インサイド

　開催に合わせたプレスツアーでは、様々な国や地域から約30人のメディア関係者などが招待され、イベントに先駆けてアクティビティを実施。フェスティバルだけではなく、パリとアート、アートとロンシャンのつながりを知るインスピレーショントリップとなりました。　まず訪れたのは、パリ郊外にあるアーティストレジデンス「POUSH」。POUSHは、アートセンターとアーティストの制作スタジオを併設するクリエイティブ拠点で、30ヶ国以上から集まった約270人のアーティストが活動しています。現地ではクリエイティブが生み出されるアーティストのアトリエを巡り、説明を受けながら制作工程や作品を見学しました。 ロンシャンとアートとの関係を一つの場に　その後、マレ地区のフェスティバル会場へ。会場には、ロンシャンが所蔵する作品のほか、世界各地のロンシャンのブティックで展示されているアーティストの作品など、ブランドとゆかりのある作家たちが参加しました。　フランス人現代アーティストのグザヴィエ・ヴェイヤン（Xavier Veilhan）や、世界的デザイナーのトーマス・ヘザーウィック（Thomas Heatherwick）といった著名なアーティストから、POUSHに所属する新進気鋭の作家まで、25組を超えるアーティストによる作品やパフォーマンスで構成されました。日本からはニューヨークを拠点に活動するアーティストの西川裕子さんが参加し、浮遊感のあるモビール作品を展示。“動”を共通テーマに、光や色、素材、身体など、それぞれ異なるアプローチによる作品が会場に並びました。創業家が受け継いできた「創造的好奇心」　ロンシャンはこれまでも、アイコンバッグ「ル プリアージュ®（Le Pliage®）」を通じてさまざまなアーティストとのコラボレーションを発表してきました。今年は「KYOTOGRAPHIE 京都国際写真祭」に初参加するなど、継続的にアートとの関係を深めています。創業一族のキャスグラン家も長年にわたり、アーティストの発掘や作品の収集、文化支援に取り組んできました。　創業家3代目でCEOのジャン・キャスグラン（Jean Cassegrain）と、妹でクリエイティブ・ディレクターのソフィ・ドゥラフォンテーヌ（Sophie Delafontaine）は、今回のテーマである「CREATIVE CURIOSITY（創造的好奇心）」につながる感覚は、幼い頃から育まれてきたものだと話します。　「私は絵を描くことが得意だったわけではありませんでしたが、美しいものへの関心だけでなく、世界への興味、旅をすること、未知のものへの創造的好奇心、そして家族から受け継いだ“発見すること”への姿勢が、現在のクリエイションにもつながっていると思います」（ソフィ）　今回展示された作品を含むアートピースを購入する際は、色彩の豊かさを一つの基準にしているといいます。また、作品選びでは兄妹の意見が一致することがほとんどで、家族間で共有されてきた美的感覚がアートコレクションのセレクトにも反映されているといいます。なぜ今、アートフェスティバルなのか　今回、著名な作家だけでなく新進気鋭のアーティストもラインナップに加えた理由について、ジャンは次のように話します。　「ファミリーメゾンとして、若い才能に目を向けることは大切だと考えています。POUSHをはじめ、新しい才能を見つけ、彼らを知ってもらう機会をつくることも、私たちができることの一つです」（ジャン）　今回のフェスティバル開催についてソフィは、「これまでメゾンがさまざまな形で育んできたアートとの関係を、プロダクトとの単発の協業ではなく、一つの場に集めて誰もが体験、共有できるものにしたかったから」と経緯を説明します。　「いつも異なる表現との出会いが、メゾンのクリエイションに新たな視点を与えてくれました。このプラットフォームが誰もが創造的好奇心を持って新しいものを発見できる場所となり、来場した人が何か感情を持ち帰ってくれたらうれしいです」（ソフィ）　フェスティバルは入場無料のパブリックイベントとして開催され、予約枠がすぐに埋まるなど、会期中は多くの来場者でにぎわいました。幅広い層が現代アートに触れられるプログラムを展開し、ロンシャンが長年育んできたアートとの関係と、メゾンが掲げる「CREATIVE CURIOSITY」を体感できる3日間となりました。© Xavier Veilhan, Adagp, Paris, 2026© Soo Kyoung Lee, Adagp, Paris, 2026© Sébastien Preschoux, Adagp, Paris, 2026© Valentin Guillon, Adagp, Paris, 2026

「ロンシャン」とアートの関係とは？ 　パリで初開催のフェスをレポート

ここのがっこう コースについてファッション表現の基礎や歴史を学びながら、自身のルーツを掘り下げる「プライマリーコース」、書くことを通して自分らしいファッション表現を探る「ファッションドローイングコース」のほか、ゲストとの対話から創作のヒントを得る「レクチャーコース」、毎回異なるチューターを迎えながら制作を深める「プレアドバンスコース」といったクラスを用意。加えて、プライマリーコース修了生を対象に、チューター形式で制作指導を行う1年制の「アドバンスドコース」「マテリアル＆マターコース」も開講。両コースでは、年度末の4月に富士吉田を舞台としたインスタレーション形式の作品展示を実施する。FUJIHIMURO、福源寺　富士吉田駅から徒歩5分ほどの場所にあるアートギャラリーFUJIHIMURO、福源寺には6つのインスタレーションが揃う。アーカイヴとしての“靴”（高橋耀）“ゲロ”がモチーフ（田岡理沙）「路上生活者に着目」（相原民生）少し“ずらした”スーツ（成枝 真由菜）祖父と私をつなぐ“逆お下がり”（小林大介）心の中にいる“とくさん”を助けたい（徳永貴雄）旧山叶工場　展示会場で最大規模である山叶工場では、18ものインスタレーション作品が並ぶ。「G e3.1 Pro（非恋愛的親密さ）」（嵯峨南）“バイブス屋”が手掛けるポップアップ（白浜麗）ぬいぐるみにまみれた「方舟」（本間蒼生）「曖昧」「中途半端」「境界線にいる人」（樫山マサヒロ）“誠実な適当さ”（ジュガール）椅子に着せる服（伊藤愛希）服を“建てる”（吉野達也）「呪い」（齋藤幸樹）日常を切り取った生地写真（土出あゆみ）私を守る服（パク ヒョンヒ）心の“傷を肯定（藤松怜央）標高6812mの頂上で自作のドレスを（高橋侑希）「オパール加工は人間関係に似ている」（高平ふみ）想像には怖い一面がある（馬場逸平）やめられない衝動がドレスに（笹久保紅織）生きづらさを消化するための祈り（室諭志）過去や閉塞感を抱えながらも前へ進む人間像（浜田空）高尾家住宅　国の重要文化財に指定されている高尾家住宅には3つのインスタレーションが並ぶ。暮らしの痕跡から着想（中島芽衣）内と外「あいだ」の空間（小栗天音）「安全な冒険」原題：Turvallinen retkikunta（シェイ・ミロ）旧社員寮・Fab Cafe　昨年度の展示場所としては使われなかった2階建ての旧社員寮を開放。Fab Cafeでは物販も行われた。五島列島の歴史にニットの歪みを（野上翔平）郷愁や山河への慕情を表現（村野こだま）「アフターイメージング」（市原結菜）「東北から都へ」馬と共に旅した記録（岩井巽）

Fashion

「アントワープシックスの魂が受け継がれている」　ここのがっこう 2025年度修了展示

　一貫して祈りをテーマとしてきた岡﨑は今回、「私たちが暮らしの折々で胸中に抱く『感情』さえも『祈り』になるのではいか」と思案。同時に、岡﨑は衣服に対する人間の欲望にも興味を持ったという。花や植物、動物の肌を模倣し、人工的にプリントしたテキスタイルを、「自然を写し取り、まとうことで近づきたいと願った人々の感情がとても生々しく感じた」と説明する。 　プリントという人工的な要素が加わったコレクションは、神聖さや畏怖、呪術性といったリュウノスケオカザキのコレクションを取り巻く空気感に、「人間臭さ」をにじませた。グラフィックとして改造された花のモチーフは、どこかグロテスクなムードすらあるが、スカルプチュアルなドレスが持つ構造的な美しさと、絶妙なバランスで調和。岡﨑自身も、最初は「誰がこんな生地を使うんだ」とネガティブに感じた柄を敢えて採用したそうで、手が素材に慣れ、造形が生まれるうちに愛着が湧いていったのだというから面白い。　テキスタイルは、レオパードやパイソンといったプリント柄も登場したほか、毛皮を思わせる起毛素材も取り入れた。岡﨑のドレスは造形の印象よりも随分と軽く、モデルが歩くたびに弾むのが特徴。これらのテキスタイルが揺れる様は、今まで以上に生物的な力を宿していた。　花柄やアニマルモチーフが自然界への憧憬を表象した一方で、古くは民族や身分を識別し、区分するために用いられていたストライプやチェックといったパターンが差し込まれていたのも印象深い。プリミティブなエネルギーと規範的な機能美が、生物が持つ多層的な魅力を示していた。 　模倣と創造の探求はレッグウェアにも踏襲。チェックやパイソンなどの服を着た時の折れ目や歪みを残したまま拡大し、タイツに複写。「模倣を模倣する」という実験的なアプローチは、足元に躍動感を与えていた。 　岡﨑の人間の感情への興味は、マテリアルにも波及。画面越しに見る争いに対し、悲しみと同時に他人事に感じてしまうことや、物理的な距離による無力さまで、「どの感情も心の底から感じるリアルなもの」と捉えた。模倣への欲望と感情的な人間らしさへの探究から、リアルとフェイクのレザーを組み合わせた、初のオリジナルシューズを製作。今季の世界観を落とし込み、花弁を思わせるアッパーの造形が特徴的なデザインに仕上げた。　鉄器や祭祀に用いられる神具を彷彿とさせるオブジェやヘッドピース、ネックレスといったアクセサリーは、岡﨑と同窓である東京藝術大学生のアーティスト辻一徹とのコラボレーションによるもの。 　そして、以前から岡﨑が「プレタポルテに挑戦していきたい」と語っていた通り、いくつかのルックで明確に日常的な衣服に寄り添う姿勢が見られた。チューブの本数を極限まで減らしたポロシャツやTシャツ、ワイシャツ、タイドレスを披露し、トップスとボトムスのコーディネートも提案した。　同時に、前回のコレクションで初めて登場したアシンメトリーな造形は、より自由な筆跡で、ダイナミズムのギアをあげたようにも見えた。 　岡﨑はデザイン画を描かず、製作は手の経験に委ねられている。彼にとっての「プレタポルテへの挑戦」は、既製服ならではの制約を自らの「手」にインストールしたとき、そこに生まれる予測不可能なものを見てみたいという純粋なクリエイションへの意欲なのだろう。この過渡期を目撃し、体感できたことは、見る側の概念も豊かに更新してくれた。確実に自らの表現技法を拡張した岡﨑が、さらに直感を研ぎ澄ませた先に何が見えるのか、楽しみで仕方がない。

RYUNOSUKEOKAZAKI

プレタポルテへの接近で得た「祈り」の拡張

「リュウノスケオカザキ」が切り取る模倣と欲望の人間味　感情を造形に乗せる挑戦

Couscous Furniture　「クスクス・ファニチャー（Couscous Furniture）」は、富ヶ谷交差点近くの山手通り沿いに位置。オランダを中心に、ヨーロッパ諸国で店主が買い付けたヴィンテージインテリアアイテムを取り扱っています。客層は、20代から50代までのカップルや夫婦が多いそう。また、自宅のリノベーションや、店舗、ギャラリー、カフェ、レストランなどをこれから作るという人が、椅子を4脚や8脚とまとめて揃えることもあるそうです。　オランダの家具を取り扱っていること自体が珍しく、それを目指してくる方が多いとのこと。特に、1970年代頃のオランダのインダストリアルデザイナー フリソ・クラマー（Friso Kramer）がデザインしたミニマルでしっとりとした印象のインテリアが人気で、アイテムの動きが早いそうです。毎週必ず新たなアイテムを追加しているので、インスタグラムや公式オンラインストアは要チェックです。店主インタビュー公式インスタグラム東京レトロ a.m.a.store　「東京レトロ a.m.a.store」は、下北沢の一番街商店街に位置。主に昭和後期のレトロポップでどこか懐かしい雰囲気の家具やインテリアアイテム、小物、雑貨などを取り扱っています。客層は老若男女問わずですが、20代から30代までの若い女性が多いそう。最近は海外からのインバウンドもかなり増えているらしく、購入者が1日を通して外国人だけという日もあるのだとか。　アイテムカテゴリーとしては、手頃なグラスやマグカップ、お皿などの食器類が人気出そう。レトロな情緒を最も身近に感じられるのが食器類である理由。それは、かつて祖父母の家を思い返したとき、食器類がたくさんあった記憶が刻まれているからかもしれません。そんな懐かしさを感じる食器類の中から可愛いもの、かっこいいものをピックアップして並べているそうです。以前は「引越しが盛んな時期」に、新たなアイテムが入荷してきていたそうですが、現在はそこまで関係なく通年で仕入れを行っているとのこと。懐かしく、カラフルで可愛らしいアイテムが所狭しと並んだ店内では、時代がタイムスリップしたかのような感覚を味わうことができます。そんな体験をしに、ぜひ訪れてみてはいかがでしょうか？店主インタビュー公式サイト／公式インスタグラムpejite 青山　「ペジテ（pejite）」は、「日本人の手仕事」が感じられる品々を取り扱うインテリア・ライフスタイルショップ。栃木県益子町に本店を構えます。青山店は、青山通り沿いの複合文化施設スパイラルの裏付近に位置。下は20代から上は80代まで男女国籍問わずさまざまな人々が来店するそうです。作家による器やペジテオリジナルの器、食器類のほか、その器類を展示している棚や机、照明など店内にあるものはすべて商品とのこと。人気のアイテムは、やはり器や食器だそうです。　青山店では、月に1〜2回ほど個展を実施。基本的には器の展示が多いとのことですが、オープン当初から付き合いのある革小物の作家による展示や「塩津植物研究所」による盆栽の展示などを行うこともあるそう。開催する際の詳細は、基本的に公式インスタグラムで告知しているとのことなので、チェックして気になる個展にはぜひ足を運んでみて。なお東京には、ペジテ青山店のほかに系列店として、新丸の内ビルディングにオリジナルの器や食器のみを取り扱っている「汲古」が、清澄白河に日本のヴィンテージ家具専門の店舗「白灯舎」があります。合わせて行ってみてください。オーナーインタビュー公式サイト／公式インスタグラムBUILDING　「ビルディング（BUILDING）」は、白金高輪駅から徒歩約5分ほどのところに位置。2010年6月に白金台でオープンし、その後恵比寿に移転、2年ほどでまた白金に戻ってきました。客層は、40代から60代までの男性が多いそうですが、近年はSNSなどを通してインテリアに興味を持った女性や若い層も増えてきているそう。　さまざまなデザイナーズブランドの家具を取り扱っていますが、ジョージ・ネルソン（George Nelson）やチャールズ&レイ・イームズ（Charles & Ray Eames）といったアメリカンヴィンテージの家具が一番人気。特にメーカーでいうと、「ハーマンミラー（Herman Miller）」のヴィンテージ品はオープン当初から根強い人気があるそう。本国のアメリカでも最近は値段が上がっており、日本国内で探そうとしてもなかなか難しいとのことです。店舗では毎日新たなアイテムが入荷しているので、特におすすめの来店時期というのはないそうですが、年末年始は通常よりも比較的動きが多い様子。元々は撮影スタジオだった物件をリノベーションした明るく開放的な店内で、さまざまなデザインに触れてみてはいかがでしょうか？店主インタビュー公式サイト／公式インスタグラムTHE PENNY WISE ANTIQUE 勝どきWARE HOUSE　「ザ・ペニーワイズ アンティーク勝どきウェアハウス（THE PENNY WISE ANTIQUE 勝どきWAREHOUSE）」は、「時代に流されず長く使えるアンティーク」をコンセプトに、イギリスの19世紀後半から20世紀初頭を中心としたアンティークアイテムを中心に取り扱っています。ちなみに、年代的に言うと100年以上前のものがアンティーク、それ以降のものはヴィンテージやレトロという位置付けになるそうです。同店は倉庫を改装して作られており、店内は約660平方メートルの広さを持ちます。ザ・ペニーワイズでは勝どきの店舗以外にも、オリジナル家具とオーダーメイド家具を専門で取り扱う白金ショールームや、リネンとコットンファブリックを中心としたオーダーカーテンやオーダーソファを販売するコロニアルチェック（COLONIAL CHECK）も展開しています。　勝どきWARE HOUSEに来店する客層は、20代の若いカップルから60代、70代のシニア世代まで幅広いそう。最初に取り入れやすいアンティークアイテムとしては椅子が一番人気で、種類も常時50種類以上は常備しているとのことなので自分に合ったアンティークチェアを探し出すことができそう。店主が、年に3、4回直接イギリスまで出向き買い付けた家具がコンテナで到着し、新着アイテムが多く入荷するタイミングが約3ヶ月に1回ほどのペースであるので、その直後に来店するのがおすすめ！時期は決まっているわけではないとのことなのでホームページやインスタグラムをチェックして入荷のタイミングを狙ってお店にいってみてください。店主インタビュー公式サイト／公式インスタグラム

Lifestyle

東京で出会える和・北欧・米のヴィンテージ家具　個性が光る5店

Graphio/büro-stil　「グラフィオ／ビューロスタイル（Graphio/büro-stil）」は、1999年に創業。最初は中目黒に店舗を構えていましたが2013年に現在の代々木上原に移転しました。店内では、「20世紀デザイン」の独創的でユニークな家具や雑貨、ポスターやオブジェといったアートピースなど、多岐にわたるアイテムがセレクトされており、「流行を追った人気のモノ」よりも、「過ぎ去った時代の空気や創り手の情熱が年月を経て改めて輝きを放つ」そんなヴィンテージならではのクリエイティブな価値をもったアイテムを取り扱っています。特に、店主の村井さんが元々広告業界で仕事をしており、そこからヴィンテージ業界に来たという経緯もあり、グラフィックデザインをベースにしたポスターや、それが「物」になったようなプロダクトを得意としています。　幅広い年代の客層が訪れるそうですが、店舗としてのメインターゲットは40代から50代。今までいろんなものを見てきて、「今の流行りなどを意識しないで自分の目で物を選ぶ人」に焦点を当てているそう。いわゆるメジャーなアイテムを想像して来店すると、「え？」となるかもしれませんが、「見慣れたものではないもの」を求めている人には刺さりまくること間違いなし。バブル期やそれ以前の1960年代、70年代に、当時の「センスの良い」人々が海外から持ってきたものが日本には眠っており、それを見つけ出しその良さを説明して分かってもらう、ということをずっとやってきた村井さん。人気という評価ではなく、独特の視点で隠れた素晴らしさを見出したモノをキュレーションすることにやりがいを感じているそう。来店したタイミングでのプロダクトとの「出会い」を大事にする意識で、ぜひ店頭へ足を運んでみてください。店主インタビュー公式サイト／公式インスタグラムFILM　「フィルム（FILM）」は、目黒、祐天寺、学芸大学、武蔵小山のちょうど中間の目黒通り沿いに店舗を構えています。1階と2階の2フロアで構成されており、1940年代から1960年代のいわゆる「ミッドセンチュリー」と呼ばれているインテリアアイテムを主に取り扱っています。最近では、1980年代や1990年代のものや、逆にもっと古いアイテムも販売しているのだとか。客層は30代から40代までの夫婦やカップル、インテリア関係の仕事に就いている人、これから店を開業しようとしている人などが多いそう。　おすすめの来店時期は、アイテムを載せたコンテナが入ってきたばかりか入る直前。直前であれば、アイテムが手元に届いていなくても買い付けてきた商品の写真を見せて仮予約をすることが可能です。入荷のタイミングは不定期なので、時期についてはメールやインスタグラムのDMなどで問い合わせるのが良さそう。アイテムは、家で使うマストアイテムであるソファーやダイニングテーブル、ダイニングチェアが特に人気です。温かみのある店内でヴィンテージの良さを存分に堪能することのできるショップです。店主インタビュー公式サイト／公式インスタグラムSOMEWHERE TOKYO　「サムウェアトーキョー（SOMEWHERE TOKYO）」は、恵比寿に位置するヴィンテージインテリアショップ。ギャラリーのようなスタンスをとっているため、時期によってはアイテムを5〜6個ほどしか置いていないときもあるそう。主に1980年代から2000年代までのポストモダンのヴィンテージ家具や、日本の新しい作家の家具など、デザイン性に優れたプロダクトを取り扱っています。客層は、20代後半から40代前半までの男性が多く、海外から来る方もいるそう。その内の7割くらいはファッション業界人とのこと。　「どこにでも売っているようなものは嫌。みんなが持っていないようなものが欲しい」というニーズが強く、わかりやすく人気のアイテムというものはないそうですが、1980年代前半にイタリアを中心に世界のデザインや建築に影響を与えた多国籍デザイナー集団「メンフィス（Memphis）」のインテリアは、それを目指して来る方が多数いるとのこと。店舗は、毎週金曜日と土曜日のみオープン。年に5、6回ほど企画展を開催しており、展示の期間中は週に3〜5日開いているときもあります。店内のアイテムは1ヶ月ほどで入れ替わってしまうので、公式サイトや公式インスタグラムを見て気になるアイテムがあった際は事前に問い合わせることをおすすめします。もはや美術品レベルのアイテムを取り扱っている唯一無二のお店。訪れたタイミングで見ることができたハイレベルなデザインのインテリアを体験しにぜひ行ってみてください。店主インタビュー公式インスタグラムinteriors Pocket Park　「インテリアズ ポケットパーク（interiors Pocket Park）」は、目黒インテリアストリートと呼ばれている目黒通り沿いに位置。JR山手線目黒駅からバスを利用して「元競馬場前」で下車するとスムーズにたどり着くことができます。デザイナーズのヴィンテージアイテムからいわゆる「アノニマス」と呼ばれるような、デザイナー不明のヴィンテージ品、1900年代に製作されたメーカーが追えない古いアイテムまで幅広く取り扱っており、高単価なものが多いこともあって客層は30代、40代がメイン。動きの速い人気アイテムは椅子で、来店者それぞれがお気に入りの椅子を探していることが多いそう。　毎月少しずつ新着商品を追加していくスタイルで、特定の時期に商品が集中するということがありません。ただ、いつ来店しても何かしら新しいものがあったり、逆に探しているものがあれば相談に乗ったりすることも可能とのこと。また、インテリアのオーダーメイドも行っているので好みや部屋のサイズ、雰囲気に合わせたアイテムを作ってもらうことも可能です。ヴィンテージ品と新品の融合を楽しむこともできそう。センスの良いアイテムをお探しの方は一度訪れてみるべきショップです。店主インタビュー公式インスタグラムFURUICHI／古一　「FURUICHI／古一」は、京王線千歳烏山駅から徒歩約10分ほどの甲州街道沿いに位置するインテリアショップ。「素材やデザインへのこだわりから生まれた特別な風合いを感じられるもの」をセレクトしています。客層は20代から70代までと幅広く、都内からも県外からも訪れるそう。北欧デザインやミッドセンチュリーのものが好きな人が集まってきます。　アイテムとしては、小ぶりなチェストやライティングビューローが人気。ライティングビューローとは、机板を引き出してデスクとしても使える収納付きの書き物机のことで、現代の家具としてはあまり見られない、かつ収納にもなり、机にもなり、部屋のアイコンにもなることから入荷するとすぐに買い手がついてしまうそうです。出品する際には、メンテナンスやリペアを入念にするのがお店のポリシー。家具を一度分解して塗料を塗り直したり、劣化したミラーを取り替えるなど、できるだけ長く使ってもらえるよう丁寧に手を加えています。また、インスタグラムや公式オンラインストアに掲載されている画像や動画は全てスタッフの方達が店内で撮影。使用のイメージが伝わりやすく、インスタやオンラインを見ての来店者が多くいるのも納得です。お気に入りのヴィンテージアイテムとの「一期一会」に胸を膨らませながら来店してみてはいかがでしょうか？店主インタビュー公式サイト／公式インスタグラムMICHIO OKAMOTO WAREHOUSE　MICHIO OKAMOTO WAREHOUSE（ミチオ オカモト ウェアハウス）は、JR八王子駅または京王八王子駅からバスで約15分ほどの場所に位置。大きな倉庫のような外観で木の温かみが感じられるアイテムが並ぶ店頭は、どこか柔らかでゆったりとした雰囲気の空気が流れています。「北欧」のインテリアを中心に取り扱っていますが、王道というよりは有名なデザイナーと同時代に活躍したものの、日本では紹介される機会が少なかったデザイナーの作品を多く販売しています。客層は、20代後半から50代までと幅広い年齢層の、ヴィンテージ家具が好きで現代のモダンスタイルのものよりも作りが良く少し変わったものを探しに来る方が多いそう。店主がインテリアのスタイリングを行っていることから、インテリアデザイナーや建築家、ファッションデザイナーといった職種の人も多く訪れます。　ここ数年は、作りの良いデンマーク製の「ローサイドボード」や北欧の「ラウンドテーブル」が人気。また、以前はベーシックなもので価格が手頃なものを探す方が多かったそうですが、最近では価格が高騰している中でも「高くてもいいもの」つまりクオリティや内容が良ければそちらを選びたいという人が増えました。ヴィンテージ家具がだんだん手に入りにくくなっていることを鑑みて、一生ものとしてよりクオリティの高いものを選ぶ傾向にあるそうです。年に2回ほどのペースで買い付けに行くとのことですが、その直後は新商品が多くあるので狙い目。入荷については、公式サイトやインスタグラムで告知しているとのことなので要チェックです。全国から一点物のアイテムを求めて訪れるそうなので、絶対欲しいアイテムはキープをお願いすることをおすすめします。都心からは少し離れていますが、行く価値のある素敵なインテリアショップです。店主インタビュー公式サイト／公式インスタグラムObjet d' art　オブジェ デ アート（Objet d' art）は、東麻布にあるインテリアショップ兼ギャラリー。1940から1960年代頃のミッドセンチュリーと呼ばれるインテリアの中でも、特にフレンチミッドセンチュリーをメインに取り扱っています。このほかにも、和の骨董や日本の物、コンテンポラリーな作品もミックスして展示しています。場所柄、外国人の来店者が多いほか、もともと同店を知っている人が訪れることがほとんどとのこと。　顧客が「欲しがる物」と「実際に売れる物」には違いがあるそうで、例えばフランスのデザイナー兼建築家のジャン・プルーヴェ（Jean Prouvé）の作品は人気があり、欲しいと言う声が多く上がりますが、値段が高いことから頻繁には動かない一方で、スイスの建築家 ピエール・ジャンヌレ（Pierre Jeanneret）のアイテムは比較的動きが速いとのこと。公式インスタグラムなどをチェックして、気になるアイテムがあった際に来店するのが一番良いタイミングだそうです。ギャラリーとしても運営しているため、展示内容がこまめに変わるオブジェ デ アート。珍しいインテリアを見に行くだけでも価値のある体験をすることができるお店です。スタッフインタビュー公式サイト／公式インスタグラム

東京で探す本格ヴィンテージ家具　行くべき信頼の名店7選

Ditty Tools.　「ディティー ツールス（Ditty Tools.）」は、京王井の頭線の駒場東大前駅から徒歩約5分ほどの場所に位置。「デザイン性を重視したヴィンテージアイテム」を軸に、1950から1980年代のドイツを中心としたヨーロッパのテーブル&ホームウェアやアクセサリー、国内外問わずの作家・デザイナーによるプロダクトなどを取り扱っています。客層は、男女比で言うと半々くらい、年齢層は下は20代半ばぐらいから、上は60代以上の方まで幅広く来店。ヴィンテージ品を販売しているため、リアルタイムでその時代を知る年配の方やコレクターが多いそうです。　二大人気アイテムとして、食器と企業もののアイテムが挙げられるそう。食器は色や形が綺麗なものや、少し珍しいものをセレクトしているためとくに女性の顧客からの人気を博しています。企業アイテムは、AppleやIBMといった企業の広告、プロモーションで使われたノベルティやオフィシャルグッズを、1980から2000年代の古いものから約10年前の割と新しいものまで、年代を問わず販売しています。おすすめの来店時期は、年に1回開催している企画展の期間中。人気の企業アイテムを多く取り揃えており、普段の営業時とは違ったアイテムを見ることができるそう。中には企画展を目指してくる顧客もいるのだとか（笑）。生活の中で使っていたら「なんだか気分が上がるアイテム」を手に入れたいと考えている方にぴったりのお店です。店主インタビュー公式インスタグラムNICK WHITE 　「ニック・ホワイト（NICK WHITE）」は、表参道駅から徒歩約10分の場所に位置。ミッドセンチュリーを中心としたヴィンテージインテリアのほか、生地から製作したオリジナルのアパレルアイテムやキーホルダーやマグカップといった雑貨アイテムも販売しています。20代から50代まで幅広い客層の人々が訪れるそうですが、併設されているギャラリースペースで行われる企画展の内容によって、来店者が変化するとのこと。　ドイツの老舗メーカー「トーネット（THONET）」のラタン座面の「チェスカチェア」やフランス人デザイナーのフィリップ・スタルク（Philippe Starck）のアイテムなどが近年人気。コレクターの間では「次に価値が上がるのは誰か」といういわば「青田買い」のような動きが出てきており、家具が「資産」として扱われ、株のように所有し良いタイミングで手放して利益を得る、という資産形成の一つになっている側面もあるそうです。ヴィンテージ家具に関しては、特定の買い付け時期があるわけではなくほぼ毎日のように何かしら入荷してます。一方で、アート系のグッズなどは半月に一度くらいのペースで開催する企画展のタイミングで入荷するので公式サイトやインスタグラムをこまめにチェックするのがおすすめ！店主インタビュー公式サイト／公式インスタグラムHYST　「ヒスト（HYST）」は、昔ながらの問屋街の空気を残しつつ新しいカルチャーが混ざるエリア 日本橋馬喰町に位置。都営新宿線の馬喰横山駅から徒歩約2分ほどでたどり着くことができます。毎週土曜日のみ開店という少し特殊な営業方法のヒストですが、アイテムの仕入れやメンテナンス、撮影など販売する準備に「丸々1週間かかってしまう」という背景があります。その結果現在の営業形態となり、お店の個性にも繋がっています。　客層は、インスタグラムを使用して情報を発信していることから、SNSをよく見ている若い層が比較的に多かったそうですが、だんだんとミドル層やそれより上の年代の人々も訪れるように。また口コミも広がりを見せ、海外の来店者も増えているそう。その週によって店頭に並ぶアイテムの「発掘元」が変わるので、店内の雰囲気は毎週ガラッと変わりますが、ソファや照明など部屋の「顔」になりうるアイテムはどんなときでも波がなく人気のアイテムカテゴリーとのこと。インスタグラムをチェックして、自分の好みの雰囲気の週に来店するのがおすすめです。また、週によっては開店時に20〜50人ほど並ぶこともあるそうですが、お昼過ぎにはゆったりと店内を見れるようになるので、狙いたいアイテムがあるときは朝一に、ゆっくり楽しみたいときは午後にくるのがグッド。スタッフインタビュー公式サイト／公式インスタグラムDill Pickle Club　「ディル ピックル クラブ（Dill Pickle Club）」は、台東区蔵前に店舗を構えます。「ミュージアム」をコンセプトに、店内にはヴィンテージのインテリアに加えてキーホルダーやアクセサリー、古着など多様なアイテムが揃っています。オリジナルのアパレルアイテムやアクセサリーの販売も。またバーカウンターが併設されており、ドリンクやクッキーなどの軽食を楽しむこともできます。老若男女問わず幅広い人々が来店するそうですが、20代の比較的若い層からはフレンチヴィンテージのキーホルダーだったりと単価が高くないものが、40代、50代の暮らしという部分にしっかり目を向けている層からは、照明やチェア、テーブル、時計などのインテリアアイテムがそれぞれ支持されているとのこと。　人気のアイテムは時期によって変わってきますが、時計は常に集めているアイテムのひとつで常時30点ほどは用意しているそう。現代ではスマートフォンで時間を簡単に確認できますが、家でパッと確認したいときにユニークな時計が欲しいという人も多く、需要と店舗の供給がマッチしています。来店にはこの時期がおすすめというのは特になく、気になるアイテムが公式インスタグラムやサイトに上がったときに足を運ぶのがベスト。全て一点物なので、早めの行動が吉です。素敵なアイテムを見ながらバーカウンターで気さくな店主とお喋りできる、そんな楽しい空間に一度ぜひ訪れてみてください。店主インタビュー公式サイト／公式インスタグラム

初めてのヴィンテージインテリア探しに！東京の入りやすい4店舗

　そのような視座で「レシス（LES SIX）」の創作を展望すると、皮肉を顧みない悠然とした小気味良さがある。2026年春夏は、2024年春夏より続いていた現代の米国をファッションという写し鏡に、生々しく描く試作の最終章となっており、表現方法としてランウェイショーではなく、写真を選択している。写真はルックブック、キャンペーン、イメージビジュアル（2026年春夏のデリバリー時期に公開）という3つのセクションに分けられ、9月18日（木）より代田橋にあるアートブック書店、フロットサムブックス（flotsam books）にてキャンペーンヴィジュアルを展示する写真展を開催。レシスを手掛ける川西遼平は「今では、ブランドはそのシーズンに関連する題材を下地にセレブリティをモデルとして起用した広告写真が主流となっていて、そこに映し出される写真もコレクションの内容がわかりやすく、直接的になっている。ただ1990年代は雑誌の影響力が強かったこともあり、スティーブン・マイゼル（Steven Meisel）、ピーター・リンドバーグ（Peter Lindbergh）、ティム・ウォーカー（Tim Walker）といった写真家の写真はコレクションの内容問わず強さがあって、1枚に懸ける情熱も尋常ではなかった。1枚の写真で世界を変えると本気で思っていたと思う。実際に広告写真は時代を写し出す鏡として創作と結実していた。今回のキャンペーンのように、1枚の写真に10人以上が映し出されているなんてことも今はほとんどないし、そもそもそれに意味がない。愚にもつかないが、それを全力でやると強さが出るし、生々しさも出る」と語る。　現代において、ブランド、コレクション、プロダクト、セレブリティ、そしてSNSの距離は最短が求められる。それは売上に関わるため、わかりやすいキャンペーンを提示することは当然であるが、その価値は変わってきている。モノの価値が変わるのと付随して、それに纏わるプロモーションの手法も変わるのは自明の理である。ただし人の視界に変化はない。「例えば、タクシーとか電車に乗っていて、キャンペーンやティザー映像が眼に入る。薄っすらとしているかもしれないが、人の記憶に残ることは重要で。面倒だと思いながらも精魂詰めてやっているならば、アーカイヴ化されたいという思いがある。プロダクション的にはランウェイショーをやるのとほとんど変わらない予算を注いでいる。馬鹿馬鹿しいかもしれないけれど、それを本気でやる」というように、現代風刺の根幹はそこにあるのかもしれない。　先述したように、レシスは此処2年ほど、あらゆる題材を引用して現代の米国社会をファッションの目線で切り取っている。今回は主題にあるように「キリストの裏切り（The betrayal of Christ）」がモチーフとなっている。聖書における「キス・オブ・ジューダス（Kiss of Judas）」はあらゆる芸術作品の主題になっており、米国建国の1776年から現在の2025年までの洋服で一つのコレクションに落とし込んでいる。「『ユダの裏切り』のユダはイエス・キリストの12使徒の一人であるイスカリオテのユダの話であって、ユダヤ人のことを指しているわけではない。ただ、これを現代社会と現代アメリカに転換した時に、裏切り者は誰？となる」。「キリストの裏切り」は、宗教的なテーマとして、美術作品にも描かれており、今回のキャンペーンのインスピレーション源となったバロック期のイタリア人画家、ミケランジェロ・メリージ・ダ・カラヴァッジオ（Michelangelo Merisi da Caravaggio）やフランドル派のベルギーの画家、アンソニー・ヴァン・ダイク（Anthony van Dyck）らが取り上げている。「それらと今季の服に特別な関連はないが、今季は主題が最初に決まってからコレクション製作を進めた。タイトルに関してはデザインを出し切った後か、アウトプットが決まってからか、とにかく全体像を見て決定する。アシスタントにリサーチや方針案を広げさせているが、彼はファッションデザインをやったことがないためルールがない。そこが面白い。例えば、リサーチ1つとっても、パソコンの画面から画像を保存する行為だとか、ファッションの本からスキャンする行為をだけではなくて、日本の場合は希少なアメリカの古着がマーケットに落ちているため、それを探しに行く。宝探し感覚ではないが、当時実際に切られていた軍服や労働着を拾ってそこから文献を掘っていく」。　レイヤードされた世界観を写真集「マカロニキリシタン」や「showa」シリーズなどの代表作のある写真家、薄井一議が12枚の写真に収めている。薄井はこれまでもレシスのコレクションを撮影しており、薄井の写真が展示されるフロットサムブックスも、川西曰く「何でも揃っている」ため、頻繁に出向くこの書店で開催することが即決された。「印刷、サイズ感などは薄井さんに任せている。展示のレイアウトも当日決める」という川西は自身を「モノがないと判断ができない」というが、逆手に取れば、モノが揃えば全体像が即座に決まっていく。昨季のショーも音楽や照明なども当日現場で判断していった。そういう意味ではデザイナーというよりもどこまでもディレクター気質。「薄井さんだけではなく、ヘアメイクやスタイリスト、モデルにもこのテーマに関しては入念に話をした。なんせ、プロダクション、写真やヘアメイクのイメージのミーティングだけではなく、フィッティング、キャスティングを一つの部屋でやるわけだから、多くの時間をかけて話さなくとも自然と共有されていく」ともいう。　主題の本質にあるテーマの最終章ということで、次回からはブランドの体制やシステムが変わるよう。「2026-27年秋冬は久しぶりに起点から着地まで、すべて自分で手掛けることになる。プロダクトベースでの協業はあるが、そこまで自らの手が加わるのは学生以来。あの時も現代社会をファッションで表現していた」と語るように、セントラル・セント・マーチンズの卒業コレクションは名物教授であるルイーズ・ウィルソン（Louise Wilson）に絶賛され、今も尚関係者の記憶に刻まれている。その時のようなムードが戻ってくるかもしれない。だが、それがプロダクトに直接的な影響を及ぼすかは定かではない。本人はこうも語っている。「ヴィジュアルとプロダクトのコンセプトが離れているように見えるかもしれないが、結局はどちらも精緻に人が作ったものは何かしらどこかで連鎖している。確かに体制やシステムは変わるかもしれないけれど、自分が手を入れているわけだから、そこは変わらない。面倒だけれど」。

LES SIX

フロットサムブックスでの写真展開催

それは果たして本当に現実か？「レシス」が現代の表裏一体を突く

ペナルティメイトが描いた人と人との関係性　「ペナルティメイト（Penultimate）」のシャン・ガオ（Xiang Gao）が服に面白い趣向を取り入れている。少しく複雑で、外観を整理することにおいて混乱を感じるが、それでも尚、経験値がその辺りを補っているものだと思うのだけれど、思索的な服作りに彼女の個性がキッチリと見て取れるから、期待が持てる。絶対と相対、土着と外来、精神と肉体などの観念を表裏一体とする二元論に生きる創作とすると少々小難しく感じるが、感情や背景、コミュニケーションといった眼に見えないものに焦点を当てた創作を基本的な理念とする2018年に創設されたブランドである。現在の拠点は中国、上海であるが、ニューヨークのパーソンズ美術大学で修士号を取得し、ラフ シモンズ（Raf Simons）が手掛ける「CALVIN KLEIN 205W39NYC」で2年間、ニットデザインを担当するなど米国で長らく生活していたこともあってか、そこでの生活からも着想を得ている。1970年代初頭にサンフランシスコで活発化したウェアラブルアート運動を彷彿とさせる流儀を横に据え、服作りの定義には留まらない技法を積極的に採用したことが徐々に広まり、LVMHプライズ2025ではセミファイナリストに選出された。　2026年春夏は6月のパリメンズファッションウィーク中に、フルコレクションを展示会で披露。主題は「Heartland（ハートランド）」。建築家兼デザイナーのシオン・フェン（Xiong Feng）が中国、崇明島に設立した農場とエコハウスの名をタイトルにしている。永続可能な社会システムをデザインするための手法であるパーマカルチャーを基軸にしたこの場所でルックブックの撮影もしており、シャンはハートランドを主題、着想にした理由を「現在中国でも日本と同様に、都会から離れた場所で暮らす兆候が目立ち始めています。この人々の行動原理とブランドらしさを併せ持つこの地に眼を向けました」と語っている。この土地は水と緑が豊かで、映画の美術のような小屋がいくつも並ぶ。この土地に親和性のあるテクスチャーとして、素材ではラフィア地をベースにビスコースと合わせたり、他にも労働時に生じる汗をデフォルメしたアクセサリーや現地のタイダイ染めのアーティストと組んでオリジナルの柄を作っている。また、作品群の象徴として稻草人（中国のカカシ）に見立てたラフィア地で作られたアートピースも手作業で作られている。　作品群の全編に渡ってワークウェアが主となっており、これには詩人であるリ・シン（Li Shen）の「憫農」という詩の一節で、「農作業で疲れて、真昼の太陽の下、汗を滴らせながら、農民が田んぼを耕している。その汗は土に染み込んでいる」を意味する「锄禾日当午 汗滴禾下土」を下地にした労働者に対するオマージュが込められている。シャン自身も工場を構えており、針子4名、カット専門技師1名のチームを組んでいる。「私自身も常に現場にいる人たちと共に創作に向かっています。明確な意識があったわけではないけれど、自然と自分の日常的に眼に映る仕事をしている人の姿が反映されたのかもしれません」。また、アフリカンファブリックを豊富に使用しており、農作場で働く人の収穫とその際に行なわれる祝祭、民族観などが現れているが、これも具体的な着想というよりも外観、設計、素材選定などのリサーチの過程で得たモチーフだという。明確にビジュアライズしたり、独自のデザイン言語を設けることなく、あくまでも自然体に赴くままに、題材の可能性を探るのが彼女のスタイルといったところなのかもしれない。　「ウェアラブルアート運動家にカイジック・ウォン（Kaijik Wong）という中国系米国人のファッションデザイナーがいました。サルバトーレ・ダリ（Salvador Dalí）を始めとしたアート界との文化的な交流もあった人物で、パターンを一切使わず、ほとんどが手作業で作られており、フォークアートやクラフトがグラスルーツアートの最前線にあった時代を如実に反映していた作り手です。彼のような作家や作風をフィルターにモダンの思索もしています」という言葉から、「作る」という行為を「他者」と共有し分かち合うことが、彼女の創作活動の根底にあるように感じさせる。それぞれのルックはそれぞれの「場所」で一人ずつが映し出されているが、一人には感じさせない。ここでいう「他者」とは、服を着る「自分」にとっての精神的に親和性のある「誰か」である。人と人の関係性のカタチをジャケットやシャツ、パンツといった仕様、生地の風合いとった手作業に宿る作り手の意志が明確に落とし込まれている。　だからこそ見慣れない自然豊かな架空の舞台を以ってしても馴染んだ空間になっているのだろうし、シャンのコアを感じることができるのかもしれない。「創作の核に見えるのもありますが、私にとってはどれも見慣れたものです。見慣れていないものをリファレンスにする時もありますが、作品群が完成する時には自分の手中に収まっています。それに至るまでの実験感覚が実践に繋がっているのでしょう。今は小さなブランドで身の回りからコツコツと育んできましたが、ニューヨークや東京、そして今年のLVMHプライズを通して、人々からの関心を直に感じることができました。パリで展示会を開催した契機はその他者からこのブランドを見た眼です。膨大な拡張は望んでいませんが、刺さる人には刺さると実感したので、好機を逃すことはしたくありません」と彼女は語っている。マシュー・M・ウィリアムズの新ブランドが堂々デビュー　2025年6月初旬、「アリクス（1017 ALYX 9SM）」の創業者マシュー・M・ウィリアムズ（Matthew M Williams）は新たに自身の名を冠したブランド「マシュー・M・ウィリアムズ（Matthew M Williams）」を始動させ、2026年春夏パリメンズ期間中に展示会で新作を発表。セールスはSeiya Nakamura 2.24が担当し、6月26日から7月1日まで開かれたショールームには2000件以上のアポイントが殺到したよう。ジャケット4型、トップス38型、デニムも含むパンツ36型、アクセサリー10型、シューズ13型で価格のレンジは幅広く、デリバリーは2026年初旬、男女混合の作品群だが、従来のメンズブランドと同様のシーズンをこなしていく予定となっている。主題やコンセプトはなく、ルックも実にシンプル。あくまでもマシュー自身のパーソナルなスタイルをベースに、これまで培ってきた世界中の敬愛する職人を始めとしたコラボレーターたちと創作していくようだ「アリクス」の斬れ味とはまた違った味覚の......いや感覚よりもある種の突っ張った姿が先行する。は人間像を重要視するというよりも、彼の時代の流されない構え（スタイル）に惹かれる。　「このブランドは、私自身のパーソナルで生の感覚を大切にしています。すべての製品は私の創造的なエネルギーの源に根差しており、手仕事ならではの小さな不完全さが、そのクラフト性を物語っています」と語るように、「時流」や「流行」という言葉が「今」といった曖昧な言葉で日々括られていくものだとするならば、そんなものに、彼は敢えて反旗を翻したりはしない。むしろ正統とか前衛とかいう概念のほとんど成立しないところに、これからの彼の創作世界は生きていくはず。現に「このブランドは、私が最も愛するものを基盤にしています。シーズンテーマに縛られることなく、私の人生や趣味と共に進化し続ける、常に展開し続けるエバーグリーンなスタイル群を生み出しています」ともいっているのだから、尚更頼もしい。　ある種の反時代的な志向は、作られたストリートの文脈に自らの意志とは関係のないところで乗せられ、創作世界を狭めてしまうのであれば、間が抜けているように見えたように聞こえるかもしれないけれど、何処を切り取っても同じような様子を呈する服が蔓延する「今」にあっては、個人的なものに帰結するのも頷ける。マシューの場合、彼の服は彼自身が装うことで始まる。それは彼の確固たるオリジナリティーであろうし、マシューが尊敬する日本の作り手たちの姿とも重なる。「拠点はパリにありますが、活動はグローバルに展開しています。私の名を冠したブランドのプロダクトですから、私が大好きな職人たちと協働していくのは自然な流れです。アーティザナルなデニムは日本で作られていますし、シューズはスペインで作られ、ジャージー素材はアメリカのコットンを使用していて、アウターやジャージー、テクニカルウェアは香港の親しい作家との共作です。そもそも自分自身の名をブランド名に冠しているわけで、これまで以上に創作すべてのプロセスに深く関わっています」とあくまでも起点はマシューにあることを認めている。アナーキーとまではいわないのは、時代離れに見えたとしても、実はこれまでとは随分と違う立ち位置で時代の傍観者であり、観察者的な構えでいるため、流れに背いでいくのではなく、しっかりとコミットしている。それが自然にできてしまうのだから並ではない。

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Penultimate

華やぐパリコレの裏通りにあった服に施した実感　マシュー・M・ウィリアムズとペナルティメイトをレポート

#1 アレック・ソスを知るWHO IS ALEC SOTH？1969年生まれ、アメリカ出身のフォトグラファー。「旅の途中」を大型のフィルムカメラで切り取る作風で、2004年の「Sleeping by the Mississippi」でホイットニービエンナーレに選出され注目を浴びる。以降、個展や写真集など精力的に活動し、2022年には大規模巡回展「Gathered Leaves」を神奈川県立近代美術館 葉山で開催。国際的な写真家集団「マグナム・フォト」のメンバーの一人でもある。「（ボッテガ・ヴェネタ クリエイティブ・ディレクター）マチュー・ブレイジーのクリエイションにふれるとき、私は2つの世界を同時に体感しています。ひとつはあらゆる感覚と深く結びついたフィジカルな世界。もうひとつは幻想の世界です。このキャンペーンでは遊び心を意識しました。公園は、マチューの独創性にあふれたイマジネーションのメタファーのように感じました。私の写真にも多様なセレンディピティ（予期せぬ発見）を取り入れたかったのです」ーアレック・ソス　キャンペーン撮影のロケーションに選ばれたのは、タコやキノコ、ピジョンといったモチーフの遊具が設置された東京近郊の公園です。日本に住む人にとっては馴染み深い公園の風景×ハイファッションの掛け合わせがなんとも新鮮。1階とB1階の会場では、キャンペーンヴィジュアルだけでなく、アレック・ソスが日本で撮影した作品などがユニークな構成で展示されています。エキシビションは表参道ヒルズ裏のギャラリースペース「seeen」で4月14日まで開催しているので、この機会に是非足を運んでみて。◾️TOKYO PLAYTIME / An exhibition by Alec Soth and Bottega Veneta会期：3/29 (金)〜4/14(日)会場：seeen住所：東京都渋谷区神宮前4-13-12 1F/B1F営業時間11:00 –20:00入場無料（公式LINEアカウントより事前登録が必要）#2 「写真が好き」俳優・鈴木仁の楽しみ方　オープン前日の内覧会に訪れた多くのゲストの中に、メンズノンノ専属モデルで俳優の鈴木仁さんの姿がありました。自身で個展を開催するほど、写真が好きな鈴木さん。仕事の現場など日頃からカメラを持ち歩き、「今日もここに来る前にフィルムを現像に出してきたんです（笑）」と話すなど、鈴木さんにとって「写真」は日常的なものだそう。　「躍動感を表現する写真家が多い中で、動きの中に静かに空間が止まっているかのような、瞬間を切り取るのがうまいな、と思います。そのどれもが、みんなが共感できるような美しい瞬間なんですよね」と鈴木さん。好きな写真家の一人で、これまでにも写真集などを見てきたというアレック・ソスの作品を前に、次々と言葉が溢れてきます。　「今回のヴィジュアルの公園の使い方も面白いですよね。自分たちにとっては何気なく楽しく遊んでいた場所が、ファッションフォトという芸術に落とし込まれているのが新しい感覚ですし、自分たちの住んでいる街の見方が変わってくるという点で、新たな発見がありました。写真っていいな、と改めて思わせてくれる展覧会でした」と、写真好きならではの視点で感想を語ってくれました。会場では憧れのアレック・ソス本人にも対面し、サインと記念撮影も。#3 家でも楽しめる、ノベルティとFANZINE　エキシビションを見終わったら、会場から歩くこと5分ほどの大通りに面したボッテガ・ヴェネタ表参道フラッグシップへ。ここではキャンペーンにも登場する最新の2024年サマーコレクションを実際に手に取ることができます。ランウェイからインスパイアされた世界地図が球体のイントレチャート（革ひもを編み上げる技法）で表現された、地球儀のようなバッグ「マヴァ（MAVA）」（57万2000円）は表参道フラッグシップ限定の特別なアイテム。　そしてフォトエキシビションの来場者でストアにも来店した方には特別なギフトも。縦型のショッパーに入っているのは、帯状の一枚の紙。指示通りに組み立てると、多角形のオブジェが完成する、お家でも楽しめるノベルティがもらえます。　また、アレック・ソスが手掛けたキャンペーンヴィジュアルや、撮影の舞台裏、スケッチ、ステッカー、旅のノートなどを全4冊にまとめた見どころたっぷりのFANZINE（ファン雑誌）が発行。世界各国のボッテガ・ヴェネタのストアと一部の書店（国内では小宮山書店／ワタリウム美術館 オン・サンデーズ／代官山 蔦屋書店）で数量限定で配布されてます。ブランドならびにアレック・ソスのファンは是非持っていたい作品です。#4 マップ片手にロケ地を巡る　ボッテガ・ヴェネタのグローバルなキャンペーンヴィジュアルの舞台となった日本の公園。実際にどこで撮影が行われたのか、都内23区内を中心に、13ヶ所にも点在するロケ地のマップを大公開します。いずれの公園も、動物や魚などをモチーフにした遊具が目印。自分の住んでいるエリアの近くの公園をのぞいてみるもよし、マップを頼りにロケ地巡りをするもよし。童心に返ったかのような懐かしさとともに、春夏シーズンのボッテガ・ヴェネタのテーマ「オデッセイ（冒険、長旅）」の世界観に浸ってみては。（↓撮影＆イベントロケーション一覧は右上のアイコンをクリック。スマートフォンではGoogleマップに移動後に一覧が表示）

鈴木仁と巡る写真展からロケ地マップまで

「ボッテガ・ヴェネタ」のクリエイティブな旅へ　フォトエキシビションを楽しむ4つのこと

「私がいなくなった未来にも残る面白い本を作ってみたい」ー前回取材をしてからちょうど一年ですね。　お久しぶりです。「2021年ベストバイ」の記事は、友達も新しく会う人からも、たくさん「読んだよ」とコメントをいただきました。ーどんな感想がありましたか？　一番多かったのは「あんなに服オタクなんだ」というコメントでした。服は現在進行形で好きですし、今年は他のジャンルでも今年も好きなものが増えました。いつもこれ以上増えたら大変だなと思うんですけど、世の中に面白いものがまだまだたくさんあるので......。ー今回は初の書籍ということですが、展示から形式を変えた理由は？　2020年にパルコで2回目の展示（「HOMESICK」）が終わって、興奮が収まらないうちにパルコの方々と「次は何をしますか」と話していて、ふと「本ですかね」と言ったのがスタートです。今までの展示は、場所と期間、時間が限定されていて、「今ここでしか体験できない」特別なものという、足を運んだ人にしか分からない面白さがあり好きでした。でも本は極端な話、永遠に残るので。自分が本を作るとしたら、私がいなくなった未来にも残る面白い本を作ってみたいと思ったんです。　そこから1年の間に同世代の面白い人たちにもたくさん出会い、自分たちから今しか生まれない熱量と衝動的な思いを形に残したかったので、2021年に企画書を作り具体的に動き始めました。ー書籍に参加したクリエイターは、ベテランからアップカミングな方まで幅広いのが特徴です。皆さんとは元々知り合いですか？　TEPPEIさん（スタイリスト）とはいつか一緒に何か作りたいと思っていました。根本さん（劇作家・演劇家 根本宗子）とはこれまで何度か作品でご一緒していますが、いつも体と記憶に残るような体験をさせてくださるので、今回の企画でも絶対お願いしたいと考えていました。皆さん私のオタク気質なところというか「好き」を突き詰めるところを理解してくださって、本を作り始めた当時は本当にワクワクしました。完全燃焼した”ファッションシューティングドキュメンタリー”の撮影舞台裏ー本を作り始めた「当時」だけワクワクしていた？　もちろん、ずっとワクワクはしていて今も展示が始まるのが楽しみです（笑）。一番最初に動き出したファッションシューティングでの2日間が自分にとって衝撃が大きすぎて、単純にこの書籍を「ただの本にはできない」という気持ちになってきたんです。もっともっとこの本がずっと残るようなものにしなくてはいけない使命感みたいなものが強くなっていったというか。本を出したいと思い始めた時の感情を、極限まで突き詰めて作らないといけないなと。ー撮影が相当刺激的だったんですね。　TEPPEIさんのチームとシューティングできるだけで私としては楽しみで仕方がなかったです。でも本として残すなら限界突破して新しいものを生み出さないと意味がないなと。元々何かが生まれる過程が好きで「どうやって作るんだろう？」と疑問に思うことが多いので、今回のシューティングはスタイリングもヘアメイクも即興で作って、その様子を全部見せることにしました。ーどうやって撮影したのでしょうか？　パルコ本社の会議室を貸し切ってフォトスポットを4つ作り、衣装ラックやヘアメイクのスペース、試着室、全て一つの部屋にまとめてそれぞれの過程をずっと撮影しました。だからほぼ48時間ずっと撮られている状態ですし、誰もこの後の展開が分からないからどの会話も創作の一部であるような、脳みそフル回転で走り抜けた感覚です。最中はアドレナリンのお陰なのか、自分も含めて想像以上のものがポンポン出てきたんですけど、反動で終わった後は放心状態で自然と涙が出るくらい燃え尽きました（笑）。だから、この企画は「ファッションシューティングドキュメンタリー」と呼んでいます。 ー確かに、スタイリングが出来上がってく様子をリアルに感じられるのは新鮮ですね。　即興で制作している最中の会話をずっと録音していて。何気ない日常的な会話から始まったのに、最終的にスタイリングのアイデアになっていることがあり、「今何が起きたの？」と、私自身が一番楽しんでいました。現場の即興感をできるだけ本でも感じてもらいたかったので、テキストも現場の言葉をできるだけそのまま載せました。ーファッションシューティングドキュメンタリーは40ルック150枚以上とかなりのボリュームです。　最初は20ルックの予定だったのですが、撮り始めたら生き物みたいにあちこちでいろんなことが起こって「このスタイリングいいじゃん」とか「こうしちゃえ」とか、自然と派生していくことばかりでした。蓋を開けてみれば40ルックになっていました（笑）。数だけ見ると多いなとも思うのですが、ページをめくりながらあの時起こっていたことを体感してもらうためには全部が欠かせないルックです。「デビュー作を絶対私の本に載せたい」　無名の漫画家 CO¥OTEとは？ー参加クリエイターの中で、漫画家のCO¥OTEさんは検索しても全くヒットしなかったのですが...。　気になりますよね（笑）。CO¥OTEさんはここ数年で出会ったお友達ですが、当時は漫画家さんのアシスタントをしていて、自分ではこんなのを描いてるんだと見せてもらった作品がめちゃくちゃ面白かったんです。いち読者として早くこの人の作品をちゃんと読みたい、デビュー作を絶対私の本に載せたいとお願いしました。ーストーリーも伊藤さんと一緒に考えたのでしょうか？　制作に介入することはしていません。本人が考えていること、今だけの感覚、純度の高い衝動というか、それを自由に出してほしいと思ったので、とにかく今描きたいものを出して下さいとお願いしました。そしたらやっぱり面白くて最高でした！漫画が唐突に写真の合間に挟まっている構成もお気に入りです。いびつな感じというか、急に漫画家の作品が現れるのが良いアクセントになったと思います。実は漫画の最後の方に、よく見ると分かるちょっとしたネタがあるので是非読んで欲しいです。ー今回の書籍は、これまでクリエイターと制作してきた伊藤さんのキュレーターの側面がより現れていると感じます。　クリエイターやキュレーターだと意識したことはないんです。それよりも、好きなもの・面白いものを作る人たちと関わって何か生まれる現象が好きというか。いつも自分の「好き」からスタートしているのですが、理由を突き詰めていくとどうしたら面白いものを見せられるか分かってくる感覚もあります。本の”裏テーマ”と将来の夢ー書籍と連動した展覧会「MARIKA ITO LIKE A EXHIBITION LIKEA」は、「パルコでの展覧会の三部作最終章」とのことですが、元から三部作と決めていたのでしょうか。　全然そんなことはなくて、むしろ毎回「これが最後でいい」と思えるくらいの気持ちで挑んでいるので、3回も開催させていただいたことが自分でも驚きです。ありがたいことに、毎回いろんなクリエイターさんが参加してくださって刺激的な分、関わる人が多いとどの人にも同じ熱量でぶつかっていくので終わった後は本当に燃え尽きちゃうんです（笑）。今回は書籍が10年の集大成として深くて濃い内容になったから、パルコさんでの展覧会も一区切りという形です。ー展覧会は書籍を展示に再構築したものですが、どうやって作り上げていったのでしょうか。　空間設計に、クリエイティブチームCEKAIの福田哲丸さんに入っていただきました。本を読んでいただいて、私の考えやアイデアをお伝えしそれをどう立体物に落とし込むか考えていきました。本の巻頭企画であるファッションシューティングドキュメンタリーの写真を軸に展示していますが、ただ写真が並んでいるだけではつまらないので私の幼少期の動画を投影したり、本の最後にもある「プレイリスト 実家」で紹介している音楽を使ったり、生花アーティストのアレキサンダー・ジュリアンさんの作品など立体作品を織り交ぜながら本の内容を体感できるような空間を目指しました。根本さんには本に収録した脚本をラジオドラマに再編集していただいて。本の内容でありながらここでしかできない体験なので、ぜひご来場していただきたいですー展示にも再構築している本の企画「プレイリスト実家」では、実のお兄さんと対談しています。　この企画は自分の中で本の裏テーマ「古い記憶の中で一番好きなものは？」の軸になるもので実は結構重要というか。私は好きで集めたものについて「そもそもなんで好きなんだっけ？」と考えるのが癖なのですが、大体が「昔からこういうの好きだったな」と軸が変わってないことが多いんです。それは実家でよく聞いていた音楽とか、母が着ていたブランドとか、お兄ちゃんから教えてもらった漫画とかが起源になっているんだろうなと。だから一番身近なお兄ちゃんと実家でどんな音楽聞いてたっけって話をしてみました。話してみると「ああそうだった」と思うこともたくさんあり、私自身も今の自分がどうやってできたのか立ち返ることができて思い出深い企画になりました。あと、単純に自分で企画した雑誌だからこそ一般人のお兄ちゃんも自由に出てもらえるなと思って（笑）。ー伊藤さんの制作の根底にある「好き」のルーツを探れる企画だと思いました。　そうかもしれません。いろんな人や物が好きな私自身のルーツって何だっけと深掘りするような企画なので。私自身、昔好きだったものを今反芻することもめちゃくちゃあるんですけど、感じ方が変化しているのも面白いところだなと。最初にこの本を未来にも残したいとお話ししましたが、先の未来でこの本を読んだ人の感想を聞いてみたいです。きっとずっと先のことですけど。ー最近はデジタル社会で断片的にいろいろなものに触れるものの、それぞれのルーツまでは知らないことも多いと思いますが、この本はルーツを探る面白さのヒントになるような気がします。　そうなったらめちゃくちゃ嬉しいです。私は好きなものが出来上がる過程や引用元を探っていくのが癖で、考えることが作るモチベーションでもあるんですけど、好きの理由を突き詰めていくことと制作ってセットになっているところもあって。「なんで好きなんだろう？」を限界まで考えると同時に、じゃあどうやって伝えたら面白くなるんだ？と疑問が自然に湧いてくる。今回も単純な伊藤万理華の本ではなくて、それ以上のものを作るには自分を曝け出して剥いでいくしかないと思ったんです。剥いで剥いで、最後に残った面白さの核に何があるのか私が知らないことには始まらない。楽なことではないですけど、そういう核を大切にすればするほど、生み出したものが自分にとってただの物ではなくなるというか。それこそ生きていく糧になっています。ー気が早いですが、次に何か作るとしたら？　10年分の思いを詰め込んだので、「LIKEA」をじっくり、いろんな人の手に届けたいなと思っています。　次かどうかはわかりませんが、将来の夢としてギャラリーを作りたいと考えています。ギャラリーはアーティストの作品を披露する場でもあるし、作品を見に面白い人たちが集う場所でもあります。そういう意味では今回も「伊藤万理華のギャラリー本」のようなところもあるなと思いました。ジャンルとか立場とか関係なく共鳴した人たちが集まるギャラリーのような場所をいつか実現できたらと考えています。

Culture

伊藤万理華はなぜ作るのか？　初の書籍「LIKEA」の制作舞台裏と将来の夢

“見放題”にないからと言って諦めてはいけない名作がある　Netflixに始まりAmazon Prime、Disney+、U-NEXT、UPLINK CloudやMUBIやHuluもつまみ食いしながら、気付けばこの1年で筆者が観た映画とドラマの数は約300本（！）。コロナ禍の影響からかはじめは思考停止できるようなスペクタクル映画に没頭し、次第に興味はカルトムービーや懐かしの名作へと向き、挙げ句の果てには、「定額制動画配信サービスにない作品こそ今観るべきなんじゃないか？」という、謎の使命感にかられる始末。それからというものの、DVDパッケージを散財し続ける日々を送っています。定額見放題のVOD（ビデオ・オン・デマンド）にない映画というと、あまり需要のないマニアックな作品なのでは？！と思う方もいるかもしれませんが、実は様々な事情（権利関係の問題や、監督や配給会社の意向など）でサブスク以前の世界に取り残されてしまっている歴史的名作と呼べるほどのタイトルがこの世にはたくさんあるのです。　そこで今回は、ここ最近アマゾンで見つけた映画DVDの中から、ファッション好き、音楽好きの人たちに響きそうなタイトルをピックアック。懐かしの名作から隠れた傑作まで、どれもインスピレーションを刺激してくれる内容だと思います。　早速チェックしていきましょう。90sムード満載 ハーモニー・コリン関連作品　1990年代のニューヨークのスケーターファッションだけでなく、「ストリート」というひとつのスタイルを定義付けた歴史的名作「KIDS/キッズ」。ガス・ヴァン・サントが製作総指揮、ラリー・クラークが監督、今や「グッチ（GUCCI）」のキャンペーンヴィジュアルを撮影しているハーモニー・コリンが脚本、クロエ・セヴィニーも出演しているなどトピック満載ですが、内容の過激さからかカルト映画扱いされています。Amazon で購入する　DVDパッケージにも使われている、ウサギの帽子を被った少年の写真があまりにもアイコニックな「ガンモ」。先述の「KIDS/キッズ」の脚本を務めたハーモニー・コリンが監督し、当時彼の恋人だったクロエ・セヴェニーがこちらにも出演。あまり語られませんが、チョイ役で登場している天才スケーター、マーク・ゴンザレスのスタイルが最高にオシャレでカッコいいです。Amazon で購入するファッションにも注目したい青春ムービー　1980年代のメンズファッションの絶対的アイコンの1人、マット・ディロンの出世作「アウトサイダー」。本作がアイドル俳優から脱皮するるきっかけに。フランシス・フォード・コッポラ監督作にも関わらず、現在鑑賞しづらい状況にあるというのが不思議ですが、文句なしの珠玉のヤング・アダルト作品です。ちなみにマット・ディロンの作品で「ランブルフィッシュ」や「ドラッグストア・カウボーイ」などは割と簡単に観られるのでこちらもおすすめ。Amazon で購入する　邦題「バッド・チューニング」よりも、原題「Dazed and Confused」の方が絶対にファッション好き、音楽好きに刺さるはず！と思い続けている名作青春映画。1976年のテキサスを舞台に、当時のやんちゃな少年たちのスタイルが魅力的に描かれています。監督を務めたのは「ビフォア・サンライズ」シリーズや「スクール・オブ・ロック」などを手掛けたリチャード・リンクレイター。若き日のマシュー・マコノヒーやベン・アフレックも出演しています。Amazon で購入するHIPHOPカルチャーに触れる　1983年に公開され、ニューヨークのサウスブロンクスから世界に向けてグラフィティアート、ラップ、DJ、ブレイクダンスといった「HIPHOPカルチャー」を発信した重要作「ワイルド・スタイル」。長らくDVDも入手困難になっていましたが、30周年を迎えた2013年にめでたく再発売されました。新たに行われた関係者インタビューも特典映像として観ることができます。Amazon で購入する　1996年に惜しくもこの世を去った伝説のラッパー、2パックが俳優として出演している映画「ジュース」。上述した「KIDS/キッズ」を1990年代ニューヨークのスケーターファッションの記録とするなら、こちらは同時期のHIPHOPファッションのお手本。類似したテーマを扱った必見作「ポケットいっぱいの涙」や「ボーイズ'ン・ザ・フッド」などのシリアスな作品に比べると内容もポップです。Amazon で購入する音楽ドキュメンタリー　音楽をはじめとするカルチャー全般における実験と進化の中心となっていた1980年代のニューヨーク。そのシーンの象徴だった天才ミュージシャン、アーサー・ラッセルのドキュメンタリー映画です。ファッションとは直接関係があるわけではないですが、アンディ・ウォーホルやジャン＝ミシェル・バスキアがそうであったように、彼の影響力もまたジャンルを軽々と横断してしまうのです。Amazon で購入する　1977年にジャマイカで撮影された「ロッカーズ」は、当時全盛だったルーツ・レゲエという音楽、そこに紐づくファッション、そしてラスタファリズムという思想を世界中に広める原動力のひとつとなりました。ジェイコブ・ミラーやリー・ペリーといった伝説的ミュージシャンが本人役で出演している点も見どころです。Amazon で購入する実はあの人気作も！まだある「未配信」映画　一昨年惜しくもこの世を去ったフランスを代表する女優、アンナ・ カリーナの輝きを目に焼き付けるならやはり「はなればなれに」は外せません。あのココ・シャネルが芸名の名付け親になったなんていう逸話を置いたとしても、彼女はやはりファッション的なインスピレーションを与えてくれる存在。ジャン=リュック・ゴダール監督の作品は“見放題”と縁遠いのが悩みどころです。Amazon で購入する　全作品を通じた秀逸なサウンドトラックによって音楽ファンの心を掴み、「パルプ・フィクション」や「レザボア・ドッグス」などのクールなキャラクター描写でファッション好きにも絶大な影響を与えるクエンティン・タランティーノ監督。彼の他作品は比較的サブスクにも登場するのですが、なぜか「キル・ビル」だけは一向に解禁されていません。Amazon で購入する　今回のラインナップの中では異色ですが、全盛期の内田裕也はやはり絶対的なアイコンだったと思います。「コミック雑誌なんかいらない！」ももちろん名作ですが、同じく彼が主演し、レゲエを大胆に取り入れた怪作『餌食』はDVD化すらされておらず、機会があればこちらも併せてチェックして欲しい作品です。Amazon で購入する今回の選者は...ワタナベ ヨウスケファッションカルチャー誌でエディターとして働いた後、現在はデジタルコンテンツを中心としたデザインスタジオ「IN FOCUS」に所属。クリエイティブプロデュース、コピーライティング、プロダクション業務など幅広く活動中。@yohsuke_watanabehttps://www.in-focus.co.jp

お買いモノ

DVDを買ってでも観たい"未配信"の名作映画11選 

「作品に対する価値は市場が決めるもの」フューチュラがデジタルアートに込めた想い

海外の現地職人によるハンドメイドの家具を配置──「ノードホテル」　「アートコレクターの住まい」をコンセプトに2019年7月にオープン。京都市の中心部 四条西洞院に位置し、客室は全25室です。バリー・マッギーやベルナール・フリズ、五木田智央、大竹伸朗、荒木経惟、井田幸昌などのアート作品が1階のパブリックスペースや客室などに展示されています。グレーを基調とした客室には、木材や大理石、アイアンなど素材の質感にこだわった海外の現地職人によるハンドメイドの家具を配置。カフェダイニングやバーでは地元京都の食材を使用したジャンルレスな料理とセレクトワインが楽しめるほか、パブリックスペースではアートやデザイン、ファッション、音楽をテーマにした企画イベントが開催されます。＞＞詳細はこちら■node hotel所在地：京都府京都市中京区四条西洞院上ル蟷螂山町461客室数：シングル 3室、スタンダードダブル 13室、スーペリアツイン 6室、ジュニアスイート 3室宿泊料金：1泊1名 1万1,000円〜営業時間：ホテルフロント 24時間、カフェダイニング・バー 7:30〜24:00電話番号：075-221-8800アクセス：阪急京都線 烏丸駅24番出口から徒歩約6分、京都市営地下鉄烏丸線 四条駅2番出口から徒歩約6分公式サイトSNSの世界観を表現「まるごとホテル」　まるごとホテルでは、日本を代表するインフルエンサーやアーティストがSNSの世界観を表現した"おもてなしアート空間"を提供。インスタグラムのフォロワー250万人を抱える「柴犬まる」の飼い主である小野慎二郎や、マルチクリエイターのパントビスコ、ミニチュア写真家の田中達也がプロデュースしたメゾネットタイプの部屋を用意しています。＞＞詳細はこちら■Marugott Hotel所在地：京都府京都市下京区下鱗形町534-1 シャトーあと村101号客室数：5室宿泊料金：1名利用 素泊まり 6,500円〜（税・サービス料込） ※部屋やプランにより異なる電話番号：075-744-0706（受付時間 11:00〜20:00）アクセス：京阪清水五条駅から徒歩5分、地下鉄五条駅から徒歩7分公式サイト明治40年創業の美術茶道具商がプロデュース「アール モン ゼン キョウト」　明治40年創業の美術茶道具商 中西松豊軒がプロデュースしたラグジュアリーホテル。北祇園エリアに位置し、15室全ての客室に国内外の美術品が並んでいます。天井高3メートル以上と広々とした客室が特徴で、イタリア製高級リネンを採用したベッドリネンや、フランス発の自然派スキンケアブランド「オムニサンス・パリ（omnisens paris）」のアメニティなどを用意。数寄屋建築の美と技を尽くした1階のレストラン・バーでは、イタリア料理やイタリアワインが楽しめます。＞＞詳細はこちら■ART MON ZEN KYOTO所在地：京都府京都市東山区古門前通大和大路東入元町391番地客室数：15室宿泊料金：1名1泊 2万7,324円〜（税・サービス料込）※時期により異なる電話番号：075-551-0009アクセス：京阪本線 三条駅2番出口から徒歩約3分、阪急京都線 河原町駅1A出口から徒歩約10分公式サイトホステルを融合したアートスペース「京都アートホステル クマグスク」　「京都アートホステル クマグスク」は、アートとホステルを融合した宿泊型アートスペース。施設全体を会場に年1回のペースで展覧会を開催し、展示する作品ごとに異なる宿泊空間を演出します。築60年以上の木造建築を改築した2フロアの建物には全4室の客室を用意。建築設計は大阪を拠点に活動するdot architects、グラフィックデザインはUMA / design farmが手掛けました。■京都アートホステル クマグスク所在地：京都市中京区壬生馬場町37-3客室数：シングルルーム 1室、ロフトツイン＆ソファ 1室、ロフトツイン 1室、ツイン 1室宿泊料金：シングルルーム 7,000円、ロフトツイン＆ソファ 8,500円、ロフトツイン 7,500円、ツイン 8,500円（全て1名利用料金、税別）電話番号：075-432-8168アクセス：阪急大宮駅から徒歩5分、JR京都駅からタクシーで約10分公式サイトプライベートな町屋の宿「凛葩 RINPA」　2階建て1棟貸切りのプライベートな町家の宿「凛葩 RINPA」。宿名の由来にもなった京都にゆかりの深い尾形光琳が発展させた「琳派（りんぱ）」の作品をはじめ、京都で活躍する老舗の提灯屋や書道家、日本画家、陶芸作家、デジタルアーティストなど多種多様なアーティストの作品がラグジュアリーな空間を演出しています。室内には、御庭植治が手掛けた小さな日本庭園「坪庭」や茶室を設置。観光地への送迎や祇園の有名シェフが監修した朝食のお届けサービスなど、贅沢な"おもてなし"を体験できます。■凛葩 RINPA所在地：京都府京都市下京区糸屋町（仏光寺通新町東入）218-5　宿泊料金：1泊2名 平均料金10万2,000円電話番号：050-3786-2009（受付時間 10:00〜19:00）アクセス：地下鉄烏丸線 四条駅6番出口から徒歩約4分、阪急京都線 烏丸駅25番出口から徒歩約10分公式サイト80組以上のアーティストの作品を展示「ホテル アンテルーム 京都」　「京都の今を表現するアート＆カルチャーが集まる場所」をコンセプトに掲げた「ホテル アンテルーム 京都」は、築23年の学生寮をコンバージョンしたホテル。アートギャラリーや朝食レストラン、ラウンジバーを併設した館内には、「365日アートフェア」というテーマのもと、80組以上のアーティストによる購入可能なアート作品が展示されています。全128室の客室のうち、部屋全体をアーティストがデザインした「コンセプトルーム」を9室用意。写真家で映画監督の蜷川実花や彫刻家の名和晃平、アーティストの金氏徹平ら9組が参加しています。また、ホテル内にアパートメントスペースを設け、長期滞在用として50室を賃貸で提供しています。■HOTEL ANTEROOM KYOTO所在地：京都府京都市南区東九条明田町7番客室数：128室（長期滞在用50室）宿泊料金：スタンダードルーム1室1泊シングル 6,000円〜、コンセプトルーム1室1泊（利用2名まで）1万8,000円〜（いずれも税込）電話番号：075-681-5656アクセス：JR京都駅八条口から徒歩12分、地下鉄烏丸線 九条駅から徒歩5分公式サイトアーティストとコラボした分散型ホテル「エンソウ アンゴ」　京都の中心市街地、四条通と五条通にはさまれた麩屋町通、富小路通、大和大路通に建つ5棟の分散型ホテル。全棟のディレクションは内田デザイン研究所が手掛け、町に溶け込む共通のシンプルな外観の中に、それぞれ異なるアーティストとコラボレーションしてデザインした施設や客室を展開しています。参加アーティストは陶芸家の安藤雅信や現代美術家の日比野克彦、スイスのデザインスタジオ「アトリエ・オイ」、建築家でデザイナーの寺田尚樹で、各棟入口のシンボルである手水や室内装飾をデザイン。また、宿泊者や旅行客、地域の人々に向けて、禅の体験や京念珠のワークショップなど伝統芸能の様々なプログラムを提供しています。■ENSO ANGO所在地：「ENSO ANGO 麩屋町通I」京都市下京区麩屋町通綾小路下る俵屋町298「ENSO ANGO 麩屋町通II」京都市下京区麩屋町通高辻上る鍋屋町241-1「ENSO ANGO 富小路通I」京都市下京区富小路通高辻上る筋屋町152「ENSO ANGO 富小路通II」京都府京都市下京区富小路通高辻下る恵美須屋町187「ENSO ANGO 大和大路通I」京都府京都市東山区大和大路通四条下る大和町18総客室数：229室宿泊料金：SUPERIOR TWIN 2名 2万250円～、1名 1万125円～電話番号：075-585-5790（予約直通）、075-746-3697（代表番号）アクセス：＜麩屋町通I, II、富小路通I, II＞阪急京都線 河原町駅12番出口から徒歩3分、地下鉄烏丸線 四条駅5番出口から徒歩7分＜大和大路通I＞京阪本線 祇園四条駅6番出口から徒歩3分、阪急京都線 河原町駅1番出口から徒歩5分公式サイト西陣織や"提灯アート"が楽しめる「京都アートステイ西陣捨松」　京都の伝統産業である西陣織で知られる西陣地区の「京都アートステイ西新捨松」は、ホテルのルーツである西陣織の織屋「帯屋捨松」ゆかりの作品や、京提灯の老舗「小嶋商店」の職人が手掛ける"提灯アート"を館内に展示。客室は、「Pleasant（＝心地よい）」をテーマにミニキッチン付きのアパートメントタイプを採用した全15室で、掛軸や屏風の新調・修復を行う｢京表具 井上光雅堂｣が表装を施した作品が飾られています。■京都アートステイ西陣捨松所在地：京都府京都市上京区笹屋町1丁目525-1客室数：15室宿泊料金：1泊1〜2名 1万4,000円〜 ※宿泊日により変動電話番号：075-431-1125アクセス：（京都駅より）京都市バス 一条戻橋 晴明神社前バス停から徒歩7分、京都市営地下鉄 今出川駅から徒歩17分、（二条駅より）京都市バス 今出川浄福寺バス停から徒歩5分（四条河原町より）京都市バス 今出川大宮バス停から徒歩5分公式サイトドイツ発ブランドの世界観にインスパイア「マルダ 京都」　ドイツ人デザイナーのヨーガン・レール（Jurgen Lehl）によるブランド「ババグーリ（Babaghuri）」の世界観にインスパイアされた1日3組限定の宿。3つの客室は「赤（AKA）」「青（AO）」「墨（SUMI）」とそれぞれテーマカラーを設けてデザインされています。姉小路通に面した大きな窓が特徴で、マルダオリジナルのキッチンや家具、ババグーリのルームウェアなどを用意。客室で提供する朝食では、ヨーガンレールの社員食堂から受け継いだ季節の有機野菜料理を楽しむことができます。■MALDA KYOTO所在地：京都市中京区堺町通御池下る丸木材木町684客室数：3室宿泊料金：1室1泊の料金目安 2万6,000円～（3名まで利用可）営業時間：カフェ・マルダ 10:00～19:00電話番号：080-1456-5967（ホテル予約専用、9:00〜18:00）アクセス：京都市営地下鉄烏丸線 烏丸御池駅3-1出口から徒歩5分公式サイト京都出身アーティストや大学生の作品が並ぶ「ムスビホテル 京都四条大宮」　「訪れた人たちと、京都の文化を結ぶ」をコンセプトに、2019年4月にオープン。旅行者向けIoTデバイス「TRIP PHONE」を全室に完備し、英語や中国語、韓国語など5言語でコンシェルジュを通じたレストラン予約や交通案内、観光案内などのサービスを24時間提供するスマートホテルです。レセプションは個展スペースとして、近隣の大学や京都出身アーティストの作品を展示。部屋着は、日本の四季や風情をポップに表現したテキスタイルを製作する京都のブランド「ソウソウ（SOU・SOU）」が手掛けています。■MUSUBI HOTEL 京都四条大宮所在地：京都府京都市中京区藤岡町493客室数：4名用フォースルーム 9室、2名用クイーンダブルルーム 4室 ※クイーンダブルルームはエキストラベッドを使用すれば最大3名まで可宿泊料金：1室 平均1万6,000円（税抜）※4名宿泊時4,000円〜/名、部屋タイプや時期によって異なる電話番号：075-823-7888アクセス：阪急京都線 大宮駅から徒歩2分、京福電気鉄道嵐山本線 四条大宮駅から徒歩3分公式サイト若手芸術家が共同生活「河岸ホテル」　「河岸ホテル」は、若手芸術家が共同生活を送りながら作品を生み出すことができる滞在型複合施設。地下1階はシェアスタジオ、1階は飲食店、ギャラリー、イベント会場、2階は2段ベッドを連ねる簡易型ドミトリー兼ギャラリー、3階と4階は全国から集まった若手芸術家が居住するアーティストレジデンス、最上階の5階は入居する作家たちの作品を鑑賞できる体験型のアートホテルとして運営します。＞＞詳細はこちら■KAGAN HOTEL所在地：京都府京都市下京区朱雀宝蔵町99宿泊料金：ドミトリー 3,200円〜、シングル 6,000円〜、ホテルルーム 2万円（2名）※予定価格アクセス：JR山陰線 梅小路京都西駅から徒歩5分、JR山陰線 丹波口駅から徒歩10分、京都市バス 梅小路公園・京都鉄道博物館前バス停から徒歩7分、京都市バス 七条千本バス停から徒歩4分公式サイト

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