インサイド

　連載第21回でも取り上げたOGATAの「KAORI」。自然との共生により培われてきた日本の伝統文化を継承しつつ、時代に合わせて再解釈しながら、現代における暮らしの作法を創造し、提唱すべく緒方慎一郎が創業したOGATAが展開する香りのコレクションである。　なかでも「YOKA」はさまざまな天然原料を細かく砕いて調合したものだが、OGATA Parisでは好みの原材料をブレンドできるオーダーメイドサービス「YOKA sur mesure」を提供している。その簡易版ともいえる「調香を愉しむ会」がこのほど、東京・八雲茶寮の茶房にて開催された。　「調香を愉しむ会」はまず、今の時季にぴったりな新茶をいただくことから始まる。鹿児島産の新茶を一煎目はぬるめのお湯で、二煎目はややお湯の温度を上げて香りを楽しみ、三煎目は大葉を加えた冷茶仕立てにすだちをプラス。味覚と嗅覚が目覚めたところで、いよいよ調香体験がスタート。案内してくれたのは、OGATA ParisのKAORIセクションを担当する女性スタッフだ。　YOKAは「五行思想に基づいたベース」に「五味のアクセント」を掛け合わせる形で調香する。古代中国に起源をもつ自然哲学「五行思想」は、森羅万象すべてが木・火・土・金・水の5つの元素から成るという考え方。そして方位や季節、色彩、人体などあらゆるものがこの5つに分類され、相互に作用しながら循環すると考えられている。　その思想に基づいて開発された5種類のベースは「木」がヒノキや白檀、パロサントなどを調合したもので、季節は春、色は青を表す。「火」は山奈や竜脳をブレンドした潮に似た香りで季節は夏、色は赤。「土」はベチバー、白檀、ダバナ、トンカビーンなどを調合。季節は土用、色は黄。「金」は丁子やセダーウッドなどをブレンドした燻製香で季節は秋、色は白。「水」は丁子や桂皮、パチョリなどを合わせたスパイシーな香りで季節は冬、色は黒。これら5種の香りを順番に3回試し、お気に入りをひとつセレクトする。　次のプロセスは、五味のアクセント選び。「酸」は大和橘やレモングラス、カルダモンなど、「苦」はジュニバーベリーやホワイトセージ、ユズ、「甘」は桂皮やローマンカモミール、「辛」は丁子やスターアニス、クミン、「鹹（塩）」はラベンダー、シソ、カルダモンなど、それぞれ文字どおりの味わいを加えることができる。こちらも順番に3回、それぞれの香りを試してセレクトする。　最終的にはベースとなる香り1種を2匙、アクセントとなる香り5匙をWASARAに入れて混ぜ合わせる。アクセントの五味は何種類選んでも可。つまり1種を5匙でもいいし、5種を均等に入れるもよし。その人の気分と嗜好が反映された、世界でひとつのYOKAが誕生するのだ。　調合した香りはリネンの香袋に入れて完成。胸ポケットなどに入れて身につけることもできるし、名刺入れなどに入れて携帯したり、あるいは器に出して室内に漂わせたり、香りが弱くなったと感じたら香炉で温めて香りを立たせることもできる。愉しみ方も自在だ。　調香体験の締めは、ほうじ茶に生姜や当帰、山椒、陳皮などを合わせた香り高いブレンド茶「T., Collection 8 香 Ko」と羊羹を味わいながらの感想会。すべてが天然原料でほのかな香り立ちだからこそ、食を合わせた調香体験が可能。隣の人と香りを聞き合うのも楽しいし、季節ごとに作ってみたくなる。きっと選び方が変わるはずだ。　さて、OGATAならではの「調香を愉しむ会」が急遽6月7日、京都のラグジュアリーブティックホテルTHE SHINMONZENにて開催することが決定した。　THE SHINMONZENは建築家の安藤忠雄が古都の伝統を忠実に守りつつ、現代のライフスタイルに合わせてデザインしたもので、ホテル内のブティックOGATA at THE SHINMONZENではYOKAや日本茶、菓子、器などを販売している。もし予定が入っていなければ、京都の瀟洒な空間でぜひ体験してみて。

Beauty

【香水連載 vol.24】五行思想 × 五味で好みの香りを作る「調香を愉しむ会」

　ミシェル・アルメラックは現代を代表する名調香師のひとりと言っていいだろう。これまで手掛けてきたフレグランスといえば「ボンド・ナンバーナイン（Bond No.9 New York）」、「ボッテガ・ヴェネタ（BOTTEGA VENETA）」、「バーバリー（BURBERRY）」、「クロエ（Chloé）」、「グッチ（GUCCI）」など挙げればキリがない。しかもそれぞれにおいて複数の香りを手掛けていることから、いかにブランドからの信頼が厚いかがわかる。　そんな彼の息子ベンジャミン・アルメラックが満を持して2016年に立ち上げた自身のブランド、パルル モア ドゥ パルファムから新香調2種が誕生。そのプレゼンテーションで来日したベンジャミンと兄のロマンにインタビュー。父が創り出し息子たちが継承するサヴォアフェールの裏側を聞いた。⎯⎯ずばり、ミシェル・アルメラックが創り出す香りの魅力とは？ロマン・アルメラック（以下、ロマン）：“コントラスト”。それがパルル モア ドゥ パルファムのトレードマークといえます。“コントラスト”とは対比、つまり異なる素材を組み合わせてそれぞれが引き立つように調香します。だから上質な原料を厳選し、少ない種類で使うことがマスト。多種多様な原料を使うとぼやけてくるので。⎯⎯日本の食でいう“食い合わせ”のようなものはある？ロマン：それを探すのが私たちの仕事とも言えますね。長い経験上、マズイ組み合わせというのはわかっていますが、今まで誰も考えなかったような組み合わせを試して、自分たちのシグニチャーを築くことに日々努めています。⎯⎯お父さまから継承していることは他にもある？ベンジャミン・アルメラック（以下、ベンジャミン）：それは企業秘密（笑）。僕たちにとって“コントラスト”がとても大切なんですが、「なんでも試してみる」というのも大事な合い言葉のひとつ。今までウケていたフォーミュラがいくつもあって、それらを継承＝コピーするのは簡単だし楽だけど、それでは何も生まれない。失敗するかもしれないけどトライする、それが“コントラスト”に次ぐ教えかもしれないですね。⎯⎯コンセプトの継承というのはある？ベンジャミン：コンセプトを売り物にしているブランドって多いですよね、特に「旅」をコンセプトにしたブランド。でも実際に嗅いでみると「これ、よくあるよね」というものが多い。そうではなくて、いろいろ試してみてうまくいきそうだったらそれを突き詰める。なかなか成功はしないので、何度も繰り返しトライする必要はあるけどね。ロマン：例えばアイデアはどこから？ということをよく聞かれるけれど、私の場合、日常生活から生まれますね。今取りかかっているのが「コカ・コーラ」。みんなギョッとするんだけど（笑）、それをイメージソースにマスキュリンな面白いものができるんじゃないかと。もう可能性は見えてきています。調香師の特性としてみんな頑固一徹、掴んだものを離さない、諦めないというのがある。新しいコントラストを見つけるまで続けますよ。⎯⎯ところで、コロナ禍を経て世界的にフレグランス市場が活況を呈していて、ブランド数も商品数も増えています。それに応じて調香師も増えているようで、明らかにベテランと若手の違いが表れているように感じます。ベンジャミン：それはもっともです。日本には伝統文化があって、それぞれに師匠がいてリスペクトされていると思いますが、残念ながら香水業界は違ってきています。ブームのようなものがあって、資本家はそれをチャンスとみて新ブランドや新調香師を売り出そうとします。でも必ずしも彼らがそれに見合った力を持っているわけではない。父もよく言っていますが、自分は一生をかけてこれだけのことをやってきたが、若手が出てくるのはとても嬉しいこと。でも必ずしも全員がモノになるとは限らない。経験のない人が作ったものはそれなり、ということです。ロマン：「香りの美しさ」よりも「儲け」のほうに惹かれる人が、残念ながら少なくない。そんな違いを自身の鼻で嗅ぎ分けて、心地いいと心底思える香りを手に取って欲しいですね。

PARLE MOI DE PARFUM

【香水連載 vol.23】巨匠ミシェル・アルメラックが貫く香りの美学とは？

ラルフ ローレンの歴史をおさらい　ブランドの起源は1967年。創業者のラルフ・ルーベン・リフシッツ（Ralph Rueben Lifshitz）が、「POLO」としてニューヨークに設立したのが始まりでした。ブランド名の「POLO」は乗馬に似た競技「ポロ」に由来し、創業時はネックウェアラインを中心に展開。1つ1つハンドメイドで手掛けたアイテムが、ポロ競技を嗜んでいたイギリスの上流階級に憧れるアメリカ人に受け、知名度を獲得しました。　初めてメンズのフルコレクションを発表したのは1968年で、1970年にはアメリカの大手百貨店「ブルーミングデールズ」内に「Polo by Ralph Lauren」ショップをオープン。有名百貨店史上初となる1つのデザイナーのためのブティックだったそう。続く1971年には、初の路面店をカリフォルニア州 ビバリーヒルズに位置する高級ブティック街「ロデオドライブ」にオープンしました。同年にブランドのアイコン「Polo ポニー」のロゴが誕生し、1972年にはベストセラーであるポロシャツの販売を開始。その後もレーベルを増やし、商品を拡充することでスーツスタイルからカジュアルウェア、ホームアイテムに至るまで幅広いアイテムを揃え、世界的に知られるブランドへと成長していきました。ラルフ ローレンの主なレーベルチャップス（CHAPS）1978〜2000年頃本場のアメリカンスタイルを当時のライフスタイルに合わせてアップデートしたクラシックなコレクションを提案。スポーツウェアやビジネススタイル、テーラードウェア、ドレスなどメンズ、ウィメンズ、キッズ、ホーム向けのさまざまなアイテムを展開した。 ローレン ラルフ ローレン（LAUREN RALPH LAUREN）1971〜現在モダンでスタイリッシュなスタイルを好む女性に向けたレーベル。上質なファブリックを使用した洗練されたスタイルのウェアやアクセサリー、シューズを揃える。 ポロ ウェスタン（Polo Western）1978〜1979年アメリカ西部の実用的な服からインスピレーションを得たデニム、アパレル、アクセサリーを展開していた。キャッチコピーは「made to be worn（着るために生まれた服）」。 ポロ ユニバーシティ（POLO UNIVERSITY）1978年〜1980年頃名前の通り大学生向けのカジュアルウェアを展開していたライン。 ポロ ダンガリー（POLO DUNGARESS）1985~1989年デニムと同じインディゴ染めの綾織り生地を指す「ダンガリー」系のアイテムを揃えていたライン ポロ カントリー（POLO COUTRY）1989〜1992年RRLの前進となったレーベルで、ヴィンテージ風のデザインが特徴。 ラルフ ローレン カントリー（RALPH LAUREN COUNTRY）1989〜1992年ポロ カントリーのウィメンズライン。 ダブルアールエル（Double RL）1993〜現在コロラド州にあるラルフ・ローレン氏の牧場の名前に由来。アメリカ西部のオーセンティックで実用的な装いを落とし込んだヴィンテージスタイルのメンズライン。伝統的な染色技術や職人技を感じさせる高品質なアイテムを揃える。 ポロ スポーツ（POLO SPORTS）1993〜1998年1992年にポロ ラルフ ローレンの初のスポーツ・フィットネス向けウェアとしてスタート。デザイナーのマイケル・タピア（Michael Tapia）が手掛け、1990年代のカルチャーを色濃く反映したアイテムが根強い人気を誇った。現在もコレクターから人気を集めている。発売以降はストリートカルチャーとの親和性も高く支持が厚かったが、徐々に規模を縮小し、2000年代に販売を休止した。 ラルフ ローレン スポーツ（RALPH LAUREN SPORT）1993〜1998年ポロ スポーツのウィメンズライン。 ラルフ ローレン（Ralph Lauren）1980〜1990年代スタンダードなウィメンズラインとして展開をスタート。※現在はさまざまなラインの総称として使用されている。 ラルフ ローレン ホーム（RALPH LAUREN HOME）1983〜現在ラルフ・ローレン氏が市場にインテリア製品の選択肢が少ないことや、高品質なものが少ないことに対して不満を抱いたことをきっかけに立ち上がったライン。各アイテムにはブランドを代表する「サラブレット」「ニューイングランド」「ジャマイカ」　「ログキャビン」の4つのモチーフが取り入れられている。 ラルフ ローレン パープルレーベル（Ralph Lauren Purple Label）1994〜現在ブランドのハイエンドライン。上質な仕立てでタイムレスなデザインのアイテムを揃えている。 ラルフ ローレン ブラック レーベル（Ralph Lauren Black Label）1994〜2015年スリムでシャープなシルエットに仕上げたモダンなレーベル。細部まで配慮した仕立てで製作したタイムレスなスタイルを提案。2015年に終了し、メンズはラルフ ローレン パープル レーベル、ウィメンズはラルフ ローレン コレクションに統合された。 ポロ ジーンズ（POLO JEANS）1996〜2007年ジーンズを中心にヤングカジュアルなスタイルを提案していたレーベル。 アールエルエックス ラルフ ローレン（RLX RALPH LAUREN）1998〜現在1998年に誕生し、現在も展開を続けているゴルフウェアレーベル。高いパフォーマンス性に、現代的なエッセンスを加えることでコース上でもコース外でも対応できるアイテムを揃えている。 ラルフ ローレン コレクション（RALPH LAUREN COLLECTION）1994年〜現在“シックで女性らしい魅力”をデザインに落とし込んだラルフ ローレン パープル レーベルのウィメンズ版。 ラグビー（RUGBY）2004〜2013年メンズ・ウィメンズの若い世代に向けたカジュアルレーベル。ラルフ ローレンに根付く伝統やスピリットを踏襲しつつ、プレッピー要素を加えたアイテムを展開。 デニム & サプライ ラルフ ローレン（DENIM & SUPPLY Ralph Lauren）2011〜2016年流行に敏感な若い世代に向け、“ラギッド（アメカジテイスト）でナチュラルかつ気取らない個性的なスタイル”を提案。日本にも店舗を展開していたが、2016年に終了し「ポロ」に集約された。【年代順】のタグ変遷　ここからは、ブランド立ち上げ時の1970年代から2000年代の現行タグまで、各年代のタグの特徴を「SAFARI2号店」で取り扱われている商品の画像と合わせて紹介。それぞれの時代を象徴するラインや、藤岡さんが教えてくれた豆知識などの情報と合わせ、参考にしてみてください。1970〜1980年代前半　まずは、テーラードのカテゴリーが徐々に増えてきた1970年代のタグの解説からスタートします。1970年代「Polo」に並列されている大文字の「RALPH LAUREN」が特徴。大文字のタグはほかの形もあるそうですが、古着市場では長方形が多く見られるとのこと。古着ではジャケットが多く、シャツやパンツなどは稀。1980年代初期には台形になった通称「三角タグ」が登場します。こちらもジャケットに多く用いられたタグで、主にスイングトップで見られるそうです。同時期に従来の長方形のタグも流通していましたが、ブランド名が記載されたタグの下に素材表記や製造場所が書かれているタグが付いているのが特徴。アメリカ製の表記が多いため「USA製タグ」と呼ばれることもあります。 　初期に登場したデニムとアパレルのライン「ポロ ウェスタン（Polo Western）」や、ウィメンズライン「ローレン ラルフ ローレン（LAUREN RALPH LAUREN）」も未だに古着市場で存在するそう。特に、ポロ ウェスタンは現行ラインでもある「ダブルアールエル（Double RL）」の前身として知らていますが、展開期間は1978年から1979年までの1年ほど。ウェスタンやネイティヴアメリカンの要素を持つアイテムを中心に展開していたラインで、ダブルアールエルの人気が高い分、このシリーズは高値で売買されているそうです。1980〜1990年代前半　1980年代後半〜1990年代にかけてはポロのボーイズラインの目印として背景色が緑色の通称「緑タグ」が登場。また、通常のネイビーのタグは色が濃くなりました。アメリカ以外の製造拠点での生産も本格化し、タグの下に配されたUSAの表記は減っていきますが、タグのデザインに大きな変化はありません。　主にデニムやシャンブレーなどを展開し、現在でもコレクターから人気を集める「ポロ ダンガリー（POLO DUNGARESS）」は、1985年から1989年まで展開。数種類のタグがあるようですが、展開当初のものは背景の白いタグです。あまり長い期間ではなかったため、その後のものは詳細な年代分けは難しいものの、こちらもあまり出回らないレアアイテムの1つ。1990年代　1990年代は多くのラインが登場し、「Polo」タグはフィリピンや東南アジアでの生産が多くなり、濃いネイビーが青っぽい色味に変化しました。　以下では、当時ブランドの人気を牽引した2つのライン「ダブルアールエル」と「ポロ スポーツ（POLO SPORTS）」について解説します。ダブルアールエル　ポロ カントリーとポロ ウェスタンを踏襲したラインとして1993年に誕生し、現在でもファンが多い同ライン。タグのデザインに大きな違いがないため初心者が年代を認識するのは難しそうですが、藤岡さん曰く「シンボルマークの上にあしらわれた星が3つならば1990年代のもので確定」とのこと。ポロ スポーツ　現在は自身の名前を冠したブランドを展開するデザイナーのマイケル・タピア（Michael Tapia）が手掛け、ナイロン素材を用いたスポーツ色の強いアイテムでストリート系の若者を中心に人気を集めている同ライン。当時は車高の低い形状に改造したカスタム自動車を運転する「ローライダー」に受けたのだとか。「シュプリーム（Supreme）」が流行る前にはストリートの主流がこのシリーズだったため、コアなファンも多くラルフ ローレンのラインの中でも高額で取引されているそうです。豆知識 ① ラルフ ローレン特有のサイズ表記について　ラルフ ローレンの公式サイトを見ると、「クラシックフィット」「スリムフィット」「カスタムフィット」「テーラードフィット」といったサイズ表記で展開されている商品が存在します。これらは各アイテムの型を表すもので、年代によってはタグと並列されていることもあるため、この情報からも年代を推測することができます。しかし、このような型は細かいものも含めると100ほどは存在しているため、型ごとに年代を分けることはできないそう。ただ、これらのサイズ表記がタグについているのは1990年代初めからなので、サイズ表記があったらその年代以降のものだと思っていいとのこと。1990年代後半〜2000年代前半　1990年代後半から2000年代にかけて、「Polo」のアイテムはほぼ中国製になっていきます。また、スポーツラインはポロ スポーツの終了後、「アールエルエックス ラルフ ローレン（RLX RALPH LAUREN）」や「ポロ ゴルフ（POLO GOLF）」に引き継がれ、デザイン重視のものからパフォーマンス重視のものに変わっていきました。若い世代に向けた「ラグビー（RUGBY）」や「デニム & サプライ ラルフ ローレン（DENIM & SUPPLY Ralph Lauren）」もラルフ ローレン独自の加工やカラーリングがあり、人気を集めたラインです。豆知識 ② ラルフ ローレン好きなら知っておきたい「チャップス（CHAPS）」について　チャップスは、1970年代のブランド初期に低価格の若者向けのライン「CHAPS Ralph Lauren」として登場。展開後しばらくして経営に問題があるとして一度解体され、ラルフ ローレンとはラインセンス契約に。この時期から日本規格も登場し、主にオンワード樫山と日登美の2社が製作していました。そのため両者のどちらかや、「インパクト21」と記されていた場合はライセンス契約中に日本で製作されていたアイテムとのこと。豆知識 ③ ウィメンズアイテムはここが面白い　ラルフ ローレンはメンズからスタートしたアイテムだけあって古着でもメンズの方がフォーカスされがちですが、ウィメンズも1970年代に立ち上げられた「ローレン ラルフ ローレン（LAUREN RALPH LAUREN）」に始まり、「ラルフ ローレン カントリー（RALPH LAUREN COUNTRY）」、「ラルフ ローレン スポーツ（RALPH LAUREN SPORT）」「ラルフ ローレン コレクション（RALPH LAUREN COLLECTION）」などライン分けされていないものも含めてかなりの数の古着が存在します。現行タグ　現行タグは2015年から採用されています。同年に「ポロ バイ ラルフ ローレン」表記だったメンズ＆キッズのラインと、「ブルー レーベル」のウィメンズラインだった「ラルフ ローレン」が「ポロ ラルフ ローレン」に集約されましたが、アイテムによっては「RALPH LAUREN」のタグが採用されています。また、「ポロ ラルフ ローレン」のタグも同じ色味に変更されました。　現在まで続くアールエルエックス ラルフ ローレンやダブルアールエル、ローレン ラルフ ローレンのほか、ライフスタイル系の「ラルフズ コーヒー（Ralph's Coffee）」「ラルフ ローレン ホーム（RALPH LAUREN HOME）」などのタグはこれまでのデザインを踏襲しつつ、アイテムによって変化を持たせているので、現行のものでもさまざまなタグのデザインを楽しめます。

RALPH LAUREN

brand history with clothing tags

「ラルフ ローレン」の歴史が分かるタグ変遷と見分け方

　2022年、井浦新がビューティブランドKruhiを立ち上げるということで初めてインタビューをした時、とにかくその熱量に驚かされた。当時はコロナ禍が招いたストレスの影響でナチュラル＆オーガニックコスメ、特にヘアケアブランドが注目を集めていた時期であったことに加え、芸能人やインフルエンサーコスメが増えていたこともあり、その類いだろうと思っていたからだ。　井浦新については俳優という以上の情報を持ち合わせていなかったが、元々自然が身近にある環境で育ったこと、家族ができてからもなるべく自然の中で過ごすようにしていたこと、家族間で環境について話し合い、暮らしを日々アップデートさせていること、そんな中でずっと違和感があったのが、風呂場にずらりと並んでいた家族それぞれが使うシャンプーだったこと…つまり、自然環境を憂うがあまりに誕生したのがKruhiなのである。　だから、第1弾の石けんシャンプーとトリートメントは、髪質や頭皮環境が異なる家族全員が使えるクオリティであることを追求し、夫妻自ら納得のいく製造会社を探し出して鹿児島県南大隅町に辿り着き、現地の農業廃棄物のアップサイクル原料を使用し、生分解性の高い自然由来成分100％、ボトルにはリサイクル効率に優れたアルミを使用、売り上げの1％を環境保護活動団体に寄付するなど、環境にいいことを可能な限り詰め込んでいる。　2023年にはハイビスカスローゼル、パッションフルーツ、紫根、月桃葉などのエキスやオイルを配合した見目麗しい2色のマルチバーム「オールウェイズニューバーム」を発売。　そしてこの春、いよいよスキンケアに本格参入。アイテムはダブル洗顔不要の「ザフェイスクレンズ」と、二層式美容液「ピュリティハーベストレイヤーセラム」の2品だ。　今回のキー素材は和歌山・築野食品のコメヌカ、奈良・大和町の萎凋香緑茶、高知・四万十のユズ、北海道・下川町のトドマツ、そして佐賀県加唐島の椿。それぞれの有用成分を巧みに組み合わせ、シンプル設計でありながら日本育ちの植物のエネルギーを取り込み、肌を心地よく健やかに整えてくれる。　ところでKruhiの商品の香りはすべて、井浦新自身が調香している。実は役作りのために自ら精油を調合して役に合わせた香りを作り、役を終えるまでずっとまとっているというほどの香りマニア。今回、クレンザーは「OVER THE MOON AROMASCAPE」、セラムは「CITRUS GREEN TEA AROMASCAPE」という2つの香りの景色を、それぞれの配合成分に関連づけて創作している。　4月25日の全国発売を前に、4月1日まで伊勢丹新宿本店本館地下2階ビューティアポセカリーで先行販売中、3月29日と3月30日には井浦新のトークショーも開催。ぜひ自身の五感で試してみてほしい。

【香水連載 vol.22】井浦新夫妻が本気で手掛ける「Kruhi」、スキンケアに本格参入

あっという間の40年　タケオキクチは、2024年に創業40周年を迎えることができました。僕の力ではなく、一緒に走り続けて支えてくれている人、服を買って着続けてくれる人がいるからこそ、ここまで来れたのだと思います。その人たちの心を動かすものが自分の中にあればという気持ちで、僕自身も続けてくることができました。　本当にあっという間の40年。今、時間はますます早く過ぎていく実感があります。でも、2012年にタケオキクチに復帰した頃とは違い、これまで自分がやってきたことはなんだったのかと振り返る余裕が出てきました。僕自身が過去に感じたこと、そして今思うことを伝える必要があると感じて、アーカイヴを新たに解釈するザ・フラッグシップというレーベルを立ち上げたのです。「TAKEO KIKUCHI」「THE FLAGSHIP」公式サイト初心にかえるホワイトタグ　ザ・フラッグシップは、通常ラインとは違って白いブランドタグを使っています。ブランドを立ち上げた当初、自分の名前を大々的に表に出すのに抵抗があり、白地に白文字をレタリングしたホワイトタグを使っていたのです。その精神に立ち返り、名前よりもモノの良さや作る意義を考えて世に出していこうという思いを込めて、ホワイトタグを再び使うことにしました。 　「タケオキクチといえばスーツ」というイメージを持たれることが多いですが、僕がファッションで一番気に入っているのも、やはりテーラードなんです。紳士服の既存のルールに捉われず、どこか新しい。特に好きなのが、着やすいソフトなスーツです。カジュアルウェアとの境が曖昧になり、スーツスタイルと一体化する時代は、いつか来るだろうと考えていました。　提案しているのはベーシックなスーツだけではありません。例えば、スーツに合わないと言われる色をあえて取り入れる、そういった意外性が好きなんです。緑がかったニュアンスグレーなど、普通は売れないようなカラーがよく売れたこともありました。“正統派を崩す”というテーラードへのアプローチは、「メンズビギ（MEN’S BIGI）」初期のショーケンのスタイルからずっと変わりません。THE FLAGSHIP　2025 SPRING & SUMMER タケオキクチのアイデンティティや、アーカイブを掘り下げ、さらに今の時代感も取り込んだ、ブランドを象徴するレーベル「THE FLAGSHIP」。厳選した国内の素材を使用し、日本で最高峰の技術を誇る工場で縫製した品質の良さは、コンセプトの"THIS IS THE JAPAN BRAND"を体現している。洗練されたシンプルなアイテムで彩られたスタイリングは、着る人をより魅力的に見せる。「やり切った」と思ったことは一度もない　実は一度、40歳になる手前で引退を考えたこともありました。当時はまさか、倍以上の歳になるまで現役でいるなんて、思いもよらなかったでしょう。生き方が嫌になると全部リセットして変えたくなったり、新しいものを常に求めてきた人生でした。プライベートの節目と仕事の節目が重なることも多かったですね。　かつて、僕と1歳違いの篠山紀信さんに「僕らの世代は欲張り。なんでもやりたがるし欲しがる。でも、それができる時代だった」と言われて膝を打ちました。何もなかった時代だからこそ、なんでもできたのかなと。　大事なのは、生きているということ。毎日ウォーキングを欠かさず、健康第一。充実した日々ですが、ただファッションについては、この道を60年以上生きてきても、やり切ったなと思ったことは一度もありません。失敗したなと思うことが8割。でもその経験を活かして、続けることがものすごく大切なんです。それにはパワーが必要だと、つくづく思います。　物事に満足することなく、すぐ次の構想が浮かんでしまうタチなので、生涯現役になりそうです。いろいろなものを作ってきた人生でしたが、大好きな車を作ることができなかったのは、ひとつの心残りかな。これだけ元気でいられるのは、やり足りていないことがまだまだあるからなのかもしれませんね。 文：一井智香子 / 編集：小湊千恵美企画・制作：FASHIONSNAP

TAKEO KIKUCHI

Fashion

【連載ふくびと】第13話 菊池武夫——ファッションを生業に60年「やり切ったと思ったことはない」

約8年の時を経て　自分は「40CARATS&525」に専念し、「タケオキクチ」の方は若い世代で思う存分にやってもらいたい。僕は、マーケットの中でのブランドの立ち位置を常に意識していたので、自分の中で感じていた感覚のズレを見逃すことはできませんでした。なのでスパッと退いて、タケオキクチには一切口出しをしないと決めました。　ただ、しばらくすると「タケ先生はこう思うんじゃないか」といった声を発端に、社内のいざこざが目につくようになった。僕がいる時と同じように仕事をする人と、僕のことを知らない若手と、意見が食い違うようになったのかと思います。組織の世代交代もあり、僕を知らない世代が増えるのは当たり前のこと。ショップに行っても、僕だと気づかない若い店員もいるし、お客さんもそうでしょう。でも、そういったことが原因でチームがまとまらないという状況は、予想していなかったのです。新体制でクリエイティブ・ディレクターに再就任　ブランドのこと、そしてそれを作った人間のことを、改めて理解してもらう必要があると思いました。アイデンティティーというものを取り戻すべきだと。そんなことから、タケオキクチへの復帰を決意したのです。73歳の時でした。　メンズファッションの業界自体もカジュアル化の波で大きく変わり、過渡期を迎えていた時期。僕がブランドを離れてから、信國くんはテーラードの新しいスタイルをたくさん提案してくれましたね。センスや感覚が鋭く、タケオキクチにフレッシュな感性を取り込んでくれたのは間違いない。その彼の仕事を引き継いでもらうために、デザイン・ディレクターとして新たに起用したのが福薗英貴くんです。彼もまた、これまで辿ってきたテーラードの変遷を汲みつつ、時代に即して再解釈してくれました。13年ぶりのランウェイショー　2012年、新体制でタケオキクチが再始動し、すべてのディレクションを統括するようになりました。まず手掛けた大仕事は、原宿の明治通りの旗艦店オープン。そして3年後には、東京でショーを開催。実に13年ぶりのことです。 　ブランクはありましたが、自分が好きなもの、やりたいことはずっと変わらないのだなと、改めて感じましたね。ファッション人生のモットーであるリアリティーと、無国籍のスタイル、正統派ではない着こなし、そしてストリートカルチャー。これらをショーで表現することは苦しいほど大変ですが、やっぱり僕にとって一番楽しいことなんだと気付きました。——第13話＜最終話＞に続くTAKEO KIKUCHI アーカイヴ集【毎日更新】最終話「ファッションを生業に60年『やり切ったと思ったことはない』」は3月10日に公開します。文：一井智香子 / 編集：小湊千恵美企画・制作：FASHIONSNAP

【連載ふくびと】第12話 菊池武夫——73歳、意を決してカムバック

駆け出し俳優だった浅野忠信を起用　タケオキクチは、立ち上げから5年ほどでブランドの規模が急拡大しました。自分にとっては成長しているのかわからなくて不思議に思いますが、真剣に取り組めば、ビジネスも大きくなっていくということだと思います。　ただ、ずっと調子がいいわけではありません。1990年以降は、不景気の影響でブランドも厳しい状況が続きました。そういう時には、何か新しいことを考えないといけない。起死回生をかける気持ちで取り組んだのが映画でした。　監督には香港のウォン・カーウァイ（Wong Kar Wai）、主演俳優には浅野忠信くんを起用しました。浅野くんは当時まだ若手でしたが、ショーケンと通じるスタイルを持っている人だと感じましたね。アウトサイダーなイメージも共通しているなと。結果として彼に頼んだのは大正解でした。　ウォン・カーウァイ監督は、シナリオ無しで撮り始めるんですよ。全編を通してセリフがなく、まるで絵のような世界。浅野くんの度胸と冒険心があってこその作品になりましたね。　1995年に公開した短編映画と、その映像を使ったテレビCMのおかげで、離れていた若い顧客が戻ってきてくれました。経営も盛り返し、危機を脱することができた。そして1990年代の後半には、メンズファッション界において世界でも指折りの売上まで上り続けていったのです。 出会って2分で決めた後継者　60歳を過ぎた頃、僕が新鮮だと感じるものが、受け手側にとってどう響いているのか疑問に思うことが増えました。タケオキクチがターゲットにしている若い世代に共鳴するものは、その時代の真ん中を生きている人が作るほうがよいのではないか、と。　そんな頃に、社内のメンバーから紹介されたのがデザイナーの信國太志くんでした。初めて会ったのに、まるで双子のように感じたことを覚えています。顔を見て、少し話をして、2分後には後継者としてスカウトしていました。そして彼も、その場で「やります」と即答してくれたのです。　2004年、65歳の時にクリエイティブ・ディレクターを信國くんに託しました。僕はその後も在籍はしていましたが、すっかり服作りから離れて、会社にもほとんど行きませんでしたね。　でも少しずつ、自分が本当に着たいと思う、大人に向けた服を作りたいと思うようになりました。ターゲットは40歳以上。歳を重ねてタケオキクチを卒業していった男性にも着てもらいたい。それで立ち上げたのが「フォーティーカラッツ アンド ゴーニーゴ バイ タケオキクチ（40CARATS＆525 by TAKEO KIKUCHI）」です。　ブランド名にある“40カラット”は、ダイヤモンドで言えば見たこともないような大きさ。そんな大胆な欲望を持つのも面白いと思いました。高級感がありながらも日常で何気なく着られる、大人のカジュアルウェアです。そのディレクションに専念して、タケオキクチには一切口を出さない。でも数年後、再び第一線に戻ってくることになるとは、この頃は思ってもいませんでした。——第12話に続くTAKEO KIKUCHI アーカイヴ集【毎日更新】第12話「73歳、意を決してカムバック」は3月9日に公開します。文：一井智香子 / 編集：小湊千恵美企画・制作：FASHIONSNAP

【連載ふくびと】第11話 菊池武夫——浅野忠信を起用　短編映画で起死回生

ファッションデザイナーではない？　僕は、自分がファッションデザイナーだという意識は今でも持っていません。好きなスタイルは決まっていて、その範疇から出ることもない。ただ、「クリエイションをしている」という意識はあります。面白いことが浮かんだら、人より先に表現したい。なのでそれがデザイナーの仕事とは限らなくて、強いて言うなら”表現者”なのかなと思います。　デザインのアイデアが浮かばなくて困ったことはありませんね。それよりも大変だったのは、気分の浮き沈み。ショーを年に2回やるのは、自分にとってやりがいである一方、非常に大きなストレスも感じていました。　それがピークまでくると、すべてが嫌になってしまったり。なかでも強烈に覚えているのはタケオキクチ1986年春夏コレクションです。ショーは大成功、なのに突然　最高の出来栄えでした。僕にとってのベストショーと言えると思います。会場は赤坂のディスコ「ムゲン」。レイ・ペトリ率いるロンドンのクリエイティブ集団バッファローと組み、彼らが演出を手掛けてくれました。1回のショーでは観客が入りきらないということになり、3回に増やしたほど。　闘牛士をイメージしたスタイルにストリートの感覚を取り入れたコレクションに、レイの素晴らしいアイデアが合わさり、「最高にかっこいいものができた！」と自信がありました。でも、1回目のショーが終わった後、最高潮だった気分が急降下。一気に興醒めしてしまったんです。目に入った関係者の反応が思ったほどでもなかったからか、自分の中の興奮との乖離を感じて、ガクンときてしまったのかなと思います。　耐えきれなくなって、ムゲンを出てまっすぐ家に帰りました。「もうどうでもいいや」という気持ちで、お風呂に入ったりして。　後で聞いたら、僕が急にいなくなったものだから現場はパニックだったそうです。夜になって少し気持ちが落ち着いた頃、ちょうど3回目のショーのフィナーレ前に、会場に戻りました。　その時、ドン・レッツ（Don Letts）というDJがパフォーマンスをしていて、僕を見つけて呼んだんですよ。「早くステージに来い！ 恥ずかしがらないで！」って。イヤイヤ出ていった記憶があります。仕事抜け出し日本縦断、キャデラック大破　ワールドに移ってすぐにブランドの規模が大きくなり、プレッシャーは半端じゃなかったのだと思います。この1986年春夏のショーについては、10年ほど経ってようやく落ち着いて、振り返ることができたくらいですから。　自分の気持ちを抑えられない性格だし、アップダウンも激しい。でも、人を叱ったりするのは苦手だから色々と溜め込んでしまう。ショーの前にはよくそういう状態になって、誰にも言わずにフケるというのを何回かやりました。　仕事から離れて何をするかというと、ひたすら車を運転して、日本縦断も2回ほどやりましたね。愛車のキャデラックで。一度、バスと衝突する事故にあって、車が大破するなんてこともありました。　そしてまた仕事に戻っていくんですが、戻るきっかけとしては人の言葉が多かったかな。その頃にはスタッフたちが皆すごく成長していて、たいてい良いチームが出来上がっているんです。急に僕がいなくなって大変だったとは思いますが、おのずと自立せざるをえないのでしょうね。——第11話に続くTAKEO KIKUCHI アーカイヴ集【毎日更新】第11話「浅野忠信を起用　短編映画で起死回生」は3月8日に公開します。文：一井智香子 / 編集：小湊千恵美企画・制作：FASHIONSNAP

【連載ふくびと】第10話 菊池武夫——最高潮だった気分が急降下、姿を消す

服だけではない「タケオキクチ」　僕がワールドに移ることが知れ渡ると、周りからは色々と言われましたね。当時、「ワールドVSビギ」なんて業界本が出されるくらい、社会的にショックが大きかったようです。自分としてはモヤモヤとする気持ちが拭えずにいて、何か新しい場所、新しいものを求めるしかなかった。でも実際には、僕が離れてもビギは成功しているし、ビギのメンバーとは今でも繋がっていて仲が良いんですよ。　声をかけてくれたワールドの寺井さん（寺井秀藏・現 シニア・チェアマン）と、とことん話し合い、新しいブランドの構想が固まっていきました。僕が思い描いていたのは、服だけではなく、それを取り巻くものや環境、つまりは日常生活の全てを詰め込んだイメージです。　タケオキクチの立ち上げと同時に、構想を形にする店舗の計画も進んでいきました。設計を安藤忠雄さんにお願いして、1986年に完成したのが西麻布の「TKビルディング」です。インテリアデザインは英国のナイジェル・コーツで、売り場にはオリジナルのほかに海外からの買付商品も並べて、靴下や肌着、喫煙具や時計といった小物まで揃う。バーバー、ミュージックカフェ、スヌーカーバーを作り、今で言うセレクトショップやライフスタイルショップの先駆けのような構成かと思います。バブルの時期だったのもあって、とんでもない規模のお金が動いていましたね。誰も知らないアンディ・ウォーホルの一面　タケオキクチの最初のイメージポスターは、写真家のアーヴィング・ペン（Irving Penn）に依頼しました。事前の打ち合わせは、手紙のやり取りを一度だけ。素晴らしいドローイングスケッチが3枚入っていました。手紙には、僕のポートレートを撮ることについても書かれていて、「必ず帽子を持ってくるように」と。そのポートレートは、ニューヨークのコンデナスト・スタジオで撮ってもらったんですが、初対面の彼は本当にかっこよかった。優しくて、素敵な人でしたね。　ニューヨークはブランドの立ち上げ準備としても訪れていて、刺激的な体験をしました。アンディ・ウォーホル（Andy Warhol）やキース・ヘリング（Keith Haring）と会い、夜中に食事をしたのですが、なんだか変わった雰囲気のダイナーだった記憶があります。その翌日、ウォーホルが僕をアトリエに案内してくれました。中に入ったら仰天。古代のギリシャ彫刻が、ずらりとコレクションされていたのです。ポップな作風とは全く違う、感性の一面をのぞき見したような気がしましたね。あの光景を見たのは、日本人だと僕くらいなんじゃないかな。坂本龍一の斬新なアイデア　新ブランドのスタートを広く知ってもらうために、神戸と東京で大々的なショーを開くことになりました。ワールドの拠点の神戸では「神戸ポートアイランドホール（通称：ワールド記念ホール）」の柿落としを兼ねたショーになったので、かなり気合が入っていました。　モデルは、アメリカやヨーロッパを行き来しながら現地でスカウト。いわゆるストリートキャスティングです。そしてショーの音楽は、坂本龍一くんにお願いしました。彼とは遊び仲間で、当時から「教授」と呼んでいたんです。　彼の音楽に対するアイデアは、とにかく面白かった。「ショーの客席に小型スピーカーを仕込んだら面白いんじゃない？」とか。残念ながら実現はできなかったけれど、彼のすごい発想力に感心したのを覚えています。　その1985年春夏コレクションのショーをもって、タケオキクチをデビューさせることができました。僕が45歳の時です。——第10話に続くTAKEO KIKUCHI アーカイヴ集【毎日更新】第10話「最高潮だった気分が急降下、姿を消す」は3月7日に公開します。文：一井智香子 / 編集：小湊千恵美企画・制作：FASHIONSNAP

【連載ふくびと】第9話 菊池武夫——電撃移籍　「タケオキクチ」の幕開け

メンズデザイナー初のパリ進出　メンズビギを立ち上げて2年が経った頃。ウィメンズと比べると存在感が薄かったメンズファッションを面白くしたい一心で、フランス・パリへの出店を決めました。今考えると、メンズの海外進出としては時期尚早だったのかもしれません。紳士服で名を轟かせたジョルジオ・アルマーニ（Giorgio Armani）ですら、世間に知られる前の時代でしたから。　パリを選んだ理由は、世界中のバイヤーやジャーナリストが集まるファッションの中心地で、前例のないことに挑戦したかったから。まずは物件探しから動き出しました。ようやく見つけた場所は「イヴ・サンローラン・リヴ・ゴーシュ（Yves Saint Laurent rive gauche、プレタポルテライン）」が全盛期だったパリ左岸。サン・シュルピス教会の向かいにあったカフェです。古びていてボロボロでしたが、ここを買い取ってリフォームすることにしました。並行してパリで初めてのショーの準備も。ファッションウィークの時期に合わせて、モンパルナスのダンスホールでメンズコレクションを発表しました。　本当に目まぐるしかった当時のことを思い出すと、「今では絶対にできないな」とつくづく思います。1970年代後半から80年代は、業界全体がそんなエネルギーを欲していたのでしょう。パリでばったり会うこともあった賢三くん（デザイナー高田賢三）がウィメンズで最初にパリで成功を収めていたこともあって、メンズでは自分がやるんだと意気込んでいました。　パリで2回目のショーに向けて準備を進める頃、あるフランス人との出会いがありました。「演出について考えているなら、面白い人がいるから」と、現地のアタッシュ・ド・プレスに紹介されたのです。ショーのコーディネーションを彼に一任し、「エスパス・ピエール・カルダン」（ピエール・カルダンが所有する庭園）でショーを開きました。その彼が、ルシアン・ペラフィネ（lucien pellat-finet）。当時まだ若かったけれど、はっきりとした意思を持ち、本当にセンスが良かった。後にカシミヤニットで有名なデザイナーになったことは、だいぶ後になってから知りました。40歳を過ぎて感じ始めた焦り　意気込みも虚しく、たった2年でパリ店を閉めることになりました。日本の方でブランドの経営が危なくなってしまったからです。メンズビギはデビューと同時に大当たりしたものの、安定とは言えない時期に僕が海外に出てしまったのもあって、どんどん負債が膨らんでしまった。しばらくはパリと東京を行ったり来たりしながら対応していましたが、いよいよ潰れかねない状況となり、志半ばで帰国したのです。経営を立て直すのに1年半ほどかかり、しばらくは苦労が続きました。　転機となったのは、1981年に東京のモリハナエビルで発表したコレクションです。テーマはストリートファッション。ロンドンのストリートモデルを起用したランウェイショーが評判を呼び、納得のいく自分らしいコレクションで、メンズビギの再スタートを切ることができました。山本耀司くんや川久保玲さんも、会場に観にきてくれたことを覚えています。　ビジネス的にはなんとか復活しましたが、僕自身はというと、年2回のショーを行うたびに燃え尽きたような脱力感が襲うようになってしまった。クリエイションとビジネスの両輪で満足できなければ、本当の意味での成功とは言えないという思いでずっと仕事をしてきて、デザインから製作、販売のコントロールまですべて目を通していました。その重さに、だんだんと耐えられなくなってしまったのかもしれません。自分の中で葛藤が生まれ、情熱が徐々になくなっていくのを感じていました。　40歳を過ぎて、焦りもあったのでしょう。見えない大きな壁にぶち当たり、経営を古巣のビギの大楠祐二に任せてクリエイションに専念。それでも自分が求めているものがわからなくなり、漠然と何か違うことをやりたいという思いが強くなっていきました。——第9話に続くTAKEO KIKUCHI アーカイヴ集【毎日更新】第9話「電撃移籍　『タケオキクチ』の幕開け」は3月6日に公開します。文：一井智香子 / 編集：小湊千恵美企画・制作：FASHIONSNAP

【連載ふくびと】第8話 菊池武夫——パリで前例のない挑戦　葛藤と焦り

不思議な縁　ブルース・リーのスーツ　初期のメンズアイテムは、ウィメンズ中心だったビギの店内に、サンプル品としてシャツやスーツ、ジャケット、ネクタイなどを置いていました。「メンズビギ」の前身となる「ビギ・メンズ」タグのものです。　ある時、香港からバイヤーが来店して、そのメンズサンプルを一式買ってくれたことがありました。ビギのショップオープンから半年も経たない頃。そのバイヤーが「顧客に有名な俳優がいる」と言っていたようですが、僕は海外の著名人についてよく知らなかったので、そのことはすっかり忘れていました。　数年後、「燃えよドラゴン」（1973年12月・日本公開）が上陸し、銀座のテアトルシアターに観に行ったらびっくり。主演のブルース・リーが、見たことのある服を着ていたんです。紛れもなくビギ・メンズの3ピーススーツでした。　彼にとって本格的な世界進出作品だったので、スーツを着ることに思い入れがあったと後から聞きました。サイズもぴったりだったそうで。サンプルは僕自身の身体に合わせて作っていたんですが、不思議な縁で、彼は僕とほぼ同じ体型だったようです。プライベートでも着ていたそうで、気に入ってくれたのであれば嬉しいですね。ショーケンとの出会い　「メンズビギ」始動　ビギのスタートから4年ほど経った頃、ブランドは順調でしたが、僕自身はというと、なんだかモヤモヤとしていました。離婚に至ってしまったのもその時期で、いろいろなことが重なってビギを去ることにしたんです。それでメンズウェアに専念しようと、立ち上げたのが「メンズビギ」。　僕は紳士服を学んだことはありませんが、立体裁断で身体に合わせる服作りをずっとやってきたので、それをメンズウェアに活かしていました。作りとしては珍しかったかもしれませんね。参考にしていたのは、映画や街中で着ている人の着こなし。立ち上げと同時に青山のキラー通りに1号店を開き、白金プリンス迎賓館（現・東京都庭園美術館）で最初のショーを行いました。　当時の僕は、昼間は目一杯仕事をして、日が暮れると街に繰り出して夜通し遊ぶという生活。ただの遊びではなく”夜の仕事”という意識でした。色々な業界の人に会い、交流することが何かにつながると思っていましたから。　ショーケンと出会ったのも、赤坂の「ビブロス」という会員制ディスコ。僕は、彼のちょっと不真面目な感じや、音楽への姿勢が好きでしたね。ある時ショーケンから、「衣装を担当してくれないか」とオファーを受けました。日本テレビのドラマに主演するとのこと。まだメンズビギを本格的に立ち上げる前の年でしたが、すぐに快諾しました。　それが「傷だらけの天使」（1974年10月～1975年3月・放送）。配役やストーリーに合わせて特別に衣装を仕立てるのではなく、販売するために作っていた製品を提供することにしました。アウトローなストーリーは、正統派じゃないメンズビギと相性が良かったからです。反対された新宿丸井で記録的売り上げ　ドラマは大ヒットして、結果的にメンズビギも売れに売れました。新宿丸井に出していた店では、ショーケンが着たスーツが1週間に100着も売れ、ショップの月間売上が3000万円近くに上ることも。今のようにSNSなんて無い時代ですから、テレビの影響や口コミで広まっていったのだと思います。　ただ、僕自身は相変わらず昼も夜も忙しい毎日を送っていたので、社会現象になっているという実感を噛み締める余裕はなかった。ただ目の前のことに必死でした。メンズファッションはまだ業界の規模も小さく、一世を風靡したアイビーブームも失速し始めていた頃（ブームを牽引していたVANは1978年に倒産）でしたが、「メンズのビジネスで成功させたい」という気持ちを強く持っていたからです。　振り返れば丸井への出店も、最初は周りの皆に反対されましたね。割賦販売に対して否定的な人が多かったのだと思います。でも僕はマーケットに浸透させたいという思いが強く、出店しないという選択肢はなかった。意思を貫いたことで、世の中にインパクトを残せたのかもしれません。——第8話に続くTAKEO KIKUCHI アーカイヴ集【毎日更新】第8話「パリで前例のない挑戦　葛藤と焦り」は3月5日に公開します。文：一井智香子 / 編集：小湊千恵美企画・制作：FASHIONSNAP

【連載ふくびと】第7話 菊池武夫——ブルース・リーも着た「メンズビギ」

DCブランドブーム前夜　当時の日本にはなかった新しいファッション、自分たちの世代が着たいリアルな服を自由に作るために、ビギを立ち上げました。マンションの一室を借りて、ビジネスの才能がある大楠祐二に社長と営業を任せ、僕は会長として稲葉賀惠とともにデザインと制作を手掛けるという3人体制でのスタート。蓄えはあまりありませんでしたが、雑誌「装苑」の編集長だった今井田勲さんが銀行を紹介してくれて、創業資金の融資を受けることができました。　ブランド名の由来は、同級生の大西公平（第2話に登場、のちに写真家に）から、ニューヨークの百貨店にそういった名前のコーナーがあったと聞いたことがあって。響きがいいなと、なんとなく覚えていたんです。　すぐに動き出したのは、ビギ1号店の出店。まさにロンドンでその熱を体験した「ビバ（BIBA）」のように、面白い店を作りたいという思いで準備をはじめました。場所は、表参道の石垣の中の倉庫として使われていた物件。インテリアデザインは大楠の知り合いで、アーティストの福澤エミにお願いしました。　穴ぐらのような雰囲気の部屋の壁を、自分たちでハンドペイントしました。ベニヤ板で作った木や草花、昆虫を切り絵のように貼り付けて、まるでジャングルのような空間に。当時ではかなり先進的な、アート性の強いコンセプトでしたね。　ただ、オープン前後のことは正直ほとんど覚えていないんです。出店準備と並行して、服をデザインして生産するという、とんでもない忙しさだったからでしょう。とにかくアイデアが溢れて出てきて、皆で没頭したことは記憶に刻まれています。雑誌「装苑」や「ハイファッション」が4ページほど特集してくれたおかげもあり、滑り出しは順調でした。デビューショーをテレビで放送　僕は最初から、いわゆるモードの世界のファッションデザイナーとは次元が違う気がしています。目指していたのは、僕らの世代の遊び場や日々の生活に根ざした服。本当の意味でのリアルクローズでした。　初期のビギは、アイデアが浮かぶたびに制作していたので、クリエイションのスピードは今では考えられないくらいハイペース。通常のブランドだと展示会は年2回が主流かと思いますが、僕らは年に10回も開催していました。海外の空気を取り入れながら、その時の気分をすぐにデザインに反映することで、共感を得られたのかもしれません。　初めてのファッションショーは、フジテレビのスタジオで行いました。僕の知り合いがディレクターを務めていて、いきなりのテレビ放送が実現してしまったんです。確か、愛川欽也さんが司会の番組。そこに三宅一生くんが観に来てくれたのは嬉しかったですね。　テレビの影響力は想像以上に大きく、ビギの服は飛ぶように売れて、生産が追いつかないくらい。そんな中、初めてメンズの服を作りました。アイビーファッション全盛期の当時、自分が着たいと思える紳士服はまったくありませんでしたから。——第7話に続くTAKEO KIKUCHI アーカイヴ集【毎日更新】第7話「ブルース・リーも着た『メンズビギ』」は3月4日に公開します。文：一井智香子 / 編集：小湊千恵美企画・制作：FASHIONSNAP

【連載ふくびと】第6話 菊池武夫——リアルクローズを追求　「ビギ」始動

三宅一生が働いていたジバンシィのショー　ヨーロッパを最初の旅先に選んだのは、世界に出るなら服の基礎を絶対に見なくてはいけないと思っていたからです。デンマークのコペンハーゲンを出た後は、フィンランド、イタリア、フランス、イギリスの主要都市を巡りました。　一番印象に残った場所はロンドン。ストリートのカルチャーとファッションが抜群に濃かったから。その頃のロンドンは「ビバ（BIBA）」が全盛を迎えていました。街を歩くと、若者たちがみな同じような格好をしていて、驚くほど流行っていましたね。　パリでは一生くん（デザイナー三宅一生）と連絡をとることができ、当時彼が働いていた「ジバンシィ（GIVENCHY）」のショーに招待してもらえることになりました。イタリアで買った一張羅のスーツを着て、初めてのサロンショーへ。一生くんはバックステージで忙しくしていたため会えませんでしたが、オートクチュールならではの雰囲気に圧倒されました。　ただ、ショーの最中に気になったことがありました。フロアを歩くモデルが僕のことを見て、バックステージに戻りケラケラと笑い合っているように見えたのです。「ロン毛の変な東洋人がいるぞ」と嘲笑していたんじゃないかと思います。どんなに美しいコレクションだったかは覚えていないのに、その恥ずかしかった記憶だけは鮮明に覚えているんですね。それまでの旅路で何度も偏見の視線を浴びましたが、あの時が一番ヘコんだかもしれません。ファッションに国籍はない　ニューヨークでは友人宅に居候させてもらい、20日間ほど滞在しました。物騒なことに放火が多発していて、毎日のようにサイレンが鳴りっぱなし。治安は最悪でしたが、それでも自分はファッションを見に来ているので、街を歩かなければ帰れません。　現地で見たかったのは、まず僕が好きだった「ブルックス ブラザーズ（Brooks Brothers）」。それから、有名なニューヨーク五番街の「ティファニー（Tiffany）」本店にも行きました。　ティファニーでは、日本でお留守番の妻にお土産を買いました。確かシルバーの何かだったと記憶していますが、その時に担当してくれた店員が、勢いよくショーケースを叩き出したので驚きました。客が商品を買ったという合図だったのか？ 結局その時はよくわかりませんでしたが、実際に現地で体験するからこそのカルチャーショックを色々な場面で受けました。　日本を出てから約2ヶ月。立ち寄ったそれぞれの国で流行りのスタイルを見て、そして必ず服を買い、家族にもたんまりとお土産を買い込んで、手持ちの資金を全て使い切り帰国の途につきました。世界をぐるりと周って思ったのは、トレンドというものは「どこも変わらないんだな」ということ。どの都市でも流行に敏感な若者たちが皆、ベルボトムのパンツを履いていたのが印象深かったのです。「ファッションに国籍はない」というスタンスは、この後のクリエイションで貫くことになります。　僕自身もロングヘアのヒッピースタイルになって帰ってきて、日本にはまだ入ってきていなかったベルボトムパンツを急いで作ることにしました。これが後の「ビギ（BIGI）」で、大ヒットを生むきっかけになったのです。インターネットのない時代ですから、実際に自分の目で見たもの、体験したことは、その後の大きな糧になりました。——第6話に続くTAKEO KIKUCHI アーカイヴ集【毎日更新】第6話「リアルクローズを追求　『ビギ』始動」は3月3日に公開します。文：一井智香子 / 編集：小湊千恵美企画・制作：FASHIONSNAP

【連載ふくびと】第5話 菊池武夫——世界一周　モードの都で浴びた洗礼

夫婦でアトリエ　がむしゃらに服作り　2人が食っていくためには、とにかくお金を稼がないといけない。麻布十番の自宅兼アトリエで、注文服の仕事を始めました。最初は知人やかつての仕事関係のツテを頼って顧客を増やし、人脈形成に奮闘。とにかく色々な仕事を請負っていくうちに、徐々に注文が増えてきて、その頃は1年間で2年分の仕事量をこなしていたような気がします。徹夜は当たり前。がむしゃらでしたが、今振り返ればトータルで7年間のアトリエ時代は楽しかったですね。　コマーシャル用の衣装、写真家や雑誌から依頼された服作りなども、どんどん引き受けました。当時のメーカーは、キャンペーン広告に合わせて衣装を作るのが主流。資生堂の新商品のキャンペーンのポスター（1968年「ナチュラルグロウ」）や、東レの新素材キャンペーンに合わせたショーの衣装など。縫い子さんを雇い、友人にも支えられながら、数多くの創作活動から得たものは大きかったと思います。伝説的ショップ「カプセル」に出店　20代の終わり頃、僕の作品を気に入ってくれた西武百貨店から興味深いオファーが届きました。渋谷店（現・西武渋谷店）に若手デザイナーの作品を集めた「カプセル」というコーナーを作るので、そこに出品して欲しいという依頼です。　カプセルは今で言うセレクトショップの前身で、売り場のデザインも斬新でした。若い才能に光を当て、その後のDCブランドブームの先駆けとなったのではないかと思います。アイビーファッション全盛だった日本のファッション界に一石を投じ、話題を呼びました。　出品メンバーには、新進気鋭のデザイナーで当時まだ著名になる前の山本寛斎くんも名を連ねていました。僕と寛斎くんは、モノづくりの考え方が正反対なのが面白い。僕はアトリエで注文服を作っていたのもあって、どちらかというとリアリティ。でも寛斎くんは創造性が飛び抜けていましたから。一緒にカプセル主催のショーに出た時には大反響だったのを覚えています。この経験を得て、リアルな服を作るという考え方はそのままに、自分たちの意思と発想で自由に作りたいという思いが沸々と湧いてくるのを感じました。世界のファッションを見てみたい　1969年、30歳になった僕は世界一周の一人旅に出ることに決めました。いつか世界のファッションを見てみたい。そんな話を銀座の洋品店の社長にしていたら、ありがたいことに旅費を支援してもらえることになりました。自分で蓄えた30万円くらいと、合わせて70万円弱を握りしめて、初めての海外に旅立ったのです。　ヨーロッパからアメリカにわたり、最終目的地のハワイまで。当時はまだ、個人の海外旅行は一般的ではない時代でした。今思い返すと、よく無事に行ってこれたなと思うばかりです。　最初に降り立ったのはデンマーク。着いた日の夜、早速ホテルを出て街並みを見ようと歩いていたら、若いカップルに声をかけられました。興味本位で2人についていくと、到着したのは薄暗い地下のような場所で、それはそれは怪しい雰囲気。そこが何の場所だったのか、正直わかりません。一瞬、背筋が凍ったものの、なんとか帰ってこれました。冷静に考えたら真冬の北欧で夜に一人でフラフラ出歩くなんて、危機感が無さすぎる。初日からそんな感じだったので、そのあとの道中で驚くことはあまりありませんでした。——第5話に続くTAKEO KIKUCHI アーカイヴ集【毎日更新】第5話「世界一周　モードの都で浴びた洗礼」は3月2日に公開します。文：一井智香子 / 編集：小湊千恵美企画・制作：FASHIONSNAP

【連載ふくびと】第4話 菊池武夫——伝説的ショップ「カプセル」に出品

　現在、東京都現代美術館で開催中の「坂本龍一 音を視る 時を聴く」（2025年3月30日まで）。NHK「日曜美術館」で取り上げられ、春休みが重なっていることもあり、美術館の想定を遥かに超える来場者数で大盛況となっている。　さまざまなアーティストとのコラボレーションによる視覚と聴覚のインスタレーションは、非常にユニークかつダイナミックな没入体験を得られるが、坂本龍一が生前に愛した香りをご存じだろうか？緒方慎一郎とのコラボレーションによる「YOKA SAKAMOTO」である。　緒方慎一郎を説明するのは非常に難しいが、端的にいえば「自然との共生により培われてきた日本の伝統文化を継承しつつ、時代に合わせて再解釈しながら、現代における暮らしの作法を創造し、提唱する人」。そのために彼は食、茶、菓子、工芸、建築などさまざまな分野において、空間や道具のデザインを通じて暮らしの作法を提案、その哲学は和食料理店「八雲茶寮」や和菓子店「HIGASHIYA」、由布院「山荘 無量塔」、紙の器「WASARA」、「イソップ（Aēsop）」、「アンダーズ東京」などに見ることができる。　2020年、構想から十数年をかけてフランス・マレ地区に「OGATA Paris」をオープンしたが、それは緒方の哲学の集大成でもある。そこで今まで手がけていなかった香りも加えることにし、2022年に香りの空間を完成させると同時に「YOKA」という香りのシリーズをスタートさせている。　YOKAとは「余香」、すなわちほのかな天然の香りを身にまとうというコンセプトで、お香に用いられる原材料を細かく砕いて調合したもの。ただしお香とは異なり温めたり燃やしたりする必要はなく、器にのせて室内に漂わせたり、リネンの香袋に入れて持ち歩くなど、常温で楽しむことができるように作られている。　ブランドを象徴する「OGATA」のほか「KOTO」、「TATAMI」、「TACHIBANA」、「IRORI」の5種類をラインナップ。さらにOGATA Parisだけの特別な体験として、五行説における木・火・土・金・水に基づく5つの香りをベースに好みの原材料をブレンドして作るオーダーメイドサービス「YOKA sur mesure」も展開。原材料を提供している京都の香老舗「松栄堂」の調香師が駐在し、調合にあたっている。残念ながら日本ではこのオーダーメイドサービスは展開されていないが、5種類のYOKAが2024年11月からついに日本発売開始。公式オンラインショップをはじめ、日本茶専門店「SABOE TOKYO」、和菓子店「HIGASHIYA GINZA」、和食料理店「八雲茶寮」などで販売されている。　さて、坂本龍一と緒方慎一郎は以前から交流があり、2021年にはコンプリートアートボックス「2020S」のアートディレクションを緒方が担当している。一方、坂本は以前から松栄堂のお香を愛用しており、コンプリートアートボックス「Ryuichi Sakamoto 2019」には自身が愛用していた松栄堂のお香をセットしたほど。ゆえに緒方慎一郎×坂本龍一×松栄堂によるYOKA SAKAMOTOは必然の帰結といえよう。　坂本と緒方が一緒に松栄堂まで出向いて作ったという香りは、坂本がレコーディング中はもちろん、最期まで傍らに携えていたという特別なブレンド。そして半年ほどかけて考案されたというパッケージには、坂本による手書きの譜面がエンボス加工され、ついに2024年12月に発売開始となった。ピアノを思わせる黒のパッケージは、白にエンボス加工を施した「OGATA」と対をなすデザインにもなっている。　YOKA SAKAMOTOはYOKAの6番目の香りとして通常販売されているが、東京都現代美術館の展覧会場内特設ショップでは、香壺とともに桐箱に収めた特別仕様のYOKA SAKAMOTOを限定販売中だ。展覧会では屋内外に広がるインスタレーションの数々に圧倒されるばかりだが、特設ショップにひっそりと置かれているYOKA SAKAMOTOにも注目してほしい。

【香水連載 vol.21】坂本龍一が愛したOGATAのKAORI

学生グループで初のファッションショー　文化学院を卒業する頃には、ファッションに興味が向いていました。原のぶ子アカデミーに進学を決めたのは、創立者の原先生がピエール・カルダンと同級生でサンディカ（編集部注：パリ・ファッション・ウィークの主催団体）とも繋がりがあったので、フランス系ミッションスクールの暁星出身だった身として親しみを感じた、ということも理由のひとつです。　原先生も不思議な人でしたね。入学して3ヶ月程しか経っていない頃、いきなり「自分たちだけでショーをやりなさい」と言うんです。「基本だけ学べばいい。実践としてショーのために服を作ることによって、自身の身になり表現になる」と。　そこで6人のグループを作り、春夏と秋冬のショー、まさに実際のファッションカレンダーと同じ年2回のシーズン分けで、コレクション制作が始まりました。最初のショーの場所は、赤坂プリンスホテル内のフロア。6人それぞれ2点ずつ作品を披露する形式です。その時たまたま英字新聞「ジャパンタイムズ」が取材に来ていて、僕が制作したルックを写真付きで掲載してくれました。同じチームだった稲葉郁恵のルックも紙面に。これは自信につながりましたね。 今も基礎となる立体裁断の服作り　スモールコレクションとはいえ、年に2回のショーに向けての制作は、かなりハードでした。素材の調達から全て学生のみで行うのです。繊維の会社を巡って生地を提供してもらい、同時にデザインを考える。ショーの準備も毎回大変でした。でも、それだけチャンスを与えてくれる学校だったということ。当時の日本の専門学校ではかなり珍しかったと思います。　教育方針も然りで、僕は一度も型紙の服作りを習ったことがありません。トワルを使った立体裁断で、型紙よりも自由度が高く、人の体に沿ってくれる。自分が作りたいものを自由に作ることができる学校に在籍したことも、この後の自分の服作りの大きな糧になりました。手探りの仕事　アトリエを転々と　社会に出てから9年ほど、オートクチュールのアトリエを転々としました。どこも長続きしなかったのは、いろいろありましたが一番は納得のいく服を作ることができなかったからだと思います。特に最初の1年は、アトリエを3軒はしごすることになりました。　卒業してすぐに就職したのは「ルリ・落合」。黒柳徹子さんの衣装を担当していた落合ルリさん（服飾デザイナー）のアトリエです。入っていきなり命ぜられたのが、女優の佐久間良子さんが出演する映画の衣装。まだ学生上がりの自分には荷が重すぎて、右も左もわからない。手探りの状態でしたが、とにかく作るしかない。それが精神的にキツかった。果たして責任を果たせたのかどうかわかりません。不安な気持ちだけが残り、辞めることになりました。　次に門戸を叩いたのは「マダムミキ」。大手の輸入素材を使ったクチュリエで、顧客の要望を聞き、デザインに起こして仕立てていく仕事でした。しかしこちらも自分に合うと思えず、半年も続きませんでした。　さてどうしようかと思っていた頃、原アカデミーの同級生が「ミモザ」を紹介してくれました。よく有名人が来店するお店で、大きな仕事を任され、経験を積むことができた。なのに結局、自分の中で納得いくものが作れたという実感はありませんでした。まだ若かったということもあるかもしれませんが、自信が湧かなかった。この転職経験を経て出した結論は「自分でアトリエを開く」ことでした。——第4話に続くTAKEO KIKUCHI アーカイヴ集【毎日更新】第4話「伝説的ショップ『カプセル』に出品」は3月1日に公開します。文：一井智香子 / 編集：小湊千恵美企画・制作：FASHIONSNAP

【連載ふくびと】第3話 菊池武夫——型紙の服作りを習ったことがない

人生の土台となった文化学院　中学、高校と、一般的な勉学には打ち込めず、拒否反応を示すほどひどいものでした。一方で、芸術への興味関心は強かった。普通の大学に進学していわゆるサラリーマンになることはないだろうと、漠然と考えていました。　暁星高校を卒業した後に、お茶の水にあった文化学院の美術科への進学を決めたのは、自由な校風に共感したからです。教育を強制しない放任主義で、本人の意思を尊重する。そういった独創的なスタンスに大きな魅力を感じました。与謝野晶子や石井柏亭らが創立に関わっていることも、決め手の一つになりましたね。　入学して良かったなと思えたのは、西村伊作・学院長の存在も大きい。圧倒的なオーラがあり、ユニークで風変わりな性格が魅力的な人でした。自由な校風は、創立者でもある西村学院長の存在があってこそ。大の運動嫌いで、僕らが校庭で野球をしていたら、めちゃくちゃ怒られたこともありましたが。過激な発言も多かったけれど、普通じゃないところがとても面白かった。「こんな大人がいるのか」と憧れましたね。　この文化学院での学びが、僕の人生の土台になっているのは間違いないでしょう。自分自身で、一から作品を作り上げること。いわゆる日本の詰め込み教育とは真逆の考えが、僕にはすごく合っていたのだと思います。生涯の仲間にも出会うことができました。後に写真家になった大西公平とは在学中よく遊んで、卒業後も何度も一緒に仕事をしているし、デザイナーの稲葉賀惠とは公私共にパートナーとして後に結婚しましたから。銀座のテーラーに通う18歳　僕がファッションの世界に入るきっかけになった出来事も、この時期にありました。婦人服専門店の「鈴屋」が、日本橋高島屋の2階に「ヤングマンマート」という若手がデザインした服を並べるコーナーを設けて話題になっていて、たまたま僕と大西にオファーが舞い込んできたのです。その時に描いたブルゾンやコートが、僕にとって最初にデザインした服。といっても服作りを学んだことは無かったので、今考えれば一種の暴挙でしたが、実際に販売されて全部売れたと記憶しています。達成感というか、嬉しかったですね。　10代の後半、僕はモダンジャズに傾倒し毎日のようにジャズ喫茶に通っていたので、色々な人と知り合えたのは趣味の部分が大きいんじゃないかと思います。新宿のジャズ喫茶「キーヨ」でよく見かけていた、写真家の立木義浩さんに「モデルをやってくれないか」と声をかけてもらったことも。雑誌「週刊平凡」のファッション特集に、撮られる側として参加したのは刺激的な体験でした。立木さんは当時から僕が尊敬する方の一人で、兄貴のような存在でもあります。　学生時代から、ファッションにも自分なりにこだわっていました。憧れを抱いていたのはやっぱりモダンジャズで、黒人アーティストの佇まいやスタイルが唯一のお手本。ただ、まだ既成服が充実していなかったので、着たい服があれば自分で作るか、仕立て屋に頼むしかない時代です。生意気にも18歳の頃からテーラーに通っていました。銀座の「ミロ」という店で、生地を選んで、自分の頭の中のイメージでデザインをオーダーするのです。「洒落た若者がいる」と業界内でちょっとした噂になったようで、私服で雑誌に出たこともありました。同年代からしたら、少し浮いていたでしょうね。　その頃のファッション雑誌は「装苑」が全盛期で、メンズだと「男子専科」くらい。でも僕にとっては、雑誌に載っている写真が生真面目に見えて気持ち悪く感じてしまって、参考にすることはありませんでした。トレンドを追うといった意識はまったくなく、リアルに着たいものこそがファッションだと思っていたのです。——第3話に続くTAKEO KIKUCHI アーカイヴ集【毎日更新】第3話「型紙の服作りを習ったことがない」は2月28日に公開します。文：一井智香子 / 編集：小湊千恵美企画・制作：FASHIONSNAP

【連載ふくびと】第2話 菊池武夫——生涯の友と将来の道を見つけた場所

第1話——第二次世界大戦が勃発する寸前の1939年5月25日、東京都千代田区の裕福な家庭に生まれた菊池武夫。12人兄弟姉妹の第6子として何一つ不自由のない生活を送っていた矢先、戦火が東京を襲い始め、さらに5歳の頃に生死を彷徨う大病を患った。死に直面した経験が、その後の人生観に大きな影響を及ぼすことになる。人一倍負けず嫌いな性格で、少し変わった一面も。兄の影響から、ジャズ音楽や絵画、写真といった、大人の趣味に傾倒していく。日本で2例目のペニシリンで救われた命　当時の自分を思い起こせば、周りよりも大人びた少年だったんじゃないかと思います。全部で12人の兄弟姉妹のうち姉と妹を生後すぐに亡くし、10人兄弟で僕は上から6番目の三男坊。大家族なので、絆というよりは面倒なことが多くありましたが、不思議と喧嘩はほとんどなかったように記憶しています。　父は政治の世界にはじまり色々な事業をしていて、見た目は少し怖かったけれど優しい人でした。服装が独特で、当時あまり流通していなかった輸入物をよく着ていたんです。仕事柄、多方面に知り合いがいたからかもしれません。ロシアの民族衣装の一つであるルバシカや、ある時は真っ白のブレザーを着ていたり。珍しいなと思って見ていましたね。　幼少期は第二次世界大戦の真っ最中でした。そんな中、5歳になる直前に、庭で遊んでいたら誤って木から落ちてしまった。脇腹を強く打ったことが原因か、胸腔に膿が溜まる大病にかかってしまったんです。一時は生死を彷徨う状態で、自宅で手術をすることになりました。おそらく父のツテだと思いますが、ペニシリンを使った治療はこの時の僕が日本で2例目だったそうです。それでも医者に「7歳まで生きられたら幸運」と言われていました。　家族は疎開せずに自宅で過ごし、東京大空襲の時には焼夷弾が庭に2発も落ちてきて、とても怖かったことを覚えています。東京中が火事になり、まわりが焼け野原のような状況の中、術後で寝たきりの僕を家族が庭の奥の山に作った防空壕に運んでくれました。　1945年の夏、ようやく体が回復してきた頃と同時期に終戦を迎え、それがとにかく嬉しかった。「何があろうと生きている実感に叶うものはない」と痛感する、強烈な体験でした。庭に隠れて小学校をサボる　性格は明るく、友達もたくさんいました。ニックネームは「青（あお）」。病気をしたせいで顔色が悪かったからかもしれません。好きだったのは写真や音楽。将来は写真家になりたいと思っていたくらいです。すぐ上の兄の影響で、ジャズ音楽にもハマっていきました。　絵を描くのも好きでした。鉛筆1本で、写真のように細かく描写するのが僕のスタイル。両親は体の弱かった僕に絵描きになることを勧めましたが、絵は好きだけど生業にしようとは思いませんでした。なぜならゴッホもモディリアーニも、画家は非業の最期を迎えるというイメージが強すぎて。死を覚悟するなんてとんでもないと、敏感に感じていたのでしょう。　小学校高学年の頃から、ちょっとした不登校になりました。通っていた暁星小学校の場所は、自宅の真裏。兄と正門まで一緒に通学し、隣接する中学校に兄が入っていくのを見計らって、一目散にUターンして自宅の庭の物置に隠れる。そして学校が終わる時間になったら、何事もなかったかのように外に出て家に帰るのです。　学校が嫌いなわけではなかったんですけどね。たくさんの友達がいつも家に遊びに来ていたから学校に行く必要を感じなかったのか、単なるワガママか。皆と同じことをやらされるのが、体が弱いことへの劣等感を感じて苦痛だったという理由もあると思います。何しろ負けず嫌いな性分でしたから。　自分の性格を改めて知ったのは、小学生の頃に九州にある父の田舎に帰った時。従兄弟たちとメンコ争奪戦をして大勝したんです。彼らのメンコを全部持って帰っちゃったら、かなり恨まれましたね。つい2年前、その従兄弟から届いた手紙にも、まだその時のことが書かれていましたから（笑）。集中するとのめり込むところや、欲張りな性格は、この頃から変わっていないのかもしれません。——第2話につづくTAKEO KIKUCHI アーカイヴ集【毎日更新】第2話「生涯の友と将来の道を見つけた場所」は2月27日に公開します。文：一井智香子 / 編集：小湊千恵美企画・制作：FASHIONSNAP

【連載ふくびと】第1話 菊池武夫——大病と戦争 「生きる喜び」を知る

　第18回で紹介した「HOTEL THE MITSUI KYOTO」のシグニチャーアロマも、第19回の「FAS」の香りも、デザインしたのは、TOMOKO SAITO AROMATIQUE STUDIO代表を務める齋藤智子氏。今、日本のアロマ調香デザイナーの第一人者と言っていいだろう。さまざまな企業から施設や製品、プロジェクトの香りの開発依頼がひっきりなしに届いている。　そもそもなぜ齋藤氏はアロマ調香デザインを始めたのか？実は意外にも、彼女がこの仕事を始めるまで「アロマデザイナー」という職はなく、「アロマ調香デザイン」という言葉は齋藤氏の登録商標である。　「京都生まれということもあって、幼い頃からお香は好きでした。会社員を一度経験していますが、アロマセラピーの道へ進んで20年になりますね。最初はトリートメントやオーガニックなどいろいろ学びましたが、最終的に『ブレンド』することに楽しさを見出したんです。ご存じのとおり、アロマの世界にはマッサージとかハーブとか資格がたくさんあって、『趣味でしょ？』と言われることがほとんど。それでも香りをちゃんと仕事にしたいと考えた時に、『香りを作ることが得意』『ブレンドが得意』と言っている人がいない、ということに気づいたんです。施術をする“ゴッドハンド”はいっぱいいるけれど、数種類ではなくさまざまな天然精油を使って、いろんなシーンにフィットする香りを作るということをやっている人、つまり調香をしている人が周りに見当たらなかったのです。　最初はスクール業からスタートし、天然精油が持つ効果効能を用いて、その方の目的に合わせて心や体に寄り添うように香りをデザインする、という考え方は今までになかった分野ゆえ、それを教えてほしいという人も現れたことで、2013年に社団法人を設立。そしてまもなく、究極のビスポークアロマ ESSENTIAをスタートした。その後2019年に『アロマ調香デザインの教科書』を上梓。　「よく『リラックスする香りを作って』と言われますが、それは人によって異なります。それまでの経験とか記憶とかいろいろな要素が関係してくるので、『ラベンダーは鎮静作用が高い』『オレンジは元気が出る』といった教科書的な作り方では、決してその人のベストにはならない。理由のない香りを作るのは気持ち悪いので、いろいろと試行錯誤の末、作り上げたメソッドがESSENTIA。その人が『なんかいいね』と感じる香りがベストだけど、『なんかいいね』には理由がある。そこまできちんとお伝えできるような香り作りということで辿り着きました」　ESSENTIAの所要時間は約90分。まずはライフスタイルから心身の状態まで多岐にわたる質問に答えるパーソナリティチェックからスタート。A4用紙両面3枚にぎっしりと書かれた質問に5段階評価で答えたのち、精油のブラインドチェックをこれでもかというほど試すことになる。　「アロマ心理学をもとに『こういう香りが好きな人はこういう傾向がある』という、約2000症例のアンケートから作られたデータがあるのですが、精油の種類が限られていたので、そこから私なりに調香を実践していく中で肉付けしていったのが、最初に行うコンサルテーション。考え方や気持ちを知る『心理チェック』と、体質や普段の生活パターンから元々持っている傾向やウィークポイントを知る『陰陽五行の体質チェック』を5段階評価で答えていただきます。さらにそこから導き出した精油のグループごとにブラインドテストを実施。考え方や好みの傾向を探るのに12グループ、好みの系統を探るのに7グループ、グループごとに試していただく精油はそれぞれ3種から10種。コンサルテーションも含めて時間をかけて丁寧に絞り込んでいくことで、今その人が欲している香りを目がけてデザインする、それがESSENTIAのメソッドです。同じ人でもその時の気持ちや体調、ホルモンバランスによって好みが全く変わってくるので、それを丁寧に紐解きながら、オンリーワンの香りを作っていくのです」　その後のコンサルテーションを経てセッションは終了。あとは齋藤氏が香りを選定し、その場で調香する完成品を待つばかりだ。目の前での調香は迷いがなく、ほどなくして5mLのブレンドオイル（原液）と30mLのルームフレグランス、選定した香りのレシピカードがパッケージに入れて渡される。ちなみに私が作ってもらったのは「自分をニュートラルにリセットする透明感のある香り」。熊野のヒノキや高知のユズ、直七、京都のクロモジなど約15種を使ったブレンドオイル。原液のエッセンスは、同梱される四角形の折り紙ムエットに染み込ませてディフューザーにしたり、ハチミツなどに垂らしてバスオイル代わりに使うことができる。　さらに新作ニュースが到着。ブランド初、肌にまとうことのできるロールオンタイプ「香油 - KŌYU -」が登場する。香りのラインナップは「NEW MOON」「CRESCENT MOON」「FULL MOON」の全3種で、2月19日からスタートする伊勢丹新宿店本館1階のポップアップストアで先行発売となる。ポップアップストアではTOMOKO SAITO AROMATIQUE STUDIOの香りづくりの軸であり、これまでは非売品だった「5 Signature Scents」（KUMANO-HINOKI / HOKKAIDO-TODOMATSU / KITAYAMA-SUGI / KAGOSHIMA-HOSHO / TOSA-YUZUの精油各5mLをセット、1万8700円）なども登場。ポップアップストアは25日までなので、お見逃しなく。

【香水連載 vol.20】日本のアロマ調香デザイナーが立ち上げた、木々が香るビスポークアロマを体験

　服のスタイリングというのは難しいものだと感じる。インパクトのあるデザインが効いたアイテムをメインにした“一点主義”で勝負をすると、どうしてもその一点にアテンションのほとんどを持っていかれ、「服に着られている感」や「着る側のキャラ負け」みたいなものを引き起こす原因になる。　そんな場合に使えるのが小物だ。小物を差し込むことで見る側の意識や視線を程よく散らすことができるし、主役級の服のアイコン性に負けないように着用者のキャラクター自体を補強することもできる。特にスタイリング上の布面積が増える冬場においては、こういったテクニックはスタイリングの完成度を底上げする為の有効打の一つになりやすい。ファッションでは「こなれ感」や「抜け感」など、曖昧な共通認識によって存在が許されている用語が色々あるが、その代表格の一つである「格上げ」という用語を言語化するとこういうことになるのではないだろうか。知らんけど。　さて、偉そうな導入になったが、僕がこのテクニックを使いこなせているのかというと、間違ってもそんなことは全くなく、そもそもまだ小物を買い集めているような状態な訳だが、中でも取り入れやすく、また案外いいキャラ付けの役割をしてくれる小物が「手袋」である。　スマホが普及したり、そもそも繊細な動きが求められる部位ということもあって昨今は寒くても素手でいる人がほとんどのように思うが、個人的には分厚いコートの先端から寒そうな素肌がのぞいていると、チグハグした「ズレ」の印象を受ける。これは冬場に生の足首が出ていることに対する違和感に近いものだと思うので、それでいけば少しファッションを気にしている人であれば当たり前にケアをしそうな部分ではあるが、案外ここの「ズレ」を解消するという発想になりにくいことに最近気付いたのだ。裏を返せば、手袋というアイテムを取り入れることによって、スタイリングを「格上げ」するのみならず、現代においてはちょっとした差別化にもなる。そういう意味で手袋はオシャレが好きなみんなに今冬改めて勧めたいアイテムなので、今回は手袋のカテゴリーから「メゾン マルタン マルジェラ（Maison Martin Margiela）」2014年秋冬コレクションのトロンプルイユグローブを紹介したい。＊　＊　＊　マルジェラは当コラムや以前のコラム連載「あがりの服と、あがる服」でも散々紹介しているし、別に当コラムでなくても熱く語られているものは世の中に沢山ある。が、そのほとんどがマルタン本人が在籍していた時期か、ジョン・ガリアーノがディレクターに就任しブランドイメージを刷新してからについてのものであり、2008年にマルタンがデザイナーを退任し、2014年にガリアーノが着任するまでの期間、つまりマルジェラに残った当時のデザインチームがデザインを担当していたと言われる“デザインチーム期”のアイテムに焦点を当てたものは少ない。今回紹介する手袋はガリアーノが着任する直前、ディレクター不在のデザインチームが手掛けたメゾン マルタン マルジェラとして最後のシーズンのものである。　マルジェラから出ているアーカイヴで高い評価をされているもののほとんどがマルタン本人によるもので、本人が直接手掛けているということ自体が希少性の高さに直結するのも納得だ。ただ一方で、マルタンがメゾンを去った後の作品にマルタンの遺伝子を感じないかと言えば、そんなことは全くない。ONLY THE BRAVEグループ（OTBグループ）社の資本が流入した2002年以降、特にアーティザナルに関してはこれまでのチープでありふれた素材をメインに、アイデアを凝らし新規性を追求したモノづくりから、潤沢な資金をもとに素材クオリティを向上させる方向に転換した。販売価格も100万円を超えるアイテムの展開などもあったが、個人的にはマルタン不在のデザインチームが何とかメゾンを守ろうと趣向を凝らした2008年以降のシーズンの方が、むしろマルタンのDNAを感じることがある。　マルタンは在籍当時もメゾンを去った後も、メゾン マルタン マルジェラを自ら語る際の一人称は頑なに“We（私たち）”という一人称複数の形をとった。インタビューの節々やドキュメンタリー映像からもわかる通り、マルタンは「当時のマルジェラにおけるクリエイションはチームによるものである」と繰り返し主張している。これはマルジェラというブランドを特徴づける「匿名性」の演出の一つでもあったかもしれないが、マルタンの周辺人物がマルタンの事を語る様子を見ても、マルタン本人はその優れた才能と情熱で周囲の人間を魅了していたことが伝わってくるし、マルタンが抜けた後もメゾンが成立するように、チームであることにこだわったのではないかと思う。そういう意味で、デザインチーム期は唯一無二の存在であるマルタンのクリエイティビティを後継することのできる一つの可能性があった形として、もっと注目を集めていいのではないかと感じたりもする。　この手袋もシーズン自体はデザインチーム期が手掛けた最後のコレクションではあるものの、手法自体は至極シンプルでありながらもシュールで目を引くデザインが魅力である。粗野で温かみのあるウールはそれ単体では軍手と言っていいほどに質素なベースだが、そこにレザーの手形が手をつなぐようにパッチされている。これはマルジェラのアーカイヴ作品でもとりわけ好んで取り入れられていたトロンプルイユ（だまし絵）的な発想だと思うが、マルジェラらしいややキッチュなデザインアプローチと、かわいらしいユーモアのバランスがとてもいい。　そして前段の通り、手袋というアイテムはスタイリングにおいて非常に有用である。しかも今回紹介したマルジェラの手袋のいいところはレザーとウールの2トーンなところで、レザーアイテムにもウール系のアイテムにも調和することができる。別にグローブは手にはめなくたっていい。ポケットに突っ込んでもいいし、グローブチェーンに括り付けて腰から垂らしてあくまでアクセサリー扱いしてしまうのもアリだと思う。首元や帽子、靴下などの配色や小物使いに気を遣う人は多いけれど、段々とその引き出しにも物足りなくなってきたというそこのファッショニスタ、是非今年の冬は手袋を取り入れてみてはいかがだろうか。＊　＊　＊　2021年9月に始まった当コラムだが、早いもので今回で既に3年が経過し、32本目の記事になった。王道の陰に隠れた名品にスポットライトを、というコンセプトを貫いた本コラムであるが、よくもまあ手持ちの服でこんなに王道を外したものが紹介できたなとも思う。素直に王道とされるものに食指を動かすことのできない天邪鬼なだけかもしれない。とある事情で本連載は今回を以って一区切りとなるが、そろそろネタもつきそうでヒヤヒヤしていたところだったので内容的に苦しい記事を出さずに済んだことに胸をなでおろしつつ結びとしたい。読者の皆さんも「自分だけがその魅力に気づいている、自分一人にだけ響くようなオンリーワンのB面的名作」にたくさん出会える機会に恵まれますように。

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