える「古本よみた屋」は、老若男女幅広い層に愛される、地元に根ざした古本屋さん。専門書や学術書の他、哲学や宗教などの思想系や、歴史系、アート系の書籍が充実しています。ファッション系は1960年代や1970年代などのかなり古い書籍から、近年のものまで揃っています。新しく入荷した書籍はレジ横の棚にまとめられているので、欠かさずチェックしましょう。◾️古本よみた屋所在地：東京都武蔵野市吉祥寺南町2-6-10営業時間：10:00～ 22:00定休日：年末年始公式サイト【番外編】移動式古本屋「tuneless melody bookstore」　「tuneless melody bookstore」は、クラブイベントやライブハウス、アウトドアイベントなど様々な場所に出張してお店を構える移動式古本屋。店主である堀田さんが青春を過ごした1990年代のファッション雑誌や音楽雑誌、それにまつわるTシャツや小物など、好きな人にはたまらないアイテムが勢揃い。出店時には公式SNSで随時アナウンスされるので、要チェックです。■筆者の購入品◾️tuneless melody bookstore公式インスタグラム／公式X

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