インサイド

なぜか青が見つからない空母の作業服──前回は、皆さんが古着に関する仕事を始めるきっかけとなったアイテムについてお話いただきました。連載2回目となる今回は、今ハマっている古着をご紹介いただきます。まずは植木さん、お願いします。植木勝也（以下、植木）：いきなりマニアックなアイテムで恐縮ですが（笑）、僕がずっと収集し続けている、US NAVY（アメリカ海軍）のデッキクルージャージーとベストです。フライトデッキクルーと呼ばれる空母の甲板作業員の制服で、このカラーバリエーションの多さから「カラーギャング」とも呼ばれています。藤原裕（以下、藤原）：凄い量ですね（笑）。植木：詳しく説明しちゃってよろしいでしょうか（笑）。カラーは全部で7色ありますが、色によって役割が違うんです。白は現場監督のような役割で、安全管理や品質検査を担当しています。紫は給油。茶色が一番レアで、航空機のメンテナンスやオペレーションなどをする人。黄色は誘導担当で、着艦する航空機に指示をする人。赤が危険物の管理や火災時の消火、救護などを行う人。緑はカタパルトなどの保守や運用をする人です。そして、青が機体の移動や車輪の固定などを行う人。ハードな肉体労働が中心なので、配属されたばかりの若手が担当することが多いそうです。いわゆる“下っ端”ですね。アクタガワタカトシ（以下、アクタガワ）：そこまで細かく決まっているんですね。──青が下っ端ということは、市場で出回っている数が多いんですか？でも、今回は青のジャージーはお持ちいただいていないようですね。植木：青は特にレアって訳ではないんですが、何故か僕には見つけられないんです。1970〜80年代の青が欲しくてこの15年間ずっと探し続けているのに、一着も手に入れられていません。ですので、この記事を読んでいる方が見つけたら、是非僕に教えてください（笑）。──アイテムごとにボディに施されているステンシルが違いますね。植木：ステンシルは、所属する空母とその人のランクを表しています。ランクはE1からE9までの9段階で、E1〜3は下級兵、E4〜6は現場のチームリーダーやベテラン勢である下士官、そしてE7〜9は現場と幹部を繋ぐチーフ的な役割の上級下士官。例えば、この「SCPO」というステンシルはE8の上級兵曹長（Senior Chief Petty Officer）を表していて、かなりレアなアイテムです。植木：「T」はトレーニング、つまり実戦部隊を育てる学校に所属している人であることを表しており、これもなかなか出てきません。僕は車やバイクが好きなので、冬場はこのジャージーの上にオイルドジャケットを羽織り、ボトムスにペインターパンツなんかを穿いて運転を楽しんでいます。植木：ベストも同じく7色展開なんですが、あの「コールマン（Coleman）」*が作った個体もあるんですよ。コールマンが、「スターンズ（STEARNS）」**というアウトドア系の会社を買収した時期に、軍からのオーダーを受けて納品していたみたいです。*1900年に米国でランプのリース業者として創業。その後ストーブやクーラーボックスをはじめとするアウトドアグッズやアパレルの製造も手掛けるようになった。**1927年に自動車用品メーカーとして創業。1940年代からライフジャケットなどのマリングッズや、アウトドアグッズなどを手掛けるようになった。2008年にコールマンの親会社が買収。植木：このベストには救命胴衣の役割もあって、海に落ちたら水を感知してガスが膨張することで、浮力を確保できるようになっているんですよ。この緑のベストはデッドストックなので、着用する前に取り外す黄色いラベルが付いています。ラベルには「膨張装置とバッテリーを用意する必要がある」というような注意書きが記載されています。──ジャージーとベストを一緒に着るときは、それぞれの色を合わせているんですか？植木：はい、色は絶対に合わせるようにしています。今一番気に入っているのは緑色ですね。緑色はフェード（褪色）すると、とても雰囲気が良くなるんですよ。今日持ってきているなかで最も古いのが1972年のもの。ベトナム戦争の頃ですね。僕は1960年代のものも所有していますが、光沢のあるレーヨン系の生地や、低い襟、ベルクロのディテールなど、仕様がかなり違います。その後、70年代になると生地は伸縮性のあるコットンジャージーに、襟もモックネック型になります。市場には1970〜80年代のものが多く出回っていますね。時代によって襟の仕様が異なっていて、時代が浅くなればなるほどネックが長くなるんです。最近製造されたものはタートルネックみたいになっているほか、難燃素材の生地が用いられるなど、機能面でも進化が見られるのが面白いです。植木：古着でも、同じアイテムでこれだけのカラーバリエーションがあるのって珍しいと思うんですよ。そして、なかなか市場に出てこない希少なアイテムにも関わらず、それほど高価ではない。レアなステンシルが入っているものなど、一部の古いジャージーは数万円することもありますが、年代や希少性にこだわらなければ、数千円で買えます。ベストはフラミンゴだと1万5800円くらいで販売してます。藤原：ベルベルジンでも同じくらいで出してますね。植木：ですので、集め甲斐があると思いますよ。是非皆さん集めてみてください（笑）。ハマり続けている永遠の定番、チャンピオン──続いては藤原さん、お願いします。藤原：「今、ハマっている」というよりも「長年ずっとハマり続けている」と表現したほうが正しいかもしれません。僕の永遠の定番ブランドである「チャンピオン（Champion）」のリバースウィーブ（REVERSE WEAVE）です。藤原：地元の高知から一緒に上京してきた友達が3人いるんですが、そのひとりから「太って着られなくなってしまったリバースウィーブが何着かあるので、ベルベルジンで販売してもらえないか？」と連絡がありまして。その中のひとつがこの黒のリバースウィーブなんですが、実は僕がその友達の20歳の誕生日プレゼントとしてあげたものなんです。僕は当時、5800円くらいで買ったはずです。植木：それが今では10万円以上になっていますもんね。藤原：チャンピオンのスウェットの多くは胸元に「C」のロゴ刺繍が施されていますが、これはその刺繍がないもので、古着業界では「目なし」と言われます。大学のスポーツチーム名などをプリントするために製造されたものですね。チャンピオンのスウェットは時代によってタグの仕様が変わっているのですが、僕は1980年代のトリコタグ*のリバースウィーブが特に好きなんです。チャンピオンのスウェットは買っては売ってを繰り返して、今手元にあるのはかなり厳選した40枚ほどです。*1980年代に製造されたアイテムに付く、青・白・赤のトリコロールカラーでデザインされたタグ藤原：Tシャツは、デカラン*タグが付いた1950年代のもの。ベルベルジンで働き始めた22歳のときに、常連さんが10枚くらいチャンピオンを持ってきてくれたんですが、「これはプリントが入っていないから安くでいいよ」と言って、7800円で売ってくれたんです。そのとき初めて実物のデカランを見たので、とても興奮したことをよく覚えています（笑）。*1930〜50年代に製造されたアイテムに付く、ランナーがあしらわれた大きいサイズのタグ藤原：チャンピオンのTシャツは本当に大好きで、200枚以上所有していたんですが、ベルベルジンの10周年記念と15周年のときに、うちの社長から「周年記念なんだから、お前が持っている良いチャンピオンを出せよ」と言われまして（笑）。そのときに染み込みプリント*など、希少なアイテムを数多く出しました。でもこれはお客さまから譲っていただいたという思い出もあるので、特に大事にしていますね。*水性インクを繊維の内部まで染み込ませたプリント技法アクタガワ：裕君の結婚式で過去の写真を編集したムービーが流れたんですが、裕君はほぼ全ての写真でスクール系のプリントが入ったグレーのチャンピオンを着てたよね（笑）。藤原：好きなんですよ、本当に（笑）。最近は、これまで集めてきたヴィンテージを参考にした復刻版の企画に関わらせてもらうようになりました。チャンピオン愛好家として、大変名誉なことだと思っています。100足以上所有していたチャックテイラー──もう一点は、リバースウィーブと同じく永遠の定番アイテムと言われる「コンバース（CONVERSE）」の「チャックテイラー（CHUCK TAYLOR）」ですね。藤原：東京に出てきた18〜19歳くらいのときに、高円寺の古着屋で買ったものです。当時、「ロッドマーズ（ROD MARS）」という古着屋さんがあったんですが、その店舗の奥にあった小さな古着屋さんで、ワゴンセールになっていたのを購入しました。US 11〜13（約29〜31cm）という大きめサイズしかなかったんですが、5800円均一。僕は10がジャストなんですが、12くらいまではなんとか履ける。あと、あの頃はあえて大きいサイズのスニーカーを履く「デカ履き」が関西を中心に流行っていて、それにちょっと憧れていたというのもありました。藤原：僕はそのとき、このパープルの他にレッドとマスタードを買いました。もっと買いたかったのですが、お金がなくて。その次の週に、同じ高知県出身の同僚をその古着屋に連れて行って、「お前も買っておけば？」と3足くらい買わせました（笑）。でも、その後同僚はほとんど履かなかったので、僕が買い取って。同僚が履いたユーズドだということで、5000円で譲り受けました（笑）。　一時期はチャックテイラーを100足以上所有していましたが、そんなに多く持っていても、僕の生涯で履くことはないだろうと（笑）。今手元にあるのはホワイトとレッドと、このパープルの3足だけ。パープルはトゥが硬化してカチカチになっていますが、手放せないですね。やはりスニーカーは「リーバイス（Levi’s）」の「501」に合うようなベーシックなデザインのものが好きです。“ボロ”に目覚めるきっかけとなったスウェットパンツ──最後はアクタガワさん、お願いします。アクタガワ：前回植木くんが“ボロ”を色々紹介してくれましたが、僕が初めて「ボロっていいな」と感じたのがこの「プーマ（PUMA）」のプリントが入った「スプルース（SPRUCE）」のスウェットパンツです。「ジャンピン ジャップ フラッシュ（JUMPIN' JAP FLASH）」で3000円くらいだったと思います。今は中目黒にお店がありますが、1990年代は麻布で卸売をやっていて、僕はそこでスニーカーの値付けの手伝いをしていたんですよ。このパンツは、お店で普通に買ったのか、値付けのギャラ代わりに貰ったのかは覚えていないんですが（笑）。──ブランドロゴが大きく入っていますが、このスウェットパンツに合わせるシューズはどう選んでいますか？アクタガワ：プーマのスウェットに「アディダス（adidas）」のスニーカーだと食い合わせが悪い*ですよね（笑）。だから、「ニューバランス（New Balance）」とか。プーマのウェアにプーマのシューズを合わせるのは、ちょっと気恥ずかしいですね。──気恥ずかしいという感覚、とてもよくわかります（笑）。アクタガワ：日焼けしたネイビーのスウェットは「ヴォイス（VOICE）」**で買ったものです。1万円くらいだったかな。実は一度、フェードが気になってダイロンで染めたんですが、着ていたらまた色が抜けてきて。最初はもっと色が薄かったんですよ。*「ダスラー兄弟商会」を創業・共同経営していた兄弟が仲違いをして、兄のアドルフ・ダスラー（Adolf Dassler）がアディダスを、弟のルドルフ・ダスラー（Rudolf Dassler）がプーマをそれぞれ立ち上げた。**「N.ハリウッド（N.HOOLYWOOD）」のデザイナー尾花大輔も勤務していた原宿の老舗古着屋。2014年に閉店し、跡地では現在「ベルベルジン コレクティブ（BerBerJin Collective）」が営業している。植木：1990年代にこんなにフェードしたスウェットを売っていたのは珍しいですね。あの頃だと、これだけフェードしたアイテムはピック（買い付け）すらしなさそうです。アクタガワ：当時はそうでしたね。でも、モノ自体は希少なヴィンテージだから、店頭に置いていたんでしょうね。アクタガワ：ボロ繋がりで言うと、今着ているシャツは最近買ったものですが、ちょうどいい具合のボロって見つけるのが難しいんですよ。ボロを着るときは、「グッチ（GUCCI）」のようなラグジュアリーブランドのアイテムと合わせたりして、バランスを取るようにしています。植木：トップスのボロはいいんですが、ボトムスのボロは難しいですよね。古着屋ビジネスの基礎はフリマで学んだアクタガワ：先日、世田谷公園のフリーマーケットで見つけたボロの1950年代のパンツが良かったんですが、値段を見ると思っていたよりもかなり高くてびっくりしてしまいました。植木：1990年代、世田谷公園のフリマは穴場でしたよね。アクタガワ：世田谷公園で安く買ったものを、明治公園のフリマで転売しているヤツもいたね（笑）。あと東急文化会館*の屋上でやってたフリマもあったよね。植木：あそこは良かったですよね。僕らの年代の古着屋はみんなフリマ出身ですよね。フリマで商売のイロハを覚えました。ミッチー**もクリちゃん***もフリマ常連組。ミッチーは中学生のときからフリマに来てたよね。──皆さんは今もフリマに行ったりするんですか？植木：出店は久しくしていませんが、日本でもアメリカでもフリマにはよく行きますよ。やっぱり楽しいですね。お店の什器をフリマで買うのが大好きなんですよ。アクタガワ：今は大井競馬場のフリマがアツいみたいですね。古着がまた盛り上がっているように、フリマカルチャーもまた脚光を浴びるかもしれないですね。*1956年に開業した商業施設。2003年に閉業し、跡地に2012年に渋谷ヒカリエが開業した。**古着屋「デザートスノー（DESERT SNOW）」鈴木道雄 社長***古着屋「ミスタークリーン（Mr. Clean）」 栗原道彦 店主　連載のイントロダクションとしてお届けしたアクタガワさん、植木さん、藤原さんによる鼎談は今回でおしまい。次回からはゲストを迎え、4人でよりディープな古着トークをお届けします。お楽しみに！

Fashion

【ようこそ古着沼へ】100足以上所有していたチャックテイラーを3足まで減らした理由

「無知って強い」　20代で店を始めた3人が語る、令和のセレクトショップ事情

石井スポーツ 登山靴技術研究所　石井スポーツの「登山靴技術研究所」は、社内にある製靴（せいか）工場です。修理の受付は全国の石井スポーツ各店舗で行っており、預かった靴がこの工場に集約する仕組みです。　修理依頼は、石井スポーツの取り扱いブランドに関係なく受けつけています。持ち込まれるのは同社で購入された登山靴が大半を占める一方で、メーカーや他店で修理を断られ、駆け込んでくる人も少なくないといいます。　修理依頼で特に多いのは靴底の張り替え。公式サイトの価格表によると、「ビブラムソールへの交換」は1万7600円から。納期はソール交換などの大掛かりな修理で約3ヶ月、フック交換やほつれ直しといった細かな修理で約40日が目安です（2026年7月時点）。　登山のハイシーズンには「次の山行までに直してほしい」という急ぎの依頼が集中するため、職人が余裕を持って作業にあたることができる10月から4月頃のオフシーズンに持ち込むのが狙い目だそうです。　なお、修理の可否は単なる損傷の度合いだけで決まるわけではありません。「山で使うのか、平地で使うのか」といった今後の用途や求める性能を起点に、目標とする状態まで安全に直せるか、費用対効果に見合うかという観点から総合的に判断されます。　また、靴工場としてのルーツを生かし、足型を採取して希望のモデルに仕上げるオーダーメイド登山靴の製作も行っています。ただし、対応可能なのは閑散期の1月から4月頃に限られ、取材日時点で完成まで約2年待ちとのこと。依頼の際は納期に十分な余裕を持つことをおすすめします。　インタビューに応じてくれたのは、工場長の山田周平（やまだ しゅうへい）部長と、元工場長でスタッフを支えるベテラン靴職人の中真人（なか まさと）さん。お店へ持ち込む前に知っておきたい修理のQ&A🥾取材余話🥾 ベテラン職人の中さんが特に記憶に残っている一足 中さんはアルピニストの長谷川恒男※さんの靴を手掛けたことがあり、それが思い出の一足になっているといいます。  チョモランマに行くために「コルクの芯材で作ってほしい」と頼まれたんです。最初は断ったんですけど、最終的に「使い方は自分で考えるから作ってください」と言われて。 軽量化のために「ゴアテックス（GORE-TEX®）」のゴア社も協力してくれて、長谷川さんが北海道でもらってきたゴマフアザラシの毛皮も使いました。ソールが二重のダブル靴で、最後は三重のトリプルまで作りましたね。その靴は今、長谷川さんの記念庫（長野県）で展示されています。  長谷川恒男（はせがわ つねお）ヨーロッパアルプスの最難関とされる三大北壁（さんだいほくへき）の厳冬期単独登攀（げんとうきたんどくとうはん）を世界で初めて成し遂げた日本を代表する登山家。プロガイドとしても先駆者であり、日本アルパイン・ガイド協会の専務理事を務め、後進の育成や安全な登山の普及に尽力した。1991年10月、パキスタンの未踏峰ウルタルII峰への挑戦中、頂上を目前にして雪崩に巻き込まれ、43歳で帰らぬ人となった。公式サイトマウンガ（maunga） 御岳本店　「マウンガ（maunga） 」は、2012年にオープンした中古アウトドア用品の買取・販売専門店。本店はボルダリングや登山の拠点として知られる青梅・御岳エリアのJR御嶽駅前に位置し、2016年には吉祥寺店もオープンしました。　店頭では持ち込みや郵送で買い取ったものをメンテナンスして販売。修理はウェアやザック、テントなどミシンで縫う「縫製もの」が中心ですが、テントのフレームやランタンといったパーツまわりの相談にも対応しています。　依頼は郵送も可能ですが、持ち込みする人がほとんど。「破れを目立たなくしたいのか、それとも強度が欲しいのか」といった仕上がりの希望を、対面ですり合わせてから修理方法を決めるためです。　料金は現品を見て見積もる方式で、ズボンの膝の破れ補修なら2000円程度からが目安。ただし、修理部分の素材や修理規模などで金額は変動するため、修理品を店頭に持ち込むか、事前に電話またはメールで問い合わせるのがおすすめです。　同店の特徴は、メーカーでは受けてもらえない改造・カスタマイズにも応えてくれる点。ポケットの追加や、「薪ストーブの煙突をテントから出すための開口部の作成」といった依頼にも対応してきた実績があります。　その一方で、依頼主の予算や手間を第一に考え、自身で直せる方法があれば、まずはセルフリペアを提案しているとのこと。とりわけ、市販の補修パーツを用いたファスナーの修理などは初心者でも簡単にできるため、直し方をアドバイスすることもあるそう。　マウンガを運営するOne Natureの代表取締役 遠藤浩史（えんどう ひろふみ）さんは、アウトドアメーカーでの長年の修理経験から、各アイテムの構造に対する深い知識があり、依頼者の道具への熱意に寄り添います。　「『修理できません』とはあまり言いたくない」というのが遠藤さんのポリシー。難しい場合でも代替の方法と費用を提示したうえで、相談しながら進めていくといいます。過去には新品を買うより修理費が高額になるケースでも、「それでも直したい」という依頼に応えたことがあるそうです。お店へ持ち込む前に知っておきたい修理のQ&A　御岳本店の店頭と修理拠点で遠藤さんにインタビューを実施しました。縫製作業は地元のテーラー職人と協力　縫製作業を担うのは、仕立て歴70年、元テーラー職人の伊藤さんです。60年以上使い込んだミシンを整備しながら、ミシンが入らない箇所は手縫いで補強するなど、経験に裏打ちされた技術でアウトドアギアに対応しています。　経験豊かな伊藤さんの手仕事と並んで特筆すべきは、単に「破れを縫う」だけで完結しない修理の幅広さです。遠藤さんが依頼者の要望に対し、アウトドアの知見をもとに修理方法を伊藤さんに提案し、綿密な打ち合わせをもとに修理に向き合います。　作業場には直線縫い用のミシンだけではなく、生地端の修理に使うロックミシンなど、種類の異なるミシンが並び、依頼内容に応じて的確に使い分けています。　また、こうした専門的なミシンワークに加え、防水シェルの修理では、剥がれたシームテープをアイロンで丁寧に圧着。縫い目に段差がある箇所にはタオルを下敷きにして圧を均一にかけるなど、テーラー仕込みの技術でアウトドア用品特有の細かな作業にもひとつずつ丁寧に対応しています。　さらに、伊藤さんだけでは対応しきれない細かな作業や特殊な工程については遠藤さんが自ら持ち帰り、顧客の要望を極限まで正確に形にできるよう、妥協のない姿勢で日々の作業にあたっています。公式サイトビブラント（viblant）　「ビブラント（viblant）」は、2013年に二子玉川にオープンしたヴィンテージランタンの専門店。店主の石角直樹（いしかど なおき）さんは、量販店、専門店を経てコールマンに入社し、日本直営店で店長を4年間務めたあと、本社で全国店舗の管理・運営を担当したという経歴の持ち主です。店名の「viblant」は、バイブレーション（vibration）とランタン（lantern）を組み合わせた造語なのだそう。　ランタンは入荷後に洗浄・整備し、連続4時間の燃焼テストに合格したものだけが店頭に並びます。「もし3時間半で消えたら、もう一回やり直し」という徹底ぶりで、店で買ったものは、向こう10年くらいはメンテナンスしなくていいくらいにしてあるそう。　ランタンだけでなくガソリン系ストーブの修理にも対応しており、受付は原則持ち込みです。納期は通常2週間ほどで、海外から部品を探す必要がある激レア機種などは数ヶ月かかることもあるといいます。　ただし、タンクに亀裂が入ったものは使用時に燃料が噴き出すなど事故につながる恐れがあるため、修理は行っていないとのこと。また、ガス器具は検査基準の関係で店頭では修理できないため、量販店などメーカー経由での依頼をすすめています。　開店当初はコレクターをはじめ、ランタンを使い慣れた方からの修理依頼が中心でしたが、近年は父親や祖父の道具を譲り受けた人が使用前に点検に持ち込むケースや、「ランタンを使ってみたい」というビギナーの方も増えているそうです。　最も多い依頼は「火がつかない」というもの。使い方に不安がある方には、店頭でレクチャーも行っているといいます。　これまでに持ち込まれた最古の製品は、コールマンが最初に製造した約120年前の「アークランタン」で、現在でも使える状態にまで整備した実績もあります。お店へ持ち込む前に知っておきたい修理のQ&A💡取材余話💡 ランタンだけじゃない、店に潜む石角さんの手仕事 　店内の一角には、石角さん自身がグラフィックを手がけたTシャツから、ビブラントのオリジナルブランド「ハーバリー（HERBBELY）」の水耕栽培キットまで、こだわりのアイテムが並びます。実は石角さん、こうした自社グッズの制作だけでなく、さまざまなブランドのデザインや企画も幅広く手がけるマルチなクリエイターでもあるんです。公式サイト

Outdoor

登山靴・ウェア・ランタン修理の名手がいるアウトドア専門店

【新連載：ようこそ古着沼へ】ヴィンテージ玄人が古着の楽しみ方を紹介

既定の枠組みを超えて、次世代のフットボーラーが集う場所　TOMAは、2025年6月にアメリカ・ロサンゼルスで始動。スペイン語で「ゲームに挑戦」を意味する「Toma El Juego」から名付けられた同イベントは、若者主体のストリートサッカープラットフォームとして、サッカーという競技そのものの楽しさや自由なプレーを行える場として機能している。参加者は10代が中心で、1対1の予選と3対3の決勝トーナメントを通して、次世代のサッカーシーンを盛り上げることを目的としている。　今回、日本初上陸となったTOMA TOKYOは、東京・錦糸町の首都高速道路7号線高架下・竪川親水公園を舞台に開催。東京に加えて、大阪・名古屋での予選を経て勝ち上がった約80人のプレーヤーが集まり、まずは1on1での予選が行われた。 追い求めるのはスポーツの純粋な楽しさ　予選では、参加者を1グループ10人の計8グループに振り分け、円形コートの中で順にゲームを行う。1ゲームの制限時間は60秒。ゴールが決まった時点で試合は終了し、制限時間内にどちらもゴールを決められなかった場合は両者敗退となる。ゴールを決めた勝者は次のプレーヤーと連続で対戦することができる。各グループ28分間の制限時間内で、時間が許す限り何度もマッチが繰り広げられ、最終的に勝利数の多いプレーヤーが本戦に出場できる仕組みだ。 　予選で選手たちが着用しているユニフォームは、「コグノーメン（COGNOMEN）」がデザインを担当。デザイナーの大江マイケル仁は少年時代、横河電機のクラブチームに所属していたことで知られ、サッカーカルチャーを取り入れた服作りを行うブランドだ。会場ではインドアフットサル用のシューズ「ナイキ ガト（Nike Gato）」のレンタルも行っており、選手は手ぶらでもゲームに専念できるようになっていた。中には、ジーンズを履いて出場する選手も見られ、ストリートならではの自由度の高い空気感が漂う。　1on1でプレーを見せつけ合う予選では、この日が初対面の選手同士でも、悔しさを滲ませながら「うめー！」や「すげー！」と相手のテクニックをカジュアルに褒め合う場面も。勝利するたびに感情を爆発させたダンスを踊る選手、負けても笑顔で試合を終える選手の表情には、スポーツが持つ純粋な楽しさがあふれている。カルチャーとの融合が生む“遊び場”　予選と本戦の合間には、フリースタイルフットボーラーによるパフォーマンスが行われ、試合を終えたばかりの選手もコートに集まり、身体を自在に動かしボールを操るパフォーマーに釘付けとなっていた。　そのほか、コート周辺にはファッションや食を楽しめるブースが複数出店。原宿の人気タコス店「TACOS 3 Hermanos Harajuku」のフードトラックに加えて、フリマアプリ「ピックユー（Pickyou）」は、ヴィンテージユニフォームなど、この日のためにキュレーションしたアイテムを販売していた。「サッカーショップ KAMO」は、サッカーシャツへのカスタムサービスを行ったほか、「メリケンバーバーショップ（MERICAN BARBERSHOP）」のブースでは、参加者に無償でヘアスタイリングを実施するなど、若者が気軽に楽しめる空間が広がっていた。初対面から生まれる化学反応　コートで火花を散らす若き才能たち　本戦では、予選の結果をもとに4人毎の8チームを編成。途中交代ありで3on3の総当たりリーグ戦が繰り広げられる。プレーヤーのほとんどがこの日、初めて会うチームメイトと試合を行うことになるが、そこに遠慮は無く、それぞれが最大限のパフォーマンスを出し合いながら試合が進む。会場内では、DJの音楽に加えて一部来場者に配付されたブブゼラが鳴り響く。コートを囲むフェンスは揺れ、躍動感溢れる試合展開で、プレーヤー同士の白熱が観客側にも伝わってくる。 　決勝戦の前には、レジェンド選手によるエキシビションマッチが開催された。スペシャルゲストとして、元サッカー日本代表の稲本潤一と田中マルクス闘莉王がサプライズ登場し、観客を沸かせた。2人が対戦する形で3対3のマッチが行われ、結果、勝者は闘莉王チーム。試合を終えた稲本は「11人制のサッカーとは必要な技術が全く違って面白い。ストリートサッカーでは技術はもちろん、何よりサッカーを楽しむ気持ちが培われると思うので、楽しみながら続けてほしい」とプレーヤーを讃辞。闘莉王は「足技をたくさん使う試合で楽しかった。プレーヤーのみんなには、1対1や3対3など、普段とは違う形式でのサッカーを通して学んだことをいつか、公式戦でもやってくれることを期待している」とエールを送った。　朝始まったイベントは、決勝トーナメントの頃には日没をとっくに過ぎていた。エキシビションマッチや、ラッパーによるライブパフォーマンスを経た会場の熱気はピークに達し、会場外の通行人も立ち止まるほど盛り上がった1日となった。

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次世代の日本代表を輩出？　ナイキが“遊び”としてのサッカーで紡ぐアスリートの未来

ハイライト──今季を彩った受賞ブランド　今季は東京都主催の各賞を受賞したブランドのショーが目玉となった。「FASHION PRIZE OF TOKYO 2026」を受賞した「ヨーク（YOKE）」は、パリでショーを披露する支援を受け、1月のパリメンズファッションウィークでパリ初のショーを開催。東京では凱旋イベントとして初となるウィメンズ単独ショーを披露し、新たな一面を見せた。　第12回「TOKYO FASHION AWARD」の受賞ブランドの8組も見どころになった。「カカン（KAKAN）」「アンセムエー（ANTHEM A）」「ユウショウコバヤシ（yushokobayashi）」「ヨウヘイ　オオノ（YOHEI OHNO）」「コトハヨコザワ（kotohayokozawa）」「マツフジ（MATSUFUJI）」「ムッシャン（mukcyen）」。それぞれが今季の東京に彩りを加えた。　「TOKYO FASHION AWARD」と「JFW NEXT BRAND AWARD 2026」のダブル受賞を携えて2回目のショーに臨んだムッシャン。マリー・アントワネットとフランツ・カフカの小説「変身」に着想を得て、強さと儚さが共存する独自の世界観を打ち出し、RFWT最終日のトリとして深い余韻を残した。　またフランス発の「アラン ポール（ALAIN PAUL）」による来日ショーも特筆すべきトピックだ。パリのショールーム「RUN（WSNグループ）」とANDAM FASHION AWARDS PARIS、RFWTを主催するJFWOのコラボレーションによって実現。パリで先に発表されたコレクションに、新たに6つのルックを加えて披露。コンテンポラリーダンスを学んだデザイナーによる躍動感あふれるショーで、東京を舞台にブランドの魅力を届けた。独自の世界観が際立つ東京らしい造形のユニークさ　今季は、独自の世界観を鮮やかに打ち出したブランドも目立った。「リュウノスケオカザキ（RYUNOSUKEOKAZAKI）」は4年ぶりのショーで、人の内面や感情を起点にした彫刻的なアプローチを見せながら、プレタポルテの新たな可能性を感じさせる一歩となった。　「ユウショウコバヤシ（yushokobayashi）」は儚くガーリーな独自の世界観に誘い、「ヨウヘイ オオノ（YOHEI OHNO）」は未知の造形を探求しながら、積み重ねることで到達する美しさを体現。「コトハヨコザワ（kotohayokozawa）」は東京と異国の街並みを交差させた演出と鮮やかな色使いで、日常に宿るユニークな視点を見せた。　「ヴィヴィアーノ（VIVIANO）」は女性の強さとロマンティシズムが共存するドレスでインパクトを放ち、「ヨシオクボ（yoshiokubo）」はランニングカルチャーを取り込んだコレクションと演出が話題に。「ミキオサカベ（MIKIO SAKABE）」はお化け屋敷を会場に、日本のホラーカルチャーとファッションを融合させ、体験型のプレゼンテーションで観る者を驚かせた。　植田みずきが手掛ける「エンフォルド（ENFÖLD）」と「ナゴンスタンス（någonstans）」はそれぞれユニークな造形を生み出しながら、異なる文脈で可能性を探った。ものづくり──日本の強みを世界へ　今季、新たな希望の潮流が見えた。日本各地の産地技術や手仕事を軸に据えたブランドが一際目立った。今季初参加の「ミゼン（MIZEN）」は米沢織、沖縄・南風原花織、大島紬など日本各地の伝統技術を取り込み、「ズッカ（ZUCCa）」は産地メーカーと協業した新ライン「ズッカ メチエ（ZUCCa Métier）」を発表。「ファンダメンタル（FDMTL）」はAI全盛の時代にあえて手仕事を前面に打ち出し、「アンセルム（ANCELLM）」は岡山・児島の加工技術を駆使して軽やかでエレガントな表情を生み出し、「タナカ（TANAKA）」は日本のクラフトが宿るデニムとレザーを軸に、青写真を描いてみせた。産地との連携、手仕事の継承。以前からある流れではあるが、日本のものづくりと東京のファッションシーンの結び付きの深さを見せるブランドが増えてきている。　こうした日本のクラフトマンシップは、海外からも確かな注目を集めている。3月31日、自民党の知的財産戦略調査会がファッションや化粧品の海外展開を議題に取り上げた。政府のクールジャパン戦略では2033年までに海外展開を50兆円規模に拡大することを目標に掲げており、日本発ファッションブランドが海外市場で稼ぐための課題が議論された。ファッションを国策の一つとして位置づけていく動きが生まれつつある今、産地、デザイナー、ファッションウィーク、そして政策が連動することで、日本のファッションの可能性はさらに広がるはずだ。海外ゲストの増加　海外ゲストの来日も増加傾向にある。「The New York Times」「A Magazine curated by」「Schön! Magazine」「Mixte Magazine」といった海外メディアのエディターやストリートフォトグラファーも来場。バイヤーはベルリンのVoo StoreやAndreas Murkudis、モントリオールのRooney、香港のLane Crawford、ミラノとソウルの10 Corso Como、ソウルのBeakerなど世界各地の名店から。ファッションウィークの発信力が確実に高まっている証といえるだろう。　海外ゲストの増加は、海外展開を目指すブランドにとって大きなメリットとなる。そして、観光面でも大きな注目を集める現在の日本。その追い風を、ファッションの文脈でも最大限に活かせる環境が整いつつある。継続的に取材を続けるジャーナリストや編集者、買い付けに来るバイヤーとの関係は着実に積み重なっている。この流れを次のシーズンにも、さらにその先にもつなげていきたい。“時期問題”──機会の最大化を　一方で、ファッションウィークの時期をめぐる課題は、業界内でも大きな議論になっている。1月のパリメンズファッションウィークに合わせて発表を行うブランドにとって、3月のショーはビジネスのスケジュールとかみ合いにくい。今季も「カミヤ（KAMIYA）」「シュガーヒル（SUGARHILL）」「アタッチメント（ATTACHMENT）」「ベメルクング（bemerkung）」「レシス（LES SIX）」といったブランドが1〜2月に独自のタイミングでショーを開いている。　ウィメンズでも同様の動きが見られる。これまでRFWTの核を担ってきた「フェティコ（FETICO）」や「ハルノブムラタ（HARUNOBUMURATA）」をはじめ、「ピリングス（pillings）」「ケイスケヨシダ（KEISUKEYOSHIDA）」「タナカダイスケ（tanakadaisuke）」「オダカ（ODAKA）」などが、パリファッションウィークに先立つ2月に発表を行っている。展示会の前倒しも含め、こうした動きは海外バイヤーへの提案力やセールスの精度を高め、生産スケジュールの最適化にもつながる現実的な選択だ。それぞれのブランドに、それぞれの理由がある。　ただ、もったいないと感じるのも正直なところだ。ファッションウィークという場には、単独でショーを行うだけでは得られない力がある。バイヤー、メディア、海外ゲストが一堂に集まり、東京全体への注目が高まる。その相乗効果を最大限に活かせる環境を整えることが、今まさに必要とされている。年4回開催や1月、2月に対応した発表フォーマットの整備は、その具体的な一手だ。才能が集まる場所に、世界の目も集まってくる。　また、RFWTの翌週に、コム デ ギャルソン（COMME des GARÇONS）社が展開する栗原たおの「タオ（tao）」がショーを開催したことも記憶に新しい。こうしたブランドと同じ週に発表の場を共有できれば、東京ファッションウィーク全体の注目度はさらに高まるはずだ。スポンサーシップの可能性　今季、冠スポンサーである楽天が主催する「by R（バイアール）」プロジェクトの一環として、パリ発の「アニエスべー（agnès b.）」のランウェイショーが開催された。春夏シーズンでは日本のブランドを支援し、秋冬シーズンではアニエスべーのほか、「マリメッコ（Marimekko）」（2024年秋冬）、「ポール スミス（Paul Smith）」（2025年秋冬）といった海外ブランドを招聘してきた。国内外のブランドを横断的に紹介する取り組みは、楽天が持つネットワークと発信力を生かしたものと言える。　日本のブランドをより支援してほしいという多くの声がある一方で、楽天が海外ブランドを日本に紹介することで国内のファッション市場を活性化したいという意図も理解できる。日本の消費者に向けて海外ブランドの魅力を届け、ビジネスの機会を広げるという点では、十分に意義のある取り組みだ。しかし、今季のアニエスべーを含め、これまで「by R」が支援してきた海外ブランドは、他都市で発表したコレクションを東京で再び披露する形式が続いている。　そのうえで、ひとつ参考になるのが、上海ファッションウィークが「メゾン マルジェラ（Maison Margiela）」をゲストブランドに迎えた例だ。メゾン マルジェラは今季、パリでの発表をスキップし、上海で2026年秋冬コレクションを披露。多くの業界関係者が集まり、上海が“新しい発信地”として強く印象づけられた。もし東京でも、招聘した海外ブランドの"新作の初披露”の場をつくることができれば、スポンサーにとってもファッションウィークにとっても、より大きな価値創出につながるはずだ。　名称についても、前向きな議論を重ねる余地がある。海外のジャーナリストからは、現在の「Rakuten Fashion Week TOKYO」という名称について、楽天の存在感が前景に出る一方で、イベントの主体が見えにくいという指摘を受けた。これまでもメルセデス・ベンツやアマゾンなど、冠スポンサーの交代に伴い名称が更新されてきた経緯がある。　海外では依然として「Tokyo Fashion Week」として認知されている現状を踏まえれば、都市ブランドとスポンサー価値を両立させる名称のあり方は、再考の余地があるだろう。たとえば都市名を前景に置きつつスポンサーを補助的に位置づけるような設計も一案として考えられる。国際的なプレゼンスを高めながら、スポンサーメリットも最大化する。その最適解を関係者が共有し、未来に向けて設計していく段階に来ている。財源の多様化と都市ブランドの自立。この二つを同時に進めることが、年4回開催や時期問題の解決にもつながっていくはずだ。これからの東京──次の20年への希望　今シーズンは、日本らしいクリエイションと産地技術、そして世界各地から集まった海外ゲストの姿があった。そのどれもが、東京ファッションウィークの可能性を改めて感じさせるものだった。　印象的だったのは、デザイナーたちが互いのショーに足を運び、刺激し合う光景だ。切磋琢磨し、高め合うその姿は、この街のクリエイティブ・コミュニティが成熟しつつあることの何よりの証だろう。　もちろん、課題は残る。開催時期の最適化、パートナーシップのあり方、都市ブランドとしての名称設計。いずれも一朝一夕に解決できるものではない。それでも、デザイナーたちはすでに動き始めている。産地とつながり、海を越え、自らの言葉で世界と向き合っている。政策の側にも、その動きに呼応するような変化の兆しが見え始めた。　20周年の後半シーズンを終えた今、東京のファッションシーンは確実に変わりつつある。才能は揃い、技術は受け継がれ、世界の視線も再びこの街に向き始めている。この流れをどう次の景色へとつなげていくのか。その問いに向き合う人が増えるほど、東京のファッションはもっと面白くなるはずだ。

「Rakuten Fashion Week TOKYO」が向かう先は？

【東コレハイライト】20年の前進と、残された課題──ファッションウィークの今

　一体目のドレスは、ブランドのシグニチャーともなっている手紡ぎ糸のボリュームあるニットドレスだった。モデルはゆっくり、真っ直ぐ歩き、また舞台袖へと戻っていく。そういった調子で一体ずつたっぷりと時間をとって見せられていく。──この潔さ。誤魔化しのない具体的な提案の仕方が、デザイナーの実直な姿勢を表しているように思える。演出で雰囲気作りをしたりしない「ただハッキリと洋服を見せたい」という堂々とした態度。モデルはほとんど皆、素足だった。　意外だったのはテーラードスーツの多さだった。モデルのウォーキングに合わせてしなやかに揺蕩う生地がきれいで、室内着のようなリラックス感も漂っている。ニットで包まれたヴィンテージのバッグには、庭から摘んできたようにザックリ束ねられた花が差し込まれている。それから、獣のようなセットアップ、メンズスーツには大胆に合わせられたニットガウン、楽しい水べが描かれた毛足のあるマフラー、スミレの図案が入ったニットブルゾン、スラックスには三つ編みを思わせるベルト……、朴訥とした自然感覚と現代社会への眼差しが絡み合う。　朗読は次第に複数の声となって重なり、時に旋律のようになり、また朗読に戻ることを繰り返している。物語を編んでいる。それ自体がニットと緩やかに結びつく。　今シーズンのテーマは「WILD,NOT PURE」。インビテーションには「美しさとは野生的な物でもあり、純粋さだけではない」という意味が込められていると解説があった。ショー全体を通して、ニットからはデザイナー自身の衝動の方向性や知的好奇心が働く領域などの内的なものを、スーツからは社会構造そのものに対する挑戦など外へ向かうものが感じられた。美を追うことの困難さを思うと共に、まだ若いブランドが、これから内的自己をどのようにふくよかにし、社会に対してどのようにアプローチしていくのかが楽しみになるコレクションだった。

KAKAN

ニットとテーラリングのコントラストから立ち現れる詩の世界──KAKAN 2026年秋冬コレクション

⎯⎯パリで1月に開催したラストコレクションのショーを、どんな思いで迎えましたか。　あの日のために、チームの皆が「LAST DANCE」と書かれたバッジを作ってくれたんです。それを胸に付けて、踊りたい気持ちでした。ですので寂しさなどはありませんでしたね。ただ、フィナーレで過去の映像が流れる演出については、実はリハーサルの時に見ていたんですが、もし知らずに目にしたらどうなっていたことでしょう（笑）。会場の皆さんが立ち上がって拍手を送ってくれて、まるで自分がポップスターになったかのようでした。とても嬉しい瞬間で、心に残っています。⎯⎯エルメスで74シーズンものメンズコレクションを発表してきました。37年間をどのように振り返りますか。　本当にあっという間でしたが、大きな喜びに満ちていました。創造の自由を与えていただきましたから。クリエイションは私の情熱そのものですし、常に熱意のあるチームとともにありました。エルメスのスタイル、エルメス・メンのアイデンティティ、そして自分のスタイルを築くことができたのは、とても嬉しいことです。⎯⎯1988年の就任時にジャン＝ルイ・デュマ氏から与えられた「自由」とは？　彼は私に、メンズ部門という一つの企業を与えてくださったようなもの。その時の私は34歳でしたので、若い女性にアーティスティック・ディレクターを任せるということは、当時としては例外で、大きな決断だったのではないかと想像します。でも実際には性別や年齢ではなく、問われるのは能力や才能、プロフェッショナルかどうかですよね。そういった意味でとても感謝していますし、私にとって大きな挑戦だったとも感じています。 ⎯⎯その挑戦を通じて、今に至るまでどんな軌跡がありましたか。　やはりチームの存在は大きく、長い年月の中で、若い世代から年長の世代までさまざまな視点で話し合い、意見を交わしてきました。そういった積み重ねで作り上げてきたコレクションは、私にとって一冊の本のようなもの。前のシーズンの続きを、新たに書いていくという感覚がありました。⎯⎯ラストシーズンの2026年秋冬コレクションには、10型のアーカイヴデザインが取り入れられていました。　私はポジティブな人間ですし、普段から過去を振り返らないんですよ。ですので今回のコレクションも、決して回顧的なものではありません。アーカイヴを取り入れたのは、エルメスのスタイルが「今日のため」であり、また「長く続くため」のものだと示したかったからです。ワードローブとして生活の中に馴染み、時を経ても色褪せない。修理をしながら着続けられて、みなさんの人生の一部となっていく服なのです。⎯⎯その中で象徴的なスタイルは？　1991年秋冬に発表したアーカイヴを基にしたカーフスキンのジャンプスーツですね。ベースとなったアイテムは、私がよく提案してきたジャンプスーツの中でも、象徴的な一着かと思います。2000年秋冬のブルゾンは裏地にもラムレザーを用いていて暖かく、内側にシルクスクリーンで絵柄を施しました。過去に発表したものでありながら、今も新しく実用的なスタイルになっているかと思います。⎯⎯ふんだんに用いられていたレザーのバリエーションも印象的でした。　触っていただければわかると思いますが、いずれも最高のレザーです。レザーとカシミヤを編み合わせたニットは熟練の技術によるもので、裏側まで美しく仕上がっています。私が好きなテニス・ストライプを、シアリングで表現したデザインも。ショーの終盤で発表したのは夜のスタイルで、クロコダイルのスーツなどはフィナーレにふさわしいですよね。37年にわたって携わってきた私の仕事の、いくつもの道筋を凝縮したコレクションになっているかと思います。⎯⎯ヴェロニクさんが考える“よい服”とは、どういったものなのでしょうか。　まずは質の高い素材ですね。そのうえで服作りは“構築”なので、芯地など内側の構造から全体のバランスまで、プロポーションが重要です。そして色。そのすべてによって、美しい服が完成します。ひとつ言えるのは、「価格」は恣意的に付けられているのではないということ。丁寧な工程の積み重ね、人の手による技術、それらの足し算が価値を生み出します。服は消費するものではなく、長く大切にすべきもの。だからこそ、エルメスは幅広い世代に響いているのだと思います。物語を宿し、人生に寄り添う“オブジェ”。私はずっと、そういう服が好きなんです。⎯⎯ヴェロニクさん自身のワードローブでずっと着続けている、お気に入りの一着はありますか？　たくさんありますよ。まず挙げるなら、カーフレザーのブルゾンでしょうか。レザーはとてもセンシュアルであり、洗練とスポーティの両方を兼ね備えています。それから、メンズのニットなども。日常的に着やすく快適で、旅にも向いている服が多いですね。⎯⎯本を書くように作り続けてきたコレクションを、なぜここで終わりにするのでしょうか。　アーティスティック・ディレクターを退任するのは、私自身の決断です。責任ある立場から退き、自分の夢を実現する時間を持ちたいという思いもありました。その夢のひとつが、日本に住むことなんですよ。⎯⎯東京では過去にも、エルメスのメンズコレクションのショーを何度か開いていますね。　私自身、本当に日本が好きで、日本の技術と伝統、そのすべてに敬意を抱いています。なので退任に際して最後のショーの話が挙がった時に、「どこでやりたいか」と聞かれて、私はすぐに「日本」と答えました。つながりを大切に考え、パリの後に東京でラストショーを開くことが決まったのです。私が体験してきたすべてへの感謝を伝えたいと思っています。⎯⎯ラストショーが終わったら、日本に住むことができそうですか？　そうしたいのですが、残念ながら今回は数日でパリに戻ります。しばらくの間はメゾンで仕事を続けますから。改めてこれまでの年月を誇りに思い、そしてエルメスとつながり続けられるのは、とても幸せですね。⎯⎯最後に、次世代を担う若いクリエイターに向けて、ヴェロニクさんからメッセージをお願いします。　大切なのは情熱を持つこと。自分の信念に従うこと。目先の流行や周りに影響されず、真のアイデンティティを持つこと。それらが違いを生むはずです。性別も若さも問わず、自分の視点、自分の個性を守り、提示してください。たくさん働く必要はありますが、この仕事は努力すればするするほど、形になって現れます。夢を実現するのは人生で大切なこと。皆さんにも、そう生きる勇気を持ってほしいと願っています。

HERMÈS

エルメスのメンズ部門を率いたヴェロニク・ニシャニアンが考える「よい服」について　特別インタビュー

コンセプトを実現する規律的な技術、削ぎ落とすデザイン　マイキータのデザイン哲学の核となる「削ぎ落とすデザイン」は、日本のさまざまな分野における職人たちの素材への向き合い方からインスピレーションを得ているという。　「精密さ、余計なものを削ぎ落とす姿勢、素材への敬意、職人技における規律。こうしたアプローチが生む美しさは、安藤忠雄の建築から、木製家具のディテールといった細部にまで宿ります。完璧な食材と適切な道具を用いて、シンプルな要素で完璧な料理を作り上げる日本食の世界にも通じる美学です」。　優れたプロダクトを構成するのは「丁寧なコンセプト設計が2割、そのコンセプトを的確に実現するための緻密な実行力が8割」と語るクルーガー氏の言葉からは、徹底した職人的精神が感じ取れる。　日本の文化や工芸、ファッション、デザインに通底する価値観は、長年マイキータのインスピレーション源となってきた。特に「コム デ ギャルソン（COMME des GARÇONS）」「ヨウジヤマモト（Yohji Yamamoto）」「イッセイミヤケ（ISSEY MIYAKE）」が与えた影響は大きい。　クルーガー氏は「過剰な表現が主流だった1980〜1990年代のパリで、彼らはテーマからテーマへと飛び移るのではなく、一貫したコンセプチュアルな表現を徹底して追求しました。素材と技法を探究し、新たなアイデンティティと美を生み出した──その姿勢に強く共感しています」と話す。同様の理由から、「メゾン マルジェラ（Maison Margiela）」からも影響も色濃く、明確なコンセプトへのコミットメントとそれを貫くための規律に則ったデザインが誕生した。　目指すのは「ロゴがなくてもマイキータだとわかるアイウェアを作る」こと。「ブランドのアイデンティティと価値を伝えるのは、ロゴではなく、構造と素材、デザイン哲学です。それはリスペクトしているブランドの服にも通じています」。日本での成功こそ「真の試練」だった　「どのブランドにも基準となる市場があります。『ニューヨークで成功すればどこでも成功できる』という人もいますが、私たちにとっては日本での成功こそが真の試練でした」とクルーガー氏は振り返る。　ネジを一切使わず、ステンレスのシートメタルを手作業で曲げて仕上げるミニマルなアイウェアを特徴とするマイキータ。「構造」と「素材」に対する強い探究心とミニマルなデザインというブランドのアイデンティティは、日本に根付くデザイン哲学や文化、価値観に共鳴しているからこそ、日本市場にもフィットする。故に、日本の顧客に受け入れられるプロダクトを生み出せるかどうかが、ブランドが“正しい道”を歩めているかの指針だった。　マイキータは、今年4月に九州エリア初の直営店「MYKITA FUKUOKA」を福岡・天神のワン・フクオカ・ビルディングに出店した。これによって日本は、ドイツ、アメリカ以外で唯一3店舗の直営店を構える国になった。日本には、直営店以外で世界で初めてマイキータを取り扱ったオプティカルショップがある。長年にわたりオプティカルショップとの良好な関係性や顧客との信頼関係が築かれているのも日本市場の特色だとし、「日本では、次々と新しいものを追い求めるのではなく、絶えず学び、洗練し、顧客との長期的な関係を育む姿勢が非常に重視されていると思います。日本の顧客たちは、中身のない派手なメッセージだけの製品ではなく、製品の製造方法や原産地、素材、生産者の哲学を理解しようとする傾向がありますし、良い意味で、意識的にトレンドに抗っていると感じます」と話す。束の間のトレンドを追うよりも、長く愛用できる製品を大切にしたいという価値観が強い日本市場には、マイキータのプロダクトはマッチしていると同氏は分析する。骨格の壁を超える、“すべての唯一無二な顔”にフィットする構造　アジアと欧米では着用者の顔の骨格の違いから求められるアイウェアのデザインは大きく異なり、世界的に共通して着用できるデザインを生み出すことは難しい。一方で、マイキータでは当初から「すべての顔が唯一無二である」というコンセプトを掲げ、誰しも顔は左右非対称であり、大きさ、形状、プロポーションが異なるという考えに基づき、軽量でありながら、着用者の顔に精密にフィットするように測定値を1/10mm単位で調整することが可能な構造とデザインを追求してきた。　精密な調整が可能な構造は、身体に完璧なフィット感をもたらすことに重点を置く、日本独自のテーラリングにも通じる考え方から生まれたもので、日本の顧客たちからは特にその快適性とフィット感が高い評価を得ている。実際、日本でマイキータが支持を獲得する一助になったのは、広告や宣伝ではなく使用者たちによる快適性に対する口コミだったという。「おしゃれは我慢」は論外　医療品としてのイノベーション目指す　ブランド創業から22年。アイウェアに対するニーズはどう変化したのか。「真の革新はあまり起きていない」というのがクルーガー氏の考え。近年のトレンドはクラシカルに回帰し、ヘリテージとレトロデザインが主流になっている。しかし、クラシカルなインスピレーションとヘリテージを尊重しつつも、そこには現代社会に適した最新技術が搭載されるべきであり、「複雑さ、重い素材、過剰な装飾を重視する近年のアイウェアトレンドは、多くの場合快適性を損ないます。“良いものに痛みはつきもの””おしゃれは我慢”といった古い考え方は、特にアイウェアにおいては全く理にかなっていません。快適さこそが基本なのです」と強調する。ファッションアイテムでもありながら、医療機能を持つのがアイウェアの特徴であり、価値であるという考えだ。　スマホの普及に伴い、ブルーライトによる曝露や視覚疲労など、眼への負担が増大している現代において、顧客たちの眼の健康に対する意識も高まっている。マイキータでは、ドイツのツァイス社（ZEISS、光学と光電子工学の分野で世界トップクラスの技術を持つレンズメーカー）などの高品質なレンズを採用することで、フレームのフィット感だけでなく、眼の快適性も重視したものづくりに注力。そして今後も眼の健康は重要分野であり続けるという考えから、現在は眼圧の変化から潜在的な全身の健康サインまで、さまざまな状態の初期兆候を検出し、利用者が医療機関にかかる際の指針になるような、より包括的なアイサービスをツァイスと共に開発しているという。　昨年、マイキータは本社であり自社工房である「マイキータハウス（MYKITA HAUS）」をベルリン中心部のシュプレー川沿い、クロイツベルク地区に移転。デザインイノベーションと製造のための研究開発拠点の誕生によって、さらにビジネスを加速させる。また、2026年6月にはロサンゼルス、同年末までにロンドンとパリに新店舗を出店する予定だ。これらの新店舗は新たなコンセプトやデザイン要素を取り入れた旗艦店として打ち出すという。　アイウェアはいま、ファッションと医療、アナログとテクノロジーの交差点に立っている。マイキータが一貫して見つめてきたのは、その中心にいる「人」の快適さと健康だ。削ぎ落とした構造と精密なフィット、そして見えない部分に宿る技術。日本の美意識と響き合いながら育まれてきたその哲学は、ARやVRといった新たなデバイスが普及する時代においても、“目と顔に最も近いプロダクト”のあるべき姿を問い続けていく。

MYKITA

ロゴはいらない　マイキータが追求する“道具としてのアイウェア”

　プロジェクトは、ベルリン州経済・エネルギー・公共事業局の支援を受け、ドイツブランドの海外展開を後押しする取り組みの一環として実施。参加ブランドは公募によって選ばれ、サステナブルな姿勢や独自性のあるデザインでビジネスを展開する9組が選抜された。　FCGのCEO スコット・リピンスキー氏（Scott W.J. Lipinski）は「ドイツデザイナーには海外のマーケットに挑戦したいという強い需要があり、日本や韓国は特にブランドの背景や世界観を深く理解してくれる市場だと思っています。私たちは教育・ネットワーキング・ビジネス開拓まで一貫して支援し、若手のデザイナーたちが次のステップに進むための橋渡しを行っています」とプロジェクトの背景を語る。　欧州ファッションサーキットに合わせ年2回開催されるベルリンファッションウィークは、コペンハーゲンファッションウィークと協業し、サステナブル基準を満たしたブランドのみが参加できる仕組みを採用。サステナブルファッションが次世代の共通言語となるなか、元「VOGUE Germany」編集長でプロジェクトを率いるクリスティアーネ・アルプ（Christiane Arp）氏は、「持続可能性への強い意識と、一つのスタイルに縛られない多様性こそが、ドイツブランドの大きな特徴」と語る。　アープ氏は、自身のキャリア初期に「ヨウジヤマモト（Youji Yamamoto）」など日本のデザイナーから強い影響を受けたという。東京を訪れる意義について、「文化背景や価値観、ブランドがどう受け止められるかを、“実感として”掴むことは非常に重要です。日本には、ファッションを自分の言語として対話する文化が根付いています。それはとても貴重で、多様性あるドイツブランドの価値を理解しようとするオープンなマインドを持ち合わせています。デザイナーにとって自身の世界観を伝え、適切なパートナーと出会う場として日本は最適なマーケットなのです」と強調する。　セントラル・セント・マーチンズを卒業し、「グッチ（GUCCI）」や「バレンシアガ（BALENCIAGA）」でも経験を積んだゲリット・ヤコブ（Gerrit Jacob）は2022年にブランドをスタート。エアブラシで大胆にペイントされたグラフィックアイテムは、ベルリンのストリートやクラブカルチャーを体現。日本ではファーストコレクションから「GR8」で取り扱いがあり、世界的なアーティストやK-POPアイドルをはじめ、YOASOBIやXGなどがカスタムメイドのアイテムを着用したことでも知られる。ファッションにとどまらず、ペインティングや映像作品など様々のプラットフォームで創作を行っている。　パノス・ゴッツィス（Panos Gotsis）は元内科の医者で、テキスタイルへの情熱からデザイナーへ転向、独学でファッションを学んだという異色の経歴の持ち主。自身のルーツでもあるギリシャ・エルピス地方で伝統的な手織り機により制作されたテキスタイルを、クリーンでタイムレスなパターンのアイテムに取り入れたコレクションを展開する。　2022年にマリオ・カイネ（Mario Keine）により設立された「マーケ（MARKE）」は、様々な時代背景を参照し、折衷主義的な視点でコンテンポラリーファッションへと昇華。上質なイタリア製の余剰生地と肌触りの良い機能的な素材を組み合わせたテーラード仕立てのアイテムをユニセックスで展開する。ベルリンファッションウィークでもコレクションを発表しており、ジャケットやパンツに配されたくるみボタンがアイコニックなディテール。　唯一のジュエリーブランドとして参加したキャロリン・ディーラー（Carolin Dieler）はファッションデザインを学んだのち、ジュエリーデザインに転向し、2020年にブランドを設立。ジュエリーは100％リサイクル素材を使用し、ベルリンの工房で一点ずつ手作業で作り上げられている。海と自然への深い情緒的なつながりをインスピレーションとし、ロストワックスで鋳造した魚やインダストリアルなモチーフといった有機的／無機的なものを掛け合わせたジュエリーを展開している。　来年は楽天ファッション・ウィークの開催時期に合わせ、新たなブランド選定のもと再来日を予定。ベルリンファッションウィークへの日本メディアやバイヤー招致も積極的に行うと同時に、今後もカルチャー、クラフト、サステナビリティといった創造性の核を持つドイツブランドを継続的に紹介し、両市場を結ぶビジネスチャンスを広げていく。

ドイツ・ベルリンファッションの現在地　9組のデザイナーによる合同展示会が開催

　劈頭、この連載が尻切れになったことの弁解をしておくと、先週金曜日の正午、突発的なアクシデント（私事）が持ち上がった。予定していた残りのショー取材を凡てキャンセルせざるを得ない状況に期せずして陥ってしまった。中途で投げ出すことは、エチケット至上主義に厚い私の性質が潔しとしない。だから、せめてあと一つは原稿を納品して今季の短期連載を終えたいと思い立ち、今日、「ユェチ・チ（YUEQI QI）」2026年春夏コレクションの展示会に足を運んだのだった。ユェチ・チの作品群は少しく奇妙である。ユェチ・チは、ここ数回、東京のファッションウイークにてショーを発表しており、以前より気になる取材対象の一つとして私の胸中の帳面に記録されているブランドである。確かに、奇妙な面白さ（今季のショーの映像を見て改めて感じたのだけれど）は脳髄を刺戟してくれる。番度のことだが、私は一つの突飛な術語を思い浮かべていた。　「アナグラム」は、既存の単語や文章のなかにある文字列を並び替えて、新たに、別の意味のある言葉やフレーズを作る言葉遊びの一種である。その一例を挙げてみよう。私が敬愛する純文学作家、福永武彦は、加田伶太郎と云うペンネームのもとに、『完全犯罪』（昭和三十一年）と云う短篇集を発表している。加田伶太郎（Kada Reitarō）は、即ち「誰ダロウカ」（Taredarōka？）のアナグラムである。福永は、推理小説（犯人は誰か？）の創作に限り、この筆名を使っていた。更に、アナグラムの手法を詩作に当て嵌めるなら、詩句のなかに主題となる語を分解し、散らして嵌め込み、テクストを重層化し、複雑化する技法となる。その伝で云うと、混じり気のある詩的なもの同士を繋ぐ糸が作品群に透いて見えるユェチ・チの今季の創作には、このアナグラムの手法が活かされているな、と私は勝手に想像してみたのである。　そうした視点でじっくり見直してみると、今季の創作の神秘はスッと腑に落ちるのだ。何故なら、彼女は、前以て選び出した服地やモチーフ、服飾資材や装身具（たとえば、奇っ怪な蝙蝠の羽根を広げた黒猫やハート柄、リベットやレース、男物のシャツやパジャマ、水兵服やバイカージャケットなど）を限定して使用し、それらを意図して（ときには恣意的に）様々に入れ替え、並べ替えることで別の新しいテクスチャーを作り出したのだから。それぞれがまったく違う表情の生地でありながら、限定された共通の構成要素が通奏低音のように流れていることで、作品群に不思議な統一感が生まれてくる。それは、誰もが眼にしたことのあるアイテム（クラシックで馴染みのあるカタチ）の、誰もが見たことのない新しいバランス。詩作に於ける換骨奪胎のDNAを我流で掘り下げた、この微妙な釣り合いが、奇妙な面白さに繋がっているように思う。作者（デザイナー）の意図と、読者（受け取る側）の解釈の均衡を探る彼女の創作は、慣れ親しんだ言語のルールを踏まえつつ、その文脈を変えながら、受け手にそれぞれの物語を想起することを促し、自分自身との繋がりとか、意味を見出だす自由（余白）を我々に提供してくれる。　ユェチ・チは種々のモチーフを限定的に使う、と先に述べたが、そのくだりの「限定的」の意味合いは、作者が周到に張り巡らした創作の「糸」と大いに関連がある。つまり、手の仕事と云う経糸と、無国籍な夜会服と云う緯糸によって織られたピースは、作者の自由な解釈のもとで更なる活力を味方に付け、懐古調の夜会服の古めかしい魂は見事に解き放たれるのである。因みに、東京は鶯谷に現存する社交ダンスの殿堂「ダンスホール新世紀」を会場に選んだのは、レトロな夜会服とか、フラメンコの衣裳のイメージが彼女のなかに渦巻いていたからである。一見、相互に無関係なもの同士が、互いに関連なく存在し合っているように思えるこの創作世界が、実は、いかにたくさんの糸で繋がっているか、と云うことを理解することが重要なのであって、詩的な創作が巧く成立するか否かは、その糸が、確かに目視出来るかどうかにかかっている。　淑女と悪女。成熟した女性とあどけなさが残る女性。ロマネスクとそれに次ぐゴシック様式。手仕事の器用さとストリートの粗雑さ。ダークサイドの黒猫（本人が飼っている猫は、きっと愛くるしいのだろうけれど）と「愛」に当たる中国語の簡体字「爱」のモチーフ（レーザーカットで造形したブレードなど、至るところに散見する）。繊細な手工芸（勿論マシンメードで生産された服が大半を占めるけれど）による装飾的な造形と脱構築のカタチ。血の通った抽象を探ったフォトコラージュ的な意匠とアップサイクルと云う時代性。大袈裟な喩えと承知の上で云うのだが、服地にのせられた立体的な構成は、キュビスムを想起させるものであり、理知的とは云い難いけれど、抽象表現を自己流で咀嚼した形跡がある。こうした私の理解は、的を射ているかどうか疑わしいものだが、これもまた物語を読み解く一つの解釈であると、私は信じて止まない。（文責/麥田俊一）

YUEQI QI

collection

モードノオト2025.09.10

　縁あってブランドの歴史を振り返る取材を受けたことがある。短期間ではあるが、足繁く当時の事務所に通った記憶がある。勿論、津森千里本人の談話も取った。往時「ツモリチサト（TSUMORI CHISATO）」はパリでショーを続けていた。パリでも毎回取材をしてきた。服を作ること以上に、服のために絵を描くことが本当に好きなのだな、と云うことを、一連の取材を通して改めて実感した。服を彩る自作のイラストこそが、津森が感じ、考えることを表現した、ハッピーでガーリーな服と云うブランドコンセプトを体現する尤も有益なメディアなのである。身の回りにあるモチーフはドローイングやスケッチの題材となり、プリント図柄に組み込まれる。その流れは今も昔も変わってはいない。 　印象に残るイラストは、思い出の数だけある。なかでも私が一番ユニークだと思ったのは自画像のモチーフである。本人が一層確かに自身の姿を捉えているのか、その胸中の自画像は常に生き生きとしている。これまで幾度も、本人が描いた自画像は、プリントや刺繍で服に落とし込まれていて、確か、二十五周年を迎えた2015-16年秋冬コレクションにも本人の自画像が採用されていたように思う。ガーリーだけれど素朴、ポップだけれど人懐こい。素描のようなイラストそのものも魅力的だが、それらが服の設計に変換されてこそ、その命は一段と輝き出す。「縦縞や横縞、格子柄や水玉模様は、私のなかでは『無地』と同じ」と本人が豪語するだけあって、ここまで色柄で遊ぶブランドも珍しいのではないだろうか。シーズンを失念してしまったが、往時のアメコミ人気にあやかった「スーパー“ツモリ”ウーマン」（津森本人が「スーパーマン」に扮したイラスト）は極め付けだった。　また、ブランドのミューズをデザイナー本人が務めると云うあたりも、このブランドらしいユニークな一面である。そのことを自ら公言して憚らないのだ。本人が標準体型に近いと云うことから、仮縫いでも自ら袖を通し、着心地とシルエットを確認すると云う。年齢云々ではなく、津森と同じ感性、感覚を持った凡ての女性がターゲットだけに、自身がミューズと云うのも過言ではないのだろう。私は、津森の、子供のような天真爛漫を羨ましく思っている。 　2025年9月4日、ツモリチサトは、渋谷区神宮前のTC HOUSE（アトリエ兼直営店）にて2026年春夏コレクションを発表した。今回の東京でのショーは、ブランド設立三十五周年を記念して開催されたものだ。パリにて発表した2018-19年秋冬コレクション（パリデビューは2004年春夏シーズン）以来、七年半ぶりのショーとなった。パリデビューのシーズンは記憶に残っている。「アフロディテ」がそのときの主題で、ギリシャ神話の女神を彷彿させるドレープを効かせたマイクロミニがファーストルック。ピュアな白の潔さが、果敢に挑む当時の津森の熱い思いを代弁するかのようで、印象的なスタイルだった。花や植物、海洋生物、地球、虹と云った津森が愛して止まないモチーフをギュッと濃縮したようにちりばめた今季の作品群は、涼やかなパステルの色彩と煌めくスパングルで彩られている。ファンタジーは、彼女の内面で絶え間なく変化し、変化することで自らを創造し、自らを創造することによって生き続けてゆく。来たる四十周年に向けて、このファンタジーは止むことはないのである。（文責/麥田俊一）

TSUMORI CHISATO

モードノオト2025.09.04

　私は時間を見つけては、現代アートと意識的に触れるようにしている。作品を通して世界の見方を揺さぶられたり、アーティストの思考に浸ったりするのが好きだからだ。専門家ほど知識があるわけではなく、全くの素人であるが、一つの疑問を抱くことがある。それは、若いアーティストでデジタルアートや先端技術を使った作品ほど「人間の精神性」や「人間とは何か」という根源的な問いを投げかけてくる、ということだ。　最近の代表例をあげるならば、大阪万博で展示されている落合陽一氏がプロデュースした作品だ。テクノロジーと仏教哲学を掛け合わせ、人間の存在のあり方を探ろうとしている。根底にあるのは仏教の「色即是空（しきそくぜくう）」という思想で、「形あるものは実体を持たない」という意味だ。落合氏はこれをデジタルに置き換え、「肉体という“色”が、データという“空”に変換されていく世界」を描き出す。つまり、すべてが0と1に還元される近未来に「人間とは何か」を問うているのだ。　同じ問いにファッションで挑んだのが、「ヒュンメルオー（HUMMEL 00）」のデザイナー・森川マサノリ氏である。森川氏はスポーツの根幹にある「人体」を解剖学的に再解釈し、これまで服に隠されてきた筋繊維や骨格を、パターンやパイピングに組み込むことで可視化した。　会場に展示された二体の人形は、アスリートが「ゾーン」に入る瞬間を「身体と意識の融合」として示す一方、身体と意識の分離を暗示する「幽体離脱」として提示され、対極的な状態を描き出した。森川氏はこの二つの状態を対比させることで、スポーツウェアが人間の意識と身体を一致させパフォーマンスを高めるための装置であることを示しながら、同時に「可視化できない精神とは何か」という問いを投げかけている。　さらに映像演出では血液や細胞のイメージが差し込まれ、人間の原始的な「狩り」の記憶までも呼び覚ましていた。肉体を動かすという点で、スポーツと狩りは同じ行動原理に基づくものだと示唆しているのである。　HUMMELが掲げる「Change the World Through Sport」という理念は、肉体的なパフォーマンスの追求にとどまらず、心の変化や人々を奮い立たせる力を信じている。森川氏はその内面的な側面をコレクションに映し出し、テクノロジーを駆使しつつ、あえて「人間らしさ」を際立たせた。　この姿勢は、「クリスチャンダダ（CHRISTIAN DADA）」時代にも通じている。当時は装飾を反抗の象徴として用い、モードの美しさと、着る者の葛藤やアイデンティティの揺らぎを映し出していた。衣服を通じて形のあるものから形のない感情を伝えているのである。また〈Pilgrimage（巡礼）〉と題したコレクションでは、仏教の精神性をモチーフに据えており、森川氏の関心が一貫して人間の内面に向けられてきたことがわかる。　今期のコレクションは、スポーツブランドの理念と森川氏自身の創作哲学が響き合ったものだ。布という具体的な形を通じて、人の内面や背景を映し出しており、前ブランドを知る私の目からは、HUMMELと森川氏の序章が始まったような景色に映った。 　話は戻るが「空」とは、すべてのものごとに実体はなく、個々の関係性の中でしか存在しないという考えだ。テクノロジーが世界をデータ化し、あらゆる事象を数値に置き換えようとするとき、この「空」の感覚は、むしろ人間の側にしか残らないものとして浮かび上がる。　テクノロジー社会が「可視化」「数値化」を追い求める中で、不可視であり、数値化できない人間の精神を可視化しようとする表現は、現代において抵抗になる。ファッションの中で精神性を纏うことは、人間にしかできない「不完全さの価値」を取り戻す営みなのだ。　落合氏と森川氏が共通するのは、先端技術を駆使しつつも「情報化されていく肉体」を見つめながら、その先にある精神性を問うている点である。そして両者の表現は、純粋なアートにとどまらない。落合氏の作品は万博という国家的イベントに、森川氏のコレクションは商品として市場に流通する。つまり、制度や市場という枠組みを通じて、私たちの存在そのものを問い直しているのだ。　デジタル化がさらに加速し、人間を「情報化」し「商品化」する時代。私たちはいかに人間であり続けられるのか。ファッションもアートも、その切実な問いから逃れることはできないだろう。

HUMMEL 00

森川マサノリ氏、スポーツウェアで「人間とは何か」を問う

　文字通り流れる如き展開。動きが生み出すワルツの律動。漸次移り変わる服地のしなやかな表情。こうした抒情的な設定は「ハルノブムラタ（HARUNOBUMURATA）」ワールドの定番。気品のある拵えと云う結構も、既に手の内に入れてある道具立てのせいか、終始、滑らかに流れる感じがする。たとい2000年代前半の欧州のラグジュアリーブランドの影響が見られたとて、既視感を追い払うだけの充分な咀嚼力がある。とりわけ今季の創作は涼やかだ。後述するけれど、彼の創作は、眼に見えないほどの一本の糸で繋がれている。　陰影のもたらすゆかしさを感じる。たとえば、透明感のある色彩が交叉する澄んだ空気の印象。浅瀬に流れる水の音のイメージ。陽の光に反射する水飛沫の煌めき。花弁に零れる朝露の儚さ。八重にかかる朝霧のおぼろな情景。鬼百合のグラマラスな造形。朝まだきの庭園のすがすがしい景色を創作イメージの遠景として、我々を育み、恵みを与える自然の豊かさと神秘を彷彿させるモチーフが服の設計と細部に織り込まれている。この場合、古来の日本庭園が望ましいが、特段その様式にこだわるよりは、噴水や花壇、池泉や東家などを設えた情趣のある架空の庭園の全景を想像して欲しい。　円熟した大人の語り口とまではいかないけれど、村田晴信の創作は瑞々しい抒情性を湛えている。と云ったとて、湿っぽさは微塵もない。女性たちは、自慢のボディーラインを見せるために、窮屈な仕立て服を我慢したり、逆に、慎み深く全身を覆い隠したりする必要などはない。村田の特有の優雅さを身に纏えばいいのだ。このことは以前も云ったけれど、軽やかで綺麗な服を演出するブランドの居場所がなくなってしまった今の東京のファッションウイークに於いて、村田の意志は貴重な存在だと思う。それほど引き出しが多くはないようだから、大胆なシーンチェンジは望めないが、何も、立ち合いで、すばしこく変わり身を打つことだけが目新しさではないのだから、そのあたりの土俵勝負の呼吸は、本人がいちばん承知しているだろうし、外野がとやかく口を挟むべきことではない。　これは私の勝手な想像なのだけれど、彼は縫い目を一本取るかどうかで、何時間も、或いは、何日も悩み続ける男なのだと思う。その仕事ぶりは、ファッション界の古典主義者さながらだ。彼の作品がミニマルならば、ミニマリズムには思想とアイデアがギッシリと詰まったものでなくてはならない。密度の濃い仕事をしているのだから、ミニマムなデザインを手掛ける他のデザイナーと一緒くたにすることは、一つ一つの作品に込められた労力を侮辱することになる。私が行司ならば、ミニマリストよりもマキシマリストとしての彼に軍配を上げる。珍しく今季はデニム素材を大胆に取り上げている。一着毎に手仕事によりスモッキングされた布の質量は、洗いを掛けることで肌馴染みの良い風合いに仕上げた。彼のスタイルが微妙に進化を遂げたとしても、驚くに値しない。流行にしがみつき、シーズン毎にトレードマークを変えるようなデザイナーとはわけが違うのだ。　得てして一つのショーには、創作の「魔」が立ち上がる瞬間がある。見逃すことの出来ない瞬間である。村田の創作は、ジャポニスムとかシノワズリーとかのステロタイプ化した異国趣味とは一線を画するものだ。だが、和的なファンタジーがちらりと覗く瞬間がある。服に擦り込まれた「和」とか、幻想的な「和」は、我々がそれと気が付かないほどの巧妙さでうっそりと立ち上がり続けている。「洋」の服を題材にしているが、村田は、豊かな奥行の精神と、極めて日本的な美の本質を自らの創作の拠りどころにしている。「和」と云う直接的な主題に共鳴することはなくて、もっと枝葉末節の、皮膚感覚に近い部分での共鳴である。しかし、思慮深き読者には、主題と枝葉末節は、実は等価であると云う事実を再認識するはずである。さて、一見、途切れているように思える糸をしっかりと見ることが出来るか。試してみる価値はある。（文責/麥田俊一）

HARUNOBUMURATA

モードノオト2025.09.02

　ファサードを手掛けたのは、日本を代表する建築家の青木淳。澄んだブルーのグラデーションと、なめらかな曲線を描くデザインが目を引きます。創始者の息子であるルイス・コンフォート・ティファニーの代表作の一つ、精巧なステンドグラスのテーブルランプ「ウィステリア」からインスピレーションを得たそう。このランプは、店舗3階のハイジュエリーコーナーに本物がディスプレイされているので探してみて。　店内デザインを手掛けたのは、現代建築の巨匠ピーター・マリノ。各フロアで異なるインテリアからディスプレイ、顧客専用15室のVICエリアに至るまで、調和と美しさが訪れる者の心を躍らせます。B1階─ダイヤモンドジュエリーのタイムレスな輝きを堪能　地下は繊細な輝きのダイヤモンドジュエリーを集約したフロア。「ティファニー ビクトリア™」コレクションや、ジャン・シュランバージェによるダイヤモンドジュエリーが並びます。日本の折り紙を連想させる天井装飾にも注目。　イギリス人アーティストのダミアン・ハーストによる作品「ティファニー スパーブ」は必見。ティファニー ブルーを思わせるキャンバスに鮮やかな蝶が舞う現代アートが、エレベーターホールで存在感を放ちます。フロア内には、ピーター・マリノによるオードリー・ヘップバーンを題材にした作品も。　フロア間の移動は、エレベーターだけではなく階段もおすすめ。壁面が皇居の二の丸庭園を再現したアートキャンバスとなり、没入空間が広がっています。咲き誇る花々と、鳥や蝶を表現したジュエリーが羽ばたく映像を、最新のデジタルサイネージで色鮮やかに表現。各階で異なるデジタルアートを見ることができます。1階─ティファニーを代表するコレクションが一堂に　エントランスフロアの1階は、ブランドを代表するアイコニックなコレクションがお出迎え。「ティファニー ロック」から「ティファニー ハードウェア」、ファレル・ウィリアムスとのコラボレーション「ティファニー タイタン by ファレル・ウィリアムス」まで、多彩なデザインがずらりと並びます。　壁面を彩るのは、イタリア人アーティストのミケランジェロ・ピストレットが手掛けたアート作品「カラー アンド ライト」。鏡を使った絵画が有名なアーティストによる、さまざまなブルーをふんだんに取り入れたミラーペインティングが、ジュエリーの輝きを映し出します。　ダイヤモンドカットをイメージしたショーウィンドウには、ジャン・シュランバージェの希少なアーカイヴ ネックレスを展示。ダイヤモンドのまばゆい輝きとクラフトマンシップあふれるデザインに目を奪われます。 2階─日本の伝統美が溶け込む洗練のラグジュアリー　2階では、ティファニーが支援している金沢の金箔職人が手作業で施した「縁付金箔」の天井装飾に注目。また、2つの円形ディスプレイの中央に鎮座する、フランス生まれの彫刻家アントワーヌ・ポンセによる大理石のオブジェが神聖な佇まいを見せます。　壁に設置されたショーウィンドウには、アーティスト楠本真理子によるオーガンジーで繊細に仕立てた菊や竹とともに、連動するデザインのアーカイヴピースをディスプレイ。ジュエリーが幻想的に浮かび上がるレイアウトは、まるでアートピースのよう。　VICルームは全て異なるデザインで、日本人アーティストの上條晋によるグラフィカルな抽象画「ザ チル」が展示されている部屋も。作品のモチーフとフラワーベースに飾る花をリンクさせるなど、統一されたレイアウトが特徴です。　奥に進んだ先は、国内最大規模のウォッチギャラリー。ここで見逃せないのは、タイタニック号関係者の遺品として知られるティファニーの懐中時計です。沈没事故の生存者である3人の女性が、乗客を救った客船カルパチア号のアーサー・H・ロストロン船長に対して感謝の意を込めて贈ったという逸品。　同じフロアには、ブランドを代表するデザイナー、エルサ・ペレッティのコーナーも。有機的なフォルムのジュエリーコレクションにリンクするディスプレイにも注目して。3階─伝統と革新のマスターピースと出会う　オリエンタルなムードを織り交ぜた2階から一転、3階はシルバーの煌めきと柔らかなピンクを基調にしたエリアが広がります。ここにはブライダルジュエリーをラインナップ。エンゲージメントリングの代名詞として知られる"ティファニー® セッティング"の特別なアーカイヴも展示しています。6本の爪でダイヤモンドを支えるデザインはそのままに、1906年製のティファニー ブルー ボックスの中で輝き続けるリングから、ティファニーの長い歴史に思いを馳せて。　その奥は、圧巻の造形美が魅力のハイジュエリーコレクションのエリア。ジャン・シュランバージェによるマスターピース「バード オン ア ロック」をはじめ、最新作「ブルー ブック 2025」コレクションを展示。16ストーンのイエローダイヤモンドピアスとネックレスといった同店限定のハイジュエリーも取り扱っています。ジュエリーのモチーフとなっているトンボやバタフライ、バードなど、ニューヨークのグランドセントラル駅から着想を得た金箔の天井装飾もお見逃しなく。4階─世界観に心ときめくダイニングコレクションとカフェ　プレートやカップといったテーブルウェア、コーヒー＆ティーセット、ベビーアイテムなどが一堂に並ぶ4階へ。フロア中央で一際存在感を放つテーブルセットは、アメリカ人画家のジュリアン・シュナーベルによる作品。割れた陶器の皿を用いたアートが連動し、クリエイティブな世界観が広がります。　そして何といっても、注目は日本初のブルー ボックス カフェ「Blue Box Café by Natsuko Shoji」。オリジナルメニューを東京・代々木上原のフレンチレストラン「エテ（été）」のオーナーシェフ 庄司夏子が監修し、8月上旬のオープンが予定されています。　ジュエリーだけではなく、アートやフードといったカルチャーを織り交ぜた、唯一無二の空間。ティファニー上陸から50年の歴史と日本との絆を、この先の未来へと引き継ぐフラッグシップストア「ティファニー 銀座」で、あなただけの特別な体験を。◾️ティファニー 銀座所在地：東京都中央区銀座六丁目9番2号オープン日：2025年7月11日（金） ティファニー銀座 特設ページphotography: Kiyotaka Hamamura, text: Chikako Ichinoi | edit: Chiemi Kominato, project management: Mizuki Okuhata (FASHIONSNAP)

ミュージアムのような「ティファニー 銀座」　アジア最大旗艦店の見どころは？

シンガーソングライターに憧れた学生時代　学生時代に憧れていたのは、デザイナーではなくシンガーソングライター。自分の内にあるものを形にして、誰かに共感されて、それを生業にすることが夢でした。私にとって、その理想系がシンガーソングライターで、椎名林檎、Chara、安藤裕子、aikoといった歌姫たちに憧れて、中学生の時には詩を書いて、高校生の時にはバンドを組んだりしていたけど、どんなに時間を費やしてピアノやギターに向き合っても、どうしても作曲だけが上手くできなかったんです（笑）。結局、シンガーソングライターになる夢は泣く泣く諦めることにして、次に夢中になったのが、絵を描くことでした。　高校では、美術部に所属。画家を目指していたわけではなかったけど、絵を描くことで自分のセーフティーゾーンを守れるような気がして、とにかく夢中でした。でも、高校卒業のタイミングで友達と作品展を開いた時、ギャラリーの人から「君は、君と同じような心情の人が見たら一瞬で泣くような絵を描いてるかもしれないけど、ノーマルな人にとっては何も感じない」と言われて。辛辣だし衝撃だったけど、すごく腑に落ちたんですよね。それまでの私にとって、絵を描くことは自分との対話でしかなくて「他者が見た時にどう感じるか」を考えて描けていなかったなって。　その言葉を抱えたまま、本屋にこもって画集や写真集を漁っていた時、絵本作家の荒井良二さんの作品に出合いました。幼い子が描いたような素朴な画風なのに、よく見ると深いメッセージが刻まれていて、目にした瞬間、思わずその場で号泣（笑）。負の感情を負のままアウトプットするんじゃなくて、幸せなものとしてパッケージングして届けるやり方があると気づかされたんです。どんなに鋭利で感傷的なテーマを内包していたとしても、「可愛くて綺麗」でコーティングすれば、広く受け手の心に響くかもしれない。辛い時に一緒に堕ちてくれる作品より、高揚感で震えるような作品こそ得難いんじゃないかと。自分もそんな作品を産み出していきたいと覚悟した瞬間だったし、今思えば、それが一つ目の人生の転機でした。今はもう名前も覚えていないあの時のギャラリーの店主が、厳しい本音をぶつけてくれたおかげで、今の方向性に目覚めましたね。原宿は戦場だった　ストリートスナップへの羨望　高校生の時、絵を描くことともう一つ、夢中になったのがファッション雑誌でした。小学生の頃はあゆ（浜崎あゆみ）の影響でギャルに憧れて「ポップティーン（Popteen）」を読んでいたけど、そのあとは「セブンティーン（Seventeen）」、落ち着きたくなって「ノンノ（non-no）」、お姉さん系にシフトしたくなって「ピンキー（PINKY）」や「キャンキャン（CanCam）」に移行して、最後に行き着いたのが、「ジッパー（Zipper）」や「キューティー（CUTiE）」「フルーツ（FRUiTS）」でした。中でも、一番影響を受けたのがフルーツのストリートスナップ。フルーツに登場するスナップはジャンルレスで、個性の振り幅もすごいし、モード系から姫っぽい人、ストリート系までいるじゃないですか。「服って、なんでもありなんだ」と教えてくれました。　高校を卒業してからは、福岡の大村ファッションデザイン専門学校（現・大村美容ファッション専門学校 ※2010年に大村美容専門学校と統合し、改名）に進学しました。ただ、「カルチャーの中心地は東京だ」と思っていたから、青春18きっぷで鈍行を乗り継いだり、夜行バスを使って、暇さえあれば東京や大阪に遊びに行っていました。九州ローカルのカルチャー誌「NO!!」（現在は休刊）のスナップやお部屋紹介のページで取り上げてもらったことはあったので、「東京に行くからにはFRUiTSの表紙に載ってこい」と、行きつけの古着屋の店主にも言われていましたね（笑）。当時の私にとって、原宿はまさに“戦場”。絶対に同じ服は着ていかないと決めて、毎回手作りと好きなブランドをミックスした“戦闘服”を着て上京していました。　当時はスナップサイトが全盛期。スナップサイトや雑誌のストリートスナップに載ることが私や作品を見つけてもらう手段でした。文化時代の友人に「兎（うさぎ）」と呼ばれていたことから、スナップを掲載してもらうときは「兎＠kanae」という名義を使っていました。その頃から「縷縷夢兎（rurumu:）」として服や小物を販売していたので、自分自身も変な名前で記憶と印象に残ることを重要視していましたね。 　爪痕を残すという意味では、ハンドメイドの名刺を作って、東京のショップやクラブで知り合った人、尊敬し会いたかった人に渡すようにしていました。福岡の専門学校時代、講師の先生から「大物の印象に残りたいんだったら、捨てにくい名刺を作れ」とアドバイスをもらったんです。その先生は自作のキーホルダーを名刺代わりにしていたのを見て、私もあえて捨てにくい名刺にすることでお店に置いてもらおうと考えたんです。10個くらい作って、手元に残ったものは今でも保管しています。　その甲斐あってか、原宿のショップ「the Virgin Mary」のオーナーの安理（田村安理）さんが高円寺でやっていたお店「CULT PARTY」では、名刺をきっかけに、私の作った服や小物を委託販売してもらうようになりました。安理さんは、その後もたくさんお世話になった、私の原点のような存在。ずっとブレずにカルチャーを作り続けて、周りから信頼されている姿を間近で見てきました。何を作る／選ぶ／提案する／売るにしても、「この人だから見に行く」とか「この人が選んだものだから」と興味を持ってもらえるような人間としての魅力が何よりも大切だということは、安理さんから学びました。常にブルーオーシャンを探していた　突破口になったニットとの出会い　19歳の春、ようやく文化服装学院に入学。実は、上京を決める前、文化に行くか、アントワープ（アントワープ王立芸術アカデミー）かセントマ（セントラル・セント・マーチンズ）に留学に行くかで迷っていたんです。海外でファッションを学びたい気持ちもあったけど、福岡にいるだけじゃ日本のストリートカルチャーの源流を知ることはできないし、いざ海外で日本のファッションについて聞かれても答えられないと思って。それなら、まずは東京で日本のカルチャーを吸収しよう、と上京を決めたという経緯があります。　入学当初の私はありえないくらい尖っていて、文化は「ハンター×ハンター（HUNTER×HUNTER）」のハンター試験みたいに、全国から奇抜な精鋭たちが集まってくる場所をイメージしていたけど、いざ入学して周りを見渡してみると、意外とみんな普通で拍子抜けでした。「服が好きだからなんとなく」「勉強しなくても入れるから」を理由に来ている子もたくさんいて、肩透かしを食らった、という感覚が一番大きかったです。何様なんだって感じですけど（笑）。私は入学式には自分で作った服を着て、人形を頭に乗せたり抱えたりして挑んだので、明らかに「話しかけちゃいけない人」状態だったとは思うんですけど、「え、なんで私に話しかけてこないの？ 私、多分このクラスで一番面白いけど」みたいな恐ろしいマインドでしたね（笑）。　当時は、どんな職業に就くのか手探りの状態だったので、極力、内申点を良くしたくて。課題は必ず期限内に凝りに凝って提出するし、よく「東さんみたいなポートフォリオを作りなさい」と見本にされたりしていて、入学して数ヶ月は優等生タイプだったと思います。でも、いざ将来について考えたとき、自分はパターンもミシンも苦手なことに気が付いたんです。文化出身で活躍している先輩デザイナーは、パタンナーを経て独立するという流れが一般的だったので、「私にはパタンナーは無理だ」と気づいた瞬間、自分の中で"就職"というルートが完全に閉ざされたんですよね。入学して数ヶ月、夏休みを迎えた頃でした。　ちょうどその頃、もう一つ転機となる出来事がありました。当時は「縷縷夢兎（rurumu:）」として、何店舗かに委託販売していた頃だったんですが、あるショップのオーナーさんに「お客さんから、東さんのブランドと他のブランド、どっちがどっちか分からない。同じブランドじゃないの？と言われた」と言われて、それがすごくショックだったんです。私は“まだこの世にないもの”を生み出そうと作っていたのに、側から見たら“すでにこの世にあるもの”だったんだということを思い知らされて、一旦、縷縷夢兎をストップすることにしました。　その後、2年次からはニット科に進級。元々、1本1本毛糸を混ぜて色を作っていく作業が、絵の具を混ぜて絵を描くのに近い感覚で好きでした。当時はガーリーかつ私が得意なサブカルチャーの要素を織り交ぜたニットの表現をしているブランドはほぼいなかったので、ニット科の恩師にも「その方向性で頑張りなさい」と背中を押してもらい、ブルーオーシャンを探していた私にとって突破口になったし「ようやく自分らしい表現ができる方向性を見つけた」という感覚でしたね。ニットでいこうと決めてからは、一度ストップしていたブランドをリブランディングして、今の「ルルムウ（rurumu:）」の元となる服作りを始めました。校舎の12階から見た“上京”の景色　文化で過ごした学校生活の中でも特に思い出深い場所が、12階の学生ホール。12階は学生たちが集まって課題をやる場所になっていて、みんな遅い時間まで残ってパターン用紙を広げていました。私も当時、2日に1回は学生ホールに来て、終電ギリギリまで課題をやっていました。21時くらいになると一回消灯するんですけど、灯が消えても、携帯の灯りとか自販機の灯りを頼りに地道に続けていたのが懐かしいです（笑）。最後は見回りの警備員さんが来て、「早く出ろ」と怒られて帰る、という流れが日常でした。　12階からの景色は、私にとって「上京」を感じる絶景だったんですよ。映画「ロスト・イン・トランスレーション（Lost in Translation）」の劇中で主人公のシャーロットが「パークハイアット東京」の高層階から見下す景色が、私がイメージしていた“東京の景色”で。文化の12階から一望できる東京は、その景色に似ていたから「今、東京にいるんだな」「来てしまったんだな」と、センチメンタルな気分に浸れる場所でした。この景色見たさに、いつも窓際の席を狙っていたのを覚えています。“若気の至り”という名の爆発を経て　思い返すと、高校時代から今まで、なぜかわからないけどずっと生き急いでいました。自分がやりたいと思ったことはまずやってみるし、向いていないと感じたら諦めて、次にいく。文化に行くと決めた時も、誰にも言わずに勝手に調べて勝手に受けて、受かったら上京を決めて。常に事後報告だし、有言実行ではなく不言実行をするタイプでした。そっちの方が恥をかかないっていうだけなんですけどね（笑）。学校の先生からは「東さんには何を言っても聞かないから、言ってもしょうがない」と言われてきたし、多分、親も同じように思っていたと思います。　自分の進路で悩むことも、あまりなかった気がします。私の脳は都合の良いようにできているので、自分にとって必要のないことや嫌な気持ちになることがあったとしても、すぐに忘れちゃうんですよ（笑）。それって私にとってはすごく大切な処世術のようなもので、中学生くらいの時からずっとそうでした。その反面、人から言われて「これは忘れない方がいいかも」と思ったことはずっと肝に銘じるようにしています。高校時代に辛辣なマジレスをしてくれたギャラリーの人のように、誰かに言われて自分の中で生きている言葉はたくさんありますね。18歳で親元を離れて、身近に叱咤激励してくれる人がいる環境じゃなかったからこそ、自分に学びを与えてくれる人と意図的に一緒にいるようにしていたのかもしれないです。私はずっと若気の至りという名の爆発ばかりしてきたけど、一応、素直ではあったんですよ（笑）。尖ってはいたけど、正しい指摘をされたら1回受け止めて、自分の中に落とし込んできた実感があります。　だから、上京したてで新しい生活に悩んでいる学生に何か伝えられることがあるとしたら、福岡の専門学校時代、講師の先生に言われたことを思い出します。「今は数十人が同じクラスにいるけど、10年後に一緒にいるのは1人か、多くても2人くらい。だから、馴染めないことがあったとしても何も気にしなくていい。“何者かになりたい”“夢を叶えたい”と思っているなら、周りと同じことをしていても叶えられるわけないし、馴れ合いが一番無駄」という言葉（笑）。冷めているかもしれないけど、当時その言葉を聞いて深く共感したし、スッキリした気持ちになったんです。　私は、昔からずっと「学校はあくまでもランダムにチョイスされた人間を収容する箱」くらいにしか思ってなくて、気が合う人がいたらラッキーくらいの感覚で期待せずに生きてきたので、行きつけの古着屋や好きな音楽のイベントとか、学校外で知り合った趣味の合う子と遊ぶことのほうが多くて。趣味嗜好の範囲が広くないので、話が通じる友達はすごく貴重で、面白くて刺激的な少人数との密度濃い時間が必要なタイプだったんです。友達という形に固執していなかったから、別に「みんなと仲良く」とかは一切してこなかった。けど、それでいいじゃないですか。やりたいことがあって上京しているなら、導きをくれる先輩たちの叱咤激励、そして沢山の挫折と立ち直りを繰り返すことが何より大事。興味の矛先は沢山あって良いし、迷っても良いので、自由な直感を信じて、素直に実直に、色んな扉を叩いて進んでみてほしいです。◾️あの人の東京1年目第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第3話：アンジュルム 佐々木莉佳子と赤羽橋第4話：オカルトコレクター  田中俊行と清澄白河第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第6話：俳優  佐藤二朗と東京第7話：俳優 髙石あかりと高井戸第8話：エバース 佐々木隆史と上石神井第9話：デザイナー 東佳苗と新宿（文化服装学院）第10話：俳優 光石研と原宿・下北沢

rurumu:

Culture

【あの人の東京1年目】デザイナー 東佳苗と新宿（文化服装学院）

秘密基地を探した幼少期、夢はずっと「俳優」　私が生まれ育った宮崎という場所は、人と人との距離がすごく近かった。近所の人と会ったら必ず挨拶するし、「秘密基地を探す！」と言って、友達と探検に出かけたりするような活発な幼少期を過ごしていました。屋根の上に登って、家から持ってきた布団や毛布をそこに敷いてみんなで寝たりとかして、よく怒られてました（笑）。　兄が1人いるんですが、昔から友達みたいな関係性で。2人で旅行に行ったり、よく電話したりするくらいすごく仲が良いです。　将来の夢は、本当に物心ついたときから「俳優」でした。保育園の頃にテレビドラマ「花より男子」を観て、井上真央さんに憧れて。それからずっと、俳優になりたいと思い続けていました。上京して過ごした思い出の街、高井戸とみずほ台　元々小学生のときに地元のダンススクールに通っていたのですが、そこに貼られていたポスターを見て、2014年に自分の意思でエイベックス主催のオーディションを受けて賞をいただいたことが、芸能活動の始まりでした。　芸能活動のために宮崎と東京を行ったり来たりする生活をスタートしたのは、中学生の頃。東京では高井戸に住んでいたので、当時は井の頭線によく乗っていた記憶があります。 　その後、高校生になって本格的に一人暮らしを始めたとき、最初に住んだ街は埼玉のみずほ台。当時の私はよく電車に忘れ物をしてしまって、その度に毎回駅員さんのところに行っていたので、「ああ、また君か」みたいな感じでした（笑）。好きだからやっていただけで、「努力をした」という感覚はない　「好きだからやる」「楽しいからやる」みたいな気持ちが強かったので、俳優になるために「努力をした」という感覚は、自分の中ではあまりなくて。例えば、上京した当時はいろいろな台本をネットで探して、ひたすら読んだり演じたりしていました。もしかしたら、それは他の人からすると大変なことなのかもしれないですが、私にとってはものすごく楽しかったんです。　ひとつひとつの役にはそれぞれの感情があるので、いくらレッスンしても、必ずしもそれが現場でできるわけじゃない。レッスンで身につく“技術”ももちろん大切ですが、最終的に必要なのは、役とどう向き合うかという“心”だと思っています。それは経験でしか養えないものなので、「とにかく経験を積むしかない」と途中で諦めがついた部分もありますし、それによって得られたものもたくさんありました。　同じように、「もっと深みのある芝居がしたい」、他の俳優さんの演技を見て「あんな表情をしたい」と思っても、年齢を重ねなければできないことも多くて。でも、私は望みを捨てないし諦めないタイプなので、昔から「どうにか土俵に立ちたい」「早く大人になりたい」と思いながら、ずっとやってきました。　これまで、お芝居をする中で壁にぶつかることは何度もありました。でも、監督さんから演技に対して「違う」と言われたときには、どうしても自分だけでは解決できない部分もあるので、何が「違う」のかを直接聞いて、少しでも“正解”に近づけるようにしています。　一方で、自分との間にある壁については「仕方ない」と考えるしかないと思っていて。自分では「納得できない」と思っても、監督さんが「良い」と判断したのであれば、それが一つの答え。それで実際に作品を見てみると、意外とすごく良かったりすることもあるんです。だから、OKが出たお芝居に対して自分が納得できていないのであれば、悔しいという感情は大切にしながらも、「次、頑張ろう」と気持ちを切り替えています。　だけど、基本的に私は壁にぶつかることが好きなんです。だって、「できた」と思ってしまったら、もう面白くないじゃないですか。お芝居はわからないことだらけで“正解”も全然ないからこそ、すごく楽しくて。だから、俳優やお芝居の仕事は自分にすごく合ってるんだろうなと思います。昔と今で変化した、“服”との向き合い方　学生時代は、黒いジャケットやオーバーサイズのロングコートを着たりと、結構大人びたファッションが好きでした。当時は、自分の気持ちを上げてくれる「ファッション」というものにすごく助けられていた部分があったし、正直今よりもお洒落だったと思います（笑）。日本の雑誌よりも海外のファッション雑誌に載っているようなスタイルが好きで、そういう服を扱っているセレクトショップで買い物をすることも多かったです。　今は、衣装として素敵な服を着せていただく機会が増えましたが、着るとやっぱりぐっと気持ちが上がります。そして、作品では役に入るために“服の力”がすごく大事なんです。衣装を通して「この人はこういうタイプだったんだ」と役を知る助けになることも多いですし、私自身も服を着ることで雰囲気が切り替わりやすいタイプで。だからこそ、今は衣装を着たときにそれが“スイッチ”になるように、普段は自分が素でいられる服を選ぶようにしています。 「他人にも自分にも“思いやり”を持っていたい」　上京してからこれまで、人との出会いにはすごく恵まれているなと感じています。今お仕事で日々関わっている皆さんも本当に良い方たちばかりですし、特に、家族以上に多くの時間を共にするマネージャーさんの存在は大きいです。今のマネージャーさんとは出会ってから5年以上が経ちますが、時には厳しく、時には優しく背中を押してくれる愛情深い方。俳優としても、一人の人間としても育てていただいたので、感謝しています。　私は結構誰とでも仲良くなれるタイプではあるのですが、「友人は無理して作らなくていい」と考えていて。「仲良くなる」というのは、必ずしもプライベートに踏み込む必要はなくて、リスペクトし合える関係性の中で「お仕事として仲良くなる」というのも素晴らしいことだと思うんです。私もプライベートの友人は少ない方ですが、自分にとっては今の状態がすごく心地よくて。だから、「友達を作らなきゃ」と無理している方がいるなら、「こういう人もいるよ」と伝えたいです。　よく「自分と似た人が集まる」と言ったりしますが、信頼できる良い友人や仲間に出会うためには、まずは自分自身が幸せにハッピーに生きることが大切なんじゃないかと思います。そうすれば、自然と良い人たちが近くに来てくれるような気がします。　そして、私は周りの目線を気にするのをやめたことで、「自分らしさ」を手にすることができたと感じていて。私にとっての自分らしさは「思いやり」。他人に対してはもちろん、自分に対しても思いやりを持っていたいと思っています。私も俳優のお仕事をしていく中で、正解がないことに悩んだり迷ったりすることもたくさんありますが、そんな自分のことも受け入れながら、日々少しずつ学び、進んでいるところです。◾️あの人の東京1年目第1話：歌手・タレント 研ナオコと原宿第2話：お笑い芸人 ランジャタイと大井町（旧NSC）第3話：「アンジュルム」佐々木莉佳子と赤羽橋第4話：オカルトコレクター  田中俊行と清澄白河第5話：お笑い芸人 エルフ荒川と神保町第6話：俳優 佐藤二朗と登戸第7話：俳優 髙石あかりと高井戸第8話：エバース 佐々木隆史と上石神井第9話：デザイナー 東佳苗と新宿（文化服装学院）第10話：俳優 光石研と原宿・下北沢ドレス 13万7500円／seya.、イヤリング 1万8700円／SAFON､ネックレス 1万6500円／YArKA､ブレスレット 1万8700円／four seven nine､リング 3万9600円／O-KI（ジュエリーは全てロードス）、その他スタイリスト私物styling: Kenshi Kaneda, hair & makeup: Aya Sumimoto | photography: Hikaru Nagumo(FASHIONSNAP)

【あの人の東京1年目】俳優 髙石あかりと高井戸

アンドレアス・ムルクディス氏にインタビュー

ベルリンのクリエイティブシーンを牽引するショップオーナーが語る、“東京のファッション”の魅力と課題

──長年グラフィックアーティストや写真家として活動したモクさんは、なぜフレグランスブランドを立ち上げたのでしょうか。　ファッションや音楽業界のクライアントのためにフリーランスとして長く働いたのですが、個人的な作品やブランド運営への渇望を抱くようになりました。同時に、“完全な自由”を求め、自然な成り行きで写真の仕事に取り組み始めたんです。一方で、デザイナーとして企業経営や販売の経験がない中で、どのようなブランドを作れるか、長い間考えていました。　どんなブランドにするか、さまざまなアイテムを検討する中で、フレグランスに惹かれたのです。香りは製品の品質だけでなく、抽象的な言葉やイメージを通じて表現し、お客さまに感覚を伝える方法としても重要であることに魅力を感じました。私はそのような仕事をずっとしてきたので、自信もありました。フレグランスが、その日のルックやスタイルを完成させるアイテムとして、ファッションと共通点を持つことも魅力に思えたんです。──フレグランス自体には、もともと興味があったのでしょうか。　香りは常に記憶の中に存在し、特定の時間に連れ戻してくれるものですよね。子ども時代、青春時代、学生時代、旅の思い出など香りは常に“媒体”として私と共にあり、それらの記憶を思い出すために、香り関連の製品を集め始めたのが興味を持ったきっかけだと思います。今では、どこへ行くにも、空間と時間を記憶するための手段として、香り関連の製品やアクセサリーを集めているんです。モク氏が旅先で撮り溜めた写真の数々①──特別な思い出のあるフレグランスはありますか？　季節や天候、その日の感情によってさまざまなフレグランスを使い分けているのですが、もし飽きることなく、時代を超越した香りを1つ選ぶとすれば、「フレデリック マル（FREDERIC MALLE）」の「ムッシュー」を思い浮かべます。今シーズンのお気に入りは「ディーエス＆ダーガ（D.S.&Durga）」の「カウボーイグラス」。個人的に、特別な思い出があるものは、「マドエレン（MAD et LEN）」の「テレノア（TERRE NOIRE）」です。──ブランド名「ペサドゥ」やコンセプトは馬術からインスピレーションを得ていますね。乗馬や馬術には昔から親しんでいたんですか？　いくつかのレースを体験したり観戦したりしましたが、馬術文化に深く関わったことはありません。ここはシンプルに、完璧な強さと優雅さを兼ね備えた「ペサード（馬術）」の姿勢に魅了され、それをブランドに結びつけようと考えたんです。私が追求するブランドのエッセンスに、最もマッチする言葉とブランド名だと。「ペサドゥ」という語は、馬が胴体を地面から45度以上の角度で持ち上げ、前足を体とともに引き上げる馬術のテクニックにヒントを得た。古代ギリシャの乗馬術（魔法の馬場馬術）に由来するこの動作は、肉体的な優雅さと精神的な精密さの融合を表す。──ブランドのヴィジョンは、「香りを通じて人々が内なる強さと可能性を発見し、身近な瞬間を新たな視点で見て、日常を非日常的な体験に変えるのを助ける」と述べています。これはどういうことなのでしょうか。　香りが持つ機能性から紐解くことができると思います。フレグランスは、その日の心構え、キャラクター、姿勢を作り上げる際に、外見的なスタイリングではなく、形のない香りを通じて、統一された雰囲気を作り出せるもの。ペサドゥもこれを手助けする役割を果たせればと思ったのです。ペサドゥの香りが人々の内面的な自信を取り戻し、新たな可能性を発見し、日常生活の中で特別な体験をする経験に寄り添いたい、という願いを込めています。──モクさん自身は調香師ではありませんが、クリエイティブディレクターとして香りの開発プロセスにはどのように携わっているのか教えてもらえますか？　最も重要な側面は、香りがペサドゥが追求している全体的な方向性と一致しているかどうか。これを達成するために、私自身は主にメインアコードの設定と、香りの初期基盤の構築に集中しています。調香プロセス全体を通じて、各チャプターで特集される3つの香りが調和し、つながるように調香師と緊密に協力しています。Chapter Ⅱ - Strange Odyssey -　現在、香りのコレクションはChapter I からChapter IVまで展開。各チャプターごとに3つのフレグランスを発表し、バランスを保ち、調和を奏でるな香りを組み合わせている。──新しいチャプターのコンセプトのインスピレーションは？　最も私的で大切な思い出です。もうひとつのインスピレーション源は、写真の仕事をする中で出合った、さまざまな群衆や風景、そして途中で出会った人々です。それから、子どもの頃に楽しんだ現代アーティストや古い映画、音楽、絵画なども。それらを記録し、収集していくことで、新しい香りのヒントを得ています。──今現在、モクさんにとって香りやクリエイティブコンセプトにヒントを与えてくれる国や場所はどこですか？　ペサドゥのエキゾチックで現代的な香りに影響を与え、頻繁に訪れる都市はマラケシュ、ベルリン、シチリア、京都。これらの都市の魅力と、私の記憶はペサドゥの香りを特徴づけるものなんです。モク氏が旅先で撮り溜めた写真の数々②──長らく幅広いデザインに携わってきたモクさんが、ペサドゥの“デザイン”で重要視していることは何ですか？　ペサドゥは、典型的ではなく既存の古びたマニュアルに従わない意外性や、ペサドゥという名前から来る完璧なバランスとパワーに焦点を当てています。それから、“言葉”という素材も積極的に活用して、ミニマルでありながら“時代を超越した”デザインを目指しているのです。──過去のインタビューでは、「アナログ要素に惹かれている」とおっしゃっていました。ペサドゥにおいて、アナログ的な感覚は反映されているのでしょうか。　まず、パッケージングに表れているでしょう。便利なデジタル印刷方法から離れ、シルクスクリーンやレタープレス、手作業によるステッカーの貼り付けといった、手作りの技法を取り入れています。キャンペーンやイメージについても、可能な限りフィルムを使用していて、アナログ時代の感情や記憶を呼び起こすよう努めています。 ──ローンチから3年で急成長しています。成長の転機は何だったと考えですか？　ローンチから1年後に最初のフラッグシップストアを漢南にオープンしたことが最も重要な転機でした。私たちは資本が少なくマーケティングもあまりできなかったので、オフラインでの展開こそがブランドをお客さまに紹介し、コミュニケーションを取る唯一の方法だと考えていました。店舗設計は、以前の職業的強みを活かし、すべてを自分たちで行いました。ありきたりなインテリアやグッズのようなものを作りたくなかったので、私がインスピレーションを受けたフォトアルバム付きのフレグランススタンドを使用したり、長年の友人であるアーティストのイ・グァンホと協力して店内に大きなテーブルを作ったり、さまざまなことに挑戦しました。それから、マラケシュと日本にインスパイアされた植物も。これらの要素がペサドゥの雰囲気を作る上で重要な役割を果たし、これに興味を持ったお客さまを通じて、メディアや海外にも知られるようになりました。──海外初の常設展開として日本を選んだ理由は何でしょうか？また、今後の日本展開の計画を教えていただけますか？　個人的に、私のお気に入りの場所が日本なんです。地理的に若い頃からよく訪れていた国ですが、もちろんすべてを理解できるわけではありません。それでも、日本の感性と文化の影響を受けて育ちました。ブランドを立ち上げて以来、海外で店舗を開くことを最初に考えた場所が東京だったので、その目標を早く達成するために努力したんです。　特に東京はアジアの都市の中で最もグローバルな都市だと思いますし、ペサドゥ独自のブランディングと製品の詳細について学べる場所だと考えています。東京のポップアップから始め、日本全国に拡大してペサドゥの香りを紹介したいと思っています。店舗だけでなく、展示会やそのほかの形でお客さまと会うために、パートナーとも計画を立てています。──韓国の美容業界はスピードの速い市場として知られています。そのような変化の激しい環境の中で、ブランドの独自の世界観をどのように維持し、成長させているのでしょうか。　自分が何者であるかを知り、自分自身に最も集中するよう心がけています。どのようなブランドを作りたいのか、どの方向に進むべきかを常に自問し、自分の個性が際立つように可能な限りすべての仕事のプロセスに参加するよう努めています。急速に変化し、トレンドに敏感な市場では、クリエイターの個性がブランドにどれだけ表現されているかが生き残るための最も重要な要素であり、これらの要素が集まってブランドの独自性と差別化を生み出し、ユニークなストーリーテリングを創造すると思っています。同時に、ブランドの方向性に合った市場とお客さまを見つけ、継続的な関係を構築することも必要だと考えています。──最後に、今後の製品発売予定と、ブランドのヴィジョンについて教えていただけますか？　私たちの最大のヴィジョンは、グローバルな“調香ハウス”になること、ペサドゥのブランディングを理解し好きになってくれるお客さまにもっと出会うこと、彼らを満足させるために製品力とブランディングを継続的に発展させること、そして高品質なブランドとして確立することです。　発売に関しては、9月中旬にフィレンツェで開催されるフレグランスの展示会で、ペサドゥのアイデンティティをテーマに進められている新しいチャプターを紹介する予定です。また、夏前に新しいハンドウォッシュを発売します。　今年はヨーロッパ市場への本格的な進出のためにイタリアの拠点整備を進めていて、日本市場ではペサドゥの雰囲気に合った空間を通じて、日本のお客さまと継続的に出会えるよう計画しています。

Beauty

目まぐるしい韓国美容業界で大切なこととは？

スロウでアナログな韓国フレグランス「ペサドゥ」　クリエイティブディレクターが魅力を語る

密着 1月25日：パリ・ヴァンヴ蚤の市とコッキのクリエイションの関係性　パリコレ（パリファッションウィーク）期間中の2025年1月25日、フランスはパリ左岸で開かれるヴァンヴ蚤の市の会場に「コッキ（KHOKI）」のブランドディレクター Kokiの姿はあった。名古屋のセレクトショップ「キンク（kink）」のオーナー安田茂と共に、毎シーズン足を運ぶという蚤の市には、コッキのクリエイションに通じるものがあるようだ。　パリ市内には主に3つの蚤の市（フリマ）がある。最大規模のクリニャンクール蚤の市（サン・トゥーアンの蚤の市）、日用品の多いモントルイユ蚤の市、そしてヴァンヴ蚤の市だ。「ピュス・ドゥ・ヴァンヴ（Porte de Vanves）」駅を降りたところにあるヴァンヴ蚤の市は3つの中では最も規模が小さいが、その分治安も良く、路上での宝探しにもってこいのフリマで、Kokiはパリで展示会をする際にはヴァンヴとクリニャンクールに訪れるという。実際に、蚤の市で撮影した写真をプリントしたアイテムを展開したりと、コッキのデザインに蚤の市での体験が反映されることもあった。　「用途不明な、自分の頭の中にないものがここにはある」。Kokiにとって今回で4回目となったヴァンヴ蚤の市は、あいにくの雨で古着の出品は少なかったが、カトラリーや絵画、人形、オブジェ、カセットテープ、仮面、カメラ、アクセサリーなど多種多様なものが販売されていた。「欧州だけでなく、アフリカやアジアのカルチャーが入り混じるこの空間に、温かみを感じ落ち着く感覚を覚えます」。そういうと、Kokiは見知らずの家族の姿がおさめられたネガフィルムを手に取り、「なんかいいですよね、この写真」と目を輝かせる。　蚤の市には実用性はないが、魅力的に映る品々が多い。トランプの絵柄が入ったサイコロは、出品者に聞くと、どうやら振って役を作り、ポーカーとして遊ぶものらしい。ポーカーをしないKokiだが、そのデザインの面白さから購入を決めた。　コッキのクリエイションは、アメリカンキルトの素材使いやインドの手刺繍など、クラフト感や温かみが特徴であるのと同時に、チームのパタンナーによるフォルムの追求やアブストラクトな表現でアバンギャルドな一面も持っている。モードともカントリーともコンテンポラリーともカテゴライズできないコッキの服は、さながら「美しいカオス」を体現するパリの蚤の市に通じるものがあり、クラフトマンシップに基づく細部へのこだわりを集積させることで、差別化を図っている。　ブランドデベロップメント・エージェンシーSeiya Nakamura 2.24のパリショールームに出展したコッキは、セールスも好調だった。いくつもの海外バイヤーとの商談を経て、時差ボケもあるなかそれでも蚤の市に出向くのはクリエイションを研ぎ澄ませたいという欲求からだろう。　「蚤の市を訪れることは、言葉をみつける作業でもあります」。　パリ滞在期間中も、日本のチームとオンラインミーティングを重ね、ショーピースの制作を進めるなど、1月25日時点で、東京でのファッションショー（2月12日開催）の構想はまだまだ決め切れていなかった。2度目の開催に向けて、少しでもファッションショーの完成度を高めたいと、アイデア収集の側面もあったのかもしれない。密着 1月29日：ヘアメイクの打ち合わせを通じて見えてくるイメージ　「（午前）2時に目が覚めて、始発でアトリエに来たんです」。1月29日、パリから帰国して数時間後、Kokiの姿はすでに新宿区のアトリエにあった。　舞台はパリから東京へ。パリで得た新鮮なインスピレーションが最後のピースとなってコレクション制作を加速させる。　パリではセールスに集中し、帰ってきた朝に滞っていた日本での仕事を終えた。パリでの展示会に合わせてショーピース以外のサンプルは揃っている。それでも、現時点でのショーの準備の進捗は「3割」だという。ショー開催まであと14日。コレクションはどのように「ショー」になっていくのか。　そのイメージを具体的な言葉にすることはあえて避けている。「制作を重ねる中で気がつくこともあるので、現時点ではクリアになっていない方が、“綺麗な言葉”になっていくのかなと」。　前回はショーピースに振り切った構成だったが、今回はリアルなコッキも表現したい。「来てくれたお客さんに忘れられない夜を届けたいという気持ちもあります、“それなり”のショーには絶対にしたくない」とKoKiは話す。　20時。前回のショーから継続してヘアメイクを担当しているヘアアーティストの河村慎也（mod's hair）が、1stサンプルを持ってアトリエにやってくる。事前にKokiから河村に伝えた抽象的なキーワードが河村の手によってどう咀嚼されるのか、1stサンプルを起点にすり合わせを行う。　河村がダンボールから取り出したサンプルは、ヴィンテージの黒いレースを組み合わせたスカーフのような形状で、ドゥーラグのように目深に頭部を覆い巻き付ける。吟味しながらコッキメンバーとの対話を通してアイデアを拡張していく。　安易に全ての要素を盛り込んだ華美さも、カジュアルさも、メタリックな素材感や覆面が記号的に与えるパンク的な要素も、求めるイメージとはズレる。　帽子のように頭に被さるものというよりは、ヘアと組み合わせた見せ方もできるのかもしれない。試着を経て、「立体的ではない＝マスク」に対する違和感をすり合わせる。マスク型になると複数ルックが並んだ際の造形のリズム感が崩れる。かといってレースで丸みをある造形を作ると既視感を抱かせそうだ。　iPadにラフを描きながらアイデアを作っていく。　当日は会場が薄暗くなる、ならばあまりにもおどろおどろしいものではなく、若干のポップさやキッチュさを取り入れたい。黒ではない色を検討するため、コッキのアトリエで保存しているヴィンテージレースを取り出す。以前パリのアンティークマーケットで購入したものだ。　やはり元々検討していたような、透け感や軽やかさのあるレースの方が良いかもしれない。方向性を定めつつ、ディスカッションを経てイメージを膨らませる河村。当日までにこの後数回のミーティングを重ね、本番に向けてデザインを完成させていく。密着 2月3日：モデルオーディション　2月3日。キャスティングディレクターのTaka（BABYLON）のアトリエでモデルオーディションが行われた。17時、Kokiたちはオーディションの合間に届いたデリバリーのサンドイッチに口をつける暇もなく、入れ替わり立ち替わり訪れる総勢100人以上のモデルたちを見続けていた。　コンポジを受け取り、正面、左右、背面の写真を撮る。この段階で今回のコレクションのイメージに合うモデルかどうかを決める。通過した候補者にだけブラックのジャケットを羽織らせ、2回のウォーキングをして終了。その時間わずか1分30秒。穏やかな物腰は変わらないが、Kokiの眼差しは鋭い。撮影した写真はその場で出力し、ボードに貼り付けていく。　静かな緊張感が漂うオーディション会場には、ショー音楽を担当した作曲家の中島夏樹によるデモ音源が小さな音で流れている。Kokiからの「怪しげな森のイメージ」というオーダーに対して中島が返したアンサーは、アコーディオンやテルミンの音色を中心としたどこかスペーシーで怪しげな、不思議な生き物や動物たちの演奏する「タンゴ」。このリズムをKokiは気に入ったようだった。　音楽を聴きながら、Kokiの手元にあるのはショールックのラフスケッチ。コレクションの中のストーリー性の強いルックに負けない個性的なモデルや、洋服を魅力的に着こなすプロポーションのモデル。前回同様多国籍なモデルを揃え、ノーボーダーで自由なイメージを表現していく。当初は個性を消したモデルを起用することでルックを際立たせるというアイデアもあったというが、帰国後に最終調整を重ねる中でその考えも変わっていったという。今回が初来日のフレッシュな面々も積極的に起用した。　翌日、翌々日も引き続きオーディションは続く。週末には本格的なスタイリング組みを予定している。逆算すると、この週中にモデルを固めたいところだ。オーディション終盤には今回のショーディレクターである酒井文章（VISIONS AND PARADOX）も合流し、モデル選定は夜まで続いた。密着 2月10日：フィッティング、ショーまであと2日　2月10日、ショー本番2日前のアトリエには意外にも静かで穏やかな時間が流れている。スタイリングのメモに沿って、モデルに衣装を着せ付け、四面図とウォーキングの様子を記録する。　ラストルックとなるコレクションピースの赤いコートは、裾のなびき方を計算するためにモデルの身長に対する裾のあまりを確認。ヘッドピースのフィッティングや歩く際にポケットに手を入れるかどうか、といった細かい点を確認していく。モデルの身のこなしがスタイリングのムードをより際立たせる。　この日に撮影したモデルの着画を元に、モデルの入れ替えや、着替えのあるモデルの出順の調整を行う。現時点での進捗は8割。細やかな調整はこれからだ。密着 2月12日：ショー本番 【9:00】　ショーの舞台となる五反田TOCビルに各種スタッフたちが集合。機材の搬入が行われ、照明の設営が始まる。【9:23】　2トントラック4台分、ダンボール600箱の枯葉が運び込まれる。枯葉はいずれもKokiの実家がある山梨県の山から採集されたもの。秋口の発色が美しい時期に拾い集めた枯葉を、ドライフラワーを製造する家業の乾燥機で乾燥させ、色褪せないように保管していたという。【9:38】　エレベーターいっぱいの紙袋を引きずってコッキチームの第一陣が会場IN。袋の中にはショーの座席として使用するために制作したオリジナルクッションが320個。学生と共に手作りで制作した。【10:00】　600箱の枯葉の搬入が終わり、次々とダンボールが開封されていく。封を開けるとたちまち、会場は森の中と錯覚するような深い緑の香りに包まれた。枯葉は床に積み上げられ、少しずつ客席を作っていく。音響テストを始めるチーム、照明を組み立て続けるチーム、大量の枯葉を地面に敷き詰めていくチーム、大勢が駆け回りながら準備を進める。無機質でがらんどうだった空間は活気を帯び、枯葉の山は、次第に”小さな森”に近づいていく。刹那的に終わっていくファッションショーができるまでに、どれだけの人の手とこだわりが詰まっているのだろうか、思いを馳せずにはいられない。【12:28】　概ね敷き詰め終わった枯葉の上に、客席であるクッションが配置されていく。ランウェイの幅は異例の40cm。クッションは、ブラウンのコーデュロイにコッキの「K」の文字が施されている。ランウェイに立ってみると、客席から眺めている以上に狭く、客席は脚が触れそうなほど近い。しかしこの観客とモデルの距離の近さはKokiきっての希望だ。鑑賞者と被鑑賞者としての関係ではなく、空間全体が「コミュニティに見える」ようにしたい、という思いがそこにはあった。【13:09】　控室にはヘアメイクの河村の姿があった。紆余曲折を経て、筒状に空洞が作られたレースを組み上げた造形にフリンジなどのパーツを載せた立体感のあるヘッドピースが完成していた。次第と控室にフィッター、キャスティング、演奏者たちが集まり始め間も無く皆が本格的に動き出す。【15:18】　微調整が重ねられた枯葉の山はより自然な稜線を描きリアリティを増していた。ランウェイから周辺一体に広がる森の風景を見渡すと、「ノスタルジック」の一言で片付けてしまうのはあまりにも惜しいほどの言い得ないに感情が押し寄せる。童心に返って枯葉の山に飛び込みたくなるようなふとした郷愁や心細さ、自然に対する恐怖と恍惚、そういったものに限りなく近い純粋な服。子どものような好奇心や、ファッションへのただひたむきな情熱で服を作り続けてきたコッキの、ピュアで生々しい衝動衝動がストイックな姿勢の下で形になる。コッキが追求する美しい景色に、そうしたものを重ねた。【15:26】　バックステージではスタイリングの仕上げに入る。コッキチームは前日からアドレナリンが出て眠れずに当日を迎えたという。ファーストルックのモデルは今回が初来日。やや緊張の面持ちだ。ヘッドピースの調整では、パーツをカットしたり、取り外したりと大胆な変更も続く。【17:31】　テクニカルリハーサルやウォーキングテストを終えて、リハーサルがはじまる。　「白樺の木の森」をショー空間で表現するため、当初は木のオブジェを持ち込むアイデアもあったが、白樺の木に見立てた棒状のライトを空間内に林立させるという演出に変化した。刺繍やアメリカンキルトといったクラフトワークが印象的なコッキは、表面的なエッセンスを抽出すると“牧歌的”なテイストに傾きすぎる。しかし、本質はものづくりに対する真摯な姿勢とユーモア。空間やライトで無機質さ、工業的な冷たさを加えることで人間味や温もりを際立たせる。【19:00】　ドアオープン。電気が消えた会場を誘導のかすかな光を頼りに恐る恐る歩く。暗い中で体育座りをして見回す周囲のクッションは岩肌のシルエットのようにも見える。席に案内され、柔らかい枯葉の上にはじめて足を踏み入れると、想像以上に柔らかく、踏み荒らされていない美しい山に入り込んだようである。踏んだ時のカサカサという音、踏んだことでいっそう香り立つ枯葉。クッションに腰を下ろすととても柔らかかった。【20:10】　ショーは40分押しでスタートした。会場には、思い思いにコッキの服を装うゲストが集まり、業界を代表する錚々たるメンバーも集結していた。【20:25】　無事ショーが終わりフィナーレを終えた客席では拍手喝采が起き、バックステージでも拍手が起こっていた。スリリングであり、他で体験することのないランウェイだったからこそ、バックステージに返ってきたモデルたちには安堵の表情が見える。　ショーが終わってからも森の中は熱気を帯びていた。観客たちはコッキからの贈り物となったクッションを大切に抱えながら、余韻に浸り感想を語り合う。各々が各々の想いや湧き上がる感情を噛み締めながら、名残惜しそうに帰路についていった。バックステージには大仕事を終え一息つくKokiの姿があった。　顔を明かさない、謎に包まれたコッキチーム。余計な“言葉”や“イメージ”を介さず、ただ純粋に「服が好き」という想いと情熱が純度を保ったまま、プロフェッショナリズムを貫き通して服になる。彼らのクリエイションが胸を打つのは、創る者だけでなく着る者にとっても「服が好き」という初期衝動が尊いものだということを思い出させるからかもしれない。

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